Termina el año y es hora de hacer un repaso de lo mejor que nos ha deparado este 2015 en referencia a ese género que tanto apreciamos en Fantasia como es el fantástico, próximamente habrá otra nueva lista de lo mejor, en esta ocasión sera desde un nivel general de todo el cine que hemos podido ver en este 2015. Un año en definitiva muy rico e intenso en propuestas presentadas desde  varias índoles y conceptos, por ello he creído conveniente aportar más títulos de lo habitual dada la fecunda cosecha, serán al final un total 10+5, apuntar del mismo modo por si alguien le extraña la falta de algún título en concreto o la aparición de otros que desconoce que la lista definitiva se ciñe a los films vistos por un servidor durante el año de una forma global, estrenos, festivales y demás circuitos de distribución, obviado como en estos últimos años el desolador y para nada real panorama de estrenos cinematográficos en territorio Español, lamentablemente el cinéfilo inquieto se ve obligado a recorrer certámenes y eventos o acudir al consumo doméstico para poder tener acceso a según qué materiales.

Antes convendría señalar algunas claves que han marcado el año, resaltar como dos autores veteranos como son George Miller y Hou Hsiao Hsien han logrado un consenso crítico fuera de toda duda, con «Mad Max: Fury Road» el australiano a fabricado un film que marcara, una reinterpretación mejorada y amplificada de forma excepcional de un universo e imaginario propio, y con «The Assassin» el veterano director taiwanés debuta trasladando de forma maestra su incuestionable trazo autoral en el subgénero del Wuxia. A día de hoy señalar que se produce un elevadísimo número de películas de género a nivel global, esto a la fuerza tiende a ser positivo, en este aspecto resaltar dos líneas que se me antojan primordiales, por una parte, la pujanza y proliferación de una cinematografía independiente USA, esa marca Sundance tan cacareada últimamente de nuevos valores, directores de la talla de Robert Reggers (The Witch), Jeremy Saulnier (Green Room), Jon Watta (Cop Car), Osgood Perkins (February) o  Craig William Macneill (The Boy)entre otros que nos presentan notables propuestas que lo validan para dar ese paso adelante hacia un tipo de cine mainstream de gran estudio como en su día ya hicieron autores como Colin Trevorrow o Rian Johnson, y por otra parte una globalización territorial en Europa a la hora de producir films de género fantástico, impera las coproducciones en detrimento de una identidad propia que delimita fronteras, hace tiempo que no existe ese escuela italiana de horror tan característica o ese tipo de cine extremo proveniente de Francia tan fecundo hace unos años por poner solo dos ejemplos, un nueva corriente esta que incluso ha dado paso a cinematografías poco dadas al fantástico como Turquía (Baskin) o Israel (Jeruzalem) a presentar propuestas interesantes y validas, y hablando de pujanzas destacar también la fuerza y la ya incuestionable realidad del cine proveniente de Latinoamérica no solo en lo concerniente al género fantástico sino también en la de un cine generalista, un auge este que en los próximos años puede presentarse como algo muy a tener en cuenta.

Para acabar y aunque no soy muy dado a resaltar lo negativo destacar tres puntos específicos, por un lado la sobresaturación del cine de superhéroes ya no solo en la gran pantalla sino también ya en el ámbito televisivo, no deja de ser una casualidad que el espectador algo cansado de este tendencia  haya preferido desviar su mirada hacia films que aunque de un tono algo regular se apartaban de esa vía como fueron «Jurassic World» o «The Martian«, lástima que no fuera el mismo caso de la notable «Crimson Peak» de Guillermo del Toro, unos pobres resultados económicos los cosechados que demuestran que lo gótico a día de hoy no vende. También resaltar la ausencia en la lista de «Star Wars: The Force Awakens«, aun reconociendo su indiscutible validez como evento enriquecedor del cine de masas nunca he sido un ferviente seguidor del universo creado por Gorge Lucas, y en un film que basa su principal potencial en el guiño o añoranza de unos referentes ya expuestos en el pasado es algo que ha de tener un peso específico a la hora de valorarlo de una forma ecuánime, por fortuna hace años que abandone ese fundamentalismo fan tan expuestos en estos días a raíz del estreno del film de J. J. Abrams, del mismo modo tampoco me vanaglorio de un postureo exhibido por aquellos que sitúan su mirada por encima del film sin siquiera haberlo visto. Por último y para acabar señalar la decepción que supuso el visionado de «Regresión» de Alejandro Amenábar, un director que en su día rejuveneció el cine de género patrio y que este año nos presentó un film fallido en prácticamente todas sus vertientes y que demuestra encontrarse en las antípodas de la brillantez de sus primeros trabajos.

Top ten

1 «Mad Max: Fury Road». George Miller

Perseguido por su turbulento pasado, Mad Max cree que la mejor forma de sobrevivir es ir solo por el mundo. Sin embargo, se ve arrastrado a formar parte de un grupo que huye a través del desierto en un War Rig conducido por Furiosa, una mujer también de acción que cree que logrará sobrevivir si cruza el desierto y llega a la tierra en la que se crió.. Escapan de una Ciudadela tiranizada por Immortan Joe, a quien han arrebatado algo irreemplazable. Enfurecido, el Señor de la Guerra moviliza a todas sus bandas y persigue implacablemente a los rebeldes en una «guerra de la carretera» de altas revoluciones..

2 «The Assassin». Hou Hsiao Hsien

China, siglo IX. Nie Yinniang regresa a casa de su familia tras años de exilio. Educada por una monja que la inicia en las artes marciales, es una auténtica justiciera cuya misión es eliminar a los tiranos. Su maestra le encarga como misión matar a su primo Tian Ji’an, gobernador disidente de la provincia militar de Weibo. Nie Yinniang tendrá que elegir: sacrificar al hombre que ama o romper definitivamente con «la orden de los Asesinos».

3 «Ex Machina». Alex Garland

Caleb es un programador de 24 años que trabaja en una de las mayores empresas de Internet del mundo, un día gana un concurso cuyo premio es una semana de vacaciones en la mansión privada del presidente ejecutivo de la compañía. Cuando Caleb llega a la estupenda casa en medio de la nada, descubre que deberá participar en un experimento tan extraño como fascinante en el que interactuará con la primera inteligencia artificial auténtica del mundo que habita en el cuerpo de una preciosa mujer robot.

4 «Evolution». Lucile Hadzihalilovic

Nicolas tiene diez años y vive con su madre en una isla remota, en un pueblo habitado exclusivamente por mujeres y niños. En un hospital junto al océano, todos los niños están sujetos a un misterioso tratamiento médico. Nicolas es el único que cuestiona lo que está ocurriendo a su alrededor. Siente que su madre le está mintiendo, y está dispuesto a averiguar la verdad… Lo que descubre es el comienzo de una pesadilla a la que se ve irremediablemente arrastrado. Pero Nicolas encontrará en Stella, una joven enfermera del hospital, una aliada inesperada…

5 “Inside Out”. Pete Docter,  Ronnie Del Carmen

Riley es una chica que disfruta o padece toda clase de sentimientos. Aunque su vida ha estado marcada por la Alegría, también se ve afectada por otro tipo de emociones. Lo que Riley no entiende muy bien es por qué motivo tiene que existir la Tristeza en su vida. Una serie de acontecimientos hacen que Alegría y Tristeza se mezclen en una peligrosa aventura que dará un vuelco al mundo de Riley.

6 «High-Rise». Ben Wheatley

1975. Dos millas al oeste de Londres. El doctor Robert Lang se muda a su nuevo apartamento buscando un desangelado anonimato, solo para descubrir que los residentes del edificio no tienen intención de dejarlo en paz. Resignado a las complejas dinámicas sociales que lo rodean, Lang afronta la situación y se convierte en un buen vecino. Mientras trata de establecer su posición, los buenos modales y la salud mental de Lang se desintegran con el edificio. Las luces se apagan y los ascensores no funcionan, pero la fiesta continúa. La gente es el problema. La bebida, la moneda de cambio. El sexo, la panacea.

7 “The Witch”. Robert Eggers

Nueva Inglaterra en el año 1630. Una familia de colonos cristiana, formada por un matrimonio y sus cinco hijos, vive cerca de un bosque que, según las creencias populares, está controlado por un mal sobrenatural. Cuando su hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros. Más allá de sus peores temores, un mal sobrenatural les acecha en el bosque cercano.

8 «Love and Peace». Sion Sono

Ryoichi es un oficinista que sueña con ser una estrella de la música y que adora a su tortuga Pikadon. Cuando sus compañeros comiencen a mofarse de él, se verá forzado a tirar a su querida mascota por el váter. La tortuga, por su parte, emprenderá su propia aventura.

9 “The Forbidden Room”. Guy Maddin

La tripulación de un submarino, una partida de temibles bandidos del bosque, un cirujano famoso y un batallón de niños soldados. Todos reciben más de lo que esperaban, ya que se abren camino hacia las ideas progresistas sobre la vida y el amor.

10 “The Lobster”. Yorgos Lanthimos

Narra una historia de amor no convencional, ambientada en un mundo distópico, en el que según las reglas establecidas, los solteros son arrestados y enviados a un lugar donde tienen que encontrar pareja en un plazo de 45 días. El tema central es la soledad, el temor a morir solo, a vivir solo, y también al temor a vivir con alguien.

Bonus

11 «Anomalisa». Charlie Kaufman

La película tiene por protagonista a un motivador profesional que, cuanto más ayuda a la gente, más monótona y anodina es su vida; todo el mundo le parece y le suena igual. Hasta que la voz de una chica le suena diferente y está dispuesto abandonarlo todo y a todos por alcanzar la felicidad con ella.

12 “The Tale of Tales”. Matteo Garrone

Ambientada en el Barroco, narra, con tintes fantásticos, las historias de tres reinos y sus respectivos monarcas. La de la reina de Longtrellis (Salma Hayek) y su marido (John C. Reilly), la de dos misteriosas hermanas que encienden la pasión del rey de Strongcliff (Vincent Cassel), y la del rey de Highhills (Toby Jones), obsesionado con una pulga gigante, que le lleva a romper el corazón de su joven hija… Libre adaptación de “El cuento de los cuentos”, del napolitano Giambattista Basile, célebre autor de relatos cortos del siglo XVII.

13 “Crimson Peak”. Guillermo del Toro

Como consecuencia de una tragedia familiar, una escritora es incapaz de elegir entre el amor de su amigo de la infancia y la tentación que representa un misterioso desconocido. En un intento por escapar de los fantasmas del pasado, se encuentra de pronto en una casa que respira, sangra… y recuerda.

14 «Blood of My Blood». Marco Bellocchio

«Blood of My Blood» nos sitúa en la Italia del siglo XVII. En un monasterio, una monja acusada de brujería seduce a un joven confesor quien se niega a ceder a la ardiente tentación. Una lucha de deseos, ilusiones y mentiras que se arrastrarán de forma inesperada hasta la actualidad…

15 «Journey to the shore». Kiyoshi Kurosawa

Mizuki perdió a su marido Yusuke en el mar. Años después, el fantasma de su compañero aparece ante sus ojos. No se trata de una visión terrorífica, sino de un retorno lleno de cotidianeidad. Tras el reencuentro, ambos iniciarán un viaje hacia la costa.

Basada en el clásico de la novela escrito por Lewis Grassic Gibbon en 1932, la película transcurre a comienzos del siglo XX en una comunidad rural escocesa donde una joven, Chris, está dejando de ser una niña, tratando de encontrar el amor con el inquietante Ewan, mientras su familia se enfrenta a la tragedia, todo ello durante una época de agitación y malestar social. Y entonces llega la Primera Guerra Mundial.

El veterano Terence Davies volvía a la pasado edición del festival de San Sebastián para presentar su último trabajo, «Sunset Song«, adaptación de la novela escrita por Lewis Grassic, considerada como una de las más importantes de la literatura escocesa del siglo XX, con un guión adaptado por el propio realizador británico este se desprende en algo de su habitual tono para ofrecernos una obra a priori más asequible de cara al gran público, quedando algo atenuada esa cierta ceremonialidad bastante habitual en su cine. «Sunset Song» se desvela como un  trabajo dotado de un estilo suntuoso pero desprovisto de garra, raramente vemos que el filme llegue a conmover en el espectador, pese a atisbarse varias constantes autorales, como una reconocible recreación de ambientes que saben adecuarse de forma clara a unos personajes dentro del contexto de corte clásico que subyace en el relato en el que se basa, una música cautivadora o la búsqueda, algo fallida, de una profundidad en sus personajes, llegamos a vislumbrar de forma tímida esas constantes propias del director que parecen estar ahí pero que no termina de imponerse de una manera clara, da la impresión que su bellísima y potente puesta en escena se vea obligada a acercarse de forma algo forzada a un formato quizás demasiado clásico y académico, algo lejos lo que nos suele tener acostumbrados el cine de Terence Davies.

«Sunset Song» posiblemente no logrará entusiasmar a los acólitos de las obras anteriores de su director, la puesta en escena del film puede dar una cierta sensación de estar algo impostada o tener un trazo poco natural al apoyarse en demasía en ser un trabajo muy literario, de diálogos demasiados poéticos, alejándose de esa atmósfera de tono intimista y natural tan característica de su cine, posiblemente la envergadura de un proyecto tan complejo como el presente tenga mucho que ver, una épica de contornos clásicos pero mostrada desde una óptica algo convencional,  también podría catalogarse como un melodrama histórico de un cierto discurso antibelicista que quizás abusa de demasiada teatralidad y de una falta de ritmo que le resta emotividad al conjunto, la duración del film, 140 minutos, tampoco ayuda, en este aspecto cabe calibrar el giro dramático algo atropellado que ocurre en su tercer acto y que no termina de llegar a cuajar de una manera convincente, básicamente porque no se profundiza en según qué personajes, es aquí cuando vemos especialmente y pese a la esforzada actuación de la actriz Agyness Deyn que la poética y sutileza tan propias del cine de Terence Davies quedan algo diluidas a favor de una base literaria y paisajística algo encorsetada.

Aun así «Sunset Song» se mantiene dentro de un tono algo correcto casi en la totalidad de su metraje, pero no logra dar un paso más allá, una verdadera lástima, por otra parte se nos narra una historia de amor que en ocasiones parece dar la impresión de que no termina de posicionarse en lo que es un a priori variado discurso, se nos ofrece varias vías que no terminan de ser expuestas de una forma profunda o decidida, basculando entre el posicionamiento social de la guerra, la religión, la desestructuración de la familia a consecuencia del conflicto bélico o el machismo ya sea parental o conyugal, una irregularidad en su narrativa argumental que hacen que «Sunset Song» llegue por momentos a palidecer en la búsqueda de un discurso que finalmente resulta ser totalmente ambiguo y poco conceptuado en todo lo nos es expuesto.

Valoración 0/5:3

Kyuta es un niño solitario que vive en Tokio y Kumatetsu es una criatura sobrenatural aislada en un mundo imaginario. Un día el niño cruza la frontera al mundo imaginario y entabla amistad con Kumatetsu, que se convierte en su amigo y guía espiritual. Este encuentro los llevará a multitud de aventuras.

«The Boy and the Beast» tuvo el honor de ser la primer película animada a competición en toda su historia en el pasado festival de San Sebastián, algo que se intuye como lógico y más viendo como otros certámenes de categoría A ya habían apostado con algunos años de antelación por uno de los sectores del cine que más se está arriesgando en la actualidad en cuanto a sus propuestas, abrir nuevas vías y conceptos cinematográficos de una manera justificada siempre será un motivo plenamente renovador y gratificante en lo referente a su propia intención. El nuevo film de Mamoru Hosoda no defraudo, posee virtudes claramente reconocibles de su autor aunque si cabria resaltar que pese a ser un film muy válido estamos ante un trabajo quizás algo inferior a sus anteriores «Summer Wars» o «Wolf Children«, poseedora de un tono quizás más asequible, direccionada en intenciones incluso hacia más puramente mainstream, de atributos posiblemente menos herméticos para un sector de público que quizás le costaba algo el entrar en la apabullante densidad no solo visual sino también temática de anteriores películas suyas.

«The Boy and the Beast» versa principalmente sobre la bestia que todos llevamos dentro y los miedos interiores que nos dominan, utiliza de una manera acertada la metáfora de la animalidad del individuo para discernir acerca de su propia identidad, lazos familiares, aprendizaje social y superación personal, en lo referente la identidad parental y la inculcación del valor social mantiene unas constantes muy reconocibles con su anterior y extraordinaria «Wolf Children«, todo ello mostrado desde una óptica de claro tono didáctico, como no podía ser de otra manera, algo perfectamente inherente e inculcado dentro de la mitología y el  imaginario oriental de la animación, un relato vertebrado entre un mundo real y otro fantástico, que como suele ocurrir en la mayoría de las propuestas de esta índole vemos como el mundo imaginario se nos presenta más rico en matices y en definitiva mucho más interesante en todo lo que se nos expone.

Muy compleja en lo referente a su nivel técnico, de espacios abrumadoramente detallados y de un poderío visual rico en matices pese un argumento que tiende hacia el trazo convencional y algo previsible, rozando peligrosamente casi el tono naif y un metraje algo desmesurado, en este aspecto cabria resaltar que en su última media hora «The Boy and the Beast» sufre un notorio bache en un ritmo narrativo imprimido hasta ese momento que funcionaba a las mil maravillas, un cambio en su tono que no acaba de beneficiar al conjunto, Hosoda opta por este tramo final por una solemnidad de contornos casi grandilocuentes, algo que choca en algo con el tono exhibido hasta ese momento, el trazo de esa sencillez tan característica que se cohesiona casi a la perfección con el relato fantástico .

En «The Boy and the Beast» vemos quizás a un Mamoru Hosoda algo menor, más asequible para un sector de público más amplio pero al mismo tiempo más maduro, un director que tras la prematura desaparición de Satoshi Kon y la retirada de Hayao Miyazaki ya tendría que empezar a ser considerado por méritos propios como el principal referente a de la actual animación nipona, un relevo generacional plenamente consecuente, basado en una irreprochable carrera, habrá que ver como se desarrolla la trayectoria de Hosoda a partir de ahora para confirmar esta tesitura aunque seguramente esa confirmación sea ya totalmente vigente.

Valoración 0/5:3’5

Auschwitz, 1944. Saul Auslander es un prisionero húngaro que trabaja en uno de los hornos crematorios del campo de concentración. Es obligado a quemar todos los cadáveres de los habitantes de su propio pueblo pero, haciendo uso de su moral, trata de salvar de las llamas el cuerpo de un joven muchacho a quien él cree su hijo y buscar un rabino para poder enterrarlo decentemente.

El húngaro László Nemes (antiguo asistente del gran Béla Tarr) y que sólo había dirigido un par de cortometraje hasta la fecha presento en la sección Perlas del pasado festival de San Sebastián una de las indiscutibles películas del año, tras su paso por el festival de Cannes «Son of Saul» se ha erigido por méritos propios como una pieza tan incisiva como innovadora dentro de un temario bastante expuesto en la gran pantalla hasta día de hoy, quizás por eso la principal virtud de la propuesta radique en poder ver el infierno de Auschwitz de una manera algo diferente, desde dentro, un brutal inmersión en primera persona cámara en mano al horror, en este sentido Nemes no da tregua al espectador en ningún momento en este virtuoso en lo técnico paseo por los infiernos, una sucesión de planos secuencias en formato 4:3, herramienta esta utilizada para que no apartemos la vista del rostro-nuca del protagonista en ningún momento de la tenebrosa travesía a la que asistimos.

Basándose en un pasado real, y en un libro de testimonios que descubrió hace unos años (Voices from beneath the Ashes) László Nemes construye un despiadado lienzo, un encuadre visual potente a cargo de la fotografía de Matyas Erdely y una acertada utilización del sonido cortesía de Tamas Zanyi, una en definitiva arquetípica coreografía del horror perfectamente orquestada. Esta construcción hace de «Son of Saul» una verdadera estructura de contornos parecida a una montaña rusa en lo referente a un ritmo impuesto que da pocas ocasiones al espectador para poder tomar algo de aliento, todo es continuo, unos planos secuencia desenfrenados que llegan tan lejos como para incluso darle una auténtica lección al consabido cine de acción que se preste hoy en día. Después de un periplo en pleno infierno, el escenario ha insensibilizado por completo a nuestro protagonista, podríamos llegar a afirmar que la muerte es su oficio impostado, a partir de aquí seguimos en primera persona todos sus movimientos, por otra parte nosotros, los espectadores, vemos bien poco, pero intuimos todo de una forma cruda. La película evita de esta manera el reconstruir el horror del holocausto como tal, como lo hemos visto infinidad de veces en la gran pantalla, la exposición de la muerte y esas imágenes de las víctimas se dejan incompletas para ser estructuradas por la imaginación del espectador, unas brutales escenas de masacre en cadena carente de una visualización al uso.

El visionado de «Son of Saul» pone de manifiesto hasta qué punto la mirada cinematográfica de un autor con atributos puede imponerse o intercalarse a un rigor formal expuesto de una forma preconcebida, esta visita guiada por la fábrica de la muerte aparte de poseer una sobriedad incuestionable, rigor, y especialmente unos planos secuencias prodigiosos también logra trasmitirnos un ideario semi-religioso acerca de una hipotética salvación del espíritu dentro de un escenario en donde lo más puramente terrenal queda condenado por la decisión del verdugo, el intentar preservar  un último resquicio de una supuesta inocencia en la acción de tratar de salvar el cuerpo de un niño muerto y rescatado de las llamas para poder dedicarle un entierro decente dentro de un mundo carente de cualquier raciocinio humano. László Nemes en este sentido se aleja de convencionalismos al uso, en lo que vemos no hay lugar para ningún tipo de belleza y emociones sentimentales que suele caracterizar a menudo el tratamiento de un tema como este en el cine, «Son of Saul» nos ofrece la visión más veraz posible que existe en lo visual sobre la experiencia de un ser humano dentro de un infierno, es por ello que la obra se extrapola en lo formal y deviene como una experiencia cinematográfica única y por ende una de las películas más impactantes del presente año.

Valoración 0/5: 4’5

La película tiene por protagonista a un motivador profesional que, cuanto más ayuda a la gente, más monótona y anodina es su vida; todo el mundo le parece y le suena igual. Hasta que la voz de una chica le suena diferente y está dispuesto abandonarlo todo y a todos por alcanzar la felicidad con ella.

«Anomalisa» en un perfecto ejemplo que vuelve a poner de manifiesto que los grandes autores pese a ciertos altibajos a lo largo de su carrera tienden a reinventarse incluso de la manera menos esperada, esto suele ser algo inherente al propio talento, un genio creativo en definitiva poseedor de un universo tan atípico como personal, Charlie Kaufman que después de triunfar en el festival de Venecia (ganadora del Gran Premio del Jurado) presento en San Sebastián dentro de la sección Perlas su último trabajo tras las cámaras, «Anomalisa» título que mezcla las palabras anomalía y Lisa, una cinta con financiación vía crowdfunding en donde consiguieron sacar 400.000 euros para poner en pie el proyecto, que utiliza la técnica stop motion en versión adulta de forma nada gratuita, dirigida a cuatro manos junto un especialista en la materia como es Duke Johnson, y en donde vemos a un Kaufman mucho más comedido que en su debut como director, su anterior, desbocada e inabarcable «Synecdoche, New York«, utilizando aquí un trazado argumental más lineal, lo cual y tratándose de alguien como Charlie Kaufman ya es una noticia en sí misma, y en donde demuestra ir sobrado de talento en esta dura y atípica fábula moralista.

«Anomalisa» se nos presenta como una comedia romántica de tono existencial y de naturaleza algo menos bizarra y criptica en lo referente a su mensaje ofrecidos con anterioridad por parte de su director, un relato en un principio tan simple en su postulado como rico en unos matices que vamos descubriendo conforme avanza el metraje, y que sabe adecuarse a la perfección al imaginario narrativo propio de Charlie Kaufman, una historia que termina derivando en una trama profunda y sobre todo reflexiva, donde se nos habla de esa sensación de aislamiento tan característica en ciertas personas, «Anomalisa» nos muestra muy bien cómo es el sentirse solo y notar ese vacío existencial del que no es fácil salir, en este aspecto la película se aleja del tono terapéutico tan característico en algunos trabajos de Kaufman, aquí se nos evoca un discurso tan agudo como demoledor acerca de las relaciones esporádicas del ser humano y el vacío emocional del individuo que anhela que su relación con el mundo y con los demás sea algo más fructífero, el saber plasmar básicamente una cruda realidad valiéndose poseedor de esa virtud anómala, aquella que por momentos nos hacen creer distintos o especiales a los todos demás, para terminar con una amarga sensación, Charlie Kaufman nos ofrece sobre todo una investigación del alma humana, en lo relativo a una sufrida alienación que suele ser fruto normalmente de las malas elecciones sentimentales que a veces tomamos, la historia en definitiva de un hombre normal y corriente que llego a soñar que quería ser diferente a los demás, al final presentada como una adecuada síntesis que representa con acierto el anhelo emocional más absoluto.

Posiblemente estemos ante la obra más madura orquestada por Charlie Kaufman, que rompe aquí con aquello de que sus guiones suelen estar algo por encima de sus propias películas como director, «Anomalisa» es una película tan humilde y minimalista como profunda, de aquellas que invitan a la reflexión, una pequeña obra de orfebrería que funciona a la perfección en su condición de producto de claros contornos empáticos, gracias especialmente al trabajo de un equipo creativo genial, trabajada únicamente a base de talento, siendo sin lugar a dudas una pequeña joya dentro del cine de animación adulta contemporánea.. lo dicho algo tan sencillo expuesto de una manera tan brillante solo está al alcance de muy pocos genios, Charlie Kaufman es uno de ellos.. no lo duden.

Valoración 0/5:4

Leonardo, El Novio y La Novia son un triángulo inseparable desde niños, pero Leonardo y La Novia poseen un hilo invisible, feroz, imposible de romper. Pasan los años y ella, angustiada, se prepara para su boda con El Novio en medio del desierto blanco donde vive con su padre. El día anterior a la ceremonia, a su puerta llama una Mendiga que le ofrece un regalo y un consejo: «No te cases si no le amas», mientras le da dos puñales de cristal. Un escalofrío recorre el alma y el cuerpo de La Novia.

Indudablemente fue una de las grandes sorpresas en positivo en la pasada edición del festival de San Sebastián, «La Novia» es el segundo trabajo tras las cámaras de la directora aragonesa Paula Ortiz tras su curiosa «De tu ventana a la mía«, que en esta ocasión se atreve con la adaptación cinematográfica de uno de los grandes de la literatura, Federico García Lorca y sus Bodas de Sangre, una obra literaria que ya había sido llevada a la gran pantalla en diversas ocasiones aunque de una forma tan irregular como dispar, Paula Ortiz nos ofrece en esta ocasión una versión arriesgada en su formulismo, destinada a provocar sensaciones polarizadas, poseedora de un despliegue visual muy potente, que a riesgo de parecer presentarnos un trabajo de trazo algo pretencioso o impostado logra dotar al conjunto de la valentía necesaria que se requiere al apostar por una historia que sabe cómo avanzar y transmitir a través de sus imágenes, algo nada fácil, no solo se conforma con exhibir el consabido trazo emocional inherente en el propio texto, aquí ayudada de forma notable por prácticamente todo el reparto y en especial por la inmensa interpretación de la actriz Inma Cuesta en el papel protagonista, sino que intenta dar un paso más hacia delante a la hora de indagar y exponer con bastante acierto en las metáforas esenciales que subyacen dentro  del universo Lorquiano.

«La Novia» podría catalogarse es sí mismo como un pequeño triunfo, en cómo saber adaptar-evocar un universo literario tan complejo de visualizar en imágenes, en donde la simbología y lo onírico elementos característicos del universo de Lorca ha de saber asimilarse en una historia de claros contornos trágicos, de una manera casi milagrosa y junto a un guión inteligentemente bien adaptado que pone el verso y el diálogo en el momento adecuado todos estos elementos logran cohesionarse casi a la perfección, se adecuan a un propósito en concreto, desde la música, canciones populares +banda sonora compuesta por el japonés Shigeru Umebayashi hasta sus aspectos más técnicos, diseño de producción de Jesús Bosqued, fotografía de Migue Amoedo, logran transmitir con acierto ese sensación de tragedia tan característica en el imaginario en el que se basa. Paula Ortiz construye un relato que sabe alejarse de forma consciente de lo más puramente teatral y pictórico, todo ello elaborado en base una potencia visual incuestionable, una imagen y sus recursos al servicio del texto, que sabe exactamente por donde direccionar la historia, cómo querer contarlo y dónde saber colocar la cámara en el momento oportuno para facilitar de este modo una narración que fluye con soltura.

En los próximos premios Goya «La Novia» no solo tendría que ser reconocida a un nivel de apartados meramente secundarios como pueden ser su música o fotografía, tendría que ser valorada más unánimemente, Paula Ortiz es de forma clara una de las voces más refrescantes y rompedoras del panorama del cine español actual, ese tipo de cine que a semejanza de la «Blancanieves» de Pablo Berger saben asumir un riesgo autoral que se tendría que ver recompensado de una forma más decidida, un camino a seguir que pasa por una renovación de conceptos que el cine patrio pide a gritos desde hace ya un tiempo, la valiente propuesta orquestada por Paula Ortiz posee estos atributos, «La Novia» es de esos trabajos que logran indagar con acierto en los sentidos del espectador y que merecen ser valorados en su justa medida.

Valoración 0/5: 4

Mientras en Montreal se produce una ola de secuestros de niños, Félix, un chico de diez años, termina el colegio en Old Longueuil, un barrio residencial de pacífica apariencia. Imaginativo y sensible, Félix, como muchos niños, le tiene miedo a todo: el posible divorcio de sus padres, que parecen atravesar una crisis; los maníacos que acechan a los niños pequeños; los vecinos sospechosos, e incluso el SIDA. Poco a poco, los demonios imaginarios de la infancia se mezclan con los de una realidad inquietante.

En la recta final del pasado festival de San Sebastián y casi de tapado se pudo ver una de las sorpresas más positivas vistas en esta edición dentro de lo que fue su sección oficial, «The Demons» opera prima del director canadiense Philippe Lesage explora a fuego lento un retrato de la infancia visto desde el aprendizaje para nada complaciente, de tono y trazado perturbador, los miedos reales y ficticios de un niño vividos desde dentro y expuestos alrededor de un determinado contexto que pretende explorar un primer acercamiento al teórico mal que orbita alrededor de sus propias vivencias, un catálogo de supuestos peligros que le empiezan a asechar, una hostilidad existente que yace desde dentro de un universo que se le antoja a día de hoy totalmente incomprensible a su razonamiento interno, nuestro precoz protagonista vive sumergido entre miedos imaginarios y reales, un imaginario propio en donde va apareciendo la sordidez sobre una aparente y engañosa calma, compuestos entre discusiones paternas, desubicación, unido a un acoso escolar infringido y recibido, un primer y frustrado amor, la homosexualidad, el contagio del sida, un en definitiva variado temario de aprendizaje existencial en donde Philippe Lesage impone una narración de devenir algo contemplativo, quizás algo ensimismado en lo formal, en lo referente a este aspecto su larga duración termina por perjudicarla en algo al diluir ligeramente su exposición, una historia que de forma clara juega de algún modo con los nervios del espectador, construida de forma inteligente y escalonada en base a pequeños detalles que van apareciendo poco a poco en la trama y que da lugar a la reflexión a posteriori, «The Demons» se sitúa en los parámetros del relato que nos suele presentar la distorsión de la conducta humana a través de los ojos de un protagonista, visto y expuesto desde una supuesta naturalidad y sencillez pero poseedor de una forma clara de un mensaje completamente demoledor.

«The Demons» termina también focalizando para bien su sugerido discurso de un modo acertado en la trama en base a la utilización de unos recursos técnicos bien explotados como por ejemplo el acertado uso que se le da a la utilización del plano secuencia o su notable y por momentos hipnótica banda sonora a cargo de Pye Corner, elementos estos bien ejecutados dentro de una sólida estructura, algo que va incidiendo notablemente en lo que es su narrativa en base a pequeños detalles que se van fraguando y consolidando poco a poco, de un modo similar y casi en paralelo a la formación de la psique del niño protagonista, de alguna manera podríamos decir que el film subraya entre dudas e incertidumbres la importancia que reside en el entorno y en lo que nos rodea alrededor en nuestro crecimiento, a la hora de formarnos como individuos, unas piezas de claro trazado vitalista que van siendo asumidas e integradas de un modo casi al azar dentro de una escala de valores de contornos congénitos, separados todos ellos de una forma demasiado tenue entre lo meramente positivo y negativo.

Una verdadera lástima que el jurado del festival de San Sebastián no terminara de dar el visto bueno a una propuesta tan estimulante y valida como la presentada por Philippe Lesage, «The Demons» es una pequeña joya a descubrir, un trabajo que sabe retratar de forma brillante la paranoia actual existente en nuestra sociedad contada desde una perspectiva en donde impera lo sutil y sugerido, sin lugar a dudas estamos ante una de las sorpresas más agradables de la presente temporada.

Valoración 0/5: 4

Eve es una actriz de cine para adultos de gran éxito, cuya rutina diaria consiste en fingir una juvenil inocencia para dar placer a su invisible audiencia. Adam es un solitario estudiante universitario obsesionado por los medios de comunicación y con una fijación por Eve. Al conseguir dar con su pista en el mundo real, se convierte en su anónimo perseguidor… hasta que encuentra el valor para tratarla en persona. Cuando Eve accede a protagonizar un vídeo de sexo en privado para Adam, el sueño de este está a punto de hacerse realidad.

Una tendencia muy habitual vista en la mayoría de las óperas primas presentadas este año dentro de la sección Nuevos Directores del festival de San Sebastián es que una gran parte de estas se aposentan en base a un material y su correspondiente desarrollo narrativo que tienden a direccionarlas inequívocamente hacia un trazado de contornos claramente convencionales, en general se echa en falta un mayor riesgo formal en propuestas que por ser primerizas tendrían que apostar de una forma más clara por una visión de un tono más autoral, y por supuesto por un discurso que en definitiva ofrezca una disyuntiva temática que se aleje de lo manido, afortunadamente «After Eden» de Hans Christian Berger se aparta de convencionalismos para ofrecernos una brillante metáfora resuelta y expuesta en poco más de cuatro planos secuencia, un trabajo que merece ser destacado por su atrevimiento a la hora de exponer y plantear disyuntivas de índole moral e incluso existencial .

«After Eden» nos plantea una curiosa exposición acerca del sexo y su aparente idolatración vista desde una premisa de tono claramente subjetivo, que asistimos bajo los rasgos de la actriz porno Alyssa Reece y utilizando como excusa una serie de alargadas entrevistas en primer plano acerca de un supuesto casting dentro de la categoría de la pornografía gonzo, a partir de aquí  nos adentramos a otro punto de vista desde una perspectiva de modo vouyer, la de un joven estudiante aficionado a las armas de fuego y obsesionado con dicha actriz porno, el director Hans Christian Berger se vale de su testimonio visual para discernir acerca la propia identidad sexual del individuo, su propósito y sobretodo su anhelo, un trabajo que va completamente en contraposición con lo explícito o lo supuestamente practicado, una reflexión en definitiva que cobra una vital importancia dentro de unos tiempos actuales en donde la virtualidad se apodera de las constantes necesidades del ciudadano de a pie, un presente el que nos toca vivir hoy en día en donde la máxima comunicación ha abocado a gran parte de la sociedad actual a encontrarse perdida a la hora de intentar encontrar la teórica verdad oculta tras la fachada.

Hans Christian Berger nos habla de una supuesta falsedad inherente dentro de la figura idolatrada, en este caso la de una porno actriz, también podríamos hablar de una teórica objetualización hacia lo meramente femenino o incluso una supuesta banalidad sexual, de todas maneras el temario podría extrapolarse a diferentes ámbitos del comportamiento humano invitando todos ellos a la reflexión, siendo esta la principal virtud de una película de las características de «After Eden«, un trabajo de contornos visiblemente pequeños que arriesga, de un tono narrativo que bebe y se semeja en algo a los primeros trabajos orquestados por Michael Haneke, que bajo la apariencia de estar todo expuesto bajo un aparente trazado de contornos superficiales que parece no ir más allá, nos termina hablando de algo mucho más profundo, solo hay que adentrarse con decisión en el juego propuesto por Hans Christian Berger para darle una forma coherente a su propuesta.

Valoración 0/5: 3’5

Nicolas tiene diez años y vive con su madre en una isla remota, en un pueblo habitado exclusivamente por mujeres y niños. En un hospital junto al océano, todos los niños están sujetos a un misterioso tratamiento médico. Nicolas es el único que cuestiona lo que está ocurriendo a su alrededor. Siente que su madre le está mintiendo, y está dispuesto a averiguar la verdad… Lo que descubre es el comienzo de una pesadilla a la que se ve irremediablemente arrastrado. Pero Nicolas encontrará en Stella, una joven enfermera del hospital, una aliada inesperada…

Once largos años tras la realización de «Innocence» han tenido que pasar para poder ver el nuevo trabajo de la directora francesa Lucile Hadzihalilovic que aterrizaba en el pasado festival de San Sebastián con la controvertida «Evolution«, una cinta que para bien sigue con las mismas constantes temáticas e imaginario propio ya mostradas en su anterior película, film de difícil encasillamiento dentro de un género o referente temático concreto, por ahí asoma reminiscencias y ciertas constantes del cine de David Cronenberg o David Lynch, «Evolution» se presenta como un hipnótico ejercicio en forma de cuento de horror que prescinde por completo de una narración convencional para explorar la temática del mad doctor en clave femenina, una unión de atmósferas gótica y marina (en este aspecto todo los sonidos que orbitan alrededor del mar desempeñan un papel clave en la función) enclavado casi en un universo paralelo, un espacio terrenal en donde los hombres no tienen lugar, que incluso bebe de pasada de ciertos relatos de H. P. Lovecraft, una mixtura genérica que aúna sin ningún tipo de complejo desde el terror físico-biológico hasta relato de ciencia ficción, todo ello contado a través de un riesgo visual digno de elogio.

Lucile Hadzihalilovic en «Evolution» vuelve a incidir en un imaginario propio y muy singular para explorar un territorio desconocido, un fantástico oscuro y turbulento en donde la atmósfera juega un papel completamente determinante en lo que se nos cuenta, de manera consciente no terminamos de obtener toda la información necesaria en lo referente a su historia, su tono narrativo marcadamente críptico y de un ligero tono contemplativo nos obligan a un esfuerzo extra a la hora de desencallar el fascinante puzle genérico que nos ofrece Hadzihalilovic, que unido a una simbología visual que da lugar a varias interpretaciones como ya ocurría en «Innocence«, en este aspecto también sería justo el reconocer que el film da cierta sensación de ser una abreviatura conceptual en lo que es su conjunto, que se percibe de manera bastante evidente, un esbozo y esquema (setenta escasos minutos de duración) que se intuye que no termina de estar del todo completo en lo que se nos quiere exponer seguramente a raíz de tener que recortar material de su base dada su bajísimo coste presupuestario como bien deslizo en la rueda de prensa Lucile Hadzihalilovic, aun así posiblemente estemos ante una obra básicamente poblada solo de sensaciones, en este aspecto el relato funciona de forma dual a la hora de calibrar su exposición, el supuesto trazado críptico de su argumento o el mero disfrute de una experiencia simplemente sensorial.

Lo cierto es que «Evolution» es una película tan original como única, de aquellas que todavía son capaces de inventar imaginarios creados a través de una identidad propia, claramente hereditaria en conceptos del mejor cine de David Cronenberg y David Lynch, un tipo de cinematografía vista de manera escasa en la gran pantalla hoy en día, un trabajo en definitiva que se arriesga y propone nuevos escenarios poseedores de una verdadera hipnosis visual, algo que en los tiempos que corren y en donde el ya solo el atrevimiento puramente visual escasea de forma alarmante habría que calibrar en su justa medida, por favor señora Hadzihalilovic no vuelva a tardar tanto en dirigir una nueva película, los apasionados seguidores de su cine subyugante se lo agradeceremos.

Valoración 0/5:4

1975. Dos millas al oeste de Londres. El doctor Robert Lang se muda a su nuevo apartamento buscando un desangelado anonimato, solo para descubrir que los residentes del edificio no tienen intención de dejarlo en paz. Resignado a las complejas dinámicas sociales que lo rodean, Lang afronta la situación y se convierte en un buen vecino. Mientras trata de establecer su posición, los buenos modales y la salud mental de Lang se desintegran con el edificio. Las luces se apagan y los ascensores no funcionan, pero la fiesta continúa. La gente es el problema. La bebida, la moneda de cambio. El sexo, la panacea.

La adaptación a cargo del británico Ben Wheatley de la novela High-Rise de J.G. Ballard fue uno de los platos fuertes presentes este año en el festival de San Sebastián, una apuesta atrevida y poco complaciente por parte de la organización del festival el incluirla a competición al no ser un film poseedor de unas coordenadas habituales de las que se suelen ver normalmente compitiendo por la preciada concha de oro, «High-Rise» dada sus características causo adhesiones y rechazos extremos a partes iguales de una manera hasta cierto punto lógica, el film nos presenta una distopia retro futurista de premisa clara, el sistema capitalista puesto en entredicho y expuesto de una forma tan dantesca como real, con cierta semejanza con la reciente «Snowpiercer» de Bong Joon-ho pero de un tono completamente diferente, sustituyendo el relato de aventuras de ciencia ficción de aquella por un tono más acentuado en lo referente a su metáfora social, en donde vemos como jerarquías y desigualdades varias derivan en caos y anarquía, abriéndonos al mismo tiempo un apasionante discurso acerca de la pérdida de valores por parte del individuo, una visión acerca del aislamiento autoimpuesto como detonante de una sociedad destinada al abismo, incapaz de evolucionar de una manera consecuente y que termina derivando hacia una auto-protección, aunque valga la redundancia no es precisamente de seguridad de lo que se abastecen nuestros protagonistas,  vemos en definitiva una demoledora crítica al sistema y sus jerarquías sociales autoimpuestas que desembocan en un poder establecido.

«High-Rise» película termina siendo no muy fiel al relato original en texto pero si en espíritu, un variado temario expuesto rico en sarcasmo y de claro calado reflexivo , disfrazada de contornos barrocos y visualmente apabullante, un deslumbrante trabajo por parte de Ben Wheatley, tan potente en su discurso como brillante en lo estético, en donde nos guía en un viaje hacia la locura y la anarquía como única solución ante la pérdida absoluta de un código social de valores básicos por parte del individuo, un film eso si excesivo en su tono e incluso en su discurso, lejos de ser un producto ideal para todos los paladares, poseedora de matices casi surrealistas, aunque también plagado de unas aristas algo defectuosas que alternan con momentos excepcionales, especialmente ese prólogo y unos cuarenta minutos finales realmente abrumadores, una banda sonora acertada con esa irresistible versión del ‘S.O.S.’ de ABBA a cargo de Portishead, con otros no tan conseguidos, cierto abuso de elipsis, falla narrativa en su ecuador al obviar el trayecto de ciertos personajes hacia la locura. «High-Rise» es  una rara avis cinematográfica de las que tendrían que abundar más a menudo en el cine de hoy en día, no perfecta en su conjunto pero si rompedora en lo referente a su poder de sugestión, que sabe aunar un estilo arty con un tono que la direcciona hacia lo mas puramente salvaje, y eso en si ya es un logro, una muestra en donde Ben Wheatley sale triunfante ante un proyecto tan ambicioso como arriesgado de llevar a buen puerto, y así mismo un vehículo deslumbrante al funcionar como una acertada herramienta visual al servicio del paroxismo más extremo.

«High-Rise» termina siendo una obra única en su especie por su estética rompedora y un estilo de narración tan desenfrenado e hipnótico como atípico, ese tipo de películas que en un primer momentos está destinada al fracaso critico-comercial de una forma instantánea, pero que con el paso del tiempo deviene en obra de culto, una película en definitiva que remueve pensamientos, incomoda e invita a la reflexión a través de sus imágenes y que tiene la gran virtud de no dejar indiferente al espectador en todo lo que nos expone.

Valoración 0/5:4