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La actriz británica Emily Watson recibirá en la próxima edición del Festival de San Sebastián el Premio Donostia en reconocimiento a su prestigiosa carrera en el cine. Watson recogerá el premio en una gala que tendrá lugar el 25 de septiembre en el Auditorio Kursaal. Nacida en Islington (Reino Unido), Emily Watson se formó como actriz en la prestigiosa escuela Drama Studio London, tras terminar sus estudios universitarios. Su carrera profesional comenzó en el teatro, con obras como The Children’s Hour de Lilian Hellmann, Tres hermanas de Chejov o La dama del mar de Ibsen, y en las filas de la Royal Shakespeare Company en montajes de La fierecilla domada y A buen fin no hay mal principio.

Fue su debut cinematográfico el que la consagró de la noche a la mañana: su interpretación del personaje de Bess McNeill en el polémico film de Lars von Trier Breaking the Waves (Rompiendo las olas, 1996) le valió los premios de los Círculos de Escritores de Los Ángeles,  Londres y Nueva York, el premio de la Asociación Nacional de Críticos de Cine de EEUU y nominaciones al Oscar y Globo de Oro. Tan solo dos años más tarde volvería ser nominada para ambos galardones por su interpretación de la violonchelista Jacqueline du Pré en el film Hilary and Jackie.

A partir de ese momento, la deslumbrante carrera de Emily Watson le permite trabajar con algunos de los más destacados cineastas contemporáneos: Robert Altman en Gosford Park (2001), Paul Thomas Anderson en Punch Drunk Love (Embriagado de amor, 2002), Tim Burton en The Corpse Bride (La novia cadáver, 2005), John Hillcoat en The Proposition (La propuesta, 2005), Charlie Kaufman en Synecdoche, New York (2008), Alan Parker en Angela’s Ashes (Las cenizas de Ángela, 1999) -que le valió una nominación para los premios BAFTA-, Tim Robbins en Cradle Will Rock (Abajo el telón, 1999), Jim Sheridan en The Boxer (1997), Steven Spielberg en War Horse (2011) o Joe Wright en Anna Karenina (2011).

Entre sus otros trabajos para el cine están Red Dragon (El dragón rojo, 2002) de Brett Ratner, The Life and Death of Peter Sellers (Llámame Peter, 2004) de Stephen Hopkins -por la que fue nominada al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto-, Miss Potter (2006) de Chris Noonan, Cold Souls (2009) de Sophie Barthes, Fireflies in the Garden (Luciérnagas en el jardín, 2008) de Dennis Lee, The Book Thief (La ladrona de libros, 2013) de Brian Percival, o The Theory of Everything (La teoría del todo, 2014) de James Marsh.

Emily Watson también ha participado en la serie televisiva Appropiate Adult (2011), por la que fue nominada al Globo de Oro y obtuvo el premio BAFTA a la mejor actriz. Sus créditos televisivos incluyen además The Politician’s Husband (2013), The Secret Life of Marilyn Monroe (2015) y A Song for Jenny (2015).

En 2002 regresó al teatro para encarnar sendos papeles en dos montajes dirigidos por Sam Mendes, Noche de epifanía de Shakespeare y El tío Vanya de Chejov; por esta última, Watson fue nominada para el Premio Olivier.

Entre los numerosos galardones y reconocimientos que ha obtenido a lo largo de su carrera se encuentran además el British Independent Film Award, por Hilary and Jackie, o el European Film Award por Breaking the Waves.

En 2015 fue nombrada Oficial de la Orden del Imperio Británico (OBE) por los servicios prestados al arte de la interpretación.

Presentación de la 63 edición del Festival de San Sebastián

Entre otros, han confirmado su asistencia: Sienna Miller, Tom Hiddleston, Luke Evans, Ellen Page, Emily Blunt, Benicio del Toro, Tim Roth, Laurie Anderson, Karin Viard, Isabelle Carré, Ricardo Darín, Raphael y Alejandro Amenábar.

Hoy ha tenido lugar la presentación de la 63 edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 18 y el 26 de septiembre. Su director, José Luis Rebordinos, y dos miembros del Comité de Dirección, Maialen Beloki y Joxean Fernández, han adelantado los contenidos, la composición de algunos jurados y las presencias de esta nueva edición.

La actriz Emily Watson recibirá el Premio Donostia como reconocimiento a su carrera el día 25 de septiembre. Otros notables actores vendrán a San Sebastián acompañando a las películas que se presentarán en el Festival: Sienna Miller, Tom Hiddleston y Luke Evans (High Rise), Ellen Page (Freeheld), Emily Blunt y Benicio del Toro (Sicario), Tim Roth (600 millas y Chronic), Louise Bourgoin (Les chevaliers blancs) o Karin Viard e Isabelle Carré (21 nuits avec Pattie), entre otros.

Como es habitual, durante el Festival se darán cita algunos de los más importantes cineastas del panorama internacional, entre ellos: Pablo Agüero (Eva no duerme), Laurie Anderson (Heart of a Dog), Scott Cooper (Black Mass), Terence Davies (Sunset Song), Michel Franco (Chronic), Lucile Hadzihalilovic (Evolution), Hou Hsiao-Hsien (Nie yinniang / The Assassin), Charlie Kaufman y Duke Johnson (Anomalisa), Hirokazu Koreeda (Umimachi Diary / Nuestra hermana pequeña), Joachim Lafosse (Les chevaliers blancs), Pablo Larraín (El club), Jean-Marie y Arnaud Larrieu (21 nuits avec Pattie),  George Miller (Mad Max: Fury Road / Mad max: Furia en la carretera), Rufus Norris (London Road), Corneliu Porumboiu (Comoara / The Treasure), Gabriel Ripstein (600 millas), Walter Salles (Jia Zhang-ke, um homem de Fenyang / Jia Zhangke, A Guy from Fenyang) Peter Sollett (Freeheld), Pablo Trapero (El clan), Denis Villeneuve (Sicario) o Jia Zhangke (Shan he gu ren / Mountains May Depart).

El cine español también tendrá una amplia representación en el Festival este año. Entre los actores y directores que han confirmado su presencia se encuentran: Alejandro Amenábar (Regression / Regresión), Ricardo Darín y Javier Cámara (Truman), Bárbara Lennie (El apóstata), Agustí Villaronga (El rey de La Habana), Imanol Arias (Eva no duerme), Marc Recha y Sergi López (Un dia perfecte per volar), Pere Joan Ventura, Pere Portabella y El Gran Wyoming (No estamos solos), Imanol Uribe, Elena Anaya, Eduard Fernández y José Luis García Pérez (Lejos del mar), Paula Ortiz, Inma Cuesta, Álex García, Leticia Dolera, Asier Etxeandía y Manuela Vellés (La novia), Fernando Colomo (Isla bonita) o el director Dani de la Torre con el reparto de su película El desconocido: Luis Tosar, Goya Toledo, Paula del Río y Javier Gutiérrez.

Álex de la Iglesia llegará en compañía del reparto de Mi gran noche: Raphael, Carlos Areces, Carolina Bang, Mario Casas, Carmen Machi, Santiago Segura, Hugo Silva y Blanca Suárez. También estará presente el reparto de doblaje de la versión castellana de Hotel Transilvania 2: Alaska, Clara Lago, Dani Martínez, Santiago Segura y Mario Vaquerizo.

La actriz Rosanna Yanni recibirá el Premio Nosferatu y la sección proyectará algunos títulos de su carrera. El realizador mexicano Taboada, las musas del cine de terror Rossana Yanni y Me Me Lai, el mítico realizador Ibáñez Serrador y su factoría, la figura del añorado Juan Piquer Simón y el estreno mundial del documental sobre Soledad Miranda serán algunas de las principales propuestas de la programación de un Brigadoon plural en las formas, aunque auténtico, una vez más, en su contenido de producciones de género radical y culto.

Brigadoon reúne una colección sugestiva de largometrajes de ficción, cortometrajes y documentales en un cartel con premieres mundiales, también revisa trayectorias relevantes en el cine de género, ofrece una buena selección de documentales y presenta su primer libro oficial.

Entre los largometrajes de ficción programados destacan títulos como Guinea pig: Bouquet of guts & gore, dirigida por Stephen Biro, una nueva reconstrucción del sanguinario episodio Flower of Flesh & Blood , de Hideshi Hino, de la mítica saga Guinea Pig; Female Werewolf, una aproximación al universo de Jesús Franco, dirigida por el editor de la revista Fangoria, Chris Alexander; Darkside Witches, de Gerard Diefenthal, protagonizada per la mítica actriz Barbara Bouchet i Le scaphandrier (Death Dive), una película que podría ser un perfecto remake del film de John Carpenter La niebla, dirigida por Alain Vézina. Además, la mítica actriz Me Me Lai, presentará Eaten Alive! The Rise and Fall of the Italian Cannibal Film, dirigido por Calum Waddell.

Guinea pig: Bouquet of guts & gore

Estos films se suman a los ya anunciados Villa Nabila, de Syafiq Yusof; The Entity, de Eduardo Schuldt; O diablo mora aquí, de Rodrigo Gasparini y Dante Vescio, y Me and my Mates vs. the Zombies Apocalypse, deDeclan Shrubb.

Un año más, Brigadoon ofrece una esmerada selección de documentales en su programación. Este año, será el escenario de la premiere mundial de Soledad Miranda: una flor en el desierto, de Pepe Flores & Paco Millán, documental centrado en la desaparecida actriz sevillana, y The Simon’s Jigsaw: un viaje al universo de Juan Piquer Simón, de Luís Esquinas, que tiene como protagonista al también desaparecido realizador y productor valenciano Juan Piquer Simón.

The Simon’s Jigsaw: un viaje al universo de Juan Piquer Simón

Brigadoon 2015 proyectará también los capítulos El cumpleaños, El doble, El regreso, El último reloj y El caso del señor Valdemar de la mítica serie de televisión Historias para no dormir, inéditos hasta el momento en DVD. La factoría Ibáñez Serrador se encuentra en plena fase de preproducción de una nueva temporada de la popular serie de terror creada por el legendario Narciso Chicho Ibáñez Serrador. En esta nueva etapa, Prointel Producciones, dirigida ahora por su hijo, Alejandro Ibáñez, bajo la supervisión y sabios consejos de su padre y maestro, propone nuevas historias y versiones de algunos de los capítulos más terroríficos de la serie. El equipo creativo estará formado por directores consagrados y nuevos talentos del cine de género español. Además de otros proyectos de entretenimiento, la productora está desarrollando también una película documental sobre la vida de Narciso Ibáñez Serrador.

El Premio Nosferatu este año será para la argentina Rossana Yanni, actriz muy prolífica en el panorama cinematográfico español durante la década de los sesenta y setenta  y protagonista de películas dirigidas por Amando de Ossorio y Jesús Franco. Brigadoon también proyectará algunas películas de su carrera como El gran amor del conde Drácula (1972), de Javier Aguirre o Bésame monstruo (1968), de Jesús Franco. De esta manera, Brigadoon seguirá con la disposición de reivindicar las grandes figuras del cine fantástico y de terror hechas en el estado español en décadas pasadas y, paralelamente, refuerza la importancia de la  mujer en el cine de terror, una línea que se extiende en otras secciones del Festival.

Rossana Yanni

Brigadoon estrena una colección de libros con su propio sello. Y lo hace con Taboada, un estudio y homenaje a la figura del director mexicano Carlos Enrique Taboada, a cargo de varios autores.  La edición la realiza la editorial catalana Tyrannosaurus Books. Brigadoon, también proyectará Jirón ópera prima de Christian Cueva, que gira alrededor de la figura del realizador mexicano. Al documental le acompañará una retrospectiva de Taboada con los films Veneno para las hadas (1984) y Más negro que la noche (1975), entre otros.

Jirón

El Gran Premio FIPRESCI 2015 a la mejor película del año será para »Mad Max: Fury Road (Mad Max: Furia en la carretera)» de George Miller, quien recogerá el premio en el Festival de San Sebastián. Mad Max: Fury Road (Mad Max: Furia en la carretera) ha sido elegida como la mejor película por los miembros de la Federación Internacional de Críticos de Cine, FIPRESCI. En la votación del Gran Premio FIPRESCI de 2015 han participado 493 miembros de la Federación de todo el mundo, que han elegido entre las películas cuyo estreno mundial ha sido posterior al 1 de julio de 2014. De la primera ronda salió una última votación para elegir entre las cuatro finalistas: Saul Fia / Son of Saul, Nie yinniang/ The Assassin, Taxi Téhéran y Mad Max: Fury Road.

Mad Max: Fury Road (Mad Max: Furia en la carretera) se presentó en Sección Oficial fuera de concurso en el pasado Festival de Cannes. Ésta es la primera vez que un film de George Miller recibe el Gran Premio FIPRESCI, que desde su creación en 1999 ha sido concedido a Richard Linklater, Michael Haneke, Paul Thomas Anderson, Jafar Panahi, Pedro Almodóvar, Jean-Luc Godard y Nuri Bilge Ceylan, entre otros.

George Miller ha dicho sobre el premio «¡No salgo de mi asombro!. Es maravilloso que este gran grupo de críticos reconozca de esta forma nuestro esfuerzo colectivo.»

Mad Max: Fury Road (Mad Max: Furia en la carretera), que se estrenó en España el pasado 15 de mayo de la mano de Warner Bros. Pictures, tendrá una proyección especial en el Festival de San Sebastián el 18 de septiembre que contará con la presencia de George Miller a quien se le entregará el Premio en la ceremonia inaugural.

«Mad Max: Fury Road» review

Perseguido por su turbulento pasado, Mad Max cree que la mejor forma de sobrevivir es ir solo por el mundo. Sin embargo, se ve arrastrado a formar parte de un grupo que huye a través del desierto en un War Rig conducido por Furiosa, una mujer también de acción que cree que logrará sobrevivir si cruza el desierto y llega a la tierra en la que se crió.. Escapan de una Ciudadela tiranizada por Immortan Joe, a quien han arrebatado algo irreemplazable. Enfurecido, el Señor de la Guerra moviliza a todas sus bandas y persigue implacablemente a los rebeldes en una «guerra de la carretera» de altas revoluciones..

Hay muchas razones que se podrían enumerar a la hora de intentar de desgranar con profundidad el por qué «Mad Max: Fury Road» es un rotundo triunfo en sí mismo y en el sentido más amplio de la palabra, ahora mismo no recuerdo un blockbuster que haya tenido de una manera merecida una unanimidad en positivo tan claramente aplastante ya sea de crítica o público, entre otras cosas podríamos empezar por la propia gestación del producto, una gestación tan milagrosa como atípica en el actual panorama cinematográfico a cargo de gran estudio, que Warner Bross proveyera con 150 millones de dólares de presupuesto  a un señor de 71 años para retomar una franquicia postapocalíptica que llevaba enterraba más de treinta años no es algo que se vea con relativa frecuencia, todo ello elaborado en base a un rodaje nada fácil de siete meses en el desierto de Namibia y un posterior rodaje complementario en Australia, rodada fuera de los plazos habituales en este tipo de producciones después de sufrir varios aplazamientos en lo concerniente a fechas, unas dificultades que suele ser sinónimo de producto no bien ejecutado, que tiende a ser defectuoso, nada más lejos de la realidad, «Mad Max: Fury Road» logra sobrevivir a la propia locura de su naturaleza.  

De la misma manera también es evidente que  George Miller es un director algo peculiar y atípico, un autor de innegable talento no reconocido posiblemente dada por su dispersa trayectoria artística, de naturaleza y tono que tiende a una cierta irregularidad formal, «Mad Max”, «The Witches of Eastwick«, «Lorenzo’s Oil«, «Babe: Pig in the City» o «Happy Feet» son trabajos que forman parte de un fabulario tan rico, extenso y lleno de matices como variopinto y algo distante en su conjunto a la hora de globalizarlo y valorarlo en su justa medida, es ahora con esta «Mad Max: Fury Road» cuando George Miller ha sabido esperar su momento justo y poner el punto y aparte en su carrera, realizando la película por la que será recordado, logrando en definitiva una absoluta obra cumbre en el cine de acción.

«Mad Max: Fury Road» viene a ser un compendio de intenciones que ha gozado de una inusual y plena libertad creativa y eso se nota en el resultado final, una película más de director que de estudio por increíble que parezca, una brillante suma de ideas con respecto al universo de la trilogía original, en donde George Miller no se deja nada en el camino, lo da todo, coge lo mejor, todas las virtudes de la saga (y en este aspecto se lleva la palma muy especialmente «Mad Max 2: The Road Warrior«) para moldearlas a su antojo, las homenajes, potencia y amplia de manera tan exagerada como acertada para ofrecer un espectáculo visual sin parangón en donde la imagen en su concepto más puro se adueña de la función de una manera rotunda con respecto al dialogo, a veces el éxito o reconocimiento de un producto no está superar o magnificar lo que supuestamente ya funciona, conviene dar un paso hacia atrás y reformulas antiguos conceptos, en este aspecto «Mad Max: Fury Road» brilla pues logra revisitar el método de la vieja escuela a la hora de hacer cine espectáculo para curiosamente manifestarse como un soplo de aire refrescante con respecto a lo que vemos hoy en día en pantalla.

Normalmente cuando estamos ante un film que posee una lectura narrativa criptica solemos necesitar de varios visionados para poder asimilar y entender todo lo que se nos cuenta, en «Mad Max: Fury Road» ocurre igual pero desde una perspectiva completamente visual,  estamos ante un film en el que el 90% son escenas de pura acción, en cada una de ellas hay una multitud de detalles que necesitan más de un visionado para poder apreciarlos y disfrutarlos de manera satisfactoria, es una película física, hecha con vehículos reales, personas reales, en un desierto real que solo utiliza lo digital cuando realmente lo requiere, dejando en clara evidencia en este aspecto a la mayoría de blockbusters que se producen a día de hoy en Hollywood. Estamos pues ante una orquestada suma imágenes perturbadoras, dentro de un mundo distorsionado, poblado de una interminable lista de variopintos personajes, enemigos mutilados, enfermos, deformados o drogados que se sacrifican por un prometido Valhalla, imposibles camiones orquesta con el cometido de atemorizar sonoramente al perseguido, malvados inmortales enfrentados a unos personajes en busca de la redención, todo ello remitiéndonos al género de western dentro de un escenario de desiertos, desfiladeros y jinetes moteros, etc.

En la película de George Miller funciona prácticamente todo a la perfección, desde la adrenalítica música compuesta por Junkie XL en base un trabajo atronador de tambores y guitarras conjuntada de manera acertada con la majestuosa banda sonora de Tom Holkenborg, hasta la fotografía del veterano John Seale, pasando el alucinante montaje a cargo de Margaret Sixel (2.700 cambios de plano que equivale a una media de plano cada tres segundos) o el carisma que derrochan ante la pantalla tanto Charlize Theron como Tom Hardy.

Al final «Mad Max: Fury Road» nos viene a recordar, seguramente no de manera intencionada, que desde el nacimiento del séptimo arte y antes de aparecer en escena el propiamente denominado cine de autor, existían las películas creadas como un simple y mero deleite visual en donde la imagen funcionaba únicamente al servicio del espectáculo, posiblemente «Mad Max: Fury Road» no sea la película perfecta si hablamos en el sentido literal del término, básicamente porque su apuesta es demasiado radical para conseguir una unanimidad de criterios, lo que si sentara cátedra serán sus innegables intenciones a la hora de ofrecer un espectáculo puro sin ningún altibajo, y esto si es intencionado, toda una declaración de principios partiendo desde lo clásico para terminar como un producto de tono hipermoderno y que al mismo tiempo nos muestra una forma de hacer y entender el cine desde una perspectiva diferente, desde una mirada que hoy en día ya no solemos ver en la gran pantalla.

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El maestro del cine de terror ha muerto a los 76 años víctima de un cáncer cerebral. El creador de Freddy Krueger, figura legendaria del cine de terror, ha dejado huérfanos a una legión de fans del género esta madrugada. Wes Craven, director de las emblemáticas sagas de terror Pesadilla en Elm Street y Scream, ha muerto a los 76 años a causa de un cáncer cerebral. El film The Girl in the Photographs, producido por Craven, se podrá ver en Sitges 2015 después de haberse estrenado en el Festival de Toronto.

The Girl in the Photographs, dirigido por Nick Simon, es un slasher ambientado en el mundo de la moda, centrado en la historia de un fotógrafo de famosos y su séquito, que abandonarán el lujo de la gran ciudad para acudir a un pequeño pueblo y empezar a investigar los sangrientos crímenes que está cometiendo un asesino en serie.

The Girl in the Photographs

Wes Craven nació en 1939 en Cleveland, Ohio, y en 1972 dejó su trabajo de profesor de humanidades para debutar a su carrera cinematográfica con La última casa a la izquierda (1972), una violenta historia de unos jóvenes que son secuestrados por unos psicóticos. Craven logró destacar en la industria para aportar un sello distintivo en el cine de terror a partir de mezclar diversos géneros en sus proyectos, como en Las colinas tienen ojos (1977), una historia con pinceladas de humor que ganó el Premio de la Crítica Internacional del Jurado en el Festival de Sitges 1977 y que fue reversionada en 2006.

También fue uno de los primeros en inspirarse en cómics para sus creaciones, como en La cosa del pantano (1982), basada en la historieta de Len Wein. Fue en 1984 cuando Craven consiguió aterrorizar a las grandes audiencias con el asesino en serie Freddy Krueger, interpretado por Robert Englund, que sería galardonado con el premio la Màquina del Temps en la edición de 2007 del Festival de Sitges.

El director también se movió en otros terrenos, como en el caso de Música del corazón (1999), con la que Meryl Streep consiguió una nominación al Oscar, aunque, sin embargo, no fue una apuesta que consiguiera el éxito del que disfrutó con el lenguaje del terror. El gran reconocimiento volvió en 1996 cuando estrenó Scream con una joven Neve Campbell como protagonista, con un reparto ilustre del cine de los noventa con nombres como David Arquette, Courtney Cox, Rose McGowan o Drew Barrymore, y con unos asesinos perturbados interpretados por Skeet Ulrich y Matthew Lillard, que acababan de empezar sus carreras. El film revitalizó la escena del género y consiguió un gran éxito de taquilla en Estados Unidos, lo que le llevó a convertirse en el primer título de una conocida tetralogía.

Otros títulos que hay que destacar del director son La serpiente y el arco iris (1988), Visiones nocturnas (1990), El sótano del miedo (1992, presentada en Sitges), Un vampiro suelto en Brooklyn (1995) o Vuelo nocturno (2005). Su último film como director fue el cuarto título de la saga Scream (2011) de la que la MTV estrenó la adaptación televisiva con una primera temporada el pasado mes de junio.

Video tributo

Vinila von Bismark protagoniza el cartel de la Semana de Cine Fantástico y de Terror 2015

La actriz y cantante Vinila von Bismark es la protagonista del cartel de la XXVI Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 31 de octubre y el 6 de noviembre.

Ambientada en un futuro posindustrial y posapocalíptico, la imagen del cartel se inscribe en la estética de películas que muestran un planeta Tierra en un futuro no demasiado lejano destruido por guerras o epidemias, donde la supervivencia es lo único que cuenta. También pretende rendir homenaje a las heroínas del cine fantástico y de acción. Filmes como Mad Max: Salvajes de autopista (George Miller, 1979) o Kamikaze 1999 (Luc Besson, 1983) han sido el punto de partida estético de la imagen de la Semana de este año; películas que conforman un subgénero propio dentro de la ciencia ficción que cada año crece con nuevos títulos.

La fotografía ha sido realizada por José Luis López de Zubiria, responsable de gran cantidad de carteles de la Semana. El diseño es del estudio Ytantos, como en los últimos años. El arma ha sido diseñada por Gorka Aguirre. Nerea Torrijos se ha encargado del vestuario y Koro Ramón del maquillaje y la peluqueria. El making of es de Aritz Moreno.

Vinila von Bismark

Cantante, DJ, actriz, bailarina y performer, Vinila von Bismark es más que el álter ego de Irene López Mañas, mucho más que un personaje o una imagen. Vinila es, por encima de todo, una actitud, una presencia icónica, un sello de identidad; el carácter genuino de una artista que nació en Peligros (Granada) en 1986. De algún modo su trayectoria quedará ligada a su lugar de nacimiento, ya que Vinila es una artista precoz a la que siempre le ha gustado jugar con los límites de la provocación, la seducción y el deseo.

Sus primeros devaneos con la música y el espectáculo fueron en la ciudad de Granada, donde fundó el colectivo de performance punk Freak Factory. Más tarde se muda a Madrid, donde conoce a Petra Flurr y empiezan a actuar bajo el nombre de Krakovia, formación que ficha por la discográfica Subterfuge, con la que publican el disco Road Movie (2008).

En su faceta como DJ trabaja en pasarelas de moda internacionales, festivales de música o clubes de toda Europa. Su nombre hace honor a la pasión que siente por los discos de vinilo, con los que siempre pincha y de los que atesora una colección con más de 1000 auténticas joyas.

Las productoras de televisión se fijan en ella y Vinila se atreve a dar sus primeros pasos en este medio en la serie de terror de Cuatro «Hay alguien ahí» (2009-2010).

En 2010 conoce al trío madrileño de rockabilly The Lucky Dados, con los que se pone a trabajar en estilos como el calypso, el ska, el surf o el rock’n’roll y publican The Secret Carnival (Subterfuge, 2010).

En 2011 comienza a actuar en el espectáculo de cabaret The Hole, donde puede desarrollar su pasión por el burlesque.

En 2014 publica también con Subterfuge su primer disco en solitario, A Place With No Name, donde da un paso de gigante en su carrera musical, un paso valiente hacia un estilo mucho más personal y propio que, sin relegar su lado más salvaje y rockero, enseña otros matices. Fue nominada a un MTV European Music Award.

Tras ganar el premio a Mejor Música con el videoclip de Snake en el Fashion Film Festival de La Jolla y triunfar en el Ink-N-Iron – Kustom Kulture Festival de Long Beach (ambos en California), Vinila von Bismark vuelve a la carretera para dar vida a madame Zoltar en la gira de The Hole 2 y llevar su tour A Place With No Name por todos los rincones de España. En los que además presentará su personal homenaje a La Faraona, en el vigésimo aniversario de su muerte, compartiendo con todos su nuevo single Pena, penita, pena, del que aquí se puede ver el video producido por Gus&Lo y dirigido por Gustavo López Mañas.

El 30 de octubre, día anterior al comienzo de la Semana, a las 22:00, Vinila von Bismark ofrecerá un concierto en el C. C. Intxaurrondo, organizado por Donostia Kultura y Nordika Produciones. El precio de la entrada es de 13 € anticipada y 16 € en taquilla.

Ciclo «¡Sigue grabando!» en la Semana de Terror

La Semana ha preparado para este año el ciclo ¡Sigue grabando! Falso documental, metraje encontrado y tele-realidad en el cine de horror.

La Semana se acerca este año en su ciclo a uno de los géneros más en boga en el mundo del terror en los últimos tiempos, utilizado por cineastas de todo el planeta, del que cada año se ruedan decenas de películas. Desde el éxito de El proyecto de la bruja de Blair (Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999) y [REC] (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007), los falsos documentales (o mockumentarys) y filmes de metraje encontrado (found footage) de todo tipo comenzaron a aparecer en las pantallas del mundo entero, multiplicándose su presencia año tras año. Películas de vocación más o menos realista, rodadas con cámara en mano, una estética cercana a los programas televisivos de calle, sensación de inmediatez…

Häxan: La brujería a través de los tiempos

El ciclo mostrará algunos de los títulos más importantes del género de los últimos años, pero con algunos guiños al pasado, como la proyección de la mítica película noruega La brujería a través de los tiempos (1922), dirigida por Benjamin Christensen, falso documental adelantado varias décadas a su tiempo.

El ciclo se organiza en colaboración con el Festival Internacional de Cine de Gijón. La Semana colaborará en un libro que lo acompaña, coordinado por Jesús Palacios, padre espiritual del proyecto, que será editado por Gijón y que se presentará también en San Sebastián.

La exposición «Iberia FX. Oficio y artificio en el cine español» en la Semana de Terror

La exposición Iberia FX. Oficio y artificio en el cine español recoge la evolución de los efectos especiales en la historia del cine del Estado, homenajeando a grandísimos profesionales que son los verdaderos protagonistas de esta muestra, que estará abierta entre el 31 de octubre y el 19 de diciembre en el C. C. Okendo.

El Laberinto del Fauno

Maquetas de submarinos y bizarras naves espaciales, monstruos prehistóricos, imposibles bebés mutantes o momificados templarios se dan cita en esta exposición única, creados por atrezistas, decoradores, maquilladores, directores de arte, técnicos en efectos especiales… Todos ellos presentes en los numerosos paneles informativos que detallan sus biofilmografías, acercando al visitante a los principales trucos y técnicas de FX, desde los inicios del siglo XX hasta los más recientes hallazgos digitales. Se muestran igualmente valiosos objetos originales, muchos de ellos inéditos hasta el momento: atrezo de época, carteles, diseños, bocetos, preciados documentos y toda clase de memorabilia, maquetas rescatadas de rodajes de inolvidables filmes. Retazos de grandes obras de culto para los admiradores y seguidores de un cine en muchas ocasiones de verdadera Serie B o de superproducciones internacionales rodadas en España.

Se recordarán desde pioneros como Segundo de Chomón o Fructuoso Gelabert hasta recientes y multipremiadas citas del fantástico como El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006) o Eva (Kike Maíllo, 2011), pasando por iconos del terror como los templarios de Amando de Ossorio, la scifi de Juan Piquer Simón, películas como Conan, el bárbaro (John Milius, 1982) y nombres de los FX como Emilio Ruiz, Carlo de Marchis, Arturo Balseiro, Colin Arthur, Gumersindo Andrés, Reyes Abades y un largo etcétera de técnicos y artesanos.

Merian C. Cooper (1893-1973) y Ernest B. Schoedsack (1893-1979) formaron en la era clásica del cine estadounidense una de las parejas creativas más curiosas y estimulantes que ha dado la historia de Hollywood. La próxima edición del Festival de San Sebastián recuperará su obra a través de un ciclo dedicado a sus películas.

Reconocidos durante generaciones por ser los artífices de la emblemática King Kong (King Kong, 1933), la aportación de Cooper y Schoedsack al cine no se reduce a esta obra maestra. Su carrera se inicia con dos piezas clave en la historia del documental, Grass; A Nation’s Battle for Life (Hierba, 1925) y Chang (1927). Después realizarán películas fantásticas, dramas, de aventuras y de misterio, algunas de las cuales son hoy títulos de culto: The Four Feathers (Las cuatro plumas, 1929), The Most Dangerous Game (El malvado Zaroff, 1932), The Last Days of Pompeii (Los últimos días de Pompeya, 1935), Dr. Cyclops (1940), The son of Kong (El hijo de Kong, 1933) o Mighty Joe Young (El gran gorila, 1949).

La retrospectiva está dedicada a sus trabajos como directores, tanto en colaboración como de Schoedsack en solitario. Está organizada por el Festival de San Sebastián en colaboración con Filmoteca Española. El ciclo se complementará con la publicación de un libro dedicado a los dos cineastas coordinado por Quim Casas.

GRASS; A NATION’S BATTLE FOR LIFE  GRASS; A NATION’S BATTLE FOR LIFE (HIERBA). Merian C. Cooper, Marguerite Harrison, Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1925

El debut tras las cámaras de Cooper y Schoedsack fue este clásico del documental antropológico, rodado en los espectaculares paisajes de Irán. La vida cotidiana de la tribu Bakhtiari, en la antigua Persia, y su migración en busca de pastos para el ganado: 50.000 personas y sus rebaños tienen que atravesar barreras naturales y afrontar duras condiciones metereológicas para conseguir alimentar a sus animales.

CHANG. Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1927

La segunda aventura cinematográfica de Cooper y Schoedsack los llevó hasta las selvas de Tailandia. Un documental con elementos ficcionados donde los directores dan rienda suelta a su pasión por los escenarios exóticos y su sentido del espectáculo, gracias a este apasionante relato sobre la lucha del hombre contra la bestia.

THE FOUR FEATHERS (LAS CUATRO PLUMAS). Merian C. Cooper , Ernest B. Schoedsack , Lothar Mendes   (EEUU)  1929

Schoedsack y Cooper realizaron la primera adaptación sonora de la famosa novela colonial de A.E.W. Mason, llevada en varias ocasiones a la pantalla. Las aventuras en Sudán del teniente Faversham, acusado de cobardía por sus amigos, son la perfecta excusa para que los directores impriman a la narración original el brío y dinamismo que caracterizan su cine. Fue su primera colaboración con una actriz recurrente en su filmografía, Fay Wray.

RANGO. Ernest B. Schoedsack    (EEUU)  1931

Dos años antes de rodar su obra maestra, King Kong, Cooper y Schoedsack fantasearon sobre las relaciones entre los hombres y los monos gracias a este relato de aventuras con vocación antropológica ambientado en las selvas de Sumatra. Pero, como era habitual en su cine, su poder fabulador siempre se imponía sobre la mera observación de la realidad.

THE MOST DANGEROUS GAME (EL MALVADO ZAROFF). Ernest B. Schoedsack, Irving Pichel   (EEUU)  1932

Adaptación de un clásico relato de Richard Connell, este film fue para Cooper y Schoedsack un ensayo de los alucinantes ambientes de pesadilla que culminarían en King Kong al año siguiente, ya que ambos títulos fueron rodados en los mismos decorados. El cine de aventuras se funde con el cuento gótico en una película cruel y salvaje, cuyas frenéticas secuencias de acción aún sorprenden hoy día.

BLIND ADVENTURE (UNA AVENTURA EN LA NIEBLA). Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1933

Cooper y Schoedsack abandonan los escenarios exóticos tan habituales en su filmografía para trasladarnos al Londres de las intrigas detectivescas. Su actor fetiche, Robert Armstrong, es en esta ocasión un americano perdido en la niebla londinense y envuelto en una enrevesada trama que parece sacada de una película de Alfred Hitchcock.

KING KONG. Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1933

La película de monstruos más famosa de la historia del cine, un título mítico que nos dio uno de los iconos más perdurables del séptimo arte. La triste historia del gorila gigante que pierde su reino por un amor imposible no solo es una onírica revisión del mito de la Bella y la Bestia, reivindicada por intelectuales y artistas de todo el mundo, sino todo un alarde de efectos especiales, espectáculo, imaginación y poesía en estado puro.

THE SON OF KONG (EL HIJO DE KONG). Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1933

El éxito de King Kong obligó a Cooper y Schoedsack a entregar la obligada secuela, en un plazo muy apretado y con mucho menos presupuesto. Descubrimos ahora que el viejo y airado King Kong había dejado un cachorro en la Isla de la Calavera, un entrañable y bonachón gorila que se convertirá en inesperado aliado del protagonista del anterior film, una vez más metido en todo tipo de problemas por culpa de su afán aventurero.

LONG LOST FATHER. Ernest B. Schoedsack    (EEUU)  1934

Una sorprendente incursión de Cooper y Schoedsack en los terrenos de la comedia dramática, un género en principio muy alejado de sus intereses habituales. Este relato sobre el reencuentro de un padre y una hija que han vivido separados es, ante todo, un vehículo para el lucimiento de una de las grandes estrellas del Hollywood de la época, John Barrymore.

THE LAST DAYS OF POMPEII (LOS ÚLTIMOS DÍAS DE POMPEYA). Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1935

La novela de Bulwer Lytton Los últimos días de Pompeya ha sido uno de los textos más adaptados de la historia del cine desde la época muda. Cooper y Schoedsack no podían dejar pasar la oportunidad de llevarla a la pantalla en una versión sonora. Las mejores técnicas de efectos especiales de la época permiten visualizar el grandioso y trágico espectáculo de la orgullosa ciudad que fue destruida por la erupción de un volcán.

OUTLAWS OF THE ORIENT. Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1937

El desierto del Gobi es en esta ocasión el escenario elegido por Schoedsack para un relato con todos los ingredientes que necesitaban para hacer una película: hombres emprendedores luchando contra la naturaleza, peligrosos bandidos y el amor por la aventura y el peligro.

DR. CYCLOPS. Ernest B. Schoedsack, Merian C. Cooper   (EEUU)  1940

Una de las más imaginativas fantasías urdidas por Cooper y Schoedsack, un pequeño clásico del cine de ciencia ficción: la increíble historia de unos hombres miniaturizados por un científico loco resulta ser un delicioso entretenimiento donde resuenan los ecos mitológicos del combate del hombre contra el cíclope.

MIGHTY JOE YOUNG (EL GRAN GORILA). Ernest B. Schoedsack   (EEUU)  1949

El maestro de los efectos especiales Ray Harryhausen debutó en esta película en la que Cooper y Schoedsack volvían a dejar clara su fijación por los monos gigantes. Esta vez el simio en cuestión no se enoja con tanta facilidad como Kong, por lo que el resultado es una tierna y amable aventura familar donde no faltan espectaculares alardes de efectos especiales.

THIS IS CINERAMA (ESTO ES CINERAMA). Michael Todd, Michael Todd, Jr., Gunter von Fritsch, Ernest Schoedsack , Merian C. Cooper, Fred Rickey    (EEUU)  1952

 Era lógico que Merian C. Cooper, el maestro del cine-espectáculo, se sintiera fascinado por el Cinerama, un sistema de proyección envolvente que revolucionó la exhibición cinematográfica en la década de los 50. Este documental explora sus posibilidades a través de una serie de recorridos por paisajes y lugares que hacen  que el espectador se sumerja en la pantalla.

I’M KING KONG!: THE EXPLOITS OF MERIAN C. COOPER. Christopher Bird, Kevin Brownlow    (EEUU)  2005

Un documental que reivindica la figura de Merian C. Cooper, cineasta y aventurero, responsable de una de las películas míticas de la historia del cine, King Kong. Narrado por Alec Baldwin, es un apasionante recorrido por su novelesca biografía, sus películas y su arrolladora personalidad.

La 63 edición del Festival de San Sebastián dedica un ciclo al nuevo cine independiente producido en Japón en los últimos quince años. Más allá de las películas surgidas de los grandes estudios, el fenómeno del cine independiente en Japón ha generado un importante foco de creatividad cinematográfica que se manifiesta en una serie de películas producidas fuera de la industria. En esta categoría se encuentran los primeros trabajos de jóvenes directores, pero también los de una serie de consagrados cineastas que encuentran, en este territorio al margen del cine comercial, una mayor libertad expresiva.

El ciclo se convierte así en un recorrido que permitirá descubrir la vitalidad y energía de la cinematografía de este país a través de la obra de algunos de sus más notables cineastas.

El ciclo Cine independiente japonés 2000-2015 está organizado por el Festival de San Sebastián en colaboración con CulturArts-IVAC (Valencia), Museo San Telmo, Filmoteca Vasca y Conversaciones Donostia/San Sebastián 2016.

La retrospectiva se completará con una publicación coordinada por Shôzô Ichiyama, productor japonés y director de programación del Festival Internacional de Cine de Tokio Filmex.

Fantasia estará presente en el certamen para contaros con detalle todo acerca no solo en lo referente a esta retrospectiva sino a todo lo que de si un festival que ofrece una programación de lo más lujosa e interesante.

»Cine independiente japonés 2000-2015»

H STORY. Nobuhiro Suwa   (Japón)  2001

Nobuhiro Suwa, uno de los cineastas japoneses contemporáneos más fascinados por la cultura europea, plantea un film-ensayo, a medio camino entre el documental y la ficción, sobre la (im)posibilidad de recuperar el pasado a través del remake de un título mítico del cine francés, Hiroshima mon amour.

SORA NO ANA / HOLE IN THE SKY. Kazuyoshi Kumakiri   (Japón)  2001

La segunda película del cineasta Kazuyoshi Kumakiri fue presentada en la sección Forum del Festival de Berlín en 2001. Un delicado relato sobre la inesperada relación que se establece entre un joven solitario que apenas ha tenido relación con el mundo y una chica que ha visto ya demasiado.

BORDER LINE. Sang-il Lee   (Japón)  2002

El debut del realizador japonés de origen coreano Sang-il Lee es un fresco del Japón actual a través de las vivencias entrecruzadas de tres personajes de diferentes edades, pero todos marcados por la desesperación, la soledad y su triste destino.

ROKUGATSU NO HEBI / A SNAKE OF JUNE. Shinya Tsukamoto   (Japón)  2002

Tras consagrarse internacionalmente con su impactante film Tetsuo (1989), Shinya Tsukamoto volvió a sumergirse en sus atmósferas claustrofóbicas y enfermizas para contar un fábula llena de erotismo, culpa y pasión: una mujer casada empieza a ser acosada por un hombre misterioso.

AKARUI MIRAI / BRIGHT FUTURE. Kiyoshi Kurosawa   (Japón)  2003

Aunque Kiyoshi Kurosawa es un prestigioso cineasta que se ha dado a conocer por sus películas de temática fantástica, compitió en el Festival de Cannes con este film de corte realista, una sutil crónica sobre el desconcierto de la juventud japonesa y la falta de rumbo de una sociedad que ha perdido sus referentes.

BAKA NO HAKONUBE / NO ONE’S ARK. Nobuhiro Yamashita   (Japón)  2003

Una mordaz sátira de la «burbuja económica» de Japón que adopta la forma de una comedia minimalista: Daisuke e Hisako deciden iniciar una nueva vida en una remota isla después de que un negocio ruinoso los haya endeudado hasta el cuello. Pero la vida en esa plácida comunidad no será tan idílica como ellos pensaban. La película fue seleccionada por el Festival de Rotterdam en 2003.

VIBRATOR. Ryuichi Hiroki   (Japón)  2003

Un sensible retrato femenino que tiene como protagonista a una mujer aislada del mundo, incapaz de sentir más que la vibración de un teléfono móvil que nunca contesta. Sin embargo, un encuentro casual con un desconocido la hará embarcarse en un viaje de autodescubrimiento emocional y sexual.

KANARIA / CANARY. Akihiko Shiota   (Japón)  2004

Basándose en el atentado llevado a cabo por la secta Aum en el metro de Tokio en 1995, Akihiko Shiota construye una parábola que trata de indagar en el fenómeno social de los cultos religiosos. Lejos de todo efectismo, narra con especial delicadeza la historia de un niño que ha pasado toda su infancia recluido en una secta y ahora debe enfrentarse al mundo.

OSOI HITO / LATE BLOOMER. Go Shibata   (Japón)  2004

El actor discapacitado Sumida Masakiyo es el protagonista de este cuento cruel, cómico e irónico pero siempre terriblemente humano: Sumida, un joven que tiene sus funciones motrices limitadas, se enamora de una estudiante que se ha prestado voluntaria para cuidarlo; sin embargo, ella se siente atraída por el mejor amigo de Sumida. Presentada en el Festival de Rotterdam en 2005.

ARU ASA SOUP WA / THE SOUP, ONE MORNING. Izumi Takahashi   (Japón)  2005

Ganador del premio a la mejor película en el Pia Film Festival, el paraíso del cine independiente japonés, este debut del director Izumi Takahashi es la claustrofóbica crónica de la desintegración de una relación de pareja, filmada de manera tan implacable como empática, con tanto rigor como sensibilidad.

BASHING. Masahiro Kobayashi   (Japón)  2005

Masahiro Kobayashi se inspiró en un hecho real para esta película, que compitió en el Festival de Cannes: el secuestro de la activista Nahoko Takato por parte de terroristas islámicos. Sin embargo, el verdadero tema de su película es la intransigencia de la sociedad japonesa y la manera en que fue juzgada por el simple hecho de haber sobrevivido.

A STRANGER OF MINE. Kenji Uchida   (Japón)  2005

Kenji Uchida obtuvo el Premio de la Crítica Joven del Festival de Cannes gracias a esta ingeniosa comedia romántica narrada desde los diferentes puntos de vista de los personajes implicados. Una historia de chico-conoce-chica que se va complicando cada vez más, porque la vida nunca es tan sencilla como en las películas.

TARACHIME / BIRTH – MOTHER. Naomi Kawase   (Japón – Francia)   2006

Un descarnado y sincero documental autobiográfico en el que una de las más prestigiosas directoras de Japón, Naomi Kawase, reflexiona sobre los ciclos de la vida y la muerte a través de la figura de su anciana abuela y del nacimiento de su propio hijo.

HITO NO SEX WO WARAUNA / SEX IS NO LAUGHING MATTER. Nami Iguchi   (Japón)  2007

Matsuyama Kenichi, una popular estrella juvenil del cine japonés, protagoniza este relato sobre el despertar sexual y la confusión sentimental de un estudiante que inicia una relación con su profesora, veinte años mayor que él. Una historia de amor que la directora Nami Iguchi observa con distancia clínica para captar con más precisión sus diferentes matices.

JITSUROKU RENGO SEKIGUN / UNITED RED ARMY. Koji Wakamatsu   (Japón)  2007

El Ejército Rojo Japonés fue uno de los más activos y temidos grupos terroristas de la década de los 70. El veterano cineasta Koji Wakamatsu afrontó, a los 72 años de edad, la labor de contar la historia de un grupo armado que él llegó a conocer bien de cerca. Metraje de archivo y reconstrucciones con actores componen una prolija crónica de este episodio de la historia del moderno Japón.

JUYONSAI / FOURTEEN. Hiromasa Hirosue   (Japón)  2007

El bullying en colegios e institutos es uno de los temas candentes que acucian a la sociedad japonesa actual. El actor y director Hiromasa Hirosue compitió en el Festival de Rotterdam con esta película que se acerca al tema huyendo de cualquier efectismo, acercándose con pudor y respeto a las víctimas de este lamentable fenómeno social.

SAD VACATION. Shinji Aoyama   (Japón)  2007

Uno de los más destacados representantes de la llamada «nueva ola japonesa» de la década de los 90, Shinji Aoyama, se plantea en este film, que fue presentado en el Festival de Venecia, cuál es la naturaleza de los vínculos familiares. Su protagonista, el joven Kenji, ha formado una familia por su cuenta, pero el reencuentro con la madre que lo abandonó de niño lo pone todo en cuestión.

AI NO MUKIDASHI / LOVE EXPOSURE. Sion Sono   (Japón)  2008

Sion Sono es, probablemente, el más extremo e imprevisible de los directores japoneses actuales y muchos consideran que esta película, premiada en el Festival de Berlín, es su obra maestra: una historia de amor de tintes épicos que se desarrolla a través de un metraje colosal en el que hay sitio para todo: el arte, la religión, el sexo, la familia y un buen catálogo de excentricidades.

PASSION. Ryusuke Hamaguchi   (Japón)  2008

Ryusuke Hamaguchi compitió en 2008 en la sección Nuev@s Director@s del Festival de San Sebastián con este debut, un film en el más puro espíritu del cine independiente: un sagaz estudio de las relaciones a través del relato de una pareja a punto de casarse que se ve ensombrecida por la infidelidad.

SEISHIN / MENTAL. Kazuhiro Soda   (Japón)  2008

El prestigioso documentalista Kazuhiro Soda rompe con esta película un gran tabú de la sociedad japonesa: su reticencia a hablar del problema de las enfermedades mentales. Rodado a lo largo de un mes en el hospital psiquiátrico de Okayama, este documental, presentado en el Festival de Berlín, observa con detalle la vida diaria de una serie de pacientes víctimas de sus tendencias suicidas y su miedo a la sociedad.

PARADE. Isao Yukisada   (Japón)  2009

Presentada en el Festival de Berlín, esta película de Isao Yukisada es un agudo estudio psicológico de cuatro personas que comparten piso. Su vida parece rutinaria y tranquila hasta que la llegada de un extraño pone en evidencia la fragilidad del sistema en el que vivían. ¿Quién es el quinto habitante de la casa? ¿Es posible que sea el asesino en serie que ronda la vecindad?

YELLOW KID. Mariko Tetsuya   (Japón)  2009

«Yellow Kid» fue un popular personaje del cómic americano al que un artista de manga japonés da nueva vida en el siglo XXI: un muchacho de las calles que se convierte en boxeador, un héroe para los marginados de la sociedad. Pero cuando un joven se inspira en este personaje para cumplir su sueño, el contraste entre realidad e ilusión puede ser muy doloroso. Un film seleccionado por el Festival de Rotterdam en 2010.

FUYU NO KEMONO / LOVE ADDICTION. Nobuteru Uchida   (Japón)  2010

Una pieza de cámara sobre las complejas relaciones sentimentales entre cuatro personajes, rodada con un presupuesto equivalente al precio de un coche de segunda mano a lo largo de varios fines de semana, con los actores improvisando sus diálogos. Un film sorprendente, pese a sus aparentes limitaciones, que compitió en el Festival de Rotterdam en 2011.

HEAVEN’S STORY. Takahisa Zeze   (Japón)  2010

Takahisa Zeze se ha convertido en figura de culto en el panorama del cine independiente japonés. Esta es probablemente su película más ambiciosa, y fue presentada en el Festival de Berlín en 2011. Un prolijo fresco de la sociedad japonesa actual que entrelaza las historias de personajes atormentados por la venganza, el adulterio, la avaricia, el amor y la necesidad de redención.

KAWA NO NAKAKARA KONNICHIWA / SAWAKO DECIDES. Yuya Ishii   (Japón)  2010

Sawako es una mujer en crisis profesional y sentimental que vuelve al lugar donde nació para hacerse cargo del negocio familiar. Un delicioso retrato femenino, repleto de ternura y sentido del humor, que se sustenta sobre el espléndido trabajo de su protagonista, Hikari Mitsushima. El film fue presentado en el Pia Film Festival de Tokio en 2009.

SAUDADE. Katsuya Tomita   (Japón)  2011

Una historia de amistad entre dos hombres de muy diferente carácter nos sumerge en la comunidad de inmigrantes brasileño-japoneses, sus sentimientos contradictorios y su forma de expresarse a través del hip hop, pero también en ese mundo proletario que no se suele mostrar habitualmente en el cine japonés. Un film que compitió en el Festival de Locarno en 2011.

FUGAINAI BOKU WA SORA O MITA / THE COWARDS WHO LOOKED TO THE SKY. Yuki Tanada   (Japón)  2012

Adaptación de una novela superventas de Misumi Kubo, una de las grandes revelaciones de la nueva literatura erótica japonesa, esta película de Yuki Tanada explora las relaciones de varios personajes con el sexo y los sentimientos, mientras tratan de combatir el tedio, la frustración, la soledad o la desesperación.

KIRISHIMA BUKATSU YAMETATTEYO / THE KIRISHIMA THING. Daihachi Yoshida   (Japón)  2012

Como si de una versión de Rashomon en clave high school se tratara, esta película del siempre imaginativo Daihachi Yoshida cuenta desde diferentes puntos de vista un extraño incidente: Kirishima, la estrella del club de voleibol, ha desaparecido y la estructura jerárquica del instituto peligra. El enigma se mueve entre la comedia freak y la inmersión en los laberintos de la mentalidad adolescente.

MUJIN CHITAI / NO MAN’S ZONE. Toshi Fujiwara   (Japón)  2012

El cineasta Toshi Fujiwara se adentra en la zona de seguridad de 20 kilómetros que rodea la planta nuclear de Fukushima. A través de conversaciones con los residentes que aguardan a que se lleve a cabo la orden de evacuar la zona, Fujiwara deja testimonio de su entrega al pasado que dejan atrás y su incertidumbre acerca del futuro. Un documental que fue seleccionado por el Festival de Berlín.

SAKURA NAMIKI NO MANKAI NO SHITA NI / COLD BLOOM. Atsushi Funahashi   (Japón)  2012

Un sombrío drama ambientado en el duro mundo del proletariado japonés, siempre impotente ante las maquinaciones de los poderes económicos que están detrás de los complejos industriales. El relato de una mujer que pierde a su marido en un accidente laboral es la base de un film presentado en el Festival de Berlín y que sigue la estela de los grandes clásicos del cine japonés de los años 50 y 60.

HOTORI NO SAKUKO / AU REVOIR L’ÉTÉ. Koji Fukada   (Japón)  2013

Koji Fukada homenajea el cine de Eric Rohmer con este cuento que sigue con exquisita delicadeza el despertar de una joven que, antes de entrar en la universidad, se traslada a una plácida ciudad costera para pasar el verano con su tía. Todo un canto al placer sensorial, pero también una reflexión sobre las desilusiones y dolores que acechan en el camino de la vida.

IYA MONOGATARI / THE TALE OF IYA. Tetsuichiro Tsuta   (Japón)  2013

Rodada en los espectaculares parajes de la región de Iya, al sur de Japón, una poética fábula sobre un hombre que huye del ajetreo de la gran ciudad, solo para descubrir que la naturaleza vive amenazada por la vida moderna. Tetsuichiro Tsuta rodó con 28 años de edad esta sabia y madura película que ha sido comparada con la obra de los grandes maestros del cine japonés.

MISS ZOMBIE. Sabu    (Japón)  2013

Una de las grandes revelaciones del cine japonés de la década de los 90, Sabu, ofrece su peculiar homenaje a los clásicos del cine de terror con esta fantasía en blanco y negro acerca de un Japón del futuro en el que los zombies son domesticados y sirven como criados. Pero, más allá del puro cine de horror, Sabu construye una macabra y perturbadora sátira social.

SOKO NOMI NITE HIKARI KAGAYAKU / THE LIGHT SHINES ONLY THERE. Mipo Oh   (Japón)  2014

Mipo Oh es una de las más notables guionistas y realizadoras del cine japonés contemporáneo. En esta, su segunda película, narra con especial tacto una hermosa y desoladora historia de amor que sale a la luz entre las ruinas de una sociedad donde toda esperanza parece imposible.

SHARING. Makoto Shinozaki   (Japón)  2014

La catástrofe de Fukushima ha dado en los últimos años un buen número de documentales que se acercan al tema desde diferentes perspectivas. Pero Makoto Shinozaki prefiere utilizar las herramientas de la ficción en esta fábula con elementos fantásticos donde dos mujeres, una profesora de psicología y su estudiante, tratan de lidiar con el gran trauma de la actual sociedad japonesa.

El Festival Internacional de Cine de Gijón dedicará su homenaje estrella al director tailandés Apichatpong Weerasethakul, nombre clave del pujante cine asiático y reconocido además como una de las voces más originales del panorama audiovisual contemporáneo. El FICX ofrecerá una completa retrospectiva de este creador multipremiado en los festivales internacionales más prestigiosos como el Festival de Cine de Cannes (Palma de Oro, Premio del Jurado o el Premio de Un certain regard), Festival de Toronto, Chicago, Bafici, Tokio o Rotterdam, entre otros.

El FiCX ya mostró alguno de sus trabajos en ediciones anteriores como el cortometraje A letter to Uncle Boonmee (2007) y el mediometraje Mekong Hotel (2012) y en esta ocasión ha decidido dedicar a este cineasta un homenaje con la proyección de su filmografía más destacada.

Según Nacho Carballo, director del certamen, Apichatpong Weerasethakul ha desarrollado una de las más personales trayectorias del cine actual, ha conseguido unir las más renovadoras formas de expresión audiovisual con referencias al folclore y la tradición de su lugar de origen, la televisión de los setenta, el cine popular de su país y los tebeos sobre espíritus y fantasmas. Sus películas se sitúan lejos del cine comercial tailandés, en ellas explora los límites entre lo real y lo ficticio, por lo que este homenaje encaja 100% con el espíritu del festival.

En paralelo a sus largometrajes, ha filmado cortos, vídeos y piezas para instalaciones, en súper-8, 16 mm, 35 mm, vídeo digital o teléfono móvil. Algunas de ellas, se han mostrado en los más importantes museos y galerías de arte de todo el mundo y le han valido numerosos galardones.

El FICX editará un libro sobre su obra y próximamente comunicará la programación completa de las obras que se proyectarán de este creador.

El Festival de San Sebastián presentará de nuevo, en su 63 edición, algunos de los títulos más destacables de la producción latinoamericana del año. La programación de la sección Horizontes Latinos incluye catorce producciones provenientes de Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Chile, Guatemala, México, Perú y Venezuela. Películas que han competido o han sido presentadas en importantes festivales internacionales, pero que no han sido vistas previamente en ningún festival español ni estrenadas comercialmente en nuestro país.

Las películas seleccionadas compiten por el Premio Horizontes, que será fallado por un jurado específico y está dotado con 35.000€, de los cuales 10.000€ están destinados al director de la película ganadora y los 25.000€ restantes al distribuidor en España.

La sección se inaugurará con El club, de Pablo Larraín, ganadora del Oso de Plata Gran Premio del Jurado en la última edición del Festival de Berlín. La película cuenta la historia de cuatro hombres que viven juntos en una casa aislada de un pequeño pueblo costero, al que han sido enviados para que expíen los pecados que han cometido en el pasado.

EL CLUB. Pablo Larraín   (Chile)

Pablo Larraín obtuvo el Oso de Plata Gran Premio del Jurado en la última edición del Festival de Berlín con esta película. Cuatro hombres viven juntos en una casa aislada de un pequeño pueblo costero, enviados a ese lugar para que expíen los pecados que han cometido en el pasado.

600 MILLAS. Gabriel Ripstein   (México)

Arnulfo Rubio, un joven traficante de armas en la frontera de Estados Unidos y México, está siendo vigilado por Hank Harris, agente de la Agencia de Tabaco y Tráfico de Armas. Tras cometer Harris un peligroso error, Rubio toma una desesperada decisión: introducir clandestinamente al agente en México. Premio a la Mejor Primera Película de la sección Panorama del Festival de Berlín.

EL ABRAZO DE LA SERPIENTE. Ciro Guerra   (Colombia – Argentina – Venezuela)

Presentada en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, la nueva película de Ciro Guerra es la épica historia del primer contacto, el encuentro, el acercamiento, la traición y, finalmente, una amistad que va más allá de la vida entre un chamán amazónico y dos exploradores occidentales.

EL BOTÓN DE NÁCAR. Patricio Guzmán   (Francia – Chile – España)

El cineasta chileno Patricio Guzmán nos habla en su nuevo documental del agua, el cosmos y nosotros, los humanos. Todo comienza con el descubrimiento de dos misteriosos botones en lo profundo del océano Pacífico, en las costas chilenas. Ganadora del Oso de Plata al Mejor Guión en el Festival de Berlín.

CHRONIC. Michel Franco   (México – Francia)

David es un enfermero que trabaja con pacientes terminales. Eficiente y dedicado por entero a su profesión, crea estrechos lazos con las personas a las que atiende. Pero fuera de su trabajo, David es ineficaz, torpe y reservado. Una película ganadora del Premio al Mejor Guión en el Festival de Cannes.

DESDE ALLÁ. Lorenzo Vigas   (Venezuela)

Armando, de 50 años, busca hombres jóvenes en las calles de Caracas y les paga para que lo acompañen a su casa. También espía regularmente a un hombre mayor con el cual parece estar atado por algún nexo del pasado. Un día conoce a Elder, de 17 años, líder de una pequeña banda de malandros. Un film que competirá en la Sección Oficial del Festival de Venecia.

LAS ELEGIDAS. David Pablos   (México – Francia)

La segunda película de David Pablos participó en el Foro de Coproducción de San Sebastián en 2014 y fue presentada después en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes. Sofía, una adolescente de 14 años, está enamorada de Ulises. Por él, y a pesar de él, acaba encerrada en una red de prostitución en el norte de México. Para liberarla, Ulises tendrá que encontrar a otra chica como reemplazo.

IXCANUL. Jayro Bustamante   (Guatemala – Francia)

María, una joven maya de 17 años, vive y trabaja con su familia en una plantación del altiplano Guatemalteco. Allí pasa sus días tranquilamente hasta que sus padres la comprometen con el capataz de la finca, Ignacio. Una película que recibió una mención especial en la pasada edición de Cine en Construcción y compitió en el Festival de Berlín, donde obtuvo el Premio Alfred Bauer.

MAGALLANES. Salvador del Solar   (Perú – Argentina – Colombia – España)

Película ganadora del Premio Cine en Construcción en la pasada edición del Festival. Magallanes reconoce a una mujer que sube a su taxi. Es Celina, la campesina menor de edad a la que detuvo arbitrariamente hace más de veinte años, cuando el era soldado. Tienen ambos un asunto pendiente. Y Magallanes una oportunidad de redención. Damián Alcázar, Magaly Solier y Federico Luppi son los protagonistas.

LA OBRA DEL SIGLO. Carlos M. Quintela   (Cuba – Argentina – Alemania – Suiza)

En plena plaga de mosquitos, Leonardo, que está lidiando con la crisis de su relación sentimental, se va a vivir con su abuelo, siempre en lucha contra todo y contra todos, y su padre, que vive en un estado melancólico por lo inconcluso. Película ganadora del Premio Tigre en la última edición del Festival de Rotterdam.

PAULINA. Santiago Mitre   (Argentina – Brasil – Francia)

Paulina decide dejar su brillante carrera como abogada para dedicarse a la enseñanza en una región desfavorecida de Argentina. En un ambiente hostil, se entregará a su misión pedagógica, aunque deba perder a su novio y enfrentarse a su padre. Película ganadora del Premio Fipresci de la Semana de la Crítica en la última edición del Festival de Cannes.

PARA MINHA AMADA MORTA (PARA MI AMADA MUERTA). Aly Muritiba   (Brasil)

Fernando es un buen hombre que se hace cargo de su único hijo, Daniel, un chico tímido y sensible. Después de la muerte de Ana, su esposa, todas las noches Fernando recuerda su amor arreglando las cosas de su amada muerta. Un día encuentra una cinta VHS que lo cambiará todo. Un  film que participó en la sección Cine en Construcción en la pasada edición del Festival tras haber participado en el Foro de Coproducción el año anterior.

TE PROMETO ANARQUÍA. Julio Hernández Cordón   (México – Alemania)

La nueva película de Julio Hernández Cordón ha sido seleccionada para la competición del Festival de Locarno. Miguel y Johnny se conocen desde la infancia. Se dedican a patinar y pasarlo bien. Para ganar dinero fácil y seguir patinando, venden su propia sangre a un contacto clandestino. La actividad se convierte en negocio, hasta que una gran transacción no resulta como ellos imaginaban.

LA TIERRA Y LA SOMBRA / LAND AND SHADE. César Augusto Acevedo   (Colombia – Chile – Brasil – Países Bajos – Francia)

Ganador del Premio Caméra d’Or en el Festival de Cannes tras haber sido presentado en el Foro de Coproducción de San Sebastián en 2013, este film nos muestra a una familia que intenta reparar los frágiles lazos que los unen ante su inminente desaparición, provocada por el poder avasallador del progreso.

Ya tenemos al completo la programación oficial del próximo festival internacional de cine de Toronto TIFF que se celebrara del 10 al 20 de septiembre, posiblemente estemos a día de hoy ante el festival de clase A más reconocido e importante del actual panorama festivalero, no solo por el generoso volumen de películas exhibidas sino también por la calidad de su heterodoxa programación, una selección de títulos que aúna lo más destacado del año visto en otros certámenes junto a primicias mundiales, un equilibrio casi perfecto de tendencias cinematográficas de lo más diversas, un festival el de Toronto con especial atención al fantástico, visibles principalmente en las secciones Midnight Madness y Vanguard, esta última más diversificada  y enfocada hacia el cine de autor. A continuación os ofrecemos un pequeño repaso de las diez películas que se podrán ver en la Midnight Madness, la sección dedicada más claramente al cine fantástico, en su mayoría estrenos mundiales, una lista de títulos que en su práctica mayoría se podrán ver en el próximo festival de Sitges.

«Baskin» Can Evrenol .Turquía. 97 minutos

Un escuadrón de policías responde a una llamada rutinaria, topándose con una misa negra de culto lovecraftiano que se celebra en un edificio abandonado, a partir de ese momento la pesadilla empezara para el grupo de policías.

«The Devil’s Candy» Sean Byrne. USA. 90 minutos

El director de la divertida «The Loved Ones» nos presenta en esta ocasión un film de género sobrenatural. Un artista y su familia después de muchos problemas consiguen comprar la casa de sus sueños, una vez instalados descubren el misterioso pasado oscuro de la propiedad y un ex inquilino que quiere algo más que volver a su antigua casa.

«The Final Girls» Todd Strauss-Schulson. USA. 91 minutos

Max y sus amigos son absorbidos por una pantalla de cine encontrándose atrapados en un famoso slasher ochentero que hizo a su madre en el pasado, una reconocida scream queen. Atrapados dentro de la película, Max se reúne con su madre, a quien perdió en la vida real. El grupo de millenials se une a Max y sus amigos para enfrentarse a un psicópata asesino, escapar de la película y encontrar una manera de regresar a casa.

«The Girl in the Photographs» Nick Simon. USA. 95 minutos

La vida de Colleen en la tranquila ciudad de Spearfish se ve interrumpida de golpe cuando recibe una serie de fotografías de mujeres brutalmente asesinadas. Las cosas se ponen aún más tensas para Colleen cuando el célebre fotógrafo Peter Hemmings abandona L.A para regresar a su ciudad natal de Spearfish para investigar el misterioso caso.

«Green Room» Jeremy Saulnier. USA. 95 minutos

«Green Room« nos cuenta como los miembros de una banda punk, tras perderse en una zona aislada, se topan con un horrendo acto de violencia. Debido a que son los únicos testigos, se convierten en el blanco de una pandilla aterradora de skinheads.

«Hardcore» Ilya Naishuller. Russia/USA. 90 minutos

«Hardcore» nos cuenta la historia de un Henry, un cyborg que emprende una misión casi suicida: Rescatar a su creadora de las garras de un temible telépata asesino y su ejército de sicarios, contando para ello únicamente con la ayuda de un estrafalario amigo suyo.

«The Mind’s Eye» Joe Begos. USA. 87 minutos

Zack Connors (Graham Skipper), cuyas habilidades de telequinesias le han mantenido fuera del mundo real durante años es reclutado por el misterioso Dr. Slovak. El paisaje nevado de Nueva Inglaterra se convierte en un torbellino de furia psíquica y brutal venganza cuando Zack tiene que utilizar todo su poder para detener la locura del Dr. Slovak.

«Southbound» Roxanne Benjamin, David Bruckner, Patrick Horvath and Radio Silence. USA. 89 minutos

Cinco historias entrelazadas de terror que ocurren en una interminable carretera del desierto. En un tramo desolado de la carretera una serie de viajeros – dos hombres que rememoran su pasado, una banda en su camino hacia el próximo concierto, un hombre que lucha por llegar a casa, un hermano en busca de su hermana perdida y una familia vacaciones – se ven obligados a enfrentarse a sus peores temores y los secretos más oscuros en este film de segmentos donde impera el terror y los remordimiento.

«SPL 2 – A Time For Consequences» Soi Cheang . Hong Kong. 120 minutos

«SPL 2: A Time For Consequences» nos cuenta como un policía de Hong Kong llamado Kit tendrá un altercado con un gángster importante en una operación encubierta. Los secuaces del mafioso en represalia, secuestran y ponen en una cárcel tailandesa bajo una identidad falsa al policía. Un guardia de la prisión llamado Chai con extraordinarias habilidades para el combate frustra su fuga de la prisión. Por otra parte la hija del guardia de la prisión sufre de una rara forma de leucemia y Kit es el único donante que puede salvarla. Chai descubre la verdadera identidad de Kit y le ayuda a escapar a cambio de un acuerdo para salvar a su hija. Juntos deberán enfrentarse al gángster y sus esbirros.

«Yakuza Apocalypse» Takashi Miike. Japón.115 minutos

«Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld» nos cuenta como Kagayama es un débil subalterno leal al legendario jefe de la yakuza Kamiura, que resulta ser un legendario vampiro. Cuando un asesino de un sindicato internacional llega a Japón para entregar un ultimátum, Kamiura es asesinado. Pero no antes de llegar a morder a Kagayama. Ahora, su subalterno ya convertido en vampiro buscará venganza contra un formidable equipo de asesinos.

El prolífico director japonés presentará en el Festival los films ‘Tag’, ‘Love & Peace’ y ‘The Virgin Psychics’. El cine japonés tiene en Sion Sono uno de los máximos exponentes actuales. Reconocido y galardonado internacionalmente, el cineasta y poeta visitará la 48ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya para recoger el premio Màquina del Temps a su trayectoria y, presentar tres de sus últimos films: Tag, Love & Peace y The Virgin Psychics.

Sion Sono (Toyokawa, 1961) se ha convertido en uno de los nombres imprescindibles del cine asiático moderno, un irreverente director de culto que ha conseguido crear un lenguaje fílmico muy personal a lo largo de su carrera, donde la juventud, la muerte o la religión aparecen como obsesiones recurrentes. Su éxito se inició con la impactante Suicide Club (2002) y se consolidó con la multipremiada Love Exposure (2008), una cinta épica de cuatro horas de duración que supuso una crítica radical a los valores juveniles. También destacan los títulos Why Do not You Play in Hell? (2013) y Tokyo Tribe (2014). Con una creatividad sin límites y más en forma que nunca, Sion Sono tiene previsto estrenar hasta cinco filmes durante este año 2015.

El fascinante director es un habitual del Festival, donde presentó en 2010 Cold Fish, ganadora del Premio Casa Asia, Guilty of Romance y Himizu en 2011 y Bad Film en 2013. Dos de sus últimas locuras, Tag y Love & Peace, recientemente han obtenido el premio a la mejor película y actriz, y el premio del público, respectivamente, en el Festival Fantasía de Montreal.

Tag es una película sangrienta, explosiva y divertida en la que un grupo de colegialas se enfrenta a una amenaza sin forma que las ataca brutalmente. Se trata de una adaptación de la novela Riaru Onigokko, de Yusuke Yamada. Love & Peace, en cambio, enlaza dos tramas que se inician con un gris y aburrido oficinista, aspirante a estrella de la música que, en un arrebato, lanza su mascota, una tortuga, por el inodoro. Y en contraste con el horror psico-sobrenatural de Tag y la fábula socio-fantástica y piro-musical de Love & Peace, llega The Virgin Psychics, comedia erótica y fantasía juvenil sobre una imposible revolución sexual en el corazón de Japón. Tres propuestas con el inimitable sello de Sion Sono que prometen grandes dosis de delirio en Sitges 2015.

Tag

Love & Peace

The Virgin Psychics