El Festival selecciona también la proyección especial (fuera de concurso) del segundo filme de Matt Dillon como director.
El Festival de San Sebastián ha incorporado a su competición a la reconocida directora franco-libanesa Danielle Arbid, que pugnará por la Concha de Oro con su nuevo largometraje, Passion simple; al argentino Eduardo Crespo, que participará con Nosotros nunca moriremos / We Will Never Die, y al británico Harry Macqueen, con Supernova. En la Sección Oficial coincidirán también dos obras de temática musical: el veterano documentalista y cineasta inglés Julien Temple concursará con Crock of Gold: A Few Rounds with Shane MacGowan, un acercamiento a la figura del carismático líder del grupo The Pogues, mientras que el actor estadounidense Matt Dillon mostrará en Proyecciones Especiales su segundo filme como director, El gran Fellove, acerca del músico cubano Francisco Fellove.
La franco-libanesa Danielle Arbid (Beirut, 1970) ha participado previamente en la Quincena de Realizadores de Cannes con Maarek hob / In the Batterfields (2004) y Un homme perdu / A Lost Man (2007), y varias veces en el Festival de Locarno, donde ha ganado el Leopardo de Oro y el de Plata. Ahora, la directora participa por primera vez en la competición donostiarra con Passion simple, adaptación de la novela homónima de la escritora francesa Annie Ernaux, en la que Laetitia Dosch interpreta a una mujer que pierde la cabeza por un diplomático ruso encarnado por Sergei Polunin.
Por su parte, Eduardo Crespo (Crespo, 1983) relata en su tercer largometraje, Nosotros nunca moriremos, el viaje de un niño junto a su madre al pueblo donde acaba de morir su hermano mayor. El cineasta, guionista y director de fotografía argentino es autor de Tan cerca como pueda (2012) y del documental Crespo (La continuidad de la memoria) (2016), ambos estrenados en festivales internacionales y estrechamente vinculados a la provincia de Entre Ríos de la que es oriundo.
En Supernova, el segundo filme que escribe y dirige Harry Macqueen (Leicester, 1984), los actores Colin Firth y Stanley Tucci encarnan a dos viejos amigos para quienes lo más importante es pasar tiempo juntos después de que uno de ellos haya sido diagnosticado de demencia prematura. El británico se estrenó como director con Hinterland (2014), película en la que también actuó, pues la interpretación es otra de sus facetas y ha trabajado en múltiples cortos y en largometrajes como Me and Orson Welles (Richard Linklater, 2008) o Provenance (Ben Hecking, 2017).
También se presentará a concurso Crock of Gold: A Few Rounds with Shane MacGowan, una producción de Johnny Depp dirigida por Julien Temple (Londres, 1953) cuyo protagonista es el talentoso y querido líder de The Pogues, banda de música folk irlandesa con espíritu punk. El realizador inglés es autor de obras de ficción como Earth Girls are Easy (Las chicas de la tierra son fáciles, 1988) o Bullet (1996), pero sobre todo destaca en su condición de cronista del rock de los últimos 40 años gracias a sus documentales y vídeos musicales para artistas como Sex Pistols, The Rolling Stones, David Bowie, The Kinks, Joe Strummer (The Clash), Wilko Johnson y Paul Weller, entre muchos otros. Temple fue miembro del Jurado Oficial del Festival en 1986, año en que presentó Absolute Beginners en la primera maratón del Velódromo. Además, en 2010 el Festival proyectó su documental The Filth and the Fury (La mugre y la furia, 2000) en el ciclo .doc-Nuevos caminos de la no ficción.
Fuera de competición, la Sección Oficial incluirá la proyección especial del segundo filme como director de Matt Dillon (New Rochelle, Nueva York, 1964), El gran Fellove, un documental sobre el músico e intérprete cubano Francisco Fellove (1923-2013). El debut del estadounidense tras la cámara fue el largometraje de ficción City of Ghosts (La ciudad de los fantasmas, 2002), aunque es más popular en su faceta de actor, que ya fue reconocida con el Premio Donostia a su carrera en 2006. Entre otras películas, ha protagonizado The Outsiders (Rebeldes, Francis Ford Coppola, 1983), Drugstore Cowboy (Gus Van Sant, 1989), Crash (Paul Haggis, 2004) o The House that Jack Built (La casa de Jack, Lars von Trier, 2018).
Passion simple está incluida en el listado de las películas que el Festival de Cannes tenía previsto presentar este año antes de verse obligado a suspender su 73 edición por el Covid-19. Los cinco títulos se proyectarán en San Sebastián como estrenos mundiales que se suman a los ya anunciados en una Sección Oficial en la que concursarán cineastas consagrados como Pablo Agüero (Akelarre), Sharunas Bartas (In The Dusk), Naomi Kawase (Asa Ga Kuru / True Mothers), Antonio Méndez Esparza (Courtroom 3H / Sala del Juzgado 3H), François Ozon (Été 85 / Summer of 85 / Verano del 85) y Thomas Vinterberg (Druk / Another Round) junto a nuevos realizadores como Dea Kulumbegashvili (Dasatskisi / Beginning) o Takuma Sato (Nakuko wa ineega / Any Crybabies Around?).
Rifkin’s Festival, la nueva comedia de Woody Allen, inaugurará la Sección Oficial fuera de concurso. Al margen de la competición también se proyectarán dos nuevas series: Antidisturbios, de Rodrigo Sorogoyen, se verá fuera de concurso, mientras que Patria, creada por Aitor Gabilondo, será una proyección especial.
Crock of Gold: A Few Rounds With Shane McGowan
Julien Temple (Reino Unido)
Combinando imágenes de archivo inéditas de la banda y de la propia familia de MacGowan, junto con animaciones del legendario ilustrador Ralph Steadman, Crock of Gold es una celebración del poeta punk irlandés Shane MacGowan, cantante y compositor principal de The Pogues.
El Gran Fellove / The Great Fellove
Matt Dillon (México – Cuba – EEUU)
Proyecciones especiales
El Gran Fellove es una película documental del actor y cineasta Matt Dillon que relata la carrera musical del cantante y showman cubano Francisco Fellove y la grabación de su último álbum. A través de una serie de entrevistas, fotografías y videos de archivo, y también mediante las propias imágenes de Matt, la película describe la vida de Fellove como la de un músico en apuros en Cuba, recuerda su tardío éxito en México y el contagioso amor que tuvo por la música hasta el final.
Nosotros nunca moriremos / We Will Never Die
Eduardo Crespo (Argentina)
Intérpretes: Romina Escobar, Rodrigo Santana, Jésica Frickel, Giovanni Pelizzari, Brian Alba, Sebastián Santana
Rodrigo y su madre viajan al pueblo donde acaba de morir su hermano mayor. En ese lugar calmo, transitarán los primeros tiempos del duelo. Rodrigo se irá asomando al dolor de los adultos y de manera imperceptible irá dejando la infancia. Su madre intentará revelar los misterios de esa muerte. Una película diáfana, con melancolía y un leve humor, con personajes solitarios que intentan brindar algo de afecto. Una historia suspendida en el tiempo, en la flotación de los lugares perdidos de provincia.
Passion simple
Danielle Arbid (Francia – Bélgica)
Intérpretes: Laetitia Dosch, Sergei Polunin
«Desde septiembre del año pasado no he hecho más que esperar a un hombre: que me llamara y que viniera a verme… Todo en él me parecía precioso: sus ojos, su boca, su pene, sus recuerdos de infancia, su voz…»
Supernova
Harry Macqueen (Reino Unido)
Intérpretes: Colin Firth, Stanley Tucci
Sam y Tusker han pasado veinte años juntos, y están tan enamorados como siempre. Pero en los dos últimos años, desde que Tusker fue diagnosticado de demencia prematura, sus vidas han cambiado. Al llegar el otoño comienzan un viaje por carretera para reencontrarse con sus amigos y familiares y visitar los lugares de su pasado. A medida que su viaje avanza, comienzan sus diferencias al abordar sus planes de futuro. Se descubren secretos, se desentrañan planes privados y se pone a prueba su amor como nunca antes.
I
Pablo Agüero (España – Francia – Argentina)
Antonio Méndez Esparza (España – EEUU)
Woody Allen (España – EEUU – Italia)
Serie de televisión
Serie de televisión
Cortometraje
Cortometraje
Cortometraje
Maite Alberdi (Chile – EEUU – Alemania – Holanda – España)
Carlos Sedes (España)
coquetea en ocasiones con el tabú del acoso sexual a menores y en donde impera una especie de tensión que es remitida a los espectadores para que puedan hacer sus propias suposiciones y cábalas acerca de lo que realmente pretende un personaje adulto que hasta ese momento ha permanecido anclado en una especie de limbo adolescente que se percibe como autoimpuesto, por fortuna Nocturnal tiene la virtud de ser una película que no juega al engaño para con el espectador, llegados a un punto intermedio del relato se nos revelara un secreto que en parte reconducirá la historia y hará que nos replanteemos toda esa primera parte desde un prisma totalmente diferente.
para el relato en cuestión, dichos interludios otorgan un descanso a un nervio y una tensión narrativa omnipresente en toda la historia, sin embargo ambas tonalidades aparte de antagónicas en referencia a su tonalidad colisionan de una forma bastante abrupta en lo concerniente a unas imágenes tan primaria como rudimentarias que pasan a ser en ocasiones pretendidamente liricas e incluso aderezadas en base a una muy evidente alegoría religiosa. Esta irregularidad, posiblemente nacida del propósito de no caer en ese subrayado tan característico en este tipo de películas, hacen que en el relato no se llegue a victimizar o verbalizar en exceso la precariedad expuesta, de hecho Oleg transita a través de un descenso más personal que colectivo en donde su metáfora es percibida como muy evidente, aquella que nos equipara al cordero sacrificado con la del desdichado inmigrante, personaje cuya actitud a la hora de poner la otra mejilla de una forma continua y repetida ante las desgracias y los abusos a los que es sometido resulta por momentos tan forzados como poco creíble y que nos remite a un final en donde seremos testigos de cómo la religiosidad, y la creencia incondicional hacia esta, derivan en el regreso al hogar como la única vía posible a la hora de poder mirar de frente y recuperar unos principios éticos y morales que en ese vasto territorio capitalista en donde impera el lucro económico y favorece la desigualdad que es la Unión Europea cada vez es más difícil de llevar a cabo.
Naomi Kawase (Japón)
Dea Kulumbegashvili (Francia – Georgia)
Thomas Vinterberg (Dinamarca)
FRANÇOIS OZON (Francia)
Sharunas Bartas (Lituania)
Takuma Sato (Japón)
Tras el final del estado de alarma, y con la esperanza de que la pandemia continúe remitiendo, el Festival de San Sebastián descarta la no celebración del certamen pero, también, la organización de una edición estándar en continuidad con la línea de los últimos años.
el de la familia a través de su épica y el escénico, cada uno a su manera a través de las cuatro estaciones del año van mutando progresivamente, quizás por eso Dwelling in the Fuchun Mountains nos ofrece su tesis principal en lo relacionado con el paso del tiempo y la mella que puede causar tal efecto en los personajes y en el espacio por el que suelen orbitar, en este caso no hace falta remontarse a décadas, solo hace falta un año para comprobar que estamos viviendo en un ecosistema que lejos de pararse acelera cada vez más rápido el ritmo, el transito urbanístico va a la limón que el social, en este apartado como ejemplo somos testigos de cómo el concepto familiar tradicional del respeto por los mayores y su correspondiente cuidado va poco a poco desintegrándose a causa de esa especie de virus del capitalismo percibido como ciertamente salvaje en referencia a su atropellada asimilación por parte de la actual sociedad china.
que ahora traslada su cadáver, está continuamente obsesionado con amargas quejas y un resentimiento que se remonta a generaciones pasadas, pero muy especialmente en lo referido a una problemática generacional bastante latente en todo el relato retratadas en base a actitudes enfrentadas en relación a la religión, la tradición, la identidad y la patria, por un lado la correspondiente al padre, resentido y extremadamente tradicionalista, quintaesencia de aquellas personas que en realidad nunca han estado en Crimea a causa de la deportación pero que subyacen en ellos un apego emocional extremadamente fuerte a lo que ellos mismos consideran como su tierra natal, en la otra vertiente encontramos la visión más cosmopolita del hijo menor, perteneciente a una generación con una visión fronteriza bastante más abierta, dicha confrontación de polos opuestos expuesta a través de una dialéctica orquestada bajo patrones muy prototípicos de cualquier road movie al uso estará muy presentes en una historia que conforme avanza se vuelve cada vez más frenética y abocada a un callejón sin salida y que al final pasa a ser en cierta manera circular en referencia a darle la vuelta a los pensamientos de los personajes como bien se puede comprobar en esa secuencia final que da la impresión de transitar a través de lo poético y muy especialmente de lo simbólico y en donde hace acto de aparición un reconocimiento ya mutuo entre dos generaciones apátridas hasta ese momento inexistente en la historia.
que puede otorgar un producto de las características de Adam es la de ser una especie de curso acelerado expuesto de forma algo liviana para aquellos que en teoría aceptan pero no tienen un conocimiento particular de lo que significa la cultura trans, así pues el recorrido de la historia se percibirá como dual en donde por fortuna no encontraremos atisbo de ninguna autoafirmación sexual, el protagonista en parte representa al colectivo de espectadores antes citados a modo de curva de aprendizaje en lo concerniente a aceptar o no a aquellas personas que supuestamente traspasan los umbrales de lo que algunos aun entienden con cierta dificultad como culturalmente y socialmente aceptable. El resultado final estará pues bastante alejado del militarismo pues a fin de cuentas Adam no va más allá de ser una comedia romántica indie cuya misión parece ser la de generar empatía pero que en ocasiones da la sensación de ser algo intranscendente a la hora de eludir controversias a favor de trivializar ciertas cuestiones hoy percibidas en munchos ámbitos como trascendentales, algo que en parte y según como se mire no deja de ser una virtud en unos tiempos actuales en donde una exacerbada corrección política aliada supuestamente con la igualdad de géneros resulta contraproducente en lo relativo al credo que supuestamente ellos mismos intentan pregonan.
sino cumplir con unos objetivos deportivos en los que parece estar destinada a sobresalir y lo más grave, un bloqueo mental que le imposibilita el alejarse de esos ambientes tan poco recomendables. Mas contemplativa que explicativa si algo es destacable en la opera prima de la noruega Jorunn Myklebust Syversen, que empieza con un tono ambiental de claras connotaciones kitsch para ir volviéndose poco a poca cada vez más oscura y aséptica, es en no caer en un camino digamos ya trillado con anterioridad, esto podría ser interpretable a modo de relato de denuncia y el peligro que ocasiona las nuevas formas de religiosidad y por consiguiente la acción de juzgar desde una mirada privilegiada todo ello.
a tal respecto el relato no deja de ser una continua exploración acerca de las luces y las sombras que puede albergar la naturaleza humana en según qué circunstancias, por un lado tenemos la relación del protagonista con su nieta, de alguna manera dicha interactuación entre ambos viene a representar ese vínculo familiar sólido y exento de la corrupción que suele transitar en relación a la complicidad nacida a modo de único bastión afectivo posible de una persona que a raíz de un fortuito descubrimiento se plantea cuestionar la naturaleza de una relación pasada, será a partir de ese momento cuando la duda que en parte le corroe al personaje principal entre en acción en lo que se podría denominar como un duelo interior equidistante, la confrontación de alguna manera consistirá entre la seguridad afectiva de un vínculo especial y un estado emocional más oscuro que cuando más se empeña en transitar a través de trastiendas más dañado sale.
transfiguración psíquica que devenía en física a la hora de evadirse de una realidad que era incapaz de afrontar en Abou Leila su protagonista no deja de ser un trasunto catalizador de una violencia extrema de la que se ve imposibilitado de asumir y aceptar de una forma racional dando lugar a otra violencia ya percibida como desenfocada pero no por ello menos real, será entonces cuando quede a merced de sus mayores temores, a partir de ese momento y en especial en lo referido a su tramo final todo lo que presenciemos quedara situado en una barrera difusa en donde lo onírico y en especial lo psicótico se situara por delante y en parte difuminara lo entendible como realidad en base a un surrealismo existencialista que puede resultar algo complicado para el espectador a la hora de saber qué de lo que vemos llega a ser real y qué no.
a percibir como la joven Yoko decide de alguna manera gestionar sus contradicciones emocionales en una dirección contraria a las tomadas hasta ese instante, a tal respecto la metáfora utilizada por Kiyoshi Kurosawa en la historia resulta ser tan inteligente como mordaz, Yoko vive en una continua contradicción vital aquí representada en relación a su función laboral pero que evidentemente va bastante más allá de todo ello, su impostado tono efusivo como presentadora delante de las cámaras dará lugar una vez estas queden apagadas a una actitud temerosa y dubitativa en base a no sentirse realizada en relación a lo que verdaderamente le gustaría ser, el paralelismo físico que nos ofrece el responsable de Cure no puede ser más indicativo y bien aprovechado al respecto, la protagonista forma parte de un mundo a la que ella misma le otorga la condición de hostil en todas sus variantes, a lo largo de la película vemos, casi como si formara parte de un propio status quo, a Yoko recorrer, huir, deambular temerosamente o más bien ir rebotando de forma sistemática a través de unas abarrotadas calles de Uzbekistán plagada en su mayoría de hombres, en muchos momentos somos testigos de cómo incluso ella opta por coger caminos imposibles de transito con tal de no cruzarse con los nativos a la hora de poder llegar a esa especie de zona de confort representada en esta ocasión en el hotel en donde se aloja, en tal sentido las concomitancias no puede ser más acertadas en lo relativo a un contexto escénico que está en una continua confrontación con respecto al estado mental y anímico en que se halla la protagonista.
un retrato fantasma de lo que es su propia trayectoria, este tránsito en cierta manera sirve de epilogo de una obra ya finiquitada que aquí es reflexionada en simbiosis a la naturaleza y expuesto a través básicamente de lo contemplativo, a tal respecto a estas alturas no debería sorprender a nadie que Werner Herzog sea uno de los pocos directores en la actualidad cuya utilización del hoy tan socorrido dron no produzca en el espectador vergüenza ajena. Tres décadas después de que Chatwin muriera de sida, Herzog nos ofrece un recuerdo fragmentado del escritor, será a través del recorrido que hace Herzog en donde este recuerde sus propios encuentros con Chatwin, a tal respecto se evoca con especial énfasis la inquietud del viajero inglés, un personaje que atesoraba una curiosa fascinación por cuestiones tan profundas que también han cautivado durante varias décadas al responsable de Cave of Forgotten Dreams.
Roschdy Zem, posiblemente el policía taciturno y solitario más zen en la historia reciente del polar francés, un personaje que se diría surgido del imaginario de Jean-Pierre Melville, dicho segmento esta de alguna manera direccionado a tal grado de realismo que percibimos un final de tragedia si nos atenemos a los parámetros con que este tipo de productos suelen concluir, esta finalización viene de alguna manera representada en una segunda parte del film bastante más interesante que la primera, aquí el retrato social colectivo pasa a ser más individual, en el abandonamos las calles para adéntranos en la interioridad de los despachos, a través de ellos seremos testigos de un doble interrogatorio en relación al caso del asesinato de una anciana, este vendría a ser una suerte de continuación de aquella interesante L’appât de Bertrand Tavernier, donde esta terminaba empieza de alguna forma el segmento orquestado por Arnaud Desplechin, los mimbres son bastantes parecidos a tal respecto, una parte en donde a través de la confesión oral en base a la representación, o más bien la reconstrucción, visual de un crimen en donde se incide en la banalización del mal, o mejor aún, en la degradación moral consecuente de la social, será en ese doble retrato psicológico de las dos jóvenes acusadas, ojo a la vacía, colindante con lo terrorífico, interpretación a cargo de Sara Forestier, en donde curiosamente mejor queda retratada, que no juzgada, una sociedad sin apenas horizontes de escapatoria, un escenario urbano en donde los crímenes, casi todos plagados de múltiples matices, llegan a ser verdad.
hacen que la vida, o lo entendible como real, y su representación sobre el escenario por parte de sus protagonistas lleguen a confundir aún más si cabe la verdadera intención de estos, todo esto hace que de alguna manera la película este orbitando continuamente a través de una indecisión identitaria, llegando a haber tramos que dentro de esta diéresis narrativa se llegue a un momento en que incluso pueda llegar a producirse el hecho de romper la cuarta pared en referencia a ese juego de espejos que Lou Ye se niega a aclararnos. Por fortuna el último acto es el concerniente a descubrir las cartas, más que una revelación será a través de su resolución en donde encontremos los mejores momentos de Saturday Fiction, un tramo final que despojado de modismos algo académicos abraza sin complejos un thriller voraz casi asimétrico al Hard Boiled, aquel que abandona lo romántico y político para incluso contornear por conceptos épicos e incluso justicieros, será en esa media hora final en donde cualquier duda terminara siendo aclarada a través de la acción en el sentido más puro de la palabra, no es sencillo ese desafío elaborado por parte de Lou Ye en donde percibimos como una cierta irregularidad es a veces atenuada con el buen hacer de un realizador de solvencia contrastada, la pregunta para algunos vendrá dada en la medida de averiguar si dicho y complejo trayecto ha merecido la pena una vez llegados a una conclusión de connotaciones casi catárticas, a tal respecto parece claro que lo importante en esta ocasión para Lou Ye en el relato es la ambigüedad de sus múltiples mimbres en lugar de cualquier sentencia resolutoria, el problema posiblemente venga dado a través de la confrontación existente con un espectador que seguramente este más interesado en todo lo contrario.
a llamarse teatro de boulevard francés, aquel que de alguna manera utiliza un diálogo tan metafórico como ameno en donde el drama y la insatisfacción son expuestos mediante diálogos que contornean con la comedia a través de un tono mixto de ligereza y cierto cinismo en base a una reflexión que transita a través de las muchas posibilidades alternativas que anidan en el vasto universo de amor. Lástima que el juego propuesto por Christophe Honoré pese a tener una cierta originalidad en referencia a su estructura de cuento, o incluso de fábula, conceptual termine navegando a través de una cierta incongruencia de estilos, ese tono ligero, por momentos mordaz, que colisiona aparatosamente en más de una ocasión con la comedia psicológica acaba resultando demasiado mecánico en lo concerniente a su función, por no decir algo atropellado en referencia a percibir como la dialéctica y la reflexión no siempre van al unísono, más bien todo lo contrario, algo que hace que aparezca en escena ciertos manierismos de difícil justificación en esta fábula que anida sobre la reflexión del desamor.
como Ari Aster o Robert Eggers, sin embargo y a fin de cuentas Little Joe es más una película inherente a un imaginario del que Jessica Hausner se mantiene fiel más que a un fantástico puro en sí mismo, o lo que algunos entienden por ello, aquí las bases o la premisa de la que se parte no deja de ser casi una excusa argumental a la hora de desarrollar una fábula moral de consonancias hirientes y crueles acerca de la obligatoriedad de ser feliz en el entorno en que vivimos. Es por eso que sería hacerle un flaco favor a la película la comparativa de encuadrarla como otra nueva versión del concepto visto en Invasion of the Body Snatchers como muchos se han apresurado a comentar, es evidente que la premisa inicial nos puede remitir a ello en referencia a una supuesta suplantación, en esta ocasión no extraterrestre y si de origen genético, sin embargo esta incursión de Jessica Hausner en la ciencia ficción distópica de laboratorio no deja de ser una especie de apropio expuesto a modo de una metáfora por momentos tan difusa como sugerente, en la historia vemos constantes autorales bastante reconocibles en anteriores trabajos de la realizadora, un personaje femenino a merced de un enigma o una coyuntura al que ha de enfrentarse ella sola, un bosque misterioso, un entorno hostil parental, un amor o una creencia religiosa curativa, en el caso que nos ocupa todo versa a través del concepto de la felicidad, de cómo podemos llegar a percibir sentimientos y emociones en una complicada sociedad actual en donde parece predominar sobre todos nosotros una constante alienación emocional.
