Con el anuncio ayer de las películas que conforman la sección oficial de la próxima edición del Festival de Cannes varios son los primeros adelantos de algunas de las presencias que se podrán ver en el certamen galo, Z (Comme Z) conocida en Estados Unidos con el título de Final Cut, cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, será la encargada de inaugurar fuera de competición el festival el próximo 17 de mayo. Dirigida por Michel Hazanavicius, (The Artist 2011, Le redoutable 2017), la película, que en un principio tenía que haber estado presente meses atrás en el Festival de Sundance, es un remake de la comedia independiente meta de terror japonesa One Cut of the Dead de Shinichirô Ueda.
Z (Comme Z) nos sitúa en una fábrica en desuso, el rodaje de una película de terror de serie Z está en pleno apogeo. Técnicos hastiados, actores desinteresados… sólo el director parece poseer la energía necesaria para dar vida a esta enésima película de zombies de bajo presupuesto. Durante la preparación de un plano particularmente difícil, el rodaje se ve interrumpido por una erupción de unos muertos vivientes aparentemente reales. Frente a la cámara, todo parece más o menos normal. Detrás de él, el equipo se mueve libremente con la única intención de salvar la película mientras sigue un único lema: ¡NO CORTES!
La película que se estrenará comercialmente en Francia el próximo 15 de junio cuenta con guion adaptado a cargo del propio Michel Hazanavicius estando protagonizada por Matilda Anna Ingrid Lutz, Bérénice Bejo, Romain Duris, Luàna Bajrami, Lyès Salem, Finnegan Oldfield, Grégory Gadebois, Raphaël Quenard, Sébastien Chassagne, Jean-Pascal Zadi, Charlie Dupont, Agnès Hurstel, Raïka Hazanavicius, Yumi Narita y Simone Hazanavicius.
https://youtu.be/OO_VMCuhUe4
Fabrice Du Welz se hace apropio en el buen sentido de la palabra de un material que da la sensación de ser en una primera instancia de derribo o manido, según se prefiera el termino, pero que en realidad atesora en su interior un muy generoso número de segundas lecturas y lo que es más importante un subtexto en la historia que actúa como tal, a tal respecto Inexorable es interpretable en una primera instancia como un retrato sobre el concepto de la descomposición que parece revisitar a través de reconocibles pautas genéricas ese concepto del thriller USA tan característico en los años 90 en donde la aparición de un intruso que descubre las mentiras e imposturas de los otros termina por desestabilizar un núcleo familiar de engañosa apariencia sólida, las muestras son abundantes pero películas que lograron ser puntas de iceberg en tal cometido como Fatal Attraction (Adrian Lyne 1987), The Hand that Rocks the Cradle (Curtis Hanson 1992) o Single White Female (Barbet Schroeder 1992) entre otras muchas nos mostraban bajo la apariencia y los dictámenes de un thriller visceral como esa forzada tensión sexual provocada desde el exterior podía desencadenar en algo ciertamente horrible.
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parisino en donde han vivido la práctica totalidad de su vida adulta los dos protagonistas del relato, un habitáculo lleno de recuerdos, libros, carteles relacionados con el cine aderezado con un cierto radicalismo cultural de los años sesenta y setenta, una atiborrada decoración que funciona como metáfora perfecta en relación a como la memoria y la experiencia de un tiempo pretérito terminan encontrando inevitablemente un punto de conexión con la decadencia mental. En este aspecto Gaspar Noé es lo suficientemente inteligente como para no renunciar del todo a esas coordenadas autorales que dan pie a un reconocible virtuosismo formal pese a abordar un relato más lineal que de costumbre siendo relativamente fiel a unos parámetros estéticos en la medida de aplicar una experimentación que inciden principalmente en lo concerniente a la incomodidad por la que se mueven sus personajes, en esta ocasión en referencia a la utilización de un split-screen en encuadres 2,35:1 que juega de forma reiterada con el doble punto de vista y que nos deriva al mismo tiempo a un movimiento desatado en donde esa crispación tan marca de la casa de su autor hace tímidamente acto aparición en lo concerniente a la continua y por momentos desesperada agitación de sus protagonistas dentro de un espacio reducido, cercano a un angustioso laberinto, a modo casi de último bastión de resistencia por parte de ellos contra la muerte.
Convertido por derecho propio en la quintaesencia del antihéroe estadounidense, Snake Plissken es hoy todo un referente cultural capaz de resistir a los embates del tiempo transcurrido desde su primer contacto con el público en el estreno de 1997: Rescate en Nueva York, en 1981. Haciéndose eco de sus apariciones —no siempre oficiales— en películas, novelizaciones, cómics o videojuegos protagonizados por uno de los más célebres personajes jamás creados por el cineasta John Carpenter, Snake Plissken: Forajido americano analiza las deudas de este antihéroe para con el momento histórico del que surgió, las películas 1997: Rescate en Nueva York y su mimética secuela, 2013: Rescate en L.A., estrenada en 1996, su dependencia respecto a la errática carrera profesional del cineasta y su liberal pero progresivamente desencantada visión de las cosas, o su demostrada capacidad para persistir en medios y tiempos ajenos a los que lo vieron nacer, sin perder un ápice de su malcarada personalidad por el camino. A través de numerosas fuentes y entrevistas a muchos de los implicados en la construcción de Plissken como arquetipo simultáneamente clásico y contemporáneo hasta lo perturbador, este libro recorre las cuatro décadas que separan aquella primera y ya remota primera aparición hasta contemplar, al filo de un remake eternamente anunciado pero nunca concretado, su posible lugar en las distópicas sombras de los EE.UU. de hoy.
