Autor: Administrador

La Casa del Cine. Escuela de verano: Tendencias del cine contemporáneo

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La reformulación de los géneros, el cuestionamiento de las autorías o la influencia de las nuevas tecnologías, por poner algunos ejemplos, son cuestiones que atraviesan, determinan y condicionan la producción cinematográfica actual. Es necesario, por tanto, tenerlas en cuenta a la hora de abordar cualquier texto fílmico. En este sentido, el curso de verano sobre Tendencias del cine contemporáneo, organizado conjuntamente por LCDC y la Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC), tiene por objetivo dotar al alumnado de las herramientas para identificar las posibles mutaciones del cine y desarrollar un discurso crítico propio.

Este curso tiene un carácter teórico-práctico que se organiza a través de un itinerario doble. Por un lado, habrá una serie de sesiones dedicadas a distintos cineastas cuya obra se situará dentro de una tendencia concreta del cine contemporáneo, en las que también veremos cómo se ha acercado la crítica a cada autor. Luego, a lo largo de varias sesiones en forma de taller, el alumnado podrá desarrollar su propia capacidad crítica mediante la escritura.

Semana 1: Zack Snyder, Dennis Villeneuve, Todd Haynes. Taller práctico 1 y 2. Cada día una proyección.
Semana 2: Julia Ducornau, David Lynch, Joanna Hogg. Taller práctico 3 y 4. Cada día una proyección.
Semana 3: Tsai Ming-Liang, Neus Ballús, Ramon Lluis Bande-Carolina Astudillo. Taller práctico 5 y 6. Cada día una proyección.
Semana 4: Guy Maddin, Adam Curtis, Stephen Broomer. Taller práctico 7 y 8. Cada día una proyección.

Docentes

Fco. Javier Millán, Antonio José Navarro, Ramón Alfonso, Daniel Pérez Pamies, Jesús González Notario, Eulàlia Iglesias, Marla Jacarilla, Ignasi Franch, Mariana Freijomil, Mireia Iniesta, Guillermo Triguero, Paula A. Ruiz, Vanessa Agudo, Esteve Plantada.

  • Fechas: del 1 al 26 de julio 2024

  • Horario: 9h a 14h

  • Precio: 700€

  • Con la insripción un código de filmin gratis (mensual)

Programa

https://lacasadelcine.es/wp-content/uploads/2023/04/Escuela-de-verano-2024.pdf

El asesino que hay en mí, primer tráiler para «Trap» de M. Night Shyamalan

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Acaba de ser presentado en sociedad vía Warner Bros. un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del nuevo trabajo tras las cámaras de M. Night Shyamalan titulado Trap. La película se estrenará en los cines de Estados Unidos y España el próximo 9 de agosto.

En Trap vemos como un padre junto a su hija adolescente asisten a un concierto de música pop que se celebra en un gran recinto deportivo. Una vez allí se dan cuenta de que están en el centro de un oscuro y siniestro suceso que resulta no ser otro que arrinconar a un peligroso asesino en serie. Sin embargo, el giro de la historia desvela que es el propio padre de la joven el asesino en serie que está siendo buscado, por lo que ahora este deberá encontrar la manera de salir airoso del recinto esquivando el estricto control policial.

La película, con guion a cargo del propio M. Night Shyamalan, está protagonizada por Josh Hartnett, Saleka, Hayley Mills, Marnie McPhail, Vanessa Smythe, Joseph Daly, Kristi Woods, Cali Erlichman, Valentina Theresa, Karina Grzella, Kristopher Grzella, Nicholas DeCoulos y Daniel Ryan-Astley.

Tráiler para «Twilight of the Warriors: Walled In», lo nuevo de Soi Cheang

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Con menos de un mes para el inicio del Festival de Cannes, empieza a ver la luz algunos adelantos de las películas que estarán presentes este año en la Croisette. Dentro de la sección Midnight Screenings se podrá ver la cinta de artes marciales Twilight of the Warriors: Walled In, película cuyo primer tráiler acaba de ser presentado y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, dirigida por Soi Cheang, Dog Bite Dog (2016), Accident (2019), Limbo (2021), adaptación del comic City of Darkness de Andy Seto, se estrenará en Hong Kong y China el próximo 1 de mayo.

Twilight of the Warriors: Walled In sigue a Chan Lok-kwun, un joven que deambula y cruza las fronteras de la ciudad amurallada de Kowloon, un enclave chino situado en los territorios británicos de Hong Kong. Allí descubrirá el orden en medio del caos, aprendiendo importantes lecciones de vida. En dicho lugar se hará amigo íntimo de Shin, ambos, bajo el liderazgo de Tornado, intentaran frenar la invasión del malvado Mr. Big a través de una serie de feroces batallas. Juntos, prometen proteger la ciudad amurallada de Kowloon.

La película, con guion a cargo de Au Kin-Yee, Chan Tai-Lee, Li Jun y Kwan-Sin Shum, está protagonizada por Sammo Hung, Louis Koo, Philip Ng, Richie Ren, Raymond Lam, Fish Liew, Pak Hon Chu, Kenny Wong, Cecilia Choi, Tony Wu, Chun-Him Lau y Man Kit Cheung.

Line-up del Fantastic7 2024

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Fantastic 7, el evento que celebra las grandes películas fantásticas por venir de todo el mundo, regresará este año al Marché du Film – Festival de Cannes, presentando una nueva selección de títulos. En esta ocasión celebrará su sexta edición, organizada por Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya y el Marché du Film.

Cada año, siete festivales de cine de renombre, reconocidos por su compromiso a la hora de apoyar películas de género innovadoras y fomentar talentos cinematográficos, respaldan cada uno un proyecto cinematográfico fantástico que se exhibirá en Cannes en el Marché du Film. Estos prometedores trabajos en progreso (en varias etapas de postproducción) son presentados por los equipos de realización durante una sesión de presentación en vivo, diseñada para reforzar sus proyectos cinematográficos y conectarlos con posibles inversores, agentes de ventas y distribuidores.

Continuando con su tradición, Fantastic 7 elige anualmente a una figura notable de la industria para que actúe como el Padrino/Madrina Fantástico del evento. Este año, el honor recaerá en el guionista, productor y director tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo, una figura fundamental a la hora de entender la última ola de cine español de género que ha cautivado al público mundial durante las últimas décadas. El impresionante currículum de Fresnadillo incluye películas como ‘Esposados’, ‘Intacto’, ‘28 semanas después’, ‘Intruders’ y, más recientemente, el nuevo éxito global de Netflix, ‘Damsel’.

Fresnadillo se unirá a una audiencia diversa de profesionales de la industria y entusiastas del cine de género en la muestra Fantastic 7, que tendrá lugar el domingo 19 de mayo a las 12:00 horas (Palais K, Palais des Festivals).

La selección de películas presentada abarca una multitud de géneros, desde el romance hasta la ciencia ficción, el terror y la aventura, entre otros, al tiempo que aborda temas desafiantes como lidiar con el duelo, el poder de la imaginación, enfrentar el estigma de las enfermedades y navegar entre malentendidos culturales… todo esto aderezado con toques de realismo mágico, intenso drama psicológico, humor irónico y evocador folklore histórico.

 

LA SELECCIÓN DE 2024

 

DANIELA FOREVER | de Nacho Vigalondo

Género: Romántico / Fantasía

Nicolas está pasando por el momento más difícil de su vida, pues su novia murió recientemente en un inesperado accidente de tráfico. Hasta que se le ofrece la oportunidad de probar un medicamento, una pastilla que le permitirá tener un control total sobre sus sueños. Ahora podrá soñar con una relación en la que sean más felices que nunca.

Presentada por Sitges – Fantastic Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya

 

ESPER’S LIGHT | de Jae-hoon Jung

Género: Documental fantástico sobre la adolescencia / Ciencia-ficción / Terror / Aventuras 

Una decena de adolescentes viven en un mundo donde cualquiera puede ser quien quiera y crear la historia que desee. En medio de la noche oscura de la ciudad de Lisan, el bosque de Alstroemeria y la isla Ashua, sus historias imaginadas fluyen a través de innumerables opciones, buscando débiles destellos de luz.

Presentada por Bucheon International Fantastic Film Festival

 

A TALE OF A FEATHER & A FISH | de Ahmed El-Hawarey

Género: Misterio / Drama / Realismo mágico / Discapacidades

Mahmoud y Laila heredan una rara enfermedad genética que causa una parálisis severa, lo que ha dejado a su familia en un círculo interminable de dudas y miedo, buscando desesperadamente la salvación, que encuentran en abundancia a través de los protagonistas.

Presentada por El Cairo International Film Festival

 

MALEFICARUM | de Antonio Gäehd

Género: Terror / Drama

En las profundidades del desierto, Delia, una adolescente vengativa, convoca a un antiguo rey que le otorga una corona de siete llamas, cargada de siete maldiciones, para usar contra las chicas que la han acosado a ella y a su amiga durante años.

Presentada por Guadalajara International Film Festival

 

MOMMY’S HOME | de James Morosini

Género: Terror / Comedia / Ciencia-ficción / Thriller erótico

Una comedia de terror sobre un padre joven cuya vida da un vuelco cuando su joven madre, resucitada como una atractiva joven de 24 años, desata el caos en su familia, su matrimonio y su cordura.

Presentada por SXSW South by Southwest Film & TV Festival

 

DOG OF GOD | de Raitis & Lauris Ābele

Género: Folk Horror

En un pueblo sueco de Livonia del siglo XVII, prevalecen la lluvia y la embriaguez constantes. Cuando una reliquia robada genera acusaciones de brujería, un autoproclamado hombre lobo de 80 años llamado Perro de Dios llega con un regalo misterioso: Las Bolas del Diablo.

Presentada por PÖFF – Tallinn Black Nights Film Festival

 

FOREIGN BODY | de Tom Sainsbury

Género: Terror psicológico

Un estudiante europeo en su año sabático se muda con una familia de Nueva Zelanda para experimentar su «cultura», pero rápidamente descubre la verdad psicológicamente dañada y peligrosa detrás de sus educadas sonrisas y su cálida hospitalidad.

Presentada por New Zealand International Film Festival 

 

David Perlov. La imagen bisagra como pensamiento cinematográfico intersticial

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Tras una nutrida discusión conceptual, estética e histórica sobre las principales expresiones del cine de no ficción autorrepresentacional —documentales autobiográficos, film-ensayos, diarios de vida, de viaje, cartas, autorretratos, entre otras formas híbridas— el libro analiza y reflexiona en torno a los recursos narrativos, visuales y sonoros que articulan la totalidad de los diarios cinematográficos del cineasta, fotógrafo y artista visual brasileño-isarelí, David Perlov. El conjunto de estos ensayos conforma un filme-fleuve de cerca de diez horas que canaliza la experiencia cotidiana del autor a lo largo de cincuenta años de su vida, en un monumental pasaje que conecta su intimidad afectiva y familiar, la problematización de su desarraigo y los principales conflictos bélicos en los que Israel participó durante la segunda mitad del siglo XX. Para modular sus fracturas y nomadías identitarias, Perlov convoca una diversidad de estrategias ensayísticas que operan a nivel discursivo, estético y político, y que atraviesan no solo el cine sino también otras manifestaciones artísticas, entre ellas la fotografía, la pintura, la literatura y la música. El libro aspira a interrogar las potencias visuales y sonoras desde una aproximación interrelacional capaz de examinar aquellas prácticas que formulan una estética liminal característica de estos diarios. A partir de tal enfoque se delimitará el concepto de imagen bisagra; un dispositivo de exploración de naturaleza estética y reflexiva que, a través de la combinatoria de un conjunto heterogéneo de elementos y categorías, dispone un sistema de ideas para movilizar un pensamiento ensayístico intersticial alrededor de la realidad y del propio cine. La poética del umbral de la imagen bisagra no solo se traduce en la persistente presencia de ventanas, puertas, pasillos y otros motivos visuales que metaforizan los flujos entre los distintos universos de representación entrelazados en los diarios, sino también en aquellas relaciones y tensiones entre vida y arte; yo y los otros; pasado y presente; doméstico y político; interior y exterior; microhistoria y macrohistoria; destierros y retornos; pertenencia y desarraigo; imagen fija e imagen en movimiento; tecnologías analógicas y electromagnéticas; sonido y sentido; oralidades y micro-oralidades; cuerpo, voz y palabra, por mencionar solo algunos de los múltiples intervalos que ofrece esta obra de excepcional riqueza y complejidad poética y política.

El autor

Paola Lagos Labbé, Master en Teoría y Práctica del Documental Creativo y Doctora en Comunicación Audiovisual por la Universitat Autònoma de Barcelona. Su tesis doctoral fue reconocida con una mención especial en la XXXIII versión de los Premis CAC del Consell de l’Audiovisual de Catalunya. Realizó una estancia postdoctoral de dos años en el Colectivo de Investigación Estética de los Medios Audiovisuales (CINEMA) de la Universitat Pompeu Fabra, gracias a una Ayuda Margarita Salas del Estado español. En dicha estancia investigó sobre la dimensión sonora y oral en el documental de ensayo y al dispositivo de la voz como inscripción del cuerpo en la imagen. Ha sido académica de la Universidad de Chile y de la Universidad Austral de Chile y ha participado como docente invitada en diversos programas de postgrado de universidades tales como la Autònoma de Barcelona y la Pompeu Fabra, entre otras. Ha publicado artículos y capítulos de libros en torno al cine de no-ficción contemporáneo, cine ensayo, documental autobiográfico, cine doméstico y amateur, aspectos políticos del documental chileno y latinoamericano, entre otros. Organizó y comisarió el ciclo “Los diarios de David Perlov: Poéticas y Políticas del Cotidiano”, la primera retrospectiva mundial que reunió la totalidad de los diarios cinematográficos del cineasta, fotógrafo y artista visual brasileño-israelí, proyectada en el Zumzeig Cinema (Barcelona) en 2022.

Autor: Paola Lagos Labbé, Editorial: Shangrila, Colección Trayectos libros, Páginas: 624

La quimérica adaptación, tráiler y póster para «George Romero´s Resident Evil»

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Tras varios años de una lenta gestación parece que en este 2024 por fin verá la luz George Romero´s Resident Evil, documental cuyo tráiler final acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
George Romero´s Resident Evil examina el proceso de producción de la que iba a ser la película de George A. Romero basada en la popular saga de videojuegos de Capcom Resident Evil, film finalmente dirigido por Paul W.S.Anderson y protagonizado por Milla Jovovich, convertido con el paso de los años en una rentable franquicia.
El documental, dirigido por los debutantes, Jason Winn Bareford y Brandon Salisbury, se pregunta qué habría pasado si la película que el creador de Night of the Living Dead tenía en mente, se hubiese hecho realidad, a través de testimonios de personas involucradas en la adaptación que intentan arrojar algo de luz sobre los verdaderos motivos que rodearon la cancelación del proyecto. Jason Winn Bareford, quien tuvo la oportunidad de estar presente en las conversaciones junto a Romero cuando Constantin Film decidió no seguir con su dirección, busca ofrecer una perspectiva interna, al mismo tiempo que esclarecer las circunstancias que llevaron a que esta adaptación de Resident Evil quedará sin ver la luz.

Proyecciones Xcèntric: Falling Lessons, de Amy Halpern

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La cineasta, fotógrafa, bailarina, archivista y profesora neoyorquina radicada en Los Ángeles, Amy Halpern, quedó injusta e inexplicablemente marginada del canon de la escena vanguardista. En 2020, el programa que le dedicamos en Xcèntric, con la presencia de la autora, contribuyó a otorgar a su obra el reconocimiento que merecía. Halpern nos dejó en 2022, pocos meses después de su segunda visita a nuestro país para asistir al (S8) Mostra de Cinema Periférico de A Coruña. Le rendimos ahora homenaje con la proyección de su único largometraje, la enigmática Falling Lessons.

Hasta 200 rostros transitan por la pantalla junto a otros retratos de animales, lugares y gestos. Aunque el título anuncia caídas, los fugaces rostros aparecen y desaparecen como centellas en panorámicas o travellings irónicamente ascendentes. La película juega con una poética formal y sintética, un protagonismo colectivo y abstracto, un montaje rítmico y el uso ingenioso de la lente volteada. Situada en la mitad de sus cinco décadas de profesión, Falling Lessons (1991) reúne los elementos esenciales del personal estilo de Halpern: una economía de los recursos y una libertad expresiva del lenguaje cinematográfico. Aquí indaga en el misterio del retrato personal y espacial, en el potencial hipnótico de la mirada, como en The Glance (1972) y The Unowned Luxuries #3 (2020). Su banda sonora reverbera sobre la disposición fugaz de la imagen, en rima con los objetos o sujetos filmados. Estos «arrebatos» o «rapsodias» lumínicos, en palabras de la autora, resuenan con sus obras silentes Peach Landscape (1973) o Filament (The Hands) (1975). El mínimo elemento cobra luz fruto del dominio de la mecánica del cine.

Falling Lessons, Amy Halpern, 1992, 16 mm, 64’.

Proyección en 16 mm.

Copia procedente de Light Cone.

Fecha: 19 mayo 2024

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Un tiburón en el Sena, tráiler para «Sous la Seine» de Xavier Gens

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Recordado especialmente por el aficionado al género fantástico por la cinta de terror Frontière[s] (2007), el francés Xavier Gens se adentra en la temática de tiburones asesinos con Sous la Seine, film cuyo primer avance en forma de tráiler acaba de ser presentado y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que se conocerá en nuestro país con el título de En las Profundidades del Sena, se estrenará vía  Netflix el próximo 5 de junio de 2024.
Sous la Seine nos sitúa en el verano de 2024, París acoge por primera vez el Campeonato Mundial de Triatlón en el Sena. Sophia, una brillante científica, se entera por Mika, un joven activista ambiental, que un gran tiburón nada en las profundidades del río. Para evitar un baño de sangre en el corazón de la ciudad, no tienen más remedio que unir fuerzas con Adil, el comandante de policía encargado de la supervisión de la zona del río Sena.
La película, con guion a cargo del propio Xavier Gens junto a Yael Langmann, Yannick Dahan y Maud Heywang, está protagonizada por Bérénice Bejo, Nassim Lyes, Anaïs Parello, Iñaki Lartigue, Léa Léviant y José Antonio Pedrosa Moreno.

«Beyond Utopia»: Cómo huir del infierno de Corea del Norte

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Filmin estrena en exclusiva en España, «Beyond Utopia», uno de los grandes documentales de la temporada desde su presentación, acompañada de un Premio del Público, en el Festival de Sundance. «Beyond Utopia», que fue además nominada en los Bafta, fue uno de los 15 largometrajes documentales incluidos este año en la Short List de los Óscar, quedándose a las puertas de la nominación.

Dirigido por la cineasta y montadora Madeleine Gavin («City of Joy»), la película sigue tres historias humanas relacionadas con la deserción en Corea del Norte, el anhelo de huir de uno de los estados más opresivos del planeta que comparten miles de norcoreanos y que lleva a algunos a arriesgar sus vidas para tratar de cruzar la frontera. Así, conocemos a Soyeon Lee, una madre desesperada por reunirse con el hijo que tuvo que abandonar años atrás; a la familia Ro, cuyos cinco miembros (entre ellos dos niños y una anciana) se embarcan en un traicionero viaje por las hostiles montañas que rodean la frontera; y al Pastor Kim, un hombre de Dios cuya misión es velar por estas almas desesperadas.

El punto de partida del documental fue el libro «La chica de los siete nombres«, escrito por la activista Hyenseo Lee y editado en España por Península. Cuando los productores contactaron con Madeleine Gavin para proponerle que se hiciese cargo de la adaptación, la directora no lo vio claro: «Les dije que no creía que fuese la persona adecuada, pues no tengo ningún vínculo con Corea del Norte y estaba segura de que no quería dirigir un biopic», recuerda la directora, que a continuación se sumergió en una larga y profunda investigación para descubrir qué había realmentre detrás de las imágenes que Corea del Norte distribuye al resto del mundo, normalmente para exhibir su fuerza militar o el estrecho apego de sus ciudadanos a su líder Kim Jong-un. «En estas imágenes no vemos a las personas ni conocemos sus sueños, miedos, pasiones y anhelos, todo aquello que nos hace humanos«, lamenta Gavin.

Cuando la directora conoció a la abuela de la familia Ro, se dio cuenta del adoctrinamiento al que se ha sometido durante décadas a la población norcoreana para inocular el odio hacia los americanos. «Era palpable cómo se debatía entre la confianza que estaba depositando en nosotros y las cosas que le habían contado durante 80 años. Su afecto crecía, pero por otro lado seguía cuestionando si teníamos la intención de asesinarla. Ver a alguien de su edad, una persona que ama profundamente a su país, abandonar todo aquello que ha conocido, fue algo poderoso y emocionante«, recuerda.

En un documental que mezcla imágenes de archivo, animaciones, vídeos de cámara oculta y entrevistas, sorprenden esas imágenes tomadas clandestinamente en el interior de Corea del Norte. «Encontré un montón de vídeos en Internet de un hombre llamado Jiro en Japón. Había infiltrado cámaras en Corea del Norte desde los tiempos de la hambruna, en los años 90. También la red de colaboradores del Pastor Kim había infiltrado cámaras en el país. Es un material grabado por norcoreanos tremendamente valientes que pusieron en riesgo sus vidas para mostrarle al mundo la realidad de su país«, concluye Gavin.

Revisitar el mal, primer tráiler para «Speak No Evil» de James Watkins

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Acaba de ver la luz de la mano de Universal Pictures un primer tráiler oficial, que podéis ver  a final de página junto a un cartel promocional, de Speak No Evil, remake norteamericano de la cinta danesa Gæsterne dirigida en 2022 por Christian Tafdrup, película que le daba la vuelta al concepto del extraño o desconocidos que se introducen en un núcleo familiar con intenciones poco halagüeñas. Un relato que indagaba en la germinación de una incomodidad que deriva en atrocidad, conectada con las raíces de un miedo que no precisa de efectismos, en ocasiones propiciado a causa de la inmovilidad proveniente de clases acomodadas socialmente, expuesta a modo de versión pervertida del The Comfort of Strangers de Paul Schrader o del Funny Games de Michael Haneke, a través de un tratado del horror que subvierte las convenciones sociales de un Occidente que parece estar abocado al apocalipsis moral.
En Speak No Evil, que llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 13 de septiembre de 2024, vemos como una familia americana es invitada a pasar el fin de semana en la idílica finca de una encantadora familia británica con la que entablaron amistad durante las vacaciones, lo que comienza como unas vacaciones de ensueño pronto se convierte en una pesadilla psicológica.
La película, con dirección y guion a cargo de James Watkins (Eden Lake 2008, The Woman in Black 2012, está protagonizada por James Mcavoy, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Aisling Franciosi, Alix West Lefler, Dan Hough y Motaz Malhees.

Círculo de Bellas Artes: La Noche Bizarra: Lucio Fulci. Poéticas del Horror (II)

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El segundo y tercer sábado de cada mes, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas.
Para celebrar el primer aniversario de La noche bizarra, hemos preparado una segunda parte (y esperamos que vengan muchas más) del primer ciclo que programamos, Lucio Fulci: Poéticas del horror. Celebramos así la figura de Lucio Fulci, cineasta fundamental del cine fantástico de los años 70-80 que, pese a influir en directores como Quentin Tarantino o James Wan y disfrutar de cierto reconocimiento entre los fans del género, aún no ha sido suficientemente reivindicado. Apodado el “padrino del gore” por la explícita y violenta brutalidad de sus películas, su cine está también plagado de visiones poéticas y alucinaciones pesadillescas.

Películas del ciclo

Demonia

Lucio Fulci, Italia, 1990, 1h29 VOSE [Archivo digital]
Dos arqueólogos investigan unas excavaciones teñidas con sangre a causa de ciertos crímenes atribuidos a la mafia. Sin embargo, el lugar donde trabajan aparentemente fue sitio de reunión de antiguos satanistas y aún hay alguna presencia demoniaca.
Sesión
Sábado 13.04.24 · 22:00

 

Aenigma

Lucio Fulci, Italia, 1987, 1h29 VOSE [Archivo digital]
Lucio Fulci definió esta película como «una versión de ‘Carrie’ con dos personajes principales». Telepatía, bromas pesadas en el internado, y una venganza sangrienta.
Una joven es atropellada y queda en estado de coma. El accidente sucede mientras escapa avergonzada después de sufrir una broma de mal gusto de sus compañeros. Desde el hospital se comunica mentalmente con otra muchacha que mata uno por uno a los chicos y así se venga de los que se rieron de ella.
Sesión
Sábado 20.04.24 · 22:00

George Lucas. El mago

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Una invitación a descubrir la vida y obra de uno de los genios del cine, cuyo legado ha inspirado a generaciones de espectadores y creadores.
George Lucas es uno de los cineastas más reconocidos y admirados de todos los tiempos. En este libro, David M. Buisán nos descubre la fascinante historia de su vida y obra. A través de sus vibrantes ilustraciones, podremos revivir escenas icónicas de las películas de Lucas, además de conocer detalles y curiosidades sobre la producción y realización de sus grandes trabajos y de otras obras menos conocidas.
Sumérgete en la vida del mago de la luz y conoce desde sus primeros contactos con el cine, las películas que marcaron su juventud y su amistad con los artistas que le ayudaron a desarrollar su visión cinematográfica (Francis Ford Coppola, Steven Spielberg), hasta el éxito mundial de sus obras más famosas, como Star Wars o Indiana Jones.
El autor
David M. Buisán es ilustrador y vive en Barcelona. Tras completar sus estudios en Bellas Artes, ha colaborado con varias publicaciones como Cinemanía, Vogue, Squire, Variety, L’Officiel o The Guardian. Colaborador habitual en proyectos editoriales, destaca su participación en Star Wars: Adventures in Wild Space, publicado en Estados Unidos, Reino Unido, España, Alemania y Francia.
Autor: David M. Buisán, Editorial: Lunwerg Editores, Páginas: 192

Una chica en la ciudad, primer tráiler para «MaXXXine» de Ti West

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Acaba de ser presentado de la mano de A24 un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página junto a un póster promocional, de MaXXXine, cierre de la trilogía orquestada por Ti West iniciada en 2022 con X y continuada el mismo año con Pearl. El film, situado cronológicamente a mitad de las anteriores dos películas, nos sitúa en la turbulenta trastienda del Hollywood de principios de los 80. Aún sin fecha en nuestro país, MaXXXine llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 5 de julio de 2024.
La película sigue los pasos de Maxine en su intento por triunfar como actriz y convertirse en una estrella de cine en Los Ángeles de mediados de los años 80. Mientras su estancia en la ciudad es cada vez más accidentada, un misterioso asesino acecha a las estrellas de Hollywood, un rastro de sangre amenaza con revelar su oscuro pasado.
MaXXXine, con guion a cargo del propio Ti West, está protagonizada por Mia Goth, Elizabeth Debicki, Moses Sumney, Michelle Monaghan, Bobby Cannavale, Lily Collins, Halsey, Giancarlo Esposito, Kevin Bacon, Cecilia Yesuil Kim, Pegah Rashti, Uli Latukefu y Ned Vaughn.

El 23º Festival de Cine de Las Palmas contará con la presencia de la cineasta Ana Lily Amirpour

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Este año el certamen, que celebrará su vigésima tercera edición entre los próximos 19 y 28 de abril, incluye dos importantes ciclos. Uno dedicado a la cineasta, guionista, productora y actriz de origen iraní Ana Lily Amirpour. La autora del “western de terror” Una chica vuelve a casa sola de noche (EE.UU. 2014) visitará la ciudad y presentará, entre otros, sus cuatro largos y seis cortometrajes. 

El otro ciclo presenta la singular conexión de un productor y actor fundamental del cine japonés, Toshiro Mifune con Gran Canaria. La proyección de la película que el actor rodó en el archipiélago, 10.000 millas de borrasca es considerada por el equipo del Festival como un auténtico hito. Además de esta película, el certamen proyectará otros cinco títulos de Toshiro Mifune.

Por su parte «Panorama», que reúne el mejor ‘cine de festivales’ de 2023; las veladas gamberras de «La noche + freak», los clásicos de «Déjà vu» y el cine mudo con música en directo de «Camera Obscura», así como las proyecciones y actividades formativas de «Linterna mágica», volverán a encontrarse con su público en el marco de una edición que, entre otros, acogerá nuevos debates auspiciados por la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales CIMA, el 4º Encuentro de Educadores del Audiovisual que ofrecerán un diagnóstico de la situación en el Archipiélago y una cita con la programadora, crítica y cineasta Elena Duque que mostrará cómo hace sus animaciones, además de una reunión de trabajo de los distintos festivales canarios.

 

Sección Oficial a concurso

La selección, integrada por diez largometrajes —nueve estrenos absolutos en España y uno de ellos en Europa— y trece cortometrajes, ofrece “una amplia representación de crónicas familiares o de pareja”, según reflexiona el seleccionador Jaime Pena en el catálogo.

Al respecto, continúa, “constituye tanto una radiografía del cine contemporáneo como una consecuencia de uno de los temas tradicionales del cine de autor de siempre, particularmente del europeo”.

Y es que, salvo dos documentales centrados en la crónica histórica, la selección se acerca en gran medida al retrato familiar o a las relaciones de pareja.

Largometrajes. Sección oficial a concurso

Cu Li Không Bao Giờ Khóc (Cu Li Never Cries) (Phạm Ngọc Lân, Vietnam, Singapur, Francia, Filipinas, Noruega, 2024, 92 min.)

Ještě nejsem, kým chci být (I’m Not Everything I Want to Be) (Klára Tasovská, Republica Checa, Eslovaquia, Austria, 2024, 90 min.)

Magyarázat mindenre (Explanation for Everything) (Gábor Reisz, Hungría, Eslovaquia, 2023, 127 min.)

Mãos no fogo (Hands in the Fire) (Margarida Gil, Portugal, 2024, 109 min.)

Matt and Mara (Kazik Radwanski, Canadá, 2024, 80 min.)

Paradise (Prasanna Vithanage, Sri Lanka, India, 2023, 93 min.)

Rei (Tanaka Toshihiko, Japón, 2024, 189 min.)

Through the Graves the Wind Is Blowing (Travis Wilkerson, EE. UU., 2024, 84 min.)

Un Prince (A Prince) (Pierre Creton, Francia, 2023, 82 min.)

Ven a mi casa esta Navidad (Come to My Place This Christmas) (Sabrina Campos, Argentina, 2023, 83 min.)

 

Cortometrajes. Sección oficial a concurso

8 (Anaïs-Tohé Commaret, Francia, 2023, 23 min.)

512×512 (Arthur Chopin, Francia, 2024, 21min.)

Basri & Salma dalam Komedi yang Terus Berputar (Basri & Salma in a Never-ending Comedy) (Khozy Rizal, Indonesia, 2023, 15min.)

Cuatro hoyos (Daniela Muñoz Barroso, Cuba, Francia, 2023, 20 min.)

Coral (Sonia Oleniak, EE. UU., Polonia, 2023, 18 min.)

Engar madaram geriste bud aan shab (As if Mother Cried That Night) (Hoda Taheri, Alemania, 2023, 19 min.)

I Look into the Mirror and Repeat to Myself (Giselle Lin, Singapur, 2023, 18 min.)

In Dreams (Josh Shaffner, EE. UU. 2023, 17 min.)

La necesidad de un testigo (The Need of a Witness) (Mariana Sanguinetti, Renzo Cozza, Argentina, 2023, 21 min.)

Filme Feliz 🙂 (Duarte Coimbra, Portugal, 2023, 22 min.)

Rinha (Combat)(Rita M. Pestana, Brasil, Portugal, 2023, 23 min.)

Tiempo de carnavales (Carnival Time) (Antonio Munáiz, España, 2024, 20 min.)

Via Dolorosa (Rachel Gutgarts, Francia, 2023, 11 min.)

 

Panorama España. Sección competitiva

La vigésima tercera edición del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria mostrará nueve trabajos dentro del apartado competitivo Panorama España, sección que estrena en el Archipiélago la obra más audaz de la cinematografía española, aquella que se hace a los márgenes y que se mueve, mayoritariamente en el circuito de festivales.

Y, en línea con esta vocación, los impulsores del Festival aseguran haber emprendido “un viaje lleno de hallazgos a través de una cinematografía única y en constante evolución, que sigue abrazando nuevos horizontes gracias a la mirada renovada de sus jóvenes cineastas”.

Contadores (Counters) (Irati Gorostidi Agirretxe, España, 2023, 19 min.)

Cura Sana (Lucia G. Romero, España, 2024, 18 min.)

Els Buits (Gaps) (Los vacíos) (Sofia Esteve, Isa Luengo, Marina Freixa Roca, España, 2024, 19 min.)

Historia de pastores (Tale of Shepherds) (Jaime Puertas Castillo, España, 2024, 80 min.) – OPERA PRIMA

Los restos del pasar (The Trail Left by Time) ( Alfredo Picazo, Luis Soto Muñoz, España. 2023, 83 min.) – OPERA PRIMA

Mamántula (Ion de Sosa, Alemania, España, 2023, 48 min.)

Nina (Andrea Jaurrieta, España, 2024, 105 min.)

On the Go (María Gisèle Royo, Julia de Castro, España, 72 mins, 2023) – OPERA PRIMA

Trenc d’Alba (Crack of Dawn) (Anna Llargués, España, 2023, 28 min)

 

Banda Aparte

 Con Antonio Weinrichter al frente de la selección, el apartado más alternativo del Festival se ha decantado por el cortometraje y el mediometraje con una proporción, explica Weinrichter, de 1 a 3 a favor de estas piezas. Y es que, según el programador, “la tradición experimental nunca se ha preocupado por la duración de sus piezas, esa exigencia de la exhibición comercial”.

Entre los largometrajes se encuentra Amizade, obra de Cao Guimaraes, ganador de la Lady Harimaguada de Oro en 2007.

 Amizade (Friendship) (Cao Guimarães, Brasil, 2023, 85 min.)

Center, Ring, Mall (Mateo Vega, Países Bajos, Perú, 2023, 18 min.)

El auge del humano 3 (The Human Surge 3) (Eduardo Williams, Argentina, Portugal, Países Bajos, Taiwán, Brasil, Hong Kong, Sri Lanka, Perú, 2023, 121 min.)

Exotic Words Drifted (Sandro Aguilar, Portugal, 2023, 15 min.)

For here am i sitting in a tin can far above the world (Gala Hernández

López, Francia, 2024, 19 min.)

Le film que vous allez voir (The Film You Are About to See) (Maxime Martinot, Francia, 2023, 11 min.)

Le mal des ardents (Ardent Other) (Alice Brygo, Francia, 2023, 16 min.)

Mast-del (Maryam Tafakory, Reino Unido, Irán, 2023, 17 min.)

Malqueridas (Tana Gilbert, Chile, Alemania, 2023, 74 min.) – OPERA PRIMA

My Father (Pegah Ahangarani, Irán, República Checa, 2023, 19 min.)

Quebrante (Janaina Wagner, Brasil, 2024, 23 min.)

The Veiled City (Natalie Cubides-Brady, Reino Unido, 2023, 13 min.)

 

Canarias Cinema

 Los premios Richard Leacock al cine relacionado con Canarias ya tienen pretendientes: trece obras, nueve cortometrajes y cuatro largos aspiran a hacerse con los galardones de las dos categorías. Las películas podrán verse en Cines Yelmo Las Arenas a lo largo de los primeros días de Festival, desde el mismo viernes 19 de abril.

Macu Machín, Domingo J. González, Coré Ruiz y el equipo conformado por David Pantaleón y José Víctor Fuentes presentarán sus trabajos de larga duración —superior a 40 minutos—, mientras que Víctor Moreno, Marina Alberti, Pablo Borges, Pablo Vila, Fernando Alcántara, Jesús F. Cruz, Alexander Cabeza Trigg, los autores Shira Ukrainitz y Omar Al Abdul Razzak, y, también, David Pantaleón competirán con sus cortos.

Según lo avanzado, el cine hecho en Canarias vive un buen momento de salud, a tenor de las inscripciones registradas. En cuanto a la calidad de las propuestas, la coordinadora de la sección, Rebeca P. Bethencourt, apunta en el catálogo que “el cine canario vuelve a demostrar su destreza documentalista endémica, pero también evidencia una insurgente profesionalización en géneros más periféricos”.

 

LARGOMETRAJES

La hojarasca (The Undergrowth) (Macu Machín, España, 2024, 72 min.) – OPERA PRIMA

Un volcán habitado (An Inhabited Volcano) (David Pantaleón, Jose Víctor Fuentes, España, 2023, 66 min.)

Una casa en el pueblo (A House in the Countryside) (Domingo J. González, España, 2024, 78 min.)

Voy a desaparecer (I’m Gonna Disappear) (Coré Ruiz, España, 2024, 120 min.) – OPERA PRIMA

 

CORTOMETRAJES

Aitana (Marina Alberti, España, 2023, 19 min.)

Cabreo (Goat Anger) (Jesús F. Cruz, España, 2024, 12 min.)

Colonos del Espacio (Space Settlers) (Fernando Alcántara, España, 2024, 11 min.)

El Canto de los Años Nuevos (The Song of the Years to Come) (Alexander Cabeza Trigg, España, 2023, 23 min.)

El naciente (Emerging) (David Pantaleón, España, 2023, 4 min.)

La isla errante (The Wandering Island) (Pablo Borges, España, 2024, 18 min.)

Las cosas queridas (The Things We Love) (Pablo Vilas, España, 2024, 18 min.)

Las invasiones biológicas. El caso del Ovis orientalis musimon en la isla de Tenerife: «El último muflón» (The Biological Invasions. The Case of Ovis Orientalis Musimon on the Island of Tenerife: “The Last Mouflon”) (Shira Ukrainitz, Omar Al Abdul Razzak, España, 2023, 10 min.)

Meteoro (Meteor) (Víctor Moreno, España, 2023, 17 min.)

 También se llevarán a cabo unas sesiones especiales que celebrarán el 30 aniversario de la productora canaria La Mirada, recordando dos de los trabajos del realizador Roberto Santiago:

 

CANARIAS CINEMA SESIONES ESPECIALES: 30 AÑOS DE «LA MIRADA»

Ruleta (Roulette) (Roberto Santiago, España, 1999, 11 min.)

Hombres felices (Happy Men) (Roberto Santiago, España, 2001, 90 min.)

 

Ciclos en el 23º Festival Internacional de Cine de Las Palmas

 Mondo Lily. El loco mundo de Ana Lily Amirpour

El alma más freak del Festival, Jesús Palacios, acompañará a la joven directora de origen iraní, nacida en Inglaterra y afincada en EE.UU. En el texto que dedica al ciclo en el catálogo,

Palacios confirma que “desde que Ana Lily Amirpour se revelara con la brillante Una chica vuelve a casa sola de noche (2014, ejercicio de estilo metagenérico repleto de humor subterráneo, en elegante blanco y negro, a la sombra de Coppola, Jarmusch y Lynch, entre otras oscuras influencias” (…) “su mundo no ha dejado de crecer, ofreciendo una de las obras más personales dentro del cine de género autoral y degenerado del siglo XXI”.

A Girl Walks Home Alone at Night (Una chica vuelve sola a casa de noche) (Ana Lily Amirpour, EE. UU., 2014, 101 min.)

The Bad Batch (Amor Carnal) (Ana Lily Amirpour, EE. UU., 2016, 118 min.)

Mona Lisa and the Blood Moon (Mona Lisa y la luna de sangre) (Ana Lily Amirpour, EE. UU., 2021, 106 min.)

Cabinet of Curiosities: The Outside (El gabinete de curiosidades: The Outside) (Ana Lily Amirpour, EE. UU., México, 2022, 64 min.)

 

Mifune estuvo aquí

El actor, director y productor japonés Toshiro Mifune dejó su huella en Las Palmas de Gran Canaria. Actor habitual en el cine de Akira Kurosawa, Mifune se encontraba en la cumbre de su carrera cuando el sistema de estudios japonés entra en crisis.

“Por entonces”, escribe Luis Miranda, director del certamen, en el catálogo de la edición, hablando de mediados de la década de los 60 del siglo pasado, “Mifune ya había recibido abundantes invitaciones para rodar fuera de Japón”. Aunque, prosigue, “su aparición en coproducciones extranjeras se hará esperar hasta finales de la década, cuando se hicieron habituales las operaciones de coproducción internacional y los elencos all star”. Y es en esos años cuando vino a Gran Canaria con la primera producción totalmente financiada por su compañía: Doto Ichiman Kairi | 10.000 millas de borrasca.

Con la colaboración de CCA Gran Canaria. Centro de Cultura Audiovisual, el público del certamen grancanario podrá acceder por primera vez a la obra de “uno de los más famosos actores japoneses de la actualidad”, según la prensa del momento, en concreto Canarias Gráfica. Además de este título, el legado de Mifune estará presente con un completo ciclo dedicado a él.

Doto Ichiman Kairi (The Mad Atlantic) (10.000 millas de borrasca) (Jun Fukuda, Japón, 1966, 103 min.)

Kakushi-toride no san-akunin (The Hidden Fortress) (La fortaleza escondida) (Akira Kurosawa, Japón, 1958, 139 min.)

Muhômatsu no isshô (The Rickshaw Man) (El hombre del carrito) ( Hiroshi Inagaki, Japón, 1958, 103 min.)

Ánimas Trujano (El hombre importante) (The Important Man) (Ismael Rodríguez, México, 1961, 99 min.)

Hell in The Pacific (Infierno en el Pacífico) (John Boorman, EE.UU, 1968, 103 min.)

Soleil rouge (Red Sun) (Sol Rojo) (Terence Young, España, Francia, Italia, 1971, 112 min.)

 

Sesiones especiales: Mizoguchi 1954

También el cine del indiscutiblemente influyente Kenji Mizoguchi será celebrado en el marco del Festival con la programación de tres sesiones especiales de películas que cumplen su 70º. aniversario.

 Sanshô dayû (Sansho the Bailiff) (El intendente Sansho) (Kenji Mizoguchi, Japón, 1954, 124 min.)

Uwasa no onna (The Woman of Rumour) (La mujer crucificada) (Kenji Mizoguchi, Japón, 1954, 83 min.)

Chikamatsu monogatari (A Story from Chikamatsu) (Los amantes crucificados) (Kenji Mizoguchi, Japón, 1954, 102 min.)

 

Apartados no competitivos

Panorama

El apartado clasificado por el programador Jose Cabrera como “termómetro del mejor ‘cine de festivales’ de 2023” propone una selección de obras  que están “fuera del foco del público, borrosas en el mapa de salas comerciales españolas, que hasta ahora sólo han pasado por algunos festivales de prestigio».

Es probable, que algunos títulos lleguen a salas de Madrid o Barcelona, pero será difícil verlas en otros territorios. Más, cuando el Festival, apunta Cabrera, “subraya la parte que no ha llegado a salas”.

 

El Eco (The Echo) (Tatiana Huezo, México, Alemania, 2023, 102 min.)

Eureka (Lisandro Alonso, Francia, Alemania, México, Argentina, Portugal, 2023, 146 min.)

Gasoline Rainbow (Bill Ross IV, Turner Ross, EE. UU., 2023, 108 min.) – OPERA PRIMA

Kadib Abdyad (The Mother of all Lies) (La madre de todas las mentiras) (Asmae el Moudir, Marruecos, Arabia Saudí, Catar, Egipto, 2023, 97 min.) -OPERA PRIMA

Memory (Michel Franco, México, EE. UU., 2023, 99 min.)

Mul-an-e-seo (In Water) (Hong Sang-soo, Corea del Sur, 2023, 61 min.)

Nu aștepta prea mult de la sfîrșitul lumii (Do Not Expect Too Much from the End of the World) (No esperes demasiado del fin del mundo) (Radu Jude, Rumanía, Luxemburgo, Francia, Croacia, 2023, 163 min.)

The Sweet East (Sean Price Williams, EE.UU, 2023, 104 min.) – OPERA PRIMA

 

Camera Obscura

Un año más el Festival arrancará con un recorrido por la historia del cine y la música que protagonizan «Camera Obscura». El apartado más clásico volverá a congregar a artistas y formaciones musicales delante de la gran pantalla para acompañar en directo las proyecciones de obras que cumplen su primer centenario o están a punto de hacerlo.

La sección, que forma parte desde hace cuatro años del programa de la cita cinematográfica capitalina, rinde homenaje a los orígenes del séptimo arte que, si bien en sus primeras décadas fue mudo, «muy rara vez fue siliente». Y es que, «la música estuvo a su lado (casi) desde el principio», tal y como recuerda en el texto del catálogo Luis Miranda.

Sherlock Jr. (El moderno Sherlock Holmes) (Buster Keaton, EE.UU, 1924, 49 min.)  con temas de Duke Ellington interpretados por la Gran Canaria Big Band

Mikaël (Michael) (Carl Theodor Dreyer, Alemania, 1924, 94 min.) con música en vivo por el International Bach Festival.

 

Déjà Vu

El compromiso del Festival con el cine tiene un cariz visionario, pero también retrospectivo con apartados como Déjà Vu que rescata del olvido trabajos que, en ocasiones, solo fueron vistos en encuentros de cine y que permanecen en la memoria del cinéfilo. Lo “ya visto” muestra joyas que forman parte del patrimonio cinematográfico.

«De eso se trata esta sección: de acercar por primera vez al público de las Islas películas que han pasado recientemente por este proceso (de restauración)», explica el director del FICLPGC. Concretamente, el FICLPGC volverá a las salas de cine, en esta ocasión a las de Yelmo Las Arenas, las copias restauradas de «siete títulos producidos en siete países diferentes por siente grandes cineastas”.

 Al-makhdu’un (The Dupes) (Tewfik Saleh, Siria, 1972, 107 min.)

Household Saints (Nancy Savoca, EE.UU, 1993, 125 min.)

Korotkie vstrechi (Brief Encounters) (Kira Muratova, Unión Soviética, 1967, 96 min,)

Llévame en tus brazos (Carry Me in Your Arms) (Julio Bracho, Mexico, 1954, 92min.)

Subarnarekha (Ritwik Ghatak, India, 1965, 128 min.)

Sziget a szárazföldön (The Lady from Constantinople) (Judit Elek, Hungría, 1969, 79 min.)

Yoru no kawa (Undercurrent) (Kōzaburō Yoshimura, Japón, 1956, 104 min.)

 

Linterna mágica

Además de las actividades concertadas con centros, el apartado del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria Linterna mágica pondrá a disposición de las familias para disfrutar en la gran pantalla tres títulos dirigidos al público infantil y juvenil.  Se trata de coproducciones que llegarán a la cita cinematográfica desde Francia, Luxemburgo, Suiza, Alemania y China los dos fines de semana del certamen.

 Les Maîtres du temps (The Masters of Time) (Los amos del tiempo) (Rene Laloux, Francia, Suiza, República Federal de Alemania, 1982, 79 min.)

Nina et le secret du hérisson (Nina and the Hedgehog’s Secret) (Nina y el secreto del erizo) (Alain Gagnol, Jean-Loup Felicioli, Francia, Luxemburgo, 2023, 78 min.)

Shen hai (Deep Sea) (Deep Sea: Viaje a las Profundidades) (Tian Xiaopeng, China, 2023, 112 min.)

 

La noche + freak

«Desde los márgenes» es el título escogido por Jesús Palacios para titular su texto en el catálogo. El escritor, crítico y programador certifica que llegó el día en el que la sección gamberra se presenta sin películas con sello hollywoodense. Y celebra el reinado de la diversidad destacando que se trata de “un año de propuestas fascinantes, muy distintas y distantes entre sí, pero procedentes, todas, de los márgenes de un mundo freak que ha olvidado lo que es ser diferente, arriesgado, disconforme singular. Que ha olvidado la esencia del freak: el monstruo de feria satisfecho de serlo”.

Y, “desde las entrañas de este Carnaval de las Sombras nuestro de cada año, marcamos la diferencia”, apostilla.

El apartado vuelve a celebrar distintos encuentros, en concreto tres, a razón de un corto y un largo cada noche, las de los últimos jueves, viernes y sábado del Festival.

 Rainer, a Vicious Dog in a Skull Valley (Bertrand Mandico, Francia, 2023, 26 min.)

El día es largo y oscuro (The Day Is Long and Dark) (Julio Hernández Cordón, México, Colombia, 2024, 77 min.)

Periquitos (Parakeets) (Alex Rey, España, 2024, 6 min.)

Faces of Anne (Kongdej Jaturanrasamee, Rasiguet Sookkarn, Tailandia, 2022, 116 min.)

La Vedova Nera (fiume, Julian McKinnon, 2023, Francia, 21 min.)

Vampire humaniste cherche suicidaire consentant (Humanist Vampire Seeking

Consenting Suicidal Person) (Ariane Louis-Seize, Canadá, 2023, 92 min.)

 

 

Una vuelta por el found footage, tráiler para «The Glenarma Tapes» de Tony Devlin

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Después de que en 1999 Daniel Myrick y Eduardo Sánchez reactivaran el subgénero del found footage con The Blair Witch Project, multitud han sido las propuestas de bajo presupuesto que de una manera u otra han transitado por dicha temática. Tras su paso por festivales como el Frightfest, y aprovechando su inminente salida en VOD en Estados Unidos, nos llega un primer avance en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta irlandesa The Glenarma Tapes del debutante Tony Devlin.
The Glenarma Tapes nos cuenta como en la primavera de 2020, cinco estudiantes y dos profesores del Mid Ulster College of Art desaparecieron en un bosque de la costa norte de Irlanda. Lo que ocurrió el día de su desaparición ha sido un misterio… hasta ahora. Sus últimos movimientos se reconstruyen a partir de imágenes recuperadas de una operación policial casi dos años después de su desaparición, imágenes en donde queda claro que lo que comenzó como una broma se convirtió en una horrible lucha por la supervivencia en la fría oscuridad del bosque de Glenarma.
La película, con guion a cargo del propio Tony Devlin junto a Paul Kennedy, está protagonizada por Warren McCook, Sophie Hill, Ryan Early y Emily Lamey.

Proyecciones Xcèntric: «Open door to fantasy-land». Las animaciones de Sally Cruikshank

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Quasi at the Quackadero (Sally Cruikshank, 1976)

Movida por el deseo y la curiosidad de ver moverse sus dibujos, Sally Cruikshank estudió animación en el Art Institute de San Francisco a principios de la década de los setenta, y pronto se convirtió en una de las figuras más destacadas y originales de la animación experimental. Influenciada por los cartoons clásicos de los años treinta (Max Fleischer, Winsor McCay o Carl Barks) y el comic underground (Robert Crumb), sus películas se caracterizan por una desbordante y alucinada imaginación, un estilo visual psicodélico de aire retro, excéntricos personajes antropomórficos y una narrativa surrealista, frenética y anárquica, aderezada con un peculiar sentido del humor.
Cruikshank realizó su primera animación corta, Ducky (1971), con una cámara Bolex de 16 mm unida a una ampliadora de fotos. Hecha con acuarelas y animación sobre papel, en ella aparece ya un prototipo de Quasi, el personaje que reaparecerá en sus futuros trabajos con su forma definitiva: un pato amarillo con una capa roja y gafas de culo de vaso. Animada por esa primera experiencia, Cruikshank se matriculó en el Art Institute de San Francisco, donde bajo la tutela del cineasta Larry Jordan realizó su segunda animación, Fun on Mars (1971), en la que emplea, además de acuarelas, ceras, recortables y collage. Para su tercera animación, Chow Fun! (1972), alternó animación en papel y recortes pegados en celdas de animación.
Su obra más conocida es Quasi at the Quackadero (1975), una de las primeras películas contraculturales que se hizo popular en el circuito de exhibición de medianoche (como sucedería un par de años más tarde con Asparagus, de Suzan Pitt). Se trata de una bizarra aventura protagonizada por dos patos parlantes, Quasi y Anita, una deslenguada femme fatale a la que da voz la propia cineasta, que visitan un delirante parque de atracciones en el que pueden llevarse un dibujo de sus pensamientos, conocer a sus reencarnaciones anteriores o viajar en el tiempo. Dibujada laboriosamente sobre acetatos transparentes, con la ayuda ocasional de amigos animadores, la película tardó dos años en completarse. Junto con Make Me Psychic (1978) y Quasi’s Cabaret Trailer (1980), con las que comparte los personajes centrales, esta película compone la trilogía «Art Deco», un estilo visual muy apreciado por la artista, que lo lleva a un terreno personal insuflándole sus característicos colores vivos y surrealismo alucinógeno.
En los años siguientes, Cruikshank compaginó la creación de sus propios cortometrajes independientes con la realización de anuncios o secuencias de créditos y animaciones para películas de Hollywood, así como colaboraciones para Sesame Street, por donde pasaron también otros muchos animadores experimentales como Al Jarnow o Jane Aaron.
Las películas de Sally Cruikshank no envejecen, porque existen en su propio universo, absolutamente libre, en el que cualquier cosa puede suceder. En palabras de la autora: «Animation is this sort of open door to fantasy-land, you’re only limited by what you can draw».
Sally Cruikshank: Ducky, 1971, 16 mm, 3,5’; Fun on Mars, 1971, 16 mm, 4,5’; Chow Fun!, 1972, 16 mm, 4’; Quasi at the Quackadero, 1976, 35 mm, 10’; Make Me Psychic, 1978, 35 mm, 8’; Quasi’s Cabaret Trailer, 1980, 35 mm, 2,5’; Face like a Frog, 1988, 35 mm, 5,5’.
Proyección en 16 mm y 35mm.
Copias procedentes del Academy Film Archive.

 

Fecha: 16 mayo 2024
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Espacio. Auditorio
Precio:  4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

La fábula ecológica, tráiler en español para «El mal no existe» de Ryûsuke Hamaguchi

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Acaba de ser presentado de la mano de Caramel Films un primer tráiler subtitulado al castellano, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador japonés Ryûsuke Hamaguchi El mal no existe (Aku Wa Sonzai Shinai). El film, que llegará a nuestro país el próximo 1 de mayo, aparentemente se distancia del relato introspectivo del individuo presente en sus anteriores La ruleta de la fortuna o Drive My Car, al adentrarse en una temática de un tono más global, representado en la historia a modo de fábula ecológica sobre la resistencia de una comunidad rural frente a la gentrificación a la que parece verse abocada.
La película, que se alzó con el León de Plata – Gran Premio del Jurado en la última edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, donde también se hizo con el FIPRESCI, fue la gran triunfadora de los Asian Film Awards 2024 obteniendo el premio a la Mejor Película del Año y el premio a la Mejor Banda Sonora.
El mal no existe nos cuenta como Takumi y su hija, Hana, viven en un pueblo cercano a Tokyo. Su vida se verá profundamente afectada cuando descubren que cerca de su casa se va a construir un glamouroso camping para que los habitantes de la ciudad hagan escapadas cómodas a la naturaleza. Cuando dos representantes de una empresa de Tokio llegan al pueblo para celebrar una reunión, queda claro que el proyecto tendrá un impacto negativo en el suministro de agua local y provocará disturbios. Las intenciones desiguales de la agencia ponen en peligro tanto el equilibrio ecológico de la meseta como su forma de vida, con consecuencias que afectan profundamente la vida de Takumi.
La película, con guion a cargo del propio Ryûsuke Hamaguchi, está protagonizada por Hitoshi Omika, Ryo Nishikawa, Ryuji Kosaka, Ayaka Shibutani, Hazuki Kikuchi y Hiroyuki Miura.

 

Richard Linklater, Premio de Honor del BCN Film Fest

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Linklater viajará a Barcelona para recibir el Premio de Honor durante la Gala de Clausura, donde presentará su último trabajo.
El director estadounidense Richard Linklater recibirá el Premio de Honor del BCN FILM FEST 2024. Linklater será galardonado durante la Gala de Clausura del festival, que tendrá lugar el 26 de abril en los Cines Verdi de Barcelona, ​​y en la que presentará el su último film, “Hit Man”, una inusual comedia acogida en el Festival de Venecia como una de las mejores obras de su carrera. El festival le otorga el Premio de Honor, que el pasado año recibió Wim Wenders, en reconocimiento a la trayectoria de uno de los directores más relevantes y personales del cine contemporáneo mundial, autor de películas que han marcado a diferentes generaciones de amantes del cine.
Nacido en Houston en 1960, Linklater es uno de los principales exponentes del cine independiente de los años 90. En su filmografía destacan «Slacker» (1990) “Movida del 76″ (Dazed and confused) (1993), su aclamada trilogía “Antes del amanecer” (1995), “Antes del atardecer” (2004) y “Antes del anochecer” (2013), protagonizada por Ethan Hawke y Julie Delpy, y «Apollo 10 ½: una infancia espacial» (2022). Con “Boyhood” (2014), rodada intermitentemente durante 12 años con los mismos actores, Linklater obtuvo un gran reconocimiento de público y crítica, y galardones como el Oso de Plata a Mejor Director en el Festival de Berlín, 3 Globos de Oro, 2 Spirit Awards y el Oscar a mejor actriz secundaria para Patricia Arquette. Es el director artístico de la Austin Film Society, una de las organizaciones cinematográficas más grandes del país que opera una sala de cine en la que se exhiben películas de todo el mundo, administra un estudio de cine y ha otorgado más de $2,2 millones en subvenciones a cineastas de Texas.
“Hit Man”, película de clausura del festival
La nueva película de Linklater, “Hit Man” cerrará la edición de este año del BCN FILM FEST. Tras su paso por el Festival de Venecia, el público de Barcelona podrá disfrutar de la première española del film. El luminoso neo-noir del director nominado al Oscar Richard Linklater está coescrito por Linklater y Glen Powell e inspirado en una increíble historia real. Powell encarna un profesor mojigato que descubre que tiene un talento oculto como falso asesino a sueldo. Encuentra una cliente que le roba el corazón y que enciende un polvorín de engaño, placer e identidades confusas. «Hit Man» es una inteligente comedia existencial sobre la identidad.
Sinopsis
Gary Johnson trabaja como un falso asesino a sueldo para el Departamento de Policía de Nueva Orleans. Con un don sobrenatural para habitar en diferentes apariencias y personalidades para atrapar a personas desventuradas que esperan acabar con sus enemigos, Gary desciende a un territorio moralmente dudoso cuando se siente atraído por uno de esos criminales potenciales, una hermosa joven llamada Madison (Adria Arjona). Mientras Madison se enamora de uno de los asesinos a sueldo de Gary, el misteriosamente sexy Ron, su apasionante romance desata una reacción en cadena de teatro, engaño y apuestas cada vez mayores.

 

Profanando el sueño de los muertos 1896-2022

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Esta edición, revisada y actualizada del ensayo publicado en 2010 por Scifiworld, propone liberar al cine español de género de la etiqueta exploitation a la que se le ha reducido durante décadas y abrir el análisis a propuestas más heterodoxas.
Ángel Sala lleva a cabo una investigación que aborda desde el cine pionero de Segundo de Chomón, la obra de clásicos como Paul Naschy, Jesús Franco o Narciso Ibáñez Serrador, hasta autores en principio no relacionados con el género como Rafael Gil, Carlos Serrano de Osma, Fernando Fernán Gómez, Carlos Saura o Manuel Gutiérrez Aragón.

El volumen no olvida la relevante influencia del medio televisivo en la evolución de lo fantástico, así como la labor de autores que, a pesar de haber desempeñado una mayor parte de su trayectoria fuera de España, pueden considerarse fundamentales en la evolución del género, tales como Luis Buñuel o José Ramón Larraz.

El libro también indaga en la explosión del cine fantástico de principios del siglo XXI, con la eclosión de Alejandro Amenábar, J. A. Bayona, Álex de la Iglesia, Jaume Balagueró y Paco Plaza, y movimientos subterráneos liderados por cineastas como Nacho Vigalondo, Jaume Cabestany y realizadores singulares como Elio Quiroga u Óscar Aibar, sin olvidar fenómenos como el cine ‘low cost’.

Autor: Ángel Sala, Ilustraciones: Miki Edge, Editorial: Hermenaute, Colección Janus, Páginas: 522

Un escritor en ruta, tráiler para «Dans la peau de Blanche Houellebecq» de Guillaume Nicloux

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Curiosa cuanto menos la trayectoria de Guillaume Nicloux, realizador de complicada cuadratura dentro de géneros cinematográficos. Tras incidir en ese otro cine fantástico con las notables The End (2016) o la más reciente La Tour (2022), Nicloux cierra, tras L’enlèvement de Michel Houellebecq (2014) y Thalasso (2019), la trilogía cómica surrealista protagonizada por el conocido escritor con la cinta Dans la peau de Blanche Houellebecq, película que aprovechando su reciente estreno comercial en Francia el pasado 13 de marzo acaba de lanzar un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
En Dans la peau de Blanche Houellebecq vemos como el propio Houellebecq viaja a Pointe-à-Pitre, Guadalupe, acompañado de su guardaespaldas Luc, para el lanzamiento de su nueva novela. Allí conoce a Blanche Gardin, que preside un concurso de dobles organizado en su honor. Pero acontecimientos extraordinarios interrumpen en lo que iba a ser su programa.
La película, con guion a cargo del propio Guillaume Nicloux, está protagonizada por Blanche Gardin, Michel Houellebecq, Luc Schwarz, Franck Monier, Françoise Lebrun, Gaspar Noé, Jean-Pascal Zadi, Francky Vincent, Vincent Volkoff, Ronald Pierre, Jean-Louis Gautier, Apollinaire Godard y Francky Briny.

«Sala:B» Besos negros

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La endemoniada (Amando de Ossorio, 1975). Int.: Julián Mateos, Marian Salgado, Fernando Sancho. España. DCP. Color. 88
Cosa de brujas (José Miguel Juárez, 2003). Int.: José Sancho, Manuela Arcuri, Antonio Hortelano. España. 35mm. Color. 102’

Aprovechamos la publicación del libro Beso negro. Brujería, cine y cultura pop para invocar un programa doble de mujeres malditas y castigadas que harán temblar los cimientos del Doré.

En su lectura sobre el género y el género fantástico, los autores Elisa McCausland y Diego Salgado creen que “en el siglo XXI la bruja es el símbolo por definición de la resistencia feminista frente a la opresión patriarcal”. En La endemoniada, escrita y dirigida por Amando de Ossorio –pilar del fantaterror español– podemos ver tres generaciones de brujas: la veterana actriz argentina Tota Alba, hosca y resentida; la cubana descubierta por Jess Franco, Kali Hansa, como gitana sensual y liberada; y la niña Marian Salgado, cuya inocencia se quiebra al ser poseída por la primera y envejecer prematuramente. Curiosamente, Salgado grabaría ese mismo año 1975 el doblaje español de Linda Blair para El exorcista. Sin pretenderlo, Ossorio estaba esbozando una evolución de la figura de la bruja que el cine llevaba reflejando desde la década de los 60. Según McCausland y Salgado, «en los años setenta, el audiovisual estadounidense toma la iniciativa en lo que respecta a la imagen enérgica y asertiva de la bruja, al amplificar la cultura pop fenómenos como la Wicca, el folk horror, la eco-witch y la Nueva Era». La película de Ossorio remezcla esos temas con la intención de explotar el clásico de William Friedkin, aunque la escena final, con la niña rodeada por el triunvirato patriarcal (el padre, el cura y el policía), no anima a hacer lecturas muy progresistas.

Cosa de brujas es una cosa bien distinta. Pilar Bardem lidera un grupo de abuelas mefistofélicas que funcionan como representación del azar y la suerte; sin mayor contenido feminista que un matriarcado –con Saturnino García como dócil marido– aparentemente inspirado en ese rancio cliché de que las que mandan de verdad son las mujeres. Se nota que estamos todavía en 2003, aunque la película parece un producto noventero recién salido de la España del pelotazo, con la estética y los valores de ¡Ala… Dina! cruzada con Airbag y los recursos narrativos típicos de la era Pulp Fiction. Ahora que estamos en pleno revival 90s, toca reivindicar este cine comercial repleto de rostros televisivos y algunos efectos digitales, que marcaron el camino del cine español de entretenimiento que hoy conocemos.

Presentan la sesión Elisa McCausland y Diego Salgado, autores de Beso negro. Brujería, cine y cultura pop y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 210’).

Filmin estrena la serie «Soñando en negro», la sarcástica y crítica comedia de A24

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Filmin estrena, el 2 de abril, esta sarcástica y premiada serie de A24 sobre un chico jamaicano que sueña con ser director de cine.
Filmin estrena el próximo martes 2 de abril, en exclusiva en España, la serie “Soñando en negro”, una comedia fresca y original con el infalible sello de A24. La serie, que opta a Mejor Comedia y a Mejor Actor de Comedia en los próximos Premios BAFTA, sigue a Kwabena (el co-creador jamaicano Adjani Salmon), quien trabaja en una precaria empresa de reclutamiento mientras sueña (de forma figurativa y literal: se duerme en la oficina) en convertirse en director de cine. Pero su trabajo a tiempo completo es solo uno de los muchos obstáculos que le impiden cumplir su sueño: Un entorno laboral predominantemente blanco y plagado de “microagresiones” racistas, problemas para llegar a fin de mes, líos amorosos…y más.

Con gran ironía y sarcasmo, “Soñando en negro” pone en la palestra el “microracismo” latente de la sociedad a través de unos protagonistas que lo sufren a diario, a menudo por personas a las que se les llena la boca diciendo que “aman la diversidad cultural”. “Nuestras historias suelen ser contadas por personas que no son de la comunidad”, explica Salmon. “Hemos ironizado sobre esto, sobre el choque cultural entre jamaicanos y nigerianos, sobre la complicada industria del cine… También sobre la amistad entre colegas y sobre la ansiedad de empezar una relación amorosa cuando no llegas ni a fin de mes…”.

La existencia de “Soñando en negro” es una historia de éxito en sí misma: Nació como una webserie, en 2018, que narraba las propias vivencias de Adjani Salmon y Ali Hughes. La notoriedad fue tal que en 2021 desarrollaron un episodio piloto para BBC y, tras su emisión, ganó el BAFTA a Talento Emergente. Fue entonces cuando A24 decidió embarcarse en la producción y catapultar la serie. Desde su estreno en BBC Three (Reino Unido) el pasado mes de julio, la serie no ha dejado de recoger críticas excelentes, así como premios y reconocimientos, apareciendo incluso en el nº2 del ranking de Deadline “Lo mejor de la televisión en 2023”. Asimismo, los productores han confirmado que habrá una segunda temporada. La primera, disponible a partir del 2 de abril en Filmin, está formada por 6 episodios de 25 minutos.

Primer avance para «Kinds of Kindness», lo nuevo de Yorgos Lanthimos

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Aún reciente la repercusión de Poor Things, el dueto formado por el realizador Yorgos Lanthimos y la actriz Emma Stone tienen listo un nuevo trabajo que tendrá como título Kinds of Kindness, film cuyo primer avance en forma de un breve teaser tráiler acaba de ser presentado de la mano de Searchlight Pictures y podéis ver a final de página junto a su póster promocional. La película, que tiene muchos números de estar presente dentro de un par de meses en el Festival de Cannes, tiene previsto su estreno en cines de Estados Unidos para el próximo 21 de junio.
Kinds of Kindness es una fábula en forma de tríptico que narra tres historias: la de un hombre atrapado que intenta tomar las riendas de su propia vida; la de un policía aterrado porque su mujer, que había desaparecido en el mar, ha vuelto y parece otra persona; y la de una mujer decidida a encontrar a alguien con un don especial, destinado a convertirse en un prodigioso líder espiritual.
La película, con guion a cargo del propio Yorgos Lanthimos junto a Efthymis Filippou, está protagonizada por Emma Stone, Jesse Plemons, Willem Dafoe, Joe Alwyn, Hunter Schafer, Margaret Qualley, Mamoudou Athie, Hong Chau, Rose Bianca Grue, Susan Elle, Merah Benoit, Elton LeBlanc y Cynthia LeBlanc.

Proyecciones Xcèntric: Homecomings, de Dirk de Bruyn

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Veinticinco años después de haber emigrado a Australia cuando era un niño, el cineasta holandés Dirk de Bruyn regresa con su familia a los Países Bajos. Combinando la autoetnografía, el diario filmado y diversas técnicas de animación, el cineasta se interroga sobre sus orígenes, su identidad y su condición de migrante.
Dirk de Bruyn (1950) ha realizado numerosas películas experimentales, de animación y documentales a lo largo de los últimos cuarenta años. Su labor creativa se sitúa en la tradición del cine abstracto, visionario o estructural, con una actitud libre e independiente abierta a integrar el lenguaje de los nuevos medios, sin abandonar las formas analógicas. También hace performances con múltiples proyecciones de sus filmes, en un modo muy personal de cine expandido. De Bruyn es un artista versátil y prolífico, al que probablemente todavía no se le ha prestado la atención que merece.
Sus primeros años haciendo películas estuvieron dedicados a la práctica diarística del cine y al aprendizaje. El trabajo que ejerció como operario en un laboratorio de cine industrial le permitió aprender las técnicas de revelado fotoquímico y de la impresora óptica, lo que posibilitó la experimentación con el medio, dando lugar a obras más largas, abstractas y estructuradas como Running (1976) y Feyers (1979). Ya en la década de 1980, De Bruyn hizo una serie de películas con diversas técnicas de animación directa caracterizadas por una abrumadora complejidad visual, ritmos intrincados y variadas texturas. Durante este periodo realizó el largometraje autobiográfico Homecomings (1987), una obra inscrita en la tradición del cine personal que aborda el regreso del cineasta y su familia a su tierra natal. La película combina distintos elementos estilísticos, la autoetnografía, el diario filmado y diversas técnicas de animación como la rotoscopia, el time-lapse y la animación directa. En un tono de reflexión tranquila, De Bruyn se hace preguntas sobre su propio pasado, rememora la figura de su padre para tratar de comprender sus orígenes culturales, su identidad y su condición de ser un migrante en Australia.
Homecomings, Dirk de Bruyn, 1987, 16 mm, 98’, VOSC.
Proyección en digital.
Copia procedente de Light Cone.
Fecha: 18 abril 2024
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Un balneario suspendido en el tiempo, teaser tráiler para «Cuckoo» de Tilman Singer

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Tras su interesante debut tras las cámaras con Luz (2018), Tilman Singer vuelve a incidir en el terror sobrenatural con la cinta Cuckoo, film cuyo primer avance en forma de teaser tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, tras su premier mundial en el pasado Festival de Berlín, llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 9 de agosto.
En Cuckoo vemos como Gretchen, una joven de 17 años, deja a regañadientes su hogar estadounidense para vivir con su padre, que acaba de mudarse a un complejo turístico en los Alpes alemanes con su nueva familia. Al llegar a su nuevo lugar de residencia, los recibe el señor König, el jefe de su padre, que muestra un interés inexplicable por Alma, la media hermana muda de Gretchen. Algo no parece estar bien en este tranquilo paraíso vacacional. Gretchen se vera inmersa en una serie de ruidos extraños y visiones sangrientas hasta que descubre un secreto impactante que también concierne a su propia familia.
La película, con guion a cargo del propio Tilman Singer, está protagonizada por Hunter Schafer, Jessica Henwick, Dan Stevens, Marton Csokas, Astrid Bergès-Frisbey, Mila Lieu, Greta Fernández, Proschat Madani, Sydney LaFaire, Kalin Morrow, Jan Bluthardt, Lesley Jennifer Higl y Konrad Singer.

Antonio Drove. Travesías y naufragios de un cineasta español

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Antonio Drove, cineasta español, comenzó su carrera en los últimos años del franquismo. Pese al reconocimiento y éxito de sus primeras obras, y aun consiguiendo desarrollar una notable carrera tanto en cine como en televisión (con hitos de la altura de La verdad sobre el caso Savolta, filme capital de la Transición), nunca consiguió alcanzar un estatus que le permitiese desarrollar su talento con la suficiente libertad. Por el contrario, su fama de director conflictivo (que le granjeó el apelativo de “el Drove feroz”) le condenó definitivamente al consabido malditismo.

El estudio de la trayectoria profesional y vital de Antonio Drove nos permite abordar una serie de hechos de indudable interés en la historia del cine español en los que el director madrileño participó activamente: desde los agitados años sesenta en la Escuela Oficial de Cinematografía hasta la época de las grandes producciones amparadas por la “ley Miró”, pasando por el surgimiento del cortometraje independiente; la conocida como “Escuela de Argüelles”; las convulsas Jornadas de Sitges; la salida profesional televisiva abrazada por aquella generación autodenominada como “bloqueada”; el cine de la “tercera vía” producido por Dibildos; los conflictos con la censura (tanto en cine como en TVE); la picaresca de la industria cinematográfica española; o los cambios en la televisión generados por el desembarco de las cadenas privadas, entre otros asuntos.

Que un cineasta con la sólida formación y el apreciable bagaje profesional de Antonio Drove fuese dejado de lado por el aparato cinematográfico español y relegado al olvido, viéndose forzado a un temprano refugio en la televisión, la publicidad, la docencia y la escritura, resulta francamente desalentador en el panorama de nuestro cine. El presente trabajo pretende recuperar su figura y, mediante el análisis detenido de su obra y sus métodos de trabajo, colocarla en el lugar que merece, pues, dentro de su singularidad, puede ayudarnos a arrojar luz sobre los problemas que ha arrastrado el cine español desde tiempos inmemoriales.

El autor

Miguel Zozaya Fernández, doctor en Teoría, Análisis y Documentación Cinematográfica por la Universidad del País Vasco. Es autor de la monografía José Germán Huici (Filmoteca de Navarra, 2021), coeditor del volumen Los Encuentros de Pamplona (MUN, 2017) y ha publicado artículos en libros como Género negro sin límites (Andavira, 2019); Paulino Viota. El orden del laberinto (Shangrila Ediciones, 2015) y Previously On. Estudios interdisciplinarios sobre la ficción televisiva en la Tercera Edad de Oro de la Televisión (Universidad de Sevilla, 2011), así como en diversas revistas académicas y divulgativas.
Como investigador, ha participado en dos proyectos de investigación de la UN (2010-2013 y 2014-2017) en torno a la productora X Films, y fue seleccionado para la Residencia Arché-Work organizada por los festivales DocLisboa y Márgenes (2019).
Como programador, es miembro del Comité de Selección del Festival Punto de Vista desde 2018, ha sido Vocal de Cinematografía del Ateneo Navarro (2016-2021) y ha comisariado ciclos para instituciones como la Filmoteca de Navarra o la Filmoteca de Murcia, entre otras. Ha participado como jurado en festivales como SEMINCI e IBAFF.
Autor: Miguel Zozaya Fernández, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 488

 

La guerra como prisión mental, tráiler para «Hokage» de Shinya Tsukamoto

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No deja de ser una gran noticia que cinco años después de su interesante Zan Shinya Tsukamoto vuelva a ponerse detrás de las cámaras con Hokage (Shadow of Fire), película cuyo tráiler subtitulado al francés, aprovechando su estreno en tierras galas previsto para el próximo 1 de mayo, acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, un drama con trasfondo bélico, que sirve como reflexión sobre el acercamiento de la guerra a nuestro presente, tras su premiere mundial en la pasada edición del Festival de Venecia dentro de la sección Orizzonti, viene a cerrar la trilogía antimilitarista orquestada por Shinya Tsukamoto tras sus anteriores Nobi (2014) y Zan (2018).
En Hokage vemos la mirada de un hombre traumatizado por la guerra, una mujer que tiene que vender su cuerpo para poder mantenerse y un niño que parece encarnar un rayo de esperanza. Todo ello situado en el escenario de un campo de batalla durante el final del período Edo, cuando el mundo de paz comenzó a tambalearse.
La película, con guion a cargo del propio Shinya Tsukamoto, está protagonizada por Shuri, Ouga Tsukao, Hiroki Kono, Mirai Moriyama, Tatsushi Ōmori y Gô Rijû.

El cómic y la danza serán en abril protagonistas de la programación de Cineteca Madrid

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Los comisarios Elisa McCausland, Felipe Rodríguez-Torres y Diego Salgado abordarán la influencia recíproca del cómic y el cine
Con motivo del Día Internacional de la Danza, Cineteca proyectará clásicos, estrenos y documentales que tienen a esta disciplina artística como protagonista
El ciclo ‘Películas inmundas’ reivindica un cine español subversivo y de bajo presupuesto
Los estrenos de mes incluyen piezas de directores como Pablo Llorca, Ignacio Oliva, José Gasset, Luis (Soto) Muñoz, Alejo Levis y Delphine Lehericey, cuyo Nuestro último baile ganó el Premio del Público en el Festival de Locarno 2022
Se proyectarán también dos películas con la visión particular del mexicano Teo Hernández
La muestra de cine rumano destacará los últimos trabajos de Cristi Puiu o Radu Jude
Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, tendrá entre sus protagonistas del mes de abril al cómic y a la danza. El cómic será explorado a través de ciclos como ‘Cinéticas’ y ‘Cine y cómic: de la narrativa secuencial al lenguaje audiovisual’, con películas míticas que muestran la influencia recíproca de uno y otro y cuatro seminarios para profundizar en esta hibridación.
Con motivo del Día Internacional de la Danza, que se celebra el 29 de abril, Matadero Madrid presenta Danzadero, un completo programa de actividades en torno a esta disciplina artística que se extenderán durante el mes de abril. Cineteca se suma a esta celebración con una programación de grandes clásicos y documentales que tienen a la danza como protagonista, traspasando además la pantalla para acoger un espectáculo de danza.
Además, en abril Cineteca acogerá el ciclo ‘Películas inmundas’, que explora los márgenes de la irreverencia en el cine español, así como una nueva edición de la muestra de cine rumano y varias películas del cineasta mexicano Teo Hernández. Por su parte, el ciclo ‘Así son las cosas’, dedicado al videoarte, se adentrará en las estructuras del capitalismo.
Cinéticas
El cine nació como captación del movimiento y, por ello, no es de extrañar que las primeras películas fuesen retratos de bailes, de bailarinas, de cuerpos que danzaban.
El cómic nació también con la idea de poner la narración en movimiento, y por eso ambos medios, el cine y el cómic, se desarrollaron en paralelo. La pantalla de cine y la página de cómic estaban llamadas a definir muchos de los grandes mitos del siglo XX. También la danza. Cinéticas quiere celebrar un arte que está en cambio continuo, en continuo movimiento.
Cine y cómic: de la narrativa secuencial al lenguaje audiovisual
Este programa rastrea los trasvases culturales, temáticos y formales que se han producido entre el mundo del cómic y el del cine a lo largo del último siglo, con una extensa selección de películas de todos los géneros y clases que van desde la década de 1920 hasta hoy. Concurrencias argumentales, sensibilidades afines, influencias estéticas e hibridaciones posmodernas, que van mucho más allá de las simples adaptaciones del cómic al cine. La influencia recíproca del lenguaje de la gran pantalla y el de las viñetas sigue siendo un fértil tema de reflexión, y se abordará en
este ciclo realizado en colaboración con los comisarios Elisa McCausland, Felipe Rodríguez-Torres y Diego Salgado.
Algunas de las películas que se proyectarán dentro de este marco son El gabinete del Dr. Caligari (Robert Wiene, Alemania, 1920), Pierrot el loco (Jean-Luc Godard, Francia-Italia, 1965), Nosferatu (F.W. Murnau, Alemania, 1922), El quinto elemento (Luc Besson, Francia-Reino Unido-EEUU, 1997), Persiguiendo a Amy (Kevin Smith, EEUU, 1997) o El Gran Hotel Budapest (Wes Anderson, EEUU-Alemania, 2014).
Cuatro seminarios sobre cine y cómic
Las proyecciones del ciclo ‘Cine y cómic: de la narrativa secuencial al lenguaje audiovisual’ irán acompañadas de una serie de tres seminarios impartidos por los comisarios Elisa McCausland, Felipe Rodríguez-Torres y Diego Salgado, y un cuarto impartido por Francisco Sáez, Catedrático en la Universidad de Alcalá y director de la Cátedra ECC-UAH de Investigación y Cultura del Cómic. Todos ellos reflexionarán sobre la forma en que el cine y el cómic se han retroalimentado a lo largo de su historia, desde las relaciones primigenias entre los dos medios hasta la posmodernidad, preguntándose qué es una buena adaptación del cómic al cine.
Cine y danza
Cineteca Madrid se suma a la celebración del Día de la Danza de Matadero Madrid, con un programa que incluye grandes clásicos como Las zapatillas rojas (Michael Powell, Emeric Pressburger, 1948), películas de género como Suspiria (Luca Guadagnino, 2018), estrenos como Nuestro último baile (Delphine Lehericey, 2022) y documentales como Pina (Wim Wenders, 2011) o La danza. El ballet de la Ópera de París (Frederick Wiseman, 2009). El programa incluye una actuación de la bailarina Paz Rojo.
Películas inmundas
‘Películas Inmundas’ es un ciclo que reivindica ese otro cine español realizado a espaldas de la industria, con bajo presupuesto y un carácter lúdico, atrevido e innovador. Subversivo y clandestino. Una muestra de terrorismo cinematográfico que con su desvergüenza y descaro dinamita las normas del buen gusto imperante y los mediocres valores estéticos promulgados por el cine dominante. Un espacio para la celebración del disfrute y el delirio con películas como La maldición de la rejoneadora (Bernardo Bonezzi, 1986) o Los 1001 descorches (Daniel Gómez Ruiz, 1998).
Estrenos
Confluyen en abril los últimos trabajos de veteranos como Pablo Llorca, con dos títulos más de las cinco películas que componen su última producción, e Ignacio Oliva, en su regreso al largometraje con un thriller de espionaje ambientado en la Segunda Guerra Mundial, con las óperas primas de José Gasset (La función) y Luis (Soto) Muñoz (Sueños y pan, premiada en Atlántida Mallorca Film Fest).
Por su parte, Hate Songs, tercer largo de Alejo Levis, pudo verse recientemente en la última edición del Festival de Málaga. Además, con motivo de la programación de Cineteca dedicada a la unión del cine y la danza, esta acoge el estreno de Nuestro último baile, de Delphine Lehericey, Premio del Público en el Festival de Locarno 2022.
Confesionario: la autografía fulminante de Teo Hernández
Nueva sesión del programa mensual comisariado por Pablo Marín, dedicada en esta oportunidad a la obra única, desbordante, estimulante y sin concesiones de Teo Hernández, artista mexicano radicado en Francia y fallecido a la temprana edad de 52 años a causa de sida. Cielos, estatuas, comidas, amantes, cuerpos, bailes: nunca la vida (es decir la luz y el tiempo) ha sido filmada con semejante entrega. Se verán dos de sus películas en su formato original de Super 8mm: Tables d’Hiver (Francia, 1979) y Souvenirs / Florence (Francia, 1981).
Muestra de cine rumano
Un año más, en colaboración con el Instituto Cultural Rumano de Madrid, Cineteca presenta una selección del mejor cine rumano presentado en diversos festivales internacionales, destacando los últimos trabajos de dos pesos pesados como Cristi Puiu o Radu Jude, cuya No esperes demasiado del fin del mundo se alzó con el premio principal de la competición Albar en el último FICX – Festival Internacional de Gijón.
Además, este año la muestra dedica un pequeño ciclo al cine documental de Andrei Ujică, con tres de sus títulos más reconocidos e influyentes.
Así son las cosas: Cartografía Provisional
Nueva sesión del programa mensual comisariado por Marta Ramos-Yzquierdo, dedicado al videoarte y otros ámbitos de las artes visuales, dedicado en esta ocasión al artista Max de Esteban, cuyas investigaciones se centran en las estructuras del mundo capitalista: tecnologías, sistemas y condiciones de la circulación del significado y el poder. Cartografía Provisional, recién estrenada en la Bienal de Cuenca, es el último trabajo de Max de Esteban. La sesión se acompañará de una
conversación abierta con el filósofo Franco Bifo Berardi.
La noche Z: Los puños salvajes de Popeye
Para su sesión mensual dedicada al cine de serie B, el comisario Víctor Olid ofrece una propuesta inusual: un largometraje de Popeye a partir de cortometrajes clásicos entre los que se cuenta la trilogía original de la factoría Fleischer, formada por Popeye el marino (1936), Popeye y los 40 ladrones (1937) y Popeye y la lámpara maravillosa (1939), y otros cortometrajes de los años 40, 50 y 60. Con el fin de conservar las texturas y colores originales, el máster se ha confeccionado a partir de cintas VHS gastadas, que conservan todos sus fallos e imperfecciones.
Otras propuestas
Otras propuestas de este mes serán Relatos del ruido – Recuerdo de Luigi Nono II (Hay que caminar soñando), pase especial Septiembre, Ciclo Docma: Rebeladas o TVE Somos documental: Carlos Tena. El espíritu burlón de la música.
La programación de Cineteca Madrid incluye en abril las siguientes sesiones no recomendadas para menores de 18 años: Suspiria (Dario Argento, Italia, 1977), The Warriors: Los amos de la noche (Walter Hill, EEUU, 1979), Cartas sin destino (Els 5Qks, España, 1979), Ocellots agafen l’últim tramvia (Els 5Qks, España, 1983), La maldición de la rejoneadora (Bernardo Bonezzi, España, 1985), Asesinos natos (Oliver Stone, EEUU, 1994), Los 1001 descorches (Daniel Gómez Ruiz, España, 1998), Los productores (Stanley Sunday, España, 2005), Suspiria (Luca Guadagnino, Italia-EEUU, 2018) y You Can’t Stay Here (Todd Verow, EEUU, 2023).

 

 

«Vincent doit mourir» review

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Vincent empieza a ser atacado por personas extrañas con claras intenciones homicidas. Su existencia como hombre anodino se ve trastocada y, a medida que las cosas se descontrolan violentamente y el fenómeno se intensifica, se ve obligado a huir y cambiar su vida por completo.
Vincent doit mourir viene a ser otra cinta perteneciente a ese tipo de cine francés que últimamente profundiza en un fantástico que parece estar sumido en el drama, en esta ocasión a través de un relato que modula coordenadas genéricas respecto al apocalipsis y la naturaleza de la condición humana. El film del debutante Stéphan Castang parte de una muy interesante premisa: sin explicación alguna, un hombre corriente, tirando a gris, empieza a ser atacado con claras intenciones homicidas por parte de personas corrientes, concepto que nos retrotrae a un inquietante imaginario que parece surgido de la mente del escritor Richard Matheson, aquella que traslada al espectador la posibilidad de sus peores pesadillas, también en relación a su estructura minimalista y a la imposibilidad del individuo corriente de poder asumir con cierta lógica un hecho fantástico de índole irracional, de tratar de comprender algo incomprensible que trastoca por completo, su hasta ese momento monótona existencia.
A través de dichos parámetros argumentales, que por momentos reverencia sin complejos a la pandémica The Crazies de George A. Romero, la historia puede ser percibida mediante una enorme complejidad, beneficiándose de tener a un espléndido actor como es Karim Leklou, (Mejor actor en Sitges 2023), presente recientemente en la excelente La Goutte d’Or de Clément Cogitore, con relación a una película que conforme avanza va mutando, que empieza casi como una sátira social sobre el mundo laboral, coquetea más tarde con el slapstick y acaba en un relato de índole paranoide, algo lastrado por una parte final en donde el cataclismo pasa a ser global y en donde hace acto de aparición un algo forzado desvío romántico, dejando en un segundo plano esa interesante exploración que aborda la ruptura de una cohesión social, cuya única solución posible previa al colapso según Stéphan Castang, pasa por redimir la confianza hacia el otro.

Valoración 0/5:2’5

El western según Viggo Mortensen, primer tráiler para «The Dead Don’t Hurt»

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Pese a ser un género cinematográfico hoy en día casi extinto, el western sigue ofreciendo escuetas aportaciones de un carácter casi autoral a cargo de directores consagrados como por ejemplo Kevin Costner o Quentin Tarantino. The Dead Don’t Hurt, cuyo primer tráiler acaba de salir a la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone una nueva incursión en el género y el segundo trabajo tras las cámaras de Viggo Mortensen, después de su notable Falling (2020). La película tiene previsto su estreno comercial en nuestro país de la mano de Wanda Films para el próximo 10 de mayo.
En The Dead Don’t Hurt vemos como Vivienne Le Coudy, una mujer tremendamente independiente, se embarca en una relación con un inmigrante danés llamado Holger Olsen. Después de conocer a Olsen en San Francisco, Vivienne accede a viajar con él a su casa cerca del tranquilo pueblo de Elk Flats, donde comienzan una vida juntos. Sin embargo, la Guerra Civil los separa, dejando a Vivienne sola en un lugar controlado por el poderoso ranchero Alfred Jeffries, su violento y descarriado hijo Weston Jeffries y la ayuda y la complicidad del corrupto alcalde Rudolph Schiller.
La película, con guion e interpretación a cargo del propio Viggo Mortensen, está protagonizada por Vicky Krieps, Garret Dillahunt, Lance Henriksen, Danny Huston, W. Earl Brown, Solly McLeod, Shane Graham, Rafel Plana, Michael Weaver, Nadia Litz, Alex Breaux, Marc Dennis, Ray McKinnon y Angela Lentz.

Todo el universo de Aki Kaurismäki llega a Filmin el 19 de abril

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Coincidiendo con el estreno en Filmin de su última película, «Fallen Leaves», llegan al catálogo 17 películas y 7 cortometrajes dirigidos por el maestro finlandés.
Tras su paso por cines y filmotecas de nuestro país de la mano de Avalon, el próximo viernes 19 de abril llega a Filmin «Universo Aki Kaurismäki», un recorrido casi integral por la filmografía del director finlandés. 17 largometrajes, entre ellos su última y aclamada película «Fallen Leaves», y 7 cortos integran este ciclo que pone de relieve una de las obras cinematográficas más relevantes del cine de autor contemporáneo.

«Universo Kaurismäki» incluye algunas de las películas más premiadas del director, como «Un hombre sin pasado», Gran Premio en Cannes 2002; «Nubes pasajeras» (1996) también premiada en Cannes en su primera participación en el festival francés; o «La vida de bohemia» (1992) y «La chica de la fábrica de cerillas» (1990), ambas galardonadas en el Festival de Berlín. Kaurismäki es, junto a Paul Thomas Anderson, el único director que ha ganado en tres ocasiones el Gran Premio FIPRESCI, que anualmente entrega la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica a la mejor película del año. Para los más completistas, el ciclo incorpora dos cortometrajes y cinco videoclips dirigidos por Kaurismäki. Los 24 nuevos títulos se suman a sus películas que ya estaban disponibles en Filmin: «El Havre» (2011), «El otro lado de la esperanza» (2017) y el corto «O tasqueiro» (2007), incluido en la película colectiva «Centro histórico».

El cine de Kaurismäki se define por sus personajes, personas corrientes de clase trabajadora que atraviesan dificultades pero siempre encuentran, al final, una puerta a la esperanza. Su estilo, frío y cálido, solitario y tierno, es una carta de amor a los pequeños actos cotidianos, una elección que le emparenta con Ozu, posiblemente su referente más evidente. Aunque no es muy aficionado a los movimientos de cámara, su estilo ha ido evolucionando con el paso de los años, partiendo de una puesta en escena construida en base a planos largos y fijos a una más libre, no tan encorsetada por esa rigidez formal que permite que sea fácil identificar una película de Kaurismäki viendo apenas un par de planos.

TÍTULOS DEL CICLO:

Luces al atardecer (2006) ● «Un hombre sin pasado» (2002) ● «Juha» (1998) ● «Nubes pasajeras» (1996) ● «Leningrad Cowboys Meet Moses» (1994) ● «Leningrad Cowboys Total Balalaika Show (1993) ● «Agárrate el pañuelo, Tatiana» (1993) ● «La vida de bohemia» (1992) ● «Contraté un asesino a sueldo» (1990) ● «La chica de la fábrica de cerillas» (1990) ● «Leningrad Cowboys Go America» (1989) ● «Ariel» (1988) ● «Hamlet va de negocios» (1987) ● «Sombras en el paraíso» (1986) ● «Calamari Union» (1985) ● «Crimen y castigo» (1983) ● «Valimo» (2007, C) ● «Leningrad Cowboys: These Boots» (1992. C), C ● «Leningrad Cowboys: Those Were The Days» (1991, C) ● «Rich Little Bitch (1987, C) ● «Leningrad Cowboys: L.A. Woman» (1987, C) ● «Leningrad Cowboys: Thru the Wire» (1987, C) ● «Rocky VI» (1986, C)

 

Tráiler y póster para «Humane» de Caitlin Cronenberg

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Siguiendo la estela de su padre David y su hermano Brando, Caitlin Cronenberg debuta tras las cámaras con la distopía satírica Humane, film que de la mano de IFC Films acaba de lanzar un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película tiene previsto llegar a los cines de Estados Unidos el próximo 26 de abril, para estar posteriormente disponible en la plataforma Hulu tres meses después, el 26 de julio.
Humane se desarrolla en el transcurso de un solo día, apenas unos meses después de que un colapso ecológico global haya obligado a los líderes mundiales a tomar medidas drásticas para reducir la población del planeta. En un barrio de gente adinerada, un periodista recientemente jubilado invita a cenar a sus hijos para anunciar sus intenciones de alistarse en el nuevo programa de eutanasia. Pero cuando el plan del padre no sale como tenia previsto, estallan las tensiones y las disputas entre los hijos.
La película, con guion a cargo de Michael Sparaga, está protagonizada por Jay Baruchel, Emily Hampshire, Peter Gallagher, Enrico Colantoni, Sebastian Chacon, Alanna Bale, Sirena Gulamgaus, Martin Roach, Joel Gagne, Blessing Adedijo, Yanna McIntosh y Tara Spencer-Nairn.