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Applehead Team y La Semana internacional de Cine Fantástico de la Costa del Soltraen aAsia Argento a España.
Asia Argento, hija de Dario Argento y Daria Nicolodi —trabajó con ambos en la película «La terza Madre»—, es una artista multidisciplinar con una carrera que abarca la interpretación (más de sesenta papeles en el cine), la dirección (tres largometrajes, una decena de cortos y varios vídeos musicales), ha escrito su autobiografía («Anatomía de un corazón salvaje»), todo ello emparejado a su carrera musical.
Recibió el David di Donatello (equivalente en Italia a los premios Óscar) como Mejor Actriz en 1994 por su actuación en «Perdiamoci di vista!» y nuevamente en 1996 por «Compagna di viaggio», el cual la hizo merecedora del premio Grolla d’oro. En 1998, Asia empezó a aparecer en películas norteamericanas, tales como «B. Monkey» y «New Rose Hotel», junto a Christopher Walken. Asia ha probado también su habilidad para trabajar en múltiples idiomas, agregando el francés a la lista de idiomas en los cuales ha actuado, interpretando a Éponine en la miniserie francesa de «Los Miserables» (2000) y con un papel en «La Reine Margot», en 1994. Ese mismo año, hizo su primera incursión en la dirección con los cortometrajes «Prospettive» y «A ritroso». En 1996, dirigió un documental sobre su padre, y en 1998 un segundo documental, esta vez sobre Abel Ferrara, el cual la hizo merecedora del premio del Festival de Cine de Roma. Otras películas en su haber son: «xXx», «Last Days» o «Maria Antonieta».
La 22ª Semana internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol, entrega el PREMIO ESPECIAL UNICORNIO a Asia Argento por su contribución al cine de género, en el que nos ha dejado obras como «El fantasma de la ópera», «Demons 2», «Trauma», «El síndrome de Stendhal», «Land of the Dead» o «Dracula 3D», entre otras.
Además de recibir dicho galardón, en esta visita a la Costa del Sol, Asia nos presentará su autobiografía, titulada «Anatomía de un corazón salvaje», editada por Applehead, el domingo día 12 de septiembre a las 17:00 horas en el Auditorio del centro Colección Museo Ruso San Petersburgo Málaga. Tras la presentación se proyectará la película “El síndrome de Stendhal”, de Dario Argento.
La entrada será gratuita con invitación, hasta completar el aforo.
La selección de Horizontes Latinos de 2021 reunirá en el Festival de San Sebastián diez películas latinoamericanas dirigidas por cineastas de Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, México, Suiza, Uruguay y Venezuela, que incluyen cinco filmes procedentes del work in progress latinoamericano del Festival, tres óperas primas y el regreso a la sección de realizadores como Paz Fábrega, Alonso Ruizpalacios y Lorenzo Vigas.
La ganadora del Premio de la Industria WIP Latam 2020, Piedra Noche / Dusk Stone, de Iván Fund, competirá por el Premio Horizontes, tras su paso por la sección Giornate degli Autori del Festival de Venecia. El cineasta argentino, que ha sido premiado en los certámenes de Cannes, BAFICI y Mar del Plata por sus anteriores películas, cuenta una historia sobre el duelo de un matrimonio.
El empleado y el patrón / The Employer and the Employee, la ganadora del Premio Egeda Platino Industria al mejor WIP Latam en 2020, clausurará la selección de Horizontes. Su director, el uruguayo Manuel NietoZas, galardonado en Rotterdam y La Habana, estrenó su tercera película, protagonizada por Nahuel Pérez Biscayart, en la pasada Quincena de Realizadores de Cannes.
Otro filme de la cantera de WIP Latam, Jesús López, tendrá su estreno mundial en San Sebastián e inaugurará la sección. La película del realizador argentino Maximiliano Schonfeld, que ha presentado sus anteriores producciones en la Berlinale, narra la transformación de Abel después de que su primo Jesús muera en un accidente de tráfico. Jesús López fue seleccionado también en Proyecta, la colaboración de Ventana Sur y el Festival de San Sebastián, en 2018.
Madalena formó parte de la competición oficial de Rotterdam tras ser seleccionada en Cine en Construcción 36. El primer largometraje del realizador brasileño Madiano Marcheti cuenta la historia de tres personajes vinculados por la desaparición de Madalena.
Aurora, la nueva película de Paz Fábrega, que formó parte de la selección de Cine en Construcción 37 bajo el título de Desasosiego / Restless, también compitió en Rotterdam. Aurora supondrá la segunda participación de la directora costarricense en Horizontes Latinos, tras la selección de su primer largometraje, Agua fría de mar, en 2010.
Lorenzo Vigas también volverá a Horizontes Latinos para presentar su segunda película, La caja / The Box, que en septiembre competirá por conseguir de nuevo el León de Oro del Festival de Venecia tras obtenerlo con Desde allá / From Afar, su debut en el largometraje en 2015. El realizador venezolano cierra con La caja su trilogía en torno a la paternidad, que inició con el corto Los elefantes nunca olvidan (2004).
El director mexicano Alonso Ruizpalacios, que ganó el Premio Horizontes con su filme de debut, Güeros (2014), regresa con Una película de polícias / A Cop Movie, que compitió por el Oso de Oro en la última Berlinale y obtuvo el Oso de Plata a una contribución artística extraordinaria por el montaje de Yibrán Asuad.
También procedente del Festival de Berlín, de la sección Encounters, el Festival programará Azor, proyecto que fue seleccionado en la quinta edición del Foro de Coproducción Europa-América Latina. El primer largometraje del director suizo Andreas Fontana sitúa dos banqueros en el contexto de la dictadura argentina y sus desapariciones.
La directora mexicana Tatiana Huezo presentará Noche de fuego / Prayers for the Stolen, que recibió una mención especial en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes. Noche de fuego es el primer largometraje de ficción de Huezo, cuya no ficción El lugar más pequeño formó parte de la retrospectiva 4+1: Cine mexicano contemporáneo, programada en 2011.
Amparo, el debut en el largometraje de Simón Mesa Soto que formó parte de la selección de la Semana de la Crítica del pasado Festival de Cannes, sigue a una mujer cuyo hijo ha sido reclutado por el Ejército. El director colombiano ganó la Palma de Oro al mejor cortometraje con su corto de graduación (Leidi, 2014).
La sección Horizontes Latinos es uno de los reflejos del fuerte vínculo que el Festival de San Sebastián tiene con Latinoamérica. Todos los largometrajes seleccionados, que son inéditos en España, producidos total o parcialmente en América Latina, dirigidos por cineastas de origen latino o que tienen por marca o tema comunidades latinas, optan al premio Horizontes, dotado con 35.000 euros destinados al director o directora y a la distribuidora en España.
El Jurado del Premio Horizontes es el encargado de valorar y premiar estas películas. Los filmes de Horizontes Latinos que sean la primera o segunda película de su director optan también al Premio TCM de la Juventud, atribuido por un jurado formado por estudiantes de entre 18 y 25 años.
PELÍCULAS
Jesús López
Maximiliano Schonfeld (Argentina)
País(es) de producción: Argentina – Francia
Intérpretes: Lucas Schell, Joaquín Spahn, Sofía Palomino, Ia Arteta, Alfredo Zenobi, Paula Ransenberg, Romina Pinto, Benigno Lell
Inauguración
WIP Latam 2020
Jesús López, un joven piloto de carreras, muere accidentalmente dejando su pueblo conmocionado. Su primo Abel, un adolescente sin rumbo, se siente poco a poco tentado a ocupar su lugar. Se instala con los padres de Jesús, viste su ropa, sale con sus amigos y su exnovia. Al principio la gente lo acepta y a Abel le gusta este papel. Pero el parecido con su primo se vuelve inquietante, hasta el punto de que acaba transformándose en Jesús López. En el pueblo se organiza una carrera en homenaje a Jesús. Animado por el espíritu de su primo, Abel conduce el coche del difunto. El resultado de esta carrera determinará si la transformación se vuelve o no definitiva.
El empleado y el patrón / The Employer and the Employee
Manuel Nieto Zas (Uruguay)
País(es) de producción: Uruguay – Argentina – Brasil – Francia
El patrón es un joven que aparentemente lo tiene todo, excepto una preocupación urgente: la salud de su bebé. El empleado está buscando trabajo para mantener a su recién nacido, por eso no duda cuando el patrón decide contratarlo para trabajar en sus tierras. Ambos cubrirán sus necesidades ayudándose mutuamente. Pero un día ocurre un accidente. Este evento inesperado tensará los lazos entre ellos, poniendo en peligro el destino de las dos familias. Premio Egeda Platino Industria al mejor WIP Latam 2020.
Amparo
Simón Mesa Soto (Colombia)
País(es) de producción: Colombia – Suecia – Catar
Intérpretes: Sandra Melissa Torres, Diego Alejandro Tobón, Luciana Gallego, John Jairo Montoya
Tras un largo turno de noche, Amparo, madre soltera con dos hijos, regresa a casa, pero ellos no están allí. Pronto descubre que su hijo Elías ha sido reclutado por el ejército y será enviado al frente, a una peligrosa zona de guerra cerca de la frontera. Su destino parece sellado. Solo un día antes de la partida de Elías, Amparo consigue contactar con un hombre que le ofrece alterar los archivos de su hijo y sacarle de allí. Sin apenas opciones, Amparo emprende una carrera contra el tiempo para liberar a su hijo en una sociedad donde reina la corrupción.
Aurora
Paz Fábrega (Costa Rica)
País(es) de producción: Costa Rica – México – Panamá
Intérpretes: Rebeca Woodbridge, Raquel Villalobos
Cine en Construcción 37
Maternidades subrogadas e historias mínimas se anudan a través de la vida de Luisa, una joven arquitecta, a veces bailarina, a veces maestra. ¿Cuál es la relación entre la maternidad, la errancia y el deseo? Aurora transita esta pregunta cartografiando el archipiélago íntimo conformado por las vidas de mujeres entrañables, en el centro de las cuales se encuentra Yuliana, una adolescente que oculta a su madre un embarazo de varios meses con la complicidad de Luisa.
Azor
Andreas Fontana (Suiza)
País(es) de producción: Suiza – Argentina – Francia
Intérpretes: Stéphanie Cléau, Fabrizio Rongione
V Foro de Coproducción Europa-América Latina
Yvan De Wiel, banquero privado de Ginebra, viaja hasta Argentina, en plena dictadura, para sustituir a su asociado, en boca de unos muy preocupantes rumores, que ha desaparecido de la noche a la mañana. Entre acogedores salones, piscinas y jardines bajo vigilancia, se establece un duelo a distancia entre dos banqueros que, a pesar de utilizar métodos diferentes, participan de igual manera en un tipo de discreta y despiadada colonización.
La caja / The Box
Lorenzo Vigas (Venezuela)
País(es) de producción: México – EEUU
Intérpretes: Hernán Mendoza, Hatzín Navarrete
Hatzin, un adolescente de Ciudad de México, viaja para recoger los restos de su padre, que han sido encontrados en una fosa común entre los grandes cielos y el paisaje vacío del norte de México. Pero un encuentro casual con un hombre que tiene un parecido físico con su padre lo llena de dudas y de esperanza acerca del auténtico paradero de su progenitor.
Madalena
Madiano Marcheti (Brasil)
País(es) de producción: Brasil
Intérpretes: Natália Mazarim, Rafael de Bona, Pamella Yule, Chloe Milan, Mariane Cáceres
Cine en Construcción 36
Luziane, Cristiano y Bianca no tienen casi nada en común, más allá del hecho de que todos viven en la misma localidad rural, rodeada de campos de soja, al oeste de Brasil. Aunque no se conocen, todos ellos se ven afectados por la desaparición de Madalena. En distintas partes de la localidad, reaccionan a su ausencia, cada uno a su manera.
Noche de fuego / PRAYERS FOR THE STOLEN
Tatiana Huezo (El Salvador – México)
País(es) de producción: México – Alemania – Brasil – Qatar
Intérpretes: Ana Cristina Ordóñez González, Marya Membreño, Mayra Batalla
En un solitario pueblo enclavado en las montañas mexicanas, las niñas llevan cortes de pelo de chico y tienen escondites bajo tierra. Ana y sus dos mejores amigas ocupan las casas de aquellos que han huido y se disfrazan de mujer cuando nadie las ve. En su impenetrable universo abundan la magia y la alegría; mientras tanto, sus madres las preparan para huir de quienes las convierten en esclavas o en fantasmas. Pero un día una de las chicas no llega a su escondite a tiempo.
Piedra Noche / Dusk Stone
Iván Fund (Argentina)
País(es) de producción: Argentina – Chile – España
Sina viaja a la costa para acompañar a su amiga Greta en la venta de su casa de veraneo. Hace menos de un año Greta perdió a su único hijo en ese mar y necesita su ayuda. Mientras embalan todo y se preparan para entregar la llave, Bruno, el esposo de Greta, dice haber visto algo que confirma los rumores de los lugareños sobre la aparición de una extraña criatura. Premio de la Industria WIP Latam 2020.
Una película de policías / A Cop Movie
Alonso Ruizpalacios (México)
País(es) de producción: México
Intérpretes: Mónica del Carmen, Raúl Briones Carmona
Un experimento documental y narrativo arroja luz sobre una de las instituciones más controvertidas de México, la Policía, y las causas de la impunidad que asola al sistema de justicia.
El Festival presentará la premiere mundial de ‘Veneciafrenia’, de Álex de la Iglesia, una mezcla salvaje de giallo y slasher rodada en la monumental ciudad italiana
Las puertas de Sitges 2021 se abrirán el próximo 7 de octubre y, por primera vez en su historia, será un film dirigido por una mujer el que dará el pistoletazo de salida. Ana Lily Amirpour, que visitó el Festival en 2014 con Una chica vuelve en casa sola denoche y en 2016 con The Bad Batch, presentará Mona Lisa and the Blood Moon, su nueva película protagonizada por Jeon Jong-seo en la piel de una joven con habilidades extrañas que escapa de un centro de enfermos mentales.
La 54ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya programa los estrenos más esperados por los seguidores del género. Títulos como Lamb, cinta islandesa de folk-horror del cineasta Valdimar Jóhannsson y protagonizada por Noomi Rapace, hablan del brillante momento que vive el cine nórdico en el terreno del fantástico, y fue una de las películas más comentadas en la sección Un Certain Regard del pasado Festival de Cannes.
Alexandre Bustillo y Julien Maury (Al interior, Kandisha), habituales del Festival, vuelven con The Deep House, una propuesta de terror sobrenatural bajo el agua. La última entrega de la saga Halloween no faltará a la cita: Halloween Kills, de David Gordon Green, con una incombustible Jamie Lee Curtis, se verá en Sitges 2021. Michael Myers y Laurie Strode se volverán a encontrar en la duodécima secuela de una franquicia imprescindible y muy querida por los fans.
Halloween Kills
El terror con el toque personal de Álex de la Iglesia llegará con el estreno mundial de Veneciafrenia, el híbrido de slasher y giallo que inaugura el sello The Fear Collection, una iniciativa que dará voz a directores de género para producir largometrajes originales y que tendrá también su presentación oficial en Sitges. En Veneciafrenia -en la que De la Iglesia recupera al actor Armando de Razza- la ciudad más bella del mundo será el terrorífico escenario donde Ingrid García Jonsson y Silvia Alonso lucharán para salvar sus vidas.
Veneciafrenia
Junto con la película de Álex de la Iglesia habrá otros títulos representativos de la cosecha de género español de este año, como la premiere mundial de Visitante, debut de Alberto Evangelio, proyecto secundado desde el Producers meets Producers del PAC y en la cual ha participado la productora catalana Life & Pictures. Una inquietante historia de personajes perdidos en dimensiones paralelas que protagonizan Iria de Rio, Miquel Fernández, Jan Cornet y Sandra Cervera.
Visitante
Dos representantes del fantástico español más festivo y referencial estarán en Sitges 2021 con las premieres mundiales de La pasajera, dirigida por Raúl Cerezo y Fernando González Gómez, road movie con invitado alienígena no deseado a bordo, y Jacinto, producción gallega dirigida por Javi Camino, un terror rural que el propio realizador define como un cruce entre La matanza de Texas y Forrest Gump. Completará el panorama nacional Tres, la esperada película de Juanjo Giménez, ganador de la Palma de Oro en Cannes al mejor cortometraje en 2017 por Time Code y que llegó a ser nominado al Oscar de la categoría. Producida por Frida Films e interpretada por Marta Nieto y Miki Esparbé, narra la inquietante odisea de una diseñadora de sonido cuyo cerebro procesa el sonido más tarde que las imágenes.
El cine de animación contará con tres tótems mundiales, el israelí Ari Folman (Vals con Bashir, El congreso), el japonés Mamoru Hosoda (El niño y la bestia, Mirai, mi hermana pequeña), y el norteamericano Phil Tippett presentarán Where is Anne Frank, Belle y Mad God, respectivamente. La primera sigue los pasos de Kitty, la amiga imaginaria a quien Anne Frank dedicó su diario, mientras que Belle explica la historia de Suzu, una joven de 17 años que, después de perder su madre, se traslada a vivir con su padre. En el caso del film de Tippett -maestro de los efectos especiales con dos Premios Oscar por El retorno del Jedi y Parque Jurásico– se trata de una pesadilla en stop-motion que ha tardado treinta años en completarse.
Mad God
Más grandes nombres. El cine asiático desembarcará en Sitges con toda su fuerza. El cineasta chino Zhang Yimou presentará Cliff Walkers, un elegante thriller de espionaje ambientado a Manchukuo, un estado títere del Imperio de Japón en China durante la década de 1930. Takashi Miike, imprescindible en el Festival, vuelve al universo Yokai con The Great Yokai War: Guardians, donde Kei Watanabe, un estudiante que ha heredado la sangre de un legendario cazador de yokai, estará destinado a salvar el mundo de la destrucción. El film japonés The Deer King, de Ando Masahi (director de animación de El viaje de Chihiro y Your Name) y Masayuki Miyaji también se añade a la programación. Un drama fantástico de supervivencia y pandemias basado en las novelas de Nahoko Uehashi. Y también se verá la cinta tailandesa The Medium, de Banjong Pisanthanakun, que resigue la historia de la herencia de un chamán.
Cliff Walkers
Otros títulos destacados de esta edición de Sitges serán sin duda Demonic, en la cual Neill Blomkamp, director de emblemáticas epopeyas de ciencia ficción como District 9 o Elysium, apuesta por el terror sobrenatural, donde los límites de la realidad se distorsionan hasta confundirse y las nuevas tecnologías invocarán demonios reales a partir de un conflicto madre-hija. No uno, sino dos films de Edgar Wright se podrán disfrutar en el Festival. Última noche en el Soho, el thriller de viajes en el tiempo que protagonizan Anya Taylor-Joy y Thomasin McKenzie, y el documental The Sparks Brothers, una pieza devota de este dúo musical surgido en Los Angeles en la década de los 70.
Demonic
El galardonado en Sitges 2016 Gabriele Mainetti (Lo llamaban Jeeg Robot) presentará Freaks Out, película de criaturas extraordinarias ambientada en un circo de la Italia de la II Guerra Mundial y que tendrá en Sitges su premiere internacional después de participar en la Sección Oficial de la Mostra de Venecia. Por su parte, Simon Barret, guionista de las célebres Tú eres el siguiente o The Guest, ambas de Adam Wingard, presentará Seance, un homenaje personal al slasher protagonizado por Suki Waterhouse. Y el belga Fabrice du Welz, de quien en otras ediciones del Festival se han podido ver títulos como Adoration o Alleluia, volverá con Inexorable, con Benoit Poelvoorde y una inquietante ama de llaves.
Inexorable
Las óperas primas tendrán un papel destacado en Sitges 2021, y especialmente las dirigidas por mujeres. A los nombres ya anunciados de Prano Bailey-Bond (Censor) o Carlson Young (The Blazing World), se suma la artista y cineasta británica Charlotte Colbert, que debuta con el thriller psicológico She Will -con banda sonora de Clint Mansell- sobre una mujer que, después de una cirugía, se retira a la Escocia rural y abre interrogantes sobre su existencia. La también británica Camille Griffin presentará Silent Night, una película que no es lo que parece y que presenta un espectacular reparto con Keira Knightley, Annabelle Wallis, Matthew Goode y Lily-Rose Deep.
El leit-motiv de Sitges 2021, el hombre lobo y la bestia interior, tendrá una presencia constante en el Festival más allá de la retrospectiva ya anunciada y que ofrecerá títulos emblemáticos de la temática como The Wolf Man, la clásica película de Universal dirigida por George Waggner e intepretada por Lon Chaney Jr.; The Howling, de Joe Dante, o la copia restaurada en 4K de An American Werewolf in London. También rarezas y variaciones sobre el tema como Nazareno Cruz y el lobo, de Leonardo Favio; La bête, una versión erótica del mito dirigida por Walerian Borowzyck, así como las recuperaciones de clásicos del cine fantástico español como El retorno del hombre lobo, de Jacinto Molina, o El bosque del lobo, de Pedro Olea. Entre las propuestas recientes que giran alrededor de esta temática, el certamen ha seleccionado el film de terror Eight for Silver, de Sean Ellis, ambientado en un pequeño pueblo remoto a finales del siglo XIX, en el cual se investiga el ataque de un animal salvaje. En tono de comedia, Werewolves Within, de Josh Ruben, adapta el videojuego homónimo en una alocada cinta llena de chistes y sustos que estará en Sitges antes de su estreno en Amazon Prime. Estos títulos se añaden a la anunciada Bloodthirsty, la innovadora cinta de mujer-lobo de Amelia Moses.
Brigadoon
La sección Brigadoon, que engloba propuestas alternativas, presenta un avance de su programación. Brujas, maldiciones y cultos demoníacos están presentes en Two Witches, de Pierre Tsigaridis, sobre una herencia maldita, o Hellblazers, de Justin Lee, con una secta satánica de finales de los años 80. Por su parte, Las noches son de los monstruos, del argentino Sebastian Perillo, presenta una adolescente que sufre bullying y que conocerá a una perra misteriosa, y la española El último tren al Rock’n Roll, de Ignacio Malagón, inquieta con la desaparición del cantante y el técnico de sonido de un grupo de música.
Brigadoon presentará una amplia selección de documentales, muchos de ellos realizados por directoras. Destacan Fulci Talks – Uncut Conversation with Lucio Fulci, de Antonietta De Lillo, un paseo por el cine del «Gorefather» Lucio Fulci, un director que pasó de las comedias a los thrillers y de los spaghetti western al cine de terror. También sobre el cine italiano, Per Horror Intendo…, de Paola Settimini, analiza el glorioso cine de terror italiano de los años 60 a los 90, con entrevistas inéditas a Dario Argento, Cristiana Astori, Pupi Avati, Luigi Cozzi, Claudio Simonetti o Lamberto Bava, entre otros.
Manuel Pérez Clemente es uno de los más importantes ilustradores españoles, que con su arte ha traspasado fronteras y ha conseguido ser reconocido a nivel mundial. Sanjulian, el poder de la illustración, de David García Sariñena, recorre la vida y obra de este espectacular artista, explicada por él mismo, y las ilustraciones que cautivaron al mismo George Lucas.
Fascism On a Thread: The Strange Story of Nazisploitation Cinema, de Naomi Holwill, se adentra en uno de los subgéneros más sórdidos en la historia del grindhouse, el nazisploitation. Durante los años 70, películas como Ilsa – El lobo de las SS, La bestia en calor, Tren especial para Hitler y La última orgía de Gestapo conmocionaron al público.
En el capítulo de homenajes, Brigadoon reconocerá la trayectoria de dos figuras recientemente desaparecidas. Por un lado, Giannetto de Rossi, mítico especialista en el campo de los efectos especiales y director ocasional, del cual se verá Killer Crocodile 2 (1990), y de la otra, el director británico Norman J. Warren, conocido por sus comedias sexuales y de terror, con la proyección de Inseminoid (1991).
Jurado Oficial Fantàstic
Sitges 2021 contará con un Jurado Oficial Fantàstic formado por cinco personalidades reconocidas que aportarán una mirada transversal a los films en competición.
Ali Abbasi. Director y guionista de cine iraní nacionalizado danés. Entre sus títulos principales están Border o Shelley.
Alaska. Cantante, compositora y actriz hispano-mexicana. Fundadora de Alaska y los Pegamoides y Alaska y Dinarama, desde 1989 forma parte del grupo Fangoria.
Luna (María Lidón). Directora y actriz de cine y televisión. Entre los films que ha dirigido destacan Stranded: Náufragos o Yo, puta.
Joaquín Reyes. Actor, cómico e ilustrador. Ha participado en los programas de TV La hora chanante o Muchachada Nui, y en los films Spanish Movie y Promoción fantasma, entre otros.
Antonio Trashorras. Director, productor y guionista de cine y televisión. Ha dirigido los largometrajes El callejón y Anabel.
WomanInFan
Uno de los objetivos del programa WomanInFan, destinado a la visibilización de las mujeres creadoras dentro del fantástico, es sensibilizar el talento femenino hacia el género como un lenguaje más. En este sentido, se concederán tres becas para tres cineastas sin bagaje en el fantástico pero con una inicial trayectoria cinematográfica destacada. Gracias al apoyo de Vertix y de Dama Autor, las tres seleccionadas participarán en las actividades de industria del Festival, una mesa redonda sobre el papel de la mujer en la producción de cine fantástico y disfrutarán de un programa de mentoring.
Las tres jóvenes cineastas seleccionadas son:
Anna Moragriega. Productora. Graduada en producción por la ESCAC. Sus cortometrajes más destacados como productora son Ni oblit ni perdó (2019), dirigido por Jordi Boquet y ganador del premio a Mejor Cortometraje en los XIII Premios Gaudí; Tribu (2017), dirigido por Sergi Merchan y presente en más de 50 festivales internacionales y Petit (2017), dirigido por Asier Ramos y seleccionado, entre otros, al Camerimage Film Festival y presente dentro del mercado de cortos Short Film Corner del Festival de Cannes 2019.
Irene Moray. Fotógrafa y cineasta. En 2012 se traslada a Berlín y dirige su primer corto de ficción, Bad Lesbian. Después de cuatro años en Alemania, decide volver a su tierra natal donde rueda su último corto como guionista y directora, Suc de síndria, estrenado en Berlinale Shorts, nominado a los EFA Awards y merecedor de varios premios como el Gaudí a mejor cortometraje y el Goya al mejor corto de ficción. Su primer largometraje de ficción, Piel de foca, ha sido seleccionado en la Residencia de la Academia de Cine Español y en el TIFF Filmmaker Lab, donde ha sido premiada con el TIFF Filmmaker Lab Fellowship.
Laura Ferrés. Guionista, directora y productora. Graduada en dirección cinematográfica por la ESCAC. Su proyecto de final de carrera, A perro flaco, fue seleccionado en 40 festivales, como la SEMINCI y el Montreal World Film Festival. Su cortometraje Los desheredados se estrenó en el Festival de Cannes, alzándose con el premio a Mejor Cortometraje de la Semaine de la Critique de Cannes. Posteriormente fue proyectado en 80 festivales, nominado a los European Film Awards y galardonado en los Premios Goya y Gaudí.
Libro oficial
La bestia interior. Hydes, licántropos y otras figuras teriantrópicas en el imaginario audiovisual es una invitación a explorar las diferentes caras del tratamiento cinematográfico de la bestia que habita en el interior del ser humano. Por sus páginas desfilan hombres lobo, señores Hyde, mujeres gato y otros cruces de ser humano y bestia, en un recorrido que va de los textos fundacionales de la cultura grecolatina al cine contemporáneo y del Hollywood clásico al cine de autor de la Europa Oriental. Los temas y lugares que este libro visita ofrecen al lector la posibilidad de mirar de cara a estas bestias interiores, que no son más que encarnaciones de aquello que nos asusta de nosotros mismos.
Coordinado por Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro, La bestia interior cuenta con aportaciones de los propios coordinadores y de Lluís Rueda, Violeta Kovacsics, Marta Torres, Diego López y Mike Hostench. En los textos de estos autores el lector encontrará reflexiones de diversa naturaleza, en una polifonía de formatos y estilos que aporta nuevas miradas y nuevas ideas sobre un mito del cine fantástico que continúa disfrutando de gran vitalidad.
Esta publicación se añade a la ya anunciada Tres piezas para el asesino, que analiza la relación entre jazz, rock y electrónica con el cine criminal y de terror en la segunda mitad del siglo XX.
Cinco proyectos basados en inteligencia artificial, servicios web AWS, tecnología háptica, VFX/SFX y aplicaciones móviles competirán en el Zinemaldia Startup Challenge.
Las propuestas, procedentes de Dinamarca, España y Francia aspiran a un premio de 10.000 euros, acceso gratuito a un espacio de incubación durante el primer año en un BIC de la Red de Parques Tecnológicos de Euskadi y a una financiación de hasta 500.000 euros.
Zinemaldia & Technology se celebrará el jueves 23 de septiembre en Tabakalera e incluirá las presentaciones de los cinco finalistas y una clase magistral.
Cinco proyectos procedentes de Dinamarca, España y Francia competirán en la tercera edición de Zinemaldia Startup Challenge, el concurso dirigido a equipos emprendedores y startups europeas de reciente creación que proponen desarrollos empresariales basados en la incorporación de nuevas tecnologías en el ámbito audiovisual. En esta tercera edición se han recibido 37 inscripciones procedentes de ocho países.
Los cinco finalistas son Kinetix, propuesta francesa que provee a animadores y estudios 3D con herramientas de inteligencia artificial para simplificar y acelerar sus procesos; Klipworks, proyecto danés que, con tecnología de servicios web AWS, facilita a creadores de contenidos de vídeo el acceso y utilización de material generado por otros colaboradores; y las españolas OWO Entertainment, que está desarrollando una chaqueta háptica que reproduce sensaciones físicas mientras se está viendo una película; Panoramic Plates, un servicio de rodaje de fondos 360º en movimiento para cine y televisión; y Raccorder, aplicación móvil dirigida a scripts que aúna todas sus herramientas en una digital y facilita la localización de información sobre rodajes.
Las empresas participantes contarán con la posibilidad de integrarse en un espacio de incubación durante un año, en uno de los BICs (Business Innovation Center) ubicados en la Red de Parques Tecnológicos de Euskadi y podrán acceder a una financiación de hasta 500.000 euros para el desarrollo del proyecto. Asimismo, el proyecto ganador, que será designado por un jurado, recibirá 10.000 euros.
El Gobierno Vasco, a través del Departamento de Desarrollo Económico, Sostenibilidad y Medio Ambiente, promueve Zinemaldia Startup Challenge, iniciativa central de la jornada Zinemaldia & Technology, organizada por el Festival de San Sebastián, TECNALIA y Tabakalera con el apoyo del centro de investigación aplicada Vicomtech. Con Tabakalera, a través de su laboratorio audiovisual 2deo, se trabaja para extender la actividad durante otras jornadas a lo largo del año.
La jornada cuenta, además, con el apoyo de Europa Creativa MEDIA a través de la iniciativa European Film Forum, que tiene como objetivo el fortalecimiento y la transformación de la industria audiovisual europea. Zinemaldia & Technology es una apuesta estratégica del Festival de San Sebastián que quiere posicionarse como un espacio referente para la reflexión sobre la innovación tecnológica en el sector audiovisual.
Kinetix
Francia
Descripción del proyecto: Kinetix proporciona a animadores y estudios creativos 3D herramientas basadas en inteligencia articial para acelerar y simplificar sus procesos de producción.
Klipworks
Dinamarca
Descripción del proyecto: Klipworks facilita a los creadores de contenidos la obtención, previsualización y uso de grabaciones de vídeos en teléfonos inteligentes a gran escala generados por su audiencia.
OWO entertainment
España
Descripción del proyecto: OWO Entertainment desarrolla una chaqueta háptica que permite experimentar más de 30 sensaciones físicas diferentes mientras se ve una película, serie o documental.
Panoramic Plates
España
Descripción del proyecto: Panoramic Plates es un innovador servicio de rodaje de fondos 360º en movimiento para cine y televisión.
Raccorder
España
Descripción del proyecto: Raccorder es una aplicación móvil multiplataforma para scripts de cine, televisión y publicidad. Aúna todas sus herramientas en una digital, aportando nuevas funcionalidades que permitirán al script realizar su trabajo de manera mucho más eficiente, coordinada y segura.
‘Las leyes de la frontera’, de Daniel Monzón, que clausurará el Festival; ‘La hija’ de Manuel Martín Cuenca; la serie ‘La Fortuna’ de Alejandro Amenábar y el cortometraje ‘Rosa Rosae. La Guerra Civil’ de Carlos Saura participarán fuera de concurso.
Catorce producciones españolas han sido seleccionadas en la Sección Oficial, New Directors, Horizontes Latinos, Zabaltegi-Tabakalera y Perlak en la 69 edición del Festival de San Sebastián. Cuatro de ellas competirán por la Concha de Oro: Maixabel, de Iciar Bollaín; El buen patrón, / The Good Boss, de Fernando León de Aranoa; La abuela, de Paco Plaza; y Quién lo impide, de Jonás Trueba. Además, fuera de concurso, participarán también en la Sección Oficial La hija / The Daughter, de Manuel Martín Cuenca; la serie La Fortuna, de Alejandro Amenábar; el corto Rosa Rosae. La Guerra Civil / Rosa Rosae. A Spanish Civil WarElegy de Carlos Saura, que formará parte de la gala de inauguración; y Las leyes de la frontera, de Daniel Monzón, que clausurará el Festival.
Icíar Bollaín presentará Maixabel, en la que Blanca Portillo encarna a la viuda del dirigente socialista asesinado por ETA Juan Mari Jáuregui. Luis Tosar interpreta a uno de los responsables del atentado en una película que recrea los encuentros restaurativos impulsados en 2011 desde la llamada vía Nanclares, que posibilitó el encuentro de Maixabel Lasa con los asesinos de su marido en prisión. Será la cuarta vez que la cineasta madrileña compita en la Sección Oficial, en la que Laia Marull y Luis Tosar, protagonistas de Te doy mis ojos / Take my Eyes (2003), ganaron sendas Conchas de Plata. Después regresó a la competición con Mataharis (2007) y Yuli (2018), que fue galardonada con el Premio del Jurado al Mejor Guion.
Fernando León de Aranoa concursará por tercera vez en la Sección Oficial, donde Barrio (1998) le brindó la Concha de Plata a la mejor dirección y el Premio Fipresci, mientras que Los lunes al sol / Mondays in the Sun (2002) se alzó con la Concha de Oro a la mejor película. En su nueva incursión en la competición, el realizador madrileño vuelve a contar con el actor Javier Bardem como protagonista de El buen patrón / The Good Boss, un relato tragicómico que ofrece una mirada feroz sobre las relaciones personales y laborales.
El cineasta valenciano Paco Plaza,varias veces nominado al Goya y responsable de grandes éxitos del cine de terror como la reciente Verónica (2017) o la saga [REC], optará por primera vez a la Concha de Oro con La abuela, una nueva incursión en el cine de horror a partir de una idea original suya que ha desarrollado Carlos Vermut en el guion. La película narra la pesadilla en la que se convierte la vida de una joven que deja su trabajo como modelo en París para volver a Madrid y cuidar de su abuela enferma.
Jonás Trueba volverá a competir en la Sección Oficial de San Sebastián tras su participación con La Reconquista / The Reconquest en 2016. Quién lo impide, que toma su título de una canción de Rafael Berrio, recoge las reflexiones de muchos jóvenes adolescentes, sus impresiones del presente y sus expectativas de futuro, recogidas antes, durante y después del confinamiento. La película es la culminación de un largo proyecto cinematográfico, tras muchos rodajes y montajes a lo largo de cinco años.
Bollaín, León de Aranoa, Plaza y Trueba se incorporan a la lista de cineastas ya anunciada que forman parte de la competición oficial: Inés Barrionuevo, Laurent Cantet, Terence Davies, Alina Grigore, Lucile Hadzihalilovic, Zhang Ji, Tea Lindeburg, Claudia Llosa y Claire Simon.
Fuera de competición
La hija / The Daughter supondrá el regreso a San Sebastián de Manuel Martín Cuenca, cuya carrera se ha desarrollado en paralelo al Festival de San Sebastián: su primer largo, La flaqueza del bolchevique / The Weakness of the Bolshevik (2003), se proyectó en Zabaltegi-Nuevos Directores, y con Malas temporadas (2005), Caníbal / Cannibal (Premio del Jurado a la Mejor Fotografía, 2013) y El autor / The Motive (2017) compitió en la Sección Oficial. La hija es un thriller dramático protagonizado por Javier Gutiérrez, Patricia López Arnaiz e Irene Virgüez Filippidis.
También se estrenará fuera de concurso La Fortuna, serie de acción y aventuras dirigida por Alejandro Amenábar que consta de seis episodios y cinco horas de duración. Amenábar inauguró fuera de concurso el Festival en 2015 con Regression (Regresión) y compitió en 2019 con Mientras dure la guerra / While at War.
Dentro de la Sección Oficial, también fuera de concurso, en la gala de inauguración se proyectará el cortometraje documental Rosa Rosae. La Guerra Civil / Rosa Rosae. A Spanish Civil WarElegy de Carlos Saura, un homenaje a los niños de la guerra a partir de la canción homónima de José Antonio Labordeta y de fotografías intervenidas y dibujos de Saura. El cineasta aragonés recibió en 2007 una Concha de Oro honorífica en reconocimiento a su trayectoria.
Asimismo, una producción española protagonizará la clausura del Festival. Daniel Monzón, que participó en Made in Spain con El corazón del guerrero (2000) y Celda 211 / Cell 211 (2010), que obtuvo ocho premios Goya incluidos los de mejor película y mejor dirección, clausurará la Sección Oficial fuera de concurso, con Las leyes de la frontera, la adaptación a la gran pantalla de la novela homónima de Javier Cercas, ambientada a finales de los años 70 en Girona, donde coinciden tres jóvenes de dos mundos muy diferentes.
Otras producciones españolas de la 69 edición
New Directors, la sección del Festival dedicada a las primeras y segundas películas de sus cineastas, acogerá la presentación de Josefina / Josephine, la ópera prima del tándem formado por el realizador Javier Marco y la guionista Belén Sánchez-Arévalo. Emma Suárez y Roberto Álamo protagonizan esta historia de amor.
También en esta sección podrá verse la coproducción con Turquía İki Şafak Arasında / Between Two Dawns, que ganó los Premios WIP Europa y WIP Europa de la Industria en la última edición del Festival. Dirigida por el realizador Selman Nacar, la película está centrada en los conceptos de conciencia, familia y justicia.
Otra coproducción, en este caso con Argentina y Chile, formará parte de la selección de Horizontes Latinos: Piedra Noche / Dusk Stone, dirigida por Iván Fund. La ganadora del Premio de la Industria WIP Latam en 2020 es un drama fantástico ambientado en una pequeña localidad costera.
En Zabaltegi-Tabakalera se proyectará, tras su paso por la competición de cortos de la sección Orizzonti del Festival de Venecia, el cortometraje de Mikel GurreaHeltzear, seleccionado en el catálogo Kimuak de 2021. El cineasta donostiarra, que pasó por la residencia de proyectos Ikusmira Berriak, narra una historia de superación en un contexto de violencia política.
La sala de cine de Tabakalera también acogerá, tras su paso por la Semana de la Crítica de Venecia, la proyección de Eles transportan a morte / They Carry Death (Ellos transportan la muerte), el primer largometraje de Helena Girón y Samuel M. Delgado, desarrollado en Ikusmira Berriak, un relato de aventuras con un discurso crítico sobre la colonización.
Competencia Oficial, de los argentinos Gastón Duprat y Mariano Cohn, inaugurará la sección Perlak. Oscar Martínez y los Premios Donostia Penélope Cruz y Antonio Banderas protagonizan esta tragicomedia ambientada en el mundo del cine que competirá por el León de Oro en Venecia.
PELÍCULAS
El buen patrón / The Good Boss
Fernando León de Aranoa (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Javier Bardem, Manolo Solo, Almudena Amor, Óscar de la Fuente, Sonia Almarcha, Fernando Albizu, Tarik Rmili, Rafa Castejón, Celso Bugallo
Básculas Blanco, una empresa de producción de balanzas industriales en una ciudad de provincias, aguarda la visita de una comisión de la que depende la obtención de un premio local a la Excelencia Empresarial: las cosas deben ser perfectas para ese momento. Sin embargo, todo parece confabularse en contra. En el poco tiempo del que dispone, Blanco (Bardem) intenta devolver a su empresa el equilibrio perdido: trata de resolver los problemas de sus empleados, cruzando para ello todas las líneas imaginables.
La abuela
Paco Plaza (España)
País(es) de producción: España – Francia
Intérpretes: Almudena Amor, Vera Valdez
Susana tiene que dejar su vida en París trabajando como modelo para regresar a Madrid. Su abuela Pilar acaba de sufrir un derrame cerebral. Años atrás, cuando los padres de Susana murieron, su abuela la crio como si fuese su propia hija. Susana necesita encontrar a alguien que cuide de Pilar, pero lo que deberían ser solo unos días con su abuela, se acabarán convirtiendo en una auténtica pesadilla.
Maixabel
Iciar Bollaín (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Luis Tosar, Blanca Portillo, Urko Olazabal, María Cerezuela
Maixabel Lasa pierde en el año 2000 a su marido, Juan María Jaúregui, asesinado por ETA. Once años más tarde, recibe una petición insólita: uno de los hombres que lo mataron ha pedido entrevistarse con ella en la cárcel de Nanclares de la Oca en Álava, en la que cumple condena tras haber roto sus lazos con la banda terrorista. A pesar de las dudas y del inmenso dolor, Maixabel Lasa accede a encontrarse cara a cara con las personas que acabaron con la vida de quien había sido su compañero desde los 16 años. “Todo el mundo merece una segunda oportunidad”, dice ella cuando le preguntan por las razones para sentarse frente al hombre que mató a su marido.
Quién lo impide
Jonás Trueba (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Candela Recio, Pablo Hoyos, Silvio Aguilar, Pablo Gavira, Claudia Navarro, Marta Casado, Rony-Michelle Pinzaru, Javier Sánchez
Quién lo impide es una llamada a transformar la percepción que tenemos sobre la adolescencia y la juventud; la de aquellos que nacieron a principios del siglo XXI y acaban de hacerse mayores de edad; los que ahora parecen culpables de todo a la vez que ven mermadas sus esperanzas. Entre el documental, la ficción y el puro registro testimonial, los jóvenes adolescentes se muestran tal y como son pero como pocas veces los vemos o nos dejan verlos: aprovechando la cámara de cine para mostrar lo mejor de sí mismos y devolvernos la confianza en el futuro; desde la fragilidad y la emoción, con humor, inteligencia, convicciones e ideas. Porque la juventud que nos habla de amor, amistad, política o educación no está hablando solo de lo suyo, sino de lo que nos importa siempre, a cualquier edad. Quién lo impide es una película sobre nosotros: sobre lo que fuimos, lo que somos y lo que seguiremos siendo.
ROSA ROSAE. LA GUERRA CIVIL / ROSA ROSAE. A SPANISH CIVIL WAR ELEGY
Cortometraje
CARLOS SAURA (España)
País(es) de producción: España
Inauguración
Fuera de concurso
Saura crea y recupera más de una treintena de imágenes, dibujos y fotografías que imprime, manipula, con las que juega y luego filma, para crear una historia que, si bien recrea la Guerra Civil española, también podría reflejar los horrores de una guerra universal, desde la mirada de un niño y su entorno.
La historia comienza en el verano de 1978. Nacho Cañas, un estudiante introvertido y algo inadaptado, tiene diecisiete años y vive en Girona. Al conocer al Zarco y a Tere, dos jóvenes delincuentes del barrio chino de la ciudad, se ve inmerso en un triángulo amoroso que le lleva a vivir una carrera imparable de hurtos, robos y atracos que se prolongará durante todo el verano y que cambiará su vida para siempre. Las leyes de la frontera es la historia del verano en el que Nacho experimentó el primer amor y se hizo mayor, transgrediendo constantemente la frontera entre dos mundos, cruzando la línea que hay entre el bien y el mal, entre la justicia y la injusticia.
La Fortuna
Serie de televisión
Alejandro Amenábar (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Álvaro Mel, Ana Polvorosa, Stanley Tucci, Clarke Peters, T’Nia Miller, Karra Elejalde, Manolo Solo
Fuera de concurso
Álex Ventura, un joven e inexperto diplomático, se convierte en el líder de una misión que pondrá a prueba todas sus convicciones: recuperar el tesoro submarino robado por Frank Wild, un aventurero que vive de saquear el patrimonio común de las profundidades. Junto a Lucía, una funcionaria de armas tomar, y Jonas Pierce, un brillante abogado norteamericano, Álex emprenderá la aventura de su vida, descubriendo la importancia del amor, la amistad y el compromiso con aquello en lo que cree.
LA HIJA / THE DAUGHTER
MANUEL MARTÍN CUENCA (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Javier Gutiérrez, Patricia López Arnaiz, Irene Virgüez
Fuera de concurso
Irene tiene quince años y vive en un centro para menores infractores. Se acaba de quedar embarazada y está decidida a cambiar de vida gracias a Javier, uno de los educadores del centro. Javier le ofrece vivir con él y su mujer Adela en la casa que tienen en un paraje aislado y agreste de la sierra para que pueda llevar a buen término su embarazo. La única condición a cambio es que acepte entregarles al bebé que lleva en sus entrañas. Este débil pacto puede verse comprometido cuando Irene empiece a sentir como suya esa vida que lleva en su interior.
NEW DIRECTORS
İki Şafak Arasında / Between Two Dawns
Selman Nacar (Turquía)
País(es) de producción: Turquía – Francia – Rumanía – España
Después de que un trabajador resulte gravemente herido en la empresa familiar de Kadir, este se ve obligado a tomar una decisión moral que repercutirá en sus sueños, en su familia y en la vida de la esposa del trabajador herido. Ópera prima. Premios WIP Europa de la Industria y WIP Europa en 2020.
Josefina / Josephine
Javier Marco (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Emma Suárez, Roberto Álamo, Miguel Bernardeau, Olivia Delcán
Juan, funcionario de prisiones, observa en silencio cada domingo la visita de Berta, la madre de uno de los presos. El día que por fin logra acercarse a ella, se sorprende a sí mismo haciéndose pasar por otro padre e inventándose a una hija dentro de la cárcel: Josefina. La necesidad de llenar el vacío en el que viven Juan y Berta, les lleva a seguir encontrándose más allá de la realidad que les rodea. Ópera prima.
HORIZONTES LATINOS
Piedra Noche / Dusk Stone
Iván Fund (Argentina)
País(es) de producción: Argentina – Chile – España
Sina viaja a la costa para acompañar a su amiga Greta en la venta de su casa de veraneo. Hace menos de un año Greta perdió a su único hijo en ese mar y necesita su ayuda. Mientras embalan todo y se preparan para entregar la llave, Bruno, el esposo de Greta, dice haber visto algo que confirma los rumores de los lugareños sobre la aparición de una extraña criatura. Premio de la Industria WIP Latam 2020.
ZABALTEGI-TABAKALERA
Eles transportan a morte / They Carry Death (Ellos transportan la muerte)
Helena Girón (España), Samuel M. Delgado (España)
País(es) de producción: España – Colombia
Intérpretes: Nuria Lestegás, Sara Ferro, Xoán Reices, Valentín Estévez, David Pantaleón
Entre la tripulación de Cristóbal Colón viajan tres hombres que ya deberían haber muerto. Han conseguido evitar sus condenas participando en el incierto viaje, pero al llegar a las Islas Canarias, huyen cargados con una de las velas de la embarcación. Mientras, en el Viejo Mundo, una mujer trata de salvar a su hermana moribunda, con la esperanza de que una curandera pueda ayudarla. Ambos viajes tratan de burlar a la muerte. Ambos viajes están a merced del tiempo y de la Historia.
Heltzear
Cortometraje
Mikel Gurrea (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Haizea Oses, Mikel Arruti, Oier de Santiago
Donostia, año 2000. El conflicto vasco está activo. Mientras escribe una carta a su hermano ausente, Sara, una escaladora de 15 años, entrena para la ascensión más difícil de toda su vida.
Intérpretes: Penélope Cruz, Antonio Banderas, Oscar Martínez
Inauguración
En busca de trascendencia y prestigio social, un empresario multimillonario decide hacer una película que deje huella. Para ello, contrata a los mejores: un equipo estelar formado por la celebérrima cineasta Lola Cuevas (Penélope Cruz) y dos reconocidos actores, dueños de un talento enorme, pero con un ego aún más grande: el actor de Hollywood Félix Rivero (Antonio Banderas) y el actor radical de teatro Iván Torres (Oscar Martínez). Ambos son leyendas, pero no exactamente los mejores amigos. A través de una serie de pruebas cada vez más excéntricas establecidas por Lola, Félix e Iván deben enfrentarse no solo entre sí, sino también con sus propios legados.
Entre los trabajos elegidos hay cinco películas procedentes de los ‘work in progress’ y del Foro de Coproducción del Festival.
Un total de trece producciones de 15 países se disputarán el Premio Kutxabank-New Directors del Festival de San Sebastián, que celebrará su 69 edición del 17 al 25 de septiembre. Del total de trabajos elegidos, nueve son óperas primas y el resto son segundas películas de sus autores, según han explicado hoy en rueda de prensa el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, y la directora de la Red Gipuzkoa de Kutxabank, Ainhoa Arruabarrena.
Philippe Grégoire es uno de los cineastas que presentarán su debut en el largometraje dentro de New Directors. Tras participar en más de un centenar de festivales con sus cortos, el canadiense concursará con Le bruit des moteurs / The Noise of Engines, una obra de autoficción basada en su antigua experiencia como agente de aduanas, trabajo que desempeñó para costearse la escuela de cine.
Tras formar parte de programas como Berlinale Talent o First Films First, el director turco Selman Nacar firma el proyecto con el que ganó los Premios WIP Europa de la Industria y WIP Europa en San Sebastián el año pasado, İki Şafak Arasında / Between Two Dawns, centrada en los conceptos de conciencia, familia y justicia.
También fue elegido en WIP Europa el esloveno Darko Sinko, director y productor de documentales y cortometrajes cuya primera ficción larga, Inventura / Inventory, trata sobre un hombre que tras un trágico suceso se percata de que su vida quizá sea una ilusión y que tal vez le odia más gente de lo que imaginaba.
Asimismo, New Directors acogerá la primera incursión en el largometraje de la coreana Hong Sung-eun, que en Hon-ja Sa-neun Sa-ram-deul / Aloners relata la peripecia de una mujer cuya vida cambia cuando su vecino es hallado muerto en su apartamento.
La argentina Mara Pescio presentará su debut tras la cámara, Ese fin de semana / That Weekend, cuyo proyecto fue seleccionado en 2017 en el Foro de Coproducción del Festival de San Sebastián. El filme narra la historia del reencuentro entre una madre y una hija después de largo tiempo sin verse.
Tras su paso por el Festival de Sundance, el actor estadounidense Fran Kranz mostrará en New Directors su primer trabajo como realizador, Mass, una obra sobre el perdón y la culpa en cuyo reparto destacan Reed Birney, Ann Dowd, Jason Isaacs y Martha Plimpton.
Javier Marco, que también posee amplia experiencia en el campo del cortometraje -ganó el Premio Goya con A la cara (2020)- y fue seleccionado en Berlinale Talents y Reykjavik Talent Lab, participará con Josefina / Josephine, una historia escrita por Belén Sánchez-Arévalo y protagonizada por Emma Suárez y Roberto Álamo.
Por su parte, el uruguayo Agustín Banchero presentará Las vacaciones de Hilda / Hilda’s Short Summer, proyecto seleccionado en Cine en Construcción 36 (el actual WIP Latam) sobre una mujer solitaria que revive un verano del pasado.
La directora rusa Lena Lanskih, que ha escrito y dirigido cortometrajes mostrados en distintos festivales, participará con su primer filme, Nich’ya / Unwanted, que relata la peripecia de una adolescente enfrentada a distintos problemas tras tener un bebé no deseado.
Entre quienes presentarán su segundo largometraje en New Directors figuran el colombiano Juan Sebastián Mesa, que tras ganar el Premio del Público de la Semana Internacional de la Crítica de Venecia con su debut, Los nadie (2016), participará con La roya / The Rust, una historia sobre la identidad rural gestada en la residencia Cinéfondation del Festival de Cannes y presentada en WIP Latam (2020) de San Sebastián y en el Foro de Coproducción Europa-América Latina (2017).
El rumano Emanuel Parvu, que ha trabajado como actor con directores como Cristian Mungiu, Adrian Sitaru o Constantin Popescu, ganó los premios al mejor director y actor en el Festival de Sarajevo con su debut, Meda or The Not So Bright Side of Things (2017) y ahora concursará en San Sebastián con Marocco / Mikado, un filme sobre las decisiones, la desconfianza y la culpa.
Tras participar en New Directors con Tigre (2017), el tándem formado por la argentina Silvina Schnicer y el catalán afincado en Buenos Aires Ulises Porra regresará a la sección con Carajita, centrada en el colapso de la relación entre una joven y la nana que la crio.
El cineasta chino Sun Liang, cuya ópera prima Kill the Shadow (2017) fue seleccionada en Montreal y Shanghái, entre otros festivales, competirá con Shu Qi Shi Guang / Lost in Summer, sobre un joven adolescente enfrentado a la confusión vital.
Todas las películas de esta sección optan al Premio Kutxabank-New Directors, dotado con 50.000 euros repartidos a partes iguales entre el director o directora y la distribuidora de la película en España. El Premio Kutxabank-New Directors está patrocinado por Kutxabank, colaborador oficial del Festival. El Jurado Premio Kutxabank-New Directors es el encargado de valorar y premiar estas películas. Las películas correspondientes a la sección de New Directors son candidatas también al Premio TCM de la Juventud, atribuido por un jurado formado por estudiantes de entre 18 y 25 años.
New Directors es el ejemplo más claro de la apuesta del Festival de San Sebastián por los nuevos talentos, pero no el único, puesto que se programan primeras y segundas obras en prácticamente todas las secciones, y también se muestran los trabajos de Nest, la sección competitiva de cortometrajes de estudiantes de escuelas de cine de todo el mundo. Además, el Festival lidera junto a Tabakalera y Elías Querejeta Zine Eskola el programa de apoyo a proyectos audiovisuales innovadores Ikusmira Berriak, que contempla un plan de residencias artísticas.
País(es) de producción: República Dominicana – Argentina
Intérpretes: Cecile Van Welie, Magnolia Núñez, Adelanny Padilla, Genesis Buret, Javier Hermida, Richard Douglas, Clara Luz Lozano, Yuberbi De La Rosa
Sara (17 años) y su niñera Yarisa (36) tienen una relación que parece trascender su clase social: son lo más parecido a una hija y una madre, pero un accidente irrumpe en sus vidas y pone a prueba la inocente ilusión de que nada las separará. Segunda película de sus directores.
Ese fin de semana / That Weekend
Mara Pescio (Argentina)
País(es) de producción: Argentina – Brasil
Intérpretes: Miss Bolivia, Irina Misisco, Laura Kramer
VI Foro de Coproducción Europa-América Latina
Julia regresa al barrio del que se alejó años atrás luego de una estafa. Viene a firmar un permiso de viaje pero, ante todo, vuelve para recuperar ese dinero que le solucionaría muchos problemas. Ese reencuentro con su pasado deja de ser lo que ella esperaba. Ópera prima.
Hon-ja Sa-neun Sa-ram-deul / Aloners
Hong Sung-eun (Corea del Sur)
País(es) de producción: Corea del Sur
Intérpretes: Gong Seung-yeon, Jung Da-eun, Seo Hyun-woo, Park Jeong-hak, Kim Hannah, Kim Mo-beom
Jina es la mejor empleada del centro de atención al cliente de una empresa de tarjetas de crédito. Evita entablar relaciones estrechas y, por eso, elige vivir y trabajar sola. Jina se siente cómoda en su estilo de vida solitario hasta que su irritante vecino, que intentaba acercarse a ella, aparece muerto a los pocos días. A partir de ese momento, muchas personas que había decidido ignorar empiezan a molestarla: su padre, que la acosa por la herencia de su madre; Sujin, un nuevo compañero que es pesado pero simpático, y el despreocupado Seonghun, su nuevo vecino. Ópera prima.
İki Şafak Arasında / Between Two Dawns
Selman Nacar (Turquía)
País(es) de producción: Turquía – Francia – Rumanía – España
Después de que un trabajador resulte gravemente herido en la empresa familiar de Kadir, este se ve obligado a tomar una decisión moral que repercutirá en sus sueños, en su familia y en la vida de la esposa del trabajador herido. Ópera prima. Premios WIP Europa de la Industria y WIP Europa en 2020.
Inventura / Inventory
Darko Sinko (Eslovenia)
País(es) de producción: Eslovenia
Intérpretes: Rados Bolčina, Dejan Spasić, Mirel Knez
WIP Europa 2020
Boris Robic es, como suele decirse, un tipo corriente. Una noche, sin embargo, alguien intenta dispararle. Las investigaciones no revelan nada. Ni enemigos, ni sospechosos. Se podría decir que Boris es la última persona a la que alguien querría matar. Cuando la policía cierra la investigación, Boris empieza a investigar por su cuenta. Mientras busca al sospechoso, vemos cómo se desarrolla la tragicomedia de un hombre que descubre que le odia mucha más gente de lo que pensaba y que la forma en que ve su propia vida era una ilusión. Ópera prima.
Josefina / Josephine
Javier Marco (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Emma Suárez, Roberto Álamo, Miguel Bernardeau, Olivia Delcán
Juan, funcionario de prisiones, observa en silencio cada domingo la visita de Berta, la madre de uno de los presos. El día que por fin logra acercarse a ella, se sorprende a sí mismo haciéndose pasar por otro padre e inventándose a una hija dentro de la cárcel: Josefina. La necesidad de llenar el vacío en el que viven Juan y Berta, les lleva a seguir encontrándose más allá de la realidad que les rodea. Ópera prima.
La roya / The Rust
Juan Sebastián Mesa (Colombia)
País(es) de producción: Colombia – Francia
Intérpretes: Juan Daniel Ortíz, Paula Andrea Cano, Laura Gutierrez
VI Foro de Coproducción Europa-América Latina
WIP Latam 2020
Jorge es el único de su generación que ha decidido quedarse en el campo. Se acercan las fiestas populares y con ellas el reencuentro con su exnovia Andrea, que regresa de la ciudad. Su llegada comienza a desestabilizarlo física y mentalmente. Segunda película de su director.
Las vacaciones de Hilda / Hilda´s Short Summer
Agustín Banchero (Uruguay)
País(es) de producción: Uruguay – Brasil
Intérpretes: Carla Moscatelli, Edgardo Castro, Gabriel Villanueva
Cine en Construcción 36
Hilda es una mujer solitaria que vive en el pueblo de Concepción. Intencionalmente quiebra cualquier tipo de relación afectiva con las personas de su entorno cercano. Su vida se ve interrumpida por el aviso de que su hijo viene a visitarla después de varios años. Así ella comienza los preparativos para mejorar su casa y su imagen que ha decaído en los últimos tiempos. Sobre la fecha, su hijo cancela la visita y la pospone por tiempo indeterminado. Ahora Hilda deberá vivir un verano en el pasado. Ópera prima.
Le bruit des moteurs / The Noise of Engines
Philippe Grégoire (Canadá)
País(es) de producción: Canadá
Intérpretes: Robert Naylor, Tanja Björk, Marie-Thérèse Fortin, Alexandrine Agostini, Naïla Rabel, Marc Beaupré, Maxime Genois
Alexandre, instructor de la escuela de aduanas de Canadá, empieza a ser vigilado por los investigadores de la policía que intentan descubrir el origen de los dibujos sexualmente explícitos que están inquietando a la ciudad. Ópera prima.
Marocco / Mikado
Emanuel Parvu (Rumanía)
País(es) de producción: Rumania
Intérpretes: Serban Pavlu, Ana Indricau, Crina Semciuc
Un día, la joven Magda regala su caro collar a una niña enferma en el hospital en el que trabaja como voluntaria. Su padre está seguro de que miente una vez más y cuando Magda demuestra su inocencia, él se siente avergonzado y culpable, pero también incapaz de admitir que se equivocó. La relación entre ambos está rota y es un caos, y las decisiones del pasado tendrán consecuencias irreversibles. Segunda película de su director.
Mass
FRAN Kranz (EE.UU.)
País(es) de producción: EEUU
Intérpretes: Reed Birney, Ann Dowd, Jason Isaacs, Martha Plimpton
Años después de que una tragedia indescriptible destrozara sus vidas, dos parejas de padres (Jason Isaacs y Martha Plimpton, Reed Birney y Ann Dowd) acuerdan hablar en privado para intentar seguir adelante. Ópera prima.
Nich’ya / Unwanted
Lena Lanskih (Rusia)
País(es) de producción: Rusia
Intérpretes: Olga Malahova, Vladimir Shabelnikov, Tatiana Tihmeneva, Slava Baranov, Ivan Ivashov, Tatiana Vorotnikova
Vika, de 14 años, vive en una pequeña ciudad de provincias de la región rusa de los Urales. Recolecta frutos del bosque que crecen en los humedales y ayuda a su madre a venderlas en un mercado callejero. Le gustan las clases de coreografía de la escuela. Y tiene un bebé del que nadie debería saber nunca nada. Ópera prima.
Shu Qi Shi Guang / Lost in Summer
Sun Liang (China)
País(es) de producción: China
Intérpretes: Yue Xiaoke, Yang Bo
Durante el verano, cuando acaba el instituto, un adolescente se enfrenta a su confusión vital y lo intenta todo para encontrar una salida. Sin embargo, fracasa, con asesinato incluido. Segunda película de su director.
En su vigésima edición, que comienza mañana, el certamen rumano mostrará títulos programados en los últimos años en el Festival de San Sebastián.
El Festival Internacional de Cine de Transilvania, que celebrará su vigésima edición desde mañana y hasta el 1 de agosto en Cluj-Napoca (Rumanía), acogerá una celebración del cine español en un amplio programa, Spain Focus, que constará de proyecciones especiales, charlas y clases magistrales, actividades de industria y exposiciones. Dentro del programa figura Carte blanche: San Sebastián, una potente selección de diez películas españolas recientes elegidas por el comité de selección del Festival de San Sebastián. En ella se incluye Sentimental (Cesc Gay, 2020), la película inaugural que el Festival de Transilvania proyectará al aire libre mañana en la gran pantalla de la plaza Unirii de Cluj-Napoca.
En sintonía con la atención que presta al talento emergente, la mayor parte de las obras recuperadas por el festival rumano proceden de la sección New Directors de San Sebastián. Así, podrán verse Ane (David Pérez Sañudo, 2020), La última primavera (Isabel Lamberti, Premio Kutxabank-New Directors, 2020), Hil kanpaiak (Campanadas a muerto, Imanol Rayo 2020), Viaje al cuarto de una madre (Celia Rico Clavellino, 2018) y Apuntes para una película de atracos (León Siminiani, 2018).
En Carte blanche: San Sebastián, organizado con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), también se proyectarán títulos que pasaron por la Sección Oficial como el largometraje La hija de un ladrón (Belén Funes, 2019) o la serie Antidisturbios (Rodrigo Sorogoyen, 2020), así como dos incluidos en Proyecciones RTVE –Explota explota (Nacho Álvarez, 2020) y Sentimental (Cesc Gay, 2020)-, y uno de Culinary Zinema, ARZAK since 1897 (Asier Altuna, 2020).
Las entidades socias tanto de esta colaboración entre los festivales de Transilvania y San Sebastián como del Spain Focus en su totalidad son la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), Acción Cultural Española, el Instituto Vasco Etxepare, la Embajada de España en Rumanía, el Instituto Cervantes de Bucarest y la Asociación de Empresas Españolas en Rumanía (ASEMER).
La directora regresa con su primer largo a la Sección Oficial del festival, donde obtuvo en 2015 la Espiga de Oro y el Premio EFA al mejor cortometraje con ‘El adiós’, su debut tras las cámaras.
‘Libertad’, el primer largometraje de la guionista y directora catalana Clara Roquet (Vic, 1988), inaugurará la 66 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, que tendrá lugar del 23 al 30 de octubre. El film, que se presenta a concurso en la Sección Oficial de Seminci, ha tenido recientemente su premiere mundial en la Semana de la Crítica del pasado Festival de Cannes -único largometraje español en el certamen francés-, donde obtuvo una calurosa acogida por parte del público y la crítica.
‘Libertad’, una producción de Lastor Media y Avalon P.C. en coproducción con Bulletproof Cupid (Bélgica), con el apoyo de MEDIA, ICAA, ICEC, Eurimages, TVE, TV3, Movistar+ y Catalan Films, está protagonizada por María Morera (La vida sin Sara Amat) y la debutante Nicolle García en los papeles de Nora y Libertad, respectivamente. El reparto que cuenta con actrices de prestigio como Nora Navas (Pa negre, Dolor y gloria) y Vicky Peña (Piedras, Secretos del corazón) y que completan Maria Rodríguez Soto, Carol Hurtado, David Selvas, Óscar Muñóz, Sergi Torrecilla y Mathilde Legrand.
Con ‘Libertad’, Clara Roquet regresa a la Sección Oficial de Seminci, el primer festival cinematográfico en premiar su carrera como directora con su corto debut, ‘El adiós’ (2015), que logró en la 60 edición la Espiga de Oro y el Premio EFA, galardón que le supuso, además, la nominación a los European Film Awards. ‘El adiós’ fue estrenado en el Festival
Internacional de Toronto y logró después el premio Gaudí al Mejor Cortometraje en 2016.
Su segundo cortometraje, ‘Les bones nenes’ (2017), recibió el premio “Movistar + proyecto en corto” y consiguió la Mención Especial al Mejor Cortometraje Iberoamericano en el Festival Internacional de Guadalajara (México), entre otros.
Libertad’ supone el salto al largo de Clara Roquet, que inició su carrera como guionistacon ‘S.L. Familia’, por el que ganó el Premio Especial del Jurado en la 8ª edición de los Premios SGAE de Guion Julio Alejandro. Su segundo guion para un largometraje fue ‘10.000 km’ (2014), escrito en colaboración con el director Carlos Marqués-Marcet y ganador del Premio Goya de la categoría. El film fue, además, uno de las tres finalistas para representar a España en los Oscar de aquel año.
La trama de ‘Libertad’ se desarrolla durante un verano en la Costa Brava en el que, después de mucho tiempo sin coincidir, la familia Vidal pasa las últimas vacaciones en la casa familiar con la abuela Ángela, que sufre Alzheimer avanzado. Por primera vez en su vida, Nora (14) siente que no encuentra su lugar: los juegos de niños le parecen ridículos y las conversaciones de los adultos todavía le van grandes. Pero todo cambia con la llegada de Libertad (15), la hija de Rosana, la mujer colombiana que cuida a su abuela.
Rebelde y magnética, Libertad se convierte en la puerta de entrada a un verano distinto para Nora y las dos niñas rápidamente forjan una amistad intensa y desigual. Juntas salen de la burbuja de protección y confort que supone la
casa familiar y descubren un mundo nuevo en el que Nora se siente más libre que nunca.
La película inaugurará la 66 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid el próximo 23 de octubre y, tras el festival, se estrenará en cines el 19 de noviembre de la mano de Avalon D.A, en codistribución con Elastica Films.
La 19ª Semana de cine japonés de Las Palmas de Gran Canaria lleva el título de ‘Naruse / Hayashi – Nubes Flotantes’.
Al mismo tiempo que Kurosawa y Mizoguchi lograban triunfar en Occidente modelando a través de sus ficciones de época el imaginario de la llamada Edad de Oro del cine japonés, el todavía “desconocido” Mikio Naruse afrontó desde la reserva y la simplicidad propias del género melodramático el que sería uno de los proyectos más fructíferos de su carrera: la adaptación póstuma de seis de las principales obras de la novelista Fumiko Hayashi, excepcional cronista de la feminidad japonesa de posguerra doblemente sometida por las heridas de la bomba atómica y las normas sociales impuestas a las mujeres niponas desde el fin de la era Meiji. Nubes flotantes se erigiría en pieza angular de este encuentro entre dos de las figuras más influyentes de la narratividad japonesa del siglo XX, cuyo diálogo dotaría al género popular del shomin-geki de una densidad temporal tan inédita como imprescindible para el devenir posterior del cine moderno.
Programa:
Lunes 26 de julio
19:30 h.
EL ALMUERZO
«Meshi». Japón, 1951. B/N. V.O.S.E. 97’.
Dirección: Mikio Naruse.
+Info e inscripción: aquí
Martes 27 de julio
19:30 h.
EL RELÁMPAGO
«Inazuma». Japón, 1952. B/N. V.O.S.E. 87’.
Dirección: Mikio Naruse.
+Info e inscripción: aquí
Miércoles 28 de julio
19:30 h.
LA ESPOSA
«Tsuma». Japón, 1953. B/N. V.O.S.E. 89’.
Dirección: Mikio Naruse.
+Info e inscripción: aquí
Jueves 29 de julio
18:30 h. Conferencia: ‘Contra el tiempo: la persistencia de la memoria en Nubes flotantes’ por Aythami Ramos, arquitecto, historiador y crítico de cine.
La cuarta película de Inés Barrionuevo y los debuts de Alina Grigore, Zhang Ji y Tea Lindeburg también se disputarán la Concha de Oro y el resto de premios oficiales de la 69 edición.
Cineastas consagrados como Laurent Cantet, Terence Davies, Lucile Hadzihalilovic, Claudia Llosa y Claire Simon competirán en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián. En la 69 edición, que tendrá lugar del 17 al 25 de septiembre de 2021, Inés Barrionuevo mostrará su cuarto largometraje y también presentarán sus primeras películas Alina Grigore, Zhang Ji y Tea Lindeburg.
Su debut, Ressources humaines / Human Resouces (Recursos humanos, 1999) brindó a Laurent Cantet el Premio New Directors del Festival, en cuya sección Perlak ha participado varias veces: con L’emploi du temps / Time Out (El empleo del tiempo, 2001), Vers le sud/ Heading South (Hacia el sur, 2005), Entre les murs / The Class (La clase, 2008), que fue Palma de Oro en Cannes, y Retour à Ithaque/ Return to Ithaca (Regreso a Ítaca, 2014). Tras concursar en la Sección Oficial con Foxfire (2012), que obtuvo la Concha de Plata a la Mejor actriz (Katie Coseni), el cineasta galo regresará con Arthur Rambo, en la que Rabah Naït Oufella da vida a un escritor de éxito que deberá lidiar con los mensajes de odio que publicó en el pasado en las redes sociales.
Terence Davies, a quien el Festival dedicó una retrospectiva en 2008, pugnará por tercera vez por la Concha de Oro tras haberlo hecho con The Deep Blue Sea (2011) y Sunset Song (2015). Regresará con Benediction, un biopic en el que Jack Lowden y Peter Capaldi encarnan en distintos momentos de su vida a Siegfried Sassoon, un soldado y poeta antibelicista que sobrevivió a la I Guerra Mundial. La filmografía del realizador británico incluye títulos tan relevantes como Distant Voices, Still Lives (Voces distantes, 1988), que ganó el Leopardo de Oro en Locarno; The Long Day Closes(El largo día acaba, 1992), que compitió en Cannes; House of Mirth (La casa de la alegría, 2000) y Of Time and the City (2008). Con A Quiet Passion (Historia de una pasión, 2016) fue seleccionado en Zabaltegi-Tabakalera.
Lucile Hadzihalilovic, que logró el Premio New Directors con su debut, Innocence, (2004) y después fue jurado de esa sección, también mostró en San Sebastián su mediometraje La bouche de Jean-Pierre (Zabaltegi, 1996) y el corto De natura (Zabaltegi-Tabakalera, 2018). Con Evolution (2015), su segundo largometraje, obtuvo el Premio Especial del Jurado en la Sección Oficial, a la que este año regresa con Earwig. Se trata de la adaptación de una novela de Brian Catling que narra la historia de Albert, un hombre encargado de cuidar de Mia, una niña con dientes de hielo.
Claudia Llosa, ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín con La teta asustada / The Milk of Sorrow (2009), la primera película peruana nominada al Oscar en la categoría de habla no inglesa, competirá por primera vez en la Sección Oficial con Distancia de rescate / Fever Dream, en cuyo reparto figuran María Valverde, Dolores Fonzi, Germán Palacios y Guillermo Pfening. Tras tu experiencia como jurado en San Sebastián en 2010, ahora la cineasta peruana, también directora de Madeinusa (2006) y No llores vuela(2014), vuelve para presentar un relato vertiginoso e hipnótico sobre los miedos y el poder del amor materno coescrito con Samanta Schweblin, autora de la novela homónima.
Habituada a trabajar indistintamente en proyectos de ficción y de no-ficción, Claire Simon mostrará su nuevo trabajo, Vous ne désirez que moi / I Want to Talk about Duras, una aproximación a la entrevista que la periodista Michèle Manceaux mantuvo con Yann Andrea, amante de la escritora Marguerite Duras en sus últimos años. Será también la primera participación en la Sección Oficial de la cineasta francesa nacida en Reino Unido, autora de obras como Coûte que coûte / At all costs (1996), Récréations (1998), Mimi (2003), Les Bureaux de Dieu (Las oficinas de Dios, 2008), Gare du Nord (2013) y Le Concours / The Competition (2017).
Por su parte, Inés Barrionuevo participará en la competición con su cuarto largometraje, Camila saldrá esta noche, cuya joven protagonista se enfrenta a los cambios provocados por una mudanza a Buenos Aires y por su ingreso en una escuela privada tradicional. Tras debutar con Atlantida (2014), que tuvo su estreno en la sección Generation de la Berlinale, la cineasta argentina ha dirigido Julia y el zorro (New Directors, 2018) y Las motitos (2020).
TRES DEBUTANTES
La competición oficial permitirá conocer también a cineastas debutantes como la actriz y guionista rumana Alina Grigore, que concursará en la Sección Oficial con Crai nou / Blue Moon, un drama sobre una joven mujer que vive en el entorno opresivo de una familia disfuncional que se opone a sus deseos. Además de haber dirigido varios cortometrajes, Grigore coprotagonizó Ilegitim / Illegitimate y coescribió su guión junto al director Adrian Sitaru, que con este filme participó en la sección Forum de la Berlinale.
También presentará su ópera prima Zhang Ji, que hasta ahora ha trabajado como director de fotografía en títulos como Ba bai bang / Letters from Death Row (Kevin Feng Ke, New Directors, 2008). En su estreno como realizador, presentará Ping Yuan Shang De Mo Xi / Fire on the Plain, un thriller ambientado en la ciudad china de Fentun, donde un joven oficial de policía reabre una investigación sobre unos misteriosos crímenes ocurridos hace ocho años. El productor ejecutivo del filme es Diao Yinan, director de títulos como Bai ri yan huo / Black Coal, Thin Ice (Perlak, 2014) o Nan Fang Che Zhan De Ju Hui / The Wild Goose Lake (El lago del ganso salvaje, Zabaltegi-Tabakalera, 2019).
Por su parte, el primer largometraje de Tea Lindeburg, Du som er i himlen / As in Heaven, está inspirado en el clásico literario danés publicado en 1912 por Marie Bregendahl. La acción transcurre a finales del siglo XIX en una granja donde los miembros de una familia numerosa aguardan al noveno hijo mientras la hermana mayor se prepara para marcharse a estudiar. Con experiencia en el medio televisivo, Lindeburg ha dirigido varios episodios de series de televisión de Dinamarca y es también la creadora de la producción danesa de Netflix Equinox, basada en su propio podcast, Equinox 1985.
AVANCE SECCIÓN OFICIAL
Arthur Rambo
Laurent Cantet (Francia)
Intérpretes: Rabah Nait Oufella, Antoine Reinartz, Sofian Khammes
«Soy astuto e inteligente. Sé de poesía y de política. Pasé de los estratos sociales más bajos a ocupar una posición destacada como provocador autor parisino. He publicado una novela, pero también escribo mensajes de 140 caracteres en las redes sociales. Y cuando lo hago, doy en el blanco. ¡Por eso todos quieren que desaparezca!»
Benediction
Terence Davies (Reino Unido)
Intérpretes: Jack Lowden, Simon Russell Beale, Peter Capaldi, Jeremy Irvine, Kate Phillips, Gemma Jones
Siegfried Sassoon fue un hombre complejo que sobrevivió a los horrores de combatir en la I Guerra Mundial y fue condecorado por su valentía, pero a su regreso se convirtió en un firme crítico de la continuación de la guerra por parte de su gobierno. Su poesía se inspiró en sus experiencias en el frente occidental y terminó siendo uno de los principales poetas de guerra de la época. Idolatrado por aristócratas y estrellas del mundo literario y escénico londinense, mantuvo relaciones con varios hombres mientras intentaba aceptar su homosexualidad. Al mismo tiempo, roto por el horror de la guerra, hizo de su viaje vital una búsqueda de la salvación, tratando de hallarla en la conformidad del matrimonio y la religión. Su historia es la de un hombre atribulado en un mundo fracturado que busca la paz y la aceptación de sí mismo, algo tan vigente entonces como en el mundo actual.
Camila saldrá esta noche / Camila comes out tonight
Inés Barrionuevo (Argentina)
Intérpretes: Nina Dziembrowski, Maite Valero, Diego Sánchez, Adriana Ferrer
Camila se ve obligada a mudarse a Buenos Aires cuando su abuela enferma gravemente. Deja atrás a sus amigos y una escuela secundaria pública liberal por una institución privada tradicional. El temperamento feroz pero prematuro de Camila se pone a prueba.
Crai Nou / Blue Moon
Alina Grigore (Rumania)
Intérpretes: Ioana Chitu, Mircea Postelnicu, Mircea Silaghi, Vlad Ivanov
La película sigue la evolución psicológica de una joven hacia su proceso de deshumanización. Intenta luchar para conseguir una educación superior y escapar de la violencia de su disfuncional familia. Una ambigua experiencia sexual con un artista será el acicate que le lleve a enfrentarse a la violencia en su familia…
Distancia de rescate / Fever Dream
Claudia Llosa (EEUU – Chile – España)
Intérpretes: Maria Valverde, Dolores Fonzi, Guillermo Pfening, Germán Palacios, Emilio Vodanovich
Una mujer agoniza lejos de casa. Un niño la acompaña a su lado. Ella no es su madre, él no es su hijo. Juntos cuentan una historia inquietante de almas rotas, peligros invisibles y el poder del amor de una madre por su hijo. Basada en la aclamada novela homónima de Samanta Schweblin.
Un día, a finales del siglo XIX, la vida de Lise, de 14 años, cambia para siempre. Es la mayor de sus hermanos, la primera de su familia en ir a la escuela y está llena de esperanza y confianza en la vida. Pero cuando su madre se pone de parto, pronto algo parece ir mal. A medida que cae la noche y el parto avanza, Lise comienza a comprender que el día que comenzó siendo una niña podría terminar con ella convertida en la mujer de la casa.
Earwig
Lucile Hadzihalilovic (Reino Unido – Francia – Bélgica)
Intérpretes: Paul Hilton, Romola Garai, Alex Lawther
En algún lugar de Europa, a mediados del siglo XX. Albert se ocupa de cuidar de Mia, una niña con dientes de hielo. Mia nunca sale de su apartamento, donde las contraventanas están siempre cerradas. El teléfono suena con frecuencia y el Maestro pregunta si Mia está bien. Hasta que un día Albert recibe instrucciones para preparar a la niña y salir…
China, 1997. Una serie de asesinatos golpea la ciudad de Fentun. Los crímenes cesan misteriosamente sin que las autoridades hayan podido encontrar al autor. Ocho años después, un joven policía cercano a una de las víctimas, decide reabrir la investigación.
Vous ne désirez que moi / I want to talk about Duras
Claire Simon (Francia)
Intérpretes: Swann Arlaud, Emmanuelle Devos
Un hombre que mantiene una apasionada relación con una célebre escritora 30 años mayor que él necesita hablar. Está fascinado por ella y, sin embargo, siente que no puede seguir adelante. En un intento de poner en palabras la intensidad de su amor, se abre y lo describe con gran claridad.
Del 26 de julio al 26 de agosto en Filmin los suscriptores de la plataforma podrán disfrutar sin coste adicional de más de 100 títulos en el marco del festival, 56 de ellos de estreno exclusivo, incluída la programación de la edición presencial en Palma del Atlàntida Mallorca Film Fest (a excepción de 6 títulos exclusivos del festival presencial: El Ventre del Mar, El Jefe Político, Annette, Doctor Portuondo, Laurent Garnier: Off the record y Death of a Ladies’ Man).
A continuación 15 títulos imprescindibles del festival recomendado desde Filmin que solo se podrán ver en su edición online.
– Bajo los cielos del Líbano, de Chloé Mazlo. La directora franco-líbana, especializada en animación, nos brinda una ópera prima con ecos de Wes Anderson y Marjane Satrapi con decorados artesanales y rodada en Super 8 por la directora de fotografía Hélène Louvart (“Lazzaro Feliz”). Alba Rohrwacher y Wajdi Mouawad protagonizan este drama de época ambientado en la primera guerra del Líbano.
– Louloute, de Hubert Viel. Laure Calamy, última ganadora del Premio César a Mejor Actriz, protagoniza este hermosa historia familiar que nos transporta a la Normandía ganadera de los años 80, cuando los animales no eran aún industria.
– Confía en mí, de Emil Trier. Este thriller documental descubre la increíble historia de Waleed Ahmed, “el Mark Zuckerberg de Noruega”, quien afirma haber inventado el cargador solar y tener los derechos de los conciertos de Justin Bieber en Escandinavia. Acabó siendo arrestado por el FBI y sentenciado a 11 años de prisión.
– Temporada de caza, de Sabine Boss. Desde Suiza nos llega este meticuloso y sofisticado thriller que se basa en el escándalo de emisiones contaminantes de Volkswagen, conocido como «dieselgate», de 2015.
– Max Richter’s Sleep, de Natalie Johns. Un documental seleccionado en Sundance que nos sumerge en la realización de Sleep, un experimento musical de 8 horas compuesto por el músico Max Richter, que explora el espacio entre la vigilia y el sueño, entre la conciencia y el subconsciente.
– Havel, de Slávek Horák. Biopic que se centra en los años de juventud y en la transformación del dramaturgo Václav Havel, figura clave en la caída del régimen checoslovaco a finales de la década de los años 80 y que posteriormente acabaría llegando a la presidencia de la República Checa cuando ésta fue establecida en 1993.
– An Impossible Project, de Jens Meurer. Fascinante e inspirador documental sobre la venganza de lo analógico a manos de un excéntrico científico austríaco, quien salvó la última fábrica de Polaroid del mundo.
– Loca por la vida, de Ann Sirot y Raphaël Balboni. Este personal y singular debut trata de comprender el extraño mundo donde vivimos y refleja las dificultades de la convivencia familiar cuando uno de los miembros enferma de demencia senil. Por dramático que parezca, los realizadores belgas logran aproximarse a este crudo terreno desde el registro de la comedia e incluso el musical, logrando un feel good de lo más agradable y sorprendente.
– El hijo del tendero, el alcalde, el pueblo y el resto del mundo, de Claire Simon. Una de las documentalistas europeas más relevantes firma este conmovedor documental sobre la aventura de crear una plataforma VOD en Lussas, un apartado pueblo del interior de Francia, y las reflexiones que suscita alrededor del séptimo arte entre viñedos y cerezos.
– The Village Detective: A Song Cycle, de Bill Morrison. El responsable de la aclamada “Dawson City: Frozen Time» (2015) regresa con este apasionante documental que desentraña desde las profundidades del Atlántico una película que se creía perdida pero que apareció en la red de un pescador islandés: «The Village Detective», dirigida en 1969 por Ivan Lukinskij. Este film sigue la figura del actor ruso Mikhail Zharov.
– In the mirror, de Laila Pakalnina. Rodada enteramente en formato selfie y en blanco y negro, la directora letona Laila Pakalniņa reinterpreta la fábula de Blancanieves y los siete enanitos en un universo obsesionado con el CrossFit.
– The year before the war, de Davis Simanis Jr.. Una tragicomedia extravagante y bizarra ambientada en la Europa de 1913, recreando los días previos a la Primera Guerra Mundial, rica en sorpresas y libremente inspirada en el primer cine mudo. Con una marcada estética expresionista, el público podrá elegir verla en su original blanco y negro o en color.
– Reindeerspotting, de Joonas Neuvonen. Primera parte de «Lost Boys», también enmarcada en el Atlàntida Mallorca Film Fest 2021. Titulada en referencia a la inolvidable película de Danny Boyle. Es un documental atrevido e irreverente sobre un grupo de junkies, filmado por uno de ellos, cuya salida en Finlandia dio lugar a una polémica sin precedentes que acabó siendo proyectada en el MOMA de Nueva York.
– La Treintena, de Mireia Noguera y Marta Vives. Una serie escrita, producida y ejecutada en pleno confinamiento sobre cuatro amigas que se enfrentan al abismo de la vida adulta. Cuenta con los rostros de Silvia Abril, David Solans, Samanta Vilar y La Terremoto de Alcorcón, entre otros.
– An Ordinary Country, de Tomasz Wolski. Conversaciones controladas, grabaciones con cámaras ocultas, interrogatorios vejatorios, documentos de reclutamiento y videotutoriales para formar policías: todos estos materiales están presentes en este brutal y terrorífico documental que expone el control que poseía la Polonia comunista sobre sus ciudadanos.
Films de directores consagrados como Sion Sono o Ben Wheatley, y directoras debutantes como Prano Bailey-Bond o Carlson Young, entre las primeras confirmaciones
La bestia se despierta. El 54º Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que se celebrará del 7 al 17 de octubre, desata su naturaleza salvaje y anuncia los primeros nombres de su programación. Una edición que mostrará el abanico más amplio de tendencias dentro del cine de género, a través de la variedad de estilos y miradas que conviven en el panorama actual.
La imagen de Sitges 2021, basada en el concepto de hombre lobo, protagonista de esta edición, ha sido creada por la agencia China Madrid. Sus autores explican que “ha sido muy interesante trabajar con un imaginario tan potente como el del leitmotiv de este año, pero intentando transcender la pura iconografía de la bestia, que ya es algo casi pop, y buscando sugerir una conversación mucho más amplia. ¿Tenemos todos un poco de lobo, de bestia interior? ¿Dos caras? ¿Cómo gestionamos nuestras dualidades? Por eso nos pareció que el naipe podría ser un objeto muy atractivo para reflejar esto. Subvertir una de estas figuras y mostrar que todos tenemos un derecho y un revés. Trabajar con Carmen García Huerta, creadora de algunas de las imágenes más poderosas de los últimos años, ha sido todo un placer, y ha llevado la idea a un uni verso ilustrado lleno de matices y sutilidades. Y encontrando aquí una curiosa simbiosis entre lo brutal y lo delicado”.
Avance de programación
La sorprendente colaboración entre el cineasta japonés Sion Sono y Nicolas Cage se materializa en Prisoners of the Ghostland, un film de acción y terror sobrenatural. Cage encarna a un ladrón de bancos que, enfundado en un traje programado para autodestruirse en cinco días, buscará a una desaparecida Sofia Boutella.
El británico Ben Wheatley (Kill List, Turistas, High-Rise) presentará la experiencia sensorial y oscura de In the Earth, ambientada en un mundo que busca la cura de un virus letal a través de experimentos realizados en el bosque. También se podrá ver Son, del irlandés Ivan Kavanagh, un drama de terror sobre el coraje de una madre que tendrá que decidir hasta dónde está dispuesta a llegar para proteger su hijo de fuerzas malignas. El noir cantonés Limbo, de Soi Cheang, estará también en Sitges 2021 con un drama policíaco con asesino en serie del prolífico director de Hong Kong.
De Japón llega la comedia de ciencia ficción Beyond the Infinite Two Minutes, dirigida por Junta Yamaguchi, en la cual el propietario de un café descubre que su televisión muestra imágenes del futuro, pero solo con una antelación de dos minutos. Sound of Violence, con su retahíla de asesinatos explícitos, estará también en el Festival; un film de Alex Noyer, visceral y sinestésico.
Llanto maldito, del director colombiano Andrés Beltrán, es la obra seleccionada para representar a Sitges en el Blood Window Showcase del Marché du Film de Cannes 2021. Horror puro en la historia de un matrimonio en crisis que vivirá experiencias paranormales.
En cuanto a los documentales, se verá A Glitch in the Matrixde Rodney Ascher, un trabajo de cariz científico y metafísico que se pregunta en un viaje sugerente si el ser humano vive dentro de una simulación.
Seven Chances, la sección del Festival programada en colaboración con la ACCEC (Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica) avanza una de sus propuestas: The Amusement Park (1973). La película perdida de George A. Romero, redescubierta y restaurada en 4K por su viuda, es una angustiosa pesadilla sobre la vejez y el maltrato a la gente mayor.
WomanInFan
A pesar de que la presencia de la mujer creadora dentro de la industria del fantástico es cada vez más notoria y brillante, las estadísticas las sitúan en clara desventaja. A título de ejemplo, en la sección oficial a competición de Sitges en los últimos diez años solo un 6% de los largometrajes han sido dirigidos por mujeres (cifra que sube hasta el 10% en codirección).
WomanInFan nace con la voluntad de ayudar a mejorar esta realidad en tres líneas de trabajo principales:
Arrojando luz en la memoria histórica de todas aquellas mujeres que han contribuido de una manera u otra a la historia del cine fantástico. En este sentido, se inicia la creación de un fondo documental en línea de memorabilia.
Sensibilizando el talento femenino respecto al fantástico como un lenguaje más. En este sentido, se concederán tres becas, gracias al apoyo de Vertix, para tres cineastas sin bagaje en el fantástico pero con una inicial trayectoria cinematográfica destacada.
Promoviendo la visibilización de la mujer cineasta en el cine de género para que la industria audiovisual del país confíe este tipo de proyectos a futuras productoras, directoras y guionistas. El Festival de Sitges amplía pues sus funciones para producir un cortometraje anual escrito y dirigido por mujeres dentro de una convocatoria abierta.
Dentro de la programación de Sitges 2021 no faltarán las últimas novedades del fantástico dirigido por mujeres, que se podrán ver en diferentes secciones del certamen. Habrá títulos como Censor, de la británica Prano Bailey-Bond. Terror ochentero en el cual una censora de películas interpretada por Niamh Algar (Without Name, Raised by Wolves) decide investigar la desaparición de su hermana.
The Blazing World, de la debutante norteamericana Carlson Young, propone una aventura épica a los rincones más oscuros de la imaginación, con un reparto integrado por Dermot Mulroney o el veterano Udo Kier. La canadiense Amelia Moses da la vuelta al mito del hombre lobo en Bloodthirsty, una historia de terror con una joven cantante de instintos salvajes.
El divertido documental Alien On Stage, de Lucy Harvey y Danielle Kummer, sigue a un grupo de conductores de autobús e integrantes de una compañía de teatro amateur de Dorset (Reino Unido) en su objetivo de crear una obra única: una adaptación del film Aliens.
Sitges Classics: hombres lobo y recuperaciones de cine español
El mito del hombre lobo impregna el cartel de Sitges 2021 y motiva la retrospectiva “La bestia interior”, con algunos de los mejores títulos del subgénero producidos durante un periodo de cuatro décadas.
El clásico El hombre lobo (The Wolf Man), de George Waggner (1941) con Claude Rains, abre esta retrospectiva que continúa con cintas como El bosque del lobo (Pedro Olea, 1970), Nazareno Cruz y el lobo (Leonardo Favio, 1975), El retorno del hombre lobo(Paul Naschy, 1981),Aullidos (The Howling)(Joe Dante, 1981) y Un hombre lobo americano en Londres [4K] (An American Werewolf in London)(John Landis, 1981).
Sitges Classics recuperará dos cintas españolas. La primera es El extraño viaje, de Fernando Fernán Gómez, una obra de culto escrita a partir de un argumento de Luis García Berlanga en la cual la monotonía de un pequeño pueblo solo se rompe los sábados, cuando llega un grupo musical de Madrid a amenizar la vida de sus habitantes.
La segunda propuesta es la proyección remasterizada en 4K de El día de la bestia, de Álex de la Iglesia, uno de los grandes hitos del fantástico estatal contemporáneo.
Historias para no dormir
Cincuenta años después de su estreno, Historias para no dormir vuelve con una combinación de lo mejor del género de suspense con el poder y talento del cine moderno. Rodrigo Cortés, Rodrigo Sorogoyen, Paco Plaza y Paula Ortiz han realizado cuatro relatos autoconclusivos que se estrenarán en primicia en Sitges 2021 y que harán disfrutar a los nuevos espectadores de versiones actualizadas de las mejores historias de Chicho Ibáñez Serrador. Se trata de una producción de VIS y las productoras Prointel e Isla Audiovisual para Amazon Prime Video y RTVE que recupera el formato de suspense que revolucionó el panorama audiovisual de los años 60.
La Broma, con guion y dirección de Rodrigo Cortés, es una reelaboración libre de la historia original de Ibáñez Serrador que reúne a Eduard Fernández, Nathalie Poza y Raúl Arévalo en un triángulo de personajes poco edificantes dispuestos a traicionarse entre sí cuando su interés personal así lo aconseje.
Rodrigo Sorogoyen es el encargado de dirigir El Doble, un perturbador relato cuyo guion coescribió con Daniel Remón y que está protagonizado por David Verdaguer y Vicky Luengo. La historia traslada a los espectadores a un futuro no muy lejano, en un mundo cada vez más deshumanizado, en el cual la inteligencia artificial y las máquinas ocupan un enorme y creciente espacio en las relaciones humanas.
Paco Plaza dirige Freddy, el nuevo relato de suspense cuyo guion ha escrito junto con Beto Marini y que cuenta con la participación de Miki Esparbé, Adriana Torrebejano y Carlos Santos. Este episodio se ubica en el rodaje de la serie original cuarenta años atrás, donde el ventrílocuo protagonista establece una inquietante relación con su muñeco.
Dirigido por Paula Ortiz, con guion de Manuel Jabois y Rodrigo Cortés, y con la participación como protagonistas de Dani Rovira e Inma Cuesta, El Asfalto combina el suspense con el surrealismo de una forma tan rompedora y diferente como en su momento lo hizo el original.
Fantastic 7
El Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, junto con el partenariado del Marché du Film – Festival de Cannes y el responsable de relaciones internacionales de la INCAA Bernardo Bergeret, presentan la tercera edición del Fantastic 7, un programa que avanza las próximas producciones dentro de la industria del género mundial, favoreciendo la conexión de estos títulos con representantes de la distribución y la producción internacional.
La iniciativa exhibe siete propuestas presentadas por siete festivales de todo el planeta, que tienen en el género fantástico uno de los rasgos de identidad dentro de su programación. Además de Sitges, los otros certámenes que forman parte del evento son: el Toronto International Film Festival, el South by Southwest, el New Zealand International Film Festival, el Guadalajara International Film Festival, el Cairo International Film Festival y el Bucheon International Film Festival (BIFAN).
Fantastic 7 tiene la voluntad de poner en común proyectos en diferentes fases de producción o finalizados con inversores de todo el mundo, con el objetivo de favorecer su comercialización final. Este año, la madrina del acto será la directora Mary Harron, directora de la cinta de culto American Psycho, y figura capital dentro del género fantástico. La incorporación de Harron responde también a la misión de visibilización del papel de la mujer cineasta en el cine fantástico a través del programa WomanInFan.
El acto, apadrinado por Harron, se celebrará el próximo domingo 11 de julio dentro del marco del Marche du Film – Festival de Cannes, en formato en línea y presencial simultáneamente. El proyecto elegido por Sitges es La pasajera, de Raúl Cerezo y Fernando González Gómez.
Con la incorporación del Festival Internacional de Nueva Zelanda, el Fantastic 7 logra la primera muestra mundial del cine de género fantástico de todos los continentes.
SGAE Nova Autoria
Los Premios SGAE Nova Autoria que organizan la SGAE y la Fundación SGAE, a través del Consejo Territorial de la SGAE en Catalunya, celebraron sus 20 años dentro del Festival de Sitges. Después de la parada por la pandemia del año 2020, los trabajos audiovisuales finalistas que presentan las escuelas de cine de Catalunya llegan a la 21ª edición y se volverán a proyectar en el certamen.
Los galardones de la Fundación SGAE tienen la voluntad de descubrir, promover y ayudar a difundir las producciones audiovisuales que elaboran los alumnos de las universidades y las escuelas de cine de Catalunya. De hecho, muchos autores y muchas autoras que han participado, hoy son reconocidos y reconocidas profesionales del sector audiovisual.
Mar Coll, directora y guionista; Carmen Fernández Villalba, guionista, directora, escritora y periodista, y Alfred Tapscott, compositor de bandas sonoras para cine, televisión y publicidad, son los miembros del jurado de los Premios SGAE Nova Autoria 2021 que se entregarán en las categorías de mejor dirección, mejor guion y mejor música original.
Carnet Jove
Un año más la Agència Catalana de la Joventut a través del Carnet Jove y el equipo de dirección de Sitges 2021 – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, selecciona a cinco jóvenes que formarán parte del XVII Jurado Carnet Jove de Sitges, un jurado oficial del Festival que otorgará el premio Jurado Carnet Jove a la mejor película de la Sección Oficial Fantástico, el premio Anima’t al Mejor Largo de Animación y el premio Anima’t al Mejor Corto de Animación. El objetivo de esta colaboración es la de profesionalizar la crítica cinematográfica, dando la oportunidad a cinco jóvenes interesados en el mundo del cine de formar parte de uno de los jurados oficiales del Festival de Sitges.
La convocatoria está abierta y se puede presentar candidatura hasta el 8 de julio a través de la web: carnetjove.cat/connectat.
Libro y vinilo
Las publicaciones de Sitges crecen y, en esta 54ª edición, el Festival propone una sinergia entre cine y música a través de un libro y un vinilo.
El objetivo del libro Tres piezas para el asesino, publicado por Hermenaute, es analizar cronológicamente la relación entre jazz, rock y electrónica en el cine criminal y de terror en la segunda mitad del siglo XX.
El disco doble vinilo Kong’n’roll, publicado por Family Spree, es un homenaje al Festival y al libro, en el cual 28 bandas de la escena rock estatal versionan temas incluidos en los films reseñados en el libro.
Premio Minotauro
Como cada año, Ediciones Minotauro será la editorial oficial del Festival. Durante el acontecimiento audiovisual, siempre dispuesto a vincularse con el mundo de la literatura, se presentará en exclusiva la próxima obra ganadora del Premio Minotauro, galardón que distingue de entre todos los proyectes participantes la mejor novela de ciencia ficción, fantasía y terror en español.
La imagen es obra de la donostiarra Eva Villar, que ha partido de una fotografía de Matthew Brookes. Desde este año los premios de interpretación serán de género neutro sin distinción entre hombres y mujeres.
La actriz Sigourney Weaver será la protagonista del cartel oficial de la 69 edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará del 17 al 25 de septiembre. La imagen muestra una fotografía en blanco y negro de la actriz estadounidense adornada con brochazos coloristas que remiten a los carteles de las otras secciones, también diseñados por Eva Villar Estudio.
En 2018, el Festival emprendió una nueva línea gráfica en su cartelería que combina fotografía e ilustración y está presidido por importantes figuras de la cinematografía internacional. Tras los protagonizados por Isabelle Huppert, Penélope Cruz y Willem Dafoe, en 2021 será Sigourney Weaver quien preste su rostro a la 69 edición en un diseño de la donostiarra Eva Villar creado a partir de una fotografía de Matthew Brookes.
La primera visita de Weaver a San Sebastián coincidió con su debut en el cine en Alien (Alien, el octavo pasajero, 1979), la película que la catapultó a la fama gracias al inolvidable personaje de la teniente Ripley. Después, la actriz ha visitado la ciudad dos veces más para presentar, también en la Sección Oficial y ya convertida en estrella internacional, A Map of The World (Mi mapa del mundo, 1999) y A Monster Calls (Un monstruo viene a verme, 2016). En esta última ocasión, Sigourney Weaver recibió el Premio Donostia en reconocimiento a toda su carrera.
Nominada al Oscar tres veces y ganadora de dos Globos de Oro, la intérprete ha participado en sagas como Alien o Ghostbusters (Los cazafantasmas) y en películas como Gorillas in Mist (Gorilas en la niebla, 1988), Working Girl (Armas de mujer, 1988), Death and the Maiden (La muerte y la doncella, 1994), The Village (El bosque, 2004, Velódromo) y Rampart (Sección Oficial, 2011). Entre los cineastas con quienes ha trabajado destacan Ridley Scott, Peter Weir, James Cameron, Mike Nichols, Roman Polanski, Ang Lee y David Fincher.
“El Festival tiene el placer y el honor de anunciar que la imagen de su 69 edición será la de Sigourney Weaver, una actriz excepcional y muy querida por el público que ha brillado en todos los registros con personajes que son parte del imaginario cinematográfico universal”, afirma el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, quien hoy ha presentado en Tabakalera el acto acompañado por Joxean Fernández, miembro del comité de Dirección del certamen.
«El valor de la presencia humana y la cultura»
En palabras de la diseñadora Eva Villar, en la confección de los carteles de esta edición ha sido determinante el contexto de la actual pandemia, que les ha hecho “poner el foco en la importancia de los valores reales, en el valor de la presencia humana y la cultura en la vida de la ciudadanía”. “Hemos convertido estos carteles en un espacio donde convergen la comunicación y el arte. Como estudio, si el proyecto lo permite, nos gusta forzar el proceso creativo, ir más allá, formando equipos con artistas”, añade Villar, quien ha realizado sus diseños en colaboración con Juan Ugalde. Este artista bilbaíno, que vive a caballo entre Madrid y Berlín, es un pintor figurativo de tendencia pop cuya obra se caracteriza por la fusión entre pintura y fotografía.
Eva Villar ha trabajado como directora de arte para firmas como Gucci Group, Stella McCartney, Marks & Spencer, Swatch Group o Loewe, y también dirige el espacio de creación de RQER en San Sebastián (www.rqer.es).
Premios de interpretación
A partir de esta edición, el Festival de San Sebastián no hará una distinción de género en los premios de interpretación. La Concha de Plata al mejor actor y a la mejor actriz serán reemplazadas por la Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista y a la mejor interpretación de reparto. “El cambio obedece a la convicción de que el género, una construcción social y política, deja para nosotros de ser un criterio de distinción en la actuación. El criterio para el Jurado será el de distinguir entre malas o buenas actuaciones, sumándonos así al camino iniciado ya por nuestras amigas y amigos del Festival de Berlín. Son momentos de cambio y de toma de decisiones. Seguimos con atención los debates que en estos momentos se producen en el interior del movimiento feminista sobre este y otros temas. No tenemos certezas, pero sí voluntad de seguir evolucionando y ayudando a construir una sociedad más justa e igualitaria”, explica el director del Festival, José Luis Rebordinos. Esta modificación del reglamento permite acoger otras identidades que no se adscriben a los géneros masculino o femenino y reconoce, además, el trabajo de las denominadas interpretaciones de reparto, que no suelen ser galardonadas en los festivales de cine. Estos premios podrán concederse ex aequo.
La evolución de la pandemia determinará la forma final de la presente edición, que seguirá marcada por las restricciones sanitarias, aunque el Festival confía en estar más cerca de un año previo a la crisis del coronavirus. Por segundo año consecutivo, el Velódromo no podrá ser utilizado como sala gigante de cine ni habrá fiestas de inauguración y clausura, pero sí se recuperará tanto la retrospectiva ‘Flores en el infierno. La edad de oro del cine coreano’, con un número menor de títulos al inicialmente previsto, como la sección Klasikoak. Además, Nest, la competición internacional de cortometrajes de estudiantes de cine, celebrará sus veinte años de existencia con un programa especial de actividades.
“Confiamos en ampliar el número de proyecciones y la capacidad de aforo de las salas respecto al pasado año, y también queremos recuperar el glamour en la alfombra roja. En definitiva, nos gustaría que el de este año fuera un festival que devolviera la ilusión a la ciudad tras más de un año de gran incertidumbre y sufrimiento para muchas personas”, concluye José Luis Rebordinos.
El ciclo ‘Flores en el infierno. La edad de oro del cine coreano’ incluye diez títulos producidos en los años 50 y 60.
El Festival de San Sebastián y Filmoteca Española organizan, en colaboración con Filmoteca Vasca y el Centro Cultural Coreano en España, la retrospectiva Flores en el infierno. La edad de oro del cine coreano, que en 2020 tuvo que suspenderse por la pandemia. El ciclo, que incluirá diez títulos de los años 50 y 60, se completará con un libro monográfico editado por el Festival, Filmoteca Española y el Centro Cultural Coreano.
Aunque el cine de Corea del Sur se ha convertido en una presencia constante en festivales internacionales y en un referente del cine contemporáneo, la historia de esta cinematografía sigue siendo bastante desconocida para el público occidental y nuestro conocimiento de ella suele reducirse a los títulos producidos a partir de la década de los 90.
Este ciclo se centra en la llamada era dorada del cine surcoreano, cuando, pese a la precaria situación económica en que se encontraba el país tras la guerra de Corea y el control de la dictadura militar de Park Chung-hee, se desarrolló una industria cinematográfica capaz de satisfacer la demanda de un cine popular para el gran público y de consolidar las carreras de directores de diferentes estilos e inquietudes: algunos de ellos mostraban una imagen de sociedad moderna en desarrollo, mientras que otros denunciaban las duras condiciones de vida de la época.
La selección incluye diez títulos producidos en las décadas de los 50 y 60 e intenta reivindicar a un grupo de cineastas que pueden considerarse como los más destacados representantes de ese cine clásico surcoreano y trazar un panorama de los géneros más habituales en ese período, algunos de ellos inspirados en el cine americano y trasplantados a la realidad local, otros puramente autóctonos.
Entre las películas que conforman el ciclo se encuentran algunas de las más emblemáticas de la época: Hanyeo / The Housemaid (1960) de Kim Ki-young, considerada una de las obras maestras de la historia del cine surcoreano; crónicas duras y realistas de la vida en la Corea del Sur de posguerra como Ji-okhwa / The Flower in Hell (1958) y Obaltan / Aimless Bullet (1961); o clásicos del melodrama como Gwiro /Homebound (1967), Angae /Mist (1967) y Hyu-il /A Day Off (1968).
También está presente el film noir con Geom-eun meori / Black Hair (1964), el thriller con Ma-ui gyedan / The Devil’s Stairway (1964) o el cine juvenil representado por Maenbal-ui cheongchun / The Barefooted Young (1964). Dumangang-a jal itgeora / Farewell Duman River (1962), por su parte, es una muestra de un género típicamente local como es el western manchú, cintas de aventuras ambientadas en Manchuria e inspiradas en el western americano.
Después de su proyección en el Festival de San Sebastián, la retrospectiva podrá verse en el cine Doré de Filmoteca Española durante los meses de octubre y noviembre.
FESTIVAL CULTURAL COREANO EN SAN SEBASTIÁN
Además, entre los días 10 y 30 de septiembre San Sebastián acogerá el Festival Cultural Coreano, que permitirá disfrutar de espectáculos, conciertos, exposiciones, cuentacuentos y jornadas gastronómicas. Esta iniciativa del Centro Cultural Coreano en España organizada en colaboración con el Ayuntamiento de San Sebastián persigue dar a conocer la cultura del país asiático y se celebra en distintas ciudades de España desde 2018. Durante su celebración en varias localizaciones de San Sebastián, el festival logrará que la cultura coreana esté más presente que nunca en la ciudad.
Películas
Ji-okhwa / The Flower in Hell
Shin Sang-ok (Corea del Sur) – 1958
Intérpretes: Kim Hak, Choi Eun-hee, Jo Hae-won, Kang Sun-hee
Young-shik y su banda viven en un campamento militar norteamericano y se dedican a robar mercancías del almacén para venderlas en el mercado negro. Su hermano menor, Dong-shik, llega a Seúl con la intención de convencerle de que regrese a su pueblo natal, pero acaba por instalarse también en el campamento. Young-shik intenta que Dong-shik vuelva al pueblo antes que él y le pide a su novia Sonia que se case con él tras el atraco que está preparando. Pero Sonia ha puesto los ojos en Dong-shik, al que seduce mientras Young-shik y su banda perpetran el robo.
Hanyeo / The Housemaid
Kim Ki-young (Corea del Sur) – 1960
Intérpretes: Kim Jin -kyu, Ju Jeung-nyeo, Lee Eun-sim, Um Aing-ran, Go Seon-ae
Un profesor de música ha trabajado duramente, junto con su mujer, para poder comprar una casa de dos plantas. Cuando la esposa, que es costurera, cae enferma por el excesivo esfuerzo realizado para pagar la casa, contratan a una empleada del hogar. Poco después de quedar embarazada, cuando la esposa sale de viaje a visitar a su familia, la criada seduce al profesor y se queda embarazada. La esposa convence a la criada de que se tire por la escalera para provocarse un aborto, y la criada, tras haber perdido a su bebé, comienza a volverse más violenta.
Obaltan / Aimless Bullet
Yu Hyun-mok (Corea del Sur) – 1961
Intérpretes: Kim Jin -kyu, Choi Moo-ryong, Moon Jung-suk, Seo Ae-ja
La familia Song vive en un barrio de chabolas. Cheol-ho, que mantiene a su mujer embarazada y a su hijo, a su hermano pequeño mutilado de guerra, a sus dos hermanas menores y a su madre postrada en la cama, sufre un persistente dolor de muelas. La familia intenta hacer frente a la dura realidad como puede hasta que la tragedia les golpea.
Dumangang-a jal itgeora / Farewell Duman River
Im Kwon-taek (Corea del Sur) – 1962
Intérpretes: Kim Seok-hun, Hwang Hae, Moon Jung-suk, Um Aing-ran, Jang Dong-hee
Estudiantes universitarios patrióticos, encabezados por su profesor y acompañados por amigos británicos, dejan a sus familias y acuden a Manchuria a luchar por la libertad de su país contra los invasores japoneses.
Geom-eun meori / Black Hair
Lee Man-hee (Corea del Sur) – 1964
Intérpretes: Moon Jeong-suk, Lee Dae-yub, Jang Dong-hee, Kim Wun-ha, Chae Rang
Yeon-sil, casada con el jefe de una banda, es acusada de adulterio, aunque en realidad ha sido violada por un miembro de la organización adicto al opio. Como consecuencia, la desfiguran y apartan de su marido, siguiendo las normas de la organización, y a partir de entonces, se ve obligada a convivir con el adicto al opio y a trabajar como prostituta para mantener a ambos hombres.
Maenbal-ui cheongchun / The Barefooted Young
Kim Kee-duk (Corea del Sur) – 1964
Jo Doo-soo, miembro de una banda callejera, ayuda un día a Joanna, un estudiante universitaria, cuando unos delincuentes tratan de robarle el bolso. Joanna es hija de un diplomático y pertenece a la clase alta, mientras que Jo Doo-soo pasa su tiempo haciendo trabajos para la banda. Atraídos por sus vidas opuestas, Doo-soo y Joanna se enamoran rápidamente. Joanna es una devota cristiana y está convencida de que si Doo-soo cambia la vida que lleva, será una persona totalmente nueva.
Ma-ui gyedan / The Devil’s Stairway
Lee Man-hee (Corea del Sur) – 1964
Intérpretes: Kim Jin-kyu, Moon Jung-suk, Bang Seong-ja, Jeong Ae-ran, Choi Nam-hyun
El doctor Hyeon, un prestigioso cirujano, mantiene un romance con Jin-suk, una enfermera de su mismo hospital. Sin embargo, decide casarse con la hija del director del hospital para poder llegar a sucederle, por lo que se ve enfrentado a un gran dilema cuando Jin-suk le revela que está embarazada. En medio de una discusión entre ambos, ella cae por una escalera y se rompe una pierna. Él le inyecta un sedante para inducirle el coma y posteriormente la ahoga en un estanque del patio trasero del hospital. En cuanto se casa con la hija del director del hospital, el espectro de Jin-suk comienza a acecharlo.
Angae / Mist
Kim Soo-yong (Corea del Sur) – 1967
Intérpretes: Shin Seong-il, Yoon Jeong-hee, Kim Jeong-chol, Lee Nak-hoon
Yoon Gi-jun se ha casado con la hija del presidente de un laboratorio farmacéutico y, gracias a ello, ha accedido a un puesto ejecutivo, pero la vida en la empresa le aburre. Su mujer le sugiere tomarse un descanso y visitar su pueblo natal, Mujin, mientras prepara una junta de accionistas en la que será nombrado director general. Al llegar a Mujin, Yoon Gi-jun rememora su pasado como desertor y enfermo pulmonar. Comienza un romance con Ha In-suk, a quien conoce por azar en la casa del jefe de la oficina de impuestos.
Gwiro / Homebound
Lee Man-hee (Corea del Sur) – 1967
Intérpretes: Kim Jin-kyu, Moon Jung-suk, Kim Jeong-cheol
Choi Dong-woo resulta herido en la guerra de Corea y queda parapléjico. Publica una novela por entregas en el periódico sobre su relación matrimonial. Viéndole abatido por no haber estado a la altura como marido durante catorce años, Ji-yeon, su mujer, le recalca que fue ella quien eligió casarse con él, pero eso no alivia su sensación de inutilidad. Ji-yeon acude con frecuencia a la redacción de un periódico de Seúl para entregar los manuscritos de su marido, y allí recibe las insinuaciones de un joven reportero llamado Kang. Un día, tras perder el tren, Ji-yeon se encuentra con Kang y es sorprendida casualmente por la hermana menor de Dong-woo, que se lo cuenta a su hermano. Éste, sin embargo, no tiene el valor de romper con su mujer y se limita a cambiar el comportamiento de la heroína de su novela, mientras Kang le propone a Ji-yeon emprender una nueva vida con él.
Hyu-il / A Day Off
Lee Man-hee (Corea del Sur) – 1968
Intérpretes: Shin Seong-il, Ji Yun-seong, Kim Sun-cheol, Kim Seong-ok
Ji-yeon y Heo-wook son pareja. Ella está embarazada y los médicos le recomiendan abortar porque está enferma. Para pagar la intervención, Heo-wook roba dinero a un amigo. Mientras ella está en el hospital, él deambula desesperado por las calles de Seúl.
El miércoles 16 y el jueves 17 de junio se celebrarán las jornadas ‘2deo, Zinemaldia & Technology’, un espacio de encuentro para cineastas, tecnólogos y profesionales de la industria cinematográfica. Los profesionales conocerán los nuevos avances tecnológicos que se están incorporando al cine y distintas herramientas como ‘blockchain’, la inteligencia artificial, la ciberseguridad o el uso de los drones.
2deo, el laboratorio audiovisual de Tabakalera-Centro Internacional de Cultura Contemporánea, propone, en colaboración con el Festival de San Sebastián, una serie de mesas redondas y ponencias que, bajo el título 2deo, Zinemaldia & Technology, invitan a la reflexión en torno a la influencia de las nuevas tecnologías en el cine y cómo éste ha sabido sacarle partido en una constante reinvención de los procesos de creación, producción y exhibición audiovisual.
Durante los días 16 y 17 de junio, la sala Z acogerá unas jornadas dirigidas a tecnólogos, cineastas y profesionales de la industria cinematográfica. Asimismo, el encuentro reunirá a los agentes públicos y privados que están haciendo posible la integración de la tecnología en el sector.
Zinemaldia & Technology es una actividad del Festival de San Sebastián dirigida a los profesionales de la industria cuyo objetivo es estrechar lazos entre los sectores tecnológico y audiovisual. La iniciativa, que incluye una clase magistral y el concurso de proyectos empresariales Zinemaldia Startup Challenge, celebrará su cuarta entrega durante la 69 edición, pero por primera vez, en 2021 no limitará su actividad a septiembre y en colaboración con el laboratorio audiovisual 2deo realizará estas jornadas dentro de la estrategia del Festival como certamen de todo el año (Z365). 2deo, el laboratorio audiovisual de Tabakalera, es un proyecto impulsado por la Diputación de Gipuzkoa, en el marco de Etorkizuna Eraikiz.
Programa
La tarde del 16 de junio las jornadas comenzarán con la conversación entre Maria Penilla Azcuenaga, ingeniera superior de Telecomunicaciones, especialista en ciberseguridad, y directora técnica de la Fundación ZIUR, e Iñaki Regidor Mendiolea, director de sistemas del Grupo de Comunicación de Euskal Irrati Telebista y miembro de la comisión estratégica TIC del Gobierno Vasco, que analizarán La ciberseguridad en el ámbito audiovisual – Cómo nos puede ayudar la tecnología para trabajar y consumir contenidos de forma segura.
Le seguirá la charla Inteligencia Artificial: el ingrediente secreto entre Sami Arpa, científico de computación, director de cine y fundador de Largo, y Xabi Uribe-Etxebarria, fundador de Sherpa y otras empresas de innovación e inteligencia artificial. Ambos plantearán cuestiones como la influencia y beneficios del uso de la inteligencia artificial en varios sectores y en el audiovisual en particular.
El primer día de las jornadas se cerrará con la charla Arte y ciencia detrás del proceso de impresión 3D y animación facial en el estudio ganador del Oscar LAIKA que ofrecerán Brian McLean y Benoit Dubuc, miembros del galardonado estudio de animación LAIKA (Mr. Link, El origen perdido, Kubo y las dos cuerdas mágicas, Los Boxtrolls, El alucinante mundo de Norman, Los mundos de Coraline), que ha revolucionado el proceso de animación stop motion al unir técnicas audiovisuales con las últimas tecnologías para ofrecer películas realmente asombrosas.
El jueves 17 de junio, la segunda jornada comenzará con Irina Albita, cofundadora de la empresa FilmChain (equipo ganador del Zinemaldia Startup Challenge de 2020) y Oscar Lage, responsable de ciberseguridad y blockchain de la empresa TECNALIA, que en la conversación Blockchain: un aliado para conseguir la transparencia analizarán la importancia de la transparencia y la trazabilidad en las transferencias de datos y cómo esta tecnología favorece estos procesos.
Les tomarán el relevo Antton Peña, fundador de la empresa Flock, y Tom Wandsworth, director de Bad Wolf Horizon, que con Drones: cómo la tecnología innovadora está llevando la narración a nuevas alturas nos guiarán a través de las últimas tecnologías de imágenes aéreas y el efecto que están teniendo en la narración cinematográfica. Durante esta sesión, explorarán los tipos de drones disponibles actualmente en el mercado, las diferentes perspectivas que cada tipo puede ofrecer y qué tipos usar cuándo.
En la charla VR in filmmaking: explorando nuevas formas audiovisuales, el director, diseñador, artista visual y multidisciplinar Martin Allais y Mikel Zorrilla, director de Digital Media en el centro tecnológico de Investigación aplicada Vicomtech, tomarán como punto de partida el cortometraje Battlescar: Punk Was Invented By Girls que desde su estreno ha pasado por más de 30 festivales en todo el mundo y ha ganado más de ocho premios como mejor experiencia VR Narrativo.
Bajo el título El futuro del cine, Pedro Escalona, copropietario de la empresa Trigital, especializada en soluciones de flujo de trabajo para la industria de los medios y el entretenimiento, moderará una mesa redonda en la que intervendrán ponentes de gran prestigio: Jordi Bares, postproductor de muchos de los anuncios de televisión más relevantes de los últimos 20 años para marcas como Adidas, Heineken, Sony, Honda y muchas otras; Pepe Abellán, profesional con más de dos décadas de experiencia en la postproducción en España, y Javier Urosas que durante diez años ha trabajado en Tele 5, pasando por todos los procesos de postproducción (edición, montaje y composición) y también ha realizado numerosos trabajos de VFX en series como La casa de papel, Toy Boy, El embarcadero o Sky rojo.
Programa completo:
16 de junio
16:00 Bienvenida
16:15 La ciberseguridad en el ámbito audiovisual – Cómo nos puede ayudar la tecnología para trabajar y consumir contenidos de forma segura. Maria Penilla Azcuenaga e Iñaki Regidor Mendiolea
17:00 Inteligencia Artificial: el ingrediente secreto. Sami Arpa y Xabi Uribe-Etxebarria
17:45 Descanso
18:00 Arte y ciencia detrás del proceso de impresión 3D y animación facial en el estudio ganador del Oscar LAIKA. Brian McLean y Benoit Dubuc
17 de junio
16:00 Blockchain: un aliado para conseguir la transparencia. Irina Albita y Oscar Lage
16:45 Drones: cómo la tecnología innovadora está llevando la narración a nuevas alturas. Antton Peña y Tom Wandsworth
17:30 Descanso
17:45 VR in filmmaking: explorando nuevas formas audiovisuales. Mikel Zorrilla y Martin Allais.
18:30 Future of filmmaking. Pedro Escalona, Pepe Abellán, Jordi Bares y Javier Urosas.
Información práctica:
Las jornadas se podrán seguir de manera presencial en la Sala Z, en la primera planta de Tabakalera, previa inscripción y por streaming en las páginas web de Tabakalera y del Festival de cine de San Sebastián.
La muestra de cine, dividida en tres secciones: Indies de Seúl, Panorama Korea y Sesiones Especiales, tendrá lugar del 7 al 11 de julio en los Boliche Cinemes.
El drama intimista Moving On que pudo verse en el pasado Festival de Cine de San Sebastián, heredero del cine de Hirokazu Koreeda, formará parte de la sección ‘Indies de Seúl’. Por su parte, la cinta Kim Ji-young, Born 1982, adaptación del besteller editado por Alfaguara ‘Kim Ji-young, nacida en 1982’ y galardonada con 8 premios internacionales, inaugurará la sección ‘Panorama Korea’. Como colofón, el thriller será uno de los géneros más representados en las Sesiones Especiales, con la presencia de títulos como Libéranos del mal (Deliver Us From Evil) o Dark Figure of Crime.
Organizado por CineAsia y Boliche Cinemes, con la colaboración del Centro Cultural Coreano de Madrid, el Consulado de Corea en Barcelona y el Seoul Independent Film Festival (SIFF), el Korea Fest BCN, que tendrá lugar entre los días 7 a 11 de julio, ha dividido su programación en tres secciones (excluidas la gala de inauguración y la de clausura): ‘Indies de Seúl’, ‘Panorama Korea’ y ‘Sesiones Especiales’ (thriller y acción). A continuación, desvelamos siete de los títulos que podrán verse.
‘Indies de Seúl’: cine independiente con el sello del SIFF
Gracias a la colaboración con el Festival de Cine Independiente de Seúl, el Korean Fest BCN ofrecerá en su programación cinco títulos, muestra del mejor cine independiente que se está realizando en Corea. Somewhere in Between abrirá la sección el jueves 8 de julio. Un film sobre segundas oportunidades en la que un joven que regresa a su pueblo, tras suspender los exámenes para funcionario en Seúl, descubrirá que a veces las recompensas aparecen donde menos se las espera.
Avalada por numerosos galardones, entre los que destaca el Premio Bright Future a la mejor película en el Festival de Cine de Róterdam, Moving On es una película claramente inspirada en el universo del japonés Hirokazu Koreeda. El espectador asiste al día a día familiar donde aparentemente no sucede nada, pero bajo esa superficie unos niños descubrirán el significado de las relaciones familiares durante un verano… con sus luces y sus sombras.
‘Panorama Korea’: la autoría y el género se dan la mano en esta sección de la muestra
La novela que sacudió a la sociedad coreana por su denuncia sobre la situación de la mujer, editada en nuestro país por la editorial Alfaguara, Kim Ji-young, nacida en 1982 ha sido adaptada en Corea a la gran pantalla manteniendo su espíritu crítico, reuniendo a dos de los protagonistas de Train to Busan. Una película que, debido a su temática, contará con un cinefórum posterior a su proyección (una de las actividades paralelas que se desarrollarán a lo largo de los cinco días de duración de la muestra).
Con la presencia de la extraordinaria actriz coreana Moon So-ri (Oasis), Juror 8 narra la historia del primer jurado popular de Corea del Sur en clave de comedia, y que toma como referencia a Doce hombres sin piedad de Sidney Lumet añadiendo el infalible toque coreano. Una película basada en un hecho real, algo común en numerosas producciones coreanas.
Las Sesiones Especiales no van a dar tregua al espectador.
El thriller es uno de los géneros por excelencia del cine coreano. Cada año la industria cinematográfica da luz verde a diferentes proyectos que triunfan en la taquilla y se exportan a otros países. ¿Qué harías para atrapar a un asesino en serie que conoce la ley y sus ventajas? Un veterano detective pondrá en juego su vida para acusar a un joven detenido y evitar que salga de la cárcel en una lucha contra reloj. Esta es la premisa que presenta Dark Figure of Crime, con un duelo actoral entre Kim Yoon-seok (The Chaser) y el Ju Ji-hoon (The Spy Gone North).
Uno de los thrillers más brutales producidos en Corea en el año 2020, distribuido para el estado español por YouPlanet, es Libéranos del mal (Deliver Us From Evil). Dirigida por Hong Won-chan (Office) y protagonizada por dos de las estrellas del star-system de la industria coreana, Hwang Jung-Min (Por encima de la ley) y Lee Jung-Jae (Asesinos), la película propone un juego del gato y el ratón que alcanza cotas inimaginables. Un asesino a sueldo que quiere retirarse. Un mafioso, apodado ‘el carnicero’ que quiere vengar a su hermano. Y una niña secuestrada en Tailandia. Un thriller para disfrutar en pantalla grande.
Y otro género que no puede faltar en la industria coreana es el de la acción, el de las luchas de sus épicos y particulares wuxias. El guardián del acero (The Swordsman), que distribuye en España la compañía Cinemaran, es una película para disfrutar y trasladarse a otro tiempo. Durante la época Chosun un soldado se convertirá en la espada del Rey. Con el tiempo, éste tendrá que volver para hacer frente al poder de las fuerzas chinas. La espectacularidad de las coreografías en un wuxia de redención al que acompañará su elemento dramático.
Como se adelantó en la primera nota de prensa el Korea Fest BCN, ofrecerá precios populares y abonos para diferentes sesiones. Las entradas se pondrán a la venta de manera online próximamente en la web del Boliche Cinemes, además de poder adquirirlas en la taquilla del cine. Una fecha que se anunciará en la próxima nota de prensa.
El Korea Film BCN cumplirá con las medidas sanitarias y de seguridad, así como con el aforo que marquen las autoridades sanitarias en el momento de celebración de la muestra.
El actor Carlos Areces protagoniza este año el cartel oficial de la 32ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 29 de octubre y el 5 de noviembre. El póster homenajea el legendario mediometraje La cabina, escrito por José Luis Garci y dirigido por el cineasta de Lasarte Antonio Mercero en 1972.
Carlos Areces se pone en la piel de José Luis López Vázquez, protagonista de la película, cuya imagen atrapado en la cabina es sin duda una de las más icónicas y recordadas de la historia del fantástico español.
La cabina, producido por TVE, se emitió por primera vez el 13 de diciembre de 1972, causando gran impacto en el público de la época. Se convirtió en un gran éxito internacional, siendo proyectado en las televisiones de todo el mundo y obteniendo innumerables premios.
La fotografía ha sido realizada por Alberto Morago, que también se ha encargado del making of.
El diseño del cartel ha sido obra, como los últimos años, del estudio Ytantos.
CARLOS ARECES
Actor, músico y dibujante, Carlos Areces se ha convertido en los últimos años en uno de los intérpretes de referencia del cine y la televisión españolas, así como en uno de los más versátiles. Tras su paso por el programa de culto de TVE «La hora chanante» (2002-2006), comienza su carrera en el cine con películas como Spanish Movie (Javier Ruiz Caldera, 2009) o Balada triste de trompeta (Álex de la Iglesia, 2010).
En la última década ha trabajado con algunos de los directores del cine español más destacados en películas como El gran Vázquez (Óscar Aibar, 2010), Lobos de Arga (Juan Martínez Moreno, 2012), Los amantes pasajeros (Pedro Almodóvar, 2013), Torrente 5: Operación Eurovegas (Santiago Segura, 2014), Mi gran noche (Álex de la Iglesia, 2015), Negociador (Borja Cobeaga, 2015), La reina de España (Fernando Trueba, 2016), Tiempo después (José Luis Cuerda, 2018), El inconveniente (Bernabé Rico, 2020) u Orígenes secretos (David Galán, 2020).
También ha proseguido su trabajo en la pequeña pantalla en diversas series: «Muchachada Nui» (2007-2010), «Museo Coconut» (2010-2014), «Plutón BRB Nero» (2008-2009) o «El pueblo» (2019-), entre otras.
Ha publicado sus dibujos e historias en publicaciones como El Jueves y sigue con su carrera musical junto a Aníbal Gómez en el dúo Ojete Calor.
40 ediciones y 48 años. El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei gusta de lo inusual y en esto de cumplir ediciones y años no iba a ser menos. Una suerte de disonancia cognitiva, debida a un largo parón en la década de los noventa, que convierte lo que por actualidad bien podría ser la crisis de los cuarenta en una celebración de casi medio siglo de existencia. Por eso mira a sus inicios, a ese 1973 que dio pie a la maratón de cine de terror más antigua del estado, embrión del festival que hoy disfrutamos. Una iniciativa cultural rompedora en esos tiempos, en los que la efervescencia social se abría camino por las grietas de un régimen y una casta a la que le quedaban cuatro telediarios… O eso nos contaron entonces.
La contracultura. En general, todo movimiento sociológico organizado y visible dentro de una sociedad, cuyas acciones y valores contrastan con los de la norma establecida. O lo que es lo mismo: una ofensiva contra la cultura oficial; una «cultura en contra» que nace al margen, en el underground. Un término que define también un momento histórico, comprendido en el estado español más o menos entre 1968 y 1978, aunque sus ramificaciones llegasen hasta los primeros ochenta. Una época y unos movimientos, también una actitud podría decirse, que encontraron y encontrarán siempre en el cine de terror un género en donde poder ir un paso más allá, con el que romper las barreras de lo que se puede mostrar y explicar.
Terrormolins rendirá este año un homenaje a esa época de exploración y búsqueda de nuevos aires. De romper con lo impuesto, transgrediendo lo oficial para crear en los márgenes. De generar espacios de encuentro desde una óptica asociativa y comunitaria. A esa sociedad que empujaba hacia la modernidad. A ese renovado cine de terror que plasmaba como nunca antes injusticias y deficiencias, también miedos y ansiedades, de un mundo que gritaba y sigue gritando. Pasado y presente se dan cita, en pié y con la cámara en alto.
Los títulos elegidos por Vincent Maraval y Vanja Kaludjercic se proyectarán respectivamente el 14 de mayo y el 11 de junio en la pantalla compartida de Tabakalera.
El Festival de San Sebastián ofrecerá dos nuevas proyecciones dentro del foco Zinemaldia + Plus, Le redoutable (Mal genio, 2017), de Michel Hazanavicius, y Les sorcières de l’Orient (2021), de Julien Faraut. Estos títulos han sido respectivamente elegidos por el productor y distribuidor de la compañía Wild Bunch, Vincent Maraval, y por la directora artística del Festival de Rotterdam, Vanja Kaludjercic. Ambos han tenido carta blanca para programar estas películas en la pantalla compartida de Tabakalera dentro de Zinemaldia + Plus.
Este foco mensual que anteriormente ha estado centrado en programas como Ikusmira Berriak, Nest o en el trabajo previo de cineastas que han pasado por San Sebastián (Primeros Pasos) ha invitado en mayo y junio a dos personalidades destacadas de la industria del cine, a quienes se ha dado libertad para programar sendas películas.
El viernes 14 de mayo Vincent Maraval acudirá a Donostia para presentar Le redoutable, un largometraje de Michel Hazanavicius (The Artist, 2011, Perlak) en el que Louis Garrel encarna al cineasta Jean-Luc Godard y Stacy Martin, a su mujer Anne Wiazemsky. El filme, que concursó en el Festival de Cannes en 2017 y también cuenta con Bérénice Bejo en el reparto, narra la crisis que Godard vivió tras estrenar su película La chinoise a finales de los años 60.
Por su parte, Vanja Kaludjercic intervendrá de manera telemática en la sesión del 11 de junio para introducir Les sorcières de l’Orient, un filme de Julien Faraut que en febrero compitió en el Festival de Rotterdam. La directora artística del certamen ha elegido este documental sobre el equipo japonés de voleibol femenino que ganó el Oro en los Juegos Olímpicos de 1964. El filme cuenta con los testimonios de las exdeportistas, hoy septuagenarias, y mezcla imágenes de archivo con fragmentos de anime.
Zinemaldia 365 (Z365)
Desde 2020, el Festival de San Sebastián realiza una firme apuesta por ir más allá de los nueve días del certamen de septiembre y configurarse como festival de todo el año. Bajo la denominación Zinemaldia 365 (Z365), este concepto incluye, entre otras actividades, el programa de residencias Ikusmira Berriak, la participación en Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), el proyecto Zinemaldia 70: todas las historias posibles y la programación en la pantalla compartida de Tabakalera.
En ese sentido, el Festival se ha unido a otras instituciones de la ciudad que también programan en el cine de Tabakalera y, una vez al mes, protagoniza el foco Zinemaldia + Plus. Este espacio permite seleccionar títulos que tienen difícil encaje en el diseño del festival de septiembre, al tiempo que ofrece la posibilidad de detenerse en formatos, temáticas y propuestas diferentes.
Así, las sesiones de Zinemaldia + Plus ofrecen una perspectiva general de la idea de festival de todo el año. Desde su inicio en octubre, el foco ha mostrado un largometraje enmarcado en el programa público del proyecto de archivo Zinemaldia 70 y los primeros cortometrajes de directoras que después han concursado e incluso ganado en distintas secciones del Festival. También se han exhibido los cortos de participantes de Nest y los de los actuales residentes de Ikusmira Berriak.
Los largometrajes elegidos por Maraval y Kaludjercic son reflejo de las colaboraciones que el Festival de San Sebastián mantiene con organizaciones de la industria y con otros festivales de cine.
PROGRAMA – Viernes 14 de mayo a las 19:00 h. – Cine (Tabakalera)
Le Redoutable / Redoubtable (Mal genio (Le Redoutable)
Michel Hazanavicius (Francia)
París 1967. Durante el rodaje de su nueva película, el director francés Jean-Luc Godard se enamora de la actriz Anne Wiazemsky, 20 años más joven que él. Un año después, tras casarse con Anne y haber encontrado aparentemente la estabilidad, Godard se ve sumido en una crisis existencial debido a la negativa acogida de la película y a los conflictos sociales que se están desarrollando en París.
PROGRAMA – Viernes 11 de junio a las 19:00 h. – Cine (Tabakalera)
Les sorcières de l’Orient / The Witches of the Orient
Julien Faraut (Francia)
Viaje para conocer a las antiguas jugadoras de la selección femenina de voleibol de Japón. Actualmente septuagenarias, en su día eran conocidas como las Brujas de Oriente por sus aparentes poderes sobrenaturales sobre la cancha. Desde la fundación del equipo por parte de un grupo de trabajadoras de una fábrica textil a finales de los años 50, hasta su triunfo en los Juegos Olímpicos de 1964 en Tokio, sus recuerdos y la verdadera magia de antaño burbujean en un cóctel apasionante en el que la realidad y la fábula vuelan de la mano.
El Sitges-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y el FIC-CAT han renovado su acuerdo de colaboración, hecho que permite al festival rodense dar visibilidad al cine fantástico realizado en nuestro país.
El espacio Pantalla Sitges estará presente en el FIC-CAT, por sexto año consecutivo, apadrinado por el Festival de Sitges. La película elegida para la edición de este año es La vampira de Barcelona, de Lluís Danés, ganadora del Grand Premio del Público en la última edición del Festival de Sitges, y que se podrá ver en el Pabellón polideportivo de Roda de Berà el sábado 12 de junio a las ocho de la tarde.
Como cada año, la entrada será gratuita y, Àngel Sala, director del Festival de Sitges, estará presente en Roda de Berà para presentar la sección y seguir de cerca el desarrollo del FIC-CAT. Sala es conocedor del Festival, puesto que ha formado parte del Jurado y ha estado presente en varias ediciones.
La vampira de Barcelona, que se proyectará fuera de competición, es una coproducción de Brutal Media, Filmax y TV3, y está interpretada por Nora Navas, Roger Casamajor, Bruna Cusí, Nuria Primo, Sergi López, Francesc Orella, Mario Gas, Francesca Piñón o Pablo Derqui, entre otros.
Inspirada en la historia de Enriqueta Martí, conocida como “la vampira del Raval”, la película fue la gran triunfadora de los últimos Premios Gaudí, en qué consiguió cinco galardones: Mejor Película, Mejor Dirección Artística, Maquillaje y Peluquería, Vestuario y Efectos Visuales.
Johnny Depp, Isabelle Huppert, Fernando Trueba, Javier Cámara, Fernando Colomo, Clara Lago, Toni Acosta, Karra Elejalde, Kiyoshi Kurosawa, Nicolas Winding Refn, Carmen Chaplin, Marta Buchaca, Quim Ávila o David Selvas participarán en la 5ª edición del festival.
El Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), contará con destacadas visitas presenciales, tanto de talento nacional como internacional, entre los que destacan las de Johnny Depp y Andrew Levitas (“El fotógrafo de Minamata”); Isabelle Huppert y Jean-Paul Salomé (“Mamá María”), Fernando Trueba y Javier Cámara (“El olvido que seremos”); Carmen Chaplin (“El Chico”- Coloquio Chaplin); Steven Bernstein (“Last Call”); Mariana Barassi y Clara Lago (“Crónica de una tormenta”), o el equipo de “Poliamor para principiantes”, formado por Fernando Colomo, Karra Elejalde, Toni Acosta y Quim Àvila.
Los directores Kiyoshi Kurosawa (“La mujer del espía”), Massoud Bakhshi (“Yalda, la noche del perdón”) y PhilippeFalardeau («Sueños de una escritora en Nueva York«), participarán de forma telemática, así como Nicolas Winding Refn (“Valhalla Rising”), que finalmente no podrá viajar a Barcelona por motivos de la pandemia pero mantendrá las actividades previstas de forma virtual.
Una joven prometedora’ inaugurará el BCN Film Fest 2021
La coproducción catalana “Solo una vez” se incorpora a la Sección Oficial, adaptación de Marta Buchaca de su obra teatral, con Ariadna Gil, Álex García y Silvia Alonso.
Una de las sorpresas de la temporada, “Una joven prometedora” (Promising Young Woman), dirigida por Emerald Fennell (ópera prima) y con 5 nominaciones a los Oscar incluyendo Mejor Película, será la encargada de inaugurar el BCN FILM FEST 2021, que celebrará su quinta edición del 15 al 23 de abril. La película se estrenará en cines, tras su paso por el Festival, el próximo 16 de abril. Protagonizada por Carey Mulligan (“An Education”, “Drive”, “Shame”), el film ofrece una nueva y deliciosa visión de la venganza. Mulligan interpreta a una joven con una astucia sin límites que vive una doble vida nocturna. Un encuentro le dará la oportunidad de corregir el suceso que descarriló su futuro.
«Entre rosas” (Le fine fleur), de Pierre Pinaud, una historia sobre una cultivadora de rosas al borde de la quiebra, clausurará el certamen precisamente el dia de la rosa, Sant Jordi. Catherine Frot (Mejor Actriz en los Premios César del 2016 por “Madame Marguerite”) interpreta a Eve, una mujer que había creado les rosas más famosas del mundo pero ahora está amargada y al borde de la quiebra. Su asistente tiene una idea brillante y loca que podría cambiar sus vidas para siempre.
Isona Passola recibirá el Premio de Honor del BCN Film Fest 2021
Isona Passola, productora, directora y Presidenta de la Acadèmia del Cinema Català, recibirá el Premio de Honor del BCN FILM FEST el próximo 15 de abril durante la ceremonia de inauguración del certamen.
Isona Passola, productora, directora y Presidenta de la Acadèmia del Cinema Català, recibirá el Premio de Honor del BCN FILM FEST el próximo 15 de abril durante la ceremonia de inauguración del certamen. Passola recibirá el galardón en reconocimiento al trabajo al frente de la Acadèmia los últimos ocho años, y como productora de películas como “Pa Negre” o “Incerta Glòria”.
Nacida en Barcelona en 1953, Passola es la fundadora de Massa d’Or Produccions, con la que ha producido films como “Pa Negre” (9 premios Goya, 13 premios Gaudí), “Incerta Glòria” (8 premios Gaudí), “De nens”, “El pianista” o “El Mar”, y documentales que también ha dirigido como “Cataluña-Espanya” o “L’endemà”.
Passola también es la primera mujer presidenta del Ateneu Barcelonès, forma parte del Consell Nacional de la Cultura i les Arts (CoNCA), y es profesora en la Facultad de Comunicación Blanquerna de la Universidad Ramon Llull.
Esta publicación online de carácter bianual explorará las conexiones de la cultura cinematográfica con otras disciplinas científicas y humanísticas, con una atención particular por el cine vasco. En el primer número se analiza la obra cinematográfica de Nestor Basterretxea desde el punto de vista del constructivismo y se presenta la obra de María Jesús ‘Tatus’ Fombellida.
ZINE: cuadernos de investigación cinematográfica es una publicación académica editada por Elías Querejeta Zine Eskola, Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián. El propósito de ZINE es publicar investigaciones originales que contribuyan al conocimiento especializado en el campo de los estudios cinematográficos desde una perspectiva interdisciplinar.
Aunque da cabida a todo tipo de contribuciones relevantes para el campo, ZINE se fija como objetivo principal el apoyo y edición de trabajos que propongan nuevas miradas sobre la cultura y el patrimonio cinematográfico y audiovisual vasco, ya sea mediante el análisis y puesta en valor de casos de estudio que han quedado fuera de los relatos canónicos, la revisión crítica de figuras consolidadas o la puesta en práctica de metodologías innovadoras que hayan tenido menor desarrollo en la tradición académica local. En suma, ZINE se plantea como un espacio que propone ampliar no sólo las fronteras de los estudios sobre cine vasco sino, también, de los estudios cinematográficos desde el País Vasco.
La distribución de ZINE será íntegramente online. La publicación, de carácter bianual, estará alojada y disponible para descarga libre en español, euskera e inglés o francés en las páginas web de las tres instituciones involucradas en el proyecto.
En opinión de Harkaitz Millán, diputado de cultura de la Diputación Foral de Gipuzkoa, «la creación de una línea de publicaciones destinada a promover la investigación es consecuente con los objetivos del centro y con su actividad investigadora». El diputado también destaca la importancia de poner el foco en el análisis y estudio del cine vasco, y la divulgación del trabajo realizado por investigadoras e investigadores locales. Para Filmoteca Vasca participar en el desarrollo de esta publicación es natural dada la vocación investigadora y de preservación del patrimonio audiovisual vasco, dos líneas de trabajo y objetivos que se complementan con el carácter divulgativo de una parte importante de las actividades que lleva a cabo el centro. Por su parte, la participación del Festival en la publicación forma parte de su configuración como festival de todo el año, como certamen que se piensa a sí mismo y que quiere fomentar el estudio y la investigación sobre cuestiones relacionadas con el cine.
Cada número de ZINE constará de dos secciones principales: por un lado, un estudio monográfico a cargo de especialistas sujeto a revisión externa por pares; por otro, ZINE acogerá también materiales vinculados a proyectos y acciones de investigación impulsados por el Departamento de Investigación de Elías Querejeta Zine Eskola en una sección que explora formatos híbridos entre la investigación académica y la creación. Por ello, ZINE se plantea, también, como un punto de encuentro entre la comunidad académica internacional y las iniciativas de investigación desarrolladas en la escuela.
En este primer número de la colección, Elixabete Ansa, profesora Asociada y Directora de Asuntos Académicos del Instituto de Estética de la Pontificia Universidad Católica de Chile, propone un estudio de la relación entre el cine y la fábrica, a través de una propuesta de lectura del cine vasco desde una perspectiva “constructiva”. El punto de partida del artículo de Ansa lo marca la película Operación H (1963) de Néstor Basterretxea y la necesidad de problematizar las formas en que se ha pensado la comunidad en el cine vasco.
Por otra parte, y como resultado del proyecto de investigación de EQZE Artesanos del cine: investigación sobre el cine amateur vasco, ZINE acoge un dossier dedicado a la serie documental Gure Herria filmada por la cineasta amateur María Jesús ‘Tatus’ Fombellida entre 1975 y 1985. Este apartado cuenta con las firmas de Enrique Fibla, investigador del CCCB y EQZE; Benoît Turquety, profesor de la Universidad de Laussanne experto en cine amateur, y de la artista Sahatsa Jauregi, que reflexionan desde sus respectivas disciplinas sobre el lugar que ocupan estas películas en el mapa de las prácticas culturales. Este dossier se acompaña de la publicación en la web de EQZE de nuevas versiones digitales de nueve películas de la serie Gure Herria de Fombellida.
Call for papers
ZINE es un proyecto abierto a las contribuciones de investigadoras e investigadores. Las propuestas de contribución de ZINE serán preseleccionadas por el Comité Editorial y también estarán sujetas a revisión externa por pares. Pueden hacerse llegar propuestas a la dirección zine@zine-eskola.eus. Cada propuesta debe constar de un resumen de entre 250 y 500 palabras y de un CV completo del/la autor/a. Las instrucciones para los autores y autoras están disponibles en la web de EQZE.
En un año que ha sido muy complicado para la cultura y que en el mundo del cine ha afectado desde las salas de cine a los circuitos de distribución, pasando por los grandes festivales y la propia producción cinematográfica, el cine independiente no ha perdido su oportunidad de brillar mostrando una gran variedad de registros, temáticas, voces e inquietudes que se mostrara en la selección que presentará el D’A 2021. Así en esta edición del D’A Film Festival Barcelona se podrán ver películas de grandes maestros del cine volviendo a sus esencias como El teléfono del viento, el retorno de Nobuhiro Suwa a Japón para retratar la frágil recuperación emocional diez años después del tsunami, Siberia de Abel Ferrara, sexta película del neoyorquino protagonizada por Williem Dafoe, prácticamente convertido en alter ego del director en su eterna pulsión entre sexo y muerto, o Rizi / Days del gran director asiático Tsai Ming-liang en una maravilla que ganó el premio Teddy a la última Berlinale.
En el D’A 2021 también se verán obras de directoras como Josephine Becker (Madeline’s Madeline), que con una corta filmografía se ha convertido en uno de los nombres más prometedores del cine actual y de quien presentamos Shirley, protagonizada por Elizabeth Moss y que ganó el premio Especial del Jurado a Sundance, o la sensación del cine español independiente Karen de María Pérez Sanz con Christina Rosenvinge en el papel de la escritora Karen Blixen. También se podrán ver dos películas de gran impacto como Berlin Alexanderplatz de Burhan Qurbani, director alemán de origen afgano, que se enfrenta al clásico de Alfred Döblin, ya adaptado por R.M. Fassbinder, actualizándolo al Berlín actual, y Las cosas que decimos, las cosas que hacemos de Emmanuel Mouret, la ganadora moral de los César 2021 (solo ganó un César de los 13 a los que aspiraba) y que es una de las películas más emocionantes del año.
Berlin Alexanderplatz
Completa este primer adelanto de una programación que llegará a los 90 títulos, dos debuts fulgurantes con el estreno catalán de La vida era eso de David Martín de los Santos, protagonizada por Anna Castillo y Petra Martínez, galardonada con el premio a la mejor actriz en el Festival de Sevilla 2020, y el estreno de la película catalanaMía y Moi de Borja de la Vega, protagonizada por Bruna Cusí y Eneko Sagardoy, ganadores del Goya a los mejores intérpretes revelación por Verano 1993 y Handia, respectivamente.
«Adiós, idiotas» inaugurará el D’A 2021
La película inaugural del D’A Film Festival Barcelona será Adiós, idiotas de Albert Dupontel, protagonizada por él mismo y Virginie Efira. La película ha sido un fenómeno en su paso por los cines franceses y arrasó en los premios César de este año donde ganó un total de siete galardones, incluyendo los de mejor película, director y guion. La séptima película como director de Albert Dupontel es una tragicomedia delirante, cargada de humor negro y ritmo frenético.
La exposición en Kutxa Kultur Plaza consta de treinta fotografías del periodo entre 1953 y 1970. La muestra está comisariada por el equipo de Zinemaldia 70: todas las historias posibles, proyecto de investigación patrocinado por la Sociedad Estatal de Loterías y Apuestas del Estado.
La exposición Primeros pasos. Otras miradas sobre la historia visual del Festival de San Sebastián (1953-1970) se ha inaugurado hoy en la sala Kutxa Kultur Plaza, en el cuarto piso de Tabakalera. La muestra, organizada por el Festival de San Sebastián, Kutxa Fundazioa y Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), contiene treinta imágenes de más de cincuenta años de antigüedad, procedentes del fondo fotográfico del archivo del Festival y de la colección Kutxateka.
La muestra está comisariada por el equipo del proyecto de investigación Zinemaldia 70: todas las historias posibles (Z70), bajo la dirección de Pablo La Parra Pérez. El proyecto Z70 comenzó en 2020 a abordar el patrimonio fotográfico del festival en dos líneas de trabajo: la conservación, catalogación e investigación del fondo fotográfico del archivo del Festival y el estudio y perfeccionamiento de la catalogación de los fondos de la colección Kutxateka. Esta exposición es el primer resultado público de esta tarea, que sigue su curso.
Las primeras directoras que compitieron en la Sección Oficial
La idea de “primeros pasos” contiene un doble sentido: hace referencia a los primeros años del Festival pero, también, se trata de la primera incursión crítica en su patrimonio fotográfico en el marco del proyecto Z70. La exposición abre dos vías de reflexión que exploran tensiones políticas, de género y clase en las ediciones iniciales del Festival.
Así, por un lado, esta exposición presta atención, más allá de la representación tradicional de las estrellas, a las mujeres que participaron en el Festival ocupando posiciones profesionales alejadas del foco mediático o ignoradas por las historias dominantes del cine, como directoras, guionistas o las propias trabajadoras. Por ejemplo, la exposición rescata fotografías de las tres primeras directoras que compitieron en la Sección Oficial: Yuliya Solntseva (1965), Tatiana Lióznova (1966) y Judit Elek (1969). La muestra examina también los mecanismos de construcción y cosificación de la star cinematográfica como objeto de consumo y fascinación mediática. Como ejemplo paradigmático, en la exposición se analiza la construcción mediática de Pepa Flores como Marisol, desde su primera aparición en Donostia en 1960, con tan solo 12 años, hasta sus apariciones en los años posteriores como estrella popular.
Por otro, Primeros pasos. Otras miradas sobre la historia visual del Festival de San Sebastián (1953-1970) pone el foco en la tensión entre la expectación popular que suscitaba el Festival entre la ciudadanía y la exclusividad y elitismo de la mayoría de sus actos oficiales, a través de fotografías que exponen el fuera de campo de la alfombra roja. Asimismo, enseña los aspectos más institucionales del Festival y su instrumentalización por parte de la dictadura franquista como escaparate internacional del régimen. Es el caso de las imágenes que recogen la asistencia al festival de personalidades del régimen como Carmen Polo, presencia de autoridades civiles y militares en actos oficiales, aunque también de los resquicios de libertad que se abrieron en el marco del Festival, como el célebre pase de Ama Lur en los cines Astoria en 1968.
Z70 es fruto del trabajo conjunto del Festival de San Sebastián con el departamento de investigación de EQZE. Este proyecto de investigación patrocinado por Loterías y Apuestas del Estado, con la colaboración Kutxa Fundazioa, Filmoteca Vasca y el centro internacional de cultural contemporánea de Tabakalera, pone de relieve la importancia de los fondos documentales del Festival (cartas, fotografías, críticas y reseñas en periódicos y revistas, libros…) conservados en su archivo desde 1953. El principal objetivo del proyecto es generar reflexión y discusión en torno al pasado, el presente y el futuro del Festival, así como diálogos críticos con la creación cinematográfica y el pensamiento contemporáneo.
La exposición se enmarca en el propósito del Festival para configurase como una actividad de todo el año. En este sentido, vinculada a la muestra, el día 20 de marzo se proyectará dentro del ciclo Zinemaldia + la película de Judit Elek que compitió en el Festival: Sziget a szárazföldön (The Lady from Constantinople, 1969). El filme será presentado por el responsable del proyecto de investigación, Pablo La Parra Pérez y la alumna de EQZE Anna Babos.
La exposición, que se inaugura hoy, 24 de febrero, permanecerá abierta hasta el 25 de abril. El horario es de 9:00 a 21:00 de lunes a viernes, de 10:00 a 22:00 los sábados y de 10:00 a 21:00 los domingos.
El Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que celebrará su 54ª edición del 7 al 17 de octubre inicia la cuenta atrás. El lunes 15 de febrero, se abrió el periodo de inscripciones de largometrajes y cortometrajes. Los directores/as, productoras y distribuidoras que lo quieran podrán presentar sus films hasta el 15 de julio, fecha de cierre para todas las categorías. El comité de programación del Festival está trabajando con normalidad y responsabilidad, adaptándose en las medidas establecidas por la crisis de la covid-19. El comité está avanzando en los visionados y selección de los primeros títulos que configurarán la próxima edición del Festival. Las empresas titulares de las películas seleccionadas por el comité de programación recibirán un formulario (entryform) a través del cual formalizarán su participación en el certamen.
El Festival contactará únicamente con los titulares de los films seleccionados por el comité. La plataforma Festhome es el único sistema oficial para inscribir la pieza. La organización no acepta otros formatos ni jefe otro sistema que no sea este. Las bases de participación y el reglamento de Sitges 2021 están disponibles aquí.
Tras celebrar la edición de Americana del 2020, casi de forma milagrosa, justo cinco días antes de que se nos confinara, este 2021 la logística nos permitirá disfrutar del festival en formato híbrido, presencialmente, con las salas al 50% y cumpliendo todas las normas de seguridad, demostrando una vez más que la cultura es segura y de forma virtual, a través de la plataforma Filmin. Además, también haremos extensible nuestra propuesta a Madrid, donde debutaremos este año. Y como ya es habitual la Route 66 llevará nuestras películas por varias localidades de Cataluña y España.
El festival se inaugurará en el Cine Phenomena el martes 2 de marzo y continuará en las tres salas de los Cines Girona y en el Zumzeig del 3 al 7 de marzo. La inauguración, como siempre, será con invitación. En Madrid estaremos en el Círculo de Bellas Artes del 12 al 14 de marzo y entre los días 2 y el 14, las películas irán desfilando por Filmin.
Los precios de las entradas físicas son de 7 euros, con abonos compartibles de 6 entradas por 35 euros. Las sesiones de cortos tendrán un coste de 4 euros. Y en Filmin habrá dos tipos de títulos, 23 largos y más de 20 cortos en suscripción y 13 en Premium.En Madrid las estradas tendrán un precio de 6 euros. La mayoría de los títulos Premium irán entrando y saliendo, así que atentos a la parrilla que publicaremos mañana en nuestro web. Habrá un abono de Filmin que incluye 3 tickets Premium y un mes de subscripción por 14,95€.
Pese el contexto actual, nos sentimos nuevamente muy orgullosos de la programación de Americana, que este año consta de 47 largos y 29 cortos, que os pasamos a detallar.
En la sección estrella del festival, la sección TOPS, podremos disfrutar del verano de El verano de Cody (Driveways), que será el título inaugural. Después de la muerte de su hermana, Kathy y su hijo de 8 años van al pequeño pueblo donde esta vivía para hacerse cargo de sus pertenencias. Allá conocerán a su viejo vecino Del. La historia es sencilla, pequeña, pero su delicadeza, su guion preciso y su música melancólica consiguen conmover. Una propuesta vitalista nominada a dos premios en los Independent Spirit Awards. En Sweet Thing, recuperamos los personajes de Little Feet que pasaron por el festival. Los que la visteis recordaréis a los hijos pequeños de Alexandre Rockwell jugando despreocupados. Ahora con 15 y 11 años, se enfrentan en un mundo más hostil y peligroso: el de la madurez. En esta estética road-movie ganadora en Berlin, delicada y sórdida, volvemos a encontrarnos con una preciosista blanco y negro, una selección musical exquisita y unos paisajes desérticos y desolados. Wilcox es el último film de Denis Côté, ganador del premio de la Crítica en la anterior edición. De Wilcox, el protagonista, solo sabemos que viste de militar y que rehúye las multitudes y las zonas pobladas. Con una apuesta sonora inusual, este largo de poco más de una hora nos sumergirá en unas atmósferas que beben de Lynch, con que Côté crea una película única, enigmática, alienante y abstracta que deambula entre el misterio y la incertidumbre para llevarnos a territorios desconocidos y fascinantes. Y para los fans de las películas enigmáticas y seguidores de los sospechosos y sospechosas habituales del Americana, os recomendamos Black Bear. Dirigida por Lawrence Michael Levine y protagonizada por Aubrey Plaza y Christopher Abbott, es un ejercicio fascinante de metacinema donde partiendo de un triángulo amoroso se sumerge en terrenos tan pantanosos como son la crisis creativa, el arcaísmo de los roles de género tradicionales, la fragilidad del ego del artista y los límites morales del arte. Se pudo ver en Sundance y en Sitges. Y siguiendo con Sundance y relaciones de pareja, la comedia del año, que ya anunciamos por Navidad.
Descarada, imaginativa, políticamente incorrecta y con elementos fantásticos, Palm Springs es una fresca y muy divertida comedia romántica, con un reparto solvente con secundarios de lujo como J.K. Simmons o Peter Gallagher. Aclamada en Sundance 2020 y con dos nominaciones a los Indepent Spirit Awards, a mejor película y mejor actor. The Killing of Two Lovers, también nominada a los Independiente Spirit Awards, en este caso a John Cassavetes Award, es un viaje inquietante y tumultuoso hacia la psique de su protagonista. Este retrato frío y rural de la América más profunda representa la muerte, lenta y dolorosa, de la llama del amor. Un thriller psicológico sugestivo que ha sido alabado unánimemente por la crítica americana. Y de un director que apunta muy alto, a uno de muy reconocido y pilar del indie, Tim Sutton, un outsider que con títulos como Pavilion o Dark Night ha demostrado un estilo único, con una estética inmaculada, unos personajes frágiles al margen del sistema y un montaje milimetrado, frío y quirúrgico, que lo ha llevado a casi todos los grandes festivales: Sundance, SXSW, Venecia, Toronto o Berlín, donde estrenó su último trabajo, Funny Face. La historia de dos almas perdidas que encuentran una en la otra, el apoyo incondicional que necesitan para llevar a cabo lo único que tienen clara: la venganza. En TOPS también podremos ver Freshman Year (Shithouse), donde un universitario tímido y apocado decide ir a una fiesta loca. Allá conoce a Maggie, una chica misteriosa que, en solo una noche, pondrá su mundo cuadriculado cabeza abajo. El debutante Cooper Raiff escribe, dirige, produce, edita y protagoniza la ganadora de SXSW y condensa en hora y media la vida universitaria americana con referencias al Linklater más romántico y reflexivo. Y seguimos con estudiantes en busca del amor con Shiva Baby, una comedia enérgica y neurótica protagonizada por una debutante sorprendente, Rachel Sennott. Nos lleva de pleno a la situación infernal de encontrarse con tu exitosa ex novia, tu sugar daddy con su mujer e hija y tu numerosa familia en un mismo lugar. Que, además, no es otro que el velatorio de un familiar al que casi no conocías. Y acabamos TOPS con una de las joyas indiscutibles de 2019 que de forma incomprensible continúa inédita en nuestro país. Se trata de The Last Black Man in San Francisco, una joya tan reivindicativa como extraña, tan física como onírica, tan cruda como inevitablemente sentimental, que ha captado la atención y el entusiasmo del público, festivales y crítica especializada y se ha hecho con casi 20 premios importantes, donde destaca el premio Especial del Jurado y el de mejor dirección en Sundance.
Dentro de NEXT, tenemos La noche de los reyes, una co-producción entre Costa de Marfil y Quebec que ha entrado en la shortlist del Oscar de habla no inglesa y está nominada en la misma categoría de los Independent Spirit Awards. Nos explica la historia de un joven delincuente en una prisión gobernada por los reclusos. Una película tan brutal como poética con imaginación y creatividad desbordante. Siguiendo con nominadas a los Independent Spirit, también contamos con Lapsis, comparada con The Vast of Night, una distopía geek con mensaje social. También nominada a los Independent Spirit Awards encontramos Farewell Amor, que nos adentra en el reencuentro de un padre con su mujer y su hija que llegan de Angola después de 17 años sin verse. Estuvo en Sundance y ha recogido múltiples premios entre los que destaca el Top 10 de National Board of Review. Y continuamos con más Sundance, en este caso con Beast Beast, donde una chica que busca su conexión con el mundo del arte se convierte en una reflexión sobrecogedora sobre crecer en un mundo lleno de inseguridades y en una sociedad marcada por las redes sociales y la imagen individual. Y si como las dos películas anteriores, os gustan los jóvenes con vena artística, vuestra película del año es Summertime, también presentada en Sundance. Un mosaico urbano en Los Angeles donde skaters, grafiteros, raperos y camareros de comida rápida entran y salen para ofrecernos un recital poético a pie de calle. Y acabamos con los retratos juveniles de NEXT con una coming of age mexicano, Blanco de verano. Una historia compleja, sin tabúes, con delicada precisión pero con la necesaria contundencia sobre la ira de un adolescente cuando la nueva pareja de su madre ocupe su posición de hombre de la casa. Una película que se hizo con tres premios en la última edición del Festival de Málaga, incluyendo mejor película iberoamericana y mejor guion. Una sesión en colaboración con Casa América. Y ahora cambiamos de tercio y nos vamos a la América profunda con Buck Alamo, donde conoceremos un trillado cantante de country al que persigue la muerte, interpretada por Bruce Dern. Un retrato generacional que cuenta con Lorelei Linklater, la música de Sonny Carl Davis y una foto absolutamente espectacular. Y también de America profunda trata Lorelei, una historia sobre las prisiones, tanto reales como psicológicas que nos cortan las alas. Una película tierna sobre una sirena fuera del agua ganadora en Deauville. Y seguimos con mujeres atrapadas en el agua, en este caso con Nadia, Butterfly, una película de ficción de la selección oficial de Cannes donde acompañamos en los Juegos Olímpicos de Japón, que ahora parecen una distopía, a una atleta en la despedida de su vida profesional y las posibilidades infinitas que le depara el futuro, en una cinta muy intimista. Y también intimista es Small Town Wisconsin, donde un padre divorciado y alcohólico, anclado en una juventud que hace tiempo que pasó, pierde la custodia de su hijo y en vez de explicarle la situación quiere impresionarlo para que lo recuerde siempre. Una película que tiene la impronta omnipresente de Alexander Payne, el productor ejecutivo del film.
Dentro de DOCS veremos Bienvenidos a Chechenia, un documental de denuncia en clave de thriller, que nos acerca a la persecución gubernamental contra los gais de Chechenia, con el apoyo de Putin, y el trabajo de un grupo de activistas que sacan del país a las víctimas para evitar su muerte. Con premios en Berlín y Sundance y en dos shortlists de los Oscar, mejor documental y mejores efectos digitales. Y seguimos con Assassins y el asesinato del líder norcoreano Kim Jong-un en el aeropuerto de Kuala Lumpur. Las cámaras de seguridad muestran a dos chicas que se le acercan y a continuación huyen y así, ellas se convierten en las asesinas del hermano del máximo dirigente de Corea del Norte. ¿Pero la realidad es tan simple? ¿O hay un complot detrás? Por enésima vez, la realidad supera la ficción. Y en Feels Good Man el protagonista es Donald Trump i Pepe the frog, estrella de memes de hace unos años y que se convirtió en símbolo de la extrema derecha americana, muy a regañadientes de su autor. Una historia increíble que nos acerca a dos realidades absolutamente actuales: el poder incontrolable de las redes sociales y la división social y política de los EE. UU. (y del mundo). A Stray sabremos como en Istambul durante muchos años se ejecutaba a los animales de la calle. Después de críticas internacionales dejaron de hacerlo y actualmente estos animales viven libremente por la ciudad sin prohibiciones junto a los sin techo y los excluidos. Un punto de vista ganador en HotDocs y nominado a los Independent Spirit Awards. En Bloody Nose Empty Pockets encontraremos la mirada sensible sobre una pandilla de personas solitarias que han hecho de un bar de mala muerte de las afueras de Las Vegas, su casa. Actores olvidados, músicos adictos, veteranos de guerra y un puñado de personas a quienes la vida ha pasado factura, beben, filosofan, se abrazan, se quieren, se odian y por encima de todo se hacen compañía en el último día del bar en cuestión. . ¿Ficción? ¿Realidad? Qué más da, porque Bloody Nose Empty Pockets es una auténtica maravilla. Una proyección en colaboración con nuestro estimado festival Rizoma. Y acabamos DOCS con la clausura del festival, Spaceship Earth. Un grupo de amigos, científicos y contraculturales, ven el mundo como una aventura y un reto constante. Empiezan con pequeños experimentos y acaban llevando a cabo una gran aventura: cerrarse durante dos años en un ecosistema artificial para buscar nuevas esperanzas en el espacio, si nos cargamos el planeta. Ciencia, naturaleza, cambio climático, poder, intereses económicos y política conviven en un documental con guion de ciencia ficción. Será objeto de nuestras matinales en colaboración con la Fundación Victor Grífols y Lucas.
En toda esta programación de largometrajes hay que añadir los 29 cortos repartidos en tres sesiones, Shorts 1, Shorts 2 y Sundance Shorts.
En la primera sesión podremos ver entre otros Low-Key, una comedia animada de ciencia ficción donde sale Steve Buscemi, Uproot, el nuevo trabajo de Julia Bales, la pareja de Jim Cummings sobre dos hermanos o She used to laugh, una ruptura de pareja explicada a pie de micrófono en una noche de stand-up comedy. En Shorts 2, podremos ver High Card, una pequeña pieza sobre una pareja a punto de tener sexo por primera vez, The Colour of Your Lips, una distopía sobre un mundo donde el aire es irrespirable, Blocks, que sería como Swallow, pero al revés, es decir, una mujer que saca piezas de Lego por la boca o Standstill, un corto de terror sobre un hecho cotidiano para mucha gente. Y contaremos con una tercera sesión de cortos de Sundance. Los dos últimos años habíamos proyectado su Sundance Short Tour, pero con la pandemia no lo han podido preparar. Llegados a este punto hemos establecido una colaboración directa con Sundance para proyectar algunos de los cortos de la edición de 2021. ¡Más frescos imposible! Aquí destaca el documental A Concerto is a Conversation, que está en la shortlist de los Oscar y In the Air Tonight, una freakada que nos destapa lo que hay al detrás del éxito de Phil Collins.
Este año, por motivos evidentes, no habrá invitados. Pero aun así sí que contaremos con una retrospectiva en la Filmoteca, en este caso de la directora Kelly Reichardt, una de nuestras directoras de cabecera de quien hemos visto sus últimos trabajos en Americana. En esta retrospectiva podremos ver todas las películas de la directora, excepto la última First Cow, puesto que su situación de distribución en nuestro país no lo ha permitido.
Lo que sí tenemos es una nueva sección. Se llama “discoveries” y agrupa títulos que han pasado por el festival, pequeños descubrimientos que queremos reivindicar, y que a día de hoy no se pueden ver en ningún tipo de plataforma del estado. Esta sección se proyectará exclusivamente en Filmin. Dieciséis títulos donde destaca por ejemplo, LoveTrue, el documental sobre el amor verdadero del Alma Har’el, Take me to the river, una pequeña joya que muchos preguntabais si se podía ver de alguna forma o Interesting ball, un corto que hicieron los Daniels mucho antes de triunfar con Swiss Army Man.
El Observatorio de la Cultura de la Fundación Contemporánea ha hecho públicos los resultados de su análisis del panorama cultural de España en 2020. El Festival de San Sebastián ha sido valorado como el tercer acontecimiento cultural más importante de 2020.
El tercer puesto del Festival supone ascender una posición respecto al ranking del año pasado, que vuelve a estar encabezado por el Museo del Prado y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En tercer lugar se posiciona el Festival y la cuarta y quinta plaza están ocupadas, respectivamente, por el Teatro Real y el Museo Thyssen – Bornemisza. A continuación, figuran el Museo Guggenheim Bilbao, PhotoEspaña, CaixaForum, Museo de Bellas Artes de Bilbao Bilbao y Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro.
El Observatorio de Cultura es un instrumento para tomar el pulso del sector, analizar tendencias, promover el debate e identificar carencias y oportunidades. Desde 2009 lleva a cabo una consulta anual para detectar las instituciones y acontecimientos culturales más destacados del año. En este último cuestionario han participado 472 expertos y profesionales del ámbito cultural: escritores, artistas, cineastas, actores, músicos, arquitectos y creadores de todos los campos, responsables de fundaciones, directores de museos, centros e instituciones culturales; editores, productores, promotores, galeristas y responsables de industrias culturales; comisarios de exposiciones y gestores culturales, así como responsables de áreas e instituciones culturales de la administración pública central, autonómica y municipal.
El festival, 100% presencial con entradas a 2,90€, rinde homenage a Charles Chaplin con el diseño del cartel oficial y una retrospectiva en la sección Imprescindibles.
El Festival Internacional de Cine de Barcelona-San Jorge (BCN FILM FEST), que este año se celebra del 15 al 23 de abril en los Cines Verdi de Barcelona como sede principal, ha presentado esta mañana el cartel oficial de su 5.ª edición y las primeras novedades confirmadas de su programación. El acto ha sido presentado por la directora del BCN FILM FEST, la periodista y crítica de cine Conxita Casanovas y el Director de RTVE en Cataluña, Pere Buhigas y Cristina Muñoz, Jefa de Documentales de TV3.
“Este año será una edición especialmente importante porque esperamos poder confirmar que el festival sigue creciendo de manera vigorosa, saludable y sólida”, ha comentado Conxita Casanovas a la presentación de la 5.ª edición del festival. “Creo que podemos contribuir a que la gente recupere la rutina de ir al cine y los espectadores recobren la confianza de ver cine en las salas”, ha añadido.
El BCN FILM FEST, fiel al espíritu cultural de San Jorge, vuelve a ofrecer películas que giran alrededor del eje temático Cine-Literatura-Historia dentro de la Sección Oficial, centrándose sobre todo en adaptaciones literarias, biopics de grandes personalidades y acontecimientos históricos de relevancia.
Cómo en ediciones anteriores, el Festival contará con 6 secciones: Sección Oficial, Cine con Gracia (dedicada a las comedias), Zona Abierta, Arte en Pantalla (dedicada a grandes documentales de arte), Imprescindibles (dedicada a clásicos del cine de autor, este año de Charles *Chaplin) y una sección dedicada al cine de un país invitado, en esta edición: Japan by CineAsia.
“Estamos haciendo un grandísimo esfuerzo para salir adelante el festival de manera presencial contando con talento internacional del nivel de Nicolas Winding Refn, que ha confirmado su asistencia. Y estamos muy agradecidos a los distribuidores que apuestan por el BCN FILM FEST en esta nueva edición, el que nos permite presentar una gran variedad de títulos muy atractivos en un año muy complicado para elaborar programaciones”, ha destacado Casanovas.
La directora también ha remarcado que “tener a Chaplin en el cartel con motivo de la celebración del centenario de Chico y dedicarle la retrospectiva nos da la oportunidad de recuperar un espíritu y una mirada llena de ternura y humor que pienso nos viene muy bien en el momento actual que estamos viviendo”.
CARTEL OFICIAL
El cartel oficial del BCN FILM FEST 2021 rinde homenaje al primer largometraje de Charles Chaplin, THE KID (El chico), en el centenario de su estreno. La imagen del pequeño Jackie Coogan del clásico de Chaplin, en una sala, como fascinado por la película que se proyecta en una pantalla que solo él puede ver, también pretende reivindicar el poder y la magia del cine en un momento como el actual, en el cual, como decimos en el spot del festival, parece que lo necesitamos más que nunca.
El centenario THE KID (El chico) es el motivo que nos ha llevado a dedicar nuestra sección Imprescindibles a Charles Chaplin, con una amplia retrospectiva de su filmografía que incluye 10 películas y 7 cortometrajes. El diseño del cartel es de Joel B. Garcia de VECTOR WHO.
ESPOT OFICIAL
El spot entabla un tipo de diálogo con el cartel del festival. Un diálogo cómplice entre pioneros del cine: el icono del personaje creado por Chaplin y el símbolo que representa el origen de todo, el cinematógrafo de los hermanos Lumière. Un spot que evoca y reafirma la necesidad del cine como arte popular por excelencia, tanto en la época en la cual fue inventado, hace ya más de 100 años, como en los tiempos complicados que hoy nos ha tocado vivir. El diseño del spot es de Paco Ruíz. Ver el spot
ADELANTO DE LOS PRIMEROS TÍTULOS DEL BCN FILM FEST 2021
La 5.ª edición del festival contará con una programación de más de 50 títulos entre sus diferentes secciones. A continuación un primer adelanto de la programación:
SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN
MAMÁ MARÍA (La Daronne)
De Jean-Paul Salomé / Con Isabelle Huppert, Hippolyte Girardot
Francia / Première española
PENGUIN BLOOM
De Glendyn Ivin / Con Naomi Watts, Andrew Lincoln, Jacki Weaver
Australia, Estados Unidos / Première española
PEQUEÑO PAÍS (Pequeño Pays)
De Eric Barbier / con Jean-Paul Rouve
Francia, Bélgica / Première española
SOMBRA De Bruno Gascon
Portugal / Première española
SUEÑOS DE UNA ESCRITORA EN NUEVA YORK (My Salinger Year)
De Philippe Falardeau / Con Margaret Qualley y Sigourney Weaver
Canadá, Irlanda / Première española
THE GOOD TRAITOR (Bordes mand y Amerika)
De Christina Rosendahl / Con Ulrich Thomsen
Dinamarca / Première española
YALDA, A NIGHT FOR FORGIVENESS
De Massoud Bakhshi
Irán, Francia / Première española
SECCIÓN OFICIAL (FUERA DE COMPETICIÓN)
LA MUJER DEL ESPÍA (Wife of a spy)
De Kiyoshi Kurosawa
Japón / Première catalana
PAOLO CONTE, VÍA CON ME
De Giorgio Verdelli
Italia/ Première catalana
CINEMA AMB GRÀCIA
BLITHE SPIRIT
De Edward Hall / Con Dan Stevens, Isla Fisher, Judi Dench
Reino Unido / Première española
EL TRIUNFO (Un triomphe)
De Emmanuel Courcol / Con Kad Merad
Francia / Première catalana
ZONA ABIERTA
VALHALLA RISING (2009)
De Nicolas Winding Refn / Con Mads Mikkelsen
Dinamarca, Reino Unido
IMPRESCINDIBLES –CENTENARIO EL CHICO RETROSPECTIVA CHARLES CHAPLIN
EL CHICO (1921)
UNA MUJER DE PARÍS (1923)
LA QUIMERA DE ORO (1925)
EL CIRCO (1928)
LUCES DE LA CIUDAD (1931)
TIEMPOS MODERNOS (1936)
EL GRAN DICTADOR (1940)
MONSIEUR VERDOUX (1947)
CANDILEJAS (1952)
UN REY EN NUEVA YORK (1957)
Cortometrajes:
VIDA DE PERRO (1918)
¡ARMAS AL HOMBRO! (1918)
AL SOL (1919)
UN DÍA DE JUERGA (1919)
VACACIONES (1921)
DÍA DE PAGA (1922)
EL PEREGRINO (1923)
EL JURADO
La 5.ª edición de el BCN FILM FEST contará con el polifacético director de cine y de teatro y actor Mario Gas en calidad de Presidente del Jurado. Galardonado el 1996 con el premio Nacional de Teatro de Cataluña y nombrado Director del Teatro Español el 2004, como actor de cine ha forjado una extensa carrera con más de 30 películas a su haber. Ha trabajado con grandes directores como Vicente Aranda, Bigas Luna, Berlanga o Ventura Pons, y recientemente lo hemos podido ver a “La Vampira de Barcelona”. Como actor de doblaje es la voz habitual de actores como Ben Kingsley, Geoffrey Rush, Bill Nighy o John Malkovich.
La actriz Laia Marull, con tres Goyas, Mejor Actriz Revelación por su papel a “Fugitivas”, Mejor Actriz por “Té doy mis ojos” y Mejor Actriz de Reparto por “Pan Negro” y el director Jaume Balagueró completan el jurado de esta quinta edición. *Balagueró es uno de los precursores del cine de terror español y responsable de títulos como “Los sin nombre”, la saga “Rec”, “Frágiles”, “Mientras duermes” y “Way Down”, último trabajo que está pendiente de estreno.
ACTIVIDADES PARALELAS DEL FESTIVAL
Como en las ediciones anteriores, el festival completará su programación con charlas y coloquios variados. Las actividades paralelas del festival serán gratuitas. Toda la información de las actividades paralelas se dará a conocer durante el mes de marzo. Un primer adelanto.
>> Coloquio presencial con el director Nicolas Winding Ref
>> Coloquio Charles Chaplin – Con motivo del Centenario EL CHICO se realizará un coloquio de especialistas con la participación de Carmen Chaplin, nieta de Charles Chaplin, quien presentará las primeras imágenes del documental: “Charlie Chaplin, A Man of the World”.
>> 4.ª Jornada de Guionistas e Industria con la colaboración de PROA.
>> Presentaciones de libros relacionados con el cine y la historia, con la colaboración de Penguin Random House y FNAC.
ENTRADAS A 2,90€ Y SESIONES GRATUITAS
El festival continuará con un precio de 2,90€ para la mayoría de las sesiones de los cines Verdi y con sesiones gratuitas Imprescindibles (retrospectiva Charles *Chaplin) en varios centros cívicos de la ciudad de Barcelona. Un festival popular y abierto en la ciudad.
En este LINK se puede recuperar el video resumen de la edición de 2020 de el BCN FILM FEST que contó con más de 8.000 espectadores (a pesar de las restricciones de aforo a causa de la Covid19).
El proceso de acreditación para prensa e industria para la quinta edición del BCN FILM FEST empezará el próximo 12 de febrero y acabará el 12 de marzo de 2021.
El BCN FILM FEST cumplirá con todas las medidas sanitarias y de seguridad, así como el máximo aforo previsto que marque la ley en el momento de la celebración del festival.
Ya queda menos para volver a disfrutar de una selección de la mejor cosecha de cine indie del año con el único festival del sur de Europa especializado en Cine Independiente Norteamericano. Americana Film Fest es consciente de la situación actual debida a la pandemia mundial y por eso se realizará en un formato híbrido con la presencia física que las autoridades establezcan en su momento y con una presencia online. Las sedes físicas del festival serán como siempre los Cines Girona, Zumzeig, Phenomena y Filmoteca de Catalunya. La sede online será la plataforma Filmin. Otra novedad que queremos anunciar es la expansión del festival gracias a la nueva sede del festival en Madrid: Círculo de Bellas Artes.
Teniendo en cuenta esta nueva estructura el calendario del festival será:
Del 3 al 14 de marzo en Filmin
Del 2 al 7 de marzo en Barcelona
Del 12 al 14 de marzo en Madrid
Las fechas de las sedes físicas podrán quedar afectadas por las posibles restricciones covid. Si se da el caso anunciaremos los posibles cambios en nuestras redes sociales. Stay tunned!
Ya es una tradición de estas fechas, Americana lanza su oferta única navideña por un tiempo limitado. Podrás comprar tu abono de 6 película a un precio excepcional de 30 euros hasta agotar las existencias. Atención: estos abonos solo serán válidos para las sesiones en Barcelona (Cinemes Girona, Zumzeig) del festival. Este abono te permitirá el acceso a seis sesiones del festival y es compartible, es decir, puedes cambiar más de una entrada por sesión para disfrutar del buen cine en compañía.
Próximamente tendréis noticias sobre los abonos para Filmin y sobre las entradas para el Círculo de Bellas Artes (Madrid).
Y como no podía ser de otra forma, aquí tenéis dos confirmaciones de la octava edición:
Palm Springs
(Max Barbakow)
Sin duda una de las sensaciones de la pasada edición de Sundance. Palm Springs contiene todos los ingredientes indes que más nos gustan: comedia romántica y ciencia ficción. Andy Samberg, Cristin Milioti y J.K. Simmons protagonizan esta especie de Atrapado en el tiempo del siglo XXI.
The Killing of Two Lovers
(Robert Machoian)
Americana acogerá el estreno español de una de las películas del año: The Killing of Two Lovers. Tras su paso por Sundance consiguió ser la mejor película en el Atlanta Film Festival y este mes ha entrado en el listado de recomendaciones de Nuevos Directores de IndieWire.
A estos dos títulos se le añade la película que os anunciamos el mes pasado: Bloody Nose Empty Pockets de Bill Ross IV i Turner Ross. Documental multipremiado presente en festivales como Sundance, Berlín o Champs-Élysées, donde ganó el premio a la mejor dirección. Una experiencia única que podremos disfrutar gracias a la colaboración de este año con el Festival Rizoma.
Tres chicas, que han sido inseparables desde niñas, invocan el espíritu de Kandisha, una criatura vengativa e inquietante que se encuentra en las leyendas marroquíes. Lo que solo pretendía ser un juego se convierte en una pesadilla cuando las relaciones cercanas del trío comienzan a desaparecer en circunstancias cada vez más trágicas.
Alexandre Bustillo y Julien Maury volvían a Sitges con su nuevo trabajo titulado Kandisha, una película que supone el regreso de los realizadores galos a su país de origen después de un más que traumático paso por tierras estadounidenses, un trayecto este último plagado de varios proyectos cancelados y un film tan impersonal como carente de cualquier tipo de autoría como resulto ser Leatherface.
Viendo como está trascurriendo su trayectoria posiblemente sea el momento idóneo de intentar saber posicionar con una mayor perspectiva y ecuanimidad el lugar ocupado por Alexandre Bustillo y Julien Maury dentro del género fantástico europeo pues en cierta manera pertenecen a esa clase de autores que parecen no haber cumplido del todo las expectativas iniciales atribuidas a su opera prima, o más bien se han visto incapacitados a la hora de satisfacer el ruido mediático generado en su debut. Es evidente que À l’intérieur marca de alguna manera un punto álgido de aquella tendencia fílmica denominada extremismo francés, una película sin embargo más direccionada a ser aplaudida y etiquetada en base al concepto por el que se movía que por sus propios méritos cinematográficos. Sea como fuera los posteriores trabajos de Alexandre Bustillo y Julien Maury no han estado sustentados a través de esa atribuida autoría de talante rompedor que a su manera redefiniera conceptos dentro del fantástico como si se percibe de algún modo en la trayectoria de su compatriota Pascal Laugier estando más cerca en espíritu a Alexandre Aja en lo concerniente a recurrir a la referencia, e incluso en ocasiones a trabajos de claro carácter alimenticio, como se ha demostrado en sus películas posteriores Livide, posiblemente su mejor película realizada hasta la fecha, Aux yeux des vivants y Leatherface. Kandisha pertenece de una forma evidente a este grupo de trabajos expuesto aquí en base a una entretenida y funcional reinterpretación narrativa del Candyman de Bernard Rose. Un film competente en base a una cuidada factura técnica pero intrascendente más allá de ser un mero entretenimiento genérico de unas claras y nada disimuladas texturas comerciales que transita a través de un terror urbano con espíritu vengativo de por medio situado escénicamente en las periferias de los barrios humildes de las grandes ciudades a la hora de indagar en la parte ancestral y exótica de la leyenda maldita siempre dentro de un contexto de realismo social. La película de Alexandre Bustillo y Julien Maury, que ya tienen un nuevo film listo titulado The Deep House, se aparta por consiguiente de ese supuesto tono trasgresor que algunos quisieron ver en À l’intérieur, a tal respecto posiblemente lo mejor de Kandisha radique en ser conciente de sus propias limitaciones siendo un producto de terror tópico, sencillo y directo, alejado de supuestas pretenciosidades nacidas bajo el amparo de unas expectativas tan elevadas como mal interpretadas en su momento.
Valoración 0/5: 2
May the Devil Take You Too
Dos años después de escapar del demonio, Alfie y Nara tratan de rehacer sus vidas. Pero la primera sigue atormentada por la culpa y sufre visiones extrañas. En realidad, el tormento está muy lejos de haber terminado, ya que una entidad ávida de almas acecha todos sus pasos.
Podríamos aseverar a estas alturas que el realizador indonesio Timo Tjahjanto es todo un referente en lo concerniente al cine de género proveniente de Asia, la curiosa Macabre fue su primera toma de contacto con el terror, tras sus correctas participaciones en las colectivas The ABCs of Death y V/H/S/2 en 2018 presento en Sitges por partida doble The Night Comes for Us y May the Devil Take You, esta última una cinta de terror satánico y posesiones expuesta a modo de una efectiva catarata de jump scares cuya segunda parte, fiel en estilo y espíritu a la primera, estuvo presente este año en el certamen catalán.
Ya habíamos hecho referencia en anteriores crónicas de esta edición de como el cine de horror proveniente de Indonesia ocupo este año en Sitges un lugar bastante privilegiado en referencia a las cinematografías asiáticas que transita a través del terror, junto a Impetigore y The Queen of Black Magic el film de Timo Tjahjanto se erigió como uno de los más incisivos en esa cada vez más complicada tarea de intentar satisfacer las exigencias del actual fandom del fantástico. En tal sentido May the Devil Take You Too sigue las mismas directrices que su antecesora, si acaso amplifica aún más los conceptos antes mostrados en base a ser ese tipo de cine que en ningún momento quiere disimular las que son sus referencias, en este caso y de forma muy evidente las dos primeras partes de la saga Evil Dead de Sam Raimi, aquí mostrado en base a una acción escenificada primordialmente a través de un espacio cerrado en donde sus habitantes ocasionales son sistemáticamente atacados por una deidad de índole demoníaco en relación a la continua exposición de un terror visceral expuesto a modo de tren de la bruja permitiéndose el lujo Timo Tjahjanto incluso de apuntar en la historia ciertas texturas del folklore asiático, un producto afín de cuentas en donde no parece llegar a ser un déficit, de ahí su gran virtud, el seguir por unas rutas genéricas percibidas y desarrolladas como muy prestablecidas.
Valoración 0/5: 3
Tin Can
Mientras el planeta sucumbe a una plaga mortal, una parasitóloga queda encerrada en una cámara de suspensión vital. Al despertar, halla a los herederos de la Tierra y, para sobrevivir, deberá acabar con los últimos vestigios de su propia especie.
Hace un par de años el joven realizador canadiense Seth A. Smith presento en Sitges la interesante The Crescent, historia de fantasmas de trazo vanguardista y estructura algo arty anclada en un limbo temporal que nos remitía fugazmente a texturas propias de la fundamental The Twilight Zone, con Tin Can, su tercer trabajo tras las cámaras, presente en la sección Panorama Fantàstic cambia casi por completo de rumbo y tono a la hora de ofrecernos un modesto y curioso relato minimalista de ciencia ficción.
Tin Can nace de la necesidad perentoria de ese concepto de intentar rentabilizar al máximo la falta de recurso con algo de imaginación y talento, de hecho el film parece dar la impresión de estar vertebrado en base a dos mediometrajes, esto no resta interés a una propuesta en apariencia interesante pero algo irregular en referencia a su narrativa. Tras una presentación en donde una pandemia de difícil control amenaza con destruir la humanidad, que nos pone solo de forma aparente en situación, llega una primera parte, posiblemente la más interesante de la película, en donde se nos muestra un confinamiento extremo que toma referencias a conceptos claustrofóbicos vistos en películas como por ejemplo el Buried de Rodrigo Cortés o Cube de Vincenzo Natali, este segmento de la historia de un claro tono minimalista, al igual que las películas comentadas, como mandan los cánones basa su principal razón de ser mediante la incertidumbre de su narrativa, en tal aspecto hacemos un viaje casi en paralelo a la protagonista en lo concerniente a saber el porqué de tal situación, hasta ese momento la película función relativamente bien dadas su modesta pero aplicada estructura, la parte más discutible del film de Seth A. Smith posiblemente venga en lo relativo a una parte final en donde se cambia casi por completo de tono, la supuesta fuga al exterior motivara las respuestas pertinentes a las interrogantes anteriores utilizando de forma algo discutible el recurso del flashback temporal, artificio este que hace entrar al relato en una especie de agujero de gusano más direccionado al drama que al fantástico propiamente dicho, una tesitura genérica que nos lleva a preguntarnos si realmente era necesario tales recursos narrativos a la hora de contar una historia en apariencia bastante simple, un déficit que en parte también ya era percibida en su anterior The Crescent. En tal respecto, y sin que sirva como un mal endémico pues Seth A. Smith sigue percibiéndose como un interesante realizador aún por pulir, parece bastante claro que Tin Can, pese a ciertos hallazgos concernientes a la utilización de recursos escénicos bastantes ingeniosos, pertenece a ese tipo de películas que funcionan mucho mejor planteando preguntas que respondiéndolas.
Valoración 0/5: 2’5
Saint-Narcisse
El fetiche de Dominic es… él mismo. Nada le excita más que su reflejo. Por eso, descubrir que tiene un hermano gemelo, criado en un monasterio remoto por un sacerdote depravado, le causa una gran turbación. El destino vuelve a juntar a los dos jóvenes, y su relación fraternal se retuerce entre el sexo, la venganza y la redención.
Por alguna razón que escapa a mi entendimiento el realizador canadiense Bruce LaBruce se ha convertido en estos últimos años en una figura muy recurrente dentro del Festival de Sitges, posiblemente debido a ser un autor que tenga la costumbre de tomar referencias de ciertos conceptos de la serie B a la hora de redefinir una autoría lindante con lo underground, sea como fuera Saint-Narcisse su último trabajo tras las cámaras estuvo presente en Sitges aportando una buena dosis de esa característica tan particular que atesoran ciertas filmografías que suelen transitar a través de la irreverencia autoral.
Encuadrado como no podía ser de otra manera dentro de la sección Noves Visions Bruce LaBruce, por aquello del elemento fantástico, entro en Sitges con aquella demencial L.A. Zombie en donde se mezclaban sin apenas pudor el gore con el porno gay, como ha declarado en diversas entrevistas el cine porno, tan presente en toda su trayectoria, ha sido utilizada en la gran mayoría de ocasiones en sus películas a modo de herramienta subversiva política, Saint-Narcisse sigue moviéndose por unos patrones similares a anteriores trabajos suyos sin embargo el tono de extravagancia da la impresión de ser algo más depurado y por lo tanto menos agresivo como lo demuestra que en el pasado Festival de Cine de Venecia fuera, aun en secciones paralelas, galardonado. No se trata de un adocenamiento y si más de una evolución hacia un discurso y una narrativa percibida como más depurada, a tal respecto la irreverencia que encontramos en Saint-Narcisse, su proyecto más ambicioso realizado hasta la fecha contando con un presupuesto de 2 millones de dólares, cifra que evidentemente no lo mueve fuera de unos parámetros de cine independiente de nivel bajo, esta direccionada principalmente a ser una crítica al concepto tradicional de la familia y la iglesia, esta última expuesta como ente material que imposibilita búsqueda del yo interior, en esta ocasión el discurso resulta bastante más matizado sin llegar a recurrir a ese artificio morboso algo repetitivo e innecesario que normalmente suele utilizar el responsable de The Misandrists. Saint-Narcisse, que atesora curiosos apuntes acerca de la dualidad del individuo, recrea el mito del narciso bajo un prisma que parece mirar al cine de los años 70 en base a una amalgama genérica diversa en donde predomina el thriller mostrado en base a una curiosa ambientación gótica aquí expuesta a través de recursos simbólicos muy estéticos . Bruce LaBruce vuelve a echar mano a la exploitation en la medida de ser posiblemente el tipo de cine más directo a la hora de intentar exponer una incorreción política de lo que está sucediendo, también en lo concerniente a reformular el concepto del supuesto valor del shock dentro del relato, en esta ocasión mostrado de una forma algo menos abrupta e incoherente que de costumbre.
Valoración 0/5: 2
Spookies
Un avejentado alquimista colecciona en su mansión maléfica todo tipo de monstruos: zombies, gnomos, arañas, alienígenas, muppets y viejos fantasmas. En tal circunstancia aprovecha la incidental visita de un grupo de parejas imbéciles, para sacrificarlos y revivir a su esposa que ha estado durmiendo los últimos setenta años.
Dentro de la sección Seven Chance han ido apareciendo en estos últimos años una serie de películas que aprovechando su salida en formato digital reivindican en cierta manera aquel cine de género consumista recurrente en los video clubs de los años ochenta, films que por diferentes motivos han quedado casi enterrados en el anonimato en las últimas décadas siendo muchas de ellas auténticas desconocidas para el nuevo fandom del fantástico, si en la pasada edición del festival muchos pudieron descubrir por primera vez la notable Dream Demon de Harley Cokeliss en esta ocasión el turno es para un divertimiento tan desprejuiciado como Spookies.
El rescate o la proyección de una película de las características de Spookies atesora una doble lectura con respecto al espectador ya algo veterano y el digamos recién llegado, por una parte una de un claro índole nostálgico con respecto al primero en base a recuperar aquellas series B disponibles en formato doméstico que marcaron a toda una generación, no ya por la valía de las películas en sí mismo sino por ese concepto material de poder tener la potestad por primera vez en tu vida de elegir un film para poder verlo en tu casa el día y la hora que quisieras, evidentemente dicho privilegio direcciono a un nutrido grupo de aficionados al descubrimiento casi arqueológico de un tipo de cine de género fantástico de serie B nacido específicamente para dicho mercado, en tal sentido Spookies formaría parte de él, en el otro apartado vendría la reflexión de índole ya menos emotiva que se detenga en lo concerniente a como hoy en día asimilamos un producto de estas características al ser inconcebible el poder llegar a realizarlas en el presente llegando a la conclusión de que el entretenimiento base sin ningún tipo de pretensión tal como lo concebían aquellas películas en la actualidad, incluso en el escalafón más bajo que podamos encontrar en cualquier opera prima de tono independiente, está más concebido a intentar mostrar de forma sistemática algo más que un simple divertimento genérico. Con respecto a intentar desgranar las virtudes y defectos de Spookies estamos ante esa clase de películas que necesitan de muy poca explicación al estar concebida básicamente para ser disfrutada más que analizada, la película se sitúa solo un escalón por encima de cualquier producción Troma de la época, de hecho estamos ante un film realizado en base el descarte de otro, solo así se puede legar a entender tanto la triple nómina de directores que la conforman, Genie Joseph, Thomas Doran y Brendan Faulkner, como al caos narrativo del que se sustenta, inexplicable infanticidio al principio del relato incluido. Con esa agradable exaltación hacia el maquillaje artesanal y las referencias ineludibles a lo que por aquel entonces estaba de moda en el fantástico, desde el Evil Dead de Sam Raimi al Michael Jackson’s Thriller de John Landis, Spookies dada su honestidad fue un acertado broche final al certamen en el vetusto pero entrañable cine Prado por parte de un servidor, una nueva edición de un Festival de Sitges que pese a todas las dificultades habidas y por haber ha decidido seguir adelante un año más. A tal respecto gracias por el esfuerzo.
Valoración 0/5: 3
Palmares
Secció Oficial Fantàstic a competició
Millor pel·lícula / Mejor película / Best Feature Length Film Possessor Uncut(Brandon Cronenberg)
Premi especial del jurat / Premio especial del jurado / Special Jury Prize La nuée de/by Just Philippot
Millor direcció / Mejor dirección / Best Direction (sponsored by Moritz)
Brandon Cronenberg (Possessor Uncut)
Menció a la direcció/ Mención a la dirección / Mention to the Direction Natalie Erika James (Relic)
Millor interpretació masculina / Mejor interpretación masculina / Best Actor (sponsored by Vilamòbil)
Grégoire Ludig & David Marsais (Mandibules)
Millor interpretació femenina / Mejor interpretación femenina / Best Actress (sponsored by So de Tardor)
Suliane Brahim (La nuée)
Menció a la interpretació femenina / Mención a la interpretación femenina / Mention to the Best Actress Marin Ireland (The Dark and The Wicked)
Millor guió / Mejor guion / Best Screenplay (sponsored by Fundació «la Caixa» & CaixaBank)
Márk Bodzsár, Juli Jakab & István Tasnádi (Comrade Drakulich)
Millors efectes especials / Mejores efectos especiales / Best Special Effects (sponsored by Kelonik & Antaviana)
Maks Naporowski, Filip Jan Rymsza, Dariush Derakhshani (Mosquito State)
Millor fotografia / Mejor fotografía / Best Photography Tristan Nyby (The Dark and The Wicked)
Millor música / Mejor música / Best Music Bingen Mendizábal & Koldo Uriarte (Baby)
Gran Premi del públic a la millor pel·lícula / Gran Premio del público a la mejor película / Audience Award Best Motion Picture (sponsored by La Vanguardia) La vampira de Barcelona(Lluís Danés)
Millor curtmetratge de gènere fantàstic / Mejor cortometraje de género Fantástico / Best Fantastic Genre Short Film (sponsored by Fotogramas) The Luggage(Yi-fen Tsai)
Menció al curtmetratge / Mención al cortometraje / Mention to the Short Film Rutina: La prohibición(SAM)
Panorama Fantàstic
Millor pel·lícula / Mejor película / Best Feature Film Tailgate (Bumperkleef) de Lodewijk Crijns
Focus Asia
Millor pel·lícula / Mejor película / Best Feature Film
Menció a la pel·lícula / Mención a la película / Mention to the Film El elemento enigmático (Alejandro Fadel)
Millor direcció / Mejor dirección / Best Direction Laura Casabé (Los que vuelven)
Millor curt Noves Visions Petit Format / Mejor corto Noves Visions Petit Format / Best Noves Visions Petit Format Short Luz Distante – Parte 1, Les desventurades (Santiago Reale)
Midnight X-treme Premi del públic a la millor pel·lícula / Premio del público a la mejor película / Audience Award Best Motion Picture The Queen of Black Magic (Kimo Stamboel)
Sitges Documenta Premi a la millor pel·lícula / Premio a la mejor película / Award Best Motion Picture Ivan, O Terrível (Mario Abbade)
Blood Window Premi Blood Window / Premio Blood Window / Blood Window Award Marea alta (High Tide) de/by Verónica Chen
Jurat de la Crítica Premi de la Crítica José Luis Guarner / Premio de la Crítica José Luis Guarner / José Luis Guarner Critic’s Award Teddy(Ludovic Boukherma & Zoran Boukherma)
Premi Citizen Kane a la direcció revelació / Premio Citizen Kane a la dirección revelación / Citizen Kane Award for Best New Direction Jonathan Cuartas (My Heart Can’t Beat Unless You Tell It To)
Méliès d’Argent Premi al Millor Curtmetratge /Premio al Mejor Cortometraje / Award for Best Short Film Dar-dar de Paul Urkijo
Premi a la Millor Pel·lícula/ Premio a la Mejor Película / Award for Best Feature Film Le dernier voyage de Paul W.R de Romain Quirot
Carnet JOVE Premi Jurat Carnet Jove al millor llargmetratge de gènere fantàstic / Premio Jurado Carnet Jove al mejor largometraje de género fantástico / Carnet Jove Award for Best Fantasy Genre Feature Film She Dies Tomorrow(Amy Seimetz)
Premi al millor llargmetratge d’animació / Premio al mejor largometraje de animación / Award for Best Animated Feature Film Seven Days War (Yuta Murano)
Premi al millor curtmetratge d’animació / Premio al mejor cortometraje de animación / Award for Best Animated Short Film Red Rover(Astrid Goldmisth)
Brigadoon Premi Brigadoon Paul Naschy / Premio Brigadoon Paul Naschy / Paul Naschy Brigadoon Award Horrorscope(Pol Diggler)
Jeremiasz Angust es un arquitecto de éxito que dirigiéndose al aeropuerto de Tokyo pierde su vuelo a causa de una misteriosa joven, Texel Textor, que lo aborda de repente. Los dos personajes iniciarán una conversación que irá enrareciéndose hasta convertirse en algo siniestro y criminal.
El realizador catalán Kike Maíllo vino a confirmar con su competente Cosmética del enemigo su buena mano con los géneros ya comprobados en anteriores trabajos suyos como aquella fantasía robótica de ciencia ficción titulada Eva, presente como inauguración en Sitges 2011, o el aplicado thriller patrio Toro, con Cosmética del enemigo, su proyecto más internacional y ambicioso realizado hasta la fecha, Maíllo se adentra en ese algo pantanoso terreno de las adaptaciones literarias populares contemporáneas.
Partiendo de la base de la exitosa novela homónima de la escritora belga Amélie Nothomb publicada en 2001 Cosmética del enemigo película transcurre básicamente a través de ese concepto de características tan teatrales existente en base a la confrontación dialéctica entre dos únicos y antagonistas personajes, dicho duelo con respecto al texto original difiere de forma lógica al estar sustentando bajo paramentos y conceptos de índole más cinematográficos, especialmente en referencia a la incorporación de más espacios escénicos a la trama, la mayoría de ellos mostrados en forma de flashbacks en base a continuos saltos narrativos y temporales. Como buen thriller psicológico que es en donde evidentemente nos encontraremos tarde o temprano con los consabidos giros argumentales Cosmética del enemigo nos muestra a través de ese duelo verbal mal avenido ya desde un principio, y que conforma avanza la trama se vuelve más oscuro, comportamientos en un principio de naturaleza oculta como la culpa que genera la aparición de fantasmas del pasado, aquellos males que se intentan de alguna manera tapar con respecto a los demás pero que aquí terminan, debido a esa fricción dialéctica, saliendo al exterior. El film de Kike Maíllo, posiblemente la película española presente en el certamen con más posibilidades comerciales con respecto al mercado foráneo, pese a moverse de forma funcional por unos inequívocos parámetros del thriller entendido como convencional se beneficia de un buen uso escénico en referencia a ese amplio aeropuerto que pese a su amplitud geométrica viene a representar a la perfección en base a sus texturas asépticas e impersonales la idea del no-lugar, un espacio grande que deviene como pequeño para el protagonista, a la postre una pequeña caja de ratón que nos viene a decir como por muchos viajes y huidas que intentemos tomar el subconsciente siempre ira un paso por delante de nosotros, disyuntiva casi emparentada a la sufrida por el personaje de la notable The machinist de Brad Anderson, aquí expuesta a modo de un trauma que siempre acompañara al protagonista en forma de un autoengaño de ineludible poder autodestructivo.
Valoración 0/5: 2’5
Inmortal
Ana llega a Buenos Aires tras la muerte de su padre. A través de su viuda descubre que un científico llamado Benedetti fue contratado por una misteriosa fundación, para la que está desarrollado un mundo paralelo que permitiría que los vivos y los muertos entren en contacto.
Algo arrinconada por el impacto que tuvo en el festival Historia de lo oculto, Inmortal de Fernando Spiner (Aballay, el hombre sin miedo, La sonámbula) fue otra de las producciones de género argentinas presentes este año en Sitges, un drama fantástico que indaga en ese difícil imaginario que intenta recrear la difícil coexistencia mental, aquí física gracias al elemento fantástico científico, entre vivos y muertos.
Inmortal, presentada en el festival como riguroso estreno mundial, transita a través de dimensiones paralelas partiendo de una premisa en un principio interesante, un simple ascensor actúa como umbral entre el mundo real y un reducto artificial en donde los muertos de alguna manera se materializan pudiendo interactuar con ellos, dicho espacio escénico viene a estar representado en las antípodas de por ejemplo la ampulosidad colorista vista en el imaginario creado por Richard Matheson y Vincent Ward en What dreams may come, puestos a buscar algunas similitudes por aquello de las realidades alternativas a un nivel visual y salvando las distancias pues ambos ejemplos no pueden ser más antagonistas entre ellos ese universo de los llamados residentes visto en Inmortal se asemeja en algo a aquel segundo plano terrenal recreado en la serie Fringe, ambos espacios devienen como asépticos y mortecinos con un predomínate filtro amarillo que actúa a modo de tamiz a la hora de mostrar la carencia vital de los que lo habitan. El problema con Inmortal posiblemente venga en relación a un choque percibido como abrupto en referencia a no saber calibrar del todo bien sus facetas genéricas, un servidor tiene la intuición de estar esencialmente ante un drama en donde predomina en todo momento un muy acentuado realismo que entra en una continua fricción con un elemento fantástico aquí mostrado con demasiada incredulidad, este de alguna manera ha de ser la posibilidad, o la llave narrativa, a la hora de mostrarnos un melodrama que intenta explorar las relaciones filiales en base a la búsqueda de una afectividad que fue carente en vida, sin embargo la sensación final es que la fantasía o la fantasmagoría del relato no deja de ser solo una mera excusa expuesta con bastante aparatosidad, lamentablemente tan mal desarrollada como la visualización mostrada en la película con respecto a ese difuso vínculo existente entre ambos universos.
Valoración 0/5: 2
Impetigore
Confinada en la cabina del peaje donde trabaja, Maya observa cómo un coche se para, y un hombre desciende y se dirige hacia ella machete en mano. La única que le puede ayudar es su amiga Dini, pero está lejos. El susto inicial dará paso a un viaje a un pueblo selvático, en el que Maya y Dini buscarán respuestas, pero lo único que encontrarán serán las suspicacias de sus habitantes.
Algo sorprendente como en un año en donde el cine proveniente de Japón, Corea de sur o Hong Kong tuvo una presencia casi residual en Sitges fuera un país como Indonesia el que tuviera la presencia más fiel y destacada, en referencia básicamente al reciclaje de conceptos genéricos, en lo concerniente al terror asiático presente en esta edición del certamen, trabajos como The Queen of Black Magic de Kimo Stamboel, May the Devil Take You Too de Timo Tjahjanto o el Impetigore de Joko Anwar que nos ocupa mostraron y dieron buena cuenta del buen momento de dicho país en lo concerniente a un terror que sin renunciar a señas de identidades propias es perfectamente exportable a otras latitudes.
Joko Anwar, también guionista de la antes comentada y también presente en el festival The Queen of Black Magic, no es un recién llegado al género, suyas son aportaciones direccionadas en mayor o menor medida al fantástico como por ejemplo The Forbidden Door (2009), Modus Anomali (2012) o Satan’s Slaves (2017) entre otras, con Impetigore, ejercicio de terror tan funcional como recomendable, se adentra en el subgénero de la maldición aldeana en base a un relato de fantasmas vengativos con cierto aroma al folk horror local, un film que funciona principalmente en lo relativo a su malsana atmosfera rural. Con una primera escena muy efectiva a tal respecto Joko Anwar va al grano y necesita de muy poco tiempo a la hora de atraer a ese espectador poco exigente dispuesto a pasar un buen rato con un relato que le prometa no salir de determinadas coordenadas genéricas, en tal respecto Impetigore sale bien parada en base a la agraciada fusión de tropos de géneros clásicos con elementos de la historia y la cultura de su país de origen. Posiblemente los elementos que vertebra de la trama de Impetigore no sean novedosos y atesoren una cierta sobre explicación en algunos tramos de la historia, Joko Anwar sin embargo en referencia a esa ausencia de originalidad lo compensa con un estilo cercano al buen artesano del genero aportando aquí pequeños detalles y acotaciones a la hora de generar una tensión adicional al relato en lo concerniente por ejemplo a establecer una confrontación entre diferentes miradas y percepciones de la realidad, las modernas provenientes de las grandes ciudades en relación a las dos protagonistas principales y la tradicional, adyacente a un ámbito rural de tono amenazador anclado en supersticiones del pasado.
Valoración 0/5: 3
Citizen K
Es un rostro único, impenetrable. Es también un artista con múltiples caras. Takeshi Kitano encarna el nuevo cine japonés, el arquetipo del yakuza despiadado, pero también es un subversivo artista visual, un desatado comediante de televisión, un atizador de la conservadora sociedad japonesa.
Suele ser ya una norma casi habitual que figure algún trabajo documental dentro de esa sección tan interesante que es Seven Chances, este año la elección recayó en un habitual de Sitges y del formato de la no ficción como es Yves Montmayeur. Si en anteriores trabajos, la mayoría vistos en el festival, el francés disecciono figuras y corrientes cinematográficas como Takashi Miike (Electric Yakuza, Go to Hell!), Hayao Miyazaki y la Ghibli (Ghibli et le mystère Miyazaki), el nuevo cine fantástico español (Viva la muerte! Autopsie du nouveau cinéma fantastique espagnol), Guy Maddin (The 1000 Eyes of Dr Maddin) o la imagen de la mujer asiática en el cine de acción (Dragon Girls! Les amazones pop asiatiques), en esta ocasión su mirada recayó en esa figura de contornos casi poliédricos que es Takeshi Kitano.
Curioso y algo contradictorio el recibimiento que ha tenido en nuestro país la obra de Takeshi Kitano, como viene siendo habitual los primeros ecos de su cine vinieron tarde y de forma algo atropellada, fue en el año 1993 en donde por primera vez se pudo ver en un festival patrio, curiosamente en Sitges, una película suya, en esta ocasión Sonatine, a continuación vino un prestigio tan merecido como algo desmedido dentro de ese curioso y ambivalente ámbito de festivales y circuitos de exhibición en V.O con películas fundamentales a la postre en su carrera como fueron Hana-bi, El verano de Kikujiro, Dolls o Zatoichi, esa especie de beneplácito desapareció del día a la noche en el momento que el director japonés entra en un proceso de autocrítica autoral extrema y nada complaciente, primero con una trilogía del absurdo compuesta por Takeshis’, Glory to the Filmmaker! y Achilles and the Tortoise y después con una oscura y desencantada vuelta al subgénero yakuza con la magistral trilogía Outrage. A tal respecto Citizen K no deja de funcionar a modo de un apéndice algo funcional, al igual que en anteriores trabajos de Yves Montmayeur, todos ellos de poco más de una hora de duración, más que el estudio de una trayectoria completa entendida como tal el documental queda supeditado en referencia básicamente a una entrevista concedida por el propio Kitano, alrededor de ella habrá diferentes apuntes interesantes sobre las reflexiones lanzadas por el propio artista hacia su obra, sin embargo la sensación final será la de estar ante un documento en donde resulta más interesante el propio artista en cuestión, con muchas facetas aún desconocido para el público occidental, que la de un trabajo percibido como algo mecanizado e incompleto en referencia a su supuesta didáctica, en tal sentido Yves Montmayeur sabe indagar en aspectos poco comunes del material que maneja pero tiene más de un problema a la hora de saber cómo exponerlos sin otorgar una cierta sensación de estar ante un documental más concebido y direccionado a ser una especie de apéndice de naturaleza inacabada que indaga en recovecos poco transitados que en el propio estudio completo de la obra de un artista.
Valoración 0/5: 2’5
The Superdeep
1984, en el Círculo Ártico. Ubicado a 12.000 metros bajo el suelo, el Kola Superdeep es el mayor laboratorio secreto de la Unión Soviética. Unos meses después de su inauguración, diversos científicos registran allí voces y gritos de origen desconocido. El laboratorio es clausurado, enviando a un equipo de investigación liderado por Anna para averiguar qué se esconde exactamente en el pozo más profundo del planeta.
El cine de terror proveniente de Rusia que indaga en el concepto de la visita alienígena tuvo una doble presencia este año en Sitges, ambas películas situadas en los años ochenta, y nada complacientes con la precariedad del régimen de aquella época, se apropian de alguna manera de conocidos arquetipos narrativos provenientes del cine de género estadounidense, si por una parte la notable Sputnik de Egor Abramenko nos plantea en base a un estimulante ejercicio de terror y ciencia ficción una curiosa y hasta cierto punto interesante apropiación del concepto del astronauta en cuyo regreso a la tierra trae algo aparentemente peligroso en su interior, The Superdeep se presenta como otra variación más, de naturaleza bastante más tosca, en referencia al monstruo o alienígena que es despertado de su letargo por parte de la indagación científica del ser humano.
The Superdeep se presentó en Sitges como primicia mundial aunque la sensación que a un servidor le quedo fue más bien la de estar ante una especie de work in progress en donde es muy fácil percibir su condición de subproducto que a duras penas llega al nivel de una prototípica serie B. Tampoco fue de gran ayuda que la película presentada en Sitges fuera a través de una copia doblada al inglés de una forma excesivamente estridente, casi teatral, rozando en ocasiones y de forma involuntaria el tono caricaturesco. Posiblemente estemos en un momento del fantástico en base a su saturación en que ya no valga la sola referencia a clásicos a la hora de justificar un producto, en tal aspecto The Superdeep queda vertebrada básicamente en función al desarrollo de conceptos vistos en clásicos como Alien, The Thing y otros muchos, dicha digamos pleitesía también podría ser aplicable en este caso a la utilización de unos efectos especiales casi artesanales en donde predomina el látex a lo digital, expuestos en base a un look ochentero a semejanza de títulos pretéritos, sin embargo dichos artilugios no disimulan una aproximación que deviene como bastarda y farragosa en lo relativo a intentar escanear estándares genéricos provenientes del cine USA sin saber a ciencia cierta cuál es su propia naturaleza, aquí principalmente en lo concerniente a no saber hace mínimamente verosímil lo inverosímil. Para más inri a The Superdeep le falta acción y gore y le sobra bastante metraje, razón de más para intuir que sus responsables han intentado elevar la mirada muy por encima de unas posibilidades reales que dada la modestia, muy mal disimulada del producto, apenas logra elevarse a pocos metros de ras de tierra.
En un futuro próximo, las temperaturas han alcanzado nuevas e insoportables cotas. Casi toda la fauna se ha extinguido, cientos de millones de personas se han convertido en refugiados climáticos y las reservas de petróleo, carbón y gas se han agotado. A medida que la misteriosa Luna Roja se acerca peligrosamente a la Tierra, solo un hombre puede salvar el mundo: su nombre es Paul W.R.
En estos últimos tiempos los estrenos mundiales vistos en festivales de cine como el de Sitges no eran precisamente una garantía de calidad con respecto al producto en cuestión, digamos que era más bien todo lo contrario, en su gran mayoría solían ser películas que no habían podido encontrado una oportunidad mejor en otros certámenes de un mayor empaque publicitario teniendo que acudir a certámenes de una segunda línea de flotación para su promoción, a tal respecto Sitges con sus inconvenientes y sus ventajas lo es. Este año en el certamen hubo un número mayor de estrenos mundiales menos malos de lo habitual, la coyuntura que provoco la suspensión de muchos festivales previos a Sitges propiciaron un cupo mayor de lo habitual elevando tímidamente la calidad de muchos trabajos que veían por primera vez la luz en una pantalla de cine como resulto ser la curiosa opera prima del francés Romain Quirot titulada The Last Journey of Paul W. R.
The Last Journey of Paul W. R. fue otras de las interesantes óperas primas francesas vistas este año en Sitges, un film que tiene la parcial virtud de aproximarse con cierta originalidad a la temática de los últimos días del apocalipsis y como el ser humano se tiene que enfrentar a ello, en la mayoría de los casos este concepto ha estado expuesto en diversas películas a través de una premisa en donde por medio de un Macguffin predominaba una especie de cuenta contrarreloj como se podía ver en la apreciable Miracle Mile de Steve De Jarnatt, en otras muchas como por ejemplo la australiana These Final Hours de Zak Hilditch, la canadiense Last Night de Don McKellar o la más autoral 4:44 Last Day on Earth de Abel Ferrara el mal era ya irreversible y la disyuntiva de los protagonista se desarrollaba en la medida de cómo aprovechar y afrontar de forma algo lúdica las últimas horas de su existencia antes de producirse el cataclismo. The Last Journey of Paul W. R. coge de forma parcial ambos conceptos pero a través de una mirada totalmente diferente a lo anterior colindando de forma muy recurrente con lo poético y muy especialmente con lo reflexivo en base a la advertencia que intenta exponer. La acción, con ciertas texturas derivativas al comic y muy especialmente al Métal Hurlant en referencia a su estética, toma conceptos de forma tímida de la ciencia ficción apocalíptica y desértica al uso para jugar y revertir dichos código y clichés que aquí serán expuestos a modo de fábula intimista de un tono inevitablemente fatalista en donde el mensaje de índole ecológico, aquel que nos dice una vez más que la humanidad está destruyendo poco a poco el mundo, está muy presente, a tal respecto y de forma algo afortunada Romain Quirot sale relativamente airoso de ese farragoso subrayado tan habitual en este tipo de películas de claro tono concienciador.
Valoración 0/5: 2’5
Mosquito State
Agosto de 2007. Aislado en su austero ático con vistas a Central Park, el analista de datos de Wall Street Richard Boca ve patrones siniestros. Sus modelos informáticos se están comportando de manera errática, igual que los enjambres de mosquitos que se reproducen en su apartamento, una plaga que ayuda a su derrumbe psicológico.
El cineasta polaco-estadounidense Filip Jan Rymsza conocido principalmente por ser responsable de la restauración de ese film perdido e inacabado que es The Other Side of the Wind de Orson Welles presento a concurso la cinta Mosquito State, film que desato, como ocurrió semanas antes en el Festival Venecia, una en parte muy comprensible disparidad de opiniones con respecto a lo que fue su acogida.
Evidentemente con el visionado de Mosquito State como buen relato de índole kafkiano que pretende ser a un servidor le vino a la mente retazos muy evidentes del cine de David Cronenberg, su narrativa nos deriva a un progresivo y degenerativo descenso en picado a estados mentales y físicos cada vez más alterados como bien pudimos ver en la fundamental The Fly del director canadiense, a través de ello somos testigos de cómo su protagonista, un Beau Knapp que está más cercano al Nicolas Cage de Vampire’s Kiss que al Jeff Goldblum del film de Cronenberg , utiliza una obsesión de tono enfermizo hacia los insectos que invaden su lujoso apartamento para crear a partir de su comportamiento un modelo analítico tan alternativo como sofisticado a la hora de intentar predecir los mercados financieros. La película, de una muy recargada caligrafía visual, sin embargo actúa más en lo relativo a ser una especie de alegoría retorcida que nos retrata masculinidades en crisis que fluctúan con respecto a un declive capitalista que está a punto de hacer acto de aparición, en concreto el shock financiero del año 2008, a tal respecto el film de Filip Jan Rymsza se acerca más al concepto expuesto en el American Psycho de Mary Harron que al de cualquier otro apartado derivado de un apocalipsis orgánico. La metáfora o fábula física en relación a los mosquitos y su conexión con la sangre humana en lo relativo a la asociación del insecto con la enfermedad no termina de estar adecuada a un relato posiblemente demasiado ambicioso en referencia a sus postulados, terminando por estar ante una historia algo difusa, viniendo a representar ese tipo de relato que te quieren explicar demasiadas cosas pero que ninguna de ellas terminan por llegar a buen puerto. En todo caso dicho desplome acaba percibiéndose como más social que físico en lo concerniente a mostrarnos el final de una era de capitalismo feroz, o por lo menos de las cosas y comportamientos tal y como se entendían hasta un determinado momento. Lástima que el exceso de simbolismos, en cierta manera muy evidentes pero muy poco conceptuados e incapacitados a la hora de fusionar y desarrollar ideas, termine por desbaratar una analogía o metáfora que da la sensación de no atreverse a ir hasta el final de su en un principio atrayente enunciado.
Valoración 0/5: 3
Historia de lo oculto
Faltan 60 minutos para la última transmisión de Midnight, el programa de periodismo más famoso de la televisión. Esta noche es Adrian Marcato, quien podría exponer una conspiración que vincula al Gobierno con un Aquelarre real.
Por fortuna en los festivales de cine y por increíble que parezca aún existe un pequeño resquicio para el descubrimiento de obras en apariencia desconocidas que suponen en base a su ingenio e imaginación toda una sorpresa no prevista para el espectador, este atípico año y posiblemente debido a la ausencia de películas evento Sitges tuvo que recurrir casi por obligación a incidir en pequeñas producciones de las cuales muchas atesoraban suficientes atributos artísticos como para ser resaltadas y otorgarles ese adjetivo tan mal utilizado hoy en día de descubrimiento, en ese aspecto la argentina Historia de lo oculto fue indiscutiblemente una de esas sorpresas agradables que para bien cogieron desprevenidos a la mayoría de espectadores presentes en el certamen.
Posiblemente el mayor acierto de la película de Cristian Ponce resida en el hecho de como a estas alturas en donde parece estar ya todo inventado o transitado dentro del fantástico surja un talento que intente exponer un relato que pese a las evidentes referencia que atesora huye conscientemente de ciertos códigos preestablecidos dentro del género para ir de alguna manera por libre. Historia de lo oculto en tal aspecto constituye toda una extrañeza que huye de lo preestablecido para tomar un muy atípico y sugerente camino, partiendo del modelo del docudrama a modo de programa televisivo de investigación de índole fantástico narrado en tiempo real, como vimos en la seminal Ghostwatch de Lesley Manning, veremos a distintos personajes deambular alrededor de secretos y revelaciones a cual más misteriosas, también percibiremos desde la distancia en lo concernientes a una formas de índole casi retro-futurista otra película fundamental que indagaba en el thriller psicológico persecutorio como era Invasión de Hugo Santiago Muchnik. El film de Cristian Ponce tiene la particularidad de no solo proponernos una trama periodística de índole conspiratorio, será la inclusión del elemento fantástico y esotérico en la trama lo que otorgue a Historia de lo oculto una peculiar particularidad y posiblemente la etiqueta de película de culto en un futuro no muy lejano pues atributos los tiene de sobra para ello. Esa relación entre el satanismo y el poder de unas ocultas élites que están a punto de tomar el mando institucional nos son mostradas a través de esos programas de TV en blanco y negro típicos de los años 70 de forma inteligente en base a situaciones distorsionadas de la realidad en donde cualquier coincidencia por pequeña que sea con la del pasado no resulta ser baladí. En base su amalgama genérica de periodismo, ocultismo, distopía retro futurista e incluso retazos del folk horror, mezcla de conceptos que evidentemente pueden producir algo de confusión a una trama que posiblemente necesite de más de un visionado para su completo entendimiento, Historia de lo oculto, que termina estando más enfocada en relación a la palabra que en la acción propiamente dicha, acaba siendo un film que pese a su modestia atesora como principal virtud eso cada vez más complicado de ver dentro del género fantástico que es una originalidad, que por momentos deviene como desconcertante, que sabe sacar el máximo recurso posible en lo relativo a su innegable creatividad.
Valoración 0/5: 4
Viy
Un joven sacerdote debe pasar tres noches velando el cadáver de una bruja. Durante ese tiempo, toda clase de horrores pondrán a prueba su fe y su cordura.
Dentro de los clásicos vistos este año en Sitges la cinta Rusa Viy de Georgi Kropachyov y Konstantin Yershov tuvo un muy agradecido acomodo dentro de la sección Seven Chances, un film que no deja de ser una rara avis dentro del contexto histórico del fantástico europeo y que viene a representar, y en parte a paliar, el desconocimiento de una gran parte de público hacia el cine de género ruso de los años 60 y 70, más activo en lo relativo a su faceta de ciencia ficción que la de un terror aquí planteado desde una mirada hacia un folclore local que se emparentaba de alguna manera a las producciones góticas que se estaban realizando ese mismo periodo de tiempo en otras cinematografías.
Como esplendida fabula folklórica que es Viy, que bien mirado podría figurar perfectamente como un capitulo bastardo del fundamental El Manuscrito encontrado en Zaragoza de Jan Potocki, un servidor sigue siendo de la opinión que su desbordante fantasmagoría final, clara deudora del imaginario artesanal de Ray Harryhausen, viene a representar uno de los momentos cumbre en lo concerniente al fantástico europeo. La película de Georgi Kropachyov y Konstantin Yershov adapta de forma bastante fiel según algunas fuentes un cuento corto del escritor de origen ucraniano Nikolai Gogol que vio la luz por vez primera el año 1835 incluido en una recopilación de relatos titulada Migorod. Viy, sustentada en base a una leyenda ucraniana, que curiosamente sirvió de inspiración a Mario Bava a la hora de realizar su icónica Black Sunday , viene a representar de forma meridiana la representación de la fantasía popular aplicada en su traslación a la gran pantalla al prestigio cultural asociado al nombre de Nikolai Gogol, el resultado termina siendo una película modesta en medios aunque no en relación a su desbordante faceta creativa, un cuento de brujas en un principio más cercana al divertimento fantástico, dado en gran medida a sus ligeros apuntes livianos de humor, e incluso en lo relativo a una velada crítica al autoritarismo feudal extrapolable a otros ámbitos sociales de la época, que a una narrativa gótica proveniente de la Europa occidental percibida como más adulta y menos fabularía en lo concerniente a un tono más oscuro y sexualizado. Viy viene a ser esa clase de películas que dada su naturaleza inclasificable de cuento de hadas perverso con un antihéroe como protagonista principal atesora una meritoria atmósfera irreal y onírica, pasando a engrosar la lista de aquellos films que por desgracia no tuvieron ni referentes ni continuidad, películas que terminaron siendo una especie de islotes que sin embargo atesoraban una identidad formal muy propia destinada con el paso del tiempo a ser redescubiertas y reivindicadas en su justa medida.
Valoración 0/5: 4’5
The Education of Fredrick Fitzell
Con un trabajo corporativo, pareja estable y una madre enferma, el encuentro casual de Fred con un hombre de su juventud resulta en recuerdos aterradores. Poco a poco, va desentrañando un misterio oculto durante años sobre una niña desaparecida, una droga llamada Mercury y una criatura aterradora, que le ha acompañado en cada paso del camino. Pasado, presente y futuro se van cruzando, y Fred comienza a explorar las vidas posibles que podría llevar. ¿Cuál elegiría?
Ocho años han pasado para el realizador canadiense Christopher MacBride volviera a ponerse detrás de las cámaras tras debutar en 2012 con The Conspiracy, uno de los mejores y más interesantes mockumentarys realizados en los últimos años, con este estimulante primer trabajo en la ficción titulado The Education of Fredrick Fitzell MacBride se adentra en un drama existencial de tono onírico y fantástico que transita a través de diversas realidades paralelas y la posibilidad de poder incidir y reflexionar a través de ellas.
The Education of Fredrick Fitzell bascula principalmente en base a ese concepto que todo mortal hemos tenido en algún momento de nuestras vidas en mayor o menor medida, el preguntarnos, ya con un bagaje extenso en lo relativo a nuestra existencia, a nosotros mismos que derroteros hubieran trancurrido por nuestras vidas de haber tomado decisiones diferentes a las finalmente elegidas, Christopher MacBride partiendo de esa premisa argumental ofrece un drama con texturas de thriller alucinógeno de un claro tono existencial, el elemento fantástico para que el protagonista se adentre en estas dobles o triples realidades estará causado o representado por mediación de una droga de diseño conocida como Mercurio que permite de alguna manera ampliar la mente y su conciencia a los personajes que decidieron tomarla tanto en el pasado como en el presente, un apunte argumental que nos remite a la siempre reivindicable Jacob’s Ladder de Adrian Lyne con respecto al concepto de supuestas vidas vividas con posibilidad de poder reconfigurarlas. En estos últimos años a la hora de enfrentarnos a relatos que manipulan el espacio tiempo siempre ha habido un temor, al menos en lo que concierne a un servidor, a la hora de enfrentarte a un relato que es consciente de su naturaleza criptica y que necesite seguramente de más de un visionado para poder entender del todo bien esas narrativas laberínticas que forman parte de la historia, como ejemplo con respecto a esta tesis me viene por ejemplo a la cabeza películas como el Endorphine de André Turpin o el Donnie Darko de Richard Kelly, afortunadamente la intención de Christopher MacBride con respecto a The Education of Fredrick Fitzell es la de no aturdir al espectador por mucho que la física cuántica esté muy presente en un relato que más que detenerse en explorar las posibilidades materiales de alterar todas las vidas que podría tener un ser humano, o en las consabidas segundas oportunidades, indaga en la reflexión casi intimista de alguien que atesora el don de ser consciente de todas y cada una de las realidades creadas a partir de lo que han sido sus propias decisiones, un film que decide detenerse más en lo emotivo que en lo laberintico exponiendo la ambivalencia de esa percepción que solemos tener de lo entendible como realidad.
Maximiliano Schonfeld (Argentina)
Manuel Nieto Zas (Uruguay)
Simón Mesa Soto (Colombia)
Paz Fábrega (Costa Rica)
Andreas Fontana (Suiza)
Lorenzo Vigas (Venezuela)
Madiano Marcheti (Brasil)
Tatiana Huezo (El Salvador – México)
Iván Fund (Argentina)
Alonso Ruizpalacios (México)
Francia
Dinamarca
España
España
España
Fernando León de Aranoa (España)
Paco Plaza (España)
Iciar Bollaín (España)
Jonás Trueba (España)
Cortometraje
Daniel Monzón (España)
Serie de televisión
MANUEL MARTÍN CUENCA (España)
Selman Nacar (Turquía)
Javier Marco (España)
Piedra Noche / Dusk Stone
Helena Girón (España), Samuel M. Delgado (España)
Cortometraje
Gastón Duprat (Argentina), Mariano Cohn (Argentina)
Silvina Schnicer (Argentina), Ulises Porra (Argentina)
Mara Pescio (Argentina)
Hong Sung-eun (Corea del Sur)
Darko Sinko (Eslovenia)
Juan Sebastián Mesa (Colombia)
Agustín Banchero (Uruguay)
Philippe Grégoire (Canadá)
Emanuel Parvu (Rumanía)
FRAN Kranz (EE.UU.)
Lena Lanskih (Rusia)
Sun Liang (China)
Laurent Cantet (Francia)
Terence Davies (Reino Unido)
Inés Barrionuevo (Argentina)
Alina Grigore (Rumania)
Claudia Llosa (EEUU – Chile – España)
Tea Lindeburg (Dinamarca)
Lucile Hadzihalilovic (Reino Unido – Francia – Bélgica)
ZHANG Ji (China)
Claire Simon (Francia)
Kim Ki-young (Corea del Sur) – 1960
Yu Hyun-mok (Corea del Sur) – 1961
Im Kwon-taek (Corea del Sur) – 1962
Lee Man-hee (Corea del Sur) – 1964
Kim Kee-duk (Corea del Sur) – 1964
Lee Man-hee (Corea del Sur) – 1964
Kim Soo-yong (Corea del Sur) – 1967
Lee Man-hee (Corea del Sur) – 1967
Lee Man-hee (Corea del Sur) – 1968
de aquella tendencia fílmica denominada extremismo francés, una película sin embargo más direccionada a ser aplaudida y etiquetada en base al concepto por el que se movía que por sus propios méritos cinematográficos. Sea como fuera los posteriores trabajos de Alexandre Bustillo y Julien Maury no han estado sustentados a través de esa atribuida autoría de talante rompedor que a su manera redefiniera conceptos dentro del fantástico como si se percibe de algún modo en la trayectoria de su compatriota Pascal Laugier estando más cerca en espíritu a Alexandre Aja en lo concerniente a recurrir a la referencia, e incluso en ocasiones a trabajos de claro carácter alimenticio, como se ha demostrado en sus películas posteriores Livide, posiblemente su mejor película realizada hasta la fecha, Aux yeux des vivants y Leatherface. Kandisha pertenece de una forma evidente a este grupo de trabajos expuesto aquí en base a una entretenida y funcional reinterpretación narrativa del Candyman de Bernard Rose. Un film competente en base a una cuidada factura técnica pero intrascendente más allá de ser un mero entretenimiento genérico de unas claras y nada disimuladas texturas comerciales que transita a través de un terror urbano con espíritu vengativo de por medio situado escénicamente en las periferias de los barrios humildes de las grandes ciudades a la hora de indagar en la parte ancestral y exótica de la leyenda maldita siempre dentro de un contexto de realismo social. La película de Alexandre Bustillo y Julien Maury, que ya tienen un nuevo film listo titulado The Deep House, se aparta por consiguiente de ese supuesto tono trasgresor que algunos quisieron ver en À l’intérieur, a tal respecto posiblemente lo mejor de Kandisha radique en ser conciente de sus propias limitaciones siendo un producto de terror tópico, sencillo y directo, alejado de supuestas pretenciosidades nacidas bajo el amparo de unas expectativas tan elevadas como mal interpretadas en su momento.
hecho referencia en anteriores crónicas de esta edición de como el cine de horror proveniente de Indonesia ocupo este año en Sitges un lugar bastante privilegiado en referencia a las cinematografías asiáticas que transita a través del terror, junto a Impetigore y The Queen of Black Magic el film de Timo Tjahjanto se erigió como uno de los más incisivos en esa cada vez más complicada tarea de intentar satisfacer las exigencias del actual fandom del fantástico. En tal sentido May the Devil Take You Too sigue las mismas directrices que su antecesora, si acaso amplifica aún más los conceptos antes mostrados en base a ser ese tipo de cine que en ningún momento quiere disimular las que son sus referencias, en este caso y de forma muy evidente las dos primeras partes de la saga Evil Dead de Sam Raimi, aquí mostrado en base a una acción escenificada primordialmente a través de un espacio cerrado en donde sus habitantes ocasionales son sistemáticamente atacados por una deidad de índole demoníaco en relación a la continua exposición de un terror visceral expuesto a modo de tren de la bruja permitiéndose el lujo Timo Tjahjanto incluso de apuntar en la historia ciertas texturas del folklore asiático, un producto afín de cuentas en donde no parece llegar a ser un déficit, de ahí su gran virtud, el seguir por unas rutas genéricas percibidas y desarrolladas como muy prestablecidas.
Tras una presentación en donde una pandemia de difícil control amenaza con destruir la humanidad, que nos pone solo de forma aparente en situación, llega una primera parte, posiblemente la más interesante de la película, en donde se nos muestra un confinamiento extremo que toma referencias a conceptos claustrofóbicos vistos en películas como por ejemplo el Buried de Rodrigo Cortés o Cube de Vincenzo Natali, este segmento de la historia de un claro tono minimalista, al igual que las películas comentadas, como mandan los cánones basa su principal razón de ser mediante la incertidumbre de su narrativa, en tal aspecto hacemos un viaje casi en paralelo a la protagonista en lo concerniente a saber el porqué de tal situación, hasta ese momento la película función relativamente bien dadas su modesta pero aplicada estructura, la parte más discutible del film de Seth A. Smith posiblemente venga en lo relativo a una parte final en donde se cambia casi por completo de tono, la supuesta fuga al exterior motivara las respuestas pertinentes a las interrogantes anteriores utilizando de forma algo discutible el recurso del flashback temporal, artificio este que hace entrar al relato en una especie de agujero de gusano más direccionado al drama que al fantástico propiamente dicho, una tesitura genérica que nos lleva a preguntarnos si realmente era necesario tales recursos narrativos a la hora de contar una historia en apariencia bastante simple, un déficit que en parte también ya era percibida en su anterior The Crescent. En tal respecto, y sin que sirva como un mal endémico pues Seth A. Smith sigue percibiéndose como un interesante realizador aún por pulir, parece bastante claro que Tin Can, pese a ciertos hallazgos concernientes a la utilización de recursos escénicos bastantes ingeniosos, pertenece a ese tipo de películas que funcionan mucho mejor planteando preguntas que respondiéndolas.
en sus películas a modo de herramienta subversiva política, Saint-Narcisse sigue moviéndose por unos patrones similares a anteriores trabajos suyos sin embargo el tono de extravagancia da la impresión de ser algo más depurado y por lo tanto menos agresivo como lo demuestra que en el pasado Festival de Cine de Venecia fuera, aun en secciones paralelas, galardonado. No se trata de un adocenamiento y si más de una evolución hacia un discurso y una narrativa percibida como más depurada, a tal respecto la irreverencia que encontramos en Saint-Narcisse, su proyecto más ambicioso realizado hasta la fecha contando con un presupuesto de 2 millones de dólares, cifra que evidentemente no lo mueve fuera de unos parámetros de cine independiente de nivel bajo, esta direccionada principalmente a ser una crítica al concepto tradicional de la familia y la iglesia, esta última expuesta como ente material que imposibilita búsqueda del yo interior, en esta ocasión el discurso resulta bastante más matizado sin llegar a recurrir a ese artificio morboso algo repetitivo e innecesario que normalmente suele utilizar el responsable de The Misandrists. Saint-Narcisse, que atesora curiosos apuntes acerca de la dualidad del individuo, recrea el mito del narciso bajo un prisma que parece mirar al cine de los años 70 en base a una amalgama genérica diversa en donde predomina el thriller mostrado en base a una curiosa ambientación gótica aquí expuesta a través de recursos simbólicos muy estéticos . Bruce LaBruce vuelve a echar mano a la exploitation en la medida de ser posiblemente el tipo de cine más directo a la hora de intentar exponer una incorreción política de lo que está sucediendo, también en lo concerniente a reformular el concepto del supuesto valor del shock dentro del relato, en esta ocasión mostrado de una forma algo menos abrupta e incoherente que de costumbre.
valía de las películas en sí mismo sino por ese concepto material de poder tener la potestad por primera vez en tu vida de elegir un film para poder verlo en tu casa el día y la hora que quisieras, evidentemente dicho privilegio direcciono a un nutrido grupo de aficionados al descubrimiento casi arqueológico de un tipo de cine de género fantástico de serie B nacido específicamente para dicho mercado, en tal sentido Spookies formaría parte de él, en el otro apartado vendría la reflexión de índole ya menos emotiva que se detenga en lo concerniente a como hoy en día asimilamos un producto de estas características al ser inconcebible el poder llegar a realizarlas en el presente llegando a la conclusión de que el entretenimiento base sin ningún tipo de pretensión tal como lo concebían aquellas películas en la actualidad, incluso en el escalafón más bajo que podamos encontrar en cualquier opera prima de tono independiente, está más concebido a intentar mostrar de forma sistemática algo más que un simple divertimento genérico. Con respecto a intentar desgranar las virtudes y defectos de Spookies estamos ante esa clase de películas que necesitan de muy poca explicación al estar concebida básicamente para ser disfrutada más que analizada, la película se sitúa solo un escalón por encima de cualquier producción Troma de la época, de hecho estamos ante un film realizado en base el descarte de otro, solo así se puede legar a entender tanto la triple nómina de directores que la conforman, Genie Joseph, Thomas Doran y Brendan Faulkner, como al caos narrativo del que se sustenta, inexplicable infanticidio al principio del relato incluido. Con esa agradable exaltación hacia el maquillaje artesanal y las referencias ineludibles a lo que por aquel entonces estaba de moda en el fantástico, desde el Evil Dead de Sam Raimi al Michael Jackson’s Thriller de John Landis, Spookies dada su honestidad fue un acertado broche final al certamen en el vetusto pero entrañable cine Prado por parte de un servidor, una nueva edición de un Festival de Sitges que pese a todas las dificultades habidas y por haber ha decidido seguir adelante un año más. A tal respecto gracias por el esfuerzo.
tan teatrales existente en base a la confrontación dialéctica entre dos únicos y antagonistas personajes, dicho duelo con respecto al texto original difiere de forma lógica al estar sustentando bajo paramentos y conceptos de índole más cinematográficos, especialmente en referencia a la incorporación de más espacios escénicos a la trama, la mayoría de ellos mostrados en forma de flashbacks en base a continuos saltos narrativos y temporales. Como buen thriller psicológico que es en donde evidentemente nos encontraremos tarde o temprano con los consabidos giros argumentales Cosmética del enemigo nos muestra a través de ese duelo verbal mal avenido ya desde un principio, y que conforma avanza la trama se vuelve más oscuro, comportamientos en un principio de naturaleza oculta como la culpa que genera la aparición de fantasmas del pasado, aquellos males que se intentan de alguna manera tapar con respecto a los demás pero que aquí terminan, debido a esa fricción dialéctica, saliendo al exterior. El film de Kike Maíllo, posiblemente la película española presente en el certamen con más posibilidades comerciales con respecto al mercado foráneo, pese a moverse de forma funcional por unos inequívocos parámetros del thriller entendido como convencional se beneficia de un buen uso escénico en referencia a ese amplio aeropuerto que pese a su amplitud geométrica viene a representar a la perfección en base a sus texturas asépticas e impersonales la idea del no-lugar, un espacio grande que deviene como pequeño para el protagonista, a la postre una pequeña caja de ratón que nos viene a decir como por muchos viajes y huidas que intentemos tomar el subconsciente siempre ira un paso por delante de nosotros, disyuntiva casi emparentada a la sufrida por el personaje de la notable The machinist de Brad Anderson, aquí expuesta a modo de un trauma que siempre acompañara al protagonista en forma de un autoengaño de ineludible poder autodestructivo.
a estar representado en las antípodas de por ejemplo la ampulosidad colorista vista en el imaginario creado por Richard Matheson y Vincent Ward en What dreams may come, puestos a buscar algunas similitudes por aquello de las realidades alternativas a un nivel visual y salvando las distancias pues ambos ejemplos no pueden ser más antagonistas entre ellos ese universo de los llamados residentes visto en Inmortal se asemeja en algo a aquel segundo plano terrenal recreado en la serie Fringe, ambos espacios devienen como asépticos y mortecinos con un predomínate filtro amarillo que actúa a modo de tamiz a la hora de mostrar la carencia vital de los que lo habitan. El problema con Inmortal posiblemente venga en relación a un choque percibido como abrupto en referencia a no saber calibrar del todo bien sus facetas genéricas, un servidor tiene la intuición de estar esencialmente ante un drama en donde predomina en todo momento un muy acentuado realismo que entra en una continua fricción con un elemento fantástico aquí mostrado con demasiada incredulidad, este de alguna manera ha de ser la posibilidad, o la llave narrativa, a la hora de mostrarnos un melodrama que intenta explorar las relaciones filiales en base a la búsqueda de una afectividad que fue carente en vida, sin embargo la sensación final es que la fantasía o la fantasmagoría del relato no deja de ser solo una mera excusa expuesta con bastante aparatosidad, lamentablemente tan mal desarrollada como la visualización mostrada en la película con respecto a ese difuso vínculo existente entre ambos universos.
medida al fantástico como por ejemplo The Forbidden Door (2009), Modus Anomali (2012) o Satan’s Slaves (2017) entre otras, con Impetigore, ejercicio de terror tan funcional como recomendable, se adentra en el subgénero de la maldición aldeana en base a un relato de fantasmas vengativos con cierto aroma al folk horror local, un film que funciona principalmente en lo relativo a su malsana atmosfera rural. Con una primera escena muy efectiva a tal respecto Joko Anwar va al grano y necesita de muy poco tiempo a la hora de atraer a ese espectador poco exigente dispuesto a pasar un buen rato con un relato que le prometa no salir de determinadas coordenadas genéricas, en tal respecto Impetigore sale bien parada en base a la agraciada fusión de tropos de géneros clásicos con elementos de la historia y la cultura de su país de origen. Posiblemente los elementos que vertebra de la trama de Impetigore no sean novedosos y atesoren una cierta sobre explicación en algunos tramos de la historia, Joko Anwar sin embargo en referencia a esa ausencia de originalidad lo compensa con un estilo cercano al buen artesano del genero aportando aquí pequeños detalles y acotaciones a la hora de generar una tensión adicional al relato en lo concerniente por ejemplo a establecer una confrontación entre diferentes miradas y percepciones de la realidad, las modernas provenientes de las grandes ciudades en relación a las dos protagonistas principales y la tradicional, adyacente a un ámbito rural de tono amenazador anclado en supersticiones del pasado.
de forma algo atropellada, fue en el año 1993 en donde por primera vez se pudo ver en un festival patrio, curiosamente en Sitges, una película suya, en esta ocasión Sonatine, a continuación vino un prestigio tan merecido como algo desmedido dentro de ese curioso y ambivalente ámbito de festivales y circuitos de exhibición en V.O con películas fundamentales a la postre en su carrera como fueron Hana-bi, El verano de Kikujiro, Dolls o Zatoichi, esa especie de beneplácito desapareció del día a la noche en el momento que el director japonés entra en un proceso de autocrítica autoral extrema y nada complaciente, primero con una trilogía del absurdo compuesta por Takeshis’, Glory to the Filmmaker! y Achilles and the Tortoise y después con una oscura y desencantada vuelta al subgénero yakuza con la magistral trilogía Outrage. A tal respecto Citizen K no deja de funcionar a modo de un apéndice algo funcional, al igual que en anteriores trabajos de Yves Montmayeur, todos ellos de poco más de una hora de duración, más que el estudio de una trayectoria completa entendida como tal el documental queda supeditado en referencia básicamente a una entrevista concedida por el propio Kitano, alrededor de ella habrá diferentes apuntes interesantes sobre las reflexiones lanzadas por el propio artista hacia su obra, sin embargo la sensación final será la de estar ante un documento en donde resulta más interesante el propio artista en cuestión, con muchas facetas aún desconocido para el público occidental, que la de un trabajo percibido como algo mecanizado e incompleto en referencia a su supuesta didáctica, en tal sentido Yves Montmayeur sabe indagar en aspectos poco comunes del material que maneja pero tiene más de un problema a la hora de saber cómo exponerlos sin otorgar una cierta sensación de estar ante un documental más concebido y direccionado a ser una especie de apéndice de naturaleza inacabada que indaga en recovecos poco transitados que en el propio estudio completo de la obra de un artista.
condición de subproducto que a duras penas llega al nivel de una prototípica serie B. Tampoco fue de gran ayuda que la película presentada en Sitges fuera a través de una copia doblada al inglés de una forma excesivamente estridente, casi teatral, rozando en ocasiones y de forma involuntaria el tono caricaturesco. Posiblemente estemos en un momento del fantástico en base a su saturación en que ya no valga la sola referencia a clásicos a la hora de justificar un producto, en tal aspecto The Superdeep queda vertebrada básicamente en función al desarrollo de conceptos vistos en clásicos como Alien, The Thing y otros muchos, dicha digamos pleitesía también podría ser aplicable en este caso a la utilización de unos efectos especiales casi artesanales en donde predomina el látex a lo digital, expuestos en base a un look ochentero a semejanza de títulos pretéritos, sin embargo dichos artilugios no disimulan una aproximación que deviene como bastarda y farragosa en lo relativo a intentar escanear estándares genéricos provenientes del cine USA sin saber a ciencia cierta cuál es su propia naturaleza, aquí principalmente en lo concerniente a no saber hace mínimamente verosímil lo inverosímil. Para más inri a The Superdeep le falta acción y gore y le sobra bastante metraje, razón de más para intuir que sus responsables han intentado elevar la mirada muy por encima de unas posibilidades reales que dada la modestia, muy mal disimulada del producto, apenas logra elevarse a pocos metros de ras de tierra.
a la temática de los últimos días del apocalipsis y como el ser humano se tiene que enfrentar a ello, en la mayoría de los casos este concepto ha estado expuesto en diversas películas a través de una premisa en donde por medio de un Macguffin predominaba una especie de cuenta contrarreloj como se podía ver en la apreciable Miracle Mile de Steve De Jarnatt, en otras muchas como por ejemplo la australiana These Final Hours de Zak Hilditch, la canadiense Last Night de Don McKellar o la más autoral 4:44 Last Day on Earth de Abel Ferrara el mal era ya irreversible y la disyuntiva de los protagonista se desarrollaba en la medida de cómo aprovechar y afrontar de forma algo lúdica las últimas horas de su existencia antes de producirse el cataclismo. The Last Journey of Paul W. R. coge de forma parcial ambos conceptos pero a través de una mirada totalmente diferente a lo anterior colindando de forma muy recurrente con lo poético y muy especialmente con lo reflexivo en base a la advertencia que intenta exponer. La acción, con ciertas texturas derivativas al comic y muy especialmente al Métal Hurlant en referencia a su estética, toma conceptos de forma tímida de la ciencia ficción apocalíptica y desértica al uso para jugar y revertir dichos código y clichés que aquí serán expuestos a modo de fábula intimista de un tono inevitablemente fatalista en donde el mensaje de índole ecológico, aquel que nos dice una vez más que la humanidad está destruyendo poco a poco el mundo, está muy presente, a tal respecto y de forma algo afortunada Romain Quirot sale relativamente airoso de ese farragoso subrayado tan habitual en este tipo de películas de claro tono concienciador.
a través de ello somos testigos de cómo su protagonista, un Beau Knapp que está más cercano al Nicolas Cage de Vampire’s Kiss que al Jeff Goldblum del film de Cronenberg , utiliza una obsesión de tono enfermizo hacia los insectos que invaden su lujoso apartamento para crear a partir de su comportamiento un modelo analítico tan alternativo como sofisticado a la hora de intentar predecir los mercados financieros. La película, de una muy recargada caligrafía visual, sin embargo actúa más en lo relativo a ser una especie de alegoría retorcida que nos retrata masculinidades en crisis que fluctúan con respecto a un declive capitalista que está a punto de hacer acto de aparición, en concreto el shock financiero del año 2008, a tal respecto el film de Filip Jan Rymsza se acerca más al concepto expuesto en el American Psycho de Mary Harron que al de cualquier otro apartado derivado de un apocalipsis orgánico. La metáfora o fábula física en relación a los mosquitos y su conexión con la sangre humana en lo relativo a la asociación del insecto con la enfermedad no termina de estar adecuada a un relato posiblemente demasiado ambicioso en referencia a sus postulados, terminando por estar ante una historia algo difusa, viniendo a representar ese tipo de relato que te quieren explicar demasiadas cosas pero que ninguna de ellas terminan por llegar a buen puerto. En todo caso dicho desplome acaba percibiéndose como más social que físico en lo concerniente a mostrarnos el final de una era de capitalismo feroz, o por lo menos de las cosas y comportamientos tal y como se entendían hasta un determinado momento. Lástima que el exceso de simbolismos, en cierta manera muy evidentes pero muy poco conceptuados e incapacitados a la hora de fusionar y desarrollar ideas, termine por desbaratar una analogía o metáfora que da la sensación de no atreverse a ir hasta el final de su en un principio atrayente enunciado.
por libre. Historia de lo oculto en tal aspecto constituye toda una extrañeza que huye de lo preestablecido para tomar un muy atípico y sugerente camino, partiendo del modelo del docudrama a modo de programa televisivo de investigación de índole fantástico narrado en tiempo real, como vimos en la seminal Ghostwatch de Lesley Manning, veremos a distintos personajes deambular alrededor de secretos y revelaciones a cual más misteriosas, también percibiremos desde la distancia en lo concernientes a una formas de índole casi retro-futurista otra película fundamental que indagaba en el thriller psicológico persecutorio como era Invasión de Hugo Santiago Muchnik. El film de Cristian Ponce tiene la particularidad de no solo proponernos una trama periodística de índole conspiratorio, será la inclusión del elemento fantástico y esotérico en la trama lo que otorgue a Historia de lo oculto una peculiar particularidad y posiblemente la etiqueta de película de culto en un futuro no muy lejano pues atributos los tiene de sobra para ello. Esa relación entre el satanismo y el poder de unas ocultas élites que están a punto de tomar el mando institucional nos son mostradas a través de esos programas de TV en blanco y negro típicos de los años 70 de forma inteligente en base a situaciones distorsionadas de la realidad en donde cualquier coincidencia por pequeña que sea con la del pasado no resulta ser baladí. En base su amalgama genérica de periodismo, ocultismo, distopía retro futurista e incluso retazos del folk horror, mezcla de conceptos que evidentemente pueden producir algo de confusión a una trama que posiblemente necesite de más de un visionado para su completo entendimiento, Historia de lo oculto, que termina estando más enfocada en relación a la palabra que en la acción propiamente dicha, acaba siendo un film que pese a su modestia atesora como principal virtud eso cada vez más complicado de ver dentro del género fantástico que es una originalidad, que por momentos deviene como desconcertante, que sabe sacar el máximo recurso posible en lo relativo a su innegable creatividad.
un servidor sigue siendo de la opinión que su desbordante fantasmagoría final, clara deudora del imaginario artesanal de Ray Harryhausen, viene a representar uno de los momentos cumbre en lo concerniente al fantástico europeo. La película de Georgi Kropachyov y Konstantin Yershov adapta de forma bastante fiel según algunas fuentes un cuento corto del escritor de origen ucraniano Nikolai Gogol que vio la luz por vez primera el año 1835 incluido en una recopilación de relatos titulada Migorod. Viy, sustentada en base a una leyenda ucraniana, que curiosamente sirvió de inspiración a Mario Bava a la hora de realizar su icónica Black Sunday , viene a representar de forma meridiana la representación de la fantasía popular aplicada en su traslación a la gran pantalla al prestigio cultural asociado al nombre de Nikolai Gogol, el resultado termina siendo una película modesta en medios aunque no en relación a su desbordante faceta creativa, un cuento de brujas en un principio más cercana al divertimento fantástico, dado en gran medida a sus ligeros apuntes livianos de humor, e incluso en lo relativo a una velada crítica al autoritarismo feudal extrapolable a otros ámbitos sociales de la época, que a una narrativa gótica proveniente de la Europa occidental percibida como más adulta y menos fabularía en lo concerniente a un tono más oscuro y sexualizado. Viy viene a ser esa clase de películas que dada su naturaleza inclasificable de cuento de hadas perverso con un antihéroe como protagonista principal atesora una meritoria atmósfera irreal y onírica, pasando a engrosar la lista de aquellos films que por desgracia no tuvieron ni referentes ni continuidad, películas que terminaron siendo una especie de islotes que sin embargo atesoraban una identidad formal muy propia destinada con el paso del tiempo a ser redescubiertas y reivindicadas en su justa medida.
protagonista se adentre en estas dobles o triples realidades estará causado o representado por mediación de una droga de diseño conocida como Mercurio que permite de alguna manera ampliar la mente y su conciencia a los personajes que decidieron tomarla tanto en el pasado como en el presente, un apunte argumental que nos remite a la siempre reivindicable Jacob’s Ladder de Adrian Lyne con respecto al concepto de supuestas vidas vividas con posibilidad de poder reconfigurarlas. En estos últimos años a la hora de enfrentarnos a relatos que manipulan el espacio tiempo siempre ha habido un temor, al menos en lo que concierne a un servidor, a la hora de enfrentarte a un relato que es consciente de su naturaleza criptica y que necesite seguramente de más de un visionado para poder entender del todo bien esas narrativas laberínticas que forman parte de la historia, como ejemplo con respecto a esta tesis me viene por ejemplo a la cabeza películas como el Endorphine de André Turpin o el Donnie Darko de Richard Kelly, afortunadamente la intención de Christopher MacBride con respecto a The Education of Fredrick Fitzell es la de no aturdir al espectador por mucho que la física cuántica esté muy presente en un relato que más que detenerse en explorar las posibilidades materiales de alterar todas las vidas que podría tener un ser humano, o en las consabidas segundas oportunidades, indaga en la reflexión casi intimista de alguien que atesora el don de ser consciente de todas y cada una de las realidades creadas a partir de lo que han sido sus propias decisiones, un film que decide detenerse más en lo emotivo que en lo laberintico exponiendo la ambivalencia de esa percepción que solemos tener de lo entendible como realidad.