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«Mi adorado Monster». Estreno en cine Yelmo Icaria + coloquio con el director Víctor Matellano
La película Mi adorado Monster se estrenará en Barcelona el próximo jueves 17 de febrero a las 20.00 horas en Yelmo Cines Icaria. C/ Salvador Espriu, 61. Barcelona. Con presentación y coloquio con el director Víctor Matellano.
Producida por Enrique López Lavigne para El Estudio, en coproducción con Infilmity, ViMa, y con la participación de EMB Documental, con idea original de Víctor Matellano, y guion de Manuel Tallafé junto al propio director, Mi adorado Monster narra de forma muy creativa y en tono de comedia, con pequeños tientes de drama, la gestación de una de las películas malditas del cine español: Los resucitados, un film de Arturo de Bobadilla, de tortuosa y caótica producción, que tardó veintitrés años en estrenarse…
el film nos narra la historia Manuel Tallafé, acompañado de un importante elenco, encabezado por Javier Botet, Millán Salcedo y el propio Arturo de Bobadilla, a los que se le unen Santiago Segura, Alex de la Iglesia, Alaska, Cristina Alcázar, Carlos Areces, Diego Arjona, Héctor Cantolla, Antonio Miguel Carmona, Manuel Colomina, Natalia Fisac, Toni Fuentes, Javier Gil “Javivi”, Macarena Gómez, Nacho Guerreros, Enrique López Lavigne, Manuel Martínez Velasco, Antonio Mayans, Angélica Revert, Pedro Ruiz, Ángel Sala, Elena S. Sánchez, Valeria Vegas y Zoe Be.
Mi adorado Monster cuenta con dirección de fotografía de David Cortázar, música de Javier de la Morena, montaje de Iván Karras, efectos digitales de Daniel Fumero, y mezcla de sonido de Jose I. Arrufat. Produce Enrique López Lavigne, Diego Suárez Chialvo, Pablo Cruz, David Cortázar y Víctor Matellano, en asociación con Manuel Tallafé, Miguel A. Guerra, Iván Karras y Arturo de Bobadilla.
La película ha sido rodada en Digital 4 K, durante 28 sesiones, en localizaciones de Barcelona y la Comunidad de Madrid.rriatúa, Yolanda Font, Lone Fleming y Marian Clar.
https://youtu.be/dBKxWZD2qc8
Primer avance para la nueva película de Alex Garland «Men»
Acaba de ver la luz de la mano de cada vez más en alza A24 un primer adelanto en forma de teaser tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo largometraje de Alex Garland Men. Tras su incursión televisiva con la serie Devs el responsable de Ex Machina y Annihilation parece dejar de lado la ciencia ficción para adentrarse en un relato de terror psicológico que vistas sus primeras imágenes nos remiten tanto al Folk Horror como a ese concepto del doppelganger visto en películas como por ejemplo The Abandoned de Nacho Cerdà.
Men nos cuenta la historia de una joven que se va de vacaciones a la campiña inglesa con la esperanza de encontrar un lugar tranquilo para poder cerrar sus heridas tras la muerte de su ex marido. Lo que comienza siendo un temor latente de alguien o algo que parece estar acechándola acabara convirtiéndose en una auténtica pesadilla.
La película, con un guion a cargo del propio Alex Garland y protagonizada por Jessie Buckley, Rory Kinnear y Paapa Essiedu, de momento sin fecha de estreno en España verá la luz comercialmente en Estados Unidos el próximo 20 de mayo.
Proyecciones Xcèntric: La Historia de Brasil según Glauber Rocha y Marcos Medeiros
Obra desconocida de la filmografía de Glauber Rocha, História do Brasil es un film-ensayo en el que la concatenación de imágenes presenta la historia en fragmentos y al mismo tiempo la lee a contrapelo. Este trabajo inacabado es un montaje colosal hecho a partir de múltiples materiales de archivo —películas de ficción, noticiarios y documentales, entre otro tipo de material iconográfico—, que el cineasta brasileño hizo junto al líder estudiantil Marcos Medeiros durante un largo exilio.
La película estaba pensada inicialmente para mostrarse en televisión y en escuelas como una auténtica clase que configuraría una visión integral de la historia de Brasil, desde la llegada de los primeros colonizadores, en 1500, hasta la instauración de la dictadura militar, en 1964. El aparente aire pedagógico de la narración cronológica, una síntesis hecha a partir de un análisis materialista-dialéctico de inspiración marxista, queda en entredicho por las complejas, y muchas veces discrepantes, relaciones que se crean entre sonido e imagen.
Las tramas infinitas de História do Brasil, nos conducen a uno de los proyectos que Glauber Rocha no pudo llevar a cabo: el de filmar la historia de América Latina. Este trabajo de archivo, hecho en un escenario de escasez, actualiza también la noción de estética del hambre que era central para el cineasta. Un trabajo que presenta la historia de Brasil —y de alguna manera la de América Latina— de manera materialista, mostrando las estructuras coloniales vinculadas al poder y las formas de resistencia que se le opusieron a lo largo de los años.
História do Brasil, Glauber Rocha y Marcos Medeiros, Italia-Cuba, 1973, 35 mm, 160′ Versión original en portugués con subtítulos en francés y catalán.
Copia digital procedente de Films Sans Frontières.
Fecha: 20 febrero 2022
Horario: 18.30
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido. Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y www.eventbrite.es
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Póster y teaser tráiler para lo nuevo de Dario Argento «Occhiali neri»
Diez años después de su accidentada Drácula 3D todo un referente del fantástico como es Dario Argento vuelve a ponerse detrás de las cámaras con Occhiali Neri (Black Glasses título internacional), film cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que tendrá su premier mundial en el inminente Festival de Berlín teniendo previsto su estreno comercial en Italia para el próximo 28 de febrero, supone una vuelta en toda regla al subgénero que mejor ha sabido abordar el realizador italiano a lo largo de su carrera como es el Giallo, .
Occhiali neri nos cuenta como Diana, una joven prostituta que perdió la vista tras el ataque de un asesino en serie, entabla amistad con un niño de origen chino llamado Chin. Juntos intentarán acabar con el peligroso criminal a través de las zonas más oscuras de Italia.
La película con guion del propio Dario Argento, que este año lo veremos como actor en la genial Vortex de Gaspar Noé (critica aquí), junto a Franco Ferrini está protagonizada por Asia Argento, Ilenia Pastorelli, Maria Rosaria Russo, Guglielmo Favilla, Cristiano Simone Iannone, Andrea Zhang y Fabrizio Eleuteri.
La gastronomía sonora según Peter Strickland, primer tráiler de «Flux Gourmet»
Cuatro años después de su notable In Fabric, espacio temporal en donde nos ha ofrecido los cortos GUO4 y Cold Meridian, el realizador británico Peter Strickland tiene ya listo su nuevo largometraje titulado Flux Gourmet, película rodada durante la pandemia cuyo primer tráiler oficial de la mano de IFC Films acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. Flux Gourmet, que tendrá su premier mundial en el próximo Festival de Berlín dentro de la sección Encounters, supone una nueva vuelta de tuerca a ese imaginario tan personal y peculiar por el que suele transitar el responsable de Berberian Sound Studio.
Flux Gourmet nos sitúa en un curioso instituto dedicado al espectáculo culinario y alimentario, un colectivo se ve envuelto en continuas luchas de poder, venganzas artísticas y trastornos gastrointestinales.
La película con guion del propio Peter Strickland está protagonizada por Asa Butterfield, Gwendoline Christie, Ariane Labed, Richard Bremmer, Leo Bill, Fatma Mohamed y Efthymis Papadimitriou.
Libro Colección Nosferatu: «Zinemaldia 1953-2022. Singularidades del Festival de Donostia /San Sebastián»
Se acaba de publicar el nuevo libro perteneciente a la Colección Nosferatu: Zinemaldia 1953-2022. Singularidades del Festival de Donostia / San Sebastián. El libro, número 18 de la colección, editado por Donostia Kultura, Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián y coordinado por Quim Casas, se acerca a los 70 años de historia del Zinemaldia, que se cumplen en 2022.
Esta nueva publicación no pretende contar estas siete décadas de existencia del Festival de San Sebastián, ni realizar un análisis exhaustivo de su evolución. En palabras de Quim Casas extraídas de la introducción del libro:
“Este libro no pretende ni puede ser un resumen, sino más bien la exposición de algunas de las singularidades de un certamen cinematográfico entendido como organismo siempre alerta, cambiante, transformable, mejorable; contradictorio, por supuesto, pero, por ello mismo, vivo y persistente hasta nuestros días. El lector asiduo al SSIFF, o que conoce su historia, aunque no haya estado presente cada año, echará en falta aspectos que le parecerán sumamente interesantes, y algunos de las que aquí revisamos quizá le resulten menos importantes. Es una selección de momentos, nombres, títulos y tendencias que entendemos como certezas, aunque aceptamos, por supuesto, que no sea así para todo el mundo. Tan solo hemos pretendido revisar su historia a partir de lo que globalmente pueden considerarse algunos de sus hitos: unas retrospectivas que calaron hondo y descubrieron nombres ocultos u olvidados, unas secciones que le han dado su personalidad al certamen, unas Conchas de Oro que pueden orientarnos sobre diversos cambios que el lenguaje cinematográfico ha ido experimentando desde que el Festival dio su pistoletazo de salida en 1953 con la presentación, entre otras, de París, bajos fondos (Casque d’Or), de Jacques Becker, Los crímenes del museo de cera (House of Wax), de André de Toth, Teresa Raquin (Thérèse Raquin), de Marcel Carné, y Carne de horca, de Ladislao Vajda”.
Quim Casas
En el libro han participado: María Adell Carmona, Ricardo Aldarondo, Juan G. Andrés, Jesús Angulo, Paula Arantzazu Ruiz, Jordi Batlle Caminal, Maialen Beloki, Minerva Campos Rabadán, Quim Casas, Roberto Cueto, Desireé de Fez, Begoña del Teso, Carlos Elorza, Zigor Etxebeste, Joxean Fernández, Carlos F. Heredero, Eulàlia Iglesias, Víctor Iriarte, Violeta Kovacsics, Carlos Losilla, Miguel Marías, Javier Martín, Beatriz Martínez, Ruth Pérez de Anucita, Endika Rey, Sergi Sánchez, Amaia Serrulla, Aida Vallejo y Nuria Vidal.
Zinemaldia 1953-2022 estará disponible en breve en librerías (20 euros). Las personas que han adquirido el abono de cine de Tabakalera tienen derecho a un ejemplar de este libro o de Kandelikara – Buñueli buruzko film baterako apunteak, de Harkaitz Cano, publicado el año pasado.
El libro acompaña el ciclo Nosferatu “Zinemaldia 70”, que comenzó el pasado 5 de enero en Tabakalera y que se prolongará hasta diciembre, y en el que se podrá ver una pequeña y variada muestra de aproximadamente 40 títulos proyectados a lo largo de estos 70 años de historia del Festival de San Sebastián.
A finales de este año se publicará otro libro sobre el Zinemaldia como complemento al ciclo, número 10 de la Nosferatu Bilduma en este caso, en euskera, escrito por Katixa Agirre.
Nosferatu “Zinemaldia 70”
Programación febrero-marzo
2 de febrero
AMERICA, AMERICA (AMéRICA, AMéRICA)
ELIA KAZAN, 1963
9 de febrero
Gamlet (Hamlet)
Grigori Kozintsev, 1964
16 de febrero
El Dorado
Howard Hawks, 1966
23 de febrero
They shoot horses, don’t they? (Danzad, danzad, malditos)
Sydney Pollack, 1969
2 de marzo
BERÖRINGEN / The Touch
Ingmar Bergman, 1971
9 de marzo
Vera, un cuento cruel
Josefina Molina, 1973
16 de marzo
El desencanto / THE DISENCHANTMENT
Jaime Chávarri, 1976
23 de marzo
Die verlorene Ehre der Katharina Blum / THE LOST HONOR OF KATHARINA BLUM (el honor perdido de katharina blum)
Volker Schlöndorff, Margarethe von Trotta, 1975
30 de marzo
Olyan, mint otthon / Just Like at Home
Márta Mészáros, 1978
Tráiler para lo nuevo de Kogonada «After Yang»
Tras su excelente opera prima Columbus (2017) el realizador sudcoreano Kogonada en su segundo largometraje cambia de registro para adentrarse en la ciencia ficción de tono intimista con After Yang, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que adapta el relato corto de Alexander Weinstein Saying Goodbye to Yang, tras su paso el pasado año por el Festival de Cannes dentro de la sección Un Certain Regard tendrá en Estados Unidos un estreno simultaneo en cines y la plataforma Showtime previsto para el próximo 4 de marzo.
En After Yang vemos como Jake y su hija intentan salvar por todos los medios la vida de Yang, un robot mitad asistente y mitad niñera, al que consideran un miembro más de su familia. En dicha tesitura Jake volverá a establecer un vínculo emocional con su mujer y su hija, reforzando unos vínculos familiares que parecía haber perdido.
La película con guion a cargo del propio Kogonada está protagonizada por Colin Farrell, Jodie Turner-Smith, Haley Lu Richardson, Brett Dier, Clifton Collins Jr., Sarita Choudhury, Nana Mensah, Justin H. Min, Eve Lindley, Taylor Ortega, Ken Holmes, Malea Emma Tjandrawidjaja, Jae Kim, Ava DeMary, Lee Wong, Ansley Kerns y Adeline Kerns.
«Código emperador» de Jorge Coira inaugurará el 25 Festival de Málaga
El Palacio de Deportes José María Martín Carpena acogerá la gala de inauguración y la proyección de la película el 18 de marzo.
El 18 de marzo comienza la 25 edición del Festival de Málaga y lo hará de una manera muy especial. Por primera vez, el certamen traslada su gala de inauguración al Palacio de Deportes José María Martín Carpena, con el objetivo de acoger a más público en una fecha tan especial. Y tras la gala, llegará el momento de la película inaugural, que será Código emperador, dirigida por Jorge Coira y protagonizada por Luis Tosar.
Código emperador, producida por Vaca Films, es un thriller de intriga inspirado en la cara más oculta de la realidad social y política española. El filme nos introduce en “una unidad especial del Centro Nacional de Inteligencia, conformada por varios agentes. Uno de ellos es Juan, un agente que está en proceso de crisis personal, ideológica y profesional”, explica Luis Tosar. “En principio están encargados de velar por la seguridad nacional. Y en medio de toda esta investigación se ven inmersos en una serie de acontecimientos que no tienen tanto que ver con la seguridad nacional como con salvaguardar la imagen de la patria”, añade el actor, ganador de tres Premios Goya.
Luis Tosar (Maixabel, Quien a hierro mata) está acompañado por Alexandra Masangkay (El hoyo, 1898: Los últimos de Filipinas), Georgina Amorós (Élite), Laura Domínguez (La catedral del mar, Amar es para siempre), Miguel Rellán (Vergüenza, Tiempo después), María Botto (Malnazidos), Arón Piper (Élite, El desorden que dejas), Denís Gómez (El vecino) y Santi Prego (Mientras dure la guerra), entre otros.
Con guion de Jorge Guerricaechevarría y ambientada en las altas esferas del poder y el espionaje, Código emperador está dirigida por Jorge Coira, director de la multipremiada Hierro, cuyas dos temporadas han sido un éxito de crítica y público y ha sido galardonada como Mejor Serie de Ficción en los Premios Forqué.
En Código emperador, Jorge Coira se adentra en las mecánicas del poder en la sombra, revelando a través de la ficción una reconocible realidad de la España reciente: “En los últimos años han empezado a salir con cierta frecuencia noticias sobre esos mundos oscuros, las denominadas ‘cloacas del Estado’. Queríamos investigar y adentrarnos en ese terreno para poder hablar sobre eso que está ocurriendo y que es opaco y está escondido…”, explica el director.
“Nuestro objetivo ha sido meternos a fondo en los entresijos del poder: en los del poder económico, en el empresarial, político, del show business y del mundo del deporte…”, comenta su productora Emma Lustres.
La nueva película de Vaca Films bebe de la realidad para sumergirnos en los recovecos de un sistema en el que las apariencias son engañosas, la mentira está a la orden del día y el chantaje es la mejor moneda de cambio. La información y la desinformación, la verdad y el engaño, el bien y el mal… términos que, en ocasiones, se tocan, se cruzan y conviven hasta confundir sus límites.
Su rodaje se ha desarrollado en ciudades como Bilbao, Madrid, A Coruña, Budapest y Ciudad de Panamá. Código emperador es una producción de Vaca Films (Hasta el cielo, El desorden que dejas, La Unidad, Quien a hierro mata, El niño, Celda 211) y Proyecto Emperador AIE, en coproducción con la compañía francesa Playtime, con la participación de RTVE, Netflix, TVG y que cuenta con el apoyo de ICAA (Ministerio de Cultura), Agadic y Programa Media.
Código emperador llegará a los cines el 18 de marzo de 2022 distribuida por A Contracorriente Films. La distribución internacional corre a cargo de Netflix.
Sinopsis.- Juan trabaja para los servicios secretos; con el fin de tener acceso al chalet de una pareja implicada en el tráfico de armas se acerca a Wendy, la asistenta filipina que vive en la casa y establece con ella una relación que se irá volviendo cada vez mas compleja. En paralelo, Juan realiza otros trabajos “no oficiales” para proteger los intereses de las élites más poderosas del país, que ahora han puesto sus ojos en Ángel Gonzalez, un político aparentemente anodino cuyos trapos sucios deberá buscar o “inventar” con la ayuda de Marta, la hija de un reconocido actor.
Biofilmografía del director
Jorge Coira es director, guionista y montador de cine y televisión. Tras iniciar su carrera profesional a finales de los 90 como director de series de ficción (Mareas vivas, Terra de Miranda, As leis de Celavella, El comisario, Padre Casares, Pelotas y Sé quién eres, entre otras), en 2004 estrenó su primer largometraje, El año de la garrapata. Su siguiente película, 18 comidas (2010), recibió numerosos premios, fue seleccionada en más de 30 festivales internacionales y fue estrenada en salas en más de 10 países de todo el mundo.
En 2016, se alza con el Goya a Mejor Montaje por su trabajo en El desconocido, de Dani de la Torre, con quién también colabora en La sombra de la ley, también como montador.
Su último trabajo ha sido la multipremiada serie Hierro, producida por Movistar+, el canal Arte France, Portocabo y Atlantique, cuyas dos temporadas han sido un éxito de crítica y público y ha sido reconocida en los Premios Forqué 2021 como Mejor Serie de Ficción.
La vuelta de Leatherface, tráiler final para «Texas Chainsaw Massacre» versión 2022
Texas Chainsaw Massacre, el clásico de Tobe Hooper rodado en el año 1974, nos vuelve a traer una nueva reinterpretación o secuela tardía, en este caso situándonos cincuenta años después de los sucesos vistos en la historia original. Texas Chainsaw Massacre versión 2022, cuyo tráiler final acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, cuenta tras las cámaras con David Blue Garcia (Tejano 2018). Fede Álvarez ejerce como productor de esta nueva versión que se estrenará de la mano de Netflix el próximo 18 de febrero.
En esta nueva Matanza de Texas vemos como Melody, su hermana adolescente Lila y sus amigos Dante y Ruth viajan al remoto pueblo de Harlow (Texas) con la idea de montar un negocio. Pero su sueño se convierte en una auténtica pesadilla cuando se cruzan sin querer con Leatherface, el desquiciado asesino en serie cuyo sangriento legado sigue atormentando a los habitantes de la zona, entre ellos Sally Hardesty, la única superviviente de la masacre de 1973 que está decidida a buscar venganza.
La película con guion a cargo de Chris Thomas Devlin está protagonizada por Elsie Fisher, Moe Dunford, Jacob Latimore, Sarah Yarkin, Olwen Fouere, John West Jr., Alice Krige, Nell Hudson, Mark Burnham, William Hope, Jessica Allain, Sam Douglas y Jolyon Coy.
La maldición del lobo, tráiler de «The Cursed»
No es la primera vez que Sean Ellis indaga en el género fantástico, después de ofrecernos hace unos años un sugerente relato del concepto del doppelgänger con la reivindicable The Broken (2008) el responsable de Cashback se adentra en esta ocasión en la temática de la licantropía con The Cursed , película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película que se pudo ver en la pasada edición del Festival de Sitges con el título de Eight for Silver tendrá un estreno comercial en Estados Unidos previsto para el próximo 18 de febrero.
The Cursed nos sitúa en una remota población rural de la Francia del siglo XVIII que vive aterrorizada a causa de los ataques de un animal salvaje. John McBride, un joven e inquieto patólogo, acude al pueblo para investigar el caso. A medida que la investigación avanza, descubre una amenaza mayor, una presencia siniestra que podría ser de origen sobrenatural.
La película con guion a cargo del propio Sean Ellis está protagonizada por Boyd Holbrook, Kelly Reilly, Alistair Petrie, Roxane Duran, Áine Rose Daly, Simon Kunz, Tom Sweet, Amelia Crouch, Nigel Betts, Stuart Bowman, Sean Mahon, Rebecca Calder, Gary Oliver, Richard Cunningham, Oisin Stack, Christopher Craig, Paul Bandey, Max Mackintosh, Jicey Carina, Millie Kiss, Fabien Houssaye y Carl Laforêt.
El doble enemigo, tráiler de «Malnazidos»
Después de inaugurar la edición del Festival de Sitges del año 2020 parece que por fin verá la luz comercialmente en nuestro país de la mano de Sony Pictures Malnazidos, película cuyo tráiler final acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película (critica aquí) dirigida a cuatro manos por parte de Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro que adapta la novela ‘Noche de Difuntos del 38′ de Manuel Martín Ferreras se estrenará en salas comerciales de nuestro país el próximo 11 de marzo.
Malnazidos nos cuenta como durante la Guerra Civil Española, meses de sangrientos combates han dejado tras de sí miles de muertos en las trincheras. Jan Lozano, capitán de la quinta brigada, cae prisionero. La única posibilidad de escapar a la sentencia de muerte es hacer frente a una misión imposible en campo enemigo. Pero un peligro mayor del esperado obligará a los bandos rivales a unirse contra un nuevo y desconocido adversario. Tendrán que dejar de lado el odio mutuo y así evitar convertirse en infectados.
La película con guion adaptado por parte de Jaime Marqués y Cristian Conti está protagonizada por Miki Esparbé, Aura Garrido, Luis Callejo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza, María Botto, Sergio Torrico, Francisco Reyes, Frank Feys, Asia Ortega, Manel Llunell, Ken Appledorn, Dafnis Balduz, Christian Stamm, Manuel Morón y Julius Cotter.
Malnazidos es una producción de Telecinco Cinema, Cactus Flower Producciones, La Terraza Films e Ikiru Films que cuenta con la participación de Mediaset España y Mediterráneo Mediaset España Group.
Sergei Loznitsa visita Madrid para presentar la retrospectiva que le dedica Filmoteca Española
El director ucraniano acudirá al cine Doré los días 26, 28 y 29 de enero de 2022 para presentar algunas de sus películas y charlar con público y periodistas.
Entre los films que componen la muestra podrán verse sus dos trabajos más recientes: Babi Yar. Context y Mr. Landsbergis.
Sergei Loznitsa estará en el cine Doré los días 26, 28 y 29 de enero para presentar “Sergei Loznitsa. Experimentar la historia”, la retrospectiva que Filmoteca Española le dedica a lo largo de tres meses, de enero a marzo de 2022. Además de dialogar con el público, el director ucraniano será entrevistado en directo por diferentes críticos de cine sobre su heterogénea y relevante filmografía. La muestra incluye la premiere madrileña de Babi Yar. Context, un impactante film que revela imágenes rescatadas (contra todo pronóstico) del exterminio judío en Kiev, y el estreno en España en marzo de su última producción, Mr. Landsbergis, un documental de cuatro horas sobre la salida de Lituania de la antigua Unión Soviética.
Tres veces premiado en el Festival de Cannes, Sergei Loznitsa es uno de los nombres fundamentales del cine documental y de archivo del panorama contemporáneo. Parte de su filmografía reconstruye la historia de la Unión Soviética a partir de imágenes localizadas en los archivos rusos y desconocidas hasta entonces: la represión estalinista en la URSS de 1930 (The Trial, 2018), el asedio de Leningrado (Blockade), la masacre de los judíos de Kiev por parte de los nazis en 1941 (Babi Yar. Context, 2021), la muerte de Stalin (State Funeral, 2019), la vida en la URSS en los cincuenta y sesenta según los noticiarios oficiales de la época (Revue, 2008), o el colapso del régimen tras el fallido golpe de estado contra Gorbachov en agosto de 1991 (The Event, 2015).
Su salto a la ficción llega de la mano de My Joy (2010), un film sobre la corrupción y la violencia en la sociedad postsoviética. Posteriormente rodará otras ficciones como En la niebla (2012), en la que vuelve a la Segunda Guerra Mundial y la Bielorrusia ocupada por los nazis; A Gentle Creature (2017), ambientada en la actualidad, pero en una Rusia que parece todavía imbuida en el régimen soviético; y Donbass (2018), una sucesión de historias situadas en la Ucrania ocupada por las fuerzas prorrusas.
Sergei Loznitsa en el Doré
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26 de enero a las 20h.: Proyección de State Funeral (2019). Presentación a cargo de Loznitsa y Carlos Reviriego. Después de la proyección de la película tendrá lugar un coloquio con el público a cargo del director.
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28 de enero a las 20h.: Proyección de Babi Yar. Context (2021). Tras la proyección tendrá lugar una entrevista en directo a Loznitsa conducida por Enric Albero, crítico y programador cinematográfico.
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29 de enero a las 20h.: Proyección de En la niebla (2012). Después de la película tendrá lugar una entrevista en directo a Loznitsa conducida por Jara Yáñez, crítica de cine.
Accede a la hoja de ciclo “Sergei Loznitsa. Experimentar la historia” aquí.
La rebelión de los robots según Jean-Pierre Jeunet, tráiler de «Bigbug»
Algo perdido ha estado en estos últimos años el realizador francés Jean-Pierre Jeunet, posiblemente debido en parte a la fría acogida de sus últimos trabajos tras las cámaras Micmacs (2009) y L’extravagant voyage du jeune et prodigieux T. S. Spivet (2013) el responsable de Amélie parece dispuesto a intentar volver a la senda del reconocimiento con su nueva película titulada Bigbug, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, un colorido relato de ciencia ficción con elementos de comedia absurda que parecen partir del concepto visto en el Maximum Overdrive de Stephen King, se estrenará vía Netflix el próximo 11 de febrero.
En Bigbug vemos como un grupo de habitantes de las afueras de una ciudad se quedan atrapados cuando una rebelión de androides provoca que sus robots de confianza les encierren en su propia casa por su propio bien.
La película con guion del propio Jean-Pierre Jeunet junto a Guillaume Laurant está protagonizada por Elsa Zylberstein, Alban Lenoir, Isabelle Nanty, Youssef Hajdi, Claire Chust, François Levantal, Claude Perron, Stéphane De Groodt, Dominique Pinon, Sébastien Gill, Guy Donald Koukissa y Koukissa Guy Donald.
Una oscura fábula finlandesa, tráiler de «Hatching»
Empiezan a llegar los primeros avances de algunos de los títulos que se podrán ver en la próxima edición online del Festival de Sundance, dentro del apartado del fantástico y siguiendo la buena estela de películas provenientes últimamente de la cinematografía nórdica nos llega un primer tráiler de la mano de IFC Midnight, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la prometedora Hatching (Pahanhautoja en original), film que supone el debut tras las cámaras de la realizadora Hanna Bergholm y que tiene previsto su estreno simultaneo en cines y VOD de Estados Unidos para el próximo 29 de abril.
En Hatching vemos como una joven gimnasta de 12 años llamada Tinja está desesperada por intentar complacer a una madre que está obsesionada con la imagen, responsable de un popular blog llamado ‘Lovely Everyday Life’ que presenta la existencia idílica de su familia. Un día, después de encontrar un pájaro herido en el bosque, Tinja, sin el conocimiento de sus padres, lleva su extraño huevo a casa, lo acuesta en su cama y lo nutre hasta que sale del cascarón una extraña criatura que se convierte en su amigo más cercano al mismo tiempo que en una pesadilla viviente, sumergiendo a Tinja bajo el barniz impecable de una realidad retorcida que su madre se niega a ver.
La película con guion a cargo de Ilja Rautsi está protagonizada por Jani Volanen, Sophia Heikkilä, Saija Lentonen, Reino Nordin, Siiri Solalinna, Stella Leppikorpi, Oiva Ollila, Ida Määttänen, Hertta Karen y Miroslava Agejeva.
La Casa Encendida: La cara B de la realidad: Feminismo Weird
Cartografía de las expresiones feministas pasadas y presentes ajenas a los marcos convencionales de crítica y pensamiento, localizadas en los ámbitos del ensayo, la literatura y las artes plásticas y audiovisuales.
Vivimos tiempos en que el feminismo ha afianzado por fin sus discursos de igualdad, emancipación y justicia en la esfera sociopolítica.
El propósito de este taller es avanzar más allá de las corrientes hegemónicas del movimiento y explorar sus singularidades, disonancias y zonas de sombra. Aspiramos a profundizar en sus discursos y ampliar sus perspectivas a través de la exploración de manifestaciones culturales y artísticas marcadas por la extrañeza hacia lo consensuado como realidad, en la que juegan papeles fundamentales el subconsciente, los tabúes, lo reprimido y (auto)censurado, lo (a)social.
Quienes asistan al taller tendrán acceso desde la primera sesión a una amplia bibliografía virtual adicional sobre las cuestiones tratadas en el mismo.
Impartido por:
Paula López Montero es graduada en Comunicación Audiovisual y postgraduada en Crítica y argumentación filosófica. Compagina la investigación en la Biblioteca Nacional de España con el doctorado en el departamento de Filosofía y Letras de la UAM. Colaboradora habitual en medios como Cine Divergente y en el seminario permanente de Hermenéutica y Literatura comparada HELICOM. Su atención se centra especialmente en las representaciones y obras literarias occidentales del siglo XX.
Elisa McCausland, periodista, crítica e investigadora, y Diego Salgado, crítico de cine, reflexionan desde hace quince años sobre los sentidos, contextos y potenciales de la cultura popular y el feminismo, con especial incidencia en el cine y el cómic. Juntos o por separado han colaborado en medios como Caimán Cuadernos de Cine, Comicmanía, Radio 3, El Salto, Guía del Ocio, Imágenes de Actualidad, Pikara Magazine, Sangre Fucsia y SoFilm, así como en numerosos libros colectivos. En la actualidad comparten micrófono en Trincheras de la Cultura Pop, work in progress ensayístico impulsado por la editorial consonni. Además, escriben a cuatro manos crítica y estudios en torno al audiovisual en la revista Dirigido Por e imparten conferencias y seminarios sobre todos los temas apuntados en los ámbitos de la academia y la divulgación. Elisa es autora de los libros Wonder Woman: El feminismo como superpoder (errata naturae, 2019) y, junto a Diego, de Supernovas: Una historia feminista de la ciencia ficción audiovisual (errata naturae, 2019) y Sueños y Fábulas: Historia de Vertigo (ECC, 2021).
Duración: 14 horas
Ficheros adjuntos
Terror y porno, primer tráiler de «X», lo nuevo de Ti West
Desde su incursión en el western con la reivindicable In a Valley of Violence (2016) poco hemos sabido de Ti West durante estos últimos años años más allá de sus colaboraciones en series televisivas como Wayward Pines, Soundtrack o la más reciente Them, con X, cuyo primer tráiler de la mano de A24 acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, Ti West regresa a ese cine de terror de índole revisionista con el que se dio a conocer con trabajos como The House of the Devil o The Innkeepers con una cinta que vista sus primeras imágenes parecen remitirnos en base a su tono a las primeras películas de Tobe Hooper.
X nos sitúa en 1979, en dicho año veremos como un grupo de jóvenes se proponen realizar una película para adultos en una apartada zona rural de Texas, sin embargo cuando sus anfitriones, una pareja de ancianos, empiecen a mostrar una serie de comportamiento extraños los jóvenes huéspedes tendrán que verse obligados a luchar de forma desesperada por intentar poder conservar sus vidas.
La película, que se estrenará en Estados Unidos el próximo el 18 de marzo de 2022, con guion del propio Ti West está protagonizada por Mia Goth, Jenna Ortega, Martin Henderson, Brittany Snow y Scott Mescudi.
Curso online: Maestros del cine asiático Vol.1
Introducción:
El curso ‘Maestros del cine asiático (Vol.1) repasa a lo largo de diez sesiones a un grupo heterogéneo de directores de las distintas industrias del cine en Asia, algunos más desconocidos y otros que han sido los “facilitadores” de la llegada del cine asiático a occidente. Diez maestros (entre clásicos y contemporáneos) que consiguieron traspasar fronteras e hicieron que las cinematografías asiáticas se reconocieran en occidente a través de sus miradas.
Un curso que se ve complementado con un canal ’Maestros del cine asiático’ disponible en la Plataforma Filmin para todos los alumnos inscritos; y los cinco primeros alumnos en inscribirse, recibirán además un regalo cineasiático de bienvenida (libro, DVD, Bluray).
Ficha técnica:
Duración: del 18 de enero al 22 de marzo de 2022
Horas: 20 horas
Sesiones: (1 sesión a la semana) 2 horas de duración los martes de 19:00h a 21:00h
Modalidad: online (a través de la plaforma Zoom)
Precio: 120€
Promoción especial: Todos los alumnos podrán acceder al canal ’Maestros del cine asiático Vol.1’ de Filmin a lo largo de un mes.
Pack de bienvenida: A los 5 primeros alumnos que se apunten al curso, además de la oferta de Filmin, tendrán un regalo cineasiático de bienvenida que se les enviará por correo (libro, DVD, Bluray).
Certificado del curso: Todos los alumnos que superen el 60% de las clases recibirán un certificado final del curso expedido por CineAsia.
Sesiones:
SESIÓN 1
Martes 18 de enero de 2022 de 19.00 h a 21.00 h
Japón – Akira Kurosawa
Cuando a principios de los años 50 el Festival de Venecia sustituía un film que se había caído de su programación por “Rashomon”, poco podían imaginar que comenzarían la internacionalización del cine japonés. Quizás el director más influyente de la historia, dejando un fuerte legado no solo en su país sino también en Hollywood, la filmografía del llamado Emperador del cine japonés es una de las imprescindibles para cualquier cinéfilo.
SESIÓN 2
Martes 25 de enero de 2022 de 19.00 h a 21.00 h
Japón – Hayao Miyazaki
El gran maestro de la animación japonesa y uno de los pilares de Studio Ghibli, lleva más de 30 años creando obras maestras del calibre de El viaje de Chihiro o La princesa Mononoke, además de imaginar a íconos globales como Totoro. Siempre dando importancia a la relación entre hombre y naturaleza, y con un sentido de la aventura europeo, el cine de Miyazaki ha cruzado generaciones manteniéndose como uno de los más queridos por crítica y público.
SESIÓN 3
Martes 1 de febrero de 2022 de 19.00 h a 21.00 h
Corea del Sur – Kim Ki-young
Nacido en Seúl en 1922, Kim Ki-young es uno de los grandes realizadores de la época dorada del cine coreano. Perfeccionista y minucioso, Kim Ki-young trabajó durante una época difícil para su país, y se atrevió con temas que le costaron la censura y desconfianza de las autoridades. Trabajó de forma independiente, lo que le permitió asumir un estilo personal, que muchas veces le costó el calificativo de director de serie B, hasta que en 1997 vio relanzada su carrera gracias a una retrospectiva organizada por el Festival Internacional de Busan. Su película The Housemaid (1960) ha influido decisivamente en la carrera de Bong Joon-ho.
SESIÓN 4
Martes 8 de febrero de 2022 de 19.00 h a 21.00 h
Corea del Sur – Bong Joon-ho
Pocos cineastas asiáticos pueden alardear de tener un Oscar en su casa. El director coreano a sus 50 años ya puede presumir de tener los 4 primeros Oscar que se lleva el cine coreano a lo largo de sus 100 años de historia. Sociólogo de formación, el cine de Bong Joon-ho siempre ha dado importancia a las clases sociales y a la situación de los más desfavorecidos. Su cine sabe jugar como pocos con los géneros, pasando de la comedia al drama y del fantástico al terror más grotesco o la ciencia-ficción.
SESIÓN 5
Martes 15 de febrero de 2022 de 19.00 h a 21.00
China – Jia Zhangke
El cine de China dio un giro de ciento ochenta grados a principios de los años 90, cuando en plenos cambios político-sociales en el gigante asiático llegaba una nueva camada de directores de cine, rebelándose a la autoridad al querer grabar la realidad del país con sus cámaras digitales. Jia Zhangke, un joven de una provincia alejada de las grandes urbes, pero con un talento innato para mostrar esos cambios con historias llenas de simbolismo, se ha convertido en uno de los mejores cronistas de este periodo de evolución extraordinaria.
SESIÓN 6
Martes 22 de febrero de 2022 de 19.00 h a 21.00 h
Hong Kong – Wong Kar-Wai
Dentro del cine de Hong Kong, en el que el gusto por los géneros y el cine más popular convirtió a la antigua colonia británica en el Hollywood asiático, destaca la presencia de uno de los grandes autores del cine mundial de las últimas décadas, aclamado en todos los grandes festivales gracias a su visión romántica y nostálgica de las relaciones humanas. Con obras maestras como Deseando amar, Wong Kar-Wai se ha convertido en uno de los directores fundamentales del cine contemporáneo.
SESIÓN 7
Martes 1 de marzo de 2022 de 19.00 h a 21.00 h
Taiwán – Edward Yang
Nacido en Shanghai en 1947, al año y medio de nacer se traslada junto a su familia a Taiwán, pues su padre era un funcionario de Hacienda del Kuomintan y el Partido Comunista había subido al poder. Su obra, a caballo entre Taiwán y Estados Unidos, es una de las más reconocidas de los directores pertenecientes a la Nueva Ola que revolucionaron el cine de Taiwán a finales de los 80, principios de los 90. Su última película, YiYi, premio al mejor director en Cannes 2000, no se estrenó en su país hasta el 10º aniversario de su muerte.
SESIÓN 8
Martes 8 de marzo de 2022 de 19.00 h a 21.00 h
India – Satyajit Ray
Sin duda, uno de los grandes maestros del cine mundial, Satyajit Ray puso al cine de India en el mapa gracias a su “Trilogía de Apu”, que pasó por los grandes festivales europeos a mediados de los años cincuenta dejando un reguero de merecidos premios. Artista multidisciplinar, Ray destiló en una filmografía llena de sutilidad, poesía y laboriosidad, su visión humanista, sirviendo de inspiración para centenares de cineastas del planeta.
SESIÓN 9
Martes 15 de marzo de 2022 de 19.00 h a 21.00 h
Filipinas – Brillante Mendoza
Brillante Mendoza, se convirtió en el año 2009, en el primer realizador filipino que se alzaba con la Palma de Oro al mejor director en Cannes por su película Kinatay. Brillante Mendoza (San Fernando, 1960) estudia Publicidad en la universidad y se inicia dentro de este mundo hasta que un amigo le propone rodar una película para el mercado del vídeo: Masahista, de 2005, con la que gana el prestigioso Festival de cine de Locarno. Un director que retrata la realidad filipina con una cámara que penetra hasta en los rincones más insospechados.
SESIÓN 10
Martes 22 de marzo de 2022 de 19.00 h a 21.00 h
Tailandia – Apichatpong Weerasethakul + cierre del curso
Apichatpong Weerasethakul no es un director al uso, es decir, un realizador que se mueve exclusivamente en el medio cinematográfico, sino que va mucho más allá. El cineasta tailandés entiende su trabajo como un todo, y en ese todo él es una pieza más del grupo de colaboradores habituales en sus películas. Ganador de la Palma de Oro en Cannes con su película Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas (2010), el director ha sabido plasmar la trágica historia de su país a través de cortometrajes, largos y exposiciones, con una mirada de 360º.
Profesorado:
Eduard Terrades Vicens
Josep Santcristòfol
Ricard Planas
Víctor Muñoz
Enrique Garcelán
Gloria Fernández
Maestros del cine asiático Vol.1
La incipiente brujería del siglo XIX, tráiler de «You Won’t Be Alone»
Empiezan a ver la luz los primeros adelantos de algunas de las películas que estarán presentes en la próxima edición del Festival de Sundance, una de ellas será el debut en la dirección del australiano Goran Stolevski You Won’t Be Alone, film, que nos remite en algo a la reivindicable Hagazussa: A Heathen’s Curse de Lukas Feigelfeld, cuyo primer tráiler de la mano de Focus Features acaba de ser lanzado y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, protagonizada por Noomi Rapace, que hace bien poco veíamos en otras aportaciones al género como Lamb o The Trip, después de su estreno mundial en Sundance llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 1 de abril de 2022.
You Won’t Be Alone nos sitúa en un aislado pueblo de montaña en la Macedonia del siglo XIX, en el vemos como una joven es secuestrada y transformada en bruja por un espíritu ancestral. Ávida en conocimientos sobre la vida humana la joven bruja mata de forma accidental a un campesino de un pueblo cercano para luego toma la forma de la víctima para poder así experimentar nuevas existencias dentro de cuerpos ajenos. Movida por la curiosidad ella continúa ejerciendo su horrible poder en su intento de llegar a entender el significado de ser humano.
La película con guion del propio Goran Stolevski está protagonizada por Noomi Rapace, Alice Englert, Anamaria Marinca, Carloto Cotta, Félix Maritaud, Sara Klimovska, Arta Dobroshi, Verica Nedeska, Predrag Vasic, Kamka Tocinovski, Jasmina Avramovic, Irena Ristic y Milena Nikolic.
La venganza vikinga según Robert Eggers, primer tráiler de «The Northman»
Es indiscutiblemente una de las películas más esperadas de este próximo 2022, Robert Eggers vuelve a adentrarse en épocas pretéritas como ya hiciera en The Witch (2015) y The Lighthouse (2019) con The Northman, film que de la mano de Focus Features acaba de lanzar un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que vistas sus primeras imágenes nos remiten mucho al Conan the Barbarian de John Milius, rodada en Irlanda del Norte tras varios retrasos ocasionados por la pandemia supone la producción de más alto presupuesto, 60 millones de dólares, dirigida hasta la fecha por Robert Eggers.
The Northman, descrito como un violento drama de aventuras ambientado en la Islandia del siglo X que se centra en como un príncipe nórdico busca venganza por la muerte de su padre, verá la luz comercialmente en Estados Unidos y España el próximo 22 de abril de 2022.
La película con guion a cargo del propio Robert Eggers junto al novelista islandés Sjón Sigurdsson está protagonizada por Alexander Skarsgård, Nicole Kidman, Anya Taylor-Joy, Willem Dafoe, Ethan Hawke, Björk, Claes Bang, Ralph Ineson, Kate Dickie, Murray McArthur, Ian Gerard Whyte, Hafþór Júlíus Björnsson, Ian Whyte, Tadhg Murphy, Gustav Lindh, Olwen Fouere, Ingvar Eggert Sigurdsson, Jon Campling, Eldar Skar, Phill Martin, Rebecca Ineson y Magne Osnes.
Alicia Silverstone frente a los tiburones, tráiler de «The Requin»
Cada cierto tiempo el subgénero de tiburones da la impresión de reactivarse de forma casi automática con propuestas que en su gran mayoría se suelen mover dentro de unos presupuestos bastante modestos, The Requin, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial es un claro ejemplo de ello. La película dirigida por Le-Van Kiet (Gentle 2014, Furie 2019) y con Alicia Silverstone al frente del reparto se estrenará en cines y VOD de Estados Unidos el próximo 28 de enero de 2022.
En The Requin vemos como Jaelyn y su marido deciden hacer una escapada romántica a una remota villa situada junto al mar de una región de Vietnam. Pero todo se complica cuando una tormenta torrencial reduce su villa a poco más que una balsa que es arrastrada al mar. De repente, aparece otro peligro mayor, un numeroso grupo de grandes tiburones blancos. Con su marido gravemente herido Jaelyn deberá luchar contra los depredadores para poder sobrevivir.
La película con guion del propio Le-Van Kiet está protagonizada por Alicia Silverstone, James Tupper, Kameron Hood, Deirdre O’Connell, Jennifer Mudge, Danny Chung y Kha Mai.
Avance Ciclo de cine: Naruse Esencial
Durante este invierno, y en colaboración con La Filmoteca de València, Filmoteca de Catalunya, el Círculo de Bellas Artes de Madrid y Filmoteca de Galicia, presentamos un ciclo dedicado a Mikio Naruse, uno de los grandes maestros del cine japonés con una obra a la altura de nombres tan conocidos como Ozu, Kurosawa o Mizoguchi, pero del que en las últimas décadas hemos tenido menos oportunidad de disfrutar de sus películas.
En este ciclo retrospectivo podrán verse los once títulos más destacados de su imprescindible filmografía en las ciudades de Valencia, Barcelona, Madrid y A Coruña entre los meses de diciembre de 2021 y marzo de 2022.
Mikio Naruse
«Naruse no es el “cuarto grande” entre los japoneses sino, sencillamente, uno de los veinte o veinticinco más grandes autores cinematográficos que han existido en el mundo. Siete de las once películas suyas que he visto merecen el gastado calificativo de «obras maestras». Y al menos dos de ellas, La voz de la montaña y Nubes flotantes, y quizá una tercera, Cuando una mujer sube la escalera, me parecen tan buenas como las mejores de Mizoguchi, Ozu, Ford, McCarey, Chaplin, Rossellini, Dreyer, Renoir o Hitchcock, es decir, comparables a las más grandes de la historia del cine.»
MIGUEL MARÍAS, Mikio Naruse, Festival de San Sebastián / Filmoteca Española, 1998.
Lugares y Fechas:
Valencia
Fechas de proyección: Del 8 de diciembre de 2021 al 29 de enero de 2022.
Lugar: La Filmoteca de València (Plaza del Ayuntamiento, 17. 46002 Valencia).
Entradas: 2.5 euros. Entrada reducida: 2 euros.
Más información en la web de La Filmoteca de Valencia.
Barcelona
Fechas de proyección: Del 1 al 23 de febrero de 2022.
Lugar: Filmoteca de Catalunya (Plaça de Salvador Seguí, 1. 08001 Barcelona).
Entradas: 4 euros. Entrada reducida: 3 euros.
Más información próximamente en la web de Filmoteca de Catalunya.
Madrid
Fechas de proyección: Del 19 de enero al 11 de febrero de 2022.
Lugar: Cine Estudio del Circulo de Bellas Artes (Calle del Marqués de Casa Riera, 4, 28014 Madrid).
Entradas: 5 euros. Entrada reducida: 4 euros.
Más información próximamente en la web del Círculo de Bellas Artes de Madrid.
A Coruña
Fechas de proyección: Del 2 al 15 de marzo de 2022.
Lugar: Filmoteca de Galicia (Rúa Durán Loriga, 10, 15003 A Coruña).
Entradas: 4 euros. Entrada reducida: 3 euros.
Más información próximamente en la web de Filmoteca de Galicia.
Películas, fechas y horarios de proyección:
Every Night Dreams / Yogoto no yume (1933) 64’.
Intérpretes: Jun Arai, Choko Iida, Teruko Kojima, Sumiko Kurishima, Kenji Oyama, Tatsuo Saito.
Omitsu es una madre soltera que, tras ser abandonada por su esposo, trabaja incansablemente como camarera de un bar de Ginza para mantener a su hijo. Un día, cuando regresa a casa, descubre que su marido ha vuelto. Every Night Dreams es la más célebre de las películas mudas de Naruse y no está lejos de la complejidad de sus obras más conocidas de los años cincuenta. Con guion de Tadao Ikeda, colaborador habitual de Ozu, presenta un esquema que encontramos en algunas películas posteriores de Naruse: un protagonista que intenta enmendar sus fracasos del pasado, pero cuya debilidad de carácter se lo impide.
Valencia: miércoles 8 de diciembre a las 18.00h y sábado 11 de diciembre a las 20.00h.
Barcelona: Próximamente.
Madrid: Próximamente.
El almuerzo / Meshi (1951) 97′.
Intérpretes: Setsuko Hara, Ken Uehara, Yukiko Shimazaki, Yôko Sugi, Ranko Hanai, Haruko Sugimura.
Michiyo es una ama de casa aburrida de su existencia, que se reduce a desempeñar las tareas domésticas. Su crisis aumenta con la visita de la sobrina de su marido y la excesiva atención que este le presta. El almuerzo, en la que destaca la sutil interpretación de Setsuko Hara, es un excelente ejemplo de la habilidad de Naruse a la hora de revelar la aflicción que se oculta bajo la superficie de la vida cotidiana.
Valencia: jueves 16 de diciembre a las 18.00h y viernes 17 de diciembre a las 20.00h.
Barcelona: Próximamente.
Madrid: Próximamente.
Madre / Okaasan (1952) 98′.
Intérpretes: Keiko Enonami, Kyôko Kagawa, Akihiko Katayama, Daisuke Kato, Masao Mishima, Chieko Nakakita, Eiji Okada, Kinuyo Tanaka.
La familia Fukuhara trabaja duro para poder reabrir su tintorería, destruida por un bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial. El padre, Ryosaku, trabaja como guardia de una fábrica; la madre y la hija mayor, enamorada de un panadero de ideas progresistas, venden dulces en un puesto callejero. Pero su precaria situación tampoco mejora cuando logran recuperar su negocio y Ryosaku enferma.
Inspirada en una colección de ensayos de estudiantes de primaria sobre sus madres, aunque es un film sentimental, la puesta en escena de Naruse es mucho más sobria que las lacrimógenas «películas de madres» que se filmaban en aquel momento. A partir del guion de Yôko Mizuki, la mejor guionista de Japón, elude los acontecimientos potencialmente más melodramáticos para dibujar un retrato episódico y realista de la madre japonesa media y su lucha cotidiana durante la posguerra.
Valencia: domingo 19 de diciembre a las 18.00h y martes 21 de diciembre a las 20.00h.
Barcelona: Próximamente.
Madrid: Próximamente.
(Fuente de las sinopsis: La Filmoteca de València)
Películas que se proyectarán a partir de enero:
La voz de la montaña / Yama no oto (1954)
Crisantemos tardíos / Bangiku (1954)
Nubes flotantes / Ukigumo (1955)
A la deriva / Nagareru (1956)
Nubes de verano / Iwashigumo (1958)
Cuando una mujer sube la escalera / Onna ga kaidan wo agaru toki (1960)
Tormento / Midareru (1964)
Nubes dispersas / Midaregumo (1967)
*Todas las películas se proyectarán en copias de 35mm en versión original en japonés con subtítulos en castellano.
Venecia y la otra adolescencia, tráiler de «Atlantide» de Yuri Ancarani
Después de las buenas sensaciones cosechadas en Venecia, en donde estuvo presente dentro de la sección Orizzonti, y el recientemente finalizado Festival de Sevilla nos llega un primer tráiler vía Cine Maldito, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Atlantide, la nueva película del realizador italiano Yuri Ancarani, videoartista que hasta este momento se ha movido dentro del ámbito del documental de tono experimental con trabajos tan laureados como por ejemplo Ricordi per moderni, San Siro o The Challenge.
Rodada con actores no profesionales en Atlantide vemos como un joven de Sant’Erasmo, una isla situada en los bordes de la laguna de Venecia, vive de su ingenio, aislado incluso de su grupo de compañeros, quienes están ocupados explorando la existencia de la búsqueda de placeres terrenales, nuestro protagonista se obsesionara por el culto al ‘barchino‘, modalidad centrada en el desarrollo de motores cada vez más rápidos que transforman las habituales pequeñas lanchas de laguna en potentes y peligrosos coches de carreras.
Stanley Kubrick. The Exhibition
El próximo 21 de diciembre el Círculo de Bellas Artes abrirá sus puertas a la gran muestra internacional STANLEY KUBRICK. The Exhibition. La exposición, que contará con más de 600 piezas de toda la carrera cinematográfica de uno de los más importantes referentes culturales del siglo XX, invitará a sumergirse en la mente del genio y descubrir el universo propio que fue construyendo en cada una de sus películas.
La exposición permite un itinerario singular repleto de claves para entender la trascendencia de Stanley Kubrick como director de cine y propone un recorrido que activa la capacidad de sorpresa: cómo sería adentrarse en el cerebro del director y descubrir las claves de su obra cinematográfica. A través de una selección de más de 600 piezas de diversa índole (material audiovisual, fotografías, atrezzo, cámaras, maquetas, objetivos, guiones, ilustraciones, storyboards, cartas, vestuario, claquetas…), se irán desglosando las líneas temáticas de sus películas, así como los distintos aspectos formales de su filmografía.
Asimismo, la trayectoria artística de Kubrick estará representada al completo: sus inicios como fotógrafo en Look, sus primeros pasos tras la cámara con sus documentales, las películas de aprendizaje como El beso del asesino, los largometrajes que fueron construyendo su prestigio: Lolita o ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú y sus grandes obras maestras, 2001: una odisea del espacio o El resplandor. Sin descuidar aquellas películas que nunca llevó a cabo, como Napoleón, que perfilan su infinito potencial creador.
Los seguidores de Stanley Kubrick se encontrarán con decenas de piezas sobre su universo: desde la silla de director, al disfraz de simio de 2001: una odisea del espacio (1968), pasando por el vestuario o la icónica mesa del Korova Milk Bar en La naranja mecánica (1971), la máquina de escribir o los vestidos de las inquietantes gemelas de El resplandor (1980), hasta la capa del doctor Bill Harford durante la secuencia de la orgía en Eyes Wide Shut (1999).
STANLEY KUBRICK. The Exhibition cuenta además con objetos para aquellos que quieran profundizar un poco más en el proceso creativo. Por ejemplo, a través de la correspondencia u otro tipo de material como planes de rodaje, guiones o cuadernos de notas es posible vislumbrar cómo Stanley Kubrick fue conquistando el control total de su obra. Y no hay mejor manera de conocer su talento artístico que con un variado material audiovisual que permitirá admirar una de las elipsis temporales más llamativas en la historia del cine en 2001: una odisea del espacio, o disfrutar de la mítica secuencia censurada de las ostras y los caracoles de Espartaco. No faltarán escenas de cada una de sus películas con momentos que forman parte de la memoria colectiva: como el coronel Dax recorriendo las trincheras en Senderos de gloria o los nobles, muy maquillados y con pelucas, jugando alrededor de una mesa bajo la luz de las velas en Barry Lyndon.
En el marco de los actos con motivo de la exposición sobre Stanley Kubrick, una semana antes de su inauguración, el 16 de diciembre a las 19:30 horas, el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes acogerá el preestreno de La naranja prohibida, la nueva producción original de TCM dirigida por Pedro González Bermúdez, que cuenta como narrador y colaborador con el actor Malcolm McDowell, protagonista de La naranja mecánica, que este año conmemora los 50 años de su estreno internacional.
Los tickets para la exposición salen a la venta a partir del próximo miércoles 1 de diciembre en kubrickexhibition.com. El 24 de noviembre desde las 11:00 am se abre la waiting list en kubrickexhibition.com para quien desee conseguir las primeras entradas.
Fecha:
21.12.2021 > 08.05.2022
Horario:
De martes a domingo de 10:00 a 21:00h.
Lunes cerrado excepto festivos | Último pase 1 hora antes del cierre
Comisariado:
Comisariado en Madrid: Isabel Sánchez.
Diseño de espacios: AV Diseño de Espacios Culturales.
Organiza:
“STANLEY KUBRICK. The Exhibition” está organizada en Madrid por Sold Out y el Círculo de Bellas Artes (CBA), con la colaboración del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB).
“STANLEY KUBRICK. The Exhibition” es una exposición de DFF – Deutsches Filminstitut & Filmmuseum, Frankfurt am Main, Christiane Kubrick, Jan Harlan y The Stanley Kubrick Archive de la University of the Arts London, con el apoyo de Warner Bros Entertainment Inc., Sony-Columbia Pictures Inc., Metro Goldwyn Mayer Studios Inc., Universal Studios Inc. y SK Film Archives LLC.
Programación de la 8ª edición del Offside Fest
El Festival Internacional de Cine Documental de Fútbol, Offside Fest, llega a su 8ª edición con un paquete de estrenos donde el deporte rey es el protagonista. Al igual que en la edición anterior, la organización mantiene el formato híbrido, con parte de su programación en formato presencial, y la otra online a través de Filmin.
Offside mantiene su colaboración con la plataforma DAZN para proyectar en la sala de cine sus mejores contenidos documentales. Este año, los asistentes al festival podrán disfrutar de ‘Club Ibiza: The Sessions‘en los cines Maldà, en la que será la clausura de esta 8ª edición. La inauguración estará protagonizada por el entrañable documental escocés ‘The Fort’. Ambas sesiones tendrán lugar en los Cines Maldà y serán de acceso gratuito con inscripción previa.
Inauguración: ‘The Fort’
Año: 2019 (Reino Unido).
Dirigido por: Alex Gale
Duración: 58m | VOSC
Calendario: 1 de diciembre en los Cines Maldà
Sinopsis: El Fort Williams FC es el peor equipo de Gran Bretaña. No cabe duda. Es último en la quinta división escocesa con una puntuación de -7 puntos. Llevan más de dos años sin ganar; la vergüenza y el dolor se apodera de la plantilla y del club. Este documental de la BBC narra las dificultades de un pequeño club para sobrevivir, así como los esfuerzos de una nueva directiva decidida en darle la vuelta a la situación.
Estreno en Catalunya.
Clausura: ‘Club Ibiza: The Sessions’ (DAZN Originals)
Año: 2020 (España)
Dirigido por: John Alex Dennis y Grant Best
Duración: 5 episodios de 15min | VE
Calendario: 6 de diciembre en los Cines Maldà
Sinopsis: Docuserie que recoge la historia reciente de la UD Ibiza, que en tres temporadas ha escalado tres divisiones hasta jugar hoy en LaLiga SmartBank, la Segunda División Española. ‘Club Ibiza‘ incluye entrevistas íntimas con Amadeo Salvo, presidente de la entidad, y la estrella del fútbol italiano, Marco Borriello, entre muchos otros, con accesos exclusivos ‘behind the scenes’. También encontramos los testimonios excepcionales de los DJs internacionales residentes de Ibiza, Anna Tur y Manu González.
A continuación, los ochos primeros títulos confirmados que podrán verse en exclusiva del 2 al 6 de diciembre en Filmin.
- ‘Big Time Soccer: The Remarkable Rise & Fall of the NASL’
Año: 2018 (EEUU)
Dirigido por: Rachel Viollet
Duración: 91m | VOSE/VOSC
Calendario: En Filmin del 2 al 6 de diciembre
Sinopsis: Narra el ascenso y la caída de la NASL, la pionera liga estadounidense de fútbol (soccer). A lo largo de los 70 y 80 logró atraer al público yanqui a un deporte que no entendían y lo hizo a través de la llegada de numerosas leyendas del resto del globo futbolístico como Pelé, Johan Cruyff, Beckenbauer y George Best. Retrato de una época única y de una liga que actualizó viejas normas e introdujo nuevas para hacer del fútbol un deporte más espectacular.
Estreno en España.
- ‘Pojkdrömmen – Pro In Africa’
Año: 2020 (Suecia).
Dirigido por: Emil Moberg Lundén
Duración: 59m | VOSE/VOSC
Calendario: En Filmin del 2 al 6 de diciembre
Sinopsis: El director del documental, Emil, después de pasar 10 años retirado del fútbol y dedicado a la docencia, decide volver a ser futbolista profesional. El único equipo que lo acepta es Kibera Black Stars, un conjunto de un barrio pobre de Kenia. Allí, Emil tendrá ante sí el reto de convertirse en el primer jugador europeo en la Premier League de Kenia.
Estreno en España.
- ‘Tattoo your dreams’
Año: 2021 (Irán/España).
Dirigido por: Mehdi Ganji
Duración: 71m | VOSE/VOSC
Calendario: En Filmin del 2 al 6 de diciembre
Sinopsis: El documental explora los sueños de un grupo de adolescentes de Irán que luchan por convertirse en futbolistas profesionales en LaLiga española. Procedentes de distintas regiones del país, todos ellos comparten la ilusión de jugar a la mejor liga del mundo y demostrar que pueden estar a la altura del desafío.
Estreno en España.
- ‘Foosballers’
Año: 2019 (EEUU).
Dirigido por: Joe Heslinga
Duración: 96m | VOSE/VOSC
Calendario: En Filmin del 2 al 6 de diciembre
Sinopsis: El retrato de seis personajes únicos: seis jugadores profesionales de futbolín que compiten por ser el mejor del mundo. El documental es una galería muy ecléctica y divertida sobre el mundo competitivo del futbolín. Un deporte de salón que tuvo su auge en Estados Unidos durante la década de los 70 y que desde la llegada de los videojuegos vive en plena decadencia. El objetivo de estos profesionales del futbolín es reclamar el espacio que tuvo antes.
Estreno en España.
- ‘The Fort’
Año: 2019 (Reino Unido).
Dirigido por: Alex Gale
Duración: 58m | VOSE/VOSC
Calendario: En Filmin del 2 al 6 de diciembre
Sinopsis: El Fort Williams FC es el peor equipo de Gran Bretaña. No cabe duda. Es último en la quinta división escocesa con una puntuación de -7 puntos. Llevan más de dos años sin ganar; la vergüenza y el dolor se apodera de la plantilla y del club. Este documental de la BBC narra las dificultades de un pequeño club para sobrevivir, así como los esfuerzos de una nueva directiva decidida en darle la vuelta a la situación.
Estreno en Catalunya.
- ‘Everton: Howard’s Way’
Año: 2019 (Reino Unido).
Dirigido por: Rob Sloman
Duración: 106m | VOSE/VOSC
Calendario: En Filmin del 2 al 6 de diciembre
Sinopsis: El relato definitivo sobre la mejor etapa de la historia de Everton, el otro gran club de Liverpool. Durante los años 80, el Everton fue capaz de alzarse en lo más alto del fútbol inglés. Llegó a ganar dos veces la liga bajo la batuta del carismático míster Howard Kendall. Ganaron también la FA Cup, destrozaron 5-0 al Manchester United y lograron batir el récord de puntos en una temporada. ‘Everton: Howard’s Way‘ narra la trayectoria, a través del recuerdo y las experiencias de sus protagonistas, de un hombre al que Everton corría por las venas y de un equipo de jugadores lleno de grandeza y esfuerzo.
Estreno en Catalunya.
- ‘Bazyl’
Año: 2020 (Ucrania).
Dirigido por: Roman Shirman
Duración: 65m | VOSE/VOSC
Calendario: En Filmin del 2 al 6 de diciembre
Sinopsis: Un biopic atípico. Lleno de imaginación y de ingenio, que reivindica la figura de Oleh Bazylevych, uno de los mejores jugadores que recuerdan a los fans más veteranos del Dynamo de Kiev. Cuando ‘Bazyl‘ pasó a ser el entrenador de su equipo de por vida lo hizo formando dupla con el mítico Valeriy Lobanovskyi. Con ellos, el Dinamo alcanzó el éxito internacional. Bazylevych destacó gracias a sus modernos métodos y personalidad intelectual. Lo que le convirtió siempre en una rara anciana dentro del mundo del fútbol soviético y le comportó más problemas que beneficios ante las autoridades político-deportivas de la antigua URSS.
Estreno en España.
- ‘Identidad’
Año: 2019 (Perú).
Dirigido por: José Carlos García, Carlos Granada
Duración: 83m | VE
Calendario: En Filmin del 2 al 6 de diciembre
Sinopsis: Un viaje introspectivo sobre lo que significa haber nacido en Perú a inicios de los 80, momento en el que empezó la peor crisis económica, social y política de su historia. Este viaje resulta en una mirada, quizá esperanzadora, a un reciente momento de cambio y transformación social cuya esencia se reflejó en el regreso del equipo peruano a la máxima competición continental después de 36 años de ausencia, cuando se clasificó para competir en el Mundial de Fútbol de Rusia 2018.
Estreno en España.
Filmoteca Española y el Museo Reina Sofía presentan un ciclo antológico del black film independiente estadounidense
- Black Films Matter (1920-2020)” se desarrollará desde el 10 de noviembre hasta el mes de enero en ambas sedes, y mostrará películas dirigidas por cineastas afroamericanos durante los últimos cien años
Filmoteca Española y el Museo Reina Sofía organizan este ciclo que plantea un recorrido por el black film independiente estadounidense y lo hace con una retrospectiva que, por primera vez, muestra un siglo de películas dirigidas únicamente por cineastas afroamericanos: desde los pioneros en el nacimiento del medio hasta los artistas contemporáneos en la era Trump, desde el largometraje más antiguo que se conserva dirigido por un cineasta negro, Within Our Gates (Oscar Micheaux, 1921), hasta las frenéticas propuestas de Arthur Jafa en nuestra década.
Con esta condición como requisito, se busca evitar los estereotipos raciales en la representación, que caracterizaron trabajos de actores y actrices negros legendarios. Partiendo de casi 30 sesiones en dos meses exhaustivos de programación, se quiere potenciar un cine que reclama que se puede y se debe contar otra gran historia del medio en Estados Unidos capaz de situar en el centro la mirada subalterna y resistente de la minoría negra. Y se trata de una historia que obedece a uno de los más urgentes y necesarios deseos a lo largo de todo un siglo: el de la lucha por la vida. Como recuerdan el cineasta Arthur Jafa y el filósofo Fred Moten, “el cine negro muestra en toda su historia el mismo poder, belleza y alienación que la música negra” y ambos tienen un aspecto común: su relación con las reglas es no obedecerlas nunca, sino la de deshacerlas y recombinarlas en una lógica improvisadora que anima el blues, el jazz, el hip-hop o el house, pero también las imágenes y los sonidos del black film.
El recorrido no puede por tanto trazarse de manera cronológica y lineal, sino más bien en espirales y saltos de ida y vuelta, en una composición sincopada que gobierna los diálogos entre las proyecciones de ambas sedes. La programación de este extenso ciclo está lejos del canon o del emblema, por el contrario presenta un relato basado en las manifestaciones fílmicas que ya no tratan de manera externa u observacional a la población negra, sino que están realizadas por esta misma comunidad que se muestra como una forma de vida y experiencia única.
«Black Films Matter» es por tanto un ciclo de películas singulares con resonancias y confluencias entre sí, antes que de programas teóricos. El ciclo consta de unidades de sentido que dan forma subyacente a este beat de filmes, como la arqueología de los pioneros del cine, con los primeros directores afroamericanos de la historia, Oscar Michaux y Zora Neale Hurston. Los llamados race films de comienzos del siglo XX fueron una industria alternativa que se desarrolló en el periodo mudo y permanece todavía hoy desconocida por su enorme potencial de desestabilización. Within Our Gates de Oscar Micheaux es una respuesta antirracista a la aberrante monumentalidad xenófoba de El nacimiento de una nación (1921) de D.W. Griffith, hito en las historias ortodoxas del cine. Tras este periodo, conectamos con la emergencia de la conciencia negra y los movimientos por los derechos civiles de las décadas de 1960 y 1970, caracterizados por la insurgencia del Black Movement y del LA Rebellion, colectivos donde destacan gigantes fílmicos como Charles Burnett, Melvin van Peebles o Billy Woodberry. A su vez, las políticas de la diferencia unen feminismo, negritud e identidades queer en el trabajo de Julie Dash, Cheryl Dunye y Cauleen Smith. Pero también hay lugar para un cine callejero y popular durante todo el ciclo, que aborda el barrio como territorio y campo de batalla, como sucede en Gordon Parks, Spike Lee, Michael Schulz o John Singleton. Películas dirigidas a una nueva audiencia masiva específicamente negra, un contrapúblico que transforma el cine de entretenimiento norteamericano. Las sesiones de artistas contemporáneos, Kara Walker, Arthur Jafa o Kevin Jerome Everson, funcionan como contrapuntos fuera de cronología que vuelven a momentos fundacionales del black film, como los orígenes de los pioneros o las revueltas de las décadas de 1960 y 1970.
En conjunto, buscan reintegrar estas genealogías históricas en una conciencia negra contemporánea, que incorpore el pasado, pero que a la vez sea capaz de manifestar hoy, al unísono con uno de los grandes movimientos sociales y esperanzas de nuestro tiempo, que las vidas negras, y el cine que las habita, importan.
Sedes:
Filmoteca Española. Cine Doré – Santa Isabel, 3 (Madrid)
Museo Reina Sofía. Auditorio del edificio Sabatini – Santa Isabel, 52 (Madrid)
Todas las películas se proyectan en VOSE
Entrada:
Sesiones en Filmoteca Española: entrada general: 3 € por sesión
Sesiones en Museo Reina Sofía: gratuita hasta completar aforo, previa retirada de entrada en la web del Museo, a partir de las 10:00 h del último día hábil antes de la actividad. Máximo 2 por persona. Apertura de puertas media hora antes de la proyección
Comisariado: Chema González (Museo Reina Sofía), Carlos Reviriego (Filmoteca Española) y Natalia Marín.
Crónica de una insatisfacción, tráiler de «A Hero» de Asghar Farhadi
Tras estar presente en el reciente Festival de Valladolid y unos meses antes en Cannes en donde se alzó con el Gran Premio del Jurado el realizador iraní Asghar Farhadi tiene ya listo el que es su nuevo trabajo tras las cámaras titulado A Hero, película cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, que supone el regreso del autor a su país de origen tras Todos lo saben (2018), verá la luz comercialmente en nuestro país de la mano de A Contracorriente Films el próximo 21 de enero de 2022, misma fecha en que Amazon Prime Video a través de su plataforma la estrenará en Estados Unidos.
A Hero nos presenta a Rahim, un hombre que se encuentra en la cárcel por una deuda que no ha podido devolver. Durante un permiso concedido de dos días, trata de convencer a su acreedor para que retire su reclamación de desembolso de una parte del pago. Pero las cosas no irán como tenía previsto.
La película con guion del propio Asghar Farhadi está protagonizada por Amir Jadidi, Abolfazl Ebrahimi, Mohsen Tanabandeh, Fereshteh Sadrorafaei y Sarina Farhadi.
Tráiler y póster de «Zeros and Ones», lo nuevo de Abel Ferrara
No deja de ser una gran noticia que Abel Ferrara se encuentre en un momento bastante prolífico a la hora de poder sacar adelante diversos proyectos, tras las esplendidas Tommaso y Siberia nos llega un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Zeros and Ones, película con apariencia de thriller conspiranoico que vuelve a indagar en los miedos y paranoias varias causadas por la pandemia. Zeros and Ones que obtuvo el Premio al mejor director en el pasado Festival de Locarno tendrá un estreno simultaneo en cines y VOD de Estados Unidos previsto para el próximo 19 de noviembre, en nuestro país tendrá un estreno comercial unas semana después, el 10 de diciembre, de la mano de DeAPlaneta.
En Zeros and Ones vemos como tras un duro asedio apocalíptico en una ciudad de Roma en la que el Vaticano ha saltado literalmente por los aires, un soldado americano llamado JJ tendrá que luchar contra la amenaza de un enemigo desconocido. A partir de dicho escenario hará acto de aparición una guerra interior entre la historia del pasado y un futuro incierto.
La película con guion del propio Abel Ferrara y música a cargo del habitual Joe Delia está protagonizada por Ethan Hawke, Valerio Mastandrea, Cristina Chiriac, Babak Karimi, Dounia Sichov, Salvatore Ruocco, Phil Neilson, Anna Ferrara, Valeria Correale, Korlan Rachmetova y Mahmut Sifa Erkaya.
Auge y caída, tráiler de «The Eyes of Tammy Faye»
Fue una de las películas que compitieron en la Sección Oficial del pasado Festival de San Sebastián en donde se alzó con el premio a la mejor interpretación protagonista para Jessica Chastain, The Eyes of Tammy Faye, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz de la mano de 20th Century Studios y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se adentra en el biopic de tono satírico de unos conocidos personajes que tuvieron su momento de fama en la América de los años 70 y 80. La película dirigida por Michael Showalter (The Big Sick, The Lovebirds) se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 25 de febrero de 2022.
The Eyes of Tammy Faye nos muestra el ascenso, caída y redención de la telepredicadora evangelista Tammy Faye Bakker. En los años 70 y 80, Tammy Faye y su marido, Jim Bakker, pusieron en pie prácticamente de la nada la red de cadenas religiosas más grande del mundo, así como un parque temático, y gozaron de una inmensa popularidad gracias a sus mensajes de amor, aceptación y prosperidad. Tammy Faye era legendaria por sus pestañas indestructibles, su original forma de cantar y su generosidad a la hora de acoger a personas de todo tipo. Pero no pasó mucho tiempo antes de que las irregularidades financieras, las rivalidades e intrigas y los escándalos derrocaran un imperio construido con gran meticulosidad.
La película con guion de Abe Sylvia está protagonizada por Jessica Chastain, Andrew Garfield, Vincent D’Onofrio, Cherry Jones, Sam Jaeger, Fredric Lehne, Gabriel Olds, Chandler Head, Mark Wystrach, Lindsay Ayliffe, Dan Johnson, Louis Cancelmi, Randy Havens, Joe Ando-Hirsh, Kimberly Hester Huffstetler, Coley Campany, Meredith Jackson, Jay Huguley y Kevin J. O’Connor.
Proyecciones Xcèntric: Scenes From Under Childhood
Obra capital de Stan Brakhage, y su gran película sobre la infancia, Scenes From Under Childhood (1967-70) explora el nacimiento de la visión. A través de las filmaciones de sus hijos, el cineasta compone en cuatro partes, desde los inicios fetales, la experiencia del descubrimiento del color o la luz, en una materialización de sus ideas sobre el arte de la visión y las potencias inexploradas, pero originarias, del cine.
Rehuyendo la filmación bucólica e idealizadora de la infancia, Brakhage busca captar los estados de temor e inquietud, contrastados con los de súbita felicidad, o cómo a veces los niños «se sienten como si estuvieran en una bruma». En una superposición, el registro lleno de ternura de sus hijos se conjuga, en el montaje, con los recuerdos de su propia infancia. El film revela, de este modo también, las sincronías entre las percepciones sensoriales del niño, previas al lenguaje, y la vida creativa del artista que busca evitar las «restricciones en el flujo libre de la memoria».
Scenes From Under Childhood: Section No.1, Stan Brakhage, 1967, 16 mm, 25 min.
Scenes From Under Childhood: Section No.2, Stan Brakhage, 1969, 16 mm, 40 min.
Scenes From Under Childhood: Section No.3, Stan Brakhage, 1969, 16 mm, 28 min.
Scenes From Under Childhood: Section No.4, Stan Brakhage, 1970, 16 mm, 46 min.
Proyección en 16 mm. Copias cortesía de Canyon Cinema.
Fecha: 5 noviembre 2021
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y www.eventbrite.es
Restauraciones, descubrimientos y tesoros desenterrados, en la selección de este año de Seven Chances
La sección que Sitges programa en colaboración con la ACCEC ofrecerá films hasta ahora inéditos de autores tan queridos en el Festival como George A. Romero (‘The Amusement Park’) o José Mojica Marins (‘A praga’)
En su afán de seguir poniendo en contacto el pasado, el presente y el futuro del fantástico, recuperando obras esenciales o ninguneadas y proyectando documentales que profundizan en áreas poco exploradas del género, el Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña y la Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC) han seleccionado siete títulos que serán presentados, como es habitual, por miembros de la Asociación.
Comenzaremos Seven Chances de la mano de George A. Romero, nombre fundamental del cine de terror contemporáneo, de quien todavía quedaba por descubrir The Amusement Park, que narra el sufrido periplo de un abuelo en un parque recreativo para la tercera edad. A principios de los setenta, una entidad religiosa le encargó a Romero un film educativo para advertir de las graves problemáticas que tenía que afrontar la gente mayor, pero la corrosiva patraña admonitoria que el cineasta entregó los aterrorizó y quedó olvidada en un cajón hasta que en el 2017 se encontró una copia en 16 mm., a partir de la cual se ha hecho la restauración que veremos.
Seis años después de tener en Sitges Cosmos, su exultante despedida, Andrzej Zulawski volverá a estar presente en Sitges con la flamante copia restaurada de On the Silver Globe (Na Srebrnym Globie), uno de sus films menos vistos. La radical incursión de Zulawski en los territorios de la ciencia ficción filosófica nos relata la aventura de cuatro astronautas que intentan mantener la continuidad de la civilización, purgando sus vicios y errores históricos, en un planeta extraterrestre. La humanidad, aun así, parece condenada a tropezar una y otra vez con la misma piedra.
En el documental Woodlands Dark and Days Bewitched: A History of Folk Horror, el especialista Kier-La Janisse analiza en profundidad el subgénero especialmente prolífico en Gran Bretaña durante los setenta, con obras como The Wicker Man o The Blood on Satan’s Claw. Janisse recorre el fenómeno hasta nuestros días y le aplica también la lupa de la perspectiva de género.
Paul Naschy repite en la sección. Después de rescatar en la edición pasada la turbia crónica negra de El huerto del francés, este año tendremos la restauración de uno de sus films más icónicos de la década de los setenta, El aullido del diablo. Compartiendo protagonismo con Howard Vernon y Caroline Munro, Naschy nos introduce en la mansión de un actor retirado con aficiones poco recomendables.
Y si el año pasado proyectamos À meia-noite levarei sua alma, el mito fundacional del terror brasileño, en esta edición descubriremos en primicia mundial A praga, el último susto que nos brinda desde el más allá el añorado José Mojica Marins. Rodada en Super 8 en el 1980, e inacabada debido a varios contratiempos en la producción, A praga fue redescubierta y finalizada por Heco Produções después de un proceso largo y complejo que se explica a A última praga de Mojica, el corto que acompañará la proyección. Esta tétrica historia sobre la maldición de una bruja constituye la última película estrictamente de género que Mojica rodó hasta su vuelta, en el 2008, con Encarnação do demônio.
Con Multiple Maniacs recuperamos uno de los primeros largometrajes del más adorable transgresor del cine norteamericano de los 70, 80 y 90: John Waters. Aquí ya estaba Divine, al frente de un soplo de irreverencia salvaje que filtra, desde Baltimore y sin ningún presupuesto pero con total libertad, la resaca norteamericana del 68, de aquellos tiempos en que se creía que podía derribarse todo para construir un mundo nuevo. Uno de los highlights de la película, y de la filmografía de Waters, es la mítica Cavalcade of Perversions.
Y no podíamos dejar pasar la oportunidad de rendir homenaje al recientemente fallecido Sonny Chiba. Lo haremos, y cerraremos Seven Chances, con Wolf Guy (Urufu gai: moero ôkami-otoko), un delirio inclasificable, producido por la Toei y firmado por Kazuhiko Yamaguchi, en el que Chiba interpreta un hombre lobo detective que se las tendrá que ver con un misterioso asesino y con los servicios secretos japoneses.
Seven Chances. De nuevo, siete películas. Siete títulos que nos permitirán completar la filmografía de autores esenciales, descubrir rarezas imprescindibles y seguir explorando el pasado y los márgenes del cine fantástico.
Selección Seven Chances 2021
The Amusement Park (George A. Romero, 1973), presentada por Vanessa Agudo
On the Silver Globe (Andrzej Zulawski, 1988), presentada por Gerard Casau
Woodlands Dark and Days Bewitched: A History of Folk Horror (Kier-La Janisse, 2021), presentada por Ana Uslenghi
El aullido del diablo (Jacinto Molina, 1987), presentada por Carlos Benítez
A praga (José Mojica Marins, 1980) + A última praga de Mojica (corto), presentados por Toni Junyent
Multiple Maniacs (John Waters, 1970), presentada por Javi Parra
Wolf Guy (Kazuhiko Yamaguchi, 1978), presentada por Tonio L. Alarcón
Mamoru Hosoda, Carlos Saura y Belén Rueda recibirán el Gran Premio Honorífico de Sitges 2021
Los directores Mamoru Hosoda y Carlos Saura, y la actriz Belén Rueda, recibirán el Gran Premio Honorífico de la 54ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Los premios Màquina del Temps serán para el director Neill Blomkamp, la actriz Alice Krige y el guionista Nick Antosca, mientras que el compositor de bandas sonoras Roque Baños será reconocido con la Maria Honorífica y el actor Emilio Gutiérrez Caba recibirá el Premio Nosferatu de este año. Por su parte, Lucile Hadzihalilovic serà galardonada con el Premi Career que otorga la Méliès International Festivals Federation (MIFF).
GRAN PREMIO HONORÍFICO SITGES 2021
Consolidado como uno de los máximos renovadores del cine de animación, el director japonés Mamoru Hosoda inició su carrera en la productora Toei Animation, lugar donde aprendió el oficio de animador. De 2005 a 2011, gracias a su trabajo en el estudio Madhouse, estrena obras rompedoras y visionarias como La chica que saltaba a través del tiempo (2006) y Summer Wars (2009). En 2011 crea su propia compañía, Studio Chizu, y da forma a sus obras más arriesgadas y personales, Wolf Children (2012), El niño y la bestia (2015), Mirai, mi hermana pequeña (2018) y la reciente Belle (2021).
Belén Rueda se ha convertido en una de las reinas del grito más célebres del cine fantástico español, tras una primera etapa de su carrera de gran éxito ligada a la televisión. Su interpretación en El orfanato (2007) le valió la nominación a mejor actriz en los Goya, una categoría que acabaría ganando en el festival Fantasporto. Años más tarde, repitió en más títulos de género muy queridos como el neogiallo Los ojos de Julia (2010), thrillers retorcidos como El cuerpo (2012) y Perfectos desconocidos (2017), e incluso la ciencia ficción en Órbita 9 (2017).
Director, guionista y fotógrafo en activo desde 1956, Carlos Saura se revela internacionalmente con La Caza (1966), una demoledora y valiente alegoría de la España franquista que obtiene el premio al mejor director en el festival de Berlín. Luego vinieron clásicos indiscutibles del cine español como Ana y los lobos (1973), Cría Cuervos (1976), Mamá cumple 100 años (1979) y Deprisa Deprisa (1981), películas con una personalidad arrolladora, insobornable y librepensadora. Sus colaboraciones con Vitorio Storaro, Tango (1998) o Goya en Burdeos (1999), están llenas de imágenes de inspiración fantastique. En el Festival presentará el cortometraje Goya 3 de mayo.
PREMIO MÀQUINA DEL TEMPS SITGES 2021
Formado en el campo de la animación 3D, los efectos visuales y la publicidad, Neill Blomkamp da su gran salto al cine con Distrito 9 (2009), una película de ciencia ficción situada en su Johannesburgo natal que consiguió cuatro nominaciones a los Óscar, entre ellas a mejor película y mejor guion adaptado. Tras seguir en el género con las distopías Elysium (2013) y Chappie (2015), en 2017 crea Oats Studios, una productora independiente especializada en cortometrajes experimentales de fantástico y terror. En Sitges 2021 presentará su último trabajo, Demonic.
En 1981, el mismo año de su descubrimiento con Carros de fuego, Alice Krige se convierte en un rostro habitual del cine fantástico y de terror al coprotagonizar Historia macabra, una de las mejores historias de fantasmas de los ochenta. En los años posteriores y tras formar parte de la prestigiosa Royal Shakespeare Company, repite en el género con Sonámbulos (1992), da vida a la reina Borg en Star Trek: Primer contacto (1996) y brilla como la bruja Holda en Gretel & Hansel. Un oscuro cuento de hadas (2020). Será la protagonista del próximo reboot de La matanza de Texas y en Sitges 2021 presentará She Will.
Nick Antosca inicia su carrera como escritor de novelas de terror, y tras conseguir el Premio Shirley Jackson en 2009 por Pícnic a la luz de la luna, se convierte en guionista de series de televisión como Teen Wolf y Hannibal. En 2016 da el salto como showrunner en Channel Zero, una miniserie de cuatro temporadas en la que redefinió el imaginario visual del horror moderno partiendo de famosos creepypastas. Este 2021 ha debutado en Netflix con Nuevo sabor a cereza, una de las grandes sensaciones televisivas del año, y presenta en Sitges una película producida por Guillermo del Toro, Antlers: Criatura oscura y la serie Chucky.
PREMIO MARIA HONORÍFICA SITGES 2021
Roque Baños, graduado Summa Cum Laude en el Berklee College of Music de Boston en las especialidades de composición para música de películas e interpretación de jazz, es uno de los compositores de bandas sonoras más premiados y respetados de su generación. Lleva en activo desde 1997, ha ganado tres Goyas y tiene una filiación especial por el fantástico y el terror. Es el músico fetiche de figuras del género como Álex de la Iglesia y Fede Álvarez. También ha trabajado con Jaume Balagueró, Alejandro Amenábar, Terry Gilliam y Spike Lee.
PREMIO NOSFERATU SITGES 2021
La sección Brigadoon otorgará el Premio Nosferatu a Emilio Gutiérrez Caba. Nacido en Valladolid en una familia de actores, obtiene su primer éxito en 1963 al protagonizar una adaptación teatral de Peter Pan. Su primera incursión en el terror es legendaria: el romance de ultratumba con Dyanik Zurakowska en La llamada (1965). Entre 1966 y 1967 aparece en tres icónicas Historias para no dormir de Chicho Ibáñez Serrador: El cuervo, La sonrisa y La espera. Posteriormente, su idilio con el género continúa en films de culto como Estigma (1980), Viaje al más allá (1980) y Memorias del ángel caído (1997). En 2001 recibe el Goya al mejor actor secundario por La comunidad. Sigue en activo tras más de seis décadas en la profesión.
PREMIO CAREER MÉLIÈS SITGES 2021
Lucile Hadzihalilovic recibirá en Sitges 2021 el Premio Career, entregado por la Méliès International Festivals Federation (MIFF). Tras graduarse en el Institut Des Hautes Études Cinématographiques de París, inicia su andadura en el cine como directora, escritora, montadora y actriz en largometrajes y cortos. En 2004 debuta con su primera película, Innocence, premiada en San Sebastián y uno de los films fantastique más sugerentes de la época. Su segundo esfuerzo, Evolution (2015), fue el encargado de clausurar la sección Noves Visions en Sitges, un film que la confirmaba como una de las voces más fascinantes y personales del fantástico europeo. Este año presentará Earwig en el certamen.