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«Emmanuelle» de Audrey Diwan, película inaugural de la 72ª edición del Festival de San Sebastián
La producción francesa Emmanuelle, dirigida por Audrey Diwan, inaugurará a concurso la 72ª edición del Festival de San Sebastián. El largometraje se proyectará en estreno mundial el 20 de septiembre y contará con la presencia de su directora y de sus protagonistas.
Diwan, ganadora del León de Oro del Festival de Venecia con L’événement (El acontecimiento, 2021), ha coescrito el guion junto a la también cineasta Rebecca Zlotowski. La película sigue los pasos de una mujer que busca un placer perdido y que en un viaje de negocios a Hong Kong tiene numerosos encuentros, incluido uno con Kei, un hombre que la elude constantemente.
La película se inspira en el personaje y el mundo creados por la escritora Emmanuelle Arsan. Concebida por Audrey Diwan como una exploración del placer en la era post Me Too, Emmanuelle se rodó durante el otoño de 2023 en Hong Kong y París.
La actriz y directora Noémie Merlant (Portrait de la jeune fille en feu / Retrato de una mujer en llamas, Un año, una noche, L’innocent / El inocente, Tár, Mi iubita, mon amour…) interpreta al personaje principal del filme acompañada de Naomi Watts (Mulholland Drive, 21 gramos, The Impossible / Lo imposible…), Will Sharpe (The White Lotus), Jamie Campbell Bower (Stranger Things), Chacha Huang y Anthony Wong.
El debut de Audrey Diwan, Mais vous êtes fous / Losing It (2019), fue protagonizado por Pio Marmaï y Cécile Sallette. Su segunda película, El acontecimiento, adaptación del libro de Annie Ernaux sobre su aborto ilegal en los años 60, contó con un reparto de nuevos talentos del panorama francés (Anamaria Vartolomei, Kacey Mottet-Klein, Luàna Bajrami) y logró el León de Oro en Venecia, además de cuatro nominaciones en los Premios César y una nominación en los BAFTA, entre otros galardones. En 2021, Diwan formó parte del Jurado de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.
Emmanuelle es una producción de Chantelouve, Rectangle Productions y Goodfellas. Beta Fiction Spain llevará la distribución de la película en el territorio español. La película se estrenará en Francia, tras su presentación en el Festival de San Sebastian, el 25 de septiembre.
BIOFILMOGRAFÍA
La directora, autora y guionista Audrey Diwan debutó en la dirección de largometrajes con Mais vous êtes fous / Losing It, protagonizada por Celine Sallette y Pio Marmaï. Su segunda película, L’événement / El acontecimiento, ganó el León de Oro en el Festival de Venecia de 2021. Ese mismo año formó parte del Jurado Oficial del Festival de San Sebastián. En 2023, fue galardonada con el César al mejor guion junto a Valerie Donzelli por L’amour et Les Fôrets. Su tercer largometraje, Emmanuelle, tendrá su estreno mundial en el Festival de San Sebastián donde será la película inaugural a concurso.
Emmanuelle
Audrey Diwan (Francia)
País(es) de producción: Francia
Intérpretes: Noémie Merlant, Naomi Watts, Will Sharpe, Jamie Campbell Bower, Chacha Huang, Anthony Wong
Inauguración a concurso
Emmanuelle sale en busca de un placer perdido y vuela sola a Hong Kong en viaje de negocios. En esta sensual ciudad global, donde inicia numerosos encuentros, conoce a Kei, un hombre que la elude constantemente.
Círculo de Bellas Artes: La Noche Bizarra: Alejandro Jodorowsky. El camino es el destino
El segundo y tercer sábado de cada mes, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas
Dedicamos el mes de mayo de La noche bizarra a dos auténticas películas de culto, obra del artista, cineasta, poeta y psicomago Alejandro Jodorowsky (Chile, 1929). Dos alucinados viajes cinematográficos que se han convertido en referentes de la contracultura de los años 70, el misticismo audiovisual y el cine más bizarro e inclasificable.
Fecha: 11.05.2024 — 18.05.2024
Precio: [entrada 5,5 € – mayores de 65 y Carnet Joven 4 € – abono 3,6 € – socios 3,5 €]
Películas del ciclo
La Montaña Sagrada
Alejandro Jodorowsky, México/USA, 1973, 1h55 VOSE [Archivo digital]
Considerada una de las películas más misteriosas de la historia del cine, convertida en la película-escándalo de Cannes 1973 por su imaginería blasfema, simbolismo místico y violencia surrealista. Ambas películas se proyectarán en todo su esplendor visual, gracias a nuevas restauraciones 4K supervisadas por el propio Jodorowsky.
Sesión: Sábado 11.05.24 · 22:00
El Topo
Alejandro Jodorowsky, México/USA, 1970, 2h04 VOSE [Archivo digital]
Inauguró el fenómeno de las Midnight Movies en Nueva York. La película se proyectaría durante meses a medianoche en el Elgin Theater de Chelsea, agotando entradas todas las noches. Entre sus fans se encontraba John Lennon, que convenció a su manager Allen Klein para que financiara la siguiente película de Jodorowsky, aportando un millón de dólares y ofreciéndole absoluta libertad creativa
Sesión: Sábado 18.05.24 · 22:00
La epopeya final, primer tráiler para «Megalópolis» de Francis Ford Coppola
De testamento fílmico podría considerarse la génesis y posterior desarrollo de una película de las características de Megalópolis, epopeya futurista, que supone el nuevo, y posiblemente último, trabajo tras las cámaras de Francis Ford Coppola, que acaba de estrenar un primer teaser tráiler oficial que podéis ver a final de página. El film, la superproducción más personal de las ultimas décadas, con un presupuesto autofinanciado de 120 millones de dólares, mediante un proyecto que ha durado más de cuarenta años en poder ser una realidad, tendrá su premier mundial el 17 de mayo en la próxima edición del Festival de Cannes, en donde optara por la Palma de Oro.
Megalópolis nos cuenta cómo un gran cataclismo destruye una gran ciudad similar a Nueva York, lo que lleva a un arquitecto idealista llamado Cesar, a querer reconstruirla para poder convertirla en una urbe sostenible. Sin embargo, el alcalde tiene otros planes. Entre medias de tal conflicto se encuentra Julia, la hija del alcalde y amante de César.
La película, con un guion, que necesito mas de 300 versiones, a cargo del propio Francis Ford Coppola, está protagonizada por Adam Driver, Nathalie Emmanuel, Giancarlo Esposito, Aubrey Plaza, Nathalie Emmanuel, Lawrence Fishburne, Shia LaBeouf, Jon Voight, Dustin Hoffman, Talia Shire, Jason Schwartzman, Kathryn Hunter, James Remar y Grace VanderWaal.
Proyecciones Xcèntric: Sismografías. Malena Szlam y Patricia Dauder
Los últimos trabajos de la cineasta chilena Malena Szlam y de la artista catalana Patricia Dauder presentan múltiples correspondencias. Las imágenes y sonidos de algunas de sus películas aluden, por un lado, a ciertas estructuras geológicas de lugares marcados por topografías volcánicas y sísmicas, y, por otro, a ciertas figuraciones cósmicas y astrológicas.
Lunar Almanac, la primera película de Malena Szlam que veremos en esta sesión, es un trabajo que registra en 16 mm el ciclo lunar a través de diversas capas y puntos de vista, creando reverberaciones visuales de este astro obtenidas a través de superposiciones y largas exposiciones. A este trabajo le sigue Altiplano, película filmada en la cordillera de los Andes, en el norte de Chile y en el noroeste de Argentina, que presenta paisajes vibrantes de salinas ancestrales, desiertos volcánicos y lagos de colores acompañados de infrasonidos de volcanes, géiseres y ballenas azules. Por último, Merapi es un estudio fragmentado del paisaje alrededor de la «montaña de fuego», un volcán situado en Indonesia en el que la cineasta chilena observa de cerca ciertos fenómenos corrientes como el movimiento de las nubes, el amanecer y el atardecer y sus variaciones lumínicas.
Insulana, de Patricia Dauder, es un trabajo inspirado en la erupción volcánica que afectó al archipiélago de las Azores entre 1957 y 1958 y que dejó la isla de Faial completamente cubierta de cenizas. La película no pretende trazar la historia de este hecho, sino compilar ciertas huellas donde el presente y el pasado conviven indistintamente, y lo hace mezclando imágenes de archivo y otras filmadas por la artista en su estudio y en los lugares afectados por la erupción. La segunda película que veremos de Dauder, Península, es un trabajo que presenta una yuxtaposición constante de espacios interiores y exteriores, formatos (16 mm y súper-8), color y blanco y negro, para intentar trazar un retrato de lo que es estar físicamente en un lugar y mentalmente en otro. La sesión finalizará con March 5th 1979, que parte de una serie de imágenes fijas que retratan un fenómeno luminoso no identificado que tuvo lugar en el cielo de las Islas Canarias el 5 de marzo de 1979.
Malena Szlam: Lunar Almanac, 2013, 16 mm, sin sonido, 4’; Altiplano, 2018, 35 mm, 16’; Merapi, 2021, 16 mm a digital, 8’.
Patricia Dauder: Insulana, 2021, 16mm a digital, 16’; Península, 2018, digital, sin sonido, 5’; March 5th 1979, 2011, 16 mm, sin sonido, 5’.
Copias de Malena Szlam procedentes de Light Cone. Copias de Patricia Dauder cortesía de la autora.
Fecha: 23 mayo 2024
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Tráiler y póster para «Le Deuxiéme Acte», lo nuevo de Quentin Dupieux
Tras un 2023 en donde presento las películas Yannick y Daaaaaalí!, el realizador francés Quentin Dupieux se estrena en este 2024 con la comedia de enredos titulada Le Deuxiéme Acte, film cuyo primer tráiler subtitulado al inglés acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que inaugurará la inminente edición del Festival de Cannes, llegará a los cines de Francia el mismo día de su premier mundial en el certamen galo, el próximo 14 de mayo.
En Le Deuxiéme Acte vemos como una joven llamada Florence quiere presentarle a David, el hombre del que está perdidamente enamorada, a su padre, Guillaume. Pero David no se siente atraído sentimentalmente por Florence, por lo que decide arrojarla a los brazos de su mejor amigo Willy. Los cuatro personajes se encuentran en un restaurante situado en medio de la nada llamado Le deuxième acte…
La película, con guion como viene siendo habitual a cargo del propio Quentin Dupieux y una escueta duración de 76 minutos, está protagonizada por Léa Seydoux, Vincent Lindon, Louis Garrel, Manuel Guillot y Raphaël Quenard.
Grandes temas del cine fantástico
No se puede poner límites a la imaginación. Todo cabe en el mundo de la fantasía, y si es de cine de lo que hablamos, entonces las posibilidades no solo son fascinantes, sino también infinitas. Y eso es lo que quiere transmitir y compartir este libro, en el que se aborda el cine fantástico de la forma más amplia y panorámica posible, incluyendo en él la ciencia ficción, el terror y otros subgéneros imprescindibles para entender este universo fílmico en su globalidad.
El objetivo de esta obra es, por lo tanto, desglosar y analizar en diferentes apartados temáticos un género ecléctico por definición, y cuyo denominador común en todas las películas que de él forman parte es la ruptura con la realidad. A partir de ahí, la mirada es poliédrica: mitos, leyendas, monstruos, criaturas, robots, extraterrestres, brujas, demonios, fantasmas, vampiros, zombis, viajes en el tiempo y en el espacio… Un universo simplemente alucinante.
Los autores:
Amat Ferris, Sintu · Ávila Salazar, Alberto · Azzam, Marcos · Bustillo Ramírez, Marcos · Campillo Bueno, Pere · Casals Campmany, Quim · Chantal Ibán · Codina, Toni · Díaz Maroto, Carlos · Graña, Telmo · Hidalgo, David · Jiménez i Prunera, Xavi · Juanmartí, Jordi · Lago, Cristina · Lens, Jesús · López Gómez, Héctor · López Poy, Manuel · Morell, Dani · Moreno, Joel · Nasarre, Lluís · Ribhi Hassan, Laila · Romero, Javier G. · Salvador Estébenez, José Luis · Sanz, Katia · Soldevila, Frederic · Vilaseca, Jaume · Villar Duque, Guillermo
Autor: Varios, Editorial: DOLMEN, Páginas: 320
Cineteca: Experiencias del cine documental contemporáneo
El documental, mucho más que cualquier otro género cinematográfico, funciona como un fantástico sismógrafo que detecta y registra los temblores que agitan la realidad de nuestra época. Ajeno a los mecanismos industriales de producción, permite abrir espacios únicos para la representación de los problemas, la reflexión colectiva y el cuestionamiento del mundo que nos rodea. En este programa, ofrecemos una muestra de nueve sobresalientes documentales de distintas temáticas estrenados en los últimos años en España y otros países, que demuestran la buena salud del género y su compromiso con el presente.
Fecha
Del 5 al 19 de mayo de 2024
Programación
Toda una vida
Marta Romero/ España/2023/(72′).
Hace doce años una nieta empezó a grabar a su abuela: quería atrapar el tiempo que el Alzheimer iba a robarle. Más de una década de material filmado se convierte en una emotiva historia sobre la voluntad de amar.
Nuestra película
Diana Bustamante/Colombia, Francia/2022/(73′)
Nuestra película es una re-visita a esas imágenes que se fueron acumulando en hechos y en reproducciones. Un collage de repeticiones y memorias construido a través de la intervención del archivo noticioso colombiano de los años 80 y 90, y es al mismo tiempo un viaje vertiginoso por el sentido ulterior de esas mismas imágenes que se van descomponiendo y perdiendo sentido.
Tetuán
Iratxe Fresneda/España/2022/(95′)
Basándose en experiencias de la vida real, Iratxe Fresneda nos adentra en un viaje personal en el que pasado y presente se funden en una experiencia visual sobrecogedora y sensorial; desde las tranquilas orillas del Danubio hasta la agitada vida de Madrid, cuatro historias entrelazadas convergen y se pierden en los misterios de Tetuán.
Las canciones de la Tierra
(Fedrelandet)/Margreth Olin/Noruega/2023/(90′)
¿Qué significa estar conectado con la naturaleza? El padre de la directora tiene 84 años. Seguimos sus pasos hasta su casa en la montaña. Nos adentramos en la naturaleza más pequeña y salimos rumbo a los grandes paisajes en los que creció.
Un gif larguisimo
Teddy Williams/España, Noruega, Grecia/2023/(75′)
Un viaje de observación por el paisaje del aparato digestivo, combinado con un zoom detallado de ciudades y personas que se mueven en los límites de nuestra visión, filmado con un potente teleobjetivo. Estos espacios de imágenes dispares se sostienen mutuamente con la tensión de los cuerpos celestes. El sonido de los movimientos superpuestos a través de diferentes aglomeraciones humanas ofrece un tercer nivel de observación. Las escalas se invierten y los movimientos imperceptibles se desvelan en el GIF más largo que jamás haya visto.
Fail Better
Eva Garrido/España/2022/(70′)
Chicos y chicas de todo el mundo han convertido una plaza de Barcelona en su ágora. Patinan, bailan, aman y habitan espontáneamente un espacio público superando cualquier planificación urbanística previa. Fail Better se acerca a este pequeño universo para mirar detenidamente y escuchar, creando una intimidad desprejuiciada con los jóvenes que vamos conociendo.
Geografías de la soledad
(Geographies of Solitude)/Jacquelyn Mills/Canadá/2022/(103′)
Zoe Lucas, naturalista e investigadora autodidacta, lleva más de 40 años viviendo, cuidando y documentando la isla de Sable. Es la única habitante humana de un rico ecosistema donde conviven caballos salvajes, focas, aves e insectos, pero también adonde llegan montañas de residuos plásticos.
Atlantide
Yuri Ancarani/Italia, Francia, EEUU, Rusia, Catar/2021/(100′)
Daniele es un joven de Sant’Erasmo, una isla en los bordes de la laguna de Venecia. Vive al día, aislado incluso de su grupo de amigos, quienes están muy ocupados explorando los placeres de su culto al barchino, una lancha a motor que marca el estatus dentro de este cosmos único. Una obsesión que se materializa en construir motores cada vez más ambiciosos, y así convertir la tranquila laguna en una auténtica pista de carreras acuáticas. Daniele también sueña con romper el récord de velocidad del barchino, algo que le llevará a lo más alto entre su grupo, pero todo lo que hace para conseguirlo se acaba volviendo en su contra.
La vida secreta de los árboles
(Das geheime Leben der Bäume)/Jörg Adolph/Alemania/2021/(96′)
Cuando Peter Wohlleben publicó su libro La vida oculta de los árboles en 2015, irrumpió en todas las listas de éxitos de ventas de la noche a la mañana: nadie había escrito antes sobre los bosques alemanes como el forestal de la parroquia de Wershofen. Wohlleben nos cuenta de una manera entretenida y esclarecedora sobre la solidaridad y la cohesión de los árboles y toca la fibra sensible de su creciente comunidad de lectores: nos acerca a estas asombrosas entidades vivientes en visitas guiadas por el bosque. Wohlleben viaja a Suecia para ver el árbol más antiguo del mundo; visita negocios en Vancouver que buscan un nuevo enfoque sobre cómo tratar los bosques; se pone del lado de los manifestantes en Hambacher Forst. Sabe que los humanos solo podemos sobrevivir si los bosques están sanos, y estamos ante nuestra última oportunidad.
Mastroianni según Mastroianni, tráiler para «Marcello Mio» de Christophe Honoré
Siguen viendo a la luz los primeros avances de algunas de las películas que estarán presentes en la próxima edición del Festival de Cannes compitiendo por la Palma de Oro. Marcello Mio, cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el nuevo trabajo tras las cámaras del realizador francés Christophe Honoré (Les chansons d’amour 2007), Chambre 212 (2019), Le lycéen (2022), en una película que indaga en las complejas relaciones paterno -filiales de los Mastroianni. El film llegará a los cines de Francia el próximo 21 de mayo.
En Marcello Mio vemos como Chiara Mastroianni, presionada por todas partes por la figura de su padre, decide devolverle a la vida a través de sí misma. Se hace llamar Marcello, se viste como él y pide que la consideren ahora un actor, no una actriz. La gente que la rodea cree que se trata de una broma pasajera, pero Chiara está decidida a no renunciar a su nueva identidad.
La película, con guion a cargo del propio Christophe Honoré, está protagonizada por Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve, Fabrice Luchini, Nicole García, Melvil Poupaud, Benjamin Biolay y Stefania Sandrelli.
La versión restaurada de Tasio, presente en el Festival de Cannes, inaugurará la sección Klasikoak del Zinemaldia
El largometraje del director navarro ha sido restaurado por los laboratorios L’immagine Ritrovata de Bolonia.
La película Tasio (Montxo Armendáriz, 1984) ha sido restaurada por la Filmoteca Vasca en los laboratorios L’immagine Ritrovata, dependientes de la Cinemateca de Bolonia, entre octubre y noviembre de 2023. Asimismo, esta obra fundamental de la cinematografía vasca ha sido seleccionada en la sección Classics del Festival de Cannes que se celebrará del 14 al 25 de mayo y donde se verá en 4K. Esta misma copia restaurada de Tasio servirá para inaugurar en septiembre la sección Klasikoak en la 72ª edición del Festival de San Sebastián, certamen donde se estrenó hace 40 años.
El material original, conservado en la Filmoteca Española, viajó a los laboratorios a finales de septiembre. En Bolonia fue revisado y reparado manualmente y se limpió con ultrasonidos. Una vez escaneado fue restaurado digitalmente, se estabilizó la imagen, se eliminaron las rayas y la suciedad.
Finalmente, se acometió la fase de corrección de color y restauración de sonido, trabajos que supervisó en la ciudad italiana el propio Armendáriz. Además, de ese periodo en Bolonia, el conjunto del proceso ha sido controlado por el director navarro y por el personal técnico de la Filmoteca Vasca.
Esta restauración ha sido posible gracias al apoyo económico del departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco y se ha realizado de acuerdo con Enrique Cerezo P.C. propietaria de la cinta.
Tasio ha sido seleccionada en Cannes Classics, la sección del festival galo que recupera títulos clásicos y uno de los más importantes del mundo en este ámbito, junto a películas como Napoleón (Abel Gance, 1927), Gilda (Charles Vidor, 1946), Paris, Texas (Wim Wenders, 1984), Seven Samurai (Los siete samuráis, Akira Kurosawa, 1954), Les parapluies de Cherbourg / The Umbrellas of Cherbourg (Los paraguas de Cherburgo, Jacques Demy, 1964), The Sugarland Express (Loca evasión, Steven Spielberg, 1974) o Quatre nuits d’un rêveur / Four Nights of a Dreamer (Cuatro noches de un soñador, Robert Bresson, 1971).
La Filmoteca Vasca tratará de que esta película icónica del cine vasco se proyecte también en otras citas de referencia en el campo del cine clásico. En septiembre podrá verse en el Festival de San Sebastián, donde inaugurará Klasikoak, la sección que rescata clásicos antiguos y modernos de la historia del cine universal.
Por su parte, la distribuidora francesa Tamasa ha comprado los derechos para proyectarla en las salas del país galo en 2025.
‘TASIO’
La película retrata la vida de Tasio, un niño que vive en un pequeño pueblo de la sierra de Lokiz (Navarra) que a los ocho años empieza a trabajar en el monte y a los 14 ya es carbonero, como su padre. A pesar de que muchos vecinos emigran a la ciudad para tener un trabajo fijo, Tasio prefiere mantener su libertad y vivir en la montaña. La cinta está basada en la vida de Anastasio Ochoa Ruiz (Tasio), carbonero y cazador furtivo que nació en Zúñiga en 1916 y murió en 1989 en el monte Valderrota.
La película contó con un importante elenco técnico y artístico formado por Elías Querejeta (productor), Pablo G. del Amo (montador), Gerardo Vera (director artístico), Ángel Illarramendi (compositor), José Luis Alcaine (director de fotografía), Alfredo Mayo (cámara) y José Luis López-Linares (foto-fija). Por su parte, Patxi Bisquert y Amaia Lasa encarnaron a los protagonistas.
En palabras de Montxo Armendáriz, «Tasio es una película sobre la libertad furtiva, sobre esa libertad escondida en contra de las normas y las convenciones». «Lo que más me interesaba de Tasio era el concepto de la dignidad, orgullo y honor que tenía frente a la sociedad, a pesar de que esa postura pudiera hacerle aparecer como un personaje retrógrado, que está en contra del progreso. Sin embargo, para mí ahora tiene una lectura diferente a la que tenía cuando la hice», añade el realizador.
De su paso por Bolonia, Armendáriz subraya que al entrar en la sala del laboratorio donde restauraban Tasio y contemplar en la pantalla la imagen congelada del fotograma con el título de la película, sintió «de nuevo la misma emoción que el día de su estreno». «La satisfacción de ver un sueño hecho realidad. Y no solo porque rescataba del fotoquímico las imágenes tal como las recordaba, sino también porque con ellas recuperaba trozos de mi propia vida: momentos inolvidables y personas queridas que, con sus luces y sombras, iban surgiendo durante el visionado de cada escena, como si los recuerdos hubieran quedado atrapados en sus fotogramas y se resistiesen también a ser borrados por el paso del tiempo», explica.
Por su parte, el director de la Filmoteca Vasca, Joxean Fernández, ha declarado que con Tasio comienza «nuestro proyecto de restaurar grandes títulos de la cinematografía vasca. Lo hemos hecho además en el que es quizás el mejor laboratorio del mundo para ello (Bolonia) y con la voluntad de introducir internacionalmente el concepto de ‘clásico’ para nuestro cine. El hecho de haber contado en todo el proceso con el trabajo y la complicidad de Montxo Armendáriz da a este trabajo una legitimidad indudable. En definitiva, tenemos la mejor restauración de uno de nuestros mejores títulos en el mejor escaparate: Cannes».
El consejero de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco, Bingen Zupiria, ha afirmado que «ver Tasio en Cannes es una gran noticia ya que sirve para que la cultura vasca gane presencia internacional. Con la incorporación de la película a las tecnologías actuales ponemos nuestro patrimonio al alcance de la sociedad. Es necesario preservar y compartir el patrimonio cultural de un pueblo para asegurar su transmisión a las próximas generaciones. Es lo que hemos querido hacer con Tasio. Restaurarla, adaptarla a las necesidades actuales y ponerla a disposición de la gente. Que se muestre en la sección de clásicos de Cannes para recibir el reconocimiento que merece a nivel internacional es algo grande». El consejero también ha agradecido la labor de la Filmoteca Vasca por su esfuerzo por renovar y cuidar las películas que son historia del cine vasco.
MONTXO ARMENDÁRIZ (OLLETA -NAVARRA-, 1949)
Desde los trece años Montxo Armendáriz (Olleta, Navarra, 1949) tuvo claro que quería hacer cine; sin embargo, estudió electrónica y su primera incursión profesional fue como profesor de esta materia. Armendáriz fue autodidacta y en 1977 gracias a la Asociación de Cineastas Vascos conoció a Fernando Larruquert y Javier Aguirresarobe. El primero ejerció de montador y el segundo fue director de fotografía en el primer cortometraje del cineasta, La danza de lo gracioso (Barregarriaren dantza), que ese año ganó el Mikeldi de Plata en el Festival Internacional de Cortos de Bilbao. Después llegaron muchos más premios gracias a trabajos como: Ikusmena (1980), Ikuska 12 (1981), Carborneros de Navarra (1981), Tasio (1984) -segundo premio en la Sección Oficial y premio Fipresci del Festival de San Sebastián-, 27 horas (1986) -Concha de plata a mejor dirección en el Festival de San Sebastián-, Las cartas de Alou (1990) -Concha de Oro y premio Fipresci en el Festival de San Sebastián-, Historias del Kronen (1995) -sección oficial en el Festival de Cannes y Goya al mejor guion adaptado-, Secretos del corazón (1997) -premio Ángel azul en la Berlinale a la mejor película europea y candidata al Oscar como mejor película de habla no inglesa-, Silencio roto (2001), Escenario móvil (2003), Obaba (2004) -inauguración del 53º Festival de San Sebastián- y No tengas miedo (2011).
Klasikoak, un festival de cine clásico expandido en el tiempo y el espacio
Desde 2024, el Festival de San Sebastián y la Filmoteca Vasca han unido bajo la marca Klasikoak tres programas ya existentes: el ciclo que la Filmoteca Vasca organizaba entre abril y junio junto al Instituto Lumière, la retrospectiva clásica del Festival, que este año estará dedicada al cine policiaco italiano, y la sección Klasikoak del certamen, que proyecta clásicos antiguos y modernos. Este último apartado lo inaugurará la copia restaurada de Tasio.
Así, la iniciativa Klasikoak, que este año constará de más de 120 proyecciones, toma la forma de un festival de cine clásico expandido en el tiempo, entre abril y septiembre, y en el espacio, ya que las películas que la Filmoteca Vasca está ofreciendo en su actual ciclo de primavera se programan en Vitoria-Gasteiz, Bilbao, San Sebastián, Pamplona y San Juan de Luz.
Un reflejo musical, primer tráiler para «Segundo premio» de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez
Acaba de ser presentado un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Isaki Lacuesta, que aquí comparte dirección junto a Pol Rodríguez, Segundo premio. La película, ganadora de la Biznaga de Oro y los premios a la mejor dirección y mejor montaje en el pasado Festival de Málaga, e inspirada libremente en la banda de rock indie Los Planetas, se estrenará en los cines de nuestro país el próximo 24 de mayo.
Segundo premio nos sitúa en Granada de finales de los 90. En plena efervescencia artística y cultural, un grupo de música indie vive su momento más delicado: la bajista rompe con la banda buscando su sitio fuera de la música y el guitarrista está inmerso en una peligrosa espiral de autodestrucción. Mientras, el cantante se enfrenta a un complicado proceso de escritura y grabación de su tercer disco. Nadie sabe que ese disco cambiará para siempre la escena musical de todo el país. Esta (no) es una película sobre los Planetas.
La película, con guion a cargo del propio Isaki Lacuesta junto a Pol Rodríguez, está protagonizada por Daniel Ibáñez, Stephanie Magnin, Cristalino, Mafo (Mario Fernandez), Chesco Ruiz y Eduardo Rejón.
«Sala:B» Vanguardia con B
Delirios de amor: Parpados (Iván Zulueta, 1989). Int.: Marisa Paredes, Eusebio Poncela, Marta Fernández-Muro. España. DCP. Color. 29’
Un parpadeo rojo (Asif Ken, 2024). Int.: Juan Carlos, Salvador Buitrago. España. DCP. Color. 14’
El sexto sentido (Nemesio Sobrevila, 1929). Int: María Anaya, Ricardo Baroja, Faustino Bretaño. España. 35mm. B/N. 79’
Triple sesión y triple salto mortal: tanteamos las relaciones entre el cine de serie B y el cine de vanguardia a lo largo de casi un siglo.
Empezamos por el final: en 1929 con Nemesio Sobrevila y El sexto sentido, un clásico que nos remite a aquellos primeros cine-clubs de Ernesto Giménez Caballero, con quien inauguramos en 2017 «Sala:B», un cine-club muy inspirado por ellos. Como explica nuestro invitado el crítico cultural Javier Mateo “cuando filma El sexto sentido, Sobrevila es consciente de ‘sinfonías urbanas’ cinematográficas como las de Walter Ruttman o Dziga Vertov. El protagonista de su historia, el sabio Kamus, representa con su nombre y apariencia estrafalaria un trasunto de los creadores de vanguardia rusos y alemanes, que van del postexpresionismo a la nueva objetividad y, sobre todo, a la idea de cine puro o de cine-ojo.” Y a la vez, Sobrevila, como Giménez Caballero, no pierde de vista lo popular y hasta lo castizo, incorporando sus referencias vanguardistas en un modelo más cercano y costumbrista, en este caso el melodrama romántico de Carmen, su prometido Carlos y su amigo León, que van a los toros y tienen sus malentendidos y sus tontunas. Podría parecer que Sobrevila está parodiando las vanguardias (él hablaba de “cine de retaguardia”), pero también podemos verlo al revés, como una parodia del cine popular español mojigato, incapaz de mirar a la vanguardia si no es en broma.
Saltamos a 1989 con Párpados de Iván Zulueta, porque sería demasiado fácil poner Arrebato, que reinventaba El sexto sentido en el costumbrismo posmoderno madrileño. Párpados es un episodio de la serie de TVE Delirios de amor, rodado en 16 mm y con extensión de mediometraje. Como Sobrevila, Zulueta era otro practicante de la vanguardia por la vía de lo popular, desde el cine de terror al pop juvenil, y en Párpados practica una especie de comic underground con sus imágenes y actores fetiche para desplegar “un juego de espejos en el que las identidades llegan a fundirse, recordándonos a Persona de Bergman”, según Javier Mateo.
Y, para empezar, el muy reciente corto Un parpadeo rojo de Asif Ken Fernandes, que también aúna cine de género con lenguajes nada convencionales. Tres generaciones lejanas en el tiempo pero no tanto en su visión expandida del cine de serie B.
Presentan la sesión el director Asif Ken Fernandes, Javier Mateo Hidalgo, autor del libro De la llegada en tren a la salida en caravana: 126 hitos de la historia del cine y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 137’)
Stanley Kubrick: una odisea creativa
Transcurridos veinticinco años desde la muerte de Stanley Kubrick (1928-1999) su cine sigue siendo materia de análisis y de estudio para las nuevas generaciones que descubren las excelencias de un realizador que supo ganarse el respeto, cuando no la admiración, de la industria cinematográfica, de la crítica y de los espectadores en términos generales a lo largo de su actividad profesional, sobre todo a partir de la presentación en sociedad de 2001: una odisea del espacio (1968). En el mismo año del deceso de Kubrick apareció en el mercado editorial en lengua española una monografía sobre el director neoyorquino dentro de la colección «Serie Mayor» de Dirigido por. siendo al cabo del tiempo uno de los libros más vendidos en nuestro país bajo el epígrafe «Cine». La presente edición de Stanley Kubrick: una odisea creativa viene a representar una versión ampliada y corregida, en la que tiene cabida un ensayo en torno a uno de los proyectos que acarició durante bastante años, el de A. I. (Inteligencia Artificial), dirigido a la postre por Steven Spielberg, además de la inclusión de un apartado reservado en exclusiva a la variopinta relación de documentales fechados en lo que llevamos de siglo (XXI) con el denominador común de su figura como cineasta y asimismo de su dimensión humana. Todo ello contenido en una edición de lujo que tiene al gran cineasta australiano Peter Weir como prologuista de excepción.
El autor
Christian Aguilera. Nació el 18 de diciembre de 1967, en Barcelona. Licenciado en Ciencias Biológicas. Es autor de un buen número de libros de cine: Los directores de cine del siglo XX (1999), La generación de la televisión: la conciencia liberal del cine americano (2000), Los actores de los Oscar (1927-2003) (2003), Milos Forman: el cineasta del inconformismo (2006), Joseph L. Mankiewicz: un renacentista en Hollywood (2009), El mundo de la ciencia: 50 películas esenciales (2017), Barbara stanwyck: una gran señora de Hollywood (2015), Fred Zinnemann (2020), Robert Altman: al otro lado de Hollywood (2020), John Frankenheimer: un francotirador en Hollywood (2021), Peter Weir: un mundo aparte (2021), Sidney Lumet: una conciencia progresista (2023) y Robert Mulligan: adiós a la inocencia (2023), y coautor de Historia del cine británico (2013). Asimismo, creó en 2001 el portal www.cinearchivo.com (luego reformulada en www.cinearchivo.net hasta finales de 2023) y es autor de El enigma Haldane (2011), su primera novela. Asimismo ha publicado diversos libros sobre compositores de cine (Jerry Goldsmith, Bernard Herrmann, John Williams y John Scott), uno sobre Neil Young y el díptico Historia del rock sinfónico e Historia del neo-rock progresivo (1982-2016). La monografía Jerry Goldsmith: A Musical Chameleon (2022) representa su primer libro publicado en inglés. Actualmente prepara su segunda novela, El doctor y el monstruo, ambientada en la época victoriana.
Incluye un artículo/ensayo sobre los dos grandes proyectos frustrados de Stanley Kubrick (Napoleón y A. I. (Inteligencia Artificial)), un apartado dedicado a la música en el cine de Stanley Kubrick escrito por Jaume Carreras, una sección dedicada a los documentales en torno a Stanley Kubrick fechados en el siglo XXI, la discografía, las fichas de sus películas, y un índice onomástico y de películas con más de 1.000 entradas.
Autor: Christian Aguilera, Ilustraciones: Miki Edge, Editorial: Kane Ediciones, Colección Antologías nº 4, Páginas: 414
Los demonios interiores de Russell Crowe, tráiler para «The Exorcism» de Joshua John Miller
Acaba de ver la luz un primer adelanto, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del film de terror The Exorcism. La película, que supone el debut tras las cámaras de Joshua John Miller, guionista de The Final Girls (2015) e hijo del actor Jason Miller, se estrenará en nuestro país el próximo 31 de mayo de 2024, a los cines de Estados Unidos llegará una semana después, el 7 de junio.
The Exorcism nos cuenta como Anthony Miller es un actor con problemas que empieza a desmoronarse mentalmente durante el rodaje de una película de terror sobrenatural. Su distante hija se pregunta si su padre está volviendo a sus adicciones del pasado o si hay algo más siniestro está detrás de un comportamiento tan errático.
La película, conocida anteriormente con el título de The Georgetown Project, cuenta con un guion a cargo del propio Joshua John Miller junto a M.A. Fortin, estando protagonizada por Russell Crowe, Ryan Simpkins, Sam Worthington, Chloe Bailey, Adam Goldberg, David Hyde Pierce, Samantha Mathis, Adrian Pasdar, Tracey Bonner, Chris TC Edge, Hannah Black, Robert Fortunato y David Pascua.
Filmin estrena «Davos 1917», la serie más cara de la televisión suiza
El próximo martes 30 de abril llega a Filmin esta nueva serie de época que es la producción suiza más costosa de la historia.
El próximo martes 30 de abril Filmin estrenará «Davos 1917», una coproducción suizo-alemana liderada por tres directores: Jan-Eric Mack, Anca Miruna Lăzăresc y Christian Theede. Se trata de una serie basada en hechos reales ambientada en la Primera Guerra Mundial, en concreto en Davos, una ciudad suiza con un famoso sanatorio que mantenía una relativa paz durante la Guerra. «Davos 1917» fue reconocida en los Schweizer Fernsehfilmpreis, los premios de la televisión suiza, con el galardón a la Mejor Actriz Protagonista ganado por Dominique Davenport («Sisi»).
Davenport da vida a Johanna Gabathuler, una joven enfermera del sanatorio de Davos que está embarazada de un soldado alemán. Para mantener su honra, su familia le fuerza a dar a luz en secreto y, al nacer su hija, se la arrebatan. Al intentar recuperarla, Johanna se ve envuelta en una conspiración de espionaje de la mano de su paciente y mentora, la Condesa Ilse Von Hausner (Jeanette Hain), una mujer rica, divorciada e independiente, ingresada en este hospital. El personaje de la Condesa está inspirado en una figura histórica real, Mata Hari, la famosa bailarina exótica y espía neerlandesa que conquistó a los militares más importantes de la Gran Guerra hasta ser condenada a muerte en 1917. La propia Jeanette Hain describe asi al personaje: “Escribe sus propias normas. Es manipuladora. Es una condesa pero también una espía. Tiene muchas facetas. Es un misterio”.
Adrien Illien, uno de los escritores de la serie, explica que la idea surgió al leer «La montaña mágica», de Thomas Mann, que habla precisamente sobre este sanatorio en Davos, oasis en mitad del enfrentamiento: “Luego descubrimos que, en países neutrales como Suiza, existían grandes redes de espionaje ya que resultaba más fácil moverse entre frentes. Élites de todo el mundo iban a ese lugar a curarse de la tuberculosis. Pensamos que ese hervidero de nacionalidades era interesante”. El director, Jan-Eric Mack, recalca la controversia que supone Davos: “Fabricaba armas a la par que acogía a heridos de guerra, todo para ambos bandos”. Por todo esto, Davos es el entorno ideal para ambientar esta historia ya que, al reunir estas condiciones, era un paraíso para los espías.
Teaser tráiler para «Cloud» de Kiyoshi Kurosawa
Si hace pocos días nos hacíamos eco del primer avance de Serpent’s Path ahora es turno para otro de los trabajos que el realizador japonés Kiyoshi Kurosawa presentará en este 2024. Cloud, cuyo primer teaser tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a dos de sus carteles oficiales, tiene previsto un estreno comercial en Japón para el próximo 27 de septiembre de 2024.
Según declaraciones del responsable de Kairo en relación a Cloud, “En los rincones más oscuros del Japón actual, a veces ocurren incidentes violentos sin aparente motivo alguno. Cuando se investigan las causas, se hace evidente que existe una especie de sistema a través del cual internet acumula y exagera pequeños rencores y frustraciones. Me pregunté si un fenómeno así serviría como tema para una película de acción y comencé a desarrollar este proyecto”.
Kiyoshi Kurosawa también añade: “El protagonista de la película es un hombre extremadamente normal que, a través de sus pequeños planes para ganar dinero, desea obtener incluso la más mínima ventaja sobre los demás. En la historia, descuidadamente provoca la ira de quienes lo rodean y, finalmente, se ve arrastrado a una batalla que pondrá su vida en peligro”.
En Cloud vemos como un joven gana dinero mediante la reventa de objetos por internet, mientras tanto a su alrededor ocurren sucesos sospechosos que hacen que su vida cotidiana se vea repentinamente alterada.
La película, con guion a cargo del propio Kiyoshi Kurosawa, está protagonizada por Masaki Suda, Kotone Furukawa, Daiken Okudaira, Amane Okayama, Yosiyoshi Arakawa y Masataka Kubota.
Proyecciones Xcèntric: Alegoría Africana
En un barrio viejo (Nicolás Guillén Landrián, 1963)
Esta sesión propone un diálogo en torno a la obra singular de tres cineastas de la diáspora africana en el Caribe y los Estados Unidos. Las películas de Zeinabu Irene Davis, Nicolás Guillén Landrián y Ben Caldwell se inscriben en una historia del cine experimental como proyecto emancipador y subversivo. A través de la alegoría y el baile, el trance espiritual y el trauma colonial, construyen espacios de imaginación para la memoria afrodescendiente y la búsqueda de su representación.
Influenciados por el Tercer Cine de América Latina y África, los cineastas del movimiento L.A. Rebellion, también conocido como Los Angeles School of Black Filmmakers, se formaron en la UCLA (University of California Los Angeles) desde finales de los sesenta (Ben Caldwell) hasta mediados de los ochenta (Zeinabu Irene Davis). En Cycles (1989), su película de tesis, Davis explora las rutinas de una mujer negra que espera la menstruación, planteando el espacio doméstico como un lugar de autoconocimiento y liberación personal. Los rituales de la vida cotidiana se entrelazan en el sueño con un ritual vudú que celebra la belleza y la creatividad. Tanto en Medea (1973) como en I & I: An African Allegory (1979), Caldwell propone un «contra-archivo audiovisual negro» de fotografías, ilustraciones etnográficas, imágenes escenificadas y documentales, cantos y poemas, historias orales, música y creaciones sonoras afroamericanas, a través de un intenso trabajo de collage fílmico. Como afirmó, «tenemos que hacer que las herramientas trabajen para nuestra historia (…), por eso acabé viendo el cine como una forma de emancipar la imagen».
El eje central de la sesión es el irreverente y reflexivo cineasta afrocubano Nicolás Guillén Landrián. Con más de 21 documentales y rompiendo con las formas de representación dominantes, Landrián disocia radicalmente imagen, sonido y palabra escrita en sus películas, alejándose del documental didáctico tradicional y ofreciendo, a su vez, una aproximación lírica a la cultura popular revolucionaria desde un lugar ambiguo e indeterminado. Los del baile (1965), En un barrio viejo (1963) y Coffea Arábiga (1968) son ejemplos de una expresión personal que le costó la acusación y encarcelamiento por «desviación ideológica», la expulsión del ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos), la posterior censura de su filmografía y, finalmente, su exilio a los Estados Unidos en el año 1989.
Cycles, Zeinabu Irene Davis, 1989, 16 mm a digital, 18’, VOSC; Medea, Ben Caldwell, 1973, 16 mm a digital, 7’, VOSC; Los del baile, Nicolás Guillén Landrián, 1965, 35 mm a DCP, 7’; En un barrio viejo, Nicolás Guillén Landrián, 1963, 35 mm a DCP, 9’; Coffea Arábiga, Nicolás Guillén Landrián, 1968, 35 mm a DCP, 19’; I & I: An African Allegory, Ben Caldwell, 1979, 16 mm a digital, 32’, VOSC.
Proyección en digital y DCP.
Fecha: 26 mayo 2024
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Un viaje emocional, primer tráiler para «Grand Tour» de Miguel Gomes
Acaba de ser presentado vía The Match Factory un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador luso Miguel Gomes titulado Grand Tour. La nueva película del responsable de Tabu (2012), The Tsugua Diaries (2021) y la trilogía Arabian Nights (2015) entre otras, estará dentro de unas semanas presente en la próxima edición del Festival de Cannes compitiendo por la Palma de Oro.
Grand Tour nos cuenta como Edward es un funcionario que huye repentinamente de su novia Molly el día de su boda en Rangún, 1917. Sus viajes sustituyen el pánico por la melancolía. Sin embargo Molly, decidida a casarse y al mismo tiempo intrigada por la huida de su prometido, le sigue a través de Asia.
La película, con guion a cargo del propio Miguel Gomes junto a Telmo Churro, Telmo Churro, Maureen Fazendeiro, Mariana Ricardo y Babu Targino, está protagonizada por Jani Zhao, Gonçalo Waddington, João Pedro Vaz, Teresa Madruga, Manuela Couto, Crista Alfaiate, Lang Khê Tran, Diogo Dória, Cláudio da Silva, Américo Silva, João Pedro Bénard, Jorge Andrade, Joana Bárcia, André Lourido y Giacomo Leone.
https://youtu.be/yDu2fLuDzjg?si=_aqtJRyoxGhDRsOq
«Les chambres rouges» review
El sonado caso del asesino en serie Ludovic Chevalier acaba de llegar a juicio y Kelly-Anne está obsesionada. Cuando la realidad se mezcla con sus fantasías morbosas, se adentra en un oscuro camino para buscar la última pieza del rompecabezas: el vídeo desaparecido de una niña de 13 años asesinada, con la que Kelly-Anne guarda un inquietante parecido.
Una de las propuestas que destacaron por encima del resto de películas presentes en la Sección Oficial a concurso en la pasada edición del Festival de Sitges fue la cinta canadiense Les chambres rouges, film que transita por sendas nada convencionales, y que pervierte conceptos tales como el drama judicial, las serial killer groupies y las derivaciones del true crime, mediante la fascinante disección de un personaje sumido en la obsesión. Al igual que pasaba en Kissed (1996) o Dans ma peau (2002), por poner solo dos ejemplos, en Les chambres rouges asistimos al desarrollo de una oscura patología que conforme avanza ennegrece, con relación a una historia que tiene la gran virtud en lo concerniente a su narrativa de estar continuamente incumpliendo las expectativas del espectador, a través de una serie de sendas en donde sus protagonistas descubren que hay lugares que una vez que los visitas, es muy difícil volver.
La película de Pascal Plante, que incorpora a la trama un interesante foco de atención en la tecnología, termina siendo un fascinante thriller autoral de oblicua sensibilidad que cobra especial vigencia en unos tiempos marcados por el voyerismo morboso y el capitalismo de vigilancia. Relato que comienza con una disección del tropo del asesino en serie, evolucionando hacia un psicodrama centrado en dos mujeres que orbitan en una historia que canaliza hábilmente la esencia del horror social anexo a internet y el concepto de la perversidad de la imagen, funcionando también como estudio sobre la preocupación enfermiza de la sociedad actual por el mal. Síntesis que nos deriva a que parte del atractivo que subyace en Les chambres rouges no lo encontremos en sus imágenes, sino en algo que se pierde entre ellas. En esa forma de operar posiblemente se establezca la gran virtud del film de Pascal Plante, el negar al espectador sistemáticamente géneros pero sin llegar a abandonarlos del todo.
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Periodismo deportivo de cine
Ética de la profesión a través de su reflejo en la pantalla y sus códigos
Un análisis completo y riguroso sobre la ética en el periodismo deportivo que contribuye a la profesionalización de una especialidad informativa siempre bajo sospecha.- El periodismo deportivo siempre ha sido considerado el patito feo de las ciencias de la información. De ahí la necesidad de un análisis completo y riguroso sobre su ética que contribuya a su profesionalización. En este ensayo novedoso, se analizan más de treinta películas y series que ofrecen ejemplos a partir de los cuales se abordan los problemas éticos inherentes a la profesión. El catálogo abarca desde clásicos de Hollywood de la talla de El orgullo de los Yanquis (1942), protagonizado por Gary Cooper, o Más dura será la caída (1956), con Humphrey Bogart, hasta series recientes como Ted Lasso, de Jason Sudeikis (2020), o la española Reyes de la noche (2021), con Javier Gutiérrez. Además, para completar la perspectiva se incluyen también casos prácticos extraídos de la prensa, la radio, la televisión e internet. El resultado de esta investigación subraya la responsabilidad del periodista hacia el público, las fuentes y los referentes informativos, así como la integridad profesional y el prestigio del colectivo periodístico. Este libro dotará de nuevas herramientas a los interesados en hacer un periodismo deportivo de cine, así como a los fans del deporte que deseen ser informados de forma honesta y veraz.
Autor: Javier Montero, Editorial: MELUSINA, Páginas: 224
«Cinéma Laika»: El pequeño gran cine de Aki Kaurismäki
El célebre director finlandés ha construido un cine en su pueblo de 9.000 habitantes, y este documental, que llega a Filmin el 26 de abril, nos cuenta su historia.
Filmin estrena el próximo viernes 26 de abril, en exclusiva en España, el documental «Cinéma Laika», dirigido por el croata afincado en Francia Veljko Vidak. La película recorre el proceso de construcción del Kino Laika, una sala de cine construida en una antigua fábrica en Karkkila, un pueblo finlandés de apenas 9.000 habitantes. Los principales impulsores del proyecto son Aki Kaurismäki, seguramente el director más importante de la historia del cine finlandés, y su amigo y poeta Mika Lätti. La película se deja imbuir por el espíritu de Kaurismäki hasta el punto de que algunas escenas parecen directamente sacadas de sus películas. Su presencia sobrevuela todo el metraje aunque el director tarda bastante en aparecer, para atender finalmente una larga entrevista en la que habla de coches, perros y de la vida en general.
El Kino Laika no es la primera sala de cine que posee Kaurismäki en Finlandia. En 2019 cerró su Kino Andorra, un cine en Helsinki cuyo edificio fue absorbido por una empresa hotelera. En Karkkila viven desde hace décadas el propio Kaurismäki y Mika Latti, que sentían que le debían algo al pueblo: «Para ver películas, los vecinos tenían que viajar a la ciudad más cercana o incluso a Helsinki. Ya no, y es maravilloso ofrecerles esta oportunidad«, explica el cineasta.
La película y el cine adoptan el nombre de la perra que viajó al espacio, pero lo de Laika viene de más lejos. El amigo y antiguo colaborador de Kaurismäki, Peter von Bagh, siempre soñó con la existencia de un cine llamado Laika. Laika es además el nombre de la perrita del director que interpretó personaje canino en sus películas «La vida de bohemia» y «El Havre». «En los últimos 40 años siempre hemos tenido perros. Sin perros, la casa está vacía. Y en las películas, son unos robaescenas«, bromea Kaurismäki. Y Alma, la perrita que aparece en «Fallen Leaves», su última película, ganó el Gran Premio del Jurado en la Palm Dog del Festival de Cannes, un galardón que se otorga a los mejores intérpretes caninos del festival francés.
Kaurismäki no es la única celebridad que aparece en «Cinéma Laika». Su gran amigo Jim Jarmusch, director de películas como «Noche en la Tierra» o «Paterson», también es entrevistado por los responsables del documental, y aporta su mirada sobre la figura del director finlandés. Los espectadores que disfrutaron de «Fallen Leaves» también indentificarán a las dos componentes del grupo musical Maustetytöt, las hermanas Anna y Kaisa Karjalainen, que tras el éxito de la película, en la que interpretan la canción «Syntynyt suruun ja puettu pettymyksin», se han hecho un nombre en la escena indie internacional e incluso forman parte del cartel de este año del Primavera Sound.
El también director de cine de Karkkila, Mikko Myllylahti, tiene claro cuál es el encanto del Kino Laika: «Lo significativo y singular de este cine es que está en medio del campo. Se podría pensar que el cine de autor no puede sobrevivir aquí, pero ocurre exactamente lo contrario. Laika es muy popular entre los forasteros y los lugareños«. Y un dato corrobora ese interés de los espectadores del Laika por el cine de autor: El cine se inauguró con «Compartimento Nº 6», del también finlandés Juho Kuosmanen. Y la película recaudó más que «Sin tiempo para morir», la última entrega de la saga James Bond.
El circulo de la venganza, tráiler para «Serpent’s Path» de Kiyoshi Kurosawa
Los fans del realizador japonés Kiyoshi Kurosawa están de enhorabuena, cuatro años después de su drama de época Wife of a Spy el responsable de Kairo estrenará tres títulos en este 2024, el mediometraje Chime, Cloud y Serpent’s Path, película cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Remake de su propio film rodado en 1998, Kiyoshi Kurosawa vuelve, al igual que en Le secret de la chambre noire (2016), a filmar en Francia una película cuyo estreno comercial en tierras galas está previsto para el próximo 14 de junio.
En Serpent’s Path vemos como Albert Bacheret, un hombre sumergido por la violencia, une fuerzas con Sayoko, para poder encontrar y matar a los culpables de la muerte de su hija de ocho años. Sayoko sin embargo, que lidera su propia misión de venganza, corre el riesgo de volverse contra Albert en cualquier momento. Al mismo tiempo Sayoko Mijima, una terapeuta japonesa afincada en París, ayuda a Albert a encontrar a los miembros del Círculo, una misteriosa asociación involucrada en el tráfico de órganos de niños. Juntos, secuestran a varios sospechosos y los encierran en un almacén para extraerles información. Entre la búsqueda de la verdad y la sed de venganza, el dúo pronto se verá atrapado en una peligrosa espiral.
La película, con guion a cargo del propio Kiyoshi Kurosawa junto a Hiroshi Takahashi, está protagonizada por Kou Shibasaki, Damien Bonnard, Mathieu Amalric y Hidetoshi Nishijima.
La Casa del Cine. Escuela de verano: Tendencias del cine contemporáneo
La reformulación de los géneros, el cuestionamiento de las autorías o la influencia de las nuevas tecnologías, por poner algunos ejemplos, son cuestiones que atraviesan, determinan y condicionan la producción cinematográfica actual. Es necesario, por tanto, tenerlas en cuenta a la hora de abordar cualquier texto fílmico. En este sentido, el curso de verano sobre Tendencias del cine contemporáneo, organizado conjuntamente por LCDC y la Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC), tiene por objetivo dotar al alumnado de las herramientas para identificar las posibles mutaciones del cine y desarrollar un discurso crítico propio.
Este curso tiene un carácter teórico-práctico que se organiza a través de un itinerario doble. Por un lado, habrá una serie de sesiones dedicadas a distintos cineastas cuya obra se situará dentro de una tendencia concreta del cine contemporáneo, en las que también veremos cómo se ha acercado la crítica a cada autor. Luego, a lo largo de varias sesiones en forma de taller, el alumnado podrá desarrollar su propia capacidad crítica mediante la escritura.
Semana 1: Zack Snyder, Dennis Villeneuve, Todd Haynes. Taller práctico 1 y 2. Cada día una proyección.
Semana 2: Julia Ducornau, David Lynch, Joanna Hogg. Taller práctico 3 y 4. Cada día una proyección.
Semana 3: Tsai Ming-Liang, Neus Ballús, Ramon Lluis Bande-Carolina Astudillo. Taller práctico 5 y 6. Cada día una proyección.
Semana 4: Guy Maddin, Adam Curtis, Stephen Broomer. Taller práctico 7 y 8. Cada día una proyección.
Docentes
Fco. Javier Millán, Antonio José Navarro, Ramón Alfonso, Daniel Pérez Pamies, Jesús González Notario, Eulàlia Iglesias, Marla Jacarilla, Ignasi Franch, Mariana Freijomil, Mireia Iniesta, Guillermo Triguero, Paula A. Ruiz, Vanessa Agudo, Esteve Plantada.
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Fechas: del 1 al 26 de julio 2024
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Horario: 9h a 14h
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Precio: 700€
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Con la insripción un código de filmin gratis (mensual)
Programa
https://lacasadelcine.es/wp-content/uploads/2023/04/Escuela-de-verano-2024.pdf
El asesino que hay en mí, primer tráiler para «Trap» de M. Night Shyamalan
Acaba de ser presentado en sociedad vía Warner Bros. un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del nuevo trabajo tras las cámaras de M. Night Shyamalan titulado Trap. La película se estrenará en los cines de Estados Unidos y España el próximo 9 de agosto.
En Trap vemos como un padre junto a su hija adolescente asisten a un concierto de música pop que se celebra en un gran recinto deportivo. Una vez allí se dan cuenta de que están en el centro de un oscuro y siniestro suceso que resulta no ser otro que arrinconar a un peligroso asesino en serie. Sin embargo, el giro de la historia desvela que es el propio padre de la joven el asesino en serie que está siendo buscado, por lo que ahora este deberá encontrar la manera de salir airoso del recinto esquivando el estricto control policial.
La película, con guion a cargo del propio M. Night Shyamalan, está protagonizada por Josh Hartnett, Saleka, Hayley Mills, Marnie McPhail, Vanessa Smythe, Joseph Daly, Kristi Woods, Cali Erlichman, Valentina Theresa, Karina Grzella, Kristopher Grzella, Nicholas DeCoulos y Daniel Ryan-Astley.
Tráiler para «Twilight of the Warriors: Walled In», lo nuevo de Soi Cheang
Con menos de un mes para el inicio del Festival de Cannes, empieza a ver la luz algunos adelantos de las películas que estarán presentes este año en la Croisette. Dentro de la sección Midnight Screenings se podrá ver la cinta de artes marciales Twilight of the Warriors: Walled In, película cuyo primer tráiler acaba de ser presentado y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, dirigida por Soi Cheang, Dog Bite Dog (2016), Accident (2019), Limbo (2021), adaptación del comic City of Darkness de Andy Seto, se estrenará en Hong Kong y China el próximo 1 de mayo.
Twilight of the Warriors: Walled In sigue a Chan Lok-kwun, un joven que deambula y cruza las fronteras de la ciudad amurallada de Kowloon, un enclave chino situado en los territorios británicos de Hong Kong. Allí descubrirá el orden en medio del caos, aprendiendo importantes lecciones de vida. En dicho lugar se hará amigo íntimo de Shin, ambos, bajo el liderazgo de Tornado, intentaran frenar la invasión del malvado Mr. Big a través de una serie de feroces batallas. Juntos, prometen proteger la ciudad amurallada de Kowloon.
La película, con guion a cargo de Au Kin-Yee, Chan Tai-Lee, Li Jun y Kwan-Sin Shum, está protagonizada por Sammo Hung, Louis Koo, Philip Ng, Richie Ren, Raymond Lam, Fish Liew, Pak Hon Chu, Kenny Wong, Cecilia Choi, Tony Wu, Chun-Him Lau y Man Kit Cheung.
Line-up del Fantastic7 2024
Fantastic 7, el evento que celebra las grandes películas fantásticas por venir de todo el mundo, regresará este año al Marché du Film – Festival de Cannes, presentando una nueva selección de títulos. En esta ocasión celebrará su sexta edición, organizada por Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya y el Marché du Film.
Cada año, siete festivales de cine de renombre, reconocidos por su compromiso a la hora de apoyar películas de género innovadoras y fomentar talentos cinematográficos, respaldan cada uno un proyecto cinematográfico fantástico que se exhibirá en Cannes en el Marché du Film. Estos prometedores trabajos en progreso (en varias etapas de postproducción) son presentados por los equipos de realización durante una sesión de presentación en vivo, diseñada para reforzar sus proyectos cinematográficos y conectarlos con posibles inversores, agentes de ventas y distribuidores.
Continuando con su tradición, Fantastic 7 elige anualmente a una figura notable de la industria para que actúe como el Padrino/Madrina Fantástico del evento. Este año, el honor recaerá en el guionista, productor y director tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo, una figura fundamental a la hora de entender la última ola de cine español de género que ha cautivado al público mundial durante las últimas décadas. El impresionante currículum de Fresnadillo incluye películas como ‘Esposados’, ‘Intacto’, ‘28 semanas después’, ‘Intruders’ y, más recientemente, el nuevo éxito global de Netflix, ‘Damsel’.
Fresnadillo se unirá a una audiencia diversa de profesionales de la industria y entusiastas del cine de género en la muestra Fantastic 7, que tendrá lugar el domingo 19 de mayo a las 12:00 horas (Palais K, Palais des Festivals).
La selección de películas presentada abarca una multitud de géneros, desde el romance hasta la ciencia ficción, el terror y la aventura, entre otros, al tiempo que aborda temas desafiantes como lidiar con el duelo, el poder de la imaginación, enfrentar el estigma de las enfermedades y navegar entre malentendidos culturales… todo esto aderezado con toques de realismo mágico, intenso drama psicológico, humor irónico y evocador folklore histórico.
LA SELECCIÓN DE 2024
DANIELA FOREVER | de Nacho Vigalondo
Género: Romántico / Fantasía
Nicolas está pasando por el momento más difícil de su vida, pues su novia murió recientemente en un inesperado accidente de tráfico. Hasta que se le ofrece la oportunidad de probar un medicamento, una pastilla que le permitirá tener un control total sobre sus sueños. Ahora podrá soñar con una relación en la que sean más felices que nunca.
Presentada por Sitges – Fantastic Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya
ESPER’S LIGHT | de Jae-hoon Jung
Género: Documental fantástico sobre la adolescencia / Ciencia-ficción / Terror / Aventuras
Una decena de adolescentes viven en un mundo donde cualquiera puede ser quien quiera y crear la historia que desee. En medio de la noche oscura de la ciudad de Lisan, el bosque de Alstroemeria y la isla Ashua, sus historias imaginadas fluyen a través de innumerables opciones, buscando débiles destellos de luz.
Presentada por Bucheon International Fantastic Film Festival
A TALE OF A FEATHER & A FISH | de Ahmed El-Hawarey
Género: Misterio / Drama / Realismo mágico / Discapacidades
Mahmoud y Laila heredan una rara enfermedad genética que causa una parálisis severa, lo que ha dejado a su familia en un círculo interminable de dudas y miedo, buscando desesperadamente la salvación, que encuentran en abundancia a través de los protagonistas.
Presentada por El Cairo International Film Festival
MALEFICARUM | de Antonio Gäehd
Género: Terror / Drama
En las profundidades del desierto, Delia, una adolescente vengativa, convoca a un antiguo rey que le otorga una corona de siete llamas, cargada de siete maldiciones, para usar contra las chicas que la han acosado a ella y a su amiga durante años.
Presentada por Guadalajara International Film Festival
MOMMY’S HOME | de James Morosini
Género: Terror / Comedia / Ciencia-ficción / Thriller erótico
Una comedia de terror sobre un padre joven cuya vida da un vuelco cuando su joven madre, resucitada como una atractiva joven de 24 años, desata el caos en su familia, su matrimonio y su cordura.
Presentada por SXSW South by Southwest Film & TV Festival
DOG OF GOD | de Raitis & Lauris Ābele
Género: Folk Horror
En un pueblo sueco de Livonia del siglo XVII, prevalecen la lluvia y la embriaguez constantes. Cuando una reliquia robada genera acusaciones de brujería, un autoproclamado hombre lobo de 80 años llamado Perro de Dios llega con un regalo misterioso: Las Bolas del Diablo.
Presentada por PÖFF – Tallinn Black Nights Film Festival
FOREIGN BODY | de Tom Sainsbury
Género: Terror psicológico
Un estudiante europeo en su año sabático se muda con una familia de Nueva Zelanda para experimentar su «cultura», pero rápidamente descubre la verdad psicológicamente dañada y peligrosa detrás de sus educadas sonrisas y su cálida hospitalidad.
Presentada por New Zealand International Film Festival
David Perlov. La imagen bisagra como pensamiento cinematográfico intersticial
Tras una nutrida discusión conceptual, estética e histórica sobre las principales expresiones del cine de no ficción autorrepresentacional —documentales autobiográficos, film-ensayos, diarios de vida, de viaje, cartas, autorretratos, entre otras formas híbridas— el libro analiza y reflexiona en torno a los recursos narrativos, visuales y sonoros que articulan la totalidad de los diarios cinematográficos del cineasta, fotógrafo y artista visual brasileño-isarelí, David Perlov. El conjunto de estos ensayos conforma un filme-fleuve de cerca de diez horas que canaliza la experiencia cotidiana del autor a lo largo de cincuenta años de su vida, en un monumental pasaje que conecta su intimidad afectiva y familiar, la problematización de su desarraigo y los principales conflictos bélicos en los que Israel participó durante la segunda mitad del siglo XX. Para modular sus fracturas y nomadías identitarias, Perlov convoca una diversidad de estrategias ensayísticas que operan a nivel discursivo, estético y político, y que atraviesan no solo el cine sino también otras manifestaciones artísticas, entre ellas la fotografía, la pintura, la literatura y la música. El libro aspira a interrogar las potencias visuales y sonoras desde una aproximación interrelacional capaz de examinar aquellas prácticas que formulan una estética liminal característica de estos diarios. A partir de tal enfoque se delimitará el concepto de imagen bisagra; un dispositivo de exploración de naturaleza estética y reflexiva que, a través de la combinatoria de un conjunto heterogéneo de elementos y categorías, dispone un sistema de ideas para movilizar un pensamiento ensayístico intersticial alrededor de la realidad y del propio cine. La poética del umbral de la imagen bisagra no solo se traduce en la persistente presencia de ventanas, puertas, pasillos y otros motivos visuales que metaforizan los flujos entre los distintos universos de representación entrelazados en los diarios, sino también en aquellas relaciones y tensiones entre vida y arte; yo y los otros; pasado y presente; doméstico y político; interior y exterior; microhistoria y macrohistoria; destierros y retornos; pertenencia y desarraigo; imagen fija e imagen en movimiento; tecnologías analógicas y electromagnéticas; sonido y sentido; oralidades y micro-oralidades; cuerpo, voz y palabra, por mencionar solo algunos de los múltiples intervalos que ofrece esta obra de excepcional riqueza y complejidad poética y política.
El autor
Paola Lagos Labbé, Master en Teoría y Práctica del Documental Creativo y Doctora en Comunicación Audiovisual por la Universitat Autònoma de Barcelona. Su tesis doctoral fue reconocida con una mención especial en la XXXIII versión de los Premis CAC del Consell de l’Audiovisual de Catalunya. Realizó una estancia postdoctoral de dos años en el Colectivo de Investigación Estética de los Medios Audiovisuales (CINEMA) de la Universitat Pompeu Fabra, gracias a una Ayuda Margarita Salas del Estado español. En dicha estancia investigó sobre la dimensión sonora y oral en el documental de ensayo y al dispositivo de la voz como inscripción del cuerpo en la imagen. Ha sido académica de la Universidad de Chile y de la Universidad Austral de Chile y ha participado como docente invitada en diversos programas de postgrado de universidades tales como la Autònoma de Barcelona y la Pompeu Fabra, entre otras. Ha publicado artículos y capítulos de libros en torno al cine de no-ficción contemporáneo, cine ensayo, documental autobiográfico, cine doméstico y amateur, aspectos políticos del documental chileno y latinoamericano, entre otros. Organizó y comisarió el ciclo “Los diarios de David Perlov: Poéticas y Políticas del Cotidiano”, la primera retrospectiva mundial que reunió la totalidad de los diarios cinematográficos del cineasta, fotógrafo y artista visual brasileño-israelí, proyectada en el Zumzeig Cinema (Barcelona) en 2022.
Autor: Paola Lagos Labbé, Editorial: Shangrila, Colección Trayectos libros, Páginas: 624
La quimérica adaptación, tráiler y póster para «George Romero´s Resident Evil»
Tras varios años de una lenta gestación parece que en este 2024 por fin verá la luz George Romero´s Resident Evil, documental cuyo tráiler final acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
George Romero´s Resident Evil examina el proceso de producción de la que iba a ser la película de George A. Romero basada en la popular saga de videojuegos de Capcom Resident Evil, film finalmente dirigido por Paul W.S.Anderson y protagonizado por Milla Jovovich, convertido con el paso de los años en una rentable franquicia.
El documental, dirigido por los debutantes, Jason Winn Bareford y Brandon Salisbury, se pregunta qué habría pasado si la película que el creador de Night of the Living Dead tenía en mente, se hubiese hecho realidad, a través de testimonios de personas involucradas en la adaptación que intentan arrojar algo de luz sobre los verdaderos motivos que rodearon la cancelación del proyecto. Jason Winn Bareford, quien tuvo la oportunidad de estar presente en las conversaciones junto a Romero cuando Constantin Film decidió no seguir con su dirección, busca ofrecer una perspectiva interna, al mismo tiempo que esclarecer las circunstancias que llevaron a que esta adaptación de Resident Evil quedará sin ver la luz.
Proyecciones Xcèntric: Falling Lessons, de Amy Halpern
La cineasta, fotógrafa, bailarina, archivista y profesora neoyorquina radicada en Los Ángeles, Amy Halpern, quedó injusta e inexplicablemente marginada del canon de la escena vanguardista. En 2020, el programa que le dedicamos en Xcèntric, con la presencia de la autora, contribuyó a otorgar a su obra el reconocimiento que merecía. Halpern nos dejó en 2022, pocos meses después de su segunda visita a nuestro país para asistir al (S8) Mostra de Cinema Periférico de A Coruña. Le rendimos ahora homenaje con la proyección de su único largometraje, la enigmática Falling Lessons.
Hasta 200 rostros transitan por la pantalla junto a otros retratos de animales, lugares y gestos. Aunque el título anuncia caídas, los fugaces rostros aparecen y desaparecen como centellas en panorámicas o travellings irónicamente ascendentes. La película juega con una poética formal y sintética, un protagonismo colectivo y abstracto, un montaje rítmico y el uso ingenioso de la lente volteada. Situada en la mitad de sus cinco décadas de profesión, Falling Lessons (1991) reúne los elementos esenciales del personal estilo de Halpern: una economía de los recursos y una libertad expresiva del lenguaje cinematográfico. Aquí indaga en el misterio del retrato personal y espacial, en el potencial hipnótico de la mirada, como en The Glance (1972) y The Unowned Luxuries #3 (2020). Su banda sonora reverbera sobre la disposición fugaz de la imagen, en rima con los objetos o sujetos filmados. Estos «arrebatos» o «rapsodias» lumínicos, en palabras de la autora, resuenan con sus obras silentes Peach Landscape (1973) o Filament (The Hands) (1975). El mínimo elemento cobra luz fruto del dominio de la mecánica del cine.
Falling Lessons, Amy Halpern, 1992, 16 mm, 64’.
Proyección en 16 mm.
Copia procedente de Light Cone.
Fecha: 19 mayo 2024
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Un tiburón en el Sena, tráiler para «Sous la Seine» de Xavier Gens
Recordado especialmente por el aficionado al género fantástico por la cinta de terror Frontière[s] (2007), el francés Xavier Gens se adentra en la temática de tiburones asesinos con Sous la Seine, film cuyo primer avance en forma de tráiler acaba de ser presentado y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que se conocerá en nuestro país con el título de En las Profundidades del Sena, se estrenará vía Netflix el próximo 5 de junio de 2024.
Sous la Seine nos sitúa en el verano de 2024, París acoge por primera vez el Campeonato Mundial de Triatlón en el Sena. Sophia, una brillante científica, se entera por Mika, un joven activista ambiental, que un gran tiburón nada en las profundidades del río. Para evitar un baño de sangre en el corazón de la ciudad, no tienen más remedio que unir fuerzas con Adil, el comandante de policía encargado de la supervisión de la zona del río Sena.
La película, con guion a cargo del propio Xavier Gens junto a Yael Langmann, Yannick Dahan y Maud Heywang, está protagonizada por Bérénice Bejo, Nassim Lyes, Anaïs Parello, Iñaki Lartigue, Léa Léviant y José Antonio Pedrosa Moreno.
«Beyond Utopia»: Cómo huir del infierno de Corea del Norte
Filmin estrena en exclusiva en España, «Beyond Utopia», uno de los grandes documentales de la temporada desde su presentación, acompañada de un Premio del Público, en el Festival de Sundance. «Beyond Utopia», que fue además nominada en los Bafta, fue uno de los 15 largometrajes documentales incluidos este año en la Short List de los Óscar, quedándose a las puertas de la nominación.
Dirigido por la cineasta y montadora Madeleine Gavin («City of Joy»), la película sigue tres historias humanas relacionadas con la deserción en Corea del Norte, el anhelo de huir de uno de los estados más opresivos del planeta que comparten miles de norcoreanos y que lleva a algunos a arriesgar sus vidas para tratar de cruzar la frontera. Así, conocemos a Soyeon Lee, una madre desesperada por reunirse con el hijo que tuvo que abandonar años atrás; a la familia Ro, cuyos cinco miembros (entre ellos dos niños y una anciana) se embarcan en un traicionero viaje por las hostiles montañas que rodean la frontera; y al Pastor Kim, un hombre de Dios cuya misión es velar por estas almas desesperadas.
El punto de partida del documental fue el libro «La chica de los siete nombres«, escrito por la activista Hyenseo Lee y editado en España por Península. Cuando los productores contactaron con Madeleine Gavin para proponerle que se hiciese cargo de la adaptación, la directora no lo vio claro: «Les dije que no creía que fuese la persona adecuada, pues no tengo ningún vínculo con Corea del Norte y estaba segura de que no quería dirigir un biopic», recuerda la directora, que a continuación se sumergió en una larga y profunda investigación para descubrir qué había realmentre detrás de las imágenes que Corea del Norte distribuye al resto del mundo, normalmente para exhibir su fuerza militar o el estrecho apego de sus ciudadanos a su líder Kim Jong-un. «En estas imágenes no vemos a las personas ni conocemos sus sueños, miedos, pasiones y anhelos, todo aquello que nos hace humanos«, lamenta Gavin.
Cuando la directora conoció a la abuela de la familia Ro, se dio cuenta del adoctrinamiento al que se ha sometido durante décadas a la población norcoreana para inocular el odio hacia los americanos. «Era palpable cómo se debatía entre la confianza que estaba depositando en nosotros y las cosas que le habían contado durante 80 años. Su afecto crecía, pero por otro lado seguía cuestionando si teníamos la intención de asesinarla. Ver a alguien de su edad, una persona que ama profundamente a su país, abandonar todo aquello que ha conocido, fue algo poderoso y emocionante«, recuerda.
En un documental que mezcla imágenes de archivo, animaciones, vídeos de cámara oculta y entrevistas, sorprenden esas imágenes tomadas clandestinamente en el interior de Corea del Norte. «Encontré un montón de vídeos en Internet de un hombre llamado Jiro en Japón. Había infiltrado cámaras en Corea del Norte desde los tiempos de la hambruna, en los años 90. También la red de colaboradores del Pastor Kim había infiltrado cámaras en el país. Es un material grabado por norcoreanos tremendamente valientes que pusieron en riesgo sus vidas para mostrarle al mundo la realidad de su país«, concluye Gavin.
Revisitar el mal, primer tráiler para «Speak No Evil» de James Watkins
Acaba de ver la luz de la mano de Universal Pictures un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página junto a un cartel promocional, de Speak No Evil, remake norteamericano de la cinta danesa Gæsterne dirigida en 2022 por Christian Tafdrup, película que le daba la vuelta al concepto del extraño o desconocidos que se introducen en un núcleo familiar con intenciones poco halagüeñas. Un relato que indagaba en la germinación de una incomodidad que deriva en atrocidad, conectada con las raíces de un miedo que no precisa de efectismos, en ocasiones propiciado a causa de la inmovilidad proveniente de clases acomodadas socialmente, expuesta a modo de versión pervertida del The Comfort of Strangers de Paul Schrader o del Funny Games de Michael Haneke, a través de un tratado del horror que subvierte las convenciones sociales de un Occidente que parece estar abocado al apocalipsis moral.
En Speak No Evil, que llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 13 de septiembre de 2024, vemos como una familia americana es invitada a pasar el fin de semana en la idílica finca de una encantadora familia británica con la que entablaron amistad durante las vacaciones, lo que comienza como unas vacaciones de ensueño pronto se convierte en una pesadilla psicológica.
La película, con dirección y guion a cargo de James Watkins (Eden Lake 2008, The Woman in Black 2012, está protagonizada por James Mcavoy, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Aisling Franciosi, Alix West Lefler, Dan Hough y Motaz Malhees.
