El documental «De humani corporis fabrica» llega a Filmin el 15 de junio

Menos de un mes después de su estreno en cines en nuestro país, llega al catálogo de Filmin uno de los grandes documentales del año: «De humani corporis fabrica», de Lucien Castaing-TaylorVerena Paravel. La película, impactante por las imágenes sin filtros que muestra del interior del cuerpo humano, alude desde su título al trabajo de Andrés Vasalio, fundador de la anatomía moderna. Durante dos horas, el espectador observa como nunca antes el cine había mostrado las entrañas de nuestra existencia, mientras la pista de áudio retrata las conversaciones banales, a veces irreverentes, de los médicos que trabajan para cuidar esos cuerpos.

«Pensando en cómo la medicina moderna ha utilizado las herramientas del cine para desarrollar sus propios poderes de visión, queríamos intentar hacer lo contrario, tomar prestadas las herramientas de la medicina para el cine, para permitirnos ver el cuerpo humano de una manera que casi nadie llega a ver nunca, y romper las formas habituales en que miramos nuestros cuerpos y el mundo«, explica Verena Paravel. La directora cree que la propia estructura del documental permite también observar el hospital como un cuerpo teatral y trágico: «Él mismo es una especie de cuerpo que contiene otros cuerpos y trabaja sobre ellos. El hospital es un órgano de la sociedad, que sostiene un espejo de la sociedad, y a menudo se anticipa a los cambios sociales que están a punto de llegar. En su interior coexisten órganos, funciones y sistemas

Los cineastas tuvieron la suerte de conocer a François Crémieux, por aquel entonces director de cinco hospitales públicos en el Norte de París: «por increíble que parezca, nos dio más o menos carta blanca para filmar cualquier cosa en estos hospitales«, explica Castaing-Taylor. Uno de los aspectos más controvertidos de la película es el contraste entre las imágenes que muestran intervenciones en cuerpos en ocasiones gravemente enfermos, con las conversaciones que mantienen los médicos y cirujanos mientras operan sobre ellos. «Cuando oímos a los médicos hablando sobre asuntos no quirúrgicos -conversaciones que podrían chocar por su banalidad o falta de respeto hacia su deber o sus pacientes-, entendimos que eran conscientes de nuestra presencia, y que aceptaban, y a veces incluso deseaban activamente, que esto también se mostrara en la película«, explica Paravel: «Sin la posibilidad de crear distancia o de crear cierta banalidad en los actos que realizan, les sería imposible sostener este trabajo

«De humani corporis fabrica» se estrenó en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes. En nuestro país, se ha podido ver en el Festival de Valladolid y en el Festival D’A de Barcelona y ha sido distribuida en cines por Vitrine Filmes.

Huida sangrienta, tráiler para «Til Death Do Us Part»

En estos últimos años la ceremonia nupcial ha dado lugar a una serie de películas de género fantástico que de alguna manera han satirizado desde el exceso dicho concepto social, dos ejemplos de ello serian [•REC]³: Génesis de Paco Plaza y la más reciente Ready or Not de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett. Til Death Do Us Part, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone una nueva incursión en este concepto argumental. La película, con dirección cargo de Timothy Woodward Jr. (American Violence (2017), (The Final Wish (2019), (The Call (2020), se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 4 de agosto.
Til Death Do Us Part nos cuenta una mujer que decide huir el día de su boda, se encuentra momentos después intentando sobrevivir del ataque de su prometido y sus siete padrinos de boda. En este mortal encuentro, los padrinos descubrirán que la novia no tiene intención de volver a la vida que decidió dejar atrás.
La película, con guion a cargo de Chad Law y Shane Dax Taylor, está protagonizada por Natalie Burn, Jason Patric, Cam Gigandet, Orlando Jones, Ser’Darius William Blain, Pancho Moler y Neb Chupin.

Filmoteca Española clausura la exposición ’70 años, 7 piezas, 7 cineastas’ con 6.500 visitantes

La muestra ha contado con la aportación de 7 cineastas y personalidades del séptimo arte: Ester Expósito, Jonás Trueba, Teresa Font, Santiago Segura, Alauda Ruiz de Azúa, Albert Serra y Eduardo Casanova, quienes eligieron las piezas que componían la exposición de entre la colección de Filmoteca Española.
Entre las piezas seleccionadas se encontraban la máscara original para El Diablo de El día de la bestia o la película más antigua dirigida por una mujer conservada en Filmoteca Española, Chien jouant à la balle de Alice Guy.
Casi 6.500 visitantes han disfrutado de la exposición ’70 años, 7 piezas, 7 cineastas’, muestra conmemorativa del 70 aniversario de la institución, que se ha podido visitar de manera gratuita a lo largo de 6 meses en la sede de Filmoteca Española, desde que fuera inaugurada el pasado 6 de octubre en el marco del Día del Cine Español.
Para transmitir la idea de la mutación constante del cine y de lo cinematográfico a lo largo de estos 70 años de historia de la Filmoteca Española – Desde que fuera creada en 1953 como Filmoteca Nacional, siendo rebautizada en 1982 como Filmoteca Española – la muestra se presentaba como un puente, entre aquellos que hoy hacen cine, los que lo hicieron en el pasado y los públicos que disfrutan a unos y a otros. Así, la selección de piezas que componían esta exposición se realizó a partir de una propuesta lúdica en la que 7 cineastas eligieron 7 piezas, a partir de una preselección de 70 piezas de las ricas y diversas colecciones de la Filmoteca Española.
Ester Expósito, Jonás Trueba, Teresa Font, Santiago Segura, Alauda Ruiz de Azúa, Albert Serra y Eduardo Casanova eligieron las piezas que más les representaban a ellos como cineastas de algún modo; y estas se presentaban en la muestra acompañadas de otras piezas y elementos que ayudaban a contextualizarlas en el tiempo y en el espacio, demostrando cómo apelan e inspiran a los cineastas del presente.
Entre las siete piezas pertenecientes a la colección de fondos fílmicos de Filmoteca Española en torno a las que giraba la muestra, se encontraba la máscara original de José Antonio Sánchez para El Diablo de El día de la bestia (Álex de la Iglesia,1995), elegida por Ester Expósito; Los descartes del negativo de Las Hurdes, tierra sin pan (Luis Buñuel 1932-1933), seleccionados por Albert Serra; Los forillos escogidos por Eduardo Casanova creados por Félix Murcia para la terraza de Pepa (Carmen Maura), en Mujeres al borde de un ataque de nervios (Pedro Almodóvar, 1988); Una moviola vertical seleccionada por Teresa Font, o un álbum fotográfico de los Laboratorios Madrid Film, elegido por Santiago Segura. También el Llamamiento a las Primeras Conversaciones Cinematográficas Nacionales, promovidas y organizadas por el Cine Club de la Universidad de Salamanca, del que era responsable Basilio Martín Patino, que fue escogido por Jonás Trueba; y el film más antiguo conservado en Filmoteca Española dirigido por una mujer, la película Chien jouant à la balle (Alice Guy, 1905), que fue seleccionada por Alauda Ruiz de Azúa.

 

Cinema Jove otorga el Premio Luna de València a Sean Baker

La 38ª edición de Cinema Jove otorgará este año el premio Luna de València a uno de los directores más libres, renovadores y comprometidos del cine ‘indie’ estadounidense reciente, Sean Baker (Nueva Jersey, 1971). El realizador y guionista será reconocido presencialmente durante la gala de inauguración del festival internacional de cine de València el 22 de junio en el Palau de les Arts.

El director adjunto de Audiovisuales y Cinematografía del IVC, Francesc Felipe, ha señalado que Cinema Jove premia este año “a una de las principales figuras del cine independiente norteamericano actual y uno de los más implacables y certeros cronistas del lado más oscuro y deprimente del sueño americano. En sus películas, Baker centra su mirada no exenta de humor en las clases marginales que malviven en la periferia de las grandes ciudades estadounidenses”.

Sean Baker es un guionista, director, productor y editor que ha realizado siete largometrajes independientes en las últimas dos décadas. Su aclamada película ‘The Florida Project’ (2017) recibió un premio al Mejor Director del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York y una nominación al Oscar al Mejor Actor de Reparto para Willem Dafoe. Su proyecto anterior, ‘Tangerine’ (2015), ganó un Independent Spirit Award y dos Gotham Awards. El filme más reciente de Baker, ‘Red Rocket’ (2021), se estrenó en el Festival de Cannes con gran éxito de crítica y fue distribuida por A24 en los Estados Unidos. y Focus Features a escala internacional. El cineasta acaba de finalizar la producción de su próximo largometraje.

“Sean Baker es el gran retratista de ecosistemas al margen; alguien que pone el foco en no-lugares, en personajes que tratan de salir a flote o encontrar algo de comodidad dentro de su hábitat“, ha destacado el director de Cinema Jove, Carlos Madrid.

Su cine acostumbra a poner el foco sobre colectivos infrarrepresentados en el audiovisual, personajes que viven en los márgenes de la sociedad, pero en su retrato, nunca falta el humor. Así, su ópera prima, ‘Take Out’ (2004), daba el protagonismo a un inmigrante chino en Nueva York que trabaja frenéticamente para reunir el dinero suficiente en propinas para pagar una deuda con unos contrabandistas, y ‘The Florida Project’ a una niña que vive en uno de los moteles de alquiler semanal situados en el entorno de Disney World. Junto al considerado como el “lugar más feliz del mundo” habitan familias en serios apuros económicos.

La cara B de la prosperidad americana

“La filmografía de Baker está trufada de personajes jóvenes, adolescentes, niños… en medio de una encrucijada o que simplemente buscan su lugar en el mundo. La cámara de Baker los trata con gran respeto, cariño y solidaridad, sin por ello ahorrarnos la crudeza, la cara B de la prosperidad americana”, ha valorado Madrid.

Su trayectoria ha estado marcada por abrazar tanto el formato analógico como el digital. El director alterna el talante experimental que le aporta el uso de cámaras digitales con la defensa del uso de película. Así, en 2015 acaparó la atención en Sundance con ‘Tangerine’, donde empleó un iPhone 5S encajado en un sistema estabilizador de Steadicam para indagar en la vida de dos trabajadoras sexuales transgénero, mientras que en 2022, filmó ‘Red Rocket’ en 16 milímetros y anamórfico, con la experiencia de la gran pantalla en mente para adentrarse en el regreso de un fracasado actor porno a su Texas local.

John Waters incluyó su último largometraje hasta la fecha en su lísta de 10 mejores películas del año 2021 por devolver al cine de autor “los polvos, las peleas y los desnudos frontales”.

Otro rasgo fundamental de su cinematografía es el cromatismo pop. En sus películas, la ciudad se convierte en un personaje más al que asocia una paleta de color. Le sucedió con Kissimmee en ‘The Florida Project’ y con Texas City en ‘Red Rocket’.

 

 

Una lucha espiritual, primer para tráiler para «The New Boy» de Warwick Thornton

Después de trabajos tan interesantes como el documental The Darkside (2013) o la más reciente Sweet Country (2017) el realizador australiano Warwick Thornton presenta The New Boy, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz vía Roadshow Films y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, interpretado por la oscarizada Cate Blanchett, después de su premiere mundial en el pasado Festival de Cannes dentro de la sección Un Certain Regard, se estrenará en cines australianos el próximo 6 de julio.
En The New Boy vemos como un niño huérfano aborigen de 9 años llega repentinamente en la oscuridad de la noche a un remoto monasterio dirigido por una monja renegada.
La película, a cargo del propio Warwick Thornton, está protagonizada por Cate Blanchett, Deborah Mailman, Wayne Blair y Patrick Prior.

¡Larga vida al trash! El cine de John Waters como nunca te lo habían contado

Un libro colectivo que rinde tributo a la figura y la obra de John Waters, el cineasta de culto por excelencia.
Con el paso de los años, John Waters se ha convertido en una de las figuras de referencia no solo del cine underground estadounidense, sino de la cultura pop en general. En su larga trayectoria, que abarca desde clásicos de la inmundicia como Multiple Maniacs, Pink Flamingos o Cosa de hembras hasta títulos más mainstream como Hairspray o Los asesinatos de mamá, el cineasta de Baltimore ha ido repitiendo una serie de obsesiones temáticas y formales que merecían ser estudiadas en un solo libro.
¡Larga vida al trash! El cine de John Waters como nunca te lo habían contado es un homenaje a un director que, acompañado por una troupe de actrices y actores incondicionales —los denominados dreamlanders— como Mink Stole, Patricia Hearst, Susan Lowe y, sobre todo, la mítica Divine, forzó los límites de lo que estaba permitido ver en la gran pantalla con grandes dosis de humor, irreverencia y transgresión.
Entre las autoras y autores que han querido sumarse a este tributo a John Waters se encuentran Valeria Vegas, Esty Quesada (también conocida como Soy una pringada), el director de cine Adrián Silvestre, los críticos de cine Javier Parra (autor de Scream Queer), Álex Mendíbil y Xavi Sánchez Pons, el investigador Carlos Barea o Álex Ander, autor de la primera monografía sobre Divine.
Autor: Varios. Editorial: DOS BIGOTES. Páginas: 284

La Semana de Terror de Donostia y TerrorMolins dedican sus ediciones de 2023 a las brujas

La Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donostia / San Sebastián y TerrorMolins – Festival de Cine de Terror de Molins de Rei unen fuerzas este año para presentar actividades conjuntas centradas en el mundo de las brujas, protagonistas de las ediciones de 2023 de ambos festivales, que tendrán lugar entre octubre y noviembre. El leitmotiv se denomina Sorginak-Bruixes. Una exposición de 24 ilustradoras y un libro escrito por Elisa McCausland y Diego Salgado forman parte del leitmotiv compartido.
La figura de la bruja ha sido una fuente de inspiración para el cine de terror desde sus orígenes, pero ha adquirido una especial relevancia en el contexto vasco y catalán, donde el cine y la literatura han explorado historia, cultura e identidad bajo ese prisma.
La bruja, en todas sus dimensiones, es un personaje que sigue fascinando y aterrorizando al público del cine de terror, pero también ha experimentado una resignificación en los últimos años, convirtiéndose en un símbolo de empoderamiento femenino y de resistencia frente a la opresión patriarcal y religiosa –The Lords of Salem (2012), The Love Witch (2016), Akelarre (2020)–.
Las brujas vascas se designan como sorgin o sorguiña, que podría ser “hacedora de suerte” o “creadora”. Las brujas catalanas usaban el término bruixa, que proviene del latín bruxa o brutia (“mordedora” o “chupadora”). Ambas han dejado una huella profunda en la cultura popular plasmada en leyendas, lugares y fiestas. En Euskal Herria se encuentra la Cueva de Zugarramurdi o Sorginen Leizea, ubicación para aquelarres. En Catalunya nos topamos con el castillo de Montsoriu, Sant Feliu de Sasserra o la plaça de les Bruixes de Molins de Rei, donde al parecer habitaban o se reunían las brujas.
La Semana de Cine Fantástico y de Terror y TerrorMolins recogen esta herencia cultural común y la celebrarán con una exposición de ilustradoras y un libro oficial compartido, además de otras actividades que se anunciarán más adelante. Las citas serán del 27 de octubre al 3 de noviembre en Donostia y del 3 al 12 de noviembre en Molins de Rei.
Bruixes – Sorginak – Brujas. Aquelarre ilustrado
La exposición Bruixes – Sorginak – Brujas. Aquelarre ilustrado reúne a 24 hechiceras de trayectoria vinculada al cómic, el diseño y la ilustración, reunidas para rendir pleitesía a una representación esencial en la ficción, literaria y audiovisual, que atraviesa nuestros sueños y pesadillas.
Esta muestra ritual, comisariada por Borja Crespo, cuenta con una importante presencia de autoras vascas (Ane Pikaza, Raquel Alzate, Higinia Garay, Josune Urrutia) y catalanas (Genie Espinosa, Sandra Uve, Susanna Martin, Nadia Hafid). Hemos invocado a esta selección de artistas para homenajear, con la magia de su talento, la importancia y el atractivo de un símbolo que protagoniza fábulas y está presente en algunos pasajes espeluznantes de nuestra historia.
Listado completo de ilustradoras participantes: Raquel Alzate, Sara Bea, Carla Berrocal, Natacha Bustos, Olga de Castro, Genie Espinosa, Mabel Esteban, Ana Galvañ, Higinia Garay, Nadia Hafid, Irene Márquez, Susanna Martín, Mermelada de Sesos, Ana Oncina, Laura Pérez, Mireia Pérez, Miriampersand, Ane Pikaza, Sara Soler, Clara Soriano, Josune Urrutia. Sandra Uve, Teresa Valero y Roberta Vázquez.

 

Beso negro: Brujería, cine y cultura pop
Elisa McCausland y Diego Salgado
Como sabe todo aficionado a las artes prohibidas, el osculum infame o beso en el ano del diablo, su otra boca, sella la rendición de un ser humano a los hechizos del mal. Beso negro: Brujería, cine y cultura pop recoge esa imagen en su título para arrojar luz oscura sobre un fenómeno que no ha dejado de manifestarse de una u otra forma en la cultura popular desde los inicios mismos de la Era de la Razón: la brujería.
Tras una introducción en la que se repasa el impacto de la misma en la esfera cultural y artística de los dos últimos siglos como manifestación de un descontento soterrado hacia los valores de la Modernidad, el ensayo pasa a contrastar en dos secciones bien definidas los personajes del brujo y la bruja, omnipresentes en la ficción audiovisual. El brujo y la bruja son figuras complementarias pero también antagónicas, si atendemos a los medios y los fines que persiguen a la hora de subvertir los valores dominantes.
Beso negro: Brujería, cine y cultura pop analiza las estrategias de uno y otra para transformar la realidad a través de un recorrido que tiene su epicentro en el cine pero no olvida la pequeña pantalla, el cómic y otras expresiones plásticas y audiovisuales en las que brujo y bruja han pugnado por materializar otra forma de ser y estar en el mundo. De Dion Fortune (1890-1946) y Häxan: La brujería a través de los tiempos (1922) hasta La bruja (2015) y los nigromantes de TikTok, un viaje en el que parece todo dicho y en el que todo está aún por invocar.
El libro será publicado con la Editorial Hermenaute.

El pasajero inesperado, tráiler para «Sympathy for the Devil» de Yuval Adler

Sympathy for the Devil vendría a ser una nueva muestra de ese subgénero que parece haberse convertido en estos últimos años Nicolas Cage, a medio camino entre The Hitcher (1986) y Collateral (2004), el film presenta un primer tráiler, que podéis ver a fina de página junto a su póster oficial. Dirigida por Yuval Adler, The Operative (2019), The Secrets We Keep (2020), la película tendrá un estreno simultáneo en cines y VOD de Estados Unidos el próximo 28 de julio.
En Sympathy for the Devil vemos como después de verse obligado a conducir a un misterioso pasajero a punta de pistola, un hombre se ve envuelto en un juego de alto riesgo del gato y el ratón en el que queda claro que no todo es lo que parece.
La película, con guion a cargo Luke Paradise, está protagonizada por Nicolas Cage, Joel Kinnaman y Kaiwi Lyman.

«Viejos» review

Manuel tiene que mudarse a la casa de su hijo Mario (y la familia de éste después de que un terrible suceso acabe con la vida de su anciana mujer. Poco a poco, la realidad se impone: algo incomprensible ocurre con Manuel. Las voces que dice escuchar, las presencias con las que dice hablar. Lena, la mujer de Mario, quiere echarle de la casa: está segura de que algo espantoso puede ocurrir. Solo Naia, la hija adolescente, está de su parte, pero incluso ella empieza a dudar a medida que los fenómenos extraños se suceden en torno a su abuelo, cada vez más perturbado. Es el verano más caluroso de la historia, ha empezado una cuenta atrás y ya es demasiado tarde para pararla.
Convertido en estos últimos años casi en un subgénero en sí mismo con películas como Relic (Natalie Erika James 2020), La abuela (Paco Plaza 2021) o incluso ese slasher camuflado que es  X (Ti West 2022), aunque años antes ya hubo incursiones algo más derivativas como la interesante The Skeleton Key (Iain Softley 2005) o el cortometraje del propio Plaza Abuelitos (1999), la vejez y la decrepitud derivada de ella como estigma social se ha convertido últimamente en un recurso narrativo bastante recurrente a la hora de articular historias que orbitan a través del terror. Viejos, el segundo trabajo tras las cámaras del dúo formado por Raúl Cerezo y Fernando González Gómez, tras su desprejuiciada La pasajera (2021), se adentra en dicha temática, partiendo de postulados casi universales con relación a mostrar un oscuro orden social, ubicado dentro de un entorno familiar que es percibido como campo de batalla, a través de un relato que es lo suficientemente inteligente como para intuir sus propias carencias a la hora de delimitar según que barreras adyacentes al fantástico.
A tal respecto, la discursiva social queda afortunadamente en un solo enunciado que da paso a un entretenimiento de género que se dirige hacia una narrativa que va in crescendo, en algunos momentos canalizado en un calculado, y poco favorecedor, histrionismo, en otros, con ideas y conceptos sugerentes, como por ejemplo la magnífica escena que da inicio a la película. Todo ello refrendado con una revelación final, que podría beber perfectamente de la idea argumental vista en Village of the Damned, llevado al terreno de la senectud, concepto genérico que pese a ser manido, no deja de ser consecuente, especialmente en su función de mostrar una alegoría, los ancianos rebelándose, gracias al elemento fantástico, contra una sociedad que los denigra, en lo concerniente a un clímax que abraza sin complejos retazos propios del relato pulp.

Valoración 0/5: 2

FlixOlé restaura una versión en 4K de «Me siento extraña»: el clásico lésbico de Rocío Dúrcal y Bárbara Rey

La plataforma presentará también en la Academia de Cine la nueva versión restaurada en 4K de Me siento extraña el 29 de junio, inaugurando así su ciclo ‘Recuperando el celuloide’
La sexualidad era todavía tratada como un tema tabú en España, ni qué decir tiene la homosexualidad, cuando en 1977 llegó a la gran pantalla Me siento extraña. Considerada como la primera en relatar abiertamente una relación lésbica en el cine del país, la película supuso un auténtico escándalo. FlixOlé recupera esta obra de culto, protagonizada por Bárbara Rey y Rocío Dúrcal, con el estreno el próximo 30 de junio de una copia restaurada en la mejor calidad de imagen y sonido.
En una sociedad que emprendía el camino hacia la mayoría de edad, Me siento extraña presentaba un drama erótico en el que dos mujeres con malsanas experiencias sentimentales encuentran consuelo entre ellas. Laura, una pianista que huye de su marido maltratador y de su autoritario suegro, conoce a Marta, una vedette que no termina de entenderse con los hombres en la cama. Ambas construyen una estrecha amistad que despierta la pasión, y las habladurías de los vecinos.

Dos divas, al desnudo
Para esta película, repleta de escenas subidas de tono y desnudos integrales, el director del largometraje, Enrique Martí Maqueda, eligió a dos populares figuras del momento. Por un lado, el papel de Laura recayó en Rocío Dúrcal: niña prodigio, adolescente ye-ye y ‘reina de las rancheras’, su rostro adquirió un nuevo registro al ejercer de coprotagonista en el amorío lésbico que significó Me siento extraña.
Al torso sin ropa de Dúrcal se le unió el de la ‘reina del Destape’: Bárbara Rey. La belleza y sensualidad de ésta le abrió las puertas del espectáculo, tanto encima de los escenarios como delante de la cámara. Convertida en una ‘sex symbol’ del cine, sobre ella recayó el papel de Marta, la vedette que conquista a la pianista. Junto a las divas, completan el elenco otros nombres igual de conocidos como Laly Soldevila, Francisco Algora y Eva León, entre otros.
El ‘pipazo’, como definió en su momento Lola Flores el roce cariñoso entre amigas, de Rocío Dúrcal y Bárbara Rey hizo de la película una de las más taquilleras del año. Después de ésta, Bárbara Rey sumó nuevos proyectos que alimentaron el sobrenombre de ‘reina del Destape’. Por su parte, Rocío Dúrcal decidió no hacer ningún largometraje más, reduciéndose su participación en la gran pantalla a apariciones puntuales.
Pase de Me siento extraña en la Academia de Cine, el 29 de junio
A pesar de permanecer en el olvido durante años, Me siento extraña se ha erigido como un clásico del cine lésbico y en una película reivindicada por parte de la propia Bárbara Rey y el colectivo LGTBIQ+. Una obra de culto, pionera en la cinematografía nacional, que muestra explícitamente el amorío entre dos mujeres como nunca antes había visto el espectador español.
Un filme de no fácil acceso que FlixOlé, en su compromiso de recuperar aquellos títulos imprescindibles del patrimonio audiovisual, ha restaurado en sus instalaciones (en los laboratorios Cherry Towers). En esta línea, la plataforma estrenará el 30 de junio esta versión remasterizada de Me siento extraña junto a una colección especial con la que celebrará el Orgullo.
Previamente, el servicio especializado en cine español presentará el 29 de junio la copia restaurada en 4K de la película en la Academia de Cine, evento abierto al público que tendrá lugar en la sala de proyecciones de la institución (c/Zurbano, 3), y cuyas entradas se podrán adquirir a través de su portal web. Con este acto, la Academia inaugurará así el ciclo ‘Recuperando el celuloide’, una iniciativa en la que colaborará también FlixOlé en próximas ediciones con títulos restaurados en sus instalaciones.

Primer tráiler para «Coup de Chance», lo nuevo de Woody Allen

Acaba de ver la luz de la mano de Metropolitan Filmexport un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página junto al cartel francés, del último trabajo tras las cámaras del veterano Woody Allen titulado Coup de Chance. Película numero cincuenta del director norteamericano rodada en francés y ambientada en la ciudad París, aún sin fecha de estreno en nuestro país, que llegará a las salas comerciales de Francia el próximo 27 de septiembre.
Coup de Chance, que nos muestra una historia de romance, pasión y violencia ambientada en un París contemporáneo, cuenta con un guion a cargo del propio Woody Allen estando protagonizada entre otros por Lou de Laâge, Niels Schneider, Melvil Poupaud, Elsa Zylberstein, Valerie Lemercier, Grégory Gadebois, Guillaume de Tonquedec, Jeanne Bournaud, Anne Loiret y Bárbara Goenaga.

Cine-Bis Nº 10 ya a la venta

Ya se encuentra disponible el número diez de Cine-Bis, la revista dirigida con su habituado buen hacer por Javier G. Romero, en la que se ofrece un nuevo repaso al cine de género alrededor del mundo, en esta ocasión formado por 210 páginas a todo color ilustradas con 510 fotografías, en las que se ofrecen entrevistas y artículos firmados por contrastados profesionales como José Abad, Carlos Aguilar, Daniel Aguilar, Ángel Comas, Adrián Encinas, Roberto García-Ochoa Peces, Anita Haas, David Pizarro, Fernando Rodríguez Tapia y el propio Javier. Todo ello por 12,95 € más gastos de envío.
La portada la protagoniza una imagen del póster de El justiciero de la ciudad, clásico de una modalidad a la que se dedica un amplio artículo: el thriller de acción y crítica social donde ladrones, proxenetas, pandilleros y asesinos son el objetivo del justiciero urbano, erigido en juez, jurado y ejecutor. Entre los contenidos también figuran extensas entrevistas exclusivas a la desaparecida actriz argentina afincada en España Analía Gadé –La vida por delante, Las melancólicas, La mansión de la niebla, Cartas de amor de una monja–, especializada en la comedia pero asimismo brillante en cualquier otro género (terror, thriller, drama…) y al también finado prolífico actor alemán Dan Van Husen –El Cóndor, Cañones para Córdoba, El blanco, el amarillo y el negro, Salón Kitty, El Casanova de Federico Fellini, Nosferatu, vampiro de la noche–, una de las más singulares y carismáticas presencias de la época dorada de la coproducción europea e internacional.

De igual modo resalta la primera parte del dossier dedicado a los inquietantes Yokai, modalidad del cine fantástico y de terror japonés que refleja estos seres sobrenaturales (duendes, demonios y espectros) propios su ubérrimo folclore nacional. Constan, igualmente, un acercamiento a las cuatro trepidantes películas que el director George Pollock dedicó en los años 60 a la simpar Miss Marple, creación de Agatha Christie encarnada por la gran Margaret Rutherfod; un estudio consagrado al inolvidable maestro del cine de animación checo Jirí Trnka, cuyas maravillosas obras crearon escuela en su campo; la segunda parte del dossier “Cine y toros”, centrado en la era dorada de la modalidad, con la eclosión de su particular star system, la nueva espectacularidad, el realismo social…; la apreciada cult movie del fantástico europeo de los 70 La terrificante notte del demonio, donde confluyen satanismo, sexo, maldiciones seculares, castillos siniestros y la sugerente Erika Blanc, entre otros contenidos.

Más información y pedidos en: quatermass@hotmail.com.

Dos únicos supervivientes, tráiler de «Biosphere» de Mel Eslyn

Acaba de ver la luz un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de la cinta independiente de ciencia ficción Biosphere, debut tras las cámaras del hasta ahora productor Mel Eslyn, que tras su premiere mundial el pasado año en el Festival de Toronto tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo  7 de julio.
En Biosphere vemos como Ray es un científico que diseñó una estructura en forma de bóveda con todos los sistemas necesarios para poder mantener la vida en un planeta que ya no podía soportarla. Allí se encuentran Billy y el propio Ray, en una biosfera personalizada y equipada con las necesidades básicas que hace posible conservar un concepto de cómo solía ser la vida, principalmente a través de un jardín hidropónico que proporciona verduras frescas y un estanque de peces que proporciona las proteínas esenciales. Sin embargo, recientemente los peces han comenzado a morir a un ritmo alarmante. Con tan solo tres peces con vida, Billy y Ray se enfrentan a un siniestro futuro, pero la vida todavía puede encontrar una vía en donde los dos últimos hombres sobre la tierra deberán adaptarse y evolucionar para salvar a la humanidad.
La película, cuenta con un guion a cargo del propio Mel Eslyn y Mark Duplass, que protagoniza el film junto a Sterling K. Brown.

La casa de cine. Escuela de verano: Tendencias del cine contemporáneo

La reformulación de los géneros, el cuestionamiento de las autorías o la influencia de las nuevas tecnologías, por poner algunos ejemplos, son cuestiones que atraviesan, determinan y condicionan la producción cinematográfica actual. Es necesario, por tanto, tenerlas en cuenta a la hora de abordar cualquier texto fílmico. En este sentido, el curso de verano sobre Tendencias del cine contemporáneo, organizado conjuntamente por LCDC y la Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC), tiene por objetivo dotar al alumnado de las herramientas para identificar las posibles mutaciones del cine y desarrollar un discurso crítico propio.
Este curso tiene un carácter teórico-práctico que se organiza a través de un itinerario doble. Por un lado, habrá una serie de sesiones dedicadas a distintos cineastas cuya obra se situará dentro de una tendencia concreta del cine contemporáneo, en las que también veremos cómo se ha acercado la crítica a cada autor. Luego, a lo largo de varias sesiones en forma de taller, el alumnado podrá desarrollar su propia capacidad crítica mediante la escritura.
Semana 1: Zack Snyder, Dennis Villeneuve, Todd Haynes. Taller práctico 1 y 2. Cada día una projección.
Semana 2: Julia Ducorneau, David Lynch, Joanna Hogg. Taller práctico 3 y 4. Cada día una projección.
Semana 3: Tsai Ming-Liang, Neus Ballús, Ramon Lluis Bande-Carolina Astudillo. Taller práctico 5 y 6. Cada día una projección.
Semana 4: Guy Maddin, Adam Curtis Stephen Broomer. Taller práctico 7 y 8. Cada día una projección.
Docentes
Fco. Javier Millán, Antonio José Navarro, Ramón Alfonso, Daniel Pérez Pamies, Jesús González Notario, Eulàlia Iglesias, Marla Jacarilla, Ignasi Franch, Mariana Freijomil, Mireia Iniesta, Guillermo Triguero, Paula A. Ruiz, Vanessa Agudo, Esteve Plantada.

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La prostitución en primera persona, tráiler para «La Maison» de Anissa Bonnefont

Tras realizar dos documentales, Wonder Boy, Olivier Rousteing, né sous X (2019) y Nadia (2021), la joven directora francesa Anissa Bonnefont debuta en la ficción con la adaptación de la novela homónima de Emma Becker La Maison, película cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film se estrenará comercialmente en nuestro país de la mano de Vértigo Films el próximo 23 de junio.
La Maison nos cuenta como Emma, una novelista de 27 años quiere escribir un libro que hable de las trabajadoras del sexo y del mundo de la prostitución. Para entender ese mundo consigue que la elijan para trabajar como prostituta en La Maison, un famoso burdel de Berlín. Su intención era pasar allí no más de dos semanas, pero acaba quedándose dos años.
La película, con guion adaptado a cargo de la propia Anissa Bonnefont, está protagonizada por  Ana Girardot, Aure Atika, Yannick Renier, Philippe Rebbot, Gina Jimenez, Nikita Bellucci y Rossy de Palma.

El ciclo «Paulo Rocha Esencial» llega a Filmin el próximo 9 de junio

Filmin añade a su catálogo cinco películas de uno de los cineastas portugueses más relevantes de todos los tiempos, padre del Novo Cinema Portugués.
Siguiendo con su periódica reivindicación de cineastas clásicos y modernos tal vez menos conocidos, que le ha llevado a estrenar en los últimos meses retrospectivas de directoras como Marta Mészáros, Chantal Akerman, Seijun Suzuki o Shohei Imamura, Filmin añadirá a su catálogo el próximo 9 de junio cinco películas, en nuevas restauraciones digitales, que recorren tres de las diversas etapas de la filmografía de Paulo Rocha, padre del Novo Cinema Portugués y uno de los grandes referentes de la cinematografía lusa y mundial.

Nacido en 1935, Rocha es uno de los directores esenciales de la modernidad cinematográfica. Entusiasta de la Nouvelle Vague y de autores como Kenji Mizoguchi, en sus inicios fue ayudante de dirección de cineastas de la trascendencia de Jean Renoir («El cabo atrapado», 1962) o Manoel de Oliveira («Acto de primavera», 1963). Sus dos primeros largometrajes, «Los verdes años» (1963) y «Mudar de vida» (1966), son piedra angular del llamado Cinema Novo portugués y obras maestras del cine europeo.

Aunque poco conocida en nuestro país, su filmografía es tan apasionante como compleja, y aborda temas como la identidad, las raíces culturales o las clases populares del país luso. Reivindicado por las nuevas generaciones, su influencia es palpable en la obra de sus compatriotas contemporáneos, desde João Pedro Rodrigues a Miguel Gomes, pasando por Pedro Costa o João Salaviza.

Títulos que integran el ciclo:
– «Los verdes años» (1963)
– «Mudar de vida! (1965)
– «La isla de los amores» (1982)
– «La isla de Moraes» (1988)
– «El río de oro» (1998)

 

El otro cine español

En la actualidad, el cine español goza de gran reconocimiento por todo el mundo. Sin embargo, no todas las películas de nuestra cinematografía han contribuido a alcanzar ese estatus. Este libro ofrece un extenso repaso a todo nuestro cine. Con todo lo bueno… y lo menos bueno, que ello pueda conllevar. Desde las películas de Los hermanos Calatrava, Chiquito de la Calzada o Martes y Trece, hasta cualquier explotación para aprovechar la fama del famoso de turno, pasando por las inusuales obras convertidas en títulos de culto y asomándonos al cine maldito, ignoto o simplemente olvidado. Clásicos de Berlanga, Fernán Gómez, Zulueta o Edgar Neville, compartiendo espacio con las películas de Jesús Franco, Manuel Esteba, Eloy de la Iglesia y Mariano Ozores, entre muchos otros, para ofrecer el mayor y más completo repaso a todo tipo de películas perdidas, escondidas, desastrosas, memorables y olvidadas de nuestro cine.
Autor: José Fernandez Riveiro, Prólogo: Jesús Palacios. Epílogos: Toni McGinty y Paco Fox. Editorial: Independently published. Páginas: 233

Póster y tráiler de «Citas Barcelona», la serie dirigida por Pau Freixas

Acaba de ver la luz el póster y tráiler oficial de Citas Barcelona. La serie, dirigida por Pau Freixas y producida por Filmax, tendrá estreno semanal en TV3 a partir del lunes 12 de junio con la emisión de los episodios 1 y 2. Todos los episodios estarán disponibles en Prime Video en España el martes 13 de junio.
En Citas Barcelona los personajes se encuentran cara a cara después de conocerse en internet; buscan amor, sexo o simplemente alguien que les aleje de la soledad. El formato es también una cita romántica con la Ciudad Condal, que será el escenario a través del cual los espectadores visitarán los lugares más icónicos de la ciudad como la Sagrada Familia, el puerto o la Rambla, conectando también con la vida cotidiana barcelonesa a través de otros rincones menos conocidos.
La serie narra encuentros entre desconocidos, historias sobre lo que ocurre cuando la tecnología desaparece y lo único que queda son dos personas con sus propias necesidades y contradicciones. Cómo es la primera cita, cuando entran en juego los miedos, los secretos y las expectativas serán algunos de los hilos conductores del guion de Citas Barcelona donde, en un marco muy urbano, cada capítulo narrará la historia de dos citas. A lo largo de la temporada, los personajes se mezclan y entrelazan, cruzándose algunas de las historias y ofreciendo una mirada elegante, natural y entretenida de las relaciones de pareja actuales, de su diversidad y complejidad.
Citas Barcelona cuenta con un reparto compuesto por Carmen Machi, Belén Cuesta, Ivan Massagué, Laia Costa, Nausicaa Bonnín, Carolina Yuste, Pablo Rivero, Manuela Vellés, Betsy Túrnez, Eduard Buch, Aida Oset, Ricard Sales, Jordi Llovet, Carlos Cuevas, Gonzalo de Castro, Miguel Ángel Muñoz, Aina Clotet, Ajay Kumar, Andrea Álvarez, Pol López, Pep Ambrós, Alejo Sauras, Albert Ausellé, David Verdaguer, Berta Castañé, Berta Bayarri, Joana Vilapuig, Vito Sanz, Eva Santolaria, Antonio Hortelano, Carme Balagué y Dulceida.
La serie es una producción de Filmax y Citas La Serie, AIE que cuenta con la participación de Prime Video y TV3. Pau Freixas y Èric Navarro son sus productores ejecutivos creativos. A su vez el también creador de ‘Todos mienten‘ (y de su esperada continuación) es uno de sus directores junto a David Selvas, Paco Caballero, Patricia Font y Carles Torrens.

Retrospectiva completa de la Filmoteca Española a José Luis Garci

El cineasta inaugurará la retrospectiva el 1 de junio en el Cine Doré con la presentación de ‘Volver a empezar’ y un coloquio posterior con el público
El ciclo se realiza en coordinación con Centro de Cultura Contemporánea Condeduque del Ayuntamiento de Madrid, que inaugura el 29 de junio la exposición ‘Garcine’
El homenaje en Filmoteca Española incluye una carta blanca de títulos escogidos por el propio Garci para el Doré, así como presentaciones de diversos colaboradores de su filmografía
Cuando se cumplen 40 años del Oscar a José Luis Garci por ‘Volver a empezar’, el primero otorgado a una obra española como Mejor Película de Habla No Inglesa, Filmoteca Española homenajea al director español. A lo largo de los próximos meses, el programa ofrecerá un recorrido por la filmografía del director que más veces ha sido nominado al Premio de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood. El ciclo, titulado ‘Vidas de repuesto’, reúne toda su obra cinematográfica como director, así como una selección de sus trabajos como guionista, productor e incluso intérprete.
El ciclo de Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura y Deporte encargado de la preservación del patrimonio cinematográfico español, se realiza en coordinación con el Ayuntamiento de Madrid, a través del Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, organizador de la exposición ‘Garcine. 40 años del primer Oscar a una película en lengua española’, que tendrá lugar del 29 de junio al 15 de octubre en el Centro Condeduque de Madrid.
Para inaugurar este ciclo, el propio José Luis Garci acudirá el día 1 de junio al Cine Doré, sala de proyecciones de Filmoteca Española, para presentar ‘Volver a empezar’ y mantener un coloquio con el director de Programación, Carlos Reviriego, y con el público. También contará con la presencia de varios de sus colaboradores más habituales, como José Sacristán el día 2 de junio para la sesión de ‘Solos en la madrugada’, así como Miguel Ángel Muñoz o Carlos Santos los días 21 y 22 para hablar de sus personajes en la trilogía de ‘El crack’.
José Luis Garci se ha convertido en icono de la cinefilia no solo por su obra, cargada de amor al séptimo arte, sino también por su labor como divulgador y crítico cinematográfico al frente de publicaciones como ‘Nickelodeon’ y espacios televisivos como el mítico ‘¡Qué grande es el cine!’. El homenaje en Filmoteca Española incluye una carta blanca de títulos escogidos por el propio Garci para el Cine Doré.

 

Calendario de sesiones
1 de junio – 20.30h
‘Volver a empezar’
Presentación a cargo del director, José Luis Garci
2 de junio – 17.30h
‘Solos en la madrugada’
Presentación a cargo del actor José Sacristán
3 de junio – 21.30h
‘Asignatura pendiente’
4 de junio – 17.00h
‘Viva la clase media’
7 de junio – 17.30h
‘Cortometrajes de José Luis Garci’
11 de junio – 17.00h
‘Las verdes praderas’
14 de junio – 17.30h
‘La herida luminosa’
16 de junio – 21.30h
‘Sesión continua’
20 de junio – 20.30h
‘El crack’
21 de junio – 20.30h
‘El crack dos’
Presentación a cargo del actor Miguel Ángel Muñoz.
22 de junio-20.30h
‘El crack cero’
Presentación a cargo del actor Carlos Santos
23 de junio – 17.30h
‘El abuelo’
24 de junio – 21.30h
‘Una gota de sangre para morir amando’
27 de junio – 18h
‘Canción de cuna’
29 de junio – 21.30h
‘Extramuros’
30 de junio – 17.30h
‘Asignatura aprobada’
 

El mito de Frankenstein según Yorgos Lanthimos, primer avance para «Poor Things»

Cinco años después de The Favourite (2018) el realizador griego Yorgos Lanthimos tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Poor Things, adaptación de la novela escrita por Alasdair Gray de igual título cuyo primer avance en forma de teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. El film, aún sin fecha de estreno en nuestro país, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 8 de septiembre.
En Poor Things vemos como Bella Baxter es una joven revivida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter. Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella se escapa con Duncan Wedderburn, un sofisticado y perverso abogado, en una aventura vertiginosa a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella se vuelve firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.
La película, con guion adaptado a cargo de Tony McNamara, está protagonizada por Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef, Jerrod Carmichael, Wayne Brett, Christopher Abbott, Margaret Qualley, Kathryn Hunter y Suzy Bemba.

El cine de Shōhei Imamura, emblema de la Nouvelle Vague japonesa, llega a Filmin el 2 de junio

Conocido por retratar la sociedad nipona mediante su visión inconformista y subversiva, Imamura es considerado uno de los cineastas más importantes del siglo XX.
El próximo 2 de junio, Filmin añadirá a su catálogo un ciclo dedicado al director Shōhei Imamura (1926-2006), uno de los máximos exponentes de la Nouvelle Vague japonesa conocido por su audacia, inconformismo y crítica social. La colección está formada por cinco títulos indispensables de su filmografía: «Cerdos y acorazados» (1961), «La mujer insecto» (1963), «Intento de asesinato» (1964), «Los pornógrafos» (1966) y «El profundo deseo de los dioses» (1968). Estas películas se suman a las que ya estaban disponibles en la plataforma: «La anguila» (1997) y «Agua tibia bajo un puente rojo» (2001).

Considerado uno de los cineastas japoneses más importantes del siglo XX, Imamura usó el cine para poner el foco en las personas marginadas por la sociedad, a la vez que cuestionó las normas y valores tradicionales. Asimismo, su obra se alejó de la visión «turístico-occidental» del su país y, en su lugar, mostró en la gran pantalla un mundo formado por prostitutas, proxenetas, campesinos, ladrones y chamanes. En definitiva, buscó respuestas a sus curiosidades antropológicas y arrojó luz sobre los problemas socioculturales de la comunidad nipona, ante los que la clase alta giraba la cara, desafiando las convenciones tanto cinematográficas como culturales.

Imamura, que se inició en el cine como ayudante de Yasujirō Ozu («Cuentos de Tokio») y más tarde siguió en los estudios Nikkatsu, es el único director japonés al que se le ha otorgado la Palma de Oro del Festival de Cannes en dos ocasiones: «La balada de Narayama» (1983) y «La anguila» (1997).

El ciclo de Shōhei Imamura se suma a la periódica reivindicación de Filmin de directores clásicos y modernos, que le ha llevado a estrenar en los últimos meses retrospectivas de cineastas como Marta Mészáros, Chantal Akerman, Frederick Wiseman o Seijun Suzuki.

https://youtu.be/Cwr0fFZVHNc

 

«Sala:B» y el Orgullo

«Celebramos el Orgullo con un peculiar programa doble: un docudrama y una comedia LGTBIQ+ procedentes de los inicios de la democracia. Dos películas aparentemente muy alejadas, pero que comparten una actitud favorable con las primeras reivindicaciones del colectivo. El transexual parte de una tragedia real que llamó la atención de Paul Naschy y el guionista Juan José Porto: la muerte de una vedette brasileña durante una operación clandestina de cambio de sexo. Junto a Antonio Fos, guionista de Eloy de la Iglesia, dieron forma a un melodrama donde un reportero (Naschy) investiga la desaparición de Ágata Lys como mujer trans; pero lo más interesante es el elemento documental que discurre paralelo a la ficción. Conducidos por Yeda Brown, también vedette brasileña y de gran popularidad entonces, estos interludios ofrecen un testimonio personal, médico y legal de enorme interés y osadía formal. Incluye además números musicales rodados en el mítico Gay Club del Paseo del Prado de Madrid y hasta una boda con el transformista Paco España como novio. A pesar del regusto exploitation, la colorida actuación final de Yeda dice mucho de la postura del film. Así lo reconoce nuestra invitada La Caneli: “hecho con la mejor intención, hoy en día sería calificado de tránsfobo ya desde el título, pero debemos recordar cómo ha ido evolucionando el lenguaje y cómo términos han ido cayendo en desuso o cambiando su sentido.”

Gay Club (que toma prestado solo el nombre del famoso local) cuenta otra historia muy de verdad, pero en clave de comedia costumbrista. Las peripecias para montar un bar gay en un pueblo andaluz, cargadas de chistes y tópicos mariquitas, pero con una mirada desenfadada y acogedora. Desde el cartel se subrayaba que era una película sin complejos, donde los malos eran los caciques pueblerinos y no los gays. Tito Fernández, veterano del género, contaba con estrellas como Josele Román, Manuel Alexandre, Carlos Larrañaga, Florinda Chico, y también Paco España, que vuelve cual garantía gay-friendly. La Caneli lo tiene claro: “desde el punto de vista historiográfico del colectivo LGTBIQ+ en España, estas películas se convierten en dos joyas que encapsulan un momento muy particular de nuestra historia y, por tanto, su valor como testimonio de una época es indiscutible.”». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de La Caneli y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 185’).

LUGAR Y FECHAS

Cine Doré

Viernes  30/06/2023      20:00

 

La estructura del tiempo, tráiler para «Perfect Days» de Wim Wenders

Tras unos últimos años dedicados al documental y trabajos televisivos el veterano realizador alemán Wim Wenders vuelve a la ficción, seis años después de Submergence (2017), con Perfect Days, film que estos días compite por la Palma de Oro en el Festival de Cannes cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película supone el regreso a Tokio de Wim Wenders tras Tokyo-Ga (1985), documental que nos acercaba al universo de Yasujiro Ozu.
En Perfect Days vemos como Hirayama parece totalmente satisfecho con su sencilla vida de limpiador de retretes en Tokio. Fuera de su estructurada rutina diaria, disfruta de su pasión por la música y los libros. Le encantan los árboles y les hace fotos. Una serie de encuentros inesperados revelan poco a poco más de su pasado.
La película, con guion a cargo del propio Wim Wenders junto a Takuma Takasaki, está protagonizada por Koji Yakusho, Min Tanaka, Arisa Nakano, Tokio Emoto, Tomokazu Miura, Yumi Asô, Aoi Yamada y Sayuri Ishikawa.

Creaciones (in)humanas. Alteraciones y suplantaciones del ser humano en el cine español

El libro de Débora Madrid explora, analiza, y cuestiona la extraña historia (reciente) de la ciencia ficción cinematográfica en España navegando con pulso firme en un mar agitado por esas dos perspectivas. Y allí hay que colocar el primero de sus aciertos: nos ayuda a comprender por qué es importante seguir estudiando los aconteceres del pasado, explorar nuevas fuentes, mirar con lupa casos concretos, y dar voz a pequeñas circunstancias. Es allí donde se encuentra la complejidad de la historia social de la cultura, son esos detalles los que desafían nuestros esquemas, y nos permiten comprender cómo avanzar en el conocimiento, y aportar nuevas ideas al análisis de nuestro entorno. Pero hay más. En su relato, descubrimos, o re-visitamos, muchos protagonistas olvidados, películas a las que no se había dado importancia, hechos, y circunstancias que se pensaban irrelevantes por no responder a ningún canon aceptado. Y eso, en sí, aunque no tuviera las implicaciones mencionadas arriba, ya es otro mérito. Hace falta rigor, apego al detalle, capacidad de escucha para hacerlo. No parece descabellado pensar que es solo en el marco de una tesis doctoral que es posible concebir algo parecido: un trabajo de años, en el que la determinación de la curiosidad intelectual se mezcla con la paciencia y el respeto hacia lo que ya se ha hecho, el espíritu de aventura con las pausas de reflexión, la convicción con las dudas. Todo esto, ya pulido, repensado y asentado es lo que se encuentra encerrado en las páginas de este libro. Dicho en pocas palabras, es un libro del que se aprende mucho, que divierte, y que hace pensar. No creo que se pueda pedir más. Valeria Camporesi
Autor: Débora Madrid Brito. Editorial: ‎ Ediciones de la Universidad de Castilla-La Mancha. Páginas: 208

Primer tráiler para lo nuevo de Nuri Bilge «About Dry Grasses»

Presente estos días en la Sección Oficial del Festival de Cannes, About Dry Grasses (Kuru Otlar Üstüne), el nuevo trabajo tras las cámaras del realizador turco Nuri Bilge estrena un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La nueva película del responsable de Once Upon a Time in Anatolia llegará a nuestro país, aún sin fecha de estreno, de la mano de Caramel Films.
En About Dry Grasses vemos como un joven maestro espera ser designado para Estambul después de su servicio obligatorio en un pequeño pueblo. Después de mucho tiempo de espera, pierde toda esperanza de escapar de su vida sombría. Sin embargo, su colega Nuray le ayuda a recuperar la perspectiva.
La película, con guion a cargo del propio Nuri Bilge Ceylan junto a Akin Aksu y Ebru Ceylan, está protagonizada por Merve Dizdar, Deniz Celiloglu y Musab Ekici.

«The Origin» review

En la antigua Edad de Piedra, un grupo dispar de humanos primitivos se une en busca de una nueva tierra. Pero cuando sospechan que un ser malévolo y místico los está persiguiendo, el clan se ve obligado a enfrentar un peligro que nunca imaginaron.
Aunque desde ópticas distintas, The Origin, al igual que muchas de las cintas presentes en la pasada edición del Festival de Sitges, parte y se fundamenta a través de una aniquilación sistemática, lo hace en referencia a una premisa que nos muestra a un grupo de personas asediadas y eliminadas por parte de un enemigo intuido como invisible. La particularidad del film de Andrew Cumming viene dada por personajes y escenario, al estar ubicada en el 45.000 a. C. y está concebida como una suerte de survival prehistórico de narrativa minimalista, ésa que supuestamente intenta aprovechar un máximo rédito posible de un concepto narrativo y escénico en apariencia mínimo, posicionamiento loable que sin embargo, carece del algo tan básico como es el rigor, a tal respecto alejada de una cinta coetánea, como, por ejemplo, La Guerre du feu del francés Jean-Jacques Annaud.
De alguna manera esa carencia de verosimilitud, en especial según que dialécticas y comportamiento poco creíbles para la Edad de Piedra, no es el principal problema que atesora The Origin, principalmente lo es con relación a su no adscripción, o dubitación, a la hora de abrazar sin ningún tipo de reservas el relato de género, en este caso el de terror, corriente del que da la sensación de estar fundamentado. De este modo, al igual que muchas películas que hibridan géneros sin mucha convicción, sin ir más lejos los también en un principio antagónicos, bélico que muta en fantástico, visto en películas como por ejemplo The Bunker (2001) o Deathwatch (2002), el film de Andrew Cumming se queda genéricamente en tierra de nadie, especialmente a la hora de querer trascender en una revelación final, que nos muestra una visión muy oscura de la naturaleza humana, y que en parte viene a ser un preludio de las divisiones, miedo al diferente, que están por aparecer en futuras sociedades. Tesis que pone de manifiesto cómo gran parte del fantástico actual termina siendo bastante deudor de una serie de tendencias percibidas como líquidas, déficit cada vez más endémico del cual no se atisba solución, y del que no parecen librarse ni los relatos provenientes de lo supuestamente ancestral.

Valoración 0/5:2

«Hermana Muerte» de Paca Plaza, película inaugural del Sitges 2023

Hermana Muerte de Paco Plaza será la encargada de inaugurar la próxima edición del Festival de Sitges, rodada casi íntegramente en el Real Monasterio de San Jerónimo de Cotalba, en una localidad cercana a Gandía, la película recupera el universo Verónica; se trata de un cuento de terror en clave femenina, que nos llevará a la España de posguerra, tomando como punto de referencia un convento sacudido por la llegada de Narcisa, una joven novicia con poderes sobrenaturales.
Hermana Muerte nos sitúa en la España de la posguerra, Narcisa, una joven novicia con poderes sobrenaturales, llega a un antiguo convento, ahora colegio para niñas, para incorporarse como maestra. Conforme pasan los días, los extraños acontecimientos y las situaciones cada vez más inquietantes que la atormentan terminarán por conducirla a desentrañar la terrible madeja de secretos que rodean al convento y acechan a sus habitantes.
En palabras del director, Paco Plaza: «Llevo asistiendo al festival de Sitges desde 1991, por lo que es fácil adivinar el privilegio que supone para mí participar un año más, y especialmente con la película inaugural. Sitges es el Wimbledon del terror, el centro del mundo para toda la comunidad cinéfila de terror a nivel planetario, y que “Hermana muerte» sea la película de apertura es un honor que me llena de felicidad. Es una película muy especial para mí en muchos sentidos, una expansión del universo de “Verónica”, con el que guarda muchas conexiones, pero es una película con una naturaleza propia y muy diferente a su predecesora, una película de una luminosidad tenebrosa en torno a un personaje muy querido para mí».
Con producción de El Estudio para Netflix la película, con guion a cargo de Jorge Guerricaechevarría, está protagonizada por Aria Bedmar, Almudena Amor, Maru Valdivielso, Luisa Merelas, Chelo Vivares y Consuelo Trujillo.

Una terrible cotidianidad, tráiler para «Youth (Spring)» de Wang Bing

Figura fundamental dentro de la no ficción con trabajos tan determinantes como por ejemplo Man with No Name (2009) o Mrs. Fang (2017) el realizador chino Wang Bing vuelve a ponerse en primera línea de la palestra con su nuevo trabajo tras las cámarasShanghai Qingn Youth (Spring) Shanghai Qingnian, película cuyo primer tráiler subtitulado al francés acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película de tres horas y media de duración, presente estos días a competición en el Festival de Cannes, vuelve a indagar a través de la observación en la actual sociedad china.
Youth (Spring) nos sitúa en Liming, un distrito de trabajadores cerca de Shanghai, la ciudad más rica de China. Cada año, muchos jóvenes abandonan sus aldeas y se trasladan allí. Tienen entre 17 y 20 años, todos de la provincia rural de Yunnan, a 2.500 km al oeste, donde el río Yangtze tiene su origen. Estos jóvenes a menudo viven en su lugar de trabajo, en dormitorios y habitaciones insalubres o en pequeños estudios. Viven como adultos pero son adolescentes, y su situación es inestable; las presiones económicas, la dispersión geográfica, queman su inocencia y su juventud. Wang Bing pasará un año con ellos en Liming: en el trabajo, en casa, en Internet, todos los días de sus relaciones profesionales, románticas y amistosas. Al final del año, los seguirá en dirección opuesta a su provincia de origen, para estar con su familia y celebrar el Año Nuevo Chino.

El broche de oro del genio: FlixOlé estrena las películas de la etapa francesa de Buñuel

Desde Diario de una camarera hasta Ese oscuro objeto del deseo, pasando por la provocativa Bella de día (Belle de jour) y la oscarizada El discreto encanto de la burguesía. FlixOlé estrena el próximo 12 de mayo los grandes títulos de Buñuel en su etapa francesa.
Muchos son los nombres que han contribuido a engrandecer el lema ‘Aragón, tierra de cine’, pero hay uno que sobresale por encima de todos: Luis Buñuel. Maestro del surrealismo y lo onírico, levantó un puente entre el séptimo arte español y el mundo entero. Se convirtió en el director más importante de la historia filmográfica del país. De su extensa y estudiada obra, FlixOlé estrena en su catálogo, el próximo viernes 12 de mayo, los grandes clásicos con los que el autor puso el broche de oro a su carrera en la gran pantalla.
La plataforma especializada en cine español presenta una colección que incluye como novedades algunos de los títulos de Buñuel en su etapa francesa. Desde Diario de una camarera (1964) hasta su último largometraje: Ese oscuro objeto del deseo (1977). Una antología de películas que llevaron al realizador natural de Calanda a lo más alto del panorama audiovisual; en clave nacional e internacional, siendo el primer director español en alzarse con la estatuilla en los Oscar.
Afincado en la industria francesa, Luis Buñuel dio rienda suelta a su creatividad gracias a que contó con mayores recursos y libertad en los rodajes. La ácida sátira social Diario de una camarera fue la primera película realizada en este último ciclo cinematográfico. El filme no escondía el desdén del aragonés por la burguesía. Dicho sentimiento quedó reflejado en las bajas y excéntricas pasiones que despertaba la joven protagonista entre los varones de la casa donde ejercía de doncella.

Catherine Deneuve, en ‘Belle de jour’

Belle de jour y la oscarizada El discreto encanto de la burguesía
Ya en 1967 se estrenaría Bella de día (Belle de jour). Las perversiones sexuales con las que Buñuel gustaba representar la hipocresía de las clases acomodadas se volvieron todavía más palmarias en el personaje de Séverine Serizy (Catherine Deneuve), una aristócrata convertida en prostituta. Erotismo y surrealismo acompañan a este juego fílmico de realidad y ficción que supuso un gran éxito de taquilla; y con el que el realizador obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia.
Con La Vía Láctea (1969), el realizador plantearía un complejo y herético viaje espacio-temporal que cargaba contra la fe ciega y el fanatismo religioso. Valiéndose de la rocambolesca peregrinación a Santiago de Compostela que inician dos trotamundos franceses, el cineasta desahogó sus ganas de adaptar la vida de Cristo a la gran pantalla.
Después vendría El discreto encanto de la burguesía (1972). Una revisión de El ángel exterminador (1962) con la que Buñuel hizo desfilar a seis personajes de alta casta por distintos escenarios; a cada cual más surrealista. El filme llevaría a su autor a recoger el Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa. Y a codearse con lo más granado de la meca del cine en el recibimiento que le organizó George Cukor en su mansión con motivo de la nominación.
También se pasearía por la alfombra roja hollywoodiense la última película del director español: Ese oscuro objeto del deseo. A través del humor, Buñuel narró las peculiares relaciones que mantiene un hombre maduro con una joven de 19 años.

Ángela Molina y Fernando Rey en la última película de Luis Buñuel, ‘Ese oscuro objeto del deseo’

La colección de Buñuel
Todas estas películas estarán disponibles en la colección que estrenará FlixOlé el próximo 12 de mayo. El especial incorporará además La muerte en este jardín (1956), de producción francesa, aunque adscrita a una etapa cinematográfica anterior del calandino. Igualmente se podrán encontrar títulos tan emblemáticos como Viridiana (1961), Simón del desierto (1965) y Tristana (1970); así como los documentales dedicados al más importante de los directores españoles. Entre éstos se encuentran Buñuel (Rafael Cortés, 1984) y Buñuel, un cineasta surrealista (Javier Espada, 2021).

 

 

Primer tráiler para «Five Nights at Freddy’s» de Emma Tammi

Después de la buena impresión cosechada por su opera prima The Wind (2018) la realizadora Emma Tammi dirige la adaptación cinematográfica del popular videojuego de terror Five Nights at Freddy’s, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz de la mano de Universal Pictures y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, producida por Blumhouse y animatrónicos creados por Jim Henson’s Creature Shop, mítica compañía de efectos especiales fundada en el año 1979 por Jim Henson, tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 27 de octubre.
Five Nights at Freddy’s nos cuenta como un hombre comienza un trabajo como guardia de seguridad nocturno en el restaurante Freddy Fazbear’s Pizza, lugar donde descubre que los animatrónicos se mueven por la noche y matan a cualquiera que vean.
La película, con guion a cargo de la propia Emma Tammi junto a Scott Cawthon y Seth Cuddeback, está protagonizada por Josh Hutcherson, Matthew Lillard, Piper Rubio, Elizabeth Lail, Mary Stuart Masterson, Lucas Grant, Kat Conner Sterling y Jessica Blackmore.

 

Hollywood antes de la censura. «Las películas pre-code.»

Se conoce con el nombre de pre-code a ese periodo de la historia de Hollywood, de 1929 a 1934, en el que el cine fue realmente libre. A pesar de que el código Hays de censura se aprobó en 1930, no fue hasta cuatro años después que se instauró de un modo férreo. Mujeres con poder, parejas de hecho, hijos ilegítimos, adulterio, guiños homosexuales, drogas… formaron parte de modo insistente del cine de aquellos años.
Este libro se centra en ese fascinante periodo de la Historia de Hollywood, analizando una a una las películas más características de aquellos años. Aquellas que a la postre han hecho honor a esta terminología moderna, pre-code, y que hoy día nos resultan verdaderamente impactantes.
El autor
Guillermo Balmori nació en Burgos en 7974. Es licenciado en Derecho por la Universidad de Burgos y Máster en Abogacía por el Instituto Superior de Derecho y Economía (ISDE) de Barcelona. Actualmente ejerce como abogado en Madrid. Escribe como articulista en revistas jurídicas y económicas, así como en páginas web de contenido cinematográfico. Es autor del libro «La comedia clásica norteamericana» publicado en esta misma editorial.
Autor: Guillermo Balmori. Editorial: NOTORIOUS EDICIONES, S.L. Páginas: 421

The Final Cut, primer tráiler para «Cobweb» de Kim Jee-woon

Otra de las películas que tendrán su premiere mundial estos días en el marco del Festival de Cannes es el nuevo trabajo tras las cámaras, cinco años después de In-rang (2018), del coreano Kim Jee-woon titulado Cobweb, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Cobweb, comedia negra que se enmarca en la categoría de cine dentro de cine, vuelve a reunir a Kim Jee-woon junto al actor Song Kang-ho.
Cobweb nos sitúa en los años 70, el director Kim está obsesionado por el deseo de volver a rodar el final de su película recién terminada ‘Cobweb’, pero el caos y la confusión se apoderan del plató con la interferencia de los censores y las quejas de los actores y productores que no pueden entender la reescritura del final. ¿Será Kim capaz de encontrar un camino a través de este caos para cumplir sus ambiciones artísticas y completar su obra maestra?
La película, con guion a cargo de Shin Yeon-shick, está protagonizada por Song Kang-ho, Lim Soo-jung, Oh Jung-se, Jeon Yeo-been, Krystal Jung, Park Jeong-su y Jung Woo-sung.