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«En el Adamant», Oso de Oro en el Festival de Berlín, llega a Filmin tras su paso por los cines

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Nicolas Philibert ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín gracias a este documental sobre salud mental que llega a Filmin el 22 de marzo.
Filmin estrena el próximo viernes 22 de marzo, en exclusiva en plataformas digitales, el documental «En el Adamant», del director francés Nicolas Philibert («Ser y tener»). La película ganó el Oro de Oro a la Mejor Película del Festival de Berlín en 2023, lo que ha supuesto el mayor reconocimiento internacional para su director hasta la fecha. Además, fue nominada al premio al Mejor Documental en los Premios del Cine Europeo.

«En el Adamant» reflexiona sobre el lugar que tiene reservada la sociedad para las personas neurodiversas dentro de un sistema de salud cada vez más desgastado, como es el francés. El Adamant es un barco amarrado en el Muelle de la Rapée, en la orilla derecha del río Sena, que ejerce como una de las sedes del Centro Psicológico del Hospital Esquirol de París. Una suerte de centro social en el que se buscan nuevas vías terapéuticas para tratar los problemas de Salud Mental, con un enfoque radicalmente distinto al de la psiquiatría tradicional. En el Adamant se organizan numerosos talleres: de costura, música, lectura, cineclub, escritura, dibujo y pintura, relajación, marroquinería, elaboración de mermeladas… aunque los asistentes pueden simplemente pasear por el espacio o tomarse un café, acudir al centro a diario o hacerlo de manera esporádica. Los propios pacientes intervienen de una manera activa en un proceso de sanación que presta atención permanente a sus vidas cotidianas. Frente al deterioro y la deshumanizacion de la psiquiatría moderna, el Adamant emerge como un espacio único de resistencia en el que pacientes y cuidadores construyen su vida día a día.

Philibert define el Adamant como «un lugar abierto sobre la vida que tiene como misión intentar devolver a los pacientes un poco de impulso, reestructurar su vínculo con el mundo cuando a menudo se encierran en sí mismos y no tienen ganas de salir de allí«. El director explica que algunos de los pacientes del Adamant han encontrado un equilibrio en sus vidas y logran convivir con su enfermedad: «Quería que el espectador perdiera un poco esos clichés que todos tenemos sobre la enfermedad psíquica: la violencia, los gritos, etc. No es así todo el tiempo y de eso trata la película: cambiar un poco la imagen y las representaciones que tenemos a menudo de la locura”.

En la última edición del Festival de Berlín, Philibert ha presentado «Averroès & Rosa Parks«, suerte de secuela de «En el Adamant» que sigue explorando otras unidades especializadas en salud mental del parisino Hospital Esquirol. Filmin ha adquirido los derechos de distribución de esta película, que llegará a la plataforma en los próximos meses.

Un futuro inhabitable, primer tráiler para «Breathe» de Stefon Bristol

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Acaba de ver la luz un primer adelanto, en forma de tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta de acción post-apocalíptica Breathe. Dirigida por Stefon Bristol, See You Yesterday (2019), la película tendrá un estreno limitado en cines de Estados Unidos y VOD previsto para el próximo 26 de abril de 2024.
En Breathe vemos como una madre y su hija se ven obligadas a vivir bajo tierra después de que el planeta haya quedado inhabitable debido a la falta de oxígeno. Tan solo viajan a la superficie por necesidad y gracias a un codiciado traje de oxígeno de última generación fabricado por el marido de ambas, a quien se da por muerto. Un día llega una misteriosa pareja que dice conocer el destino de dicho hombre. Madre e hija aceptan dejarlos entrar en su búnker, pero estos visitantes no son quienes dicen ser, con lo que tendrán que acabar luchando por su supervivencia.
La película, con guion a cargo Doug Simon, está protagonizada por Milla Jovovich, Jennifer Hudson, Sam Worthington, Quvenzhane Wallis, Common, Raúl Castillo, James Saito, Dan Martin, Kaliswa Brewster, Madison Latham, Sonya Giddings, Kimberly L. Jackson y John Xavier Lambert.

Cine y Derecho en los EE. UU. (1930-2023)

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Liberalismo, democracia y crisis de los valores constitucionales.
Algunas de las películas más recordadas de la historia del cine estadounidense tienen como protagonistas a abogados heroicos, jueces incorruptibles o falsos culpables. Pero también desfilan por sus fotogramas abogados corruptos, jueces poco memorables y clientes nada recomendables. El cine jurídico tiene una larga tradición y ha construido un complejo discurso sobre los riesgos y amenazas que asedian a la democracia en Estados Unidos. Las películas aquí analizadas apelan a ciertos principios fundacionales de la república como antídoto frente a los ataques por parte de quienes pretenden socavar el juego democrático y servir a intereses privados o corporativos, olvidando el bien común. La evolución de ese cine jurídico se ha visto marcada por el contexto sociopolítico y ha obedecido a diferentes factores de orden histórico, ideológico e industrial. El presente texto supone un intento por construir una historia cultural del cine jurídico estadounidense, analizando las películas esenciales del género y los debates jurídicos y políticos allí planteados. Filmes como El joven Lincoln, Furia, Doce hombres sin piedad, La herencia del viento, Matar a un ruiseñor, Justicia para todos o Acción civil plantean un diagnóstico sobre la deriva antiliberal sufrida por la democracia de EE. UU. y sobre los riesgos a los que se han enfrentado tanto ciudadanos anónimos como famosos abogados o políticos. Por estas páginas desfilan personajes como Abraham Lincoln, Atticus Finch, Clarence Darrow, Frank Serpico, Andrew Beckett o Joe Miller, protagonistas de diferentes luchas por los derechos civiles y políticos, y representantes de una conciencia liberal siempre dispuesta a luchar contra las injusticias del sistema.
El autor
Iván Gómez García (Mataró, 1978) es doctor en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada por la Universidad Autónoma de Barcelona, y doctor en Derecho y Ciencia Política por la Universidad de Barcelona. Es profesor de Comunicación Audiovisual en la Facultad de Comunicación Blanquerna (Universidad Ramon Llull), en donde imparte diferentes asignaturas tanto de grado como de máster. Es autor y coautor de diversos ensayos sobre cine y televisión, como Videodrome. La distopía según David Cronenberg (Shangrila Textos Aparte, 2020), Bullitt. Un policía llamado Steve McQueen (Laertes, 2016), El sueño de la visión produce cronoendoscopias (Laertes, 2014), Ficciones Colaterales: Las huellas del 11-s en las series “made in USA” (UOC Press, 2011) y Adaptación (Trípodos, 2008). Ha dedicado diversos artículos en obras colectivas y revistas académicas a la ficción serial estadounidense, al cine fantástico español, la ciencia ficción y las distopías o el fenómeno de la autoficción, entre otros temas. Los artículos han aparecido en revistas como Pasavento, Brumal, Letral, Cultura, lenguaje y representación, Fotocinema o Hispanic Cinemas. Colabora regularmente con la publicación Serielizados. Ha sido profesor visitante en la Universidad Católica Portuguesa (Lisboa). Es abogado e investigador de temas relacionados con los estudios de Ciencia, Tecnología y Sociedad.
Autor: Iván Gómez García, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre] libros, Páginas: 414

«Le Vourdalak» review

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Perdido en un bosque hostil, el marqués de Urfé, un noble emisario del rey de Francia, encuentra refugio en la casa de una misteriosa familia que oculta un secreto aterrador. Los miembros de esa familia están esperando el regreso del patriarca, que ha partido a la caza de un bandido turco. Esa noche, su hija Sdenka, cuenta en la cena que su padre les ha dicho que si no vuelve a los seis días de haber partido del hogar lo den por muerto, ya que si regresa después de ese tiempo se habrá convertido en un vampiro.
Presente en la sección Noves Vision del pasado Festival de Sitges, The Vourdalak de Adrien Beau, como hizo en su día el maestro Mario Bava en la estupenda I tre volti della paura, adapta el clásico cuento de Alekséi Tolstoi con el encanto que puede proporcionar la posibilidad de ver en una pantalla de cine una pieza de naturaleza casi arqueológica que se desarrolla en lo relativo a audaces formas escénicas, la mayoría de ellas derivadas de una teatralidad, en donde los actores se expresan más a través de los cuerpos que de las palabras. Película de tono extravagante, en el buen sentido de la palabra, con cierto aroma a experimento de texturas retro, rodada en 16 mm, que enlaza a la perfección con ese terror gótico clásico del Este europeo de los años 60, en donde solía imperar de una forma bastante habitual una fuerte noción de la artesanía entendida como arte escénico.
Con un sentido incuestionable de la honestidad, y un encanto algo bizarro, Adrien Beau se muestra hábil en lo relativo al ensamblaje de ciertos códigos del género de terror autoral, aquí desarrollados a través de una oscura sinergia que conecta, con ese concepto bastante recurrente dentro del fantástico, como es la institución familiar con el vampirismo.

Valoración 0/5:3

Una historia de opresión, tráiler para «In Flames» de Zarrar Kahn

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Tras una sólida carrera como cortometrajista gracias a títulos como Stray Dogs Come Out at Night (2020) y Bhai (2021), el cineasta canadiense-pakistaní Zarrar Kahn debuta en el largometraje con la cinta In Flames, película cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Después de su premier mundial hace un año en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes y estar presente en Sitges, la ópera prima de Zarrar Kahn, al igual que hacía Ali Abassi en Holy Spider a través de la óptica de la crónica negra, nos cuenta una historia de opresión que aborda el género fantástico como mecanismo de denuncia ocasionado por una indefensión social cuyo origen aquí es percibido como patriarcal. El escenario, una sociedad machista, será el terreno abonado para una aparición fantasmal intuida en la historia como dual, imaginaria y terrenal, la primera no desentona en el conjunto, seguramente por la ausencia de subrayados a modo de espectral recordatorio de cómo los hombres pueden conservar el control en las psiques femeninas, incluso después de haber fallecido.
En In Flames vemos como tras la muerte del patriarca de la familia, una madre y una hija entran en una precaria situación donde su existencia se desgarra. Para sobrevivir en un mundo hostil dominado por hombres, las dos mujeres tendrán que unir fuerzas para no desaparecer ante la amenaza de unas fuerzas malévolas que amenazan con engullirles.
La película, con guion a cargo del propio Zarrar Kahn, está protagonizada por Ramesha Nawal, Omar Javaid, Bakhtawar Mazhar, Mohammad Ali Hashmi, Adnan Shah, Jibran Khan y Vajdaan Shah.

La Casa Encendida: La mecánica de los fluidos, de Gala Hernández + El Planeta, de Amalia Ulman

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Dos trabajos audiovisuales conforman el segundo encuentro de Las favoritas de Elena Martín Gimeno. ‘La mecánica de los fluidos’, galardonada recientemente con el premio César a Mejor Cortometraje Documental, es analítica y profundamente inteligente. ‘El Planeta’, llena de amor y de verdades desgarradoras, consigue hablar sobre pobreza e identidad de una forma increíblemente estimulante con un humor inteligente y una poética propia.
La mecánica de los fluidos, de Gala Hernández. España, Francia, 2022. 38 min.
Un miembro de incel -una subcultura de comunidades virtuales de hombres que dicen ser incapaces de tener relaciones románticas y relaciones sexuales con mujeres, como sería su deseo- con el nikname de Anarquista Anatemático publica una nota de suicidio en internet. Culpa de su muerte a Estados Unidos. A partir de este momento, la voz de la cineasta Gala Hernández y las imágenes digitales nos guían por los túneles inhóspitos de internet intentando hallar respuesta a las preguntas que surgen de este hecho.
Elena Martín Gimeno asegura que La mecánica de los fluidos es un trabajo te ronda el cuerpo días después de verla. «Y eso es lo mejor que le puedes pedir a una película». Gala Hernández, que nació en Murcia y vive entre París y Berlín, es artista e investigadora. Y, en palabras de la cineasta, se nota la complejidad teórica porque, ante la creciente simplificación de los discursos políticos, la directora, con una mirada profundamente feminista, hace un ejercicio de empatía hacia un colectivo que seguramente querría verla muerta: los incels. Se trata de una comunidad en internet, como tantas otras, que se alimenta a base de la presión violenta del capitalismo y del aislamiento social. Una comunidad a la que la película intenta comprender, sin dejar de ser crítica en ningún instante.
El Planeta, de Amalia Ulman. EE.UU., 2021. 79 min.
Leo (la misma Amalia Ulman) y su madre viven sin dinero en un apartamento en Gijón al borde del desahucio constante. Pero si caen, lo harán por todo lo alto. Enfundadas en looks icónicos uno tras otro y cometiendo pequeñas estafas, intentan sobrevivir en una España en crisis.
Amalia Ulman, nacida en Argentina y criada en Gijón, estudió en la Central Saint Martins de Londres y vive en Los Ángeles. Es artista multidisciplinar y regresó a Gijón para rodar su debut cinematográfico, El Planeta. La película es de ésas que es mejor ver que contar, porque su dispositivo, ritmo, el aura de cuento y los diálogos extravagantes y tiernos, generan un universo muy propio, de esos que dan envidia de ver.
En un Gijón lleno de establecimientos cerrados por quiebra, pisos en alquiler que nunca se llenan y anuncios de búsqueda de trabajo, Leo y su madre viven resistiéndose a aceptar la realidad de tener que marcharse de su casa. En un delirio de grandeza constante y fantaseando con un encuentro con Scorsese, madre e hija se acompañan, se cuidan, se visten y ornamentan y estafan dinero para poder seguir adelante. Amalia Ulman, que produce, dirige y protagoniza la película, consigue hacer aquello tan mágico de construir unos personajes que están ‘fuera de lugar’ y que sean justamente ellos los que te cuenten grandes verdades sobre ese lugar del que han quedado fuera.
15 mar – 21 mar

 

 

Nicolas Cage en un mundo apocalíptico, primer tráiler para «Arcadian» de Benjamin Brewer

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La supervivencia en un mundo diezmado a causa de una invasión extraterrestre se ha convertido en los últimos años en un subgénero propio dentro del fantástico a raíz del éxito comercial de películas como A Quiet Place (2018). Arcadian, que acaba de lanzar un primer adelanto en forma de tráiler oficial que podéis ver a final de página, indaga en dicha temática apocalíptica con la baza de tener a Nicolas Cage al frente del reparto. La película tendrá su premier mundial estos días en el SXSW de Austin, para poco después llegar el próximo 11 de abril a los cines de Estados Unidos.
Arcadian nos sitúa en un futuro próximo, la vida en la Tierra entendida como tal ha desaparecido. Paul y sus dos hijos, Thomas y Joseph, intentan sobrevivir a esta nueva situación. Cada noche, tras la puesta de sol, se enfrentan a los implacables ataques de un mal misterioso y violento. Un día, cuando Thomas no regresa a casa antes de la puesta de sol, Paul debe abandonar la seguridad de su granja fortificada para poder encontrarlo. Sera entonces cuando se desencadene una batalla a contrarreloj que obliga a la familia a ejecutar un plan desesperado para poder sobrevivir.
La película, dirigida por Benjamin Brewer The Trust (2016) y guion a cargo de Michael Nilon Willy’s Wonderland (2021), está protagonizada por Nicolas Cage, Jaeden Martell, Sadie Soverall, Maxwell Jenkins, Joe Dixon, Samantha Coughlan, Daire McMahon y Joel Gillman.

La serie «Almas robadas», sobre la novela homónima de Emelie Schepp, llega a Filmin

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Felix Herngren («El abuelo que saltó por la ventana y se largó«) dirige la adaptación televisiva de las novelas de Emelie Schepp protagonizadas por la fiscal y ex niña soldado Jana Berzelius.
El próximo martes 12 de marzo Filmin estrena en exclusiva en España la serie sueca «Almas robadas», adaptación de la novela homónima escrita por Emelie Schepp y editada en España por HarperCollins. Es uno de los libros que integran la colección de novelas de Schepp protagonizadas por la ex niña soldado Jana Berzelius, interpretada en la ficción por Madeleine Martin («Atrapada en las profundidades«). La serie está dirigida por Felix Herngren, director de la nominada al Óscar «El abuelo que saltó por la ventana y se largó«, en el que es el primer thriller de su carrera.

«Almas robadas» narra la historia de la fiscal Jana Berzelius. Durante la investigación sobre el asesinato de un alto funcionario de la Agencia Sueca de Migración, el principal sospechoso del crimen también aparece muerto y Jana reconoce en su cadáver unas marcas que le resultan familiares, y que guardan relación con su pasado como niña refugiada en un país devastado por la guerra. Felix Herngren afirma que «el ADN de la serie se encuentra en los contrastes entre la luz y la oscuridad, en lo que respecta a su ambientación, sus personajes y su estado de ánimo».

El director explica que como espectador consume muchos más dramas criminales que comedias, aunque este último género sea el que ha marcado su carrera como cineasta. «Cuando me pidieron que hiciera esto, me pareció súper divertido, realmente un nuevo desafío para mí«, explica Herngren, que se felicita por haber contado con el apoyo del realizador Henrik Björn («Jordskott«), mucho más experimentado en el thriller. Ambos ponen en pie la adaptación de un libro que ha vendido más de 3 millones de ejemplares en 30 países. «El objetivo era crear una serie que fuera fiel al espíritu de la novela de Schepp, pero que a la vez se sintiera como algo nuevo. Será divertido ver la reacción de los fans, ¿nos querrán asesinar con hachas o nos mandarán una caja de bombones?«, bromea Herngren.

«Almas robadas» está integrada por seis episodios de 50 minutos. Junto a la ya citada Madeleine Martin, destacan en el reparto los nombres de Pernilla August (Shmi Skywalker en la saga «Star Wars«), Thure Lindhardt («Keep the Lights On«) o August Wittgenstein («Maus«), entre otros. La serie es una producción de Viaplay, la plataforma de streaming nórdica que produce unas 70 series internacionales originales cada año.

El slasher desde dentro, tráiler de «In A Violent Nature» de Chris Nash

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No es la primera vez que el slasher es contado desde el punto de vista del psicokiller, clásicos como Peeping Tom de Michael Powell, o más centrado en el subgénero, como el Maniac de William Lustig, nos venían a contar las derivas mentales desde la perspectiva del propio asesino. In A Violent Nature, cuyo primer avance en forma de tráiler acaba de salir a la luz y podéis ver a final de página junto a su póster promocional, del debutante Chris Nash, transita por dicho enfoque. La película, que tras su paso por el  Festival de Sundance fue definida como una versión artística del género slasher, tendrá, aún con fecha por determinar, un estreno limitado en cines de Estados Unidos para estar posteriormente disponible a través de la plataforma Shudder.
En In A Violent Nature vemos como un grupo de jóvenes se encuentran un extraño medallón en una torre de vigilancia que se está incendiando en mitad del bosque, hecho que provocara la resurrección del cadáver de un hombre con espíritu vengativo que cometió un horrible crimen hace 60 años. Un resucitado, que decide matar uno por uno a los adolescentes responsables del robo del medallón, masacrando además a cualquier que se interponga en su camino.
La película, con guion a cargo del propio Chris Nash, está protagonizada por Charlotte Creaghan, Lauren-Marie Taylor, Andrea Pavlovic, Ry Barrett, Cameron Love, Liam Leone y Timothy Paul McCarthy.

Universos catódicos de culto

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En estos tiempos de oferta bulímica teledirigida por algoritmos e interfaces perversas, y de operadoras del streaming que, amparadas por métricas y metadatos, inundan sus plataformas de contenido estandarizado e uniformizado, la lectura de “Universos catódicos de culto” pretende arrojar algo de luz sobre otra ficción televisiva. Aquella que permanece oculta o semioculta, criando polvo digital o, directamente, y en su mayoría, desterrada de las parrillas de las grandes dominadoras del actual tablero. De este modo, el seriéfilo ávido e inquieto podrá encontrar en sus páginas un riego de ficción alejado del canon, las modas y el (maldito) algoritmo. Series que injustamente han quedado desplazadas del mapa mental del aficionado a la ficción catódica, por mucho que algunas alcanzaran picos de gloria en tiempos no tan pretéritos. El lector encontrará en su índice producciones de todas las épocas y periodos, variados géneros y distintas nacionalidades, capitaneadas por desconocidos, auténticos maestros del cine o popes del medio. Nombres como Lars von Trier, Alfred Hitchcock, Dennis Potter, Ingmar Bergman, Armando Iannucci, Hugo Blick, Phoebe Waller-Bridge, Nathan Fielder, David Milch, Steven Moffat, Rik Mayall, Rainer Werner Fassbinder, David Lynch o David Simon ocupan un espacio privilegiado como autores que dinamitaron un arte que adquirió el esplendor “dorado” mucho antes de la llegada de Los Soprano. Porque sí, existe un manantial de ficción superlativa más allá del buque insignia de la HBO. En este volumen se sigue su pista con un total de 73 fichas, algunas de estas servidas por entendidos en la materia como Ángel Sala, Andreu Martín, Quim Casas, Javier J. Valencia, Marina Such o Xavi Roldan.
Autor: Marc Muñoz, Quim Casas, Andreu Martín, Xavi Roldan, Ángel Sala, Marina Such y Javier J. Valencia, Portada: Bertmann. Editorial: Applehead Team Creaciones, Colección: Zapping Applehead. Páginas:

Proyecciones Xcèntric: Figurar el desastre. El mural de Minamata, de Noriaki Tsuchimoto

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Minamata no zu monogatari (Noriaki Tsuchimoto, 1981)

El esencial cineasta Noriaki Tsuchimoto explora la relación entre belleza y catástrofe, arte y memoria colectiva acompañando a los pintores Iri y Toshi Maruki en su realización de un mural conmemorativo sobre las víctimas de la «enfermedad de Minamata», el desastre industrial más grave en la historia de Japón.
Durante más de tres décadas, la empresa química Chisso vertió toneladas de mercurio en la bahía de Minamata. La intoxicación de las poblaciones vecinas derivó en miles de casos de malformaciones y trastornos neurológicos irreversibles, perpetuados genéticamente. La resistencia de las víctimas y su perseverante organización para probar la responsabilidad de Chisso y exigir unas compensaciones económicas justas fue documentada por Tsuchimoto en un ciclo de diecisiete películas y vídeos realizados entre 1971 y 2004.
En el contexto de este ciclo monumental, El mural de Minamata es una película única. Tsuchimoto desplaza su foco de atención habitual para capturar el proceso creativo de un matrimonio de pintores (los reputados Iri y Toshi Maruki, en su madurez artística en el momento de la filmación) que recibe el encargo de pintar un mural conmemorativo de las víctimas de Minamata. Alternando el trabajo de la pareja en el estudio y sus visitas a las comunidades locales, con una brillante articulación del color y el montaje, el largometraje es una meditación sobre la representación del trauma colectivo, el retrato de la expresividad de los cuerpos neurodivergentes, la memoria física y plástica del horror, la colaboración artística y la tensión entre tradición y modernidad en el arte japonés.
Minamata no zu monogatari, Noriaki Tsuchimoto, 1981, 16 mm, 111’, VOSC.
Proyección en 16 mm.
Copia procedente de Palabra. Agradecimientos a Ricardo Matos Cabo.
Fecha: 28 abril 2024
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

 

 

La deconstrucción del mito Bigfoot, tráiler para «Sasquatch Sunset» de los hermanos Zellner

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David Zellner y Nathan Zellner, responsables entre otras de películas como Kumiko, the Treasure Hunter (2014) o el western Damsel (2018), presentan su ultimo trabajo tras las cámaras titulado Sasquatch Sunset, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, rodada a modo de un mockumentary, tras la buena recepción cosechada en los festivales de Sundance y Berlín, llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 19 de abril de 2024.
Sasquatch Sunset nos sitúa en los brumosos bosques de América del Norte, una familia de Bigfoots, posiblemente la última de su enigmática especie, oculta de la humanidad e inmersa en la naturaleza,  se embarca en un absurdo, épico, hilarante y en última instancia conmovedor viaje. Estos gigantes peludos y nobles tan sólo intentan sobrevivir en un mundo en constante cambio y movimiento que amenaza su paz, su existencia y su hasta ahora anonimato.
La película, que cuenta con la participación de Ari Aster como productor ejecutivo y guion a cargo del propio David Zellner, está protagonizada por Jesse Eisenberg, Riley Keough y Christophe Zajac-Denek.

Tráiler para «El caso Goldman» de Cédric Kahn

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El próximo 15 de marzo llega a los cines españoles la película francesa «El caso Goldman, dirigida por Cédric Kahn. Filmin distribuye en España este drama judicial que reproduce los hechos y circunstancias que rodearon uno de los juicios más mediáticos y controvertidos del siglo XX en Francia, el proceso contra el activista político, niño superviviente del Holocausto, icono literario y ladrón Pierre Goldman en los años 70.

«El caso Goldman» ha sido uno de los títulos de la temporada en Francia, donde recibió 8 nominaciones a los Premios César: Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor actor principal (Arieh Worthalter), Mejor actor secundario (Arthur Harari), Mejor Guion Original, Mejor Fotografía, Mejor Montaje y Mejor Sonido. Su protagonista, Arieh Worthalter se hizo finalmente con el galardón al Mejor Actor.

En «El caso Goldman» vemos como en 1969, Pierre Goldman, un intelectual de izquierdas francés, es detenido por tres atracos cometidos en París. De rebote, se le acusa de otro robo, a una farmacia, que acabó con la vida de dos mujeres. Goldman reconoce los tres primeros golpes, pero no su participación en el sangriento atraco de la farmacia. Apoyado por amplios sectores de la izquierda francesa, el juicio de Pierre Goldman desata amplias pasiones y un enorme interés mediático. «Del mismo modo que el juicio a O.J. Simpson es una ventana abierta a los años 90, el proceso Goldman es una ventana abierta a la Francia de los años 70«, explica el director Cédric Kahn: «Y al igual que en el juicio a O.J. Simpson, el juicio a Goldman supuso la politización de un caso legal marcado por cuestiones sociales e ideológicas«.

El guion de la película, escrito por el propio Kahn junto a Nathalie Hertzberg, se construyó sobre una exhaustiva investigación del caso, que fue reconstruido día a día gracias a los artículos de la época en la prensa; «Nos aseguramos de crear la narrativa más efectiva posible, reforzando su contenido fusionando elementos de los dos juicios de Pierre Goldman«, explica Kahn. A través de la palabra conocemos la intensidad de Goldman, el rigor de su abogado defensor, Georges Kiejman, la traición del prestigioso abogado de las víctimas, Henri-René Garaud, o el sentido del equilibrio del juez. «La vida de Goldman surge en nuestra imaginación como una película en sí misma, una que existe fuera de los límites temporales de la película y de los confines físicos de la sala del tribunal.», explica el director.

Pero el epicentro de la película es la relación antagónica que se construye entre el protagonista, interpretado por Arieh Worthalter («Girl«) y su joven abogado Georges Kiejman, encarnado por Arthur Harari («Anatomía de una caída«). Ambos son judíos polacos, proceden de familias humildes y son producto de un pasado trágico. Han vivido experiencias prácticamente idénticas, pero sus destinos no pueden ser más opuestos. Tal y como explica Cédric Kahn: «Su oposición simétrica se manifiesta en la fascinación que sienten el uno por el otro, atravesada por la rivalidad y la culpa. Por un lado Kiejman, el brillante abogado parisino que triunfa allí donde va; del otro, Goldman, el idealista errante que ha fracasado en su intento por tener una vida heroica, arrastrado por sus propios demonios«.

Seminario La Casa del Cine: «Writers’ Room: Series»

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“Writers’ Room: Series” es un curso anual eminentemente práctico donde el alumnado desarrolla dos proyectos de serie en un entorno orientado hacia las Writers’ Room profesionales.
El objetivo: generar dos proyectos de serie por persona: uno individual y uno colectivo, con un dossier de venta y el guion de un capítulo piloto por proyecto, los materiales para potenciar el acceso al mercado laboral. Todo ello con el acompañamiento de profesionales en activo con experiencia en producciones como «Selftape», «Arròs covat» o «Com si fos ahir», entre otras.
Metodología y promoción
  • El objetivo de este curso es que el alumnado termine con dos proyectos de serie (Dossier de venta + Guion de Piloto) bajo el brazo: uno desarrollado de manera individual, donde han trabajado sobre la voz propia; y otro desarrollado de manera colectiva. Ambos proyectos gestados en un aula que sigue las bases de una Writers’ Room: dar feedback, encontrar problemas y soluciones, y descubrir lo que se esconde tras la página en blanco.
  • El alumnado presentará los proyectos finalizados en un pitch a productoras y profesionales del sector.
  • En paralelo al trabajo sobre proyectos, hay varias «Masterclasses» que complementan el trabajo práctico del alumno, en ocasiones impartidas por profesorado externo. Las Masterclasses abordan los siguientes temas:
    • MASTERCLASS Concepto, Estructura y Personajes (en Series). Entendemos el Concepto, la Estructura y los Personajes como los tres pilares fundamentales de la narrativa
    • MASTERCLASS JOANA Y MIREIA VILAPUIG, (Actrices, Guionistas y Showrunners) (SELFTAPE).
    • MASTERCLASS MARC ANGELET (Guionista, Dramaturgo, Director) (COM SI FOS AHIR, LAPÒNIA, #LIFESPOILER). Writers’ Room de serie
    • MASTERCLASS ÀLVAR LÓPEZ. (Director de Desarrollo España y México de THE IMMIGRANT). El puente con la industria: ¿Qué hacer con tu proyecto de serie? ¿Cómo funciona el trabajo con productoras y plataformas?
    • MASTERCLASS Una visión crítica. PENDIENTE DE CONFIRMAR.
*La escuela se reserva el derecho a cambios en el profesorado adjunto por motivos de disponibilidad.
  • Fechas: 14 de octubre 2024 al 19 de junio 2025
  • Vacaciones: del 18 de julio al 1 de septiembre
  • Horario: 17h a 20h lunes y miércoles
  • Precio: 2.000€ (reserva de plaza 500€)
  • Descuento: 1.700€ matriculados durante el mes de febrero, pago único

 

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Una carrera contrarreloj, primer tráiler para «Knox Goes Away» de Michael Keaton

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Tras debutar en 2008 con el drama romántico The Merry Gentleman, Michael Keaton se vuelve a poner detrás de las cámaras con el noir Knox Goes Away, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, tras su premier mundial el pasado mes de septiembre en el Toronto Film Festival, llegará a los cines de Estados Unidos el próximo el 15 de marzo.
En Knox Goes Away vemos como John Knox es un asesino a sueldo al que le diagnostican una demencia en estado avanzado. Decide entonces pasar sus últimos días junto a su amigo de confianza intentando redimirse ayudando a su hijo adulto, del que ha estado mucho tiempo separado. Pronto John, en una carrera frenética contra las autoridades, empezara a notar el tictac del reloj de su propia mente, que se deterioran rápidamente.
La película, con guion a cargo Gregory Poirier, está protagonizada por Michael Keaton, Al Pacino, Marcia Gay Harden, James Marsden, Suzy Nakamura, John Hoogenakker, Joanna Kulig, Ray McKinnon, Lela Loren, Charles Bisset, Dennis Dugan, Chad Donella y Jay Paulson.

«Monolith» review

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Una periodista caída en desgracia intenta salvar su carrera recurriendo al mundo de los podcasts de investigación. Mientras trata de averiguar la procedencia de un extraño artefacto relacionado con una conspiración alienígena, la joven reportera iniciará un duro viaje de autodescubrimiento emocional.
Posiblemente una de las virtudes menos señaladas dentro del cine fantástico ha sido la referida a cómo una gran parte de las películas adscritas a dicho género han sabido plasmar con cierta sutileza la época, y ciertas constantes sociales adyacentes a ella en la que han sido concebidas, a tal respecto Monolith, la modesta opera prima del australiano Matt Vesely, cumple parcialmente con tal condición al situarnos en un primer lugar en parcelas y contextos inequívocos relacionados con ciertos aspectos de nuestro presente, uno de ellos podría ser la cultura de acoso y cancelación que de alguna manera sufre la protagonista, una acertada Lily Sullivan, previa a aterrizar en la entretenida Evil Dead Rise, al publicar una acusación sobre una persona cimentada a través de cauces no contrastados, hecho que la relega del periodismo entendido como tal a intentar ganarse la vida mediante uno de esos podcasts de carácter sensacionalista que cuenta historias aparentemente inverosímiles, también el referido a la inquietante tendencia periodística de generar miedo en plena era digital, en donde la tecnología, y su dominio omnipresente en nuestras vidas, puede actuar como ente propagador de lo conspiranoico, y como éste, en determinados casos, puede terminar repercutiendo  la ansiedad en el cerebro humano. Un vasto temario este último dentro del género fantástico que crea curiosos vasos comunicantes con la interesante y siempre reivindicable Pontypool de Bruce McDonald, una de las películas más inteligentes realizadas en los últimos años dentro del subgénero zombie.
En ese sentido, y bajo claros dictámenes genéricos lindantes al low cost que nos podrían remitir a ciertos ejercicios de ciencia ficción minimalista como, por ejemplo,  Primer de Shane Carruth o la más reciente La paradoja de Antares de Luis Tinoco, Monolith orbita principalmente alrededor del vacío metafísico, y cómo el concepto de negación de la verdad, y la culpa moral por parte del individuo es castigado mediante el elemento fantástico. Bajo su apariencia de obligada austeridad, de un fantástico dialogado con un solo protagonista y escenario, Matt Vesely saca provecho del espacio limitado del que dispone, a través principalmente de fríos tonos grises que nos remiten al concepto del aislamiento y posterior deterioro mental, en un hábitat, una lujosa casa modernista que nos puede recordar a la vista en Ex Machina de Alex Garland, solo al alcance del privilegiado, detalle fundamental en esta historia de ciencia ficción que se transforma lentamente, de forma inteligente, en horror pesadillesco en un tercer acto en donde hará acto de presencia una interesante abstracción genérica, gratificantemente no diluida en discursiva social  sobre males adyacentes a la condición humana. Posiblemente una de las propuestas que mejor han sabido indagar en el concepto de la postpandemia, y en las derivas de nuestro presente ocasionadas de ello.

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Cada uno por su lado y Dios contra todos. Memorias Werner Herzog

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Las esperadísimas memorias del gran cineasta alemán Werner Herzog, uno de los últimos grandes aventureros de nuestro tiempo.
Las historias de Herzog llegan a los límites de la experiencia humana: transportó un barco de vapor por una montaña en la jungla, caminó de Munich a París en pleno invierno, descendió a un volcán activo, vivió en la naturaleza entre osos pardos… una vida única.
Un registro personalísimo de una de las grandes vidas autoinventadas de nuestro tiempo y un hipnótico remolino de recuerdos, en el que Herzog cuenta su historia por primera y única vez.
Werner Herzog creció en un remoto pueblo de montaña de Baviera. De niño nunca fue al cine, no tenía televisión ni teléfono. En 1961, cuando todavía estaba en secundaria, trabajó como soldador en el turno de noche para producir su primera película. Tenía diecinueve años. Desde entonces ha producido, escrito y dirigido más de cincuenta películas, entre ellas Aguirre, La cólera de Dios, El enigma de Gaspar Hauser y Grizzly Man. Pero no solo dedica su tiempo al cine, sino también a la (buena) literatura. De hecho, lo que escribe se convierte instantáneamente en obra de culto: Conquista de lo inútil (Blackie Books, 2010), diario de rodaje de su mítica Fitzcarraldo, es considerada una de las crónicas más importantes del siglo xxi. Y ahora llega El crepúsculo del mundo, sobre un soldado japonés en terreno enemigo, uno de los episodios más asombrosos y salvajes de la Historia moderna. Herzog vive en Los Ángeles, donde dirige una serie de seminarios de cine en los que no se imparte ningún tipo de enseñanza técnica, una escuela «para los que han viajado a pie, han mantenido el orden en un prostíbulo o han sido celadores en un asilo mental (…) en resumen, para los que tienen un sentido poético. Para los peregrinos. Para los que pueden contar un cuento a un niño de cuatro años y mantener su atención, para los que sienten un fuego en su interior». El fuego que siente Werner a sus setenta y nueve años, y el que transmite en todo lo que escribe y hace.
Autor: Traducción: Marina Bornas, Editorial: BLACKIE BOOKS, Páginas: 360

El terror y la identidad, tráiler para «I Saw the TV Glow» de Jane Schoenbrun

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Tras la interesante ópera prima We’re All Going to the World’s Fair (2021) la realizadora estadounidense Jane Schoenbrun vuelve a indagar en exploraciones oníricas adolescentes, colindantes al terror, con su nuevo trabajo tras las cámaras I Saw the TV Glow, film que de la mano de A24 acaba de estrenar un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, tras el buen recibimiento obtenido en Sundance y Berlín, dentro de la sección Panorama, llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 3 de mayo de 2024.
I Saw the TV Glow nos cuenta como dos marginados adolescentes residentes en un suburbio se unen por su interés compartido por un programa de televisión nocturno de misterio. Sin embargo, tras la inesperada cancelación del programa, el límite entre lo real y lo televisivo comenzará a desdibujarse. A la pálida luz que emana de la televisión, la percepción de ambos jóvenes de la realidad comienza poco a poco a resquebrajarse.
La película, con guion a cargo de la propia Jane Schoenbrun, está protagonizada por Justice Smith, Brigette Lundy-Paine, Helena Howard, Lindsey Jordan, Fred Durst, Phoebe Bridgers, Danielle Deadwyler, Haley Dahl, Amber Benson, Ian Foreman, Michael Maronna, Conner O’Malley, Emma Portner, Danny Tamberelli, King Woman, Marlyn Bandiero y Kenneth Kyle Martinez.

Primeros títulos del D’A 2024

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El D’A – Festival de Cine de Barcelona continua como escaparate del mejor cine independiente ofreciendo la oportunidad de descubrir lo mejor del año, los grandes nombres que han triunfado en los grandes festivales internacionales y algunas de las propuestas más arriesgadas del año. Entre los primeros títulos, nombres imprescindibles del cine contemporáneo como Nuri Bilge Ceylan con Sobre la hierba seca, película estrenada en Cannes 2023 , donde ganó el premio a la mejor actriz; Lisandro Alonso (Jauja), en su reencuentro con Viggo Mortensen Eureka, para recorrer de norte a sur el continente americano, acompañado de Chiara Mastroiani; la directora francesa Catherine Corsini (Un amor de verano) presenta Le Retour, una historia intergeneracional que combina el retrato identitario y el coming-of-age; o Critical Zone , del director Ali Ahmadzadeh, uno de los nombres más destacados del cine iraní, cuya obra está prohibida en su país. Su nueva película ganó el Leopardo de Oro en el último festival de Locarno y fue premiada en la Seminci.
De Argentina nos llegan dos películas, posiblemente irrepetibles con los tiempos que se avecinan. Después de Juana a los 12 (Premio Talents D’A 2015), Martin Shanly vuelve al festival con Arturo a los 30, una indagación sobre la precariedad y la incomodidad social que rodea a una determinada juventud no tan joven. Por su parte, la directora Paula Hernández se lleva a Sergi López a la Argentina más profunda en El viento que arrasa, donde protagoniza un tenso relato sobre fanatismo y descubrimientos sexuales y sentimentales.
De cinematografías mucho más esquivas nos llegan películas que no dejan indiferente, como el estreno en España de Snow Leopard, obra póstuma del director tibetano Pema Tseden y ganadora en el Festival de Tokio (¡con Albert Serra en el jurado!). Una película auténtica y humanista que enfrenta al mundo rural y las nuevas tecnologías. Y desde Grecia nos llega Animal, la nueva película de Sofía Exarchou (premiada en San Sebastián por su primer film), para seguir indagando en la cara oscura de la sociedad griega, ahora a través de una precarizada trabajadora del sector turístico, interpretada por Dimitra Vlagopoulou, premiada en Locarno. También premiado en Locarno, el prometedor debut de Éléonore Saintagnan con Camping du lac, una docuficción con un relato fascinante con aura de cuento y conciencia climática.

Terror a medianoche, primer tráiler para «The Watchers» de la debutante Ishana Shyamalan

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Después de participar en la escritura y dirección de algunos capítulos de la serie The Servant, Ishana Shyamalan, hija de M. Night Shyamalan, que estrenará su nueva película, Trap, el próximo mes de agosto, debuta en el largometraje con la cinta de misterio The Watchers, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz de la mano de Warner Bros. Pictures y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, adaptación a novela del mismo título de A. M. Shine, llegará a los cines cines de Estados Unidos el próximo 7 de junio de 2024.
The Watchers nos cuenta como Mina, una joven artista de 28 años, se queda de forma inesperada atrapada en un bosque situado en el oeste de Irlanda. Cuando Mina consigue llegar a un refugio, sin esperarlo, se encontrara a tres extraños que son observados y acechados por misteriosas criaturas cada noche.
La película, con guion adaptado a cargo de la propia Ishana Shyamalan, está protagonizada por Dakota Fanning, Georgina Campbell, Olwen Fouere, Siobhan Hewlett, Alistair Brammer, Seán T. Ó Meallaigh, Oliver Finnegan, Shane O’Regan, Kya Brame y Diarmuid de Faoite.

Proyecciones Xcèntric: Rituales de la transfiguración

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En esta sesión, enmarcada dentro de la exposición “1.000 m2 de deseo. Arquitectura y sexualidad”, podremos ver tres piezas esenciales del cine experimental norteamericano. Barbara Rubin, Kenneth Anger y Jack Smith filman sendas visiones transgresoras del cuerpo y el deseo situadas en el espacio de la pura fantasía.
Rubin filma en Christmas on Earth una orgía en un lugar indeterminado, fuera del tiempo y el espacio. La doble proyección superpuesta de esta película se desarrolla de manera diferente en cada sesión. Lucifer Rising, por su parte, desarrolla la fascinación de Anger por el ocultismo, Aleister Crowley y la imaginería del antiguo Egipto. Esta película generó su propia mitología en torno a los participantes en el rodaje (Marianne Faithfull, el hermano de Mick Jagger o el líder de Led Zeppelin, Jimmy Page, entre otros) y a las vicisitudes que sufrió la filmación original. En Flaming Creatures, Smith juega a filmar situaciones aparentemente inconexas, quizás cercanas a la performance, en una película que valió a su creador un juicio por obscenidad.
Christmas on Earth, Barbara Rubin, 1963, 29 min; Lucifer Rising, Kenneth Anger, 1972, 29 min; Flaming Creatures, Jack Smith, 1963, 45 min.
Proyección en 16 mm. Mayores de 18 años.
Fecha: 19 febrero 2017
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

El vacío emocional, tráiler para «Asphalt City» de Jean-Stéphane Sauvaire

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Acaba de ver la luz un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del thriller Asphalt City, anteriormente conocido con el título de Black Flies. Película del francés Jean-Stéphane Sauvaire que adapta la novela de Shannon Burke, situada a medio camino entre el Colors de Dennis Hopper y el Bringing Out the Dead de Martin Scorsese, que estuvo presente el pasado año por festivales como Cannes o Sitges.
En Asphalt City vemos como Ollie Cross es un joven paramédico que, mientras prepara el examen de acceso a la Facultad de Medicina, recorre con Gene Rutovsky en ambulancia las calles de Nueva York. Rutovsky, curtido en mil batallas y uno de los paramédicos más veteranos de la ciudad, será su compañero y mentor. Cross sin embargo no tarda en descubrir de primera mano el caos de un trabajo que pasa de lo desgarrador a lo sincero, poniendo a prueba su relación con Rutkovsky y la ambigüedad ética que marca la diferencia entre la vida y la muerte.
La película, que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 29 de marzo de 2024, cuenta con guion adaptado a cargo de Ben Mac Brown y Ryan King, estando protagonizada por Tye Sheridan, Sean Penn, Katherine Waterston, Michael Pitt, Mike Tyson, Ramon Aleman, Alisa Mironova, Jamie Cooper, Donna Glaesener, Kareemeh Odeh, Kali Reis, Raquel Nave y Anthony Ricciardi.

 

 

Berlinale homenajea a Carlos Saura con el estreno mundial de Deprisa, deprisa en 4K

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El director de la sección Berlinale Classics, Rainer Rother, presentó la película junto a los hijos del cineasta, Antonio y Anna Saura, y la representante de FlixOlé y Video Mercury, Sophie de Mac Mahon.
El estreno mundial de la versión en 4K de Deprisa, deprisa (1981) puso el pasado lunes, 19 de febrero, el acento español al Festival de Berlín. La Akademie der Künste entonó en uno de sus templos culturales, el Hanseatenweg, la canción “Me quedo contigo” de Los Chunguitos ante más de 500 espectadores que acudieron a la proyección de la película quinqui, remasterizada para la ocasión por la distribuidora Video Mercury y la plataforma FlixOlé.
Galardonado con el Oso de Oro hace más de 40 años, el largometraje dirigido por Carlos Saura regresó al certamen cinematográfico internacional con una renovada imagen y sonido. El propio director del programa Retrospectiva y Berlinale Classics, Rainer Rother, fue el encargado de presentar el filme en un acto donde se rindió también homenaje al realizador aragonés. “Deprisa, deprisa fue una contribución crucial para el cine de delincuencia y un hito en la historia del cine español”, expresó Rother.
Además del responsable del festival, participaron en la presentación los hijos del cineasta, los productores Antonio y Anna Saura, y la representante de Video Mercury y FlixOlé, Sophie de Mac Mahon. El primero destacó el punto de inflexión que significó Deprisa, deprisa en la obra de su progenitor: “Esta película es muy diferente a lo que mi padre había hecho hasta el momento. Ese año había roto con Geraldine Chaplin y su vida había cambiado por completo. Pensó que debía volver al realismo que ya había realizado en Los golfos, su primera película”.
Primera película española en participar en Berlinale Classics
Por su parte, De Mac Mahon detalló el meticuloso proceso que se llevó a cabo para conseguir la versión que ha estrenado Berlinale. “Esta restauración ha sido hecha en Madrid, como parte de la iniciativa privada de Enrique Cerezo. Se ha trabajado desde el negativo original hasta conseguir una calidad 4K. La copia que se va a ver es exactamente igual a la que el público pudo ver el primer día que se presentó en Berlinale en 1981”, señaló De Mac Mahon, poniendo en valor las labores de restauración y promoción del patrimonio audiovisual español realizadas por la distribuidora y plataforma.
A la premier de Deprisa, deprisa en la Akademie der Künste, cita que arroparon numerosas personalidades del cine español, le seguirán nuevas proyecciones de la copia remasterizada el miércoles 21 a las 12:30 horas en el Cinestar Cubix 6, y el domingo 25 a las 18:30 horas en Haus der Kulturen der Welt.
Dichos eventos se enmarcan dentro de la programación de Berlinale Classics, sección del festival que desde 2013 acerca las obras maestras del cine mediante la visualización de sus versiones restauradas digitalmente en alta calidad. Sin embargo, el espacio no había contado con presencia española hasta la fecha, siendo Deprisa, deprisa la primera producción del país en participar. Y lo ha hecho junto con otros títulos de reconocido prestigio como Godzilla (Ishiro Honda, 1954), Sacrificio (Andrei Tarkovsky, 1986) o Jo ¡Qué noche! (Martin Scorsese, 1985).
Un cine quinqui estilizado

Después de enfrentar durante décadas la represión de la dictadura franquista con metáforas en la gran pantalla, Carlos Saura viró su carrera cinematográfica hacia el realismo con una película, Deprisa, deprisa, que se convirtió en un testimonio sobre la marginalidad juvenil en la España de los años 80. Entre el documental y la ficción, el filme se sumergió en el cine quinqui desde la sensibilidad y la objetividad. La propuesta del aragonés se alejaba así de la espectacularidad con la que otros directores habían abordado la vida de los bajos fondos y se centró en el romance al límite de sus protagonistas, así como en la espiral de violencia que los envuelve.
Pablo, un joven criado en los suburbios de Madrid que sobrevive y se divierte robando coches junto a sus amigos Meca y Sebas, está enamorado de Ángela, una joven camarera de bar. Ambos comienzan una relación en la que conviven los besos y miradas con los asaltos y disparos.
La poesía visual y argumentativa hizo de Deprisa, deprisa una exitosa obra maestra dentro del género quinqui, y de la filmografía de su director. Un clásico atemporal que ha vuelto a la gran pantalla de Berlinale junto con un nuevo cartel y tráiler de la película, elaborados para la ocasión por el proyecto creativo de David Rodríguez Losada y Jorge Luengo: ‘La Residencia’.

 

La tía Tula. Análisis, contexto e historia del filme

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El filme La tía Tula, considerado como tal, es decir, con la mayor independencia posible de su precedente literario con el que guarda muchas menos analogías de las que comúnmente se le han venido atribuyendo, puede ser considerado como el título insignia del llamado Nuevo Cine Español aparecido en los primeros años sesenta, además de un referente indiscutible en la cinematografía española.

Lo es, no solo por la esencia misma de la carga psicológica y caracterológica de su personaje clave, sino por contener la representación de un tipo de mujer inherente a la sociedad española, que personifica un modelo femenino que ha perdurado -si no lo sigue haciendo todavía- merced a los poderosos condicionantes morales, religiosos y políticos que lo conformaron.

El guion que alumbra argumentalmente la historia de una mujer tan singular en la sociedad provinciana de la España franquista, es producto de una conjunción de talentos pocas veces coincidentes, cuyo corolario está representado en el retablo humano que se nos expone que, no por conocido y vivido por sucesivas generaciones de españoles, resulta menos sorprendente y sobrecogedor.

Miguel Picazo dirigió la película con el conocimiento de causa que supone haber vivido directamente lo que aparece en las imágenes, porque todo lo que nos muestra proviene de apuntes de un natural con modelos reales. De esta forma, el vibrante fresco humano que es La tía Tula, pasa a convirtiese en un genuino documento histórico de nuestro pasado reciente en el que el arquetipo femenino de Tula queda enmarcado, con un realismo sin concesiones banales, dentro de la realidad social de la España provinciana, previa al ciego desarrollismo transformador que tantas cosas mudó, no siempre para bien.

Este trabajo pretende ser, más que un análisis sociológico, una investigación histórica stricto sensu del porqué de esta película, del proceso que dio lugar a su consecución y los nombres que la hicieron posible, así como de los avatares que hubo de superar en un ambiente sociopolítico en el que este tipo de proyectos siempre inspiraban recelos en los poderes tan (en apariencia) férreamente constituidos.

 

El autor

Gabriel Porras se licenció en Historia Moderna y Contemporánea en la Universidad de Deusto, completando estudios en Florencia. Su vida profesional ha estado dedicada a la docencia en la Enseñanza Pública en institutos de Salamanca, Segovia y Cantabria.

Como autor ha publicado más de una quincena de trabajos, donde se cuentan varias investigaciones biográficas relacionadas con el teatro, el cine y la televisión españoles como (entre las más recientes): Julia Martínez, Vocación de actriz (2007), Amparo Soler Leal. Talento y coherencia (2012), Mis ‘Muertos de cine’ y otros artículos, (2015), Victoria Rodríguez, con Buero Vallejo de fondo (2017), Conversaciones con Alberto González Vergel. Sesenta años innovando en teatro y televisión (2021), Luis Varela. Los grandes genéricos españoles (2022), Maite Blasco. Los escenarios de la sensibilidad (2023) o el libro colectivo Buñuel: Calanda-Vega de Pas–Madrid–París–Hollywood–México (2023) en el que se ha ocupado del estudio de la influencia de Pérez Galdós y Menéndez Pelayo en el cine de Luis Buñuel, así como de la confección de una filmografía completa comentada de dicho director.

Autor: Gabriel Porras, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 480

 

La América dividida, tráiler final para «Civil War» de Alex Garland

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Acaba de aparecer vía A24 el tráiler final, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la esperada nueva película de Alex Garland Civil War. La película hasta la fecha más cara del estudio independiente, 70 millones de dólares, que se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 12 de abril, para una semana después, llegar a nuestro país de la mano de DeAPlaneta.
Civil War nos sitúa en un futuro cercano al mostrarnos a un equipo de periodistas que viaja a través de los Estados Unidos durante una guerra civil, en donde 19 estados, encabezados por Texas y California, se separan del país, que se recrudece rápidamente y que ha envuelto a toda la nación en el caos, luchando por sobrevivir en un mundo que se ha convertido en una dictadura distópica en la que las milicias extremistas partidistas campan a sus anchas cometiendo regularmente toda clase de violencia.
La película, con guion a cargo del propio Alex Garland, está protagonizada por Kirsten Dunst, Wagner Moura, Stephen McKinley Henderson, Nick Offerman, Jesse Plemons, Sonoya Mizuno, Karl Glusman, Jefferson White, Cailee Spaeny, Christopher Cocke, Jonica T. Gibbs, Juani Feliz y Alexa Mansour.

El ciclo de proyecciones Comunidad Seminci llevará algunos de los títulos más destacados de las últimas ediciones

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Ponferrada, Salamanca, La Bañeza, Ciudad Rodrígo y Zamora acogen las proyecciones de esta actividad, organizada por el festival, la Consejería de Cultura y Turismo y la Filmoteca de Castilla y León.
La Consejería de Cultura y Turismo, la Filmoteca de Castilla y León y la Semana Internacional de Cine de Valladolid organizan la iniciativa ‘Comunidad Seminci’, que llevará a distintas ciudades de la región algunos de los títulos premiados por el certamen cinematográfico. El programa, elaborado por el Festival, incluye una muestra de cuatro títulos presentados con éxito en sus dos últimas ediciones y se proyectarán en las localidades de Ponferrada, Salamanca, La Bañeza, Ciudad Rodrigo y Zamora desde este lunes 19 de febrero hasta el mes de mayo.
La selección de películas que podrán verse en ‘Comunidad SEMINCI’ incluye la Espiga de Oro de la 68 edición, La imatge permanent, que supone la continuación lógica en la trayectoria de Laura Ferrés, que ganó el Goya, el Gaudí y la Semana de la Crítica de Cannes con su cortometraje Los deshederados (2017), un trabajo a caballo entre el documental y la ficción sobre la quiebra de la empresa de su padre estrenado en la Sección Oficial de la 62 Seminci.
La imatge permanent , cuya inspiración nace de su familia materna, procedente de Andalucía, se despliega como una historia dentro de otra historia. Carmen, una publicista en plena búsqueda de caras ‘reales’ para una campaña, se topa con Antonia, una mujer que emigró a Cataluña hace décadas y con quien entabla una particular relación. Este melodrama sobre la búsqueda de las raíces con actores no profesionales y no exento de pinceladas de humor absurdo ha sido la segunda producción española en ganar la Espiga de oro de Seminci en los 68 años de historia del festival y la primera que gana una mujer cineasta del país.
También se proyectará Muyeres,  primer largometraje en solitario de la cineasta aragonesa Marta Lallana, galardonado con la Espiga Verde y el Premio del Público de la sección Punto de Encuentro de la 68 Seminci. En su debut, la cineasta aborda la memoria y las tradiciones de las montañas asturianas, donde viven Constantina e Irene, las últimas guardianas de una centenaria tradición oral destinada a desaparecer. Allí viaja, interpretándose a sí mismo, el músico Raül Refree para registrar todo este legado antes de que se extinga. Muyeres se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Cine de Shanghái y se convirtió en una de las grandes triunfadoras del certamen al lograr el Gran Premio del Jurado y el premio a la mejor fotografía.
La programación incluye también títulos internacionales como En nombre de la tierra, segundo largometraje del dúo de cineastas DK Welchman y Hugh Welchman, presentado en la nueva sección del festival, ‘Alquimias’ y seleccionado por Polonia en la carrera por el Oscar a la mejor película internacional. La esperada nueva película de los directores de Loving Vincent es un film de animación pictórica que adapta la novela Los campesinos del premio Nobel de Literatura Władysław Reymont. Esta historia, ambientada en la campiña polaca a caballo entre los siglos XIX y XX, está protagonizada por una joven campesina obligada a casarse con un granjero rico y mucho mayor, pese a que ella está enamorada de su hijo.
La programación de Comunidad Seminci se completa con el largometraje italiano Las ocho montañas, dirigido por Felix van Groeningen y Charlotte Vandermeersch, que formó parte de la Sección Oficial en la 67 edición del festival y logró el premio a la Mejor Dirección de Fotografía para Ruben Impens. Galardonado con el Premio del Jurado en el Festival de Cannes de aquel año y nominado al premio Goya a la mejor película europea, el film adapta la novela homónima de Paolo Cognetti, un gran éxito editorial en Italia, y aborda la relación de Pietro y Bruno, amigos desde niños pero, mientras Pietro es un chico de ciudad que todos los años pasa el verano con su familia en el pueblo de Bruno, éste permanece en el pueblo fiel a su montaña. Sus experiencias les harán enfrentarse al amor y a la pérdida.
A continuación detallamos la programación en las diferentes localidades y salas. El acceso será gratuito hasta completar el aforo.
 
Programación ‘Comunidad SEMINCI’:
Ponferrada – Biblioteca Municipal Valentín Garcia Yebra – 19.00 horas
19 de febrero – En nombre de la tierra
20 de febrero – La imatge permanent
21 de febrero – Las ocho montañas
22 de febrero – Muyeres

 

Salamanca – Teatro Juan del Enzina / 19.30 horas
22 de febrero – La imatge permanent
27 de febrero – En nombre de la tierra
28 de febrero – Las ocho montañas
5 de marzo – Muyeres
La Bañeza – Teatro Municipal – 20.30 horas
4 de abril – La imatge permanent
11 de abril – En nombre de la tierra
18 de abril – Las ocho montañas
25 de abril – Muyeres
 
Ciudad Rodrigo – Cine Juventud – 20.30 horas
28 de febrero – La imatge permanent
20 de marzo – En nombre de la tierra
17 de abril – Las ocho montañas
15 de mayo – Muyeres

 

Zamora – Salón de Actos de La Alhóndiga / 19.00 horas
5 de abril – La imatge permanent
12 de abril – En nombre de la tierra
19 de abril – Las ocho montañas
26 de abril – Muyeres
Ávila – Palacio del Episcopio / 20.30 horas
4 de abril – La imatge permanent
11 de abril – En nombre de la tierra
18 de abril – Las ocho montañas
25 de abril – Muyeres

La licantropía según Larry Fessenden, primer tráiler para «Blackout»

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Uno de los autores más interesantes dentro del fantástico independiente USA de las últimas décadas es sin lugar a dudas Larry Fessenden, tras trabajos tan valiosos como Habit (1995) o Wendigo (2001) Fessenden nos ofrece una nueva vuelta de tuerca al mito del licántropo con Blackout, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
En Blackout vemos como en una pequeña ciudad del norte del estado de Nueva York, Charley, un hombre lobo infectado con la maldición y responsable de una serie de asesinatos salvajes, se enfrenta al individuo más corrupto de la zona, un magnate inmobiliario llamado Hammond. Al mismo tiempo, tratará de recuperar a su expareja Sharon, hija del magnate.
La película, que estuvo presente en la pasada edición del Festival de Sitges y se estrenará vía VOD en Estados Unidos el próximo 12 de abril de 2024, cuenta con un guion a cargo del propio Larry Fessenden estando protagonizada por Alex Hurt, Addison Timlin, Motell Gyn Foster, James Legros, Kevin Corrigan,  Barbara Crampton, Marshall Bell, Ella Rae Peck, Joe Swanberg, Marc Senter, Michael Buscemi, Asta Paredes, Joseph Castillo-Midyett y Jeremy Holm.

«La última noche de Sandra M.» review

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Año 1977, Sandra, de 18 años, es actriz en la España de la transición, en un momento en el que ser joven y guapa te relega irremediablemente a hacer cine llamado del destape. Pero Sandra aspira a ser una actriz seria, importante, y sabe que para ello tiene un duro camino por delante. Durante una calurosa tarde de agosto, sola y angustiada por un embarazo no deseado, intenta decidir su futuro, entre improbables planes de viaje y sus aspiraciones a gran actriz.
La representación patria en la sección Noves Visions de la pasada edición del Festival de Sitges  vino de la mano de la modesta, pero estimable La última noche de Sandra M. de Borja de la Vega, película que se sumerge sin disimulo en el relato de ficción especulativo sobre las últimas horas de vida de la malograda actriz del destape Sandra Mozarowsky, una notable Claudia Traisac. De un claro talante teatral a nivel escénico y narrativo, y más próximo a un sugerido ejercicio de imaginación objetiva que un biopic entendido como al uso, el film de Borja de la Vega encierra bajo los postulados de crónica negra una sugerente doble lectura a modo de tratado de terror como noción básica de una subsistencia cuestionada, en donde visitas y llamadas amenazantes de origen anónimo actúan como una herramienta simple y efectiva a la hora de mostrar, con un aplicado aplomo dramático, la transición española, o el tardofranquismo como una entidad no material que imposibilita los sueños de la joven protagonista.
La última noche de Sandra M reinterpreta de forma bastante curiosa, y casi a modo de monologo que mezcla fantasía y realidad, conceptos ya vistos con anterioridad en cintas como Ema de Pablo Larraín,  Blonde de Andrew Dominik o la más reciente Priscilla de Sofia Coppola, la fama, o la antesala de ella, y una desviada exposición pública, como relato de soledad y miedo, que trasmuta en una obra opresiva y claustrofóbica próxima a una pesadilla que nos traslada a una especie de home invasión anclada en un perpetuo y poco complaciente estado mental.

Valoración 0/5: 3

La pesadilla arácnida, tráiler para «Sting» de Kiah Roache-Turner

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Reciente el estreno comercial en nuestro país  de la francesa Vermin acaba de aparecer un primer avance, en forma de tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta australiana Sting, nueva incursión en el subgénero de los arácnidos letales con Kiah Roache-Turner tras las cámaras, Wyrmwood (2014), Nekrotronic (2018), Wyrmwood: Apocalypse (2021).
Sting nos sitúa en una tormentosa noche en la ciudad de Nueva York, un misterioso objeto sin identificar cae del cielo y atraviesa la ventana de un viejo edificio de apartamentos. Es una especie de huevo, y de este emerge una pequeña y extraña araña. Charlotte es una niña rebelde de 12 años y obsesionada con los comics que descubre la extraña criatura y la adopta como supuesta mascota a la que denomina Sting. A medida que aumenta la fascinación de Charlotte por la araña, también aumenta su tamaño, creciendo a un ritmo monstruoso y con un apetito de sangre desmedido, desatando el pánico en el edificio.
La película, que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 12 de abril, cuento con un guion a cargo del propio Kiah Roache-Turner, estando protagonizada por Penelope Mitchell, Alyla Browne, Ryan Corr, Jermaine Fowler, Noni Hazlehurst, Robyn Nevin y Tony J Black.

Filmin recupera dos obras clave del Nuevo Extremismo Francés

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«Trouble Every Day» (16 de febrero) y «Martyrs» (15 de marzo) llegan al catálogo de Filmin de la mano de Vértigo Films
Filmin sumará en las próximas semanas a su catálogo de suscripción dos de las películas de terror más influyentes del siglo XXI: «Trouble Every Day», de Claire Denis (16 de febrero), y «Martyrs», de Pascal Laugier (15 de marzo). Ambas abanderaron una corriente cinematográfica a principios del milenio, el llamado Nuevo Extremismo Francés, heredero del gore y del cine de explotación estadounidense de los años 70. Bajo este paraguas algunos discursos críticos reunieron un puñado de películas francesas producidas en la primera década del siglo XXI que reconfiguraban el cine de terror apostando por altísimas dosis de violencia, una reflexión sobre el cuerpo, la carne y el erotismo deudora de Georges Bataille, y una celebración del exceso sádico. Las espantadas y desmayos en las proyecciones de estas películas configuraron la mejor campaña de marketing del movimiento, al que podemos sumar otros títulos clave como «Al interior» (Alexandre Bustillo, Julien Maury, 2007), «Frontière[s]» (Xavier Gens, 2007), «Alta tensión», (Alexandre Aja, 2003) o «Irreversible» (Gaspar Noé, 2002).
«Trouble Every Day» es sin duda una rareza dentro de la filmografía de Claire Denis («Un sol interior») y también una de las colaboraciones más exquisitas entre la directora y el grupo Tindersticks, responsables de la música en la mayoría de sus películas. Protagonizada por Vincent Gallo y Tricia Vessey, mezcla una trama asimilable al arquetipo del científico loco con el canibalismo que «padecen» algunos personajes a su pesar. A su vez, su extraño erotismo la emparentaba con la obra de otras autoras galas como Catherine Breillat o Virginie Despentes.

A «Martyrs», la película que puso en el mapa internacional a su director Pascal Laugier, no le quedaría ancha la etiqueta de ser considerada la película más violenta de todos los tiempos. Impacta por su salvajismo, perpetuado en el metraje con saña, pero también por el componente místico, trascendente y elevado de su desenlace que aporta extrañeza y remite a la etiqueta de culto del largometraje. La película nunca llegó a estrenarse en los cines españoles, y de hecho permanecía inédita en nuestro país hasta que Vértigo Film la editó en Blu-ray en 2021. Ahora debutará en plataformas digitales de la mano de Filmin.

Hawks! El zorro plateado de Hollywood

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La primera biografía integral de uno de los más grandes directores de la época dorada de Hollywood, un cineasta de versatilidad incomparable cuya filmografía incluye obras maestras en casi todos los géneros cinematográficos. Elegido en su momento como libro destacado del año por el New York Times, hasta ahora inédito en España. Hawks fue durante un tiempo compañero de negocios del excéntrico Howard Hughes, compañero de bebida de William Faulkner y Ernest Hemingway, fue adorado y elevado a la categoría de autor en derecho propio por los Cahiers du Cinéma, Truffaut, Godard, Bazin y compañía. Fue el más moderno de los grandes maestros del cine y uno de los primeros en declarar su independencia del sistema de los grandes estudios de Hollywood. Descubrió a Lauren Bacall y Montgomery Clift entre otros, pero su gran creación fue su propio personaje.

Este libro consigue clarificar la verdad de las palabras de Hawks, y como dijo The Atlantic Monthly, consigue trillar como nadie antes lo ha hecho las palabras del director, separando las mentiras de las verdades sobre su vida, sus habilidades, sus conocimientos y los autoengaños y decepciones . Entre sus trabajos: la cinta de gánsteres más influyente, la seminal Scarface; las comedias locas La fiera de mi niña y Luna nueva; los clásicos del cine negro El sueño eterno y Tener o no tener; el musical Los caballeros las prefieren rubias; se adentró en la ciencia-ficción con una de las películas de más influencia en el género, La cosa; dominó el western con Río Bravo; y perfeccionó el cine de aventuras con Sólo los ángeles tienen alas y Hatari!

Autor: Todd Mccarthy. Editorial: Hatari Books. Páginas: 818

Tráiler final para «The Sympathizer» de Park Chan-wook

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Acaba de ver la luz el tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de la nueva incursión televisiva, tras The Little Drummer Girl (2018), de coreano Park Chan-wook The Sympathizer, miniserie, que se estrenará vía HBO Max el próximo 15 de abril, que adapta la novela publicada en 2015 de Viet Thanh Nguyen ganadora del Pulitzer.
The Sympathizer nos sitúa en abril de 1975 en la ciudad de Saigón. En su villa, un general del ejército de Vietnam del Sur elabora una lista de los que recibirán pasaje a bordo de los últimos vuelos que salen fuera del país. El general y sus compatriotas pretenden comenzar una nueva vida en Los Ángeles, sin saber que uno de ellos, el capitán, está informando sobre el grupo a un superior en el Viet Cong. The Sympathizer es la historia de este capitán: un hombre criado por un padre francés ausente y una madre vietnamita pobre, un hombre que fue a la universidad en Estados Unidos, pero regresó a Vietnam para luchar por la causa comunista.
La miniserie de siete episodios, con guion adaptado a cargo de Don McKellar, está protagonizada por Robert Downey Jr., Hoa Xuande, Fred Nguyen Khan, Sandra Oh, Kieu Chinh, VyVy Nguyen, Kayli Tran, Evan Shafran, Grace Gordon, B.J. Minor, Duy Nguyen y Alan Trong.

https://youtu.be/f3HSTmG5Lhc?si=1IA-2-8OWVcObOt0