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La poética rural, tráiler y póster para «La chimera» de Alice Rohrwacher
Una de las realizadoras más interesantes del momento es sin duda la italiana Alice Rohrwacher, después del reconocimiento obtenido con su anterior Lazzaro feliz (2018) la responsable de Le meraviglie (2014) sigue indagando en ese realismo mágico tan característico en su cine con la cinta La chimera, film cuyo tráiler subtitulado al inglés acaba de ver la luz vía Neon y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Después de su premier mundial en el pasado Festival de Cannes la película llegará a los cines de nuestro país de la mano de Elástica Films el próximo 12 de abril de 2024.
En La chimera vemos como un joven extranjero llamado Arthur lidera una banda de saqueadores de tumbas etruscas. Lo tiene fácil, puede sentir el vacío. El vacío de la tierra en la que yacen los restos de un mundo antiguo. El mismo vacío que deja en él el recuerdo de su amor perdido.
La película, con guion a cargo de la propia Alice Rohrwacher, está protagonizada por Josh O’Connor, Isabella Rossellini, Alba Rohrwacher, Carol Duarte, Vincenzo Nemolato, Milutin Dapcevic, Chiara Pazzaglia y Julia Vella.
Filmin estrena la serie «El Quinto Mandamiento», un true crime con Timothy Spall
Filmin estrena el próximo martes 13 de febrero, en exclusiva en España, la serie británica “El Quinto Mandamiento”, un drama basado en hechos reales en el que Timothy Spall (“Mr. Turner”) interpreta a Peter Farquhar, el inspirador exprofesor que, en 2015, a sus 69 años, fue asesinado por el joven capillero con quien mantenía una relación sentimental, Ben Field (Éanna Hardwicke). Firmada por Sarah Phelps (“Un escándalo muy británico”) y dirigida por Saul Dibb (“Senderos de honor”), la serie es uno de los platos estrella de la temporada de la BBC y ha sido descrita por The Guardian como “la pieza televisiva más inmaculada que verás jamás”.
Peter es un profesor homosexual que, por sus creencias y carácter, ha vivido reprimido toda su vida. Su alumno Ben, con su talante cortés y encantador, vislumbra la soledad de Peter y su clemente desesperación por hallar cualquier tipo de compañía. Con un poco de afecto y amor profesado por Jesucristo, el joven consigue entrar en la vida de Peter y hacerle creer que ha encontrado a su alma gemela. El veneno penetra en su relación de forma metafórica y literal. Primero, cuando Ben aísla al profesor del mundo y le induce en una espiral de luz de gas; después, cuando el alumno termina con la vida del docente.
Pero Peter no es el único. Detrás de él cae su vecina y amiga Anne Reid (Ann Moore-Martin, “Sanditon”), una señora de 83 años sobre quien Peter también echa el ojo y la garra, sometiéndola a diferentes formas de seducción, persuasión y envenenamiento.
“La serie va sobre la soledad y el amor”, explica Spall, “sobre los sueños cumplidos que son demasiado bonitos para ser verdad […]. No es una historia de manipulación al uso, en la que se suele ver a la víctima como una marioneta. Es mucho más sofisticado. Se habla de cómo las personas más inteligentes pueden ser engañadas por sus propios deseos consumados. Todo en base a una psicología muy sutil interpretada brillantemente por el joven actor Éanna Hardwicke, quien aparenta ser genuino, amable y servicial incluso cuando las cosas se ponen complicadas”.
El título original de la serie es “The Sixth Commandment” (El Sexto Mandamiento), en referencia al capítulo de la Ley de Dios que “prohíbe matar”. Sin embargo, el título se ha traducido al español como “El Quinto Mandamiento”, pues los católicos siguen una numeración distinta a los protestantes –anglicanos, en este caso–. Los 4 capítulos de 60 minutos que forman la serie estarán disponibles solo en Filmin a partir del 13 de febrero.
Terror en la campiña, tráiler para «Immaculate» de Michael Mohan
Aún reciente la estupenda Hermana muerte de Paco Plaza, otras cintas para ponernos un poco en contexto serian por ejemplo la curiosa Agnes de Mickey Reece o la algo más lejana y reivindicable Dark Waters de Mariano Baino, el terror religioso sigue siendo una buena fuente de ideas a la hora mostrar en la gran pantalla historias en donde la religión, y todo la adyacente a ella, se erigen como un subgénero propio dentro del fantástico. Immaculate, cuyo primer tráiler vía Neon acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a su póster original, supone una nueva indagación en dicha temática. La película, dirigida por Michael Mohan (The Voyeurs 2021), se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 22 de marzo, a nuestro país de la mano de Diamond Films llegará el 26 de abril.
Immaculate nos muestra como Cecilia, una joven mujer de fe devota, recibe una calurosa bienvenida en la campiña italiana, donde se le ofrece un nuevo puesto en un ilustre convento. Sin embargo conforme pasa el tiempo más claro le resulta a Cecilia que su nuevo hogar alberga oscuros y horribles secretos.
La película, con guion a cargo de Andrew Lobel, está protagonizada por Sydney Sweeney, Simona Tabasco, Álvaro Morte, Benedetta Porcaroli, Giampiero Judica, Dora Romano y Giorgio Colangeli.
Los últimos trabajos de David Trueba e Isaki Lacuesta competirán en el 27 Festival de Málaga
‘El hombre bueno’, ‘Los pequeños amores’ y ‘Segundo premio’ participarán en la Sección Oficial a concurso
Las películas españolas El hombre bueno, de David Trueba; Los pequeños amores, de Celia Rico; y Segundo premio, dirigida por Isaki Lacuesta y codirigida por Pol Rodríguez, concursarán en la Sección oficial del 27 Festival de Málaga, que tendrá lugar del 1 al 10 de marzo de 2024.
El hombre bueno
El director y escritor David Trueba regresa al Festival de Málaga con su última película, El hombre bueno, producida por Buenavida Producciones y Perdidos G.C, con un reparto formado por Jorge Sanz, Macarena Sanz y Vito Sanz.
Vera (Macarena Sanz), Juan (Vito Sanz) y su hija Manuela viajan a Mallorca para pasar unos días en una casa idílica frente al mar propiedad de Alonso, antiguo compañero de trabajo de Juan, que tras perder a su pareja decidió retirarse del mundo. Han tomado la decisión de separarse y quieren que Alonso (Jorge Sanz) ejerza de hombre bueno, un mediador que les ayude en el proceso. Aislados en la casa frente al mar, llegará para todos ellos el momento de revelar los secretos y de enfrentarse con la idea del amor y de la pérdida.
La buena vida (1996), presentada en la Quincena de los Realizadores de Cannes, fue la primera película de David Trueba como director. En el año 2000 dirige Obra maestra y en 2003, Soldados de Salamina, presentada en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes y nominada a ocho premios Goya. Con Bienvenido a casa (2006), recibió el premio al Mejor Director en el Festival de Málaga. En 2011 participó en la sección oficial del festival de Sundance con Madrid, 1987. En 2013 dirige Vivir es fácil con los ojos cerrados, que recibe seis Premios Goya entre ellos los de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion. Casi 40 (2018) recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Málaga. En 2020 presenta en este mismo festival la película A este lado del mundo. En 2023 estrena Saben aquell, galardonada con 7 premios Gaudí y nominada a 11 premios Goya.
Los pequeños amores
Celia Rico Clavellino dirige y firma el guion de Los pequeños amores, producción hispano-francesa de Arcadia Motion Pictures, Viracocha Films y Noodles Productions, que cuenta con la financiación del ICAA-Ministerio de Cultura, el apoyo del ICEC, CNC y MEDIA Europa Creativa, y la participación de RTVE, TVC y Filmin, y distribuida por Bteam Pictures. Las ventas internacionales corren a cargo de Latido Films.
Los pequeños amores cuenta en su reparto con María Vázquez, Adriana Ozores y Aimar Vega y narra la historia de Teresa, quien cambia sus planes de vacaciones para ayudar a su madre, que ha sufrido un pequeño accidente. Madre e hija pasarán juntas un verano de lo más sofocante, en el que no conseguirán ponerse de acuerdo ni en las cosas más triviales. Sin embargo, la obligada convivencia removerá más de lo esperado y en las noches estivales Teresa vivirá momentos reveladores junto a su madre.
Celia Rico comenzó como guionista y directora con el multipremiado corto Luisa no está en casa, única representación española en La Biennale di Venezia en 2012 y ganadora del Premio Gaudí (2013). Viaje al cuarto de una madre, su ópera prima, se estrenó en New Directors del Festival de Cine de San Sebastián (2018), donde obtuvo la Mención Especial del Jurado. La película obtuvo cuatro nominaciones a los premios Goya y se alzó, entre otros, con cuatro premios Gaudí, un premio Feroz y cuatro premios Asecan, y la nominación a mejor ópera prima en los Premios Platino. Celia también ha trabajado en animación, cocreando la serie infantil Mironins y publicando el libro Celia se aburre (2017). Los pequeños amores es su segundo largometraje de ficción.
Segundo premio
Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez codirigen Segundo premio, producción hispano-francesa de La Terraza Films, Áralan Films, Ikiru Films, Bteam Prods, Sideral Cinema, Capricci, Los Ilusos Films y Toxicosmos AIE, distribuida por Bteam Pictures.
Segundo premio cuenta con la participación de RTVE, Canal Sur, 3CAT, Movistar Plus+, Mogambo, Vodafone y Crea SGR; en asociación con Latido; con la financiación del Gobierno de España Ministerio de Cultura y Deporte; con el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y la Región Nouvelle-Aquitaine en colaboración con el CNC; con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid, la Comunidad de Madrid, la Diputación de Granada, Film In Granada y el Ayuntamiento de Granada.
Isaki Lacuesta y Fernando Navarro firman el guion de esta película, protagonizada por Daniel Ibáñez, Cristalino, Stéphanie Magnin, Mafo, Chesco Ruiz y Edu Rejón.
Granada, finales de los 90. En plena efervescencia artística y cultural, un grupo de música indie vive su momento más delicado: la bajista rompe con la banda buscando su sitio fuera de la música y el guitarrista está inmerso en una peligrosa espiral de autodestrucción. Mientras, el cantante se enfrenta a un complicado proceso de escritura y grabación de su tercer disco. Nadie sabe que ese disco cambiará para siempre la escena musical de todo el país. Esta (no)es una película sobre los Planetas.
Isaki Lacuesta, doble ganador de la Concha de Oro del Festival de San Sebastián por “Los pasos dobles” (2011) y “Entre dos aguas” (2018). Ha dirigido, entre otras, las películas “La leyenda del tiempo”, “Los Condenados”, “La noche que no acaba” y “La próxima piel”. Esta última tuvo su estreno en el Festival de Málaga. En 2022, estrenó “Un año, una noche” la cual compitió en la Sección oficial de la Berlinale.
Pol Rodriguez con su primer largometraje de ficción, “Quatretondeta» obtuvo 2 Biznagas en el Festival de Málaga. También ha dirigido capítulos de la serie «Deudas», y segundas unidades de películas como «Carta a Eva», «Descalzo sobre la tierra roja» y «Don’t grow up”. Ha realizado series documentales como la aclamada «Match Day”, o la serie documental «Year Zero» seleccionada en la sección oficial de Tribeca y producida por la ganadora de un Oscar, Kathryn Bigelow.
Proyecciones Xcèntric: Dominio público. Hollis Frampton
Straits of Magellan: Drafts & Fragments (Hollis Frampton, 1974)
¿Es el cine un invento sin futuro? Esta sesión dedicada a Hollis Frampton intenta, de alguna manera, responder a esa pregunta y, además, percibir qué papel jugaron las primeras películas, incluidas las de los hermanos Lumière, y la historia del cine en la obra del cineasta americano.
Hollis Frampton realizó Public Domain y Straits of Magellan: Drafts & Fragments en un momento en que su obra giraba alrededor de Magellan, su último gran ciclo inconcluso de películas. Esta obra inacabada explicita una concepción del cine y de su historia desvinculada de lo artístico y enlazada con todos los materiales que se filmaron, no importa con qué propósito, una especie de film infinito, en el que el cineasta de Ohio trabaja como un arqueólogo intentando restituir algunos de sus monumentos. En esta sesión intentaremos rastrear algunos de ellos, más concretamente los vinculados con las primeras películas que se realizaron, como las de los hermanos Lumière o las de Edison.
Frampton pasó mucho tiempo en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos investigando su colección de películas impresas en papel, filmes del llamado periodo «primitivo» hechos antes de 1912 cuyos derechos son de dominio público. Planeaba usar muchas de estas piezas, de aproximadamente un minuto de duración, como leitmotiv compositivo de Magellan. De este trabajo de archivo resultó, entre otras obras, Public Domain, compuesta por películas antiguas ordenadas alfabéticamente, entre las que se incluye Record of a Sneeze (1894) y Electrocuting an Elephant (1902), de Edison.
Por otro lado, Straits of Magellan configura un catálogo de «actualidades» hecho por Frampton que evoca el cine de los hermanos Lumière. En muchos casos se trata de una alusión directa, como en la reelaboración que el cineasta americano hizo de Démolition d’un mur (1895); en otros, metafórica: los operadores Lumière, al igual que Magallanes, viajaron por todo el mundo atrapando imágenes de distintos parajes. De las 720 películas mudas de un minuto que Frampton tenía previsto rodar, solo se hicieron 49, pero estos bocetos y fragmentos son un elemento central de Magellan, que, además de evocar el primer cine, reflexionan, a través de una serie de analogías, sobre lo que significa ver en el cine.
Hollis Frampton: Public Domain, 1972, sin sonido, 14’; Drafts & Fragments Straits of Magellan, 1974, sin sonido, 51’.
Proyección en 16 mm.
Copias procedentes de The Film-Makers’ Cooperative.
Fecha: 22 febrero 2024
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
La pesadilla cósmica, primer tráiler para «Lovely, Dark and Deep» de Teresa Sutherland
Conocida por ser la responsable del libreto de la interesante The Wind (Emma Tammi 2018, critica aquí) y participar en el guion de la serie Midnight Mass, Teresa Sutherland debuta tras las cámaras con Lovely, Dark and Deep, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis visionar a final de página junto a un par de carteles oficiales. Cinta de terror psicológico con derivaciones a la pesadillas cósmica, que parte de la premisa argumental de las cientos de desapariciones ocurridas en los parques nacionales de EE.UU, que tuvo su premier mundial el pasado año en el marco del Fantasia Film Festival y que llegará a Estados Unidos vía VOD, y a través de un estreno limitado en cines, el próximo 22 de febrero de 2024.
En Lovely, Dark and Deep vemos como una joven mujer llamada Lennon aprovecha la oportunidad de asumir un puesto de guardabosques en un lugar alejado de la civilización. Mientras intente adaptarse a su solitaria nueva existencia en lo profundo de la naturaleza, empieza a percatarse de una presencia siniestra que le acecha. Impulsada por la necesidad de obtener respuestas, se embarca en un viaje a través del amenazador terreno, intentando desvelar un oscuro secreto que la ha perseguido desde su infancia.
La película, con guion a cargo de la propia Teresa Sutherland, está protagonizada por Georgina Campbell, Nick Blood, Wai Ching-Ho, Edgar Morais, Maria de Sá, Paul S. Tracey, Soren Hellerup, Raquel Rocha Vieira, Celia Williams y Ana Sofia Martins.
Escritura fílmica y disidencia. La obra cinematográfica de José Antonio Nieves Conde (1947-1958)
El presente libro realiza un recorrido analítico por la filmografía de José Antonio Nieves Conde entre 1947 y 1958 con el objeto de explorar sus constantes formales, narrativas y temáticas, así como de concretar los estilemas enunciativos de una escritura fílmica que se distancia de los modelos canónicos del cine español del periodo a través de la estilización visual y la hibridación genérica, al tiempo que articula un punto de vista disidente, desencantado y crítico con respecto a la realidad político-social de la España autárquica, contraviniendo la idílica e idealizada imagen oficial que el gobierno franquista se esforzaba en difundir. Estas características convierten la obra del director segoviano en exponente de las posibilidades expresivas y narrativas que nuestro cine alcanzó a mediados del siglo pasado, desarmando la idea de homogeneidad discursiva, narrativa y formal que sobre el cine español de posguerra había predominado entre la historiografía fílmica.
La labor analítica está acompañada de una profunda investigación historiográfica y documental, durante la que se han consultado documentos procedentes del archivo personal del cineasta, noticias y críticas aparecidas en los diarios y las revistas cinematográficas de la época, diversa documentación administrativa y los expedientes de rodaje y de censura de cada una de las películas abordadas, entre las que se incluyen obras de la importancia de Balarrasa (1951), Surcos (1951), Los peces rojos (1955) o El inquilino (1957).
El autor
Rubén Higueras Flores, Docente del Departamento de Sociología y Comunicación de la Universidad de Salamanca. Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid. Es autor de los libros La escritura (in)visible: 50 películas esenciales para estudiar el cine clásico (con Aarón Rodríguez; UOC, 2018), Jacques Tourneur (Cátedra, 2016) y Guía para ver y analizar La matanza de Texas (Nau Llibres, 2014). Ha publicado artículos en las revistas científicas Fonseca, ZER, Documentación de las Ciencias de la Información, Comunicación, Fotocinema, Tripodos, Archivos de la Filmoteca y L’Atalante y coordinado diversos libros colectivos; entre ellos, Josef von Sternberg. Estilización y deseo (Shangrila, 2020) y Vida en sombras. El hechizo del cine, la herida de la Guerra (con José Luis Castro de Paz; Shangrila, 2018). Además, ha participado en los libros El deseo femenino en el cine español (1939-1975). Arquetipos y actrices (Cátedra, 2021), Viajes de cine. El relato del turismo en el cine hispánico (Tirant lo Blanch, 2017) o Diccionario de términos y conceptos audiovisuales (Cátedra, 2015), entre otros. Es miembro del consejo de redacción de Fotocinema. Revista científica de cine y fotografía, de la Universidad de Málaga.
Autor: Rubén Higueras Flores, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 404
«Best Wishes to All» review
Una joven estudiante de enfermería visita a sus abuelos en el campo. La reunión familiar se inicia de forma placentera, pero poco a poco el reencuentro se convierte en algo extraño e incómodo. ¿El motivo? Hay algo en la casa de los abuelos. Tras descubrir ese secreto, su vida feliz se convertirá en un infierno.
Dentro de la compleja labor de poder llegar a discernir alguna corriente nueva y sólida dentro del fantástico actual, se atisban dos apuntes a destacar surgidos en el ecosistema de festivales de género de 2023, por un lado, el asentamiento de un determinado cine francés que utiliza coordenadas del fantástico a la hora de ensamblar el relato a un poco disimulado contenido de índole social, películas como Le règne animal, Vincent doit mourir o Vermin, por poner algunos ejemplos, así lo atestiguan, y segundo, un tímido resurgimiento del terror asiático, subgénero en estado aletargado desde hace muchos años, a tal respecto la ópera prima del japonés Yûta Shimotsu Best Wishes to All parte de uno de los conceptos argumentales más originales vistos el pasado año en Sitges, al generar una serie de imágenes y situaciones insólitas, lindando con el terror, que hacen que la historia se posicione por delante de la percepción del espectador, posicionamiento que curiosamente se postula como antítesis de las películas arriba mencionadas, pues aquí el concepto fantástico actúa como eje central que desarrolla en su parte final un discurso sustentado en la alegoría social.
Posiblemente esa supuesta originalidad, de la que hace gala una película de las características de Best Wishes to All, hacia nuevas vías narrativas, sea a día de hoy el único camino valido a la hora de resucitar cinematografías cuya afiliación a según qué géneros no parte, como por ejemplo en gran parte de Occidente, de la reinterpretación o reedición temporal de una formula ya exitosa en el pasado.
Basado en su propio corto homónimo, la película de Yûta Shimotsu se sitúa a medio camino entre las extrañas texturas del cine de Kiyoshi Kurosawa y un trazo bizarro digno de imaginarios que parecen surgidos de la mente de un Hitoshi Matsumoto o Junji Ito. A tal respecto Best Wishes to All, que de alguna manera pervierte ciertas ideas vistas en la excelente The Visit de M. Night Shyamalan, cuestiona la estabilidad familiar y el sacrificio generacional que conduce a una supuesta armonía social. Su condición de rara avis, como relato metafórico que se sustenta en un tono inaudito, que trasgrede el concepto de la normalidad y la cotidianidad, mediante reminiscencias de leyendas autóctonas, no indica dada su particularidad que estemos ante una película que abra nuevas vías dentro del ahora extinto J-Horror, seguramente sí sea reconocida como vía alternativa de un tímido resurgimiento de ciertas autorías asiáticas provistas de ideas atrevidas, que lejos del concepto de industria son intuidas como periféricas, aquellas que intentan indagar desde la introspección en ese otro cine fantástico dispuesto a alejarse de fórmulas preconcebidas, aquí plasmadas a través de tangibles ecos existencialistas, en donde el idealismo inherente en la juventud cosmopolita trasmuta en una resignación causada por un realismo que aquí es percibido como terrorífico.
Valoración 0/5:3
Primer tráiler para «Longlegs», lo nuevo de Oz Perkins
Interesante la trayectoria como director de Oz Perkins hasta este momento dentro del fantástico, tras dos primeros trabajos tan a tener en cuenta como The Blackcoat’s Daughter (2015) y la reivindicable I Am the Pretty Thing That Lives in the House (2016), su reinterpretación en clave de terror del clásico Gretel & Hansel (2020) supuso de alguna manera un impasse solo interrumpido con su participación en la fallida re visitación de la fundamental The Twilight Zone a cargo de Jordan Peele. Longlegs, film de terror psicológico cuyo primer tráiler oficial vía Neon, que ya inició una inteligente campaña de marketing semanas atrás, acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a su póster promocional, supone su nuevo trabajo tras las cámaras. La película, que vendrá a nuestro país de la mano de DeAPlaneta, tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 12 de julio de 2024.
En Longlegs vemos como a medida que el caso de un escurridizo asesino en serie sin resolver va tomando giros cada vez más oscuros, la agente del FBI Lee Harker descubrirá nueves evidencias y una conexión personal con el despiadado asesino, algo que le hará emprender una carrera contra el reloj para poder llegar a detenerlo antes de que vuelva a matar.
La película, con guion cargo del propio Oz Perkins, está protagonizada por Maika Monroe, Nicolas Cage, Alicia Witt, Blair Underwood, Dakota Daulby, Vanessa Walsh, Rryla McIntosh, Michelle Cyr, Anita Wittenberg, Marlea Cleveland, Erin Boyes, Lisa Chandler, Charles Jarman y Lauren Acala.
«Sala:B» Comedias del hambre
Hay que zurrar a los pobres / Un millón de amigos, 190′
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Hay que zurrar a los pobres (Santiago San Miguel, 1991). Int.: Francisco Casares, Agustín González, Juan Ribó, Mireia Ros. España. 35 mm. Color. 90’
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Un millón de amigos (Fernando Merinero, 2007). Int.: Álex de la Nuez, Miguel Esteban, Francisco Jurdao Arrones, Javier Jurdao. España. DCP. Color. 83’
Invitamos al director Fernando Merinero a una sesión doble con una de sus comedias más gamberras y nos trae una recomendación con sabor a decadencia baudelairiana y a esperpento.
Para Merinero, Hay que zurrar a los pobres parece protagonizada por los deudos de los mendigos de Viridiana, pero el director Santiago San Miguel va más atrás y agradece en los créditos la inspiración de Baudelaire. El título remite claramente a uno de los poemas en prosa del autor francés, donde narra precisamente la paradoja que abre y cierra la película. Merinero nos descubre aquí otra de esas producciones malditas del cine español, que ni con un reparto espléndido, ni con una fotografía del maestro José Luis Alcaine o con la presentación en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, consiguió evitar la indiferencia de crítica y público. En la carrera de San Miguel había hasta entonces películas personales como Adiós, Alicia y La casa del paraíso, y productos de crónica negra a la sombra de El crimen de Cuenca. Con esta película de muy bajo presupuesto intentó recuperar un cine que ya no se estilaba en los 90, con raíces literarias y un costumbrismo oscuro situado entre Berlanga y Ferreri. Hay que zurrar a los pobres bien podría pasar por un precedente de La comunidad de Álex de la Iglesia, con esa cochambrosa pensión Ezequiel y sus extravagantes inquilinos, pero en clave más amarga y simbólica.
Siguiendo el símil de Merinero, el protagonista de Un millón de amigos, Javier Jurdao, no desentonaría como huésped de la pensión Ezequiel; sus diatribas sobre el capitalismo, la religión o las mujeres, podrían haber sido tertulias de sobremesa con palillo en boca y copazo de sol y sombra. Hoy en día suenan a cómico anclado a otra época, que convierte su desubicación en un estilo de vida. Merinero se aproxima a la familia Jurdao como si fuera una versión malagueña de los Panero de El desencanto, más pillos y vividores, con el padre Francisco Jurdao como ‘intelectual con seis carreras’ que ni su exmujer reconoce. La película, reconoce Merinero, trata de empatizar con ellos mientras se ríe de sí misma y se desmitifica.
Presentan la sesión el director Fernando Merinero y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 190’).
Poder y humillación, primer tráiler para «Firebrand» de Karim Aïnouz
Adaptación de la novela Queen’s Gambit de Elizabeth Fremantle, primera entrega de la «Trilogía Tudor«, Firebrand, también conocida con el título de Le Jeu de la reine, acaba de presentar un primer avance, en forma de tráiler oficial, que podéis ver a final de página. La película, primer trabajo en inglés del brasileño Karim Aïnouz, Madame Sata (2002), O Céu de Suely (2006), Futuro Beach (2014), A vida invisível de Eurídice Gusmão (2019), después de su premier mundial en el pasado festival de Cannes se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 21 de junio, a nuestro país, aún sin fecha de salida, llegará de la mano de Vértice Cine.
Firebrand está ambientada en la sangrienta corte Tudor del infame rey Enrique VIII de Inglaterra. Contada desde el punto de vista de la reina Catalina Parr, la sexta y última esposa de Enrique y la única que evitó el destierro o la muerte.
La película, con guion adaptado a cargo de Henrietta Ashworth y Jessica Ashworth, está protagonizada por Alicia Vikander, Jude Law, Eddie Marsan, Ruby Bentall, Simon Russell Beale, Sam Riley, Erin Doherty, Bryony Hannah, Patsy Ferran, Edward Harrison, Andy M Milligan, Mina Andala y Paul Tinto.
https://youtu.be/yJLMJ7GxRto?si=tDwiKwzgF26O5TKP
Retrospectiva de Patric Chiha en la Filmoteca de Madrid
La Filmoteca Española dedicará una retrospectiva a Patric Chiha, director de ‘La bestia en la jungla’ durante los meses de febrero y marzo. El ciclo, titulado ‘PATRIC CHIHA. COREOGRAFÍAS DEL DESEO’, contará con la proyección de sus anteriores películas: Domaine (2009), Boys Like Us (2014), Brothers of the Night (2016) y Si esto fuera amor (2020)
La retrospectiva dará el pistoletazo de salida el 22 de febrero con el preestreno de LA BESTIA EN LA JUNGLA en el Cine Doré, sede principal de la Filmoteca. El evento contará con la presentación y posterior coloquio con Patric Chiha, director de la película. Al día siguiente comenzará el ciclo dedicado a su obra. Según Álex Mendíbil (Investigador, guionista y programador), «si sigues los movimientos de Fassbinder, Kenneth Anger, Dennis Cooper o Gisèle Vienne, te acabas cruzando inevitablemente con el cine de Chiha»
LA BESTIA EN LA JUNGLA – Jueves 22 de febrero a las 20:30h – Sala 1
*PREESTRENO: Presentación y coloquio a cargo del director Patric Chiha y del historiador y programador Álex Mendíbil
DOMAINE – Viernes 23 de febrero a las 17:30h – Sala 1
BOYS LIKE US – Sábado 24 de febrero a las 19:30h – Sala 2
BROTHERS OF THE NIGHT – Martes 27 de febrero a las 20:30h – Sala 1
SI ESTO FUERA AMOR – Miércoles 28 de febrero a las 21:00h – Sala 1
Patric Chiha es un cineasta austriaco de origen húngaro y libanés, nacido en Viena (Austria) en 1975. Se trasladó a París a los 18 años para estudiar diseño de moda. Luego cursó estudios de edición de cine en la Escuela de Cine INSAS en Bruselas. Sus cortometrajes y documentales, como Home y Les Messieurs, han sido seleccionados en diversos festivales de cine. En 2009, dirigió su primera película, Domaine, protagonizada por Béatrice Dalle, que se estrenó en el Festival de Venecia. Le siguieron Boys Like Us en 2014, y los documentales Brothers of the Night en 2016 y Si esto fuera amor en 2019, ambos estrenados en la Berlinale. La bestia en la jungla (2023) es su quinta película.
Juegos prohibidos, tráiler y póster de «Tarot»
Acaba de ver la luz de la mano de Sony Pictures un primer adelanto en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta de terror sobrenatural Tarot, película anteriormente conocida con el título de Horrorscope que supone el debut en la dirección del dúo formado por Spenser Cohen y Anna Halberg y que llegará a las salas comerciales de nuestro país el próximo 10 de mayo de 2024.
Tarot nos cuenta como un grupo de amigos infringe de manera imprudente la regla sagrada de la lectura de las cartas del Tarot -nunca se debe utilizar la baraja de otra persona-, desatan sin saberlo un mal indecible atrapado en las cartas malditas. Uno a uno, se enfrentan cara a cara al destino y acaban en una carrera contra la muerte para escapar del futuro que las cartas predicen.
La película, basada en la novela Horrorscope y con guion adaptado a cargo de los propios Spenser Cohen y Anna Halberg, está protagonizada por Alana Boden, Jacob Batalon, Humberly González, Olwen Fouere, Avantika Vandanapu, Adain Bradley, Larsen Thompson, Wolfgang Novogratz, Harriet Slater, Stasa Nikolic, Joss Carter y Suncica Milanovic.
Solaris-Textos de Cine: David Cronenberg al límite
En busca de los límites más extremos del cineasta canadiense, exploramos sus orígenes más arcaicos, profundas reminiscencias que conectan su cine con las imágenes radicales del accionismo vienés, de la performance, el body art, la transformación y la performatividad del cuerpo, el imaginario cyber; imágenes-shock con las que vislumbrar la llegada de la nueva carne, y que aún hoy la reconfiguran. Pero también nos preguntamos por el legado de sus perversiones, sus transgresiones culturales, el desenlace de sus alcances y sus inercias contemporáneas: el sentido —casi final— de una filmografía única.
¿Quiénes somos después de David Cronenberg? Tras más de cinco décadas desbordando los límites del cine fantástico, y tras el impacto de films como La mosca, Crash, Inseparables, Videodrome, Cromosoma 3, Crímenes del futuro…, ¿dónde nos ha dejado el cine de David Cronenberg? ¿Hasta dónde nos ha llevado el perfeccionamiento y desarrollo de su paradigma de la nueva carne, que ha fascinado a los pensadores de nuestro tiempo —y de sus imágenes— casi tanto como a los amantes del cine? ¿Cómo pensar la nueva sexualidad que se desprende de su estética? ¿Cómo afrontar el deseo en un cuerpo que se hunde y se entrevera con la máquina y la tecnología? ¿Sobrevive Dios a David Cronenberg?
Este volumen cuenta con los textos de análisis y pensamiento de autores de múltiples disciplinas: ensayo fílmico, análisis textual, reflexiones desde el psicoanálisis o la filosofía, y textos de autores especializados en cine fantástico y de terror con objeto de llevarnos a los límites de David Cronenberg, donde el cuerpo adviene, finalmente, sujeto del discurso.
Contenidos
Siempre fue oportuno escribir sobre Cronenberg / jamás fue tan oportuno escribir sobre Cronenberg
Desirée de Fez
El culto de la nueva carne. Visiones pararreligiosas y filosofías ocultas en el cine de Cronenberg
Jesús Palacios
Morir es un acto erótico
Elisenda N. Frisach
LUST FOR LIFE. Crash: precipitarse en el abismo
Irene de Lucas
Para acabar de una vez con el juicio de Dios
Raúl Álvarez
Escribir la ausencia
Carlos Losilla
El amor en tiempos de la nueva carne
Aarón Rodríguez Serrano
Consuelos de la ficción, estragos de la re-presentación: performance, body art y carne de celuloide
Elisa McCausland y Diego Salgado
El cine ateo: una visión alternativa del mundo. David Cronenberg como epítome de la mirada atea
José Antonio Jiménez de las Heras
Crash, entre los monstruos de leyenda y la nueva psique
Fernando Usón Forniés
David Cronenberg. Un abrazo hacia la incertidumbre
Lorenzo J. Torres Hortelano
Autor: Raúl ÁlvarezDesirée de FezElisenda N. FrisachJosé Antonio Jiménez de las HerasCarlos LosillaIrene de Lucas RamónElisa McCauslandJesús PalaciosAarón Rodríguez SerranoDiego SalgadoLorenzo J. Torres HortelanoFernando Usón Forniés. Editorial: SOLARIS, Textos de cine. Páginas: 208
Nace PUFA – Pucela Fantástica, el Festival de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid
Nace el Festival de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid (PUFA – Pucela Fantástica), impulsado y gestionado desde la Asociación «No es cine todo lo que reluce» y con los vallisoletanos Cines Broadway como sede central de su programa de actividades. Un festival que que se celebrará en verano de 2024 y que apostará por un cine de calidad que no esté reñido con la diversión y el entretenimiento, prestando especial atención a aquellas obras de carácter independiente que sean innovadoras y arriesguen en su acercamiento al fantástico. Sin embargo, las nuevas tendencias del género no impedirán que el festival también mire hacia el pasado porque ahí es donde se encuentran las claves para entender el cine que se hace hoy en día.
SECCIONES PUFA – PUCELA FANTÁSTICA
Sección Oficial de Largometrajes
en esta primera edición, la sección dorsal del festival estará vertebrada por una selección del mejor cine nacional e internacional realizado en 2023 y 2024 que se encuentre adscrito al género fantástico y el terror, prestando especial atención a aquellas propuestas originales e innovadoras que ofrezcan nuevos caminos o acercamientos al género. Todas ellas serán propuestas inéditas comercialmente en España.
Sección Oficial de Cortometrajes
Una selección de los mejores cortos nacionales e internacionales realizados en 2023 y 2024 que nos descubrirán a los talentos emergentes que reinarán en el fantástico del futuro.
Clásicos y Proyecciones Especiales
También habrá espacio para otras proyecciones fuera de concurso que serán igualmente relevantes. PUFA – Pucela Fantástica adquiere el compromiso de recuperar películas de culto para entender mejor la manera en que ha evolucionado el cine de género y cómo los maestros del fantástico han influenciado a los autores del presente.
Premio de Honor
En cada edición de PUFA – Pucela Fantástica se reconocerá a una figura relevante del sector audiovisual que esté relacionada con el fantástico a través de un Premio Especial que será fallado por la dirección del festival atendiendo a los méritos, logros y papel de cada homenajeado para el crecimiento, desarrollo y revolución del género. Una figura que podrá compartir con el público su experiencia y conocimientos.
Actividades Paralelas
Además de las proyecciones cinematográficas, PUFA – Pucela Fantástica organizará en Valladolid muchas otras actividades alrededor del cine fantástico. El espíritu «vintage» del festival alumbrará un pequeño fancine en papel en formato de cuartilla que se repartirá entre los espectadores a la entrada del cine para que dispongan en sus manos de toda la información sobre la programación del Festival. También habrá desde mesas redondas, exposiciones, presentaciones de libros, conciertos, cursillos, clases magistrales y hasta eventos más inmersivos
como pueden ser los juegos de supervivencia o los escape rooms que tan de moda están entre el público joven.
Jurado e Invitados
El jurado de PUFA – Pucela Fantástica estará integrado por figuras relevantes en la realización, la crítica y/o la promoción del cine fantástico y de terror en nuestro país. Asimismo, el festival contará con la presencia de invitados referencia dentro del género o cuya presencia fortalezca el vínculo entre las películas y los espectadores.
LA MÁSCARA Y LA GÁRGOLA
El logo de PUFA – Pucela Fantástica ha sido diseñado por Miguel Martín Herrero y junto a él hemos querido aunar nuestra pasión por el fantástico con la admiración hacia el patrimonio cultural de Valladolid. Es por eso que la imagen de la máscara se inspira en las gárgolas del Museo Nacional de Escultura, un lugar muy cinematográfico donde el mismísimo Orson Welles rodó una escena de Mister Arkadin (1955). En la web de PUFA – Pucela Fantástica se detallan más extensamente todos los vínculos entre el cine y Valladolid que sirvieron para crear la imagen corporativa del festival.
Una amenaza en la sombra, primer tráiler para «You’ll Never Find Me»
Otra de las películas que pasaron algo desapercibidas en el pasado festival de Sitges fue la cinta australiana You’ll Never Find Me, film cuyo primer tráiler acaba de ser lanzado vía Shudder y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, un thriller de terror psicológico que supone el debut en la dirección del dúo formado por Indianna Bell y Josiah Allen, estará disponible en la plataforma estadounidense a partir del próximo 22 de marzo de 2024.
En You’ll Never Find Me vemos como Patrick, un extraño y solitario residente, vive en una casa móvil en la parte trasera de un parque de caravanas. Tras el estallido de una violenta tormenta, una misteriosa joven aparece en su puerta, buscando refugio de las inclemencias del tiempo. Cuanto más se alarga la noche y más descubre la joven sobre el hombre, más difícil le resulta marcharse. Pronto ella empieza a cuestionarse las intenciones de Patrick, mientras que el empieza a cuestionarse su propio control de la realidad…
La película, con guion de la propia Indianna Bell, está protagonizada por Jordan Cowan, Brendan Rock, Elena Carapetis, Angela Korng, Luca Trimboli y Finn Watson.
Ciclo Cineteca: Gangsters maricas: extravagancia y furia en el cine negro
Un programa comisariado y presentado por Juan Dos Ramos, inspirado en su ensayo Gangsters maricas, que documenta la infiltración de la figura del gangster queer en películas del cine negro americano y británico a lo largo del siglo XX, invitándonos a revisar la idea de masculinidad que asociamos con el género. Cinco películas que recorren más de medio siglo de historia del cine, donde se encriptan códigos y personajes que hoy asociamos con las identidades disidentes.
Programación
Gilda. Charles Vidor. EE.UU. 1946. (112′)
Johnny Farrell llega a Argentina a finales de la Segunda Guerra Mundial en busca de trabajo. Lo encuentra como gerente de un club nocturno propiedad de Ballin Mundson. Farrell descubre sorprendido que la nueva esposa de Mundson es Gilda, su antigua amante. Ella juega a la ambigüedad con ambos hombres hasta que Farell descubre el verdadero negocio que se esconde tras el club.
Febrero Martes 13 20:00 h Sala Azcona
Al rojo vivo. (White Heat). Raoul Walsh. EE.UU. 1949. (114′)
Después de asaltar un tren que transportaba 300.000 dólares y asesinar a los maquinistas, Cody Jarret y su banda huyen con el dinero, pero son perseguidos por agentes federales que sospechan que Cody es el autor del robo. Una vez preparada una coartada perfecta, Cody se entrega a la policía y es condenado sólo a dos años de prisión; sin embargo, los agentes del Tesoro, convencidos de que fue el cerebro del asalto, le tienden una trampa.
Febrero. Miércoles 14. 20:00 h. Sala Azcona
Performance. Nicolas Roeg. Reino Unido. 1970. (105′)
Chas es un performer de la mafia, un matón a sueldo que aplica curiosas y artísticas torturas a sus víctimas. Cuando surge un problema con su capo, se ve obligado a huir, y decide esconderse en el sótano de una antigua casa de un suburbio de Londres. El casero, una ex estrella de rock, Turner, vive con dos mujeres con las que forma un trío, y se pasa el día comiendo setas alucinógenas e improvisando con la guitarra. Al principio, Chas y Turner chocan, pero poco a poco, en un viaje de conocimiento mutuo, se darán cuenta de que ambos son performers y que tan sólo una delgada línea les separa.
Febrero. Jueves 15. 20:00 h. Sala Plató
Carretera perdida. David Lynch. Estados Unidos. 1997. (134′)
Fred Madison, un músico de jazz que vive con su esposa Renee, recibe unas misteriosas cintas de vídeo en las que aparece una grabación de él con su mujer dentro de su propia casa. Poco después, durante una fiesta, un misterioso hombre le dice que está precisamente en su casa en ese instante. Las sospechas de que algo raro está pasando se tornan terroríficas cuando ve la siguiente cinta de video…
Febrero. Sábado 17. 20:00 h. Sala Azcona
Los sobornados. (The Big Heat). Fritz Lang. EE.UU. 1953.(90′)
Tras suicidarse, el policía Tom Duncan deja una carta en la que confiesa haberse dejado sobornar por una banda de gángsters, pero también denuncia la corrupción de altos funcionarios. Cuando el sargento Dave Bannion trata de esclarecer su muerte tropieza con toda clase de obstáculos.
Febrero. Domingo 18. 20:00 h. Sala Azcona
Tenebrosa animación, tráiler para «Stopmotion» de Robert Morgan
Acaba de ver la luz de la mano de la mano de IFC Films un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Stopmotion, film de acción real y stop-motion que supone el primer largometraje de Robert Morgan, autor conocido por ser responsable de cortometrajes de animación stop-motion tales como The Cat With Hands (2001) o Bobby Yeah (2011). La película, que estuvo presente en la pasada edición del Festival de Sitges, tendrá un estreno limitado en cines de Estados Unidos el próximo 23 de febrero, estando disponible en VOD vía Shudder a partir del 15 de marzo.
Stopmotion nos cuenta como Ella Blake es una animadora stop-motion que lucha por controlar sus demonios interiores tras la pérdida de su autoritaria madre. De repente sola en el mundo, se embarca en la creación de una nueva y macabra película de marionetas que pronto se convierte en un campo de batalla para su cordura. A medida que la mente de Ella comienza a fracturarse, los personajes de su película animada cobran vida propia, desatando un poder en su imaginación que amenaza con destruirla.
La película, con guion a cargo del propio Robert Morgan junto a Robin King, está protagonizada por Aisling Franciosi, Stella Gonet, Tom York, Caoilinn Springall, James Swanton, Joshua J Parker, Jaz Hutchins y Bridgitta Roy.
Maya Deren y el cine-trance: estados de devoción
A Study in Choreography for Camera (Maya Deren, 1945)
Maya Deren exploró una nueva forma cinemática para crear un cine-ritual. Este programa agrupa sus obras más relevantes en esa obsesiva investigación, intelectual y pasional, que quedó en parte inacabada y como promesa de un cine posible y que atraviesa toda su trayectoria: el cine como forma de meditación y poética de la metamorfosis, a fin de «buscar la verdad que es más extraña que la ficción».
Desde su aprendizaje en los cuarenta junto a la antropóloga y coreógrafa Katherine Dunham (de la que proyectamos una breve filmación) hasta el estudio de la película rodada en Bali por Margaret Mead y Gregory Bateson (que también se incluye en la sesión), y a lo largo de sus viajes a Haití, Maya Deren se impregnó de los rituales de posesión, el trance, el vudú: «El arte se basa en la noción de que, si quieres realmente celebrar una idea o principio, debes pensar, debes planear, debes ponerte a ti misma en un completo estado de devoción…».
Con A Study in Choreography for Camera —de la que mostramos la versión montada de tres minutos y los outtakes que muestran su técnica compositiva—, Deren se situó detrás de la cámara para filmar/danzar con Talley Beatty, un bailarín de la compañía de Dunham, y representar la liberación de su cuerpo del mundo real, el pasaje físico y espiritual de un estado a otro, y la coreografía fílmica de cuerpo, objetos y naturaleza. Ritual in Transfigured Time muestra el encuentro enigmático entre Rita Christiani y Maya Deren, inmersas en el ritual de devanar lana de un telar. Meditation on Violence, en la que filma a Chao-Li Chi y por primera vez utiliza materiales musicales de la cultura haitiana, explora el ritual de Wu Tang y la transformación de la violencia en belleza. Stan Brakhage, que la consideraba la película más personal de Deren, señaló al respecto: «No aparece en la película, pero ella es la cámara. Se está moviendo, está respirando en relación con el bailarín».
Entre 1947 y 1955, Deren hizo cuatro viajes, durante 21 meses, a Haití, filmando abundante material con una cámara Bolex sobre la danza y la posesión en la cultura vudú, en un proyecto que quedó inconcluso y que también dio lugar a un libro. Después de la muerte de Deren, una versión de Divine Horsemen. The Living Gods of Haiti fue montada por Teiji Ito, su última pareja. Maya Deren: «Terminé filmando humildemente y lo más preciso que pude. Las lógicas de aquella realidad me forzaron a reconocer su integridad y abandonar mis manipulaciones».
A Study in Choreography for Camera, Maya Deren, 1945, 16 mm, sin sonido, 3’; A Study in Choreography for Camera – Outtakes, Maya Deren, 1945, 16 mm, sin sonido, 16’; Ritual in Transfigured Time, Maya Deren, 1946, 16 mm, sin sonido, 14’; Meditation On Violence, Maya Deren, 1948, 16 mm, 12’; Katherine Dunham Performing Ballet Creole, British Pathé, 1952, 16 mm a digital, 2’; Trance and Dance in Bali, Margaret Mead y Gregory Bateson, 1968, 16 mm a digital, 20’; Divine Horsemen: the Living Gods of Haiti, Maya Deren, 1947-51, 16 mm, 55’.
Proyección en 16 mm y en digital.
Copias en 16 mm procedentes de Light Cone. Copia de A Study in Choreography for Camera – Outtakes procedente de LUX. Copia de Katherine Dunham Performing Ballet Creole procedente de British Pathé.
Fecha: 11 febrero 2024
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB y Carnet Docente (educación obligatoria): gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.
Oscuro ritual, primer tráiler para «The Devil’s Bath» de Severin Fiala y Veronika Franz
Tras trabajos como Goodnight Mommy (2014) o The Lodge (2019) el dúo de realizadores austriacos Severin Fiala y Veronika Franz vuelven a indagar en el terror psicológico con su nueva película The Devil’s Bath, film de época cuyo primer avance en forma de tráiler acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que participará en la Sección Oficial a Competición del próximo Festival de Berlín y llegará a nuestras pantallas de la mano de Caramel Films, arroja luz sobre la difícil situación de las mujeres cuyas vidas durante esa época estaban definidas a través de dogmas y tabúes religiosos.
The Devil’s Bath nos sitúa en la Austria del siglo XVIII, en pueblos rodeados de profundos bosques, Agnes es una joven casada que se siente oprimida en un mundo desprovisto de cualquier tipo de emociones y limitado a tareas y expectativas mundanas. Ante tal situación, Agnes, una mujer piadosa y muy sensible, cae en una profunda depresión antes de cometer un imprevisto acto de violencia que considera como la única salida posible de su prisión interior.
La película, con guion a cargo de los propios Severin Fiala y Veronika Franz, está protagonizada por Anja Plaschg, Maria Hofstätter, David Scheid, Tim Valerian Alberti y Elias Schützenhofer.
Psicosis, de Alfred Hitchcock: visiones y versiones
De un diverso eclecticismo a un severo academicismo. Del certero análisis de la realidad en que vivimos hoy al sugestivo estudio iconográfico comparativo. De la reflexión filosófica a la dimensión mitológica, tan relegadas por desgracia actualmente. Como anticipa su título, esta obra contiene cuatro visiones y versiones del filme Psicosis (Psycho, 1960) de Alfred Hitchcock, diferentes entre sí pero que, al modo de afluentes o arroyos que discurren por cauces variados, desembocan todas en el mismo lugar: el análisis fílmico.
Los ensayos aquí reunidos se nos muestran como muy distintos (y por tanto novedosos) a lo escrito hasta ahora específicamente sobre el más conocido y popular trabajo cinematográfico del director inglés, quizás también el más influyente en la historia del cine moderno y contemporáneo. Sus autores, cada uno de ellos firmantes de un capítulo, han aunado sus esfuerzos para poner en manos del lector un libro diferente, un proyecto conjunto fruto de intensos debates, reflexiones dilatadas e investigaciones rigurosas, donde se analiza y se sintetiza desde diversas ópticas una obra maestra inmortal de la cinematografía.
Autor: Alberto Adsuara, Fco. Javier Andaluz, Luis Martín Arias, Ricardo L. Rodríguez. Editorial: PANDORADO. Páginas: 417
Primer tráiler para «Hit Man», lo nuevo de Richard Linklater
Dos años después de dirigir Apollo 10½: A Space Age Adventure Richard Linklater vuelve a colaborar con Netflix con la cinta Hit Man, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ser lanzado y podéis ver a final de página. La película, una drama policial con toques de comedia, que tuvo su premiere mundial el pasado mes de septiembre en el marco del Festival de Venecia, estará disponible en la plataforma a partir del próximo 7 de junio de 2024.
En Hit Man vemos como Gary Johnson es el asesino profesional más buscado de Nueva Orleans. Para sus clientes, es el sicario ideal. Pero si le pagas para que elimine a un cónyuge infiel o a un jefe maltratador, será mejor que tengas cuidado: trabaja para la policía. Cuando rompe el protocolo para ayudar a una mujer desesperada que intenta huir de un novio acosador, se convierte en uno de sus falsos personajes, se enamora de la mujer y coquetea con convertirse él mismo en un criminal.
La película, con guion a cargo del propio Richard Linklater junto a Glen Powell, está protagonizada por Glen Powell, Adria Arjona, Retta, Austin Amelio, Molly Bernard, Morgana Shaw, Ritchie Montgomery, Kate Adair, Mike Markoff, Jo-Ann Robinson, Jordan Salloum, Kim Baptiste, Bryant Carroll, Evan Holtzman y Julia Holt.
Círculo de Bellas Artes de Madrid. La Noche Bizarra. Jean Rollin: Paisajes Vampíricos
Cada sábado noche, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas.
Castillos en ruinas, playas desiertas, cementerios o parajes brumosos de la campiña francesa son algunos de los escenarios habituales del cine de Jean Rollin (1938-2010), el cineasta que llevó el popular género del cine de vampiros a los terrenos más oníricos, poéticos y personales. Descrito como “una de las imaginaciones más puras jamás consagradas al género de terror” (Tim Lucas), la obra de Jean Rollin nos sumerge, con una bellísima fotografía, en esos parajes en los que el tiempo parece estar detenido y que están poblados de rituales, vampiresas, muertos vivientes y fantasmas. Desde La noche bizarra, nos enorgullece presentar, por primera vez en España y en la gran pantalla, las nuevas restauraciones de cuatro de las películas más emblemáticas del cine de Jean Rollin.
Películas del ciclo
Fascinación
Jean Rollin, Francia, 1979, 1h22 VOSE [Archivo digital]
Un criminal fugitivo irrumpe en un castillo aparentemente deshabitado y toma como rehenes a dos asustadas sirvientas. Al caer la noche, llega un grupo de misteriosas mujeres aristócratas y el criminal empieza a darse cuenta de que las mujeres ocultan un siniestro secreto.
Bellamente filmada y con una atmósfera onírica, Fascinación trata el fetiche de la sangre con un subtexto feminista y ofrece al espectador algunas de las imágenes más icónicas de la filmografía de Jean Rollin.
Sesión Sábado 27.01.24 · 22:00
La Muerta Viviente
Jean Rollin, Francia, 1982, 1h30 VOSE [Archivo digital]
Catherine Valmont, una rica heredera que murió de forma prematura, es accidentalmente resucitada por el efecto de unos residuos químicos vertidos en la cripta de su deshabitado castillo. Su amiga de la infancia, Hélene, le ayudará a saciar su insaciable sed de sangre.
Con La muerta viviente, Rollin se adentra en el terreno del gore poético a la vez que explora en profundidad el amor y la amistad entre dos amigas. Una de sus películas más populares (en parte debido a Rob Zombie y su canción The Living Dead Girl) que ofrece además una de las escenas finales más intensas de la historia cine.
Sesión Sábado 03.02.24 · 22:00
Labios de sangre
Jean Rollin, Francia, 1975, 1h27 VOSE [Archivo digital]
Frédéric ve una fotografía de un castillo costero en ruinas que le despierta un extraño recuerdo de su infancia. Entonces emprende una misteriosa búsqueda, ayudado por cuatro vampiras, para encontrar el castillo y a la bella mujer que vive en él.
Labios de sangre quizá sea la película de Rollin que mejor trasciende sus tendencias hacia lo poético y lo arcano, manteniéndose al mismo tiempo fiel a sus obsesiones más personales y recurrentes: la infancia, la nostalgia, el amor perdido, las búsquedas románticas, el cine, la obsolescencia. Labios de sangre era la respuesta cuando le preguntaban a Rollin por su película favorita.
Sesión Sábado 10.02.24 · 22:00
El amanecer de los vampiros
Jean Rollin, Francia, 1971, 1h35 VOSE [Archivo digital]
Una joven pareja de luna de miel pasa la noche en un antiguo castillo. Sin que ellos lo sepan, el castillo es el hogar de una horda de vampiros, que tienen sus propios planes para la pareja.
El imaginario gótico se mezcla con el psicodélico en este relato alucinado con castillos, ataúdes, cementerios, vampiros hippies, rock progresivo y escenas oníricas con colores a lo Mario Bava.
Sesión Sábado 17.02.24 · 22:00
Precio:[entrada 5,5 € – mayores de 65 y Carnet Joven 4 € – abono 3,6 € – socios 3,5 €]
De miedos y colonialismo, tráiler para «Raging Grace» de Paris Zarcilla
Una de las cintas más recurrentes dentro del circuito de festivales de género fantástico del pasado año fue la ópera prima del cineasta británico de origen filipino Paris Zarcilla Raging Grace, film cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Presente entre otros en certámenes como el SXSW, Neuchâtel Film Fest o Sitges, este híbrido entre terror, suspense y sátira social, tuvo un estreno limitado en salas comerciales de Estados Unidos el pasado mes de diciembre.
Raging Grace nos cuenta como Joy, una inmigrante filipina sin papeles lucha por hacer lo mejor que puede a la hora de poder mantener a su hija Grace. Consigue el trabajo perfecto, cuidar de un anciano extremadamente rico pero en estado terminal. El nuevo puesto se paga muy bien y garantiza un techo sobre sus cabezas, sin embargo Joy y Grace no tardarán en darse cuenta de que el trabajo no es tan simple como parece en un principio. Algo oscuro está floreciendo bajo la superficie, amenazando todo por lo que han luchado madre e hija.
La película, con guion a cargo del propio Paris Zarcilla, está protagonizada por Max Eigenmann, Jaeden Boadilla, David Haymar, Leanne Best, Oliver Wellington, Caleb Johnston-Miller, Jodie Cuaresma y Seb Yates Cridland.
Filmoteca Española arranca su programación 2024
Filmoteca Española da la bienvenida al nuevo año con nuevos ciclos de proyecciones, coloquios, presentaciones y música en directo en el cine Doré
En el primer aniversario de su fallecimiento, una retrospectiva homenajeará al director Agustí Villaronga
Los ciclos internacionales se centrarán en la figura del director palestino Elia Suleiman, quien visitará el cine Doré el 25 de enero; y en la cineasta estadounidense Barbara Hammer, icono del cine queer
Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico español, arranca su programación para el 2024 dedicando tres ciclos a tres grandes cineastas: Agustí Villaronga, Barbara Hammer y Elia Suleiman.
El ciclo «Agustí Villaronga. Fascinación por el mal», rinde homenaje al director fallecido hace poco menos de un año. En enero y febrero se proyectarán buena parte de los trabajos de uno de los cineastas más heterodoxos de nuestro cine, una obra que pone en valor la indomesticable mirada de un autor poseído por la necesidad de explorar los pliegos más oscuros de la condición humana. Gracias a esta retrospectiva, se revisitarán títulos como su transgresor debut ´Tras el cristal´ (1986), ´Pan negro´ (2010), o filmes como ´El niño de la luna´ (1989), ´El mar´ (2000) o ´Aro Tolbukhin: En la mente del asesino´ (2002). La presentación del ciclo –que se celebrará en el cine Doré el viernes 12 de enero- contará con la presencia de la actriz Marisa Paredes y de la productora, guionista, directora y presidenta de l´Ateneu Barcelonès, Isona Passola.
Por lo que respecta a los ciclos internacionales, el ciclo ´Barbara Hammer.Women I love´ atravesará la trayectoria de una de las figuras clave del cine queer y experimental que cuestionó la mirada heteropatriarcal que históricamente ha arrojado el cine sobre el colectivo queer. Además de sus cortos en 16 mm, se proyectará su «trilogía histórica»: `Nitrate Kisses´ (1992), `Tender Fictions´ (1995) y `History Lessons´ (2000), considerados ya hitos del cine LGTBIQ+.
El cine del palestino Elia Suleiman – quien visitará el Doré para la ocasión los próximos 25, 26 y 27 enero – protagonizará la primera retrospectiva integral en España dedicada a su figura. ´Sátiras palestinas´ proyectará la mirada de un cineasta que presenta una visión –al mismo tiempo localista y universal- de los conflictos entre Israel y Palestina, si bien desde la mirada perpleja de un niño atrapado en las sinrazones del odio y el terror bélico. Como señala Adrián Martín en el texto que introduce el ciclo, sus comedias políticas invitan tanto al humor como al dolor, y frente a ellas es tan correcto reír como llorar, como reacción al sufrimiento que se despliega en la pantalla, y especialmente, en relación con el horror actual que se está viviendo en la franja de Gaza. Además de sus cortometrajes, se podrán ver en el cine Doré sus cuatro películas, la última de ellas inédita en salas: ´Chronicle of a Disappearance´ (1996), ´Intervención divina´ (2002), ´The Time That Remains´ (2009) y ´De repente, el paraíso´ (2019).
Completa la renovación mensual de ciclos de Filmoteca Española la celebración del 150 aniversario de la Sección de Música de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, a través del ciclo `Compositores académicos del cine español´ que presentará una selección de grandes clásicos de nuestra cinematografía cuyas bandas sonoras corrieron a cargo de destacados músicos que también fueron académicos en esta institución.
Por último, no faltarán en la programación de Filmoteca Española sesiones online que sacarán a la luz materiales provenientes de los archivos de Filmoteca Española – caso de la obra de Salvador Gijón, pionero del stop-motion -, presentaciones de libros, sesiones de los programas educativos destinados a aproximar el patrimonio cinematográfico a los más jóvenes `Filmoteca en Familia´ y `Educa Filmoteca´, o sesiones con música en directo a través de la proyección de joyas de nuestro patrimonio cinematográfico mudo –recientemente restauradas por Filmoteca Española- como `Lucha de corazones´ (Joan María Codina, 1912) en diálogo con la música electrónica de Abel Hernández (integrante de ´El hijo´).
Seminario La Casa del Cine: Géneros y subgéneros populares entre los 60 y los 70
Seminario de cinco sesiones dedicado a los subgéneros más olvidados en las aulas de las escuelas de cine. Pero llenos de iconografías que han marcado la historia del cine de los años 60 y 70 hasta la actualidad. El giallo, el spaguetti western, la edad dorada del fantaterror español, el Blaxploitation, el gore o la serie B japonesa. Un seminario para fans y seguidores del cine más trash.
El seminario
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Italia: giallo (Dario Argento, Mario Bava, Lucio Fulci, etc.) y spaguetti western (Sergio Leone, Sergio Corbucci, Enzo G. Castellari)
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España: la edad dorada del fantaterror (Jess Franco, Paul Naschy, León Klimovsky, Armando de Ossorio…)
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: el Blaxploitation y sus estrellas, Pam Grier y Richard Roundtree. Los inicios del gore: el cine de Herschell Gordon Lewis.
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Japón: la serie B y los pinku eigas (cine erótico) de Nikkatsu. El caso de Seijun Suzuki (Youth of the Beast, Tokyo Drifter, Branded to Kill).
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Hong Kong: los wuxia de los Shaw Brothers. El cine de acción hongkonés.
Fechas: 30 enero y 6, 13, 20, 27 febrero
Horario: 19h a 21h
Precio: 100€
Docente Antonio José Navarro
Un trayecto musical, tráiler para «La estrella azul» de Javier Macipe
Una de las producciones patrias más interesante que se pudieron ver por el circuito de festivales del pasado año es el nuevo trabajo tras las cámaras del director zaragozano Javier Macipe (Los inconvenientes de no ser Dios 2014) La estrella azul, película cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, un relato a medio camino entre el biopic documental y la ficción, que reflexiona sobre la escena musical de nuestro país, llegará a las salas comerciales de la mano de Wanda Vision el próximo 23 de febrero.
La estrella azul nos sitúa en los años 90. Mauricio, un famoso rockero español recorre Latinoamérica buscando reencontrarse con su vocación dejando atrás el fantasma de la adicción. Allí conoce a Don Carlos, un anciano músico en horas bajas que, a pesar de ser autor de algunas de las canciones más famosas del folclore de su país, apenas consigue pagar sus facturas. Carlos acoge con generosidad al extraño visitante haciendo las veces de maestro Miyagi musical. De su encuentro nace un extravagante dúo quijotesco, con todos los visos de ser un absoluto fracaso comercial.
La película, con guion a cargo del propio Javier Macipe, está protagonizada por Pepe Lorente, Cuti Carabajal, Bruna Cusí, Marc Rodríguez, Catalina Sopelana, Mariela Carabajal, Noelia Verenice Díaz, Pablo Álvarez, Josh Climent y Manuel Chacón.
La estrella azul se rodó entre marzo de 2020 y febrero de 2023 en localizaciones de Zaragoza y en Argentina. La producción corre a cargo de Simón de Santiago, Amelia Hernández y Hernán Musaluppi, con Fernando Bovaira, Diego Rodríguez, Antonio Pita y Santiago López, como coproductores. La película es una producción hispano-argentina de MOD Producciones, El Pez Amarillo y Cimarrón, en coproducción con La Charito Films y Prisma que cuenta con la participación de RTVE, Movistar Plus+ y Aragón TV, con la financiación de ICAA – Gobierno de España y el INCAA y el apoyo de Gobierno de Aragón, Diputación Provincial de Zaragoza, Ayuntamiento de Zaragoza, Gobierno de Santiago del Estero y el apoyo internacional de Eurimages e Ibermedia.
Mel Brooks ¡Todo sobre mí! Mis memorables gestas en el universo mundo del espectáculo
El legendario -e incombustible a sus 97 años- Mel Brooks resiste incólume y sigue marcando la pauta en la comedia televisiva, cinematográfica y teatral. Ahora, por primera vez, este grafómano y simpar bufón, miembro del selecto círculo de los EGOT (dícese de todo aquel militante de la farándula que se ha hecho con un Emmy, un Grammy, un Óscar y un Tony), nos comparte, de su puño y letra -y para alivio de nuestra uretra- la desternillante crónica de sus añoranzas, alabanzas, labranzas, chanzas, venganzas, enseñanzas y, cómo no, de sus no menos azarosas andanzas.
Para los amantes de la comedia norteamericana, se hace saber que la larga espera ha terminado. He aquí una jugosa ristra de anécdotas y recuerdos celosamente custodiados, historias jamás desveladas, pifias gloriosas, hallazgos inesperados e incontables secretos de una mente deliciosamente enferma.
«¡Todo sobre mí!» narra el meteórico ascenso de un Melvin Kaminsky (Mel Brooks para la gran mayoría de sus incondicionales) que sobrevivió a la Depresión en Brooklyn y a una guerra mundial para -a fin de ir resumiendo- hacerse con la Medalla Nacional de las Artes. Ya fuera en el Ejército o en sus primeros tientos profesionales como comediante adolescente en Catskills, buscaba incansablemente material en sus propias vivencias siempre en busca del chiste perfecto. Su fulgurante carrera arranca con «Your Show of Shows», al servicio de Sid Caesar, donde formó parte de la mejor caterva de guionistas de la historia, junto a Carl Reiner, Neil Simon y Larry Gelbart. Tras registrar sus alardes de improvisación con Carl en los exitosos álbumes del célebre «The 2000 Year Old Man» y trabajar en el clásico de la televisión «Superagente 86» despega su estelar carrera cinematográfica. Escribió, dirigió y protagonizó películas como «Los productores», «Las doce sillas», «Sillas de montar calientes», «El jovencito Frankenstein», «La última locura», «Máxima ansiedad», «La loca historia del mundo» y «La loca historia de las galaxias», además de producir películas como «El hombre elefante», «La mosca» y «Mi año favorito». No contento con Hollywood, Brooks conquistaría, acto seguido, Broadway con su adaptación musical de «Los productores».
Las amistades y colaboraciones de las que Brooks disfrutó con Sid Caesar, Carl Reiner, Gene Wilder, Madeline Kahn, Alfred Hitchcock y el gran amor de su vida, Anne Bancroft- pueblan este inventario de luchas, desconsuelos, logros y camaraderías (con docenas de fotografías). Tributo, en suma, de obligada lectura para quien desee zambullirse en la vida y obra de uno de los artistas más consumados y queridos de la historia.
CONTENIDO:
Prefacio
1. Brooklyn
2. Las montañas
3. Segunda Guerra Mundial
4. Televisión – Los años de Sid Caesar
5. Carl Reiner y The 2000 Year Old Man
6. Johnny Carson y The Tonight Show
7. La Sociedad de gourmets china
8. Kismet – Encuentro con Anne Bancroft
9. Ser inteligente
10. Los productores
11. Las doce sillas
12. Sillas de montar calientes
13. El jovencito Frankenstein
14. Cine mudo
15. Máxima ansiedad
16. Brooksfilms, Parte I
17. La loca historia del mundo, Parte I
18. Brooksfilms, Parte II
19. Soy o no soy
20. Brooksfilms, Parte III
21. Spaceballs
22. ¡Qué asco de vida!
23. Las locas, locas aventuras de Robin Hood
24. Drácula, un muerto muy contento y feliz
25. Los productores en Broadway
26. Mi tercer acto
Autor: Mel Brooks, Traducción Ana Julia Sarmiento, Editorial: Libros del Kultrum, Páginas: 496
Filmin estrena el 19 de febrero el drama de Richie Adams «The Road Dance»
La actriz Hermione Corfield («Contagio en alta mar«) protagoniza este drama ambientado en los albores de la I Guerra Mundial y basado en hechos reales.
El próximo 19 de enero, Filmin estrenará «The Road Dance«, segundo largometraje del director estadounidense Richie Adams («Of Mind and Music«), La película adapta una novela del periodista John MacKay, quien estudió la historia real de su pueblo, en la escocesa Isla de Lewis, y que documenta un trágico suceso ocurrido en la zona a principios del siglo XX.
La actriz Hermione Corfield, vista en películas como «Nacido Rey«, de Agustí Villaronga, o «Contagio en alta mar» interpreta a Kirsty Macleod, una joven aldeana que, en una noche de fiesta y baile para despedir a los jóvenes que van a alistarse en el ejército para combatir en la Primera Guerra Mundial, es víctima de un trágico y misterioso asalto. La película relata los días previos y los meses posteriores a la fatídica noche, y analiza hábilmente temas como el abuso, el trauma, la sororidad y lo que significaba ser mujer a principios del siglo XX.
«The Road Dance» se rodó íntegramente en la ciudad real de Garenin (o Gearrannan en gaélico escocés) en la hermosa isla de Lewis. Fue posible porque sus habitantes abrieron las puertas de sus casas para que se filmaran las escenas. «Era una especie de set cerrado. Todo se rodó en exteriores. Creo que por eso resulta tan auténtica«, afirma Richie Adams.
Aunque los temas que aborda la película (el abuso, el patriarcado, la vergüenza…) resuenan en 2024, la película es muy consciente histórica y culturalmente. Como explica Hermione Corfield, «lo genial del guion es que no intenta decir que las mujeres piensan de la misma manera ahora que entonces. Pero creo que, aunque está ambientada en esa época, hay muchas cosas que siguen siendo extremadamente relevantes hoy en día«. La actriz añade: «Queríamos que el público se quedara con un sentido de resiliencia y de esperanza: incluso en una época y un lugar donde había tanta presión por ser mujer, y después de ser vapuleada, todavía hay una salida para la protagonista«.
La película se estrenó internacionalmente en el Festival de Edinburgo, donde se llevó el Premio del Público, y posteriormente fue también premiada en los festivales de Manchester y Sedona.
Adam Sandler y la ciencia ficción intimista, primer tráiler de «Spaceman»
Vía Netflix acaba de aparecer un primer adelanto en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Spaceman, cinta de ciencia ficción protagonizada por Adam Sandler que adapta la novela Spaceman of Bohemia del escritor checo Jaroslav Kalfař. Dirigida por Johan Renck (Bates Motel, Halt and Catch Fire, Bloodline, Chernobyl), la película tendrá un estreno limitado en cines de Estados Unidos el próximo 23 de febrero, estando disponible en la plataforma de forma global a partir del 1 de marzo.
En Spaceman vemos como un astronauta es enviado a los confines de la galaxia para recoger un misterioso polvo, descubriendo que su vida se desmorona al darse cuenta de que su matrimonio podría romperse antes de su regreso a la Tierra, acudiendo a una única voz que puede ayudarle a intentar recomponerla en ese momento. Pero resulta que esa voz pertenece a una criatura del principio de los tiempos que acecha en las sombras de su nave.
La película, con guion adaptado a cargo de Colby Day, está protagonizada por Adam Sandler, Carey Mulligan, Kunal Nayyar, Lena Olin, Isabella Rossellini, Paul Dano, Sinead Phelps, Petr Papánek y John Flanders.
«Deprisa, deprisa» regresa al Festival de Berlín en una versión restaurada en 4K por FlixOlé y Mercury Films
Galardonada con el Oso de Oro en 1981, será la primera película española en participar en la sección Berlinale Classics
Transcurridos más de 40 años desde que Carlos Saura recogió el Oso de Oro por Deprisa, deprisa (1981), el Festival de Berlín presentará en su 74ª edición el estreno mundial de la versión 4K de esta obra maestra del cine quinqui. Será la primera película española en participar en Berlinale Classics, sección que desde su inauguración en 2013 dedica su programación a los grandes títulos del séptimo arte que han sido restaurados, y que el próximo mes de febrero proyectará una copia de Deprisa, deprisa remasterizada por la plataforma FlixOlé y la distribuidora Mercury Films.
Regresa así al festival esta historia de amor a flor de piel surgida en las barriadas del Madrid de principios de los ochenta y que, envuelta en atracos, drogas y la emblemática canción ‘Me quedo contigo’ de Los Chunguitos, conquistó al público y a la crítica internacional. La presentación servirá también de homenaje a su autor, Carlos Saura, cuando se cumple un año de su fallecimiento.
La restauración del filme se ha realizado a partir del negativo original de 35mm, logrando como resultado la inédita versión en 4K de Deprisa, deprisa que se estrenará en la capital alemana. Dicho proceso de remasterización ha corrido a cargo de FlixOlé y Mercury Films, en el marco de las labores que desempeñan para la conservación y recuperación del patrimonio audiovisual del país, así como en la promoción de los clásicos del cine español en los circuitos cinematográficos internacionales más prestigiosos.
La poética película de cine quinqui con la que Saura se reinventó
Pablo, Meca y Sebas son tres amigos de los suburbios de Madrid que se dedican a robar coches y a atracar bancos. El primero de ellos se enamora de Ángela, una camarera de bar con la que comienza una relación. Ésta se unirá al grupo y participará en los golpes para dejar atrás el ambiente marginal en el que viven. Entre la ficción y el documental, Carlos Saura transcribió en Deprisa, deprisa los relatos de aquella juventud perdida de los descampados que, absorbida por la violencia y la drogadicción, intentaba salir a flote -de la peor manera posible- en la España de los 80.
Para entonces, el conocido como cine quinqui había asaltado la cartelera del país con exitosos títulos repletos de peleas callejeras, sexo, persecuciones y chutes de heroína. El realizador aragonés prefirió adentrarse en la cotidianidad de los bajos fondos y ofrecer un retrato lo más veraz posible sobre el fenómeno social.
A la verosimilitud de lo narrado en Deprisa, deprisa contribuyó el elenco, formado por actores no profesionales cuyas vidas se asemejaban a la de los delincuentes que interpretaban: José Antonio Valdelomar (Pablo), Jesús Arias (Meca) y José Mª Hervás (Sebas). Asimismo, cobró especial importancia el papel de Berta Socuéllamos (Ángela): los personajes femeninos apenas tenían peso en la trama de las películas del cine quinqui; sin embargo, en el caso de la cinta de Carlos Saura, el protagonismo recayó en la figura de Ángela.
Un nuevo cartel para la renovada versión
Con rigor y una cuidada estética, Saura construyó un romance que se alejó del exploitation al que acostumbraba el cine quinqui, pero que transmitía de igual manera la cruda verdad que se vivía en la periferia de las grandes ciudades. La mezcla de lirismo y objetividad hizo de Deprisa, deprisa una exitosa obra maestra dentro de ese género de sobredosis, navajeros y música de Los Chunguitos. También en un punto de inflexión en la carrera del director, quien pasó del cine críptico y metafórico desarrollado durante el franquismo al realismo.
El estreno mundial de la copia en 4K de Deprisa, deprisa en el Festival de Berlín irá acompañado de un nuevo cartel de la película. Basándose en el póster original realizado en su día por Cruz Novillo, los miembros del proyecto ‘La Residencia’, David Rodríguez Losada y Jorge Luengo, han elaborado un diseño alternativo a partir de una icónica escena de sus protagonistas. Además del cartel, ‘La Residencia’ ha creado un nuevo tráiler del filme expresamente para el evento, el cual se lanzará en próximas fechas.