Autor: Administrador

Del 10 al 15 de noviembre se celebró la 34 edición del festival de cine de terror de Molins de Rey, un certamen pionero en lo referente a las maratones del genero de terror en territorio español (sus 12 horas, santo y seña de identidad más emblemático lleva celebrándose desde el año 1980) algo que otorga al certamen una solera muy notoria a la hora de valorarlo de una forma ecuánime, a final de página tenéis un video conmemorativo de su treinta aniversario que repasa la historia del festival desde sus inicios. En estos últimos años TerrorMolins aprovechando su inclusión en 2014 en la Federación Europea de Festivales de Cine Fantástico ha querido ampliar su oferta en varios frentes, una sección oficial a concurso, coloquios, proyecciones entre semana y una serie de actos paralelos, un paso adelante y un esfuerzo que hay que valorar en su justa medida, un equipo organizativo no profesional y una infraestructura muy modesta en lo referente a subvenciones hace del evento algo digno de resaltar, este año hemos tenido la ocasión de asistir a una gran edición, un festival en claro proceso de crecimiento que cada año da un pequeño paso hacia adelante, TerrorMolins 2016 tendrá como leitmotiv las Mutaciones..si tenéis oportunidad de pasaros el próximo año por el festival no lo dudéis..todo lo que se nos ofrece a través del entusiasmo y esfuerzo de los que lo organizan bien vale el esfuerzo.

The House on Pine Street

Jennifer y su marido se acaban de mudar a Kansas, su tierra natal. Recién mudados Jennifer empezará a notar que en su nuevo hogar suceden extraños fenómenos paranormales. El problema que solo pasan estando ella sola, por lo que ni su marido ni su madre acaban de creérsela, achacándoselo a un embarazo difícil. Realmente la casa esta maldita o es simplemente la imaginación de Jennifer jugándole una mala pasada.

«The House on Pine Street» dio el pistoletazo de salida del festival, un interesante debut tras las cámaras por parte de los hermanos Aaron y Austin Keeling que se inscribe de lleno dentro del subgénero de casas encantadas, la película aunque no ofrece nada nuevo (y tampoco parece que sea su propósito) a la temática antes mencionada intenta al menos dar un enfoque algo novedosos a un tipo de cine muy trillado en los últimos años como el que nos ocupa, no estamos ante la típica cinta de terror al uso que se mueve por unos formulismos habituales, «The House on Pine Street» tiene un ritmo extremadamente pausado, reniega por completo de lo explícito y nos ofrece un buen repertorio de secuencias apoyadas por su sutileza en una puesta en escena  que utiliza un acertado tratamiento del espacio, básicamente nos sugiere más que nos muestra, más que el susto fácil se nos intenta inquietar en base a pequeños detalles, película de muy pocos medios, rodada en tan solo 19 días, que tiene la virtud de crear tensión en base a lo psicológico. Posiblemente al film le sobre algo de metraje y tenga un final ligeramente alargado pero «The House on Pine Street» es pese a sus evidentes carencias un tipo de cine independiente de terror del bueno, aquel que intenta volver de alguna manera a los orígenes del género y buscar una manera de contarnos la misma historia de siempre de forma algo diferente.

Valoración 0/5: 3

Repulsión  (retro)

Carol Ledoux es una bella y reprimida joven belga que vive con su hermana Helen en un apartamento de Londres. Carol experimenta sentimientos simultáneos y contradictorios de atracción y repulsión hacia los hombres; por eso para ella resulta tan incómoda la relación que mantiene su hermana con un hombre casado. Cuando la pareja se marcha de vacaciones, Carol comienza a tener alucinaciones y su mente se desquicia.

No se me ocurre mejor película que represente de una manera tan adecuada el leitmotiv de este año del festival (fobias) que «Repulsión» de Roman Polanski, obra capital y un inmejorable retrato de ambientación claustrofóbica acerca de la psicosis, recreando como pocas veces hemos visto en la gran pantalla el camino de un ser humano hacia la locura, esplendido thriller psicológico y veraz drama que profundiza en los entresijos de la mente humana apoyándose en una atmósfera tan inquietante como agónica gracias a una inteligente utilización técnica de los efectos de sonidos (pocas veces el incesante tic-tac de un reloj, los sonidos provenientes del campanario de un convento, las risas de unas monjas, el timbre de un teléfono o una puerta que no para de sonar o el interminable goteo de un grifo han sido tan perturbadores y producido tanto desasosiego en el cine) y un magnífico juego de planos escénicos compuesto por un blanco y negro aséptico y tenebroso (estupenda fotografía a cargo de Gilbert Taylor) barnizado de puro surrealismo cinematográfico.  Roman Polanski en lo que fue su segundo largometraje empieza a articular un discurso que irá evolucionando poco a poco hacia unos cimientos que le otorgaran un sello tan personal como inconfundible a partir de ese momento, una eficacia y originalidad cinematográfica llevada hacia un tono hipnótico y obsesivo que llega a alcanzar altas cotas de sugestión y desasosiego en el espectador. «Repulsión» deviene de forma clara como quintaesencia del saber contar una historia mental direccionada hacia los abismos de forma extremadamente realista.

Valoración 0/5: 4’5

Documental 30 años Festival de Terror Molins de Rei

Into the Forest

Gira alrededor de dos hermanas adolescentes que viven en un bosque de Carolina del Norte a varios kilómetros del vecino más cercano. Los problemas no tardarán en llegar cuando la civilización tal y como la conocemos se colapse, con fuertes rumores de una posible guerra, pero lo que a ellas les preocupa es saber cuándo van a recibir de nuevo gas y electricidad, algo esencial para su peculiar modo de vida.

La adaptación de la novela homónima de Jean Hegland «Into the Forest» a cargo de la directora canadiense Patricia Rozema fue la encargada de clausurar la presente edición del festival de Sitges, film que ofrece una visión del cine post apocalíptico desde una perspectiva de carácter íntimo, alejándose de un tono crudo y realista bastante recurrente en este tipo de películas, «Into the Forest» lo expone desde el concepto del melodrama familiar (dos hermanas) a través de un supuesto fin del mundo, un tono expuesto que sin embargo le resta una credibilidad que el relato requería de forma obligada.

Posiblemente lo más destacable de «Into the Forest» sea el notable dueto interpretativo a cargo de Evan Rachel Wood y Ellen Page, labor esta que a duras penas consigue salvar un producto que se ve mermado por el torpe tono feminista con que Patricia Rozema dota al film. Cuando hablamos de igualdad de generos en referencia a mujeres directoras siempre he sido de la opinión que si estas recuren a una militancia nada disimulada a la hora de exponer su trabajo por encima de sus propias cualidades autorales es muy mala señal, «Into the Forest» es un claro ejemplo de ello, vemos conceptos trazados a las antípodas de la sutileza que chirrían sobremanera (sin ir más lejos su mensaje pro-life fue silbado de una forma incluso algo comprensible en el pase de prensa). Into the Forest termina convirtiéndose en un claro ejemplo de lo que no tendría que ser una película que reivindique el papel de la mujer tras las cámaras, afortunadamente a día de hoy parece que la relevancia de mujeres cineastas va en claro auge, directoras como Severin Fiala, Paula Ortiz, Ana Lily Amirpour, Lucile Hadihalilovic o Karyn Kusama entre otras muchas indican cual es el camino a seguir.

Valoración 0/5: 2

Ludo

Cuatro adolescentes llegan a la gran ciudad con intención de desfase. La noche es joven, están cachondos y no tienen un duro. La solución es pasar el fin de fiesta en un centro comercial que ya ha cerrado sus puertas. Sin embargo, no están solos: una pareja aparece de la nada y se dispone a jugar. Su apariencia es inofensiva, pero su verdadera naturaleza está marcada por una terrible sed de venganza.

La cinta de terror India «Ludo» es un claro ejemplo de hype contraproducente (promovido de forma errónea por el mismo festival), a priori una de las películas más terroríficas proveniente de un país poco dado al género de terror. Lo curioso del caso es que la película de Qaushiq Mukherjee y Nikon fue poco menos que vilipendiada por parte de un público que quizás esperaba ver otra cosa muy distinta, «Ludo» no deja de ser un puro género grindhouse de terror algo exótico con todo lo que ello pueda comportar, que bebe de ciertos esquemas del cine orquestado en su día por Lucio Fulci que incluso se atreve a mostrar una ligera semejanza al universo Clive Barker en lo referente a su escenografía, aunque claro todo ello mostrado desde una truculencia descuidada y carente de cualquier tipo de ritmo en lo referente a su maltrecha narración, algo por otra parte normal en cualquier serie Z que se precie, hubo supuestos entendidos en la materia que llegaron a asegurar que posiblemente «Ludo» haya sido una de las peores películas vistas en muchos años dentro del festival, no estoy de acuerdo, solo se trata que contextualizar un producto de esta características de una manera más adecuada, pondría las manos en el fuego a que un film de los mismos atributos que Ludo presentado desde una óptica occidental hubiera pasado el corte sin más, nuevamente se demuestra la estigmatización geográfica juega un papel decisorio a la hora de valorar un producto, muchas peores películas yanquis semejantes a «Ludo» han sido aceptados sin ningún tipo de problema cuando no tendría que ser así, pero tranquilos..seguro que con el tiempo y de manera muy puntual alguien empezara a reivindicar en un futuro una rareza como «Ludo«..suele ser algo cíclico a nivel de una crítica supuestamente especializada.

Valoración 0/5: 2’5

Smoke and Mirrors: The Story of Tom Savini

Primer documental sobre la vida y carrera del premiado genio de los efectos especiales Tom Savini, verdadero icono del cine fantástico. Todo un autorretrato, en el cual el Rey del Splatter reflexiona sobre su carrera y sus altibajos profesionales: un viaje por la vida, la muerte, el amor, la pérdida, la pena y la felicidad.

En una edición algo pobre en número en lo referente a documentales proyectados se pudo ver «Smoke and Mirrors: The Story of Tom Savini» de Jason Baker, un interesante recorrido en la carrera del célebre maquillador, mago de los efectos especiales, director y  actor ocasional Tom Savini, un documental necesario pues estamos ante una figura clave dentro de un claro contexto en el cine de terror estadounidense de una época concreta. Posiblemente estemos ante un personaje que no haya estado reivindicado de una manera justa a día de hoy, de echo el documental está producido por el propio Savini, algo pobre en medios y rodado a lo largo de un periodo de tiempo que abarca varios años, supuestamente dada la precariedad económica del proyecto, quizás por eso el trabajo se decante más hacia la vertiente más personal e íntima del personaje que hacia lo más puramente profesional, el fan quizás termine queriendo saber algo más de sus peripecias en rodajes o escuchar más testimonios de compañeros de profesión,  «Smoke and Mirrors: The Story of Tom Savini» termina siendo básicamente el hombre detrás de la estrella, un recorrido en el recorrido vital de un hombre que no lo ha tenido fácil en su vida, aun así el documental es de visión obligada para el seguidor del artista pues todo lo que nos cuenta Tom Savini a modo de testimonio aunque no abarque de pleno lo puramente didáctico de su profesión es de lo más interesante.

Valoración 0/5: 3

Dark Star – HR Giger’s World

Hansruedi Giger fue el hombre responsable de algunas de nuestras peores pesadillas. El ilustrador suizo poseía una imaginación fascinante y temible, en la que las formas orgánicas se unían con los pavores del mundo industrial, y que dio a luz a una de las criaturas más temibles del cine: el Alien. Poco antes de fallecer, Giger abrió las puertas de su taller a este documental, que nos muestra su faceta más íntima.

«Dark Star: HR Giger’s World» nos retrata desde el documental una visión íntima y familiar de la vida del genial artista H.R. Giger mostrándonos su día a día desde la cotidianidad más absoluta, de echo podríamos estar hablando casi de una despedida orquestada por el propio Giger que fallecería poco tiempo después de su rodaje.

Posiblemente no estemos ante el trabajo definitivo que nos muestre la vida y milagros del artista suizo, seguramente el documental que nos ocupa podría llegar a ser un interesante apéndice expuesto desde dentro en donde nos introducimos en la impresionante casa del ilustrador, llegamos a conocer su círculo social más íntimo y familiar, un acercamiento que hará las delicias del fan pero en el que se echa de menos una visión más neutral y completa así como testimonios más autorizados en la materia, tampoco se llega a indagar, ni es su propósito, en aspectos más profundos ya sea en lo artístico o personal, del mismo modo el testimonio del propio Giger queda algo deslucido y escueto debido su precario estado de salud. «Dark Star: HR Giger’s World» termina siendo una despedida orquestada desde dentro, loable en intenciones y que podría servir como perfecto preámbulo a un trabajo más global y definitorio, una figura tan importante y esencial como H.R. Giger lo merecería de sobras.

Valoración 0/5: 2’ 5

Schneider vs. Bax

Dos hombres, un asesino a sueldo y un escritor, tendrán que luchar entre ellos por la supervivencia. A Schneider, asesino a sueldo y hombre devoto de la familia, se le encarga justo en la mañana de su cumpleaños que liquide a Ramon Bax. Bax es un escritor de 50 años que vive recluido en una cabaña junto a un lago. Lo que en principio parecía un trabajo fácil, acabará convirtiéndose en mucho más de lo que cabría esperar.

Había expectación por ver el nuevo trabajo de del holandés Alex van Warmerdan (premio a la mejor película en Sitges 2013 por la extraordinaria «Borgman«), «Schneider vs. Bax» es algo más convencional en lo formal que su anterior film pero sigue siendo puro van Warmerdan, algo que la valida como un trabajo de un interés tan notable como original, mezcla de comedia negra de tono absurdo y ligeramente surrealista y thriller criminal con toques inesperados de violencia explícita, una amalgama de unión genérica que funciona en base a una sobriedad en su puesta una escena compuesta por una fotografía de tono sencillo pero muy eficaz y sobre todo por los matices expuestos que hacen diferenciar las personalidades de sus dos protagonistas, todo ello bajo una soterrada crítica expuesta que apunta directamente a una cierta y asentada burguesía existente en Europa.

 Alex van Warmerdan es un creador diferente y único en el actual panorama del cine de autor europeo, un brillante manipulador de géneros atípicos que suele esconder en sus películas una coherencia formal tan inusual como digna de elogio, un repaso a su filmografía así lo atestigua.

Valoración 0/5: 4

PALMARÉS

Secció Oficial Fantàstic Sitges 48

Premio Mejor Película: ‘The Invitation’ de Karyn Kusama

Premio Especial del Jurado: ‘The Final Girls’ de Todd Strauss-Schulson

Premio Mejor Dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa): S. Craig Zahler por ‘Bone Tomahawk’

Premio Mejor Interpretación Femenina: Pili Grogne por ‘Le tout nouveau testamento’

Premio Mejor Interpretación Masculina (patrocinado por Autolica – Mercedes Benz): Joel Edgerton por ‘The Gift’

Premio Mejor Guión: M. A. Fortin, Joshua John Miller por ‘The Final Girls’ de Todd Strauss-Schulson

Premio Mejores Efectos Especiales: Makoto Kamiya por ‘I Am a Hero’ de Shinsuke Sato

Premio Mejor Fotografía: Pawel Flis por ‘Demon’ de Marcin Wrona

Premio Mejor Música: Jean-Philippe Bernier, Jean-Nicolas Leupi, Le Matos por ‘Turbo Kid’ de Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell

Premio Mejor Cortometraje (patrocinado por Fotogramas): ‘They Will All Die in Space’ de Javier Chillon

Gran Premio del Público (patrocinado por La Vanguardia): ‘I Am a Hero’, de Shinsuke Sato

 Premio José Luis Guarner: ‘Bone Tomahawk’ de S. Craig Zahler

Premio Citizen Kane al Mejor Director Novel: Stephen Fingleton por ‘The Survivalist’

Premio Jurado Carnet Jove Mejor Película: ‘Turbo Kid’ de Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell

Secció Oficial Fantàstic Òrbita

Premio Mejor Película: ‘SPL2: A Time for Consequences’ de Soi Cheang

Premio Mejor Dirección: John Maclean por ‘Slow West’

Premio Especial del Jurado: ‘The Taking of Tiger Mountain’ de Tsui Hark

Panorama Fantàstic

Premio Mejor Película Panorama Documenta: ‘Lost Soul – The Doomed Journey of Richard Stanley’ s Island of Dr. Moreu’ de David Gregory

Premio del Público: ‘El Eslabón Podrido’ de Valentín Javier Diment.

Noves Visions

Premio Mejor Película Noves Visions One: ‘Anomalisa’ de Charlie Kaufman, Duke Johnson

Mención especial Noves Visions One: ‘Men & Chicken’ de Anders Thomas Jensen

Premio Mejor Cortometraje Noves Visions: ‘Disco Inferno’ de Alice Waddington ex aequo con ‘Formas de jugar’ de Gemma Blasco

Premio Mejor Película Noves Visions Plus: ‘Anabel’ de Antonio Trashorras

Mención especial: ‘Lovemilla’ de Teemu Nikki

Focus Àsia

Premio Mejor Película: ‘Veteran’ de Ryoo Seung-wan

Anima’t

Premio Mejor Película: ‘Miss Hokusai’ de Keiichi Hara

Premio Mejor Cortometraje: ‘Voltaire’ de Jan Snoekx

Mención especial Cortometraje: ‘The Orchestra’ de Mikey Hill

Midnight X-Treme

Premio Mejor Película: ‘Bound to Vengeance’ de José Manuel Cravioto

Méliès d’Argent

Premio Mejor Película Europea S.O.F. Sitges 48: ‘Le Tout Nouveau Testament’ de Jaco Van Dormael

Premio Mejor Cortometraje Europeo S.O.F. Sitges 48: ‘Graffiti’ de Lluís Quílez

Blood Window

Premio Mejor Película Blood Window: ‘Los parecidos’ de Isaac Ezban

Brigadoon

Premio Mejor Cortometraje Brigadoon – Paul Naschy: ‘Caradecaballo’ de Marc Martínez Jordan

Phonetastic

Premio Mejor Cortometraje: ‘Blackout’ de Sylvain Certain

Sitges Cine365 Film

Premio Sitges Cine365 Film: ‘Caradecaballo’ de Marc Martínez Jordan ex aequo con ‘Zero’ de David Victori

Video resumen día 9

Journey to the shore

Mizuki perdió a su marido Yusuke en el mar. Años después, el fantasma de su compañero aparece ante sus ojos. No se trata de una visión terrorífica, sino de un retorno lleno de cotidianeidad. Tras el reencuentro, ambos iniciarán un viaje hacia la costa.

La nueva película del siempre interesante realizador japonés Kiyoshi Kurosawa transita dentro de un contexto de fantasmas y lo más puramente espectral aunque dentro de un registro completamente diferente en lo concerniente a sus trabajos más conocidos como pueden llegar a ser «Cure«, «Kairo» o «Seance«. Su nuevo film «Journey to the shore» remite algo en su tono a su anterior y notable «Tokyo Sonata«, aquí nos encontramos ante el concepto de la aceptación de la pérdida dentro de un escenario narrativo inscrito dentro de la propia cultura oriental más clásica, sea a un nivel cinematográfico o incluso literario, un drama costumbrista de corte fantástico, de un trazado claramente pausado y reflexivo que aunque pueda parecer lo contrario nos esta hablando de muchas y variadas cosas, redención, perdón, abandono y aceptación final, un trabajo que llega a integrar a la perfección y con total naturalidad el relato fantástico dentro un escenario y contexto completamente realista, en este aspecto Kiyoshi Kurosawa maneja sabiamente conceptos que remiten  de una forma clara al cine de Hirokazu Koreeda o Naomi Kawase ofreciéndonos un producto de contornos exquisitos, tan selecto en su forma como acertadamente filosófico en todo lo que llega a exponer.

La película de Kiyoshi Kurosawa borra de forma consiente cualquiera tipo de inscripción que pueda remitirse a un tiempo en concreto, aísla a todos sus personajes dentro de un escenario atemporal,  plagado de emociones y poseedor de un flujo trascendental que la deriva hacia una retórica en donde la redención y lo espiritual cobran una magnitud muy palpable. En «Journey to the shore» terminamos por recuperar al mejor Kiyoshi Kurosawa, y eso siempre es algo digno de celebrarse por todo lo que nos llega a aportar su cine, una apuesta  por un cine en esta ocasión de grandes sentimientos, aquel que retrata de forma notablemente sutil experiencias vitales ubicadas dentro de unas historias repletas de momentos en lo que un tono claramente sensorial cobra una vital importancia.

Valoración 0/5: 4

Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld

Kagayama es un débil subalterno leal al legendario jefe de la yakuza Kamiura, que resulta ser un legendario vampiro. Cuando un asesino de un sindicato internacional llega a Japón para entregar un ultimátum, kamiura es asesinado. Pero no antes de llegar a morder a Kagayama. Ahora, su subalterno ya convertido en vampiro buscará venganza contra un formidable equipo de asesinos.

El habitual y obligado catalogo fílmico a cargo de Takashi Miike de este año dentro del festival de Sitges consistió en solo dos producciones, la divertida «As the Gods Will» y «Yakuza Apocalypse» su título estrella de este 2015 presentada nada menos que en la quincena de los realizadores del pasado festival de Cannes. «Yakuza Apocalypse» es un nuevo muestrario del libertinaje cinematográfico tan característico en el imaginario de Takashi Miike, libre de ataduras conceptuales y totalmente alejado de convenciones genéricas en donde todo cabe, una declaración de principios en toda regla que de vez en cuando da la impresión de tener la necesidad de recurrir el director nipón.

Unión algo desvergonzada de yakuza, kaijus y el cine de vampiros entre otras muchas más cosas, posiblemente a estas alturas podríamos llegar a decir que incluso estos trabajos de tono delirante y surrealista han ido ligeramente evolucionando con el tiempo, ahora Takashi Miike rebaja en algo la vertiente transgresora en lo referente a su incomodidad, ya sea en el ámbito del sexo o la violencia más descarnada, se sigue siendo recurriendo de forma clara a la exageración y a lo imposible pero desde una vertiente que da la sensación de estar algo más abierta y orientada hacia un público más amplio pese a la naturaleza del producto en sí mismo. Una cierta evolución hasta cierto punto lógica que no impide que «Yakuza Apocalypse» sea en esencia puro Takashi Miike, un producto destinado principalmente para el disfrute de incondicionales de su cine, un cineasta que desde hace ya un tiempo está en un primer nivel y que sabe  glorificar el género en todas sus vertientes y formas posibles, Sitges lo volvió a acoger con los brazos abiertos, algo en cierta manera  ya habitual y normal al jugar dentro de un territorio propio.

Valoración 0/5: 3

The Survivalist

El Superviviente vive aislado, protegiendo su granja de la banda de enmascarados que acechan la zona. La llegada de Kathryn y su hija Milja altera la precaria estabilidad del hombre, forzando una difícil convivencia.

«The Survivalist» se inscribe de lleno en el relato post-apocalíptico de tono real y poco complaciente en lo referente a lo que es su historia, una visión dura y áspera en todo lo que nos muestra, en donde vemos como la mayoría de los recursos naturales del planeta se han ido prácticamente agotando dando lugar al caos y la ley del más fuerte, un film que tiene ecos y bebe mucho del tono y estilo visto en el «The Road» de Cormac McCarth, en este aspecto «The Survivalist» resulta una película bastante modesta en lo referente a lo que son sus medios, poseedora de un devenir narrativo muy minimalista y con un único escenario de ámbito forestal, tres únicos personajes y una consiente escasez  de diálogos e inexistente banda sonora musical, su director el debutante Stephen Fingleton (premio al mejor director novel en el festival) no se complica a la hora de rodar con sencillez y de manera sobria lo que es su puesta en escena, en una historia que no precisa de ningún tipo de preciosismos en lo conserniente a su estilo, posiblemente este sea una de sus mayores bazas, el no intentar hacernos llegar un mensaje de enfoque trascendental, en la historia de «The Survivalist» no hace falta, tampoco hay lugar para adornos ni juicios de valores en las acciones de sus personajes, aquí solo queda un instinto primario de supervivencia dentro de un mundo totalmente precario, cualquier atisbo para la esperanza o normas de conductas humanitarias quedan al momento completamente disolutas, Stephen Fingleton en un debut tras las cámaras bastante prometedor así nos lo hace ver.

Valoración 0/5: 3

Enragés

Un robo sale mal. Los cuatro criminales encuentran refugio en un centro comercial. En plena huida, detienen el coche de un hombre, que pretendía trasladar a su hijo enfermo al hospital. Fuera de control, la fuga va a transformarse en una persecución sin piedad.

«Enragés» (Rabid Dogs) es un descafeinado remake de la genial «Chiens Enragés» (Semáforo rojo en España) que el gran Mario Bava dirigiera en 1974, el film presentado en el mercado del pasado festival de Cannes de 2015 y ópera prima del realizador francés Éric Hannezo funciona de forma algo irregular como un discreto y puntualmente entretenido thriller que intenta decantarse más hacia la tensión que a la acción, en este aspecto la falta de consistencia en el trazado de lo que son sus personajes resulta fundamental a la hora de intentar ofrecer una cierta credibilidad en según qué situaciones, tampoco resulta de gran ayuda su casi total falta de profundidad en lo referente a una historia que no llega a trascender en lo más mínimo, lamentablemente todo tiende a ser demasiado esquemático.Una en ocasiones acertada música de tono totalmente ochentero a cargo de Laurent Eyquem y cierta sequedad bien entendida en algún que otro tramo en lo referente a su realización junto a un giro argumental hacia el final no terminan de salvar una propuesta que termina siendo claramente fallida en su desarrollo y resultado final, destinada irremediablemente y de una forma clara al olvido al poco de su visionado.  

Valoración 0/5: 2

Endorphine

Tres mujeres llamadas Simone, cada una con su historia. La primera es una niña de doce años que debe recuperarse de un trauma. La segunda es una joven solitaria que sufre ataques de pánico. La tercera es una doctora de prestigio que alcanza el orgasmo en sueños. Tres vidas que empezarán a comunicarse entre ellas de manera misteriosa, casi onírica.

Puede que no fuera lo más acertado visionar un film de las características y textura de «Endorphine» casi al final del festival, el canadiense André Turpin nos propone un interesantísimo puzle narrativo de tono onírico alrededor de la teoría de los multiversos, en donde acción terrenal y planos temporales hace que tres distintas mujeres queden de algún modo conectadas a través de un hecho físico concreto, para ello se recurre en ocasiones a la física quántica e incluso a una cierta tendencia al relato de contornos filosóficos.

Endorphine aunque parezca todo lo contrario no nos propone una narrativa plenamente criptica en todo lo expuesto, también huye de un trazado pretensioso que algunos intuyeron en ella, la película se asienta más hacia lo complejo de un relato lleno de simbolismos en donde más que intentar descifrar un determinado contexto clave en lo referente a su argumento (algo bastante complicado la verdad y que requeriría de más de un visionado) es conveniente sumergirse en la propuesta y requerir de un cierto esfuerzo por parte del espectador para entrar en lo que es su entramado de un forma consiente en referencia al juego que se nos llega a  proponer. Puede que el film falle y quede diluido en algo a la hora de dramatizar situaciones concretas y personajes, un aspecto este que queda algo por debajo del formulario científico-onírico expuesto, aun así «Endorphine» tiene una capacidad hipnótica digna de elogio, un sugerente e interesante film independiente que ha sido una de las propuestas más arriesgadas y estimulantes de las presentadas este año en Sitges.

Valoración 0/5: 3’5

The Devil’s Candy

Jesse y Astrid compran una idílica casa en Texas, con espacio suficiente para que él pueda desarrollar su trabajo artístico. Al poco de mudarse, los cuadros de Jesse empiezan a adquirir un tono más oscuro e inquietante, como si una extraña fuerza poseyera su mente.

Seis años después de su estimable ópera prima «The Loved Ones» el realizador Sean Byrne presento en Sitges su nueva película «The Devil’s Candy«, film rodado lejos de su Australia natal estamos ante una película que transita el terror desde una perspectiva bastante diferente a su primer trabajo pero poseedora de un resultado final igual de estimulante, muestra inequívoca de que estamos ante un director muy a tener en cuenta próximamente.

«The Devil’s Candy» es una historia expuesta de forma más claramente oscura y madura que su anterior «The Loved Ones«, un competente horror heavy metal de casa encantada con un potente clímax final, que aunque no logra escapar del todo de muchos de los tópicos propios del género nos es presentada de forma algo distinta y original, un enfoque visto desde contornos incluso algo clásicos dentro del subgénero de posesiones demoníacas + casa encantada aunque las herramientas aquí utilizadas no sean muy habituales, un estilo el propuesto que dista en algo de lo puramente convencional, todo ello en base a un muestrario de música de heavy metal (letras que mayoritariamente hablan sobre la alienación y la continua lucha entre el bien y el mal bajo, guitarras y sonido estruendoso) que sustituye  a conceptos y postulados propios de un cine de terroral uso. En unos tiempos donde el género está inundado de propuestas mainstream y modas temporales de dudoso gusto «The Devil’s Candy» sin llegar a ser una grandiosa película sabe a gloria y cumple a la perfección como producto serio y digno, una película en definitiva para ver y disfrutar a ser posible en una pantalla lo más grande posible y por supuesto.. con los decibelios al máximo volumen.

Valoración 0/5: 3’5

Video resumen día 8

Victoria

Rodada en un único plano secuencia, el film tiene como escenario el famoso barrio berlinés de Kreuzberg. La cámara es testigo de todo lo que le pasa a la joven Victoria, una chica española en Berlín. Una noche, conoce a Sonne, y los dos flirtean. El problema es que él tiene que terminar un trabajito con su banda, y han decidido que Victoria es la persona perfecta para acompañarles, en ese breve periodo de tiempo le suceden cosas que darán un giro total a su vida.

«Victoria«, producción alemana dirigida por Sebastian Schipper se presentó en Sitges con la sonada virtud de haber estado rodada en un solo plano secuencia de 139 minutos de duración y en menor medida también por estar interpretada por la actriz española Laia Costa. Es difícil a la hora de contextualizar un film de las características de «Victoria» el alejarse del alarde técnico en el que se apoya por completo el film e intentar analizar de una forma ecuánime todo el resto, ¿hay algún punto a destacar por encima del propio experimento en sí?

En el film de Sebastian Schipper podemos encontrar apuntes del todo interesantes aunque algo dispersos a la hora de explorar las posibilidades de esa continuidad ininterrumpida, sobre todo en lo referente a una primera parte (la más interesante y conseguida) presentada bajo un tono casi costumbrista, en donde la soledad y la empatía de sus jovenes protagonistas devienen como su principal motor narrativo, y que la emparenta de algún modo a un cierto cine orquestado en su día por Richard Linklater, y una segunda parte en donde asistimos a un cambio de rumbo bastante acentuado, para adentrarnos en una pieza casi de género, en este aspecto la apuesta de Schipper es clara, opta por ofrecer un producto que sea disfrutable, entretener al espectador en detrimento de una credibilidad en lo referente a su guion, el problema viene dado en que todo lo conseguido hasta ese momento se llega a desvirtuar en algo a la hora de presentarnos una serie de situaciones a cual más rocambolesca e imposibles de llegar a ser creídas. «Victoria» termina convirtiéndose en un experimento algo irregular, plagado de claros oscuros, positivo en lo conserniente a su alarde técnico y en un conseguido ritmo de tono trepidante en sus más de dos horas de duración que la hacen un producto disfrutable para el espectador, algo nada fácil dado la formula en que se apoya, y negativo en lo referente a su propia falta de consistencia en lo que es su conjunto y muy especialmente la nula credibilidad con la que nos encontramos llegados a un punto determinado de su metraje.

Valoración 0/5: 3’5

Demon

Python y Janet reciben como regalo de boda unas tierras en las que construir su hogar. Al preparar el suelo para la futura casa, el novio encuentra unos huesos humanos. Será el primero de una serie de hechos extraños que culminan con la irrupción de un turbulento espíritu en las nupcias.

«Demon» fue sin lugar a dudas una de las películas más singulares, originales y rica por las múltiples vías que nos llegó a ofrecer de las proyectadas este año en Sitges, lástima que no tuviera una resonancia más importante dentro del festival, la propuesta del film lo valía de sobras, el mito clásico del dybbuk expuesto en la película a modo de retrato social y crítico de la Polonia más caustica, «Demon» se aleja del relato de terror convencional de posesiones al uso y bebe de ese cine fantástico de la Europa del este tan característico en los años setenta, abundante en metáforas y simbolismos tradicionales, de una mirada tan inusual y atípica como atrevida.

Las tradiciones nupciales y todo lo que lo rodea alrededor de las bodas polacas expuestas aquí  a través de una mirada en apariencia absurda, casi de tintes y tono surrealista que se cohesiona de manera sabia con el prototipo relato fantástico tradicional que aquí bebe del folklore judío en base a una historia mostrada bajo un tono claramente costumbrista. «Demon» deviene como un perfecto ejemplo de lo que tendría que ser una historia acerca de la metáfora incrustada dentro de la propia mitología, una pena del prematuro fallecimiento de su director Marcin Wrona poco antes de dar inicio el festival, un hecho luctuoso que nos priva de ver la evolución de un discurso cinematográfico que se intuía de lo más apasionante.

Valoración 0/5: 4

Coin Locker Girl

Recién nacida, Il-young es abandonada en la consigna número 10 de una estación. Años más tarde, es vendida a la organización criminal Mom de Chinatown, donde tendrá que luchar para sobrevivir en un mundo violento y cruel.

Presentada en la pasada la Semana de la Crítica del festival de Cannes «Coin Locker Girl» debut en la dirección de Han Jun-hee nos presenta un duro retrato criminal y social en forma de thriller dramático, acerca de una peculiar organización de gángsters. Poco se le puede achacar a la película en lo referente a su depuradísima factura técnica e incluso en su incondicional apuesta por lo más visceral, aunque he de confesar que empiezo a tener ciertos perjuicios a la hora de ver una gran parte del actual cine proveniente de Corea del Sur que abusa sobremanera de ciertos modismos de estilo a la hora de presentar lo que son sus propuestas, un abuso este especialmente visible en lo referente a un tono melodramático que por momentos chirria por su acentuado tono, unos personajes demasiados exagerados o una utilización de la narrativa que la ves venir desde muy lejos, no se igual es un problema personal (la película tuvo una acogida bastante buena) pero lo cierto que estos déficits hacen que el visionado de este tipo de productos los contemple desde una mirada de tono bastante escéptico.

Tengo la sensación y soy de los que opinan que ha día de hoy hay una enorme barrera diferencial de exposición y resultados entre las películas a cargo de autores ya consagrados en lo autoral o comercial como pueden ser Kim ki-duk, Na Hong-jin, Lee Chang-dong, Kim Ji-woon, Bong Joon-ho, Hong Sang-soo o Park Chan-wook entre algunos otros y alguna que otra propuesta aislada como la excelente «Han Gong-ju» de Lee Su-Jin vista el pasado año y el gran volumen de todo lo restante que en mayor o menor medida nos va llegando del país asiático y muy especialmente en lo concerniente a su trazado más comercial, «Coin Locker Girl» pese a cierto apuntes pertenece a este segundo grupo de películas algo encalladas en formulismos propios que le restan desde mi punto de vista un resultado final mucho más estimulante.

Valoración 0/5: 2

Experimenter

En 1961, Stanley Milgram llevó a cabo una serie de experimentos sobre la obediencia en la Universidad de Yale. La investigación, planteada a raíz del juicio a Adolf Eichmann, pretendía dilucidar la relación de las personas con la autoridad. La violencia del experimento hizo que Milgram fuera tildado de sádico y de monstruo.
Biopic sobre el psicólogo Stanley Milgram y sus famosos experimentos bajo la dirección de nada menos que Michael Almereyda, un curioso autor que en los noventa nos ofreció una visión muy personal y nada complaciente del fantástico con trabajos tan atípicos como eran «Nadja» o «Trance«, «Experimenter» se sitúa en las antípodas de aquellos primeros films de su director en lo referente al riesgo y la actitud, no deja de ser algo curioso que estemos ante su trabajo más asequible para el gran público, eso en teoría no tendría que ser malo de por sí, el problema viene dado en lo referente en que esa accesibilidad venga acompañada de una falta de riego y de identidad propia en el producto que hace que nos encontremos ante un biopic totalmente desaprovechado, vertebrado entre lo didáctico (lo más interesante) y el retrato personal (sin ningún tipo de interés en cómo está expuesto), de hecho estamos básicamente  ante un documental ficcionado en donde el personaje de Stanley Milgram va hablando a cámara en muchos momentos del film. «Experimenter» termina siendo una ocasión desaprovechada, el material daba para muchísimo más de lo que finalmente ofrece, Michael Almereyda opta por el camino más convencional e incluso por momentos desganado, una autentica pena, el retrato de Stanley Milgram merecía una exposición en la gran pantalla más valiente e incisiva. 

Valoración 0/5: 2’5

Partisan

Alexander es como cualquier otro niño: juguetón, curioso e ingenuo. También es un asesino entrenado. Criado en un paraíso escondido, Alexander ha crecido viendo el mundo filtrado a través de su padre, Gregori. Cuando Alexander comienza a pensar por sí mismo, sus miedos toman forma, y el mundo idílico de Gregori se desenreda.

Ariel Kleiman una de las promesas del nuevo cine independiente proveniente de Australia presento en la siempre interesante sección Noves Visions «Partisan«, su estimulante debut en el largometraje en donde nos presenta una alegoría de ubicación atemporal (podríamos estar hablando perfectamente de pasado, presente o futuro) acerca de un poder impuesto por los lazos patriarcales representado en el film en la creación de un mundo endogámico liderado bajo los rasgos de un excelente Vicent Cassel, personaje este que se nutre de la inocencia y sumisión de los más débiles para beneficio propio.

Sería un error el pensar que una película como «Partisan» sea simple, sencilla o que transite por territorios algo convencionales en todo lo que nos va exponiendo, nada más lejos de la realidad, más que en el avance psicológico y personal de los protagonistas la apuesta de Ariel Kleiman no deja de ser un perfecto y notable ejemplo de ese cine de claro calado metafórico, rico en un variado esquema de analogías y que abre múltiples vías de interpretación y extrapolación hacia diferentes aspectos sociales del actual mundo, aunque claro todo esto requiere de un ligero esfuerzo por parte del espectador, es ahí en donde «Partisan» gana enteros y adquiere por derecho propio un estatus y unas connotaciones propias de un film casi de horror real, una reflexión adquirida ante lo que vemos que nos deriva directamente hacia el malestar por la lectura social y política que hemos ido asimilado, todo un logro, «Partisan» podría devenir perfectamente casi como una versión real y autoral del «They Live» de John Carpenter, convirtiéndose por derecho propio en toda una pequeña joya indie a descubrir en este 2015.

Valoración 0/5: 4

Southbound

Cinco historias entrelazadas de terror que ocurren en una interminable carretera del desierto. En un tramo desolado de la carretera una serie de viajeros – dos hombres que rememoran su pasado, una banda en su camino hacia el próximo concierto, un hombre que lucha por llegar a casa, un hermano en busca de su hermana perdida y una familia vacaciones – se ven obligados a enfrentarse a sus peores temores y los secretos más oscuros en este film de segmentos donde impera el terror y los remordimiento.

«Southbound» fue una de las películas de episodios presentadas este año en el festival de Sitges, si en «Tales of Halloween» (muy inferior con respecto a la película que nos ocupa pese a tener un mayor reconocimiento por parte del público posiblemente dada por su proyección en un fin de semana) nos lamentábamos de una cierta tendencia actual en los dípticos del género de terror a la simple aglomeración estilística en «Southbound» afortunadamente asistimos a una afortunada reformulación de conceptos pasados que logra dotar al conjunto de una cierta solidez en lo que nos expone, una mirada hacia atrás con ligeros guiños a los tradicionales EC Comics y sobre todo poseedora de un aroma inconfundible que la emparenta a productos de los ochenta en tono y características parecidas, porque si, independientemente de calidad en sus propuestas los años ochenta y sus formulismos genéricos empiezan a ser valorados ya como conceptos de corte casi clásico, en este aspecto el film huye de modismos actuales como por ejemplo el recurso de la cámara en mano tan utilizada últimamente dentro del fantástico.

Cinco historias de terror autoconclusivas a cargo de Roxanne Benjamin, David Bruckner, Patrick Horvath y Radio Silence presentadas con coherencia, argumentalmente independientes entre sí pero con ligeros apuntes de conexión entre ellas, con la carretera como nexo de unión en lo que son sus historias, ya hemos hablado con anterioridad de la hasta cierto punto lógica irregularidad en este tipo de films, «Southbound» los solventa con acierto al ser una obra que aparenta mostrar un argumento circular sólido, consigue pese a la dificultad de la empresa que su ritmo no varié en exceso, una en definitiva propuesta de género de terror honesta,  pura serie B disfrutable y bien llevada, ni más ni menos.

 Valoración 0/5: 3’5

Video resumen día 7

Green Room

Los miembros de una banda punk, tras perderse en una zona aislada, se topan con un horrendo acto de violencia. Debido a que son los únicos testigos, se convierten en el blanco de una pandilla aterradora de skinheads.

Después de su presencia en el pasado festival de Cannes la nueva película de Jeremy Saulnier «Green Room» vino precedida por una gran expectación, era en principio uno de los platos fuertes presentes este año en Sitges, si en el anterior film de su director (Blue Ruin) este nos ofrecía una conseguida y notable pieza de cine independiente que recurría con acierto a un discurso acerca del recurso de la venganza ejecutada como tal y su aplicación de la violencia dentro de un contexto trágico, en «Green Room» pese a mantener ciertas constantes existentes de su anterior trabajo, aquí se es de una forma clara más menos profundo y sutil, cambia ligeramente de registro para ofrecernos un admirable ejercicio de estilo, un trabajo de tensión fílmica bien llevado que no decae en prácticamente ningún momento de su metraje, que bebe especialmente de un cierto cine de acción orquestado en los setenta (las referencias a «Assault on Precinct 13» de John Carpenter o «The Warriors» Walter Hill son muy evidentes), ofreciéndonos una violencia real y creíble, lejos de una estilización formal impuesta por modas con fecha de caducidad, en este aspecto su apuesta por cierto clasicismo es muy claro, «Green Room» sirve al mismo tiempo como reflejo virulento y retrato nada complaciente de la América profunda ubicado en el film dentro de un definido contexto cultural por el que se mueven esas tribus urbanas representadas por punks y skins.

«Green Room» pese a ser un ejercicio de tensión que se mueve dentro del ámbito del thriller o cine negro como hemos comentado más arriba entiende a la perfección como funciona los resortes tan característicos del género de terror, Jeremy Saulnier los maneja y expone con sobrada habilidad dentro de la película, de manera palpable y realista, su tratamiento descarnado y crudo de la violencia utilizando el recurso escénico de tono claustrofóbico es digno de cualquier tipo de elogio, a día de hoy me sigue resultando del todo incomprensible que no se alzara con el premio al mejor director en el palmares del festival, pero bueno ya se sabe cómo funciona esto de los premios y jurados, «Green Room» termina convirtiéndose de forma clara en la confirmación definitiva del talento de Jeremy Saulnier como director, un autor cuya carrera habrá que seguir con lupa a partir de ahora.

Valoración 0/5: 4

Macbeth

Inglaterra, Edad Media. Macbeth es un noble caballero escocés. Un día, después de una batalla en la que se gana el favor del monarca, encuentra a tres brujas que le profetizan que algún día llegará a ser Rey. Después del cumplimiento de otras dos profecías formuladas por las brujas, inevitablemente Macbeth se pregunta cómo podrá cumplirse la tercera, ya que el Rey Duncan todavía está vivo y, además, tiene dos hijos que pueden heredar el trono. En realidad, en cuanto Macbeth escuchó la profecía, la idea del asesinato de Duncan no dejó de rondar por su mente, aunque, al principio la rechazó. Sin embargo, su mujer, cuya ambición y voluntad de poder es más fuerte que la suya, intentará incitarlo a cometer el crimen. Adaptación de la obra de William Shakespeare.

Una nueva versión del clásico Shakesperiano Macbeth con Michael Fassbender y Marion Cotillard como principales actores y dirigido por Justin Kurzel (no os perdáis su anterior y brutal «Snowtown«) futuro responsable de la adaptación a la pantalla del famoso videojuego «Assassin’s Creed», «Macbeth» es una película que en si misma intenta huir de la reinvención más pura, que trata de ser fiel al texto pero apartándose de manera consiente del encorsetamiento de tono teatral tan habitual en estas líderes. Con una puesta en escena de clara mirada operística y matiz barroco poco se le puede reprochar al film en lo referente a una facturación técnica que resulta del todo inmaculada, sin embargo el tono se ve bastante lastrado al tener un problema de ritmo visible de manera muy evidente en muchas de sus secuencias, la mayoría de su metraje es llevado de una forma ostensiblemente lento para apreciarse de forma curiosa como en su parte final ve la luz una cierta precipitación narrativa en la evolución de sus personajes. «Macbeth» es un film que se dedica plenamente y de una forma decidida a la fabricación de una atmósfera  estética que resulte adecuada al texto en el que se apoya, pero que se olvida por completo a la hora de intentar entender o transmitir los inabarcables matices que posee la obra original del clásico literario de Shakespeare.

Valoración 0/5: 2’5

February

Joan. Kat. Rose. Tres chicas unidas por una serie de misteriosos eventos. Mientras Joan atraviesa carreteras heladas en medio de la noche, Kat y Rose esperan en una escuela femenina a que sus padres vengan a recogerlas por las vacaciones de invierno. A medida que los minutos pasan, una inquietante fatalidad se adueña del lugar.

«February» el prometedor debut en la dirección de Oz Perkins (hijo del mítico Anthony Perkins) es una de esas cintas que aunque parezcan partir de una trama en apariencia sencilla aportan más de lo que pueda parecer en un principio, la película deviene como un thriller psicológico que aunque no redondo en su resultado final tiene su mayor virtud en la de apartarse de forma consiente de un cine de terror convencional al uso, para ello se nos llega a obsequiar con una narrativa que aparte de jugar con la curiosidad del espectador apuesta por sugerir más que por mostrar, apoyándose en una notable utilización de sonido como principal arma técnica a la hora de saber gestionar tensión y crear atmósferas de tono oscuro, de hecho estamos ante una película en donde  se intenta en momentos aislados reinventar pautas temáticas propias del género, nos expone un viaje hacia los contornos psicológicos más tenebrosos del ser humano a través de un argumento que quizás abuse en algo de un cierto exceso de ambición en lo referente a su propuesta, y al mismo tiempo una ligera confusión en cómo nos quiere contar la historia a través de diferentes niveles temporales y distintos y algo difusos puntos de vista expuestos de una manera algo caprichosa. «February» termina siendo uno de esos films en donde se valora más, o se tendría, su forma de transitar lejos de lo más puramente manido que la redondez final del conjunto en sí mismo, una película en definitiva que aunque algo imperfecta es más que digna en todo lo que nos intenta proponer.

Valoración 0/5: 3

Fires on the Plain

Con la Segunda Guerra Mundial a punto de tocar su fin, el ejército de ocupación japonés en Filipinas está perdiendo peso. Los filipinos muestran una resistencia feroz y los americanos han comenzado su ofensiva. Tamura es de los pocos soldados japoneses que quedan, pero ha cruzado un umbral que lo conducirá a un reino sin amigos, enemigos ni esperanza.

Nuevo paso adelante en la carrera del gran Shinya Tsukamoto, en esta ocasión se atreve y sale victorioso con la adaptación de la novela del mismo título de Ooka Shohei publicada en 1951 que ya fuera llevada a la gran pantalla en 1959 (Nobi) por Kon Ichikawa. En «Fires on the Plain» el padre del cyberpunk asiático y realizador de culto reescribe a su manera el clásico del cine bélico japonés y nos da su visión del horror de la guerra en primera persona, con un mensaje en las antípodas del vergonzante trasfondo humanista que de vez en cuando suele asomar dentro del propio género, utilizando un concepto de estilo completamente visceral a la hora de filmar, poseedor de continuos y abruptos movimientos de cámara y montaje colérico, un inacabable bombardeo de imágenes y sonidos curiosamente emparentado en lo formal a sus primeros trabajos, una película que nos remite y bebe en parte de la tragedia y el nihilismo que exhibió en su día el cine bélico orquestado por Samuel Fuller, un survival realista concebido de forma abrumadora y poseedora de una radicalidad en su propuesta que no da lugar en ningún momento a la concesión dentro de un relato que recurre a lo extremo en su dictado, canibalismo o autoantropofagia a la hora de mostrarnos los horrores nacidos en el frente.

«Fires on the Plain» es una nueva demostración, y ya van unas cuantas de que Shinya Tsukamoto es mucho más que el responsable de la saga Tetsuo, una nueva demostración en definitiva del talento uno de los autores más consecuentes, innovadores y rompedores del cine contemporáneo japonés.

Valoración 0/5: 4

Free Fall

Una anciana salta desde lo alto de un edificio. En su caída, pasará a toda velocidad por delante de distintas ventanas, captando un destello de las variopintas y excéntricas vidas de los vecinos, que el espectador luego conocerá en profundidad.

Sitges dentro de su necesaria sección Seven Chances tuvo para bien recuperar el nuevo film de György Pálfi «Free Fall» visto durante el pasado año en varios festivales internacionales, si bien después de su polémica y potente «Taxidermia» Pálfi había dirigido sendos trabajos de un trazado completamente experimental (I Am Not Your Friend y Final Cut: Ladies and Gentlemen) en «Free Fall» parecía volver a esa temática que aúna lo barroco y enfermizo con el que se dio a conocer, sin embargo nos encontramos ante un ligero paso atrás por parte del director húngaro pues aunque estemos ante una obra que pese a incidir en constantes tan propias del realizador como es lo grotesco y la demencia surrealista de una sociedad europea enferma esta nos es presentada de forma muy dispersa y poco elaborada en su conjunto, un díptico de seis segmentos unidos por un mismo edificio como unico escenario que no logra la cohesión requerida, un temario por otra parte expuesto que intenta abarcar quizás demasiadas parcelas genéricas (desde la ciencia ficción abstracta hasta el sucio realismo social) obteniendo un resultado muy dispar en conceptos e intenciones. Una irregularidad esta que sin embargo no resta atributos a unos de los realizadores poseedores de uno de los imaginarios más arriesgados e incomodos del actual panorama de cine de autor europeo, un ideario hoy en día muy escaso y difícil de encontrar, lástima que György Pálfi no se prodigue mas a menudo .  

Valoración 0/5: 2’5

Nina Forever

Cuando Holly logra ligar con su amado Ben, descubre que la difunta exnovia de él todavía está presente en su vida… De hecho, sigue en su cama, putrefacta, parlanchina y malhumorada.

El debut en la gran pantalla de los hermanos Blaine se presenta como una curioso y algo atípico drama post mortem acerca del proceso de superación de la muerte de la antigua novia de un joven, y como este junto a su nueva compañera tendrán que afrontar tal tesitura, «Nina Forever» se aleja por completo del relato de terror al uso, de la misma manera también se agradece que se sitúe en las antípodas de films que trataban una premisa parecida desde unos parámetros de comedia macabra tipo «Burying the Ex» o «Life After Beth«. «Nina Forever» utiliza la metáfora o la reflexión a la hora de presentarnos la figura de la antigua novia muerta de forma muy física, como un instrumento de rechazo ante la nueva relación de su ex­-novio, la línea que separa realidad y ficción tiene la virtud de estar diseccionada de forma no pretenciosa aunque si de una manera algo rocambolesca, un ménage à trois alegórico en donde sobresale especialmente la actriz Fiona O’Shaughnessy (Utopia).

«Nina Forever» es una comedia-drama romántica original a la hora de mezclar géneros, no desentona en dicha labor, incluso podríamos hablar de un producto en cierta manera novedoso en lo que nos expone, el problema viene en cuanto la propuesta orquestada por los hermanos Blaine se agota relativamente pronto y no es capaz de dar un paso hacia adelante en lo referente a su narrativa, en este aspecto da la sensación de estar ante un trabajo con la estructura argumental de un corto, algo que le resta beneplácito a un conjunto que sin embargo posee pinceladas cuanto menos curiosas dentro de una propuesta de atributos ciertamente atípicos.

Valoración 0/5: 2

Video resumen

Bone Tomahawk

Año 1850. Llega a Bright Hope un forastero que rápidamente levanta las sospechas del sheriff (Kurt Russell), el cual le detiene después de una disputa. Una bella mujer (Lili Simmons) decide cuidar del preso hasta que una noche ambos desaparecen. Debido a que la única pista es una flecha que pertenece a una tribu de caníbales, el sheriff irá en búsqueda de la joven acompañado de algunos hombres entre los que se encuentran un vaquero (Patrick Wilson) y un anciano (Richard Jenkins).

«Bone Tomahawk» el debut en la dirección del novelista S. Craig Zahler fue otras de las agradables sorpresas vistas este año en Sitges, producto totalmente atípico en lo referente a su concepción (una financiación completamente alejada de los estandartes hollywoodienses y llevada a cabo de forma independiente con medios muy reducidos pese a contar con un cast de lo más apetecible y en donde sobresale de manera destacada un inconmensurable Richard Jenkins), fusión  genérica de western y survivor de horror explícito en su parte final estamos posiblemente ante una película en la que hay que valorar y celebrar de una forma especial su misma razón de ser más que el resultado que pueda llegar a otorgar en sí mismo, pues al fin y al cabo estamos ante una inusual hibridación de géneros que bebe de la serie B más genuina, reverencia de forma consiente a los westerns clásicos de John Ford o Howard Hawks pero sobretodo y muy especialmente su principal virtud reside a la hora de ser plenamente consciente de su propia condición de rara avis cinematográfica, en este aspecto su propuesta es innegociable y digna de aplauso, llegando hasta el final con todas las consecuencias que ello pueda acarrear, ritmo pausado, arriesgada combinación de estilos, duración fuera de paramentos estandars y una media hora final en donde una catarsis violenta rompe con el formulario preconcebido, una propuesta en definitiva que llega a trascender por su riesgo y originalidad, que de manera caprichosa logra romper esquemas pero que se apoya en lo más puramente clásico, ofreciéndonos en definitiva un producto tan sorpresivo como admirable.

Valoración 0/5: 4

Youth

Fred Ballinger (Michael Caine), un gran director de orquesta, pasa unas vacaciones en un hotel de los Alpes con su hija Lena y su amigo Mick, un director de cine al que le cuesta acabar su última película. Fred hace tiempo que ha renunciado a su carrera musical, pero hay alguien que quiere que vuelva a trabajar; desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe.

Paolo Sorrentino presento en Sitges su última obra «Youth«, ese otro fantástico que el festival de Sitges siempre ha tenido para bien el abrir sus puertas de par en par obviando en parte la naturaleza genérica en la que se inscribe, es evidente que el director italiano juega en otra liga en lo referente a calidad y resultados, pero una obra de los atributos de «Youth» siempre tendría que ser bendecida dejando de lado la necesidad o conveniencia de su proyección en según que sitios. Paolo Sorrentino al igual que en su anterior «La Gran Belleza» sigue incidiendo en la visión de la decadencia y el concepto de la pérdida ya sea de la juventud o la de un ser querido, decadencia y pérdida, dos conceptos ligados a esa juventud que da nombre al enunciado del film representado bajos los rasgos actorales de Michael Caine y Harvey Keitel, un sentimiento vital que no comienza a tener un sentido pleno en lo más estrictamente emocional hasta que se da por concluida dicha etapa a la que hace referencia el título del film y que aquí nos es diseccionado a través de un caleidoscopio metafórico que como es habitual en el cine de Paolo Sorrentino se apoya en base a un lenguaje audiovisual en donde música e imágenes encuentran una perfecta cohesión en lo referente a lo que son sus planos y diálogos, una mirada en definitiva que mira en el pasado para analizar lo que nos depara el presente y el futuro.

Es imposible analizar en tan pocas líneas todo lo que aporta una obra de estas características, más adelante y aprovechando su estreno comercial será hora de extenderse de forma más detenida y conveniente ante una de las mejores películas de este 2015, «Youth» sin lugar a dudad es una auténtica joya fílmica con la que nos obsequia y enamora de nuevo el genial director italiano.

Valoración 0/5: 4

Frankenstein

Una pareja de científicos han conseguido crear vida humana, un nuevo Frankenstein ha nacido desde lo más profundo de un laboratorio. A pesar que este Frankenstein aprende rápido, no acaba de controlar sus emociones, volviéndose inestable y peligroso, escapando del laboratorio.

Bernard Rose reincide en el género fantástico con una nueva adaptación de la novela gótica de Mary W. Shelley, el director británico responsable en los noventa de títulos tales como «Candyman« o su anterior «Paperhouse«, en mi opinión su mejor película hasta la fecha, sorprende para bien y más si nos atenemos a su penúltimo trabajo «Sxtape«, un muy descafeinado found footage algo impropio de un director de sus antecedentes. El «Frankenstein» contemporáneo de Rose funciona pese a sus limitaciones presupuestarias al imprimir cierto carácter personal al relato en función de unas pequeñas variantes en lo que es su historia, se centra básicamente en una criatura que nace no a través de la electricidad sino gracias a una gigantesca impresora 3D, prescinde por completo de lo gótico para acercarse más al relato de ciencia ficción, una versión de tono emotivo pero sobre todo muy físico en textura, que recurre al gore explícito a la hora de mostrarnos la degradación física del monstruo, ya sea por su fallida genética o por el maltrato que sufre del entorno humano que le rodea, posiblemente donde falla  algo el film de Bernard Rose sea en un desequilibrio importante de ritmo que denota su guión, dejando a su acto final muy cojo con respecto al resto del film, un clímax al que se llega de forma algo precipitada. 

Este «Frankenstein» lowcost alternativo pese a sus evidentes carencias es una opción muy válida, seguramente no a la hora de reinterpretar el clásico como tal pero si de actualizar con cierto tino desde la base el material original, en definitiva respetar una esencia que blockbusters venideros parecen dispuestos a ningunear en texto e imagen, que dios nos coja confesados.

Valoración 0/5: 3

The Hallow

Adam y Clare se mudan a una zona rural con su hijo recién nacido. Enseguida empiezan a recibir advertencias sobre los malos espíritus que pueblan el área, pero la joven familia prefiere disfrutar la belleza de los bosques.

La irlandesa «The Hallow» se presentaba bajo los rasgos de ser una pieza de terror que en su argumento bebe de leyendas y  folklore local, una en apariencia pieza de horror de campiña de claro tono british que partía de referencias y estilos tan estimulantes como el «The Wicker Man» de Robin Hardy o la reivindicable «Wake Wood» de David Keating entre otras muchas, lo cierto que el debut del joven Corin Hardy en la dirección nos ofrece un catálogo de referencias que más que influenciarse de ese tono de horror campestre tan característico en los setenta lo hace  más hacía un estilo cinematográfico que la emparenta hacia la monster movie de serie B ochentera, para ello utiliza unos convencionalismos muy reconocibles dentro del propio género que sirven al mismo tiempo para desarrollar esa mitología propia en lo referente a su argumento, se apoya más en un tipo de terror seco y archiconocido en lo que son sus pautas narrativas, se podría destacar unos atributos visuales tales como el diseño de las criaturas de clara fabricación artesanal que nos remite a la etapa antes mencionada o una fotografía de tono oscuro bastante conseguida, lástima que estos apuntes queden algo diluidos al integrarlos dentro de una historia muy simplona y repetitiva sobre todo en su parte final que hacen que un producto como «The Hallow» no trascienda mucho más allá de ser un mero y algo convencional disfrute para el aficionado de un terror claramente reconocible y muy al uso en todo lo que nos expone.

Valoración 0/5: 2

The Legend of Barney Thomson

Barney Thompson, un torpe y tímido barbero de Glasgow, vive una vida mediocre y carente de interés, pero esto está a punto de cambiar drásticamente cuando se introduce en el grotesco mundo del asesino en serie.

El actor escocés Robert Carlyle debuta tras las cámaras con la comedia criminal de enredos «The Legend of Barney Thomson«, film donde predomina un humor negro de claro trazado británico y en donde una serie de asesinatos involuntarios o no se convierte en un denominador común dentro de una barbería, un escenario este que sirve a la perfección como espejo temático en una especie de Sweeney Todd ambientada en Glasgow, de tono grotesco muy especialmente en lo referente al trazado de sus personajes en donde el propio Robert Carlyle, Emma Thompson y Ray Winstone se adueña de la función en una comedia en donde lo actoral se erige como su principal activo narrativo, una comedia coral de actores que sin embargo se ve algo lastrada en resultados a la hora de desarrollar una tendencia algo exagerada hacia el exceso y la autoparodia, situándose en las antípodas de lo que sería una comedia sutil, aun así estamos ante un producto correcto, dirigido con parcial acierto por parte de Robert Carlyle y especialmente recomendada para los amantes de un tipo de humor en donde predomina más la complicidad indiscreta a la carcajada más propiamente dicha.

Valoración 0/5: 2

I Am a Hero

Hideo es un dibujante con una vida miserable. Un día, su novia lo echa de casa y, al cabo de unas horas, se abalanza sobre él convertida en un agresivo zombie. Será la primera señal de que el mundo a su alrededor se desmorona.

¿Es posible ofrecer a día de hoy un producto novedoso que funcione o que no incida en lo manido en lo referente al subgénero zombie? «I Am a Hero«, adaptación del homónimo manga de Kengo Hanazawa dirigido por Shinsuke Sato, responsable de la también versión cinematográfica de otro manga, Gantz (2011), lo consigue en parte desde unos principios  muy básicos, puede ser que su estreno mundial en Sitges pillara algo desprevenidos a los asistentes, apenas se tenía conocimiento del proyecto, lo cierto es que la película no inventa nada nuevo dentro de la temática en la que se mueve pero resulta un perfecto divertimento fan que al parecer adapta el manga de una forma muy fiel según los conocedores del texto. «I Am a Hero» es consciente de ser una película concebida con la única finalidad de entretener y divertir al espectador, es por ello que su discurso no pretenda ir más allá de ser una cinta destinada al consumo de contornos muy específicos, bien construida visualmente, que sabe dotar al conjunto de un ligero humor negro que no empaña el elemento de terror y abundantemente generosa en lo referente al gore expuesto muy especialmente en su media hora final.

«I Am a Hero» fue la película zombie de este año dentro del festival, su Premio del Público así lo atestigua, un film que curiosamente proveniente de un país como es Japón en donde dicha temática no ha abundado en exceso en estos años de fiebre zombie si descartamos las consabidas series Z a cargo de Yoshihiro Nishimura o alguna aportación esporádica y autoral como por ejemplo la muy reivindicable «Miss Zombie» de Sabu.  

Valoración 0/5: 3’5

Video resumen

The Invitation

Will y Eden perdieron a su hijo años atrás. La tragedia afectó su relación de forma irreversible, hasta el punto de que ella desapareció de la noche a la mañana. Un día, Eden regresa a la ciudad; se ha vuelto a casar y en ella parece haber cambiado algo, convirtiéndola en una presencia inquietante e irreconocible incluso para Will.

Galardonada con el premio a la mejor película en la presente edición del festival de Sitges el film independiente «The Invitation» es indiscutiblemente una de las sorpresas más positivas de este 2015, aunque en un principio pueda llegar a descolocarnos en algo dado los antecedentes de sus responsables, su directora Karyn Kusama se resarce aquí de anteriores trabajos suyos como eran las horrendas «Aeon Flux» o «Jennifer´s Body» para presentarnos un producto de premisa modesta pero de resultado enriquecedor, ubicado en un escenario claramente minimalista «The Invitation» se presenta en forma de un drama psicológico que va mutando hacia el horror conforme avanza su recorrido argumental, que sabe alejarse de manera consiente del consabido relato de tono críptico usado de forma algo habitual en productos de trazado indie para ofrecernos lo diametralmente opuesto, una historia cocinada a fuego lento en base a un tempo narrativo bien llevado, de estructura sencilla en apariencia, una interpretación de ciertos comportamientos sociales bajo la apariencia de un drama profundamente dialogado y expuesto en cómo el dolor asumido de forma personal ante un hecho luctuoso puede llegar a convertirse en algo realmente espeluznante según como sea aceptado, a partir de dicha premisa el film va jugando en lo concerniente a una serie de continuas sospechas que nos van siendo mostradas y dosificadas en forma de pistas, para dar paso a un continuo tour de force en lo referente a una tensión muy bien direccionada y que termina derivándola en su tramo final a un twist-ending en el que cambia por completo de registro, algo que posiblemente rompa el tono exhibido hasta ese momento.

Seguramente «The Invitation» expuesta en términos plurales no sea el mejor film de los 38 vistos en competición este año en Sitges, de echo la propuesta presentada por Karyn Kusama es tan sencilla de como efectiva en resultados, pero no deja de ser un notable ejercicio de cómo saber ejecutar el recurso de la tensión psicológica a un relato, en donde su mejor virtud es la de lograr reclutar por completo la atención del espectador durante prácticamente todo su metraje, algo hoy en día digno de resaltarse.

Valoración 0/5: 4

Love 3D

Un 1 de enero por la mañana, el teléfono suena. Murphy se despierta junto a su esposa y su hijo de dos años. Escucha el mensaje, la madre de Electra, muy inquieta, le pregunta si tiene noticias de su hija que está desaparecida. Teme que le haya sucedido algo grave. A lo largo de un día lluvioso, Murphy se encuentra solo en casa, recordando su historia de amor más grande; dos años con Electra. Una pasión llena de promesas, juegos, excesos, errores…

Como viene siendo habitual en todo trabajo que se precie por parte del irreverente Gaspar Noé su nueva película «Love 3D» había despertado un inusitado interés tras su paso por el festival de Cannes de este año, no deja de ser preocupante las reacciones por parte de la crítica exhibidas en el certamen francés que llego a escandalizarse, vapuleando y poco menos que ninguneando el film de Noé por lo que ellos entendían como una provocación en toda regla, un producto en cuyo envoltorio no hay nada en su interior, nada más lejos de la realidad, en primer lugar «Love 3D» ni es porno ni la intención de su director es la de escandalizar, la película dirigida por Gaspar Noé no deja de ser un drama romántico entre otras muchas cosas que puntualmente recurre a lo explícito a la hora de explicarnos un historia que intenta reconstruirse en la memoria del protagonista a lo largo del film, una antigua relación amorosa que orbita alrededor de una afectividad pasada, a partir de una serie de flashbacks expuestos de una forma no cronológica que recurre a un pasado, su trayecto y los complejos recovecos existentes dentro de las relaciones sentimentales de una pareja.

«Love 3D» termina siendo una obra en la que el sexo fluye como un elemento narrativo más de la función y que es utilizado como una herramienta para ir descubriendo el significado que el amor tiene para el protagonista, utilizando un discurso que incluso tiende la mano a lo reflexivo o a lo más puramente filosófico, un relato de contornos muy marcadamente bellos pero también de un tono muy triste. Curiosamente estamos ante el trabajo de Gaspar Noé más lineal, contenido y de alguna manera clarividente, que quizás abuse en algo de cierta tendencia hacia lo autorreferencial, posiblemente estemos ante la película más incomprendida por parte de su director, y no deja de ser anecdótico que pese a que se recurra a un innecesario 3D a la hora de intentar captar de una forma legítima a un público muy determinado estemos ante la película menos provocadora y gratuita de las realizadas por el director francés hasta la fecha de hoy.

Valoración 0/5: 4

Miss Hokusai

Nos encontramos en el año 1814, en Edo, ahora conocido como Tokio. Una de las ciudades más pobladas del mundo con campesino, samuráis, ciudadanos, comerciantes, nobles, artistas, cortesanas y quizás también algunas cosas sobrenaturales. Tetsuzo es un artista de unos 50 años muy dotado para su tiempo. La tercera de sus cuatro hijas ha heredado el talento de su padre, y la obstinación también. A menudo pinta en vez de su padre, aunque sin llevarse ningún crédito.

El japonés Keiichi Hara responsable de la notable Colorful (2010) presento en Sitges su nueva película «Miss Hokusai«, film galardonado en la pasada edición del Festival de Annecy, siendo una de las apuestas más fuertes de este año por parte del festival en lo referente a la animación, un relato biográfico ubicado a finales del siglo XVIII que se centra en la figura de la hija del famoso pintor Hokusai, film de trazo costumbrista y tono inequívocamente contemplativo con algún que otro elemento fantástico en el desarrollo de su historia, si bien la película posee unos atributos dignos de reseñar en lo referente muy especialmente a su apartado visual y diseño lo cierto es que estamos ante un trabajo de una cierta irregularidad en lo que respecta a su estilo narrativo, se abusa de una sutileza en personajes y situaciones que terminan derivándola hacia un hermetismo que la direcciona a un tono algo superficial que no termina de beneficiar al conjunto, dando cierta sensación de llamar más la atención del espectador en base a detalles y matices expuestos de forma muy puntual que a la propia historia que nos pretenden contar, «Miss Hokusai» termina siendo un catálogo de sugerentes y dispersos aciertos y alguna que otra palpable imperfección, una propuesta de animación adulta en definitiva tan ambiciosa como algo carente de la cohesión que requería dicha empresa.

Valoración 0/5: 3

El cadáver de Anna Fritz

Anna Fritz, una famosa y joven actriz de cine, es encontrada muerta en la suite de un hotel. Pau trabaja como celador en el hospital donde han llevado el cadáver de Anna. Es un chico tímido e introvertido, y cada vez que entra en el depósito el cuerpo de chica atractiva que acaba de morir, no puede evitar mirarla desnuda. Hace una foto a Anna Fritz y la envía a sus amigos Iván y Javi. Estos van al hospital para ver de cerca el cuerpo de la actriz. Entran en la morgue y quedan admirados por su gran belleza. Tienen a Anna Fritz desnuda. Podrían poseerla y nadie lo sabría. Víctimas de sus instintos más primitivos, no saben que van a bajar a un infierno del que les va a ser muy difícil salir.

«El cadáver de Anna Fritz«, producto low cost que supone el debut en la dirección de Héctor Fernández Vicens tiene la virtud de ser un film honesto en lo que expone y de no intentar ir mas allá de lo que realmente puede abarcar, aunque recurra a una premisa inicial algo incomoda y nada fácil como es la necrofilia esta no es más que un mero enunciado, se parte de una estructura y desarrollo posterior de lo más simple posible pero efectiva en su resultado final que logra funcionar de forma algo liviana, un solo escenario y cuatro personajes encerrados en el depósito de cadáveres de un hospital, un punto de partida que en una primera parte báscula sobre la integridad y moralidad de un posible acto a realizar para enseguida pasar al thriller de tono tan convencional como entretenido y que juguetea de pasada en su parte final con el rape and revenge. «El cadáver de Anna Fritz» termina siendo una producción española de género valido cuya intención no es la trascendencia como en un principio pueda dar a entender su premisa inicial sino la de ser un simple y correcto vehículo de entretenimiento de tono algo inofensivo y ceñida duración (75 minutos), intentar dotarle de más atributos a una película de estas características es un ejercicio tan vano como inútil.  

Valoración 0/5: 2’5

Nowhere Girl

En un instituto de bellas artes, la joven Ai es ridiculizada por algunos compañeros y profesores, que rechazan por pura envidia unos trabajos de indudable talento. Una atmósfera férrea y opresiva acabará por sacar toda la rabia de Ai, que se tomará la justicia por su mano.

El gran Mamoru Oshii vuelve a la imagen real con el film «Nowhere Girl«, un medio este en el que el realizador japonés no acaba de encontrar un acertado discurso que si posee de sobras dentro del ámbito del anime, aun así el nuevo trabajo de Oshii proyectado casi de tapado en el festival dentro de la sección Noves Visions se presenta bajo los rasgos de aparentar ser una cosa totalmente opuesta a lo que realmente esconde en su interior, siendo finalmente un sugerente discurso que conecta a la perfección con un imaginario claramente propio, se aleja del ejercicio de acción al uso para presentarnos una introspección psicológica cocinada a fuego lento y de ritmo quizás extremadamente pausado, un recorrido en los recovecos de la mente de la protagonista rica en símbolos y capas de lectura que cobran un sentido en su parte final, un producto en definitiva que sin ser de los mejores de su autor se eleva en lo referente a su calidad con respecto a otros trabajos realizados en acción real por parte de Mamoru Oshii, de echo podríamos estar hablando de un pequeño apéndice argumental previo de su genial «Avalon«, una colisión entre mundos reales y oníricos intercalados por conflictos bélicos de raíz distópica, elementos estos perfectamente reconocibles dentro de un universo expuesto con anterioridad en muchas ocasiones por parte de su autor.

Valoración 0/5: 3’5

Video resumen

London Road

Una película que narra los sucesos reales que conmovieron a la población de Suffolk en 2006, cuando la tranquilidad de la ciudad de Ipswich se vio alterada por el descubrimiento de los cuerpos de cinco mujeres. Los residentes de London Road llevaban años luchando contra la frecuente aparición de hombres que recorrían la calle para solicitar los servicios de prostitutas. El film describe cómo la comunidad se convierte en el epicentro de esos trágicos acontecimientos.

«London Road» fue la encargada de clausurar el festival de San Sebastián, la segunda película del británico Rufus Norris tras su notable «Broken» acabo siendo una algo deslucida clausura, una norma que viene siendo ya norma habitual no solo en San Sebastián sino en prácticamente todos los festivales de clase A que no terminan de apostar por un producto fuerte a la hora de cerrar el certamen, Norris adapta al cine la obra de teatro homónima que él mismo dirigió años atrás, un musical que se aleja de las adaptaciones de clásicos tan en boga dentro del género para adentrarse en utilizar un caso real, los asesinatos a cinco prostitutas en la ciudad  británica de Ipswich y presentar las reacciones de los vecinos de London Road mientras se investiga y resuelve el caso, una originalidad en la propuesta que no viene acompañada de buenos resultados, «London Road» deviene como un producto claramente fallido en función de unos números musicales, algo que a fin de cuentas se presenta como el motor narrativo que cualquier musical, que no llegan a enganchar en prácticamente ningún momento del film al ser algo rutinarios y escasamente elaborados y con una ausencia de ritmo bastante evidente, un producto poseedor de un tono muy atípico en lo más puramente cinematográfico que no termina de ensamblarse de una manera coherente dentro de la historia que nos proponen, «London Road» termina siendo un experimento en sí mismo que se aleja de lo convencional, tan arriesgado e inusual como tedioso en su resultado final.

Valoración 0/5. 2

Palmares

CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA

Sparrows, de Rúnar Rúnarsson

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

Evolution, de Lucile Hadzihalilovic

CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR

Joachim Lafosse por Le chevaliers blancs

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ

Yordanka Ariosa por El rey de La Habana

CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR (ex aqueo)

Ricardo Darín y Javier Cámara por Truman

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN

Arnaud y Jean-Marie Larrieu por 21 nuits avec Pattie

PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFíA

Manu Dacosse por Evolution

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO

El apóstata, de Federico Veiroj

PREMIO NUEVOS DIRECTORES

Le nouveau, de Rudi Rosenberg

PREMIO NUEVOS DIRECTORES (Menciones Especiales): Drifters, de Peter Grönlund y Vida sexual de las plantas, de Sebastián Brahm

PREMIO HORIZONTES

Paulina, de Santiago Mitre

PREMIO HORIZONTES (Menciones especiales): Luis Silva por Desde allá y Te prometo anarquía, de Julio Hernández Cordón

PREMIO IRIZAR AL CINE VASCO

Amama, de Asier Altuna

PREMIO IRIZAR AL CINE VASCO (Mención especial)

 Irene Escolar por Un otoño sin Berlín

PREMIO DEL PÚBLICO

Nuestra hermana pequeña, de Hirokazu Kore-eda

PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA EUROPEA

Mountains May Depart, de Jia Zhang-ke

PREMIO FIPRESCI

El apóstata, de Federico Veiroj

PREMIO FEROZ ZINEMALDIA

Truman, de Cesc Gay

PREMIO EZAE DE LA JUVENTUD

Paulina, de Santiago Mitre

PREMIO TOKYO GOHAN FILM FESTIVAL

Noma, My Perfect Storm, de Pierre Deschamps

PREMIO CINE EN CONSTRUCCIÓN

Era el hotel Cambridge, de Eliane Caffé

Video resumen

The Demons

Mientras en Montreal se produce una ola de secuestros de niños, Félix, un chico de diez años, termina el colegio en Old Longueuil, un barrio residencial de pacífica apariencia. Imaginativo y sensible, Félix, como muchos niños, le tiene miedo a todo: el posible divorcio de sus padres, que parecen atravesar una crisis; los maníacos que acechan a los niños pequeños; los vecinos sospechosos, e incluso el SIDA. Poco a poco, los demonios imaginarios de la infancia se mezclan con los de una realidad inquietante.

El penúltimo día del festival se presentó una de las sorpresas más positivas vistas en esta edición de San Sebastián dentro de la sección oficial, «The Demons» opera prima del director canadiense Philippe Lesage explora a fuego lento un retrato de la infancia de tono algo perturbador, los miedos internos de un niño vividos desde dentro y expuestos alrededor de un contexto que pretende explorar un supuesto conocimiento del mal que orbita alrededor de sus propias vivencias, de lo que se aleja a su entendimiento, una hostilidad existente dentro de un universo que se le antoja ha día de hoy totalmente incomprensible, nuestro precoz protagonista vive entre discusiones paternas, desubicación, unido a un acoso infringido y recibido escolar, un primer y frustrado amor, la homosexualidad, un en definitiva variado temario en la que el director impone una narración quizás algo contemplativa pero que termina focalizando de un modo acertado en la trama en base a la utilización de unos recursos bien explotados como por ejemplo su notable banda sonora, para ir incidiendo en base a pequeños  detalles que se van fraguando poco a poco y de un modo similar en la formación de la psique del niño protagonista.

Lástima que el jurado no terminara de dar el visto bueno a una propuesta tan estimulante y valida como la presentada por Philippe Lesage, «The Demons» es una pequeña joya a descubrir y una de las sorpresas más agradables de la presente temporada.

Valoración 0/5: 4

Black Mass

En el sur de Boston, en la década de 1970, el agente del FBI John Connolly convence al gánster irlandés Jimmy Bulger para que colabore con el FBI para así poder eliminar a su enemigo común: la mafia italiana. Esta nefasta alianza se escapa de cualquier control, permitiendo que Bulger evada el peso de la ley mientras consolida su poder y se convierte en uno de los gánsters más implacables y peligrosos de la historia de Boston.

«Black Mass» dirigida por Scott Cooper y presentada en la sección Perlas vuelve a incidir en el biopic gansteril, en este caso la historia real de James “Withey” Bulger y sus sangrientas andanzas a lo largo de más tres décadas, uno de los criminales más duros y temibles de los Estados Unidos aquí caracterizado bajo los rasgos de Johnny Depp, un producto que partía con todos los atributos para convertirse en una de las películas del año y por ende en una firme candidata para los próximos Oscars pero que sin embargo deviene como un producto totalmente fallido, el principal error del tercer largometraje de Scott Cooper es una clara indecisión narrativa que se denota de forma demasiado visible, aparte de llegar a abusar sobremanera de unos testimonios proveniente de múltiples fuentes que la dirigen hacia una disparidad argumental que hacen que el relato adquiera un tono algo deslavazado, no logra apoyarse en una trama tejida de forma correcta apareciendo en escena un barnizado superficial que se apodera de la función por completo y de una forma notoria, de echo una vez acabado el film seguimos sin conocer realmente al personajes principal, todo llega a estar muy esquematizado y de la misma forma da la impresión de que en su variada cartera de personajes se le da demasiada importancia a unos quedándose otros sin embargo a estar muy desaprovechados prentandonoslos como simples apéndices de la historia.

Una propuesta fílmica en definitiva  no puede funcionar casi nunca de una manera correcta si su máximo responsable no consigue que la narración tenga que estar al servicio del propio contenido. «Black Mass» solo termina siendo ligeramente disfrutable muy desde la distancia y basándose en los propios atributos que posee la historia en si misma, convirtiéndose en un perfecto ejemplo de como un material a priori prometedor puede llegar a ser desaprovechado por completo por una dirección y un guion que en ningún momento llegan a estar expuestos de una forma acertada.  

Valoración 0/5: 2

After Eden

Eve es una actriz de cine para adultos de gran éxito, cuya rutina diaria consiste en fingir una juvenil inocencia para dar placer a su invisible audiencia. Adam es un solitario estudiante universitario obsesionado por los medios de comunicación y con una fijación por Eve. Al conseguir dar con su pista en el mundo real, se convierte en su anónimo perseguidor… hasta que encuentra el valor para tratarla en persona. Cuando Eve accede a protagonizar un vídeo de sexo en privado para Adam, el sueño de este está a punto de hacerse realidad.
Una tendencia muy habitual vista en la mayoría de óperas primas presentadas este año en la sección Nuevos Directores es que estas se basan y en un número bastante elevado en un material y su correspondiente desarrollo normalmente apoyadas bajo un tono que la direccionan inequívocamente hacia lo convencional, se echa en falta un mayor riesgo formal en propuestas que por ser primerizas tendrían que apostar de una forma más clara por una visión de tono más autoral, afortunadamente «After Eden» de Hans Christian Berger se aleja de convencionalismos para ofrecernos una brillante metáfora resuelta y expuesta en poco más de cinco planos secuencia, el sexo y su idolatracion vista de forma subjetiva, desde el modo vouyer en contraposición con lo explicito o practicado, en unos tiempos actuales en donde la virtualidad se apodera de las constantes necesidades del ciudadano de a pie, un presente el de hoy en día en donde la máxima comunicación ha abocado a gran parte de la sociedad actual a encontrarse perdida a la hora de intentar encontrar la verdad oculta tras la fachada, Hans Christian Berger nos habla de una supuesta falsedad inherente dentro de la figura idolatrada de una porno actriz pero el temario podría extrapolarse a diferentes ámbitos de comportamientos humanos que invitan a la reflexión, siendo esta la principal virtud de «After Eden«, un trabajo que bajo la apariencia de estar expuesto bajo un trazado superficial nos está hablando de algo mucho mas profundo.

Valoración 0/5: 3’5

Mia Madre

Margherita, una directora de cine, está en pleno rodaje de una película protagonizada por un famoso actor estadounidense. A las preguntas que se plantea en calidad de artista comprometida se suman las preocupaciones de su vida privada: su madre, que está ingresada en un hospital, su hija, que está en plena crisis adolescente y su hermano, cuyo comportamiento es absolutamente irreprochable.

Tras su paso por la última edición del festival de Cannes la nueva película Nanni Moretti se presentó de forma algo tardía en la sección Perlas. En «Mia Madre» el director italiano recure un relato autobiográfico que orbita alrededor de la agonía materna con la figura de la actriz Margherita Buy como alter ego en un juego de roles femeninos y masculinos invertidos al azar pues el mismo Moretti interpreta al hermano de la protagonista y en donde por otra parte no escatima una implícita autocrítica a su propia profesión. A medio camino entre un drama que afortunadamente no abusa de lo lacrimógeno y la comedia de tono algo absurdo personificado en el personaje interpretado de manera notable por John Turturro, un equilibrio este que está construido en base a situaciones que basculan entre lo más puramente onírico y  los flashbacks insertados de una forma hábil y que sirven al mismo tiempo como claro exponente de hasta qué grado la desaparición de la figura materna o patriarcal puede hacer tambalear  la realidad en la que viven de sus allegados así como la evolución de sus propias relaciones ante el inminente desenlace fatídico. Nanni Moretti con «Mia Madre» da un paso hacia adelante con respecto a anteriores trabajos, una reflexión de tono alegórico sobre la vida y la muerte, las metas y de la supuesta finalidad de nuestros propios actos y hacia donde nos llegan a derivar ante un hecho luctuoso y en definitiva el cómo saber hacer emocionar en imágenes través de una carga dramática bien direccionada.

Valoración 0/5: 3’5

Psiconautas, los niños olvidados

Birdboy y Dinki son dos adolescentes que han decidido escapar de una isla asolada por una catástrofe ecológica: Birdboy aislándose del mundo, Dinki emprendiendo un arriesgado viaje con la esperanza de que Birdboy la acompañe.

«Psicópatas, los niños olvidados» de Pedro Rivero y Alberto Vázquez tuvo un paso muy desapercibido por el festival, algo a lamentar pues la propuesta de los ganadores del Goya al mejor corto de animación por «Birdboy» en el 2012 es de las propuestas que merecen un total apoyo, una apuesta tan diferente como arriesgada en su concepción, que se aparta de una forma voluntaria de la animación más puramente infantil y convencional para adentrarse en una sórdida metáfora de tono oscuro sobre las miserias del consumo feroz así como el desprecio a la naturaleza. «Psiconautas» deviene como una fábula post-apocalíptica que vertebra su discurso en base a una textura de tono acido en lo referente a la inocencia de sus personajes y en cómo estos tienen que sobrevivir a los aspectos más oscuros del mundo que les ha tocado vivir. «Psiconautas» termina siendo una pequeña joya de la animación patria no apta para todos los públicos por el temario expuesto, que sabe transitar por territorios complejos y que posee al mismo tiempo una ambientación visual que apuesta de forma valiente por lo sucio e incómodo, merecedora en definitiva de un reconocimiento del todo unánime.

Valoración 0/5: 4

Video resumen

Tag

En plena excursión escolar, el viento corta un bus por la mitad, decapitando a todas las chicas excepto a Mitsuko, que logra escapar para llegar a su colegio. Ahí encuentra, de nuevo, a sus compañeras. ¿Ha sido todo una pesadilla?

Si hubo un nombre destacado en esta edición del festival de Sitges este fue sin lugar a dudas el del realizador japonés Sion Sono, presente en el certamen con tres películas «Tag«, «Love & Peace» y «The Virgin Psychics» y homenajeado de una forma merecida con el premio la máquina del tiempo, «Tag» su film a competición es el brillante compendio de un universo propio, una experiencia que por momentos desborda para bien ante un catálogo de lo más inverosímil que aúna sin ningún tipo de pudor desde el gore más explícito a un surrealismo de visión alternativa pasando por el alegato acerca de la difícil posición de la figura femenina dentro de la sociedad japonesa, «Tag» recuerda por momentos a su anterior «Suicide Club» en donde se partía de estructura parecida al empezar con una secuencia inicial de puro impacto para proseguir con una narrativa pobladas de capas a diferentes niveles de interpretación aquí presentadas bajo un tono inequívocamente onírico que va lanzando más preguntas en vez de proporcionar una serie de respuestas esperadas por el espectador, hasta llegar a un final que roza casi lo trascendental, y por increíble que pueda parecer todo ello llega a tener un sentido, o sea estamos frente a un perfecto ejemplo de un producto puro Sion Sono. Posiblemente no estemos ante la mejor película de su director, «Love Exposure«, «Guilty of Romance» y sobre todo «Cold Fish» siguen estando en un lugar privilegiado, aun así «Tag» demuestra de forma meridiana los cambios y brillantes manejos de registros de un autor tan inclasificable como único.

Valoración 0/5: 4

Vulcania

Jonás, que acaba de perder a su familia en un misterioso accidente, comienza a trabajar en la fundición del pueblo. Ahí conoce a Marta, con la que comparte tragedia y de la que intentará sacar información sobre lo sucedido. Su descubrimiento sacudirá los cimientos de la comunidad.

«Vulcania» la ópera prima del  argentino José Skaf había despertado mucha expectación previo paso por el festival, un proyecto nacional de cierta envergadura y con una premisa bastante interesante en donde se nos presenta un supuesto acontecimiento distópico atemporal que bebe  a medias de un universo Orwelliano y un argumento que la asemeja al «The Village» de M. Night Shyamalan, el control sobre las masas, en este caso una comunidad completamente aislada de la realidad, a través del dominio de la información, el film de Skaf se centra básicamente en este conflicto social en donde roba elementos de nuestro pasado a modo de simbología franquista, en este aspecto el diseño de producción de «Vulcania» es impagable, lamentablemente  la película tiene un recorrido demasiado pausado y monótono, se centra en especial en construir un escenario  distópico pero se olvida de generar una historia que trascienda a este ambiente, se hace más hincapié en los personajes que en la situación, también se prescinde por completo de un elemento fantástico que le hubiera otorgado una mayor vitalidad al relato, en este aspecto no deja de ser una pena pues «Vulcania» podría haber sido un trabajo que marcara en algo el devenir del genero patrio, la sensación de ocasión desaprovechada está ahí, aun así es digno de elogiar la existencia de un producto de esta características que se aleja de las premisas de género tan manidas hoy en día para ofrecernos una pieza que bordea la ciencia ficción adulta de tono reflexivo, una pena sin embargo que el resultado final no esté a la altura de su enunciado.      

Valoración 0/5: 2’5

Baskin

Un grupo de inocentes policías en turno de noche reciben una llamada que los lleva hasta el medio de la nada para investigar un incidente. Acabarán en unas ruinas laberínticas, topándose con una misa negra de culto lovecraftiano que se celebra en un edificio abandonado, a partir de ese momento el grupo de policías se sumergirán en un mundo sangriento y de violenta locura.

Opera prima del director turco Can Evrenol que adapta en gran formato un corto propio del mismo título realizado el pasado año, «Baskin» era uno de los films a competición más esperados este año en Sitges convirtiéndose por méritos propios en una de las piezas más estimulantes del genero del terror que han visto la luz este año y a su director como uno de los valores en alza más prometedores a partir de este momento. «Baskin» va directa al grano, un terror circular con reminiscencias argumentales a lo The Twilight Zone revestidas de un gore que bebe de universos similares a los de Clive Barker, un auténtico descenso a las profundidades del horror, en este aspecto la apuesta de Evrenol es valiente pues pone toda la carne en el asador mediante una valentía visual de pura abstracción, y en donde asistimos a un tempo narrativo bastante acertado en lo que es la propuesta en sí, un primer tercio en donde se nos presenta a los cuatro policías en modo cotidiano para a continuación presentarnos un lienzo de contornos oníricos, un expresionismo malsano y aberrante durante más de cincuenta minutos, sin posibilidad de freno, la película turca no deja indiferente a nadie y eso es bueno, y más hoy en día en donde el género más puramente genuino de terror se ve tan diseccionado en pautas, encontrarte ante un producto de horror tan honesto es motivo de satisfacción, inexplicablemente ausente en el palmarés «Baskin» hará las delicias de los seguidores más acérrimos a un tipo de cine de una representación puramente grafica en todo lo que expone. 

Valoración 0/5: 3’5

SPL 2: A Time for Consequences

Un policía de Hong Kong llamado Kit tendrá un altercado con un gángster importante en una operación encubierta. Los secuaces del mafioso en represalia, secuestran y ponen en una cárcel tailandesa bajo una identidad falsa al policía. Un guardia de la prisión llamado Chai con extraordinarias habilidades para el combate frustra su fuga de la prisión. Por otra parte la hija del guardia de la prisión sufre de una rara forma de leucemia y Kit es el único donante que puede salvarla. Chai descubre la verdadera identidad de Kit y le ayuda a escapar a cambio de un acuerdo para salvar a su hija. Juntos deberán enfrentarse al gángster y sus esbirros.

Si Soi Cheang que ya demostró atributos de sobras en sus anteriores «Accident» y «Motorway» en esta edición presento «SPL 2: A Time for Consequences» una nueva muestra de su innegable talento a la hora de dirigir acción y una cinta que se erigió como el film imperdible proveniente de Hong Kong presentado este año en Sitges, una de las experiencias vividas más disfrutables dentro del claro contexto en el que se mueve. «SPL 2» aúna a partes iguales desde planos  imposibles, unas coreografías totalmente espectaculares con unos Wu Jing y Tony Jaa en estado de gracia hasta un temario de claro tono sentimentaloide que puede chirriar en algo al no iniciado en esta cinematografía, todo en un pack que funciona a la perfección en lo que a su cometido se refiere, supera claramente a su predecesora (sin ninguna vinculación argumental entre ambas) y demuestra el talento innato de Soi Cheang, un director que ha sabido ir labrándose una carrera del todo intachable, con un gusto por el detalle muy a tener en cuenta hasta llegar a convertirse a día de hoy en un claro referente del actual cine de acción oriental. «SPL 2: A Time for Consequences» termina ejemplificando a la perfección lo que tendría que ser un buen drama de acción proveniente de Hong Kong.   

Valoración 0/5: 3’5

The Visit

«The Visit» nos plantea la hipotética pregunta de cómo reaccionaríamos ante la llegada de un grupo de extraterrestres a la Tierra, ¿cómo los trataríamos? ¿Qué les daríamos de comer? ¿Tendrían derechos? La visita investiga a nivel científico una hipotética visita extraterrestre a la Tierra. Enfocándose en nuestras posibles reacciones y una confrontación con el miedo a lo extraño, la película documental que explora las implicaciones de un encuentro de este tipo, que nos obligaría a hacernos preguntas fundamentales sobre nosotros mismos.

El director danés Michael Madsen presento en la sección Nuevas Visiones su nuevo documental friccionado de premisa futuro-hipotética «The Visit» repitiendo los esquemas ya expuestos en su anterior y brillante Into Eternity (2010), si allí nos hablaba de los posibles peligros del cementerio nuclear en un futuro en «The Visit» da un paso más hacia la ciencia ficción y nos plantea las repercusiones de una posible llegada de seres de otro planeta a nuestro hábitat. Un «Encounters of the Third Kind» en formato de especulación documentada que se sitúa algo por debajo de «Into Eternity«, más que nada porque el recurso narrativo del producto propuesto por Madsen se va agotando conforme avanza su metraje, no porque su discurso sea demasiado científico y ahuyente al espectador de a pie sino porque da la impresión de que se pierde algo en divagaciones, expone demasiadas y contrapuestas teorías para dar lugar más al debate o la reflexión que a la afirmación más propiamente dicha, orbita en demasía hacia unos esquemas que lo derivan a lo complejo dentro de un tono algo repetitivo, aun así estamos ante un producto que se aleja en positivo del documental convencional al uso y que nos hace discernir aunque sea de una manera algo desordenada acerca de un temario de un claro calado visual y científico en lo que es su exposición.     

Valoración 0/5: 3

Love and Peace

Ryoichi es un oficinista que sueña con ser una estrella de la música y que adora a su tortuga Pikadon. Cuando sus compañeros comiencen a mofarse de él, se verá forzado a tirar a su querida mascota por el váter. La tortuga, por su parte, emprenderá su propia aventura.

Otra de las películas presentadas este año en Sitges por parte del genial Sion Sono fue «Love and Peace» presentada dentro de la sección Nuevas Visiones One, estamos ante el que es posiblemente el mejor film de su director en el presente curso, de los seis que ha filmado, si hablábamos antes del amplio catálogo de registros que posee Sion Sono «Love and Peace» ejemplifica de manera perfecta dicha habilidad tan anárquica como sugerente, basado en un guion propio de hace más de veinticinco años atrás y destinado a todos los públicos (aun con la ausencia de un temario violento-sexual en el film se me hace difícil el imaginar que un producto de esta características puede llegar a ser perfectamente entendible para un público no adulto) el film transita entre el musical kaiju eiga y un Toy Story al uso, una multirreferencial comedia de tono romántico de final plenamente apoteósico que nos habla en modo de fabula de la persecución del deseo del triunfo personal por parte del individuo de a pie entre bastantes más cosas.. «Love and Peace» termina siendo un compendio genérico rico en matices y metáforas, mostradas desde el exceso, una obra bizarra en el buen sentido de la palabra que abusa de la estridencia para bien y que vuelve a demostrar el incuestionable talento de Sion Sono como creador.

Valoración 0/5: 4

Video resumen

Un dia perfecte per volar

En un paraje solitario cerca de la costa, un niño hace volar la cometa que le ha construido su padre. Sopla el viento y la cometa se enreda entre la vegetación. El niño necesita la ayuda del adulto para seguir haciendo volar la cometa. Juntos, perdidos en medio de la naturaleza, empezarán la narración de un cuento de miles de episodios. Una historia protagonizada por un gigante que siempre tiene hambre, al que pondrá voz el padre, y con el que el pequeño entablará una larga conversación.

Marc Recha presento a concurso su nueva película «Un dia perfecte per volar«, una muestra más del talento cinematográfico del realizador catalán en una apuesta tan rica en matices como arriesgada en su concepción, a partir de una premisa sencilla, solo en apariencia, con dos únicos personajes y el dialogo entre ambos Marc Recha despliega un apasionante abanico alegórico alrededor del imaginario infantil, la paternidad, la perdida o la ambivalencia del legado, son algunos de los múltiples conceptos que van orbitando alrededor de este sincero homenaje fílmico al valor de las palabras, una declaración de amor a la importancia de las historias ubicadas en un entorno natural y contadas desde lo cotidiano. «Un dia perfecte» per volar posee la virtud de transcender a su visionado, un experimento cinematográfico que le da una validez mayor al espectador una vez digerida, una verdadera  pena que una propuesta tan inusual y valida como «Un dia perfecte per volar» no se haya visto recompensada en el palmarés, el fabulario propuesto por Marc Recha poseía más atributos que todos los films españoles juntos presentados este año a competición, un tipo de cine en definitiva en donde se parte del cimiento para subrayar el recorrido y no la finalidad, todo una rara avis cinematográfica que habría que saber valorar en su justa medida.

Valoración 0/5: 4

Granny’s Dancing on the Table

Eini ha sido criada en total aislamiento de la sociedad por su padre, un hombre temeroso del mundo. Su mayor miedo es que Eini lo abandone. Hace todo lo posible para hacerle creer que el mundo exterior y la gente que lo habita son malvados, y que todo lo que tiene que ver con la sexualidad y la vida adulta es peligrosa. La brutalidad a la que Eini se ve expuesta la empuja casi hasta perder el sentido de su propio yo.

Primer largometraje de Hanna Sköld presentada en la sección nuevos directores «Granny’s Dancing on the Table» es un interesante relato que apuesta por una narración cuanto menos original al vertebrar la historia en dos apartados bien diferenciados, por un lado tenemos el más puramente real, un presente seco, crudo y contundente, marcado por una acentuada atmósfera opresiva en el que intenta subsistir la sufrida protagonista, por otra parte asistimos a una representación mental a cargo del propio personaje que evoca sueños y pasado familiar en forma de stop-motion, posiblemente estas dos representación cinematográficas no lleguen a complementarse de una forma consistente en el relato, da la impresión de una desconexión narrativa entre ambas técnicas que desembocan irremediablemente en una frialdad emocional en lo concerniente a su protagonista principal, nos cuesta ser cómplices de esa mirada de sufrimiento a la que asistimos. Aun con sus evidentes defectos de cohesión «Granny’s Dancing on the Table» tiene la virtud al menos de alejarse ese cine nórdico tan característico visto últimamente y que suele presentarse bajo una mirada en donde la estética contemplativa se adueña por completo de la función, la película de Hanna Sköld se desmarca por fortuna de esa tendencia tan manida para ofrecernos algo diferente aunque su resultado final sea de un tono ciertamente irregular.

Valoración 0/5:3

El Clan

Argentina, comienzos de los años 80. Detrás de la fachada de una típica familia del distinguido barrio de San Isidro, se oculta un siniestro clan dedicado al secuestro y asesinato como modo de vida. Arquímedes, el patriarca, lidera y planifica los operativos. Alejandro, el hijo mayor, estrella del club de rugby CASI y jugador del seleccionado nacional Los Pumas, se somete a la voluntad de su padre para «marcar» posibles candidatos y se sirve de su popularidad para no levantar sospechas.

Otro de los platos fuertes vistos este año dentro de la sección perlas en San Sebastián fue la nueva película de Pablo Trapero «El Clan«, un relato en forma de crónica negra ubicado en la Argentina de los años 80, una historia criminal dentro de un contexto político-social bastante definido, la apuesta de Trapero en este sentido es bastante clara, pone toda la carne en el asador al ceñirse a unos hechos cronológicos, una narración hasta cierto punto lineal que engancha en su enunciado pero no tanto en su fondo, aun así en lo referente al aspecto de la ambientación que le otorga al conjunto esta llega a ser inmaculada en lo referente a dotar al film de un clima inquietante y asfixiante que llega a funcionar, la labor actoral también sobresale muy especialmente en el trabajo de Guillermo Francella y Peter Lanzani, el problema de «El Clan» viene dado a la hora de discernirse una falta de determinación en lo que es propiamente su guion que llega a lastrar al film hacia una ausencia de cohesión bastante evidente en lo referente a su historia y a unos personajes a los que no se les llega a profundizar de una forma convincente, todo ello y pese a sus puntuales virtudes hacen que nos invada una sensación de estar visionando un producto desprovisto de la garra que requería la historia.  

Valoración 0/5: 2’5

Son of Saul

Auschwitz, 1944. Saul Auslander es un prisionero húngaro que trabaja en uno de los hornos crematorios del campo de concentración. Es obligado a quemar todos los cadáveres de los habitantes de su propio pueblo pero, haciendo uso de su moral, trata de salvar de las llamas el cuerpo de un joven muchacho a quien él cree su hijo y buscar un rabino para poder enterrarlo decentemente.

El húngaro László Nemes (antiguo asistente de Béla Tarr) presento en la sección Perlas unas de las películas del año, tras su paso por el festival de Cannes «Son of Saul» se ha erigido como una pieza tan incisiva como innovadora dentro de un temario bastante expuesto en la gran pantalla, quizás por eso la principal virtud de la propuesta es  el poder ver el infierno de Auschwitz desde dentro, un inmersión en primera persona y cámara en mano al horror, en este sentido Nemes no da tregua al espectador en ningún momento en este virtuoso en lo técnico paseo por los infiernos, una sucesión de planos secuencias en formato 4:3, herramienta esta utilizada para que no apartemos la vista del rostro-nuca del protagonista.

El visionado de «Son of Saul» pone de manifiesto hasta qué punto la mirada cinematográfica de un autor con atributos puede imponerse o intercalarse a un rigor formal expuesto de forma preconcebida, esta visita guiada por la fábrica de la muerte aparte de poseer una sobriedad incuestionable, rigor, y especialmente unos planos secuencias prodigiosos también logra trasmitirnos un ideario semi-religioso acerca de la salvación del espíritu en un escenario en donde lo más puramente terrenal queda condenado por la decisión del verdugo, el intentar preservar  un último resquicio de inocencia en la acción de tratar de salvar el cuerpo de un niño muerto de las llamas y poder dedicarle un entierro decente dentro de un mundo carente de cualquier raciocinio humano. László Nemes en este sentido se aleja de convencionalismos, en lo que vemos no hay lugar para un tipo de belleza y emociones sentimentales que suele caracterizar a menudo el tratamiento de un tema como este en el cine, «Son of Saul» nos ofrece la visión más veraz posible que existe en lo visual sobre la experiencia de un ser humano dentro del infierno, es por ello que la obra deviene como una experiencia cinematográfica única y por ende una de las películas del año.

Valoración 0/5: 4’5

No estamos solos

¿Por qué miles y miles de ciudadanos decidieron tomar las calles y plazas de toda España para expresar su indignación frente a los recortes, las privatizaciones, los desahucios y la corrupción política? La película retrata la fuerza y la imaginación de los movimientos sociales para denunciar la degradación de la democracia. Una etapa de rebelión espontánea, de participación de la sociedad civil, que marcará, sin duda, el futuro de la vida política en nuestro país.

«No estamos solos» el documental producido por El Gran Wyoming y Pere Portabella es una oportunidad desaprovechada por parte de sus responsables de presentar un trabajo sólido y más dado la actual coyuntura social existente en el país, de la misma manera cuesta algo de entender como el festival ha incluido en la sección oficial fuera de concurso a un producto tan descuidado como este, por mucha cuota de cine social y compromiso que se quiera tener dentro del certamen la calidad siempre tiene que ir un paso por delante del propósito, «No estamos solos» podría ser perfectamente un apéndice de cualquier programa televisivo al uso, el material es disperso, se abusa de imágenes de archivo no propias y se descuida sobremanera una falta de lectura crítica en su enunciado, ni se analiza ni se profundiza de manera convincente un supuesto discurso que se ve diluido por un camino tan fácil y confuso como el que deciden escoger finalmente sus responsables, una verdadera pena, el tema y su actual ubicación de realidad político-social existente a día de hoy merecían de un trabajo más diáfano y contundente.

Valoración 0/5: 1’5

Video resumen

Le Tout Nouveau Testament

¿Qué pasaría si Dios existiese y viviese en Bruselas? Dios en la tierra es un cobarde, tiene patéticos códigos morales y su conducta con su familia es odiosa. Su hija Ea, que se aburre mortalmente en la anodina Bruselas, decide rebelarse contra su padre, entra en su ordenador y le dice a todo el mundo el día en el que morirá, con lo que hace que de repente todos se pongan a pensar que hacer con los días, meses, o años que les quedan por vivir.

Jaco Van Dormael presento a concurso su nuevo film «Le Tout Nouveau Testament«, sátira irreverente en forma de cuento de hadas de tono algo sentimental acerca la figura del mismísimo Dios aquí trivializado en lo ordinario bajo los rasgos de Benoît Poelvoorde, posiblemente no estemos ante el mejor trabajo del director belga (Toto, el héroe o Le huitième jour siguen teniendo el listón demasiado alto) pero aun así la película posee multitud de capas originales especialmente direccionadas a sus incondicionales, con varios niveles de análisis sobre temas profundos, rico en texturas visuales-sonoros y lejos de la provocación, se distancia de forma consciente y agradecida de un supuesto tono hiriente o blasfemo en lo que nos relata. Es evidente que el imaginario de un autor tan atípico y especial como es Jaco Van Dormael puede llegar a indigestar al no preparado para según qué líderes, se sigue denotando un aunque rico en matices exceso formal, en ocasiones se abusa de lo kitsch que aunado a una tendencia algo naif puede llegar a saturar al espectador, pero aun así es indiscutible que estamos ante un autor diferente, de los que no proliferan hoy en día, con una capacidad inherente a la hora de fabricar imágenes con una fuerza visual muy detallada, un empleo en lo referente a el movimiento de la cámara que sabe cuadra con habilidad a la narración, «Le Tout Nouveau Testamente» es puro Van Dormael, para bien y para mal, con sus excesos y aristas pero sobretodo es plenamente honesta a un universo y un discurso muy propio, y que aunque algunos aun no lo sepan ya existía antes de ver la luz un film como «Le fabuleux destin d’Amélie Poulain«..más que nada por aquello de las fuentes.

Valoración 0/5:3’5

The Gift

Simon y Robyn son la pareja perfecta, hasta que un extraño irrumpe en sus vidas. Al principio, Simon no le reconoce, pero luego se da cuenta de que es Gordo, un antiguo compañero del instituto. Lo que Simon no sabe es que Gordo le guarda algo más que rencor por una cosa que hizo. Han pasado más de veinte años, pero Gordo está dispuesto a llegar hasta el final para vengarse.

Debut como director del actor Joel Edgerton bajo la producción de Blumhouse Productions, «The Gift» dejo un buen sabor de boca en su paso por el festival, principalmente porque su revestimiento o apariencia de thriller psicológico de tono convencional engaña algo, un tono que muta en su tramo final hacia el drama de contornos también psicológicos, una película en la que su gran baza es el giro argumental cosa que la aleja de lo manido o previsible pero que tampoco la convierte en una gran película como muchos han querido ver, aunque las interpretaciones sean realmente notables la realización a cargo de Joel Edgerton es muy plana, se abusa de una excesiva duración a la hora de presentar personajes aunque hay que reconocerle una efectividad en lo referente a su planteamiento, aun así no estaría de más a aquellos que la han elevado, en mi opinión de forma algo excesiva, a un film de las características de «The Gift» que le echaran un vistazo a «Mientras Duermes» de Jaume Balagueró, película está con la que guarda muchas y curiosas similitudes argumentales, «The Gift» termina siendo un correcto ejercicio, una pequeña sorpresa si se quiere, pero está muy lejos de ser un producto que innove.

Valoración 0/5: 2

Knock Knock

«Knock Knock» nos cuenta como un padre de familia que se ha quedado solo en casa ve como un par de chicas llaman a su puerta pidiendo ayuda. Después de seducirle, las jóvenes deciden que nuestro hombre de familia será la víctima de un sádico juego sexual.

Eli Roth presento en Sitges su nueva película «Knock Knock«, remake no oficial de la curiosa «Death Game» de 1977 cuyo título en España fue Las Sádicas, estamos ante un supuesto ejercicio de suspense con moralina de tono conservador incluido que demuestra por las claras el escaso talento como director de Roth, aquí posiblemente quede más al descubierto que en anteriores trabajos suyos por la propia naturaleza de producto, si en el torture porn (Hostel) o su recordatorio al mondo (The Green Inferno) pasaba el corte en mayor o menor medida, en «Knock Knock» a la hora de intentar construir unas coordenadas dentro del thriller de suspense fracasa por completo, asistimos a una incapacidad a la hora de generar tensión en sus secuencias bastante evidente, una falta de sutileza que si en sus películas anteriores funcionaban de algún modo aquí se presenta un obstáculo insalvable.

«Knock Knock» solo puede salvarse enfrentándote a ella como un mero y anecdótico pasatiempo algo disfrutable solo según como se mire, una home invasión de tono cambiante pues no acierta ni se posiciona ni por el suspense, horror o humor negro, ni por supuesto por un hipotético trasfondo moral (acoso y derribo de la institución familiar presentado no de forma ambigua sino más bien torpe) una indeterminación genérica que apoyadas por una interpretaciones de un nivel muy bajo hacen del producto un perfecto ejemplo de como a veces es mejor no intentar llegar a intentar generar postulados que van a llegar a descubrir por las claras una innegable falta de talento por parte de sus responsables. 

Valoración 0/5: 1’5

Goodbye Uncle Tom

Dos documentaristas viajan en el tiempo hasta antes de la guerra civil americana para filmar las ventas de esclavos. Con Addio zio Tom, los creadores de la seminal Este perro mundo se superaron a sí mismos, imaginando un viaje en el tiempo a la época donde la esclavitud era moneda común en los Estados Unidos. La explotación propia del género mondo se une a la reconstrucción histórica.

Una de los cometidos de los festivales, o tendría que serlo, es el ofrecer o rescatar clásicos o films olvidados para una nueva divulgación especialmente dirigida a las nuevas generaciones de espectadores, lamentablemente en Sitges es una tendencia que ha ido a la baja en los últimos tiempos, no resulta fácil rescatar según qué cosas y tampoco ha habido una respuesta favorable de público ante estas propuestas, afortunadamente siempre hay excepciones y este año aprovechando el homenaje a  Nicolas Winding Refn se proyectó uno de sus film predilectos elegido por el mismo, nada menos y nada más que el «Goodbye Uncle Tom» de Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi, una reivindicación quizás poco amable pero de lo más interesante. Los creadores del mondo y artífices del mockumentary presentan un inclasificable producto que mezcla la denuncia sobre la esclavitud sin escatimar en un supuesto morbo, un exploit vérité de militancia política bastante radical y ..ojo..rodado..con medios bastantes holgados donde sobresale muy especialmente la música a cargo de Riz Ortolani. Puede que «Goodbye Uncle Tom» sea infame y hasta detestable en su forma pero su visionado lejos de envejecer sigue siendo una experiencia única y totalmente recomendada para cinefagos inquietos, eso sí, continua sin ser apta para estómagos sensibles.

Valoración 0/5: 3’5

Ni le ciel ni la terre

Afganistán, 2014. El Capitán Bonassieu está al mando de una patrulla a la que han asignado una misión de vigilancia en el valle de Wakhan. El lugar se revela como una zona difícil de controlar, y la tensión no tarda en subir. Pero lo más extraño es que, de pronto, los soldados empiezan a desaparecer.

Presentada en la semana de la Crítica de la última edición de Cannes, «Ni le ciel ni la terre» del francés Clément Cogitore pudo ver dentro de la siempre interesante Noves Visions constituyendo una de las sorpresas más estimulantes vistas este año en Sitges. La mixtura genérica del cine bélico de tono realista con elementos fantásticos ha dado resultados bastantes irregulares en estos últimos años, films como The Bunker 2001, Deathwatch (2002), The Objective (2008) o la colombiana El Paramo (2011) han demostrado intenciones conceptuales hasta cierto punto loables pero una clara indefinición o posicionamiento en su propuestas dando lugar a productos en su mayoría claramente fallidos. «Ni le ciel ni la terre» se eleva en algo en lo referente a las películas antes mencionadas aunque parezca que siga unas mismas pautas y coordenadas en lo concerniente a su argumento, la confrontación de unos soldados dentro de un ámbito tan físico como es la guerra a algo no visible, de tono casi mitológico-religioso como se intuye en la historia aquí expuesta, el acierto de la propuesta en si viene dado en como Clément Cogitore sabe agregar una tensión de contornos casi metafísicos, que va en aumento y que sabe cómo explotar a la perfección en la amplitud de decorados naturales que dispone como escenario, poniéndolos de forma adecuada al servicio en esta ocasión de una metáfora bien utilizada.

Habrá que seguirle la pista en un futuro a Clément Cogitore, en este su primer trabajo demuestra una mirada autoral muy válida, «Ni le ciel ni la terre» termina siendo un boceto fantastico-arty de lo más estimulante.

Valoración 0/5:4

Tales of Halloween

Diez terroríficas historias se interconectan durante la noche de Halloween en un suburbio americano, donde demonios, extraterrestres, espectros y asesinos con hacha aparecen por una noche para aterrorizar a los residentes desprevenidos.

«Tales of Halloween» era una de las dos películas presentes en el certamen de este año dedicadas al díptico del género de terror, un subgénero temático este que en los últimos años se ha visto algo pervertido por propuestas alejadas de una tendencia digamos clásica, Amicus o producciones ochenteras, hablamos de compilaciones tales como V/H/S o ABC’s of Death en donde se prioriza más aún si cabe la diversificación en deterioro de una supuesta y ya de por sí difícil dada la naturaleza de un producto de estas características solidez argumental.  Las antologías de «Tales of Halloween» aunque intenta inscribirse en ese apartado nostálgico termina perteneciendo a ese grupo de recientes producciones antes comentadas pues asistimos más bien a una suma de cortos entrelazados alrededor de la festividad de Halloween dejando de lado cualquier atisbo de consistencia narrativa en su propuesta. Aun así el propósito del film no deja de ser otro que un disfrute fan sin pretensiones, un correcto entretenimiento en que las elevadas dosis de gore son muy bien recibido por un público entregado a la tarea como bien se pudo apreciar en su festivo pase nocturno en el cine Retiro.    

Valoración 0/5: 2

Video resumen

Moira

Después de salir de prisión, Mamuka trata de sacar a su familia de la pobreza. Su madre trabaja en el extranjero, su padre está en silla de ruedas y su hermano, desempleado, se siente atraído por la compañía de delincuentes. Gracias a un préstamo, compra un pequeño barco de pesca. Está dispuesto a trabajar y hacer que su madre regrese. Los dos hermanos bautizan el barco como Moira, una diosa del destino. Pero el destino es ciego y despiadado.

«Moira» segundo largometraje del georgiano Levan Tutberidze se presentó dentro de la sección oficial a concurso, film modesto en estructura pero poseedor de algunos matices que se merece destacar, en especial en lo referente a su dirección y a la hora de escenificar según que secuencias en base a una utilización y composición de espacios bastante digna (donde destaca por encima y muy especialmente ese notable plano final) en una historia cocinada a fuego lento, que nos remite a la tragedia griega de tono premonitorio (las Moiras eran las representaciones y las encargadas de controlar el destino metafórico en forma de hilo de la vida de cada persona), «Moira» es un film lento, posiblemente no en un sentido negativo aunque flojee algo en su parte central, su narrativa es previsible conscientemente en beneficio de una puesta en escena en donde la cámara se posiciona siempre de forma distante, definiendo de forma acentuada el espacio entre personajes y acción temporal. La película utiliza el tratamiento de la figura paterna como entidad inherente de un drama social dentro de una historia de supervivencia económica en un país completamente devastado por la crisis y la miseria, un mensaje fatalista y muy poco esperanzador el que nos ofrece Tutberidz. «Moira» termina siendo una perfecta muestra de ese pujante cine georgiano que se está haciéndose poco a poco un hueco dentro del panorama internacional, muy especialmente en el ámbito de festivales, un cine solvente y ahora mismo en clara fase de crecimiento.  

Valoración 0/5: 2’5

Mountains May Depart

China, a finales del año 1999. Dos amigos desde la infancia, Zang y Liangzi, cortejan a Tao, una joven de Fenyang. Zang es dueño de una gasolinera y tiene un futuro prometedor. Liangzi trabaja en una mina de carbón. Tao tiene el corazón dividido entre ambos, pero deberá tomar una decisión que marcará su vida y la de Dollar, su futuro hijo. Desde una China en pleno cambio a una Australia como promesa de una vida mejor, la película sigue las esperanzas y amores de estos personajes.

Jia Zhang Ke presento dentro de la sección perlas su último film presentado en la pasada edición del festival de Cannes «Mountains May Depart«, cine de quilates y extraordinaria alegoría-reflexión del vínculo familiar y territorial, una cinta que se abre y se cierra bajo el tono musical claramente irónico del Go West de los Pet Shop Boys, presentándonos a unos personajes ubicados alrededor de una realidad rota, mostrada en tres actos bien definidos, pasado, presente y futuro, tres espacios escénicos que van desde la China de finales del siglo XX hasta la Australia del año 2025, diferenciados no solo en su tono sino también en su formato cinematográfico, todo ello  dentro de un escenario marcado por un progreso tecnológico y social bastante acelerado. Film de claro tono melodramático en el que la representación de los sueños de prosperidad de todo una generación se estampa de forma violenta frente a un modelo socioeconómico que no se detiene.

Posiblemente Jia Zhang Ke incida sobre formularios ya expuestos con anterioridad, la pérdida de valores e identidad en la cultura china a favor de ese creciente capitalismo y globalización, la quimera de un sueño que nunca llego a aparecer (en este apartado la interpretación de Tao Zhao vuelve a ser prodigiosa) pero otra vez lo hace de forma magistral, de echo «Mountains May Depart» es un proyecto ambicioso en su estructura y no por eso menos incisivo en el brillante mensaje que siempre nos propone un genio de la talla de Jia Zhang Ke.      

Valoración 0/5: 4

Lejos del mar 

Santi sale de la cárcel y viaja al sur para visitar a Emilio, un antiguo compañero de celda que arrastra una enfermedad terminal. La casualidad hace que tropiece con Marina, la doctora que atiende a su amigo, con quien Santi tuvo un encuentro terrible hace muchos años y que ha marcado desde entonces la vida de ambos. Este reencuentro les hará revivir los horrores del pasado.

La ración de descalabros dentro del festival vino con la última película de Imanol Uribe presentada fuera de concurso «Lejos del mar«, lamentablemente un auténtico despropósito fílmico que aborda la temática del conflicto vasco para tratar de contarnos una supuesta historia dramática de reconciliación entre verdugo y víctima, el problema viene dado a la hora de tratar un tema tan serio, el film lo hace desde una perspectiva de personajes, diálogos, situaciones no ya inverosímiles en sí mismo sino por momentos completamente ridículos, elementos estos que ante un material de corte tan dramático como cambiante en tono quedan al descubierto con relativa facilidad, podría explayarme en multitud de situaciones dentro del film que chirrían sobremanera, pero no merece mucho la pena. Hablar del terrorismo dentro el cine no siempre es una fácil tarea, Imanol Uribe lo había hecho anteriormente en films bastante notorios como «La muerte de Mikkel» o «Días contados«, es por eso que duele especialmente que su vuelta a dicho temario sea con algo tan fallido, sus antecedentes no merecían un producto de estas características, una verdadera pena.

Valoración 0/5: 1

Freeheld

Basada en un suceso real, la historia de amor de Laurel Hester y Stacie Andrée y su lucha por la justicia. A la condecorada policía de Nueva Jersey Laurel le diagnostican cáncer y quiere dejar su pensión ganada durante años a su pareja de hecho, Stacie. Sin embargo, los funcionarios del condado legisladores, que no ven con buenos ojos la pareja homosexual, conspiran para evitarlo. El detective Dan Wells y el activista Steven Goldstein se unen en su defensa, reuniendo a oficiales de policía y ciudadanos de a pie para apoyar su lucha por la igualdad.

En esta jornada también hubo cabida para despropósitos no solo patrios sino también proveniente del cine norteamericano, «Freeheld«, drama gay provisto de un catálogo de refritos y clichés muy manidos y vistos con demasiada frecuencia anteriormente en la gran pantalla, supuesto cine pro derechos con final judicial solo oscarizable en lo referente a sus interpretaciones, cinta desprovista de cualquier tipo de matices ya sea en personajes o en su pobrísima narración, de estética televisiva la película no exige absolutamente nada al espectador para su seguimiento, utiliza el piloto automático en lo referente a su discurso cinematográfico por parte de Peter Sollett, posiblemente va siendo hora que este tipo de productos con temario reivindicativo provisto del consabido basada en hechos reales sirvan y se adecuen de forma más lógica dentro del ámbito del documental y no en una serie de trivialidades de ficción que empieza a dar claras y alarmantes muestras de un notorio agotamiento creativo.

La inclusión a competición de un producto de las características de  «Freeheld» solo es entendible desde la perspectiva de que sirva como excusa para traer al festival a sus protagonistas (hasta un último momento se barajó la posibilidad de contar con Julianne Moore para el premio Donostia), un peaje este hasta cierto punto entendible dentro un festival como el de San Sebastián.  

Valoración 0/5: 1

La Novia

Leonardo, El Novio y La Novia son un triángulo inseparable desde niños, pero Leonardo y La Novia poseen un hilo invisible, feroz, imposible de romper. Pasan los años y ella, angustiada, se prepara para su boda con El Novio en medio del desierto blanco donde vive con su padre. El día anterior a la ceremonia, a su puerta llama una Mendiga que le ofrece un regalo y un consejo: «No te cases si no le amas», mientras le da dos puñales de cristal. Un escalofrío recorre el alma y el cuerpo de La Novia.

Indudablemente fue una de las grandes sorpresas en positivo en esta edición del festival, «La Novia«, una verdadera lástima que no fuera a competición pues su difusión hubiera sido más amplia y merecida, segundo trabajo tras las cámaras de la aragonesa Paula Ortiz tras su notable «De tu ventana a la mía«, que se atreve en esta ocasión con la adaptación cinematográfica de uno de los grandes de la literatura, Federico García Lorca y sus Bodas de sangre. «La Novia» es sí mismo un triunfo, en cómo saber adaptar-evocar un universo literario tan complejo de visualizar en imágenes, en donde de una manera casi milagrosa todo los elementos cuadran a la perfección, se adecuan a un propósito concreto, desde la música, canciones populares +banda sonora compuesta por el japonés Shigeru Umebayashi hasta sus aspectos técnicos, diseño de producción de Jesús Bosqued, fotografía de Migue Amoedo, que logran transmitir con acierto ese sensación de tragedia tan característica en el imaginario Lorca. Paula Ortiz construye un relato que sabe alejarse de forma consciente de lo más puramente teatral y pictórico, todo ello elaborado en base una potencia visual incuestionable, una imagen al servicio del texto que sabe exactamente por donde direccionar la historia, cómo querer contarlo y dónde saber colocar la cámara en el momento oportuno para facilitar de este modo una brillante narración. En los próximos premios Goya «La Novia» no solo tendría que ser reconocida a un nivel de música o fotografía, Paula Ortiz es de forma clara una de las voces más refrescantes y rompedoras del actual panorama del cine español, su valiente propuesta merece un reconocimiento mucho más elevado.

Valoración 0/5: 4

Video resumen