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«La última noche de Sandra M.» review

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Año 1977, Sandra, de 18 años, es actriz en la España de la transición, en un momento en el que ser joven y guapa te relega irremediablemente a hacer cine llamado del destape. Pero Sandra aspira a ser una actriz seria, importante, y sabe que para ello tiene un duro camino por delante. Durante una calurosa tarde de agosto, sola y angustiada por un embarazo no deseado, intenta decidir su futuro, entre improbables planes de viaje y sus aspiraciones a gran actriz.
La representación patria en la sección Noves Visions de la pasada edición del Festival de Sitges  vino de la mano de la modesta, pero estimable La última noche de Sandra M. de Borja de la Vega, película que se sumerge sin disimulo en el relato de ficción especulativo sobre las últimas horas de vida de la malograda actriz del destape Sandra Mozarowsky, una notable Claudia Traisac. De un claro talante teatral a nivel escénico y narrativo, y más próximo a un sugerido ejercicio de imaginación objetiva que un biopic entendido como al uso, el film de Borja de la Vega encierra bajo los postulados de crónica negra una sugerente doble lectura a modo de tratado de terror como noción básica de una subsistencia cuestionada, en donde visitas y llamadas amenazantes de origen anónimo actúan como una herramienta simple y efectiva a la hora de mostrar, con un aplicado aplomo dramático, la transición española, o el tardofranquismo como una entidad no material que imposibilita los sueños de la joven protagonista.
La última noche de Sandra M reinterpreta de forma bastante curiosa, y casi a modo de monologo que mezcla fantasía y realidad, conceptos ya vistos con anterioridad en cintas como Ema de Pablo Larraín,  Blonde de Andrew Dominik o la más reciente Priscilla de Sofia Coppola, la fama, o la antesala de ella, y una desviada exposición pública, como relato de soledad y miedo, que trasmuta en una obra opresiva y claustrofóbica próxima a una pesadilla que nos traslada a una especie de home invasión anclada en un perpetuo y poco complaciente estado mental.

Valoración 0/5: 3

La pesadilla arácnida, tráiler para «Sting» de Kiah Roache-Turner

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Reciente el estreno comercial en nuestro país  de la francesa Vermin acaba de aparecer un primer avance, en forma de tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta australiana Sting, nueva incursión en el subgénero de los arácnidos letales con Kiah Roache-Turner tras las cámaras, Wyrmwood (2014), Nekrotronic (2018), Wyrmwood: Apocalypse (2021).
Sting nos sitúa en una tormentosa noche en la ciudad de Nueva York, un misterioso objeto sin identificar cae del cielo y atraviesa la ventana de un viejo edificio de apartamentos. Es una especie de huevo, y de este emerge una pequeña y extraña araña. Charlotte es una niña rebelde de 12 años y obsesionada con los comics que descubre la extraña criatura y la adopta como supuesta mascota a la que denomina Sting. A medida que aumenta la fascinación de Charlotte por la araña, también aumenta su tamaño, creciendo a un ritmo monstruoso y con un apetito de sangre desmedido, desatando el pánico en el edificio.
La película, que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 12 de abril, cuento con un guion a cargo del propio Kiah Roache-Turner, estando protagonizada por Penelope Mitchell, Alyla Browne, Ryan Corr, Jermaine Fowler, Noni Hazlehurst, Robyn Nevin y Tony J Black.

Filmin recupera dos obras clave del Nuevo Extremismo Francés

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«Trouble Every Day» (16 de febrero) y «Martyrs» (15 de marzo) llegan al catálogo de Filmin de la mano de Vértigo Films
Filmin sumará en las próximas semanas a su catálogo de suscripción dos de las películas de terror más influyentes del siglo XXI: «Trouble Every Day», de Claire Denis (16 de febrero), y «Martyrs», de Pascal Laugier (15 de marzo). Ambas abanderaron una corriente cinematográfica a principios del milenio, el llamado Nuevo Extremismo Francés, heredero del gore y del cine de explotación estadounidense de los años 70. Bajo este paraguas algunos discursos críticos reunieron un puñado de películas francesas producidas en la primera década del siglo XXI que reconfiguraban el cine de terror apostando por altísimas dosis de violencia, una reflexión sobre el cuerpo, la carne y el erotismo deudora de Georges Bataille, y una celebración del exceso sádico. Las espantadas y desmayos en las proyecciones de estas películas configuraron la mejor campaña de marketing del movimiento, al que podemos sumar otros títulos clave como «Al interior» (Alexandre Bustillo, Julien Maury, 2007), «Frontière[s]» (Xavier Gens, 2007), «Alta tensión», (Alexandre Aja, 2003) o «Irreversible» (Gaspar Noé, 2002).
«Trouble Every Day» es sin duda una rareza dentro de la filmografía de Claire Denis («Un sol interior») y también una de las colaboraciones más exquisitas entre la directora y el grupo Tindersticks, responsables de la música en la mayoría de sus películas. Protagonizada por Vincent Gallo y Tricia Vessey, mezcla una trama asimilable al arquetipo del científico loco con el canibalismo que «padecen» algunos personajes a su pesar. A su vez, su extraño erotismo la emparentaba con la obra de otras autoras galas como Catherine Breillat o Virginie Despentes.

A «Martyrs», la película que puso en el mapa internacional a su director Pascal Laugier, no le quedaría ancha la etiqueta de ser considerada la película más violenta de todos los tiempos. Impacta por su salvajismo, perpetuado en el metraje con saña, pero también por el componente místico, trascendente y elevado de su desenlace que aporta extrañeza y remite a la etiqueta de culto del largometraje. La película nunca llegó a estrenarse en los cines españoles, y de hecho permanecía inédita en nuestro país hasta que Vértigo Film la editó en Blu-ray en 2021. Ahora debutará en plataformas digitales de la mano de Filmin.

Hawks! El zorro plateado de Hollywood

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La primera biografía integral de uno de los más grandes directores de la época dorada de Hollywood, un cineasta de versatilidad incomparable cuya filmografía incluye obras maestras en casi todos los géneros cinematográficos. Elegido en su momento como libro destacado del año por el New York Times, hasta ahora inédito en España. Hawks fue durante un tiempo compañero de negocios del excéntrico Howard Hughes, compañero de bebida de William Faulkner y Ernest Hemingway, fue adorado y elevado a la categoría de autor en derecho propio por los Cahiers du Cinéma, Truffaut, Godard, Bazin y compañía. Fue el más moderno de los grandes maestros del cine y uno de los primeros en declarar su independencia del sistema de los grandes estudios de Hollywood. Descubrió a Lauren Bacall y Montgomery Clift entre otros, pero su gran creación fue su propio personaje.

Este libro consigue clarificar la verdad de las palabras de Hawks, y como dijo The Atlantic Monthly, consigue trillar como nadie antes lo ha hecho las palabras del director, separando las mentiras de las verdades sobre su vida, sus habilidades, sus conocimientos y los autoengaños y decepciones . Entre sus trabajos: la cinta de gánsteres más influyente, la seminal Scarface; las comedias locas La fiera de mi niña y Luna nueva; los clásicos del cine negro El sueño eterno y Tener o no tener; el musical Los caballeros las prefieren rubias; se adentró en la ciencia-ficción con una de las películas de más influencia en el género, La cosa; dominó el western con Río Bravo; y perfeccionó el cine de aventuras con Sólo los ángeles tienen alas y Hatari!

Autor: Todd Mccarthy. Editorial: Hatari Books. Páginas: 818

Tráiler final para «The Sympathizer» de Park Chan-wook

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Acaba de ver la luz el tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de la nueva incursión televisiva, tras The Little Drummer Girl (2018), de coreano Park Chan-wook The Sympathizer, miniserie, que se estrenará vía HBO Max el próximo 15 de abril, que adapta la novela publicada en 2015 de Viet Thanh Nguyen ganadora del Pulitzer.
The Sympathizer nos sitúa en abril de 1975 en la ciudad de Saigón. En su villa, un general del ejército de Vietnam del Sur elabora una lista de los que recibirán pasaje a bordo de los últimos vuelos que salen fuera del país. El general y sus compatriotas pretenden comenzar una nueva vida en Los Ángeles, sin saber que uno de ellos, el capitán, está informando sobre el grupo a un superior en el Viet Cong. The Sympathizer es la historia de este capitán: un hombre criado por un padre francés ausente y una madre vietnamita pobre, un hombre que fue a la universidad en Estados Unidos, pero regresó a Vietnam para luchar por la causa comunista.
La miniserie de siete episodios, con guion adaptado a cargo de Don McKellar, está protagonizada por Robert Downey Jr., Hoa Xuande, Fred Nguyen Khan, Sandra Oh, Kieu Chinh, VyVy Nguyen, Kayli Tran, Evan Shafran, Grace Gordon, B.J. Minor, Duy Nguyen y Alan Trong.

https://youtu.be/f3HSTmG5Lhc?si=1IA-2-8OWVcObOt0

Proyecciones Xcèntric: Cine y Pedagogía. Jaime Barrios y los Young Filmmakers

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Las obras vinculadas a la experiencia pedagógica de la Young Filmmakers Foundation (1964-1974), a cargo del cineasta experimental chileno Jaime Barrios, junto con los educadores Rodger Larson y Lynne Hofer, revelan una historia del cine amateur aún por redescubrir. Esta sesión presenta las películas de adolescentes provenientes de las comunidades puertorriqueña y afroamericana en un agitado Lower East Side, tomando el cine como herramienta de expresión generacional.
Film Club (1968) documenta la vitalidad de los talleres de producción en 16 mm que tenían lugar tanto en Rivington Street como en el Movie Club del Henry Street Settlement, fundado por Bruce Spiegel. La película de Barrios nos permite participar en la efervescencia de la creación colectiva por la que pasaron más de mil alumnos a lo largo de los años: la experiencia material con las cámaras y el celuloide, el rodaje de cinco películas, las mesas de montaje y postproducción de sonido, así como su particular formato de distribución a través del Moviebus por los cinco distritos de Nueva York, proyectando las películas directamente en las paredes de los edificios.
Con el apoyo del Consejo de las Artes del Estado de Nueva York y medios rudimentarios, la gran diversidad formal y temática de los Young Filmmakers es testimonio de sus aspiraciones, frustraciones, sueños y placeres. Generando nuevos vínculos entre el cine underground neoyorquino y el latinoamericano, reinventaron el cine al ritmo de los Beatles, Willie Colón, Bob Dylan o Ray Barreto, formulando una visión particular sobre la masculinidad a través de coches de juguete (Superbug), la psicodelia y el consumo de drogas (Hip Jean Jeannie), una mirada lírica al amor adolescente (Young Love), la marginalidad y la rebeldía (Young Braves) y un desahogo profundo frente a la Guerra de Vietnam (America’s Best).
Film Club, Jaime Barrios, 1968, 16 mm, 26’; Superbug, Anthony Joseph, 1972, 16mm a digital, 8’;  Hip Jean Jeannie, Fred Pérez, 1970, 16mm a digital, 9’; Young Love, Linda Rivera, 1970, 16mm a digital, 6’; Young Braves, Michael Jacobsohn, 1968, 16mm a digital, 9’; America’s Best, Michael Jacobsohn, 1970, 16mm a digital, 15’.
Proyección en 16 mm y digital (VOSC).
Copia de Film Club procedente de The Film-Makers’ Cooperative. Copias restantes en digital procedentes de Michael Jacobsohn y cortesía de los artistas. Agradecimientos a Jessica Gordon-Burroughs.
Fecha: 21 abril 2024
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online

La fábula infantilizada, tráiler para «Riddle of Fire» de Weston Razooli

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Acaba de ver la luz un primer adelanto en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la ópera prima del realizador Weston Razooli Riddle of Fire. Película independiente que pretende recuperar conceptos de la aventura infantil como perpetuo happy place de un claro tono hipster, y que recurre a una narrativa adyacente y deudora de la cultura popular a través de una trama que apela tanto al lenguaje del videojuego, como a una suerte de fábula de tono medieval. El film, que tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Cannes dentro de la Quincena de Realizadores para pasar más tarde por certámenes como el TIFF o Sitges, llegará a nuestro país, aún sin fecha de estreno, de la mano de Flamingo Films.
En Riddle of Fire vemos como tres niños que tratan de encontrar la manera de quitar el control parental de su consola y de crear la receta perfecta para hacer un pastel de arándanos, salen a hacer un recado para su madre y se pierden por una América profunda llena de personajes extraños.
La película, con guion a cargo del propio Weston Razooli, esta protagonizada por Analeigh Tipton, Charles Halford, Danielle Hoetmer, Charlie Stover, Lorelei Mote, Phoebe Ferro, Sohrab Mirmont, Colleen Baum, Lonzo Liggins, Chuck Marra, Rachel Browne, Andrea Browne, Skyler Peters y Kent Richards.

John Waters, ‘gangsters queers’ y películas bastardas en Cineteca del mes de febrero

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El siempre controvertido John Waters y cuatro directoras que se introdujeron en el sistema de Hollywood en los años 70 completan la programación desviada de Cineteca para este mes
También el arte sonoro y el cine negro mostrarán su cara más insólita de la mano de los programas presentados por José Iges y Juan Dos Ramos
Una nueva entrega del ciclo Confesionario y las proyecciones del Japanese film festival se suman a las habituales secciones de Cineteca Madrid completando su programación
Cineteca conmemorará el Año Nuevo chino con la proyección de la película Chinas, de Arantxa Echevarría
Cineteca, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se desvía este mes de febrero de las vías principales de la historia del cine para reivindicar los caminos secundarios al encuentro de estilos híbridos y cruces insólitos entre géneros. El 30 aniversario de Los asesinatos de mamá será celebrado con un foco dedicado a la figura de John Waters y se ofrecerá una selección de musicales westerns y thrillers que escapan de los cánones establecidos.
Son muchos los directores que se han servido de los códigos establecidos de los géneros cinematográficos, manipulándolos y transgrediéndolos para encontrar nuevas formas de contar las cosas. En este programa, Cineteca recupera clásicos del cine que han utilizado la hibridación y la introducción de temas insólitos en películas de género para abrir nuevas vías en la exploración de los límites del medio cinematográfico.
El primer género elegido para mostrar películas transgresoras es todo un clásico de Hollywood: el western, dentro del ciclo Westerns desviados. El jueves 1 de febrero se proyectará First Cow (Kelly Reichardt, EEUU, 2019, 121’). A continuación, la multioscarizada Brokeback Mountain. En terreno vedado (Ang Lee, EEUU, 2005, 129′), que cuenta la historia de dos vaqueros gais, y Dead Man (Jim Jarmusch, EEUU, 1995, 124′), con un elenco plagado de estrellas como Johnny Depp, Billy Bob Thornton o el mismísimo Iggy Pop, que completa la triada.
En la sección dedicada a las películas desviadas del cine de terror, destaca la proyección de Anticristo (Dinamarca, 2009, 105′) del director danés Lars Von Trier, programada para el miércoles 7 de febrero. Además, se podrán ver la inquietante Crash (Canadá, 1996, 98’), de David Cronenberg y El asesino del taladro (Abel Ferrara, EEUU, 1979, 96′), ambientada en las calles más sórdidas de Nueva York.
También el género musical tiene muestras de películas que se salen de los cauces de los temas más convencionales a lo largo de la historia del cine. Cineteca proyectará, a finales del mes de febrero, Annette (Leos Carax, Francia, 2021, 140′) y El fantasma del paraíso (EEUU, 1974, 92′), del siempre sorprendente Brian de Palma.
Desvíos sónicos, encuentros con José Iges
Siguiendo con los desvíos, el sonido es el protagonista de este programa comisariado y presentado por el artista sonoro José Iges que, a lo largo de cuatro sesiones, esbozará una historia personal y sentimental del arte sonoro y sus precedentes, apoyada en la escucha de piezas de artistas fundamentales. Cuatro viajes inmóviles a través de paisajes, relatos, procesos y significados de géneros tan dispares como la escultura sonora, la instalación, el radioarte, el concierto o la acción, que tendrán lugar todos los jueves a partir del día 8 de febrero.
Gangsters maricas, extravagancia y furia en el cine negro
Otra muestra de desvío, esta vez en el cine negro: Cineteca presenta el programa Gangsters maricas, comisariado y presentado por Juan Dos Ramos, inspirado en su ensayo del mismo título, que documenta la infiltración de la figura del gangster queer en películas del cine negro americano y británico a lo largo del siglo XX, invitando a revisar la idea de masculinidad asociada con el género. Son cinco películas que recorren más de medio siglo de historia del cine, donde se encriptan códigos y personajes que hoy se asocian con las identidades disidentes comenzando por Gilda (EE. UU., 1946, 112′) de Charles Vidor, con los inolvidables Rita Hayworth y Glenn Ford como protagonistas.
Completan el ciclo Al rojo vivo (Raoul Walsh, EEUU, 1949, 114′), Performance (Nicolas Roeg, Reino Unido, 1970, 100′), Carretera perdida (David Lynch, EEUU-Francia, 1997, 134’) y la obra maestra del cine negro, Los sobornados (Fritz Lang, EEUU, 1953, 90′).
John Waters. Buscando la belleza en la basura
El siempre provocador director de Baltimore protagoniza con su obra este ciclo de tres películas que se debaten entre la poesía desenfrenada de Jean Genet y el naturalismo desprejuiciado de Andy Warhol, rompiendo sistemáticamente las reglas del cine de Hollywood. Cineteca aprovecha el 30 aniversario de Los asesinatos de mamá (EEUU, 1994, 97′), que se proyectará el jueves 29, para reivindicar el papel fundamental de Waters en la creación de un cine desviado, presentando además las siguientes obras: Hairspray, fiebre de los 60 (EEUU, 1988, 92′) y Cry-Baby (El lágrima) (EEUU, 1990, 85′).
Working girls. La generación perdida del nuevo cine estadounidense
El ciclo Working Girls. La generación perdida del nuevo cine estadounidense presentará la obra de cuatro directoras que se introdujeron en el sistema de estudios de Hollywood en los años 70: Nancy Savoca, Claudia Weill, Joyce Chopra y Joan Micklin Silver. En un circuito comercial preponderantemente masculino, desarrollaron filmografías únicas y marcadas, si bien nunca de forma explícita, por la eclosión del feminismo.
Este programa de Irene Castro y Noah Benalal, fundadoras del proyecto Roedor que se dedica a la recuperación de películas poco conocidas en nuestro país, acercará a Cineteca los siguientes títulos: Household Saints (Nancy Savoca, EEUU, 1993, 124′), Las amigas (Claudia Weil, EEUU, 1978, 86′), Palabras suaves (Joyce Chopra, Reino Unido-EEUU, 1985, 92′) y A Fish in the Bathtub (Joan Micklin Silver, EEUU, 1998, 96′).
Estrenos y segundo mes de Confesionario: El cine iluminado de Sandra Davis
Los estrenos que Cineteca ofrecerá en febrero incluyen la proyección de Mudos testigos (Luis Ospina, Jerónimo Atehortúa Arteaga, Colombia, 2023, 79′), película póstuma de Luis Ospina en colaboración con Jerónimo Atehortúa, que narra una fantástica historia de amor construida a modo de collage con metraje encontrado de películas mudas colombianas de principios del siglo XX. También se proyectarán las últimas películas de Ion de Sosa Mamántula (España, 2023, 45′) y Velasco Broca Alegrías riojanas (España, 2022, 28′), que transgreden sistemáticamente los códigos de los géneros cinematográficos en historias desbordantes de imaginación. Entre otros estrenos, se podrán ver dos de las últimas obras del infatigable Pablo Llorca: Película del hierro y la nieve (España, 2023, 107′) y Sexo, drogas, rock ‘n’ roll y política. Instituto Santamarca 1975–1985 (España, 2024, 118′).
La sesión del programa mensual Confesionario, comisariado por el artista e historiador Pablo Marín, trae a Cineteca este mes la obra de la norteamericana Sandra Davis, figura insólita del cine de vanguardia. Se proyectarán tres de sus películas en formato de 16mm.
Japanese film festival: Special world tour 2024 y otras secciones
Además, el mejor cine japonés contemporáneo llega un año más a Cineteca Madrid de la mano de la Fundación Japón, con una muestra de seis películas que dan cuenta de las inquietudes de las nuevas generaciones de cineastas japoneses. Las proyecciones irán acompañadas por presentaciones de expertos y cineastas que acercarán la realidad de un panorama cinematográfico tan desconocido como estimulante.
Tampoco faltarán a su cita mensual las secciones más habituales de Cineteca como Cinezeta, Cineteca en familia, Relatos del ruido, Así son las cosas, La noche Z, Imprescindibles TVE, Ciclo Docma o CIMA en corto, además del pase especial de El dulce sabor del éxito (Emanuele Giusto y Carlos Tejeda, 2020, España, 75’). En conmemoración del Año Nuevo chino, se proyectará Chinas (2023, España, 118’), de Arantxa Echevarría, que muestra desde dentro la vida de una familia de la comunidad china residente en Madrid.
La programación de febrero en Cineteca Madrid incluye varios títulos no recomendados para menores de 18 años: El asesino del taladro (Abel Ferrara, EEUU, 1979), Los asesinatos de mamá (John Waters, EEUU, 1994), Crash (David Cronenberg, Canadá, 1996), Anticristo (Lars Von Trier, Dinamarca, 2009), Molina’s Ferozz (Jorge Molina, Cuba, 2010) y Mamántula (Ion de Sosa, España-Alemania, 2023).

 

El demonio en directo, primer tráiler para «Late Night with the Devil»

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Acaba de ver la luz vía IFC Films un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta de terror australiana Late Night with the Devil, película, presente en la pasada edición del Festival de Sitges dirigida por los hermanos Cameron Cairnes y Colin Cairnes, que cuenta con el principal referente de la estupenda Ghostwatch a través de una historia que sustituye el terror en tiempo real por una suerte de found footage de tono vintage que nos traslada a los años 70, desplegando una ingeniosa mirada sobre la fascinación y credulidad de América por lo oculto y las consecuencias que acarrea el anhelo de éxito bajo cualquier tipo de circunstancias.
Situada a medio camino entre Network y Rosemary’s Baby, y pervirtiendo el concepto del reality show, el film de Cameron Cairnes y Colin Cairnes, que cuenta con un extraordinario David Dastmalchian, por fin en un papel principal, atesora uno de los clímax mejor llevados en relación con su puesta en escena del reciente cine de terror.
El film llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 22 de marzo, a nuestro país lo hará el 24 de mayo para meses después estar disponible a través de Filmin.
Late Night with the Devil nos sitúa en vísperas del 31 de octubre de 1977. Night Owls, el programa nocturno de entrevistas de Jack Delroy, es el espacio favorito para los insomnes de los Estados Unidos. Ahora bien, un año después de la trágica muerte de su esposa, los índices de audiencia se han desplomado. Desesperado por mejorar su suerte, Jack planea un especial de Halloween, sin saber que está a punto de llevar el mal a los hogares americanos.
La película, con guion a cargo de los propios Cameron Cairnes y Colin Cairnes, está protagonizada por David Dastmalchian, Laura Gordon, Ian Bliss, Fayssal Bazzi, Christopher Kirby, Ingrid Torelli, Josh Quong Tart y Rhys Auteri.

FlixOlé amplía su catálogo de Goyas con nuevos estrenos

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La plataforma ha incorporado a su catálogo Solas y La boda de Rosa, y estrenará en febrero otros títulos también galardonados en la gala, como El lobo y Moros y cristianos.
FlixOlé llega a la 38ª edición de los Goya batiendo récord de goyas en su catálogo y convirtiéndose en la plataforma con más ‘cabezones’: 140 películas galardonadas y más de 330 premios. Y lo hace con el estreno de títulos como: Solas y Habana Blues (Benito Zambrano, 1999 y 2005, respectivamente), La boda de Rosa (Icíar Bollaín, 2020), La flaqueza del bolchevique (Manuel Martín Cuenca, 2002); además de los cortos de animación Blue&Malone: casos imposibles (Abraham López Guerrero, 2020) y Madrid 2120 (José Luis Quirós y Paco Sáez, 2019). Un listado de goyas al que se sumará el estreno el viernes 16 de febrero de Moros y cristianos (Luis García Berlanga, 1987), y de El lobo (Miguel Courtois, 2004) el día 23 del presente mes.
Para celebrarlo, FlixOlé ha presentado varias colecciones que permiten disfrutar de las grandes ganadoras de la ceremonia. También de los títulos que se pasearon por la alfombra roja y los largometrajes en los que Juan Mariné, próximo Goya de Honor, intervino como director de fotografía.
A través del especial ‘Arrasaron en los Goya’, se podrá acceder a las películas que más estatuillas consiguieron llevarse a casa: Mar adentro (Alejandro Amenábar, 2004), ¡Ay, Carmela! (Carlos Saura, 1989), Días contados (Imanol Uribe, 1994), Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (Agustín Díaz Yanes, 1995), Las brujas de Zugarramurdi (Álex de la Iglesia, 2013), La buena estrella (Ricardo Franco, 1997) y Tarde para la ira (Raúl Arévalo, 2016). Así hasta un total de 14 filmes que acapararon los focos; y entre los que se encuentra el reciente estreno de Solas, la ópera prima con la que Benito Zambrano reflejó temas tan sensibles como la soledad y el maltrato.

La actriz Candela Peña, en la película ‘La boda de Rosa’

‘Cine con Goya’ y homenaje a Juan Mariné
La segunda colección, que lleva por nombre ‘Cine con Goya’, recoge más de 120 títulos que fueron galardonados por la Academia de Cine. Dentro de dicho especial se han incluido La boda de Rosa, tragicomedia sobre la importancia de cuidarse y respetarse a uno mismo; La flaqueza del bolchevique, adaptación de la novela de Lorenzo Silva que descubrió a María Valverde al espectador, llevándose el Goya a Mejor actriz revelación; los premiados en la categoría de Mejor cortometraje de animación en sus respectivas ediciones, Madrid 2120 y Blue&Malone: casos imposibles; así como el drama que Benito Zambrano mezcló con sonidos cubanos en Habana Blues.
La plataforma se suma además a la fiesta del cine español repasando la carrera de Juan Mariné, quien recibirá el Goya de Honor en la presente edición. El restaurador e investigador cinematográfico desarrolló una prolífica carrera como director de fotografía, dejando un creativo legado que se puede visitar en la colección que FlixOlé le ha dedicado. La misma alberga desde sus primeros trabajos hasta la última película en la que ejerció dicho rol: La grieta (Juan Piquer Simón, 1990).

FlixOlé estrenará el próximo 16 de febrero la película de Luis Berlanga, ‘Moros y cristianos’

Nuevas incorporaciones en febrero
A lo largo del mes de febrero, el servicio de vídeo bajo demanda especializado en cine español incorporará otros dos largometrajes que también se han dejado ver por la gala. El primero será la alocada comedia coral de Luis García Berlanga: Moros y cristianos, cuyo estreno el próximo 16 de febrero completa así la filmografía del director valenciano disponible en FlixOlé.
Una semana después, el 23 de febrero, llegará al catálogo de la plataforma El lobo. Este thriller protagonizado por Eduardo Noriega y que relataba en la gran pantalla la historia de uno de los primeros agentes infiltrados en la banda terrorista ETA, se convirtió en uno de los grandes éxitos del cine español en el año de su estreno. Asimismo, el filme obtuvo el Goya a Mejor montaje y Mejores efectos especiales.

 

 

Carlos Enrique Taboada. El Duque del terror mexicano

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La figura de Carlos Enrique Taboada es más bien conocida tanto, en su país natal como en el resto del mundo, como la de un director de cine de terror de culto, y en realidad, así es. Pero el cine de Taboada va más allá de sus estupendos films de horror. El director mexicano fue además un gran guionista, trabajo con el que destacó en el cine, unos argumentos que supo magnificar tanto para sus propias cintas, como para las de los directores más alabados de la filmografía mexicana. También fue un hombre comprometido con las causas justas, y el avance hacia una mejor vida de su país, temas que fueron fuertemente tocados en sus películas, así como en sus guiones. Taboada dirigió una serie de producciones que, como ya he comentado, van más allá de sus films terroríficos, creando ambientes y situaciones de gran calado emocional, tanto como ahondaba en la psique del ser humano, creando personajes que van desde los más ruines, a los más apacibles. Por la tanto, con este volumen, el autor ha querido rendir un sentido homenaje a uno de los grandes nombres del cine azteca, desde un sentido respetuoso y afable, sin más pretensiones de dar a conocerlo un poco más entre el público.
Autor: Antonio Piñera García. Editorial:. Páginas: 199

La poética rural, tráiler y póster para «La chimera» de Alice Rohrwacher

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Una de las realizadoras más interesantes del momento es sin duda la italiana Alice Rohrwacher, después del reconocimiento obtenido con su anterior Lazzaro feliz (2018) la responsable de Le meraviglie (2014) sigue indagando en ese realismo mágico tan característico en su cine con la cinta La chimera, film cuyo tráiler subtitulado al inglés acaba de ver la luz vía Neon y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Después de su premier mundial en el pasado Festival de Cannes la película llegará a los cines de nuestro país de la mano de Elástica Films el próximo 12 de abril de 2024.
En La chimera vemos como un joven extranjero llamado Arthur lidera una banda de saqueadores de tumbas etruscas. Lo tiene fácil, puede sentir el vacío. El vacío de la tierra en la que yacen los restos de un mundo antiguo. El mismo vacío que deja en él el recuerdo de su amor perdido.
La película, con guion a cargo de la propia Alice Rohrwacher, está protagonizada por Josh O’Connor, Isabella Rossellini, Alba Rohrwacher, Carol Duarte, Vincenzo Nemolato, Milutin Dapcevic, Chiara Pazzaglia y  Julia Vella.

Filmin estrena la serie «El Quinto Mandamiento», un true crime con Timothy Spall

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Filmin estrena el próximo martes 13 de febrero, en exclusiva en España, la serie británica “El Quinto Mandamiento”, un drama basado en hechos reales en el que Timothy Spall (“Mr. Turner”) interpreta a Peter Farquhar, el inspirador exprofesor que, en 2015, a sus 69 años, fue asesinado por el joven capillero con quien mantenía una relación sentimental, Ben Field (Éanna Hardwicke). Firmada por Sarah Phelps (“Un escándalo muy británico”) y dirigida por Saul Dibb (“Senderos de honor”), la serie es uno de los platos estrella de la temporada de la BBC y ha sido descrita por The Guardian como “la pieza televisiva más inmaculada que verás jamás”.

Peter es un profesor homosexual que, por sus creencias y carácter, ha vivido reprimido toda su vida. Su alumno Ben, con su talante cortés y encantador, vislumbra la soledad de Peter y su clemente desesperación por hallar cualquier tipo de compañía. Con un poco de afecto y amor profesado por Jesucristo, el joven consigue entrar en la vida de Peter y hacerle creer que ha encontrado a su alma gemela. El veneno penetra en su relación de forma metafórica y literal. Primero, cuando Ben aísla al profesor del mundo y le induce en una espiral de luz de gas; después, cuando el alumno termina con la vida del docente.

Pero Peter no es el único. Detrás de él cae su vecina y amiga Anne Reid (Ann Moore-Martin, “Sanditon”), una señora de 83 años sobre quien Peter también echa el ojo y la garra, sometiéndola a diferentes formas de seducción, persuasión y envenenamiento.

“La serie va sobre la soledad y el amor”, explica Spall, “sobre los sueños cumplidos que son demasiado bonitos para ser verdad […]. No es una historia de manipulación al uso, en la que se suele ver a la víctima como una marioneta. Es mucho más sofisticado. Se habla de cómo las personas más inteligentes pueden ser engañadas por sus propios deseos consumados. Todo en base a una psicología muy sutil interpretada brillantemente por el joven actor Éanna Hardwicke, quien aparenta ser genuino, amable y servicial incluso cuando las cosas se ponen complicadas”.

El título original de la serie es “The Sixth Commandment” (El Sexto Mandamiento), en referencia al capítulo de la Ley de Dios que “prohíbe matar”. Sin embargo, el título se ha traducido al español como “El Quinto Mandamiento”, pues los católicos siguen una numeración distinta a los protestantes –anglicanos, en este caso–. Los 4 capítulos de 60 minutos que forman la serie estarán disponibles solo en Filmin a partir del 13 de febrero.

Terror en la campiña, tráiler para «Immaculate» de Michael Mohan

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Aún reciente la estupenda Hermana muerte de Paco Plaza, otras cintas para ponernos un poco en contexto serian por ejemplo la curiosa Agnes de Mickey Reece o la algo más lejana y reivindicable Dark Waters de Mariano Baino, el terror religioso sigue siendo una buena fuente de ideas a la hora mostrar en la gran pantalla historias en donde la religión, y todo la adyacente a ella, se erigen como un subgénero propio dentro del fantástico. Immaculate, cuyo primer tráiler vía Neon acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a su póster original, supone una nueva indagación en dicha temática. La película, dirigida por Michael Mohan (The Voyeurs 2021), se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 22 de marzo, a nuestro país de la mano de Diamond Films llegará el 26 de abril.
Immaculate nos muestra como Cecilia, una joven mujer de fe devota, recibe una calurosa bienvenida en la campiña italiana, donde se le ofrece un nuevo puesto en un ilustre convento. Sin embargo conforme pasa el tiempo más claro le resulta a Cecilia que su nuevo hogar alberga oscuros y horribles secretos.
La película, con guion a cargo de Andrew Lobel, está protagonizada por Sydney Sweeney, Simona Tabasco, Álvaro Morte, Benedetta Porcaroli, Giampiero Judica, Dora Romano y Giorgio Colangeli.

Los últimos trabajos de David Trueba e Isaki Lacuesta competirán en el 27 Festival de Málaga

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‘El hombre bueno’, ‘Los pequeños amores’ y ‘Segundo premio’ participarán en la Sección Oficial a concurso

Las películas españolas El hombre bueno, de David Trueba; Los pequeños amores, de Celia Rico; y Segundo premio, dirigida por Isaki Lacuesta y codirigida por Pol Rodríguez, concursarán en la Sección oficial del 27 Festival de Málaga, que tendrá lugar del 1 al 10 de marzo de 2024.

El hombre bueno

El director y escritor David Trueba regresa al Festival de Málaga con su última película, El hombre bueno, producida por Buenavida Producciones y Perdidos G.C, con un reparto formado por Jorge Sanz, Macarena Sanz y Vito Sanz.

Vera (Macarena Sanz), Juan (Vito Sanz) y su hija Manuela viajan a Mallorca para pasar unos días en una casa idílica frente al mar propiedad de Alonso, antiguo compañero de trabajo de Juan, que tras perder a su pareja decidió retirarse del mundo. Han tomado la decisión de separarse y quieren que Alonso (Jorge Sanz) ejerza de hombre bueno, un mediador que les ayude en el proceso. Aislados en la casa frente al mar, llegará para todos ellos el momento de revelar los secretos y de enfrentarse con la idea del amor y de la pérdida.

La buena vida (1996), presentada en la Quincena de los Realizadores de Cannes, fue la primera película de David Trueba como director. En el año 2000 dirige Obra maestra y en 2003, Soldados de Salamina, presentada en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes y nominada a ocho premios Goya. Con Bienvenido a casa (2006), recibió el premio al Mejor Director en el Festival de Málaga. En 2011 participó en la sección oficial del festival de Sundance con Madrid, 1987. En 2013 dirige Vivir es fácil con los ojos cerrados, que recibe seis Premios Goya entre ellos los de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion. Casi 40 (2018) recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Málaga. En 2020 presenta en este mismo festival la película A este lado del mundo. En 2023 estrena Saben aquell, galardonada con 7 premios Gaudí y nominada a 11 premios Goya.

Los pequeños amores

Celia Rico Clavellino dirige y firma el guion de Los pequeños amores, producción hispano-francesa de Arcadia Motion Pictures, Viracocha Films y Noodles Productions, que cuenta con la financiación del ICAA-Ministerio de Cultura, el apoyo del ICEC, CNC y MEDIA Europa Creativa, y la participación de RTVE, TVC y Filmin, y distribuida por Bteam Pictures.  Las ventas internacionales corren a cargo de Latido Films.

Los pequeños amores cuenta en su reparto con María Vázquez, Adriana Ozores y Aimar Vega y narra la historia de Teresa, quien cambia sus planes de vacaciones para ayudar a su madre, que ha sufrido un pequeño accidente. Madre e hija pasarán juntas un verano de lo más sofocante, en el que no conseguirán ponerse de acuerdo ni en las cosas más triviales. Sin embargo, la obligada convivencia removerá más de lo esperado y en las noches estivales Teresa vivirá momentos reveladores junto a su madre.

Celia Rico comenzó como guionista y directora con el multipremiado corto Luisa no está en casa, única representación española en La Biennale di Venezia en 2012 y ganadora del Premio Gaudí (2013). Viaje al cuarto de una madre, su ópera prima, se estrenó en New Directors del Festival de Cine de San Sebastián (2018), donde obtuvo la Mención Especial del Jurado. La película obtuvo cuatro nominaciones a los premios Goya y se alzó, entre otros, con cuatro premios Gaudí, un premio Feroz y cuatro premios Asecan, y la nominación a mejor ópera prima en los Premios Platino. Celia también ha trabajado en animación, cocreando la serie infantil Mironins y publicando el libro Celia se aburre (2017). Los pequeños amores es su segundo largometraje de ficción.

Segundo premio

Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez codirigen Segundo premio, producción hispano-francesa de La Terraza Films, Áralan Films, Ikiru Films, Bteam Prods, Sideral Cinema, Capricci, Los Ilusos Films y Toxicosmos AIE, distribuida por Bteam Pictures.

Segundo premio cuenta con la participación de RTVE, Canal Sur, 3CAT, Movistar Plus+, Mogambo, Vodafone y Crea SGR; en asociación con Latido; con la financiación del Gobierno de España Ministerio de Cultura y Deporte; con el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y la Región Nouvelle-Aquitaine en colaboración con el CNC; con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid, la Comunidad de Madrid, la Diputación de Granada, Film In Granada y el Ayuntamiento de Granada.

Isaki Lacuesta y Fernando Navarro firman el guion de esta película, protagonizada por Daniel Ibáñez, Cristalino, Stéphanie Magnin, Mafo, Chesco Ruiz y Edu Rejón.

Granada, finales de los 90. En plena efervescencia artística y cultural, un grupo de música indie vive su momento más delicado: la bajista rompe con la banda buscando su sitio fuera de la música y el guitarrista está inmerso en una peligrosa espiral de autodestrucción.  Mientras, el cantante se enfrenta a un complicado proceso de escritura y grabación de su tercer disco. Nadie sabe que ese disco cambiará para siempre la escena musical de todo el país. Esta (no)es una película sobre los Planetas.

Isaki Lacuesta, doble ganador de la Concha de Oro del Festival de San Sebastián por “Los pasos dobles” (2011) y “Entre dos aguas” (2018). Ha dirigido, entre otras, las películas “La leyenda del tiempo”, “Los Condenados”, “La noche que no acaba” y “La próxima piel”. Esta última tuvo su estreno en el Festival de Málaga. En 2022, estrenó “Un año, una noche” la cual compitió en la Sección oficial de la Berlinale.

Pol Rodriguez con su primer largometraje de ficción, “Quatretondeta» obtuvo 2 Biznagas en el Festival de Málaga. También ha dirigido capítulos de la serie «Deudas», y segundas unidades de películas como «Carta a Eva», «Descalzo sobre la tierra roja» y «Don’t grow up”. Ha realizado series documentales como la aclamada «Match Day”, o la serie documental «Year Zero» seleccionada en la sección oficial de Tribeca y producida por la ganadora de un Oscar, Kathryn Bigelow.

 

Proyecciones Xcèntric: Dominio público. Hollis Frampton

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Straits of Magellan: Drafts & Fragments (Hollis Frampton, 1974)

¿Es el cine un invento sin futuro? Esta sesión dedicada a Hollis Frampton intenta, de alguna manera, responder a esa pregunta y, además, percibir qué papel jugaron las primeras películas, incluidas las de los hermanos Lumière, y la historia del cine en la obra del cineasta americano.
Hollis Frampton realizó Public Domain y Straits of Magellan: Drafts & Fragments en un momento en que su obra giraba alrededor de Magellan, su último gran ciclo inconcluso de películas. Esta obra inacabada explicita una concepción del cine y de su historia desvinculada de lo artístico y enlazada con todos los materiales que se filmaron, no importa con qué propósito, una especie de film infinito, en el que el cineasta de Ohio trabaja como un arqueólogo intentando restituir algunos de sus monumentos. En esta sesión intentaremos rastrear algunos de ellos, más concretamente los vinculados con las primeras películas que se realizaron, como las de los hermanos Lumière o las de Edison.
Frampton pasó mucho tiempo en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos investigando su colección de películas impresas en papel, filmes del llamado periodo «primitivo» hechos antes de 1912 cuyos derechos son de dominio público. Planeaba usar muchas de estas piezas, de aproximadamente un minuto de duración, como leitmotiv compositivo de Magellan. De este trabajo de archivo resultó, entre otras obras, Public Domain, compuesta por películas antiguas ordenadas alfabéticamente, entre las que se incluye Record of a Sneeze (1894) y Electrocuting an Elephant (1902), de Edison.
Por otro lado, Straits of Magellan configura un catálogo de «actualidades» hecho por Frampton que evoca el cine de los hermanos Lumière. En muchos casos se trata de una alusión directa, como en la reelaboración que el cineasta americano hizo de Démolition d’un mur (1895); en otros, metafórica: los operadores Lumière, al igual que Magallanes, viajaron por todo el mundo atrapando imágenes de distintos parajes. De las 720 películas mudas de un minuto que Frampton tenía previsto rodar, solo se hicieron 49, pero estos bocetos y fragmentos son un elemento central de Magellan, que, además de evocar el primer cine, reflexionan, a través de una serie de analogías, sobre lo que significa ver en el cine.
Hollis Frampton: Public Domain, 1972, sin sonido, 14’; Drafts & Fragments Straits of Magellan, 1974, sin sonido, 51’.
Proyección en 16 mm.
Copias procedentes de The Film-Makers’ Cooperative.
Fecha: 22 febrero 2024
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

La pesadilla cósmica, primer tráiler para «Lovely, Dark and Deep» de Teresa Sutherland

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Conocida por ser la responsable del libreto de la interesante The Wind (Emma Tammi 2018, critica aquí) y participar en el guion de la serie Midnight Mass, Teresa Sutherland debuta tras las cámaras con Lovely, Dark and Deep, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis visionar a final de página junto a un par de carteles oficiales. Cinta de terror psicológico con derivaciones a la pesadillas cósmica, que parte de la premisa argumental  de las cientos de desapariciones ocurridas en los parques nacionales de EE.UU, que tuvo su premier mundial el pasado año en el marco del Fantasia Film Festival y que llegará a Estados Unidos vía VOD, y a través de un estreno limitado en cines, el próximo 22 de febrero de 2024.
En Lovely, Dark and Deep vemos como una joven mujer llamada Lennon aprovecha la oportunidad de asumir un puesto de guardabosques en un lugar alejado de la civilización. Mientras intente adaptarse a su solitaria nueva existencia en lo profundo de la naturaleza, empieza a percatarse de una presencia siniestra que le acecha. Impulsada por la necesidad de obtener respuestas, se embarca en un viaje a través del amenazador terreno, intentando desvelar un oscuro secreto que la ha perseguido desde su  infancia.
La película, con guion a cargo de la propia Teresa Sutherland, está protagonizada por Georgina Campbell, Nick Blood, Wai Ching-Ho, Edgar Morais, Maria de Sá, Paul S. Tracey, Soren Hellerup, Raquel Rocha Vieira, Celia Williams y Ana Sofia Martins.

 

Escritura fílmica y disidencia. La obra cinematográfica de José Antonio Nieves Conde (1947-1958)

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El presente libro realiza un recorrido analítico por la filmografía de José Antonio Nieves Conde entre 1947 y 1958 con el objeto de explorar sus constantes formales, narrativas y temáticas, así como de concretar los estilemas enunciativos de una escritura fílmica que se distancia de los modelos canónicos del cine español del periodo a través de la estilización visual y la hibridación genérica, al tiempo que articula un punto de vista disidente, desencantado y crítico con respecto a la realidad político-social de la España autárquica, contraviniendo la idílica e idealizada imagen oficial que el gobierno franquista se esforzaba en difundir. Estas características convierten la obra del director segoviano en exponente de las posibilidades expresivas y narrativas que nuestro cine alcanzó a mediados del siglo pasado, desarmando la idea de homogeneidad discursiva, narrativa y formal que sobre el cine español de posguerra había predominado entre la historiografía fílmica.

La labor analítica está acompañada de una profunda investigación historiográfica y documental, durante la que se han consultado documentos procedentes del archivo personal del cineasta, noticias y críticas aparecidas en los diarios y las revistas cinematográficas de la época, diversa documentación administrativa y los expedientes de rodaje y de censura de cada una de las películas abordadas, entre las que se incluyen obras de la importancia de Balarrasa (1951), Surcos (1951), Los peces rojos (1955) o El inquilino (1957).

El autor

Rubén Higueras Flores, Docente del Departamento de Sociología y Comunicación de la Universidad de Salamanca. Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid. Es autor de los libros La escritura (in)visible: 50 películas esenciales para estudiar el cine clásico (con Aarón Rodríguez; UOC, 2018), Jacques Tourneur (Cátedra, 2016) y Guía para ver y analizar La matanza de Texas (Nau Llibres, 2014). Ha publicado artículos en las revistas científicas Fonseca, ZER, Documentación de las Ciencias de la Información, Comunicación, Fotocinema, Tripodos, Archivos de la Filmoteca y L’Atalante y coordinado diversos libros colectivos; entre ellos, Josef von Sternberg. Estilización y deseo (Shangrila, 2020) y Vida en sombras. El hechizo del cine, la herida de la Guerra (con José Luis Castro de Paz; Shangrila, 2018). Además, ha participado en los libros El deseo femenino en el cine español (1939-1975). Arquetipos y actrices (Cátedra, 2021), Viajes de cine. El relato del turismo en el cine hispánico (Tirant lo Blanch, 2017) o Diccionario de términos y conceptos audiovisuales (Cátedra, 2015), entre otros. Es miembro del consejo de redacción de Fotocinema. Revista científica de cine y fotografía, de la Universidad de Málaga.
Autor: Rubén Higueras Flores, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 404

«Best Wishes to All» review

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Una joven estudiante de enfermería visita a sus abuelos en el campo. La reunión familiar se inicia de forma placentera, pero poco a poco el reencuentro se convierte en algo extraño e incómodo. ¿El motivo? Hay algo en la casa de los abuelos. Tras descubrir ese secreto, su vida feliz se convertirá en un infierno.
Dentro de la compleja labor de poder llegar a discernir alguna corriente nueva y sólida dentro del fantástico actual, se atisban dos apuntes a destacar surgidos en el ecosistema de festivales de género de 2023, por un lado, el asentamiento de un determinado cine francés que utiliza coordenadas del fantástico a la hora de ensamblar el relato a un poco disimulado contenido de índole social, películas como Le règne animal, Vincent doit mourir o Vermin, por poner algunos ejemplos, así lo atestiguan, y segundo, un tímido resurgimiento del terror asiático, subgénero en estado aletargado desde hace muchos años, a tal respecto la ópera prima del japonés Yûta Shimotsu Best Wishes to All parte de uno de los conceptos argumentales más originales vistos el pasado año en Sitges, al generar una serie de imágenes y situaciones insólitas, lindando con el terror, que hacen que la historia se posicione por delante de la percepción del espectador, posicionamiento que curiosamente se postula como antítesis de las películas arriba mencionadas, pues aquí el concepto fantástico actúa como eje central que desarrolla en su parte final un discurso sustentado en la alegoría social.
Posiblemente esa supuesta originalidad, de la que hace gala una película de las características de Best Wishes to All, hacia nuevas vías narrativas, sea a día de hoy el único camino valido a la hora de resucitar cinematografías cuya afiliación a según qué géneros no parte, como por ejemplo en gran parte de Occidente, de la reinterpretación o reedición temporal de una formula ya exitosa en el pasado.
Basado en su propio corto homónimo, la película de Yûta Shimotsu se sitúa a medio camino entre las extrañas texturas del cine de Kiyoshi Kurosawa y un trazo bizarro digno de imaginarios que parecen surgidos de la mente de un Hitoshi Matsumoto o Junji Ito. A tal respecto Best Wishes to All, que de alguna manera pervierte ciertas ideas vistas en la excelente The Visit de M. Night Shyamalan, cuestiona la estabilidad familiar y el sacrificio generacional que conduce a una supuesta armonía social. Su condición de rara avis, como relato metafórico que se sustenta en un tono inaudito, que trasgrede el concepto de la normalidad y la cotidianidad, mediante reminiscencias de leyendas autóctonas, no indica dada su particularidad que estemos ante una película que abra nuevas vías dentro del ahora extinto J-Horror, seguramente sí sea reconocida como vía alternativa de un tímido resurgimiento de ciertas autorías asiáticas provistas de ideas atrevidas, que lejos del concepto de industria son intuidas como periféricas, aquellas que intentan indagar desde la introspección en ese otro cine fantástico dispuesto a alejarse de fórmulas preconcebidas, aquí plasmadas a través de tangibles ecos existencialistas, en donde el idealismo inherente en la juventud cosmopolita trasmuta en una resignación causada por un realismo que aquí es percibido como terrorífico.

Valoración 0/5:3

 

 

Primer tráiler para «Longlegs», lo nuevo de Oz Perkins

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Interesante la trayectoria como director de Oz Perkins hasta este momento dentro del fantástico, tras dos primeros trabajos tan a tener en cuenta como The Blackcoat’s Daughter (2015) y la reivindicable I Am the Pretty Thing That Lives in the House (2016), su reinterpretación en clave de terror del clásico Gretel & Hansel (2020) supuso de alguna manera un impasse solo interrumpido con su participación en la fallida re visitación de la fundamental The Twilight Zone a cargo de Jordan Peele. Longlegs, film de terror psicológico cuyo primer tráiler oficial vía Neon, que ya inició una inteligente campaña de marketing semanas atrás, acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a su póster promocional, supone su nuevo trabajo tras las cámaras. La película, que vendrá a nuestro país de la mano de DeAPlaneta, tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 12 de julio de 2024.
En Longlegs vemos como a medida que el caso de un  escurridizo asesino en serie sin resolver va tomando giros cada vez más oscuros, la agente del FBI Lee Harker descubrirá nueves evidencias y una conexión personal con el despiadado asesino, algo que le hará emprender una carrera contra el reloj para poder llegar a detenerlo antes de que vuelva a matar.
La película, con guion cargo del propio Oz Perkins, está protagonizada por Maika Monroe, Nicolas Cage, Alicia Witt, Blair Underwood, Dakota Daulby, Vanessa Walsh, Rryla McIntosh, Michelle Cyr, Anita Wittenberg, Marlea Cleveland, Erin Boyes, Lisa Chandler, Charles Jarman y Lauren Acala.

«Sala:B» Comedias del hambre

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Hay que zurrar a los pobres / Un millón de amigos, 190′
  •  Hay que zurrar a los pobres (Santiago San Miguel, 1991). Int.: Francisco Casares, Agustín González, Juan Ribó, Mireia Ros. España. 35 mm. Color. 90’
  • Un millón de amigos (Fernando Merinero, 2007). Int.: Álex de la Nuez, Miguel Esteban, Francisco Jurdao Arrones, Javier Jurdao. España. DCP. Color. 83’
    Invitamos al director Fernando Merinero a una sesión doble con una de sus comedias más gamberras y nos trae una recomendación con sabor a decadencia baudelairiana y a esperpento.
    Para Merinero, Hay que zurrar a los pobres parece protagonizada por los deudos de los mendigos de Viridiana, pero el director Santiago San Miguel va más atrás y agradece en los créditos la inspiración de Baudelaire. El título remite claramente a uno de los poemas en prosa del autor francés, donde narra precisamente la paradoja que abre y cierra la película.  Merinero nos descubre aquí otra de esas producciones malditas del cine español, que ni con un reparto espléndido, ni con una fotografía del maestro José Luis Alcaine o con la presentación en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, consiguió evitar la indiferencia de crítica y público. En la carrera de San Miguel había hasta entonces películas personales como Adiós, Alicia y La casa del paraíso, y productos de crónica negra a la sombra de El crimen de Cuenca. Con esta película de muy bajo presupuesto intentó recuperar un cine que ya no se estilaba en los 90, con raíces literarias y un costumbrismo oscuro situado entre Berlanga y Ferreri. Hay que zurrar a los pobres bien podría pasar por un precedente de La comunidad de Álex de la Iglesia, con esa cochambrosa pensión Ezequiel y sus extravagantes inquilinos, pero en clave más amarga y simbólica.
Siguiendo el símil de Merinero, el protagonista de Un millón de amigos, Javier Jurdao, no desentonaría como huésped de la pensión Ezequiel; sus diatribas sobre el capitalismo, la religión o las mujeres, podrían haber sido tertulias de sobremesa con palillo en boca y copazo de sol y sombra. Hoy en día suenan a cómico anclado a otra época, que convierte su desubicación en un estilo de vida. Merinero se aproxima a la familia Jurdao como si fuera una versión malagueña de los Panero de El desencanto, más pillos y vividores, con el padre Francisco Jurdao como ‘intelectual con seis carreras’ que ni su exmujer reconoce. La película, reconoce Merinero, trata de empatizar con ellos mientras se ríe de sí misma y se desmitifica.
Presentan la sesión el director Fernando Merinero y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 190’).

Poder y humillación, primer tráiler para «Firebrand» de Karim Aïnouz

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Adaptación de la novela Queen’s Gambit de Elizabeth Fremantle, primera entrega de la «Trilogía Tudor«, Firebrand, también conocida con el título de Le Jeu de la reine, acaba de presentar un primer avance, en forma de tráiler oficial, que podéis ver a final de página. La película, primer trabajo en inglés del brasileño Karim Aïnouz, Madame Sata (2002), O Céu de Suely (2006), Futuro Beach (2014), A vida invisível de Eurídice Gusmão (2019), después de su premier mundial en el pasado festival de Cannes se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 21 de junio, a nuestro país, aún sin fecha de salida, llegará de la mano de Vértice Cine.
Firebrand está ambientada en la sangrienta corte Tudor del infame rey Enrique VIII de Inglaterra. Contada desde el punto de vista de la reina Catalina Parr, la sexta y última esposa de Enrique y la única que evitó el destierro o la muerte.
La película, con guion adaptado a cargo de Henrietta Ashworth y Jessica Ashworth, está protagonizada por Alicia Vikander, Jude Law,  Eddie Marsan, Ruby Bentall, Simon Russell Beale, Sam Riley, Erin Doherty, Bryony Hannah, Patsy Ferran, Edward Harrison, Andy M Milligan, Mina Andala y Paul Tinto.

https://youtu.be/yJLMJ7GxRto?si=tDwiKwzgF26O5TKP

Retrospectiva de Patric Chiha en la Filmoteca de Madrid

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La Filmoteca Española dedicará una retrospectiva a Patric Chiha, director de ‘La bestia en la jungla’ durante los meses de febrero y marzo. El ciclo, titulado ‘PATRIC CHIHA. COREOGRAFÍAS DEL DESEO’, contará con la proyección de sus anteriores películas: Domaine (2009), Boys Like Us (2014), Brothers of the Night (2016) y Si esto fuera amor (2020)

La retrospectiva dará el pistoletazo de salida el 22 de febrero con el preestreno de LA BESTIA EN LA JUNGLA en el Cine Doré, sede principal de la Filmoteca. El evento contará con la presentación y posterior coloquio con Patric Chiha, director de la película. Al día siguiente comenzará el ciclo dedicado a su obra. Según Álex Mendíbil (Investigador, guionista y programador), «si sigues los movimientos de Fassbinder, Kenneth Anger, Dennis Cooper o Gisèle Vienne, te acabas cruzando inevitablemente con el cine de Chiha»

LA BESTIA EN LA JUNGLA  – Jueves 22 de febrero a las 20:30h – Sala 1
*PREESTRENO: Presentación y coloquio a cargo del director Patric Chiha y del historiador y programador Álex Mendíbil

DOMAINE – Viernes 23 de febrero a las 17:30h – Sala 1
BOYS LIKE US – Sábado 24 de febrero a las 19:30h – Sala 2
BROTHERS OF THE NIGHT – Martes 27 de febrero a las 20:30h – Sala 1
SI ESTO FUERA AMOR – Miércoles 28 de febrero a las 21:00h – Sala 1

Patric Chiha es un cineasta austriaco de origen húngaro y libanés, nacido en Viena (Austria) en 1975. Se trasladó a París a los 18 años para estudiar diseño de moda. Luego cursó estudios de edición de cine en la Escuela de Cine INSAS en Bruselas. Sus cortometrajes y documentales, como Home y Les Messieurs, han sido seleccionados en diversos festivales de cine. En 2009, dirigió su primera película, Domaine, protagonizada por Béatrice Dalle, que se estrenó en el Festival de Venecia. Le siguieron Boys Like Us en 2014, y los documentales Brothers of the Night en 2016 y Si esto fuera amor en 2019, ambos estrenados en la Berlinale. La bestia en la jungla (2023) es su quinta película.

Juegos prohibidos, tráiler y póster de «Tarot»

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Acaba de ver la luz de la mano de Sony Pictures un primer adelanto en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta de terror sobrenatural Tarot, película anteriormente conocida con el título de Horrorscope que supone el debut en la dirección del dúo formado por Spenser Cohen y Anna Halberg y que llegará a las salas comerciales de nuestro país el próximo 10 de mayo de 2024.
Tarot nos cuenta como un grupo de amigos infringe de manera imprudente la regla sagrada de la lectura de las cartas del Tarot -nunca se debe utilizar la baraja de otra persona-, desatan sin saberlo un mal indecible atrapado en las cartas malditas. Uno a uno, se enfrentan cara a cara al destino y acaban en una carrera contra la muerte para escapar del futuro que las cartas predicen.
La película, basada en la novela Horrorscope y con guion adaptado a cargo de los propios Spenser Cohen y Anna Halberg, está protagonizada por Alana Boden, Jacob Batalon, Humberly González, Olwen Fouere, Avantika Vandanapu, Adain Bradley, Larsen Thompson, Wolfgang Novogratz, Harriet Slater, Stasa Nikolic, Joss Carter y Suncica Milanovic.

Solaris-Textos de Cine: David Cronenberg al límite

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En busca de los límites más extremos del cineasta canadiense, exploramos sus orígenes más arcaicos, profundas reminiscencias que conectan su cine con las imágenes radicales del accionismo vienés, de la performance, el body art, la transformación y la performatividad del cuerpo, el imaginario cyber; imágenes-shock con las que vislumbrar la llegada de la nueva carne, y que aún hoy la reconfiguran. Pero también nos preguntamos por el legado de sus perversiones, sus transgresiones culturales, el desenlace de sus alcances y sus inercias contemporáneas: el sentido —casi final— de una filmografía única.
¿Quiénes somos después de David Cronenberg? Tras más de cinco décadas desbordando los límites del cine fantástico, y tras el impacto de films como La mosca, Crash, Inseparables, Videodrome, Cromosoma 3, Crímenes del futuro…, ¿dónde nos ha dejado el cine de David Cronenberg? ¿Hasta dónde nos ha llevado el perfeccionamiento y desarrollo de su paradigma de la nueva carne, que ha fascinado a los pensadores de nuestro tiempo —y de sus imágenes— casi tanto como a los amantes del cine? ¿Cómo pensar la nueva sexualidad que se desprende de su estética? ¿Cómo afrontar el deseo en un cuerpo que se hunde y se entrevera con la máquina y la tecnología? ¿Sobrevive Dios a David Cronenberg?
Este volumen cuenta con los textos de análisis y pensamiento de autores de múltiples disciplinas: ensayo fílmico, análisis textual, reflexiones desde el psicoanálisis o la filosofía, y textos de autores especializados en cine fantástico y de terror con objeto de llevarnos a los límites de David Cronenberg, donde el cuerpo adviene, finalmente, sujeto del discurso.

 

Contenidos
Siempre fue oportuno escribir sobre Cronenberg / jamás fue tan oportuno escribir sobre Cronenberg
Desirée de Fez
El culto de la nueva carne. Visiones pararreligiosas y filosofías ocultas en el cine de Cronenberg
Jesús Palacios
Morir es un acto erótico
Elisenda N. Frisach
LUST FOR LIFE. Crash: precipitarse en el abismo
Irene de Lucas
Para acabar de una vez con el juicio de Dios
Raúl Álvarez
Escribir la ausencia
Carlos Losilla
El amor en tiempos de la nueva carne
Aarón Rodríguez Serrano
Consuelos de la ficción, estragos de la re-presentación: performance, body art y carne de celuloide
Elisa McCausland y Diego Salgado
El cine ateo: una visión alternativa del mundo. David Cronenberg como epítome de la mirada atea
José Antonio Jiménez de las Heras
Crash, entre los monstruos de leyenda y la nueva psique
Fernando Usón Forniés
David Cronenberg. Un abrazo hacia la incertidumbre
Lorenzo J. Torres Hortelano
Autor: Raúl ÁlvarezDesirée de FezElisenda N. FrisachJosé Antonio Jiménez de las HerasCarlos LosillaIrene de Lucas RamónElisa McCauslandJesús PalaciosAarón Rodríguez SerranoDiego SalgadoLorenzo J. Torres HortelanoFernando Usón Forniés. Editorial: SOLARIS, Textos de cine. Páginas: 208

 

Nace PUFA – Pucela Fantástica, el Festival de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid

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Nace el Festival de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid (PUFA – Pucela Fantástica), impulsado y gestionado desde la Asociación «No es cine todo lo que reluce» y con los vallisoletanos Cines Broadway como sede central de su programa de actividades. Un festival que que se celebrará en verano de 2024 y que apostará por un cine de calidad que no esté reñido con la diversión y el entretenimiento, prestando especial atención a aquellas obras de carácter independiente que sean innovadoras y arriesguen en su acercamiento al fantástico. Sin embargo, las nuevas tendencias del género no impedirán que el festival también mire hacia el pasado porque ahí es donde se encuentran las claves para entender el cine que se hace hoy en día.
SECCIONES PUFA – PUCELA FANTÁSTICA
Sección Oficial de Largometrajes
en esta primera edición, la sección dorsal del festival estará vertebrada por una selección del mejor cine nacional e internacional realizado en 2023 y 2024 que se encuentre adscrito al género fantástico y el terror, prestando especial atención a aquellas propuestas originales e innovadoras que ofrezcan nuevos caminos o acercamientos al género. Todas ellas serán propuestas inéditas comercialmente en España.
Sección Oficial de Cortometrajes
Una selección de los mejores cortos nacionales e internacionales realizados en 2023 y 2024 que nos descubrirán a los talentos emergentes que reinarán en el fantástico del futuro.
Clásicos y Proyecciones Especiales
También habrá espacio para otras proyecciones fuera de concurso que serán igualmente relevantes. PUFA – Pucela Fantástica adquiere el compromiso de recuperar películas de culto para entender mejor la manera en que ha evolucionado el cine de género y cómo los maestros del fantástico han influenciado a los autores del presente.
Premio de Honor
En cada edición de PUFA – Pucela Fantástica se reconocerá a una figura relevante del sector audiovisual que esté relacionada con el fantástico a través de un Premio Especial que será fallado por la dirección del festival atendiendo a los méritos, logros y papel de cada homenajeado para el crecimiento, desarrollo y revolución del género. Una figura que podrá compartir con el público su experiencia y conocimientos.
Actividades Paralelas
Además de las proyecciones cinematográficas, PUFA – Pucela Fantástica organizará en Valladolid muchas otras actividades alrededor del cine fantástico. El espíritu «vintage» del festival alumbrará un pequeño fancine en papel en formato de cuartilla que se repartirá entre los espectadores a la entrada del cine para que dispongan en sus manos de toda la información sobre la programación del Festival. También habrá desde mesas redondas, exposiciones, presentaciones de libros, conciertos, cursillos, clases magistrales y hasta eventos más inmersivos
como pueden ser los juegos de supervivencia o los escape rooms que tan de moda están entre el público joven.
Jurado e Invitados
El jurado de PUFA – Pucela Fantástica estará integrado por figuras relevantes en la realización, la crítica y/o la promoción del cine fantástico y de terror en nuestro país. Asimismo, el festival contará con la presencia de invitados referencia dentro del género o cuya presencia fortalezca el vínculo entre las películas y los espectadores.
LA MÁSCARA Y LA GÁRGOLA
El logo de PUFA – Pucela Fantástica ha sido diseñado por Miguel Martín Herrero y junto a él hemos querido aunar nuestra pasión por el fantástico con la admiración hacia el patrimonio cultural de Valladolid. Es por eso que la imagen de la máscara se inspira en las gárgolas del Museo Nacional de Escultura, un lugar muy cinematográfico donde el mismísimo Orson Welles rodó una escena de Mister Arkadin (1955). En la web de PUFA – Pucela Fantástica se detallan más extensamente todos los vínculos entre el cine y Valladolid que sirvieron para crear la imagen corporativa del festival.

 

Una amenaza en la sombra, primer tráiler para «You’ll Never Find Me»

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Otra de las películas que pasaron algo desapercibidas en el pasado festival de Sitges fue la cinta australiana You’ll Never Find Me, film cuyo primer tráiler acaba de ser lanzado vía Shudder y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, un thriller de terror psicológico que supone el debut en la dirección del dúo formado por Indianna Bell y Josiah Allen, estará disponible en la plataforma estadounidense a partir del próximo 22 de marzo de 2024.
En You’ll Never Find Me vemos como Patrick, un extraño y solitario residente, vive en una casa móvil en la parte trasera de un parque de caravanas. Tras el estallido de una violenta tormenta, una misteriosa joven aparece en su puerta, buscando refugio de las inclemencias del tiempo. Cuanto más se alarga la noche y más descubre la joven sobre el hombre, más difícil le resulta marcharse. Pronto ella empieza a cuestionarse las intenciones de Patrick, mientras que el empieza a cuestionarse su propio control de la realidad…
La película, con guion de la propia Indianna Bell, está protagonizada por Jordan Cowan, Brendan Rock, Elena Carapetis, Angela Korng, Luca Trimboli y Finn Watson.

Ciclo Cineteca: Gangsters maricas: extravagancia y furia en el cine negro

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Un programa comisariado y presentado por Juan Dos Ramos, inspirado en su ensayo Gangsters maricas, que documenta la infiltración de la figura del gangster queer en películas del cine negro americano y británico a lo largo del siglo XX, invitándonos a revisar la idea de masculinidad que asociamos con el género. Cinco películas que recorren más de medio siglo de historia del cine, donde se encriptan códigos y personajes que hoy asociamos con las identidades disidentes.

Programación

Gilda. Charles Vidor. EE.UU. 1946. (112′)

Johnny Farrell llega a Argentina a finales de la Segunda Guerra Mundial en busca de trabajo. Lo encuentra como gerente de un club nocturno propiedad de Ballin Mundson. Farrell descubre sorprendido que la nueva esposa de Mundson es Gilda, su antigua amante. Ella juega a la ambigüedad con ambos hombres hasta que Farell descubre el verdadero negocio que se esconde tras el club.

Febrero Martes 13  20:00 h  Sala Azcona

 

Al rojo vivo. (White Heat). Raoul Walsh. EE.UU. 1949. (114′)

Después de asaltar un tren que transportaba 300.000 dólares y asesinar a los maquinistas, Cody Jarret y su banda huyen con el dinero, pero son perseguidos por agentes federales que sospechan que Cody es el autor del robo. Una vez preparada una coartada perfecta, Cody se entrega a la policía y es condenado sólo a dos años de prisión; sin embargo, los agentes del Tesoro, convencidos de que fue el cerebro del asalto, le tienden una trampa.

Febrero. Miércoles 14. 20:00 h. Sala Azcona

 

Performance. Nicolas Roeg. Reino Unido. 1970. (105′)

Chas es un performer de la mafia, un matón a sueldo que aplica curiosas y artísticas torturas a sus víctimas. Cuando surge un problema con su capo, se ve obligado a huir, y decide esconderse en el sótano de una antigua casa de un suburbio de Londres. El casero, una ex estrella de rock, Turner, vive con dos mujeres con las que forma un trío, y se pasa el día comiendo setas alucinógenas e improvisando con la guitarra. Al principio, Chas y Turner chocan, pero poco a poco, en un viaje de conocimiento mutuo, se darán cuenta de que ambos son performers y que tan sólo una delgada línea les separa.

Febrero. Jueves 15.  20:00 h. Sala Plató

 

Carretera perdida.  David Lynch. Estados Unidos. 1997. (134′)

Fred Madison, un músico de jazz que vive con su esposa Renee, recibe unas misteriosas cintas de vídeo en las que aparece una grabación de él con su mujer dentro de su propia casa. Poco después, durante una fiesta, un misterioso hombre le dice que está precisamente en su casa en ese instante. Las sospechas de que algo raro está pasando se tornan terroríficas cuando ve la siguiente cinta de video…

Febrero. Sábado 17. 20:00 h. Sala Azcona

 

 Los sobornados. (The Big Heat). Fritz Lang. EE.UU. 1953.(90′)

Tras suicidarse, el policía Tom Duncan deja una carta en la que confiesa haberse dejado sobornar por una banda de gángsters, pero también denuncia la corrupción de altos funcionarios. Cuando el sargento Dave Bannion trata de esclarecer su muerte tropieza con toda clase de obstáculos.

Febrero. Domingo 18.  20:00 h. Sala Azcona

 

 

 

 

 

Tenebrosa animación, tráiler para «Stopmotion» de Robert Morgan

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Acaba de ver la luz de la mano de la mano de IFC Films un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Stopmotion, film de acción real y stop-motion que supone el primer largometraje de Robert Morgan, autor conocido por ser responsable de cortometrajes de animación stop-motion tales como The Cat With Hands (2001) o Bobby Yeah (2011). La película, que estuvo presente en la pasada edición del Festival de Sitges, tendrá un estreno limitado en cines de Estados Unidos el próximo 23 de febrero, estando disponible en VOD vía Shudder a partir del 15 de marzo.
Stopmotion nos cuenta como Ella Blake es una animadora stop-motion que lucha por controlar sus demonios interiores tras la pérdida de su autoritaria madre. De repente sola en el mundo, se embarca en la creación de una nueva y macabra película de marionetas que pronto se convierte en un campo de batalla para su cordura. A medida que la mente de Ella comienza a fracturarse, los personajes de su película animada cobran vida propia, desatando un poder en su imaginación que amenaza con destruirla.
La película, con guion a cargo del propio Robert Morgan junto a Robin King, está protagonizada por Aisling Franciosi, Stella Gonet, Tom York, Caoilinn Springall, James Swanton, Joshua J Parker, Jaz Hutchins y Bridgitta Roy.

Maya Deren y el cine-trance: estados de devoción

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A Study in Choreography for Camera (Maya Deren, 1945)

Maya Deren exploró una nueva forma cinemática para crear un cine-ritual. Este programa agrupa sus obras más relevantes en esa obsesiva investigación, intelectual y pasional, que quedó en parte inacabada y como promesa de un cine posible y que atraviesa toda su trayectoria: el cine como forma de meditación y poética de la metamorfosis, a fin de «buscar la verdad que es más extraña que la ficción».
Desde su aprendizaje en los cuarenta junto a la antropóloga y coreógrafa Katherine Dunham (de la que proyectamos una breve filmación) hasta el estudio de la película rodada en Bali por Margaret Mead y Gregory Bateson (que también se incluye en la sesión), y a lo largo de sus viajes a Haití, Maya Deren se impregnó de los rituales de posesión, el trance, el vudú: «El arte se basa en la noción de que, si quieres realmente celebrar una idea o principio, debes pensar, debes planear, debes ponerte a ti misma en un completo estado de devoción…».
Con A Study in Choreography for Camera —de la que mostramos la versión montada de tres minutos y los outtakes que muestran su técnica compositiva—, Deren se situó detrás de la cámara para filmar/danzar con Talley Beatty, un bailarín de la compañía de Dunham, y representar la liberación de su cuerpo del mundo real, el pasaje físico y espiritual de un estado a otro, y la coreografía fílmica de cuerpo, objetos y naturaleza. Ritual in Transfigured Time muestra el encuentro enigmático entre Rita Christiani y Maya Deren, inmersas en el ritual de devanar lana de un telar. Meditation on Violence, en la que filma a Chao-Li Chi y por primera vez utiliza materiales musicales de la cultura haitiana, explora el ritual de Wu Tang y la transformación de la violencia en belleza. Stan Brakhage, que la consideraba la película más personal de Deren, señaló al respecto: «No aparece en la película, pero ella es la cámara. Se está moviendo, está respirando en relación con el bailarín».
Entre 1947 y 1955, Deren hizo cuatro viajes, durante 21 meses, a Haití, filmando abundante material con una cámara Bolex sobre la danza y la posesión en la cultura vudú, en un proyecto que quedó inconcluso y que también dio lugar a un libro. Después de la muerte de Deren, una versión de Divine Horsemen. The Living Gods of Haiti fue montada por Teiji Ito, su última pareja. Maya Deren: «Terminé filmando humildemente y lo más preciso que pude. Las lógicas de aquella realidad me forzaron a reconocer su integridad y abandonar mis manipulaciones».
A Study in Choreography for Camera, Maya Deren, 1945, 16 mm, sin sonido, 3’; A Study in Choreography for Camera – Outtakes, Maya Deren, 1945, 16 mm, sin sonido, 16’; Ritual in Transfigured Time, Maya Deren, 1946, 16 mm, sin sonido, 14’; Meditation On Violence, Maya Deren, 1948, 16 mm, 12’; Katherine Dunham Performing Ballet Creole, British Pathé, 1952, 16 mm a digital, 2’; Trance and Dance in Bali, Margaret Mead y Gregory Bateson, 1968, 16 mm a digital, 20’; Divine Horsemen: the Living Gods of Haiti, Maya Deren, 1947-51, 16 mm, 55’.
Proyección en 16 mm y en digital.
Copias en 16 mm procedentes de Light Cone. Copia de A Study in Choreography for Camera – Outtakes procedente de LUX. Copia de Katherine Dunham Performing Ballet Creole procedente de British Pathé.
Fecha: 11 febrero 2024
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB y Carnet Docente (educación obligatoria): gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.

Oscuro ritual, primer tráiler para «The Devil’s Bath» de Severin Fiala y Veronika Franz

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Tras trabajos como Goodnight Mommy (2014) o The Lodge (2019) el dúo de realizadores austriacos Severin Fiala y Veronika Franz vuelven a indagar en el terror psicológico con su nueva película The Devil’s Bath, film de época cuyo primer avance en forma de tráiler acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que participará en la Sección Oficial a Competición del próximo Festival de Berlín y llegará a nuestras pantallas de la mano de Caramel Films, arroja luz sobre la difícil situación de las mujeres cuyas vidas durante esa época estaban definidas a través de dogmas y tabúes religiosos.
The Devil’s Bath nos sitúa en la Austria del siglo XVIII, en pueblos rodeados de profundos bosques, Agnes es una joven casada que se siente oprimida en un mundo desprovisto de cualquier tipo de emociones y limitado a tareas y expectativas mundanas. Ante tal situación, Agnes, una mujer piadosa y muy sensible, cae en una profunda depresión antes de cometer un imprevisto acto de violencia que considera como la única salida posible de su prisión interior.
La película, con guion a cargo de los propios Severin Fiala y Veronika Franz, está protagonizada por Anja Plaschg, Maria Hofstätter, David Scheid, Tim Valerian Alberti y Elias Schützenhofer.

Psicosis, de Alfred Hitchcock: visiones y versiones

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De un diverso eclecticismo a un severo academicismo. Del certero análisis de la realidad en que vivimos hoy al sugestivo estudio iconográfico comparativo. De la reflexión filosófica a la dimensión mitológica, tan relegadas por desgracia actualmente. Como anticipa su título, esta obra contiene cuatro visiones y versiones del filme Psicosis (Psycho, 1960) de Alfred Hitchcock, diferentes entre sí pero que, al modo de afluentes o arroyos que discurren por cauces variados, desembocan todas en el mismo lugar: el análisis fílmico.
Los ensayos aquí reunidos se nos muestran como muy distintos (y por tanto novedosos) a lo escrito hasta ahora específicamente sobre el más conocido y popular trabajo cinematográfico del director inglés, quizás también el más influyente en la historia del cine moderno y contemporáneo. Sus autores, cada uno de ellos firmantes de un capítulo, han aunado sus esfuerzos para poner en manos del lector un libro diferente, un proyecto conjunto fruto de intensos debates, reflexiones dilatadas e investigaciones rigurosas, donde se analiza y se sintetiza desde diversas ópticas una obra maestra inmortal de la cinematografía.
Autor: Alberto Adsuara, Fco. Javier Andaluz, Luis Martín Arias, Ricardo L. Rodríguez. Editorial: PANDORADO. Páginas: 417