Crónica festival de Sitges 2016. Día 5
The Handmaiden
Corea, década de 1930, durante la colonización japonesa. Una joven (Sookee) es contratada como mucama de una rica mujer japonesa (Hideko), que vive recluida en una gran mansión bajo la influencia de un tirano. Sookee guarda un secreto y con la ayuda de un estafador que se hace pasar por un conde japonés, planea algo para Hideko.
Fue indiscutiblemente uno de los platos fuertes de la presente edición del festival de Sitges, aunque The Handmaiden no sea propiamente una película de género como tal de alguna manera el cine de Park Chan-wook sí que lo es a su propia manera, un género en sí mismo bastante afín al imaginario que rodea Sitges.
Basada en la novela de Sarah Waters titulada Fingersmith y situada en la época victoriana el nuevo film del coreano Park Chan-wook cambia de ubicación y nos traslada a la colonización japonesa de Corea en los años 30 para contarnos un elegante y sofisticado cuento gótico de falsas apariencias y tono perverso, The Handmaiden, primera película de época de Park Chan-wook bascula a través de un virtuosísimo narrativo al alcance de muy pocos, en donde al igual que ya vimos en Stoker de forma visible hay un mayor grado de sutileza en contraposición a la amoralidad y la brutalidad vistos en anteriores trabajos suyos, en una historia formulada de manera equidistante desde diferentes puntos de vista y que nos es reinventada hasta en tres ocasiones por parte de sus personaje, The Handmaiden aparte de entretener como pocas películas lo hacen tiene la maestría y virtud de que en ningún momento uno tiene la sensación de estar ante un pastiche genérico pues en el film vemos como Park Chan-wook deriva constantemente la trama en base a referentes y contrastes narrativos tan dispares como el drama de época de claro trasfondo político-social, una incursión en el sexo soft lésbico o el relato negro de misterio, todo ello en base a la virtud de ofrecer una deslumbrante puesta en escena tan elegante como sensual, toda esta dispar amalgama de texturas en manos de cualquier otro director se hubiera convertido seguramente en un compendio de irregularidades, sin embargo Park Chan-wook consigue dotarla de un sentido propio muy característico, una apasionante lectura de los universos sadianos desde una visión completamente personal, en donde ese elegante maniqueísmo visual tan habitual en su cine se erige como su principal activo, un trabajo en definitiva que no hace más que confirmar al director coreano como uno de los grandes autores cinematográficos de la actualidad.
Valoración 0/5: 4
Trash Fire
Para desgracia de todos, Owen e Isabel esperan un hijo. Aún peor: ella quiere conocer a la familia de él. Así que los dos se plantan en el pequeño pueblo donde viven la abuela y la hermana de Owen, herida tanto física como emocionalmente por un incendio, con la intención de enterrar el hacha de guerra. Sin embargo, hay cosas que deberían permanecer bajo tierra.
Es evidente que Richard Bates Jr es un autor muy particular, con un imaginario muy reconocible tanto en la película que nos ocupa como en sus anteriores Excision (a día de hoy su mejor película) y su algo más alocada e irregular Suburban Gothic, Trash Fire se sitúa de alguna manera a medio camino de ambas.
En Trash Fire vemos nuevamente un claro intento por satirizar y criticar el puritanismo existente en la Norteamérica profunda especialmente ubicado dentro del núcleo familiar, al igual que en su notable opera prima Excision el film empieza a modo de comedia negra de claro tono irreverente en donde hay un discurso que anida en lo políticamente incorrecto, para terminar en algo mucho más trágico, oscuro e incluso en el territorio de un terror de claro índole religioso. Esa particularidad a la hora de exponer un discurso que casi siempre se sustenta en un principio en lo irónico de su mensaje validan en cierta manera las propuestas realizadas por parte de Richard Bates Jr, estas siempre giran alrededor de personajes al límite que terminan curiosamente logrando una empatía por parte del espectador que no llegan a merecerla dada su propia naturaleza, todos ellos ubicados en torno al drama y la disfuncionalidad familiar ya sea a través de un hecho trágico del pasado o por la propia y atípica naturaleza de la que son participes. Trash Fire termina convirtiéndose en un perfecto ejemplo de cómo películas inicialmente inclasificables a un nivel estrictamente genérico son mostradas en cierta manera de forma coherente, siempre y cuando uno este habituado al particular imaginario de su director.
Valoración 0/5: 2’5
Your name
Taki despierta de lo que parece haber sido un sueño muy importante. Pero en una habitación desconocida y no en su cuerpo… sino en el de una chica. Por otro lado, Mitsuha es una adolescente aburrida de vivir en un pueblo en las montañas, que ruega a Dios poder ser un apuesto chico de Tokio en su próxima vida. A la mañana siguiente, Mitsuha despierta convertida en un estudiante de bachillerato. Gracias a la información que va recopilando a su alrededor, descubre a quién pertenece el cuerpo que está habitando. Se llama Taki. Sus cuerpos se han intercambiado. Cuando vuelven a despertar, descubren que han regresado a su yo anterior. Pero el sueño trae consigo el intercambio de cuerpos una y otra vez. Misteriosamente, se repite el mismo patrón todos los días. Los dos actúan dando palos de ciego en esos cuerpos que les resultan tan poco familiares, pero comienzan a dejarse notas para comunicarse. Torpemente, consiguen ir superando un reto tras otro y se va creando entre ellos un vínculo que poco a poco se convierte en algo más. Sin embargo, hay algo que todavía no saben… Algo inesperado está a punto de ser revelado.
Makoto Shinkai en Your Name vuelve a incidir en el amor en la distancia como principal eje narrativo, a partir de esta premisa asistimos como es habitual en los trabajos del director nipón a una serie de códigos genéricos que pueden llegar a resultar un tanto ajenos en lo referente a su conocimiento para el público occidental, esto no significa que estemos ante una película de clara naturaleza localista, eso sí los personajes responden a un patrón muy concreto y determinado por eso sería conveniente el tener un mínimo de conocimiento con respecto a según qué tipo de animación japonesa como para emitir según qué análisis, independientemente de que pueda gustar más o menos a estas alturas resulta algo incomprensible que se llegue a apelar a una cierta extrañeza a la hora de subrayar un marcado e inherente romanticismo exacerbado muy presente en el imaginario pop juvenil en el que se sustentan muchas de estas propuestas. Your Name para el que esto suscribe posiblemente sea la mejor película de Makoto Shinkai, el empaque visual del que está dotado el film resulta por momentos impactante dada su mastodóntica variedad en los detalles, un film rotundamente hermoso, certeramente construido a través de una narrativa que logra funcionar a la perfección en base a todos los elementos de los que parte desde su inicio, una verdadera maravilla.
Valoración 0/5: 4
Pet
Seth y Holly, son dos personas aisladas que tienen mucho más en común de lo que creen. Una oscura historia de amor que examina cuánto estamos dispuestos a hacer en nombre del amor.
Segundo trabajo como director del catalán Carles Torrens ya en territorio norteamericano tras su aproximación al falso documental de terror con la curiosa Emergo, el responsable del celebrado corto Sequence presento Pet, un film en donde cambia de registro por completo para explicarnos una peculiar y enfermiza historia de amor de naturaleza poco convencional.
A la hora de preguntarle a Carles Torrens las principales referencias cinematográficas en las que se sustenta Pet este indico al momento Átame de Almodóvar y Lunas de hiel de Roman Polanski, se podría incluir perfectamente a la ecuación la también la genial The Collector de William Wyler, evidentemente ante estas conexiones está bastante claro que Pet transita a través de las relaciones antinatura de claro tono enfermizo aquí expuesta con algún esporádico y tímido acercamiento al torture porn, un thriller de suspense con unos giros muy pronunciados, quizás demasiados, en lo referente a los roles de sus dos protagonistas. Pet escrita por Jeremy Salter (premio al mejor guion) es un producto visiblemente austero en lo económico, de clara naturaleza lowcost que lanza al aire varias preguntas que quizás no logre desarrollarlas de una forma del todo convincente, el descubrimiento de una propia identidad, la soledad y como esta puede llegar a influenciar en la psique de una persona, el enfrentamiento de dos mentes dañadas, llegados a un momento en concreto da la impresión de que Carles Torrens se decante de alguna manera a una cierta tendencia hacia lo truculento y el contundente golpe de efecto narrativo en vez de continuar y estructurar el relato psicológico del que parte, aun así Pet desprende un cierto aroma a cine honesto, aquel que desde la más estricta base se le detecta un intento por alejarse de lo convencional, algo que bien mirado ya es digno de elogio dado los tiempos que corren.
Valoración 0/5: 2
In a Valley of Violence
Paul, un cowboy solitario siempre en compañía de su perro, llega a un pequeño pueblo en un intento por acortar su camino hacia México. Un acto de violencia desencadena una ola de violencia que arrastra a toda la ciudad en una batalla sangrienta.
Había una cierta expectación por ver la incursión de Ti West en el western, In a Valley of Violence es un trabajo que se muestra en base a claros contornos minimalistas, un único espacio escenificado en un pequeño pueblo de naturaleza casi fantasmagórica en un ejercicio que se sostiene principalmente en el homenaje al euro-western, es ahí donde bebe de forma nada disimulada de autores como por ejemplo Don Siegel o Sergio Corbucci con el añadido por parte del director de llevar en parte a territorio propio tal concepto.
La primera pregunta que a uno le puede venir a la cabeza es si Ti West ha logrado llevar a su terreno un producto de las características de In a Valley of Violence, la respuesta es un sí con ciertos reparos, con todo lo bueno y malo que ello puede conllevar, especialmente a los no habituados al cine de Ti West, estamos ante un autor que dados los tiempos que corren podríamos denominarlo como peculiar en el buen sentido de la palabra, siempre alejado de una forma voluntaria de la maquinaria hollywoodiense, su carrera ha incidido principalmente en una relectura o reinterpretación de ciertos engranajes claves dentro del género de terror, aunque ya en su último trabajo The Sacrament mostraba un intento por traspasar ciertas barreras genéricas. In a Valley of Violence deviene casi como una rara avis en sí misma, un producto de naturaleza atípica completamente alejado del sentido de la convencionalidad, aun apoyarse en una estructura clásica es una película de personajes más que de historia (perfectamente escenificada en la escena inicial), aunque posiblemente sea en lo referente a esos personajes en donde ese juego de tensiones que deriva en violencia ubicado en un escenario cerrado es cuando de una manera más notoria vemos la particular personalidad de un cineasta aun en claro crecimiento, que basa gran parte de su imaginario cinematográfico en una referencialidad bastante bien definida a un nivel creativo, pues al fin y al cabo In a Valley of Violence pese a sus evidentes derivas es pura y dura referencia genérica .
Valoración 0/5: 3
The Greasy strangler
En “The Greasy strangler” vemos como Ronnie, un hombre que realiza un tour por las discotecas de Los Ángeles junto con su hijo Brayden conoce a una mujer sexy y seductora llamada Janet, enseguida entra en competencia con su hijo por sus atenciones. Al mismo tiempo un grasiento e inhumano maníaco toma las calles en plena noche asesinando a inocentes. Es conocido como The Greasy Strangler.
The Greasy Strangler se erigió como la propuesta más provocativa e irreverente de las presentadas este año en el festival de Sitges, evidentemente incluida como no podía ser de otra manera dentro de la sección Noves Visions, un ejercicio podríamos denominarlo de un claro tono anti-narrativo.
Más que lo que nos muestra una película de las características de The Greasy Strangler cabria el preguntarse la razón de ser del producto en sí mismo, ejercicio de provocación al uso?, el detallarnos a través de lo bizarro y lo escatológico la singular relación de amor-odio-dependencia entre un padre y su hijo?, puede que sea en esta segunda pregunta en donde el director Jim Hosking abraza como no podía ser de otra manera el sentido más abstracto del surrealismo freak del que parte el relato, especialmente visible en su inenarrable tramo final. También puede darse el caso de que The Greasy Strangler no tenga una función de comedia subjetiva como tal, un inicio prometedor con algún que otro gag resultón pero que al poco que va transcurriendo su metraje se agota dicha fórmula por una muy manifiesta reincidencia temática para a continuación verse dirigido hacia en ese tono de absurdez postmoderna que podía quedar perfectamente emparentado al cine Quentin Dupieux. Personalmente creo que The Greasy Strangler no se atiene a ninguna directriz en concreto, lo suyo es un puro ejercicio de subversión cinematográfica, y en cierta manera cumple con tal cometido, como prueba de ello a día de hoy una gran mayoría de público que visiono el film (entre los que me incluyo) sería incapaz de discernir si les gusto o no la propuesta de Jim Hosking, pues básicamente lo que intenta y logra de alguna manera The Greasy Strangler es anular cualquier posible intento de catalogar tan atípica propuesta.
