Mes: julio 2019

Tráiler final para el thriller sobrenatural «Every Time I Die»

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La densa producción de películas independientes que abordan el género fantástico hace que muchas de estas propuestas a día de hoy puedan pasar inadvertidas ya no solo en referencia al gran público sino también al fiel seguidor del fantástico, el thriller fantástico y debut en la dirección de Robi Michael titulado Every Time I Die podría ser perfectamente esa clase de films que lejos de su exhibición en el circuito de festivales de género y plataformas televisivas tienen una complicada difusión comercial. Aprovechando su salida en VOD para el próximo 9 de agosto acaba de ver la luz su tráiler final que podéis ver a final de página junto a su póster  oficial.

Every Time I Die nos muestra como la consciencia de Sam comienza a viajar por el espacio tras ser asesinado para adentrarse en la mente de sus mejores amigos en un intento de evitar que ellos corran su misma suerte. El recorrido se acaba convirtiendo en una aventura mucho más peligrosa de lo que imaginaba que le lleva a descubrir finalmente cuál es su verdadera identidad.

La película con guion del propio Robi Michael junto a Gal Katzir está protagonizada por Marc Menchaca, Erica Camarano, Kevin D. Benton, Drew Fonteiro, Lia Johnson, Michelle Macedo, Andrea Leigh, Sara Harman, Melissa Macedo, Eleah Burman, Nikee Warren, Tyler Dash White, Alison Linkov, Maera Daniel Hagage, Frankie Hinton, Paul Megna y Kenneth Morata.

Agnés Varda – Espigadora de realidades y ensueños

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Durante más de seis décadas, desde su debut con La Pointe Courte (1954) hasta la lección magistral sobre su propio cine contenido en Varda par Agnès (2019), Agnès Varda ha concebido imágenes cinematográficas con una libertad que siempre le ha llevado a crear sus propias reglas de juego. Sensible a los hechos de su tiempo y manteniendo una curiosidad viva por los otros, su cine tiene una vocación testimonial ejercida con la consciencia de que la realidad nunca puede atraparse y que, en cualquier caso, se muestra desde la subjetividad. A la vez, también es una expresión de su imaginación y así, pues, de sus revêries y de su gusto por los juegos de palabras y la asociación inesperada de imágenes. Entre el documental y la ficción, poniendo en cuestión y transgrediendo sus fronteras y la vida.
El autor
Imma Merino Serrat es licenciada en Filosofía por la Universidad Autónoma de Barcelona y doctora en Comunicación por la Universidad Pompeu Fabra, habiendo escrito su tesis doctoral sobre «Subjectivitat i autorepresentació en el cinema d’Agnès Varda». Es profesora de Historia del Cine y de Análisis de los medios de Comunicación en la Universidad de Girona y de Documental de Creación en el máster en Estudios de Cine y Audiovisual Contemporáneos de la Universidad Pompeu Fabra
Autor; Imma Merino Serrat, Editorial: Donostia kultura, Colección Nosferatu, Páginas: 206

El apocalipsis según Lav Diaz, tráiler de «Halte»

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A estas alturas no es nada descabellado el decir que el cine perpetrado por el realizador de origen filipino Lav Diaz constituye en sí mismo un género cinematográfico, tras su estimable Season of the Devil vuelve a jugar con los géneros cinematográficos con su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Halte (Ang hupa en original), film cuyo primer avance en forma de un breve tráiler subtitulado al francés vía Cine maldito podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Halte que cuenta con una duración de 396 minutos y que tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Cannes dentro de la Quinzena de Realizadores tiene previsto su estreno comercial en Francia para el próximo 31 de julio.

Halte nos sitúa en el año 2034 en el sudeste asiático en donde el sol no ha brillado durante los tres últimos años. La razón viene dada en referencias a unas gigantescas erupciones volcánicas que oscurecen el cielo. Desde entonces, los países, regiones y ciudades están dominados por malhechores mientras que al mismo tiempo las epidemias se cobran millones de vidas.

La película con guion del propio Lav Diaz está protagonizada por Joel Lamangan, Piolo Pascual, Shaina Magdayao, Pinky Amador, Hazel Orencio, Mara Lopez, Noel Miralles, Earl Ignacio, Adrienne Vergara, Ian Lomongo, Ely Buendia, Joel Saracho, Philip Heremans, Susan Africa, Dolly De Leon, Bart Guingona, Mayen Estanero, Lilit Reyes, Ashton Llarenas y Jonathan O. Francisco.

Comienza en San Sebastián el rodaje de la nueva película de Woody Allen

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El Kursaal de San Sebastián ha acogido este pasado martes la presentación del inicio del rodaje de la nueva película de Woody Allen, producida por THE MEDIAPRO STUDIO junto a Gravier Productions. En el acto han participado Jaume Roures, socio fundador de THE MEDIAPRO STUDIO, el director Woody Allen y los actores Elena Anaya, Wally Shawn, Gina Gershon y Sergi López. El rodaje de la 51º película de la carrera de Woody Allen se inicia este 10 de julio en San Sebastián y finalizará el 20 de agosto.

El nuevo proyecto conjunto de THE MEDIAPRO STUDIO y Woody Allen es «una comedia romántica sobre unas personas de EE UU que llegan al festival de cine de San Sebastián; los acontecimientos que ocurren tienen una resonancia cómica relacionada con lo que pasa aquí«, ha explicado Woody Allen. Tal como ha confirmado el director, la ciudad guipuzcoana será la protagonista de la película, que tendrá como título provisional «Rifkin’s festival» (en referencia al personaje protagonista), pero también aparecerán los alrededores, como zonas de bosque «nada lejos del centro de la ciudad» y de playa. «Quiero presentar al mundo mi visión de San Sebastián«, ha añadido Allen, quien ha alabado el trabajo de los actores: «Soy el producto de grandes actores y actrices con los que he colaborado, aunque yo me llevo el rédito de su trabajo. Los actores son el éxito de mis películas».

El filme cuenta con un reparto de primer nivel compuesto por actores nacionales e internacionales como Elena Anaya («Wonder Woman», «La cordillera», «La piel que habito», «Lucía y el sexo«), Louis Garrel («Mal genio», «Les chansons d’amour», «Soñadores» o «Un hombre fiel«, película esta última que también dirige), Gina Gershon («Killer Joe», «Lazos ardientes», «El Dilema» o «Cara a Cara«), Sergi López («A perfect day», «La propera pell», «El laberinto del fauno», «Harry, un amigo que os quiere«), Wally Shawn (veterano intérprete que ha trabajado con Woody Allen en filmes como «Días de radio», «Sombras y niebla» o «Manhattan«) y Christoph Waltz («Django desencadenado», «Malditos bastardos«, -filmes por los que ha logrado dos Premios Oscar®-, «Un dios salvaje» o «Spectre«).

Asimismo, el realizador también ha asegurado que no piensa en jubilarse: «Siempre me he centrado en mi trabajo y eso absorbe mi cerebro; no importa lo que haya pasado con mi mujer, mis hijos y la política«. «Probablemente me moriré en medio del montaje de una secuencia«, ha sentenciado.

Elena Anaya ha destacado que el guion de la película «es la historia más bonita» que ha leído jamás. «Es un sueño de día, porque Woody es un genio, es entrañable y una leyenda; ha sido un placer enorme ponerme en sus manos«.

Gina Gershon ha confesado que siempre había soñado con trabajar con Woody Allen: «Es un guion hermosísimo; un sueño hecho realidad«. También se ha referido a la situación actual en EE UU: «Son tiempos salvajes; uno tiene que analizar las situaciones y decidir cómo se siente; yo estoy encantada de formar parte de este equipo«.

Para Wally Shawn esta no es la primera colaboración con Allen. «Él me descubrió y hay una magia especial en volver a rodar con él; es algo maravilloso; porque es su sueño y nosotros nos paseamos por ese sueño«.

En cambio, para Sergi López esta ha sido la primera incursión en el cine de Allen: «El proyecto tenía muchas cosas para no dudar durante muchos segundos; yo tengo un inglés muy relativo y esto es de agradecer«.

En la película, la pareja protagonista queda prendada del festival de cine de San Sebastián, así como de la belleza y encanto de España y la fantasía del mundo del cine. Ella tiene un affaire con un brillante director de cine francés y él se enamora de una bella española residente en la ciudad, en lo que es un «homenaje al cine«, según Allen.

Esta es la cuarta colaboración entre THE MEDIAPRO STUDIO, la nueva marca del Grupo MEDIAPRO cuyo objetivo es la creación de contenido único a nivel global, y el prestigioso director y guionista después de que MEDIAPRO –que ahora cumple 25 años– produjera «Midnight in Paris«, «Conocerás al hombre de tus sueños» y «Vicky Cristina Barcelona«, filmes con los que ha logrado dos Premios Oscar®, entre otros muchos reconocimientos y galardones. Esta será también la cuarta colaboración de Woody Allen con el reconocido y laureado director de fotografía Vittorio Storaro.

La desesperación social, tráiler de «System Crasher»

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Después de debutar hace un par de años con el documental Ohne diese Welt la realizadora de origen alemán Nora Fingscheidt se estrena en la ficción con System Crasher (Systemsprenger en original), film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. System Crasher que transita a través de un drama social sobre la problemática del desamparo infantil estuvo  presente en la pasada edición del Festival de Berlín en donde fue galardonada con el Oso de Plata.

System Crasher nos presenta a una niña de 9 años abandonada por su madre llamada Bernadette, un caso complicado para los trabajadores sociales que intentan de forma desesperada buscarle un hogar de acogida, sin embargo donde sea que la llevan siempre es devuelta. En su salvaje búsqueda de amor, la enérgica e indomable Bernadette vuelve a ser llevada a una familia de acogida llevando a todos de su alrededor a la desesperación.

La película con guion de la propia Nora Fingscheidt está protagonizada por Helena Zengel, Albrecht Schuch, Gabriela Maria Schmeide, Lisa Hagmeister, Till Butterbach, Peter Schneider, Barbara Philipp, Julia Becker, Hadi Khanjanpour, Stella Brückner, Victoria Trauttmansdorff, Maryam Zaree, Tedros Teclebrhan, Matthias Brenner, Melanie Straub, Imke Büchel, Roland Bonjour, Asad Schwarz, Gisa Flake y Axel Werner.

«The Field Guide to Evil» review

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The Field Guide to Evil es el nuevo omnibus impulsado por los productores de The ABCs of Death, en esta ocasión reuniendo a algunos de los cineastas más visionarios que han circulado por el género en los últimos años para realizar una exploración colectiva del lado más oscuro del folklore en distintas partes del mundo.

Después de un tiempo en donde parecía harto difícil el encontrar películas que indagaran de alguna manera en dicha temática en estos últimos años viene siendo algo habitual la proliferación de producciones de índole episódicas,  a tal respecto raro es el año que en el festival de Sitges no se presenten algunas muestras de todo ello, en la pasada edición del certamen fueron tres las propuestas vistas en el certamen que transitaban por dicho temario, por un lado la algo decepcionante Nightmare Cinema con el aun incombustible Mick Garris al frente del proyecto, la británica Ghost Stories y por otro The Field Guide to Evil, esta última tiene la particularidad y en parte la originalidad de centrar sus historias en lo referente a relatos que transitan a través del folklore local ubicados en diferentes partes del mundo.

A modo de simple apunte si exceptuamos la seminal y fundamental Dead of Night (1945) gran parte de las películas de segmentos, empezando por ese auténtico ABC de dicha temática como fueros las producciones de la Amicus o incluso remontándonos a films realizados entre los años 70 y 80 como por ejemplo Trilogy of Terror, Creepshow o la rescatable Cat’s Eye entre otras fueron películas dirigidas por un solo director, esto de alguna manera otorgaba al conjunto un tono algo más compacto a unas películas ya de por si provistas de una naturaleza claramente irregular dada su ineludible condición estructural. Fue a principio de la presente década cuando de alguna manera dicha temática tomo un rumbo que por claros motivos coyunturales se apartaba de sus predecesores, las sagas V/H/S o The ABCs of Death o propuestas aisladas como la reivindicable Southbound son films que expanden el concepto de la colectividad autoral, realizadas con un presupuesto muy escaso y cuya rentabilidad comercial parece destinada solo a su pase por el circuito de festivales de género y su exhibición en alguna plataforma televisiva, The Field Guide to Evil podría entrar perfectamente en este grupo, como la práctica totalidad de films episódicos realizados hoy en día son dirigidos de forma colectiva por diferentes directores, algo que la deriva de forma casi obligatoria a un trazo discontinuo en lo referente a su desarrollo ocasionando cierta imposibilidad a la hora de encontrar en ellas un tono meridianamente compacto en lo que respecta a su narrativa.

The Field Guide to Evil no es una excepción en este aspecto pero al menos tiene la particularidad de transitar por lugares tan exóticos como inusuales en este tipo de propuestas, en esta ocasión a través de una indagación en los mitos y cultura locales a modo de folclore relacionado con el mal conectando inequívocamente con el denominado folk horror, el resultado viene a ser un tránsito a través de creencias locales provisto en su gran mayoría de ese mensaje de tono moralista bastante característico en los cuentos y que como era de esperar resulta harto irregular a un nivel global, sin embargo a parte del añadido de que cada historia está ambientada en el país de cada autor la nómina de los ocho responsables presentes en esta antología deviene ciertamente como muy interesante en relación a su selección, entre tanto baturrillo de intenciones y mirada dispares mucha de ellas expuestas a través de un perceptible escenario teatral  se vislumbra el talento pujante de autores tales como Ashim Ahluwalia cuya esplendida Miss Lovely nunca me cansaré de recomendar, el turco Can Evrenol, el dúo formado por los austriacos Severin Fiala y Veronika Franz, cuya inminente The Lodge les puede abrir las puertas a producciones de índole más ambiciosas, Calvin Reeder (The Rambler), Agnieszka Smoczynska también presente en el pasado Sitges con Fugue dirigiendo para la ocasión la estimularle The Kindler and the Virgin y como plato fuerte final del entramado posiblemente el mejor segmento de la película a cargo del ya indispensable Peter Strickland titulado The Cobbler’s Lot, un delicioso y ambiguo, en lo genérico como suele ser habitual en su autor, cuento popular húngaro expuesto en modo expresionista, propuesta está tan rica en matices que justifica ya de por sí un film de las características de The Field Guide to Evil.

Valoración 0/5: 3

David Cronenberg según las hermanas Soska, tráiler de «Rabid»

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En el año 1977 Rabid fue una de las primeras películas del fundamental realizador canadiense David Cronenberg y uno de los primeros eslabones de lo que se dio a conocer a posteriori como el concepto de la nueva carne, algo más de cuarenta años después ya está listo el que será su remake, una nueva versión que tendrá el mismo título original y cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Tras las cámaras nos encontramos a las hermanas Jen y Sylvia Soska responsables de trabajos como American Mary, See No Evil 2 o Vendetta. Rabid tendrá su premier mundial en el FrightFest londinense que se celebrará a finales del próximo mes de agosto.

Rabid nos cuenta como Rose es una mujer tranquila y sencilla que sueña con ser algún día una gran diseñadora de moda. Inesperadamente un día sufre un grave accidente de tráfico que la deja prácticamente irreconocible, hecho que hará que sus sueños se vayan al traste de la noche a la mañana. Desesperada por recobrar su anterior aspecto acepta someterse a un agresivo tratamiento experimental con células madre que no sólo recompone su piel, sino que la convierte en una mujer de una tremenda belleza física. Sin embargo, cuando después de la operación parece atravesar su mejor momento en la vida y piensa estar en la cresta de la ola, las cosas comienzan a torcerse drásticamente.

La película con guion de las propias hermanas Soska junto a John Serge y música compuesta por Claude Foisy está protagonizada por Laura Vandervoort, CM Punk, Ben Hollingsworth, Mackenzie Gray, Ted Atherton, Tara Yelland, A.J. Mendez, Joel Labelle, Avaah Blackwell, Hanneke Talbot, Lucas Meeuse, Jesse Griffiths y Hillary Daley.

Primer tráiler para el «Pinocchio» de Matteo Garrone

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Después del contundente y notable drama social Dogman el realizador italiano Matteo Garrone en su nuevo trabajo tras las cámaras vuelve al igual que su anterior The Tale of Tales de alguna manera a la fantasía literaria con una nueva adaptación del famoso cuento de Pinocchio, film cuyo primer avance en forma de tráiler oficial podéis ver a final de página. Roberto Benigni que en 2002 ya adapto al cine la obra interpreta en esta ocasión al personaje de Geppetto en esta ambiciosa co-producción entre Francia e Italia que aún sin fecha de salida en España tiene previsto su estreno comercial en Italia para el próximo 25 de diciembre.

Adaptando el famoso relato de Carlo Collodi el Pinocchio de Matteo Garrone nos cuenta la conocida historia de un anciano llamado Geppetto que fabrica una marioneta de madera a la que llama Pinocho, con la esperanza de que se convierta en un niño de verdad. El Hada Azul hace realidad su deseo y da vida a Pinocho que una vez cobra vida comienza a hablar, caminar, y comer como cualquier niño normal pero conservando su cuerpo de madera. Pepito Grillo, la conciencia de Pinocho, tendrá que aconsejarlo para que se aleje de las situaciones difíciles y peligrosas hasta conseguir que el muñeco se convierta en un niño de carne y hueso.

La película con guion adaptado del propio Matteo Garrone y música a cargo de Dario Marianelli está protagonizada por Roberto Benigni, Marine Vacth, Marcello Fonte, Gigi Proietti, Davide Marotta, Federico Ielapi, Gianfranco Gallo, Rocco Papaleo, Massimiliano Gallo, Massimo Ceccherini, Paolo Graziosi, Alida Baldari Calabria, Teco Celio, Alessio Di Domenicantonio, Nino Scardina,  Maria Pia Timo y Enzo Vetrano.

La orgía de los muertos. Historia del cine de zombis español

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El cine fantástico y de terror español goza de una larga tradición, intermitente en cuanto a popularidad, pero sólida a la hora de forjar un imaginario y unos hitos propios que lo distingan de otras cinematografías. Dentro de los muchos personajes, mitos y arquetipos acuñados por este cine, el zombi se erige como uno de los monstruos que más veces ha sido reformulado y cuyas películas más impacto internacional han obtenido. Desde Gritos en la noche (Jesús Franco, 1962) hasta Rec (Jaume Balagueró, Paco Plaza, 2007), pasando por los templarios ciegos de Amando de Ossorio en su emblemática tetralogía o por verdaderos puntos de inflexión en el subgénero de todo el mundo como No profanar el sueño de los muertos (Jorge Grau, 1974), el cine español de zombis cuenta con una historia que abarca casi seis décadas y que no había sido contada en profundidad hasta ahora. En La orgía de los muertos. Historia del cine de zombis español el escritor, guionista y profesor universitario Rubén Sánchez Trigos examina cada uno de los contextos socio-culturales en que tienen lugar los periodos en que se divide (las relaciones entre el cine de Jesús Franco y el horror exploitation europeo en los 60, las singularidades industriales que condicionan la representación multi-referencial del personaje en la eclosión del llamado fantaterror en la década siguiente, la nueva y mucho más naturalizada relación que mantiene la cultura española con lo fantástico en este nuevo siglo) para después analizar minuciosamente cada una de las películas producidas a lo largo de este tiempo en busca de aquellos aspectos que singularizan el cine español de zombis del producido en otros países.
El autor
Rubén Sánchez Trigos, Doctor en Comunicación Audiovisual, profesor universitario, escritor y guionista. Especializado en ficción fantástica española, ha dedicado artículos a este tema en revistas como Brumal, Pasavento o Fotocinema y en libros como Historia de lo fantástico en la cultura española (Iberoamericana, 2017), Historia de la ciencia ficción en la cultura española (Iberoamericana, 2018), Cine fantástico y de terror español (T&B, 2016), Imaginarios audiovisuales de la crisis (Eunsa, 2016) o Mad Doctors. El sueño de la razón (T&B, 2016). Ha publicado la novela Los huéspedes (Finalista del Premio Drakul de Novela) y sus cuentos se han recogido en antologías como Retrofuturismos (Nevsky/Fabulas de Albión, 2015). Es co-guionista de El intruso (David Cánovas, 2005), nominado al Goya al Mejor Cortometraje de Ficción, entre otros cortos. Entre otros proyectos audiovisuales, ha colaborado en el guión de Verónica (Paco Plaza, 2017) y como creador de personajes en el videojuego A Place For the Unwilling (Al Pixel Games). Imparte clases de guion y literatura en U-tad y en el Máster de Guión y Series de Televisión de la URJC.
Autor; Rubén Sánchez Trigos, Editorial: Shangrila, Colección Fantasmagorías libros, Páginas: 544

El Cluedo de Rian Johnson, tráiler de «Knives Out»

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Acaba de ver la luz a través de Lionsgate un primer avance en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador Rian Johnson titulado Knives Out, un film que vistas sus primeras imágenes deja bien claro su adquisición a esa clase de relatos que transitan a modo de thriller de misterio en la línea de la gran mayoría de novelas escritas por Agatha Christie en donde se tiene que desenmascarar a un culpable dentro de un grupo de sospechosos ubicados normalmente en una reunión familiar. La película se estrenará en cines de Estados Unidos el próximo 27 de noviembre, en España de la mano de eOne Films Spain lo hará el 6 de diciembre.

En Knives Out vemos como un par de detectives tendrán que resolver un terrible asesinato en una mansión rodeado de sospechosos en donde el patriarca de una poderosa familia ha muerto en extrañas circunstancias tras de celebrar su cumpleaños rodeado por sus seres queridos. Un inexplicable fallecimiento que obligara a ambos a descubrir quién es el culpable.

La película con guion del propio Rian Johnson y fotografía a cargo de Steve Yedline está protagonizada por Daniel Craig, Chris Evans, Michael Shannon, Ana de Armas, Keith Stanfield, Don Johnson, Jamie Lee Curtis, Toni Collette, Jaeden Lieberher, Riki Lindhome, Edi Patterson y Raúl Castillo.

Ciclo Tabakalera. Focos: Historia permanente del cine. Clásicos restaurados

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Así como en nuestras bibliotecas conviven y se confunden en más o menos ordenada armonía alfabética novelas, relatos, poemas, siglos y estilos de la historia de la literatura (Darío, Dickens, Didion, Dinesen, Dostoyevski, Durás, Dylan, Eco…), también en una sala como la de Tabakalera se van alternando y enriqueciendo mutuamente todos los tiempos, duraciones, estilos, sonidos e imágenes posibles de la historia del cine.

Esta composición de películas que se siguen unas a otras genera una historia permanente llena de correspondencias y diálogos entre las imágenes. Como si en una sesión de espiritismo de la Inglaterra Victoriana todos los espíritus se aparecieran al mismo tiempo para contarnos a varias voces qué hay del otro lado: “Luz, más luz”.

Pongamos por lo tanto sobre la mesa una posible teoría en la que el cine y su historia son en realidad una única película continua y sin fin que se proyecta ininterrumpidamente en todas las salas del mundo: un último paseo de Agnès Varda en una playa de Normandía en la que Buster Keaton baila un tango muy lento con Kaurismaki mientras en el horizonte suena la sirena en blanco y negro de un acorazado ruso, por ejemplo.

Es el cine en continuo diálogo con sus tres tiempos: pasado, presente y futuro.

En esta teoría, en su dimensión de “proximidad”, es importante preguntarse por la película precedente y posterior: ¿de dónde venimos? ¿a dónde vamos? En esa cercanía de los libros y de las películas “que se tocan” suceden a veces destellos que ningún libro oficial de historia del cine podrá nunca descubrir. Es cuando el espectador se convierte en montador de su propia historia del cine. En depositario de una experiencia y memoria que va uniendo a su particular manera todas las imágenes y sonidos del mundo.

Tiene también esta teoría una dimensión “lejana”, de futuro. La posibilidad de que en una sala de cine como la nuestra se estén ya proyectando todas las películas que aún no se han filmado. Y vuelvo al grupo espiritista de la Inglaterra Victoriana: Ver cine permite adivinar el futuro del cine. Ese gesto repetido de una mano acercándose a otra (Akerman, Bresson, Cocteau, Denis, Kiarostami, Lacuesta, Martel), volverá a repetirse una y otra vez en las películas que todavía no existen.

Este es el marco en el que presentamos nuestro ciclo de verano: un repaso a esa historia permanente del cine desde los años 20 a los 80 en copias restauradas y recientemente reetrenadas en festivales internacionales.

El programa se conecta directamente con uno de los objetivos clave de los socios de esta pantalla compartida: ofrecer a nuestros públicos la posibilidad de reescribir una y otra vez todas las posibles historias del cine. El Festival de San Sebastián puso en marcha hace dos años su sección de Klasikoak, donde año a año se van presentando las últimas copias restauradas de grandes títulos. Nosferatu sigue repasando autores clave de la historia. Filmoteca Vasca acaba de deleitarnos con las copias restauradas por Cineteca di Bologna del gran Buster Keaton. La escuela EQZE tiene una especialidad íntegramente dedicada a reflexionar sobre el archivo y la memoria. Y desde Tabakalera, en colaboración directa con todos los demás, tratamos de  orquestar un diálogo permanente entre ese pasado y el futuro que llega.

¿Y si a partir del nuevo curso todos los meses tuviéramos la posibilidad de que los equipos de restauración de estas películas-tesoro pasaran por nuestra sala a contarnos los procesos de investigación y restauración de esos materiales fílmicos? En la Zineskola ya están dando clase los mejores expertos internacionales, pero ahora se trata de abrirlo al público de la sala, tal y como sucedió en la sesión en la que la restauradora Cecilia Cenciarelli de Cineteca di Bologna nos contó los secretos de la nueva copia de Sherlock Jr. (Buster Keaton, 1924). Hay términos que poco a poco tienen que empezarnos a resultarnos familiares, para eso esta sala es también un aula de la Zineskola: copias originales de nitrato de primera generación, metros de película, escaneado del negativo original, remasterización, etcétera. Para ello, damos inicio a este ciclo que sirve de prólogo al programa de visitas de restauradores que se iniciará con el nuevo curso en octubre.

Llega el verano y nuestra sala se convierte en isla del tesoro, brisa, refugio.

En la Alemania del pre-expresionismo, un doctor viaja a China para investigar los efectos del Opio (Opium, Robert Reinert, 1919). A orillas del Sena, Jean y Juliette viven su particular historia de amor (L’Atalante, Jean Vigo,1934), mientras la directora Nicole Védrès retrata calles, mercados, molinos, gentes y canciones de la capital francesa (Paris 1900, 1947). La ciudad de la luz da paso a dos muertes-resurrecciones: Ordet, Carl Theodor Dreyer, 1955, y Vertigo, Alfred Hitchcock, 1958. Ahora, otra aparición: Liv Ullmann tenía 20 años cuando bailó por primera vez en el cine para la directora noruega Edith Carlmar (Ung Flukt, 1959). Y después, la crisis: Checoslovaquia, años 60, Vera Chytilová nos cuenta la historia de dos mujeres en busca del sentido de sus vidas (O necem jinem, 1963).

El verano avanza, estamos ya en el 10 de agosto, fiestas de San Sebastián: ¿qué mejor manera de celebrar que con la versión más brillante y kistch del 007 James Bond-Sean Connery (Goldfinger, Guy Hamilton, 1964). Perseidas de San Lorenzo y los mares de oriente: por un lado, la película que siempre cita Tarantino como referente directo a su Kill Bill: Dragon Inn, King Hu, 1967. Por otro, una de esas joyas perdidas y reencontradas del cine: Bara no sôretsu, Toshio Matsumoto, 1969, retrato de la escena gay underground del Tokio de los años 60.

Más rescates, más redescubrimientos: Márta Mészáros fue la primera mujer en ganar el Oso de Oro en Berlín en 1975 (Örökbefogadás). Y la directora húngara Elfi Mikesch retrata en la Alemania de 1978 los suelos de una adolescente del Berlín Este que sueña con el Caribe y con Hawaii (Ich Denke oft an Hawaii). Cerramos el verano en modo Karaoke. Al micro, La mujer Azul: Blue Velvet, David Lynch,1986:

She wore blue velvet

Bluer than velvet was the night

Softer than satin was the light

From the stars…

6 de julio, sábado, 19:00

Opium, Robert Reinert, Alemania, 1919, 112′ DCP 2K, OV GER, Sub EN-ES

*Presentado por alumnos de la especialidad de archivo de EQZE.

DCP Remasterización 2K. Reestreno internacional en el Festival de Berlín 2018, en la retrospectiva dedicada al cine de la República de Weimar.

13 de julio, sábado, 19:00

L’Atalante, Jean Vigo, Francia, 1934, 89′ DCP 4K, OV FR, Sub ES

DCP Remasterización 4K. Reestreno mundial Festival de Cannes 2017, sección Cannes Classics.

20 de julio, sábado, 19:00

Paris 1900, Nicole Védrès, Francia, 1947, 74′ DCP 2K, OV FR, Sub ES

DCP restaurado 2K. Sección Oficial del Festival de Cannes en 1947 y sección XX en 2019

27 de julio, sábado, 19:00

Ordet, Carl Theodor Dreyer, Dinamarca, 1955, 125’ DCP 4K, OV DK, Sub EN-ES

DCP Remasterización 4K. Reestreno mundial Festival de Berlín 2019, Berlinale Classics.

2 de agosto, viernes, 19:00

Vertigo (Vértigo: De entre los muertos), Alfred Hitchcock, AEB/EUA, 1958, 128′ DCP 4K, OV EN, Sub ES

DCP Remasterización 4K. Reestreno mundial Festival de Cannes 2013, sección Cannes Classics.

3 de agosto, sábado, 19:00

Ung Flukt, Edith Carlmar, Norvegia/Noruega, 1959, 94’ DCP 4K, OV NOR, Sub EN-ES

DCP Remasterización 4K. Reestreno mundial Festival de Berlín 2019, Berlinale Classics.

9 de agosto, viernes, 19:00

O necem jinem (Something Different), Vera Chytilová, Txekoslovakia, 1963, 90’DCP, OV CZ, Sub ES

10 de agosto, sábado, 19:00

Goldfinger, Guy Hamilton, Reino Unido, 1964, 108′ DCP 4K, OV EN, Sub ES

DCP Remasterización 4K. Reestreno mundial Festival de Berlín 2015, Berlinale Classics.

16 de agosto, viernes, 19:00

Dragon Inn, King Hu, Taiwan, 1967, 110′ DCP 4K, OV MAN, Sub ES

DCP Remasterización 4K. Reestreno mundial Festival de Cannes 2014, sección Cannes Classics.

17 de agosto, sábado, 19:00

Bara no sôretsu (Funeral Parade of Roses), Toshio Matsumoto, Japón, 1969, 105’ DCP 4K, OV JAP-EN, Sub ES

DCP Remasterización 4K. Reestreno mundial Festival de Rotterdam 2018,

23 de agosto, viernes, 19:00

Örökbefogadás, Márta Mészáros, Hungría, 1975, 87’ DCP 4K, OV HUNGARIAN, Sub EN-ES

DCP Remasterización 4K. Reestreno mundial Festival de Berlín 2019, Berlinale Classics.

24 de agosto, sábado, 19:00

Ich Denke oft an Hawaii, Elfi Mikesch, Alemania, 1978, 85’ DCP 2K, OV GER, Sub ES

DCP Remasterización 2K. Reestreno mundial Festival de Berlín 2019, Berlinale Classics.

30 de agosto, viernes, 19:00

Blue Velvet, David Lynch, EUA, 1986, 120′ DCP 4K, OV EN, Sub ES

El Festival de Sitges y Jardins Terramar se unen en una noche de cine con las bandas sonoras de John Williams.

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Las populares melodías de John Williams sonarán en el Festival Jardins Terramar de Sitges el próximo 27 de julio interpretadas por la Film Symphony Orchestra. El concierto es fruto del acuerdo del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y el certamen musical, que este año celebra su tercera edición.
El festival Jardins Terramar se celebra en los centenarios jardines, en un Auditorio con capacidad para 2.300 personas. Las propuestas musicales incluyen Joan Baez, Rick Astley, Luis Fonsi, Gerge Benson o Niña Pastori, entre otros. Además, este año el festival estrena el nuevo escenario Pop-Up, dedicado al talento local y con entrada libre.
La Film Symphony Orchestra llega por primera vez a Sitges donde, después de más de 60 conciertos, celebrará el último espectáculo de su gira Especial John Williams, el mayor homenaje nunca dedicado al compositor ganador de cinco Oscar y 51 nominaciones.
Bajo la batuta del carismático director de orquesta Constantino Martínez-Orts, sonarán las bandas sonoras más reconocidas del compositor: Harry Potter, Star Wars, Jurassic Park, Superman, Indiana Jones, Tiburón o La lista de Schindler, entre otras.
El acuerdo de colaboración entre el Festival de Sitges y Jardines Terramar responde al objetivo de generar una dinámica de festivales y potenciar Sitges y su apuesta cultural.
Más información y entradas aquí.

Cartel y tráiler en castellano para «Remember Me»

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Después de su opera prima Money y tras una larga carrera como cortometrajista de cierto renombre, con más de doscientos galardones en festivales de medio mundo, el realizador de origen español Martín Rosete tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Remember Me, film cuyo primer tráiler en castellano y póster oficial acaba de ver la luz y podéis verlo a final de página. Con un rodaje que ha transcurrido por diversas localizaciones de Madrid, Navarra, París y Los Ángeles esta historia otoñal en palabras del propio Martín Rosete fue: «desde el primer momento en el que escuché la historia de Remember Me, supe que era algo especial. La historia perfecta para una película maravillosa alejada de toda convención. Un relato de los que merecen todo el esfuerzo que haga falta para llevarla a la gran pantalla». La película de la mano de Filmax se estrenará en los cines de nuestro país el próximo 2 de agosto.

En Remember Me vemos como Claude es un hombre viudo de unos setenta años, que vive solo y está desencantado con su única hija, se entera un día de que Lillian, la mujer que fue el primer amor de su vida tiene Alzheimer y está ingresada en una residencia especializada. Claude va a visitarla y decide fingir tener la enfermedad para ingresar en la misma residencia y estar junto a ella, sin decir nada a nadie de su familia o entorno, salvo a un vecino y amigo llamado Shane que se convierte en su cómplice de fechorías. Pero Lillian, una conocida actriz de teatro, no le recuerda y Claude tendrá que luchar para conseguir dar la vuelta a esta situación aunque por ello tenga que mentirle a su familia. En su epopeya contará con la ayuda de su nieta Tania, una adolescente problemática que se volcará con su historia.

La película con guion de Rafa Russo y música a cargo de Pascal Gaigne está protagonizada por Bruce Dern, Caroline Silhol, Sienna Guillory, Brian Cox, Verónica Forqué, Brandon Larracuente, Nicole Ansari-Cox, Kit Lang, Ben Temple, Stephen McFarlane y Karina Kolokolchykova.

«The Dead Don’t Die» review

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The Dead Don’t Die anteriormente conocida con el título de Kill the Head nos sitúa en la pequeña localidad estadounidense de Centerville, en ella los muertos vuelven a la vida y un variopinto grupo de personajes entre los que se encuentran una peculiar pareja de policías tendrán que hacerles frente.

Durante estos últimos años viene siendo algo habitual algo impensable hace solo unas décadas, el ver como autores con un discurso tan consecuente como reconocible a lo largo de una extensa trayectoria recurren al género fantástico a la hora de extender o incluso bifurcar su mirada a través de géneros cinematográficos que en un principio no parece ser afines a un supuesto ideario temático transitados con anterioridad como por ejemplo el francés Bertrand Bonello con su notable Zombi Child por citar un solo nombre, sin embargo con respecto a un realizador de las características de Jim Jarmusch dicha indagación genérica no es nueva, trabajos como Dead Man, Ghost Dog: The Way of the Samurai o el notable relato vampírico existencial Only Lovers Left Alive así lo atestigua, en The Dead Don’t Die Jarmusch se adentra en una temática tan saturada y saqueada a día de hoy como es la de los zombies, a través de ella se incide tanto en la retórica como en la parodia a la hora de mostrarnos una mirada muy poca esperanzadora de una actual Norteamérica que parece direccionada irremediablemente hacia el apocalipsis.

Lo primero que habría que señalar con respecto a The Dead Don’t Die es que esta no es, o en su defecto no actúa, a modo de una comedia al uso como muchas propuestas que en estos últimos años han transitado a través de dichas coordenadas genéricas, dicho de otra manera, el film se sitúa en las antípodas de productos como por ejemplo Zombieland o Shaun of the Dead, siendo una película tan irónica como por momentos una desconcertante comedia lacónica, ante tal disquisición el nuevo trabajo tras las cámaras de Jim Jarmusch se posiciona a través de una supuesta hibridación entre el cine de autor y el de género recurriendo en todo momento a una mirada que deviene como satírica y nada mainstream como alguien pueda pensar erróneamente en un primer momento aunque algo desgastada a un modo estructural en referencia a su percepción de lo independiente, a través de ella se nos presenta a modo de  metáforas sociopolíticas los males que a día de hoy puebla los Estados Unidos, a tal respecto si hay un tipo de cine del que bebe si bien no tanto en sus formas pero si en su fondo es el de George A. Romero, ese discurso que por momentos parece ser unísono nos dice que los muertos vivientes no dejan de ser víctimas o en menos medida reflejos de los males de la sociedad tales como el desmedido consumismo, la problemática racial o el caos medioambiental entre otras lacras endémicas de una sociedad que se atisba como enferma. Jim Jarmusch a tal respecto echa mano tanto de la auto parodia intrínseca de su cine, provista en esta ocasión de un gran número de momentos meta plagados de autorreferencialidad como a una deconstrucción genérica que en esta ocasión deviene como algo más liviana en comparación con la profundidad existente de por ejemplo Only Lovers Left Alive pese que en su parte final se incida en demasía en el supuesto subtexto del mensaje. The Dead Don’t Die por consiguiente actúa a modo de fábula moral bajo un claro trazo de ser un divertimento de lujo utilizando como escenario para la ocasión a una población rural en donde sus protagonistas nos son presentados  como habitantes de una ficción que se prevé como apocalíptica a través de un relato bastante más turbio y desmoralizador de lo que uno puede imaginar en un primer momento y en donde Jarmusch parece que en esta ocasión deja de lado el cine dialógico optando por esa otra cosa tan característica en su cine como es el maquillar los códigos estéticos dando como resultado una historia que en ningún momento da la impresión de abrazar la no verosimilitud del relato en cuestión.

Posiblemente el vehículo utilizado en esta ocasión por Jim Jarmusch este en la actualidad demasiado saturado,  el cine de temática zombie en estos últimos años ha sido diseccionado desde casi todas las perspectivas posibles por lo que es ciertamente complicado el intentar innovar o sorprender a través de dichos esquemas, si a esta ineludible tesitura percibimos un cierto desinterés por parte del responsable de Patterson por llevar al film hasta sus últimas consecuencias queda bastante claro que no estamos ante una de las mejores películas de su autor, aun así  The Dead Don’t Die que como toda buena película de zombies viene provista de una evidente carga política atesora suficientes atributos como para que sea considerado como un trabajo menor por mucho que al final no logre llegar mucho más allá de lo que ya nos explicaba de forma sistemática George A. Romero en sus películas, aquello de que ellos, por los zombies, somos nosotros y el mundo en cuestión está bastante jodido.

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