Película basada en una historia real que tuvo lugar en 1971, cuando el profesor de Stanford Dr. Philip Zimbardo creó lo que se convirtió en uno de los experimentos sociales más impactantes y famosos de todos los tiempos: en unos días fue capaz de convertir a un grupo de ciudadanos de clase media en gente sádica por un lado y víctimas sumisas por otro.

«The Stanford Prison Experiment» es la tercera aproximación en celuloide del famoso estudio psicológico universitario acontecido en el verano de 1971 en la universidad de Stanford, si en el film alemán basado en el libro “The Black Box” de Mario Giordiano y dirigido por Oliver Hirschbiegel «Das Experiment» (2001) y su posterior remake estadounidense «The Experiment» (2010) se apoyaban en el caso real para acabar desenvolupando una suerte de drama de suspense con contornos de thriller de tono algo pueril en su tramo final, «The Stanford Prison Experiment» es de una forma clara la que expone de manera más fidedigna y detallada el suceso acontecido.

Aunque claro el llegar en último lugar en un periodo de tiempo relativamente corto supone un ligero hándicap a la hora de valorar la relativa exclusividad del relato, no tendría que ser así pero es algo inherente en la apreciación que puede haber por parte del espectador, «The Stanford Prison Experiment» pese a ser claramente superior a sus predecesoras no acaba de ser redonda en sus propósitos, si hace bien poco hablábamos de como «Experimenter» el reciente biopic sobre el psicólogo Stanley Milgram perpetrado por Michael Almereyda no terminaba de explorar de una manera convincente todas las enormes posibilidades de la historia, Kyle Patrick Álvarez tampoco llega a profundizar con suficiente acierto sobre tan apasionante estudio social y sus posteriores consecuencias y reflexiones, «The Stanford Prison Experiment» es una película filmada de manera pulcra, incluso por momentos de forma elegante pese a su bajo presupuesto, con un acertado uso del espacio escénico de tono claustrofóbico, interpretada de manera muy acertada por casi todo el casting, pero fracasa a la hora de reflexionar y analizar con solvencia sobre los comportamientos que afloran en los personajes dentro de la situación a los que han sido sometidos, sumisión, abuso de poder, vulnerabilidad, etc.

El film de Kyle Patrick Álvarez da la impresión de que solo pone cierto énfasis en mostrarnos los hechos-comportamientos y poca cosa más, no se profundiza más allá de los actos mencionados, no deja de ser sintomático como lo más interesante a la hora de discernir sobre el alegato por parte de los propios personajes acontezca en base a entrevistas después del experimento y que podemos ver de una forma muy escueta durante los títulos de crédito finales, en este aspecto creo que el gran lastre existente en «The Stanford Prison Experiment» es el retrato algo difuso que vemos del doctor Phil Zimbardo interpretado por Billy Crudup, retrato por cierto nada complaciente pese a participación del mismo Zimbardo en el proyecto, teóricamente y tal como está estructurado el film a él le corresponde discernir acerca del lento desfase psicológico de las cobayas humanas que controla a través de cámaras de video, dando como resultado la extrapolación de la impresionabilidad y la obediencia de los sujetos cuando a estos se le proporciona una ideología legitimadora, sin embargo este en teoría rol que tendría que ser primordial se presenta lleno de dudas y muy falto de matices, básicamente solo se plantea el debate entre la protección de sus estudiantes o la de su investigación, cuestiones tales como la supuesta falta de ética y las barreras existentes en los límites del método científico quedan muy diluidos en el film, apenas son esbozados. «The Stanford Prison Experiment» termina convirtiéndose en un paradigma de como mostrar con cierto aplomo matices de tono realista en su puesta en escénica pero sin llegar a adecuar de una forma concisa ese microcontexto de la sociedad que se ve reflejado en los actos y comportamientos de los que vamos siendo testigos a lo largo del metraje.  

Valoración 0/5:2’5

Alexander es como cualquier otro niño: juguetón, curioso e ingenuo. También es un asesino entrenado. Criado en un paraíso escondido, Alexander ha crecido viendo el mundo filtrado a través de su padre, Gregori. Cuando Alexander comienza a pensar por sí mismo, sus miedos toman forma, y el mundo idílico de Gregori se desenreda.

Ariel Kleiman una de las promesas del nuevo cine independiente proveniente de Australia nos presenta «Partisan«, su estimulante debut en el largometraje después de dirigir distintos cortometrajes en donde nos ofrece una alegoría de ubicación atemporal (podríamos estar hablando perfectamente de pasado, presente aunque presentimos por pequeños detalles que estamos dentro de un futuro muy poco halagüeño) acerca de un poder impuesto por los lazos patriarcales representado en el film en la creación de un mundo endogámico alejado de los patrones de autoridad institucionales que todos conocemos, liderado bajo los rasgos de un excelente Vicent Cassel, personaje este que se nutre de la inocencia y sumisión de los más débiles para beneficio propio, una cinta que basa su principal propuesta en no intentar sobre explicar prácticamente nada, a partir de aquí Ariel Kleiman nos propone una amplia lectura de contornos vitales direccionado especialmente a través del paso a una edad adulta del niño protagonista (un extraordinario Jeremy Chabriel  que sabe estar a la altura del actor galo) y como este tiene que sufrir la consabida maldad social-patriarcal que se nutre de los más débiles, una debilidad que está a punto de abandonar para adentrarse en un mundo ya real, un mundo circunscrito propio que se rige por unas impostadas leyes, equivocadamente morales, todo ello apoyado de manera acertada por una minimalista y por momentos elegante puesta en escena.

Sería un error el pensar que una película como «Partisan» sea simple, sencilla o que transite por territorios algo convencionales en todo lo que nos va exponiendo, nada más lejos de la realidad, estamos ante una de esas cintas en la que hay que escarbar de forma concienzuda para poder ver lo que atesora en su interior, más que en el avance psicológico y personal de los protagonistas la apuesta de Ariel Kleiman no deja de ser un perfecto y notable ejemplo de ese cine de claro calado metafórico, rico en un variado esquema de analogías y que abre múltiples vías de interpretación y extrapolación incluso hacia diferentes aspectos sociales del actual mundo, aunque claro todo esto requiere de un ligero esfuerzo por parte del espectador, es ahí en donde «Partisan» gana muchos enteros y adquiere por derecho propio un estatus y unas connotaciones propias de un film casi de horror real, una reflexión adquirida ante lo que vemos que nos deriva directamente hacia el malestar por la lectura social y política que hemos ido asimilado a lo largo del film, todo un logro.

«Partisan» salvando las consabidas distancias podría devenir perfectamente casi como una versión real y autoral del «They Live» de John Carpenter, un film poseedor de una libertad creativa que se aleja de forma consciente de las consabidas etiquetas cinematográficas de trazo y características evidentes, convirtiéndose por derecho propio en una de las pequeñas joyas indie a descubrir del pasado año.

Valoración 0/5: 4

Ambientada en el Barroco, narra, con tintes fantásticos, las historias de tres reinos y sus respectivos monarcas. La de la reina de Longtrellis (Salma Hayek) y su marido (John C. Reilly), la de dos misteriosas hermanas que encienden la pasión del rey de Strongcliff (Vincent Cassel), y la del rey de Highhills (Toby Jones), obsesionado con una pulga gigante, que le lleva a romper el corazón de su joven hija… Libre adaptación de “El cuento de los cuentos”, del napolitano Giambattista Basile, célebre autor de relatos cortos del siglo XVII.

«The Tale of Tales» supone la primera y ambiciosa producción (12 millones de euros de presupuesto) en lengua inglesa del director italiano Matteo Garrone, un autor que anteriormente había incidido en un distorsionado realismo con títulos tan sugerentes como «Gomorra» o «Reality«, ahora en «The Tale of Tales» cambia por completo de rumbo y conceptos para adaptar tres historias incluidas en ‘El Pentamerón’ del autor napolitano  Giambattista Basile, unos relatos en donde se nos muestra el reverso oscuro del arquetípico cuento de hadas amable, una fábula grotesca de contornos barrocos y poseedor por momentos de un tono exhibido que bordea lo más puramente absurdo, cuentos en definitiva ajenos y completamente alejados de la corrección política que imperaba en este tipo de literato del siglo XXI.

Un trabajo bien ejecutada por parte de Matteo Garrone que nos muestra tres historias en donde los personajes pese a no tener ninguna interacción ni conexión entre ellos mismos salvo en alguna escena intrascendente conviven dentro de un espacio e imaginario común, tres historias acerca de la vida y la muerte, obsesiones varias que llevan a sus personajes a límites insospechados, envidia, lujuria e ira, un repleto catálogo de situaciones de tono transgresivo que termina derivándolo hacia una fantasía bufonesca, dejándonos imágenes para el recuerdo (en este aspecto la potencia y sobriedad visual de la que hace gala la película se erigen como uno de sus principales activos)  y que nos demuestra de paso que se puede hacer un tipo de cine de género en Europa tan diferente como arriesgado, Matteo Garrone nos presenta una serie de personajes que podrían estar perfectamente ubicados dentro de cualquier típico cuento de niños al uso, sin embargo pese a utilizar esquemas muy reconocibles y bordear una cierta previsibilidad en lo referente a su narrativa la cinta deviene como un trabajo sorprendente y completamente atípico dada su propia naturaleza, una onírica y fresca interpretación del origen malsano e imperfecto de los cuentos convencionales, que logra por momentos satirizar dicho concepto.

Matteo Garrone en «The Tale of Tales» hace gala seguramente de manera algo inconsciente de unas ciertas reminiscencias del cine que en su día hizo Pier Paolo Pasolini, especialmente en lo referente al dominio de los tempos que suele abarcar lo poético y lo onírico. A la hora de resaltar puntos a su favor también cabria subrayar el notable trabajo de actores de renombre como Salma Hayek, Vincent Cassel o Toby Jones, este último todo un paradigma de acertada contención actoral, algo que viene a paliar en parte ese inglés impuesto y tan poco propicio para un producto de estas características.

«The Tale of Tales» termina convirtiéndose en una estimulante rara avis de género hecho en Europa, un plato que posiblemente no este destinado para todos los paladares, su larga duración y una cierta irregularidad e inconexión en lo referente a personajes y argumento dado su variado y disperso esquema estructural  puede dar a lugar a una ligera sensación de exceso mal entendido, sin embargo si sabrán apreciarlo especialmente aquellos ávidos seguidores de ese fantástico que explora las vías menos usuales y poco comunes en lo que es su exposición, en definitiva un cuento anómalo en donde curiosamente su incuestionable base fantástica y su arte barroco de tono pictórico la direccionan a un realismo de contornos casi transgresores, lo dicho una maravillosa rareza difícil de ver en el actual panorama genérico.  

Valoración 0/5:4

Nueva Inglaterra en el año 1630. Una familia de colonos cristiana, formada por un matrimonio y sus cinco hijos, vive cerca de un bosque que, según las creencias populares, está controlado por un mal sobrenatural. Cuando su hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros. Más allá de sus peores temores, un mal sobrenatural les acecha en el bosque cercano.

«The Witch» fue el film encargado de inaugurar la pasada edición del festival de Sitges, posiblemente si el debut en la dirección de Robert Eggers (galardonado de forma incuestionable a la mejor dirección en el pasado Festival de Sundance) hubiera ido a concurso habría arrasado en el palmarés pues estamos ante una pieza que supone un brillante regreso a la representación de un terror serio y adulto de época, algo bastante escaso últimamente, de contornos casi minimalistas, por momentos de un tono casi teatral (en lo positivo del termino)dada su claustrofóbica ubicación, todo ello mostrado de manera casi primigenia, en donde sobretodo se prioriza lo sugerido a lo explícito en base a un apabullante y malsana recreación atmosférica compuesta de planos extremadamente depurados, acompañado y ensamblado de manera notable por el trabajo del director de fotografía Jarin Blaschke y el compositor Mark Korven, una presión ambiental la mostrada que nos va a acompañar en un angustiante in crescendo representada como amenaza mitad sobrenatural mitad mitológica, un cuento folklórico de terror construido a partir de elementos históricos y tradicionales.

Convendría  apuntar en este aspecto como la lectura fantástica que nos propone «The Witch» llega a ser por momentos fascinante, es harto evidente que la historia expuesta juega sin ningún tipo de pudor a una cierta ambivalencia, ¿existe realmente la bruja?, ¿estamos ante un caso de histeria colectiva en forma de drama psicológico de influencias puritanas?, sus últimos diez minutos son bastantes aclaradores en lo referente a estas interrogantes sin embargo convendría resaltar como Robert Eggers desubica he invita a posibles reflexiones sin el gratuito recurso del fácil engaño y de una forma inteligente al espectador en lo referente a posibles interpretaciones para nada cripticas que puedan hallarse dentro de la historia, y lo hace durante muy especialmente al final de la película pues la parábola e incluso la metáfora están perfectamente integradas dentro del relato, podríamos poner como ejemplo entre otros muchos como posible desencadenante de ese oscuro imaginario a una supuesta e hipotética liberación femenina, consciente o no, de las cadenas de sumisión patriarcales y del fundamentalismo religioso existente en la época.     

De hecho podríamos aseverar que la narrativa argumental de «The Witch» es tan simple como casi anecdótica, una representación perturbadora acerca de una histeria puritana ubicada en el núcleo de una familia abandonada en el escenario de un territorio completamente hostil. Robert Eggers, un nombre que seguir en el futuro de una forma obligada logra en «The Witch» un cine independiente de genero de alta calidad y voltaje, pero sobre todo un producto que deviene como un extraordinario y depurado ejercicio de estilo fílmico y devuelve al igual que lo hizo recientemente Rob Zombie en su magnífica «Lords of Salem«, a la figura de la bruja una dignidad cinematográfica bastante abandonada y frivolizada en los últimos tiempos, un ejercicio de terror en estado  puro que se sitúa a las antípodas y se aleja de forma consciente del trazado más puramente pirotécnico e incluso del drama carente de elementos fantásticos como hemos visto en otros films que se ubicaban en una mayor o menor medida dentro de un escenario de características similares como pueden ser «Witchfinder General« 1968 o «The Crucible» 1996 por ejemplo, «The Witch» de paso se convierte en una muestra inusual hoy en día de cómo lograr incidir en la psicología del espectador en base a una serie de sugerencias fuera de campo, un catálogo de elementos invisibles, un servicio técnico este primordial en la narrativa impuesta por Robert Eggers, consiguiendo una sensación de angustia tan efectiva y elegante como meritoria, en base a una utilización de planos completamente minuciosos aderezados con tonos elegantemente pictóricos, todo ello sin llegar a recurrir en lo gratuito sino a todo lo contrario, todo un triunfo digno de alabar.

Habrá que esperar como la Universal distribuye comercialmente un producto de estas características, sería de agradecer que fuera valorada y consiguiera unos resultados acordes con su indiscutible calidad, el veredicto en el circuito de festivales de este 2015 ha sido bastante claro y definitorio en este aspecto, esperemos y deseemos que también lo sea de una manera global a la hora de su estreno.

Valoración 0/5: 4

Termina el año y es hora de hacer un repaso de lo mejor que nos ha deparado este 2015 en referencia a ese género que tanto apreciamos en Fantasia como es el fantástico, próximamente habrá otra nueva lista de lo mejor, en esta ocasión sera desde un nivel general de todo el cine que hemos podido ver en este 2015. Un año en definitiva muy rico e intenso en propuestas presentadas desde  varias índoles y conceptos, por ello he creído conveniente aportar más títulos de lo habitual dada la fecunda cosecha, serán al final un total 10+5, apuntar del mismo modo por si alguien le extraña la falta de algún título en concreto o la aparición de otros que desconoce que la lista definitiva se ciñe a los films vistos por un servidor durante el año de una forma global, estrenos, festivales y demás circuitos de distribución, obviado como en estos últimos años el desolador y para nada real panorama de estrenos cinematográficos en territorio Español, lamentablemente el cinéfilo inquieto se ve obligado a recorrer certámenes y eventos o acudir al consumo doméstico para poder tener acceso a según qué materiales.

Antes convendría señalar algunas claves que han marcado el año, resaltar como dos autores veteranos como son George Miller y Hou Hsiao Hsien han logrado un consenso crítico fuera de toda duda, con «Mad Max: Fury Road» el australiano a fabricado un film que marcara, una reinterpretación mejorada y amplificada de forma excepcional de un universo e imaginario propio, y con «The Assassin» el veterano director taiwanés debuta trasladando de forma maestra su incuestionable trazo autoral en el subgénero del Wuxia. A día de hoy señalar que se produce un elevadísimo número de películas de género a nivel global, esto a la fuerza tiende a ser positivo, en este aspecto resaltar dos líneas que se me antojan primordiales, por una parte, la pujanza y proliferación de una cinematografía independiente USA, esa marca Sundance tan cacareada últimamente de nuevos valores, directores de la talla de Robert Reggers (The Witch), Jeremy Saulnier (Green Room), Jon Watta (Cop Car), Osgood Perkins (February) o  Craig William Macneill (The Boy)entre otros que nos presentan notables propuestas que lo validan para dar ese paso adelante hacia un tipo de cine mainstream de gran estudio como en su día ya hicieron autores como Colin Trevorrow o Rian Johnson, y por otra parte una globalización territorial en Europa a la hora de producir films de género fantástico, impera las coproducciones en detrimento de una identidad propia que delimita fronteras, hace tiempo que no existe ese escuela italiana de horror tan característica o ese tipo de cine extremo proveniente de Francia tan fecundo hace unos años por poner solo dos ejemplos, un nueva corriente esta que incluso ha dado paso a cinematografías poco dadas al fantástico como Turquía (Baskin) o Israel (Jeruzalem) a presentar propuestas interesantes y validas, y hablando de pujanzas destacar también la fuerza y la ya incuestionable realidad del cine proveniente de Latinoamérica no solo en lo concerniente al género fantástico sino también en la de un cine generalista, un auge este que en los próximos años puede presentarse como algo muy a tener en cuenta.

Para acabar y aunque no soy muy dado a resaltar lo negativo destacar tres puntos específicos, por un lado la sobresaturación del cine de superhéroes ya no solo en la gran pantalla sino también ya en el ámbito televisivo, no deja de ser una casualidad que el espectador algo cansado de este tendencia  haya preferido desviar su mirada hacia films que aunque de un tono algo regular se apartaban de esa vía como fueron «Jurassic World» o «The Martian«, lástima que no fuera el mismo caso de la notable «Crimson Peak» de Guillermo del Toro, unos pobres resultados económicos los cosechados que demuestran que lo gótico a día de hoy no vende. También resaltar la ausencia en la lista de «Star Wars: The Force Awakens«, aun reconociendo su indiscutible validez como evento enriquecedor del cine de masas nunca he sido un ferviente seguidor del universo creado por Gorge Lucas, y en un film que basa su principal potencial en el guiño o añoranza de unos referentes ya expuestos en el pasado es algo que ha de tener un peso específico a la hora de valorarlo de una forma ecuánime, por fortuna hace años que abandone ese fundamentalismo fan tan expuestos en estos días a raíz del estreno del film de J. J. Abrams, del mismo modo tampoco me vanaglorio de un postureo exhibido por aquellos que sitúan su mirada por encima del film sin siquiera haberlo visto. Por último y para acabar señalar la decepción que supuso el visionado de «Regresión» de Alejandro Amenábar, un director que en su día rejuveneció el cine de género patrio y que este año nos presentó un film fallido en prácticamente todas sus vertientes y que demuestra encontrarse en las antípodas de la brillantez de sus primeros trabajos.

Top ten

1 «Mad Max: Fury Road». George Miller

Perseguido por su turbulento pasado, Mad Max cree que la mejor forma de sobrevivir es ir solo por el mundo. Sin embargo, se ve arrastrado a formar parte de un grupo que huye a través del desierto en un War Rig conducido por Furiosa, una mujer también de acción que cree que logrará sobrevivir si cruza el desierto y llega a la tierra en la que se crió.. Escapan de una Ciudadela tiranizada por Immortan Joe, a quien han arrebatado algo irreemplazable. Enfurecido, el Señor de la Guerra moviliza a todas sus bandas y persigue implacablemente a los rebeldes en una «guerra de la carretera» de altas revoluciones..

2 «The Assassin». Hou Hsiao Hsien

China, siglo IX. Nie Yinniang regresa a casa de su familia tras años de exilio. Educada por una monja que la inicia en las artes marciales, es una auténtica justiciera cuya misión es eliminar a los tiranos. Su maestra le encarga como misión matar a su primo Tian Ji’an, gobernador disidente de la provincia militar de Weibo. Nie Yinniang tendrá que elegir: sacrificar al hombre que ama o romper definitivamente con «la orden de los Asesinos».

3 «Ex Machina». Alex Garland

Caleb es un programador de 24 años que trabaja en una de las mayores empresas de Internet del mundo, un día gana un concurso cuyo premio es una semana de vacaciones en la mansión privada del presidente ejecutivo de la compañía. Cuando Caleb llega a la estupenda casa en medio de la nada, descubre que deberá participar en un experimento tan extraño como fascinante en el que interactuará con la primera inteligencia artificial auténtica del mundo que habita en el cuerpo de una preciosa mujer robot.

4 «Evolution». Lucile Hadzihalilovic

Nicolas tiene diez años y vive con su madre en una isla remota, en un pueblo habitado exclusivamente por mujeres y niños. En un hospital junto al océano, todos los niños están sujetos a un misterioso tratamiento médico. Nicolas es el único que cuestiona lo que está ocurriendo a su alrededor. Siente que su madre le está mintiendo, y está dispuesto a averiguar la verdad… Lo que descubre es el comienzo de una pesadilla a la que se ve irremediablemente arrastrado. Pero Nicolas encontrará en Stella, una joven enfermera del hospital, una aliada inesperada…

5 “Inside Out”. Pete Docter,  Ronnie Del Carmen

Riley es una chica que disfruta o padece toda clase de sentimientos. Aunque su vida ha estado marcada por la Alegría, también se ve afectada por otro tipo de emociones. Lo que Riley no entiende muy bien es por qué motivo tiene que existir la Tristeza en su vida. Una serie de acontecimientos hacen que Alegría y Tristeza se mezclen en una peligrosa aventura que dará un vuelco al mundo de Riley.

6 «High-Rise». Ben Wheatley

1975. Dos millas al oeste de Londres. El doctor Robert Lang se muda a su nuevo apartamento buscando un desangelado anonimato, solo para descubrir que los residentes del edificio no tienen intención de dejarlo en paz. Resignado a las complejas dinámicas sociales que lo rodean, Lang afronta la situación y se convierte en un buen vecino. Mientras trata de establecer su posición, los buenos modales y la salud mental de Lang se desintegran con el edificio. Las luces se apagan y los ascensores no funcionan, pero la fiesta continúa. La gente es el problema. La bebida, la moneda de cambio. El sexo, la panacea.

7 “The Witch”. Robert Eggers

Nueva Inglaterra en el año 1630. Una familia de colonos cristiana, formada por un matrimonio y sus cinco hijos, vive cerca de un bosque que, según las creencias populares, está controlado por un mal sobrenatural. Cuando su hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros. Más allá de sus peores temores, un mal sobrenatural les acecha en el bosque cercano.

8 «Love and Peace». Sion Sono

Ryoichi es un oficinista que sueña con ser una estrella de la música y que adora a su tortuga Pikadon. Cuando sus compañeros comiencen a mofarse de él, se verá forzado a tirar a su querida mascota por el váter. La tortuga, por su parte, emprenderá su propia aventura.

9 “The Forbidden Room”. Guy Maddin

La tripulación de un submarino, una partida de temibles bandidos del bosque, un cirujano famoso y un batallón de niños soldados. Todos reciben más de lo que esperaban, ya que se abren camino hacia las ideas progresistas sobre la vida y el amor.

10 “The Lobster”. Yorgos Lanthimos

Narra una historia de amor no convencional, ambientada en un mundo distópico, en el que según las reglas establecidas, los solteros son arrestados y enviados a un lugar donde tienen que encontrar pareja en un plazo de 45 días. El tema central es la soledad, el temor a morir solo, a vivir solo, y también al temor a vivir con alguien.

Bonus

11 «Anomalisa». Charlie Kaufman

La película tiene por protagonista a un motivador profesional que, cuanto más ayuda a la gente, más monótona y anodina es su vida; todo el mundo le parece y le suena igual. Hasta que la voz de una chica le suena diferente y está dispuesto abandonarlo todo y a todos por alcanzar la felicidad con ella.

12 “The Tale of Tales”. Matteo Garrone

Ambientada en el Barroco, narra, con tintes fantásticos, las historias de tres reinos y sus respectivos monarcas. La de la reina de Longtrellis (Salma Hayek) y su marido (John C. Reilly), la de dos misteriosas hermanas que encienden la pasión del rey de Strongcliff (Vincent Cassel), y la del rey de Highhills (Toby Jones), obsesionado con una pulga gigante, que le lleva a romper el corazón de su joven hija… Libre adaptación de “El cuento de los cuentos”, del napolitano Giambattista Basile, célebre autor de relatos cortos del siglo XVII.

13 “Crimson Peak”. Guillermo del Toro

Como consecuencia de una tragedia familiar, una escritora es incapaz de elegir entre el amor de su amigo de la infancia y la tentación que representa un misterioso desconocido. En un intento por escapar de los fantasmas del pasado, se encuentra de pronto en una casa que respira, sangra… y recuerda.

14 «Blood of My Blood». Marco Bellocchio

«Blood of My Blood» nos sitúa en la Italia del siglo XVII. En un monasterio, una monja acusada de brujería seduce a un joven confesor quien se niega a ceder a la ardiente tentación. Una lucha de deseos, ilusiones y mentiras que se arrastrarán de forma inesperada hasta la actualidad…

15 «Journey to the shore». Kiyoshi Kurosawa

Mizuki perdió a su marido Yusuke en el mar. Años después, el fantasma de su compañero aparece ante sus ojos. No se trata de una visión terrorífica, sino de un retorno lleno de cotidianeidad. Tras el reencuentro, ambos iniciarán un viaje hacia la costa.

Basada en el clásico de la novela escrito por Lewis Grassic Gibbon en 1932, la película transcurre a comienzos del siglo XX en una comunidad rural escocesa donde una joven, Chris, está dejando de ser una niña, tratando de encontrar el amor con el inquietante Ewan, mientras su familia se enfrenta a la tragedia, todo ello durante una época de agitación y malestar social. Y entonces llega la Primera Guerra Mundial.

El veterano Terence Davies volvía a la pasado edición del festival de San Sebastián para presentar su último trabajo, «Sunset Song«, adaptación de la novela escrita por Lewis Grassic, considerada como una de las más importantes de la literatura escocesa del siglo XX, con un guión adaptado por el propio realizador británico este se desprende en algo de su habitual tono para ofrecernos una obra a priori más asequible de cara al gran público, quedando algo atenuada esa cierta ceremonialidad bastante habitual en su cine. «Sunset Song» se desvela como un  trabajo dotado de un estilo suntuoso pero desprovisto de garra, raramente vemos que el filme llegue a conmover en el espectador, pese a atisbarse varias constantes autorales, como una reconocible recreación de ambientes que saben adecuarse de forma clara a unos personajes dentro del contexto de corte clásico que subyace en el relato en el que se basa, una música cautivadora o la búsqueda, algo fallida, de una profundidad en sus personajes, llegamos a vislumbrar de forma tímida esas constantes propias del director que parecen estar ahí pero que no termina de imponerse de una manera clara, da la impresión que su bellísima y potente puesta en escena se vea obligada a acercarse de forma algo forzada a un formato quizás demasiado clásico y académico, algo lejos lo que nos suele tener acostumbrados el cine de Terence Davies.

«Sunset Song» posiblemente no logrará entusiasmar a los acólitos de las obras anteriores de su director, la puesta en escena del film puede dar una cierta sensación de estar algo impostada o tener un trazo poco natural al apoyarse en demasía en ser un trabajo muy literario, de diálogos demasiados poéticos, alejándose de esa atmósfera de tono intimista y natural tan característica de su cine, posiblemente la envergadura de un proyecto tan complejo como el presente tenga mucho que ver, una épica de contornos clásicos pero mostrada desde una óptica algo convencional,  también podría catalogarse como un melodrama histórico de un cierto discurso antibelicista que quizás abusa de demasiada teatralidad y de una falta de ritmo que le resta emotividad al conjunto, la duración del film, 140 minutos, tampoco ayuda, en este aspecto cabe calibrar el giro dramático algo atropellado que ocurre en su tercer acto y que no termina de llegar a cuajar de una manera convincente, básicamente porque no se profundiza en según qué personajes, es aquí cuando vemos especialmente y pese a la esforzada actuación de la actriz Agyness Deyn que la poética y sutileza tan propias del cine de Terence Davies quedan algo diluidas a favor de una base literaria y paisajística algo encorsetada.

Aun así «Sunset Song» se mantiene dentro de un tono algo correcto casi en la totalidad de su metraje, pero no logra dar un paso más allá, una verdadera lástima, por otra parte se nos narra una historia de amor que en ocasiones parece dar la impresión de que no termina de posicionarse en lo que es un a priori variado discurso, se nos ofrece varias vías que no terminan de ser expuestas de una forma profunda o decidida, basculando entre el posicionamiento social de la guerra, la religión, la desestructuración de la familia a consecuencia del conflicto bélico o el machismo ya sea parental o conyugal, una irregularidad en su narrativa argumental que hacen que «Sunset Song» llegue por momentos a palidecer en la búsqueda de un discurso que finalmente resulta ser totalmente ambiguo y poco conceptuado en todo lo nos es expuesto.

Valoración 0/5:3