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Cate Blanchett, Premio Donostia de la 72 edición del Festival de San Sebastián
La actriz y productora australiana, ganadora de dos Oscar, recibirá el máximo reconocimiento honorífico del certamen y protagonizará el cartel oficial.
La imagen del póster es obra del diseñador gráfico José Luis Lanzagorta, que ha partido de una fotografía de Gustavo Papaleo.
Cate Blanchett, una de las intérpretes más relevantes de la cinematografía contemporánea, recibirá un Premio Donostia en la 72ª edición del Festival de San Sebastián, al tiempo que protagonizará el cartel oficial. La imagen del póster es obra del diseñador gráfico José Luis Lanzagorta, que ha partido de una fotografía de Gustavo Papaleo.
Blanchett acumula más de 200 reconocimientos y galardones, incluidos dos Oscar -y otras seis nominaciones-, dos Copas Volpi del Festival de Venecia, cuatro premios Bafta y cuatro Globos de Oro, el César y el Goya honoríficos en una trayectoria de más de tres décadas que combina el cine de autor con películas dirigidas al gran público. La intérprete y productora australiana ha trabajado con cineastas como Martin Scorsese, Terrence Malick, Steven Soderbergh, Steven Spielberg, David Fincher, Ridley Scott, Sally Potter, Wes Anderson, Alfonso Cuarón, Alejandro G. Iñárritu, Woody Allen, Gillian Armstrong, Taika Waititi, Peter Jackson, Todd Haynes, Richard Linklater, Jim Jarmusch, Guillermo del Toro, Adam McKay o Todd Field.
Esta será su primera visita a San Sebastián, aunque alguna de sus películas han sido proyectadas en el Festival como Babel (Alejandro G. Iñarritu, Perlak, 2007) o Veronica Guerin (Joel Schumacher, Sección Oficial, 2003), que compitió por la Concha de Oro.
Cate Blanchett es la segunda intérprete australiana en recibir el premio honorífico más importante del Festival tras Hugh Jackman (2013).
El Festival instauró en 2018 una nueva línea de carteles, presidida por una figura de la cinematografía contemporánea. Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche y Javier Bardem han precedido a Blanchett como imagen oficial, que este año ha sido creada por el diseñador gráfico donostiarra José Luis Lanzagorta a partir del retrato del fotógrafo Gustavo Papaleo.
Lanzagorta también ha realizado los carteles del resto de secciones. Junto al fotógrafo José Luis López de Zubiria, han optado por confrontar la ilustración con la fotografía: así, el megáfono de un cineasta arroja ideas de papel en New Directors; un transatlántico expulsa humo en forma de cactus en Horizontes Latinos; un boxeador pelea contra el filamento incandescente de una bombilla en Zabaltegi-Tabakalera; una nadadora se sumerge en busca de tesoros nacarados en Perlak; una cámara retro proyecta pompas de jabón en Nest; una fresa se convierte en una isla dispuesta para la aventura en Culinary Zinema; y una raíz-rayo homenajea al artista vasco Vicente Ameztoy en Zinemira. Además, este año se incorpora el cartel de la sección Made in Spain, a la que se ha asignado el color azul añil, protagonizado por un astronauta que explora un planeta en forma de clavel, flor que remite al universo del cine español.
Estos carteles se suman a los tres presentados anteriormente para ilustrar la iniciativa Klasikoak, que une bajo la misma marca tres propuestas que ya existían: el ciclo de primavera de la Filmoteca Vasca, la retrospectiva del Festival (este año dedicada al poliziesco italiano) y la sección Klasikoak.
Biografía Cate Blanchett
Cate Blanchett es una actriz de renombre internacional, productora, directora artística, filántropa y muy implicada con el sector cultural. Junto a sus socios Andrew Upton y Coco Francini, es cofundadora y directora de la productora de cine y televisión Dirty Films, que acaba de lanzar Proof of Concept, un programa que ofrece apoyo financiero, tutoría y visibilidad a cineastas emergentes. Blanchett produjo y protagonizó la premiada The New Boy (Perlak, 2023), de Warwick Thornton con su empresa. También estuvo tras el largometraje de Apple Original Films Fingernails (Esto te va a doler, Sección Oficial, 2023), de Christos Nikou, con Jessie Buckley, Riz Ahmed y Jeremy Allen White, y el premiado debut de Noora Niasari, Shayda, protagonizada por Zar Amir Ebrahimi.
Con Dirty Films ha producido Carol, de Todd Haynes, y Tár, de Todd Field; Apples, de Christos Nikou; Mrs America, miniserie de FX nominada a 10 premios Emmy; y ha producido y cocreado para Netflix la serie Stateless (Desplazados), ganadora de 13 premios AACTA. También ha creado y producido el premiado podcast original de Audible Climate of Change, y Evolver, una experiencia interactiva de realidad virtual que se estrenó en Tribeca y ha sido seleccionada para la primera competición inmersiva del Festival de Cannes de 2024.
Entre los trabajos como actriz de Blanchett se incluyen Tár, Nightmare Alley (El callejón de las almas perdidas), Don’t Look Up (No mires arriba), Ocean’s 8, Thor: Ragnorok, Carol, Blue Jasmine, I’m Not There, The Curious Case of Benjamin Button (El curioso caso de Benjamin Button), Notes on a Scandal (Diario de un escándalo), The Life Aquatic (Life Aquatic), Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal), la trilogía de The Lord of the Rings (El señor de los anillos) y The Hobbit (El Hobbit), The Good German (El buen alemán), The Aviator (El aviador), The Talented Mr Ripley (El talento de Mr. Ripley) y Elizabeth. Entre los innumerables premios que ha recibido cabe destacar cuatro BAFTA, dos Oscar, tres Globos de Oro y tres premios del Sindicato de Actores.
Entre 2008 y 2013 Blanchett trabajó junto a Andrew Upton como codirectora artística y codirectora ejecutiva de la galardonada Compañía de Teatro de Sídney, con la que produjo 16 espectáculos al año en cuatro sedes, con giras nacionales e internacionales. Entre sus producciones más destacadas figuran Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams, dirigida por Liv Ullmann; Tío Vania, de Antón Chéjov, dirigida por Tamas Ascher, y Tot Mom, de Steven Soderbergh; los aclamados montajes de Benedict Andrew de La guerra de los Rose, Las criadas de Genet y Gross und Klein (Big and Small) de Botto Strauss; la adaptación seminal de The Secret River, de Neil Armfield, que también ha inspirado la serie de televisión homónima de ABC; producciones del dramaturgo Kip Williams; y The Present, de Andrew Upton, dirigida por John Crowley y por la que Blanchett obtuvo una nominación a los premios Tony. Blanchett ha actuado recientemente en la adaptación de la producción del National Theatre When We Have Sufficiently Tortured Each Other, de Martin Crimp.
Blanchett y Upton recibieron el Premio Green Globe por su destacada labor en la Compañía de Teatro de Sídney, tras haberla transformado en una de las entidades culturales más ecológicas del mundo, gracias, por ejemplo, a la construcción de la segunda mayor instalación de paneles solares en tejado de Australia.
Ha presidido jurados de festivales como Cannes y Venecia, y el Festival de Venecia le ha concedido en dos ocasiones la Copa Volpi a la Mejor Interpretación. Blanchett es miembro honorífica del BFI del London Film Festival, ha recibido el Premio Stanley Kubrick a la excelencia cinematográfica y tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Asimismo, ha sido reconocida con el César Honorífico, el Goya Internacional y el Chaplin. Blanchett ha sido nombrada Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, Miembro de la Orden de Australia, Medalla del Centenario por sus servicios a la sociedad australiana y Doctora Honoris Causa por la Universidad de Nueva Gales del Sur, la Universidad de Sídney y la Universidad Macquarie, entre otros.
Blanchett es Embajadora Mundial de Buena Voluntad de ACNUR, la Agencia de la ONU para los Refugiados, y miembro del consejo del Premio Earthshot. Es la primera embajadora de Wakehurst y del Banco de Semillas del Milenio. Ha recibido el Premio Crystal del Foro Económico Mundial de Davos y el Premio Humanitario de la Fundación Kuwait-América. Es miembro vitalicio de la Australian Conservation Foundation, socia destacada del Actors Benevolent Fund, la Fundación SAG-AFTRA, la Australian Wildlife Conservancy, Embajadora AFI y Patrona del Festival de Cine de Sídney y la Fundación NIDA, el centro de arte dramático en el que se formó. Vive en la campiña inglesa con su marido, cuatro hijos, tres perros, dos gatos, cerdos y gallinas.
Biografía José Luis Lanzagorta
Diseñador gráfico y músico, fundador y director creativo de Estudio Lanzagorta, empresa con amplia experiencia en el sector de la cultura. Entre sus clientes se encuentran Koldo Mitxelena Kulturunea, Tabakalera, San Telmo Museoa, Kutxa Fundazioa, Donostiako Jazzaldia, Fundación Kursaal, Quincena Musical de San Sebastián, Euskadiko Orkestra, Warner Music, Sony Music y Get In. Miembro fundador de la Orquesta Mondragón y de los grupos Puskarra y Amateur, también formó parte del grupo de pop donostiarra La Buena Vida.
Exposición virtual del I Concurso de Carteles (1959-1960)
Con motivo de la presentación de los carteles de la 72ª edición, el Festival ha inaugurado hoy en la página web de Artxiboa una exposición virtual titulada Dibujar el Festival. La muestra recoge los bocetos del I Concurso de Carteles del Festival de San Sebastián, convocado en diciembre de 1959 con vistas a la celebración de su octava edición en julio de 1960. La exposición recupera la desconocida iniciativa pionera del certamen a través de la exhibición de los bocetos participantes y propone una aproximación a los materiales y una atención detallada a los engranajes del concurso.
Matías Fajn y Laura Alhach, alumni de Elías Querejeta Zine Eskola, han realizado la investigación y comisariado de la exposición junto al equipo del proyecto Artxiboa. Los bocetos fueron encontrados en 2022 y han podido ser analizados tras una importante labor de conservación, catalogación y digitalización.
Un mundo en silencio, tráiler para «A Quiet Place: Day One» de Michael Sarnoski
Acaba de salir a la luz vía Paramount Pictures un segundo tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta de ciencia ficción A Quiet Place: Day One, precuela y spin-off de las exitosas A Quiet Place 1 y 2 (2018-2022) de John Krasinski, que en esta ocasión solo ejercerá como co-guionista. La película, que cuenta tras las cámaras con Michael Sarnoski (Pig 2021), llegará a las salas comerciales de nuestro país el próximo 28 de junio de 2024.
En A Quiet Place: Day One vemos como una joven mujer llamada Sam trata de sobrevivir a una invasión en la ciudad de Nueva York por parte de unas criaturas alienígenas sedientas de sangre que reaccionan de forma letal a cualquier indicio de sonidos causados por el ser humano. Sam se encontrara con un hombre llamado Eric, con el que se unirá con cierta desgana, con la intención de poder sobrevivir juntos.
La película, con guion a cargo del propio Michael Sarnoski junto a John Krasinski, Michael Sarnoski, está protagonizada por Lupita Nyong’o, Joseph Quinn, Alex Wolff, Djimon Hounsou, Denis O’Hare y Elijah Ungvary.
«El gran menú», nuevo documental de Frederick Wiseman, llega a Filmin el 17 de mayo
La 46ª película en la filmografía de Frederick Wiseman nos sumerge en Les Troisgros, uno de los restaurantes con más solera de Francia, que ostenta tres estrellas Michelin desde hace 55 años.
Filmin estrena el próximo viernes 17 de mayo, en excusiva en España, el documental «El gran menú», una mirada reposada y paciente a uno de los restaurantes más prestigiosos del mundo, Les Troisgros, ubicado en Roanne (Francia), a 100 kilómetros de Lyon. La película lleva el sello de su creador, el veterano Frederick Wiseman, uno de los documentalistas más relevantes del cine contemporaneo, que ha dedicado su vida a retratar algunos de los espacios e instituciones más importantes del mundo, como el Ballet de la Ópera de París (en «La danza»), la National Gallery de Londres («National Gallery»), la biblioteca pública de Nueva York («Ex Libris») o la Comedie-Française («The Games of Love»). Sus documentales se caracterizan, más allá de por su dilatada duración, por no hacer uso de entrevistas, de un narrador o de música extradiegética. Por su parte Les Troisgros, fundado en 1930, posee tres estrellas Michelin desde hace 55 años y ya ha conocido a cuatro generaciones de chefs, todos de la familia Troisgros.
Cuenta Wiseman que en el verano del 2020 se alojó en casa de unos amigos en Borgoña. Para agradecerles su hospitalidad quiso invitarles a comer a un buen restaurante, y acabaron en Les Troisgros. Al finalizar el almuerzo, el chef César Troisgros se acercó a saludarles y en ese momento Wiseman le preguntó si podía rodar un documental sobre el restaurante. El chef le dijo que debía consultarlo primero con su padre, pero media hora después el director recibió la autorización. «Después me enteré de que el padre no estaba aquel día en el restaurante y que lo que el chef hizo fue buscar mi nombre en Wikipedia», recuerda Wiseman.
El director cree que hay algo que comparten el cine y la cocina como expresiones artísticas: «Como los cineastas, los chefs también están muy preocupados por el aspecto de sus platos, no sólo por el contenido. Como se ve en la película, cada plato se inspecciona antes de que el camarero lo lleve al comedor. Si un riñón está a un centímetro del centro del plato, habrá alguien con unas pinzas para moverlo. Si queda un poco de salsa en el plato fuera de lugar, habrá alguien que la limpiará. Están tan preocupados por la apariencia como por el sabor.». Wiseman no tiene dudas de que «los chefs son artistas en todos los aspectos de su trabajo» y compara la alta cocina con el ballet o el teatro por su naturaleza efímera: «No hay dos actuaciones iguales. Los actores están geniales, el público responde y luego se acabó. No hay ningún registro duradero. En la cocina pasa lo mismo.»
Wiseman, que tiene 94 años, confiesa que solo enciende el televisor para ver tenis o baloncesto, por lo que se ha mantenido alejado del auge mediático de la cocina en televisión gracias a diversos realities emitidos alrededor del mundo. «Tampoco he visto nunca películas de restaurantes, pero por lo que me dijeron mis amigos, siempre implican muchos gritos y discusiones. Ese no fue el caso aquí, y estuve demasiado tiempo con ellos para que lo pudieran encubrir: siete semanas.», explica.
«El gran menú» se presentó en el Festival de Venecia y ha sido reconocida con el premio al Mejor Documental por las asociaciones de críticos de Florida, Los Angeles o Nueva York. La película se suma al amplio catálogo de Filmin alrededor de la obra de Frederick Wiseman, que incluye 20 de los 46 trabajos que ha realizado hasta la fecha.
Jean-Marie Straub y Danièle Huillet. La reinvención del cinematógrafo
Si algo han demostrado Danièle Huillet (1936-2006) y Jean-Marie Straub (1933-2022) desde sus primeras obras es que es posible hacer un cine exigente consigo mismo y respetuoso con un espectador al que se trata de igual a igual haciéndole ver aquello que sin esa mirada nunca hubiera podido ver. De hecho, todo su trabajo ha buscado intentar alejar el cinematógrafo de las limitaciones que lo mantienen encerrado en la prisión de alta seguridad forjada por los condicionantes del dinero y por la adhesión a los lugares comunes de una estética complaciente. Excavando en la realidad para desenterrar la verdad sepultada bajo el sedimento de la evidencia con el fin de hacer sentir que lo que se ve no es ni natural, ni inmutable, ni inevitable.
El resultado: un cine que se instala en el territorio de la artesanía, del cuidado exquisito con el que se trata en sus filmes la materialidad de la obra, al tiempo que se construye desde la absoluta modestia —ni uno solo de los casi cincuenta filmes que forman el dilatado corpus completo del artista que conocemos como “Los Straub” responde a una fabulación personal sino que se apoya siempre en obras ajenas—, entendiendo que los textos de la más variada procedencia que llevaban a la pantalla eran el espacio de un desafío radical y el lugar donde aplicar un método de trabajo capaz de hacer visible la idea de que todo lo individual es, en el fondo, colectivo.
Por eso conviene tomarse en serio las palabras de Jean-Marie Straub cuando reivindicaba las cualidades de su cine: “Pensamos que nuestro cine es un cine sencillo. Es indudable que para apreciar mejor nuestras películas hace falta tener determinados intereses: el cine, el arte, la literatura. Pero sobre todo hace falta tener ideas sobre el mundo. En todo esto no me parece que haya nada elitista. Nuestro cine es el único cine sencillo, son otros los que hacen películas retóricas en las que no se sabe de qué se está hablando”.
Hoc opus. Hic labor est.
Santos Zunzunegui
El autor
Santos Zunzunegui (Bilbao, 1947) Catedrático Emérito de Comunicación Audiovisual y Publicidad (Universidad del País Vasco). Doctor Honoris Causa por la Universidad Jaume I-Castellón. Semiólogo, analista e historiador cinematográfico. Ha sido profesor invitado en diversas universidades de Europa, EE. UU. y América del Sur.
Entre sus principales libros se cuentan: Mirar la imagen (1984); El cine el País Vasco (1985); Pensar la imagen (1989); La mirada cercana. Microanálisis fílmico (1996; nueva edición revisada y ampliada, Shangrila, 2016), Robert Bresson (2001); Historias de España. De qué hablamos cuando hablamos de cine español (2002, nueva edición revisada Shangrila, 2018), Metamorfosis de la mirada. Museo y semiótica (2003; versión italiana Metamorfosi dello sguardo, 2011); Orson Welles (2005); Las cosas de la vida. Lecciones de semiótica estructural (2005); La mirada plural (2008), ganadora del Premio Internacional de Ensayo “Francisco Ayala”. En 2013 ha publicado Lo viejo y lo nuevo (Cátedra) donde se recogen cinco años de su trabajo en Caimán. Cuadernos de Cine. En 2017 apareció Bajo el signo de la melancolía. Cine, desencanto y aflicción (Cátedra, 2017). Entre 2021 y 2023 han aparecido tres volúmenes de Mis historias de cine (Shangrila), fruto de sus cursos en la Escuela de Cine Elías Querejeta-Tabakalera.
Autor: Santos Zunzunegui, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre] libros, Páginas: 744
El anhelo del vampiro, tráiler para «En attendant la nuit» de Céline Rouzet
Aprovechando su próximo estreno comercial en Francia, previsto para el 5 de junio, acaba de ver la luz un primer adelanto, en forma de tráiler oficial que podéis ver a final de página, del film de adolescente vampiros titulado En attendant la nuit. Debut en el largometraje de ficción, tras su documental 140 km à l’ouest du paradis (2020), de la realizadora gala Céline Rouzet, que estuvo presente el pasado año en festivales como Venecia o Sitges dentro de la sección Noves Visions.
En En attendant la nuit vemos como la familia Feral se muda a un nuevo vecindario con la intención de dejar su pasado atrás y pasar desapercibidos en su nuevo hábitat. Sin embargo, el pequeño de la familia no es un adolescente normal, padece una extraña enfermedad que debe mantener oculta a toda costa. Cuando íntima con su nueva vecina, su sed de sangre crece y sus diferencias con respecto a todo lo que le rodea se vuelve imposible de ignorar.
La película, con guion a cargo de la propia Céline Rouzet junto a William Martin, está protagonizada por Mathias Legout Hammond, Elodie Bouchez, Jean-Charles Clichet, Céleste Brunnquell y Laly Mercier.
«Emmanuelle» de Audrey Diwan, película inaugural de la 72ª edición del Festival de San Sebastián
La producción francesa Emmanuelle, dirigida por Audrey Diwan, inaugurará a concurso la 72ª edición del Festival de San Sebastián. El largometraje se proyectará en estreno mundial el 20 de septiembre y contará con la presencia de su directora y de sus protagonistas.
Diwan, ganadora del León de Oro del Festival de Venecia con L’événement (El acontecimiento, 2021), ha coescrito el guion junto a la también cineasta Rebecca Zlotowski. La película sigue los pasos de una mujer que busca un placer perdido y que en un viaje de negocios a Hong Kong tiene numerosos encuentros, incluido uno con Kei, un hombre que la elude constantemente.
La película se inspira en el personaje y el mundo creados por la escritora Emmanuelle Arsan. Concebida por Audrey Diwan como una exploración del placer en la era post Me Too, Emmanuelle se rodó durante el otoño de 2023 en Hong Kong y París.
La actriz y directora Noémie Merlant (Portrait de la jeune fille en feu / Retrato de una mujer en llamas, Un año, una noche, L’innocent / El inocente, Tár, Mi iubita, mon amour…) interpreta al personaje principal del filme acompañada de Naomi Watts (Mulholland Drive, 21 gramos, The Impossible / Lo imposible…), Will Sharpe (The White Lotus), Jamie Campbell Bower (Stranger Things), Chacha Huang y Anthony Wong.
El debut de Audrey Diwan, Mais vous êtes fous / Losing It (2019), fue protagonizado por Pio Marmaï y Cécile Sallette. Su segunda película, El acontecimiento, adaptación del libro de Annie Ernaux sobre su aborto ilegal en los años 60, contó con un reparto de nuevos talentos del panorama francés (Anamaria Vartolomei, Kacey Mottet-Klein, Luàna Bajrami) y logró el León de Oro en Venecia, además de cuatro nominaciones en los Premios César y una nominación en los BAFTA, entre otros galardones. En 2021, Diwan formó parte del Jurado de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.
Emmanuelle es una producción de Chantelouve, Rectangle Productions y Goodfellas. Beta Fiction Spain llevará la distribución de la película en el territorio español. La película se estrenará en Francia, tras su presentación en el Festival de San Sebastian, el 25 de septiembre.
BIOFILMOGRAFÍA
La directora, autora y guionista Audrey Diwan debutó en la dirección de largometrajes con Mais vous êtes fous / Losing It, protagonizada por Celine Sallette y Pio Marmaï. Su segunda película, L’événement / El acontecimiento, ganó el León de Oro en el Festival de Venecia de 2021. Ese mismo año formó parte del Jurado Oficial del Festival de San Sebastián. En 2023, fue galardonada con el César al mejor guion junto a Valerie Donzelli por L’amour et Les Fôrets. Su tercer largometraje, Emmanuelle, tendrá su estreno mundial en el Festival de San Sebastián donde será la película inaugural a concurso.
Emmanuelle
Audrey Diwan (Francia)
País(es) de producción: Francia
Intérpretes: Noémie Merlant, Naomi Watts, Will Sharpe, Jamie Campbell Bower, Chacha Huang, Anthony Wong
Inauguración a concurso
Emmanuelle sale en busca de un placer perdido y vuela sola a Hong Kong en viaje de negocios. En esta sensual ciudad global, donde inicia numerosos encuentros, conoce a Kei, un hombre que la elude constantemente.
Círculo de Bellas Artes: La Noche Bizarra: Alejandro Jodorowsky. El camino es el destino
El segundo y tercer sábado de cada mes, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas
Dedicamos el mes de mayo de La noche bizarra a dos auténticas películas de culto, obra del artista, cineasta, poeta y psicomago Alejandro Jodorowsky (Chile, 1929). Dos alucinados viajes cinematográficos que se han convertido en referentes de la contracultura de los años 70, el misticismo audiovisual y el cine más bizarro e inclasificable.
Fecha: 11.05.2024 — 18.05.2024
Precio: [entrada 5,5 € – mayores de 65 y Carnet Joven 4 € – abono 3,6 € – socios 3,5 €]
Películas del ciclo
La Montaña Sagrada
Alejandro Jodorowsky, México/USA, 1973, 1h55 VOSE [Archivo digital]
Considerada una de las películas más misteriosas de la historia del cine, convertida en la película-escándalo de Cannes 1973 por su imaginería blasfema, simbolismo místico y violencia surrealista. Ambas películas se proyectarán en todo su esplendor visual, gracias a nuevas restauraciones 4K supervisadas por el propio Jodorowsky.
Sesión: Sábado 11.05.24 · 22:00
El Topo
Alejandro Jodorowsky, México/USA, 1970, 2h04 VOSE [Archivo digital]
Inauguró el fenómeno de las Midnight Movies en Nueva York. La película se proyectaría durante meses a medianoche en el Elgin Theater de Chelsea, agotando entradas todas las noches. Entre sus fans se encontraba John Lennon, que convenció a su manager Allen Klein para que financiara la siguiente película de Jodorowsky, aportando un millón de dólares y ofreciéndole absoluta libertad creativa
Sesión: Sábado 18.05.24 · 22:00
La epopeya final, primer tráiler para «Megalópolis» de Francis Ford Coppola
De testamento fílmico podría considerarse la génesis y posterior desarrollo de una película de las características de Megalópolis, epopeya futurista, que supone el nuevo, y posiblemente último, trabajo tras las cámaras de Francis Ford Coppola, que acaba de estrenar un primer teaser tráiler oficial que podéis ver a final de página. El film, la superproducción más personal de las ultimas décadas, con un presupuesto autofinanciado de 120 millones de dólares, mediante un proyecto que ha durado más de cuarenta años en poder ser una realidad, tendrá su premier mundial el 17 de mayo en la próxima edición del Festival de Cannes, en donde optara por la Palma de Oro.
Megalópolis nos cuenta cómo un gran cataclismo destruye una gran ciudad similar a Nueva York, lo que lleva a un arquitecto idealista llamado Cesar, a querer reconstruirla para poder convertirla en una urbe sostenible. Sin embargo, el alcalde tiene otros planes. Entre medias de tal conflicto se encuentra Julia, la hija del alcalde y amante de César.
La película, con un guion, que necesito mas de 300 versiones, a cargo del propio Francis Ford Coppola, está protagonizada por Adam Driver, Nathalie Emmanuel, Giancarlo Esposito, Aubrey Plaza, Nathalie Emmanuel, Lawrence Fishburne, Shia LaBeouf, Jon Voight, Dustin Hoffman, Talia Shire, Jason Schwartzman, Kathryn Hunter, James Remar y Grace VanderWaal.
Proyecciones Xcèntric: Sismografías. Malena Szlam y Patricia Dauder
Los últimos trabajos de la cineasta chilena Malena Szlam y de la artista catalana Patricia Dauder presentan múltiples correspondencias. Las imágenes y sonidos de algunas de sus películas aluden, por un lado, a ciertas estructuras geológicas de lugares marcados por topografías volcánicas y sísmicas, y, por otro, a ciertas figuraciones cósmicas y astrológicas.
Lunar Almanac, la primera película de Malena Szlam que veremos en esta sesión, es un trabajo que registra en 16 mm el ciclo lunar a través de diversas capas y puntos de vista, creando reverberaciones visuales de este astro obtenidas a través de superposiciones y largas exposiciones. A este trabajo le sigue Altiplano, película filmada en la cordillera de los Andes, en el norte de Chile y en el noroeste de Argentina, que presenta paisajes vibrantes de salinas ancestrales, desiertos volcánicos y lagos de colores acompañados de infrasonidos de volcanes, géiseres y ballenas azules. Por último, Merapi es un estudio fragmentado del paisaje alrededor de la «montaña de fuego», un volcán situado en Indonesia en el que la cineasta chilena observa de cerca ciertos fenómenos corrientes como el movimiento de las nubes, el amanecer y el atardecer y sus variaciones lumínicas.
Insulana, de Patricia Dauder, es un trabajo inspirado en la erupción volcánica que afectó al archipiélago de las Azores entre 1957 y 1958 y que dejó la isla de Faial completamente cubierta de cenizas. La película no pretende trazar la historia de este hecho, sino compilar ciertas huellas donde el presente y el pasado conviven indistintamente, y lo hace mezclando imágenes de archivo y otras filmadas por la artista en su estudio y en los lugares afectados por la erupción. La segunda película que veremos de Dauder, Península, es un trabajo que presenta una yuxtaposición constante de espacios interiores y exteriores, formatos (16 mm y súper-8), color y blanco y negro, para intentar trazar un retrato de lo que es estar físicamente en un lugar y mentalmente en otro. La sesión finalizará con March 5th 1979, que parte de una serie de imágenes fijas que retratan un fenómeno luminoso no identificado que tuvo lugar en el cielo de las Islas Canarias el 5 de marzo de 1979.
Malena Szlam: Lunar Almanac, 2013, 16 mm, sin sonido, 4’; Altiplano, 2018, 35 mm, 16’; Merapi, 2021, 16 mm a digital, 8’.
Patricia Dauder: Insulana, 2021, 16mm a digital, 16’; Península, 2018, digital, sin sonido, 5’; March 5th 1979, 2011, 16 mm, sin sonido, 5’.
Copias de Malena Szlam procedentes de Light Cone. Copias de Patricia Dauder cortesía de la autora.
Fecha: 23 mayo 2024
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Tráiler y póster para «Le Deuxiéme Acte», lo nuevo de Quentin Dupieux
Tras un 2023 en donde presento las películas Yannick y Daaaaaalí!, el realizador francés Quentin Dupieux se estrena en este 2024 con la comedia de enredos titulada Le Deuxiéme Acte, film cuyo primer tráiler subtitulado al inglés acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que inaugurará la inminente edición del Festival de Cannes, llegará a los cines de Francia el mismo día de su premier mundial en el certamen galo, el próximo 14 de mayo.
En Le Deuxiéme Acte vemos como una joven llamada Florence quiere presentarle a David, el hombre del que está perdidamente enamorada, a su padre, Guillaume. Pero David no se siente atraído sentimentalmente por Florence, por lo que decide arrojarla a los brazos de su mejor amigo Willy. Los cuatro personajes se encuentran en un restaurante situado en medio de la nada llamado Le deuxième acte…
La película, con guion como viene siendo habitual a cargo del propio Quentin Dupieux y una escueta duración de 76 minutos, está protagonizada por Léa Seydoux, Vincent Lindon, Louis Garrel, Manuel Guillot y Raphaël Quenard.
Grandes temas del cine fantástico
No se puede poner límites a la imaginación. Todo cabe en el mundo de la fantasía, y si es de cine de lo que hablamos, entonces las posibilidades no solo son fascinantes, sino también infinitas. Y eso es lo que quiere transmitir y compartir este libro, en el que se aborda el cine fantástico de la forma más amplia y panorámica posible, incluyendo en él la ciencia ficción, el terror y otros subgéneros imprescindibles para entender este universo fílmico en su globalidad.
El objetivo de esta obra es, por lo tanto, desglosar y analizar en diferentes apartados temáticos un género ecléctico por definición, y cuyo denominador común en todas las películas que de él forman parte es la ruptura con la realidad. A partir de ahí, la mirada es poliédrica: mitos, leyendas, monstruos, criaturas, robots, extraterrestres, brujas, demonios, fantasmas, vampiros, zombis, viajes en el tiempo y en el espacio… Un universo simplemente alucinante.
Los autores:
Amat Ferris, Sintu · Ávila Salazar, Alberto · Azzam, Marcos · Bustillo Ramírez, Marcos · Campillo Bueno, Pere · Casals Campmany, Quim · Chantal Ibán · Codina, Toni · Díaz Maroto, Carlos · Graña, Telmo · Hidalgo, David · Jiménez i Prunera, Xavi · Juanmartí, Jordi · Lago, Cristina · Lens, Jesús · López Gómez, Héctor · López Poy, Manuel · Morell, Dani · Moreno, Joel · Nasarre, Lluís · Ribhi Hassan, Laila · Romero, Javier G. · Salvador Estébenez, José Luis · Sanz, Katia · Soldevila, Frederic · Vilaseca, Jaume · Villar Duque, Guillermo
Autor: Varios, Editorial: DOLMEN, Páginas: 320
Cineteca: Experiencias del cine documental contemporáneo
El documental, mucho más que cualquier otro género cinematográfico, funciona como un fantástico sismógrafo que detecta y registra los temblores que agitan la realidad de nuestra época. Ajeno a los mecanismos industriales de producción, permite abrir espacios únicos para la representación de los problemas, la reflexión colectiva y el cuestionamiento del mundo que nos rodea. En este programa, ofrecemos una muestra de nueve sobresalientes documentales de distintas temáticas estrenados en los últimos años en España y otros países, que demuestran la buena salud del género y su compromiso con el presente.
Fecha
Del 5 al 19 de mayo de 2024
Programación
Toda una vida
Marta Romero/ España/2023/(72′).
Hace doce años una nieta empezó a grabar a su abuela: quería atrapar el tiempo que el Alzheimer iba a robarle. Más de una década de material filmado se convierte en una emotiva historia sobre la voluntad de amar.
Nuestra película
Diana Bustamante/Colombia, Francia/2022/(73′)
Nuestra película es una re-visita a esas imágenes que se fueron acumulando en hechos y en reproducciones. Un collage de repeticiones y memorias construido a través de la intervención del archivo noticioso colombiano de los años 80 y 90, y es al mismo tiempo un viaje vertiginoso por el sentido ulterior de esas mismas imágenes que se van descomponiendo y perdiendo sentido.
Tetuán
Iratxe Fresneda/España/2022/(95′)
Basándose en experiencias de la vida real, Iratxe Fresneda nos adentra en un viaje personal en el que pasado y presente se funden en una experiencia visual sobrecogedora y sensorial; desde las tranquilas orillas del Danubio hasta la agitada vida de Madrid, cuatro historias entrelazadas convergen y se pierden en los misterios de Tetuán.
Las canciones de la Tierra
(Fedrelandet)/Margreth Olin/Noruega/2023/(90′)
¿Qué significa estar conectado con la naturaleza? El padre de la directora tiene 84 años. Seguimos sus pasos hasta su casa en la montaña. Nos adentramos en la naturaleza más pequeña y salimos rumbo a los grandes paisajes en los que creció.
Un gif larguisimo
Teddy Williams/España, Noruega, Grecia/2023/(75′)
Un viaje de observación por el paisaje del aparato digestivo, combinado con un zoom detallado de ciudades y personas que se mueven en los límites de nuestra visión, filmado con un potente teleobjetivo. Estos espacios de imágenes dispares se sostienen mutuamente con la tensión de los cuerpos celestes. El sonido de los movimientos superpuestos a través de diferentes aglomeraciones humanas ofrece un tercer nivel de observación. Las escalas se invierten y los movimientos imperceptibles se desvelan en el GIF más largo que jamás haya visto.
Fail Better
Eva Garrido/España/2022/(70′)
Chicos y chicas de todo el mundo han convertido una plaza de Barcelona en su ágora. Patinan, bailan, aman y habitan espontáneamente un espacio público superando cualquier planificación urbanística previa. Fail Better se acerca a este pequeño universo para mirar detenidamente y escuchar, creando una intimidad desprejuiciada con los jóvenes que vamos conociendo.
Geografías de la soledad
(Geographies of Solitude)/Jacquelyn Mills/Canadá/2022/(103′)
Zoe Lucas, naturalista e investigadora autodidacta, lleva más de 40 años viviendo, cuidando y documentando la isla de Sable. Es la única habitante humana de un rico ecosistema donde conviven caballos salvajes, focas, aves e insectos, pero también adonde llegan montañas de residuos plásticos.
Atlantide
Yuri Ancarani/Italia, Francia, EEUU, Rusia, Catar/2021/(100′)
Daniele es un joven de Sant’Erasmo, una isla en los bordes de la laguna de Venecia. Vive al día, aislado incluso de su grupo de amigos, quienes están muy ocupados explorando los placeres de su culto al barchino, una lancha a motor que marca el estatus dentro de este cosmos único. Una obsesión que se materializa en construir motores cada vez más ambiciosos, y así convertir la tranquila laguna en una auténtica pista de carreras acuáticas. Daniele también sueña con romper el récord de velocidad del barchino, algo que le llevará a lo más alto entre su grupo, pero todo lo que hace para conseguirlo se acaba volviendo en su contra.
La vida secreta de los árboles
(Das geheime Leben der Bäume)/Jörg Adolph/Alemania/2021/(96′)
Cuando Peter Wohlleben publicó su libro La vida oculta de los árboles en 2015, irrumpió en todas las listas de éxitos de ventas de la noche a la mañana: nadie había escrito antes sobre los bosques alemanes como el forestal de la parroquia de Wershofen. Wohlleben nos cuenta de una manera entretenida y esclarecedora sobre la solidaridad y la cohesión de los árboles y toca la fibra sensible de su creciente comunidad de lectores: nos acerca a estas asombrosas entidades vivientes en visitas guiadas por el bosque. Wohlleben viaja a Suecia para ver el árbol más antiguo del mundo; visita negocios en Vancouver que buscan un nuevo enfoque sobre cómo tratar los bosques; se pone del lado de los manifestantes en Hambacher Forst. Sabe que los humanos solo podemos sobrevivir si los bosques están sanos, y estamos ante nuestra última oportunidad.
Mastroianni según Mastroianni, tráiler para «Marcello Mio» de Christophe Honoré
Siguen viendo a la luz los primeros avances de algunas de las películas que estarán presentes en la próxima edición del Festival de Cannes compitiendo por la Palma de Oro. Marcello Mio, cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el nuevo trabajo tras las cámaras del realizador francés Christophe Honoré (Les chansons d’amour 2007), Chambre 212 (2019), Le lycéen (2022), en una película que indaga en las complejas relaciones paterno -filiales de los Mastroianni. El film llegará a los cines de Francia el próximo 21 de mayo.
En Marcello Mio vemos como Chiara Mastroianni, presionada por todas partes por la figura de su padre, decide devolverle a la vida a través de sí misma. Se hace llamar Marcello, se viste como él y pide que la consideren ahora un actor, no una actriz. La gente que la rodea cree que se trata de una broma pasajera, pero Chiara está decidida a no renunciar a su nueva identidad.
La película, con guion a cargo del propio Christophe Honoré, está protagonizada por Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve, Fabrice Luchini, Nicole García, Melvil Poupaud, Benjamin Biolay y Stefania Sandrelli.
La versión restaurada de Tasio, presente en el Festival de Cannes, inaugurará la sección Klasikoak del Zinemaldia
El largometraje del director navarro ha sido restaurado por los laboratorios L’immagine Ritrovata de Bolonia.
La película Tasio (Montxo Armendáriz, 1984) ha sido restaurada por la Filmoteca Vasca en los laboratorios L’immagine Ritrovata, dependientes de la Cinemateca de Bolonia, entre octubre y noviembre de 2023. Asimismo, esta obra fundamental de la cinematografía vasca ha sido seleccionada en la sección Classics del Festival de Cannes que se celebrará del 14 al 25 de mayo y donde se verá en 4K. Esta misma copia restaurada de Tasio servirá para inaugurar en septiembre la sección Klasikoak en la 72ª edición del Festival de San Sebastián, certamen donde se estrenó hace 40 años.
El material original, conservado en la Filmoteca Española, viajó a los laboratorios a finales de septiembre. En Bolonia fue revisado y reparado manualmente y se limpió con ultrasonidos. Una vez escaneado fue restaurado digitalmente, se estabilizó la imagen, se eliminaron las rayas y la suciedad.
Finalmente, se acometió la fase de corrección de color y restauración de sonido, trabajos que supervisó en la ciudad italiana el propio Armendáriz. Además, de ese periodo en Bolonia, el conjunto del proceso ha sido controlado por el director navarro y por el personal técnico de la Filmoteca Vasca.
Esta restauración ha sido posible gracias al apoyo económico del departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco y se ha realizado de acuerdo con Enrique Cerezo P.C. propietaria de la cinta.
Tasio ha sido seleccionada en Cannes Classics, la sección del festival galo que recupera títulos clásicos y uno de los más importantes del mundo en este ámbito, junto a películas como Napoleón (Abel Gance, 1927), Gilda (Charles Vidor, 1946), Paris, Texas (Wim Wenders, 1984), Seven Samurai (Los siete samuráis, Akira Kurosawa, 1954), Les parapluies de Cherbourg / The Umbrellas of Cherbourg (Los paraguas de Cherburgo, Jacques Demy, 1964), The Sugarland Express (Loca evasión, Steven Spielberg, 1974) o Quatre nuits d’un rêveur / Four Nights of a Dreamer (Cuatro noches de un soñador, Robert Bresson, 1971).
La Filmoteca Vasca tratará de que esta película icónica del cine vasco se proyecte también en otras citas de referencia en el campo del cine clásico. En septiembre podrá verse en el Festival de San Sebastián, donde inaugurará Klasikoak, la sección que rescata clásicos antiguos y modernos de la historia del cine universal.
Por su parte, la distribuidora francesa Tamasa ha comprado los derechos para proyectarla en las salas del país galo en 2025.
‘TASIO’
La película retrata la vida de Tasio, un niño que vive en un pequeño pueblo de la sierra de Lokiz (Navarra) que a los ocho años empieza a trabajar en el monte y a los 14 ya es carbonero, como su padre. A pesar de que muchos vecinos emigran a la ciudad para tener un trabajo fijo, Tasio prefiere mantener su libertad y vivir en la montaña. La cinta está basada en la vida de Anastasio Ochoa Ruiz (Tasio), carbonero y cazador furtivo que nació en Zúñiga en 1916 y murió en 1989 en el monte Valderrota.
La película contó con un importante elenco técnico y artístico formado por Elías Querejeta (productor), Pablo G. del Amo (montador), Gerardo Vera (director artístico), Ángel Illarramendi (compositor), José Luis Alcaine (director de fotografía), Alfredo Mayo (cámara) y José Luis López-Linares (foto-fija). Por su parte, Patxi Bisquert y Amaia Lasa encarnaron a los protagonistas.
En palabras de Montxo Armendáriz, «Tasio es una película sobre la libertad furtiva, sobre esa libertad escondida en contra de las normas y las convenciones». «Lo que más me interesaba de Tasio era el concepto de la dignidad, orgullo y honor que tenía frente a la sociedad, a pesar de que esa postura pudiera hacerle aparecer como un personaje retrógrado, que está en contra del progreso. Sin embargo, para mí ahora tiene una lectura diferente a la que tenía cuando la hice», añade el realizador.
De su paso por Bolonia, Armendáriz subraya que al entrar en la sala del laboratorio donde restauraban Tasio y contemplar en la pantalla la imagen congelada del fotograma con el título de la película, sintió «de nuevo la misma emoción que el día de su estreno». «La satisfacción de ver un sueño hecho realidad. Y no solo porque rescataba del fotoquímico las imágenes tal como las recordaba, sino también porque con ellas recuperaba trozos de mi propia vida: momentos inolvidables y personas queridas que, con sus luces y sombras, iban surgiendo durante el visionado de cada escena, como si los recuerdos hubieran quedado atrapados en sus fotogramas y se resistiesen también a ser borrados por el paso del tiempo», explica.
Por su parte, el director de la Filmoteca Vasca, Joxean Fernández, ha declarado que con Tasio comienza «nuestro proyecto de restaurar grandes títulos de la cinematografía vasca. Lo hemos hecho además en el que es quizás el mejor laboratorio del mundo para ello (Bolonia) y con la voluntad de introducir internacionalmente el concepto de ‘clásico’ para nuestro cine. El hecho de haber contado en todo el proceso con el trabajo y la complicidad de Montxo Armendáriz da a este trabajo una legitimidad indudable. En definitiva, tenemos la mejor restauración de uno de nuestros mejores títulos en el mejor escaparate: Cannes».
El consejero de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco, Bingen Zupiria, ha afirmado que «ver Tasio en Cannes es una gran noticia ya que sirve para que la cultura vasca gane presencia internacional. Con la incorporación de la película a las tecnologías actuales ponemos nuestro patrimonio al alcance de la sociedad. Es necesario preservar y compartir el patrimonio cultural de un pueblo para asegurar su transmisión a las próximas generaciones. Es lo que hemos querido hacer con Tasio. Restaurarla, adaptarla a las necesidades actuales y ponerla a disposición de la gente. Que se muestre en la sección de clásicos de Cannes para recibir el reconocimiento que merece a nivel internacional es algo grande». El consejero también ha agradecido la labor de la Filmoteca Vasca por su esfuerzo por renovar y cuidar las películas que son historia del cine vasco.
MONTXO ARMENDÁRIZ (OLLETA -NAVARRA-, 1949)
Desde los trece años Montxo Armendáriz (Olleta, Navarra, 1949) tuvo claro que quería hacer cine; sin embargo, estudió electrónica y su primera incursión profesional fue como profesor de esta materia. Armendáriz fue autodidacta y en 1977 gracias a la Asociación de Cineastas Vascos conoció a Fernando Larruquert y Javier Aguirresarobe. El primero ejerció de montador y el segundo fue director de fotografía en el primer cortometraje del cineasta, La danza de lo gracioso (Barregarriaren dantza), que ese año ganó el Mikeldi de Plata en el Festival Internacional de Cortos de Bilbao. Después llegaron muchos más premios gracias a trabajos como: Ikusmena (1980), Ikuska 12 (1981), Carborneros de Navarra (1981), Tasio (1984) -segundo premio en la Sección Oficial y premio Fipresci del Festival de San Sebastián-, 27 horas (1986) -Concha de plata a mejor dirección en el Festival de San Sebastián-, Las cartas de Alou (1990) -Concha de Oro y premio Fipresci en el Festival de San Sebastián-, Historias del Kronen (1995) -sección oficial en el Festival de Cannes y Goya al mejor guion adaptado-, Secretos del corazón (1997) -premio Ángel azul en la Berlinale a la mejor película europea y candidata al Oscar como mejor película de habla no inglesa-, Silencio roto (2001), Escenario móvil (2003), Obaba (2004) -inauguración del 53º Festival de San Sebastián- y No tengas miedo (2011).
Klasikoak, un festival de cine clásico expandido en el tiempo y el espacio
Desde 2024, el Festival de San Sebastián y la Filmoteca Vasca han unido bajo la marca Klasikoak tres programas ya existentes: el ciclo que la Filmoteca Vasca organizaba entre abril y junio junto al Instituto Lumière, la retrospectiva clásica del Festival, que este año estará dedicada al cine policiaco italiano, y la sección Klasikoak del certamen, que proyecta clásicos antiguos y modernos. Este último apartado lo inaugurará la copia restaurada de Tasio.
Así, la iniciativa Klasikoak, que este año constará de más de 120 proyecciones, toma la forma de un festival de cine clásico expandido en el tiempo, entre abril y septiembre, y en el espacio, ya que las películas que la Filmoteca Vasca está ofreciendo en su actual ciclo de primavera se programan en Vitoria-Gasteiz, Bilbao, San Sebastián, Pamplona y San Juan de Luz.
Un reflejo musical, primer tráiler para «Segundo premio» de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez
Acaba de ser presentado un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Isaki Lacuesta, que aquí comparte dirección junto a Pol Rodríguez, Segundo premio. La película, ganadora de la Biznaga de Oro y los premios a la mejor dirección y mejor montaje en el pasado Festival de Málaga, e inspirada libremente en la banda de rock indie Los Planetas, se estrenará en los cines de nuestro país el próximo 24 de mayo.
Segundo premio nos sitúa en Granada de finales de los 90. En plena efervescencia artística y cultural, un grupo de música indie vive su momento más delicado: la bajista rompe con la banda buscando su sitio fuera de la música y el guitarrista está inmerso en una peligrosa espiral de autodestrucción. Mientras, el cantante se enfrenta a un complicado proceso de escritura y grabación de su tercer disco. Nadie sabe que ese disco cambiará para siempre la escena musical de todo el país. Esta (no) es una película sobre los Planetas.
La película, con guion a cargo del propio Isaki Lacuesta junto a Pol Rodríguez, está protagonizada por Daniel Ibáñez, Stephanie Magnin, Cristalino, Mafo (Mario Fernandez), Chesco Ruiz y Eduardo Rejón.
«Sala:B» Vanguardia con B
Delirios de amor: Parpados (Iván Zulueta, 1989). Int.: Marisa Paredes, Eusebio Poncela, Marta Fernández-Muro. España. DCP. Color. 29’
Un parpadeo rojo (Asif Ken, 2024). Int.: Juan Carlos, Salvador Buitrago. España. DCP. Color. 14’
El sexto sentido (Nemesio Sobrevila, 1929). Int: María Anaya, Ricardo Baroja, Faustino Bretaño. España. 35mm. B/N. 79’
Triple sesión y triple salto mortal: tanteamos las relaciones entre el cine de serie B y el cine de vanguardia a lo largo de casi un siglo.
Empezamos por el final: en 1929 con Nemesio Sobrevila y El sexto sentido, un clásico que nos remite a aquellos primeros cine-clubs de Ernesto Giménez Caballero, con quien inauguramos en 2017 «Sala:B», un cine-club muy inspirado por ellos. Como explica nuestro invitado el crítico cultural Javier Mateo “cuando filma El sexto sentido, Sobrevila es consciente de ‘sinfonías urbanas’ cinematográficas como las de Walter Ruttman o Dziga Vertov. El protagonista de su historia, el sabio Kamus, representa con su nombre y apariencia estrafalaria un trasunto de los creadores de vanguardia rusos y alemanes, que van del postexpresionismo a la nueva objetividad y, sobre todo, a la idea de cine puro o de cine-ojo.” Y a la vez, Sobrevila, como Giménez Caballero, no pierde de vista lo popular y hasta lo castizo, incorporando sus referencias vanguardistas en un modelo más cercano y costumbrista, en este caso el melodrama romántico de Carmen, su prometido Carlos y su amigo León, que van a los toros y tienen sus malentendidos y sus tontunas. Podría parecer que Sobrevila está parodiando las vanguardias (él hablaba de “cine de retaguardia”), pero también podemos verlo al revés, como una parodia del cine popular español mojigato, incapaz de mirar a la vanguardia si no es en broma.
Saltamos a 1989 con Párpados de Iván Zulueta, porque sería demasiado fácil poner Arrebato, que reinventaba El sexto sentido en el costumbrismo posmoderno madrileño. Párpados es un episodio de la serie de TVE Delirios de amor, rodado en 16 mm y con extensión de mediometraje. Como Sobrevila, Zulueta era otro practicante de la vanguardia por la vía de lo popular, desde el cine de terror al pop juvenil, y en Párpados practica una especie de comic underground con sus imágenes y actores fetiche para desplegar “un juego de espejos en el que las identidades llegan a fundirse, recordándonos a Persona de Bergman”, según Javier Mateo.
Y, para empezar, el muy reciente corto Un parpadeo rojo de Asif Ken Fernandes, que también aúna cine de género con lenguajes nada convencionales. Tres generaciones lejanas en el tiempo pero no tanto en su visión expandida del cine de serie B.
Presentan la sesión el director Asif Ken Fernandes, Javier Mateo Hidalgo, autor del libro De la llegada en tren a la salida en caravana: 126 hitos de la historia del cine y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 137’)
Stanley Kubrick: una odisea creativa
Transcurridos veinticinco años desde la muerte de Stanley Kubrick (1928-1999) su cine sigue siendo materia de análisis y de estudio para las nuevas generaciones que descubren las excelencias de un realizador que supo ganarse el respeto, cuando no la admiración, de la industria cinematográfica, de la crítica y de los espectadores en términos generales a lo largo de su actividad profesional, sobre todo a partir de la presentación en sociedad de 2001: una odisea del espacio (1968). En el mismo año del deceso de Kubrick apareció en el mercado editorial en lengua española una monografía sobre el director neoyorquino dentro de la colección «Serie Mayor» de Dirigido por. siendo al cabo del tiempo uno de los libros más vendidos en nuestro país bajo el epígrafe «Cine». La presente edición de Stanley Kubrick: una odisea creativa viene a representar una versión ampliada y corregida, en la que tiene cabida un ensayo en torno a uno de los proyectos que acarició durante bastante años, el de A. I. (Inteligencia Artificial), dirigido a la postre por Steven Spielberg, además de la inclusión de un apartado reservado en exclusiva a la variopinta relación de documentales fechados en lo que llevamos de siglo (XXI) con el denominador común de su figura como cineasta y asimismo de su dimensión humana. Todo ello contenido en una edición de lujo que tiene al gran cineasta australiano Peter Weir como prologuista de excepción.
El autor
Christian Aguilera. Nació el 18 de diciembre de 1967, en Barcelona. Licenciado en Ciencias Biológicas. Es autor de un buen número de libros de cine: Los directores de cine del siglo XX (1999), La generación de la televisión: la conciencia liberal del cine americano (2000), Los actores de los Oscar (1927-2003) (2003), Milos Forman: el cineasta del inconformismo (2006), Joseph L. Mankiewicz: un renacentista en Hollywood (2009), El mundo de la ciencia: 50 películas esenciales (2017), Barbara stanwyck: una gran señora de Hollywood (2015), Fred Zinnemann (2020), Robert Altman: al otro lado de Hollywood (2020), John Frankenheimer: un francotirador en Hollywood (2021), Peter Weir: un mundo aparte (2021), Sidney Lumet: una conciencia progresista (2023) y Robert Mulligan: adiós a la inocencia (2023), y coautor de Historia del cine británico (2013). Asimismo, creó en 2001 el portal www.cinearchivo.com (luego reformulada en www.cinearchivo.net hasta finales de 2023) y es autor de El enigma Haldane (2011), su primera novela. Asimismo ha publicado diversos libros sobre compositores de cine (Jerry Goldsmith, Bernard Herrmann, John Williams y John Scott), uno sobre Neil Young y el díptico Historia del rock sinfónico e Historia del neo-rock progresivo (1982-2016). La monografía Jerry Goldsmith: A Musical Chameleon (2022) representa su primer libro publicado en inglés. Actualmente prepara su segunda novela, El doctor y el monstruo, ambientada en la época victoriana.
Incluye un artículo/ensayo sobre los dos grandes proyectos frustrados de Stanley Kubrick (Napoleón y A. I. (Inteligencia Artificial)), un apartado dedicado a la música en el cine de Stanley Kubrick escrito por Jaume Carreras, una sección dedicada a los documentales en torno a Stanley Kubrick fechados en el siglo XXI, la discografía, las fichas de sus películas, y un índice onomástico y de películas con más de 1.000 entradas.
Autor: Christian Aguilera, Ilustraciones: Miki Edge, Editorial: Kane Ediciones, Colección Antologías nº 4, Páginas: 414
Los demonios interiores de Russell Crowe, tráiler para «The Exorcism» de Joshua John Miller
Acaba de ver la luz un primer adelanto, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del film de terror The Exorcism. La película, que supone el debut tras las cámaras de Joshua John Miller, guionista de The Final Girls (2015) e hijo del actor Jason Miller, se estrenará en nuestro país el próximo 31 de mayo de 2024, a los cines de Estados Unidos llegará una semana después, el 7 de junio.
The Exorcism nos cuenta como Anthony Miller es un actor con problemas que empieza a desmoronarse mentalmente durante el rodaje de una película de terror sobrenatural. Su distante hija se pregunta si su padre está volviendo a sus adicciones del pasado o si hay algo más siniestro está detrás de un comportamiento tan errático.
La película, conocida anteriormente con el título de The Georgetown Project, cuenta con un guion a cargo del propio Joshua John Miller junto a M.A. Fortin, estando protagonizada por Russell Crowe, Ryan Simpkins, Sam Worthington, Chloe Bailey, Adam Goldberg, David Hyde Pierce, Samantha Mathis, Adrian Pasdar, Tracey Bonner, Chris TC Edge, Hannah Black, Robert Fortunato y David Pascua.
Filmin estrena «Davos 1917», la serie más cara de la televisión suiza
El próximo martes 30 de abril llega a Filmin esta nueva serie de época que es la producción suiza más costosa de la historia.
El próximo martes 30 de abril Filmin estrenará «Davos 1917», una coproducción suizo-alemana liderada por tres directores: Jan-Eric Mack, Anca Miruna Lăzăresc y Christian Theede. Se trata de una serie basada en hechos reales ambientada en la Primera Guerra Mundial, en concreto en Davos, una ciudad suiza con un famoso sanatorio que mantenía una relativa paz durante la Guerra. «Davos 1917» fue reconocida en los Schweizer Fernsehfilmpreis, los premios de la televisión suiza, con el galardón a la Mejor Actriz Protagonista ganado por Dominique Davenport («Sisi»).
Davenport da vida a Johanna Gabathuler, una joven enfermera del sanatorio de Davos que está embarazada de un soldado alemán. Para mantener su honra, su familia le fuerza a dar a luz en secreto y, al nacer su hija, se la arrebatan. Al intentar recuperarla, Johanna se ve envuelta en una conspiración de espionaje de la mano de su paciente y mentora, la Condesa Ilse Von Hausner (Jeanette Hain), una mujer rica, divorciada e independiente, ingresada en este hospital. El personaje de la Condesa está inspirado en una figura histórica real, Mata Hari, la famosa bailarina exótica y espía neerlandesa que conquistó a los militares más importantes de la Gran Guerra hasta ser condenada a muerte en 1917. La propia Jeanette Hain describe asi al personaje: “Escribe sus propias normas. Es manipuladora. Es una condesa pero también una espía. Tiene muchas facetas. Es un misterio”.
Adrien Illien, uno de los escritores de la serie, explica que la idea surgió al leer «La montaña mágica», de Thomas Mann, que habla precisamente sobre este sanatorio en Davos, oasis en mitad del enfrentamiento: “Luego descubrimos que, en países neutrales como Suiza, existían grandes redes de espionaje ya que resultaba más fácil moverse entre frentes. Élites de todo el mundo iban a ese lugar a curarse de la tuberculosis. Pensamos que ese hervidero de nacionalidades era interesante”. El director, Jan-Eric Mack, recalca la controversia que supone Davos: “Fabricaba armas a la par que acogía a heridos de guerra, todo para ambos bandos”. Por todo esto, Davos es el entorno ideal para ambientar esta historia ya que, al reunir estas condiciones, era un paraíso para los espías.
Teaser tráiler para «Cloud» de Kiyoshi Kurosawa
Si hace pocos días nos hacíamos eco del primer avance de Serpent’s Path ahora es turno para otro de los trabajos que el realizador japonés Kiyoshi Kurosawa presentará en este 2024. Cloud, cuyo primer teaser tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a dos de sus carteles oficiales, tiene previsto un estreno comercial en Japón para el próximo 27 de septiembre de 2024.
Según declaraciones del responsable de Kairo en relación a Cloud, “En los rincones más oscuros del Japón actual, a veces ocurren incidentes violentos sin aparente motivo alguno. Cuando se investigan las causas, se hace evidente que existe una especie de sistema a través del cual internet acumula y exagera pequeños rencores y frustraciones. Me pregunté si un fenómeno así serviría como tema para una película de acción y comencé a desarrollar este proyecto”.
Kiyoshi Kurosawa también añade: “El protagonista de la película es un hombre extremadamente normal que, a través de sus pequeños planes para ganar dinero, desea obtener incluso la más mínima ventaja sobre los demás. En la historia, descuidadamente provoca la ira de quienes lo rodean y, finalmente, se ve arrastrado a una batalla que pondrá su vida en peligro”.
En Cloud vemos como un joven gana dinero mediante la reventa de objetos por internet, mientras tanto a su alrededor ocurren sucesos sospechosos que hacen que su vida cotidiana se vea repentinamente alterada.
La película, con guion a cargo del propio Kiyoshi Kurosawa, está protagonizada por Masaki Suda, Kotone Furukawa, Daiken Okudaira, Amane Okayama, Yosiyoshi Arakawa y Masataka Kubota.
Proyecciones Xcèntric: Alegoría Africana
En un barrio viejo (Nicolás Guillén Landrián, 1963)
Esta sesión propone un diálogo en torno a la obra singular de tres cineastas de la diáspora africana en el Caribe y los Estados Unidos. Las películas de Zeinabu Irene Davis, Nicolás Guillén Landrián y Ben Caldwell se inscriben en una historia del cine experimental como proyecto emancipador y subversivo. A través de la alegoría y el baile, el trance espiritual y el trauma colonial, construyen espacios de imaginación para la memoria afrodescendiente y la búsqueda de su representación.
Influenciados por el Tercer Cine de América Latina y África, los cineastas del movimiento L.A. Rebellion, también conocido como Los Angeles School of Black Filmmakers, se formaron en la UCLA (University of California Los Angeles) desde finales de los sesenta (Ben Caldwell) hasta mediados de los ochenta (Zeinabu Irene Davis). En Cycles (1989), su película de tesis, Davis explora las rutinas de una mujer negra que espera la menstruación, planteando el espacio doméstico como un lugar de autoconocimiento y liberación personal. Los rituales de la vida cotidiana se entrelazan en el sueño con un ritual vudú que celebra la belleza y la creatividad. Tanto en Medea (1973) como en I & I: An African Allegory (1979), Caldwell propone un «contra-archivo audiovisual negro» de fotografías, ilustraciones etnográficas, imágenes escenificadas y documentales, cantos y poemas, historias orales, música y creaciones sonoras afroamericanas, a través de un intenso trabajo de collage fílmico. Como afirmó, «tenemos que hacer que las herramientas trabajen para nuestra historia (…), por eso acabé viendo el cine como una forma de emancipar la imagen».
El eje central de la sesión es el irreverente y reflexivo cineasta afrocubano Nicolás Guillén Landrián. Con más de 21 documentales y rompiendo con las formas de representación dominantes, Landrián disocia radicalmente imagen, sonido y palabra escrita en sus películas, alejándose del documental didáctico tradicional y ofreciendo, a su vez, una aproximación lírica a la cultura popular revolucionaria desde un lugar ambiguo e indeterminado. Los del baile (1965), En un barrio viejo (1963) y Coffea Arábiga (1968) son ejemplos de una expresión personal que le costó la acusación y encarcelamiento por «desviación ideológica», la expulsión del ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos), la posterior censura de su filmografía y, finalmente, su exilio a los Estados Unidos en el año 1989.
Cycles, Zeinabu Irene Davis, 1989, 16 mm a digital, 18’, VOSC; Medea, Ben Caldwell, 1973, 16 mm a digital, 7’, VOSC; Los del baile, Nicolás Guillén Landrián, 1965, 35 mm a DCP, 7’; En un barrio viejo, Nicolás Guillén Landrián, 1963, 35 mm a DCP, 9’; Coffea Arábiga, Nicolás Guillén Landrián, 1968, 35 mm a DCP, 19’; I & I: An African Allegory, Ben Caldwell, 1979, 16 mm a digital, 32’, VOSC.
Proyección en digital y DCP.
Fecha: 26 mayo 2024
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Un viaje emocional, primer tráiler para «Grand Tour» de Miguel Gomes
Acaba de ser presentado vía The Match Factory un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador luso Miguel Gomes titulado Grand Tour. La nueva película del responsable de Tabu (2012), The Tsugua Diaries (2021) y la trilogía Arabian Nights (2015) entre otras, estará dentro de unas semanas presente en la próxima edición del Festival de Cannes compitiendo por la Palma de Oro.
Grand Tour nos cuenta como Edward es un funcionario que huye repentinamente de su novia Molly el día de su boda en Rangún, 1917. Sus viajes sustituyen el pánico por la melancolía. Sin embargo Molly, decidida a casarse y al mismo tiempo intrigada por la huida de su prometido, le sigue a través de Asia.
La película, con guion a cargo del propio Miguel Gomes junto a Telmo Churro, Telmo Churro, Maureen Fazendeiro, Mariana Ricardo y Babu Targino, está protagonizada por Jani Zhao, Gonçalo Waddington, João Pedro Vaz, Teresa Madruga, Manuela Couto, Crista Alfaiate, Lang Khê Tran, Diogo Dória, Cláudio da Silva, Américo Silva, João Pedro Bénard, Jorge Andrade, Joana Bárcia, André Lourido y Giacomo Leone.
https://youtu.be/yDu2fLuDzjg?si=_aqtJRyoxGhDRsOq
«Les chambres rouges» review
El sonado caso del asesino en serie Ludovic Chevalier acaba de llegar a juicio y Kelly-Anne está obsesionada. Cuando la realidad se mezcla con sus fantasías morbosas, se adentra en un oscuro camino para buscar la última pieza del rompecabezas: el vídeo desaparecido de una niña de 13 años asesinada, con la que Kelly-Anne guarda un inquietante parecido.
Una de las propuestas que destacaron por encima del resto de películas presentes en la Sección Oficial a concurso en la pasada edición del Festival de Sitges fue la cinta canadiense Les chambres rouges, film que transita por sendas nada convencionales, y que pervierte conceptos tales como el drama judicial, las serial killer groupies y las derivaciones del true crime, mediante la fascinante disección de un personaje sumido en la obsesión. Al igual que pasaba en Kissed (1996) o Dans ma peau (2002), por poner solo dos ejemplos, en Les chambres rouges asistimos al desarrollo de una oscura patología que conforme avanza ennegrece, con relación a una historia que tiene la gran virtud en lo concerniente a su narrativa de estar continuamente incumpliendo las expectativas del espectador, a través de una serie de sendas en donde sus protagonistas descubren que hay lugares que una vez que los visitas, es muy difícil volver.
La película de Pascal Plante, que incorpora a la trama un interesante foco de atención en la tecnología, termina siendo un fascinante thriller autoral de oblicua sensibilidad que cobra especial vigencia en unos tiempos marcados por el voyerismo morboso y el capitalismo de vigilancia. Relato que comienza con una disección del tropo del asesino en serie, evolucionando hacia un psicodrama centrado en dos mujeres que orbitan en una historia que canaliza hábilmente la esencia del horror social anexo a internet y el concepto de la perversidad de la imagen, funcionando también como estudio sobre la preocupación enfermiza de la sociedad actual por el mal. Síntesis que nos deriva a que parte del atractivo que subyace en Les chambres rouges no lo encontremos en sus imágenes, sino en algo que se pierde entre ellas. En esa forma de operar posiblemente se establezca la gran virtud del film de Pascal Plante, el negar al espectador sistemáticamente géneros pero sin llegar a abandonarlos del todo.
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Periodismo deportivo de cine
Ética de la profesión a través de su reflejo en la pantalla y sus códigos
Un análisis completo y riguroso sobre la ética en el periodismo deportivo que contribuye a la profesionalización de una especialidad informativa siempre bajo sospecha.- El periodismo deportivo siempre ha sido considerado el patito feo de las ciencias de la información. De ahí la necesidad de un análisis completo y riguroso sobre su ética que contribuya a su profesionalización. En este ensayo novedoso, se analizan más de treinta películas y series que ofrecen ejemplos a partir de los cuales se abordan los problemas éticos inherentes a la profesión. El catálogo abarca desde clásicos de Hollywood de la talla de El orgullo de los Yanquis (1942), protagonizado por Gary Cooper, o Más dura será la caída (1956), con Humphrey Bogart, hasta series recientes como Ted Lasso, de Jason Sudeikis (2020), o la española Reyes de la noche (2021), con Javier Gutiérrez. Además, para completar la perspectiva se incluyen también casos prácticos extraídos de la prensa, la radio, la televisión e internet. El resultado de esta investigación subraya la responsabilidad del periodista hacia el público, las fuentes y los referentes informativos, así como la integridad profesional y el prestigio del colectivo periodístico. Este libro dotará de nuevas herramientas a los interesados en hacer un periodismo deportivo de cine, así como a los fans del deporte que deseen ser informados de forma honesta y veraz.
Autor: Javier Montero, Editorial: MELUSINA, Páginas: 224
«Cinéma Laika»: El pequeño gran cine de Aki Kaurismäki
El célebre director finlandés ha construido un cine en su pueblo de 9.000 habitantes, y este documental, que llega a Filmin el 26 de abril, nos cuenta su historia.
Filmin estrena el próximo viernes 26 de abril, en exclusiva en España, el documental «Cinéma Laika», dirigido por el croata afincado en Francia Veljko Vidak. La película recorre el proceso de construcción del Kino Laika, una sala de cine construida en una antigua fábrica en Karkkila, un pueblo finlandés de apenas 9.000 habitantes. Los principales impulsores del proyecto son Aki Kaurismäki, seguramente el director más importante de la historia del cine finlandés, y su amigo y poeta Mika Lätti. La película se deja imbuir por el espíritu de Kaurismäki hasta el punto de que algunas escenas parecen directamente sacadas de sus películas. Su presencia sobrevuela todo el metraje aunque el director tarda bastante en aparecer, para atender finalmente una larga entrevista en la que habla de coches, perros y de la vida en general.
El Kino Laika no es la primera sala de cine que posee Kaurismäki en Finlandia. En 2019 cerró su Kino Andorra, un cine en Helsinki cuyo edificio fue absorbido por una empresa hotelera. En Karkkila viven desde hace décadas el propio Kaurismäki y Mika Latti, que sentían que le debían algo al pueblo: «Para ver películas, los vecinos tenían que viajar a la ciudad más cercana o incluso a Helsinki. Ya no, y es maravilloso ofrecerles esta oportunidad«, explica el cineasta.
La película y el cine adoptan el nombre de la perra que viajó al espacio, pero lo de Laika viene de más lejos. El amigo y antiguo colaborador de Kaurismäki, Peter von Bagh, siempre soñó con la existencia de un cine llamado Laika. Laika es además el nombre de la perrita del director que interpretó personaje canino en sus películas «La vida de bohemia» y «El Havre». «En los últimos 40 años siempre hemos tenido perros. Sin perros, la casa está vacía. Y en las películas, son unos robaescenas«, bromea Kaurismäki. Y Alma, la perrita que aparece en «Fallen Leaves», su última película, ganó el Gran Premio del Jurado en la Palm Dog del Festival de Cannes, un galardón que se otorga a los mejores intérpretes caninos del festival francés.
Kaurismäki no es la única celebridad que aparece en «Cinéma Laika». Su gran amigo Jim Jarmusch, director de películas como «Noche en la Tierra» o «Paterson», también es entrevistado por los responsables del documental, y aporta su mirada sobre la figura del director finlandés. Los espectadores que disfrutaron de «Fallen Leaves» también indentificarán a las dos componentes del grupo musical Maustetytöt, las hermanas Anna y Kaisa Karjalainen, que tras el éxito de la película, en la que interpretan la canción «Syntynyt suruun ja puettu pettymyksin», se han hecho un nombre en la escena indie internacional e incluso forman parte del cartel de este año del Primavera Sound.
El también director de cine de Karkkila, Mikko Myllylahti, tiene claro cuál es el encanto del Kino Laika: «Lo significativo y singular de este cine es que está en medio del campo. Se podría pensar que el cine de autor no puede sobrevivir aquí, pero ocurre exactamente lo contrario. Laika es muy popular entre los forasteros y los lugareños«. Y un dato corrobora ese interés de los espectadores del Laika por el cine de autor: El cine se inauguró con «Compartimento Nº 6», del también finlandés Juho Kuosmanen. Y la película recaudó más que «Sin tiempo para morir», la última entrega de la saga James Bond.
El circulo de la venganza, tráiler para «Serpent’s Path» de Kiyoshi Kurosawa
Los fans del realizador japonés Kiyoshi Kurosawa están de enhorabuena, cuatro años después de su drama de época Wife of a Spy el responsable de Kairo estrenará tres títulos en este 2024, el mediometraje Chime, Cloud y Serpent’s Path, película cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Remake de su propio film rodado en 1998, Kiyoshi Kurosawa vuelve, al igual que en Le secret de la chambre noire (2016), a filmar en Francia una película cuyo estreno comercial en tierras galas está previsto para el próximo 14 de junio.
En Serpent’s Path vemos como Albert Bacheret, un hombre sumergido por la violencia, une fuerzas con Sayoko, para poder encontrar y matar a los culpables de la muerte de su hija de ocho años. Sayoko sin embargo, que lidera su propia misión de venganza, corre el riesgo de volverse contra Albert en cualquier momento. Al mismo tiempo Sayoko Mijima, una terapeuta japonesa afincada en París, ayuda a Albert a encontrar a los miembros del Círculo, una misteriosa asociación involucrada en el tráfico de órganos de niños. Juntos, secuestran a varios sospechosos y los encierran en un almacén para extraerles información. Entre la búsqueda de la verdad y la sed de venganza, el dúo pronto se verá atrapado en una peligrosa espiral.
La película, con guion a cargo del propio Kiyoshi Kurosawa junto a Hiroshi Takahashi, está protagonizada por Kou Shibasaki, Damien Bonnard, Mathieu Amalric y Hidetoshi Nishijima.
La Casa del Cine. Escuela de verano: Tendencias del cine contemporáneo
La reformulación de los géneros, el cuestionamiento de las autorías o la influencia de las nuevas tecnologías, por poner algunos ejemplos, son cuestiones que atraviesan, determinan y condicionan la producción cinematográfica actual. Es necesario, por tanto, tenerlas en cuenta a la hora de abordar cualquier texto fílmico. En este sentido, el curso de verano sobre Tendencias del cine contemporáneo, organizado conjuntamente por LCDC y la Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC), tiene por objetivo dotar al alumnado de las herramientas para identificar las posibles mutaciones del cine y desarrollar un discurso crítico propio.
Este curso tiene un carácter teórico-práctico que se organiza a través de un itinerario doble. Por un lado, habrá una serie de sesiones dedicadas a distintos cineastas cuya obra se situará dentro de una tendencia concreta del cine contemporáneo, en las que también veremos cómo se ha acercado la crítica a cada autor. Luego, a lo largo de varias sesiones en forma de taller, el alumnado podrá desarrollar su propia capacidad crítica mediante la escritura.
Semana 1: Zack Snyder, Dennis Villeneuve, Todd Haynes. Taller práctico 1 y 2. Cada día una proyección.
Semana 2: Julia Ducornau, David Lynch, Joanna Hogg. Taller práctico 3 y 4. Cada día una proyección.
Semana 3: Tsai Ming-Liang, Neus Ballús, Ramon Lluis Bande-Carolina Astudillo. Taller práctico 5 y 6. Cada día una proyección.
Semana 4: Guy Maddin, Adam Curtis, Stephen Broomer. Taller práctico 7 y 8. Cada día una proyección.
Docentes
Fco. Javier Millán, Antonio José Navarro, Ramón Alfonso, Daniel Pérez Pamies, Jesús González Notario, Eulàlia Iglesias, Marla Jacarilla, Ignasi Franch, Mariana Freijomil, Mireia Iniesta, Guillermo Triguero, Paula A. Ruiz, Vanessa Agudo, Esteve Plantada.
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Fechas: del 1 al 26 de julio 2024
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Horario: 9h a 14h
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Precio: 700€
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Con la insripción un código de filmin gratis (mensual)
Programa
https://lacasadelcine.es/wp-content/uploads/2023/04/Escuela-de-verano-2024.pdf
El asesino que hay en mí, primer tráiler para «Trap» de M. Night Shyamalan
Acaba de ser presentado en sociedad vía Warner Bros. un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del nuevo trabajo tras las cámaras de M. Night Shyamalan titulado Trap. La película se estrenará en los cines de Estados Unidos y España el próximo 9 de agosto.
En Trap vemos como un padre junto a su hija adolescente asisten a un concierto de música pop que se celebra en un gran recinto deportivo. Una vez allí se dan cuenta de que están en el centro de un oscuro y siniestro suceso que resulta no ser otro que arrinconar a un peligroso asesino en serie. Sin embargo, el giro de la historia desvela que es el propio padre de la joven el asesino en serie que está siendo buscado, por lo que ahora este deberá encontrar la manera de salir airoso del recinto esquivando el estricto control policial.
La película, con guion a cargo del propio M. Night Shyamalan, está protagonizada por Josh Hartnett, Saleka, Hayley Mills, Marnie McPhail, Vanessa Smythe, Joseph Daly, Kristi Woods, Cali Erlichman, Valentina Theresa, Karina Grzella, Kristopher Grzella, Nicholas DeCoulos y Daniel Ryan-Astley.
Tráiler para «Twilight of the Warriors: Walled In», lo nuevo de Soi Cheang
Con menos de un mes para el inicio del Festival de Cannes, empieza a ver la luz algunos adelantos de las películas que estarán presentes este año en la Croisette. Dentro de la sección Midnight Screenings se podrá ver la cinta de artes marciales Twilight of the Warriors: Walled In, película cuyo primer tráiler acaba de ser presentado y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, dirigida por Soi Cheang, Dog Bite Dog (2016), Accident (2019), Limbo (2021), adaptación del comic City of Darkness de Andy Seto, se estrenará en Hong Kong y China el próximo 1 de mayo.
Twilight of the Warriors: Walled In sigue a Chan Lok-kwun, un joven que deambula y cruza las fronteras de la ciudad amurallada de Kowloon, un enclave chino situado en los territorios británicos de Hong Kong. Allí descubrirá el orden en medio del caos, aprendiendo importantes lecciones de vida. En dicho lugar se hará amigo íntimo de Shin, ambos, bajo el liderazgo de Tornado, intentaran frenar la invasión del malvado Mr. Big a través de una serie de feroces batallas. Juntos, prometen proteger la ciudad amurallada de Kowloon.
La película, con guion a cargo de Au Kin-Yee, Chan Tai-Lee, Li Jun y Kwan-Sin Shum, está protagonizada por Sammo Hung, Louis Koo, Philip Ng, Richie Ren, Raymond Lam, Fish Liew, Pak Hon Chu, Kenny Wong, Cecilia Choi, Tony Wu, Chun-Him Lau y Man Kit Cheung.
Line-up del Fantastic7 2024
Fantastic 7, el evento que celebra las grandes películas fantásticas por venir de todo el mundo, regresará este año al Marché du Film – Festival de Cannes, presentando una nueva selección de títulos. En esta ocasión celebrará su sexta edición, organizada por Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya y el Marché du Film.
Cada año, siete festivales de cine de renombre, reconocidos por su compromiso a la hora de apoyar películas de género innovadoras y fomentar talentos cinematográficos, respaldan cada uno un proyecto cinematográfico fantástico que se exhibirá en Cannes en el Marché du Film. Estos prometedores trabajos en progreso (en varias etapas de postproducción) son presentados por los equipos de realización durante una sesión de presentación en vivo, diseñada para reforzar sus proyectos cinematográficos y conectarlos con posibles inversores, agentes de ventas y distribuidores.
Continuando con su tradición, Fantastic 7 elige anualmente a una figura notable de la industria para que actúe como el Padrino/Madrina Fantástico del evento. Este año, el honor recaerá en el guionista, productor y director tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo, una figura fundamental a la hora de entender la última ola de cine español de género que ha cautivado al público mundial durante las últimas décadas. El impresionante currículum de Fresnadillo incluye películas como ‘Esposados’, ‘Intacto’, ‘28 semanas después’, ‘Intruders’ y, más recientemente, el nuevo éxito global de Netflix, ‘Damsel’.
Fresnadillo se unirá a una audiencia diversa de profesionales de la industria y entusiastas del cine de género en la muestra Fantastic 7, que tendrá lugar el domingo 19 de mayo a las 12:00 horas (Palais K, Palais des Festivals).
La selección de películas presentada abarca una multitud de géneros, desde el romance hasta la ciencia ficción, el terror y la aventura, entre otros, al tiempo que aborda temas desafiantes como lidiar con el duelo, el poder de la imaginación, enfrentar el estigma de las enfermedades y navegar entre malentendidos culturales… todo esto aderezado con toques de realismo mágico, intenso drama psicológico, humor irónico y evocador folklore histórico.
LA SELECCIÓN DE 2024
DANIELA FOREVER | de Nacho Vigalondo
Género: Romántico / Fantasía
Nicolas está pasando por el momento más difícil de su vida, pues su novia murió recientemente en un inesperado accidente de tráfico. Hasta que se le ofrece la oportunidad de probar un medicamento, una pastilla que le permitirá tener un control total sobre sus sueños. Ahora podrá soñar con una relación en la que sean más felices que nunca.
Presentada por Sitges – Fantastic Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya
ESPER’S LIGHT | de Jae-hoon Jung
Género: Documental fantástico sobre la adolescencia / Ciencia-ficción / Terror / Aventuras
Una decena de adolescentes viven en un mundo donde cualquiera puede ser quien quiera y crear la historia que desee. En medio de la noche oscura de la ciudad de Lisan, el bosque de Alstroemeria y la isla Ashua, sus historias imaginadas fluyen a través de innumerables opciones, buscando débiles destellos de luz.
Presentada por Bucheon International Fantastic Film Festival
A TALE OF A FEATHER & A FISH | de Ahmed El-Hawarey
Género: Misterio / Drama / Realismo mágico / Discapacidades
Mahmoud y Laila heredan una rara enfermedad genética que causa una parálisis severa, lo que ha dejado a su familia en un círculo interminable de dudas y miedo, buscando desesperadamente la salvación, que encuentran en abundancia a través de los protagonistas.
Presentada por El Cairo International Film Festival
MALEFICARUM | de Antonio Gäehd
Género: Terror / Drama
En las profundidades del desierto, Delia, una adolescente vengativa, convoca a un antiguo rey que le otorga una corona de siete llamas, cargada de siete maldiciones, para usar contra las chicas que la han acosado a ella y a su amiga durante años.
Presentada por Guadalajara International Film Festival
MOMMY’S HOME | de James Morosini
Género: Terror / Comedia / Ciencia-ficción / Thriller erótico
Una comedia de terror sobre un padre joven cuya vida da un vuelco cuando su joven madre, resucitada como una atractiva joven de 24 años, desata el caos en su familia, su matrimonio y su cordura.
Presentada por SXSW South by Southwest Film & TV Festival
DOG OF GOD | de Raitis & Lauris Ābele
Género: Folk Horror
En un pueblo sueco de Livonia del siglo XVII, prevalecen la lluvia y la embriaguez constantes. Cuando una reliquia robada genera acusaciones de brujería, un autoproclamado hombre lobo de 80 años llamado Perro de Dios llega con un regalo misterioso: Las Bolas del Diablo.
Presentada por PÖFF – Tallinn Black Nights Film Festival
FOREIGN BODY | de Tom Sainsbury
Género: Terror psicológico
Un estudiante europeo en su año sabático se muda con una familia de Nueva Zelanda para experimentar su «cultura», pero rápidamente descubre la verdad psicológicamente dañada y peligrosa detrás de sus educadas sonrisas y su cálida hospitalidad.
Presentada por New Zealand International Film Festival
David Perlov. La imagen bisagra como pensamiento cinematográfico intersticial
