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Crónica Festival de Sitges 2021. Día 1

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Camino a la normalidad

Del 7 al 17 de octubre tuvo lugar la 54 edición del Festival de Sitges, una edición que estuvo marcada por el retorno a la normalidad después de un año pasado en donde pese a que se pudo celebrar a duras penas el certamen este se vio en diferentes ámbitos de sus parcelas trastocado de una forma drástica a consecuencia de la pandemia. Afortunadamente el panorama en esta edición volvió a ser el que se suele presenciar de una forma casi habitual cada año en Sitges en relación a las diversas actividades paralelas orquestadas por parte del festival y a la afluencia de un público que ocupo de forma generosa las cuatro salas habilitadas para la ocasión, a fin de cuentas sin él dado el inequívoco carácter popular del certamen este pierde su verdadera razón de ser. A la hora de hacer un balance de lo que fue Sitges 2021 señalar que esta vuelta a la normalidad supuso también el retorno de unos viejos déficits endémicos en Sitges ya visibles desde hace un tiempo como resulto ser el elevado número de películas en el festival, no es un problema en sí mismo el abultado guarismo de trabajos presentados, en realidad no deja de ser una ventaja tener la opción de poder elegir que ver, pero si en lo relacionado a justificar una determinada cifra en base a la selección algo mecanizada de según qué películas con el único propósito de cubrir dicho objetivo propuesto de antemano.

Sitges 2021 al igual que otros certámenes celebrados durante este año no fue ajeno a una coyuntura que no estaría de más debatir con algo de perspectiva pues no deja de ser contraproducente en relación a lo que son sus propias intenciones, en este aspecto al igual que una semana antes ocurriera en San Sebastián la mujer dentro del cine tuvo una presencia omnipresente en Sitges, esta sin embarga fue percibida como excesiva y lo que es peor forzada, en unos tiempo en donde la reivindicación fomentada hasta la extenuación por según qué estamentos públicos plantea dudas en referencia a lo que son sus intenciones reales no estaría más una reflexión meditada en frio de como dicha necesaria visibilización ha de estar adecuada e integrada de una forma más natural en según qué actos culturales al tener uno la percepción de que se prioriza el mensaje a la calidad, a tal respecto no basta con jalear desde el escenario en cada presentación de una película dirigida por una mujer el número de trabajos realizados por féminas presentes este año en el certamen cuando en realidad varios de ellos sin esta coyuntura social autoimpuesta no estarían presentes en el festival dada su muy cuestionable calidad fílmica, también de recibo resulta ser que el propio certamen no sea muy consiente de esa desmesura promovida desde dentro de forma algo inconsciente, como botón de muestra que te intenten vender durante tres meses antes del comienzo del evento que Ana Lily Amirpour sea la primera mujer en la historia del festival que inaugura una edición cuando en realidad veinte años atrás ese supuesto honor recayó en la figura de Mary Harron y su American Psycho.

Discursos sociales forzados de lado Sitges 2021 siguió atesorando esa virtud tan digna de elogio en lo concerniente a seguir conservando un apartado exclusivo dedicado a las retrospectivas, que en realidad han pasado a ser con el tiempo leitmotiv, y las publicaciones, a fin de cuentas estas últimas no dejan de ser un bastión palpable e imperecedero de lo que ha sido una edición en concreto, este año dicha temática orbito en relación a la licantropía y otras coordenadas genéricas limítrofes en base a una retrospectiva de siete títulos y la publicación de dos libros, el colectivo La bestia interior. Hydes, licántropos y otras figuras teriantrópicas en el imaginario audiovisual y Tres piezas para el asesino. Jazz, rock y electrónica en el cine de terror y criminal a cargo de Pacus González Centeno, labor enriquecida con la agradecida recuperación en pantalla grande de clásicos como La Dama del Alba de Francisco Rovira Beleta, On the Silver Globe de Andrzej Zulawski, Wolf Guy de Kazuhiko Yamaguchi o la versión restaurada de la fundamental El extraño viaje de Fernando Fernán Gómez.

En referencia a lo que fueron las secciones oficiales Sitges 2021 volvió a ser un barómetro perfecto a la hora de intentar calibrar el actual estado del fantástico, a tal respecto la cosecha de este año dio la sensación de ser algo residual en relación a las constantes algo vacilantes por las que parecen moverse el género hoy en día, sin una corriente fija que destaque por encima del resto hubo puntuales picos de calidad proveniente de cinematografías nórdicas como fueron Lamb de Valdimar Jóhannsson o The Innocents de Eskil Vogt, también autores referenciales dentro de la animación y la stop motion como Mamoru Hosoda y Phil Tippett que con sus respectivas Belle y Mad God dieron la impresión de jugar en una liga distinta al resto o realizadores con un posicionamiento irreductible en base a sus propósitos fílmicos como resultaron ser Fabrice Du Welz con su notable Inexorable o los franceses Alexandre Bustillo y Julien Maury con su aplicado ejercicio de estilo The Deep House. También hubo lugar para autorías que intentaron de alguna manera abrir vías alternativas dentro del fantastique contemporáneo como por ejemplo Bertrand Mandico con su fascinante After Blue amén de interesantes propuestas presentes dentro de la sección Noves Visions como fueron por ejemplo las sugerentes óperas primas Vampir de Branko Tomovic y The Scary of Sixty-First de la realizadora Dasha Nekrasova.

A continuación y como viene siendo norma en estos últimos años a modo de una post crónica detallada iremos analizando en el portal los cerca de cincuenta títulos vistos este año en Sitges, un bloque que creemos es bastante representativo en relación al actual estado del género, en algunos de ellos aprovechando su estreno comercial, salida al ámbito doméstico o simplemente debido a la importancia que creemos que poseen nos detendremos más adelante de una manera algo más extensa y minuciosa en la medida de poder  ir detallándolos en base a una mayor ecuanimidad.

 

De filtros estéticos vacuos a notable reformulaciones clásicas a formatos actuales

Premiada de forma merecida como mejor película dentro de la sección Noves Visions El apego constituye una interesante aproximación autoral expuesto en forma de un drama gótico que indaga sobre las severas derivas psicológicas causadas del abuso. La película nos sitúa en la Argentina de años setenta. Una joven desesperada recurre a una clínica que hace abortos clandestinos. Al descubrir que está en su cuarto mes de embarazo, la doctora se niega, pero le propone vender el bebé a unos clientes suyos, ofreciéndole refugio en su casa hasta que el niño nazca. Las perturbadas personalidades de ambas se entrelazan en una extraña y peligrosa relación.

El largometraje de Valentín Javier Diment, La Memoria del Muerto (2011), El Eslabón Podrido (2015), parte de una premisa, que sin especificar una fecha concreta parece situarnos en la década de los 60/70, un escenario proclive a la hora de remitirnos a esos dramas rurales profundos de tono claustrofóbico con ciertas texturas hitchcockianas, aquí provistos de ocasionales toques de humor negro, en donde las carencias afectivas, represiones varias y desviaciones tales como el placer por el sufrimiento ajeno y propio de sus personajes terminan conduciendo el relato al terreno de un atípico soft terror. En cierta manera El apego puede ser considerada como un sugerente ejercicio de estilo de escenografía aplicada que conforme va desarrollando su trama va subvirtiendo las reglas genéricas por las que parece transitar hasta ese momento, a través de ellas se pueden apreciar retazos argumentales vistos en por ejemplo La culpa de Narciso Ibáñez Serrador, también, añadiendo a la ecuación en base a su refinada estética, a la reivindicable Anabel de Antonio Trashorras, al igual que en ambos referentes citados la conclusión final del relato nos llegará vía una catarsis violenta en referencia a unas pasiones abruptas que bordean un amour fou lésbico aquí aplicado a unos personajes excesivamente intensos que son presentados a través de un ejercicio inteligente en base a como sabe exponer según qué traumas derivados de la violencia de género y los abusos sexuales.

Ana Lily Amirpour forma parte de ese selecto grupo de realizadores que de alguna manera forman parte habitual del ecosistema de Sitges de estos últimos años, una autora que ha estado presente en el certamen desde el inicio de su carrera. En tal sentido después de A Girl Walks Home Alone at Night y The Bad Batch parecía consecuente que su tercer trabajo tras las cámaras fuera la encargada de inaugurar la edición de este año, Mona Lisa and the Blood Moon sin embargo constituye un evidente paso atrás en la trayectoria de Amirpour, en la película vemos como una misteriosa chica, conocida con el sobrenombre de The Lunatic y poseedora de unas habilidades peligrosas, logra escapar del hospital psiquiátrico donde lleva recluida toda la vida. Tras su huida, la joven llega a las calles de Nueva Orleans, un lugar lleno de personajes pintorescos que empezarán a cruzarse en su camino. Esos encuentros desencadenarán una vorágine de acontecimientos con consecuencias inesperadas.

Seguramente el problema principal que atesora una película tan deficitaria como resulta ser Mona Lisa and the Blood Moon radica en lo pobre que termina siendo su narrativa, a través de patrones genéricos bastantes reconocibles la película parte de ese concepto argumental en donde vemos a un extraño caminar por un entorno desconocido por él, del extraterrestre visto en films como Starman (1984), la simpática The Borrower (1991) o la más reciente Fried Barry (2020) pasamos a presenciar las peripecias de una joven con habilidades telequinésicas huida de un sanatorio, las intenciones en este sentido vienen a ser las mismas en lo relativo a mostrarnos una determinada travesía y ver cómo un pez fuera del agua se las ingenia en un hábitat percibido por ella y por el espectador como hostil, el problema de Mona Lisa and the Blood Moon viene dado en que una vez expuesto dicho enunciado este se queda sin apenas ideas en base a cómo poder desarrollarlas. La sensación final será la de estar ante un producto relativamente amable en intenciones pero vacuo en resultados, un film que en realidad no indaga en la parábola femenina y que termina poniendo toda la carne en el asador en lo relativo a mostrarnos una determinada estética visual. Ese discurso tan proclive en su autora que versa principalmente en lo concerniente al retrato de la marginalidad que sufren los desheredados de la sociedad queda reducido a algo bastante convencional derivando la película a una simple fantasía de contornos trash que intenta de forma algo torpe que el espectador termine empatizando casi a la fuerza con los personajes de la trama. A través de esa propuesta meramente formal y efectista se atisba un tono colindante con lo kitsch y el videoclip en relación a un colorido percibido como excesivamente aparatoso, y lo que es peor sin apenas rastro de esa subversión de iconografías propias del cine popular que parecía una constante habitual en los trabajos anteriores de su responsable.

Otra de esas cintas presentes en la sección Noves Visions que se suelen mover en base a unas evidentes limitaciones presupuestarias que no creativas fue la canadiense Bloodthirsty, interesante film que entrelaza el bloqueo artístico a un impulso primario de índole sobrenatural. La película nos presenta a Grey, una cantautora indie vegana que se traslada a un estudio ubicado en un bosque para grabar su segundo disco en solitario. El proceso de grabación, dirigido por el productor de moda Vaughn Daniels, se complica cuando la joven cantante empieza a tener unas pesadillas vívidas donde se convierte en una bestia sedienta de sangre. ¿Se ha convertido Grey realmente en un monstruo, o se trata tan solo de un trastorno psicológico?

Bloodthirsty fue una de las varias películas de este Sitges 2021 que se adecuaron a la perfección en lo relativo a lo que fue el leitmotiv de esta edición, la temática de la bestia interior centrada en la licantropía y otros fenómenos adyacentes, en tal sentido su directora Amelia Moses, que el pasado año ya indagaba en traumas semejantes que derivaban en paranoia con la cinta vampírica Bleed with Me, hace un trabajo suficientemente meritorio en su intento de calibrar con cierta solvencia el fantástico al drama en lo concerniente a las inseguridades que sufre una joven artista en un momento clave de su carrera. Ambas corrientes terminaran retroalimentándose y encontrándose a través de un enfoque psicológico poco dado a las prisas narrativas, el eje principal de la trama seguirá basculando a través del concepto de esa licantropía que en numerosas ocasiones representa una válvula de salida a una represión en donde subyace una lucha interior. Transformarse en un hombre lobo salvaje tiende a servir a modo de metáfora perfecta como respuesta a un sinfín de déficits que atesora la psique del ser humano, aparatosa pubertad, violentos despertares sexuales, trauma generacional, persecución religiosa o la inseguridad del artista. La transformación aquí se centra a través del autodescubrimiento, bastante más matizado por ejemplo que en la excesivamente publicitada Raw de Julia Ducournau, la sed de triunfo de la protagonista desencadena una necesidad insaciable de sangre hacia su persona, esa noción del hambre es expuesta a través del anhelo por parte del personaje principal en relación a la fama, el éxito y otras necesidades básicas hasta ese momento no suficientemente satisfechas. Amelia Moses aborda de esta manera el concepto de la transformación de una manera multifacética de forma relativamente interesante que sin embargo se ve ligeramente lastrada en base a la exposición de una imagen que tiende a una digitalización carente de garra, cercana a multitud de productos que parecen destinados directamente al streaming, algo que en parte no deja de ser una curiosa contradicción en lo relacionado al fondo y la forma por la que transita una cinta que intenta explorar y mostrar una pulsión de índole visceral.

Se ha convertido casi en un subgénero propio ese tipo de películas que transitan a través del thriller psicológico sobre asesinos en serie en donde se retrata una precariedad social y logística por la que han lidiar los investigadores a la hora de atrapar al criminal, unos relatos en donde la acción se suele situar en geografías proclives a dicho escenario como por ejemplo esa antigua Unión Soviética anterior a la perestroika o la Corea de sur que visualizaba el Memories of Murder de Bong Joon-ho, territorios y sociedades poco preparadas hasta ese momento en referencia a medios y metodología a la hora de afrontar la caza del psicópata. En The Execution vemos como durante años, las fuerzas policiales rusas han intentado detener al asesino en serie más inteligente y buscado del país. Pero incluso cuando lo atrapan, nadie puede demostrar su culpabilidad. A medida que se intensifica la persecución, la investigación se vuelve cada vez más personal entre el detective y el sospechoso.

Siguiendo de inicio los patrones antes comentados The Execution parte por contenido y territorialidad de la génesis de un film tan fundamental en estas líderes como resulta ser aquel sobrio y aplicado ejercicio de la HBO que era el Citizen X de Chris Gerolmo, un servidor percibe, pues no queda del todo claro y tampoco parece una prioridad esencial por parte de su realizador, que se nos relata el mismo caso, el tristemente conocido con el nombre del Carnicero de Rostov, sin embargo llegados a un punto concreto de su metraje las intenciones de Lado Kvataniya se extrapolan, sin salir del concepto del true crime, hacia otras direcciones en referencia a una cierta subversión de dicho esquema, más en relación a la ambigüedad del investigador que a la monstruosidad del investigado, siguiendo con otros referentes similares a la hora de situar al lector entra en acción en la trama de la película narrativas ya vistas en por ejemplo en la serie Mindhunter de Joe Penhall, en lo concerniente a cómo entender la maldad, y en especial el I Saw The Devil de Kim Jee-woon, por aquello de embrutecer al cazador hasta los mismos parámetros de desvaríos que su presa, llegando a ese punto fatídico se nos planteara la pregunta de quién es realmente el monstruo. The Execution, provista de una pulcra ambientación y una solvente elegancia formal en lo concerniente a crear una atmósfera turbia y malsana que requiere el relato, termina sin embargo ofreciendo al espectador demasiadas vueltas de tuercas en relación a desvelar quién es quién a través de una historia que posiblemente precisaba de menos malabares narrativos y arcos temporales difusos en la parte final de un film que habla principalmente de una búsqueda intuida como dual, la menos visible termina siendo aquella que nos habla del demonio y la oscura disfuncionalidad, y como este subyace no solo de puertas afuera sino también en nuestro propio interior.

En unos tiempos en donde el fantástico intenta de manera algo forzada, e incluso desesperada, encontrar nuevas vías en lo relativo a sus propuestas el nuevo trabajo tras las cámaras del dúo de realizadores galos Alexandre Bustillo y Julien Maury certifico que igual la solución viene dada en lo concerniente a intentar reformular desde el conocimiento sobre la materia nuevos formatos a conceptos clásicos como resulta ser esa indagación tan presente en el cine fantástico de un mundo acuático que suele ser mostrado a modo de un imaginario paralelo, en la notable The Deep House vemos como una pareja joven y moderna que viaja a Francia para explorar una casa submarina y compartir sus hallazgos en las redes sociales sufre un serio cambio de planes cuando la pareja ingresa al interior de una extraña casa ubicada en el fondo del mar y su presencia despierta un espíritu oscuro que acecha la casa.

No deja de ser algo curioso cómo ha ido evolucionando durante estos últimos años la trayectoria de Alexandre Bustillo y Julien Maury, especialmente significativo en lo relacionado a como se les intento atribuir una catalogación de autores rompedores a raíz aquella tendencia de extremismo francés en donde quedo encuadrada su opera prima À l’intérieur, en realidad esta no dejaba de ser un sólido ejercicio de estilo y trabajos posteriores certificaron de forma clara que los responsables de Livide, película por cierto bastante cercana a The Deep House en lo concerniente a como aborda el relato gótico de fantasmas, no dejan de ser unos aplicados y eficientes artesanos de género, sus dos últimas propuestas, la solvente Kandisha y la película que nos ocupa no deja ninguna duda con respecto a ello, en tal sentido The Deep House parte de una premisa ciertamente fascinante al trasladar el concepto de la haunted house a un escenario marino en donde evidentemente entra en juego coordenadas del survival que son desarrollada casi en tiempo real. Para más inri Alexandre Bustillo y Julien Maury como buenos, pero también inquietos, artesanos no se conforman con intentar aplicar una formula percibida como original sino que también ensamblan al relato conceptos y formatos contemporáneos como pueden ser los influencers de las redes sociales o el found footage. Llegados a este punto poco o nada importa que los últimos veinte minutos de la película sea un ligero desvarió narrativo en referencia a la sobre explicación de su trama, The Deep House, que saca el máximo partido a los recursos atmosféricos que otorga el universo acuático en especial lo relacionado a una asfixiante falta de profundidad de campo, no nace con la intención de ser un producto ambicioso o sutil y si efectivo en referencia a la utilización de según qué coordenadas genéricas, tan efectivas como esa disfrutable primera hora que funciona casi a la perfección en lo relativo a cuáles son sus verdaderos y afortunadamente nada disimulados propósitos.

Crónica Festival de San Sebastián 2021. Día 5

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De fluidas sátiras sociales a oscuras paternidades desviadas

En los últimos tiempos el cine de Fernando León de Aranoa se había convertido por méritos propios en un blanco demasiado fácil en relación a esa burbuja critica de festivales que parecía no aceptar de muy buenas maneras desde un principio su muy evidente trazo social moralista y en ocasiones bastante maniqueo, de alguna manera con El buen patrón el responsable de Familia se redime mediante una película que sigue transitando por temáticas afines a su realizador aunque expuesta de manera diferente a anteriores trabajos suyos. En El buen patrón vemos como Julio Blanco, el carismático propietario de una empresa que fabrica balanzas industriales en una ciudad española de provincias, espera la inminente visita de una comisión que decidirá la obtención de un premio local a la excelencia empresarial. Todo tiene que estar perfecto para la visita. Sin embargo, todo parece conspirar contra él. Trabajando a contrarreloj, Blanco intenta resolver los problemas de sus empleados, cruzando para ello todas las líneas imaginables, y dando lugar a una inesperada y explosiva sucesión de acontecimientos de imprevisibles consecuencias.

Posiblemente El buen patrón sea desde Familia la mejor película de su realizador debido a que en ella encontramos algo de más finura y menos compromiso de brocha gorda a la hora de retratar una situación y unos personajes difícil de encontrar en sus anteriores trabajos suyos, bajo conceptos propios de una sátira negra que aborda en forma de tragicomedia la precariedad laboral de una empresa en relación a las dinámicas de poder que las manejan El buen patrón es una película que funciona relativamente bien en lo concerniente al retrato de un empresario de moral bastante dudosa, en tal sentido casi todos los recursos del film quedan volcados por completo al personaje interpretado por un omnipresente Javier Bardem, a través de él se nos presenta a un hombre contradictorio, tan carismático como canalla, quedando la denuncia de sus acciones y la radiografía social del conjunto en un ameno catálogo en forma de farsa que mira sin mucho disimulo tanto a la comedia clásica italiana como a ciertos retazos del cine de orquestado en su día por Berlanga en base a un guion que sin embargo da la sensación de estar excesivamente milimetrado en lo relativo a lo que es su ejecución. Película más de actores que de una trama que apenas dejar espacios muertos en su desarrollo, El buen patrón parte del beneplácito de ser un producto de visionado bastante fluido y agradecido para con el espectador, también tan funcional como relativamente olvidable con respecto a una resolución poco dada a la trascendencia.

En estos últimos años ha sido bastante habitual la presencia en el Zinemaldia de ese nuevo thriller facturado en China en donde mecanismos propios del noir quedan de alguna manera transmutados a una cruda crítica social, en realidad gran parte de dicha corriente nace y proviene del cine coreano con esa punta del iceberg que es el Memories of Murder de Bong Joon-ho, siendo cinematografías tanto una como otra muy proclives a la hora de ensamblar distintos géneros. Fire on the Plain, opera prima de Zhang Ji, sigue unos parámetros similares a la hora de retratar oscuras derivas sociales y melodramáticas que terminan siendo direccionadas casi como mera excusa al thriller, la acción de la película nos sitúa en la China del año 1997. Una serie de asesinatos golpea la ciudad de Fentun. Los crímenes cesan misteriosamente sin que las autoridades hayan podido encontrar al autor. Ocho años después un joven policía cercano a una de las víctimas decide reabrir la investigación.

En Fire on the Plain, en donde de forma poco casual figura Diao Yinan (Black Coal, The Wild Goose Lake) como productor, parte de una facturación temporal, de 1997 a 2005, que resulta ciertamente significativa en la medida de retratar una evolución que es percibida como dual en la historia, por una parte la correspondiente a unos personajes que parecen predestinados a una precariedad tanto material como emocional, y en la otra la referente a la brutal trasformación social que la población china ha experimentado en ese periodo temporal en lo concerniente a una nueva y aparatosa realidad socioeconómica, ambas fracciones quedan pues destinadas a ensamblar un relato que transita principalmente a través del continuo desasosiego de personajes y escenarios, ambos mostrados en base a atmósferas opresivas y poco dadas a la esperanza. En cierta manera esa trama policiaca, en relación a los asesinatos de taxistas que acontecen en la ciudad de Fentun, queda suspendida en ese limbo temporal de la que parte la historia, algo caprichoso en lo referente a según qué resoluciones percibidas como rutinarias, y que no deja de ser en cierta manera una especie de macguffin narrativo la hora de mostrarnos mediante una obra sólida a unos personajes que terminan siendo engullidos por parte de una sociedad percibida como caótica.

Tras inaugurar la Quincena de los Realizadores del pasado Festival de Cannes el escritor y ocasional cineasta Emmanuel Carrère presento dentro de la sección Perlas Between Two Worlds, adaptación de la novela El muelle de Ouistreham de la periodista francesa Florence Aubenas, notable film que extrapola de forma certera el algo consabido drama social de la sobreexplotación del proletariado a favor del conflicto dramático de alguien, notable una vez más Juliette Binoche, que se infiltra en un grupo y finge ser parte de él. Between Two Worlds nos presenta a Marianne Winckler, una reconocida autora, decide escribir un libro sobre la precariedad laboral viviendo esta realidad de primera mano. Para ello, ocultando su identidad, consigue trabajo como limpiadora en un pueblo de Normandía, al norte de Francia, y descubre una vida ignorada por el resto de la sociedad en la que cada euro ganado o gastado importa. Pese a la dureza de la experiencia, la solidaridad entre compañeros crea fuertes lazos de amistad entre Marianne y ellos. La ayuda mutua conduce a la amistad y la amistad, a la confianza, pero, ¿qué pasa con esta confianza cuando la verdad sale a la luz?

Es una verdadera pena que hayan tenido que pasar catorce años para que alguien tan interesante como resulta ser Emmanuel Carrère volviera a situarse detrás de la cámara, después de la espléndida Le moustache que adaptaba un relato propio el responsable de Retour à Kotelnitch vuelve a trasladar un texto, esta vez ajeno, a la gran pantalla, un relato que en esta ocasión transita en base a unos parámetros que la sitúan a medio camino entre la ficción y el tono documental, de hecho el material que maneja da la sensación en un primer momento de formar parte de ese ideario social tan característico visto en infinidad de ocasiones en las películas de Ken Loach, a través de dicho enunciado la película indaga en la infiltración interesada de alguien en la realidad y la precariedad social de las limpiadoras de los ferrys que cruzan a diario el Canal de la Mancha, afortunadamente el relato va bastante más allá de la simple denuncia laboral a la hora de mostrarnos una historia que bascula en relación a una expiación personal que platea interesantes interrogantes en lo relativo a un propósito que por momentos pasa de ser social a personal. A través de un tono que nos remite a la mejor tradición del Cinéma vérité Between Two Worlds reflexiona en lo relativo a la confianza de los demás hacia el impostor, en como este puede estar legitimado a mentir en la medida de conocer la verdad y en donde queda situado el lado ético a la hora de usar vidas reales como material, de esta manera Emmanuel Carrère, que da la sensación de apropiarse de un material ajeno para llevarlo al suyo propio, establece  interesantísimos matices en lo concerniente a dudar del método de según qué construcciones literarias, también apasionante resulta todo lo relacionado a una constante muy presente en la obra del propio director, aquella que indaga tanto en lo relativo de la figura del doble y todo lo que le rodea como en la de las personas que pretenden ser lo que en realidad no son.

Manuel Martín Cuenca presento en la Sección Oficial fuera de concurso su nuevo trabajo tras las cámaras La hija, una nueva y apreciable muestra de cómo el responsable de La flaqueza del bolchevique continua indagando de forma incisiva en temáticas que transitan principalmente a través de oscuros trasfondos de nuestra sociedad en relación a aspectos que nos remiten al lado más siniestro que anida dentro del género humano. En La hija vemos como Irene tiene quince años y vive en un centro para menores infractores. Se acaba de quedar embarazada y está decidida a cambiar de vida gracias a Javier, uno de los educadores del centro. Javier le ofrece vivir con él y su mujer Adela en la casa que tienen en un paraje aislado y agreste de la sierra para que pueda llevar a buen término su embarazo. La única condición a cambio es que acepte entregarles al bebé que lleva en sus entrañas. Este débil pacto puede verse comprometido cuando Irene empiece a sentir como suya esa vida que lleva en su interior.

Una de las virtudes del cine orquestado por Manuel Martín Cuenca, notable dominio de la puesta en escena de lado, reside en ser un tipo de relatos en donde se percibe una falta de urgencias a la hora de desarrollar una historia, algo inusual y bastante elogiable en la medida de apreciar como aborda y maneja el uso de una tensión in crescendo a través de según qué coordenadas genéricas, la película en este aspecto se permite incluso el lujo de generar un plus de angustia dramática en su tramo final derivando el relato a una prototípica survival movie que atesora conceptos muy presentes del Cujo de Stephen King/Lewis Teague.  La hija, que parte, pese a no abordar ningún concepto fantástico, de una premisa casi idéntica a la reivindicable Shelley de Ali Abbasi, viene a ser uno de esos thrillers, o cuentos oscuros provistos de una atmósfera incómoda, que algunos etiquetarían de cocción lenta, gracias en parte a una inteligente utilización escénica de un paisaje ubicado en la Sierra del Segura (Jaén), apartado este en donde la narración da la impresión de estar siempre al servicio del espacio geográfico en donde acontece la trama, en cierta manera este posicionamiento es del todo razonable en las películas de su autor pues este más que el impacto inmediato hacia el espectador busca la exploración matizada de un temario concreto como resulta ser aquí ese concepto desviado de la maternidad, arbitrariamente validado en base a un supremacismo moral, social y generacional por parte de unos personajes que se sienten legitimados a la hora de poder alterar un orden percibido en un principio como natural. Sin embargo lo mejor que atesora esta meritoria película, que de forma inexplicable no estuvo a competición en lo referente a la comparativa con otras producciones nacionales presentes en el festival, lo podemos encontrar en lo concerniente a las inquietantes y ambivalentes sugerencias que atesora la historia, al igual que en la notable Caníbal, no todo se reduce una situación y unos personajes que orbitan en relación convencionalismos propios de lo entendible como el bien y el mal, más bien todo lo contrario pues si una cosa queda clara en un film de las características de La hija es la ambigüedad adyacente en esos claroscuros situados bajo la superficie por los que suelen orbitar habitualmente los personajes de las películas de un realizador tan interesante y aún muy poco reconocido como resulta ser Manuel Martín Cuenca.

Dentro de la sección Perlak se pudo ver otra notable opera prima proveniente de China, el debut en la dirección de Shipei Wen Are You Lonesome Tonight?, meritoria película sobre la culpa con evidentes texturas de noir en donde vemos como un joven está convencido de haber provocado una muerte accidental tras un atropellamiento nocturno entabla una ambigua relación materno-filial con la viuda de la víctima, mientras un policía intenta resolver la investigación que cambiará su vida para siempre.

Are You Lonesome Tonight? viene a ser otra de esas interesantes propuestas en donde lo estrictamente formal, en lo concerniente a sus muy sugerentes sendas manieristas, se sitúa de forma nada gratuita muy delante de lo que es su narrativa. El film tiene la virtud añadida de evitar ese mal endémico de muchas cintas provenientes actualmente de China en donde el drama social termina por diluir las costuras genéricas del thriller, aquí también noir de tono melancólico, o viceversa, al igual que esa otra película de la misma nacionalidad comentado en esta misma crónica como es Fire on the Plain estamos ante una historia fracturada en lo relativo a su temporalidad, aquí en base a continuos flash-backs y flash-forwards, a través de ellos vemos como el personaje principal de la historia transita a través de la culpa, el perdón y la tan ansiada redención, en relación a dicha premisa asistimos a un relato que es original no tanto por su adscripción genérica como en la forma, mediante un elaborado dominio de la puesta en escena, de crear una atmósfera, como claro ejemplo de ello nada mejor que cuando la película abraza sin complejos su auténtica condición de thriller en relación a su extraordinaria escena de persecución final, tramo este que incluso parece lidiar con texturas más cercanas a lo onírico que a las de un relato criminal al uso en lo relativo a la utilización del sonido y en especial de un hipnótico uso del color y la luz, con la implicación para dicha tarea de nada menos que cuatro directores de fotografía (Cedric Cheung-Lau, Xiaosu Han, Zhang Heng, Andreas Thalhammer), que por momentos parece remitirnos en lo visual a algunos de los exuberantes primeros trabajos realizados por Wong Kar-Wai.

 

Crónica Festival de San Sebastián 2021. Día 4

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De iniciaciones autobiográficas a la cruda y conmovedora finalización de una existencia

Otra de las sorpresas agradables vistas este año dentro de la sección Nuevos Directores correspondió a la opera prima del realizador esloveno Darko Sinko Inventura, un interesante debut que pone sobre la palestra la ambigüedad existente que puede existir en relación a una casi imperceptible línea que separa del día a la noche la confianza de la desconfianza. En Inventura vemos como Boris Robic es, como suele decirse, un tipo corriente. Una noche, sin embargo, alguien intenta dispararle. Las investigaciones no revelan nada. Ni enemigos, ni sospechosos. Se podría decir que Boris es la última persona a la que alguien querría matar. Cuando la policía cierra la investigación, Boris empieza a investigar por su cuenta. Mientras busca al sospechoso, vemos cómo se desarrolla la tragicomedia de un hombre que descubre que le odia mucha más gente de lo que pensaba y que la forma en que ve su propia vida era una ilusión.

Inventura se vale de una premisa que podría formar perfectamente parte de un relato surgido de la mente del escritor Richard Matheson, a través de un inicio de naturaleza casi anecdótica vemos como una duda se trasforma lentamente en miedo al comprobar como un hombre corriente, algo gris y ordinario en lo concerniente a su existencia, va entrando paulatinamente en una oscura espiral personal de índole conspiranoico hacia su entorno, un recorrido que a cada paso tiende a empeorar en base a esa recurrente pesadilla de naturaleza desconocida que invade el territorio de una persona normal haciendo que la paranoia se apodere de toda lógica, síntesis argumental tan característica en los textos de escritor de Nueva Jersey que aquí cobra sentido y se amplifica en relación a como las sospechas adyacentes en la mente humana pueden condicionar hasta límites insospechados una existencia placida hasta ese momento. Bajo ligeros retazos de tragicomedia el relato, que en realidad nos cuenta la imposibilidad de un individuo a la hora de poder entender un hecho, conforme avanza va mutando genéricamente dando paso de la intriga policial inicial a un cada vez más oscuro drama psicológico de tono existencialista, a raíz de dicha premisa la película nos va planteando interesantes interrogantes tales como que puede llegar a suceder cuando empiezas a dudar de las personas más cercanas de tu propio entorno, algo que termina conduciéndonos inevitablemente en esa máxima que nos dice que nunca es posible llegar a conocer del todo bien al prójimo, poniendo sobre la palestra como la duda hacia el otro termina siendo derivada hacia nosotros mismos.

No era nada fácil plasmar en imágenes, y que estas tuvieran un sentido lógico en lo relativo a su traslación cinematográfica, la novela de la escritora argentina Samanta Schweblin Distancia de rescate, nos sitúa bajo el concepto dramático de la conexión de las madres con sus hijos y su instinto casi salvaje a la hora de protegerlos ante cualquier tipo de peligro, síntesis argumental que es expuesta a través de una fábula sobrenatural aquí emparentada en base a un realismo mágico, el film nos presenta a una mujer llamada Amanda pasa las vacaciones en un tranquilo pueblo argentino con su pequeña hija, Nina. Siempre preocupada por el bienestar de su hija, calcula constantemente la «distancia de rescate» necesaria para protegerla. Pronto descubre que las cosas que la rodean no son como parecen.

Hay algo en la película de Claudia Llosa, que aquí nos ofrece un registro nuevo en su ya dilatada trayectoria, que a los aficionados al fantástico con algo de probatura sobre el género a nuestras espaldas nos suele generar bastantes dudas y cierta desconfianza hacia el producto en cuestión, y más en estos últimos tiempos en donde parece que las reglas genéricas tienden a ser interpretadas con cierta algarabía, en lo concerniente a enfrentarte a una película y que esta utilice el componente fantástico como mera excusa a la hora de hablarte de otras cuestiones. Un servidor viendo Distancia de rescate tuvo la sensación de estar ante ese tipo de relatos que mira con cierta condescendencia al fantástico, algunos emplearían la frase algo menos condescendiente “mirada por encima de hombro”, sea como fuere es bastante notorio que estamos ante una película fantástica, esa migración espiritual esta omnipresente en todo el relato, que sin embargo no está desarrollada como tal. Distancia de rescate, título que remite al tiempo y el espacio necesario para reaccionar ante cualquier amenaza hacia el vástago, en realidad orbita a través de la maternidad y los peligros invisibles derivados de ella, también en lo relacionado a la conexión biológica entre madre e hijo que va derivando por momentos en telúrica en base al miedo a que algo terrible les pueda pasar a nuestros descendientes, dando lugar a que esa maternidad en conflicto antes comentada que según sea aplicada en diferentes circunstancias hace que el espectador tenga que replantearse a cada minuto la verdadera naturaleza de cada personaje. La película al menos tiene la virtud de no caer en la sobre explicación de una narrativa que en según qué tramos puede tender a lo indescifrable, a tal respecto la cineasta peruana se ayuda de una cierta reiteración hacia el flash-back a la hora de presentarnos una obra en donde las sensaciones oníricas de tono algo ornamentales son percibidas como más fuertes de lo que finalmente terminan siendo sus posteriores resoluciones.

Paolo Sorrentino aterrizo en San Sebastián con una obra en donde regresa a sus orígenes mediante una suerte de auto-biopic, en cierta manera estamos ante la película más personal de su ya extensa trayectoria, no se trata de un cambio de registro y si más bien una especie de reset en relación a una mirada pretérita, la suya propia, que evoca el dolor y el nacimiento de una vocación artística y al mismo tiempo le sirve para toma un necesario respiro en lo concerniente a su pose autoral. È stata la mano di Dio nos cuenta la historia de la angustia y la liberación de un joven en Nápoles, Italia. Estamos en la década de 1980 y Fabietto Schisa, de 17 años, no sería más que un torpe adolescente italiano que intenta encontrar su lugar de no ser por una increíble familia que ama la vida y disfruta con las travesuras y entrometiéndose en las complicadas relaciones del prójimo. Pero un par de acontecimientos lo alterarán todo. Por un lado, la llegada triunfal a Nápoles de una leyenda divina del deporte: Maradona, el exitoso ídolo futbolístico que fascina tanto a Fabietto como a toda la conflictiva ciudad y les hace sentir un orgullo que antes parecía imposible. Y por otro, un accidente inconcebible que destrozará la vida de Fabietto y marcará su futuro. Aparentemente salvado por Maradona, tocado por la casualidad o por la mano de Dios, Fabietto lucha con la naturaleza del destino, la confusión de la pérdida y la embriagadora libertad de estar vivo.

Al ser una obra de una clara naturaleza confesional posiblemente È stata la mano di Dio sea bastante menos ampulosa, en cierta manera es un paso atrás en lo referente a lo estético, que anteriores película de Paolo Sorrentino debido a ser una historia muy cercana a la realidad, en ese sentido la realidad como tal no se puede alterar en exceso, algo que no es óbice para que esta sea rica en matices y emotividad pues se rememora una etapa crucial de alguien que atesora un ideario autoral tan abundante como interesante. Bajo parámetros propios de la consabida coming of age se nos cuenta el nacimiento de su interés por ser cineasta después de una tremenda tragedia familiar, en tal sentido en È stata la mano di Dio se aprecia un evidente trazo que tiende a idealizar el recuerdo, algunas situaciones posiblemente vistas desde otra perspectivas no serían tan placenteras, por ejemplo esa perdida de virginidad por parte del protagonista, sin embargo lo que realmente importa en la película es comprobar como Sorrentino está dispuesto a abrirse en canal, y lo hace con un estilo propio pues este en realidad es inherente a su figura como artista, evitando en todo momento la trampa del trazo nostálgico tan característico en esta clase de rememoraciones de índole personal, de alguna manera lo hace ofreciéndonos su particular versión de Amarcord, la representación de una tragedia primigenia ubicada en un escenario único y verídico como es ese Nápoles de los años ochenta, una ciudad irracional y caótica en donde sus habitantes se entregan a un sentido lúdico de la vida bastante peculiar, posiblemente el único sitio sobre la faz de la tierra en donde sus habitantes son capaces de convertir en un ideario vital de naturaleza casi divina la figura de un futbolista.

No sorprende tanto que un autor de las características de Gaspar Noé de un golpe de timón a estas alturas de su carrera con respecto a la tonalidad y aparente registro de sus películas, si nos fijamos en sus últimos trabajos en Climax o Lux Æterna se percibe ya de forma clara la naturaleza de un autor inquieto a la hora de abordad nuevas fórmulas y coordenadas narrativas, Vortex parte indudablemente de esa voluntad, la película nos presenta una escueta sinopsis que nos dice que la vida es una fiesta corta que pronto será olvidada, a partir de ahí el relato nos ofrece una historia desgarrador sobre dos ancianos, geniales Dario Argento y Françoise Lebrun,  él enfermo del corazón y ella aquejada de un estado bastante avanzado de Alzheimer, la crónica de un final a través del día a día de dos personas en los últimos momentos de su existencia.

Según se mire Vortex no es tan diferente de otros trabajos de su director como puede parecer en un principio, lo es evidentemente en lo relativo a sus formas, pues es su película más conmovedora y aparentemente sosegada, pero no tanto en un fondo que sigue siendo terrible en referencia a lo que nos explica, del sexo, la violación, la desmedida juventud, las drogas, la danza y la violencia pasamos a un tratado de índole inmersivo, minimalista y supuestamente tranquilo sobre el envejecimiento y la mortalidad, la virulencia de la cámara pasa de estar desmedidamente agitada a reducir la marcha sin dejar de estar algo nerviosa e inquieta, en realidad existe un muy importante tercer personaje en la trama en lo concerniente al apartamento parisino en donde han vivido la práctica totalidad de su vida adulta los dos protagonistas del relato, un habitáculo lleno de recuerdos, libros, carteles relacionados con el cine y cierto radicalismo de los años sesenta y setenta, una atiborrada decoración que funciona como metáfora perfecta en relación a como la memoria y la experiencia de un tiempo pretérito terminan encontrando inevitablemente la decadencia mental. En este aspecto Gaspar Noé es lo suficientemente inteligente como para no renunciar del todo a esas coordenadas autorales que dan pie a un reconocible virtuosismo formal pese a abordar un relato más lineal que de costumbre siendo relativamente fiel a unos parámetros estéticos en la medida de aplicar una experimentación que inciden principalmente en lo concerniente a la incomodidad de sus personajes, en esta ocasión en referencia a la utilización de un split-screen en encuadres 2,35:1 que juega de forma reiterada con el doble punto de vista y que nos deriva al mismo tiempo a un movimiento desatado en donde esa crispación tan marca de la casa de su autor hace tímidamente acto aparición en lo concerniente a la continua y por momentos desesperada agitación de sus protagonistas dentro de un espacio reducido, cercano a un angustioso laberinto, a modo casi de último bastión de resistencia por parte de ellos contra la muerte. Con su toque inusualmente humano Vortex es la obra más sutil, reflexiva y honesta de toda la filmografía de Gapar Noe, posiblemente también su mejor película realizada hasta la fecha, en base a un cine que aquí es utilizado a modo de una brillante herramienta de disociación que requiere del respeto y  la solemnidad. Sus 142 minutos de duración no es tanto un obstáculo como una virtud en la medida de como están planteados, pues ayuda a la inmersión del espectador ante un relato que requiere de ello. Por si fuera poco el film atesora la virtud de eludir por completo ese tono maniqueo y subrayado tan proclive en este tipo de relatos, parcela esta en donde por ejemplo Michael Haneke con su Amour no estuvo tan acertado en su día.

 

Crónica Festival de San Sebastián 2021. Día 3

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La mujer como epicentro y veteranos realizadores trasgresores que abrazan la explotaition

El debut en la dirección de la realizadora danesa Tea Lindeburg fue una de las pocas cintas de las varias presentes este año en el festival que logro de alguna manera solventar la pobreza de un mensaje alegórico tan manido como poco consistente gracias a un ejercicio de estilo cinematográfico potente en relación al retrato que nos hace de un asfixiante drama psicológico, a tal respecto el premio a la mejor dirección fue posiblemente el galardón más coherente otorgado este año en el certamen, As In Heaven nos sitúa a finales del siglo XIX, la vida de Lise, de 14 años, cambia para siempre. Es la mayor de sus hermanos, la primera de su familia en ir a la escuela y está llena de esperanza y confianza en la vida. Pero cuando su madre se pone de parto, pronto algo parece ir mal. A medida que cae la noche y el parto avanza, Lise empieza a comprender que el día que comenzó siendo una niña podría terminar con ella convertida en la mujer de la casa.

As In Heaven vuelve a incidir mediante la tiranía estructural del patriarcado en la precariedad de la mujer del ayer extrapolable a según qué circunstancias al presente, en realidad el mensaje que se expone en la película no va mucho más allá de dicho enunciado, en un periodo de 24 horas, espacio temporal que cambiará la existencia de la protagonista para siempre, asistimos al complicado parto de una madre, mientras tanto la hija mayor del clan familiar se debate en quedarse en el hogar o irse a estudiar a un internado de la ciudad y desligarse de ese universo plagado de dogmatismo religioso y explotación femenina en el que parece estar condenada a subsistir, llegados a este punto lo realmente interesante que vemos en As In Heaven no es tanto el mensaje, por momentos bastante obvio, y si como este queda plasmado en la pantalla a través de un preciosismo visual que por momentos puede colindar peligrosamente con lo ostentoso de dicho posicionamiento. Hace un par de años Malgorzata Szumowska intento de forma fallida hacer algo parecido aplicando el concepto me too en The Other Lamb, en este sentido Tea Lindeburg recurre a través de la imagen y el sonido a estilismos más propios del cine de terror premonitorio con reminiscencias telúricas a la hora de mostrarnos un oscuro imaginario onírico que orbita principalmente sobre los miedos y los sentimientos de culpa de la protagonista. Una película que pese a atesorar un continuo conflicto en referencia a lo que es su fondo y su forma tiene la innegable virtud de no recurrir a las proclamas gravitatorias de índole gratuitas en referencia tanto de la negación del coming of age como al sacrificio de esas mujeres que convivían en ese perturbador y marginal mundo rural de finales del siglo XIX.

La oportunidad de hacer una post crónica de un festival de cine con un tiempo de meditación holgado y una perspectiva temporal del evento y sus película bastante generoso viene en cierta manera perfecto a la hora ya no de analizar una película de las características de Crai Nou en sí mismo tanto como la incidencia y repercusión que tuvo dentro del certamen especialmente en referencia a su polémica Concha de Oro otorgada. En Crai Nou vemos como una joven intenta luchar para conseguir una educación superior y escapar de la violencia de su disfuncional familia. Una ambigua experiencia sexual con un artista será el acicate para enfrentarse a la violencia en su familia.

No deja de ser curioso que en un mismo día el Festival tuviera en consideración proyectar por primera vez dos películas que parten de un patrón narrativo casi idéntico, tanto As In Heaven como la opera prima como realizadora de la actriz rumana Alina Grigore Crai Nou nos cuentan exactamente lo mismo, incluso la conclusión de ambos relatos son bastantes simétricos, sin embargo las formas en que lo hacen son bien distintas, si As In Heaven utiliza un dispositivo formal bastante potente a la hora de retratar la asfixia de una mujer dentro de un entorno patriarcal abusivo en Crai Nou es todo lo contrario pues se vale para dicho discurso de la precariedad de recursos estéticos a la hora de retrata casi en un formato vérité esa tensión antes comentada que acontece dentro de un entorno plagado de dinámicas tóxicas. Estructurada formalmente casi a semejanza de un mockumentary de terror en donde su agresividad intensamente física, pese a que paradójicamente su realizadora recurra en más de una ocasión al fuera de campo, forman todo un statu quo en sí mismo.  El film de Alina Grigore nos retrata cámara en mano una paulatina degradación situándonos en un territorio hostil para con la mujer, esa Rumania rural termina siendo campo abonado para familias disfuncionales en donde la violencia machista forman parte de una manera casi natural del día a día de su precaria subsistencia. Dejando de un lado las formas y el fondo el problema de Crai Nou no viene en que sea una mala película de por sí, de hecho estamos ante un trabajo que pese a su evidente modestia es arriesgado a la hora de enfatizar una determinada incomodidad, el debate viene dado en base al premio principal que se le otorga que termina siendo contraproducente si la comparamos con otras películas presentes en la sección oficial que juegan en una liga bien distinta en referencia a su calidad como por ejemplo Benediction o Earwig, de esta manera lo que en un principio ha de ser un gran reconocimiento pasa a ser un incómodo cuestionamiento hacia una película loable, más propia de estar integrada en una sección de las características de New Direct@rs más dada la descubrimiento, un film en definitiva de texturas ásperas construido desde una incomodidad que en ocasiones consigue ser radical en lo concerniente a sus propósitos pero que sin embargo resulta ser algo pequeña e inferior en referencia a una comparativa de la que no sale bien parada si la encuadramos con otros trabajos presentes este año en la competición oficial a concurso.

La ópera prima del uruguayo Agustín Banchero fue una de las varias cintas que certificaron el elevado nivel visto este año dentro de una sección tan interesante como resulta ser siempre New Direct@rs, en Las vacaciones de Hilda vemos como mujer solitaria que vive en el pueblo de Concepción. Intencionalmente quiebra cualquier tipo de relación afectiva con las personas de su entorno cercano. Su vida se ve interrumpida por el aviso de que su hijo viene a visitarla después de varios años de ausencia. Así ella comienza los preparativos para mejorar su casa y su imagen que ha decaído en los últimos tiempos. Sobre la fecha, su hijo cancela la visita y la pospone por tiempo indeterminado. Ahora Hilda deberá vivir un verano en el pasado.

En Las vacaciones de Hilda, película que requiere de una cierta paciencia por parte del espectador, asistimos a un relato vertebrado en dos tiempos, de un presente invernal y deprimente pasamos a un pretérito verano luminoso, afortunadamente dicha variación temporal no resulta ser un capricho estilístico de tono críptico orquestado por el autor, como suele ser bastante habitual actualmente en muchas películas, y si una razón de ser de la propia historia a la hora de mostrarnos un drama que da la sensación de estar transitando continuamente a través de una ensoñación personal. La narrativa del film de Agustín Banchero se mueve pues únicamente en base a la memoria selectiva de su protagonista principal, la primera parte del film nos sitúa en un desalentador presente plagado de silencios pero lleno de diversos matices por descifrar siendo el segundo segmento el que mirando al pasado, una década atrás, nos explique el porqué de esa precariedad emocional que presenciamos al inicio del relato, de esta forma todo los interrogantes que el espectador se puede llegar a plantear al principio acaban resueltos a través de una historia que nos permite entrar en la cabeza de un personaje que da la sensación de no regirse de una forma lineal ni selectiva en relación a los acontecimientos externos que van ocurriendo alrededor de ella, derivándonos constantemente a un tono de cierta fantasmagoría a la hora de ofrecernos un interesante y oscuro díptico que trata principalmente sobre memoria y los detalles que quedan anclados en ella y como estos termina por desvelar la razón de ser de una desidia emocional.

Tras estar más de un año en el congelador a causa de diversas circunstancias derivadas de su algo problemática distribución el nuevo trabajo tras las cámaras del veterano Paul Verhoeven había levantado durante los últimos meses una inusitada expectación, tras su premier mundial en el pasado Festival de Cannnes Benedetta aterrizo en San Sebastián refrendando una vez más la total falta de prejuicios cinematográficos por parte del responsable de Flesh+Blood.  Ambientada a finales del siglo XV en la película vemos como una joven llamada Benedetta Carlini se une al convento de la Madre de Dios en Pescia como novicia. Supuestamente capaz de realizar milagros desde niña, la irrupción de Benedetta en la vida de la comunidad es inmediata, sin embargo la joven empezará a sufrir una serie de perturbadoras visiones a modo de visiones eróticas en donde mantiene relaciones sexuales con otras mujeres.

Quien espere de Benedetta un film ostentoso y solemne que atesore a través de su narrativa un rigor histórico solido seguramente desconocerán la filmografía de Paul Verhoeven, el realizador de origen holandés ha cimentado gran parte de su trayectoria en base a una trasgresión apócrifa en casi todos sus trabajos, su cine resulta ser tan apasionado y estridente como poco tradicional y nada austero en relación a sus formas, en cierta manera sus últimas películas no dejan de ser una lógica evolución más ampulosa, dado su actual estatus, de aquellos primeros largometrajes irreverentes que eran Turks Fruit o De Vierde Man por ejemplo. Bajo la apariencia de drama de época Benedetta abraza pues ese gusto por personajes y relatos carentes de una lógica interna que parecen orbitar a través de la trasgresión y la fisicidad fílmica excesiva, la novela Immodest acts: The Life of a Lesbian Nun in Renaissance Italy de Judith Brown es pues un caldo de cultivo perfecto para dicha ecuación, a tal respecto Verhoeven no se priva de nada y menos de ser algo gamberro en base un tono irregular que acerca al relato por momentos a la explotaition de monjas de estética algo hortera provisto de ciertos desvaríos narrativos en lo concerniente a un humor algo desvergonzado y poco dado a según qué tipo de sutilezas. Es por eso que Benedetta en lo relativo al caos lúdico por el que transita, que se detiene más la picardía de una trama lésbica, usando la religiosidad como vestimenta, que en un riguroso tratado sobre el sentido del puritanismo, no deja de ser percibida como una película provista de un generoso presupuesto pero con una indudable alma de serie B, como en realidad lo ha sido gran parte de la filmografía de Paul Verhoeven, un tipo de cine por otra parte más dado a la reivindicación a posteriori que al reconocimiento instantáneo, en tal sentido Benedetta no es ninguna excepción.

El nuevo trabajo de ese referente en la no ficción que es Claire Simon vino a confirmar ese tono heterodoxo que siempre suele estar presente de una forma u otra en la sección oficial del Zinamaldia, en Vous ne désirez que moi vemos como un hombre que mantiene una apasionada relación con una célebre escritora 30 años mayor que él necesita hablar. Está fascinado por ella y, sin embargo, siente que no puede seguir adelante. En un intento de poner en palabras la intensidad de su amor, se abre y lo describe con gran claridad.

Vous ne désirez que moi parte del material biográfico publicado de la entrevista entre Yann Andréa, amante de la célebre escritora Margarite Duras, y Michèle Manceaux, reputada periodista francesa, que es desarrollado a través de una propuesta de evidente tono minimalista en donde se intenta de forma algo forzada adecuar la palabra a la imagen, a tal respecto el film entra en una continua confrontación en lo concerniente a no saber ensamblar de una forma satisfactoria el discurso al escenario elegido para ello, es por ese motivo que Vous ne désirez que moi se mueve más por terrenos adyacentes a la obra de teatro que a un propio lenguaje fílmico que es percibido aquí como demasiado encorsetado, sin apenas escenas de exteriores y reducido en su mayor parte a un sin fin de planos y contraplanos que en ocasiones son interrumpidos de forma puntual por material de archivo en donde aparece la célebre escritora situando al film en más de una ocasión en un terreno algo contradictorio al colindar la ficción y el documental de forma poco elegante. Lo mejor con diferencia de la película termina siendo ese material original de base del que parte el relato, a través de una confesión oral asistimos a la descripción de una relación sentimental que dista mucho de ser platónica y si bastante compleja dada su aparente naturaleza de sumisión absoluta, más bien es percibida en la película como algo enfermiza e incluso patológica, a partir de ahí las reflexiones que nos podemos hacer pueden llegar a ser ricas en matices en lo relacionado por ejemplo a cuestiones tales a como artista reconocido en su labor puede llegar a ser una persona de conducta cuestionable o la disección que se hace de la prototípica figura del fanático obsesionado con el famoso aquí trasladada a un ámbito intelectual, ligeros retazos que no terminan de solventar una propuesta osada en sus fundamentos que sin embargo termina siendo algo simple en referencia a su resultado final.

 

 

 

Crónica Festival de San Sebastián 2021. Día 2

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La elegancia y solidez del biopic y fabulas lúgubres de una cineasta irreductible

Terence Davies sigue incidiendo, cada vez de una forma más visible y sin muchas medias tintas ni concesiones de por medio, en un tipo de cine que parece pertenecer a una época distinta a la actual, lo suyo es un trazo autoral plenamente definido en referencia a un tipo de clasicismo que tiene la virtud de no ampararse en ninguna clase de coyunturales modismos actuales, todo un logro digno de alabar según se mire, un cine sin apenas pliegues en ese sentido, posiblemente debido a ello algunos críticos pueden considerar que Benediction sea una película que puede llegar a bordear peligrosamente lo que muchos entienden como anacronismo cinematográfico, nada más lejos de la realidad pues estamos posiblemente ante uno de los films, preciosismo y lirismo visual aparte, más ricos en matices y significados de los vistos este año en San Sebastián,  la película nos cuenta como Siegfried Sassoon fue un hombre complejo que sobrevivió a los horrores de combatir en la I Guerra Mundial y fue condecorado por su valentía, pero a su regreso se convirtió en un firme crítico de la continuación de la guerra por parte de su gobierno. Su poesía se inspiró en sus experiencias en el frente occidental y terminó siendo uno de los principales poetas de guerra de la época. Idolatrado por aristócratas y estrellas del mundo literario y escénico londinense, mantuvo relaciones con varios hombres mientras intentaba aceptar su homosexualidad. Al mismo tiempo, roto por el horror de la guerra, hizo de su viaje vital una búsqueda de la salvación, tratando de hallarla en la conformidad del matrimonio y la religión.

En lo referente a su tono cinematográfico hay un sello intuido como inconfundible en Benediction que nos explica en lo concerniente a su gramática que estamos ante una película dirigida por Terence Davies, en base a grandes elipsis y elegantes fundidos  situados a medio camino entre la rememoración del relato melancólico y el doloroso peso del pasado acumulado en el presente por parte del protagonista el nuevo trabajo del responsable The Neon Bible vuelve a repetir las mismas formas narrativas que ya nos mostró en su anterior y también magnifica A Quiet Passion a la hora de decantar la historia principalmente en la peripecia personal y no tanto en la creación artística del retratado, ese legado cultural sin embargo está muy presente en el relato de una forma casi omnipresente, así pues no encontramos ante un relato de tono dual en referencia a temporalidad y narrativa en donde una voz en off va leyendo poemas del artista de forma reiterada mientras asistimos a la solemnidad y el preciosismo que muestra el devenir de una vivencia dominada principalmente por el trauma, una lección de cine a cargo de un cineasta siempre exquisito en sus formas, por si esto fuera poco Benediction atesora uno de los más emotivos y devastadores planos finales que un servidor recuerda haber visto en la gran pantalla en estos últimos años.

El nuevo trabajo de la realizadora argentina Inés María Barrionuevo dio cierta sensación de ser una de las varias películas presentes este año en San Sebastián de tener un acomodo algo forzado dentro de la sección oficial a concurso, como hemos señalado en anteriores crónicas en esta edición el Zinemaldia decidió apostar de forma muy determinante por un cine de supuesto índole reivindicativo de mujeres otorgando a un servidor bastantes dudas en relación a percibir como se prioriza más el mensaje que la calidad que atesora el producto en cuestión, en Camila saldrá esta noche vemos como una chica se ve obligada a mudarse a Buenos Aires cuando su abuela enferma gravemente. Deja atrás a sus amigos y una escuela secundaria pública liberal por una institución privada tradicional. El temperamento feroz pero prematuro de Camila se pone a prueba.

Desprovista de esa coyuntura que en cierta manera trasgrede el posicionamiento social antes citado posiblemente Camila saldrá esta noche se percibe como una película algo limitada en lo concerniente a lo que son sus propias intenciones, la sensación final será la de estar ante trabajo que posee una estructura casi anecdótica, más propia, dada su naturaleza, de figurar en una sección de las características de Nuevos Directores pese al bagaje ya algo extenso de su responsable. Siguiendo unos parámetros narrativos que nos derivan en un principio al consabido retrato generacional con apariencia de coming-of-age la película de Inés María Barrionuevo nos muestra la particular lucha feminista de una joven de cierta mentalidad liberal en un país en donde aún predominan en muchas de sus instituciones una actitud de clara tendencia hacia lo tradicional, en este escenario de clara confrontación ideológica el relato fluye con cierta soltura en relación a la cotidianidad de la historia, tanto de los hechos que van haciendo acto de aparición como de los distintos estados de ánimo y dudas por los que pasa su joven protagonista ante según que acontecimientos, será en lo concerniente a su desenlace en donde su aparente y supuesto tono social combativo o reivindicativo es percibido en base a texturas pantanosas más propias del militarismo, más allá de dicho posicionamiento, loable o no según se mire, Camila saldrá esta noche termina siendo pese a su más que evidente honestidad un producto cinematográficamente tan pobre como algo gratuito en relación a como intenta exponer y desarrollar según que determinadas problemáticas sociales de hoy en día.

Es digno de elogio que un Festival como San Sebastián siga haciendo una apuesta  tan decidida por autores tan poco dados a convencionalismos como resulta ser Lucile Hadzihalilovic, Premio New Directors con su ópera prima Innocence (2004) y presente en 2015 con la también extraordinaria Evolution, en Earwig se nos vuelve a situar a través de una autoría tan arriesgada como poca dada a según qué tipo de convencionalismos por aquello de las dudas que pudiera generar en un principio el adaptar una obra ajena, el rodar por primera vez en inglés o disponer de un presupuesto algo más holgado en relación a anteriores trabajos suyos, en este sentido se sigue siendo fiel a un estilo que da la sensación de ir continuamente a contracorriente con respecto a todo lo demás, la historia de Earwig nos sitúa en algún lugar de Europa, a mediados del siglo XX, Albert trabaja cuidando de Mia, una niña con dientes de hielo. Mia nunca sale de un apartamento donde las puertas y ventanas siempre están cerradas. El teléfono suena con regularidad, y un individuo conocido como el Maestro se interesa por el estado de Mia. Un día, Albert recibe instrucciones: debe preparar a la niña y salir al exterior.

Partiendo de la novela homónima de Brian Catling con Earwig Lucile Hadzihalilovic, que con solo tres largometrajes atesora un estatus ya plenamente definido tan singular como exquisito, no solo demuestra ser fiel a unas determinadas coordenadas autorales que no otorga concesiones sino que de alguna manera refuerza y amplifica dichos matices en base un material ajeno que enriquece dicho imaginario, situado a media camino entre la fábula lúgubre y la ensoñación, el cine, que como suele ser preceptivo transita nuevamente por universos atormentados y enigmáticos, de la responsable de Innocence vuelve a orbitar a través de universos femeninos en constantes peligros en donde ese statu quo en el imaginario de Hadzihalilovic que es la perdida de inocencia deviene como forzada de forma no natural, especialmente en infantes, empujados a través de un estado casi narcótico, que son manipulados por misteriosos mayores que ejercen autoridad sobre el menor en base a intenciones percibidas como poco claras, de hecho en este sentido las tres películas de la realizadora francesa podrían ser interpretadas a tal respecto perfectamente casi como de una trilogía temática se tratase. Aquí el relato, nuevamente sin apenas diálogos, es percibido incluso como algo más críptico que los anteriores trabajos de su directora, en cierta manera estamos ante un tipo de cine que prioriza por encima de todo el componente sensitivo a la hora de proponer difusas lecturas, el espectador que acepte dicha premisa ha de refugiarse más en la atmosfera de las imágenes, magistral fotografía a cargo de Jonathan Ricquebourg,  que en buscar una racionalidad a una historia contada en base a una narrativa en donde no resulta fácil aplicar una lógica a según qué determinados imaginarios oníricos, en este sentido quien busque una explicación fácil a esos dientes de hielo o a ese succionador de saliva seguramente se estrelle contra un muro difícilmente interpretable . De estética tenebrista  con claras texturas a relato gótico Earwig, que tiene esa virtud cada vez más difícil de encontrar en la actualidad de no generar indiferencia para con el espectador, nos cuenta un historia de tono pesadillesco, o eso se percibe, en donde el adulto protagonista del relato no llega a ser consciente del imaginario del que parece formar parte confundiendo continuamente recuerdos y pesadillas, en este apartado podemos encontrar una conexión de lo más estimulante con el Spider de David Cronenberg, todo ello expuesto en base a un cine de texturas que atesora una serie de ideas muy potentes a cargo de  una de las autoras más personales, sugerentes e irreductibles del actual panorama cinematográfico.

Laurent Cantet es un autor que durante los últimos años no ha dejado de radiografiar en base a la formulación las vicisitudes y alteraciones sociales de nuestro día a día actual, su último trabajo presentado a competición no es ninguna excepción a tal respecto,  Arthur Rambo nos plantea la pregunta de ¿Quién es Karim D.? ¿El nuevo escritor, joven y comprometido, del que los medios nunca tienen suficiente? ¿O su alias, Arthur Rambo, autor de mensajes alimentados por el odio que se escribieron hace tiempo y que se extrajeron, un día, de los sitios web de las redes sociales?

Uno de las mayores virtudes que podemos encontrar en el habitual ideario del responsable de Ressources humaines viene dada en referencia a plantear una determinada problemática más que juzgarla en sí misma, Arthur Rambo empieza por su ritmo e imágenes casi como una película interactiva se tratase, el tono acelerado de sus imágenes va de alguna manera en consonancia con lo que se nos quiere explicar, el auge de un joven escritor es escenificado a través de sus exitosas apariciones mediáticas, de alguna manera es el hombre del momento, al mismo tiempo que presenciamos este ascenso visualizamos en pantalla una serie de tuits anónimos bajo el seudónimo de Arthur Rambo que parecen estar situados en ese difusa línea que separa lo supuestamente políticamente incorrecto de apologías tan peligrosas como la homofobia y el antisemita, al poco sabremos que el autor de moda y el responsable de los tuits son la misma persona, a partir de dicha ruptura narrativa y en cuestión de segundos, pues en las redes sociales todo va a un ritmo vertiginoso como bien refleja la película al estar narrarla en tan solo 48 horas, lo que era un ascenso se convertirá en el descenso de un personaje que queda atrapado en el interior de una tormenta de opinión ajena, será en ese momento en donde Laurent Cantet ponga sobre la palestra a partir del concepto del héroe caído en desgracia una serie de cuestiones sobre problemas de actualidad, especialmente en lo concerniente a la verdadera identidad del individuo, si es que realmente existe tal, que conducirán al espectador a la reflexión posterior pues a fin de cuentas estamos ante un trabajo que plantea más que resuelve interrogantes, en este sentido no hay una dirección marcada en lo referente a lo que es su discurso corriendo cierto riesgo de quedarse en un territorio de nadie, también puede terminar siendo algo deficitario que su decidida apuesta hacia el debate debilite o anule casi por completo cualquier componente dramático de la historia, algo que de alguna manera no parece no importarle mucho a Laurent Cantet pues lo suyo va más encaminado a una indagación que deriva en interrogación que a una resolución de la que evidentemente la película carece.

Tras pasar por el Festival de Cannes el realizador belga Joachim Lafosse presento en la sección Perlas la cinta Les intranquilles, un inteligente drama que aborda ese espinoso tema de la enfermedad mental que se introduce y erosionan lentamente el seno de una familia, una película que tiene la virtud de no recurrir al tremendismo ni al subrayado a la hora de adentrarse en una temática que resulta ser tan compleja, en Les intranquilles vemos como Leïla y Damien se quieren con locura. Ambos luchan por mantener unida a la familia a pesar de la bipolaridad de Damien. Ninguno se rinde, aunque él sabe que nunca podrá ofrecerle lo que ella desea.

Hay algo en el desarrollo narrativo del nuevo trabajo de Joachim Lafosse que parece remitirnos al L’enfer del maestro Claude Chabrol, en ambas películas expuestas a modo de dramas que orbitan a través de la adicción somos testigos de la descomposición de una pareja que evidentemente deriva en familiar, una a causa de los celos y en la que nos ocupa por culpa de una enfermedad bipolar, ambas sintomatologías las sufren los cabeza de familia padeciéndolas las mujeres y sus respectivos hijos, en ambos relatos también podemos encontrar una cierta similitud en como se muestra una suerte de in crescendo narrativo cuesta abajo que dinamita la cotidianidad de sus protagonistas. El responsable de la también notable L’économie du couple no busca resoluciones sencillas a tal respecto volviendo  a eso que se le da tan bien en su cine que es el transitar a través de un tono íntimo por la complejidad existente en las emociones de una pareja, notables Leïla Bekhti y Damien Bonnard, en base a pequeños y sutiles detalles que al final no lo son tantos pues forman parte de un elemento primordial en la trama,  a través de ellos vemos como la enfermedad toma un espacio vital en el día a día del matrimonio casi a modo de ente invasor, a partir de dicho escenario se reflexiona más sobre las causas que en el motivo, más en lo concerniente a las consecuencias provocadas por dicho colapso familiar que en la indagación de un trastorno bipolar entendido como tal, especialmente en referencia a diferentes disyuntivas que se plantea un miembro de la pareja, como por ejemplo el darse cuenta que la otra persona con la que comparte vida no estará donde esperamos que esté.

Crónica Festival de San Sebastián 2021. Día 1

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El año de las mujeres

Después de una atípico en todos los sentidos 2020 el Zinemaldia pudo recuperar en cierta manera la normalidad con respecto al pasado año, aun existiendo una limitación de aforo en la salas y una lógica reducción de proyecciones el Festival logro sacar adelante con cierta solvencia una edición que en su recta final se vio ligeramente empañada a causa de un palmarés que creo una cierta controversia especialmente en referencia a la Concha de Oro otorgada a la cinta rumana Blue Moon, película de un nivel cinematográfico bastante pobre que logro de forma nada sorprendente el conceso critico poco antes de conocerse el palmarés de ser el film con diferencia al resto de más baja calidad de todos los presentes en la Sección Oficial. A tal respecto no estaría de más una reflexión algo profunda en lo relativo a como el Festival durante esta edición ha aplicado con excesivo celo y de forma algo forzada el integrar según qué cuotas de índole social en su programación, especialmente el referido al papel de la mujer en distintos ámbitos de nuestro presente e incluso pasado estuvo demasiado omnipresente en la Sección Oficial dando una cierta sensación de que predominaba en la mayoría de los casos más el mensaje que la calidad del producto en cuestión. Evidentemente uno percibe que la intención por parte del certamen es del todo loable sin embargo dichos equilibrios de cuotas deberían de estar regulados de una forma algo más natural, pues el exceso en dicha materia puede derivar en un cierto artificio que provocan pequeños desbarajustes tales como premiar con el más alto galardón a una cinta cuyo estatus de calidad no fue ni mucho menos un fiel reflejo del nivel real de las cintas presentes este año a competición.

Entrando en materia el Zinemaldia volvió a encontrar ese acomodo adyacente en sus diversas secciones que conforman una sinergia en sí misma en referencia a poder ofrecer una programación direccionada a un amplio abanico de paladares, donde no llega la Sección Oficial lo hacen con solvencia las secciones paralelas, Perlas posiblemente de forma algo difusa últimamente al estar convertida en un apartado algo previsible en relaciona dar cabida a un número excesivo de películas de estreno comercial inminente. New Directors por su parte volvió a ser uno de los apartados más interesantes del certamen complementado con una potente selección de títulos en un apartado como es Zabaltegi-Tabakalera que pese a cierta sensación de cajón de sastre sigue ofreciendo el cine autoral con más riesgo de todo el certamen. Digno de elogio fue la recuperación, aunque algo cerciorada en lo relativo al número de películas previstas en un principio, de la retrospectiva de cine clásico correspondiente este año a Flores en el infierno: la era dorada del cine coreano así como la oportunidad única de poder ver en pantalla grande piezas de un cine pretérito tan reivindicables como por ejemplo el Manicomio de Fernando Fernán-Gómez y Luis María Delgado

A continuación y como viene siendo habitual en estos ultimo años dentro del portal iremos desgranando a modo de crónica diaria y con una perspectiva temporal todo lo más importante visto en esta 69 edición del Festival de San Sebastián.

El celuloide como último recurso y prematuras obras de culto

Zhang Yimou inauguró el certamen con Un segundo, cinta que según palabras del propio responsable venía a ser una particular carta de amor al séptimo arte que mira al pasado histórico. En Un segundo vemos como un convicto es enviado a un campo de trabajo en el desolado noroeste de China durante la Revolución Cultural del país. Utilizando su ingenio, y con el único fin de ver a su hija, quien ha sido filmada en una película, logra escapar y huye en dirección al cine de un pueblo cercano. Allí espera encontrar esa cinta de película y hacerse con ella. Sin embargo, en dicho lugar se cruza con una vagabunda desesperada por conseguir el mismo carrete de película y que logra robarlo. Curiosamente, este enigmático objeto, que ambos anhelan por motivos muy distintos, se convertirá en la raíz de una inesperada amistad.

Posiblemente la evolución en la carrera de Zhang Yimou no haya sido la esperada por parte de los adeptos, entre los que un servidor se encuentra, de un realizador que tuvo un inicio ciertamente deslumbrante de cara a la cinefilia con cintas como Sorgo rojo o La linterna roja, en parte esas expectativas solo se han visto parcialmente cumplidas con respecto a sus traslaciones al universo Wuxia con películas tan potentes como las anteriores pero dentro de un ámbito genérico bien distinto como fueron Hero, House of Flying Daggers, Curse of the Golden Flower o la más austera en medios Shadow, Un segundo en parte es un claro ejemplo de una indecisión autoral cuyo desarrollo se percibe como irregular aunando en su haber aciertos con puntuales despropósitos. A través de un cine plagado de diversos claroscuros la película no deja de ser una bien intencionada versión particular de Cinema Paradiso que partiendo de los postulados del film de Giuseppe Tornatore trasforma lo que aquello era una supuestamente emotiva carta de amor hacia el cine a mostrarnos el inherente poder transformador del cine en relación al reconocimiento a la bobina física como último bastión de la memoria del individuo caído en desgracia, un relato circunvalado a medio camino entre el optimista y el pesimista, entre ligeros retazos de humor que rozan lo burlesco y entrañable a dolorosas metáforas políticas en lo concerniente a las víctimas del duro periodo de la Revolución Cultural de los años 60.

Una de las constantes temáticas dentro de la siempre interesante sección New Directors ha sido la exploración de universos adolecentes dentro de las llamadas coming of age, el segundo trabajo tras las cámaras del realizador chino Sun Liang parte en apariencia de un trayecto plagado de lugares comunes de los que sin embargo sabe sacar provecho mediante un meritorio trabajo de cámara. Lost in Summer nos cuenta como durante el verano, cuando acaba el instituto, un adolescente se enfrenta a su confusión vital y lo intenta todo para encontrar una salida. Sin embargo, fracasa, con intento de asesinato incluido.

Posiblemente la mayor virtud de una película de las características Lost in Summer radique en su falta de pretensiones a la hora de exponernos una serie de situaciones en principio nada novedosas argumentalmente para con el espectador, como bien indica su título la película nos sitúa en ese periodo temporal tan habitual en la adolescencia, final de estudios y comienzo de una época estival plagada de demasiados tiempos suspendidos, evidentemente entrara en escena ese periodo de indecisión, al fin del cabo el auténtico statu quo del relato, en donde el joven protagonista a punto de entrar a las puertas de la madurez se debatirá entre cuestiones tales como una primera e imposible atracción romántica y la duda de tomar la decisión correcta en según de cuestiones de índole moral, al final de la historia como es preceptivo hará acto de aparición una especie de redención a la hora de mostrarnos por parte del joven un reconocimiento y aceptación a un entorno familiar que hasta ese momento había despreciado. A tal respecto se agradece que la película adopte un tono naturalista y no contemplativo en base a lo impostado como suele ser muy habitual en este tipo de producciones chinas de primeros realizadores que nos llegan masivamente durante estos últimos años, también es digno de mención en esta humilde propuesta que el anexo narrativo social a la historia principal este expuesta de una forma sutil en base al contexto de una situación social y política actual, prescindiendo de esos subrayados tan característicos y deficitarios en dramas sociales actuales de los que afortunadamente Lost in Summer logra sortear de forma airosa.

Recién llegada del Festival de Venecia aterrizo en San Sebastián dentro de la sección Perlas Competencia oficial, sátira de escenografía teatral que reflexión sobre el ego del artista en donde somos testigos de cómo en busca de trascendencia y prestigio social, un empresario multimillonario decide hacer una película que deje huella. Para ello, contrata a los mejores: un equipo estelar formado por la celebérrima cineasta Lola Cuevas y dos reconocidos actores, dueños de un talento enorme, pero con un ego aún más grande: el actor de Hollywood Félix Rivero y el actor radical de teatro Iván Torres. Ambos son leyendas, pero no exactamente los mejores amigos. A través de una serie de pruebas cada vez más excéntricas establecidas por Lola, Félix e Iván deben enfrentarse no solo entre sí, sino también con sus propios legados.

Existen momentos en Competencia oficial en donde la delgada línea que separa la simple sátira y la autorreflexión más profunda queda diluida a causa principalmente de su evidente falta de riesgo pues de alguna manera el film de Gastón Duprat y Mariano Cohn no deja de ser una sucesión de gags, algunos más agradecidos que otros, que se beneficia principalmente de la labor actoral de un excelso Antonio Banderas, muy por delante de Penélope Cruz y  Oscar Martínez. Película más de actores que de narrativa fluida Competencia oficial se deja ver con cierto agrado pero termina siendo olvidada con demasiada premura, posiblemente debido a como los responsables de El ciudadano ilustre terminan desgastando con demasiada celeridad una premisa que en un principio daba para bastante más juego, la de burlarse de su propio reflejo en relación a la parodia de tono ligero a través de egos y rutinas dentro del mundo del cine, o sea una mirada cínica realizada desde dentro, aquí reflejada en el enfrentamiento entre dos artistas de un muy diferente ámbito y metodología  que sin embargo confluyen en una misma y algo sombría meta profesional que termina siendo personal.

En una edición en donde casi todas las problemáticas sociales de nuestro presente tuvieron su espacio el cambio climático tuvo su acomodo en la sección Perlas con el tercer trabajo tras las cámaras de un habitual del certamen como es Louis Garrel, La croisade, bautizada con el algo caprichoso título en castellano Un pequeño plan… cómo salvar el planeta nos muestra a modo de pequeña farsa provista de un ligero tono fabulario ese a veces farragoso propósito llevado al cine de concienciar al espectador sobre posibles fallas en nuestra sociedad que conducen irremediablemente a diversos conflictos generacionales. En la película Abel y Marianne descubren que su hijo Joseph, de 13 años, ha vendido en secreto sus objetos más preciados. Pronto se percatan de que Joseph no es el único: cientos de niños de todo el mundo se han unido para financiar un misterioso proyecto ecologista en África. Su misión es salvar el planeta.

No es tarea fácil enjuiciar de una manera ecuánime una serie de películas en donde lo loable del mensaje parece ir en una dirección contraria a la calidad del producto en cuestión, San Sebastián en esta edición estuvo plagada de muchos ejemplos a tal respecto, La croisade podría ser perfectamente uno de ellos, en cierta manera los mejores momentos con diferencia del film lo encontramos en sus primeros quince minutos, aquellos en donde el relato aún no ha desvelado sus verdaderas intenciones, ahí es donde entra en escena esa inconfundible escuela Garrel en base a ingeniosos diálogos que hacen que su narrativa sea fluida, todo lo demás que vendrá a continuación no deja de ser catalogo curioso tan loable y simpático como en parte anecdótico poniendo sobre la palestra como, en la temática que nos ocupa, el efecto Greta Thunberg puede llegar a ser contraproducente llevado a según qué artes escénicas. Cuestiones tales como la reflexión sobre la madurez o la rebelión filial terminan siendo expuestas de forma muy esquemática, esta última por cierto mucho mejor plasmada e inquietantemente intuida en otra cinta francesa que indagaba a través de parámetros genéricos por la misma problemática, la reivindicable L’heure de la sortie de Sébastien Marnier.

Dentro de la sección  Zabaltegi – Tabakalera el esperado nuevo trabajo de la dupla formada por Helena Girón y Samuel M. Delgado tras su buena acogida en el pasado Festival de Venecia tuvo un perfecto acomodo dentro de ese apartado cinematográfico de consonancias alternativas, aquí a través de un relato cercano a lo experimental que reflexiona sobre el poder intrínseco de la propia imagen y todo lo que puede derivarse de ella. Eles transportan a morte nos sitúa en el año 1492. Entre la tripulación de Cristóbal Colón viajan tres hombres que ya deberían haber muerto. Han conseguido evitar sus condenas participando en el incierto viaje, pero al llegar a las Islas Canarias, huyen cargados con una de las velas de la embarcación. Mientras, en el Viejo Mundo, una mujer trata de salvar a su hermana moribunda, con la esperanza de que una curandera pueda ayudarla. Ambos viajes tratan de burlar a la muerte. Ambos viajes están a merced del tiempo y de la Historia.

Eles transportan a morte, película que esta de forma continua vulnerando las reglas del género, es ese tipo de cine que un servidor espera que en un futuro no muy lejano forme parte de manera normalizada en las secciones oficiales de certámenes de clase A, la principal virtud del film en este aspecto seguramente radique en su no adscripción a reglas ya preestablecidas situándose en el punto más alejado posible de lo entendible de un tono académico, de hecho su argumento no deja de ser una declaración de intereses en este sentido pues estamos ante un relato que reinventa, y más tarde cuestionar y bifurcar, el relato oficial histórico despojándolo de toda épica posible. Partiendo de unas bases argumentales que nos remiten a la  conquista y exploración de un nuevo mundo Delgado y Girón nos ofrecen una potente alegoría visual a través de una odisea anticolonialista de consonancias tan políticas como antropológicas respecto de los males que la Europa colonialista derivo al resto del mundo, unos eventos que no fueron tan gloriosos como nos lo han explicado, otorgándonos una muy interesante relectura crítica y heterodoxa de un pasado expuesto a través de una simple trasgresión fílmica que es digna de elogio.

Precedida por la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes Titane de la realizadora francesa Julia Ducournau vino precedida de una inusitada y en parte lógica expectación a la hora de poder comprobar si realmente estamos delante de una obra de talante rompedor o ante una de esas modas con fecha de caducidad bastante frecuente dentro de ese ecosistema de burbuja que son los festivales de cine, al final ni una cosa ni otra pues si hay una clase de películas que necesiten de una contextualización en frio y con cierta perspectiva es sin lugar a dudas una película de las características de Titane, en el film vemos como un joven con la cara magullada aparece repentinamente en un aeropuerto. Asegura llamarse Adrien Legrand, un niño que desapareció en extrañas circunstancias hace diez años. Para su padre, Vincent, esto supone el final de una larga pesadilla y lo lleva a casa. Simultáneamente, se suceden una serie de horribles asesinatos en la región en donde viven. Alexia, modelo en un showroom para coches, tiene todas las papeletas para convertirse en la próxima víctima.

Resulta complicado separar el ruido mediático generado del simple análisis que se puede extraer de la película pues ambas vertientes están ligadas de algún modo casi como de vasos comunicantes se tratase, con todo no deja de ser una buena noticia que los festivales de clase A empiecen a valorar un tipo de cine fantástico que hasta ahora en cierta manera ha estado ninguneado de forma casi sistemática. A tal respecto Titane tenía todos los atributos para ser considerada con el paso del tiempo como una obra de culto, como en realidad y por poner un solo ejemplo lo ha sido otra película francesa que transita por narrativas no tan distantes como es la magnífica Trouble Every Day de Claire Denis, sin embargo el film de Julia Ducournau ha recorrido un recorrido completamente inverso a este tipo de films teniendo un reconocimiento, excesivo y contraproducente a mi entender, planteando la interrogante de cómo será valorada al cabo de un tiempo. Elucubraciones aparte, pues al final la película es lo que es, estas ni envejecen ni se rejuvenecen a diferencia de la mirada del espectador, por muchas valoraciones y expectativas mutantes que la circunvalen, lo mayor virtud que se puede percibir en ese drama psicológico disfrazado de fantástico que es Titane, extraordinario Vincent Lindon de lado, viene dada en referencia al irrenunciable posicionamiento autoral por parte de Julia Ducournau, un cine sin complejos que pretender ir más allá a través de una mirada trasgresora y desprovista de cualquier tipo de encorsetamientos genéricos que sin embargo se ve perjudicada por lo atropellada e inconclusa que resulta ser en lo concerniente a discernir y desarrollar según qué tipo de metáforas.

A la hora de emparentarla a otras ramas y autores de fantástico, y supuestamente en un intento de ser lo más original posible en la medida de buscar una serie de referencias a la obra, se ha ido nombrando por parte de la crítica prácticamente todos los conceptos posibles dentro del fantástico cuando en realidad la principal base de la que parece sustentarse Titane la encontraremos en la primera película de su directora Raw, ambas películas, una más ambiciosa que otra pero igual de irregulares, anidan a través de la problemática de la identidad de género expuesta en la película en forma de trasformación y posterior pulsión en base a sesgos en un primer lugar inconscientes que con el tiempo pasan a ser dependientes. Llegados a estos extremos poco importa la poca credibilidad del relato en cuestión, en realidad esto no deja de ser es un peaje natural por parte de un tipo de cine desprovisto de perjuicios y que de alguna manera se lanza al vacío sin muchos miramientos, un cine en definitiva que por lógica es más proclive a la contextualización temporal que a líquidos hypes de índole supuestamente postmodernos.

Restauraciones, descubrimientos y tesoros desenterrados, en la selección de este año de Seven Chances

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La sección que Sitges programa en colaboración con la ACCEC ofrecerá films hasta ahora inéditos de autores tan queridos en el Festival como George A. Romero (‘The Amusement Park’) o José Mojica Marins (‘A praga’)

En su afán de seguir poniendo en contacto el pasado, el presente y el futuro del fantástico, recuperando obras esenciales o ninguneadas y proyectando documentales que profundizan en áreas poco exploradas del género, el Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña y la Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC) han seleccionado siete títulos que serán presentados, como es habitual, por miembros de la Asociación.

Comenzaremos Seven Chances de la mano de George A. Romero, nombre fundamental del cine de terror contemporáneo, de quien todavía quedaba por descubrir The Amusement Park, que narra el sufrido periplo de un abuelo en un parque recreativo para la tercera edad. A principios de los setenta, una entidad religiosa le encargó a Romero un film educativo para advertir de las graves problemáticas que tenía que afrontar la gente mayor, pero la corrosiva patraña admonitoria que el cineasta entregó los aterrorizó y quedó olvidada en un cajón hasta que en el 2017 se encontró una copia en 16 mm., a partir de la cual se ha hecho la restauración que veremos.

Seis años después de tener en Sitges Cosmos, su exultante despedida, Andrzej Zulawski volverá a estar presente en Sitges con la flamante copia restaurada de On the Silver Globe (Na Srebrnym Globie), uno de sus films menos vistos. La radical incursión de Zulawski en los territorios de la ciencia ficción filosófica nos relata la aventura de cuatro astronautas que intentan mantener la continuidad de la civilización, purgando sus vicios y errores históricos, en un planeta extraterrestre. La humanidad, aun así, parece condenada a tropezar una y otra vez con la misma piedra.

En el documental Woodlands Dark and Days Bewitched: A History of Folk Horror, el especialista Kier-La Janisse analiza en profundidad el subgénero especialmente prolífico en Gran Bretaña durante los setenta, con obras como The Wicker Man o The Blood on Satan’s Claw. Janisse recorre el fenómeno hasta nuestros días y le aplica también la lupa de la perspectiva de género.

Paul Naschy repite en la sección. Después de rescatar en la edición pasada la turbia crónica negra de El huerto del francés, este año tendremos la restauración de uno de sus films más icónicos de la década de los setenta, El aullido del diablo. Compartiendo protagonismo con Howard Vernon y Caroline Munro, Naschy nos introduce en la mansión de un actor retirado con aficiones poco recomendables.

Y si el año pasado proyectamos À meia-noite levarei sua alma, el mito fundacional del terror brasileño, en esta edición descubriremos en primicia mundial A praga, el último susto que nos brinda desde el más allá el añorado José Mojica Marins. Rodada en Super 8 en el 1980, e inacabada debido a varios contratiempos en la producción, A praga fue redescubierta y finalizada por Heco Produções después de un proceso largo y complejo que se explica a A última praga de Mojica, el corto que acompañará la proyección. Esta tétrica historia sobre la maldición de una bruja constituye la última película estrictamente de género que Mojica rodó hasta su vuelta, en el 2008, con Encarnação do demônio.

Con Multiple Maniacs recuperamos uno de los primeros largometrajes del más adorable transgresor del cine norteamericano de los 70, 80 y 90: John Waters. Aquí ya estaba Divine, al frente de un soplo de irreverencia salvaje que filtra, desde Baltimore y sin ningún presupuesto pero con total libertad, la resaca norteamericana del 68, de aquellos tiempos en que se creía que podía derribarse todo para construir un mundo nuevo. Uno de los highlights de la película, y de la filmografía de Waters, es la mítica Cavalcade of Perversions.

Y no podíamos dejar pasar la oportunidad de rendir homenaje al recientemente fallecido Sonny Chiba. Lo haremos, y cerraremos Seven Chances, con Wolf Guy (Urufu gai: moero ôkami-otoko), un delirio inclasificable, producido por la Toei y firmado por Kazuhiko Yamaguchi, en el que Chiba interpreta un hombre lobo detective que se las tendrá que ver con un misterioso asesino y con los servicios secretos japoneses.

Seven Chances. De nuevo, siete películas. Siete títulos que nos permitirán completar la filmografía de autores esenciales, descubrir rarezas imprescindibles y seguir explorando el pasado y los márgenes del cine fantástico.

 

Selección Seven Chances 2021

The Amusement Park (George A. Romero, 1973), presentada por Vanessa Agudo

On the Silver Globe (Andrzej Zulawski, 1988), presentada por Gerard Casau

Woodlands Dark and Days Bewitched: A History of Folk Horror (Kier-La Janisse, 2021), presentada por Ana Uslenghi

El aullido del diablo (Jacinto Molina, 1987), presentada por Carlos Benítez

A praga (José Mojica Marins, 1980) + A última praga de Mojica (corto), presentados por Toni Junyent

Multiple Maniacs (John Waters, 1970), presentada por Javi Parra

Wolf Guy (Kazuhiko Yamaguchi, 1978), presentada por Tonio L. Alarcón

 

Mamoru Hosoda, Carlos Saura y Belén Rueda recibirán el Gran Premio Honorífico de Sitges 2021

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Los directores Mamoru Hosoda y Carlos Saura, y la actriz Belén Rueda, recibirán el Gran Premio Honorífico de la 54ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Los premios Màquina del Temps serán para el director Neill Blomkamp, la actriz Alice Krige y el guionista Nick Antosca, mientras que el compositor de bandas sonoras Roque Baños será reconocido con la Maria Honorífica y el actor Emilio Gutiérrez Caba recibirá el Premio Nosferatu de este año. Por su parte, Lucile Hadzihalilovic serà galardonada con el Premi Career que otorga la Méliès International Festivals Federation (MIFF).

GRAN PREMIO HONORÍFICO SITGES 2021

Consolidado como uno de los máximos renovadores del cine de animación, el director japonés Mamoru Hosoda inició su carrera en la productora Toei Animation, lugar donde aprendió el oficio de animador. De 2005 a 2011, gracias a su trabajo en el estudio Madhouse, estrena obras rompedoras y visionarias como La chica que saltaba a través del tiempo (2006) y Summer Wars (2009). En 2011 crea su propia compañía, Studio Chizu, y da forma a sus obras más arriesgadas y personales, Wolf Children (2012), El niño y la bestia (2015), Mirai, mi hermana pequeña (2018) y la reciente Belle (2021).

Belén Rueda se ha convertido en una de las reinas del grito más célebres del cine fantástico español, tras una primera etapa de su carrera de gran éxito ligada a la televisión. Su interpretación en El orfanato (2007) le valió la nominación a mejor actriz en los Goya, una categoría que acabaría ganando en el festival Fantasporto. Años más tarde, repitió en más títulos de género muy queridos como el neogiallo Los ojos de Julia (2010), thrillers retorcidos como El cuerpo (2012) y Perfectos desconocidos (2017), e incluso la ciencia ficción en Órbita 9 (2017).

Director, guionista y fotógrafo en activo desde 1956, Carlos Saura se revela internacionalmente con La Caza (1966), una demoledora y valiente alegoría de la España franquista que obtiene el premio al mejor director en el festival de Berlín. Luego vinieron clásicos indiscutibles del cine español como Ana y los lobos (1973), Cría Cuervos (1976), Mamá cumple 100 años (1979) y Deprisa Deprisa (1981), películas con una personalidad arrolladora, insobornable y librepensadora. Sus colaboraciones con Vitorio Storaro, Tango (1998) o Goya en Burdeos (1999), están llenas de imágenes de inspiración fantastique. En el Festival presentará el cortometraje Goya 3 de mayo.

PREMIO MÀQUINA DEL TEMPS SITGES 2021

Formado en el campo de la animación 3D, los efectos visuales y la publicidad, Neill Blomkamp da su gran salto al cine con Distrito 9 (2009), una película de ciencia ficción situada en su Johannesburgo natal que consiguió cuatro nominaciones a los Óscar, entre ellas a mejor película y mejor guion adaptado. Tras seguir en el género con las distopías Elysium (2013) y Chappie (2015), en 2017 crea Oats Studios, una productora independiente especializada en cortometrajes experimentales de fantástico y terror. En Sitges 2021 presentará su último trabajo, Demonic.

En 1981, el mismo año de su descubrimiento con Carros de fuego, Alice Krige se convierte en un rostro habitual del cine fantástico y de terror al coprotagonizar Historia macabra, una de las mejores historias de fantasmas de los ochenta. En los años posteriores y tras formar parte de la prestigiosa Royal Shakespeare Company, repite en el género con Sonámbulos (1992), da vida a la reina Borg en Star Trek: Primer contacto (1996) y brilla como la bruja Holda en Gretel & Hansel. Un oscuro cuento de hadas (2020). Será la protagonista del próximo reboot de La matanza de Texas y en Sitges 2021 presentará She Will.

Nick Antosca inicia su carrera como escritor de novelas de terror, y tras conseguir el Premio Shirley Jackson en 2009 por Pícnic a la luz de la luna, se convierte en guionista de series de televisión como Teen Wolf y Hannibal. En 2016 da el salto como showrunner en Channel Zero, una miniserie de cuatro temporadas en la que redefinió el imaginario visual del horror moderno partiendo de famosos creepypastas. Este 2021 ha debutado en Netflix con Nuevo sabor a cereza, una de las grandes sensaciones televisivas del año, y presenta en Sitges una película producida por Guillermo del Toro, Antlers: Criatura oscura y la serie Chucky.

PREMIO MARIA HONORÍFICA SITGES 2021

Roque Baños, graduado Summa Cum Laude en el Berklee College of Music de Boston en las especialidades de composición para música de películas e interpretación de jazz, es uno de los compositores de bandas sonoras más premiados y respetados de su generación. Lleva en activo desde 1997, ha ganado tres Goyas y tiene una filiación especial por el fantástico y el terror. Es el músico fetiche de figuras del género como Álex de la Iglesia y Fede Álvarez. También ha trabajado con Jaume Balagueró, Alejandro Amenábar, Terry Gilliam y Spike Lee.

 

PREMIO NOSFERATU SITGES 2021

La sección Brigadoon otorgará el Premio Nosferatu a Emilio Gutiérrez Caba. Nacido en Valladolid en una familia de actores, obtiene su primer éxito en 1963 al protagonizar una adaptación teatral de Peter Pan. Su primera incursión en el terror es legendaria: el romance de ultratumba con Dyanik Zurakowska en La llamada (1965). Entre 1966 y 1967 aparece en tres icónicas Historias para no dormir de Chicho Ibáñez Serrador: El cuervo, La sonrisa y La espera. Posteriormente, su idilio con el género continúa en films de culto como Estigma (1980), Viaje al más allá (1980) y Memorias del ángel caído (1997). En 2001 recibe el Goya al mejor actor secundario por La comunidad. Sigue en activo tras más de seis décadas en la profesión.

PREMIO CAREER MÉLIÈS SITGES 2021

Lucile Hadzihalilovic recibirá en Sitges 2021 el Premio Career, entregado por la Méliès International Festivals Federation (MIFF). Tras graduarse en el Institut Des Hautes Études Cinématographiques de París, inicia su andadura en el cine como directora, escritora, montadora y actriz en largometrajes y cortos. En 2004 debuta con su primera película, Innocence, premiada en San Sebastián y uno de los films fantastique más sugerentes de la época. Su segundo esfuerzo, Evolution (2015), fue el encargado de clausurar la sección Noves Visions en Sitges, un film que la confirmaba como una de las voces más fascinantes y personales del fantástico europeo. Este año presentará Earwig en el certamen.

 

«El acontecimiento», película ganadora del León de Oro de Venecia, competirá en la Sección Oficial de la 66 Seminci

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El film de la realizadora francesa Audrey Diwan adapta la novela homónima de Annie Ernaux en la que describe el aborto clandestino al que se sometió en 1963.

La película El acontecimiento (L’événement), ganadora del León de Oro del Festival de Venecia, competirá en la Sección Oficial de la 66 Semana Internacional de Cine de Valladolid, que se celebrará del 23 al 30 de octubre. El estreno en España tendrá lugar, pues, durante el primer fin de semana del festival.

El film, segundo trabajo de la realizadora francesa Audrey Diwan, adapta a la gran pantalla la novela homónima de la escritora francesa Annie Ernaux, en la que describe el aborto clandestino al que tuvo que someterse en el año 1963 en Francia cuando esta práctica estaba prohibida y penada.

Ambientada en la Francia de 1963, El acontecimiento trata sobre Anne, una estudiante joven y brillante con un futuro prometedor. Pero cuando queda embarazada, se desvanece antes sus ojos la oportunidad de terminar sus estudios y escapar de las limitaciones impuestas por su origen social. Mientras se aproximan las fechas de sus exámenes finales y su barriga no deja de crecer, Anne decide actuar: aunque tenga que afrontar la vergüenza y el dolor; aunque se arriesgue a una pena de cárcel por hacerlo o perder la vida.

Nacida en 1980, Audrey Diwan es directora de cine francesa de origen libanés y se convirtió en guionista tras estudiar Periodismo y Ciencias Políticas. Escribió el guion de Conexión Marsella (Mariana Saffon, 2014), protagonizada por Jean Dujardin. También es colaboradora especial de la revista ‘Stylist’ y miembro de Collectif 50/50, una ONG francesa que promueve la igualdad entre hombres y mujeres en la industria cinematográfica.

Su debut como directora, Mais vous êtes fous, se estrenó en 2019, y su segundo largometraje, El acontecimiento (2021), ha conquistado el León de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de Venecia.

La película, que distribuye en España Caramel Films, fue invitada a participar en la Sección Oficial por el comité de selección de Seminci tres meses antes de su estreno internacional en el Festival de Venecia, apuesta que ahora ha refrendado el León de Oro que ha obtenido El acontecimiento en la recién clausurada edición del certamen italiano.

El resto de títulos que integrarán la Sección Oficial de Seminci se anunciará este próximo miércoles 15 de septiembre.

 

Sitges 2021: bajo el signo de la bestia

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‘Titane’, de Julia Ducournau, y ‘The Trip’, de Tommy Wirkola, entre las últimas y más esperadas confirmaciones

Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya presenta en su 54ª edición un line up convulso y en plena ebullición de nuevas propuestas. Un total de 126 títulos que se podrán disfrutar del 7 al 17 de octubre, con una mirada femenina protagonista en el género y el planteamiento de un debate sobre la delimitación de contenidos y nuevas formas del fantástico. Falta un mes para que vuelvan a llenarse las butacas del Auditori, el Retiro, el Prado, Tramuntana y Escorxador. La 54ª edición vendrá acompañada de los aullidos del hombre lobo y otras criaturas de la noche, bestias interiores y el último cine surgido de las entrañas del fantástico.

Entre las últimas incorporaciones a la 54ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya no podía faltar Titane, la Palma de Oro de Cannes 2021. Su directora, Julia Ducournau, visitó Sitges en 2016 con Crudo, film que fue reconocido con tres premios del certamen. Su nueva y explosiva propuesta habla del reencuentro de un padre con su hijo desaparecido diez años atrás, después de una serie de crímenes inexplicados. Está protagonizada por Vincent Lindon, Agathe Rousselle, Garance Marillier, Laïs Salameh y Bertrand Bonello.

El noruego Tommy Wirkola, autor de las películas de Zombis nazis, Hansel y Gretel: Cazadores de brujas y Siete Hermanas, vuelve a Sitges con The Trip. Una comedia negra sobre Lars y Lisa (Noomi Rapace y Aksel Hennie), un matrimonio en crisis que decide escapar un fin de semana a una cabaña en el bosque y buscar una oportunidad para empezar de cero. Tan pronto como el otro esté muerto.

En el terreno de las series, La sangre helada, una producción de la BBC que se podrá ver en Movistar+ en octubre, estrenará su primer episodio en Sitges. Interpretada por Colin Farrell y Jack O’Connell, es la adaptación de una novela del siglo XIX sobre un médico en crisis que se embarca en un ballenero donde coincidirá con un psycho-killer.

 

Sitges 2021: programación por secciones

Sección Oficial Fantàstic

El potente y extenso eje central del Festival presentará diferentes bifurcaciones temáticas y focos de expresión del género. Así, habrá nuevas formas y mitologías derivadas de lo popular y de raíz folk (In the Earth, The Medium, Luzifer, Y todos arderán) o visiones de lo maternal como pesadilla (Son, Lamb, El páramo) mientras la invocación del pasado o de lo cotidiano provocará la descomposición del círculo familiar o íntimo (Violation, She Will, Inexorable, Coming Home in the Dark, Silent Night, Nitram, L a abuela, Tres, Visitante) hasta abstraer nuestra propia realidad bajo el signo o significado de la pandemia referida en directo o como alegoría (We Need to Do Something, The Feast). Por otro lado, en el recorrido de esta Sección Oficial se encontrarán variaciones sobre temáticas clásicas (la maldad infantil en The Innocents, la casa maldita en The Deep House, el angst adolescente en Seance, el canibalismo en Barbeque, la licantropía en Eight for Silver, el slasher mítico en Halloween Kills o el giallo en Veneciafrenia).

También el fantástico optará por la representación casi vanguardista (los mundos oníricos de Mona Lisa and the Blood Moon, The Blazing World, Mad God, Prisoners of the Ghostland o After Blue) incluso basándose en el lenguaje de una animación que sirve al futuro (Belle) como interpreta en clave contemporánea los horrores del pasado (Where is Anna Frank?) o utilizando los lenguajes de la representación contemporáneos como invocadores del horror (Censor, Demonic). Y no faltará la reflexión en clave de fantástico militante y fascinante sobre un pasado revisitado desde el imaginario (Freaks Out, Last Night in Soho), o del futuro desde la distopía creativa (Tides) o realista (Limbo).

 

Noves Visions / Sitges Documenta

La programación de Noves Visions se dirige hacia una reflexión sobre las nuevas narrativas y lenguajes del género desde un minimalismo militante (Beyond the Infinite Two Minutes, The Scary of Sixty-First, El apego) a un barroquismo en clave de distopía atemporal (Land of the Sons, 2551.01, Gaia) sin olvidar variaciones sobre mitos clásicos (sobre todo el vampirismo en Rose. A Love Story, Dead & Beautiful, Vampir, o la licantropía en Bloodthirsty). En todo ello, discursos de género marcados por lo social (Medusa), la pandemia (A nuvem rosa), el fanatismo religioso (Agnes) o cierta invocaci&oacut e;n del absurdo (Mayday, Strawberry Mansion), incluyendo la violencia o el horror sugerido (Sound of Violence, The Dawn).

Sitges Documenta pondrá de nuevo en cuestión la propia naturaleza de la no ficción y la relacionará con el fantástico desde la recensión académica y valorativa (The Found Footage Phenomenon, Pennywise: The Story of It, Django vs. Django, Woodlands Dark and Days Bewitched: A History of Folk Horror), la invocación fantasmática del propio cine (The Taking) o su implantación en lo popular (Alien on Stage), además de utilizar claves propias de la ciencia ficción para analizar la realidad (A Glitch in the Matrix, Users).

 

Panorama Fantàstic / Midnight X-treme

Las dos secciones más propiamente fandom del Festival tendrán una representación amplia del fantástico, no solo de consumo sino también reflexivo con el presente (Barbarians, The Boy Behind the Door), invocando territorios genéricos desde perspectivas decididamente nuevas (Llanto maldito, Witch Hunt, Superhost, Caveat, Knocking, Hellbender) o más clásicas (Le Calendrier, The Power, Realidad virtual, Let The Wrong In, The Exorcism of God). La apuesta por un exceso con inteligencia (The Sadness, Hunter Hunter, Wyrmwood: Apocalypse) y también por la ciencia ficción (Broadcast Signal Intrusion, Warning). Propuestas decididamente pulp e indies desde un joven cine español (La pasajera, Jacinto) o una presencia importante del cine asiático (The Great Yokai War. Guardians, Last of the Wolves 2, Hand Rolled Cigarette, The Samejima Incident).

 

 

Anima’t

Una selección de largometrajes que invocan e innovan clásicos se añaden a la sección. Estarán presentes el espíritu del heavy metal o Ralph Bakshi en The Spine of the Night, la diversidad geográfica (Esluna: The Crown of Babylon, Bob Cuspe: Nós Nâo Gostamos de Gente, Welcome to Siegheilkirchen), la ciencia ficción más hard (Absolute Denial), sin olvidar la presencia esencial del anime (Pompo the Cinephile, Poupelle of Chimney Town, The Deer King) y la recuperación de una pieza japonesa concluida por fin, como la delirante Junk Head.

 

 

Sitges Classics / Seven Chances

En Sitges Classics, la retrospectiva “La bestia interior”, que ilustra el leitmotiv del Festival, contará con recuperaciones como la argentina Nazareno Cruz y el lobo o La bête, obra maestra de Borowzyck, así como clásicos del cine fantástico español tan dispares como El bosque del lobo, de Pedro Olea, o El retorno del hombre lobo, de Jacinto Molina, incluyendo clásicos como The Howling, de Joe Dante, y la decisiva An American Werewolf in London, de John Landis.

También se podrá ver el necesario rescate de una de las grandes obras maestras del cine español, El extraño viaje, aportación de Sitges al centenario de Fernando Fernán Gómez, un hombre de cine total del cual todavía tiene que descubrirse su vocación imaginaria. Y no podía faltar el homenaje al cuarto de siglo de El día de la bestia, en una copia restaurada en 4K.

La reivindicación del cine de género producido en Catalunya estará dentro de “Catalunya Imaginaria”, con la proyección de la magistral La dama del alba, de Rovira Beleta, y la enigmática La banyera, de Jesús Garay.

Seven Chances recuperará clásicos como On the Silver Globe, la majestuosa epopeya de ciencia ficción de Zulawski, o Multiple Maniacs, del siempre estimulante John Waters, mientras rescatará obras casi perdidas como El aullido del diablo, de Paul Naschy, The Amusement Park de George A. Romero o A Praga de Mojica Marinos, sin olvidar un homenaje al recientemente desaparecido actor japonés Sonny Chiba con la extraña y desconcertante Wolf Guy.

 

 

Brigadoon

La sección celebra su 35º aniversario y programa varios estrenos, como las catalanas Volpina, de Pere Koniec, sobre un verano de desamor y brujería, y El hijo del hombre perseguido por un OVNI, de Juan Carlos Olaria, secuela del film homónimo y dirigido por él mismo en 1976. El film de terror y sectas satánicas Bienvenidos al infierno, de la cineasta argentina Jimena Monteoliva, también se podrá ver en Brigadoon.

En el apartado documental, se añaden El sonido del terror, de Luis Esquinas Chanes, un estudio centrado en el trabajo del sonido en el cine fantástico; Blood in the Streets: The Quinqui Film Phenomenon, de Kier-La Janisse y Don Adams, una visión internacional del cine quinqui, y Las confisiones de un hombre lobo, de Ivan Cardoso, premiere mundial del docu-entrevista a Paul Naschy grabada en Brasil en 2005.

Formarán parte de la retrospectiva “La bestia interior” los films Romasanta, la caza de la bestia (Paco Plaza, 2004) y La bestia y la espada mágica (Jacinto Molina, 1983).

 

Consulta el line up completo

 

Cartel y programación online de Terror Molins 2021

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Tras el anuncio del leitmotiv del Festival llega el momento de la presentación del cartel oficial, una colaboración entre el fotógrafo Joan Gosa y el diseñador Joan Jarque, ambos miembros del equipo del festival. 

¿Cómo ha sido el proceso de creación del póster?

Como ya sabéis el leitmotiv de esta edición es la Contracultura y en ese concepto se basa el póster de esta 40 edición. Queríamos hacer un homenaje a todos nuestros carteles, así como también un homenaje a esa búsqueda de nuevos aires para romper con lo impuesto, propia de la década que vió nacer al Festival en aquél lejano 1973. Hemos optado por un collage de gran tamaño que fue realizado de forma manual, fotografiado y maquetado en digital. Nos transporta a los carteles setenteros y al movimiento de la contracultura de esa época.

Joan Gosa, nacido en Pallejá, es fotógrafo profesional freelance. Se considera un apasionado de las culturas del mundo y de las relaciones del hombre con la naturaleza. Compagina su gran pasión por los viajes con su trabajo como fotoperiodista deportivo y de noticias para una importante agencia de noticias. Tiene su propio estudio fotográfico, donde desarrolla sus proyectos personales y profesionales junto a sus clientes. Su relación con TerrorMolins comenzó en 2017, asistiendo como fotógrafo oficial; desde ese momento se convirtió en parte vital del Festival.

Joan Jarque, nacido en Molins, se define como diseñador multidisciplinar enamorado del diseño gráfico, del video-mapping y del cine de terror. Colabora en la dirección de la comunicación del Festival, dentro de su departamento de comunicación y marketing, así como en la creación y realización de video-mappings en directo durante los días en que se celebra el certamen. Trabaja como productor creativo para el estudio Framemov y también es diseñador gráfico freelance para diversas marcas. Su relación con TerrorMolins  comenzó en 2001, asistiendo al Festival junto a sus padres, grandes amantes también de esta cita con el cine de género. Está claro que el terror forma parte de su genética.

 

Primeros títulos en FILMIN

Tras meses de preparación esta es la primera oleada de títulos que formarán parte de la edición online del Festival de Cine de Terror Molins de Rei.

Cabe destacar dos novedades para la edición online (que por segundo año consecutivo se realizará en Filmin): La sección de documentales, donde se repasa las historias más insólitas del género a través de una colección de títulos todavía inéditos en nuestro país; y la sección Remember, pequeñas joyas del género que han pasado por el festival y que, lamentablemente, siguen todavía sin distribución.

A continuación, los primeros títulos que formarán parte de la nueva edición online del festival:

Sección Videodrome (Filmin):

  • Sound Of Violence
  • Tarumana (Llanto maldito)
  • Val
  • Doors
  • Slapface
  • Silence and Darkness

Sección Remember (Filmin):

  • Let us prey
  • I am Bad
  • Excess Flesh
  • Exists
  • Found
  • Mon Ami
  • Autumn Blood
  • Modus Anomali
  • Rammbock
  • The last employee
  • The man in the Orange Jacket
  • The Witch in the Window
  • Tragedy Girls
  • Vile
  • We go on

Sección Documentales (Filmin):

  • Cropsey
  • A devil Jumping around
  • Culto al terror
  • Fulci talks
  • Horror movie: a low budget
  • Greetings from tromaville
  • Scream Queen
  • Zombies en el cañaveral
  • Tales Of the uncanny

 

 

Marion Cotillard recibirá un Premio Donostia en la 69 edición del Festival de San Sebastián

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El galardón honorífico será entregado a la actriz francesa el 17 de septiembre durante la ceremonia de inauguración.

Marion Cotillard, una de las actrices francesas más internacionales de la cinematografía contemporánea, recibirá un Premio Donostia de la 69 edición del Festival de San Sebastián. El galardón honorífico le será entregado el día 17 de septiembre, viernes, durante el transcurso de la ceremonia de inauguración del certamen en el Auditorio Kursaal.

Cotillard, ganadora del Oscar, del Globo de Oro y del Premio BAFTA por su interpretación de Édith Piaf en La Môme / La Vie en Rose (La vida en rosa, Olivier Dahan, 2007), ha brillado con intensidad en producciones europeas y estadounidenses que la han llevado a desempeñar con igual talento roles dramáticos, cómicos y de acción junto a cineastas como Michael Mann, Christopher Nolan, Woody Allen, Steven Soderbergh, James Gray, los hermanos Dardenne, Arnaud Desplechin, Nicole Garcia, Leos Carax y su pareja, el director y actor Guillaume Canet.

Nacida en París en el seno de una familia de artistas, debutó como actriz cuando aún era una niña en una de las obras de teatro de su padre, Jean-Claude Cotillard. Tras participar en series televisivas, hizo su primer papel para el cine en L’histoire du garçon qui voulait qu’on l’embrasse (Philippe Harel, 1994). Su participación en Taxi (Taxi Express, Gérard Pirès, 1998) le granjeó la primera de sus seis nominaciones a los Premios César. Más tarde volvería a meterse en la piel de Lilly Bertineau en Taxi 2 (2000) y Taxi 3 (2003) -ambas dirigidas por Gérard Krawczyk-, las secuelas de la taquillera saga de acción escrita y producida por Luc Besson.

Cotillard se desdobló para encarnar a las dos hermanas gemelas enfrentadas en Les jolies choses / Pretty Things (Gilles Paquet-Brenner, 2001), con la que volvió a ser candidata al César en la categoría de mejor actriz revelación. Su fama en Francia creció gracias a la comedia romántica Jeux d’enfants / Love Me If You Dare (Quiéreme si quieres, Yann Samuell, 2003), tras la que realizó su primera incursión en Hollywood gracias al estadounidense Tim Burton, que la incluyó en el coral elenco de Big Fish (2003). Finalmente, ganó el César como mejor actriz de reparto en el drama romántico de trasfondo bélico Un long dimanche de fiançailles / A Very Long Engagement (Largo domingo de noviazgo, Jean-Pierre Jeunet, 2004), y ese año también formó parte del equipo de Innocence (Lucile Hadzihalilovic, 2004), que obtuvo el Premio New Directors en San Sebastián. Después de trabajar en Mary (Abel Ferrara, Perlak, 2005), en Sauf le respect que je vous dois / Burn Out (Fabienne Godet, New Directors, 2005) y en Fair Play (Lionel Baillu, Premio Kutxa New Directors, 2006), la actriz dio vida a la dueña del restaurante de quien se enamora el personaje de Russell Crowe en A Good Year (Un buen año, 2006), de Ridley Scott.

Su aplaudida recreación de la célebre cantante Édith Piaf marcó un antes y un después en su carrera al convertirse en la primera actriz gala en lograr el Oscar por una interpretación realizada en idioma francés. Su papel en La Môme (La vida en rosa, Oliver Dahan, 2007) también le valió a Cotillard el Globo de Oro, el Premio Bafta y su segundo Premio César, esta vez como actriz principal. Poco después, recibió la Medalla de la Orden de la Artes y Letras de Francia.

A partir de entonces, Marion Cotillard multiplicó sus apariciones en producciones de Hollywood como Public Enemies (Enemigos públicos, Michael Mann, 2009), en la que encarnó a Billie Frechette, la novia del gánster John Dillinger; el musical Nine (Rob Marshall, 2009), en el que volvió a mostrar sus habilidades como cantante y bailarina; películas de acción como Inception (Origen, 2010) o The Dark Knight Rises (El caballero oscuro: La leyenda renace, 2012), ambas dirigidas por Christopher Nolan; comedias como Midnight in Paris (Woody Allen, 2011) y thrillers como Contagion (Contagio, Steven Soderbergh, 2011), Blood Ties (Lazos de sangre, Guillaume Canet, 2013) y Allied (Aliados, Robert Zemeckis, 2016); o dramas como The Inmigrant (El sueño de Ellis, James Gray, 2013), que fue su primer papel protagonista en una cinta estadounidense, o Macbeth (Justin Kurzel, 2015).

Entretanto, la actriz ha seguido trabajando con importantes cineastas europeos como Jacques Audiard (De rouille et d’os / Rust and Bone, De óxido y hueso, 2012) o los hermanos Dardenne (Deux jours, une nuite / Two Days, One Night; Dos días, una noche, 2014), con quienes consiguió su quinta y sexta nominación al César, respectivamente; y también ha actuado a las órdenes de Xavier Dolan (Juste la fin du monde / It’s Only the End of the World, Solo el fin del mundo, 2016), Arnaud Desplechin (Les fantômes d’Ismaël / Ismael’s Ghosts, Los fantasmas de Ismael, 2017) y Leos Carax, con quien acaba de protagonizar Annette (2021), inclasificable musical que inauguró recientemente la competición oficial del Festival de Cannes.

Ha trabajado al lado de actores y actrices como Matthew Modine, Forest Whitaker, Christian Bale, Daniel Day-Lewis, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Clive Owen, Joaquin Phoenix, Jeremy Renner, Michael Fassbender, Brad Pitt, Louis Garrel, Léa Seydoux, Mathieu Amalric, Charlotte Gainsbourg, Vincent Cassel, Benoît Magimel, François Cluzet, Adam Driver y Johnny Depp, quien también recibirá el Premio Donostia en la 69 edición del Festival de San Sebastián.

Firme defensora de la preservación del medio ambiente, la actriz es también coproductora de Bigger Than Us, un documental de Flore Vasseur producido por Denis Carot, de la compañía Eizévir. El filme, que da voz a la juventud comprometida, podrá verse en San Sebastián como Proyección Especial Premio Donostia el sábado 18 de septiembre en el Victoria Eugenia. Antes, fue programado en el Festival de Cannes junto a otros títulos dirigidos a sensibilizar al público con respecto al cambio climático y su impacto medioambiental.

El domingo 12 de septiembre se pondrán a la venta las entradas para la entrega del galardón a Cotillard, que se realizará durante la ceremonia inaugural del Festival (17 de septiembre) e incluirá la proyección del corto Rosa Rosae. La Guerra Civil, de Carlos Saura, y del largometraje Yi miao zhong / One Second (Un segundo), de Zhang Yimou.

 

Bigger Than Us

Flore Vasseur (Francia)

País(es) de producción: Francia

Durante seis años, Melati, una chica de 18 años, ha estado luchando contra la contaminación por plástico que está devastando su país, Indonesia. Como ella, toda una generación se está levantando para mejorar el mundo. En todas partes adolescentes y jóvenes están luchando por los derechos humanos, el clima, la libertad de expresión, la justicia social y el acceso a la educación o la comida. Por la dignidad. Solos, contra viento y marea, a veces arriesgando sus vidas y su seguridad, protegen, denuncian y se preocupan por los demás. Por la Tierra. Y lo cambian todo. Melati viaja alrededor del mundo para conocerlos. Quiere comprender cómo resistir y continuar con su  lucha. Desde las favelas de Río a los remotos pueblos de Malawi, desde botes improvisados en la isla de Lesbos a las ceremonias de los nativos americanos en las montañas de Colorado, Rene, Mary, Xiu, Memory, Mohamad y Winnie revelan un mundo magnífico, un  mundo de coraje y alegría, de compromiso con algo más grande que uno mismo. En un tiempo en el que todo parece estar desmoronándose, estos jóvenes nos muestran cómo vivir.

 

El fantástico español más reciente desembarca en Sitges 2021

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‘El páramo’, de David Casademunt, e ‘Y todos arderán’, de David Hebrero, se añaden a la programación

Las últimas producciones españolas de cine fantástico tendrán su cita en la 54ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Títulos de directores consolidados como Álex de la Iglesia con Veneciafrenia o Paco Plaza con La abuela, se presentarán en Sitges junto a otras obras representativas del panorama fantástico nacional más reciente.

El debut del catalán David Casademunt, El páramo, tendrá su estreno mundial en Sitges, en Sección Oficial Fantàstic en Competición. La película, protagonizada por Inma Cuesta y Roberto Álamo, narra la tranquila vida de una familia que vive aislada de la sociedad y que se ve perturbada por una criatura terrorífica que pondrá a prueba los lazos que los unen. También se incorpora, en sesión especial, la épica de terror Y todos arderán, segundo largometraje de David Hebrero. Una epopeya sobre la búsqueda de venganza de una madre contra el pueblo que le hizo perder a su hijo, con Macarena Gómez, Rodolfo Sancho, Ana Milán y Rubén Ochandiano.

Estos dos títulos se suman a otros films españoles ya anunciados en Sección Oficial Fantàstic en Competición: la inquietante cinta de ciencia ficción Tres, del premiado Juanjo Giménez, con Marta Nieto y Miki Esparbé, y el estreno mundial de Visitante, ópera prima de Alberto Evangelio, con Iria de Rio, Miquel Fernández, Jan Cornet y Sandra Cervera, sobre una crisis matrimonial que se convierte en un thriller fantástico de realidades paralelas.

En las sesiones especiales incluidas en la Sección Oficial Fantàstic se podrán disfrutar tres propuestas muy esperadas. El estreno mundial de Veneciafrenia, de Álex de la Iglesia, con su impactante mezcla de slasher y giallo; el ansiado retorno de Paco Plaza con La abuela, una pesadilla con guion de Carlos Vermut, y la premiere de los cuatro relatos de Historias para no dormir, el regreso de la mítica serie creada por Chicho Ibáñez Serrador cincuenta años atrás, que reúne a las mejores figuras del fantástico español actual como Rodrigo Cortés, Rodrigo Sorogoyen, Paco Plaza y Paula Ortiz, junto a un reparto de lujo.

El fantástico español estará presente en buena parte de las secciones del Festival. En Panorama Fantàstic se podrán ver dos estrenos mundiales. La cinta de terror gallega Jacinto, de Javi Camino, sobre un niño encerrado en el cuerpo de un adulto, y la terrorífica road-movie en furgoneta La pasajera, dirigida por Raúl Cerezo y Fernando González.

 

Recuperación de clásicos

Además de la última cosecha de cine fantástico español, la proyección de clásicos ocupará un lugar destacado en Sitges 2021. Dentro de la retrospectiva dedicada a los hombres lobo, “La bestia interior”, se verán El bosque del lobo (Pedro Olea, 1970), y El retorno del hombre lobo (Paul Naschy, 1981), dos films imprescindibles en la historia de nuestro cine. Naschy será recordado por partida doble, ya que la sección Seven Chances programará El aullido del diablo, obra de 1987 dirigida por el director y actor madrileño.

Por su parte, Sitges Classics recuperará otras dos cintas españolas. El extraño viaje, de Fernando Fernán Gómez, una obra de culto escrita a partir de un argumento de Luis García Berlanga, y la copia remasterizada en 4K de El día de la bestia, de Álex de la Iglesia.

En colaboración con la Filmoteca de Catalunya, se proyectarán dos producciones catalanas que se engloban en la retrospectiva “Catalunya Imaginària”. Se trata de La banyera (Jesús Garay, 1989), en la que un hombre que sufre amnesia intenta localizar a un testigo del asesinato de su amante, y La dama del alba (Francesc Rovira Beleta, 1966), una cinta fantasmagórica sobre una misteriosa desaparición.

 

La 66 Seminci programará el ciclo «Disidencias: nuevos cineastas, nuevas miradas»

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El ciclo programará 16 primeras y segundas películas de autores como Chloé Zhao, Kelly Reichardt, Hong Sangsoo, Cristi Puiu, Apichatpong Weerasethakul y los españoles Isaki Lacuesta y Mercedes Álvarez.

La 66 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine, programará el ciclo “Disidencias: Nuevos cineastas, nuevas miradas”, que mostrará una selección de 16 largometrajes de reconocidos directores y directoras que ponen de manifiesto la búsqueda de nuevos lenguajes y formas de narración en el cine de ficción y documental en las últimas dos décadas. Las propuestas “disidentes” de estos cineastas se conciben ajenas a los modelos convencionales de narrativa cinematográfica y de producción, logrando el reconocimiento de crítica y público.

El ciclo está integrado por dieciséis creadores de trece países y cuatro continentes diferentes, diez hombres y seis mujeres: Maren Ade (Alemania), Wang Bing y Chloé Zhao (China), Sergei Loznitsa (Bielorrusia), Lucrecia Martel y Lisandro Alonso (Argentina), Raya Martin (Filipinas), Lemohang Jeremiah Mosese (Lesoto), László Nemes (Hungría), Cristi Puiu (Rumania), Kelly Reichardt (Estados Unidos), Hong Sangsoo (Corea del Sur), Céline Sciamma (Francia) y Apichatpong Weerasethakul (Tailandia), además de los españoles Isaki Lacuesta y Mercedes Álvarez.

“Disidencias: Nuevos cineastas, nuevas miradas” reúne los primeros trabajos de estos cineastas surgidos en el siglo XXI cuyo nexo de unión es una obra que se sale de la norma, que busca nuevos caminos frente a los ya conocidos por el cine anterior o por la producción mayoritaria. Son creadores portadores de miradas frescas capaces de sorprender, de proponer acercamientos originales y heterodoxos, y de rodar y filmar con el corazón y el instinto más que con la razón.

Varias óperas primas

Los títulos seleccionados son óperas primas como ‘El hijo de Saúl’ (2015), de Laszlo Nemes, que logró el Oscar a la Mejor película Extranjera, el Premio del Jurado y FIPRESCI en Cannes o el BAFTA a Mejor película de habla no inglesa; y ‘Songs My Brothers Taught Me’ (2015), de la directora Chloé Zhao, que más tarde conseguiría con su segundo largo, The Rider, la Espiga de Plata y el Premio ‘Pilar Miró’ al Mejor Nuevo Director en SEMINCI y más de 140 premios con Nomadland, entre ellos dos Oscar a Mejor Película y Dirección, dos premios BAFTA, el Globo de Oro a Mejor Director, Premio del Público en Toronto o el León de Oro en Venecia.

También son primeros trabajos los documentales de autores españoles: ‘Cravan vs Cravan’ (2002), de Isaki Lacuesta, al que seguirían títulos reconocidos como ‘Los pasos dobles’ o ‘Entre dos aguas’; y ‘El cielo gira’ (2004), de Mercedes Álvarez, presentado en la sección Tiempo de Historia de SEMINCI, fue premiado en Rotterdam y Buenos Aires con el FIPRESCI y Premio del Público, entre otros galardones.

Segundos largometrajes y documentales

Asimismo, se han seleccionado segundos largometrajes como ‘La muerte del señor Lazarescu’ (2005), de Cristi Puiu, premio de la sección Un certain regard en Cannes, festival que también programó en la sección oficial su largometraje ‘Sieranevada’; ‘Entre nosotros’ (2010), de Maren Ade, Oso de Plata en Berlín y Premio a la Mejor Directora y FIPRESCI en Buenos Aires, que con su tercera y última película, ‘Toni Erdman’, logró el premio FIPRESCI en Cannes, Mejor Director en el Festival de Toronto y Premio Especial del Jurado en Sundance, entre otros galardones; y  ‘This is Not a Burial, It’s a Resurrection’ (2019), de Jeremiah Mosese, premiado en Sundance.

El ciclo ofrecerá, además, ‘La mujer es el futuro del hombre’ (2004), de Hong Sangsoo, presentado en la sección oficial de Cannes (‘La mujer que escapó’, ‘Hahaha’, ‘Ahora sí, antes no’); ‘Syndromes and a Centur’ (2006), de Apichatpong Weerasethakul, programado en Venecia (‘Uncle Boonmee’ recuerda sus vidas pasadas, ‘Tropical Malady’); ‘La mujer sin cabeza (La mujer rubia)’ 2008, de Lucrecia Martel, seleccionado en el Festival de Cannes (‘La ciénaga’, ‘La niña santa’); ‘Independencia’ (2009), de Raya Martin, premiada en Rotterdam (‘Death of Nintendo’, ‘La última película’); ‘Meek’s Cutoff’ (2010), de Kelly Reichardt, premiada en Venecia (‘First Cow’, ‘Wendy and Lucy’); ‘Jauja’ (2014), de Lisandro Alonso, Premio FIPRESCI en Un certain regard en Cannes (‘La libertad’, ‘Los muertos’); ‘Retrato de una mujer en llamas’ (2019), de Céline Sciamma, por el que logró el premio al Mejor Guion en Cannes (‘Girlhood’, ‘Tomboy’).

Disidencias se completará con los documentales ‘Mrs. Fang’ (2018), de Wang Bing, Mejor Película en el Festival de Locarno (‘San Zimei’, ‘Ku Quian’), y ‘State Funeral’ (2019), de Sergei Loznitsa (‘Donbass’, ‘Pismo’).

LISTADO TÍTULOS

  • ‘Cravan vs Cravan’, Isaki Lacuesta (2002)
    • ‘El cielo gira’, Mercedes Álvarez (2004)
    • ‘La mujer es el futuro del hombre’, Hong Sangsoo (2004)
    • ‘La muerte del señor Lazarescu’, Cristi Puiu (2005)
    • ‘Syndromes and a Century’, Apichatpong Weerasethakul (2006)
    • ‘La mujer sin cabeza (La mujer rubia)’, Lucrecia Martel (2008)
    • ‘Independencia’, Raya Martin (2009)
    • ‘Entre nosotros’, Maren Ade (2010)
    • ‘Meek’s Cutoff’, Kelly Reichardt (2010)
    • ‘Jauja’, Lisandro Alonso (2014)
    • ‘El hijo de Saúl’, Laszlo Nemes (2015)
    • ‘Songs My Brother Taught Me’, Chloe Zhao (2015)
    • ‘Mrs. Fang’, Wang Bing (2018)
    • ‘State Funeral’, Sergei Loznitsa (2019)
    • ‘Retrato de una mujer en llamas’, Céline Sciamma (2019)
    • ‘This is Not a Burial, It’s a Resurrection’, Jeremiah Mosese (2019)

 

Klasikoak celebrará los centenarios de García Berlanga y Fernán-Gómez con la proyección de «Esa pareja feliz», «La muerte y el leñador» y «Manicomio»

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La sección también incluye versiones restauradas de ‘The Rain People (Llueve sobre mi corazón)’ y ‘The Outsiders: The Complete Novel’, de Coppola, y el pase de ‘Ça commence aujourd’hui (Hoy empieza todo)’ en homenaje a Tavernier.
La retrospectiva ‘Flores en el Infierno. La edad de oro del cine coreano’ sustituye tres de los títulos programados.

La sección Klasikoak, que el año pasado no se celebró por la pandemia, regresará con seis títulos -tres más que en 2019- dirigidos por Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem, Fernando Fernán-Gómez y Luis María Delgado, Francis Ford Coppola y Bertrand Tavernier. Los tres clásicos españoles, programados para celebrar los centenarios de García Berlanga y Fernán-Gómez, han sido ditigalizados y restaurados por Filmoteca Española.

El año en que se celebra el centenario del nacimiento de Luis García Berlanga, Klasikoak recuperará Esa pareja feliz (1951), su debut como realizador, escrito y codirigido en colaboración con Juan Antonio Bardem. Fernando Fernán-Gómez y Elvira Quintillá protagonizan la historia de un humilde matrimonio madrileño cuyos sueños de bienestar parecen hacerse realidad cuando ganan un concurso patrocinado por una marca de jabón.

La sesión de Berlanga contará con el pase previo de su cortometraje La muerte y el leñador (1962), el tercer fragmento del filme colectivo Las cuatro verdades, basado en fábulas de La Fontaine. El realizador valenciano, que consideraba este episodio como una de las historias más esperpénticas de su filmografía, escribió junto a su inseparable Rafael Azcona la historia de un organillero al que requisan el manubrio por no tener la documentación en regla.

Klasikoak mostrará otra ópera prima, Manicomio (1953), adaptación de cuatro historias de Poe, Kuprin, Andreiev y Gómez de la Serna que Fernando Fernán-Gómez codirigió con Luis Miguel Delgado. Fernán-Gómez, de cuyo nacimiento también se cumple un siglo en 2021, protagoniza esta sátira ambientada en un psiquiátrico en cuyo reparto también figuraron intérpretes de la talla de Elvira Quintillá, Susana Canales, Julio Peña y María Asquerino.

Asimismo, se proyectarán dos recordados largometrajes de los inicios de la carrera de Francis Ford Coppola en versiones restauradas por los estudios American Zoetrope. Por un lado, la sección mostrará The Rain People (Llueve sobre mi corazón, 1969), con la que el realizador italoamericano conquistó la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián y abrió nuevos caminos para un género tan estadounidense como la road movie. Protagonizada por Shirley Knight, James Caan y Robert Duvall, fue el primer largometraje escrito y dirigido en solitario por su director.

El otro filme de Coppola, cineasta que en 2002 recibió el Premio Donostia Especial 50 Aniversario, es The Outsiders: The Complete Novel, una versión extendida de The Outsiders (Rebeldes, 1983), la adaptación de la icónica novela juvenil de Susan E. Hinton. En 2005, el director reintegró 22 minutos de metraje que incluían un nuevo comienzo y un nuevo final más fieles al libro, al tiempo que enriqueció a los personajes que en su día interpretaron C. Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Rob Lowe, Diane Lane, Emilio Estevez y Tom Cruise, entre otras futuras estrellas. Además, el nuevo montaje de la película que relataba la lucha de clases entre dos grupos de adolescentes de Oklahoma durante los años 60 contiene una impactante nueva banda sonora de rock and roll con seis canciones de Elvis Presley y otros grandes de la música.

El Festival de San Sebastián aprovechará Klasikoak para homenajear a uno de sus cineastas más queridos, Bertrand Tavernier, de quien se proyectará Ça commence aujourd’hui (Hoy empieza todo, 1999), una emocionante mirada al mundo de la educación que participó en Perlak y obtuvo el Premio del Público en San Sebastián. La sesión será presentada por Thierry Fremaux, director del Festival de Cannes y del Festival Lumière de Lyon, además de albacea del realizador. Fallecido en marzo de este año, Tavernier concursó tres veces en la Sección Oficial del Festival: con Coup de torchon (Corrupción, 1982); con Capitaine Conan (Capitán Conan, 1966), que logró una Mención Especial del Jurado, y con Quai D’Orsay (Crónicas diplomáticas. Quai D’Orsai, 2013), que cosechó el Premio del Jurado al mejor guión y el Premio FIPRESCI. Además de protagonizar su propia retrospectiva en 1999, año en que presidió el Jurado Oficial, el maestro francés participó en Perlak con Laissez-Passer (Salvoconducto, 2002) y con Holy Lola (La pequeña Lola, 2005), que nuevamente le granjeó el Premio del Público. Su última participación en el Festival fue con Voyage à Travers le cinéma français / A Journey Through French Cinema (Las películas de mi vida, por Bertrand Tavernier, 2016), que inauguró la sección Zabaltegi-Tabakalera.

‘FLORES EN EL INFIERNO’

Por otro lado, la retrospectiva Flores en el infierno. La edad de oro del cine coreano incorporará tres títulos en sustitución de otros tantos que finalmente no serán programados por motivos técnicos. En lugar de Ma-ui gyedan / The Devil’s Stairway (1964), Gwiro / Homebound (1967) y Hyu-il / A Day Off (1968), las tres dirigidas por Lee Man-Hee, el ciclo incluirá la proyección de tres dramas con trasfondo social: Lomaenseuppappa / Romantic Papa (Shin Sang-ok, 1960), Mabu / A Coachman (Kang Dae-jin, 1961) y Yeopansa / A Woman Judge (Hong Eun-won, 1962), que fue una de las primeras películas de la historia del cine coreano dirigidas por una mujer.

Flores en el infierno mantendrá en su programa algunas de las más emblemáticas cintas de la época: Hanyeo / The Housemaid (1960), considerada una de las obras maestras de la historia del cine surcoreano; crónicas duras y realistas de la vida en la Corea del Sur de posguerra como Ji-okhwa / The Flower in Hell (1958) y Obaltan / Aimless Bullet (1961); o clásicos del melodrama como Angae / Mist (1967). También destaca el film noir con Geom-eun meori / Black Hair (1964) o el cine juvenil representado por Maenbal-ui cheongchun / The Barefooted Young (1964), así como Dumangang-a jal itgeora / Farewell Duman River (1962), una muestra del western manchú, género típicamente local sobre aventuras ambientadas en Manchuria e inspiradas en el western americano.

El Festival de San Sebastián y Filmoteca Española organizan esta retrospectiva de diez títulos de los años 50 y 60 en colaboración con Filmoteca Vasca y el Centro Cultural Coreano en España. Este ciclo, que en 2020 tuvo que suspenderse por la pandemia, se completará con un libro monográfico editado por el Festival y Filmoteca Española.

Ça commence aujourd’hui / It All Starts Today (Hoy empieza todo)

Bertrand Tavernier (Francia)

País(es) de producción: Francia – 1999

Intérpretes: Philippe Torreton, Maria Pitarresi, Nadia Kaci

Daniel Lefebvre es el director de una guardería en Hernaing, cerca de Valenciennes, en el norte de Francia. Hijo de un minero, le apasiona enseñar en una región que en otro tiempo fue próspera pero que hoy está azotada por el desempleo. Respaldado por un equipo de profesores comprometido y muy competente, Daniel trabaja con los niños para despertar su curiosidad y su expresión personal y estimular su creatividad. Una tarde, una madre, la señora Henry, llega tarde a recoger a su hija, Laetitia. Cuando se agacha para darle un beso, se desploma, totalmente borracha, en el patio. Avergonzada, huye, abandonando a Laetitia y a su hermano, todavía un bebé…

Esa pareja feliz / That Happy Couple

Luis García Berlanga (España), Juan Antonio Bardem (España)

País(es) de producción: España – 1951

Intérpretes: Fernando Fernán Gómez, Elvira Quintillá, Félix Fernández, José Luis Ozores, Fernando Aguirre

Juan y Carmen son un humilde matrimonio madrileño. Ella se ocupa de las labores domésticas y él trabaja como electricista en unos estudios de cine. Sus sueños de bienestar se hacen realidad cuando ganan un concurso patrocinado por una marca de jabón. Se trata de la elección de la pareja feliz: durante 24 horas la pareja seleccionada recibe toda clase de invitaciones y obsequios. Pero, precisamente el mismo día, Juan debe resolver dos serios problemas que Carmen desconoce.

La muerte y el leñador (segmento de Las cuatro verdades) / Death and the Woodcutter (segment of Three Fables of Love)

Cortometraje

Luis García Berlanga (España)

País(es) de producción: España – Italia – Francia – 1962

Intérpretes: Hardy Krüger, Ana Casares, Manuel Alexandre, Agustín González, Lola Gaos

Un organillero apodado El Rubio ve requisado el manubrio de su organillo al no poseer toda la documentación en regla. A partir de ese momento comienza un periplo cargado de desgracias para intentar por todos los medios encontrar una pieza equivalente a la sustraída que le permita volver a trabajar.

Manicomio / Asylum

Fernando Fernán-Gómez (España), Luis María Delgado (España)

País(es) de producción: España – 1953

Intérpretes: Elvira Quintillá, Susana Canales , Julio Peña, Fernando Fernán Gómez, María Asquerino

Carlos va a visitar a su novia Juana al manicomio donde trabaja. Una vez allí, el director le presenta a su sobrina, obsesionada con tocar el arpa, y a un enfermero que repite palabra por palabra lo que dice Carlos. Nada es lo que parece en el manicomio.

The Outsiders: The Complete Novel

Francis Ford Coppola (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 2005

Intérpretes: C. Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Rob Lowe, Diane Lane, Emilio Estevez, Tom Cruise

The Outsiders: The Complete Novel se centra en la lucha de clases entre dos grupos de adolescentes de Oklahoma durante los años 60. En 1983, la película de Francis Ford Coppola basada en la novela de S.E. Hinton tocó la fibra sensible del público, capturando la intensa sensación de estar atrapado entre la infancia y la edad adulta y de no pertenecer a ninguna parte. Décadas después, Coppola ha revisitado el film y reintegrado 22 minutos de metraje que enriquecen a los personajes, incluyendo un nuevo comienzo y un nuevo final más fieles al libro. Una impactante nueva banda sonora de rock and roll que incluye seis canciones de Elvis Presley y otras grandes figuras de la música hace de esta nueva versión de The Outsiders uno de los grandes redescubrimientos de la historia del cine.

The Rain People (Llueve sobre mi corazón)

Francis Ford Coppola (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1969

Intérpretes: Shirley Knight, James Caan, Robert Duvall, Tom Aldredge, Marya Zimmet

Una lluviosa mañana, Natalie Ravenna, insegura, embarazada de dos meses y sintiéndose atrapada, deja una nota a su marido, aún dormido, se sube al coche y se aleja de su casa en Long Island con el fin de encontrarse a sí misma.

 

 

Zhang Yimou inaugurará la competición de la 69 edición del Festival de San Sebastián

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Las películas ‘The Eyes of Tammy Faye’ y ‘Enquête sur un scandale d’Etat / Undercover’ completan la lista de títulos a concurso de la Sección Oficial.

El Festival de San Sebastián ha confirmado las tres últimas películas que competirán por la Concha de Oro: una producción europea, una asiática y una estadounidense.

La película Yi miao zhong / One Second (Un segundo), de Zhang Yimou, inaugurará a concurso la 69 edición del Festival de San Sebastián. Yimou, uno de los realizadores chinos más reputados de las últimas décadas, concursará por primera vez en la Sección Oficial con su particular homenaje al cine, protagonizado por un prisionero que escapa del campo de trabajo en plena Revolución Cultural y que busca unas imágenes de su hija, a quien no ve desde hace años. Wei Fan y Yi Zhang encarnan a los personajes principales del filme. Varias de las películas anteriores del director, que presidió el Jurado Oficial en el Festival de San Sebastián en 1997, han pasado por Perlak como, por ejemplo, Huozhe (¡Vivir!, 1994), You hua hao hao shuo / Keep Cool (Mantén la calma, 1997), Ying xiong / Hero (2003) o Shi mian mai fu / The House of Flying Daggers (La casa de las dagas voladoras, 2004).

El director y escritor de The Big Sick (La gran enfermedad del amor, Perlak 2017), nominada al Oscar al mejor guion, Michael Showalter regresa a la gran pantalla con The Eyes of Tammy Faye (Los ojos de Tammy Faye), que recoge el auge y caída de una famosa televangelista estadounidense. Está producida y protagonizada por Jessica Chastain, a quien acompañan en el reparto Andrew Garfield y Vincent D’Onofrio.

El realizador, actor y guionista Thierry de Peretti, cuyas películas Les Apaches / Apaches (2013) y A Violent Life (2017), fueron seleccionadas en la Quincena de Realizadores y la Semana de la Crítica de Cannes, respectivamente, profundiza en Enquête sur un scandale d’Etat / Undercover en una investigación periodística en torno a un antiguo topo, testigo de la corrupción policial en el contexto del narcotráfico. En su reparto figuran Roschdy Zem, Pio Marmaï, Vincent Lindon y Julie Moulier.

Peretti, Showalter y Yimou se incorporan a la lista de cineastas que competirán por la Concha de Oro: Inés Barrionuevo, Iciar Bollaín, Laurent Cantet, Terence Davies, Alina Grigore, Lucile Hadzihalilovic, Zhang Ji, Fernando León de Aranoa, Tea Lindeburg, Claudia Llosa, Paco Plaza, Claire Simon y Jonás Trueba.

Yi miao zhong / One Second (Un segundo)

Zhang Yimou (China)

País(es) de producción: China

Intérpretes: Fan Wei, Zhang Yi

Inauguración

Un convicto es enviado a un campo de trabajo en el desolado noroeste de China durante la Revolución Cultural del país. Utilizando su ingenio, y con el único fin de ver a su hija, quien ha sido filmada en una película, logra escapar y huye en dirección al cine de un pueblo cercano. Allí espera encontrar esa cinta de película y hacerse con ella. Sin embargo, en dicho lugar se cruza con una vagabunda desesperada por conseguir el mismo carrete de película y que logra robarlo. Curiosamente, este enigmático objeto, que ambos anhelan por motivos muy distintos, se convertirá en la raíz de una inesperada amistad.

Enquête sur un Scandale d’Etat / Undercover

Thierry de Peretti (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Roschdy Zem, Pio Marmai, Vincent Lindon, Julie Moulier, Alexis Manenti, Mylène Jampanoï

Octubre de 2015. Los agentes de aduanas franceses se incautan de siete toneladas de cannabis en el corazón de la capital. El mismo día, Hubert Antonie, un antiguo topo con un pasado nebuloso, contacta con Stéphane Vilner, periodista de Libération. Asegura que puede demostrar la existencia de un narcotráfico de Estado liderado por Jacques Billard, figura mediática y policía francés de alto rango. Aunque al principio se muestra suspicaz, el joven periodista finalmente se sumerge en la investigación, que le lleva a los rincones más oscuros de la República.

The Eyes of Tammy Faye (Los ojos de Tammy Faye)

 

Michael Showalter (EEUU)

País(es) de producción: EEUU

Intérpretes: Jessica Chastain, Andrew Garfield

Una visión íntima del extraordinario ascenso, caída y redención de la telepredicadora evangelista Tammy Faye Bakker. En los años 70 y 80, Tammy Faye y su marido, Jim Bakker, pusieron en pie prácticamente de la nada la red de cadenas religiosas más grande del mundo, así como un parque temático, y gozaron de una inmensa popularidad gracias a sus mensajes de amor, aceptación y prosperidad. Tammy Faye era legendaria por sus pestañas indestructibles, su original forma de cantar y su generosidad a la hora de acoger a personas de todo tipo. Pero no pasó mucho tiempo antes de que las irregularidades financieras, las rivalidades e intrigas y los escándalos derrocaran un imperio construido con gran meticulosidad.

Joe Dante recibirá el premio de honor de Curtas Festival do Imaxinario

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El director norteamericano visitará por primera vez Galicia para celebrar su carrera en el Festival

 El legendario realizador norteamericano Joe Dante será el invitado de honor de la 49 edición de Curtas Festival do Imaxinario de Vilagarcía de Arousa, donde recogerá el galardón honorífico en la gala de clausura del festival, el sábado 30 de octubre, en reconocimiento a su enorme contribución al género fantástico.

Nacido en 1946 en  Morristown, Nueva Jersey, Dante comenzó su carrera como editor para el productor Roger Corman. En 1978 debutó en la dirección en solitario con “Piraña”, escrita por John Sayles, con el que volvió a colaborar en “The Howling (Aullidos)” (1981), que este año celebra su 40 aniversario.

En 1983 comenzó una exitosa colaboración con Steven Spielberg como productor, dirigiendo uno de los segmentos de la adaptación cinematográfica de la serie “The Twilight Zone”. Continuando con el gran éxito de “Gremlins” (1984), su secuela “Gremlins 2” (1990) o “El chip prodigioso” (1987). Además de firmar otros títulos como “Exploradores” (1985), “No matarás al vecino” (1989), “Matinee” (1993), “Pequeños guerreros” (1998), “Burying the Ex” (2014), o la antología «Nightmare Cinema» (2018), su último largometraje hasta el momento.Como parte del homenaje, Curtas Festival do Imaxinario acogerá un encuentro con Joe Dante y una retrospectiva con varias de sus pelílculas, así como una exposición con reproducciones de sets a tamaño real, piezas originales  de «Gremlins», que además se complementa con varios homenajes de ilustradores de todo el mundo a la película.

 

 Primeros títulos confirmados

Una gran selección de lo mejor del cine fantástico mundial se dará cita en Curtas Festival do Imaxinario con títulos como «The Spine of Night», film de animación dirigido por Philip Gelatt y Morgan Galen King, que nos traslada a una tierra de fantasía en los que conoceremos la lucha de héroes de diferentes épocas contra una poderosa fuerza maligna; «Son», escrita y dirigida por Ivan Kavanagh, en la que una madre llegará hasta el límite para proteger a su hijo de una peligrosa secta; o la historia de maldiciones familiares de «The Accursed», de Kathryn Michelle y Elizabeta Vidovic.

Desde Galicia, y a ritmo de black metal, llegará el terror rural de «Jacinto», de Javi Camino; y desde Taiwan hará lo propio «The Sadness», el debut de Rob Jabbaz cuya premiere mundial acaba de tener lugar en el Festival de Locarno, para teñir de rojo la pantalla de Curtas en una sesión especial que permanecerá en la memoria de los asistentes durante años

 

Joanna Hogg, Radu Jude, Gaspar Noé y Jean-Gabriel Périot, entre otros cineastas, optan al Premio Zabaltegi-Tabakalera

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La sección competitiva más abierta del Festival la integran filmes premiados o programados en Venecia, Cannes y Berlín, entre otros festivales, así como dos estrenos mundiales. En total, participan 18 títulos: trece largometrajes, un mediometraje y cuatro cortos.

Un total de 18 títulos optarán al Premio Zabaltegi-Tabakalera de la sección competitiva más abierta del Festival de San Sebastián, en la que no hay limitaciones de estilo o tiempo. Este año se incluyen trece largometrajes, un mediometraje y cuatro cortos entre los que figuran trabajos de Joanna Hogg, Radu Jude y Gaspar Noé. Varios de los filmes seleccionados proceden de festivales como Venecia, Cannes o Berlín -entre ellos destacan los Osos de Oro al mejor largometraje y al mejor corto de la Berlinale-, y también hay obras de cineastas vinculados a San Sebastián -Jean Gabriel Périot, Kiro Russo, Laura Wandel- por su participación en secciones como Nest y programas como Ikusmira Berriak.

Kiro Russo, que con su corto Nueva vida / New Life (2015) ganó el Primer Premio y el Premio Orona de la sección Nest, participará en Zabaltegi-Tabakalera cinco años después de mostrar en Horizontes Latinos su debut en el largo, Viejo calavera (2016). Tras estrenarlo en la sección Orizzonti del próximo Festival de Venecia, el director boliviano mostrará en San Sebastián su segundo trabajo, El gran movimiento, gestado en el programa Ikusmira Berriak bajo el título La loba, una historia sobre un obrero enfermo que intenta salvarse a través de un curandero.

También proviene de Orizzonti el nuevo trabajo del eslovaco Peter Kerekes Cenzorka / 107 Mothers, una película que bascula entre la ficción y la no ficción ambientada en una cárcel para mujeres de Ucrania. Con amplia experiencia en el campo del cine documental, el realizador eslovaco es autor de obras como 66 sezón / 66 Seasons (2003), Ako sa varia dejiny /  Cooking History (2009), Zamatoví teroristi / Velvet Terrorists (2013) y Occupation 1968 (2018).

El director de cine, teatro y televisión Kirill Serebrennikov presentará la película con la que compitió en la Selección Oficial de Cannes, Petrov’s Flu, sobre un hombre cuya vida discurre en la frontera entre la ensoñación y la realidad. Es el tercer largometraje del realizador ruso, que estrenó su debut, The Student (2016), en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes y después optó a la Palma de Oro del certamen con Leto / Summer (Perlak, 2018).

Zabaltegi-Tabakalera también ha programado la película que ganó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, Razzhimaya Kulaki / Unclenching the Fists, una historia que acontece en una ciudad minera de Osetia del Norte donde una joven trata de escapar del control sofocante de su familia. Se trata del segundo largometraje de la cineasta rusa Kira Kovalenko, que debutó con Sofichka (2016).

Un monde / Playground, una inmersión en el universo escolar a través de los ojos de una niña cuyo hermano sufre acoso, es la ópera prima que Laura Wandel ha estrenado este año en Un Certain Regard, donde obtuvo el Premio Fipresci. Antes, la realizadora belga presentó su cortometraje Murs (2007) en diversos certámenes internacionales, incluida la sección Nest de San Sebastián, y con Les corps étrangers (2014) compitió en la Selección Oficial de cortometrajes de Cannes.

Otro título recuperado del festival francés, concretamente de la sección Cannes Première, es Vortex, de Gaspar Noé, que relata la relación de dos ancianos. El realizador franco-argentino participó en Perlak con Irréversible (2002), que años después en 2009 formó parte de la retrospectiva La contraola: novísimo cine francés, y fue uno de los directores del largometraje colectivo 7 días en La Habana / Seven Days in Havana (Zabaltegi Especiales, 2012).

En las Proyecciones Especiales del festival francés participó Mi Iubita, Mon Amour, el debut largo como realizadora de la actriz parisina Noémie Merlant, que protagonizó Portrait de la jeune fille en feu (Retrato de una mujer en llamas, Perlak 2019), de Céline Sciamma. Ahora, tras firmar los cortometrajes Shakira (2019) y Je suis une biche (2017), Merlant dirige y protagoniza la historia de una mujer que en su despedida de soltera en Rumanía conoce a un chico más joven que ella.

Procedente de la Quincena de Realizadores de Cannes llegará The Souvenir: Part II, la segunda entrega del relato autobiográfico de la directora británica Joanna Hogg, autora de filmes como Archipelago (2010), Exhibition (2013) y The Souvenir (2019), con la que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance. Su último filme es un retrato de la artista que trasciende los titubeantes detalles de la vida cotidiana: se trata de una mezcla alquímica y singular de memorias y fantasía.

También concursó en la Quincena de Realizadores Jean-Gabriel Périot, que mostró en Zabaltegi-Tabakalera su debut largo, Une jeunesse allemande / A German Youth (2015), y ganó el premio de esta sección con el cortometraje Song for the Jungle (2018). También ha competido en New Directors con el largometraje Lumières d’été-Natsu no hikari / Summer Lights (2016) y con Nos défaites (Our Defeats / Nuestras derrotas, 2019) en Zabaltegi-Tabakalera, a donde el realizador francés regresa este año con Retour à Reims (Fragments) / Returning to Reims, que parte del texto de Didier Eribon para narrar, mediante diverso material de archivo, una historia íntima y política del mundo obrero francés desde los años 50 hasta la actualidad.

Procedente del último Festival de Cine de Animación de Annecy, donde obtuvo la Distinción del Jurado, llegará La traversée / The Crossing, el primer largometraje de Florence Miailhe, sobre dos hermanos que huyen de la guerra y la persecución a los migrantes. Con más de tres décadas de experiencia en el cortometraje animado, algunos de sus trabajos han sido galardonados en festivales como Clermont-Ferrand o Cannes, así como en los Premios César del cine francés.

El japonés Kyoshi Sugita presentará la película con la que ganó el Grand Prix y el Premio del Público en el último FIDMarseille. Haruharasan no Uta / Haruhara-san’s Recorder, cuya protagonista intenta superar el suicidio de su pareja, es el nuevo trabajo del responsable de títulos como Hitotsu no uta (A Song I Remember, 2011) o Hikari no uta (Listen to Light, 2017), ambas presentadas en el Festival de Tokio.

El rumano Radu Jude presentará Babardeală cu bucluc sau porno balamuc / Bad Luck Banging or Loony Porn, la historia de una maestra que se mete en problemas por un vídeo personal de contenido sexual. La película se alzó con el Oso de Oro en el Festival de Berlín, donde el cineasta ya ganó el Premio a la mejor dirección por Aferim! (2015). También ha obtenido, entre otras distinciones, el Premio Especial del Jurado en Locarno por Inimi cicatrizate / Scarred Hearts (2016) y el Globo de Cristal a la mejor película en Karlovy Vary por Îmi este indiferent daca în istorie vom intra ca barbari / I Do Not Care If We Go Down in History as Barbarians (2018).

Por su parte, Olga Lucovnicova participará con Nanu Tudor / My Uncle Tudor, el trabajo con el que ganó el Oso de Oro al mejor cortometraje en el Festival de Berlín. La directora moldava, que documenta su propio regreso a la casa de sus bisabuelos, es autora de cortos como O crenguță de scoruș / One Little Rowan Branch (2016), Nu am, moarte, cu tine nimic… / I Do Not Hate You, Death (2016) y Nu e sfârșitul  / It’s Not the End (2019).

El chino Zhang Dalei presentará Xia Wu Guo Qu Le Yi Ban / Day is Done, que también formó parte de Berlinale Shorts en el último Festival de Berlín. El cortometraje, continuación de su anterior Ba yue / The Summer is Gone (2016), comienza cuando un joven regresa a la casa de su abuelo.

Asimismo, Zabaltegi-Tabakelera incluirá dos estrenos mundiales. Por un lado, la catalana Laura Rius Aran, codirectora de Les amigues de l’Àgata / Agata’s Friends (2015), mostrará el mediometraje Les filles du feu / My Friends and the Fire (Las del fuego), la historia del reencuentro de cinco amigas que sucede a su anterior corto, Millions (and Millions) of Memories (2018). Por otra parte, la cineasta franco-italiana Lubna Playoust participará con su último cortometraje, Le cormoran / The Cormorant, ambientado en la casa de una isla donde se recluyen una madre y su hijo.

A todos estos títulos se les sumarán los ya anunciados Eles transportan a morte / They Carry Death (Ellos transportan la muerte), de Helena Girón y Samuel M. Delgado, y Heltzear, corto de Mikel Gurrea. El largometraje de Girón y Delgado, un relato de aventuras con un discurso crítico sobre la colonización, se podrá ver tras su paso por la Semana de la Crítica de Venecia. Por su parte, Heltzear, seleccionado en el catálogo Kimuak de 2021 y programado a concurso en la sección Orizzonti de la Mostra de Venecia, narra una historia de superación en un contexto de violencia política.

PELÍCULAS

BABARDEALĂ CU BUCLUC SAU PORNO BALAMUC / BAD LUCK BANGING OR LOONY PORN

RADU JUDE (RUMANÍA)

País(es) de producción: Rumanía – Luxemburgo – Rep. Checa – Croacia

Intérpretes: Katia Pascariu, Claudia Ieremia, Olimpia Mălai, Nicodim Ungureanu, Alexandru Potocean, Andi Vasluianu

La reputación de Emi, una profesora de escuela, se ve amenazada después de que una grabación personal de contenido sexual sea subida a internet. Obligada a enfrentarse a los padres que exigen su despido, Emi se niega a rendirse. Se trata de una película en tres partes vagamente conectadas: un paseo por la ciudad de Bucarest, seguida de un ensayo juguetón sobre obscenidades, todo lo cual culmina, en la tercera parte, en un incendiario y cómico enfrentamiento.

CENZORKA / 107 MOTHERS

PETER KEREKES (ESLOVAQUIA)

País(es) de producción: Eslovaquia – Rep. Checa – Ucrania

Intérpretes: Maryna Klimova, Iryna Kiryazeva, Lyubov Vasylyna

Lesya ha cometido un crimen pasional por el que es sentenciada a siete años en un correccional de mujeres en Odesa. Acaba de dar a luz a su primer hijo y ahora va a entrar en un mundo poblado únicamente por mujeres: reclusas, enfermeras y guardias, mujeres de todas las edades, esposas y viudas, hijas, hermanas, embarazadas y también mujeres con hijos. De no ser por el color del uniforme, a veces sería difícil decir quién es quién.

EL GRAN MOVIMIENTO

KIRO RUSSO (BOLIVIA)

País(es) de producción: Bolivia – Francia

Intérpretes: Julio César Ticona, Max Eduardo Bautista Uchasara

Una sinfonía de la ciudad en las alturas, la enfermedad de un trabajador, la pesadilla y su redención.

ELES TRANSPORTAN A MORTE / THEY CARRY DEATH (ELLOS TRANSPORTAN LA MUERTE)

HELENA GIRÓN (ESPAÑA), SAMUEL M. DELGADO (ESPAÑA)

País(es) de producción: España – Colombia

Intérpretes: Nuria Lestegás, Sara Ferro, Xoán Reices, Valentín Estévez, David Pantaleón

  1. Entre la tripulación de Cristóbal Colón viajan tres hombres que ya deberían haber muerto. Han conseguido evitar sus condenas participando en el incierto viaje, pero al llegar a las Islas Canarias, huyen cargados con una de las velas de la embarcación. Mientras, en el Viejo Mundo, una mujer trata de salvar a su hermana moribunda, con la esperanza de que una curandera pueda ayudarla. Ambos viajes tratan de burlar a la muerte. Ambos viajes están a merced del tiempo y de la Historia.

HARUHARASAN NO UTA / HARUHARA-SAN’S RECORDER

KYOSHI SUGITA (JAPÓN)

País(es) de producción: Japón

Intérpretes: Chika Araki, Minako Niibe, Takenori Kaneko, Saho Ito

Sachi ha empezado a trabajar a media jornada en un café después de dejar su empleo como curadora en un museo y se ha mudado a un apartamento recomendado por alguien que frecuenta el café. Con este cambio de trabajo y de dirección trata de superar el suicidio de su compañera, Yuki, ocurrido cuando vivían juntas. Sin embargo, aunque ya no puede verla, la imagen de Yuki permanece en su mente y se aparece como una ilusión ante sus ojos.

HELTZEAR

Cortometraje

MIKEL GURREA (ESPAÑA)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Haizea Oses, Mikel Arruti, Oier de Santiago

Donostia, año 2000. El conflicto vasco está activo. Mientras escribe una carta a su hermano ausente, Sara, una escaladora de 15 años, entrena para la ascensión más difícil de toda su vida.

LA TRAVERSÉE / THE CROSSING

FLORENCE MIAILHE (FRANCIA)

País(es) de producción: Francia – Alemania – Rep. Checa

Un pequeño pueblo saqueado, una familia obligada a huir. Los dos hijos mayores, Kyona y Adriel, son rápidamente separados de sus padres y afrontan solos el camino del exilio. Se embarcan en un heroico viaje que los lleva de la infancia a la adolescencia en busca de refugio, paz y la esperanza de encontrar cobijo y a su familia. Atravesando un continente desgarrado por la guerra y la persecución a los migrantes, estos valientes hermanos sobreviven a increíbles desafíos.

LE CORMORAN / THE CORMORANT

Cortometraje

LUBNA PLAYOUST (FRANCIA – ITALIA)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Mireille Perrier, Robinson Stévenin, Lubna Playoust, Anatole Karmitz

Un madre y su hijo están recluidos en su casa en una isla remota. Allí se entrelazan dos momentos de sus vidas -la juventud y la madurez- donde se forjan los frágiles pero indestructibles vínculos de su relación.

LES FILLES DU FEU / MY FRIENDS AND THE FIRE (LAS DEL FUEGO)

Mediometraje

LAURA RIUS ARAN (ESPAÑA)

País(es) de producción: Francia

Magdalena, Oriane, Anna, Solène y Morgane. Han pasado diez años desde la última vez que se vieron. Cuando tenían 16 años se fueron de viaje juntas. A una bonita casa frente al mar. Fueron a la playa, bebieron un poco de vino, bailaron… Y entonces, todo ardió.

MI IUBITA, MON AMOUR

NOÉMIE MERLANT (FRANCIA)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Gimi Covaci, Noémie Merlant, Sanda Codreanu, Clara Lama-Schmit, Alexia Lefaix

Jeanne viaja a Rumanía para celebrar su despedida de soltera con sus amigas y allí conoce a Nino y a su familia. Están a años de luz de distancia, pero para ambos es el comienzo de un apasionado e infinito verano.

NANU TUDOR / MY UNCLE TUDOR

Cortometraje

OLGA LUCOVNICOVA (REPÚBLICA DE MOLDAVIA)

País(es) de producción: Bélgica

Tras veinte años de silencio, la cineasta regresa a la casa de sus bisabuelos, donde tuvieron lugar dolorosos acontecimientos que dejaron para siempre una profunda huella en su memoria. Su intento de superar el pasado contrasta con la anhelada reunión familiar.

PETROV’S FLU

KIRILL SEREBRENNIKOV (RUSIA)

País(es) de producción: Rusia – Francia – Suiza – Alemania

Intérpretes: Semyon Serzin, Chulpan Khamatova

Rusia postsoviética. Un día en la vida de la familia Petrov durante una epidemia de gripe. Afectado por la enfermedad, él es un delirante dibujante de comics. Ella, una bibliotecaria que disfruta matando hombres abusivos. Entre las capas de lo ordinario, las cosas resultan ser bastante extraordinarias.

RAZZHIMAYA KULAKI / UNCLENCHING THE FISTS

KIRA KOVALENKO (RUSIA)

País(es) de producción: Rusia

Intérpretes: Milana Aguzarova, Alik Karaev, Soslan Khugaev, Khetag Bibilov, Arsen Khetagurov, Milana Pagieva

En las montañas de Osetia del Norte, entre escarpados riscos, se encuentra el pequeño pueblo minero de Mizur. Como consecuencia de ciertos hechos dramáticos, Zaur se mudó aquí con sus hijos, Ada, Akim y Dakko. Zaur es un padre estricto que valora la disciplina sobre todas las cosas y no sabe distinguir entre cuidado y sobreprotección. Su hijo mayor, Akim, ya escapó de él para trabajar en Rostov, la ciudad más cercana a Mizur. Su hermano menor, Dakko, todavía tiene que decidir qué quiere de la vida, y su hermana Ada está planeando activamente su huida. Es ya una mujer, pero su padre la sigue tratando como a una niña pequeña. Ada se dará cuenta pronto de que será muy difícil escapar de su padre y comenzar una nueva vida. El regreso de Akim verterá luz sobre los traumas de la familia de los que no se habla y que están por cicatrizar.

RETOUR À REIMS (FRAGMENTS) / RETURNING TO REIMS

JEAN-GABRIEL PÉRIOT (FRANCIA)

País(es) de producción: Francia

Adaptación libre de la novela homónima de Didier Eribon, Retour à Reims relata a través de material de archivo una historia íntima y política de la clase trabajadora francesa desde comienzos de los años 50 hasta la actualidad.

THE SOUVENIR: PART II

JOANNA HOGG (REINO UNIDO)

País(es) de producción: Reino unido

Intérpretes: Honor Swinton Byrne, Tilda Swinton

Como consecuencia de su tumultuosa relación con un hombre mayor carismático y manipulador, Julie comienza a desenmarañar su tenso amor por él a través de su película de graduación, separando los hechos reales de la elaborada ficción que ha construido. Brillante historia de Joanna Hogg sobre el primer amor y los primeros años en el desarrollo de una mujer joven, The Souvenir: Part II es un retrato de la artista que trasciende los titubeantes detalles de la vida cotidiana: se trata de una mezcla alquímica y singular de memorias y fantasía.

UN MONDE / PLAYGROUND

LAURA WANDEL (BÉLGICA)

País(es) de producción: Bélgica

Intérpretes: Maya Vanderbeque, Günter Duret

Bélgica. En la actualidad. Nora, una niña de siete años, y su hermano mayor, Abel, vuelven a la escuela. Cuando Nora presencia cómo otros niños abusan de Abel, se apresura a protegerle avisando a su padre. Pero Abel la obliga a guardar silencio. Atrapada en un conflicto de lealtades, Nora intentará encontrar su lugar, dividido entre el mundo de los niños y el de los adultos.

VORTEX

GASPAR NOÉ (FRANCIA – ARGENTINA)

País(es) de producción: France

Intérpretes: Françoise Lebrun, Dario Argento, Alex Lutz

«La vida es una fiesta corta que pronto será olvidada».

XIA WU GUO QU LE YI BAN / DAY IS DONE

Cortometraje

ZHANG DALEI (CHINA)

País(es) de producción: China

Intérpretes: Li Xuejian

Xiao Lei regresa a casa de su abuelo. El complejo residencial y la familia siguen siendo los mismos, pero ahora hay arrugas en los rostros de los padres. Xiao Lei, que nunca deja sus nunchakus, ha crecido. La vida en la pequeña casa del abuelo siempre fue tranquila y lenta, incluso las triviales rutinas diarias entre los miembros de la familia son agradables y cálidas.

«Nomadland», de Chloé Zhao, recibirá el Gran Premio FIPRESCI 2021 a la mejor película del año

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Nomadland, dirigida por Chloé Zhao, ha obtenido el Gran Premio FIPRESCI 2021 tras ser elegida mejor película del año 2021 por los miembros de la Federación Internacional de Críticos de Cine, FIPRESCI. En la votación han participado 633 críticas y críticos de todo el mundo, que han elegido esta producción estadounidense entre todas las películas estrenadas tras el 1 de julio de 2020.

Las otras cuatro finalistas han sido Druk / Another Round (Otra Ronda), de Thomas Vinterberg, que ganó la Concha de Plata en San Sebastián al mejor actor para su cuarteto protagonista, el Premio a la mejor película europea y el Oscar a la mejor película internacional, entre muchos otros galardones; Quo Vadis, Aida?, de Jasmila Zbanic, que concursó en el pasado Festival de Venecia y estuvo nominada al Oscar; Ras vkhedavt rodesac cas vukurebt? / What Do We See When We Look at the Sky?, de Alexandre Koberidze, que compitió en el pasado Festival de Berlín, donde ganó el Premio Fipresci, y Babardeală cu bucluc sau porno balamuc / Bad Luck Banging or Loony Porn, de Radu Jude, Oso de Oro en el Festival de Berlín de 2021.

Chloé Zhao recibe esta distinción con su tercer largometraje tras Songs My Brother Taught Me (2015) y The Rider (2017). El Gran Premio FIPRESCI es el último reconocimiento a Nomadland (Perlak, 2020), que tras ganar el León de Oro en Venecia en 2020 ha cosechado una interminable lista de galardones entre los que destacan los Globos de Oro a la mejor película dramática y a la mejor dirección, los BAFTA a mejor película, dirección, dirección de fotografía y actriz protagonista y los Oscar a mejor Película, mejor dirección y mejor actriz protagonista.

Desde su creación en 1999 han recibido el Gran Premio FIPRESCI cineastas de la talla de Pedro Almodóvar, Michael Haneke, Cristian Mungiu, Jean-Luc Godard, Richard Linklater, Roman Polanski, George Miller, Maren Ade, Aki Kaurismäki, Paul Thomas Anderson y Alfonso Cuarón, entre otros.

El Gran Premio FIPRESCI se entregará durante la gala de inauguración del 69 Festival de San Sebastián. En 2020 no se concedió como consecuencia de la cancelación de festivales y estrenos que provocó la crisis del Covid-19.

NOMADLAND

CHLOÉ ZHAO (CHINA)

País(es) de producción: EEUU

Intérpretes: Frances McDormand, David Strathairn, Linda May, Charlene Swankie

Fern es una mujer que, después del colapso económico de una ciudad en la zona rural de Nevada, empaca su camioneta y se pone en camino para explorar una vida fuera de la sociedad convencional como nómada moderna. La película presenta a los verdaderos nómadas Linda May, Swankie y Bob Wells como mentores y camaradas de Fern en su exploración a través del vasto paisaje del oeste americano.

 

Johnny Depp recibirá un Premio Donostia en la 69 edición del Festival de San Sebastián

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El actor estadounidense recogerá el galardón honorífico más importante del Festival el día 22 de septiembre en reconocimiento a su trayectoria.
Johnny Depp, uno de los actores más talentosos y versátiles de la cinematografía contemporánea, recibirá un Premio Donostia el día 22 de septiembre, miércoles, en el Auditorio Kursaal, dentro de la 69 edición del Festival de San Sebastián.
Depp ha sido nominado en tres ocasiones a los Oscar, ha obtenido un Globo de Oro y ha sido candidato diez veces, ha sido reconocido con el premio al mejor actor y con seis nominaciones por el Screen Actors Guild, y fue el vencedor en la 14 edición de People’s Choice Award. Intérprete en más de 90 producciones audiovisuales, ha producido también una decena de filmes, incluido el más reciente, Minamata (El fotógrafo de Minamata, 2020), de Andrew Levitas; Hugo (La invención de Hugo, 2011), dirigido por Martin Scorsese, o Crock of Gold: A Few Rounds With Shane MacGowan (Crock of Gold: Bebiendo con Shane MacGowan, 2020), realizado por Julien Temple, que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el último Festival de San Sebastián. Asimismo, ha dirigido cortos y el largometraje The Brave (1997), que también escribió y que contó con Marlon Brando como intérprete.
Debutó en el cine con 21 años como víctima de Freddy Krueger en A Nightmare on Elm Street (Pesadilla en Elm Street, 1984) y, con el paso de los años, la relación con la audiencia cristalizó a principios de los 90 a través de sus roles protagonistas en la película de culto Cry-Baby (El lágrima, Zabaltegi 1990), escrita y dirigida por John Waters, y su primera colaboración con Tim Burton, Edward Scissorhands (Eduardo Manostijeras, 1990).

En los siguientes años protagonizaría películas dirigidas por cineastas tan relevantes como Emir Kusturica (Arizona Dream / El sueño de Arizona, 1992), Lasse Hallström (What’s Eating Gilbert Grape? / ¿A quién ama Gilbert Grape?, 1993, y Chocolat, 2000), Tim Burton (Ed Wood, 1994, y Sleepy Hollow, 1999), Jim Jarmusch (Dead Man, 1995), Mike Newell (Donnie Brasco, 1997) y Terry Gilliam (Fear and Loathing in Las Vegas / Miedo y asco en Las Vegas,1998), cineasta a quien el Festival dedicó una retrospectiva.
En el siglo XXI, su interpretación del capitán Jack Sparrow en la saga de Piratas del Caribe (2003, 2006, 2007, 2011 y 2017) le ha granjeado la admiración también de las nuevas generaciones. En esta época recibe sus tres nominaciones a los Oscar por Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl (Piratas del Caribe. La maldición de la perla negra, 2003), Finding Neverland (Descubriendo Nunca Jamás, 2004) y Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (Sweeney Todd, el barbero diabólico de Fleet Street, 2007). Por este último papel recibió un Globo de Oro, premios en los que acumula otras nueve nominaciones. En su amplio inventario de reconocimientos figura también un premio Cesar honorífico (1999), lista a la que se incorpora ahora el Premio Donostia.

En los últimos años ha trabajado con Gore Verbinski (The Lone Ranger / El llanero solitario, 2013), Rob Marshall (Into The Woods, 2014), Scott Cooper (Black Mass, Perlak 2015), Kenneth Branagh (Murder on the Orient Express / Asesinato en el Orient Express, 2017) o Andrew Levitas (Minamata / El fotógrafo de Minamata, 2020).
Depp ha encarnado a escritores, policías infiltrados o forajidos, casi siempre inadaptados, acompañado de compañeros de reparto como Marlon Brando, Faye Dunaway, Jerry Lewis, Penélope Cruz, Helena Bonham Carter, Javier Bardem, Kate Winslet, Mark Rylance, Dustin Hoffman, Judi Dench, Antonio Banderas, John Malkovich, Marion Cotillard, Forrest Whitaker, Al Pacino, Benedict Cumberbatch, Morgan Freeman, Benicio del Toro, Michelle Pfeiffer, Leonardo Di Caprio o Christopher Plummer, entre muchos otros.
Esta será la tercera visita de Johnny Depp al Festival tras su paso fugaz en 1998 junto a Terry Gilliam y su regreso en 2020 por la participación de Crock of Gold: A Few Rounds with Shane MacGowan (Crock of Gold: Bebiendo con Shane MacGowan).
Las entradas para la entrega del premio, que tendrá lugar antes de la proyección fuera de concurso de la película de Sección Oficial La hija, dirigida por Manuel Martín Cuenca y protagonizada por Javier Gutiérrez y Patricia López Arnaiz, se pondrán a la venta el lunes 13 de septiembre.

Sean Baker, Julia Ducournau, Ryusuke Hamaguchi, Todd Haynes y Paul Verhoeven, entre otras figuras, participarán en Perlak

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‘Competencia oficial’, de Duprat y Cohn, inaugurará la sección y ‘The Velvet Underground’, de Haynes, la clausurará. Este año habrá dos proyecciones especiales fuera de concurso: ‘Titane’, de Ducournau, y ‘Drive My Car’, de Hamaguchi. La sección también mostrará los debuts de Shipei Wen y Charlotte Gainsbourg, así como el segundo largometraje de ficción dirigido por el escritor Emmanuel Carrère.

La sección Perlak del Festival de San Sebastián, que celebrará su 69ª edición del 17 al 25 de septiembre, acogerá un total de 15 películas programadas previamente en festivales como Cannes, Venecia o Berlín. A nombres consagrados como Ryusuke Hamaguchi, Todd Haynes, François Ozon y Paul Verhoeven se sumarán importantes realizadores de la cinematografía contemporánea como la última ganadora de la Palma de Oro Julia Ducournau, Céline Sciamma, Sean Baker y Joachim Lafosse. Además, el escritor Emmanuel Carrère presentará su segunda ficción como director y también se mostrarán, entre otros, los debuts de Shipei Wen y Charlotte Gainsbourg.

Inauguración y clausura

Competencia oficial, la comedia con la que Gastón Duprat y Mariano Cohn participarán próximamente en la Mostra de Venecia, inaugurará Perlak a concurso. Los directores argentinos, responsables de títulos como El artista (2008), El hombre de al lado (2009), El ciudadano ilustre (2016) o Todo sobre el asado (Culinary Zinema, 2016), presentarán esta tragicomedia ambientada en el mundo del cine. Penélope Cruz interpreta a una excéntrica cineasta y Antonio Banderas y Oscar Martínez, a un actor de Hollywood y a un intérprete de teatro radical, respectivamente.

Al margen de la competición por el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián, la clausura de la sección será un documental proyectado también fuera de concurso en el reciente Festival de Cannes, The Velvet Underground, en el que Todd Haynes analiza la trascendencia del célebre grupo de rock liderado por Lou Reed. El director estadounidense, que fue presidente del jurado oficial de San Sebastián en 2013, es el autor de títulos premiados como Far from Heaven (Lejos del cielo, 2002), I’m Not There (2007) –en la que recreaba libremente la vida de Bob Dylan–, Carol (2015) y Wonderstruck (Wonderstruck. El museo de las maravillas, Perlak, 2017).

Proyecciones especiales fuera de concurso

Perlak incluirá dos proyecciones especiales fuera de concurso en reconocimiento a dos de las películas más importantes de este año y también de las más aplaudidas en el último Festival de Cannes: Titane, de la directora francesa Julia Ducournau, y Drive My Car, del japonés Ryusuke Hamaguchi. Ducournau, la segunda mujer que conquista la Palma de Oro en la historia del festival galo, debutó con el filme de género Raw (Grave, 2016) y ahora regresa con Titane, otra inclasificable mezcolanza de géneros protagonizada por Agathe Rouselle y Vincent Lindon.

Basada en un relato breve de Haruki Murakami, Drive My Car, que ganó el Premio al mejor guion y el Premio FIPRESCI en Cannes, aborda la historia de un actor y director de teatro que acepta montar la obra Tío Vania de Chéjov mientras trata de recuperarse de un drama personal. Hamaguchi, que ya concursó en el festival francés con Netemo Sametemo / Asako I & II (Perlak, 2018), presentó su ópera prima, Passion (Pasión, 2008), en New Directors.


Las ‘perlas’ a concurso

Hamaguchi participará en Perlak por partida doble, pues también presentará Guzen to sozo / Wheel of Fortune and Fantasy (La ruleta de la fortuna y la fantasía), con la que este año ganó el Oso de Plata Gran Premio del Jurado en la Berlinale. Este filme, que sí optará al Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián como el resto de los que integran la sección, es un tríptico de cuentos unidos por la memoria, el engaño y el destino.

La directora francesa Céline Sciamma, que mostró Bande de filles / Girlhood (Premio TVE-Otra mirada, 2014) y Portrait de la jeune fille en feu (Retrato de una mujer en llamas, 2019) en Perlak, regresa a esta sección con Petite maman, que narra la amistad entre dos niñas y que también formó parte de la competición oficial de Berlín.

En Perlak, además, concursarán tres directores que en los últimos años han competido en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián y cuyos nuevos trabajos pudieron verse en Cannes: Joachim Lafosse, François Ozon y Louis Garrel. Por un lado, Lafosse muestra en Les intranquilles / The Restless cómo la enfermedad mental marca la relación de una pareja. El realizador belga, autor de títulos como Nue propriété (Propiedad privada, 2006) o À perdre la raison (Perder la razón, 2012), obtuvo la Concha de Plata a la mejor dirección con Les chevaliers blancs / The White Knights (Los caballeros blancos, 2015), mientras que L’économie du couple (Después de nosotros, 2016) participó en Perlak.

François Ozon, ganador de la Concha de Oro y del Premio del Jurado al mejor guion por Dans la maison (En la casa, 2012), traerá un drama sobre la eutanasia que concursó en Cannes, Tout s’est bien passé / Everything Went Fine. Otros títulos del realizador francés exhibidos en San Sebastián son Sous le sable / Under the Sand (Bajo la arena, 2000), que compitió en la Sección Oficial al igual que Le réfuge / The Refuge (Mi refugio, Premio Especial del Jurado, 2009), Jeune et jolie / Young and Promising (Joven y bonita, 2013), Une nouvelle amie / The New Girlfriend (Una nueva amiga, 2014) y Été 85 / Summer of 85 (Verano del 85, 2020).

Louis Garrel dirige y protagoniza La croisade / The Crusade, que cuenta la historia de un misterioso proyecto con el que niños de todo el mundo se proponen salvar el planeta. Es el tercer largometraje dirigido por el también actor francés tras Les deux amis (Los dos amigos, 2015) y L’homme fidèle / A Faithful Man (Un hombre fiel, 2018), que brindó a Garrel en San Sebastián el Premio del Jurado al mejor guión, coescrito junto al fallecido Jean-Claude Carrière. El guión de La croisade, filme estrenado en el apartado Proyecciones Especiales de Cannes, también lleva la firma de ambos y está protagonizado por los mismos personajes de L’homme fidèle, interpretados por Laetitia Casta, Joseph Engel y Louis Garrel.

Las Proyecciones Especiales de Cannes también acogieron el debut del cineasta chino Shipei Wen, Re Dai Wang Shi / Are You Lonesome Tonight?, un thriller hipnótico y retorcido, además de una apasionante exploración de la culpa y la misericordia, del perdón y la redención.

Otro título proveniente de la competición de Cannes es Red Rocket, un largometraje de Sean Baker que narra el regreso de un actor de cine para adultos a su ciudad natal en Texas. El realizador estadounidense es autor de largometrajes como Tangerine (2015) o The Florida Project (2017), que fue proyectada en Perlak.

También se ha rescatado de la Sección Oficial de Cannes Benedetta, de Paul Verhoeven, que ha ambientado en el siglo XV el relato de una monja capaz de obrar milagros. El realizador neerlandés, cuya película Basic Instinct (Instinto básico, 1992) formó parte en 2011 de la retrospectiva American Way of Death: Cine negro americano 1990-2010, regresa a Perlak tras Elle (2015).

Procedente de la nueva sección Premières del Festival de Cannes, Perlak mostrará Jane par Charlotte / Jane by Charlotte, un documental escrito y dirigido por la actriz Charlotte Gainsbourg que combina imágenes inéditas, fotografías y entrevistas para crear un retrato de su madre, Jane Birkin. Se trata del primer trabajo como directora de la intérprete y cantante anglofrancesa.

Emmanuel Carrère, uno de los escritores más reputados de Francia y Premio Princesa de Asturias de las Letras 2021, presentará su segunda película de ficción, Ouistreham / Between Two Worlds (En un muelle de Normandía), que formó parte de la última Quincena de Realizadores de Cannes. En este caso no ha adaptado una novela propia, como hizo en su debut La moustache (2005), sino que ha llevado libremente a la pantalla un libro de Florence Aubenas en el que una escritora se hace pasar por limpiadora para realizar una investigación sobre la inseguridad laboral.

Xavier Giannoli, cuyo debut Les corps impatients / Eager Bodies (2003) pasó por New Directors, presentará Les illusions perdues / Lost Illusions (Las ilusiones perdidas) tras su paso por la próxima edición del Festival de Venecia. El director francés, que en 2009 participó en la retrospectiva La Contraola: Novísimo cine francés con Les corps impatients (2003) y L’interview (1998), ha adaptado la novela de Honoré de Balzac sobre un joven poeta desconocido que quiere abrirse paso en la Francia del siglo XIX. En el reparto figuran Benjamin Voisin, Xavier Dolan, Vincent Lacoste, Cécile de France, Gérard Depardieu y Jeanne Balibar.

Perlak es una selección de destacados largometrajes del año, inéditos en España y que han sido aclamados por la crítica y/o premiados en otros festivales internacionales. Estas películas optan al Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián, que incluye dos galardones para los distribuidores del filme en España: uno a la mejor película (50.000 euros) y otro al mejor filme europeo (20.000 euros).

PELÍCULAS

Competencia oficial

Gastón Duprat (Argentina), Mariano Cohn (Argentina)

País(es) de producción: España – Argentina

Intérpretes: Penélope Cruz, Antonio Banderas, Oscar Martínez

Inauguración a concurso

En busca de trascendencia y prestigio social, un empresario multimillonario decide hacer una película que deje huella. Para ello, contrata a los mejores: un equipo estelar formado por la celebérrima cineasta Lola Cuevas (Penélope Cruz) y dos reconocidos actores, dueños de un talento enorme, pero con un ego aún más grande: el actor de Hollywood Félix Rivero (Antonio Banderas) y el actor radical de teatro Iván Torres (Oscar Martínez). Ambos son leyendas, pero no exactamente los mejores amigos. A través de una serie de pruebas cada vez más excéntricas establecidas por Lola, Félix e Iván deben enfrentarse no solo entre sí, sino también con sus propios legados.

The Velvet Underground

Todd Haynes (EEUU)

País(es) de producción: EEUU

Clausura

Fuera de concurso

The Velvet Underground creó un nuevo sonido que cambió el mundo de la música y consolidó así su lugar como una de las bandas musicales de rock and roll más veneradas. Dirigida por el aclamado cineasta Todd Haynes, The Velvet Underground muestra, precisamente, cómo el conjunto se convirtió en piedra angular de la cultura representando una serie de contradicciones: fue un grupo de su tiempo pero, a la vez, atemporal; literario y también realista; arraigado tanto en la alta cultura como en la de la calle. La película incluye entrevistas en profundidad a personalidades clave de la época, combinadas con una serie de impagables actuaciones inéditas y una rica colección de grabaciones, películas de Warhol y otros elementos de arte experimental, todo lo cual provoca una experiencia inmersiva en lo que John Cale (uno de los fundadores del grupo) describe como los valores creativos del conjunto: «Cómo ser elegante y cómo ser salvaje».

Drive My Car

Ryusuke Hamaguchi (Japón)

País(es) de producción: Japón

Intérpretes: Hidetoshi Nishijima, Toko Miura

Fuera de concurso

Yusuke es un actor y director de teatro. Está casado con Fukaku, que es dramaturga. Son un matrimonio feliz, pero de repente Fukaku desaparece dejando un secreto tras ella. Dos años después, Yusuke acepta el puesto de director en un teatro y se dirige a Hiroshima conduciendo su coche. Allí conoce a su chófer personal, Misaki, mujer de pocas palabras. Mientras comparte su tiempo con ella, Yusuke se da cuenta de cosas que había ignorado.

 

Titane

Julia Ducournau (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Agathe Rouselle, Vincent Lindon

Fuera de concurso

Después de una serie de crímenes que han quedado inexplicados, un padre reencuentra a su hijo desaparecido hace 10 años. TITANIO: Metal altamente resistente al calor y a la corrosión, ideal para aleaciones sumamente resistentes.

 

A concurso

Benedetta

Paul Verhoeven (Países Bajos)

País(es) de producción: Francia – Países Bajos

Intérpretes: Virginie Efira, Charlotte Rampling, Daphné Patakia, Lambert Wilson, Olivier Rabourdin

A finales del siglo XV, con la peste asolando el país, Benedetta Carlini ingresa como novicia en el convento de Pescia en la Toscana. Benedetta, que desde muy joven ha tenido la capacidad de obrar milagros, llega a la comunidad y provoca un impacto inmediato y trascendental.

Guzen to sozo / Wheel of Fortune and Fantasy (La ruleta de la fortuna y la fantasía)

Ryusuke Hamaguchi (Japón)

País(es) de producción: Japón

Intérpretes: Kotone Furukawa, Ayumu Nakajima, Hyunri , Kiyohiko Shibukawa, Katsuki Mori, Shouma Kai, Fusako Urabe, Aoba Kawai

Tres historias impulsadas por el azar y la imaginación en las que las vidas de los personajes femeninos se ven marcadas por sus elecciones y arrepentimientos. Un triángulo amoroso inesperado, una trampa de seducción fallida y un encuentro surgido de un malentendido forman un tríptico de cuentos unidos por la memoria, el engaño y el destino.

Jane par Charlotte / Jane by Charlotte

Charlotte Gainsbourg (Reino Unido – Francia)

País(es) de producción: Francia

Con la sacudida causada por el trascurso del tiempo, Charlotte Gainsbourg comenzó, por primera vez en su vida, a ver a su madre Jane Birkin con otros ojos, y ambas superaron la mutua reticencia que habían sentido hasta entonces. A través del objetivo de la cámara, Charlotte Gainsbourg y Jane Birkin se exponen la una a la otra, dejando espacio para que se desarrolle una relación madre-hija.

La Croisade / The Crusade

Louis Garrel (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Laetitia Casta, Joseph Engel, Louis Garrel

Abel y Marianne descubren que su hijo Joseph, de 13 años, ha vendido en secreto sus objetos más preciados. Pronto se percatan de que Joseph no es el único: cientos de niños de todo el mundo se han unido para financiar un misterioso proyecto. Su misión es salvar el planeta.

Les illusions perdues / Lost Illusions (Las ilusiones perdidas)

Xavier Giannoli (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Benjamin Voisin, Cécile de France, Vincent Lacoste, Xavier Dolan, Gérard Depardieu

Lucien es un joven poeta desconocido de la Francia del siglo XIX. Cree que puede lograr grandes cosas y desea forjarse un buen futuro. Deja la imprenta familiar en su provincia natal para probar suerte en París con el apoyo de su mecenas. Rápidamente abandonado a su suerte en la fabulosa metrópolis, el joven descubrirá lo que sucede entre los bastidores de un mundo a merced de la ley del lucro y del fingimiento. Una comedia humana donde todo puede comprarse y venderse, tanto el éxito literario como la prensa, tanto la política como los sentimientos, tanto las reputaciones como las almas. Lucien amará, sufrirá y sobrevivirá a sus ilusiones.

Les intranquilles / The Restless

Joachim Lafosse (Bélgica)

País(es) de producción: Bélgica – Francia

Intérpretes: Leïla Bekhti, Damien Bonnard

Leïla y Damien se quieren con locura. A pesar de su trastorno bipolar, Damien trata de continuar su vida con ella, a sabiendas de que no podrá ofrecerle jamás lo que ella desea.

Ouistreham / Between Two Worlds (En un muelle de Normandía)

Emmanuel Carrère (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Juliette Binoche

Marianne Winckler, una reconocida autora, decide escribir un libro sobre la precariedad laboral viviendo esta realidad de primera mano. Para ello, ocultando su identidad, consigue trabajo como limpiadora en un pueblo de Normandía, al norte de Francia, y descubre una vida ignorada por el resto de la sociedad en la que cada euro ganado o gastado importa. Pese a la dureza de la experiencia, la solidaridad entre compañeros crea fuertes lazos de amistad entre Marianne y ellos. La ayuda mutua conduce a la amistad y la amistad, a la confianza, pero, ¿qué pasa con esta confianza cuando la verdad sale a la luz?

Petite maman

Céline Sciamma (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Joséphine Sanz, Gabrielle Sanz, Nina Meurisse

Nelly tiene ocho años y acaba de perder a su abuela. Mientras ayuda a sus padres, explora los alrededores de la casa donde su mamá, Marion, solía jugar cuando era pequeña. Allí descubre la casa del árbol de la que tanto había oído hablar. Un día, su madre se marcha de repente. Es entonces cuando Nelly conoce a otra niña de su edad en el bosque y juntas construyen una casa en el árbol. Su nueva amiga se llama Marion.

Re Dai Wang Shi / Are You Lonesome Tonight?

Shipei Wen (China)

País(es) de producción: China

Intérpretes: Eddie Peng, Sylvia Chang, Yanhui Wang, Yu Zhang, Peiyao Jiang, Xin Lu, Yongzhong Chen, Fei Deng

Un joven convencido de haber provocado una muerte accidental entabla una ambigua relación con la viuda de la víctima, mientras un policía intenta resolver la investigación que cambiará su vida para siempre.

Red Rocket

Sean Baker (EEUU)

País(es) de producción: EEUU

Intérpretes: Simon Rex, Suzanna Son, Bree Elrod, Ethan Darbone

Mikey Saber es una estrella del porno caída en desgracia que regresa a su pequeña ciudad natal en Texas, aunque realmente nadie le quiere de vuelta.

Tout s’est bien passé / Everything Went Fine

FRANÇOIS OZON (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Sophie Marceau, André Dussollier, Charlotte Rampling

A sus 85 años, el padre de Emmanuèle es hospitalizado tras un accidente cerebrovascular. Cuando se despierta, debilitado y dependiente, este hombre, curioso por naturaleza y amante apasionado de la vida, le pide a su hija que le ayude a morir.

 

 

Asia Argento homenajeada en La Semana internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol

  Por ,

Applehead Team y La Semana internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol traen a Asia Argento a España.
 Asia Argento, hija de Dario Argento y Daria Nicolodi —trabajó con ambos en la película «La terza Madre»—, es una artista multidisciplinar con una carrera que abarca la interpretación (más de sesenta papeles en el cine), la dirección (tres largometrajes, una decena de cortos y varios vídeos musicales), ha escrito su autobiografía («Anatomía de un corazón salvaje»), todo ello emparejado a su carrera musical.
Recibió el David di Donatello (equivalente en Italia a los premios Óscar) como Mejor Actriz en 1994 por su actuación en «Perdiamoci di vista!» y nuevamente en 1996 por «Compagna di viaggio», el cual la hizo merecedora del premio Grolla d’oro. En 1998, Asia empezó a aparecer en películas norteamericanas, tales como «B. Monkey» y «New Rose Hotel», junto a Christopher Walken. Asia ha probado también su habilidad para trabajar en múltiples idiomas, agregando el francés a la lista de idiomas en los cuales ha actuado, interpretando a Éponine en la miniserie francesa de «Los Miserables» (2000) y con un papel en «La Reine Margot», en 1994. Ese mismo año, hizo su primera incursión en la dirección con los cortometrajes «Prospettive» y «A ritroso». En 1996, dirigió un documental sobre su padre, y en 1998 un segundo documental, esta vez sobre Abel Ferrara, el cual la hizo merecedora del premio del Festival de Cine de Roma. Otras películas en su haber son: «xXx», «Last Days» o «Maria Antonieta».
La 22ª Semana internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol, entrega el PREMIO ESPECIAL UNICORNIO a Asia Argento por su contribución al cine de género, en el que nos ha dejado obras como «El fantasma de la ópera», «Demons 2», «Trauma», «El síndrome de Stendhal», «Land of the Dead» o «Dracula 3D», entre otras.
Además de recibir dicho galardón, en esta visita a la Costa del Sol, Asia nos presentará su autobiografía, titulada «Anatomía de un corazón salvaje», editada por Applehead, el domingo día 12 de septiembre a las 17:00 horas en el Auditorio del centro Colección Museo Ruso San Petersburgo Málaga. Tras la presentación se proyectará la película “El síndrome de Stendhal”, de Dario Argento.
La entrada será gratuita con invitación, hasta completar el aforo.

 

Diez películas latinoamericanas competirán por el Premio Horizontes del Festival de San Sebastián

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La selección de Horizontes Latinos de 2021 reunirá en el Festival de San Sebastián diez películas latinoamericanas dirigidas por cineastas de Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, México, Suiza, Uruguay y Venezuela, que incluyen cinco filmes procedentes del work in progress latinoamericano del Festival, tres óperas primas y el regreso a la sección de realizadores como Paz Fábrega, Alonso Ruizpalacios y Lorenzo Vigas.

La ganadora del Premio de la Industria WIP Latam 2020, Piedra Noche / Dusk Stone, de Iván Fund, competirá por el Premio Horizontes, tras su paso por la sección Giornate degli Autori del Festival de Venecia. El cineasta argentino, que ha sido premiado en los certámenes de Cannes, BAFICI y Mar del Plata por sus anteriores películas, cuenta una historia sobre el duelo de un matrimonio.

El empleado y el patrón / The Employer and the Employee, la ganadora del Premio Egeda Platino Industria al mejor WIP Latam en 2020, clausurará la selección de Horizontes. Su director, el uruguayo Manuel Nieto Zas, galardonado en Rotterdam y La Habana, estrenó su tercera película, protagonizada por Nahuel Pérez Biscayart, en la pasada Quincena de Realizadores de Cannes.

Otro filme de la cantera de WIP Latam, Jesús López, tendrá su estreno mundial en San Sebastián e inaugurará la sección. La película del realizador argentino Maximiliano Schonfeld, que ha presentado sus anteriores producciones en la Berlinale, narra la transformación de Abel después de que su primo Jesús muera en un accidente de tráfico. Jesús López fue seleccionado también en Proyecta, la colaboración de Ventana Sur y el Festival de San Sebastián, en 2018.

Madalena formó parte de la competición oficial de Rotterdam tras ser seleccionada en Cine en Construcción 36. El primer largometraje del realizador brasileño Madiano Marcheti cuenta la historia de tres personajes vinculados por la desaparición de Madalena.

Aurora, la nueva película de Paz Fábrega, que formó parte de la selección de Cine en Construcción 37 bajo el título de Desasosiego / Restless, también compitió en Rotterdam. Aurora supondrá la segunda participación de la directora costarricense en Horizontes Latinos, tras la selección de su primer largometraje, Agua fría de mar, en 2010.

Lorenzo Vigas también volverá a Horizontes Latinos para presentar su segunda película, La caja / The Box, que en septiembre competirá por conseguir de nuevo el León de Oro del Festival de Venecia tras obtenerlo con Desde allá / From Afar, su debut en el largometraje en 2015. El realizador venezolano cierra con La caja su trilogía en torno a la paternidad, que inició con el corto Los elefantes nunca olvidan (2004).

El director mexicano Alonso Ruizpalacios, que ganó el Premio Horizontes con su filme de debut, Güeros (2014), regresa con Una película de polícias / A Cop Movie, que compitió por el Oso de Oro en la última Berlinale y obtuvo el Oso de Plata a una contribución artística extraordinaria por el montaje de Yibrán Asuad.

También procedente del Festival de Berlín, de la sección Encounters, el Festival programará Azor, proyecto que fue seleccionado en la quinta edición del Foro de Coproducción Europa-América Latina. El primer largometraje del director suizo Andreas Fontana sitúa dos banqueros en el contexto de la dictadura argentina y sus desapariciones.

La directora mexicana Tatiana Huezo presentará Noche de fuego / Prayers for the Stolen, que recibió una mención especial en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes. Noche de fuego es el primer largometraje de ficción de Huezo, cuya no ficción El lugar más pequeño formó parte de la retrospectiva 4+1: Cine mexicano contemporáneo, programada en 2011.

Amparo, el debut en el largometraje de Simón Mesa Soto que formó parte de la selección de la Semana de la Crítica del pasado Festival de Cannes, sigue a una mujer cuyo hijo ha sido reclutado por el Ejército. El director colombiano ganó la Palma de Oro al mejor cortometraje con su corto de graduación (Leidi, 2014).

La sección Horizontes Latinos es uno de los reflejos del fuerte vínculo que el Festival de San Sebastián tiene con Latinoamérica. Todos los largometrajes seleccionados, que son inéditos en España, producidos total o parcialmente en América Latina, dirigidos por cineastas de origen latino o que tienen por marca o tema comunidades latinas, optan al premio Horizontes, dotado con 35.000 euros destinados al director o directora y a la distribuidora en España.

El Jurado del Premio Horizontes es el encargado de valorar y premiar estas películas. Los filmes de Horizontes Latinos que sean la primera o segunda película de su director optan también al Premio TCM de la Juventud, atribuido por un jurado formado por estudiantes de entre 18 y 25 años.

PELÍCULAS

Jesús López

Maximiliano Schonfeld (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – Francia

Intérpretes: Lucas Schell, Joaquín Spahn, Sofía Palomino, Ia Arteta, Alfredo Zenobi, Paula Ransenberg, Romina Pinto, Benigno Lell

Inauguración

WIP Latam 2020

 Jesús López, un joven piloto de carreras, muere accidentalmente dejando su pueblo conmocionado. Su primo Abel, un adolescente sin rumbo, se siente poco a poco tentado a ocupar su lugar. Se instala con los padres de Jesús, viste su ropa, sale con sus amigos y su exnovia. Al principio la gente lo acepta y a Abel le gusta este papel. Pero el parecido con su primo se vuelve inquietante, hasta el punto de que acaba transformándose en Jesús López. En el pueblo se organiza una carrera en homenaje a Jesús. Animado por el espíritu de su primo, Abel conduce el coche del difunto. El resultado de esta carrera determinará si la transformación se vuelve o no definitiva.

 

 

El empleado y el patrón / The Employer and the Employee

Manuel Nieto Zas (Uruguay)

País(es) de producción: Uruguay – Argentina – Brasil – Francia

Intérpretes: Nahuel Pérez Biscayart, Cristian Borges, Justina Bustos, Fátima Quintanilla

Clausura

WIP Latam 2020

El patrón es un joven que aparentemente lo tiene todo, excepto una preocupación urgente: la salud de su bebé. El empleado está buscando trabajo para mantener a su recién nacido, por eso no duda cuando el patrón decide contratarlo para trabajar en sus tierras. Ambos cubrirán sus necesidades ayudándose mutuamente. Pero un día ocurre un accidente. Este evento inesperado tensará los lazos entre ellos, poniendo en peligro el destino de las dos familias. Premio Egeda Platino Industria al mejor WIP Latam 2020.

 

 

Amparo

Simón Mesa Soto (Colombia)

País(es) de producción: Colombia – Suecia – Catar

Intérpretes: Sandra Melissa Torres, Diego Alejandro Tobón, Luciana Gallego, John Jairo Montoya

Tras un largo turno de noche, Amparo, madre soltera con dos hijos, regresa a casa, pero ellos no están allí. Pronto descubre que su hijo Elías ha sido reclutado por el ejército y será enviado al frente, a una peligrosa zona de guerra cerca de la frontera. Su destino parece sellado. Solo un día antes de la partida de Elías, Amparo consigue contactar con un hombre que le ofrece alterar los archivos de su hijo y sacarle de allí. Sin  apenas opciones, Amparo emprende una carrera contra el tiempo para liberar a su hijo en una sociedad donde reina la corrupción.

 

Aurora

Paz Fábrega (Costa Rica)

País(es) de producción: Costa Rica – México – Panamá

Intérpretes: Rebeca Woodbridge, Raquel Villalobos

Cine en Construcción 37

Maternidades subrogadas e historias mínimas se anudan a través de la vida de Luisa, una joven arquitecta, a veces bailarina, a veces maestra. ¿Cuál es la relación entre la maternidad, la errancia y el deseo? Aurora transita esta pregunta cartografiando el archipiélago íntimo conformado por las vidas de mujeres entrañables, en el centro de las cuales se encuentra Yuliana, una adolescente que oculta a su madre un embarazo de varios meses con la complicidad de Luisa.

 

 

Azor

Andreas Fontana (Suiza)

País(es) de producción: Suiza – Argentina – Francia

Intérpretes: Stéphanie Cléau, Fabrizio Rongione

V Foro de Coproducción Europa-América Latina

Yvan De Wiel, banquero privado de Ginebra, viaja hasta Argentina, en plena dictadura, para sustituir a su asociado, en boca de unos muy preocupantes rumores, que ha desaparecido de la noche a la mañana. Entre acogedores salones, piscinas y jardines bajo vigilancia, se establece un duelo a distancia entre dos banqueros que, a pesar de utilizar métodos diferentes, participan de igual manera en un tipo de discreta y despiadada colonización.

 

La caja / The Box

Lorenzo Vigas (Venezuela)

País(es) de producción: México – EEUU

Intérpretes: Hernán Mendoza, Hatzín Navarrete

Hatzin, un adolescente de  Ciudad de México, viaja para recoger los restos de su padre, que han sido encontrados en una fosa común entre los grandes cielos y el paisaje vacío del norte de México. Pero un encuentro casual con un hombre que tiene un parecido físico con su padre lo llena de dudas y de esperanza acerca del auténtico paradero de su progenitor.

 

Madalena

Madiano Marcheti (Brasil)

País(es) de producción: Brasil

Intérpretes: Natália Mazarim, Rafael de Bona, Pamella Yule, Chloe Milan, Mariane Cáceres

Cine en Construcción 36

Luziane, Cristiano y Bianca no tienen casi nada en común, más allá del hecho de que todos viven en la misma localidad rural, rodeada de campos de soja, al oeste de Brasil. Aunque no se conocen, todos ellos se ven afectados por la desaparición de Madalena. En distintas partes de la localidad, reaccionan a su ausencia, cada uno a su manera.

 

 

Noche de fuego / PRAYERS FOR THE STOLEN

Tatiana Huezo (El Salvador – México)

País(es) de producción: México – Alemania – Brasil – Qatar

Intérpretes: Ana Cristina Ordóñez González, Marya Membreño, Mayra Batalla

En un solitario pueblo enclavado en las montañas mexicanas, las niñas llevan cortes de pelo de chico y tienen escondites bajo tierra. Ana y sus dos mejores amigas ocupan las casas de aquellos que han huido y se disfrazan de mujer cuando nadie las ve. En su impenetrable universo abundan la magia y la alegría; mientras tanto, sus madres las preparan para huir de quienes las convierten en esclavas o en fantasmas. Pero un día una de las chicas no llega a su escondite a tiempo.

 

Piedra Noche / Dusk Stone

Iván Fund (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – Chile – España

Intérpretes: Maricel Álvarez, Mara Bestelli, Alfredo Castro, Marcelo Subiotto, Jeremías Kuharo

WIP Latam 2020

Sina viaja a la costa para acompañar a su amiga Greta en la venta de su casa de veraneo. Hace menos de un año Greta perdió a su único hijo en ese mar y necesita su ayuda. Mientras embalan todo y se preparan para entregar la llave, Bruno, el esposo de Greta, dice haber visto algo que confirma los rumores de los lugareños sobre la aparición de una extraña criatura. Premio de la Industria WIP Latam 2020.

 

Una película de policías / A Cop Movie

Alonso Ruizpalacios (México)

País(es) de producción: México

Intérpretes: Mónica del Carmen, Raúl Briones Carmona

Un experimento documental y narrativo arroja luz sobre una de las instituciones más controvertidas de México, la Policía, y las causas de la impunidad que asola al sistema de justicia.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

«Mona Lisa and the Blood Moon», de Ana Lily Amirpour, inaugurará Sitges 2021

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El Festival presentará la premiere mundial de ‘Veneciafrenia’, de Álex de la Iglesia, una mezcla salvaje de giallo y slasher rodada en la monumental ciudad italiana

Las puertas de Sitges 2021 se abrirán el próximo 7 de octubre y, por primera vez en su historia, será un film dirigido por una mujer el que dará el pistoletazo de salida. Ana Lily Amirpour, que visitó el Festival en 2014 con Una chica vuelve en casa sola de noche y en 2016 con The Bad Batch, presentará Mona Lisa and the Blood Moon, su nueva película protagonizada por Jeon Jong-seo en la piel de una joven con habilidades extrañas que escapa de un centro de enfermos mentales.

La 54ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya programa los estrenos más esperados por los seguidores del género. Títulos como Lamb, cinta islandesa de folk-horror del cineasta Valdimar Jóhannsson y protagonizada por Noomi Rapace, hablan del brillante momento que vive el cine nórdico en el terreno del fantástico, y fue una de las películas más comentadas en la sección Un Certain Regard del pasado Festival de Cannes.

Alexandre Bustillo y Julien Maury (Al interior, Kandisha), habituales del Festival, vuelven con The Deep House, una propuesta de terror sobrenatural bajo el agua. La última entrega de la saga Halloween no faltará a la cita: Halloween Kills, de David Gordon Green, con una incombustible Jamie Lee Curtis, se verá en Sitges 2021. Michael Myers y Laurie Strode se volverán a encontrar en la duodécima secuela de una franquicia imprescindible y muy querida por los fans.

Halloween Kills

El terror con el toque personal de Álex de la Iglesia llegará con el estreno mundial de Veneciafrenia, el híbrido de slasher y giallo que inaugura el sello The Fear Collection, una iniciativa que dará voz a directores de género para producir largometrajes originales y que tendrá también su presentación oficial en Sitges. En Veneciafrenia -en la que De la Iglesia recupera al actor Armando de Razza- la ciudad más bella del mundo será el terrorífico escenario donde Ingrid García Jonsson y Silvia Alonso lucharán para salvar sus vidas.

Veneciafrenia

Junto con la película de Álex de la Iglesia habrá otros títulos representativos de la cosecha de género español de este año, como la premiere mundial de Visitante, debut de Alberto Evangelio, proyecto secundado desde el Producers meets Producers del PAC y en la cual ha participado la productora catalana Life & Pictures. Una inquietante historia de personajes perdidos en dimensiones paralelas que protagonizan Iria de Rio, Miquel Fernández, Jan Cornet y Sandra Cervera.

Visitante

Dos representantes del fantástico español más festivo y referencial estarán en Sitges 2021 con las premieres mundiales de La pasajera, dirigida por Raúl Cerezo y Fernando González Gómez, road movie con invitado alienígena no deseado a bordo, y Jacinto, producción gallega dirigida por Javi Camino, un terror rural que el propio realizador define como un cruce entre La matanza de Texas y Forrest Gump. Completará el panorama nacional Tres, la esperada película de Juanjo Giménez, ganador de la Palma de Oro en Cannes al mejor cortometraje en 2017 por Time Code y que llegó a ser nominado al Oscar de la categoría. Producida por Frida Films e interpretada por Marta Nieto y Miki Esparbé, narra la inquietante odisea de una diseñadora de sonido cuyo cerebro procesa el sonido más tarde que las imágenes.

El cine de animación contará con tres tótems mundiales, el israelí Ari Folman (Vals con Bashir, El congreso), el japonés Mamoru Hosoda (El niño y la bestia, Mirai, mi hermana pequeña), y el norteamericano Phil Tippett presentarán Where is Anne Frank, Belle y Mad God, respectivamente. La primera sigue los pasos de Kitty, la amiga imaginaria a quien Anne Frank dedicó su diario, mientras que Belle explica la historia de Suzu, una joven de 17 años que, después de perder su madre, se traslada a vivir con su padre. En el caso del film de Tippett -maestro de los efectos especiales con dos Premios Oscar por El retorno del Jedi y Parque Jurásico– se trata de una pesadilla en stop-motion que ha tardado treinta años en completarse.

Mad God

Más grandes nombres. El cine asiático desembarcará en Sitges con toda su fuerza. El cineasta chino Zhang Yimou presentará Cliff Walkers, un elegante thriller de espionaje ambientado a Manchukuo, un estado títere del Imperio de Japón en China durante la década de 1930. Takashi Miike, imprescindible en el Festival, vuelve al universo Yokai con The Great Yokai War: Guardians, donde Kei Watanabe, un estudiante que ha heredado la sangre de un legendario cazador de yokai, estará destinado a salvar el mundo de la destrucción. El film japonés The Deer King, de Ando Masahi (director de animación de El viaje de Chihiro y Your Name) y Masayuki Miyaji también se añade a la programación. Un drama fantástico de supervivencia y pandemias basado en las novelas de Nahoko Uehashi. Y también se verá la cinta tailandesa The Medium, de Banjong Pisanthanakun, que resigue la historia de la herencia de un chamán.

Cliff Walkers

Otros títulos destacados de esta edición de Sitges serán sin duda Demonic, en la cual Neill Blomkamp, director de emblemáticas epopeyas de ciencia ficción como District 9 o Elysium, apuesta por el terror sobrenatural, donde los límites de la realidad se distorsionan hasta confundirse y las nuevas tecnologías invocarán demonios reales a partir de un conflicto madre-hija. No uno, sino dos films de Edgar Wright se podrán disfrutar en el Festival. Última noche en el Soho, el thriller de viajes en el tiempo que protagonizan Anya Taylor-Joy y Thomasin McKenzie, y el documental The Sparks Brothers, una pieza devota de este dúo musical surgido en Los Angeles en la década de los 70.

Demonic

El galardonado en Sitges 2016 Gabriele Mainetti (Lo llamaban Jeeg Robot) presentará Freaks Out, película de criaturas extraordinarias ambientada en un circo de la Italia de la II Guerra Mundial y que tendrá en Sitges su premiere internacional después de participar en la Sección Oficial de la Mostra de Venecia. Por su parte, Simon Barret, guionista de las célebres Tú eres el siguiente o The Guest, ambas de Adam Wingard, presentará Seance, un homenaje personal al slasher protagonizado por Suki Waterhouse. Y el belga Fabrice du Welz, de quien en otras ediciones del Festival se han podido ver títulos como Adoration o Alleluia, volverá con Inexorable, con Benoit Poelvoorde y una inquietante ama de llaves.

Inexorable

Las óperas primas tendrán un papel destacado en Sitges 2021, y especialmente las dirigidas por mujeres. A los nombres ya anunciados de Prano Bailey-Bond (Censor) o Carlson Young (The Blazing World), se suma la artista y cineasta británica Charlotte Colbert, que debuta con el thriller psicológico She Will -con banda sonora de Clint Mansell- sobre una mujer que, después de una cirugía, se retira a la Escocia rural y abre interrogantes sobre su existencia. La también británica Camille Griffin presentará Silent Night, una película que no es lo que parece y que presenta un espectacular reparto con Keira Knightley, Annabelle Wallis, Matthew Goode y Lily-Rose Deep.

El leit-motiv de Sitges 2021, el hombre lobo y la bestia interior, tendrá una presencia constante en el Festival más allá de la retrospectiva ya anunciada y que ofrecerá títulos emblemáticos de la temática como The Wolf Man, la clásica película de Universal dirigida por George Waggner e intepretada por Lon Chaney Jr.; The Howling, de Joe Dante, o la copia restaurada en 4K de An American Werewolf in London. También rarezas y variaciones sobre el tema como Nazareno Cruz y el lobo, de Leonardo Favio; La bête, una versión erótica del mito dirigida por Walerian Borowzyck, así como las recuperaciones de clásicos del cine fantástico español como El retorno del hombre lobo, de Jacinto Molina, o El bosque del lobo, de Pedro Olea. Entre las propuestas recientes que giran alrededor de esta temática, el certamen ha seleccionado el film de terror Eight for Silver, de Sean Ellis, ambientado en un pequeño pueblo remoto a finales del siglo XIX, en el cual se investiga el ataque de un animal salvaje. En tono de comedia, Werewolves Within, de Josh Ruben, adapta el videojuego homónimo en una alocada cinta llena de chistes y sustos que estará en Sitges antes de su estreno en Amazon Prime. Estos títulos se añaden a la anunciada Bloodthirsty, la innovadora cinta de mujer-lobo de Amelia Moses.

 

Brigadoon

La sección Brigadoon, que engloba propuestas alternativas, presenta un avance de su programación. Brujas, maldiciones y cultos demoníacos están presentes en Two Witches, de Pierre Tsigaridis, sobre una herencia maldita, o Hellblazers, de Justin Lee, con una secta satánica de finales de los años 80. Por su parte, Las noches son de los monstruos, del argentino Sebastian Perillo, presenta una adolescente que sufre bullying y que conocerá a una perra misteriosa, y la española El último tren al Rock’n Roll, de Ignacio Malagón, inquieta con la desaparición del cantante y el técnico de sonido de un grupo de música.

Brigadoon presentará una amplia selección de documentales, muchos de ellos realizados por directoras. Destacan Fulci Talks – Uncut Conversation with Lucio Fulci, de Antonietta De Lillo, un paseo por el cine del «Gorefather» Lucio Fulci, un director que pasó de las comedias a los thrillers y de los spaghetti western al cine de terror. También sobre el cine italiano, Per Horror Intendo…, de Paola Settimini, analiza el glorioso cine de terror italiano de los años 60 a los 90, con entrevistas inéditas a Dario Argento, Cristiana Astori, Pupi Avati, Luigi Cozzi, Claudio Simonetti o Lamberto Bava, entre otros.

Manuel Pérez Clemente es uno de los más importantes ilustradores españoles, que con su arte ha traspasado fronteras y ha conseguido ser reconocido a nivel mundial. Sanjulian, el poder de la illustración, de David García Sariñena, recorre la vida y obra de este espectacular artista, explicada por él mismo, y las ilustraciones que cautivaron al mismo George Lucas.

Fascism On a Thread: The Strange Story of Nazisploitation Cinema, de Naomi Holwill, se adentra en uno de los subgéneros más sórdidos en la historia del grindhouse, el nazisploitation. Durante los años 70, películas como Ilsa – El lobo de las SS, La bestia en calor, Tren especial para Hitler y La última orgía de Gestapo conmocionaron al público.

En el capítulo de homenajes, Brigadoon reconocerá la trayectoria de dos figuras recientemente desaparecidas. Por un lado, Giannetto de Rossi, mítico especialista en el campo de los efectos especiales y director ocasional, del cual se verá Killer Crocodile 2 (1990), y de la otra, el director británico Norman J. Warren, conocido por sus comedias sexuales y de terror, con la proyección de Inseminoid (1991).

 

Jurado Oficial Fantàstic

Sitges 2021 contará con un Jurado Oficial Fantàstic formado por cinco personalidades reconocidas que aportarán una mirada transversal a los films en competición.

Ali Abbasi. Director y guionista de cine iraní nacionalizado danés. Entre sus títulos principales están Border o Shelley.

Alaska. Cantante, compositora y actriz hispano-mexicana. Fundadora de Alaska y los Pegamoides y Alaska y Dinarama, desde 1989 forma parte del grupo Fangoria.

Luna (María Lidón). Directora y actriz de cine y televisión. Entre los films que ha dirigido destacan Stranded: Náufragos o Yo, puta.

Joaquín Reyes. Actor, cómico e ilustrador. Ha participado en los programas de TV La hora chanante o Muchachada Nui, y en los films Spanish Movie y Promoción fantasma, entre otros.

Antonio Trashorras. Director, productor y guionista de cine y televisión. Ha dirigido los largometrajes El callejón y Anabel.

 

WomanInFan

Uno de los objetivos del programa WomanInFan, destinado a la visibilización de las mujeres creadoras dentro del fantástico, es sensibilizar el talento femenino hacia el género como un lenguaje más. En este sentido, se concederán tres becas para tres cineastas sin bagaje en el fantástico pero con una inicial trayectoria cinematográfica destacada. Gracias al apoyo de Vertix y de Dama Autor, las tres seleccionadas participarán en las actividades de industria del Festival, una mesa redonda sobre el papel de la mujer en la producción de cine fantástico y disfrutarán de un programa de mentoring.

Las tres jóvenes cineastas seleccionadas son:

Anna Moragriega. Productora. Graduada en producción por la ESCAC. Sus cortometrajes más destacados como productora son Ni oblit ni perdó (2019), dirigido por Jordi Boquet y ganador del premio a Mejor Cortometraje en los XIII Premios Gaudí; Tribu (2017), dirigido por Sergi Merchan y presente en más de 50 festivales internacionales y Petit (2017), dirigido por Asier Ramos y seleccionado, entre otros, al Camerimage Film Festival y presente dentro del mercado de cortos Short Film Corner del Festival de Cannes 2019.

Irene Moray. Fotógrafa y cineasta. En 2012 se traslada a Berlín y dirige su primer corto de ficción, Bad Lesbian. Después de cuatro años en Alemania, decide volver a su tierra natal donde rueda su último corto como guionista y directora, Suc de síndria, estrenado en Berlinale Shorts, nominado a los EFA Awards y merecedor de varios premios como el Gaudí a mejor cortometraje y el Goya al mejor corto de ficción. Su primer largometraje de ficción, Piel de foca, ha sido seleccionado en la Residencia de la Academia de Cine Español y en el TIFF Filmmaker Lab, donde ha sido premiada con el TIFF Filmmaker Lab Fellowship.

Laura Ferrés. Guionista, directora y productora. Graduada en dirección cinematográfica por la ESCAC. Su proyecto de final de carrera, A perro flaco, fue seleccionado en 40 festivales, como la SEMINCI y el Montreal World Film Festival. Su cortometraje Los desheredados se estrenó en el Festival de Cannes, alzándose con el premio a Mejor Cortometraje de la Semaine de la Critique de Cannes. Posteriormente fue proyectado en 80 festivales, nominado a los European Film Awards y galardonado en los Premios Goya y Gaudí.

 

Libro oficial 

La bestia interior. Hydes, licántropos y otras figuras teriantrópicas en el imaginario audiovisual es una invitación a explorar las diferentes caras del tratamiento cinematográfico de la bestia que habita en el interior del ser humano. Por sus páginas desfilan hombres lobo, señores Hyde, mujeres gato y otros cruces de ser humano y bestia, en un recorrido que va de los textos fundacionales de la cultura grecolatina al cine contemporáneo y del Hollywood clásico al cine de autor de la Europa Oriental. Los temas y lugares que este libro visita ofrecen al lector la posibilidad de mirar de cara a estas bestias interiores, que no son más que encarnaciones de aquello que nos asusta de nosotros mismos.

Coordinado por Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro, La bestia interior cuenta con aportaciones de los propios coordinadores y de Lluís Rueda, Violeta Kovacsics, Marta Torres, Diego López y Mike Hostench. En los textos de estos autores el lector encontrará reflexiones de diversa naturaleza, en una polifonía de formatos y estilos que aporta nuevas miradas y nuevas ideas sobre un mito del cine fantástico que continúa disfrutando de gran vitalidad.

Esta publicación se añade a la ya anunciada Tres piezas para el asesino, que analiza la relación entre jazz, rock y electrónica con el cine criminal y de terror en la segunda mitad del siglo XX.

 

Cinco proyectos competirán en el Zinemaldia Startup Challenge

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Cinco proyectos basados en inteligencia artificial, servicios web AWS, tecnología háptica, VFX/SFX y aplicaciones móviles competirán en el Zinemaldia Startup Challenge.

Las propuestas, procedentes de Dinamarca, España y Francia aspiran a un premio de 10.000 euros, acceso gratuito a un espacio de incubación durante el primer año en un BIC de la Red de Parques Tecnológicos de Euskadi y a una financiación de hasta 500.000 euros.

Zinemaldia & Technology se celebrará el jueves 23 de septiembre en Tabakalera e incluirá las presentaciones de los cinco finalistas y una clase magistral.

Cinco proyectos procedentes de Dinamarca, España y Francia competirán en la tercera edición de Zinemaldia Startup Challenge, el concurso dirigido a equipos emprendedores y startups europeas de reciente creación que proponen desarrollos empresariales basados en la incorporación de nuevas tecnologías en el ámbito audiovisual. En esta tercera edición se han recibido 37 inscripciones procedentes de ocho países.

Los cinco finalistas son Kinetix, propuesta francesa que provee a animadores y estudios 3D con herramientas de inteligencia artificial para simplificar y acelerar sus procesos; Klipworks, proyecto danés que, con tecnología de servicios web AWS, facilita a creadores de contenidos de vídeo el acceso y utilización de material generado por otros colaboradores; y las españolas OWO Entertainment, que está desarrollando una chaqueta háptica que reproduce sensaciones físicas mientras se está viendo una película; Panoramic Plates, un servicio de rodaje de fondos 360º en movimiento para cine y televisión; y Raccorder, aplicación móvil dirigida a scripts que aúna todas sus herramientas en una digital y facilita la localización de información sobre rodajes.

Las empresas participantes contarán con la posibilidad de integrarse en un espacio de incubación durante un año, en uno de los BICs (Business Innovation Center) ubicados en la Red de Parques Tecnológicos de Euskadi y podrán acceder a una financiación de hasta 500.000 euros para el desarrollo del proyecto. Asimismo, el proyecto ganador, que será designado por un jurado, recibirá 10.000 euros.

El Gobierno Vasco, a través del Departamento de Desarrollo Económico, Sostenibilidad y Medio Ambiente, promueve Zinemaldia Startup Challenge, iniciativa central de la jornada Zinemaldia & Technology, organizada por el Festival de San Sebastián, TECNALIA y Tabakalera con el apoyo del centro de investigación aplicada Vicomtech. Con Tabakalera, a través de su laboratorio audiovisual 2deo, se trabaja para extender la actividad durante otras jornadas a lo largo del año.

La jornada cuenta, además, con el apoyo de Europa Creativa MEDIA a través de la iniciativa European Film Forum, que tiene como objetivo el fortalecimiento y la transformación de la industria audiovisual europea. Zinemaldia & Technology es una apuesta estratégica del Festival de San Sebastián que quiere posicionarse como un espacio referente para la reflexión sobre la innovación tecnológica en el sector audiovisual.

Kinetix

Francia

Descripción del proyecto: Kinetix proporciona a animadores y estudios creativos 3D herramientas basadas en inteligencia articial para acelerar y simplificar sus procesos de producción.

Klipworks

Dinamarca

Descripción del proyecto: Klipworks facilita a los creadores de contenidos la obtención, previsualización y uso de grabaciones de vídeos en teléfonos inteligentes a gran escala generados por su audiencia.

OWO entertainment

España

Descripción del proyecto: OWO Entertainment desarrolla una chaqueta háptica que permite experimentar más de 30 sensaciones físicas diferentes mientras se ve una película, serie o documental.

Panoramic Plates

España

Descripción del proyecto: Panoramic Plates es un innovador servicio de rodaje de fondos 360º en movimiento para cine y televisión. 

Raccorder

España

Descripción del proyecto: Raccorder es una aplicación móvil multiplataforma para scripts de cine, televisión y publicidad. Aúna todas sus herramientas en una digital, aportando nuevas funcionalidades que permitirán al script realizar su trabajo de manera mucho más eficiente, coordinada y segura.

 

Iciar Bollaín, Fernando León de Aranoa, Paco Plaza y Jonás Trueba competirán en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián

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‘Las leyes de la frontera’, de Daniel Monzón, que clausurará el Festival; ‘La hija’ de Manuel Martín Cuenca; la serie ‘La Fortuna’ de Alejandro Amenábar y el cortometraje ‘Rosa Rosae. La Guerra Civil’ de Carlos Saura participarán fuera de concurso.

Catorce producciones españolas han sido seleccionadas en la Sección Oficial, New Directors, Horizontes Latinos, Zabaltegi-Tabakalera y Perlak en la 69 edición del Festival de San Sebastián. Cuatro de ellas competirán por la Concha de Oro: Maixabel, de Iciar Bollaín; El buen patrón, / The Good Boss, de Fernando León de Aranoa; La abuela, de Paco Plaza; y Quién lo impide, de Jonás Trueba. Además, fuera de concurso, participarán también en la Sección Oficial La hija / The Daughter, de Manuel Martín Cuenca; la serie La Fortuna, de Alejandro Amenábar; el corto Rosa Rosae. La Guerra Civil / Rosa Rosae. A Spanish Civil War Elegy de Carlos Saura, que formará parte de la gala de inauguración; y Las leyes de la frontera, de Daniel Monzón, que clausurará el Festival.

Icíar Bollaín presentará Maixabel, en la que Blanca Portillo encarna a la viuda del dirigente socialista asesinado por ETA Juan Mari Jáuregui. Luis Tosar interpreta a uno de los responsables del atentado en una película que recrea los encuentros restaurativos impulsados en 2011 desde la llamada vía Nanclares, que posibilitó el encuentro de Maixabel Lasa con los asesinos de su marido en prisión. Será la cuarta vez que la cineasta madrileña compita en la Sección Oficial, en la que Laia Marull y Luis Tosar, protagonistas de Te doy mis ojos / Take my Eyes (2003), ganaron sendas Conchas de Plata. Después regresó a la competición con Mataharis (2007) y Yuli (2018), que fue galardonada con el Premio del Jurado al Mejor Guion.

Fernando León de Aranoa concursará por tercera vez en la Sección Oficial, donde Barrio (1998) le brindó la Concha de Plata a la mejor dirección y el Premio Fipresci, mientras que Los lunes al sol / Mondays in the Sun (2002) se alzó con la Concha de Oro a la mejor película. En su nueva incursión en la competición, el realizador madrileño vuelve a contar con el actor Javier Bardem como protagonista de El buen patrón / The Good Boss, un relato tragicómico que ofrece una mirada feroz sobre las relaciones personales y laborales.

El cineasta valenciano Paco Plaza,varias veces nominado al Goya y responsable de grandes éxitos del cine de terror como la reciente Verónica (2017) o la saga [REC], optará por primera vez a la Concha de Oro con La abuela, una nueva incursión en el cine de horror a partir de una idea original suya que ha desarrollado Carlos Vermut en el guion. La película narra la pesadilla en la que se convierte la vida de una joven que deja su trabajo como modelo en París para volver a Madrid y cuidar de su abuela enferma.

Jonás Trueba volverá a competir en la Sección Oficial de San Sebastián tras su participación con La Reconquista / The Reconquest en 2016. Quién lo impide, que toma su título de una canción de Rafael Berrio, recoge las reflexiones de muchos jóvenes adolescentes, sus impresiones del presente y sus expectativas de futuro, recogidas antes, durante y después del confinamiento. La película es la culminación de un largo proyecto cinematográfico, tras muchos rodajes y montajes a lo largo de cinco años.

Bollaín, León de Aranoa, Plaza y Trueba se incorporan a la lista de cineastas ya anunciada que forman parte de la competición oficial: Inés Barrionuevo, Laurent Cantet, Terence Davies, Alina Grigore, Lucile Hadzihalilovic, Zhang Ji, Tea Lindeburg, Claudia Llosa y Claire Simon.


Fuera de competición

La hija / The Daughter supondrá el regreso a San Sebastián de Manuel Martín Cuenca, cuya carrera se ha desarrollado en paralelo al Festival de San Sebastián: su primer largo, La flaqueza del bolchevique / The Weakness of the Bolshevik (2003), se proyectó en Zabaltegi-Nuevos Directores, y con Malas temporadas (2005), Caníbal / Cannibal (Premio del Jurado a la Mejor Fotografía, 2013) y El autor / The Motive (2017) compitió en la Sección Oficial. La hija es un thriller dramático protagonizado por Javier Gutiérrez, Patricia López Arnaiz e Irene Virgüez Filippidis.

También se estrenará fuera de concurso La Fortuna, serie de acción y aventuras dirigida por Alejandro Amenábar que consta de seis episodios y cinco horas de duración. Amenábar inauguró fuera de concurso el Festival en 2015 con Regression (Regresión) y compitió en 2019 con Mientras dure la guerra / While at War.

Dentro de la Sección Oficial, también fuera de concurso, en la gala de inauguración se proyectará el cortometraje documental Rosa Rosae. La Guerra Civil / Rosa Rosae. A Spanish Civil War Elegy de Carlos Saura, un homenaje a los niños de la guerra a partir de la canción homónima de José Antonio Labordeta y de fotografías intervenidas y dibujos de Saura. El cineasta aragonés recibió en 2007 una Concha de Oro honorífica en reconocimiento a su trayectoria.

Asimismo, una producción española protagonizará la clausura del Festival. Daniel Monzón, que participó en Made in Spain con El corazón del guerrero (2000) y Celda 211 / Cell 211 (2010), que obtuvo ocho premios Goya incluidos los de mejor película y mejor dirección, clausurará la Sección Oficial fuera de concurso, con Las leyes de la frontera, la adaptación a la gran pantalla de la novela homónima de Javier Cercas, ambientada a finales de los años 70 en Girona, donde coinciden tres jóvenes de dos mundos muy diferentes.

Otras producciones españolas de la 69 edición

New Directors, la sección del Festival dedicada a las primeras y segundas películas de sus cineastas, acogerá la presentación de Josefina / Josephine, la ópera prima del tándem formado por el realizador Javier Marco y la guionista Belén Sánchez-Arévalo. Emma Suárez y Roberto Álamo protagonizan esta historia de amor.

También en esta sección podrá verse la coproducción con Turquía İki Şafak Arasında / Between Two Dawns, que ganó los Premios WIP Europa y WIP Europa de la Industria en la última edición del Festival. Dirigida por el realizador Selman Nacar, la película está centrada en los conceptos de conciencia, familia y justicia.

Otra coproducción, en este caso con Argentina y Chile, formará parte de la selección de Horizontes Latinos: Piedra Noche / Dusk Stone, dirigida por Iván Fund. La ganadora del Premio de la Industria WIP Latam en 2020 es un drama fantástico ambientado en una pequeña localidad costera.

En Zabaltegi-Tabakalera se proyectará, tras su paso por la competición de cortos de la sección Orizzonti del Festival de Venecia, el cortometraje de Mikel Gurrea Heltzear, seleccionado en el catálogo Kimuak de 2021. El cineasta donostiarra, que pasó por la residencia de proyectos Ikusmira Berriak, narra una historia de superación en un contexto de violencia política.

La sala de cine de Tabakalera también acogerá, tras su paso por la Semana de la Crítica de Venecia, la proyección de Eles transportan a morte / They Carry Death (Ellos transportan la muerte), el primer largometraje de Helena Girón y Samuel M. Delgado, desarrollado en Ikusmira Berriak, un relato de aventuras con un discurso crítico sobre la colonización.

Competencia Oficial, de los argentinos Gastón Duprat y Mariano Cohn, inaugurará la sección Perlak. Oscar Martínez y los Premios Donostia Penélope Cruz y Antonio Banderas protagonizan esta tragicomedia ambientada en el mundo del cine que competirá por el León de Oro en Venecia.

 

PELÍCULAS

El buen patrón / The Good Boss

Fernando León de Aranoa (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Javier Bardem, Manolo Solo, Almudena Amor, Óscar de la Fuente, Sonia Almarcha, Fernando Albizu, Tarik Rmili, Rafa Castejón, Celso Bugallo

Básculas Blanco, una empresa de producción de balanzas industriales en una ciudad de provincias, aguarda la visita de una comisión de la que depende la obtención de un premio local a la Excelencia Empresarial: las cosas deben ser perfectas para ese momento. Sin embargo, todo parece confabularse en contra. En el poco tiempo del que dispone, Blanco (Bardem) intenta devolver a su empresa el equilibrio perdido: trata de resolver los problemas de sus empleados, cruzando para ello todas las líneas imaginables.

 

La abuela

Paco Plaza (España)

País(es) de producción: España – Francia

Intérpretes: Almudena Amor, Vera Valdez

Susana tiene que dejar su vida en París trabajando como modelo para regresar a Madrid. Su abuela Pilar acaba de sufrir un derrame cerebral. Años atrás, cuando los padres de Susana murieron, su abuela la crio como si fuese su propia hija. Susana necesita encontrar a alguien que cuide de Pilar, pero lo que deberían ser solo unos días con su abuela, se acabarán convirtiendo en una auténtica pesadilla.

 

Maixabel

Iciar Bollaín (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Luis Tosar, Blanca Portillo, Urko Olazabal, María Cerezuela

Maixabel Lasa pierde en el año 2000 a su marido, Juan María Jaúregui, asesinado por ETA. Once años más tarde, recibe una petición insólita: uno de los hombres que lo mataron ha pedido entrevistarse con ella en la cárcel de Nanclares de la Oca en Álava, en la que cumple condena tras haber roto sus lazos con la banda terrorista. A pesar de las dudas y del inmenso dolor, Maixabel Lasa accede a encontrarse cara a cara con las personas que acabaron con la vida de quien había sido su compañero desde los 16 años. “Todo el mundo merece una segunda oportunidad”, dice ella cuando le preguntan por las razones para sentarse frente al hombre que mató a su marido.

 

Quién lo impide

Jonás Trueba (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Candela Recio, Pablo Hoyos, Silvio Aguilar, Pablo Gavira, Claudia Navarro, Marta Casado, Rony-Michelle Pinzaru, Javier Sánchez

Quién lo impide es una llamada a transformar la percepción que tenemos sobre la adolescencia y la juventud; la de aquellos que nacieron a principios del siglo XXI y acaban de hacerse mayores de edad; los que ahora parecen culpables de todo a la vez que ven mermadas sus esperanzas. Entre el documental, la ficción y el puro registro testimonial, los jóvenes adolescentes se muestran tal y como son pero como pocas veces los vemos o nos dejan verlos: aprovechando la cámara de cine para mostrar lo mejor de sí mismos y devolvernos la confianza en el futuro; desde la fragilidad y la emoción, con humor, inteligencia, convicciones e ideas. Porque la juventud que nos habla de amor, amistad, política o educación no está hablando solo de lo suyo, sino de lo que nos importa siempre, a cualquier edad. Quién lo impide es una película sobre nosotros: sobre lo que fuimos, lo que somos y lo que seguiremos siendo.

 

ROSA ROSAE. LA GUERRA CIVIL / ROSA ROSAE. A SPANISH CIVIL WAR ELEGY

Cortometraje

CARLOS SAURA (España)

País(es) de producción: España

Inauguración

Fuera de concurso

Saura crea y recupera más de una treintena de imágenes, dibujos y fotografías que imprime, manipula, con las que juega y luego filma, para crear una historia que, si bien recrea la Guerra Civil española, también podría reflejar los horrores de una guerra universal, desde la mirada de un niño y su entorno.

 

Las leyes de la frontera

Daniel Monzón (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Marcos Ruiz, Begoña Vargas, Chechu Salgado

Clausura

Fuera de concurso

 La historia comienza en el verano de 1978. Nacho Cañas, un estudiante introvertido y algo inadaptado, tiene diecisiete años y vive en Girona. Al conocer al Zarco y a Tere, dos jóvenes delincuentes del barrio chino de la ciudad, se ve inmerso en un triángulo amoroso que le lleva a vivir una carrera imparable de hurtos, robos y atracos que se prolongará durante todo el verano y que cambiará su vida para siempre. Las leyes de la frontera es la historia del verano en el que Nacho experimentó el primer amor y se hizo mayor, transgrediendo constantemente la frontera entre dos mundos, cruzando la línea que hay entre el bien y el mal, entre la justicia y la injusticia.

 

La Fortuna

Serie de televisión

Alejandro Amenábar (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Álvaro Mel, Ana Polvorosa, Stanley Tucci, Clarke Peters, T’Nia Miller, Karra Elejalde, Manolo Solo

Fuera de concurso

Álex Ventura, un joven e inexperto diplomático, se convierte en el líder de una misión que pondrá a prueba todas sus convicciones: recuperar el tesoro submarino robado por Frank Wild, un aventurero que vive de saquear el patrimonio común de las profundidades. Junto a Lucía, una funcionaria de armas tomar, y Jonas Pierce, un brillante abogado norteamericano, Álex emprenderá la aventura de su vida, descubriendo la importancia del amor, la amistad y el compromiso con aquello en lo que cree.

 

LA HIJA / THE DAUGHTER

MANUEL MARTÍN CUENCA (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Javier Gutiérrez, Patricia López Arnaiz, Irene Virgüez

Fuera de concurso

Irene tiene quince años y vive en un centro para menores infractores. Se acaba de quedar embarazada y está decidida a cambiar de vida gracias a Javier, uno de los educadores del centro. Javier le ofrece vivir con él y su mujer Adela en la casa que tienen en un paraje aislado y agreste de la sierra para que pueda llevar a buen término su embarazo. La única condición a cambio es que acepte entregarles al bebé que lleva en sus entrañas. Este débil pacto puede verse comprometido cuando Irene empiece a sentir como suya esa vida que lleva en su interior.

 

NEW DIRECTORS

 

İki Şafak Arasında / Between Two Dawns

Selman Nacar (Turquía)

País(es) de producción: Turquía – Francia – Rumanía – España

Intérpretes: Mücahit Koçak, Nezaket Erden, Burcu Gölgedar

WIP Europa 2020

Después de que un trabajador resulte gravemente herido en la empresa familiar de Kadir, este se ve obligado a tomar una decisión moral que repercutirá en sus sueños, en su familia y en la vida de la esposa del trabajador herido. Ópera prima. Premios WIP Europa de la Industria y WIP Europa en 2020.

 

 Josefina / Josephine

Javier Marco (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Emma Suárez, Roberto Álamo, Miguel Bernardeau, Olivia Delcán

Juan, funcionario de prisiones, observa en silencio cada domingo la visita de Berta, la madre de uno de los presos. El día que por fin logra acercarse a ella, se sorprende a sí mismo haciéndose pasar por otro padre e inventándose a una hija dentro de la cárcel: Josefina. La necesidad de llenar el vacío en el que viven Juan y Berta, les lleva a seguir encontrándose más allá de la realidad que les rodea. Ópera prima.

 

HORIZONTES LATINOS

Piedra Noche / Dusk Stone

Iván Fund (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – Chile – España

Intérpretes: Maricel Álvarez, Mara Bestelli, Alfredo Castro, Marcelo Subiotto, Jeremías Kuharo

WIP Latam 2020

Sina viaja a la costa para acompañar a su amiga Greta en la venta de su casa de veraneo. Hace menos de un año Greta perdió a su único hijo en ese mar y necesita su ayuda. Mientras embalan todo y se preparan para entregar la llave, Bruno, el esposo de Greta, dice haber visto algo que confirma los rumores de los lugareños sobre la aparición de una extraña criatura. Premio de la Industria WIP Latam 2020.

 

 

ZABALTEGI-TABAKALERA

 

Eles transportan a morte / They Carry Death (Ellos transportan la muerte)

Helena Girón (España), Samuel M. Delgado (España)

País(es) de producción: España – Colombia

Intérpretes: Nuria Lestegás, Sara Ferro, Xoán Reices, Valentín Estévez, David Pantaleón

  1. Entre la tripulación de Cristóbal Colón viajan tres hombres que ya deberían haber muerto. Han conseguido evitar sus condenas participando en el incierto viaje, pero al llegar a las Islas Canarias, huyen cargados con una de las velas de la embarcación. Mientras, en el Viejo Mundo, una mujer trata de salvar a su hermana moribunda, con la esperanza de que una curandera pueda ayudarla. Ambos viajes tratan de burlar a la muerte. Ambos viajes están a merced del tiempo y de la Historia.

 

Heltzear

Cortometraje

Mikel Gurrea (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Haizea Oses, Mikel Arruti, Oier de Santiago

Donostia, año 2000. El conflicto vasco está activo. Mientras escribe una carta a su hermano ausente, Sara, una escaladora de 15 años, entrena para la ascensión más difícil de toda su vida.

 

PERLAK

Competencia oficial

Gastón Duprat (Argentina), Mariano Cohn (Argentina)

País(es) de producción: España – Argentina

Intérpretes: Penélope Cruz, Antonio Banderas, Oscar Martínez

Inauguración

En busca de trascendencia y prestigio social, un empresario multimillonario decide hacer una película que deje huella. Para ello, contrata a los mejores: un equipo estelar formado por la celebérrima cineasta Lola Cuevas (Penélope Cruz) y dos reconocidos actores, dueños de un talento enorme, pero con un ego aún más grande: el actor de Hollywood Félix Rivero (Antonio Banderas) y el actor radical de teatro Iván Torres (Oscar Martínez). Ambos son leyendas, pero no exactamente los mejores amigos. A través de una serie de pruebas cada vez más excéntricas establecidas por Lola, Félix e Iván deben enfrentarse no solo entre sí, sino también con sus propios legados.

 

 

 

 

 

 

 

Trece primeras y segundas películas se disputarán el Premio Kutxabank-New Directors

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Entre los trabajos elegidos hay cinco películas procedentes de los ‘work in progress’ y del Foro de Coproducción del Festival.

Un total de trece producciones de 15 países se disputarán el Premio Kutxabank-New Directors del Festival de San Sebastián, que celebrará su 69 edición del 17 al 25 de septiembre. Del total de trabajos elegidos, nueve son óperas primas y el resto son segundas películas de sus autores, según han explicado hoy en rueda de prensa el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, y la directora de la Red Gipuzkoa de Kutxabank, Ainhoa Arruabarrena.

Philippe Grégoire es uno de los cineastas que presentarán su debut en el largometraje dentro de New Directors. Tras participar en más de un centenar de festivales con sus cortos, el canadiense concursará con Le bruit des moteurs / The Noise of Engines, una obra de autoficción basada en su antigua experiencia como agente de aduanas, trabajo que desempeñó para costearse la escuela de cine.

Tras formar parte de programas como Berlinale Talent o First Films First, el director turco Selman Nacar firma el proyecto con el que ganó los Premios WIP Europa de la Industria y WIP Europa en San Sebastián el año pasado, İki Şafak Arasında / Between Two Dawns, centrada en los conceptos de conciencia, familia y justicia.

También fue elegido en WIP Europa el esloveno Darko Sinko, director y productor de documentales y cortometrajes cuya primera ficción larga, Inventura / Inventory, trata sobre un hombre que tras un trágico suceso se percata de que su vida quizá sea una ilusión y que tal vez le odia más gente de lo que imaginaba.

Asimismo, New Directors acogerá la primera incursión en el largometraje de la coreana Hong Sung-eun, que en Hon-ja Sa-neun Sa-ram-deul / Aloners relata la peripecia de una mujer cuya vida cambia cuando su vecino es hallado muerto en su apartamento.

La argentina Mara Pescio presentará su debut tras la cámara, Ese fin de semana / That Weekend, cuyo proyecto fue seleccionado en 2017 en el Foro de Coproducción del Festival de San Sebastián. El filme narra la historia del reencuentro entre una madre y una hija después de largo tiempo sin verse.

Tras su paso por el Festival de Sundance, el actor estadounidense Fran Kranz mostrará en New Directors su primer trabajo como realizador, Mass, una obra sobre el perdón y la culpa en cuyo reparto destacan Reed Birney, Ann Dowd, Jason Isaacs y Martha Plimpton.

Javier Marco, que también posee amplia experiencia en el campo del cortometraje -ganó el Premio Goya con A la cara (2020)- y fue seleccionado en Berlinale Talents y Reykjavik Talent Lab, participará con Josefina / Josephine, una historia escrita por Belén Sánchez-Arévalo y protagonizada por Emma Suárez y Roberto Álamo.

Por su parte, el uruguayo Agustín Banchero presentará Las vacaciones de Hilda / Hilda’s Short Summer, proyecto seleccionado en Cine en Construcción 36 (el actual WIP Latam) sobre una mujer solitaria que revive un verano del pasado.

La directora rusa Lena Lanskih, que ha escrito y dirigido cortometrajes mostrados en distintos festivales, participará con su primer filme, Nich’ya / Unwanted, que relata la peripecia de una adolescente enfrentada a distintos problemas tras tener un bebé no deseado.

Entre quienes presentarán su segundo largometraje en New Directors figuran el colombiano Juan Sebastián Mesa, que tras ganar el Premio del Público de la Semana Internacional de la Crítica de Venecia con su debut, Los nadie (2016), participará con La roya / The Rust, una historia sobre la identidad rural gestada en la residencia Cinéfondation del Festival de Cannes y presentada en WIP Latam (2020) de San Sebastián y en el Foro de Coproducción Europa-América Latina (2017).

El rumano Emanuel Parvu, que ha trabajado como actor con directores como Cristian Mungiu, Adrian Sitaru o Constantin Popescu, ganó los premios al mejor director y actor en el Festival de Sarajevo con su debut, Meda or The Not So Bright Side of Things (2017) y ahora concursará en San Sebastián con Marocco / Mikado, un filme sobre las decisiones, la desconfianza y la culpa.

Tras participar en New Directors con Tigre (2017), el tándem formado por la argentina Silvina Schnicer y el catalán afincado en Buenos Aires Ulises Porra regresará a la sección con Carajita, centrada en el colapso de la relación entre una joven y la nana que la crio.

El cineasta chino Sun Liang, cuya ópera prima Kill the Shadow (2017) fue seleccionada en Montreal y Shanghái, entre otros festivales, competirá con Shu Qi Shi Guang / Lost in Summer, sobre un joven adolescente enfrentado a la confusión vital.

Todas las películas de esta sección optan al Premio Kutxabank-New Directors, dotado con 50.000 euros repartidos a partes iguales entre el director o directora y la distribuidora de la película en España. El Premio Kutxabank-New Directors está patrocinado por Kutxabank, colaborador oficial del Festival. El Jurado Premio Kutxabank-New Directors es el encargado de valorar y premiar estas películas. Las películas correspondientes a la sección de New Directors son candidatas también al Premio TCM de la Juventud, atribuido por un jurado formado por estudiantes de entre 18 y 25 años.

New Directors es el ejemplo más claro de la apuesta del Festival de San Sebastián por los nuevos talentos, pero no el único, puesto que se programan primeras y segundas obras en prácticamente todas las secciones, y también se muestran los trabajos de Nest, la sección competitiva de cortometrajes de estudiantes de escuelas de cine de todo el mundo. Además, el Festival lidera junto a Tabakalera y Elías Querejeta Zine Eskola el programa de apoyo a proyectos audiovisuales innovadores Ikusmira Berriak, que contempla un plan de residencias artísticas.

NEW DIRECTORS

Carajita

Silvina Schnicer (Argentina), Ulises Porra (Argentina)

País(es) de producción: República Dominicana – Argentina

Intérpretes: Cecile Van Welie, Magnolia Núñez, Adelanny Padilla, Genesis Buret, Javier Hermida, Richard Douglas, Clara Luz Lozano, Yuberbi De La Rosa

Sara (17 años) y su niñera Yarisa (36) tienen una relación que parece trascender su clase social: son lo más parecido a una hija y una madre, pero un accidente irrumpe en sus vidas y pone a prueba la inocente ilusión de que nada las separará. Segunda película de sus directores.

Ese fin de semana / That Weekend

Mara Pescio (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – Brasil

Intérpretes: Miss Bolivia, Irina Misisco, Laura Kramer

VI Foro de Coproducción Europa-América Latina

Julia regresa al barrio del que se alejó años atrás luego de una estafa. Viene a firmar un permiso de viaje pero, ante todo, vuelve para recuperar ese dinero que le solucionaría muchos problemas. Ese reencuentro con su pasado deja de ser lo que ella esperaba. Ópera prima.

Hon-ja Sa-neun Sa-ram-deul / Aloners

Hong Sung-eun (Corea del Sur)

País(es) de producción: Corea del Sur

Intérpretes: Gong Seung-yeon, Jung Da-eun, Seo Hyun-woo, Park Jeong-hak, Kim Hannah, Kim Mo-beom

Jina es la mejor empleada del centro de atención al cliente de una empresa de tarjetas de crédito. Evita entablar relaciones estrechas y, por eso, elige vivir y trabajar sola. Jina se siente cómoda en su estilo de vida solitario hasta que su irritante vecino, que intentaba acercarse a ella, aparece muerto a los pocos días. A partir de ese momento, muchas personas que había decidido ignorar empiezan a molestarla: su padre, que la acosa por la herencia de su madre; Sujin, un nuevo compañero que es pesado pero simpático, y el despreocupado Seonghun, su nuevo vecino. Ópera prima.

İki Şafak Arasında / Between Two Dawns

Selman Nacar (Turquía)

País(es) de producción: Turquía – Francia – Rumanía – España

Intérpretes: Mücahit Koçak, Nezaket Erden, Burcu Gölgedar

WIP Europa 2020

Después de que un trabajador resulte gravemente herido en la empresa familiar de Kadir, este se ve obligado a tomar una decisión moral que repercutirá en sus sueños, en su familia y en la vida de la esposa del trabajador herido. Ópera prima. Premios WIP Europa de la Industria y WIP Europa en 2020.

Inventura / Inventory

Darko Sinko (Eslovenia)

País(es) de producción: Eslovenia

Intérpretes: Rados Bolčina, Dejan Spasić, Mirel Knez

WIP Europa 2020

Boris Robic es, como suele decirse, un tipo corriente. Una noche, sin embargo, alguien intenta dispararle. Las investigaciones no revelan nada. Ni enemigos, ni sospechosos. Se podría decir que Boris es la última persona a la que alguien querría matar. Cuando la policía cierra la investigación, Boris empieza a investigar por su cuenta. Mientras busca al sospechoso, vemos cómo se desarrolla la tragicomedia de un hombre que descubre que le odia mucha más gente de lo que pensaba y que la forma en que ve su propia vida era una ilusión. Ópera prima.

Josefina / Josephine

Javier Marco (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Emma Suárez, Roberto Álamo, Miguel Bernardeau, Olivia Delcán

Juan, funcionario de prisiones, observa en silencio cada domingo la visita de Berta, la madre de uno de los presos. El día que por fin logra acercarse a ella, se sorprende a sí mismo haciéndose pasar por otro padre e inventándose a una hija dentro de la cárcel: Josefina. La necesidad de llenar el vacío en el que viven Juan y Berta, les lleva a seguir encontrándose más allá de la realidad que les rodea. Ópera prima.

La roya / The Rust

Juan Sebastián Mesa (Colombia)

País(es) de producción: Colombia – Francia

Intérpretes: Juan Daniel Ortíz, Paula Andrea Cano, Laura Gutierrez

VI Foro de Coproducción Europa-América Latina

WIP Latam 2020

Jorge es el único de su generación que ha decidido quedarse en el campo. Se acercan las fiestas populares y con ellas el reencuentro con su exnovia Andrea, que regresa de la ciudad. Su llegada comienza a desestabilizarlo física y mentalmente. Segunda película de su director.

Las vacaciones de Hilda / Hilda´s Short Summer

Agustín Banchero (Uruguay)

País(es) de producción: Uruguay – Brasil

Intérpretes: Carla Moscatelli, Edgardo Castro, Gabriel Villanueva

Cine en Construcción 36

Hilda es una mujer solitaria que vive en el pueblo de Concepción. Intencionalmente quiebra cualquier tipo de relación afectiva con las personas de su entorno cercano. Su vida se ve interrumpida por el aviso de que su hijo viene a visitarla después de varios años. Así ella comienza los preparativos para mejorar su casa y su imagen que ha decaído en los últimos tiempos. Sobre la fecha, su hijo cancela la visita y la pospone por tiempo indeterminado. Ahora Hilda deberá vivir un verano en el pasado. Ópera prima.

Le bruit des moteurs / The Noise of Engines

Philippe Grégoire (Canadá)

País(es) de producción: Canadá

Intérpretes: Robert Naylor, Tanja Björk, Marie-Thérèse Fortin, Alexandrine Agostini, Naïla Rabel, Marc Beaupré, Maxime Genois

Alexandre, instructor de la escuela de aduanas de Canadá, empieza a ser vigilado por los investigadores de la policía que intentan descubrir el origen de los dibujos sexualmente explícitos que están inquietando a la ciudad. Ópera prima.

Marocco / Mikado

Emanuel Parvu (Rumanía)

País(es) de producción: Rumania

Intérpretes: Serban Pavlu, Ana Indricau, Crina Semciuc

Un día, la joven Magda regala su caro collar a una niña enferma en el hospital en el que trabaja como voluntaria. Su padre está seguro de que miente una vez más y cuando Magda demuestra su inocencia, él se siente avergonzado y culpable, pero también incapaz de admitir que se equivocó. La relación entre ambos está rota y es un caos, y las decisiones del pasado tendrán consecuencias irreversibles. Segunda película de su director.

Mass

FRAN Kranz (EE.UU.)

País(es) de producción: EEUU

Intérpretes: Reed Birney, Ann Dowd, Jason Isaacs, Martha Plimpton

Años después de que una tragedia indescriptible destrozara sus vidas, dos parejas de padres (Jason Isaacs y Martha Plimpton, Reed Birney y Ann Dowd) acuerdan hablar en privado para intentar seguir adelante. Ópera prima.

Nich’ya / Unwanted

Lena Lanskih (Rusia)

País(es) de producción: Rusia

Intérpretes: Olga Malahova, Vladimir Shabelnikov, Tatiana Tihmeneva, Slava Baranov, Ivan Ivashov, Tatiana Vorotnikova

Vika, de 14 años, vive en una pequeña ciudad de provincias de la región rusa de los Urales. Recolecta frutos del bosque que crecen en los humedales y ayuda a su madre a venderlas en un mercado callejero. Le gustan las clases de coreografía de la escuela. Y tiene un bebé del que nadie debería saber nunca nada. Ópera prima.

Shu Qi Shi Guang / Lost in Summer

Sun Liang (China)

País(es) de producción: China

Intérpretes: Yue Xiaoke, Yang Bo

Durante el verano, cuando acaba el instituto, un adolescente se enfrenta a su confusión vital y lo intenta todo para encontrar una salida. Sin embargo, fracasa, con asesinato incluido. Segunda película de su director.

 

El Festival de Transilvania proyecta una selección de diez películas españolas elegidas por San Sebastián

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En su vigésima edición, que comienza mañana, el certamen rumano mostrará títulos programados en los últimos años en el Festival de San Sebastián.

El Festival Internacional de Cine de Transilvania, que celebrará su vigésima edición desde mañana y hasta el 1 de agosto en Cluj-Napoca (Rumanía), acogerá una celebración del cine español en un amplio programa, Spain Focus, que constará de proyecciones especiales, charlas y clases magistrales, actividades de industria y exposiciones. Dentro del programa figura Carte blanche: San Sebastián, una potente selección de diez películas españolas recientes elegidas por el comité de selección del Festival de San Sebastián. En ella se incluye Sentimental (Cesc Gay, 2020), la película inaugural que el Festival de Transilvania proyectará al aire libre mañana en la gran pantalla de la plaza Unirii de Cluj-Napoca.

En sintonía con la atención que presta al talento emergente, la mayor parte de las obras recuperadas por el festival rumano proceden de la sección New Directors de San Sebastián. Así, podrán verse Ane (David Pérez Sañudo, 2020), La última primavera (Isabel Lamberti, Premio Kutxabank-New Directors, 2020), Hil kanpaiak (Campanadas a muerto, Imanol Rayo 2020), Viaje al cuarto de una madre (Celia Rico Clavellino, 2018) y Apuntes para una película de atracos (León Siminiani, 2018).

En Carte blanche: San Sebastián, organizado con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), también se proyectarán títulos que pasaron por la Sección Oficial como el largometraje La hija de un ladrón (Belén Funes, 2019) o la serie Antidisturbios (Rodrigo Sorogoyen, 2020), así como dos incluidos en Proyecciones RTVE –Explota explota (Nacho Álvarez, 2020) y Sentimental (Cesc Gay, 2020)-, y uno de Culinary Zinema, ARZAK since 1897 (Asier Altuna, 2020).

Las entidades socias tanto de esta colaboración entre los festivales de Transilvania y San Sebastián como del Spain Focus en su totalidad son la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), Acción Cultural Española, el Instituto Vasco Etxepare, la Embajada de España en Rumanía, el Instituto Cervantes de Bucarest y la Asociación de Empresas Españolas en Rumanía (ASEMER).

 

«Libertad», ópera prima de Clara Roquet, inaugurará la 66 edición de la SEMINCI

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La directora regresa con su primer largo a la Sección Oficial del festival, donde obtuvo en 2015 la Espiga de Oro y el Premio EFA al mejor cortometraje con ‘El adiós’, su debut tras las cámaras.
‘Libertad’, el primer largometraje de la guionista y directora catalana Clara Roquet (Vic, 1988), inaugurará la 66 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, que tendrá lugar del 23 al 30 de octubre. El film, que se presenta a concurso en la Sección Oficial de Seminci, ha tenido recientemente su premiere mundial en la Semana de la Crítica del pasado Festival de Cannes -único largometraje español en el certamen francés-, donde obtuvo una calurosa acogida por parte del público y la crítica.
‘Libertad’, una producción de Lastor Media y Avalon P.C. en coproducción con Bulletproof Cupid (Bélgica), con el apoyo de MEDIA, ICAA, ICEC, Eurimages, TVE, TV3, Movistar+ y Catalan Films, está protagonizada por María Morera (La vida sin Sara Amat) y la debutante Nicolle García en los papeles de Nora y Libertad, respectivamente. El reparto que cuenta con actrices de prestigio como Nora Navas (Pa negre, Dolor y gloria) y Vicky Peña (Piedras, Secretos del corazón) y que completan Maria Rodríguez Soto, Carol Hurtado, David Selvas, Óscar Muñóz, Sergi Torrecilla y Mathilde Legrand.
Con ‘Libertad’, Clara Roquet regresa a la Sección Oficial de Seminci, el primer festival cinematográfico en premiar su carrera como directora con su corto debut, ‘El adiós’ (2015), que logró en la 60 edición la Espiga de Oro y el Premio EFA, galardón que le supuso, además, la nominación a los European Film Awards. ‘El adiós’ fue estrenado en el Festival
Internacional de Toronto y logró después el premio Gaudí al Mejor Cortometraje en 2016.
Su segundo cortometraje, ‘Les bones nenes’ (2017), recibió el premio “Movistar + proyecto en corto” y consiguió la Mención Especial al Mejor Cortometraje Iberoamericano en el Festival Internacional de Guadalajara (México), entre otros.
Libertad’ supone el salto al largo de Clara Roquet, que inició su carrera como guionista con ‘S.L. Familia’, por el que ganó el Premio Especial del Jurado en la 8ª edición de los Premios SGAE de Guion Julio Alejandro. Su segundo guion para un largometraje fue ‘10.000 km’ (2014), escrito en colaboración con el director Carlos Marqués-Marcet y ganador del Premio Goya de la categoría. El film fue, además, uno de las tres finalistas para representar a España en los Oscar de aquel año.
La trama de ‘Libertad’ se desarrolla durante un verano en la Costa Brava en el que, después de mucho tiempo sin coincidir, la familia Vidal pasa las últimas vacaciones en la casa familiar con la abuela Ángela, que sufre Alzheimer avanzado. Por primera vez en su vida, Nora (14) siente que no encuentra su lugar: los juegos de niños le parecen ridículos y las conversaciones de los adultos todavía le van grandes. Pero todo cambia con la llegada de Libertad (15), la hija de Rosana, la mujer colombiana que cuida a su abuela.
Rebelde y magnética, Libertad se convierte en la puerta de entrada a un verano distinto para Nora y las dos niñas rápidamente forjan una amistad intensa y desigual. Juntas salen de la burbuja de protección y confort que supone la
casa familiar y descubren un mundo nuevo en el que Nora se siente más libre que nunca.
La película inaugurará la 66 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid el próximo 23 de octubre y, tras el festival, se estrenará en cines el 19 de noviembre de la mano de Avalon D.A, en codistribución con Elastica Films.

 

19ª Semana del Cine Japonés de Las Palmas de Gran Canaria: Naruse / Hayashi – Nubes Flotantes

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La 19ª Semana de cine japonés de Las Palmas de Gran Canaria lleva el título de ‘Naruse / Hayashi – Nubes Flotantes’. 

Al mismo tiempo que Kurosawa y Mizoguchi lograban triunfar en Occidente modelando a través de sus ficciones de época el imaginario de la llamada Edad de Oro del cine japonés, el todavía “desconocido” Mikio Naruse afrontó desde la reserva y la simplicidad propias del género melodramático el que sería uno de los proyectos más fructíferos de su carrera: la adaptación póstuma de seis de las principales obras de la novelista Fumiko Hayashi, excepcional cronista de la feminidad japonesa de posguerra doblemente sometida por las heridas de la bomba atómica y las normas sociales impuestas a las mujeres niponas desde el fin de la era Meiji. Nubes flotantes se erigiría en pieza angular de este encuentro entre dos de las figuras más influyentes de la narratividad japonesa del siglo XX, cuyo diálogo dotaría al género popular del shomin-geki de una densidad temporal tan inédita como imprescindible para el devenir posterior del cine moderno.

Programa:

Lunes 26 de julio

19:30 h.

EL ALMUERZO
«Meshi». Japón, 1951. B/N. V.O.S.E. 97’.
Dirección: Mikio Naruse.
+Info e inscripción: aquí

Martes 27 de julio

19:30 h.

EL RELÁMPAGO
«Inazuma». Japón, 1952. B/N. V.O.S.E. 87’.
Dirección: Mikio Naruse.
+Info e inscripción: aquí

Miércoles 28 de julio

19:30 h. 

LA ESPOSA
«Tsuma». Japón, 1953. B/N. V.O.S.E. 89’.
Dirección: Mikio Naruse.
+Info e inscripción: aquí

Jueves 29 de julio

18:30 h. Conferencia: ‘Contra el tiempo: la persistencia de la memoria en Nubes flotantes’ por Aythami Ramos, arquitecto, historiador y crítico de cine.

19:30 h. 

CRISANTEMOS TARDÍOS
«Bangiku». Japón, 1954. B/N. V.O.S.E. 101’.
Dirección: Mikio Naruse.
+Info e inscripción: aquí

Viernes 30 de julio

19:30 h. 

DIARIO DE UNA VAGABUNDA
«Hourou-ki». Japón, 1962. B/N. V.O.S.E. 124’.
Dirección: Mikio Naruse.
+Info e inscripción: aquí

Programa completo: [pdf]

Presentaciones a cargo de Aythami Ramos.

Aforo limitado. Entrada gratuita con inscripción.

Organiza: Asociación de cine Vértigo
Colabora: Casa de Colón. Cabildo de Gran Canaria
Patrocina: Fundación Japón

 

Terence Davies y Lucile Hadzihalilovic competirán en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián

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La cuarta película de Inés Barrionuevo y los debuts de Alina Grigore, Zhang Ji y Tea Lindeburg también se disputarán la Concha de Oro y el resto de premios oficiales de la 69 edición.

Cineastas consagrados como Laurent Cantet, Terence Davies, Lucile Hadzihalilovic, Claudia Llosa y Claire Simon competirán en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián. En la 69 edición, que tendrá lugar del 17 al 25 de septiembre de 2021, Inés Barrionuevo mostrará su cuarto largometraje y también presentarán sus primeras películas Alina Grigore, Zhang Ji y Tea Lindeburg.

Su debut, Ressources humaines / Human Resouces (Recursos humanos, 1999) brindó a Laurent Cantet el Premio New Directors del Festival, en cuya sección Perlak ha participado varias veces: con L’emploi du temps / Time Out (El empleo del tiempo, 2001), Vers le sud / Heading South (Hacia el sur, 2005), Entre les murs / The Class (La clase, 2008), que fue Palma de Oro en Cannes, y Retour à Ithaque / Return to Ithaca (Regreso a Ítaca, 2014). Tras concursar en la Sección Oficial con Foxfire (2012), que obtuvo la Concha de Plata a la Mejor actriz (Katie Coseni), el cineasta galo regresará con Arthur Rambo, en la que Rabah Naït Oufella da vida a un escritor de éxito que deberá lidiar con los mensajes de odio que publicó en el pasado en las redes sociales.

Terence Davies, a quien el Festival dedicó una retrospectiva en 2008, pugnará por tercera vez por la Concha de Oro tras haberlo hecho con The Deep Blue Sea (2011) y Sunset Song (2015). Regresará con Benediction, un biopic en el que Jack Lowden y Peter Capaldi encarnan en distintos momentos de su vida a Siegfried Sassoon, un soldado y poeta antibelicista que sobrevivió a la I Guerra Mundial. La filmografía del realizador británico incluye títulos tan relevantes como Distant Voices, Still Lives (Voces distantes, 1988), que ganó el Leopardo de Oro en Locarno; The Long Day Closes (El largo día acaba, 1992), que compitió en Cannes; House of Mirth (La casa de la alegría, 2000) y Of Time and the City (2008). Con A Quiet Passion (Historia de una pasión, 2016) fue seleccionado en Zabaltegi-Tabakalera.

Lucile Hadzihalilovic, que logró el Premio New Directors con su debut, Innocence, (2004) y después fue jurado de esa sección, también mostró en San Sebastián su mediometraje La bouche de Jean-Pierre (Zabaltegi, 1996) y el corto De natura (Zabaltegi-Tabakalera, 2018). Con Evolution (2015), su segundo largometraje, obtuvo el Premio Especial del Jurado en la Sección Oficial, a la que este año regresa con Earwig. Se trata de la adaptación de una novela de Brian Catling que narra la historia de Albert, un hombre encargado de cuidar de Mia, una niña con dientes de hielo.

Claudia Llosa, ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín con La teta asustada / The Milk of Sorrow (2009), la primera película peruana nominada al Oscar en la categoría de habla no inglesa, competirá por primera vez en la Sección Oficial con Distancia de rescate / Fever Dream, en cuyo reparto figuran María Valverde, Dolores Fonzi, Germán Palacios y Guillermo Pfening. Tras tu experiencia como jurado en San Sebastián en 2010, ahora la cineasta peruana, también directora de Madeinusa (2006) y No llores vuela (2014), vuelve para presentar un relato vertiginoso e hipnótico sobre los miedos y el poder del amor materno coescrito con Samanta Schweblin, autora de la novela homónima.

Habituada a trabajar indistintamente en proyectos de ficción y de no-ficción, Claire Simon mostrará su nuevo trabajo, Vous ne désirez que moi / I Want to Talk about Duras, una aproximación a la entrevista que la periodista Michèle Manceaux mantuvo con Yann Andrea, amante de la escritora Marguerite Duras en sus últimos años. Será también la primera participación en la Sección Oficial de la cineasta francesa nacida en Reino Unido, autora de obras como Coûte que coûte  / At all costs (1996), Récréations (1998), Mimi (2003), Les Bureaux de Dieu (Las oficinas de Dios, 2008), Gare du Nord (2013) y Le Concours / The Competition (2017).

Por su parte, Inés Barrionuevo participará en la competición con su cuarto largometraje, Camila saldrá esta noche, cuya joven protagonista se enfrenta a los cambios provocados por una mudanza a Buenos Aires y por su ingreso en una escuela privada tradicional. Tras debutar con Atlantida (2014), que tuvo su estreno en la sección Generation de la Berlinale, la cineasta argentina ha dirigido Julia y el zorro (New Directors, 2018) y Las motitos (2020).

TRES DEBUTANTES

La competición oficial permitirá conocer también a cineastas debutantes como la actriz y guionista rumana Alina Grigore, que concursará en la Sección Oficial con Crai nou / Blue Moon, un drama sobre una joven mujer que vive en el entorno opresivo de una familia disfuncional que se opone a sus deseos. Además de haber dirigido varios cortometrajes, Grigore coprotagonizó Ilegitim / Illegitimate y coescribió su guión junto al director Adrian Sitaru, que con este filme participó en la sección Forum de la Berlinale.

También presentará su ópera prima Zhang Ji, que hasta ahora ha trabajado como director de fotografía en títulos como Ba bai bang / Letters from Death Row (Kevin Feng Ke, New Directors, 2008). En su estreno como realizador, presentará Ping Yuan Shang De Mo Xi / Fire on the Plain, un thriller ambientado en la ciudad china de Fentun, donde un joven oficial de policía reabre una investigación sobre unos misteriosos crímenes ocurridos hace ocho años. El productor ejecutivo del filme es Diao Yinan, director de títulos como Bai ri yan huo / Black Coal, Thin Ice (Perlak, 2014) o Nan Fang Che Zhan De Ju Hui / The Wild Goose Lake (El lago del ganso salvaje, Zabaltegi-Tabakalera, 2019).

Por su parte, el primer largometraje de Tea Lindeburg, Du som er i himlen / As in Heaven, está inspirado en el clásico literario danés publicado en 1912 por Marie Bregendahl. La acción transcurre a finales del siglo XIX en una granja donde los miembros de una familia numerosa aguardan al noveno hijo mientras la hermana mayor se prepara para marcharse a estudiar. Con experiencia en el medio televisivo, Lindeburg ha dirigido varios episodios de series de televisión de Dinamarca y es también la creadora de la producción danesa de Netflix Equinox, basada en su propio podcast, Equinox 1985.

AVANCE SECCIÓN OFICIAL

Arthur Rambo

Laurent Cantet (Francia)

Intérpretes: Rabah Nait Oufella, Antoine Reinartz, Sofian Khammes

«Soy astuto e inteligente. Sé de poesía y de política. Pasé de los estratos sociales más bajos a ocupar una posición destacada como provocador autor parisino. He publicado una novela, pero también escribo mensajes de 140 caracteres en las redes sociales. Y cuando lo hago, doy en el blanco. ¡Por eso todos quieren que desaparezca!»

Benediction

Terence Davies (Reino Unido)

Intérpretes: Jack Lowden, Simon Russell Beale, Peter Capaldi, Jeremy Irvine, Kate Phillips, Gemma Jones

Siegfried Sassoon fue un hombre complejo que sobrevivió a los horrores de combatir en la I Guerra Mundial y fue condecorado por su valentía, pero a su regreso se convirtió en un firme crítico de la continuación de la guerra por parte de su gobierno. Su poesía se inspiró en sus experiencias en el frente occidental y terminó siendo uno de los principales poetas de guerra de la época. Idolatrado por aristócratas y estrellas del mundo literario y escénico londinense, mantuvo relaciones con varios hombres mientras intentaba aceptar su homosexualidad. Al mismo tiempo, roto por el horror de la guerra, hizo de su viaje vital una búsqueda de la salvación, tratando de hallarla en la conformidad del matrimonio y la religión. Su historia es la de un hombre atribulado en un mundo fracturado que busca la paz y la aceptación de sí mismo, algo tan vigente entonces como en el mundo actual.

Camila saldrá esta noche / Camila comes out tonight

Inés Barrionuevo (Argentina)

Intérpretes: Nina Dziembrowski, Maite Valero, Diego Sánchez, Adriana Ferrer

Camila se ve obligada a mudarse a Buenos Aires cuando su abuela enferma gravemente. Deja atrás a sus amigos y una escuela secundaria pública liberal por una institución privada tradicional. El temperamento feroz pero prematuro de Camila se pone a prueba. 

Crai Nou / Blue Moon

Alina Grigore (Rumania)

Intérpretes: Ioana Chitu, Mircea Postelnicu, Mircea Silaghi, Vlad Ivanov

La película sigue la evolución psicológica de una joven hacia su proceso de deshumanización. Intenta luchar para conseguir una educación superior y escapar de la violencia de su disfuncional familia. Una ambigua experiencia sexual con un artista será el acicate que le lleve a enfrentarse a la violencia en su familia…

Distancia de rescate / Fever Dream

Claudia Llosa (EEUU – Chile – España)

Intérpretes: Maria Valverde, Dolores Fonzi, Guillermo Pfening, Germán Palacios, Emilio Vodanovich

Una mujer agoniza lejos de casa. Un niño la acompaña a su lado. Ella no es su madre, él no es su hijo. Juntos cuentan una historia inquietante de almas rotas, peligros invisibles y el poder del amor de una madre por su hijo. Basada en la aclamada novela homónima de Samanta Schweblin.

Du som er i himlen / As in heaven

Tea Lindeburg (Dinamarca)

Intérpretes: Flora Ofelia, Thure Lindhardt, Stine Fischer Christensen

Un día, a finales del siglo XIX, la vida de Lise, de 14 años, cambia para siempre. Es la mayor de sus hermanos, la primera de su familia en ir a la escuela y está llena de esperanza y confianza en la vida. Pero cuando su madre se pone de parto, pronto algo parece ir mal. A medida que cae la noche y el parto avanza, Lise comienza a comprender que el día que comenzó siendo una niña podría terminar con ella convertida en la mujer de la casa.

Earwig

Lucile Hadzihalilovic (Reino Unido – Francia – Bélgica)

Intérpretes: Paul Hilton, Romola Garai, Alex Lawther

En algún lugar de Europa, a mediados del siglo XX. Albert se ocupa de cuidar de Mia, una niña con dientes de hielo. Mia nunca sale de su apartamento, donde las contraventanas están siempre cerradas. El teléfono suena con frecuencia y el Maestro pregunta si Mia está bien. Hasta que un día Albert recibe instrucciones para preparar a la niña y salir…

PING YUAN SHANG DE MO XI / Fire on the plain

ZHANG Ji (China)

Intérpretes: Fei Li, Shu Zhuang, Dongxin Fu, Shoulian Li, Bufan Jiang, Tianbo Sun, Dezeng Zhuang

China, 1997. Una serie de asesinatos golpea la ciudad de Fentun. Los crímenes cesan misteriosamente sin que las autoridades hayan podido encontrar al autor. Ocho años después, un joven policía cercano a una de las víctimas, decide reabrir la investigación.

Vous ne désirez que moi / I want to talk about Duras

Claire Simon (Francia)

Intérpretes: Swann Arlaud, Emmanuelle Devos

Un hombre que mantiene una apasionada relación con una célebre escritora 30 años mayor que él necesita hablar. Está fascinado por ella y, sin embargo, siente que no puede seguir adelante. En un intento de poner en palabras la intensidad de su amor, se abre y lo describe con gran claridad. 

 

 

Programación online de la 11ª edición del Atlàntida Mallorca Film Festival

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Del 26 de julio al 26 de agosto en Filmin los suscriptores de la plataforma podrán disfrutar sin coste adicional de más de 100 títulos en el marco del festival, 56 de ellos de estreno exclusivo, incluída la programación de la edición presencial en Palma del Atlàntida Mallorca Film Fest (a excepción de 6 títulos exclusivos del festival presencial: El Ventre del Mar, El Jefe Político, Annette, Doctor Portuondo, Laurent Garnier: Off the record y Death of a Ladies’ Man).

A continuación 15 títulos imprescindibles del festival recomendado desde Filmin que solo se podrán ver en su edición online.

– Bajo los cielos del Líbano, de Chloé Mazlo. La directora franco-líbana, especializada en animación, nos brinda una ópera prima con ecos de Wes Anderson y Marjane Satrapi con decorados artesanales y rodada en Super 8 por la directora de fotografía Hélène Louvart (“Lazzaro Feliz”). Alba Rohrwacher y Wajdi Mouawad protagonizan este drama de época ambientado en la primera guerra del Líbano.

– Louloute, de Hubert Viel. Laure Calamy, última ganadora del Premio César a Mejor Actriz, protagoniza este hermosa historia familiar que nos transporta a la Normandía ganadera de los años 80, cuando los animales no eran aún industria.

– Confía en mí, de Emil Trier. Este thriller documental descubre la increíble historia de Waleed Ahmed, “el Mark Zuckerberg de Noruega”, quien afirma haber inventado el cargador solar y tener los derechos de los conciertos de Justin Bieber en Escandinavia. Acabó siendo arrestado por el FBI y sentenciado a 11 años de prisión.

– Temporada de caza, de Sabine Boss. Desde Suiza nos llega este meticuloso y sofisticado thriller que se basa en el escándalo de emisiones contaminantes de Volkswagen, conocido como «dieselgate», de 2015.

– Max Richter’s Sleep, de Natalie Johns. Un documental seleccionado en Sundance que nos sumerge en la realización de Sleep, un experimento musical de 8 horas compuesto por el músico Max Richter, que explora el espacio entre la vigilia y el sueño, entre la conciencia y el subconsciente.

– Havel, de Slávek Horák. Biopic que se centra en los años de juventud y en la transformación del dramaturgo Václav Havel, figura clave en la caída del régimen checoslovaco a finales de la década de los años 80 y que posteriormente acabaría llegando a la presidencia de la República Checa cuando ésta fue establecida en 1993.

– An Impossible Project, de Jens Meurer. Fascinante e inspirador documental sobre la venganza de lo analógico a manos de un excéntrico científico austríaco, quien salvó la última fábrica de Polaroid del mundo.

– Loca por la vida, de Ann Sirot y Raphaël Balboni. Este personal y singular debut trata de comprender el extraño mundo donde vivimos y refleja las dificultades de la convivencia familiar cuando uno de los miembros enferma de demencia senil. Por dramático que parezca, los realizadores belgas logran aproximarse a este crudo terreno desde el registro de la comedia e incluso el musical, logrando un feel good de lo más agradable y sorprendente.

– El hijo del tendero, el alcalde, el pueblo y el resto del mundo, de Claire Simon. Una de las documentalistas europeas más relevantes firma este conmovedor documental sobre la aventura de crear una plataforma VOD en Lussas, un apartado pueblo del interior de Francia, y las reflexiones que suscita alrededor del séptimo arte entre viñedos y cerezos.

– The Village Detective: A Song Cycle, de Bill Morrison. El responsable de la aclamada “Dawson City: Frozen Time» (2015) regresa con este apasionante documental que desentraña desde las profundidades del Atlántico una película que se creía perdida pero que apareció en la red de un pescador islandés: «The Village Detective», dirigida en 1969 por Ivan Lukinskij. Este film sigue la figura del actor ruso Mikhail Zharov.

– In the mirror, de Laila Pakalnina. Rodada enteramente en formato selfie y en blanco y negro, la directora letona Laila Pakalniņa reinterpreta la fábula de Blancanieves y los siete enanitos en un universo obsesionado con el CrossFit.

– The year before the war, de Davis Simanis Jr.. Una tragicomedia extravagante y bizarra ambientada en la Europa de 1913, recreando los días previos a la Primera Guerra Mundial, rica en sorpresas y libremente inspirada en el primer cine mudo. Con una marcada estética expresionista, el público podrá elegir verla en su original blanco y negro o en color.

– Reindeerspotting, de Joonas Neuvonen. Primera parte de «Lost Boys», también enmarcada en el Atlàntida Mallorca Film Fest 2021. Titulada en referencia a la inolvidable película de Danny Boyle. Es un documental atrevido e irreverente sobre un grupo de junkies, filmado por uno de ellos, cuya salida en Finlandia dio lugar a una polémica sin precedentes que acabó siendo proyectada en el MOMA de Nueva York.

– La Treintena, de Mireia Noguera y Marta Vives. Una serie escrita, producida y ejecutada en pleno confinamiento sobre cuatro amigas que se enfrentan al abismo de la vida adulta. Cuenta con los rostros de Silvia Abril, David Solans, Samanta Vilar y La Terremoto de Alcorcón, entre otros.

– An Ordinary Country, de Tomasz Wolski. Conversaciones controladas, grabaciones con cámaras ocultas, interrogatorios vejatorios, documentos de reclutamiento y videotutoriales para formar policías: todos estos materiales están presentes en este brutal y terrorífico documental que expone el control que poseía la Polonia comunista sobre sus ciudadanos.

Para consultar toda la programación online: https://atlantidafilmfest.com/es/online

*Fuente Filmin.