Autor: Administrador

Deconstrucción amorosa, tráiler de «Avec amour et acharnement» de Claire Denis

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Para satisfacción de los incondicionales de la cineasta francesa Claire Denis dos películas serán las películas que estrenará este año la responsable de Beau travail, por un lado recientemente vista en el festival de Cannes Stars at Noon y por otro Avec amour et acharnement, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, Oso de Plata a la Mejor dirección en el pasado festival de Berlín,  que llegará a España de la mano de Caramel Films con el título de Fuego se estrenará comercialmente en territorio francés el próximo 31 de agosto.
Avec amour et acharnement nos cuenta como cuando se conocieron, Sara vivía con François, el mejor amigo de Jean. Ahora, Jean y Sara se quieren y viven juntos hace 10 años. Un día, Sara ve a François por la calle. Él no se da cuenta, pero a ella le invade la sensación de que su vida podría cambiar repentinamente. Al mismo tiempo, François retoma el contacto con Jean por primera vez en años y le propone volver a trabajar juntos. A partir de aquí, todos perderán el control.
La película con guion a cargo de la propia Claire Denis junto a Christine Angot está protagonizada por Juliette Binoche, Vincent Lindon, Grégoire Colin, Bulle Ogier, Mati Diop, Issa Perica y Hana Magimel.

 

Seminario online Pier Paolo Pasolini

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Presentación
La obra fílmica de Pier Paolo Pasolini permanece viva, por cuanto continúa originando nuevas enseñanzas filosóficas y provocando nuevas emociones estéticas. El cine de Pier Paolo Pasolini aún mantiene en alto sus espadas, ya que es fuente inagotable de debate, de discusión, acicate para articular nuevas maneras de cuestionar la sociedad occidental moderna y las tensiones anímicas e intelectuales que sacuden al hombre dentro de dicha sociedad. Las películas de Pier Paolo Pasolini, vanguardistas, primitivas y vagamente clásicas, sin posibilidad alguna de crear escuela por únicas, suponen actualmente una experiencia límite al plantear sin remilgos la conflictiva coexistencia entre lo viejo y lo nuevo, entre la civilización y la barbarie, entre la opulencia y el subdesarrollo, entre el cuerpo y el espíritu. Pero, sobre todo, el trabajo de Pier Paolo Pasolini tras las cámaras se nos revela como una de las cumbres del cine como arte.
Objetivo
Desarrollar la sensibilidad estética y cinematográfica a través de la mirada de Antonio José Navarro.
Metodología
El seminario se imparte por videoconferencia a través de Zoom. Se visualizan y se analizan escenas cuidadosamente seleccionadas por Antonio José Navarro de Accatone (1961), Mamma Roma (1962), El Evangelio según San Mateo (1964), Edipo Rey (1967), Teorema (1968), El Decamerón (1970), Las Mil y una Noches (1974) y Saló o los 120 días de Sodoma (1975).
Impartición
Antonio José Navarro es crítico e historiador de cine, miembro de la Associació Catalana de la Crítica i l’Escriptura Cinematogràfica (ACCEC) y la Asociación Española de Historiadores del Cine (AEHC). Ha escrito en diversos medios vinculados a la crítica de cine como Dirigido por, Imágenes de Actualidad, Time Out Barcelona o El Periódico de Catalunya. Ha publicado diversos libros de cine como El imperio del miedo. El cine de horror norteamericano post 11-S (2016), Choque de titanes. 50 películas fundamentales sobre la Guerra Fría (2017) o Hollywood y la Guerra contra el Terror (2021).
Precio
45€
https://www.educatumirada.com/matriculacion/

La sororidad en clave atmosférica, tráiler de «She Will»

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El debut en el largometraje de la artista multidisciplinar Charlotte Colbert She Will, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, viene a significar uno de esos trabajos cuya adscripción genérica al género fantástico parece venir acompañada por la imperiosa necesidad de expandir un tema de índole social, en este caso podría ser perfectamente el concerniente al #MeToo, aplicada en esta ocasión a modo de canalización fantástica. La película (critica aquí) tras su estar presente el pasado año en festivales como Locarno o Sitges tendrá un estreno limitado en cines y VOD de Estados Unidos previsto para el próximo 15 de julio.
She Will nos cuenta como tras una mastectomía doble, Veronica Ghent viaja a una clínica situada en Escocia. Su intención es curarse de la operación, pero una vez allí descubre que para sanarse totalmente también es necesaria una meditación psicológica sobre su existencia y algunos traumas del pasado. Veronica establece un vínculo especial con Desi, una joven enfermera, y juntas descubren unas fuerzas misteriosas relacionadas con los sueños.
La película con guion a cargo de la propia Kitty Percy junto a Charlotte Colbert está protagonizada por Malcolm McDowell, Amy Manson, Alice Krige, Rupert Everett, John McCrea, Daniel Lapaine, Jonathan Aris, Olwen Fouere, Jack Greenlees, Kenneth Collard, Joanna Bacon, Kota Eberhardt, Apple Yang, Catriona McNicoll, Fiz Marcus, Stephen Kyem y Thomas Handling.

Solaris-Textos de Cine: Monstruos

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¿De qué está hecho un monstruo? ¿Cuál es, en esencia, esa naturaleza primaria que lo constituye y lo funda monstruoso? ¿Qué parte de lo humano se activa con su presencia, se siente concernida y hasta se reconoce en la criatura monstruosa? ¿De qué es metáfora la figura de los monstruos que más nos han fascinado y atemorizado en el cine? ¿Cómo se ha empleado el lenguaje fílmico para su articulación en la pantalla? Corriendo hacia los monstruos, en lugar de huyendo de ellos, nos proponemos analizar la figura del monstruo tal como ha comparecido en la imagen cinematográfica, a ver si terminamos encontrándonos nosotros mismos.
Monstruos, pero no solo en el sentido de la criatura-monstruo, sino también en el de aquellos humanos que devienen monstruos, como los psicópatas o los torturadores, que nos acercan a lo abominable como un fenómeno íntimo y plausible. Nos adentramos en el análisis de lo insoportable en películas como Funny Games, Psicosis, Seven, Alien, La parada de los monstruos, El silencio de los corderos, el imaginario de Frankenstein, el repertorio monstruoso de Cronenberg, etc., y nos sumergimos en la reflexión del cine mismo como monstruo y su construcción iconográfica sobre la pantalla.
Este volumen temático de SOLARIS contará con los textos de reflexión y el pensamiento de autores multidisciplinares: analistas fílmicos y textuales, psicoanalistas, cineastas y autores especializados en el estudio de la imagen de ciencia ficción, que nos devuelven una estampa peligrosamente reconocible de eso que se nos resiste bajo el semblante de lo monstruoso.
Índice
Prólogo
Elisenda N. Frisach
En la oscuridad… Estética cinematográfica del monstruo
Antonio José Navarro
Diabolus in imago
Raúl Álvarez
La monstruosidad de Frankenstein y su criatura: los límites de la empatía
Miriam Borham Puyal
Formas monstruosas en Psicosis
Israel Paredes
Cine-monstruo
Carlos Losilla
Algunas sucias lecciones. Seven (David Fincher, 1995)
Aarón Rodríguez Serrano
Lo que se ve y lo que se oculta. La evolución del concepto de lo monstruoso en el cine de David Cronenberg
José Antonio Jiménez de las Heras
Monstruos invisibles
Carlos Atanes
La vida dolorosa de los desechados
Quim Casas
Miedo a perder las formas y otros avisos de la enunciación psicópata en Funny Games
Shaila García-Catalán
Autor: Varios, Editorial: SOLARIS, Textos de cine, Páginas: 206

 

Reiner Werner Fassbinder según François Ozon, tráiler de «Peter von Kant»

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No es la primera vez que el francés François Ozon versiona la obra de Reiner Werner Fassbinder, si en el 2000 adaptaba Gouttes d’eau sur pierres brûlantes ahora es turno para la puesta al día y adaptación libre de Peter von Kant, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Peter von Kant tras su premier mundial en el pasado festival de Berlín se estrenará comercialmente en Francia el próximo 6 de julio.
La película nos cuenta como Peter von Kant es un director de cine de éxito. Vive con su asistente Karl, a quien le gusta maltratar y humillar. Sidonie es la gran actriz que fue su musa durante muchos años. Ella es quien le presenta a Amir, un apuesto joven de escasos recursos. Peter se enamora de Amir al instante y le ofrece alojamiento en su apartamento y ayudarle a entrar en la industria del cine. El plan funciona, pero en cuanto adquiere fama, Amir rompe con Peter, dejándole solo para enfrentarse a sus demonios.
Peter von Kant con guion adaptado a cargo del propio François Ozon está protagonizada por Denis Menochet, Isabelle Adjani, Khalil Ben Gharbia, Hanna Schygulla, Stefan Crepon y Aminthe Audiard.

https://youtu.be/WXe6yT3ERgw

Nuevo tráiler para «Nop» de Jordan Peele

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Después de su algo accidentada etapa televisiva con una poca afortunada re visitación de la fundamental Twilight Zone Jordan Peele ya tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras tras sus exitosas Get Out y Us titulado Nope, película que tras un pequeño avance de hace unos meses nos presenta de la mano de Universal Pictures su tráiler final de casi tres minutos de duración que podéis ver a final de página junto a uno de sus carteles promocionales.
Nope, en donde parece vistas sus primeras imágenes que Jordan Peele nos vuelve a ofrecer un relato de terror a través de conceptos relativamente originales, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 22 de julio, a España legará casi un mes después, el 19 de agosto .
En Nope vemos como dos habitantes de un remoto pueblo en el interior de California realizan un descubrimiento tan insólito como escalofriante. La película con guion del propio Jordan Peele está protagonizada por Steven Yeun, Daniel Kaluuya, Keke Palmer, Terry Notary, Donna Mills, Michael Wincott, Barbie Ferreira, Brandon Perea, Jennifer Lafleur, Ryan W. Garcia, Sophia Coto, Andrew Patrick Ralston, Conor Kowalski, Gloria Cole, Lincoln Lambert, Mark Casimir Dyniewicz, Griffin Fenady y Evan Shafran.

Cineteca Madrid explora el complejo y enriquecedor idilio entre el cine y la música

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“Musicalidades” profundiza durante junio en los trasvases entre dos artes.
Cineteca Madrid, espacio perteneciente al Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, centra su programación de junio en los vínculos e híbridos entre el cine y la música, dos artes cuya historia ha sido inseparable durante el último siglo. Bajo el título “Musicalidades”, la propuesta cinematográfica de este mes huye de la visión canónica del musical clásico y reflexiona sobre las cualidades musicales del montaje y el estrecho vínculo del cine, género popular por excelencia, con el archivo y la representación de la historia popular.
La cartelera de junio ofrece así un recorrido por los trasvases entre música y cine, una relación compleja y enriquecedora, con una atractiva propuesta que abarca el documental musical, la musicalidad de la obra del director francés Jaques Demy y el cine austríaco de vanguardia, grandes musicales queer, paseos sonoros por la España de la revolución sexual de los 70 y estrenos imprescindibles donde la música juega un papel protagonista.
El arte de hacer música captado por la cámara
Con motivo del Día Europeo de la Música el próximo 21 de junio, Cineteca Madrid ofrece una selección de documentales sobre bandas musicales emblemáticas como The Doors y The Stooges, cantautores como Chicho Sánchez Ferlosio o Paco Loco, o DJs como Clara Rockmore, Daphne Oram y Laurie Spiegel. Las sesiones serán presentadas por artistas y periodistas musicales relevantes del panorama español, entre los que destacan Miren Iza (Tulsa), Fernando Navarro (El País) o Patri Di Filippo (Blackie Books, Radio Primavera Sound).  Además, se proyectará el documental “Off the Record” (Barry Avrich, 2019), una sesión especial sobre el importante DJ y productor francés Laurent Garnier que contará con la presencia de DJs y figuras de primera línea de la música techno como el británico Dave Clarke.
Musicalidad en la gran pantalla con (Re)visiones y cine austríaco de vanguardia
En sintonía con la temática del mes, Cineteca invita al espectador a volver al encanto, el colorido y la musicalidad del cine del director francés Jacques Demy a través de la sección (Re)visiones, que recupera cuatro de sus películas fundamentales: “Los paraguas de Cherburgo” (1964), “Las señoritas de Rochefort” (1967), “El flautista de Hamelín” (1972) y “Una habitación en la ciudad” (1982).
La música visual también está presente en el cine austríaco de vanguardia, cuya contribución a la historia del cine es mundialmente conocida. Cineteca acoge algunas de las obras maestras de sus pioneros, como Kurt Kren, Maria Lassnig, Valie Export o Mark Adrian, que abrieron importantes caminos para la investigación en el arte contemporáneo. Además, se estrenará en exclusiva “Train Again” (2021), la última película de Peter Tscherkassky, heredero de la importante tradición de la escuela austriaca, en una sesión excepcional que incluirá las otras dos partes de su trilogía “Rushes Series: Coming Attractions” (2010) y “The Exquisite Corpus” (2015).
Musical queer, masculinidades y ecos de la revolución sexual
De cara a la semana del Orgullo LGTBI, que tendrá lugar del 1 al 10 de julio en Madrid, Cineteca propone calentar motores con una programación que incluye algunos de los musicales queer más reseñables de la historia del cine, películas rompedoras y emocionantes que esconden importantes reflexiones sobre la identidad y la libertad: “Cabaret” (Bob Fosse, 1972), “The Rocky Horror Picture Show” (Jim Sharman, 1975), “Las aventuras de Priscilla, reina del desierto” (Stephan Elliott, 1994) “Velvet Goldmine” (Todd Haynes, 1998), “Mysterious Skin” (Gregg Araki, 2004), entre otras. En esta recopilación, no podía faltar “Diferente” (1961, del director español Luis María Delgado, uno de los musicales más notables de la historia de nuestro cine.
Además, la sección Arqueologías viaja de la mano del doctor en Historia y Teoría del Arte Alberto Berzosa hasta la España de los años 70, época en la que, bajo la bandera de la liberación sexual y la derogación de la Ley de Peligrosidad y Rehabilitación Social, se articuló una escena cinematográfica alternativa, formada por una red de cineastas, actores y artistas. A pesar de que se desarrolló en el plano de la marginalidad ideológica, cultural, social y política, dejó una producción de alrededor de 60 películas que conformaron en plena transición el primer imaginario de la revuelta sexual. Bajo el título “Ecos de la revolución sexual”, Berzosa tratará asuntos como la vanguardia de lo trans, la ocupación festiva de los espacios públicos, la sexopolitización de la cultura popular, la subversión de los principios morales franquistas, o el desborde de los tabúes.
Y en la sección de acceso gratuito Espacio hablado, que plantea un acercamiento teórico al tema del mes, la Doctora en Bellas Artes Gloria G. Durán, y el sociólogo Antonio A. García proponen un paseo sonoro por algunas de las películas más vistas en el último siglo del cine español, pero desde una mirada que cuestione los estereotipos masculinos construidos por nuestro cine. ¿Cómo suenan las masculinidades en los taquillazos del cine español”? ¿Qué hombres las habitan? ¿Qué relaciones de género se establecen?, son algunas de las cuestiones que se debatirán junto con el público.
Los estrenos del mes narran problemáticas contemporáneas
La musicalidad juega un papel principal en algunos de los estrenos de junio, como “Memoria” (Apichatpong Weerasethakul, 2021), que cuenta la historia de Jessica (Tilda Swinton), una botánica establecida en Colombia que una noche se despierta al escuchar un sonido inexplicable. Fascinada por este episodio, emprenderá un viaje hasta el corazón de la selva para descubrir el origen del misterioso sonido. También en la última película de Moguillansky y Luciana Acuña, “La edad media” (2022), la música aparece en clave de comedia musical para reflexionar sobre los problemas derivados del confinamiento.
En esta línea, que reflexiona sobre problemáticas existenciales actuales, se encuentra otros estrenos como “Diarios de Otsoga” (Miguel Gomes, Maureen Fazendeiro, 2021), que ofrece un profundo retrato veraniego de la pandemia del Covid desde una visión profunda, emocionante y luminosa. “Regreso a Reims” (2018), de Jean-Gabriel Périot, propone un intenso recorrido por la historia íntima y política de la clase obrera francesa, mientras que “Rendir los machos” (2022), de David Pantaleón, retrata un drama sobre una familia ganadera de Fuerteventura. “A este lado del mundo” (2020), la última película de David Trueba, aborda la complejidad de uno de los grandes asuntos que sacuden el mundo: la inmigración.
CineZeta, ciclo de cine rumano y mucho más
El equipo de jóvenes programadores de CineZeta propone este mes un acercamiento a la exploración de la identidad desde el proceso de ensayo y error, poniendo el foco en cuatro películas que se construyen desde la performance, el bucle y la repetición. “Je ne suis pas morte” (2008), cuyo estreno en Madrid contará con la presencia del director Jean-Charles Fitoussi; “Night Passage» (Trinh T. Minh-ha y Jean-Paul Bourdier, 2004), donde se explorará la construcción de las relaciones a través de la paranoia; “Chain Letters” (Mark Rappaport, 1985) se adentra en la construcción de las relaciones a través de la paranoia; y, por último, “¿Cómo sabes si…?” (James L. Brooks, 2010), una película que desde el género de la comedia romántica explora la naturaleza de la equivocación, del error y la apreciación de intentar, una y otra vez, acertar.
Por otro lado, en colaboración con el Instituto Cultural Rumano, se proyectará un ciclo del mejor cine rumano reciente, con cinco películas premiadas en grandes festivales de todo el mundo. Completa esta programación una masterclass con el director Radu Muntean, quien presentará su película “Intregalde” (2021), premiada en el pasado Festival Internacional de Gijón.
Los Matinés infantiles, el ciclo Emergencia, la sección Alrededores con “Aquel querido mes de agosto” (Miguel Gomes, 2008), La noche Z con “Killer Barbys Vs. Drácula” (Jesús Franco, 2022), FILMADRID Festival Internacional de Cine, RIZOMA Festival Internacional de Cine & Cultura Entrelazada, Docs Barcelona del Mes, Ciclo Docma, TVE Somos Documental, y CIMA en corto completan la amplia programación de Cineteca en junio.

 

En lo más profundo de la noche, tráiler de «Swallowed»

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Bastante interesante resulta ser la trayectoria dentro del género fantástico por parte de Carter Smith, tras trabajos tan interesante como antagónicos entre sí como resultan ser The Ruins (2008) y Jamie Marks Is Dead (2014) nos llega ahora Swallowed, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. La película, un body horror de texturas amateurs, se podrá ver en la próxima edición del Fantasia Film Festival.
Swallowed nos cuenta como Benjamin y Dom son dos compañeros que se conocen desde la infancia. Benjamin ha estado secretamente enamorado de Dom durante mucho tiempo, pero ha llegado el momento de abandonar la ciudad natal por otro lugar en donde pueda ser el mismo y tal vez encontrar a una persona que le quiera. Benjamin por otra parte tiene previsto ir a Los Angeles en donde acaba de conseguir un papel en una película porno gay. Dom tiene un plan para despedir a su amigo en la última noche en que van a estar los dos juntos, lo único que tiene que hacer el entregar un paquete al otro lado de la ciudad.
La película con guion a cargo del propio Carter Smith está protagonizada por Jena Malone, Mark Patton, Cooper Koch, Roe Pacheco y Jose Colon.

«X» review

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En 1979, un grupo de jóvenes cineastas se propusieron hacer una película para adultos en la zona rural de Texas, pero cuando sus anfitriones solitarios y ancianos los atrapan en el acto, el elenco pronto se encuentra en una lucha desesperada por sus vidas.
Si hay existido a lo largo de estas últimas décadas un género cinematográfico por antonomasia que de alguna manera ha recurrido por activa y por pasiva a la re visitación propiciada por la sistemática demanda del aficionado este ha sido sin lugar a dudas el referido al terror, en unos tiempos de continua referencialidad, no muy bien planteada, en donde gran parte de la crítica y los fans vitorean y validan al unísono productos tan deficitarios en su concepción como por ejemplo la última versión de Texas Chainsaw Massacre a cargo de David Blue Garcia, por el mero hecho de ser una película supuestamente disfrutable en función únicamente de su abundante dosis de gore, no es de extrañar que surjan un generoso número de películas con una poco disimulada mirada pretérita como por ejemplo X, en este caso en lo concerniente tanto al slasher USA de los años setenta como al American Gothic que confrontaban de forma abrupta la modernidad y un enfermizo conservadurismo situado en la América rural profunda.
Posiblemente el gran déficit de X pueda percibirse en tener la sensación de estar ante un producto demasiado calculado en relación a sus supuestos propósitos y alegorías por las que supuestamente transita, por otra parte su invocación al cine primigenio de Tobe Hooper se queda en eso, en una pulcra ambientación de texturas ambivalentes en donde se apuesta por un gore analógico como es preceptivo y en especial en lo concerniente a la exposición de un árido escenario y en homenajear para regocijo del fandom otra película del responsable de la original The Texas Chainsaw Massacre como es Eaten Alive (1976). Lo que en estos relatos venía a ser una ruptura conceptual que nos derivaba a un compendio del sucio realismo especialmente brillante en su faceta sonora aquí nos encontramos con una realización demasiada cuidada, gracias principalmente a la presencia de la productora A24, y lo que es peor provista de un mensaje algo obvio en relación a confluir dos corrientes seminales no especialmente antagónicas entre sí como son el porno y el terror, la juventud y la vejez, estigma también muy presente en otra película de genero de este mismo año como es La abuela de Paco Plaza, y en especial en ese incipiente liberalismo enfrentado a un perturbador anacronismo represor en donde suelen nacen monstruos, todo ello aderezado con una innecesaria revelación final.
La carrera de Ti West ha basculado en gran parte en lo concerniente a una continua referencialidad genérica, labor especialmente afortunada en la re visitación del terror satánico de los años 70 con The House of the Devil (2009) y el relacionado con ese horror de carácter más popular y desinhibido bastante muy proclive en los años 80 con The Innkeepers (2011), sin embargo en otras reformulaciones venidas a posteriori West no se muestra tan certero, tanto con el fanatismo religioso expuesto en formato found footage visto en The Sacrament (2013) como el western a modo de revival de In a Valley of Violence (2016), propuestas al fin y al cabo que al igual que X son percibidas en base a una estructura algo más ambiciosas y modélicas que sus predecesoras pero también más direccionadas a una clara naturaleza de artificio pese a anidar supuestamente a través de discursos potencialmente nuevos.
Ubicada a finales de los 70 X representa a la perfección ese tipo de cine bastante reconocible en estos últimos años que parece más preocupado en plantear que en desarrollar, a tal respecto hay acotaciones ciertamente interesantes como el que nos dice como el sexo a modo de represión desemboca en barbarie, también el referido a ese juego meta que nos muestra el cine dentro del cine en donde los tópicos de los géneros van apareciendo uno por uno a modo de festín cinéfilo o incluso la reformulación de las reglas a la hora de definir a figura de la Final Girl, no yendo sin embargo más allá de una distendida  acumulación de elementos referenciales más cercanos al hype generado por el entorno que a la veracidad del producto entendido como tal, un cine en definitiva concebido bajo los dictámenes y parámetros de la exploitation setentera que sin embargo y a diferencia de gran parte de aquellas producciones dista mucho de atesorar el espíritu trasgresor que las solía caracterizar.

Valoración 0/5:2

La delgada línea entre la ficción y la realidad, tráiler de la nueva «Irma Vep» de Olivier Assayas

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Tampoco debe ser motivo de sorpresa que un autor de las características de Olivier Assayas actualice de alguna manera un discurso de tono metaficcional que el mismo ya había abordado con anterioridad, la serie televisiva Irma Vep, cuyo primer tráiler subtitulado al español acaba de ver la luz de la mano de HBO y A24 y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, no deja de ser una relectura de otro relectura, en concreto posiblemente de su mejor película del mismo título e interpretada por Maggie Cheung en 1996, adaptación cinematográfica a su vez del clásico del cine mudo francés de 1915, Les Vampires. La versión televisiva de Irma Vep constará  de ocho episodios estrenando HBO Max el primero el próximo 7 de junio.
En Irma Vep vemos como Mira es una estrella de cine desengañada tanto por su carrera como por una reciente ruptura. Llega a Francia para encarnar a Irma Vep en una adaptación del clásico francés del cine mudo “Los vampiros”. A medida que avanza el rodaje, Mira se da cuenta de que los límites entre ella misma y el personaje que interpreta comienzan a difuminarse y a fusionarse.
La serie con guion a cargo del propio Olivier Assayas está protagonizada por Alicia Vikander, Adria Arjona, Fala Chen, Carrie Brownstein, Lars Eidinger, Jess Liaudin, Vincent Lacoste, Jeanne Balibar, Hippolyte Girardot, Vincent Macaigne, Nora Hamzawi, Antoine Reinartz, Alex Descas, Michèle Clément, Johannes Oliver Hamm y Tom Sturridge.

Hollywood y la Guerra contra el Terror

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En el transcurso de casi dos décadas, Hollywood se ha convertido en una verdadera (y atormentada) conciencia y memoria colectiva en relación con el 11-S y la Guerra contra el Terror. Si alguien hubiese vivido en completo aislamiento todo este tiempo, sin leer ningún periódico, revista o libro, ni haber visto un informativo televisivo o escuchar la radio, viendo únicamente el cine y la televisión de Hollywood, podría hacerse una idea bastante precisa de que fue el 11-S, por qué y cómo se ha desarrollado la Guerra contra el Terror, cuál es la percepción que los estadounidenses tienen de sí mismos y de otros países o culturas, y que sentimientos les provoca enfrentarse a su maldad, a su rabia, a su miedo, a su sufrimiento. En la presente obra se analizan numerosos documentales, cintas de ficción y productos televisivos de diferentes estilos, dramaturgias e ideologías, un espacio de debate, de disputa, en que los espectadores adquieren conciencia de su posición cultural y política frente a semejante conflicto.
Autor: Antonio José Navarro, Editorial: CATEDRA PIRAMIDES, Páginas: 384

Talleres Xcèntric: Entre el yo y la otredad. Metodologías etnográficas para la creación cinematográfica

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Participantes
Adriana Vila Guevara
Este taller teórico-práctico, a cargo de la cineasta y antropóloga Adriana Vila Guevara, pretende crear un espacio para la reflexión (sensitiva y experiencial) sobre algunas de las condiciones que circundan el planteamiento y desarrollo de una aproximación a lo desconocido, al misterio de la otredad.
A lo largo de su historia como disciplina, la antropología se ha dedicado a la compleja tarea de comprensión de la otredad, enfrentándose a las contradicciones de la propia presencia de quien investiga. De la misma manera, en la creación cinematográfica (e incluso en distintas disciplinas artísticas interesadas en la intersubjetividad) el acercamiento y desarrollo de las relaciones que se establecen con quienes se trabaja y a quienes se desea representar, suele colocar al creador o creadora en un constante debate sobre su posición, poder, intervención, responsabilidad o compromiso.
En esta sesión única de 4 horas de duración, con plazas limitadas a un grupo reducido, se desarrollarán una serie de ejercicios prácticos (de meta-observación, de escucha reflexiva, entre otros) que crearán las bases para la discusión colectiva y fomentarán el encuentro con un conocimiento situado e incorporado. El taller aportará empíricamente una serie de herramientas etnográficas, útiles para transitar las etapas de investigación que acompañan los procesos artísticos o cinematográficos de descubrimiento y representación de la otredad.
El taller está dirigido a toda persona interesada en estas cuestiones, sin necesidad de conocimientos previos, y especialmente artistas y cineastas que quieran enriquecer sus procesos creativos y explorativos. La sesión complementa el curso F(r)icciones Etnográficas y el pasado ciclo de proyecciones del programa Xcèntric dedicado a las intersecciones entre cine experimental y antropología.
Fecha: 10 junio 2022
Horario: 16.00 – 20.00
Espacio: Archivo Xcèntric
Precio: 6 € (4 € entrada reducida)
Inscripciones
Es necesario enviar una carta de motivación a xcentric@cccb.org antes del 27 de mayo (asunto del mail: TALLER ANTROPOLOGIA) con los siguientes datos:
Nombre y apellidos / Mail y teléfono / Edad y profesión / Cuatro líneas con tu motivación para asistir al taller (si estás desarrollando algún proyecto, explícalo brevemente).
La lista de personas admitidas se hará pública antes del 31 de mayo.
Matrícula limitada a 15 participantes.
Idioma; Castellano

Terror en la alta cocina, primer tráiler para «The Menu»

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No será la única aproximación que en mayor o menor medida aborda el fantástico a ese nuevo imaginario que transcurre través de la alta cocina, si desde su particular mirada autoral Peter Strickland lo hace con Flux Gourmet The Menu, cuyo primer tráiler de la mano de Searchlight Pictures acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, aborda dicha temática a través de una vertiente algo más lúdica. La película, dirigida por Mark Mylod (Ali G Indahouse 2002, The Big White 2005) e interpretado por Anya Taylor-Joy, que acaba de empezar estos días el rodaje de la esperada Furiosa de George Miller, tiene previsto su estreno comercial en cines de Estados Unidos para el próximo 18 de noviembre.
En The Menu vemos como una joven pareja viaja a uno de los destinos más exclusivos del mundo para cenar en un restaurante que ofrece una experiencia culinaria única. Sin embargo, el chef ha preparado un ingrediente secreto que tendrá un resultado sorprendente en los dos enamorados.
La película con guion a cargo de Seth Reiss y Will Tracy está protagonizada por Anya Taylor-Joy, Nicholas Hoult, Ralph Fiennes, Hong Chau, John Leguizamo, Janet McTeer, Judith Light, Christina Brucato, Aimee Carrero, Paul Adelstein, Arturo Castro, Reed Birney, Rob Yang, Rachel Trautmann, Peter Grosz, Mel Fair, Adam Aalderks, Rebecca Koon, Mark St. Cyr, Jon Paul Allyn, Brandon Herron y Elbert Kim.

Filmin traerá a España «The Kingdom Exodus», la nueva serie de Lars von Trier

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La tercera temporada de «The Kingdom», que llega 25 años después del final de la serie, se estrenará en España el próximo otoño.
Filmin ha llegado a un acuerdo con TrustNordisk para estrenar en España la trilogía «The Kingdom», la célebre serie que Lars Von Trier creó en los años 90 y que, 25 años después de su final, estrenará su tercera temporada en otoño de 2022.

Las dos primeras temporadas de «The Kingdom» han sido remasterizadas para ofrecer la mejor experiencia audiovisual a los espectadores que quieran descubrir o rememorar una serie que se ambienta en un moderno y laberíntico hospital situado en un antiguo pantano, y que mezcla géneros y tonos de manera apasionante. El reparto incluye a estrellas del cine nórdico como Lars Mikkelsen («Devils»), Nikolaj Lie Kaas («Los casos del Departamento Q»), Mikael Persbrandt («El Hobbit») o Tuva Novotny («Nobel»). Alexander Skarsgaard («Succession») será la estrella invitada de la tercera temporada, escrita, como la serie original, por Lars Von Trier en colaboración con Niels Vørsel.

Además, Filmin ha adquirido también la filmografía completa del director danés, perteneciente a TrustNordisk, que incluye películas tan célebres como «Bailar en la oscuridad», «Dogville», «Anticristo», «Melancolía» o «La Casa de Jack», así como sus dos primeros largometrajes, «El elemento del crimen» y «Epidemic».

Sinopsis de «The Kingdom Exodus»
Fuertemente influenciada por los hechos narrados en las dos primeras temporadas de «The Kingdom», la sonámbula Karen busca respuestas a los problemas no resueltos de la serie para salvar al hospital de la perdición. Una noche, profundamente dormida, Karen se adentra en la oscuridad e inexplicablemente termina frente al hospital. La puerta del Reino se abre de nuevo…

Tráiler en castellano para lo nuevo de Terence Davies «Benediction»

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Tras estar presente en el Festival de San Sebastián (critica aquí) el pasado año el nuevo trabajo tras las cámaras del veterano realizador Terence Davies Benediction lanza un primer tráiler en castellano que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, biopic del poeta Siegfried Sassoon, se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 8 de julio de la mano de Festival Fims.
Benediction nos cuenta como Siegfried Sassoon fue un hombre complejo que sobrevivió a los terrores de combatir en la I Guerra Mundial y fue condecorado por su valentía, pero a su regreso se convirtió en un firme crítico de la continuación de la guerra por parte de su gobierno. Su poesía se inspiró en sus experiencias en el frente occidental y terminó siendo uno de los principales poetas de guerra de la época. Idolatrado por aristócratas y estrellas del mundo literario y escénico londinense, mantuvo relaciones con varios hombres mientras intentaba aceptar su homosexualidad. Al mismo tiempo, roto por el terror de la guerra, hizo de su viaje vital una búsqueda de la salvación, tratando de hallarla en la conformidad del matrimonio y la religión.
La película con guion a cargo del propio Terence Davies está protagonizada por Jack Lowden, Simon Russell Beale, Peter Capaldi, Jeremy Irvine, Kate Phillips, Gemma Jones, Ben Daniels, Geraldine James, Joanna Bacon, Anton Lesser, Lia Williams, Thom Ashley, Kellie Shirley, Suzanne Bertish, Paddy Rowan, Calam Lynch, Harry Lawtey, Tom Blyth, David Shields, Edmund Kinsgley, Jude Akuwudike, Jamie-Lee Beacher, Stacey Lynn Crowe, Bobby Robertson y Ernest Vernon.

Filmoteca española, Sala:B y los extraterrestres en Madrid

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Los nuevos extraterrestres (Juan Piquer Simón, 1983). Int.: Ian Sera, Nina Ferrer, Emil Linder, Susana Bequer. España, Francia. 35 mm. Color. 80’
 Hermano del espacio (Fratello dello spazio, Mario Gariazzo, 1988). Int.: Martin Balsam, Agostina Belli, Silvia Tortosa, William Berger. España, Italia. 35 mm. Color. 89’
 «Los extraterrestres visitaron Madrid en los ochenta y «Sala:B» lo demuestra con esta sesión doble de cine de barrio tardío y alienígena.
Juan Piquer Simón, un habitual de esta sala, empezó a dirigir Los nuevos extraterrestres en los bosques de Rascafría, donde iba a estrellarse un meteorito lleno de huevos alienígenas. Las primeras secuencias, con efectos visuales artesanales y una excelente fotografía neblinosa de Juan Mariné, anuncian una peli de miedo, un slasher rural con monstruos del espacio exterior que podría definirse como el cruce entre Alien y Mil gritos tiene la noche (Juan Piquer Simón, 1982). Pero en mitad de rodaje se cuela otro meteorito, el taquillazo del E.T. de Spielberg, y el distribuidor americano se emperra en añadir una trama de amistad infantil con marciano para explotarla mejor. Muy a su pesar, Piquer Simón se ve obligado a introducir dos nuevos personajes: Tommy, el niño, y Trompy, el extraterrestre, que provocan en la película un extraño caso de bipolaridad. Escenas terroríficas conviven así con muñecos de ojos tiernos y gesto pasmado, muertes violentas con stop-motion de juguete. El resultado no fue el ideal, pero sin duda es una de las películas fantásticas más imprevisibles del director valenciano, que reproducía –involuntariamente– el mismo dilema que dio origen al célebre E.T.: una película para niños rodada como una de terror.
A continuación, en Hermano del espacio veremos aterrizar unas cápsulas espaciales en suelo estadounidense, aunque gran parte del rodaje de esta coproducción transcurrió entre la iglesia de Torrelaguna y Robledo de Chavela. El director Mario Gariazzo (Roy Garret) y el productor José Frade reunieron aquí un reparto internacional, con nombres como Martin Balsam, William Berger, Silvia Tortosa, Agostina Belli, Eduardo Fajardo, Rafaela Aparicio y hasta León Klimovsky, que hace un cameo. El proyecto no se contentaba con explotar E.T., subían la apuesta con las escenas más espectaculares de Encuentros en la tercera fase –a mitad de precio– y con la incorporación de una telépata y un sacerdote que aportan atrevidas lecturas parapsi-católicas. Aseguran además haberse basado en el mítico caso de Roswell, adelantándose a Expediente X y el boom del fenómeno OVNI de los 90.
La exposición “Madrid, escenario de cine fantástico”, comisariada por Víctor Matellano e itinerante por toda la Comunidad de Madrid hasta final de año, nos ha dado la pista para programar estos dos títulos insondables de ciencia-ficción con aires madrileños». (Álex Mendíbil)
Duración total aproximada de la sesión: 200’

Presentación a cargo de Victor Matellano, cineasta y comisario de la exposición “Madrid, escenario de cine fantástico”, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B»

Primer tráiler para el «Pinocho» de Robert Zemeckis

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Acaba de ver la luz un primer avance en forma de tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de la nueva versión de Pinocho a cargo de Walt Disney Studios. La película, que supondrá la cuarta colaboración entre Robert Zemeckis y Tom Hanks tras Forrest Gump (1994), Cast Away (2000) y The Polar Express (2004), se estrenará directamente a través de Disney+ el próximo 8 de septiembre.
Pinocho, la famosa historia de Carlo Collodi, nos cuenta como un anciano llamado Geppetto fabrica una marioneta de madera a la que llama Pinocho, con la esperanza de que se convierta en un niño de verdad. El Hada Azul hace realidad su deseo y da vida a Pinocho, pero conserva su cuerpo de madera. Pepito Grillo, la conciencia de Pinocho, tendrá que aconsejarlo para que se aleje de las situaciones difíciles o peligrosas hasta conseguir que el muñeco se convierta en un niño de carne y hueso.
La película con guion adaptado a cargo del propio Robert Zemeckis junto a Simon Farnaby y Chris Weitz está protagonizada por Benjamin Evan Ainsworth, Tom Hanks, Luke Evans, Cynthia Erivo, Joseph Gordon-Levitt, Keegan-Michael Key y Lorraine Bracco.

Cómics en pantalla: Adaptaciones al cine y televisión (1895-1989)

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Los cómics parten de una premisa esquemática para sintetizar la trama usando recursos estilísticos propios. Un hombre apuesto con amplio mentón como Dick Tracy o Flash Gordon se asocia con el héroe desde el primer instante. Un personaje de cómic se caracteriza por su impacto inmediato, y como tal puede conducirnos por un relato de aventuras, detectivesco, terrorífico, del Oeste… Sabemos lo que es un héroe de cómic, lo sabemos intuitivamente, y sabemos que los hay en todos los escenarios posibles.
Las películas basadas en cómics no se cuentan por docenas, ni tampoco por cientos: se cuentan por millares. Hay miles de ellas. Una deuda incomprensible: el Séptimo Arte no puede mirar por encima de hombro al Noveno Arte. Como un remedio para el olvido, nuestro estudio hace un esfuerzo por recuperar un volumen importante de la producción cinematográfica del siglo XX sepultada en los archivos, subestimada, fuera de toda consideración o simplemente desconocida. Por el interés que suscitan las superproducciones de hoy basadas en héroes de cómic, conviene revalorizar el cine adaptado enmarcándolo en una dinámica con más de un siglo de antigüedad, repleta de perlas maravillosas esperando ser redescubiertas y estimadas en el s. XXI.
Índice
Introducción
  1. Los primeros cómics adaptados
  2. Cine sonoro y seriales cinematográficos
  3. Patriotismo y televisión
  4. América en la encrucijada. Cómics y pop-art
  5. Rumbo a las superproducciones
Conclusiones
Filmografía (guía cronológica)
Índice por títulos
Índice por autores
Bibliografía
Autor: Héctor Caño Díaz, Editorial: Prensas de la Universidad de Zaragoza, Páginas: 362

La muerte del humanismo europeo según Cristian Mungiu, tráiler de «R.M.N»

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Seis años después de su último trabajo tras las cámaras (Graduation 2016) Cristian Mungiu, cabeza visible de esa denominada nueva ola de cineastas rumanos, tiene lista su nueva película titulada R.M.N, film cuyo primer tráiler subtitulado al inglés acaba de ver la luz y podéis ver a final de página juna a su póster oficial. La película, que estos días ha estado compitiendo por la Palma de Oro del Festival de Cannes y que llegará a las salas comerciales de nuestro país de la mano de Caramel Films y BTEAM Pictures pasado verano, vuelve a adentrarse en ese sobrio cine de tesis plagada de simbolismos acerca de problemáticas sociales de la actual Europa.
R.M.N nos sitúa unos días antes de Navidad, Matthias vuelve a su pueblo natal, una localidad multiétnica de Transilvania, tras dejar su trabajo en Alemania. Está preocupado por su hijo, Rudi, que ha crecido sin él, y por su padre, Otto, que se había quedado solo, y desea volver a ver a Csilla, su exnovia. Trata de implicarse más en la educación del niño, que ha pasado demasiado tiempo a cargo de su madre, Ana, y quiere ayudarle a superar sus miedos irracionales. Cuando la fábrica que Csilla dirige decide contratar a empleados extranjeros, la paz de esta pequeña comunidad se verá perturbada, y las inquietudes afectarán también a los adultos. Las frustraciones, los conflictos y las pasiones volverán a aflorar, rompiendo la paz aparente de la comunidad.
La película con guion a cargo del propio Cristian Mungiu está protagonizada por  Marin Grigore, Judith State, Macrina Barladeanu, Orsolya Moldován, Rácz Endre, József Bíró, Ovidiu Crisan, Zoltán Deák, Cerasela Iosifescu, Andrei Finti, Bacs Miklos, Alin Panc, Victor Benderra, Amitha Jayasinghe, Gihan Edirisinghe, Nuwan Karunarathna, Kovacs Levente Jr., Varga Csilla, Orban Attila, Boros-Piroska Klara y András Hatházi.

Idris Elba contra el depredador, tráiler de «Beast»

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Una formula bastante recurrente en los thrillers de supervivencia de tono minimalista con algún que otro elemento fantástico ha sido aquel en donde vemos la amenaza hacia el humano por parte de algún animal agresivo, hay multitud de ejemplos como por ejemplo y por citar solo dos el Cujo de Lewis Teague o la más reciente The Shallows de Jaume Collet-Serra, Beast, cuyo primer tráiler de la mano de Universal Pictures acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a un póster promocional, parece seguir una directrices argumentales muy similares a los títulos antes señalados. La película protagonizada por Idris Elba, que muy pronto lo veremos  en el Three Thousand Years of Longing de George Miller, y dirigida por Baltasar Kormákur (Contraband 2012, 2 Guns 2013 o Adrift 2018 entre otras) se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 12 de agosto.
En Beast vemos como el Doctor Nate Samuels, que se ha quedado viudo recientemente, regresa a Sudáfrica, lugar en el que conoció a su mujer, para visitar una reserva de animales con sus hijas gestionada por Martin Battles, biólogo experto en fauna salvaje y viejo amigo de la familia. Pero lo que empieza siendo un viaje de relax se convierte en una lucha por la supervivencia cuando un león que ha escapado de unos cazadores furtivos empieza a perseguirles.
La película con guion a cargo de Ryan Engle está protagonizada por Idris Elba, Sharlto Copley, Iyana Halley y Leah Jeffries.

Terry Gilliam, Premio Luis Buñuel de la 50ª edición del Festival Internacional de Cine de Huesca

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EL GALARDÓN DESTACA UNA DE LAS TRAYECTORIAS MÁS DESTACADAS DEL SÉPTIMO ARTE CON RECONOCIMIENTOS EN CANNES, BERLÍN, VENECIA, LOS GLOBOS DE ORO Y LOS PREMIOS OSCAR.
EL INTEGRANTE ORIGINAL DE LOS MONTY PYTHON Y AUTOR DE OBRAS COMO BRAZIL, 12 MONOS, MIEDO Y ASCO EN LAS VEGAS O LOS CABALLEOS DE LA MESA CUADRADA Y SUS LOCOS SEGUIDORES ESTARÁ EN HUESCA PARA RECOGER EL GALARDÓN EL MIÉRCOLES 15 DE JUNIO.
 El Festival Internacional de Cine de Huesca concederá el Premio Luis Buñuel de su 50ª edición al director, guionista, actor y productor Terry Gilliam. El cineasta nominado al Premio Oscar estará presente en la capital altoaragonesa el miércoles 15 de junio para recibir este tributo a toda su trayectoria; una carrera donde aparecen películas que forman ya parte de la historia del cine como Brazil, El rey pescador, 12 monos, Miedo y asco en Las Vegas, Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores o Las aventuras del Barón Munchausen. Una filmografía que “posee un lenguaje cinematográfico con una clara seña de identidad y donde además el cortometraje siempre ha estado presente. No puede haber mejor nombre para este galardón y más en nuestras ‘bodas de oro’” explica Rubén Moreno, director de la cita oscense que celebra este importante aniversario del 10 al 18 de junio.
El Teatro Olimpia será la sede que acogerá la gala homenaje a la figura del cineasta de nacionalidad británica aunque nacido en Estados Unidos; una velada que culminará con la proyección de su último largometraje tras las cámaras: El hombre que mató a Don Quijote. Basada en la obra cumbre de Miguel de Cervantes, este proyecto forjó una leyenda a su alrededor tras más de dos décadas de producción y varios rodajes que se vieron interrumpidos por todo tipo de incidencias inesperadas; una historia que dio lugar incluso a su propio documental. El largometraje finalmente llegaría a la gran pantalla en 2018 cuando tuvo su premier mundial en el Festival de Cannes; protagonizado por los nominados al Oscar Jonathan Pryce y Adam Driver, el reparto acumula importantes nombres del audiovisual español como Jordi Mollá, Rossy de Palma, Óscar Jaenada o Sergi López y obtuvo también dos Premios Goya (Mejor direccion de producción y Mejor maquillaje y peluquería).
El nombre de Terry Gilliam pasa así a engrosar el imponente palmarés de personalidades que atesoran el Premio Luis Buñuel, estrellas del celuloide como Bertrand Tavernier, Marisa Paredes, Stephen Frears, Carlos Saura, Ángela Molina, Jean-Claude Carrière, Costa-Gavras, Álex de la Iglesia, Gonzalo Suárez, los hermanos Taviani o Isabel Coixet, entre muchos otros, son sólo algunos de los más recientes.
UN CINE CON SELLO DE IDENTIDAD
Terry Gilliam (Minnesota, 1939) es un cineasta en el más amplio sentido de la palabra: director, guionista, actor, productor y animador. Nacido en Estados Unidos y nacionalizado británico en la década de los 60, Gilliam fue uno de los miembros originales de los Monty Python, grupo humorístico clave en la escena anglosajona de los 60 y los 70. Su pasión por el séptimo arte despertó con nombres como Georges Mélies, Walt Disney o Stanley Kubrick.
Tras haber mostrado su talento en el mundo de la televisión, el cortometraje sería su puerta de entrada para el séptimo arte, Storytime y Miracle of Flight darían paso a su debut en el largometraje junto a su compañero de los Monty Python, Terry Jones. Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores (1975) se ha consagrado a lo largo de los años como un título clásico y una de las mejores comedias de todos los tiempos.
Gilliam probaría suerte tras las cámaras en solitario con La bestia del reino (1977) y Los héroes del tiempo (1981); un periodo donde también participaría como actor y guionista en un título icónico como La vida de Brian, Terry Jones sería en este caso el director de esta comedia ambientada en tiempos de Jesucristo. Jones y Gilliam volverían a unirse en la dirección en 1983 para rodar El sentido de la vida, pero el reconocimiento unánime de la industria le llegaría en solitario con Brazil (1985), una sátira que lograría dos nominaciones a los Oscar, una de ellas para el propio cineasta por el Mejor Guion Original.
A finales de los 80 cerraría la que se conoce como su “trilogía de la imaginación” con Las aventuras del Barón Munchausen; una cinta rodada en Belchite (Aragón) y aplaudida unánimemente por la crítica especializada, que lograría cuatro nominaciones a los Premios Oscar y se llevaría tres premios BAFTA.
La década de los 90 arrancaría con El rey pescador (1991), una cinta protagonizada por Jeff Bridges y Robin Williams, que le daría a este último un Globo de Oro y una nominación al Oscar por su interpretación. La película presentada en el Festival de Venecia, obtendría allí el León de Plata para el propio Gilliam como mejor director. Cuatro años más tarde llegaría 12 Monos, otro rotundo éxito seleccionado en Berlín; un largometraje donde de nuevo brillan grandes estrellas de Hollywood como Bruce Willis o Brad Pitt, de hecho este último conseguiría el espaldarazo definitivo para su carrera por parte de la crítica con un Globo de Oro y siendo nominado a los Oscar. El decenio lo cierra con Miedo y asco en Las Vegas para la que cuenta con Johnny Depp y Benicio del Toro, un título de culto que le llevó a competir por la Palma de Oro en Cannes.
El arranque del nuevo siglo coincide con el desarrollo y malogrado rodaje de El hombre que mató a Don Quijote, una revisión de la obra más popular de Cervantes que sufre todo tipo de problemas y vicisitudes durante su preparación, para ser finalmente cancelada y dar lugar a un documental sobre su frustrado proceso de creación.
El secreto de los Hermanos Grimm y Tideland suponen su regreso tras las cámaras, antes de adentrarse en otro proyecto plagado de dificultades: El imaginario del Doctor Parnassus. El último trabajo como actor de Heath Ledger, una película que el interprete del Joker en El Caballero Oscuro dejó inconclusa tras su fallecimiento y el propio Terry pensó en cancelar, finalmente optaría por completar el metraje con el fichaje de otros tres actores para completar el personaje (Jude Law, Johnny Depp y Colin Farrell).
Las últimas películas del multipremiado cineasta son The Wholly Family, ganador del Premio del Cine Europeo al Mejor Cortometraje en 2011; The Zero Theorem, presentada en Venecia, y El hombre que mató a Don Quijote, el proyecto que finalmente rodó en España y vio la luz en el Festival de Cannes.

Primer tráiler para «The Gray Man» de los hermanos Russo

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Será indiscutiblemente una de las apuestas para este verano más fuertes por parte de Netflix, cerca de 200 millones de dólares de presupuesto. Tras sus varias aportaciones al universo Marvel Anthony Russo y Joe Russo dirigen The Gray Man, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, un thriller de acción que adapta una  novela de Mark Greaney del mismo título, tendrá un estreno limitado en cines el próximo 15 de junio para un mes más tarde, el 22 de julio, estar disponible en la plataforma.
En The Gray Man vemos como el agente de la CIA Court Gentry, alias Sierra Seis, es sacado de una cárcel federal reclutado por su supervisor, Donald Fitzroy, Gentry fue en su día un asesino a sueldo altamente cualificado, autorizado por la Agencia. Pero ahora las tornas han cambiado y Seis es el objetivo de un antiguo compañero de la CIA llamado Lloyd Hansen, que no se detendrá ante nada para acabar con él. La agente especial Dani Miranda intentara cubrirle las espaldas.
La película con guion adaptado a cargo de Joe Russo, Joe Shrapnel, Christopher Markus, Stephen McFeely y Anna Waterhouse está protagonizada por Ryan Gosling, Chris Evans, Ana de Armas, Regé-Jean Page, Billy Bob Thornton, Alfre Woodard, Jessica Henwick, Wagner Moura, Julia Butters, Scott Haze, Callan Mulvey, Robert Kazinsky, Deobia Oparei, Dhanush, Jimmy Jean-Louis y Dana Aliya Levinson.

«Nitram» review

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Nitram nos sitúa en la Australia de mediados de los noventa, Nitram es un joven que vive en casa de sus padres, allí pasa su tiempo entre la soledad y la frustración. Cuando ofrece sus servicios como jardinero conoce a Helen, una heredera marginada que vive sola con sus animales. Juntos, construyen una vida al margen de todo. Cuando repentinamente Helen desaparece trágicamente, la cólera y la soledad de Nitram vuelven a hacer acto de aparición. En ese momento, comienza un largo descenso a los infiernos.
No es la primera vez que el realizador de origen australiano Justin Kurzel fija su mirada en la indagación de la crónica negra acaecida en el país que le vio nacer, tras una etapa intermedia con trabajos amparados en adaptaciones, de clásicos literarios y video juegos, de un calibre comercial elevado como Macbeth (2015) o Assassin’s Creed (1016) Kurzel vuelve de alguna manera al punto de origen a la hora de sondear esa cruda trastienda periférica convertida en campo de abono como antecedente previo a la masacre.
De una forma clara debido a su temática y su territorialidad Nitram nos deriva en un primer momento a la áspera y aparatosa opera prima de Justin Kurzel Snowtown, sin embargo el tono de ambas difiere ostensiblemente en relación a unas narrativas percibidas por momentos como claramente divergentes entre sí, de ese tono vérité colindante casi con el documental visto en Snowtown pasamos a una película como Nitram que da la sensación de estar primordialmente al servicio de una muy competente labor actoral, a tal respecto el nuevo trabajo tras las cámaras de Justin Kurzel se rigüe principalmente por ser una película bastante proclive al lucimiento de actores, aquí destacan tanto Caleb Landry Jones (Premio al Mejor actor en Cannes 2021) y una extraordinaria Essie Davis como secundarios de la talla de Judy Davis o Anthony LaPaglia. A través de dichos postulados Nitram también podría servir como interesante punto de debate en relación a la legitimidad moral que pueden llegar atesorar según qué miradas cinematográficas que apelan a luctuosos hechos reales, en dicho sentido Justin Kurzel se pone, y en parte nos pone, en la piel del asesino adelantándose a la masacre acaecida en Port Arthur, Tasmania, en donde en el año 1996 murieron 35 personas y acabaron heridas otras 23.
Como relato que gira principalmente alrededor de la exclusión y la locura posiblemente no estemos ante una historia en donde se intuya una comprensión hacia el supuesto monstruo y si más bien ante una que parece buscar, por momentos de forma algo mecánica, respuestas sobre que parcela de la sociedad se puede llevar la porción de responsabilidad correspondiente ante tal fallida de imperativo social, desde el propio hogar, en lo concerniente a una madre e índole castrador y un padre superado por las circunstancias, o a un nivel más institucionalizado, representada en la película a través de esa larga escena/denuncia, totalmente arrítmica aplicada al conjunto del relato, en donde vemos como el protagonista, carente de cualquier tipo de autocontrol, consigue sin ningún tipo de traba legal en un comercio todo un arsenal de armas.
Por fortuna en Nitram, que en realidad lo basa todo a una mirada desarrollada alrededor de una serie de eventos direccionados en todo momento a una espiral cuesta abajo como preludio a la tormenta, no se percibe un tono moralizante funcionando relativamente bien en base a su condición de exploración reflexiva de la enfermedad mental, aquí expuesta en forma de drama familiar, y como a partir de ello se puede llegar a confeccionar una suerte de radiografía sobre la barbarie. En tal aspecto lo explícito visto en la anterior Snowtown se convierte aquí en un continuo fuera de campo que en sus momentos determinantes opta por la elipsis pese que en ambos relatos este muy presente y predomine ese tono agobiante e incómodo que parece encontrar en la Australia profunda un escenario perfecto y proclive a la aparición de vorágines perturbadoras de índole destructivo.

Valoración 0/5: 2’5

Demonios en el desierto, tráiler para «The Forgiven»

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Tras su premier mundial el pasado año en el TIFF acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la nueva película del realizador irlandés John Michael McDonagh titulada The Forgiven. El responsable de películas como The Guard (2011), Calvary (2014) o War on Everyone (2016) adapta en esta ocasión una conocida novela de Lawrence Osborne que tendrá un estreno comercial en nuestro país de la mano de Universal Pictures previsto para el próximo 5 de agosto.
The Forgiven nos cuenta como al borde del divorcio, una pareja adinerada, David y Jo, van a una fiesta de fin de semana y por accidente matan a un joven marroquí que vendía fósiles en la carretera. Meten el cuerpo en su coche como si nada y llegan a la fiesta en la mansión cuyos anfitriones son una pareja gay. Durante el fin de semana, David y Jo tendrá que hacer frente a lo ocurrido y sus consecuencias.
La película con guion adaptado a cargo del propio John Michael McDonagh está protagonizada por Jessica Chastain, Ralph Fiennes, Caleb Landry Jones, Saïd Taghmaoui, Abbey Lee, Matt Smith, Christopher Abbott, Alex Jennings, Marie-Josée Croze, David McSavage, Ben Affan, Mourad Zaoui, Anas Elbaz, Imane Elmechrafi, Ismail Kanater y Abdellah Chakiri.

La semilla inmortal. Los argumentos universales en el cine

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¿Hasta qué punto son originales los argumentos cinematográficos? Un siglo después de los Lumière, el cine demuestra ser el gran fabulador de nuestro tiempo, el arte que ha actualizado las narraciones fundamentales de la historia de la cultura. La semilla inmortal–título de bella filiación platónica– rastrea los motivos argumentales que se repiten en el cine de todos los tiempos y lugares, mostrando su relación original –no siempre consciente– con los relatos anteriores. Las películas se constituyen así como una etapa fértil en esa continuidad narrativa germinal a la que hace referencia el título: obras que son fruto de un legado anterior y que son capaces de generar uno nuevo.
En el libro, los autores nos proponen un recorrido por las grandes películas de la historia del cine y crean sorprendentes y apasionantes relaciones con esos relatos fundacionales de la ficción universal. Así, descubrimos a Ulises errando en los desiertos del western, a la Cenicienta convertida en corista de Broadway, a Macbeth encarnado en la trágica figura de un gángster, a Edipo descubriendo su culpabilidad en un viaje interplanetario, o a Orfeo renacido como director de cine. Gracias a esta indagación comparada, y al juego de espejos que propone, los autores consiguen una nueva y apasionante manera de acceder al cine como un arte joven, impertinente, integrador, de todo punto imprescindible para establecer la plenitud de la ficción contemporánea.
Autor: Jordi Balló, Xavier Pérez, Editorial: ANAGRAMA, Páginas: 384

La Seminci recordará a Bardem y Pasolini en su 67 edición

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La Semana Internacional de Cine de Valladolid rendirá un homenaje especial a dos grandes del cine, Juan Antonio Bardem y Pier Paolo Pasolini, en el centenario de su nacimiento este año 2022. 
El festival recordará la figura de los cineastas con el ciclo Pasolini/Bardem: 100 años. Dos faros del cine europeo, que incluirá una selección de sus títulos más significativos y que podrán verse en la próxima 67 edición del 22 al 29 de octubre.
Bardem y Pasolini fueron coetáneos y compartieron lazos unidos por el neorrealismo italiano, movimiento de gran trascendencia a nivel mundial, y con especial influencia en el cine español. Junto a Pasolini grandes nombres como Visconti, De Sica o Fellini,  ejemplos del movimiento italiano. Y junto a Bardem otros cineastas que recogían esa influencia como Nieves Conde o Berlanga. Todos ellos con un elemento común, el contenido social de sus obras que muestran la realidad de la época.
Pier Paolo Pasolini es considerado uno de los cineastas y poetas más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Su figura ha estado vinculada a nuestro festival desde sus comienzos. Fue protagonista de la ponencia ‘La espiritualidad del cine de Pasolini’ en el año 1976, como complemento a la proyección de Teorema, inédita en España, y que fue rescatada por el festival para homenajear el cineasta asesinado un año antes. En 1985 se le rinde tributo de nuevo en el décimo aniversario de su muerte, en la conocida como ‘Noche Pier Paolo Pasolini’, la madrugada del 1 al 2 de noviembre, con proyecciones y diversas actividades dedicadas al director durante ocho horas consecutivas y con gran afluencia de público.
En esta ocasión SEMINCI quiere conmemorar el centenario de su nacimiento con la proyección de seis de sus largometrajes: Mamma Roma (1962), El evangelio según Mateo (1964), Pajaritos y pajarracos (1966), Teorema (1968), Los cuentos de Canterbury (1972), y Saló, o los 120 días de Sodoma (1975).
La trayectoria de Juan Antonio Bardem destaca por su visión comprometida e innovadora que se refleja en los más de veinte títulos que componen su filmografía, sin olvidar su faceta como guionista y productor.
Su carrera profesional fue reconocida con galardones como la Medalla de Oro de las Bellas Artes, que se le concedió en 1986, y recibió la Espiga de Oro especial de SEMINCI en 1987 donde también fue miembro del Jurado Internacional en 1993.  Además recibió el Goya de Honor por toda su carrera cinematográfica en 2002, año en el que falleció con 80 años.
SEMINCI recordará su figura con la proyección de los siguientes títulos:  Esa pareja feliz (1951), Muerte de un ciclista (1955), Calle Mayor (1956),  Nunca pasa nada (1963),  A las cinco de la tarde (1961), y El puente (1976).

La fábula y el genio, tráiler para «Three Thousand Years of Longing» de George Miller

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No deja de ser algo sintomático que un realizador con el talento de George Miller haya tenido que esperar el éxito comercial y crítico de Mad Max: Fury Road a la hora de poder embarcarse en proyectos en apariencia algo más personales, Three Thousand Years of Longing, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz de la mano de MGM y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, parece remitirnos en un primer lugar a imaginarios fabularios ya transitados por George Miller como por ejemplo The Witches of Eastwick. La película, que estos días tendrá su premier mundial en el marco del Festival de Cannes se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 31 de agosto, dos días más tarde, el 2 de septiembre, lo hará en nuestro país de la mano de DeAPlaneta.
En Three Thousand Years of Longing vemos como La Dra. en literatura Alithea parece estar aparentemente feliz con su vida aunque se enfrenta al mundo con cierto escepticismo. De repente, se encuentra con un genio que ofrece concederle tres deseos a cambio de su libertad. En un principio, Alithea se niega a aceptar la oferta ya que sabe que todos los cuentos sobre conceder deseos acaban mal. El genio defiende su posición contándole diversas historias fantásticas de su pasado. Finalmente, ella se deja persuadir y pedirá un deseo que sorprenderá a ambos.
La película con guion a cargo del propio George Miller esta protagonizada por Idris Elba, Tilda Swinton, David Collins, Alyla Browne, Hayley Gia Hughes, Angie Tricker, Sarah Houbolt, Kaan Guldur, Jason Jago, Aska Karem, Aiden Mckenzie, Berk Ozturk, Jack Braddy, Randolph Fields, Anna Adams, John Puckeridge-Webb, James Dobbins Jones, Hugo Vella, Callum Moran, Tendai Dzwairo, Tahlia Crinis, David Paulsen, Nicolas Mouawad y Shakriya Tarinyawat.

Proyecciones Xcèntric: Pantalla Interior, Robert Breer

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Pantalla Interior es un programa de proyecciones en el hall del CCCB dedicado a cineastas que emplean el cine como un instrumento para expresar el mundo de los sueños o la imaginación. Este mes de agosto presentamos la obra de Robert Breer.
Pintor transfigurado en cineasta, Breer es quizás uno de los más audaces, radicales y originales trabajadores del cine fotograma a fotograma. Jugó como nadie con la colisión de imágenes fijas en nuestros ojos y cerebros para crear nuevas experiencias visuales y, aún con este rigor experimental, sus películas desbordan un fino sentido del humor y una extraña ligereza. Justamente de esa cotidianidad que se niega a darse importancia salen sus mejores y más personales películas: las que beben de las experiencias domésticas, de los paseos dominicales, del fregadero, de la vida en pareja y la crianza de sus hijas. Proyecciones mentales que son la historia de una vida en parpadeante y jubiloso movimiento, películas domésticas abstractas y coloridas que manan de la experiencia, la memoria y la imaginación.
«Vivan las películas sin forma, no literarias, no musicales, películas de imágenes que no cuentan una historia, ni se convierten en un baile abstracto o transmiten un mensaje. Películas que no puedan escaparse de las imágenes. Películas donde las palabras son imágenes o sonidos, que saltan al ritmo del pensamiento. Experiencias en sí mismas, al igual que comer, mirar, correr, que un objeto, un árbol, un edificio, goteos y colisiones. Películas que en vez de tener sentido sean el sentido. Al ser películas de imágenes pueden combinar la razón con una cometa volando, torpedos y golf. La gente puede hablar mientras las ve. Pueden encenderse, hacerse azules y apagarse… Películas al nivel de la imaginación del artista y que se quedan en ella… Películas que se parezcan al hombre que las hizo.»
Robert Breer en Film Culture nº26/27, 1962
Fist Fight, Robert Breer, 1964, 16mm, 11 minutos
 Una de las primeras películas autobiográficas de Breer, cuyo punto de partida y sonido es la composición «Originale» de Stockhausen. Un compendio de fotos se desliza en la loca sucesión de imágenes abstractas y pop que nos dispara, los recuerdos de infancia y juventud se unen al baile abstracto de los experimentos de Breer con la combinatoria de imágenes fijas.
Gulls and Buoys, Robert Breer, 1972, 16mm, 6 minutos
Esta rodaja impresionista de un día familiar en la playa marcaría un antes y un después en el trabajo de Breer: es aquí donde empieza a usar la rotoscopia con intensidad, y en donde cada una de sus películas empieza a ser un excitante recorrido por todos sus hallazgos.
Trial Balloons, Robert Breer, 1982, 16mm, 6 minutos
Globos de colores, globos con formas, globos de fiesta en una combinatoria asociativa infinita que mezcla los juegos infantiles con los dolores de cabeza adultos y los momentos de asueto. Idas y vueltas entre figuración y abstracción, bidimensionalidad y tridimensionalidad.
Horse Over Tea Kettle, Robert Breer, 1962, 16mm, 8 minutos
Un engañosamente sencillo juego a partir de objetos domésticos y animales en clave de dibujos animados, que en su elasticidad y variaciones continúa los hallazgos de Breer en sus Form Phases.
Atoz, Robert Breer, 2000, 16mm, 5 minutos
Un abecedario creado para Zoe, la hija de Breer, que incluso se permite encapsular un remembranza de su célebre film Recreation.
Time flies, Robert Breer, 1997, 16mm, 5 minutos
El tiempo vuela, pasa la vida, y Robert Breer se permite darnos paso a su tempus fugit con sus propios ronquidos
[Proyección en digital y en loop]
Fecha: 4 agosto – 4 septiembre 2022
Horario: De martes a domingo y festivos: 11.00 – 20.00.
Lunes no festivos cerrado
Espacio: Hall
Precio: Entrada libre

 

Tráiler y póster para «Holy Spider», lo nuevo de Ali Abbasi

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Con tan solo dos largometrajes en su haber, Shelley (2016) y Border (2018), Ali Abbasi se ha convertido en uno de los realizadores nórdicos más interesantes del momento, posiblemente su tercer trabajo tras las cámaras titulado Holy Spider, film cuyo primer tráiler subtitulado al inglés acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, suponga su consagración definitiva a un nivel más amplio. La película, basada en un suceso real y en donde Ali Abbasi rueda por primera vez en su país de origen, competirá estos días por la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
Holy Spider nos sitúa en el Irán del año 2001. Una joven periodista de Teherán se sumerge en los barrios con peor reputación de la ciudad santa de Mashhad para investigar una serie de asesinatos. Pronto se dará cuenta de que las autoridades locales no tienen ninguna prisa por resolver el asunto. Los crímenes son obra de un solo hombre al que se le conocerá con el apodo de Spider Killer, que asegura purificar la ciudad de sus pecados y que ataca a prostitutas por la noche.
La película con guion a cargo del propio Ali Abbasi junto a Afshin Kamran Bahrami está protagonizada por Zar Amir-Ebrahimi, Mehdi Bajestani, Arash Ashtiani, Forouzan Jamshidnejad, Mesbah Taleb, Alice Rahimi, Sara Fazilat, Sina Parvaneh y Nima Akbarpour.

Filmoteca Española y Documenta Madrid conmemoran el centenario de Jonas Mekas

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Desde el 24 al 29 de mayo el público podrá disfrutar en el cine Doré de Filmoteca Española de 6 sesiones temáticasEnlace externo, se abre en ventana nueva dedicadas al cine de este esencial poeta de lo cotidiano.
6 películas de Mekas como Birth of a Nation, Lost Lost Lost o Reminiscencias de un viaje a Lituania interactúan con la obra de creadores contemporáneos influidos por su trabajo como Orquestina de Pigmeos, Meritxell Colell o Nuberu Bagu.
Con motivo del centenario del nacimiento de Jonas Mekas, en diciembre de 1922, Documenta Madrid y Filmoteca Española se unen a la iniciativa mundial de conmemoración de este referente absoluto del cine de no ficción con un programa muy especial. La retrospectiva Jonas Mekas. Destellos de vida busca redescubrir y dar a conocer el cine de este esencial poeta de lo cotidiano y trazar un diálogo con el presente, ofreciendo una mirada contemporánea de la influencia de Mekas en la comunidad audiovisual.
Del 24 al 29 de mayo, en esta retrospectiva dividida en seis sesiones, la proyección de algunos de sus trabajos más destacados, como Birth of a Nation, Lost Lost Lost, Reminiscencias de un viaje a Lituania, Sleepless Nights Stories, Diaries, Notes & Sketches (Walden) y En el camino, de cuando en cuando, vislumbré breves momentos de belleza; se ofrecen al público presentadas por creadores, colectivos y cineastas que dialogan y debaten con la obra de Mekas.
Sesiones vivas que dialogan con el cine de Mekas
La sesión dedicada a la película Lost, Lost, Lost (Jonas Mekas, 1976) será presentada por Efrén Cuevas, autor del libro Filming History from Below: Microhistorical Documentaries, y profesor de Comunicación Audiovisual en la Universidad de Navarra.
En otra sesión se invita a Meritxell Colell a formar parte de esta celebración, proponiendo su última pieza, La ciutat a la vora, un mapa sonoro y visual que arma una sinfonía de su ciudad, de su gente, sus espacios y orígenes, en un recorrido que sigue los pasos del registro de Mekas. Se ha hablado mucho sobre la figura de Mekas como el primer vlogger de la historia, y en otra de las sesiones se da un paso más allá de la mirada individual de un vlog llevándolo a un artefacto poliédrico del lenguaje audiovisual de las redes sociales de la mano del colectivo de creadores Nuberu Bagu.
Y, por último, Orquestina de Pigmeos, colectivo formado por el músico Nilo Gallego y el creador audiovisual Chus Domínguez, propone en otra sesión una intervención musical dialogando directamente con el propio Mekas en la pantalla para celebrar con él todos los destellos de vida que nos ha dejado, evocando y homenajeando ese espíritu festivo, performativo, provocador de lo inesperado, lo irrepetible, tan vinculado a los happenings.
Sobre Jonas Mekas
Jonas Mekas (1922-2019) fue un cineasta, escritor y curador lituano, considerado el padrino del cine estadounidense de vanguardia y un absoluto tótem del cine diarístico. Además de su trabajo en la preservación y difusión del cine con la creación y desarrollo del Anthology Film Archives, películas de su autoría como Walden (1969) o Lost Lost Lost (1976) han alumbrado el camino de cada vez más cineastas en el mundo.
 
 

 

 

 

Psicologías fracturadas, tráiler de «Resurrection»

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Tras el buen sabor de boca dejado el pasado año con The Night House de David Bruckner y su aparición en el Godzilla vs. Kong de Adam Wingard Rebecca Hall sigue apareciendo en películas de género, en esta ocasión es turno para Resurrection, film cuyo primer tráiler oficial de la mano de IFC Films acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. La película, un thriller psicológico dirigido por Andrew Semans (Nancy, Please 2012), tras su premier mundial hace unos meses en el Festival de Sundance se estrenará en Estados Unidos simultáneamente en cines y la plataforma Shudder el próximo 5 de agosto.
Resurrection nos muestra como Margaret es una mujer que lleva una vida exitosa y ordenada, equilibrando perfectamente su ajetreada carrera profesional y su soltera maternidad con su independiente hija Abbie. Todo está bajo en aparente control, pero ese equilibrio se verá repentinamente alterado cuando una sombra no deseada, David, regresa trayendo consigo los horrores del pasado de Margaret. En una lucha contra su creciente miedo, Margaret deberá enfrentarse al monstruo que ha evadido durante dos décadas y que ha venido a terminar unos asuntos pendientes.
La película con guion a cargo del propio Andrew Semans está protagonizada por  Rebecca Hall, Tim Roth, Angela Wong Carbone, Josh Drennen, Rosemary Howard, Winsome Brown, Jaime Zevallos, Michael Esper, Grace Kaufman, Patrick Klein y Colin Bradley Lewis.

Monstruos gigantes del cine japonés. Guía de Kaijû

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Monstruos gigantes del cine japonés recoge la rica fauna que puebla el kaijû eiga; todos y cada uno de las criaturas que anduvieron junto a Godzilla, Gamera, Rodan, Mothra y demás titanes. Dientes lacerantes, dragones tricéfalos, cuernos afilados o corazas impenetrables —sin olvidar rayos de energía de cualquier color posible—, se podían ver en las bestias que plagaban estas producciones.
La influencia de este cine ha sido inmensurable, y así ha sido su impacto en los sueños y pesadillas de millones de espectadores y de amantes del género fantástico a lo largo de varias generaciones.
Esta guía recorre todos los kaijû, de la A a la Z, que rugen a pleno pulmón y pisotean ciudades sin parangón, en una galería explosiva de color y destrucción.
Autor: Octavio López Sanjuán, Editorial: ‎ DIABOLO, Páginas: 320