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Abonado en los últimos años a una segunda línea de flotación con relación a películas de bajo presupuesto, el británico Neil Marshall vuelve a indagar en la serie B, tras trabajos recientes como The Reckoning (2020) o The Lair (2022), con el thriller de venganza Duchess, film que de la mano de Saban Films acaba de presentar en sociedad un primer adelanto en forma de tráiler que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. Interpretada, al igual que en las dos anteriores películas, por su esposa Charlotte Kirk, Duchess llegará a las plataformas digitales de Estados Unidos el próximo 9 de agosto de 2024.
En Duchess vemos como una delincuente de poca monta que intenta entrar en el peligroso inframundo del tráfico de diamantes acaba siendo dada por muerta cuando un trato en el que estaba involucrada sale mal. Una vez recuperada decide buscar venganza, lanzándose a una violenta búsqueda de justicia.
La película, con guion a cargo del propio Neil Marshall junto a Simon Farr, está protagonizada por Charlotte Kirk, Philip Winchester, Colm Meaney, Hoji Fortuna, Colin Egglesfield, Stephanie Beachum, Sean Pertwee, David Chevers, Boris Martinez, Alex Morgan, Yan Tual, Mellissa Laycy, Harvey Dean, Pau Poch y Judy Donovan.
Filmoteca Española da la bienvenida al verano el próximo 22 de junio con la apertura de su sala de proyecciones al aire libre y con una variada programación dirigida a diferentes públicos
La inauguración y la clausura de la sala de verano contará con la proyección de dos títulos recientemente restaurados por Filmoteca Española: Condenados a vivir (Joaquín Romero Marchent, 1970) y Los golfos (Carlos Saura, 1959)
Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación y difusión del patrimonio cinematográfico, da la bienvenida a la temporada estival con la apertura de la sala de verano del cine Doré el próximo 22 de junio.
Sala 3 de verano – Sala Berlanga
Tras el reacondicionamiento realizado en 2023 para mejorar la comodidad y calidad de las proyecciones, regresan este verano a la sala 3 del cine Doré las sesiones nocturnas al aire libre con servicio de bar. Este espacio, en pleno centro de Madrid, permitirá desconectar por unas horas del bochorno y estío urbano disfrutando de un variado programa de sesiones con el cine nacional e internacional como protagonista.
Siguiendo la normativa municipal, las proyecciones se realizarán con auriculares que se facilitarán en el acceso a la sala. Las entradas, al igual que para el resto de sesiones del cine, podrán adquirirse a través de la plataforma de venta online de Filmoteca Española (servicio habilitado 72 horas antes de cada sesión) o en la taquilla del cine Doré, en su horario de apertura de verano, de 17:30 a 20:30. Las sesiones tendrán lugar de martes a sábado, a partir de las 22:00 horas y en caso de lluvia o de cualquier otro imprevisto, la sesión se trasladará a la sala 2 del cine Doré.
El acceso a este espacio al aire libre se limita a las proyecciones nocturnas pero el día 21, Filmoteca Española celebrará una jornada de puertas abiertas con acceso libre hasta completar aforo en horario de 19:30 a 21:00. No se contará con servicio de bar, pero se podrá disfrutar de sesiones de breakin’ con motivo de la celebración del 40 aniversario de la película Breakin’ (Joel Silberg, 1984) título que se proyectará el mismo día en la sala 1 del cine Doré.
Cóctel de verano: el ciclo estival del Doré
La programación, que se extenderá del 22 de junio al 14 de septiembre tanto en la sala 3 de verano como en la sala 1, ofrecerá una serie de breves ciclos que comparten el espíritu de refresco propio de un cine de verano, entendido como una experiencia lúdica y comunitaria. Cuatro son los ingredientes o ejes principales del cóctel propuesto por Filmoteca Española:
Mundos (im)posibles, títulos imprescindibles del cine distópico (desde El tiempo en sus manos a El planeta salvaje, pasando por Hijos de los hombres o Terminator 2: El juicio final).
Aguas turbulentas: thrillers psicológicos en los que la paranoia y la violencia estallan en plena época estival (Fuego en el cuerpo, El cuchillo en el agua o Despertar en el infierno).
Wuxia: títulos clave de este subgénero de la fantasía china y las artes marciales (Ashes of Time o La casa de las dagas voladoras, entre otras)
Conciertos filmados: algunos de los más impresionantes directos musicales que ha registrado el medio cinematográfico (de El último vals a Neil Young: Heart of Gold).
Paul Auster será otro de los protagonistas del programa, dedicando a su figura un breve ciclo que homenajeará al recientemente fallecido autor.
Cine Olímpico: sesiones que alimentarán el espíritu olímpico y deportivo, más allá de la cita parisina.
La programación de verano del Doré se completa con el ciclo ‘España y guadaña. Espectros de un pueblo por venir´ y con retrospectivas dedicadas a Vincente Minnelli y a Manuel Summers. A ellas se sumará, a partir de agosto, la dedicada a Yasujiro Ozu, que incluirá títulos del maestro japonés remasterizados en 4K.
Cine español restaurado
Este verano, Filmoteca Española también dará espacio en su programa al cine español recientemente restaurado en su Centro de Conservación y Restauración de Fondos Fílmicos Carlos Saura.
Condenados a vivir (Joaquín Romero Marchent, 1971) abrirá la temporada de verano el próximo 22 de junio en una sesión gratuita incluida dentro del programa A Season of Classic Films, iniciativa de difusión del patrimonio cinematográfico europeo impulsada por ACE (Association des Cinémathèques Européennes). Conocido popularmente como “el más sangriento de los eurowesterns”, este referente del género despertó el entusiasmo de críticos e investigadores, así como de cineastas como Quentin Tarantino, siendo una influencia fundamental para Los odiosos ocho (2015). Los impresionantes parajes nevados oscenses en los que fue rodada esta trama descarnada y nihilista ayudarán a bajar y subir la temperatura a partes iguales en la noche previa a la Fiesta de San Juan.
La película, igual que muchos otros títulos de la época, se comercializó en dos versiones diferentes: una para el mercado interior y otra para el internacional, siendo esta última la versión –más extendida y explícita- la que se proyectará en el Doré.
Otro trabajo de recuperación de Filmoteca Española -Los golfos (Carlos Saura, 1959)- clausurará la sala de verano del cine Doré el próximo 14 de septiembre. En esa fecha se celebrará en el cine Doré el estreno a nivel nacional, tras su paso por el Festival de Bolonia el próximo 25 de junio, de la versión que incluye las secuencias eliminadas por la censura. Y es que, el primer largometraje de Saura no tardaría en toparse de lleno con el muro del control cinematográfico franquista. El dibujo realista de un Madrid de arrabales, chabolas, suburbios y conflictividad, topado de jóvenes delincuentes que roban y atracan para ayudar a uno de ellos en su carrera taurina, no convencía a una censura que prohibió el guion hasta en cuatro ocasiones.
No es la primera vez que el cine de terror explora los peligros derivados del uso de la Inteligencia Artificial, Afraid, que de la mano de Blumhouse y Sony Pictures nos presentan un primer tráiler que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, nos proponen una visión en forma de suspense psicológico de dicha premisa. Dirigida por Chris Weitz, The Golden Compass (2007), The Twilight Saga: New Moon (2009), A Better Life (2011) o Operation Finale (2018), la película se estrenará comercialmente en nuestro país con el titulo de Diabólica el próximo 30 de agosto de 2024.
En Afraid vemos como la familia de Curtis es seleccionada para probar un nuevo dispositivo para el hogar, un asistente digital llamado AIA. Dicho dispositivo aprende los comportamientos de la familia y comienza a anticipar sus necesidades. Y puede asegurarse de que nada, ni nadie, se interponga en el camino de su familia.
La película, con guion a cargo del propio Chris Weitz, está protagonizada por John Cho, Katherine Waterston, Havana Rose Liu, Riki Lindhome, Lukita Maxwell, David Dastmalchian, Keith Carradine, Katie McCabe, Mason Shea Joyce, Ashton Essex Bright, Jimmy Galeota, Riki Lindhome, River Drosche y Todd Waring.
El músico congoleño Baloji ganó el premio a la Mejor Dirección en el pasado Festival de Sitges con esta sorprendente película de género que representó a Bélgica en los Óscar.
Filmin estrena en exclusiva en España, el próximo viernes 12 de julio, la película «Omen», dirigida por el polifacético artista africano Baloji, quien se llevó el premio a la Mejor Dirección en la última edición del Festival de Sitges con su primera obra como director. «Omen», además, ha sido este año la candidata de Bélgica en la carrera por el Óscar a la Mejor Película Internacional, fue nominada a 8 premios Magritte (los Goya belgas) y ganó 2; y a su paso por el Festival de Cannes, donde tuvo su estreno mundial, recibió el premio Nueva Voz de la sección Un certain regard.
La película parte del viaje a Kinshasa, su ciudad natal, de Koffi (Marc Zinga), un hombre que años atrás fue repudiado por su familia por sus supuestos vínculos con la brujería, y que ahora quiere presentar a sus padres a su novia blanca, Alice (Lucie Debay), embarazada de gemelos. A continuación el film explora el peso de las creencias en el destino de las personas a través de cuatro personajes: la hermana de Koffi, Tshala (Eliane Umuhire); la madre de ambos, Mujila (Yves-Marina Gnahoua); y Paco (Marcel Otete Kabeya), un joven de la misma aldea sumido en una trágica guerra de bandas callejeras.
Koffi, el protagonista de «Omen», es conocido por su familia como «Zabolo» («marca del Diablo»), porque tiene una mancha de color vino tinto en la cara que es percibida como un mal augurio. Algo similar le ha ocurrido en su vida a Baloji, el director de la película: «En suajili, mi nombre Baloji significa hechicero, o incluso hechicero que puede tomar todos los poderes de los demás hechiceros. Es un nombre terrible, realmente. Es como ser llamado Diablo o Demonio en Europa. Así que debido a mi nombre, y porque la gente solía etiquetarme como hechicero, siempre me ha fascinado la brujería y las personas que son vistas como diferentes«.
«Tengo sinestesia. Para mí, todo está conectado al color. Sonidos, estados de ánimo… Todos tienen colores en mi cabeza. Y así, cada personaje en la película también tiene su propio color. Para Koffi, es un rojo oscuro, como su mancha de vino tinto en la cara. Paco está asociado con el rosa, etc.«, explica el director. Para construir una identidad totalmente diferenciada para los cuatro personajes, Baloji llegó a componer cuatro EP’s de música (disponibles en Spotify), uno para cada uno de los protagonistas, con canciones que no suenan en la película, pero que sí le inspiraron a él a la hora de construir sus identidades.
Aunque las costumbres, creencias y supersticiones congoleñas afectan a todos los personajes de la película, lo cierto es que, para Baloji, las mujeres son las que se llevan la peor parte: «Quería mostrar cómo la sociedad está estructurada para los hombres, y cómo estos intentan controlar los cuerpos de las mujeres«, expone: «¿Qué sucede cuando una joven no quiere tener hijos? O cómo una mujer es completamente descartada cuando envejece«. El director afirma que el apoyo al feminismo es parte de su identidad y se ve reflejado en su ópera prima: «Creo que es mi obligación, porque como hombre, soy parte del problema. Y parte de la solución también.»
Después de irrumpir con fuerza en el fantástico con su opera prima Baskin (2015), y dos años mas tarde con el reivindicable terror cósmico Housewife (2017), el realizador turco Can Evrenol, tras la inédita por estos lares Girl With No Mouth (2020), se adentra en el thriller de venganza con Sayara, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. Aún sin fecha de estreno en nuestro país, Sayara es descrita por el propio Can Evrenol “como un drama psicosexual tóxico que conforma avanza se convierte en una violenta película de venganza de artes marciales”.
En la película vemos la oscura peripecia de una tímida trabajadora de limpieza de un gimnasio de Turkmenistán llamada Sayara, cuya hermana mayor ha sido violada y asesinada por el dueño del gimnasio y tres amigos suyos. Debido a sus conexiones políticas, los tres implicados en el homicidio quedan en libertad, lo que hará que Sayara decida aplicar su propia justicia durante una noche de locura en donde poco importan las posibles consecuencias de los violentos actos que emprenderá.
Sayara, con guion a cargo del propio Can Evrenol, está protagonizada por Duygu Kocabiyik, Emre Kizilirmak, Özgül Kosar, Zakirjan Bazarov, Batuhan Buyukacaroglu, Furkan Riza Demirel, Levent Inal y Dogan Baris Yasar.
El cine de Pere Portabella es indisociable del arte y de la política. Son disciplinas que se conjugan y retroalimentan desde una actitud común: impugnar las normas, las sociales, pero también las estéticas. Este es justamente el título de un volumen que reúne decenas de textos escritos por el autor durante sesenta años, desde sus inicios como productor hasta la actualidad. Se incluyen artículos en diarios y revistas, presentaciones de sus películas, prólogos de libros y catálogos de exposiciones, conferencias, así como algunas de sus intervenciones como senador o diputado durante las primeras legislaturas de la democracia. Del mismo modo que el cineasta se ha preocupado por preservar su obra para garantizar su difusión pública, ahora llega el turno de sus escritos. En esta edición prologada y anotada por Esteve Riambau, los textos se articulan en tres grandes bloques: la oposición al franquismo, los primeros años de la democracia y el retorno al cine tras Pont de Varsòvia, sin olvidar una especial atención hacia el papel de la cultura en Europa. Sin jamás separar el arte y la política del cine, surgen sinergias y confrontaciones que ofrecen un retrato muy fidedigno del pensamiento de Portabella, a su vez sustentado sobre interacciones con personajes tan ilustres como Luis Buñuel, Josep Tarradellas, Joan Brossa, Antoni Tàpies, Joan Miró o Carles Santos.
Autor: Pere Portabella, Editorial: Galaxia Gutenberg, S.L., Páginas: 632
Cerca de 100 películas integran la programación de la 14ª edición del festival de cine de Filmin, donde destacan los estrenos en España de «Sasquatch Sunset», el fenómeno Bigfoot de los hermanos Zellner, y «The Visitor», la nueva provocación de Bruce LaBruce.
Después de presentar el pasado 20 de junio la programación de la edición física de su festival en Palma, Filmin anuncia hoy los casi 100 títulos que integrarán la edición online de Atlàntida Mallorca Film Fest. En su edición número 14, el mayor festival online de cine de Europa presenta una amplia y variada programación con 36 estrenos absolutos en España y algunas de las joyas que han triunfado recientemente en el circuito internacional de festivales de cine.
La programación se divide en diferentes bloques temáticos. Por tercer año consecutivo, el festival contará con una SECCIÓN OFICIAL que podrá verse íntegra en Palma y en Filmin, y que está compuesta por 13 largometrajes a competición y 2 fuera de concurso. El leit motiv de la sección es la Generación Z, con películas que abordan las inquietudes y sueños de la juventud contemporánea y que lo hacen hablando con sus mismos códigos. Entre ellas destacan «Baan», de Leonor Teles, un fascinante viaje entre Lisboa y Bangkok que comienza cuando L conoce a K; «First Case», de Victoria Musiedlak, en la que una abogada penalista sin experiencia se encarga del caso de un joven acusado de asesinar a un vecino; en «La profesora de literatura», de Katalin Moldovai, una maestra se mete en problemas cuando recomienda a sus alumnos la película «Vidas al límite», que narra la relación romántica entre dos hombres, los poetas franceses del siglo XIX Arthur Rimbaud y Paul Verlaine; y en la apocalíptica «Calor brutal», de Albert Hospodarsky, un enorme segmento del Sol se dirige a la Tierra, cuya superficie se calienta hasta un nivel insoportable y provoca que la gente se comporte de forma extraña.
En la sección DOMESTIC, que aborda conflictos cotidianos en el día a día de las personas, encontramos el díptico que forman «Mal vivir» y «Vivir mal», del portugués Joao Canijo, en las que cinco mujeres dirigen un viejo hotel, tratando de salvarlo de una decadencia inexorable. En la polanskiana «Los excesos»,Luna Carmoon retrata los oscuros caminos hacia los que nos lleva la histeria. Y en «Fucking Bornholm», de Anna Kazejak, un fin de semana de parejas en la playa se complica de mala manera después de un incidente entre sus hijos.
La sección CRIMEN Y CASTIGO, con narrativas que beben del clásico literario de Dostoyevski, incluye títulos como «Behind the Haystacks», de Asimina Proedrou, que representó a Grecia en los Óscar, en la que una familia se ve obligada por primera vez a pagar por sus actos tras un trágico accidente. «Unruly», de Malou Reymann, viaja a los años 30 para presentarnos a una joven que es internada en una institución en la isla de Sprogø para aprender a comportarse como una mujer decente. Por su parte, «Sweet Dreams», de Ena Sendijarevic, es un subversivo drama de época que arroja luz sobre el oscuro pasado colonial de los Países Bajos y que ha sido incluída por la revista Variety como una de las diez mejores películas del año.
«Sasquatch Sunset», de David y Nathan Zellner, es sin duda la película estrella de la sección BESTIAS Y KATANAS. Se trata de una comedia fantástica protagonizada por Jesse Eisenberg y Riley Keough que nos muestra el día a día de una familia de Bigfoots. Compite por ser la película más marciana del festival con«La lucha invisible», de Rainer Sarnet, película de artes marciales que mezcla el kung-fu con el cristianismo ortodoxo.
La película con la que Radu Jude fue premiado en el Festival de Locarno y ganó el Festival de Gijón, «No esperes demasiado del fin del mundo», se encuentra en la sección ROADS, con películas en tránsito, en la que también hallamos la última ganadora del premio Zabaltegi del Festival de San Sebastián, «El auge del humano 3», de Eduardo Williams; o «Animal», la nueva película de Sofia Exarchou («Park») que esta vez se sumerge en los resorts vacacionales de las islas griegas para seguir el día a día de los animadores de espectáculos.
El controvertido escritor francés Michel Houllebecq irrumpe en la sección ARTS con su última y descacharrante comedia, «En la piel de Blanche Houllebecq», de Guillaume Nicloux. También aquí encontramos el documental sobre el grupo español que se hizo viral durante la pandemia: «Stay Homas. La banda que no debería existir»; o la nueva película protagonizada por Marion Cotillard, «Little Girl Blue», un documental en el que se transforma en la madre fallecida de la directora Mona Achache.
El cine LGTBIQ+ siempre tiene su espacio en Atlàntida Mallorca Film Fest y este año no es una excepción. En la sección QUEERS podremos disfrutar de «The Visitor», la última película de Bruce LaBruce, que vendría a ser la versión porno de «Teorema» de Pasolini. También destaca la película nigeriana «All the Colours of the World are Between Black and White», de Tunde Apalowo, que refleja las dificultades de ser homosexual en África, y que ganó el Premio Teddy del Festival de Berlín.
La sección TIEMPOS DE GUERRA está capitaneada por la monumental «Occupied City», donde Steve McQueen («12 años de esclavitud») recuerda en un documental de casi 4 horas la ocupación nazi de Ámsterdam durante la Segunda Guerra Mundial. «El Juicio de Eichmann», de Elliot Levitt, regresa, con imágenes inéditas de archivo, al proceso contra el oficial nazi Adolf Eichmann. La guerra de Ucrania es el tema principal de «Desde el retrovisor», de Maciek Hamela, que estuvo en la lista preliminar de 15 documentales candidatos al Óscar. Y a las puertas de unas nuevas elecciones presidenciales en Estados Unidos, el documental «Tempestad en Washington», de Christoffer Guldbrandsen, rememora el trágico asalto al Capitolio por parte de los seguidores de Donald Trump en enero de 2021.
En la sección EL AMOR, LA FELICIDAD veremos películas como «Hombres duros», de Ashley Way, sobre los primeros hombres que probaron la Viagra en los primeros ensayos clínicos en 1994; «Agent of Happiness», la película sobre el control de la felicidad en el Reino de Bután dirigida por Arun Bhattarai y Dorottya Zurbó, y que inauguró la última edición de DOCSBarcelona; el documental «El hombre de las mil caras», de Sonia Kronlund, sobre un estafador del amor que vivía cuatro vidas en paralelo con sus respectivas familias; y «The Click Trap», de Peter Porta, un documental que expone el lado oscuro de la publicidad online, un negocio lucrativo con un coste humano inimaginable.
La programación se completará con dos amplias retrospectivas. La primera, dedicada al cine de Chantal Akerman, incluye el estreno de la versión remasterizada de su comedia musical «Golden Eighties». La segunda, dedicada a los directores Michael Powell y Emeric Pressburger, coincide con el estreno en la edición física del AMFF en Palma del documental «Made in England: The Films of Powell and Pressburger», producido, presentado y narrado por Martin Scorsese, y que podrá verse en Filmin en los próximos meses. Finalmente, para los más pequeños de la casa ofrecemos la película «Jimmy y la tecla mágica», que acerca la música clásica a toda la familia y que está protagonizada por James Rhodes.
ATLÀNTIDA MALLORCA FILM FEST: PROGRAMACIÓN ONLINE
SECCIÓN OFICIAL:
«Baan», de Leonor Teles (Portugal, 2023)
«La Venus de Plata», de Hélena Klotz (Francia, 2023)
«Los tres fantásticos», de Michaël Dichter (Francia, 2023)
«Birthday Girl», de Michael Noer (Dinamarca, 2023)
«Grito silencioso», de Johnny Barrington (Reino Unido, 2023)
«La profesora de literatura», de Katalin Voldoval (Hungría, 2023)
«El joven Chamán», de Lkhagvadulam Purev-Ochir (Catar, Alemania, Francia, Mongolia, Países Bajos, Portugal, 2023)
«Más allá de las montañas», de Mohamed Ben Attia (Catar, Arabia Saudí, Italia, Francia, Bélgica, Túnez, 2023)
«Dormitory», de Nehir Tuna (Turquía, 2023)
«First Case», de Victoria Musiedlak (Francia, 2023)
«Calor brutal», de Albert Hospodarsky (Eslovaquia, Rep. Checa, 2023)
«Excursion», de Una Gunkak (Bosnia-Herzegovina, 2023 / Fuera de competición)
«La isla», de Damien Manivel (Francia, 2023 / Fuera de competición)
DOMESTIC:
«Mal vivir», de Joao Canijo (Portugal, Francia, 2023)
«Vivir mal», de Joao Canijo (Portugal, Francia, 2023)
«Anti-Squat», de Nicolas Silhol (Francia, 2023)
«Los excesos», de Luna Carmoon (Reino Unido, 2023)
«Blackbird, Blackberry», de Elene Naveriani (Georgia, Suiza, 2023)
«The Uncle», de Andrija Mardesic y David Kapac (Serbia, 2022)
«The Quiet Migration», de Malene Choi (Dinamarca, 2023)
«Fucking Bornholm», de Anna Kazejak (Polonia, 2022)
CRIMEN Y CASTIGO:
«Behind the Haystacks», de Asimina Proedrou (Alemania, Grecia, República de Macedonia del Norte, 2022)
«Unruly», de Malou Reymann (Dinamarca, 2023)
«Sweet Dreams», de Ena Sendijarevic (Indonesia, Francia, Países Bajos, Suecia, 2023)
«La Palisiada», de Philip Sotnychenko (Ucrania, 2023)
«The Temple Woods Gang», de Rabah Ameur-Zaimeche (Francia, 2022)
BESTIAS Y KATANAS:
«Sasquatch Sunset», de David Zellner y Nathan Zellner (Estados Unidos, 2024)
«Conan, la bárbara», de Betrand Mandico (Bélgica, Francia, Luxemburgo, 2023)
«The Last Ashes», de Loïc Tanson (Luxemburgo, 2023)
«La lucha invisible», de Rainer Sarnet (Estonia, 2023)
ROADS:
«No esperes demasiado del fin del mundo», de Radu Jude (Rumanía, Croacia, Francia, Luxemburgo, 2023)
«El auge del humano 3», de Teddy Williams (Argentina, Brasil, Sri Lanka, Perú, Hong Kong, Taiwan, Países Bajos, Portugal, 2023)
«Animal», de Sofia Exarchou (Grecia, 2023)
«The Vanishing Soldier», de Dani Rosenberg (Israel, 2023)
«Camping du lac», de Éléonore Saintagnan (Bélgica, Francia, 2023)
«Los otros Laurens», de Claude Schmitz (Bélgica, Francia, 2023)
«The Rapture», de Iris Kaltenbäck (Francia, 2023)
ARTS:
«En la piel de Blanche Houellebecq», de Guillaime Nicloux (Francia. 2024)
«Little Girl Blue», de Mona Achache (Francia, Bélgica, 2023)
«Descifrando a Turner», de Sonia Anderson (Reino Unido, 2023)
«I’m not everything I want to be», de Iris Kaltenbäck (Rep. Checa, 2024)
«Las muchas vidas de Édouard Louis», de François Callat (Francia, 2022)
«The Andersson Brothers», de Johanna Bernhardson (Suecia, 2024)
«Paolo Conte Live at La Scala», de Giorgio Testi (Italia, 2023)
«Stay Homas, la banda que no debería existir», de Oriol Gispert, Nick Bolger y Ramon Balagué (España, 2024)
QUEER:
«The Visitor», de Bruce LaBruce (Reino Unido, 2024)
«All the colours of the world are between black and white», de Tunde Apalowo (Nigeria, 2023)
«Un verano con Carmen», de Zacharias Mavroeidis (Grecia, 2023)
«Pretty Red Dress», de Dionne Edwards (Reino Unido, 2022)
«Lessons of Tolerance», de Arkadiy Nepytaliuk (Ucrania, 2024)
TIEMPOS DE GUERRA:
«Occupied City», de Steve McQueen (Reino Unido, 2023)
«Desde el retrovisor», de Maciek Hamela (Polonia, 2023)
«1489», de Shoghakat Vardanyan (Armenia, 2023)
«El juicio de Eichmann», de Elliot Levitt (Estados Unidos, 2023)
«Nathan-ism», de Elan Golod (Estados Unidos, 2023)
«Facing Darkness», de Jean-Gabriel Périot (Francia, 2023)
«Los venenos de Putin» (serie), de Jennifer Deschamps (Luxemburgo, Francia, 2023)
«Tempestad en Washington», de Christoffer Guldbrandsen (Dinamarca, 2022)
«Photophobia», de Ivan Ostrochovský y Pavol Pekarcik (2023)
«The Soldier’s Tale», de R.O. Blechman (Estados Unidos, 1984)
EL AMOR, LA FELICIDAD:
«Agent of Happiness», de Arun Bhattarai y Dorottya Zurbó (Bután, 2024)
«El Método Farrer», de Esther Morente (España, 2023)
«La estafa del amor», de Virginia García del Pino (España, 2023)
«El hombre de las mil caras», de Sonia Kronlund (Francia, 2024)
«The Click Trap», de Peter Porta (Francia, 2024)
«Hombres duros», de Ashley Way (Reino Unido, 2023)
NINS:
«Jimmy y la tecla mágica», de Xavi Carmona y Lluís Viciana (España, 2023)
CICLO CHANTAL AKERMAN:
«Golden Eighties» (1986)
«No Home Movie» (2015)
«D’est» (1993)
«La paresse» (1986)
«Hôtel des Acacias» (1982)
«Toute une nuit» (1982)
«Los encuentros de Anna» (1978)
«News from Home» (1976)
«Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles» (1975)
«Yo, tú, él, ella» (1974)
«Le 15/8» (1973)
«Hôtel Monterey» (1973)
«Saute ma Ville» (1968)
CICLO POWELL & PRESSBURGER:
«El fotógrafo del pánico» (1960)
«Emboscada nocturna» (1957)
«La Batalla del Río de la Plata» (1956)
«Corazón salvaje» (1950)
«Las zapatillas rojas» (1948)
«Narciso Negro» (1947)
«A vida o muerte» (1946)
«Sé a donde voy» (1945)
«Un cuento de Canterbury» (1944)
«Vida y muerte del Coronel Blimp» (1943)
«Los invasores» (1941)
«El ladrón de Bagdad» (1940)
«El espía negro» (1939)
Tras Mais vous êtes fous (2019) y la premiada L’événement (2021) la realizadora Audrey Diwan se adentra en una nueva versión del clásico literario erótico escrito por Emmanuelle Arsan en 1959 Emmanuelle, film cuyo primer adelanto en forma de tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. Esta nueva versión, cuya adaptación más conocida data del año 1974 con Just Jaeckin en la dirección y Sylvia Kristel como protagonista, que inaugurará la próxima edición del Festival de San Sebastián, se estrenará en los cines franceses el 25 de septiembre, dos días mas tarde, el 27, llegará a nuestro país de la mano de Beta Fiction Spain.
La película nos cuenta como Emmanuelle sale en busca de un placer perdido y vuela sola a Hong Kong en viaje de negocios. En esta sensual ciudad global, donde inicia numerosos encuentros, conoce a Kei, un hombre que la elude constantemente.
Emmanuelle, con guion adaptado a cargo de la propia Audrey Diwan junto a Rebecca Zlotowski, esta protagonizada por Noémie Merlant, Naomi Watts, Chacha Huang, Carole Franck, Jamie Campbell Bower y Will Sharpe.
A Agnès Varda le encantaban el mar y Nantes, y contaba que “sólo necesitaba para vivir una cámara, un ordenador y un gato”. Dicen que los gatos tienen siete vidas; ella tuvo tres: la primera como fotógrafa, la segunda y más larga, como cineasta, la tercera como “joven” artista visual. Desde los años 50 no dejó de reinventar y resignificar el mundo de las imágenes con un compromiso y pasión inigualables. Su trabajo nos invita no sólo a “querer ver”, sino a prestar atención y a amar la complejidad del mundo mediante una mirada insaciablemente curiosa, reflexiva y tierna. Siempre encontró formas alternativas de habitar este mundo y, coherentemente, supo materializar sus impresiones sobre él en formatos no preestablecidos con un estilo profundamente personal.
Este curso necesitaría numerosas sesiones para abordar las mil y una caras de Agnès Varda. Lo que propone son tan sólo algunas puertas de acceso a ciertos temas recurrentes que ella amasó con sus pequeñas manos: la subversión de las imágenes de la maternidad, la fructífera relación entre la ficción y lo documental, el diálogo entre el azar y la escritura más elaborada, el concepto de la autobiografía y la primera persona, así como un pequeño acercamiento a las películas realizadas en su amada California.
15.10.2024
Luces y sombras californianas. Garbiñe Ortega
05.11.2024 Lo performativo y el montaje en el cine de Agnès Varda. Diana Toucedo
12.11.2024
“Es como si yo filmara tu autorretrato”: Encuentros entre autobiografía y (auto)retrato en el cine de no-ficción de Agnès Varda. Paola Lagos Labbé
Fecha: 15 y 29 octubre, 5 y 12 noviembre 2024
22 agosto 2192
Horario: 18.30 – 20.00
Precio: 55 €, 40 € – Estudiantes, desempleados/as, pensionistas, mayores de 65, Amigos/as del CCCB
La inscripción incluye la entrada gratuita a la exposición «Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar» y a las proyecciones de Xcèntric de la temporada 24-25 (sujeto a disponibilidad).
Este curso se enmarca en las actividades paralelas a la exposición del CCCB «Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar».
Agnès Varda, Fotografiar, filmar, reciclar
18 julio — 8 diciembre 2024
Agnès Varda fue fotógrafa, artista, cineasta y pionera de la Nouvelle Vague. La exposición recorre la vida, la obra y las fascinantes historias de una creadora libre, moderna y comprometida con su entorno político y social.
Agnès Varda (Bruselas, 1928 – París, 2019) fue una de las pocas mujeres directoras de su generación. Precursora dentro del movimiento cinematográfico de la Nouvelle Vague, Varda rompió normas y clichés y siempre quiso renovarse. Filmó más de cuarenta películas, entre largometrajes y cortometrajes y entre la ficción y el documental, y trabajó tanto en el cine analógico como en el digital.
La muestra celebra la trayectoria y el talento de una artista original y atrevida, que experimentó y jugó con los múltiples soportes y lenguajes del arte. Antes de ser cineasta, Varda fue fotógrafa y retratista y, de mayor, creó instalaciones artísticas para museos. En la exposición se reúnen por primera vez en Cataluña cuatro de las instalaciones de Varda, aparte de una selección de cortometrajes imprescindibles de su filmografía, que se pueden visionar en salas de proyección en el espacio expositivo.
La exposición también nos descubre la fascinante vida de Agnès Varda, marcada por su carrera de fondo para hacer cine con pocos recursos y reconocimiento y por los viajes, hijos, amistades y relaciones diversas que mantuvo. Varda fue protagonista de la efervescencia social y política de su tiempo: el feminismo, el movimiento hippie o la lucha de los Black Panthers. Y se relacionó tanto con artistas y actores famosos como con personas anónimas y marginales, que quiso representar y dignificar en sus películas.
«Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar» refleja el espíritu abierto y viajero de Varda a través de objetos personales, carteles, obras de arte o de los retratos y reportajes de fotos que realizó, algunos de ellos desconocidos o inéditos, como la serie fotográfica de su viaje a Cataluña en 1955.
Para reivindicar la curiosidad y el carácter lúdico y juguetón de Agnès Vardà, abrimos el «Laboratorio Varda», un espacio para adentrarse en el imaginario de la autora o descubrir su fascinación por los gatos, espejos y playas.
Coincidiendo con la exposición, La Filmoteca de Catalunya programa un ciclo en el que se podrán ver las películas esenciales de Varda, como La Pointe Courte (1954), Cléo de 5 à 7 (Cleo de cinco a siete, 1962), Sans toit ni loi (Sin techo ni ley, 1985), Les Glaneurs et la Glaneuse (Los espigadores y la espigadora, 2000) o Visages Villages (Caras y lugares,2017), entre otros títulos.
La exposición «Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar» es una adaptación ampliada de la muestra «Viva Varda !», concebida y producida por la Cinémathèque française de París en colaboración con Ciné-Tamaris y la amable contribución de Rosalie Varda y Mathieu Demy.
La Segunda Guerra Mundial se aproxima a su final. Filipinas está bajo el yugo del ejército japonés, aunque los soldados comienzan a perder el control de las islas. En medio del caos, un padre de familia huye, y su joven hija se ve forzada a cuidar de la madre, cuya salud se deteriora rápidamente. Para ello, pide ayuda a una hada con un apetito voraz.
Presentada en la sección Midnight del Festival de Sundance del pasado año y en la sección Noves Visions del Sitges 2023, el sangriento cuento de hadas In My Mother’s Skin de Kenneth Dagatan, relato que se adentra en texturas cercanas a la tradición regional mediante un relato colindante a un folk horror, viene a representar ese tipo de historias que suelen evocar oscuras fabulas de la infancia situadas a medio camino entre la pesadilla de los cuentos y la alegoría histórica. Dagatan utiliza dicho marco para mostrarnos una serie de iconografías de tono metafórico, imágenes de bosques tropicales, cabañas de ratán y hojas de plátano, decrepitas marquesinas que esconden estatuas religiosas en ruinas. Una escenografía que en realidad está hablando de la turbia historia de represión de su país, el elemento fantástico en forma de hada puede llegar a ser interpretada a modo dual, a través de un alma atávica o de una advertencia para los invasores.
También relativamente interesante por su adscripción al gótico familiar, la acción se sitúa en una finca rural de Filipinas durante los últimos días de la Segunda Guerra Mundial, poco antes de la derrota de las fuerzas de ocupación japonesas, ese subtexto sobre el fascismo, adherido al imaginario fantástico de seres mitológicos, nos deriva inevitablemente al El laberinto del fauno de Guillermo del Toro o a una suerte de analogía oriental del concepto de Hansel y Gretel, con relación a una película que tiene la ligera virtud de no perder nunca de vista el contexto histórico y social en el que inscribe su acción.
Ocho años después de la notable Hacksaw Ridge Mel Gibson vuelve a ponerse detrás de las cámaras con el thriller titulado Flight Risk, film cuyo primer adelanto en forma de tráiler acaba de ser presentado en sociedad por parte de Lionsgate y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 18 de octubre, a España de la mano de Diamond Films, lo hará dos desmanas después, el 31 de octubre.
En Flight Risk, ambientado en un escenario reducido y solo tres personajes, vemos como un piloto transporta en su avioneta a una teniente general que custodia a un testigo que va a testificar en un juicio contra la mafia. A medida que atraviesan las montañas de Alaska, las tensiones se disparan, ya que no todo el mundo a bordo es quien parece ser.
La película, con producción de John Davis, John Fox, Bruce Davey y el propio Mel Gibson, cuenta con un guion a cargo de Jared Rosenberg, estando protagonizada por Mark Wahlberg, Michelle Dockery, Topher Grace, Monib Abhat y Atanas Srebrev.
SEMINCI estrena su nueva identidad gráfica que actualiza sus icónicos labios y refuerza su acrónimo como marca internacional.
La nueva imagen es obra de PobrelaVaca Studio, ganadora del concurso celebrado en colaboración con la Asociación DIME al que se ha invitado a tres compañías de Castilla y León.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid implementa su nueva identidad visual con el objetivo de actualizar su marca y mejorar su visibilidad, manteniendo los característicos labios y el acrónimo SEMINCI que, desde 1984, forman parte indisoluble de la imagen del festival. La nueva imagen es obra de la agencia de diseño y creatividad gráfica PobrelaVaca Studio, con sede en Zaratán (Valladolid) y fundada por Ana María Hernández y Félix Rodríguez (Mr. Zé).
El beso del celuloide, logotipo de estética pop diseñado por el pintor Manuel Sierra en 1984 por encargo del director Fernando Lara, supuso en su momento un cambio radical en la imagen del festival, rompiendo con su imagen conservadora. Tanto el icono de los labios como el acrónimo SEMINCI forman una marca con un valor consolidado por el tiempo y por su vinculación al festival y a la ciudad, de ahí que el proceso de renovación se haya basado en mejorar la identidad, no en cambiarla.
Esa imagen, aunque revisada en 2015, necesitaba una actualización tras 40 años y, para ello, la actual dirección del festival puso en marcha un proceso de selección a través de concurso por invitación al que han sido convocadas tres empresas de Castilla y León de la Asociación DIME, Diseño de la Meseta. La propuesta ganadora, realizada por PobrelaVaca Studio, incluye además la imagen oficial de la próxima 69ª edición como parte de la estrategia de presentación de la nueva identidad, motivo por el que no se ha celebrado el habitual concurso de carteles abierto al público desde al año 2009.
La propuesta de PobrelaVaca Studio para la nueva identidad visual de SEMINCI se basa en los conceptos de simplicidad, modernización y versatilidad y se sostiene sobre dos pilares. El primero de ellos el respeto por la obra anterior y su significado, ese beso al cine que hace ya 40 años Manolo Sierra hizo y que para Valladolid ha sido un referente asentado en las cabezas y los corazones, y sin el que nos sería complicado entender el propio significado de SEMINCI. Ese beso ahora se refuerza con una identidad adaptada a los tiempos y formatos, a lo digital y a las nuevas formas de comunicación.
El segundo pilar es dignificar el trabajo de diseño y reforzar SEMINCI como una marca bien construida, con el desafío de ejercer un gran desarrollo gráfico que no deje nada al azar y que refuerce elementos como el tipográfico. Para ello, se ha creado una tipografía propia -SEMINCI Sans-, se han hermanado los laureles del Festival, formados por dos ramas de cinco hojas, con los cinco girones ondulados que ocupan el centro del escudo de la ciudad, y se ha optado por una nomenclatura internacional que aúna los idiomas español e inglés.
Esta identidad es, según sus Ana Mª Hernández y Félix Rodríguez, directores de PobrelaVaca Studio, “clara, legible, actual, simple en formas y de gran valor emocional y visual” y, desde hoy, se incluirá en todas las comunicaciones visuales del certamen y se implantará paulatinamente en todos los elementos y aplicaciones del Festival, hasta sustituir totalmente a la anterior en los más de 700 iconos y soportes que la componen: secciones, laureles, Espacio SEMINCI, Canal SEMINCI y los diferentes premios que conforman el festival.
Esta nueva identidad, creada en Valladolid, por profesionales de Valladolid con más de 20 años de trayectoria, y para la ciudad de Valladolid pero abierta al mundo, “aspira a ser bien acogida por quienes aman el cine, quienes pasean por nuestras calles durante el festival venidos de todos los rincones del mundo y quienes se acercan al mundo del diseño”, señalan los autores, cuyo trabajo han llevado a cabo “con la complicidad del equipo del festival, lo que también es de reconocer a SEMINCI y a todo su equipo de profesionales”.
Este libro prolonga las investigaciones sobre cine llevadas a cabo por el autor desde el año 2000, avaladas anteriormente por diferentes publicaciones en torno a la relación entre medios de comunicación, representaciones sociales e imaginarios colectivos.
Partiendo de la crisis de valores de la que se hace eco el cine posmoderno, me he centrado aquí en la aparición de nuevos temas, siguiendo una metodología que combina crítica de cine y análisis temático, cruza el análisis textual con el de los imaginarios, en una continua dialéctica entre texto y contexto, y enmarcada en una reflexión sobre los nuevos paradigmas de la posmodernidad.
La finalidad es, a través de un corpus de unas sesenta películas analizadas en profundidad, configurar un mapa de temas recurrentes, obsesivos, característicos de la evolución del cine reciente y mostrar las conexiones entre unos y otros.
Aparece un cine que califiqué como neo-existencialista, que replantea el tema de la identidad, la relación con el cuerpo —epicentro y lugar de turbulencias—, la representación del otro —dentro y fuera de la pareja—, refleja una fascinación por la violencia, lo extremo, lo monstruoso y se enfrenta con los retos que plantea la cultura de la comunicación y el culto a la imagen. Muchas películas parten de un mal-estar existencial, la sensación de mal vivir, que caracteriza nuestra época, de vivir de manera intermitente —un estar y no estar (con el otro, en su sitio)—, el no poder rebelarse tampoco, que desembocan a menudo en la tentación de huir, viajar, partir a la deriva e incluso de desaparecer.
Este fenómeno no es ajeno a la pérdida de referencias en el mundo actual, es característico de una época de transición y de crisis donde se cuestionan las sistemas ideológicos heredados de la Modernidad sin que se hayan elaborado nuevos sistemas de valores, seguramente porque ya no son operativos los grandes relatos sobre el mundo; porque vivimos en el tiempo del después de, después de la fe en el progreso, en la linealidad de la Historia, después de la orgía como decía Baudrillard y, recientemente, después del Covid y puede que esto haya influido en la recurrencia de películas sobre el trauma, el duelo y la resiliencia.
El autor
Gérard Imbert, (Casablanca, 1949). Doctor por la Sorbona, miembro de la Casa de Velázquez (Madrid), profesor de la Universidad de Paris IV-Sorbona, director del Instituto Francés de Madrid, catedrático de Comunicación audiovisual de la Universidad Carlos III de Madrid, donde ha sido director del doctorado y del máster en Investigación aplicada a los medios, y de la que es actualmente académico Sénior.
Es autor de una quincena de libros sobre Comunicación, identidad e imaginarios sociales, publicados en España y Francia, entre otros Los escenarios de la violencia (1992), y La sociedad informe (2010), ambos en editorial Icaria; El transformismo televisivo. Postelevisión e imaginarios sociales (2008), Cine e imaginarios sociales (2010) y Crisis de valores en el cine posmoderno (2018), los tres publicados en Cátedra. Ha colaborado también en diferentes medios de comunicación (El País, La Vanguardia, El Mundo, Liberación) y revistas culturales (Cuadernos de Ruedo Ibérico, El Viejo Topo, Archipiélago, entre otros).
Es asimismo novelista y codirector de la sala de teatro exlímite (Madrid) desde el año 2018.
Dos años después de su versión de Pinocho el veterano Robert Zemeckis vuelve a ponerse detrás de las cámaras con Here, película cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Sony Pictures y Vértice 360 y podéis ver a final de pagina junto a un cartel promocional. El film, adaptación de la novela gráfica de Richard McGuire, que reúne a Tom Hanks y Robin Wright 30 años después de Forrest Gump y rodado en un único plano fijo situado en la esquina de una habitación, llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 15 de noviembre, a España lo hará tres semanas mas tarde, el 5 de diciembre.
Here nos cuenta la vida de varias familias y el singular lugar en el que viven. La película viaja a través de distintas generaciones, capturando la experiencia humana mostrado a través de un solo escenario. Una historia de amor, pérdida, risas y vida, todo desarrollado en un concreto lugar.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Robert Zemeckis junto a Eric Roth, está protagonizada por Tom Hanks, Robin Wright, Paul Bettany, Kelly Reilly, Michelle Dockery, Ophelia Lovibond, Beau Gadsdon, Jonathan Aris, Nikki Amuka-Bird, Ben Wiggins, Billie Gadsdon, Dexter Sol Ansell, Leslie Zemeckis, Lilly Aspell, Lauren McQueen, David Fynn, Mitchell Mullen, Harry Marcus, Zsa Zsa Zemeckis, Isla Ashworth, Faith Delaney, Callum Macreadie, Anya Marco Harris, Finn Guegan, Mohammed George, Albie Salter, Louis Philpott y Albie Mander.
Acaba de ver la luz de la mano de A24 un primer adelanto, en forma de tráiler que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del thriller psicológico con elementos de terror titulado Heretic, film dirigido por el dueto formado por Scott Beck y Bryan Woods, responsables de películas como Nightlight (2015), Haunt (2019) o la reciente 65 (2023), y guionistas de la saga A Quiet Place. La película, que tiene la peculiaridad de contar con el actor Hugh Grant en un rol alejado de sus papeles en el género de la comedia, aún sin fecha de estreno en nuestro país, llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 15 de noviembre de 2024.
En Heretic vemos como dos jóvenes misioneras se ven obligadas a demostrar su fe cuando llaman a la puerta equivocada y son recibidas por el extraño y diabólico Sr. Reed, quedando atrapadas en un mortal juego del gato y el ratón.
La película, con guion a cargo de los propios Scott Beck y Bryan Woods, está protagonizada por Hugh Grant, Sophie Thatcher, Chloe East, Elle McKinnon, Carolyn Adair y River Codack.
La playa de las seducciones (José Luis Gonzalvo, 1967). Int.: Manuel Alexandre, Magda Maldonado, Julio Pérez Tabernero. España. DCP. Color. 88’ S.O.S Invasión (Silvio F. Balbuena, 1969). Int.: Jack Taylor, Mara Cruz, Diana Sorell. España. 35 mm. Color. 87’
Playas, bikinis, barcos, crema solar e invasiones de turistas muy marcianos. Refrescante sesión doble de verano en «Sala:B»
En mayo de 1967, Fraga Iribarne, ministro de Información y Turismo, visitaba con las cámaras del NO-DO los nuevos hoteles de la Manga del Mar Menor, dando oficialidad a la campaña que lo iba a cambiar todo: Spain is different. Pocas semanas después se rodaba en el Hotel Entremares La playa de las seducciones, anteriormente conocida como Una historia sacada de la Manga, película a medio camino entre la españolada, el documental costumbrista y los experimentos pop de la Escuela de Barcelona. El gran Manuel Alexandre interpreta a un empresario tan millonario como cateto, acompañado de su corte y dedicados al arte de no hacer nada en vacaciones. Entre episodio y episodio de tontunas, se cruzará con variopintos personajes, como la exótica Claudia Gravi, en plena explosión tras ser descubierta por Jordi Grau. Debut en el largometraje de José Luis Gonzalvo, que aparecía más en la prensa como marido de La Chunga que por méritos propios, y cuya carrera nunca despegó. El título original hace buena justicia a esta rareza veraniega repleta de humor absurdo, montajes más absurdos y homenajes al slapstick mudo, en flamante TechniScope y Eastmancolor.
S.O.S. Invasión es otra película que parece impulsada por el desarrollismo y los avances turísticos en la península ibérica. Rodada entre el Algarve y Madrid, en espectaculares localizaciones e interiores space-lounge, la trama asocia muy oportunamente el turismo con una invasión alienígena de “suecas robot”, vestidas con pelucones y moda ye-ye. Quien espere que esto tenga algún sentido será incapaz de disfrutar de esta auténtica psicotronía, puro guateque narrativo, despreocupado de hilvanar escenas o de armar nada coherente más allá de la caricatura y el deleite estético. Dirige Silvio F. Balbuena, acostumbrado a la serie B y aficionado a la animación, que probablemente tuvo que montar el film a falta de algunas escenas, lo que añade más psicodelia a la mezcla. Jack Taylor, Mara Cruz, Diana Sorel y José María Tasso parecen disfrutar de este genuino tebeo extraterrestre.
Presentan la sesión la actriz Claudia Gravi y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 190’)
Tras trabajos como The VVitch (2015), The Lighthouse (2019) o The Northman (2022), el realizador estadounidense Robert Eggers se ha convertido en un nombre clave para los fans del fantástico, su nuevo trabajo tras las cámaras, y el más ambicioso hasta la fecha, es la esperada nueva versión del clásico de 1922 de F.W. Murnau Nosferatu, película nuevamente inspirada en el ‘Drácula‘ de Bram Stoker cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su cartel promocional. Este nuevo Nosferatu tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos y España para el próximo 25 de diciembre de 2024.
La breve sinopsis oficial de Nosferatu describe la película de Robert Eggers como un cuento de tono gótico en torno a la obsesión que se establece entre una atormentada joven y el aterrador vampiro enamorado de ella, una tempestuosa relación que dejara un siniestro rastro de sangre a su paso.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Robert Eggers, está protagonizada por Lily-Rose Depp, Bill Skarsgard, Aaron Taylor-johnson, Nicholas Hoult, Willem Dafoe, Emma Corrin, Simon McBurney, Ralph Ineson, Paul A Maynard y Stacy Thunes.
El director chileno Felipe Carmona revive a los cinco torturadores clave de Pinochet para denunciar el auge de la extrema derecha en su país. Estreno en Filmin el 28 de junio.
El 28 de junio se estrena en Filmin “La prisión de los Andes”, la ópera prima de Felipe Carmona. Esta producción chilena cuenta la vida de los cinco torturadores más crueles de la dictadura de Pinochet durante su estancia en una lujosa cárcel a los pies de la Cordillera. Sin embargo, el recinto tiene poco de prisión: cuenta con piscina, jardines y los guardias son prácticamente sus empleados. Tras unas declaraciones de Contreras, uno de los internos, en la televisión los presos temen que los trasladen a una cárcel común donde ya no gocen de los mismos privilegios. Entre el elenco se encuentran los actores Hugo Medina, Bastián Bodenhöfer, Alejandro Trejo y Mauricio Pesutic, quienes interpretan al General Manuel Contreras, al Brigadier Miguel Krassnoff, al General Odlanier Mena y al Coronel Marcelo Moren Brito, respectivamente.
El propio Hugo Medina fue víctima de la dictadura de Pinochet, durante la cual fue detenido, encarcelado y torturado y finalmente tuvo que exiliarse en Londres. El actor explica cómo fue interpretar a uno de los responsables de estos abusos: “Cuando estás en un proceso de interpretar la conducta de un ser humano así como él, tú tienes que, no justificarlo ni cuestionarlo, sino sencillamente entender sus mecanismos psicológicos […] Es súper complejo, yo tenía una opinión, por supuesto, sobre este ser humano, pero como intérprete, tengo que tratar de limpiarme de los prejuicios y no cuestionarlo”.
La película está ambientada en 2013, cuando los cinco perpetradores, ya ancianos, se encuentran cumpliendo sentencias de siglos de duración. Hoy, pasado el cincuenta aniversario de la dictadura, Chile experimenta un retorno de esta ideología dictatorial, como explica Felipe Carmona: “Hay un rebrote de la ultraderecha, del pinochetismo y pareciera que los militares vuelven a creer que una parte de la población les reconoce lo que hicieron, no se avergüenzan ni piden perdón”. La condena de no conocer la propia historia es repetirla, y parece que esto es lo que está pasando en Chile: “la nueva propuesta de constitución es incluso más conservadora que la impuesta por la dictadura, hoy, en 2023. Una de sus cláusulas incluso daría la opción a los hombres en la historia de nuestra película de cumplir el resto de su condena fuera de la prisión, bajo arresto domiciliario”. Con esta película, el director apela a la memoria colectiva del país. Pretende que nadie se olvide de estos hechos para, precisamente, evitar que se repitan.
Acaba de ver la luz de la mano de Lionsgate un primer adelanto en forma de tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del thriller psicológico The Abandon, opera prima del director Jason Satterlund cuyo argumento de tono minimalista recuerda inevitablemente al Cube de Vincenzo Natali. La película tendrá un estreno limitado en Estados Unidos el próximo 19 de julio, para días mas tarde, el 30 del mismo mes, estar disponible a través de plataformas.
The Abandon nos muestra como Miles Willis, un soldado estadounidense herido, despierta tras presenciar una cegadora luz blanca en un campo de batalla de Irak y descubre que está atrapado en un misterioso cubo armado sólo con su equipo de combate. Su situación se agrava cuando el cubo empieza a cambiar con violentos cambios de gravedad y la aparición de crípticos escritos en las paredes. Cuando Miles empieza a cuestionarse su cordura, encuentra un salvavidas: una voz al otro lado de su teléfono por satélite que afirma estar prisionero en un espacio similar. A medida que las paredes se cierran, estos dos extraños deben unir sus cabezas si quieren burlar a sus captores y descifrar este rompecabezas mortal.
La película, con guion a cargo de Dwain Worrell, está protagonizada por Jonathan Rosenthal, Tamara Perry, Regis Terencio, Dan Kyle y Priscilla Avila.
Este libro propone un acercamiento a las constantes temáticas, narrativas y estéticas del cine de terror, otorgando prioritaria atención a su evolución, mutación o eescritura a través de la historia del género. Con tal fin, el autor analiza un corpus de filmes cuya selección no responde a la voluntad de establecer canon alguno, sino a su capacidad para reflejar los temores y las ansiedades socioculturales del contexto histórico en que fueron producidos, así como para representar determinadas formas de concebir el terror cinematográfico y ejemplificar sus rasgos característicos.
El autor
Rubén Higueras Flores, Docente del Departamento de Sociología y Comunicación de la Universidad de Salamanca (USAL). Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid (UCM). Es autor de los libros Escritura fílmica y disidencia. La obra cinematográfica de José Antonio Nieves Conde (1947-1958) (Shangrila, 2024), La escritura (in)visible. 50 películas esenciales para estudiar el cine clásico (con Aarón Rodríguez; Editorial UOC, 2018), Jacques Tourneur (Cátedra, 2016) y Guía para ver y analizar «La matanza de Texas» (Nau Llibres, 2014). Ha publicado artículos en las revistas científicas Fonseca, ZER, Documentación de las Ciencias de la Información, Comunicación, Fotocinema, Tripodos, Archivos de la Filmoteca y L’Atalante, y ha coordinado diversos libros colectivos, entre ellos, Josef von Sternberg. Estilización y deseo (Shangrila, 2020) y Vida en sombras. El hechizo del cine, la herida de la Guerra (con José Luis Castro de Paz; Shangrila, 2018).
Dos años después del inesperado éxito comercial de la cinta de terror Smile nos llega de la mano de Paramount Pictures un primer avance en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de su secuela, película que vuelve a tener detrás de las cámaras a Parker Finn, director cuyo próximo trabajo será el remake de Possession, la obra de culto Andrzej Żuławski realizada en 1981.
En Smile 2, que llegará a los cines de Estados Unidos y España el próximo 18 de octubre, vemos como la estrella del pop mundial Skye Riley está a punto de embarcarse en una nueva gira mundial cuando empieza a experimentar una serie de sucesos cada vez más aterradores e inexplicables. Angustiada por la espiral de horrores y la abrumadora presión de la fama, Skye tendrá que enfrentarse a su oscuro pasado para recuperar el control de su vida antes de que sea demasiado tarde.
La película, con guion a cargo del propio Parker Finn, está protagonizado por Naomi Scott, Rosemarie DeWitt, Kyle Gallner, Lukas Gage, Miles Gutierrez-Riley, Peter Jacobson, Raúl Castillo, Dylan Gelula, Ray Nicholson y Micaela Lamas.
La serie, debut en la dirección del actor británico Michael Sheen, captura la revuelta civil de los galeses y se estrenará en Filmin el 25 de junio.
Filmin estrena el próximo martes 25 de junio, en exclusiva en España, la serie de 3 episodios “The Way”, el debut en la dirección del actor Michael Sheen (“Masters of Sex”). Se trata de un nuevo drama de la prestigiosa BBC sobre unos disturbios que estallan en la ciudad industrial de Port Talbot, cuna de la furia y del orgullo de la clase trabajadora, y que entran en una espiral de violencia que atrae a varios grupos activistas y desemboca en una enorme revolución obrera. La serie llega a nuestras pantallas tras casi una década de gestación, en la que Sheen ha contado en su equipo con el documentalista ganador de 4 BAFTAs, Adam Curtis, y el guionista James Graham (“Sherwood”).
Los protagonistas de “The Way” son los Driscoll, una tormentosa familia de 4 integrantes que se ve obligada a abandonar su hogar tras la amenazante situación que acorrala su isla. Antes de llegar a Inglaterra, se cierran abruptamente las fronteras y los galeses pasan a ser considerados inmigrantes ilegales. El reparto, en el que también se encuentra el director Michael Sheen, lo completan Luke Evans (“El Hobbit”), Callum Scott Howells (“It’s a Sin”), Steffan Rhodri y Sophie Melville.
“Port Talbot es una ciudad marcada por los disturbios del pasado”, explica Sheen sobre su ciudad natal, una siderúrgica del siglo XX convertida ahora en una superviviente posindustrial. “Tiene el espíritu rebelde en su ADN. Toda la fuerza de la ciudad es como un gigante durmiente”. Sheen, quien en 2012 protagonizó la serie “La pasión de Port Talbot”, regresa a sus raíces para mostrar “un reflejo de lo que ha sido vivir en nuestra cultura durante los últimos 10 años, en los que nunca sabías si estabas en una sitcom o en una película de terror. Lo absurda que puede llegar a ser la realidad”. Para ello, la autenticidad fue crucial, así que el equipo trabajó mano a mano con habitantes de la ciudad, sobre lo que la productora Bethan Jones comenta: “Multitud de locales hicieron de extras para las escenas de protestas y para la planta de siderurgia. La serie refleja ese sentimiento latente de estar atrapado en el pasado y tener la necesidad de avanzar”.
Tres años después de la notable Les Olympiades el francés Jacques Audiard vuelve a ponerse detrás de las cámaras con el musical Emilia Pérez, film cuyo primer tráiler vía Pathé acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, tras ser presentada con éxito en el pasado Festival de Cannes, Premio del Jurado y Premio al elenco femenino, se estrenará en los cines de Francia el próximo 21 de agosto, a nuestro país, aún sin fecha de estreno, llegará de la mano de Elástica Films y Wanda Visión
Emilia Pérez nos cuenta la historia de una abogada sobrecualificada e infravalorada de un gran bufete que un día recibe una oferta inesperada: Ayudar al temido jefe de un cartel a retirarse de su negocio y desaparecer para siempre convirtiéndose en la mujer que siempre ha soñado ser.
La película, con guion a cargo del propio Jacques Audiard, está protagonizada por Zoe Saldana, Selena Gomez, Edgar Ramirez, Karla Sofía Gascón, Mark Ivanir, Adriana Paz, Eric Geynes, James Gerard, Agathe Bokja, Tulika Srivastava, Shiraz Tzarfati, Line Phé, Anabel Lopez, Eduardo Aladro, Yohan Levy, Cyrus Khodaveisi, Paul Kai Te, Lin Chun-Ting y Marie-Elisabeth Robert.
El Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid – PUFA (Pucela Fantástica), que tendrá lugar del 1 al 6 de julio en los cines Broadway y otros sitios emblemáticos de la ciudad de Valladolid, rendirá homenaje a dos artistas vinculados a los géneros alrededor de los cuales gira el festival. Colin Arthur y Jack Taylor recibirán los premios de Honor de este festival en su primera edición.
El actor Jack Taylor será uno de los homenajeados en esta primera edición del Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid – PUFA (Pucela Fantástica) por su extensa trayectoria vinculada al fantástico y al terror.
Cuando se cumplen diez años del estreno del primer largometraje de ficción de Víctor Matellano, “Wax”, protagonizado por Jack Taylor, Geraldine Chaplin y Jimmy Shaw, el siniestro personaje central de la película, el Doctor Knox, ha vuelto, en este caso en forma de novela, tras haberlo hecho en formato gráfico, en la revista de cómic, Knox. Dentro del marco del PUFA (Pucela Fantástica) se presentará en Valladolid “El diabólico doctor Knox”, una novela escrita por Carlos Díaz Maroto, y publicada por Sial-Pigmalión en su colección Lumière, precuela de “Wax”.
Con prólogo del mítico actor Jack Taylor, que en el film interpreta al personaje del título, ilustraciones interiores de Claudio Sánchez Viveros, ilustración de cubierta de Sanjulián, y de contracubierta de Azpiri, se trata de una dinámica historia de fuerte componente pulp que, al tiempo, ofrece un homenaje al fantaterror español y al cine de la Hammer. La presentación del libro tendrá lugar el viernes 5 de julio con la presencia del autor Carlos Díaz Maroto y el actor homenajeado Jack Taylor.
La jornada de homenaje a Jack Taylor continuará esa misma tarde con una sesión doble compuesta por el cortometraje “Print the Legend”, que se estrenó en sección oficial el pasado Festival de Sitges y en el que él hace la narración, siendo hasta la fecha su último trabajo estrenado, y el largometraje “Wax”, con la presencia de su director Víctor Matellano y los homenajeados, el actor Jack Taylor y el artista multidisciplinaro Colin Arthur, responsable de los efectos digitales de la película, realizados sin retoque digital. El largometraje “Wax”, filmado en el Museu de Cera de Barcelona y en el Museo de Cera de Madrid, junto a otras localizaciones de Málaga y Girona, y cuyo rodaje se presentó en su día en el Sitges Film Festival, se vio por primera vez en el extinto Nocturna Film Festival, el 30 de mayo de 2014, y vuelve a disfrutarse en pantalla grande por su décimo aniversario.
El maestro de los efectos especiales y maquillaje Colin Arthur recibirá también el Premio de Honor del Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid – PUFA (Pucela Fantástica) en su primera edición. El artista inglés, conocido por sus trabajos en grandes clásicos del cine como “La Historia interminable”, “2001: Una odisea en el espacio” o “El Resplandor”, tendrá una serie de actos para homenajear su carrera dentro del marco del Festival. Arthur, que también ha participado en películas españolas como “Abre los ojos” y “Hable con ella”, y que trabajó en los años setenta con Ray Harryhausen, fue clave en otras películas como “Conan, el bárbaro”, siendo uno de los nombres clave del fantástico a nivel mundial, y símbolo de todo lo que queremos homenajear en PUFA (Pucela Fantástica).
La mañana del sábado 6 de julio se ofrecerá una mesa redonda abierta al público con la presencia del director Víctor Matellano, el escultor Juan Villa y el homenajeado Colin Arthur, para conocer de primera mano el trabajo de uno de los mejores técnicos de efectos especiales a nivel mundial y su influencia tanto en directores como escultores actuales. Por la tarde, los cines Broadway volverán a los años 80 para acoger la proyección de “La Historia interminable”, cuyas fantásticas criaturas animatrónicas creó el artista y es una de las obras más destacadas de la filmografía de Colin Arthur, a cuya conclusión se podrá disfrutar de un coloquio con el artista.
El Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror – PUFA (Pucela Fantástica) pondrá el broche a casi una semana de proyecciones, encuentros y coloquios con la entrega de premios que tendrá lugar en los cines Broadway, donde se hará entrega de los premios de esta edición tanto de Sección Oficial como Aquelarres, y los dos Premios de Honor a Colin Arthur y Jack Taylor, con la presencia de invitados muy vinculados a sus carreras. A continuación, tendrá lugar la última proyección del Festival, película de clausura que pronto se desvelará, pero servirá también para rendir tributo a los grandes títulos del pasado.
Acaba de ser presentada vía Apple TV+ un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, de la comedia de acción The Instigators, nuevo trabajo las cámaras de Doug Liman, The Bourne Identity (2002), Jumper (2008), Edge of Tomorrow (2014) o la reciente Road House (2024).
En The Instigators vemos como Rory, un padre desesperado, y Cobby, un expresidiario, se ven obligados a aliarse para cometer un atraco y salir de apuros con el dinero. Cuando el plan se tuerce, tendrán que hacer equipo tomando como rehén voluntaria a la psicóloga de Rory, tratando de escapar de la policía, de unos funcionarios corruptos y de un capo vengativo.
La película, que vera la luz de la mano de Apple TV+ el próximo 9 de agosto de 2024, cuenta con un guion a cargo de Casey Affleck y Chuck MacLean, estando protagonizada por Matt Damon, Casey Affleck, Hong Chau, Michael Stuhlbarg, Paul Walter Hauser, Ving Rhames, Alfred Molina, Toby Jones, Jack Harlow, Ron Perlman y Tom Mariano.
The Instigators está producida por Jeff Robinov, John Graham, Kevin J. Walsh, Alison Winter, Ben Affleck y Matt Damon, con Celia Costas, Dani Bernfeld, Kevin Halloran, Michael Joe y Luciana Damon como productores ejecutivos.
La vida y obra de la intérprete vallisoletana protagonizará además un encuentro en el que participarán el Presidente de la Academia del Cine, Fernando Méndez-Leite, el actor José Sacristán y los cineastas Pedro Olea y Manuel M. Velasco, hijo de la actriz.
El Ayuntamiento de Valladolid, a través de la Semana Internacional de Cine y el Teatro Calderón, rendirán los próximos días 18,19 y 20 de junio un homenaje a la actriz vallisoletana Concha Velasco en recuerdo de una de las intérpretes más respetadas y queridas por el público español, que falleció el pasado 2 de diciembre de 2023. El homenaje consistirá en un ciclo de proyecciones con algunos de los títulos que forjaron su prestigiosa carrera y una mesa redonda en torno a su figura.
El ciclo homenaje, comisariado por Seminci y el Teatro Calderón, con quienes mantuvo una especial vinculación en su carrera, recoge el amplio arco interpretativo y la versatilidad de la actriz vallisoletana, quien da vida en estos trabajos a mujeres muy libres, interpretadas con muchos matices y en películas que abarcan de la comedia al drama.
Los títulos seleccionados son Historias de la televisión, de José Luis Sáenz de Heredia (1965); Trampa para Catalina, de Pedro Lazaga (1963); Las bodas de Blanca, de Francisco Regueiro (1975); y los dirigidos por Pedro OleaMás allá del jardín (1996) y Pim, pam, pum… ¡fuego! (1975). Estas dos últimas películas serán presentadas por su director al público asistente a cada sesión.
Las proyecciones tendrán lugar los días 18, 19 y 20 de junio en la Sala Principal del Teatro Calderón y estarán abiertas al público con acceso gratuito previa retirada de entrada en las taquillas del teatro sin coste alguno y también a través de la web del teatro con una comisión de 1,20€.
Además, los días 24, 25, 27 y 28 de junio se proyectará en el Espacio Seminci, y en colaboración con RTVE, la serie Teresa de Jesús, de Josefina Molina, donde daba vida a la santa de Ávila en uno de los papeles que marcó su carrera y que fue presentada en el Festival en el año 1984. Cada día se proyectarán dos capítulos de la serie de Televisión Española en horario de 18:00 a 20:00 horas, con entrada gratuita hasta completar el aforo.
El encuentro en torno a la figura de Concha Velasco tendrá lugar el miércoles 19 de junio a las 19.30 horas en la sala principal del Teatro Calderón con la presencia de sus compañeros y grandes amigos Fernando Méndez-Leite, presidente de la Academia del Cine, el actor José Sacristán y los cineastas Pedro Olea y Manuel M. Velasco, hijo de la actriz. Todos ellos conversarán sobre la extensa carrera de uno de los rostros más populares y queridos del mundo del espectáculo en España.
Seminci y el Teatro Calderón organizan este tributo a Concha Velasco, que siempre profesó un cariño especial a su ciudad natal, y dejó un legado de más de 80 películas, más de treinta obras de teatro y musicales, discos y grandes éxitos en la pequeña pantalla. Premio Goya de Honor en 2013 y candidata en dos ocasiones al galardón por Esquilache (1989) y Más allá del jardín (1996), en 1987 recibió la Medalla de Oro de las Bellas Artes, en 2003 la Medalla de Oro de la Academia y en 2018 la Medalla de Oro de la Ciudad de Valladolid.
Concha Velasco estuvo siempre muy unida a Seminci, que le otorgó el premio a la Mejor Actriz por su papel en La hora bruja en 1985 y, un año después, dedicó un ciclo a su trayectoria profesional hasta ese momento y la edición de un libro que repasaba su carrera escrito por Fernando Méndez-Leite. Además, fue galardonada con dos Espigas de Honor del festival, concedidas en el año 1986 y 2013, respectivamente.
En los últimos años, Concha Velasco nos visitó en la 63 edición para presentar el cortometraje Mañana y siempre, dirigido por su hijo Manuel M. Velasco, y un año después, en 2019 entregó a su gran amigo Pedro Olea el trofeo que celebraba los 50 años de su película El bosque del lobo, en la que sería su última presencia en Seminci.
El Teatro Calderón también fue el escenario de algunos de los hitos más importantes de su carrera siendo muy números sus papeles protagonistas en nuestro escenario. Fue precisamente el escenario del Teatro Calderón el lugar elegido por la actriz para anunciar su retirada definitiva en septiembre de 2021, al finalizar la representación de la obra La habitación de María.
CALENDARIO DE ACTIVIDADES
Programación en la Sala Principal del Teatro Calderón
Martes 18
17:00 h.-Historias de la televisión (José Luis Sáenz de Heredia, 1965) 114′
19:30 h.- Las bodas de Blanca (Francisco Regueiro, 1975) 89′.
Miércoles 19
17:00 h.-Trampa para Catalina (Pedro Lazaga, 1963) 87′
19:30 h.- Encuentro moderado por Manuel Martínez Velasco. Asistentes: Fernando Méndez Leite, José Sacristán y Pedro Olea.
Jueves 20
17:00 h.- Pim, pam, pum… ¡fuego! (Pedro Olea, 1975) 99′. Presentada por Pedro Olea.
19:30 h.- Más allá del jardín (Pedro Olea, 1996) 90′. Presentada por Pedro Olea.
Acceso previa retirada de entradas a partir del día 13 de junio en las taquillas del teatro sin coste alguno de lunes a viernes de 9:00 a 15:00 horas y a través de la página web: www.tcalderon.com con una comisión por entrada de 1,20€.
Programación en Espacio Seminci
Serie RTVE – Teresa de Jesús (Josefina Molina, 1984)
Dos capítulos diarios: 24, 25, 27 y 28 de junio. De 18:00 a 20:00 horas
Agustí Villaronga es un autor. Su vanguardismo no se ha desgastado con el tiempo ni se ha debilitado por la melancolía crepuscular de la llamada posmodernidad. El director ha sido capaz de realizar un cine comercial de calidad sin renunciar a su estilo. Ni los premios recibidos ni el reconocimiento de la crítica nacional y extranjera ni la buena consideración de su obra por parte del público han conseguido ablandar o dulcificar el inquietante talento que le ha permitido caminar por los bordes de los precipicios como su lugar natural. Ni siquiera cuando ha trabajado en producciones costosas, con medios suficientes y un público amplio y expectante, ha renunciado a plantear la historia a su manera. Su cine siempre ha sido trasgresor. No ha necesitado penurias y escasez de medios para crear sus complejos universos, en los que el bien y el mal vienen a ser inseparables.
Las obras de Pilar Pedraza y Agustí Villaronga exploran terrenos similares. A veces convergen, a veces divergen, a menudo se cruzan, como líneas que serpentean en torno a los mismos problemas: el mal, la mirada, el deseo, la crueldad, la oscura noche que se extiende en nuestro interior. Era inevitable que Pedraza acabara escribiendo sobre su cine, pues encontraba en ella la armonía y contrapunto de su propia visión del mundo.
El autor
Pilar Pedraza, (Toledo, 1951) se doctoró en Historia del Arte por la Universidad de Valencia, donde ejerció como docente e investigadora hasta 2011, cuando empezó a dedicarse por completo a la escritura. A lo largo de su carrera, ha compaginado la investigación y la escritura, la docencia universitaria y la creación. En su obra encontramos cuentos, novelas, columnas, artículos, ensayos, ediciones críticas y traducciones de extrañas obras renacentistas como El sueño de Polífilo. Como escritora de ficción, es autora de una extensa obra, de entre la que cabe citar Las joyas de la serpiente, La fase del rubí, La pequeña pasión, Paisaje con reptiles, Piel de Sátiro, Arcano 13, La perra de Alejandría, Lobas de Tesalia, Mystic Topaz, El amante germano, Pánikas, Eros ha muerto o Nocturnas, su última antología de relatos. Como investigadora, destacan sus ensayos sobre películas, como Metrópolis, La mujer pantera o Suspiria; sobre directores, como Federico Fellini o Jean Cocteau; y sobre la construcción de lo femenino en Occidente a través de la literatura y el cine fantástico, con obras como La bella, enigma y pesadilla, Máquinas de amar, Espectra o Brujas, sapos y aquelarres. Su obra ha aparecido publicada en antologías internacionales como The Valancourt Book of World Horror Stories y la ha hecho merecedora de diversos premios como el Ignotus, Nocte, Sheridan Le Fanu, Gabriel, o el Golem Honorífico a toda su trayectoria.
No será la primera película de este 2024 de alguna manera rompa ciertas coordenadas preestablecidas dentro del subgénero del serial killer, tras la interesante In A Violent Nature del debutante Chris Nash nos llega un primer adelanto en forma de tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, de la película Strange Darling, segundo trabajo tras las cámaras de J.T. Mollner, tras el western Outlaws and Angels (2016), que tuvo su estreno mundial en el pasado Fantastic Fest de Austin y llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 23 de agosto de 2024.
El escueto argumento relevado de Strange Darling nos traslada a un día en la retorcida vida amorosa de un asesino en serie, será a partir de esta premisa donde se cuestionará los roles que desempeñen los hombres y las mujeres en determinadas situaciones, proponiéndonos un inteligente juego, dentro género del thriller, entre el gato y el ratón.
La película, con guion a cargo del propio J.T. Mollner, esta protagonizada por Willa Fitzgerald, Kyle Gallner, Ed Begley Jr., Madisen Beaty, Robert Craighead, Barbara Hershey, Steven Michael Quezada, Bianca A. Santos, Eugenia Kuzmina, Denise Grayson, Duke Mollner, Robert Craighead, Sheri Foster, Jason Patric, Evan Peterson, Giovanni Ribisi y Andrew John Segal.
LA TRILOGÍA REMASTERIZADA DEL CINEASTA POLACO KRZYSZTOF KIESLOWSKI AZUL, BLANCO, ROJO LLEGA EL PRÓXIMO 5 DE JULIO A LAS SALAS DE CINE EN 4K COINCIDIENDO CON EL 30 ANIVERSARIO DE SU ESTRENO EN CINES.
Treinta años después del estreno en cines de estas tres obras de culto de la cinematografía europea que vieron más de un millon de personas en los cines de nuestro país, Wanda las trae de nuevo a las salas de cines en 4K con copias remasterizadas.
Más de 600.000 personas vieron AZUL tras ganar el León de Oro en el Festival de Venecia. El próximo 5 de julio queremos volver a estrenar la obra maestra de Krzysztof Kieslowski con la romántica intención de que algunos vuelvan a disfrutar de ella y otros la puedan ver por primera vez en una sala de cine. Esta vez con una copia remasterizada que hará que se pueda gozar en 4K de este pedacito de historia de cine europeo en las salas de cine españolas.
Un sinfín de pequeñas historias sustenta y ornamenta la arquitectura de estos Tres colores (1993-1994). Todo a la sombra de una bandera tricolor tan repleta de significados que sólo un perfil de la talla de Kieslowski podía armar una trilogía tan compleja y convertirse en una obra maestra.
Mientras dirigía Blanco el cineasta se encargaba del montaje deAzul y de escribir el guión de Rojo. De este modo el entramado de puentes que conectan los tres trabajos como si fuesen un mismo sistema nervioso va más allá de lo que vemos en pantalla. Kieslowski impregnó cada una de las películas del proceso de confección de las otras dos.
Liberté: El azul. Julie (Juliette Binoche) pierde a su familia en un accidente de coche. De un brusco desgarro, la mujer de uno de los compositores más importantes de la actualidad se encuentra sola, sin ataduras y, por lo tanto, libre. Kieslowski reflexiona sobre el precio que tenemos que pagar para lograr una meta tan ansiada por el ser humano como es la libertad.
EN CINES EL 5 DE JULIO
Égalité: El blanco. “Esta es una historia sobre la negación de la igualdad. El concepto de igualdad sugiere que todos somos iguales. Sin embargo, yo creo que esto no es cierto. Nadie quiere ser el igual de su próximo. Cada uno quiere ser más igual”.Kieslowski, con sus propias palabras, resume el espíritu de la historia de un inmigrante polaco que no logra retener el sueño de la Europa occidental (esto es, de su mujer francesa) y debe volver a su país de origen. Allí, en una Varsovia que se asoma al capitalismo salvaje, deberá buscar nuevas vías de conseguir su objetivo de abrazar el capitalismo occidental, donde la igualdad es un concepto tan popular como cuestionable.
EN CINES EL 12 DE JULIO
Fraternité: El rojo. Valentine, el juez Kern y Auguste son tres extraños que van a cruzar sus caminos aunque aún no lo sepan. La ciudad de Ginebra se abre como un entramado de relaciones donde la fraternidad puede mover montañas (Valentine y el juez) o agarrotarse en la garganta como un trago amargo (el novio celoso de la protagonista). Kieslowski sitúa la acción en un país como Suiza, donde diferentes comunidades culturales y religiosas conviven con relativa placidez, y dota al color rojo del calor del amor y de la vida.
EN CINES EL 19 DE JULIO
La TRILOGÍA remasterizada se ha estrenado en los últimos meses en Estados Unidos, Reino Unido, Italia, Bélgica, Holanda y Luxemburgo con gran éxito de público.
Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del documental Made in England: The Films of Powell & Pressburger, trabajo que reúne material de archivo poco común procedente de las colecciones personales de los míticos cineastas Michael Powell y Emeric Pressburger (The Red Shoes, A Matter of Life and Death, Black Narcissus).
El documental dirigido por David Hinton, que tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Berlín, cuenta con la narración y producción de Martin Scorsese, uno de los cineastas mas comprometidos en preservar legados cinematográficos de distinta índole, en el caso que nos ocupa el de dos autores a los que siempre ha profesado una gran admiración, a tal respecto el propio Scorsese comenta «Querían lograr con su cine un tipo de interés elevado que sólo se logra mediante el artificio cinematográfico«, señala. “Incluso con el paso de las décadas, no parece haber ningún otro cineasta que pueda capturar esos mundos oníricos y fantásticos que fueron capaces de evocar”. Al declarar a Colonel Blimp como una de sus películas de cabecera, el responsable de Taxi Driver revela con ternura: “Es el film que más me dice sobre crecer, envejecer y, eventualmente dejarse ir”.
Made in England: The Films of Powell & Pressburger tras su reciente presentación en el Festival de Tribeca se estrenará comercialmente en el Reino Unido el próximo el 12 de julio.
El segundo y tercer sábado de cada mes, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas.
En el mes de junio, La noche bizarra entra por primera vez en el continente asiático para dedicarle un ciclo al visionario director y guionista indonesio Sisworo Gautama Putra (1938-1993). Folklore indonesio, religión, magia negra y asombrosos efectos prácticos se mezclan en el surreal universo de Sisworo Gautama Putra, en el que nos adentraremos con Satan’s Slave (1980), considerada una de las películas más influyentes de la historia del cine de terror asiático, y Santet (1988), un auténtico y explosivo delirio que dejará al espectador boquiabierto, protagonizado por Suzanna, la reina del terror del sudeste asiático. [Programación y notas: Alberto Sedano]
Películas del ciclo
Satan’s Slave
Sesiones
Sáb 08/06, 22:00
Después de la muerte de su esposa, un hombre de negocios y sus dos hijos adolescentes están plagados de visiones de fantasmas y demonios, y pronto, las personas a su alrededor comienzan a morir, todo lo cual comenzó después de la llegada de su nueva y misteriosa ama de llaves.
Ficha técnica
Dirección
Sisworo Gautama Putra
País
Indonesia
Año
1980
Duración
1h 35min
Versión
VOSE
Formato
Archivo digital
Santet
Sesiones
Sáb 15/06, 22:00
El hijo de un antiguo jefe de aldea acaba de regresar de estudiar en una escuela religiosa y se une a la búsqueda de una mujer que acaba de adquirir poderes de magia negra para vengarse de la muerte de su marido.
El checo Matej Chlupacek participó en Karlovy Vary con este drama de época que aborda la intersexualidad y la transexualidad en los años 30 del siglo pasado.
Filmin estrena el próximo viernes 14 de junio, en exclusiva en España, el drama de época checo «El mundo de ayer», dirigido por Matej Chlupacek («The Committee»), que concursó en la sección oficial del Festival de Karlovy Vary. La película recibió 12 nominaciones a los Premios León checo, los galardones de cine y televisión otorgados anualmente por la Academia Checa, y está ambientada en 1937. Narra la historia de Helena, una joven a punto de dar a luz y casada con el exitoso director de una fábrica. Su vida de ensueño choca de frente con la realidad cuando un día descubre en la fábrica de su marido el cadáver de un bebé intersexual. Helena trata entonces de entender lo ocurrido mientras teme por la seguridad de su propio bebé.
«El mundo de ayer» bebe de diversas fuentes. En primer lugar, parte de una historia real que ocurrió en otro tiempo y lugar pero que posee los mimbres de esta película. Además, el director Matej Chlupacek habla de dos libros como inspiración: «La idea principal de la película surgió de un libro del profesor František Hájek, al que se hace referencia en la película. Se publicó en 1937, y fue el primer libro que exploró la intersexualidad, por primera vez en la República Checa y tal vez en toda Europa». El segundo libro inspiró el título internacional de la película, «We Have Never Been Modern»: «Está basado en un libro de Bruno Latour, un famoso antropólogo francés que escribió un libro llamado Nunca hemos sido modernos en los años 90. Trata del choque entre la modernidad y la vieja naturaleza. Es muy interesante. Nos dirigimos a Bruno Latour y a la Universidad de Harvard, que publicó el libro, para preguntarles si podíamos ponerle su título a la película. Latour leyó el tratamiento de guion y dijo que sí. Lamentablemente, murió dos semanas después. Así que todo estuvo bien, pudimos usar el título, pero falleció antes de poder ver terminada la película», recuerda Chlupacek.
El choque entre lo viejo y lo nuevo define el tema de la película, al reflexionar sobre cómo se abordaban la transexualidad y la intersexualidad en los años 30 del siglo pasado, una época que el director considera muy similar a la actual: «Creo que hemos llegado al punto en el que lo tenemos todo. Estamos muy, muy bien. Hay una guerra en Ucrania, pero nuestra vida social no está fuertemente influenciada por ella. Es muy similar a la época de la película. Los personajes están viviendo una vida color de rosa, todo es genial. La arquitectura es moderna, son muy ricos y, básicamente, pueden permitirse cualquier capricho. Pero no saben que dentro de dos años estarán muertos o tendrán que reestructurar toda su vida.», explica, haciendo referencia al estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939.
La comunidad trans fue una fuerte inspiración para la película, interviniendo en la escritura del guion e incluso en la reescritura de su final. Además, uno de sus personajes, Saša, está interpretado por un hombre trans, Richard Langdon, que ni siquiera era actor antes de participar en «El mundo de ayer»: «Sabíamos que queríamos a alguien trans para interpretar a Saša. Pero no hay ningún actor real en la República Checa o Eslovaquia que sea trans. Entonces tuvimos que encontrar a alguien que no fuera actor. Buscamos en Google y descubrimos a Richard, un trabajador social que ofrece ayuda psicológica a las personas que están en la misma situación que él».
En el reparto, junto a Richard Langdon (Mejor Actor en el Festival de Salónica por su papel en el film) encontramos a Eliska Krenková («Los límites del amor»), Milan Ondrík («Que se haga la luz») y Marian Mitas («La casa de la esperanza»), entre otros.
