«Extinction» review

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Nueve años después de que una infección convirtiese a gran parte de la humanidad en criaturas salvajes y sin intelecto, Patrick, Jack y Lu, una niña de nueve años, sobreviven en aparente tranquilidad en Harmony, un rincón olvidado, cubierto por nieves perennes. Sin embargo, algo terrible ocurrió entre Patrick y Jack y un odio profundo pervive entre ellos. Cuando las criaturas vuelven a aparecer, Patrick y Jack deberán dejar atrás el rencor para proteger lo que más quieren.

Miguel Ángel Vivas pertenece a esa oleada de directores españoles vinculados al cine de género fantástico en mayor o menor medida como Juan Carlos Fresnadillo, Jaume Collet-Serra, Gonzalo López Gallego, Juan Antonio Bayona o los hermanos Pastor que han tenido que buscar y desarrollar proyectos fuera de nuestras fronteras, la búsqueda de una mirada internacional que posiblemente sea el único recurso valido dada la situación actual de nuestra industria a la hora de demostrar el talento de estos autores. Miguel Ángel Vivas, un director que supo rectificar a un debut poco afortunado con «Reflejos» ofreciéndonos una carta de presentación más valida en «Secuestrados«, una home Invasión que si bien no inventaba nada nuevo dentro del subgénero si hacía gala de una contundencia y un atrevimiento formal poco visto dentro del cine patrio. Con «Extinction» el director sevillano nos ofrece un survival horror hecha con un presupuesto restringido pero de clara vocación internacional, un producto algo irregular en su conjunto pero poseedor como ya ocurría en «Secuestrados» de la utilización de un buen uso a la hora de saber gestionar y desarrollar una tensión narrativa, y de la misma manera el saber moverse con cierto conocimiento de causa dentro de unas coordenadas genéricas bastante reconocibles.

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Basada en la novela de Juan de Dios Orduña Y pese a todo…(que no he tenido el placer de leer) «Extinction» anteriormente conocida como Welcome to Harmony puede llegar a decepcionar en cierta medida a los fieles amantes del horror zombi, aunque el film ofrezca un openning (algo molesto visualmente por cierto) y un final repleto de escenas de acción, Miguel Ángel Vivas opta más por el drama familiar psicológico de tono algo reflexivo, con especial hincapié sobre el conflicto paterno, un contexto dramático de raíces casi clásicas que la llegan a emparentar de alguna manera al western( la rivalidad de los protagonistas adultos) ubicado eso si dentro de un escenario postapocalíptico, en este aspecto el elemento fantástico da la sensación de servir como mero reclamo comercial, situando al film más cerca del «The Road» de Cormac McCarthy que a cualquier episodio de «The Walking Dead«, una decisión esta más que loable y arriesgada pues evita aposentarse de manera clara dentro de un subgénero hoy en día totalmente sobreexplotado y del que se hace bastante complicado el ofrecer algo nuevo e innovador, el problema puede venir a la hora de desarrollar narrativamente dicho drama pues el film peca de algo de previsibilidad (flashbacks algo innecesarios entre otras cosas) que la conducen irremediablemente hacia un ritmo lento que entra en claro conflicto con el survival horror de tono argumental más frenético, un conflicto genérico que hace que la película se quede a medias entre ambos terrenos creando cierta desigualdad en su conjunto.

Aun así «Extinction» con todos sus reconocibles defectos, cabría recordar a más de uno que estamos ante un film muy modesto, casi de serie B, termina convirtiéndose en un correcto ejercicio de género por parte de un Miguel Ángel Vivas que por momentos sabe imprimir cierto carácter a la realización, un producto que termina siendo más valido como una carta de presentación de cara al mercado internacional de la valía de su director que como una película brillante en el conjunto de su ejecución si hablamos de una manera más ecuánime.  

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Valoración 0/5:2’5

«Regresión» de Alejandro Amenábar inaugurará la 63 edición del Festival de San Sebastián

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El último trabajo de Alejandro Amenábar, Regresión, será la película de inauguración de la próxima edición del Festival de San Sebastián. La premiere mundial del film, que se presenta en la Sección Oficial fuera de concurso, tendrá lugar el 18 de septiembre en el Auditorio Kursaal.

Regresión tiene un reparto internacional encabezado por Ethan Hawke, Emma Watson, David Thewlis y David Dencik. En su sexto largometraje Alejandro Amenábar, que también es autor del guión, vuelve al thriller psicológico, un género al que ha aportado títulos ya clásicos como The Others (Los Otros), Abre los Ojos o Tesis. La película, rodada en Canadá y en lengua inglesa, está producida por Fernando Bovaira.

Ambientada en Minnesota en 1990, Regresión tiene como protagonista al detective Bruce Kenner (Ethan Hawke), quien investiga el caso de Angela (Emma Watson), la joven que acusa a su padre, John Gray (David Dencik), de cometer un crimen inconfesable. Cuando John, de forma inesperada y sin recordar nada de lo sucedido, admite su culpa, el reconocido psicólogo Dr. Raines (David Thewlis) se incorpora al caso para ayudarle a revivir sus recuerdos reprimidos. Lo que descubren desenmascara una siniestra conspiración.

Telecinco Cinema presenta Regresión, una producción hispano-canadiense de MOD Entertainment, MOD Producciones, Himenóptero, First Generation Films, Telefónica Studios y Regression A.I.E. en asociación con FilmNation Entertainment, con la participación de Telefilm Canada, en colaboración con Mediaset España y con la participación de Movistar+. La película será distribuida en España por Universal Pictures International Spain y su estreno en salas está previsto para el 2 de octubre. Tras su paso por San Sebastián, Regresión se estrenará en otros grandes territorios este otoño, incluyendo Alemania, Reino Unido, Francia, Italia, China y Corea. El resto de estrenos, hasta completar su distribución mundial, se sucederán en los próximos meses.

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Por otra parte la película »London Road», de Rufus Norris, clausurará el Festival de San Sebastián. La 63 edición del Festival de San Sebastián se cerrará el próximo 26 de septiembre con la proyección fuera de concurso del film británico London Road, tras su paso por el Festival de Toronto. Producida por BBC Films, British Film Institute y National Theatre y dirigida por Rufus Norris con guión de Alecky Blythe y música de Adam Cork, la película es una adaptación para la gran pantalla de la obra musical homónima alabada como una notable e innovadora pieza teatral tras dos temporadas de gran éxito en el National Theatre.

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London Road narra los sucesos reales que conmovieron a la población del condado de Suffolk en 2006, cuando la tranquilidad de la ciudad de Ipswich se vio alterada por el descubrimiento de los cuerpos de cinco mujeres. Los residentes de London Road llevaban años luchando contra la frecuente aparición de hombres que recorrían la calle para solicitar los servicios de prostitutas. El film describe cómo la comunidad se convirtió en el epicentro de esos trágicos acontecimientos. Haciendo uso de los testimonios auténticos de estas personas y con una i
nnovadora partitura musical, London Road cuenta una emocionante historia sobre cómo la gente corriente se une para hacer frente a una terrible experiencia.

La película está protagonizada por un reparto coral formado por Olivia Colman, Clare Burt, Rosalie Craig, Anita Dobson, James Doherty, Hal Fowler, Kate Fleetwood, Linzi Hateley, Nick Holder, Claire Moore, Michael Shaeffer, Nicola Sloane, Paul Thornley, Howard Ward, Duncan Wisbey y Tom Hardy.

Tráiler de «The Hateful Eight», el nuevo western de Quentin Tarantino

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Ya está disponible el esperadísimo primer tráiler del nuevo film de Quentin Tarantino «The Hateful Eight«, su segundo western tras
 «Django Unchained«. Un film en definitiva de los más esperados del próximo año y repleto de alicientes como por ejemplo el estar rodado íntegramente en 70mm para intentar emular la espectacularidad de las grandes producciones de antaño o la vuelta al ruedo del grandioso Ennio Morricone al frente de su banda sonora. El estreno está previsto para el 25 de diciembre en Estados Unidos, en España será el próximo 8 de enero, a final de página podéis ver su esplendoroso primer tráiler.

«The Hateful Eight» nos cuenta como poco después de la Guerra Civil Norteamericana, en Wyoming, una caravana repleta de variopintos personajes -que incluye dos cazarrecompensas, un soldado confederado y una prisionera- es desviada a causa de un gran temporal de nieve. Sus miembros deberán aguardar a que amaine el temporal en un salón en el medio de la nada, allí se encontraran con cuatro caras desconocidas. Los ocho deberán esperar a que amaine la tormenta, la tensión entre ellos no tardará en surgir…

La película está interpretada por Samuel L. Jackson,  Kurt Russell,  Jennifer Jason Leigh,  Demian Bichir,  Walton Goggins,  Tim Roth,  Bruce Dern,  Michael Madsen,  Channing Tatum,  Lee Horsley,  Craig Stark y Belinda Owino.

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El Festival de San Sebastián desvela la sección Perlas presente en su 63ª edición

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La 63 edición del Festival de San Sebastián ofrecerá, dentro de la sección Perlas, la premiere española de algunas de las más importantes películas presentadas a lo largo del año en diversos festivales internacionales.

Entre las películas seleccionadas se encuentran la ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín, Taxi Téhéran, de Jafar Panahi; Me and Earl and the Dying Girl (Yo, él y Raquel), de Alfonso Gómez-Rejón, Gran Premio del Jurado y Premio del Público en el Festival de Sundance; Nie yinniang / The Assassin, de Hou Hsiao-Hsien, Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes; y el film que obtuvo el Gran Premio del Jurado en este mismo festival, Saul Fia / Son of Saul, de László Nemes. Además podrán verse en la sección los nuevos trabajos de directores como Arnaud Desplechin, Jia Zhang-ke, Charlie Kaufman, Hirokazu Kore-eda, Nanni Moretti, Pablo Trapero o Denis Villeneuve.

El nuevo film de Woody Allen, Irrational Man, también está incluido en la sección fuera de competición. El resto de películas de Perlas serán candidatas al Premio del Público, que será otorgado por votación por los espectadores asistentes a la primera proyección pública de cada película de dicha sección. El Premio del Público se compone de dos galardones: un Primer Premio a la Mejor Película, dotado con 50.000 euros, y un Segundo Premio a la Mejor Película Europea, dotado con 20.000 euros. El Premio del Público está destinado al distribuidor de la película en España.

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ANOMALISA. Charlie Kaufman, Duke Johnson
   (EEUU)

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Charlie Kaufman y Duke Johnson cuentan la historia de un hombre que se enfrenta con su incapacidad para conectar con la gente. Estreno en España tras su paso por el Festival de Venecia.

BLACK MASS. Scott Cooper   (EEUU)

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Johnny Depp, Joel Edgerton, Benedict Cumberbatch, Dakota Johnson y Kevin Bacon protagonizan este film presentado fuera de concurso en el Festival de Venecia. El agente del FBI, John Connolly, convence al gánster irlandés, Jimmy Bulger, para que colabore con el FBI para así poder eliminar a su enemigo común: la mafia italiana. Esta nefasta alianza se escapa de cualquier control.

EL CLAN. Pablo Trapero   (Argentina – España)

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La nueva película de Pablo Trapero compite en el Festival de Venecia. Argentina, comienzos de los años 80. Detrás de la fachada de una típica familia del distinguido barrio de San Isidro, se oculta un siniestro clan dedicado al secuestro y asesinato como modo de vida.

HITCHCOCK / TRUFFAUT. Kent Jones   (Francia – EEUU)

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Medio siglo después de la publicación del libro «El cine según Hitchcock» de François Truffaut, el director Kent Jones invita a alguno de los mejores directores de nuestro tiempo (Martin Scorsese, David Fincher, Richard Linklater, Wes Anderson, James Gray, Olivier Assayas…) a compartir sus pensamientos sobre el maestro del suspense, Alfred Hitchcock.

ME AND EARL AND THE DYING GIRL (YO, ÉL Y RAQUEL). Alfonso Gómez-Rejón   (EEUU)

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La historia divertida y conmovedora de Greg, un alumno de último curso de secundaria que evita toda relación humana profunda como forma de atravesar con seguridad ese terreno minado que es la vida social de un adolescente. Ganadora del Gran Premio del Jurado y del Premio del Público en el Festival de Cine Sundance de 2015.

MIA MADRE. Nanni Moretti   (Italia – Francia – Alemania)

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Nanni Moretti compitió en el Festival de Cannes con esta película sobre Margherita, una directora de cine que está rodando una película con un actor estadounidense, todo un número uno en el plató. Fuera del rodaje, Margherita se esfuerza en no derrumbarse ante la enfermedad de su madre y la rebeldía de su hija adolescente.

NIE YINNIANG / THE ASSASSIN. Hou Hsiao-Hsien    (Taiwán)

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Hou Hsiao-Hsien ganó el premio al mejor director en el Festival de Cannes con su nuevo trabajo. China, siglo IX. Nie Yinniang regresa a casa tras años de exilio, convertida en una auténtica justiciera. Cuando su maestro le encarga acabar con su primo, tendrá que elegir entre el hombre que ama o su fidelidad a «la orden de los Asesinos».

SAUL FIA / SON OF SAUL. László Nemes   (Hungría)

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Ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, el debut del cineasta húngaro László Nemes está ambientado en Auschwitz en 1944. Saul Auslander es un prisionero húngaro que trabaja en uno de los hornos crematorios de Auschwitz. Trata de salvar de las llamas el cuerpo de un joven muchacho a quien él cree su hijo.

SHAN HE GU REN / MOUNTAINS MAY DEPART. Jia Zhang-ke   (China – Francia – Japón)

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Estreno en España del último trabajo de Jia Zhang-ke, tras su paso por la competición oficial del Festival de Cannes. China, 1999, dos amigos de la infancia cortejan a una joven de Fenyang. Uno de ellos tiene el futuro solucionado pero el otro no. La joven tiene el corazón dividido entre ambos, pero deberá tomar una decisión que marcará su vida y la de su hijo.

SICARIO. Denis Villeneuve   (EEUU)

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En la zona fronteriza entre EEUU y México, una agente del FBI es reclutada por un oficial de las fuerzas de élite estadounidenses para ayudar en la creciente guerra contra las drogas. La nueva película de Denis Villeneuve compitió en la Sección Oficial de Cannes 2015.

TAXI TÉHÉRAN. Jafar Panahi   (Irán)

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La película ganadora del Oso de Oro en la última edición del Festival de Berlín. Un taxi amarillo recorre las vibrantes y animadas calles de Teherán. Al taxi se suben todo tipo de pasajeros, a cual más variopinto. Y hablan con el conductor con absoluta franqueza. No saben que quien les está entrevistando no es otro que el director Jafar Panahi, uno de los grandes nombres del cine iraní actual.

TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE / MY GOLDEN DAYS. Arnaud Desplechin   (Francia)

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Arnaud Desplechin regresa a los paisajes emocionales de sus películas Comment je me suis disputé… (ma vie sexuelle) y Un cuento de Navidad (Un conte de Noël) con este film que fue presentado en la Quincena de Realizadores de Cannes. Paul recuerda su juventud y su primer -y único- amor.

UMIMACHI DIARY / OUR LITTLE SISTER. Hirokazu Kore-eda   (Japón)

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Un film del cineasta japonés Hirokazu Kore-eda que compitió en la Sección Oficial del Festival de Cannes. Tres hermanas comparten casa en la ciudad. Cuando muere su padre, al que no han visto en 15 años, las tres viajan al campo para asistir a su entierro. Alli conocerán a su tímida hermanastra adolescente. No tardarán en encariñarse con ella.

 

Fuera de concurso

IRRATIONAL MAN. Woody Allen   (EEUU)

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El nuevo filme de Woody Allen, presentado en la última edición del Festival de Cannes, trata sobre un profesor de filosofía atormentado que recupera la voluntad de vivir cuando comete un acto existencial.

El Johnny Depp más inquietante y amenazador, tráiler de «Black Mass»

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Warner Bros ha lanzado un último tráiler que podéis ver a final de página del drama criminal «Black Mass«, una película dirigida por Scott Cooper (Crazy Heart, Out of the Furnace)
 y basada en la historia real del gánster Whitey Bulger, en ‘Black Mass’ nos encontraremos con un irreconocible Johnny Depp en un papel principal que parece estar diseñado de una manera clara para ser uno de los favoritos en los próximos Oscar. El film tendrá su premiere en el próximo festival de Venecia y llegará a cines españoles el 10 de octubre, un mes más tarde que en Estados Unidos.

«Black Mass» nos traslada al sur de Boston en la década de 1970, el agente del FBI John Connolly (Joel Edgerton) convence al mafioso irlandés James “Whitey” Bulger (Johnny Depp), un delincuente recién salido de la cárcel, para que colabore con el FBI y elimine a un enemigo común: la mafia italiana. Se formará así una nefasta alianza que provocó una espiral fuera de control, permitiendo a Whitey escapar del ámbito de la ley, consolidar su poder y convertirse en uno de los más implacables y poderosos gángsters de la historia de Boston.

La película está interpretada por Johnny Depp,  Dakota Johnson,  Joel Edgerton,  Juno Temple,  Guy Pearce,  Benedict Cumberbatch,  Kevin Bacon,  Jesse Plemons,  Sienna Miller,  Rory Cochrane,  Julianne Nicholson,  Adam Scott,  David Harbour,  Jeremy Strong,  Brad Carter,  W. Earl Brown y Corey Stoll.

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El Festival de San Sebastián presenta los 24 títulos de la sección Zabaltegi

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Un año más, la sección Zabaltegi se convierte en un espacio privilegiado dentro del Festival de San Sebastián para descubrir algunas de las propuestas más inclasificables y sugestivas del panorama cinematográfico actual. La programación de Zabaltegi de la 63 edición ofrece los estrenos en España de los últimos trabajos de reputados cineastas (Laurie Anderson, Jem Cohen, Anca Damian, Andrés Di Tella, Eric Khoo, Corneliu Porumboiu, Walter Salles, Alexander Sokurov) y de películas que han sido seleccionadas y premiadas en festivales internacionales. Largometrajes de ficción, documentales, cine de animación y un cortometraje conforman una selección que demuestra la vitalidad del cine contemporáneo.

La primera proyección de todas las películas de la sección tendrá lugar en  el centro de creación y cultura contemporánea Tabakalera que se convertirá, a partir de la 63 edición, en sede de Zabaltegi.

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327 CUADERNOS. Andrés Di Tella
   (Argentina – Chile)

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Un documental de Andrés Di Tella que tiene como protagonista a Ricardo Piglia, uno de los grandes narradores en lengua hispana, quien se propone revisar exhaustivamente, por primera vez, su diario íntimo. Un registro de 50 años de vida. 327 cuadernos idénticos, de tapas negras de hule, guardados en 40 cajas de cartón.

ADAMA. Simon Rouby   (Francia)

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Presentada en el Festival de Annecy, esta película de animación es un relato de iniciación que tiene como protagonista a Adama, un chico de doce años que vive en una remota aldea del África Occidental. Una noche su hermano mayor, Samba, desaparece y decide buscarlo en una aventura que lo llevará allende los mares, al Norte, al frente de batalla de la I Guerra Mundial.

ALLENDE MI ABUELO ALLENDE. Marcia Tambutti   (Chile)

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35 años después del golpe de estado que derrocó a su abuelo, Salvador Allende, Marcia Tambutti dibuja un retrato familiar que refleja toda la complejidad de una pérdida irreparable y el papel de la memoria en tres generaciones de una familia tan icónica. Premio L’Oeil d’Or al Mejor Documental en la última edición del festival de Cannes.

COMOARA / THE TREASURE. Corneliu Porumboiu   (Rumanía – Francia)

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Corneliu Porumboiu regresa con una tierna comedia negra, en la que el amor de padre convierte una improbable caza de un tesoro en un cuento de hadas. Película ganadora del Premio Un Certain Talent en la última edición del Festival de Cannes.

COUNTING. Jem Cohen   (EEUU)

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Quince capítulos distintos pero conectados entre sí, filmados en diferentes localizaciones, desde Rusia a Nueva York y Estambul. La suma de todos ellos es un recorrido por la tenue línea que hay entre la sinfonía de una ciudad, el diario y el cine-ensayo. Presentado en la sección Forum del Festival de Berlín, es quizá el documental más personal de Jem Cohen, un film que toma la medida a la vida en las calles, la luz y el tiempo y que pone en relieve tanto la vigillancia a la que se está sometido y el desarrollo desmesurado como la resistencia y sus fantasmas que se manifiestan en la música, los animales y la magia cotidiana.

EFTERSKALV / THE HERE AFTER. Magnus von Horn   (Polonia – Suecia – Francia)

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El debut en el largometraje de Magnus von Horn fue presentado en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes. Tras cumplir condena en prisión, el castigo de John parece haber llegado a su fin. Pero pronto descubrirá que el verdadero dolor que aún tiene que experimentar apenas acaba de empezar.

FRANCOFONIA. Alexander Sokurov   (Francia – Alemania – Países Bajos)

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Paris 1940. Grandes ejércitos arrasan el corazón de la civilización y el fuego de los cañones se cobra sus víctimas. Jacques Jaujard y el conde Franziskus Wolff Metternich colaboran para proteger y preservar los tesoros del Museo del Louvre. Alexander Sokurov nos cuenta su historia, explora la relación entre arte y poder y nos pregunta qué nos dice el arte sobre nosotros mismos desde el corazón de uno de los conflictos más devastadores que el mundo ha conocido. El film compite en la Sección Oficial del Festival de Venecia.

HEART OF A DOG. Laurie Anderson   (EEUU)

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La compositora y artista Laurie Anderson explora en este personal film-ensayo los temas del amor, la muerte y el lenguaje. La voz de la directora es una presencia continua, mientras historias sobre su perra Lolabelle o su madre, fantasías de la infancia y teorías políticas y filosóficas se despliegan en una canción que es como un flujo constante. El film compite en la sección oficial del Festival de Venecia.

IN THE ROOM. Eric  Khoo   (Hong Kong – Singapur)

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La última película de Eric Khoo es un mosaico de historias que se desarrollan en la habitación de un hotel durante varias décadas. El hilo conductor es el sexo. Esa habitación de hotel es la número 27 del Hotel Singapura, que empezó siendo un lujoso establecimiento en los años 40, pero que ha perdido a lo largo de las décadas su lustre y respetabilidad. En ese tiempo, la habitación 27 ha experimentado y sentido, a través de las personas que cruzaron sus puertas e hicieron el amor en sus camas, todas las facetas de la condición humana: alegría, amor, compasión, crueldad, depravación y redención.

UNE JEUNESSE ALLEMANDE / A GERMAN YOUTH. Jean-Gabriel Périot   (Francia – Suiza – Alemania)

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Crónica de la radicalización política de algunos jóvenes alemanes a finales de los años 60 que dio lugar a la Facción del Ejército Rojo, un grupo terrorista revolucionario alemán fundado por, entre otros, Andreas Baader y Ulrike Meinhof. Presentada en la sección Panorama Dokumente del Festival de Berlín.

JIA ZHANG-KE, UM HOMEM DE FENYANG / JIA ZHANGKE, A GUY FROM FENYANG. Walter Salles   (Brasil)

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El retrato de un joven director chino que se ha convertido en uno de los más importantes cineastas de nuestro tiempo. Este documental dirigido por Walter Salles se centra en el tema de la memoria (individual y colectiva) y el cine. Jia Zhang-ke regresa a su lugar de nacimiento, la provincia Shanxi en el norte de China, y a las localizaciones de sus películas. Presentada en la sección Panorama Dokumente del Festival de Berlín.

KARATSI / LOSERS. Ivailo Hristov   (Bulgaria)

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Ganadora del gran premio del Festival de Moscú, esta película tiene como protagonistas a Elena, Koko, Patso y Gosho, estudiantes de instituto en una ciudad de provincias. Koko está enamorado de Elena. Ella quiere ser cantante y está emocionada por la próxima visita de una famosa banda de rock. Un acontecimiento que agita la vida de la ciudad y hace que nazca un nuevo amor.

MARIPOSA. Marco Berger   (Argentina)

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El aleteo de una mariposa divide el universo de Romina y de Germán en dos realidades paralelas: en una de ellas, crecen como hermanos que ocultamente se desean; mientras que en la otra son dos jóvenes que tienen una extraña amistad. La película ganadora del Premio Sebastiane Latino 2015.

MONTANHA. João Salaviza   (Portugal – Francia)

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Un cálido verano en Lisboa. David, de 14 años, espera la inminente muerte de su abuelo, pero se niega a visitarlo temiendo esta terrible pérdida. El vacío dejado por su abuelo lo obliga a convertirse en el hombre de la casa. No se siente preparado para asumir este papel, pero cuanto más intenta evitar la vida adulta, más cerca está de ella. Seleccionada para la Semana de la Crítica del Festival de Venecia.

MUNTELE MAGIC / THE MAGIC MOUNTAINUN. Anca Damian   (Rumanía – Francia – Polonia)

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La nueva película de la realizadora Anca Damian (Crulic) obtuvo una mención especial en el Festival de Karlovy Vary. Con la forma de de un docudrama de animación, la biografía de Jacek Winker, refugiado polaco en París, es una vida sin ataduras movida por el deseo de cambiar el mundo.

PSICONAUTAS. Alberto Vázquez, Pedro Rivero   (España)

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Birdboy y Dinki son dos adolescentes que han decidido escapar de una isla asolada por una catástrofe ecológica: Birdboy aislándose del mundo, Dinki emprendiendo un arriesgado viaje con la esperanza de que Birdboy la acompañe.

THE SHOW OF SHOWS: 100 YEARS OF VAUDEVILLE, CIRCUSES AND CARNIVALS. Benedikt Erlingsson   (Islandia – Reino Unido)

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Benedikt Erlingsson, ganador del Premio Kutxa-Nuev@s Director@s en 2013 por Of Horses and Men, nos lleva de vuelta a los días en que los más extravagantes, virtuosos e impresionantes espectáculos viajaban por el mundo. La película recopila raras imágenes y metraje inédito de ferias, espectáculos de circo, exhibiciones de freaks, revistas de variedades, music hall y entretenimientos veraniegos desde el siglo XIX al XX, acompañado de música original de Sigur Rós.

SWAP. Remton Zuasola   (Filipinas)

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Con producción ejecutiva de Brillante Mendoza, este film de Remton Zuasola narra la historia de un joven padre que se ve ante el dilema de resolver un delito o de cometer otro cuando su único hijo es secuestrado y la manera de recuperarlo es secuestrar a otro niño a cambio de la vida del suyo.

Estos títulos se suman a las producciones españolas previamente anunciadas:

UN DÍA VI 10.000 ELEFANTES – Alex Guimerà, Juan Pajares

ISLA BONITA – Fernando Colomo

MI QUERIDA ESPAÑA – Mercedes Moncada

LA NOVIA – Paula Ortiz

THE PROPAGANDA GAME – Álvaro Longoria

DUELLUM (Cortometraje) – Tucker Dávila Wood

Primer tráiler de «Westworld», la gran apuesta de la HBO para el próximo año

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Aunque su estreno no será hasta el 2016 ya tenemos un pequeño avance e forma de teaser de treinta segundos de duración y que podéis ver a final de página junto algunas de sus imágenes de la que será una de las series más esperadas del próximo curso, «Westworld«, una lujosa adaptación televisiva por parte de la HBO de la novela de Michael Crichton que el mismo escritor se encargó de llevar al cine de manera bastante eficiente en 1973, film que en España se tituló «Almas de Metal«. Si el reparto de la serie ya resulta imponente los responsables creativos de la adaptación no se quedan atrás, Lisa Joy y Jonathan Nolan (Person of Interest) se ocupan del guion mientras que J.J. Abrams a través de su compañía Bad Robot será su productor, una serie en definitiva que está llamada a ser uno de los acontecimientos televisivos más importantes del próximo año.

«Westworld» nos cuenta la travesía de dos invitados en un parque de atracciones de alta tecnología con estética del oeste, estando poblado por robots de apariencia humana, el parque está diseñado como una simulación que parece 100% real de diferentes épocas, la romana, los tiempos de los vaqueros, y la época medieval, y cuyo objetivo es entretener y ofrecer aventuras al público, incluso de índole sexual.. Cuando el ordenador central del parque se estropea, las máquinas comienzan a experimentar irregularidades que podrían poner en peligro la vida de los visitantes..

La serie está interpretada por Anthony Hopkins,  Ed Harris,  Evan Rachel Wood,  James Marsden,  Ingrid Bolsø Berdal, Thandie Newton,  Rodrigo Santoro,  Shannon Woodward,  Miranda Otto,  Jeffrey Wright,  Angela Sarafyan,  Currie Graham,  Steven Ogg,  Kyle Bornheimer y Jeff Daniel Phillips.

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Luis Buñuel. La Forja De Un Cineasta Universal.1900-1938

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Luis Buñuel (Calanda, 1900-México, 1983) es el aragonés más célebre del mundo después de Goya y está considerado como uno de los grandes creadores del siglo XX. En Luis Buñuel. La forja de un cineasta universal el hispanista Ian Gibson profundiza en las raíces de una obra cinematográfica del calandino, transida de resonancia s personales, cada vez más valorada internacionalmente. Con una revisión minuciosa de la ingente bibliografía acumulada en torno a la figura de Buñuel en distintos idiomas, y una rigurosa investigación personal de siete años llevada a cabo en Calanda, Zaragoza, Madrid y París, el hispanista ha salido airoso del reto. La infancia del cineasta, la intensa relación con la madre, su larga temporada con los jesuitas, los años universitarios en Madrid al lado de Lorca y de Dalí, el traslado a París en 1925
donde encuentra pronto su vocación y participa en la apasionante aventura del surrealismo, Un Chien andalou y el escándalo de L’Âge d or, la vuelta a España bajo la República, su trabajo con la productora Filmófono, el compromiso antifascista y, empezada la contienda, su actuación semisecreta a órdenes de la embajada española en París… he aquí un relato magistral que se lee como una novela. A finales de 1938 Buñuel embarcó con su mujer y su hijo hacia Estados Unidos, encargado de una misión republicana en Hollywood. A los pocos meses los sublevados ganaron la guerra. No volvería a pisar tierra española hasta 1960, ya ciudadano mexicano, para rodar Viridiana. Pero esto es otra historia.

Luis Buñuel es uno de los grandes cineastas españoles reconocido mundialmente. A la manera de las grandes biografías clásicas Gibson comienza por presentarlo en el espacio y en el tiempo, después los antecedentes familiares hasta llegar al nacimiento de Buñuel. Y poco a poco vamos viendo crecer a Buñuel, dónde estudia, con quién se relaciona, sus amores, sus pasiones, su peculiar relación amor-odio con Lorca, su fructífera relación con Dalí… Vida y obra se entrelazan en esta magnífica biografía que termina con la Guerra Civil. El hispanista Ian Gibson nos ofrece los primeros años de uno de los grandes hombres del siglo xx. Una investigación exhaustiva en la que ha trabajado a fondo durante más de seis años. Con fotografías inéditas que han aportado los herederos de Buñuel gracias al archivo personal del cineasta.

Autor; Ian Gibson; Editorial; AGUILAR. Páginas; 960

«Strangerland» review

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Los Parkers son un matrimonio que acaba de llegar a una ciudad cercana al desierto australiano, un día su vida da un giro cuando sus dos hijos desaparezcan en el “outback”, el remoto y árido desierto de Australia antes de una tormenta de arena. Entonces comenzarán a buscarles con la ayuda de un policía, pero la opinión de la gente se volverá en contra del matrimonio.

Australia y su árido paisaje representado como un territorio inhóspito ha devenido de una manera bastante frecuente a lo largo de los años en el cine como un escenario casi perfecto a la hora de tratar de explorar de manera algo diferente a lo que estamos acostumbrados a ver en la gran pantalla el complejo instinto humano que intenta subsistir dentro de dicho marco geográfico, ya sea a través de las propias relaciones conceptuales existentes entre individuos dentro de una sociedad claramente desigual o el mero relato de supervivencia de tono sobrenatural y barnizado en ocasiones con ese toque mitológico- aborigen tan característico en este tipo de producciones. «Strangerland» presentada en la pasada edición del festival de Sundance supone el debut tras las cámaras de Kim Farrant en un film a priori tan ambicioso como algo irregular en su conjunto aunque no exento de elementos lo suficientemente interesantes como para que no pase desapercibida.

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Posiblemente
 uno de los principales problemas de «Strangerland»  sea su clara no adscripción a un género determinado, da la impresión que Kim Farrant ha querido jugar con demasiados ases en la manga, por un lado nos presenta de una manera algo tímida y no conseguida un thriller psicológico de contornos misteriosos pero de una manera definitorio el film parece decantarse más por el drama familiar de tono personal presentándonos la descomposición de un núcleo familiar en unos personajes situados en un escenario y una situación algo anómala, ubicados dentro de un enclave que sirve al mismo tiempo como un elemento de catarsis en lo referente al pasados de dichos personajes, la directora también parece coquetear con el relato de tono sobrenatural en lo referente al misticismo local, pero solo de modo casi anecdótico (una verdadera pena que no se desarrolle mas esta vía argumental, ese cine de tono simbólico-mitológico que tiene como obra referencial a la excelente «The Last Wave» de Peter Weir), evidentemente este vaivén genérico la hace narrativamente irregular llevándola a un exceso de metraje que da la impresión de no estar del todo aprovechado, hay aspectos más interesantes que otros, el relato policiaco aquí mostrado por ejemplo está bastante desdibujado.

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En lo positivo dos aspectos a resaltar primordialmente, en primer lugar nos encontramos con el buen uso del escenario del que hace gala Kim Farrant, ayudado aquí con el genial trabajo en la fotografía a cargo de P.J. Dillon, logrando crear una constante sensación de asfixia dentro de un paraje natural extremo en base a la utilización de una atmosfera tan amenazante como sinuosa, por otra parte tenemos una competente labor actoral, Hugo Weaving sabe dar ese tono de sobriedad tan característica suyo, Joseph Fiennes sorprendentemente no llega a desentonar, pero es Nicole Kidman la que se convierte por méritos propios en la reina de la función ofreciendo un notable recital interpretativo y demostrando algo que algunos ya sabíamos tiempo atrás, que es una de las actrices más notorias aparecidas en los últimos años en la gran pantalla, olvidando en parte aquí algunas decisiones y apariciones suyas claramente erróneas vistas últimamente en el cine.

«Strangerland» termina siendo un film aunque no redondo si lo suficientemente interesante y personal como para tenerlo en cuenta y saber valorarlo de una manera ecuánime, poseedor al mismo tiempo de unos atributos claramente reconocibles que lo convierten en un producto que sabe beber de manera adecuada de unas raíces y coordenada tan propias y características como es cierto tipo de cine australiano, aquí perfectamente expuestos, una cinematografía esta que en muchos aspectos sigue resistiéndose de manera loable a una cierta comercialidad en beneficio de un trazo más personal y autoral.

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Valoración 0/5:3

Lo último de Mamoru Hosoda y Terence Davies competirán en el Festival de San Sebastián 2015

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Terence Davies, Lucile Hadzihalilovic, Mamoru Hosoda, Jean-Marie y Arnaud Larrieu, Philippe Lesage, Rúnar Rúnarsson, Levan Tutberidze y Ben Wheatley, compiten en la Sección Oficial de la 63 edición del Festival de San Sebastián. La competición por la Concha de Oro en la nueva edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará entre los días 18 y 26 de septiembre, tiene como protagonistas a algunos de los más notables cineastas del panorama internacional.La Sección Oficial del Zinemaldia además
 contará por primera vez con una película de animación a concurso, se trata del último trabajo del maestro del anime Mamoru Hosoda. Próximamente se anunciarán nuevos títulos que completarán la Sección Oficial.

21 NUITS AVEC PATTIE / 21 NIGHTS WITH PATTIE. Jean-Marie Larrieu, Arnaud Larrieu   (Francia)

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Los directores franceses Jean-Marie y Arnaud Larrieu cuentan en su nueva película la historia de Caroline, una mujer que interrumpe sus vacaciones para organizar el funeral de su madre, Isabelle, que ha fallecido repentinamente en su casa de los Pirineos. Traba amistad con Pattie, que cuida de la casa de su madre, pero los preparativos del funeral dan un giro inesperado cuando el cadáver desaparece misteriosamente.

BAKEMONO NO KO / THE BOY AND THE BEAST. Mamoru Hosoda   (Japón)

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El nuevo trabajo del maestro del anime Mamoru Hosoda es la primera película de animación que compite en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián en toda su historia. Kyuta es un niño solitario que vive en Tokio y Kumatetsu es una criatura sobrenatural aislada en un mundo imaginario. Un día el niño cruza la frontera al mundo imaginario y entabla amistad con Kumatetsu, que se convierte en su amigo y guía espiritual. Este encuentro los llevará a multitud de aventuras.

LES DÉMONS / THE DEMONS. Philippe Lesage   (Canadá)

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Mientras una serie de secuestros de jóvenes tiene lugar en Montreal, Félix, un chico de diez años de edad, termina el colegio en Old Longueuil, una zona residencial de pacífica apariencia. Imaginativo y sensible, Félix, como tantos niños, le tiene miedo a todo. Poco a poco, los demonios imaginarios de la infancia se confunden con los demonios de una perturbadora realidad.

EVOLUTION. Lucile Hadzihalilovic   (Francia – Bélgica – España)

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Tras ganar la competición de Nuev@s Director@es en 2004 con Innocence, Lucile Hadzihalilovic regresa a San Sebastián con su nueva película. En una remota isla habitada únicamente por mujeres y adolescentes, Nicolas y otros chicos son sometidos a misteriosos y siniestros tratamientos médicos.

HIGH-RISE. Ben Wheatley   (Reino Unido)

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El director británico Ben Wheatley presenta su último trabajo, basado en la novela homónima de J.G. Ballard. El doctor Robert Lang se muda a su nuevo apartamento buscando un desangelado anonimato, solo para descubrir que los residentes del edificio no tienen intención de dejarlo en paz. Mientras trata de establecer su posición, los buenos modales y la salud mental de Lang se desintegran con el edificio.

MOIRA. Levan Tutberidze   (Georgia)

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Una dramática historia sobre una familia que vive en una ciudad costera. Después de salir de prisión, Mamuka trata de sacar a su familia de la pobreza. Su madre trabaja en el extranjero, su padre está en silla de ruedas y su hermano sin empleo se siente atraído por la compañía de criminales. Gracias a un préstamo, compra un pequeño barco de pesca. Pero el destino es ciego y despiadado.

SPARROWS. Rúnar Rúnarsson   (Islandia – Dinamarca – Croacia

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Un relato iniciático sobre un adolescente de 16 años, Ari, quien, tras haber estado viviendo con su madre en Reikiavik, es enviado de vuelta a las remota región de los fiordos occidentales para vivir con su padre Gunnar. Allí tendrá que lidiar con una difícil relación con su padre y encuentra cambiados a sus amigos de la infancia. En ese ambiente desesperanzador, Ari tiene que esforzarse para encontrar su camino.

SUNSET SONG. Terence Davies   (Reino Unido – Luxemburgo)

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Un relato épico e intimista sobre la esperanza, la tragedia y el amor al inicio de la Gran Guerra, adaptado de la novela del autor escocés Lewis Grassic Gibbon y dirigido por Terence Davies.

Anthony Hopkins a la caza del asesino, primer tráiler de «Solance»

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Parece que por fin verá la luz el thriller de suspense 
«Solance«, una película de producción algo accidentada por el que han desfilado varios guionistas y que ha tenido bastantes problemas a la hora de encontrar distribución, al parecer en un principio Shekhar Kapur iba a dirigir esta historia en 2005 con Bruce Willis como protagonista, sin embargo New Line decidió reconvertir el guion original en una segunda parte de «Se7en» cuyo título seria Ei8ht y que se centraría en el personaje interpretado por Morgan Freeman, afortunadamente el proyecto no termino de arrancar y en 2011 se volvió a la idea original. «Solance» cuyo rodaje data del 2013 (algo que tampoco da precisamente buenas sensaciones) está dirigida por el brasileño Alfonso Poyart (2 Coelhos), su primer tráiler junto algunas de sus imágenes lo podéis ver a final de página. El film aún sin fecha de salida en Estados Unidos se estrena el próximo 9 de septiembre en Francia con el título de “Premonitions”, en España lo hará el 12 de Febrero de 2016.

«Solance» nos cuenta como un detective del FBI se encarga de un horrible caso con varias personas asesinadas de una forma tan espantosa como misteriosa. Para intentar resolverlo el agente ante la falta de pistas se ve obligado a pedir ayuda a un doctor  que posee habilidades psíquicas y que trabajo en el pasado para el FBI, ahora apartado del mundo después de la muerte de su hija. El detective tendrá que convencerle para que vuelva al cuerpo, aunque solo sea hasta que se resuelve el caso.

La película está interpretada por Anthony Hopkins,  Colin Farrell,  Jeffrey Dean Morgan,  Abbie Cornish,  Xander Berkeley,  Janine Turner,  Marley Shelton,  Kenny Johnson,  Jose Pablo Cantillo,  Angela Kerecz,  Sharon Lawrence y Autumn Dial.

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Jean-Michel Jarre y John Carpenter, una alianza musical titulada «A Question Of Blood»

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Hace ya cerca de cinco años que el maestro John Carpenter realizo su último trabajo tras las cámaras como director con la algo discreta «The Ward«, mucho nos tememos que difícilmente volverá a dirigir por razones obvias, a modo de consuelo el pasado año tuvimos la grata noticia en lo referente a la música de la publicación junto a
  Daniel Davies y su hijo Cody Carpenter de su álbum debut Lost Themes, un trabajo de clara inspiración cinematográfica en donde predominaba el uso del sintetizador como no podía ser de otra manera.

Ahora se ha dado a conocer que el próximo álbum del músico electrónico francés Jean-Michel Jarre titulado E Project que aparte de tener colaboraciones con gente tan conocida como Tangerine Dream, Massive Attack o Depeche Mode contara con un tema compuesto junto a John Carpenter titulado A Question Of Blood, un tema cargado de pasajes sintéticos oscuros, melancólicos y con voces etéreas, que originan una atmósfera fantasmal y cinemática al estilo de Carpenter según declaraciones del propio Jarre . E-Project saldrá a la venta el próximo 16 de octubre.

Desde Argentina y con el giallo como referencia, tráiler de «Francesca»

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Utilizar el género del giallo como explicito homenaje y referencia absoluta, ese parece ser hasta el momento la máxima del director argentino
 Luciano Onetti, si en el 2003 con «Sonno Profondo» ya incidía de una manera clara en esta tendencia ahora nos llega otra muestra de esta particular forma de  homenajearlo, «Francesca«, cuyo primer tráiler y algunas de sus imágenes podéis ver a final de página da la impresión de ser una versión algo ampliada y mejorada de su anterior film. Luciano Onetti firma el guión junto a su hermano Nicolás, la película se podrá ver en la próxima edición del festival de Sitges, lo dicho todo un auténtico deleite para los amantes de este subgénero tan particular y único.

«Francesca» nos cuenta como han pasado 15 años de la desaparición de Francesca, la hija del reconocido cuentista, poeta y dramaturgo Vittorio Visconti, y la comunidad está siendo acechada por un psicópata empeñado en limpiar la ciudad de las impuras y condenadas almas. Moretti y Succo, cuestionados por la inefectividad de la fuerza policial, son los detectives a cargo de elucidar el misterio alrededor de estos crímenes dantesco, Francesca parece que ha vuelto, pero no es la misma chica que todos conocieron.

La película está interpretada por Luciano Onetti, Raul A Gederlini y Nico Onetti, Silvina Grippaldi, Luis Emilio Rodríguez y Gustavo D’Alessandro.

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Miklós Rózsa. Una vida, dos pasiones

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“Miklós Rózsa: Una vida, dos pasiones” es un pormenorizado estudio sobre la extensa obra de este genial compositor húngaro, que ayudó sobremanera a dignificar la música de cine, a través de sus increíbles y majestuosas partituras. Aquí el lector podrá encontrar información sobre la discografía completa del maestro.

Rózsa contribuyó a engrandecer tanto títulos del cine negro como epopeyas bíblicas o estupendos dramas románticos. Suyos son los scores de Ben- Hur (1959), Recuerda (1945) o El Cid (1961). A su vez, fue un gran compositor de música de concierto, que también se analiza, composición a composición. Este autor es base fundamental para entender la música de cine actual, influyendo como profesor o como inspiración, en compositores posteriores como Jerry Goldsmith o John Williams.

Prólogo

Introducción

Biografía

PRIMERA PARTE. MÚSICA CINEMATOGRÁFICA

Capítulo 1. 1937-1949

Capítulo 2. 1949-1961

Capítulo 3. 1961-1981

SEGUNDA PARTE. MÚSICA DE CONCIERTO

 Capítulo 4. Música de cámara

Capítulo 5. Trabajos para orquesta

Capítulo 6. Obras para solo de instrumento y orquesta

Capítulo 7. Trabajos para solo de instrumento

Capítulo 8. Trabajos para voces

Capítulo 9. Obras para piano solo

Capítulo 10. Música sinfónica con variaciones de música de cine a música de concierto

 

ANEXOS. DISCOGRAFÍA COMPLETA DE LA MÚSICA DE CONCIERTO

Discografía completa de la música de cine

Catálogo completo de scores

Catálogo completo de obras de concierto

 

Epílogo. El mito Rózsa

Bibliografía 

Autor; Antonio Piñera García; Editorial;T&B Editores. Páginas; 368

El Festival de San Sebastián presenta la quinta edición del Culinary Zinema: Cine y Gastronomía»

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El Basque Culinary Center, el Festival de San Sebastián y el Festival Internacional de Cine de Berlín han presentado la programación de la sección “Culinary Zinema”. En la rueda de prensa ha participado Thomas Struck, responsable de la sección “Culinary Cinema” del Festival de Berlín, Joxe Mari Aizega, director del Basque Culinary Center, y José Luis Rebordinos, director del Festival de San Sebastián.

La colaboración que el Festival de San Sebastián mantiene desde hace cinco años con el Festival de Berlín y el Basque Culinary Center ha dado como fruto una de las secciones más queridas por los espectadores del Festival y en una cita ineludible para los amantes de la gastronomía en una ciudad que aúna un certamen cinematográfico de prestigio internacional con la riqueza culinaria de una de las regiones con mayor concentración de estrellas Michelin del mundo.

Esta quinta edición ha ampliado la selección de títulos hasta 17, ya que incluye 4 cortometrajes y 13 largometrajes, 9 de ellos a concurso y 4 fuera de competición. La proyección de siete de estas películas irá acompañada de cenas temáticas a cargo de cocineros de prestigio internacional.

Andoni Luis Aduriz, del restaurante Mugaritz, será el encargado de la cena de inauguración, mientras que la cena de clausura correrá a cargo de los hermanos Roca, del restaurante El Celler de Can Roca, y un cocinero invitado por ellos. Otros cocineros que participarán a lo largo de la semana en estas cenas serán Mikel Gallo, Rubén Trincado y miembros de la asociación gallega Grupo Nove. Los nombres de otros chefs se anunciarán en las próximas semanas.

Culinary Zinema” cuenta este año por primera vez con Nespresso como Patrocinador de la sección, y continúa además una colaboración con el Tokyo Gohan Film Festival, un certamen que se celebra en las áreas de Shibuya y Aoyama en Tokio, y que también tiene como principal objetivo fusionar el cine y la gastronomía. Un jurado elegido por el Tokyo Gohan Film Festival otorgará a una de las películas programadas en la sección “Culinary Zinema” un premio de 10.000€, que será entregado al distribuidor internacional de la película o, en el caso de que no lo tenga, a su productor.

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PELÍCULAS A COMPETICIÓN

Inauguración

CAMPO A TRAVÉS. MUGARITZ, INTUYENDO UN CAMINO. PEP GATELL   (España)

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Un documental filosófico y etológico. La Fura dels Baus destila los motores que mueven Mugaritz, las ideas de las que parten sus platos, qué significa para el equipo alcanzar la excelencia y el éxito, cómo se sufre y disfruta… en definitiva, cómo se crea y se destruye Mugaritz constantemente. Destaca lo constante del riesgo, de ahí su título, pero también esa sabiduría que dan el esfuerzo y el trabajo de mucha gente que ha pasado, está pasando y pasará por Mugaritz; un lugar en el que el fin culinario se ha visto superado por el proceso creativo y sus posibles variables.

Clausura

COOKING UP A TRIBUTE. Luis González, Andrea Gómez   (España)

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La narración de un viaje sin precedentes en el que uno de los mejores restaurantes del mundo cierra sus puertas durante cinco semanas para hacerse itinerante. En su recorrido por cuatro países americanos, el equipo de El Celler de Can Roca rinde homenaje a las cocinas mexicana, peruana y colombiana y hace una reinterpretación personal de sus ingredientes y sus tradiciones.

ADN DU CEVICHE (ADN DEL CEBICHE). Orlando Arriagada   (Canadá)

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Un viaje gastronómico que descubre la riqueza cultural e histórica del Perú utilizando como hilo conductor uno de sus platos favoritos: ¡el cebiche!

THE BIRTH OF SAKÉ. Erik Shirai   (EEUU – Japón)

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Un hermoso y absorbente retrato de la vida cotidiana de Yoshida, una destilería de 144 años de antigüedad que produce un sake de renombre internacional. Una mirada a la intensidad personal y profesional que se precisa para crear un producto tan prestigioso y a los artesanos que hay detrás, en unos tiempos de cambio y con un nuevo regimen de trabajo impuesto por el sexto heredero de la empresa.

KAMPAI! FOR THE LOVE OF SAKE. Mirai Konishi   (Japón)

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En esta fascinante mirada al universo del sake tres personas fuera de la norma se unen para explorar el misterioso mundo del sake: un fabricante de sake británico con 25 años de experiencia en Japón, un periodista estadounidense que ha publicado varios manuales sobre el sake y el joven presidente de una destilería japonesa con siglos de antigüedad que quiere introducir cambios en el legado de su familia. Cada uno de ellos juega un papel importante en el rico, complejo y espectacular mundo del sake.

LITTLE FOREST – WINTER/SPRING. Junichi MORI   (Japón)

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Ichiko vive en Komori, una pequeña aldea del nordeste de Japón. Se mudó a la ciudad en una ocasión, pero se sintió perdida allí y regresó. Sin supermercados ni tiendas de comestibles cerca, para vivir en Komori es necesario alimentarse de la tierra. Ichiko cultiva su arroz, trabaja la granja y prepara comidas con alimentos de temporada recolectados en las montañas y campos vecinos.

NOMA, MY PERFECT STORM. Pierre Deschamps   (Reino Unido – Dinamarca)

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¿Cómo se las arregló René Redzepi para revolucionar el mundo de la gastronomía inventando el alfabeto y vocabulario que trajeron nuevo pedigrí a la cocina nórdica y establecieron un mundo comestible totalmente novedoso, a la vez que cambió radicalmente la imagen del chef moderno? Su historia tiene el regusto del clásico cuento de hadas: el patito feo se transforma en un majestuoso cisne que reina en el mundo de la cocina gourmet. Pero bajo la pulida superficie aparecen grietas en forma de viejas heridas.

SERGIO HERMAN – FUCKING PERFECT. Willemiek Kluijfhout   (Países Bajos)

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En la cumbre de su carrera culinaria, el master chef Sergio Herman siente la necesidad de dejar su restaurante de tres estrellas Oud Sluis para cumplir su sueño. Un revelador documental sobre la perfección, la ambición y el sacrificio.

WANTON MEE. Eric Khoo   (Singapur)

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Tras descubrir que su casa va a ser demolida, Koh Chun Feng, un crítico gastronómico de mediana edad cuya carrera está en declive, decide reflexionar sobre su vida y la evolución de Singapur a través de la comida local.

FUERA DE CONCURSO

COCINANDO EN EL FIN DEL MUNDO. Alberto Baamonde Bello   (España)

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La nueva cocina gallega se caracteriza por su inclinación a explorar el pasado, a recuperar sabores que la modernidad ha dejado atrás, a dotar de dignidad a productos considerados menores. El Grupo Nove es la asociación de cocineros que trata de impulsar esta cocina de futuro más allá de los clichés. Un retrato realista de Galicia que intenta desentrañar, a través de la gastronomía, el frágil equilibrio entre tradición y modernidad en un territorio de contrastes.

CHEF’S TABLE «MASSIMO BOTTURA». David Gelb   (EEUU)

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Un documental con seis de los más prestigiosos chefs internacionales que ofrece al espectador la oportunidad de introducirse en las vidas y cocinas de estos talentos culinarios. Los chefs son Massimo Bottura (Osteria Francescana en Módena, Italia), Dan Barber (Blue Hill Restaurant en Stone Barns y Nueva York, EEUU),
  Francis Mallmann (El Restaurante Patagonia Sur en Buenos Aires, Argentina), Niki Nakayama (N/Naka Restaurant en Los Ángeles, California, EEUU), Ben Shewry (Attica Restaurant en Melbourne, Australia) y Magnus Nilsson (Fäviken in Järpen, Suecia).

SAGARDOA BIDEGILE (HISTORIAS DE SIDRA). Bego Zubia Gallastegi   (España)

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Hace siglos que los vascos beben sidra, pero en el País Vasco la sidra es algo más que zumo fermentado de manzana. El documental es una propuesta de viaje, un periplo cultural, gastronómico, científico e histórico. Protagonista: la sidra.

SNACKS, BOCADOS DE UNA REVOLUCIÓN. Verónica Escuer, Cristina Jolonch   (España)

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Un documental que retrata el origen, la evolución, el estado actual y el futuro de la gastronomía española, concebida como un movimiento que implantó la libertad creativa y conceptual como regla básica del juego en todo el globo.

Cortometrajes

BRASA. Xabi Gutiérrez Márquez   (España)

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Cuatro artistas de diferentes disciplinas: el cocinero Xabier Gutiérrez, el pintor Juan Vich, el músico Ander Fernández y el realizador Pello Gutiérrez. Cada uno de ellos reinterpreta un concepto a partir de una premisa: la brasa. A partir de ahí, cada artista expone su visión de los materiales, colores, sonoridad, sensaciones.

COMER CONOCIMIENTO. Luis Germanó   (España

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Ferran Adrià vuelve a ponerse la chaqueta de cocinero, asumiendo un nuevo reto: cocinar sin cocinar y reformular el formato de conferencia convirtiéndolo en un contenido para explicar el proceso creativo que llevó a convertir su restaurante en uno de los grandes hitos de la creatividad del
  siglo XX que cambiaría para siempre la historia de la gastronomía.

THE PERFECT PROTEIN. Caterina Barjau Dachs, Rafael Jorge Martínez Pardo   (España)

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Mientras el mar vive la mayor esquilma de su historia, solo 30 países controlan más del 90% del pescado que se captura. La ONG Oceana y los mejores chefs del mundo proponen soluciones a la sobrepesca que permitirán alimentar a parte de la humanidad.

EL SUEÑO DE SONIA. Diego Sarmiento Pagán   (Perú)

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Sonia Mamani vive en Capachica, una península del Lago Titicaca (Puno, Perú). Aprendió a cocinar a los quince años y desde entonces viaja y enseña a cocinar a otras mujeres con platos tradicionales, revalorizando sus costumbres e identidad.

Tráiler del esperado live- action «Attack on Titan»

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Tráiler de la esperada live -action Shingeki no Kyojin «Attack on Titan«, todo un fenómeno en su país natal, basado en el manga homónimo de Hajime Isayama estamos ante uno de los animes más populares de los publicados en los últimos años. Desde la aparición del manga en 2009 lleva ya 6 volúmenes publicados, en el año 2013 vio la luz una serie de anime que de momento cuenta con 25 episodios y 5 OVA’s. Ahora nos llega su versión
cinematográfica a cargo de Shinji Higuchi, «Attack on Titan» está dividida en dos películas que se estrenará en Japón el 1 de agosto la primera parte y el 19 de septiembre la segunda. Ambas películas se podrán ver en la próxima edición del Festival de Sitges. En España a finales de año será distribuida en DVD y Blu-ray de la mano de Cameo, se desconoce si tendrá previamente un paso por las salas comerciales.

«Attack on Titan» nos cuenta la aparición repentina de unos gigantes que comen humanos destrozando todo a su alrededor, amenazando con la extinción de la raza humana, los hombres intentan protegerse construyendo enormes murallas y encerrándose en su interior. De este modo viven aislados y completamente privados de libertad,  así fue durante un siglo, en ese periodo de tiempo ningún humano fue testigo de más ataques por parte de los Titanes, hasta que un día aparece un Titán mucho más alto que la muralla logrando derribarla como si fuera de papel. A partir de ese día la humanidad recibió un terrorífico recordatorio, viendo de ese modo como la guerra ha vuelto a comenzar.

La película está interpretada por Haruma Miura,  Kiko Mizuhara,  Kanata Hongô,  Satomi Ishihara,  Nanami Sakuraba,  Takahiro Miura,  Hiroki Hasegawa,  Ayame Misaki,  Pierre Taki,  Jun Kunimura,  Shû Watanabe y Satoru Matsuo.

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«L’affaire SK1» review

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París, 1991. Franck Magne es un joven inspector que inicia su carrera en la Policía Judicial. Su primer caso es el asesinato de una joven. Pronto descubre casos relacionados pero se enfrenta rápidamente con la realidad del trabajo de investigación: la falta de recursos, largas horas, la burocracia… Pasan los años y las víctimas se multiplican. Las pistas están borrosas. Pero Franck Magne, obsesionado con el caso, no dejará de intentar descubrir y dar caza al monstruo responsable de los crímenes, llevando a cabo la que sería la investigación más compleja de la historia de la policía francesa hasta la fecha.

«L’affaire SK1» supone la opera prima del director francés Frédéric Tellier, un debut que se adentra en uno de los casos criminales más sonados en la Francia de los 90, la cruda historia real del denominado «la bestia de la bastilla”, que dio lugar a la investigación y posterior proceso contra Guy Georges por la violación y asesinato de al menos siete mujeres en la ciudad de París, unos asesinatos que duraron casi una década y cuya resolución supuso la puesta en funcionamiento en territorio galo de una base de datos de ADN de agresores sexuales.

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A la hora de buscar referencias de las que bebe «L’affaire SK1» nos encontramos de una forma clara con dos films que también venían a ser sendas crónicas criminales de dos sonoros casos reales con la figura del serial killer como factor primordial, por una parte nos encontramos con la excelente «Zodiac» de David Fincher, aquí la semejanza viene dada por la similitud existente en dos personajes, el protagonista de 
 «L’affaire SK1» al igual que el Jake Gyllenhaal de «Zodiac» viene a representar al ser atormentado-obsesionado con una investigación demasiada dilatada en el tiempo que no logra solucionar y que va haciendo mella en su psique, por otro lado tenemos la pulcra tv movie  «Citizen X» de Chris Gerolmo, aquí las similitudes las encontramos representadas en el modo de mostrarnos esa negligencias burocrática- administrativas o la rivalidad y exhibición de egos por parte de diferentes departamentos encargados de la investigación, algo que deviene como un obstáculo casi insalvable a la hora de resolver el caso, la lastima es que ambas referencias se quedan en eso, simples apuntes narrativos a la hora de narrarnos unos hechos que no termina de estar desarrollados de una manera más decidida, colocando a «L’affaire SK1« como un film correcto en su ejecución pero bastante por debajo de por ejemplo las dos películas arriba mencionadas.

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Paradójicamente la cronología utilizada por Frédéric Tellier a la hora de narrarnos los hechos
  supone un punto a su favor con evidentes claros y oscuros dentro de la apuesta formulada, el film esta vertebrado e intercalado en dos tiempos distintos, investigación-pasado, juicio-presente, algo que dota al film de una cierta originalidad en lo que es su conjunto argumental pero al mismo tiempo de una irregularidad formal bastante notoria, pasamos del correcto thriller policial de investigación (el más interesante) al drama judicial de ligero tono manierista con demasiada frecuencia, no causando confusión pues la historia es diáfana en su entendimiento pero si cierto desequilibrio genérico, da la impresión que Frédéric Tellier no ha querido dejar nada en el tintero, quizás ha querido abarcar demasiado apoyándose en el supuesto realismo del relato, viendo el film uno tiene la sensación de que este se sitúa en tierra de nadie, Tellier se preocupa por no dejar en el tintero temas trascendentales adyacentes en la propia historia, pero se queda en eso, una exposición tan correcta como algo previsible, dando la impresión de ser algo superficial en su ejecución.

Pese a sus imperfecciones «L’affaire SK1» termina siendo un film algo disfrutable, ambientada de manera acertada, más cercana de forma consciente al relato criminal de tono realista que al thriller policiaco al uso. Un género el Polar francés que aunque lejos de su época dorada sigue dándonos aunque sea a cuentagotas algunas muestras de lo más estimables en estos últimos años, «L. 627» Bertrand Tavernier (1992), «Les Marchands de Sable» Pierre Salvadori (2000), «Scènes de Crimes» Frédéric Schoendefer (2000), «Les Rivières Pourpres» Mathieu Kassovitz, (2000), «La Fleur du Mal» Claude Chabrol, (2002), «MR 73» Olivier Marchal, (2008), «Un Prophète» Jaques Audiard, (2009) o «Les Salauds» Claire Denis (2013), una lista en la que «L’affaire SK1» también se podría incluir de una manera ecuánime,  son solo algunas muestras que me vienen a bote pronto a la cabeza de cómo pese al paso del tiempo se intenta personalizar un género desde unos parámetros y coordenadas claramente propias, algo verdaderamente digno de ser alabado.

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Valoración 0/5:3

Entre el infierno de la penitencia y la fábula moral, tráiler de la galardonada «El Club»

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Tras su paso triunfal en el pasado Festival de Berlín donde gano el Oso de plata y el gran premio del jurado nos llega un primer tráiler que podéis ver a final de página del nuevo film de Pablo Larraín «El Club«, el director chileno que ya nos dio buenas sensaciones en anteriores trabajos suyos como «Tony Manero«, «Post Mortem» y muy especialmente «No» nos presenta en «El Club» un duro drama psicológico de los que no deja indiferente a nadie y que toca temas tan polémicos como la oscura trastienda existente dentro de ciertos sectores de la religión. Las extraordinarias críticas cosechadas en festivales y en su país de origen en donde se estrenó el pasado 28 de mayo la hacen una de las películas de habla hispana más importantes e indispensables del presente año. El film se estrenará en España el próximo 9 de octubre de la mano de Caramel Films.

«El Club» nos cuenta como cuatro hombres conviven en una retirada casa de un pueblo costero, bajo la estricta mirada de una cuidadora y sometidos a una serie de normas que no se pueden saltar. Los cuatro son curas y están ahí para purgar sus pecados. La rutina y tranquilidad del lugar se rompe cuando llega un atormentado quinto sacerdote y los huéspedes se verán obligados a revivir el pasado que creían haber dejado atrás.

La película está interpretada por Roberto Farias,  Antonia Zegers,  Alfredo Castro,  Alejandro Goic,  Alejandro Sieveking,  Jaime Vadell , Marcelo Alonso, José Soza y Francisco Reyes.

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Sitges 2015 y Filmarket Hub anuncian el Sitges Pitchbox

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Sitges Pitchbox ofrecerá la oportunidad a proyectos de largometraje de género de realizar un pitch a productoras el 16 de octubre.

La 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya presentó hace pocos días algunas de las obras que formarán parte de su programación. No obstante, a apenas dos meses del inicio del Festival, las novedades no quedan ahí. En la edición de este año destaca también la colaboración con la plataforma online Filmarket Hub, que será la encargada de organizar una edición especial de su evento de pitching, Pitchbox, en el marco del certamen.

Sitges Pitchbox ofrecerá la oportunidad a guionistas, directores y productores de realizar un pitch de venta de sus proyectos de largometraje de terror, ciencia ficción o fantástico a productoras y distribuidoras que asistirán al Festival, además de otras que serán invitadas especialmente para la ocasión.

El pitching tendrá lugar el viernes, 16 de octubre, en la sala Miramar, y de entre todos los recibidos serán seleccionados 7 proyectos. Aquellas personas interesadas en inscribir el suyo podrán hacerlo a través de una convocatoria especial que se abrirá el lunes 10 de agosto y durará hasta el 15 de septiembre. Las inscripciones serán gratuitas y se tendrán que realizar a través de Filmarket Hub.

Además, como regalo, los proyectos permanecerán de forma gratuita hasta el 31 de octubre en Filmbox, el mercado online de guiones y coproducción de Filmarket Hub, a la vista de las productoras que ya participan en él.

Pero la colaboración entre Sitges 2015 y Filmarket Hub no se limita a este evento de pitching. Las personas que adquieran acreditaciones profesionales para el Festival, tendrán la posibilidad de conectar con el resto de acreditados a través de la red social de Filmarket Hub. Estos podrán descubrir quién asiste y qué días para así poder cerrar reuniones de trabajo.

Desde la plataforma online se destaca la importancia del acuerdo: “Sitges es uno de los festivales más importantes de España y Europa. Sin duda, es el marco perfecto para ayudar a guionistas y directores a que puedan mostrar su talento y sus proyectos de género a productoras y distribuidoras”.

Filmarket Hub es una plataforma online enfocada a hacer realidad proyectos cinematográficos a través de una red social de profesionales y un mercado online de guiones y coproducción para películas, documentales y series de televisión que se encuentran en fase de desarrollo. Establece una red global que conecta a potenciales inversores de diversos sectores con productores, creadores y otros profesionales de la industria. Este proyecto nace con el claro objetivo de ocupar un puesto de peso en el mercado internacional. Filmarket Hub permite a los creativos y productores ampliar su red de contactos en el sector audiovisual, potenciar sus carreras de manera sencilla y rápida y hacer que sus proyectos se hagan realidad.

Tráiler español de la épica «The Revenant» (El Renacido)

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Es una de las películas más esperadas de principios del próximo año, el nuevo film de Alejandro González Iñárritu «The Revenant» se perfila como uno de los acontecimientos cinematográficos más importantes con vistas a los próximos Oscar, aparte de tener una pinta espectacular el film también ha sido noticia por su algo atípica producción (rodando únicamente con luz natural y en escenarios reales lo que ha representado multitud de adversidades de tipo logístico). La película descrita como un «thriller fronterizo de supervivencia» está basado en el personaje histórico Hugh Glass, trampero y explorador de finales del siglo XIX, personaje en el que se inspiró Michael Punke para escribir la novela que Iñárritu adapta al cine. Ahora de la mano de 20th Century Fox
 nos llega su primer tráiler en castellano que podéis ver a final de página, su estreno en USA está previsto para las navidades de este mismo año, en España será el próximo 5 de febrero de 2016.

«The Revenant» nos cuenta como en 1820, un hombre que vive en las montañas resulta herido de muerte por el ataque de un oso. Viendo que nada pueden hacer por él, sus compañeros lo abandonan en el bosque. Pero sorprendentemente se repone de sus heridas y trata de vengarse de quienes lo abandonaron a su suerte.

La película está interpretada por Leonardo DiCaprio,  Tom Hardy,  Domhnall Gleeson,  Will Poulter,  Lukas Haas,  Paul Anderson,  Kristoffer Joner,  Brendan Fletcher,  Brad Carter,  Christopher Rosamond,  Timothy Lyle,  Robert Moloney,  McCaleb Burnett y Mark Krysko.

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«Eternal» review

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A un poderoso millonario, enfermo de cáncer, le ofrecen la posibilidad de someterse a un procedimiento médico radical para transferir su conciencia al cuerpo de un hombre más joven. Al principio la operación va bien y el hombre disfruta de su renovada juventud, pero todo se complica cuando empieza a descubrir los detalles en torno a la procedencia de su nuevo cuerpo.

Tarsem Singh se presentó en sociedad con la carta de ser uno de los alumnos más prometedores y aventajados proveniente de la generación del videoclip a finales de los noventa, su opera prima «The Cell» 2000 venía a ser un perfecto compendio de lo que se le espera de un autor en donde la imagen y el estilismo es primordial a la hora de ejecutar cualquier tipo de historias, su excelente barroquismo visual hacia presagiar una carrera de lo más prometedora algo que se vio confirmado en parte con su siguiente trabajo, la notable «The Fall» 2006, un paso hacia delante por parte de Tarsem Singh que aquí además lograba potenciaba un imaginario que desvelaba complejas inquietudes conceptuales y hasta filosóficas, y que conseguía al mismo tiempo amoldarse por difícil que pueda parecer en un principio a las referencias visuales tan características del director, logrando un producto tan atípico como estimulante. Con «Immortals» y «Mirror Mirror» más tarde supo sobrevivir con cierto tino al producto major conservando en algo su propia autoría.

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Lo peor que le puede pasar a un director de esta índole es caer dentro de un producto rutinario en su ejecución, «Eternal» se desvela como un trabajo sin alma, bien manufacturado, con buenos actores y competente diseño de producción, pero poseedora de un inconfundible halo de déjà vu en el desarrollo tanto de su historia (el film acaba por inundarse de personajes y situaciones mil veces vistas con anterioridad, de la misma forma hace gala de unas reiteraciones formales que no solo llegan a cansar al espectador curtido en estas lideres sino que llega a rozar sin atisbo de equivocación la saturación mas desacomplejada) como en el empleo que se hace en como mostrárnoslo, es aquí cuando se hace harto evidente que Tarsem Singh se limita a tirar de manual despojándose de cualquier percepción en lo referente a su trazo autoral, el no presentar ningún rasgo propio es una de las connotaciones más negativas que le pueden ocurrir a un director de estas características.

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Más doloroso aun es el comprobar las posibilidades desaprovechadas en el guión escrito por los hermanos Pastor, directores de «Infectados» (2009) y «Los últimos días» (2013), una historia repleta a priori de reflexiones y matices de interés que no se llegan a desarrollar y que oscila entre el thriller y la ciencia ficción, dejando sobre el tapete cuestiones tan atrayentes a priori como la inmortalidad, segundas oportunidades o la posibilidad de comprar el tiempo, un argumento que remite de forma inequívoca a la magna «Seconds» (1966) de John Frankenheimer, sin embargo no hay atisbo de las reflexiones existencialistas entre otras de las muchas cosas que poseía esta obra maestra, de echo «Eternal» no logra tener una pertinencia clara y definitoria hacia la ciencia ficción, decantándose más hacia el thriller al uso, relegándola a un sinfín de secuencias de acción y manidos golpes de efecto en la mayor parte de su metraje logrando que el espectador se llegue a desentender mucho antes de su final y emparejándola de algún modo más a productos tipo «Freejack» 1992 Geoff Murphy, ¿alguien se acuerda de este film, Emilio Estévez,
  Anthony Hopkins,  Mick Jagger?.

En definitiva, «Eternal» no pasa de ser un inocuo entretenimiento con etiqueta de encargo, tan ligeramente correcto como convencional en su confección, quedando a años luz del estilismo e inventiva  visual que tiempo atrás nos llegó a obsequiar el bueno de Tarsem Singh, una verdadera lastima.

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13 películas competirán en la sección ‘Nuev@s Director@s’ del Festival de San Sebastián

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Hoy se ha presentado la selección de películas que componen la sección Nuev@s Director@s. El director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, junto a Ander Aizpurua, Director de Banca Mayorista de Kutxabank, han desvelado los títulos de las trece películas que competirán por el Premio Kutxabank-Nuev@s Director@s, fallado por un jurado internacional específico y dotado con 50.000€. La sección Nuev@s Director@s presentará en la nueva edición del Festival una serie de primeras o segundas películas realizadas por cineastas de todo el mundo.

La competición por el Premio Kutxabank-Nuev@s Director@s supone para el Festival de San Sebastián una apuesta por los nuevos talentos cinematográficos internacionales y se ha convertido en una importante plataforma para dar visibilidad a sus obras. Es el caso de la película ganadora del Premio Kutxabank-Nuev@s Director@s en la pasada edición del Festival, Urok / The Lesson, dirigida por Kristina Grozeva y Petar Valchanov. Tras su estreno mundial en el Festival de Toronto y su estreno europeo en Nuev@s Director@s de San Sebastián, la película ha sido distribuida en todo el mundo y premiada en diversos festivales internacionales como Gotemburgo, Tesalónica, Tokio, Varsovia, Varna, Vilna, Sofía o Transilvania. Urok / The Lesson es, además, una de las tres películas finalistas para los Premios Lux del Parlamento Europeo, que se fallarán el próximo 25 de noviembre.

El apoyo de Kutxabank a la sección Nuev@s Director@s se enmarca dentro de una participación más amplia, que mantiene un año más a la entidad financiera como Colaboradora Oficial del Festival de Cine.

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AFTER EDEN. Hans Christian Berger
  (Canadá)

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Un cuento de amor y tentación en la era de la pornografía en Internet. Un solitario estudiante universitario localiza a su actriz porno favorita y se convierte en su anónimo perseguidor… hasta que encuentra el valor para conocerla en persona.

 

BARASH. Michal Vinik  (Israel)

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Naama Barash es una adolescente de 17 años a la que le gusta beber, las drogas y sus salidas con su grupo de amigos. Intenta escapar de una casa donde sus padres siempre están discutiendo y tiene una hermana rebelde enrolada en el ejército que un día desaparece. Cuando una chica nueva llega al instituto, Barash se enamora por primera vez y la intensidad de esta experiencia la confunde a la vez que da un nuevo sentido a su vida.

 

EINER VON UNS / ONE OF US. Stephan Richter  (Austria)

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Julian, un adolescente de 14 años de edad, muere rodeado por los coloridos productos de un gran supermercado. Una película basada en una historia real que muestra la rebelión de la juventud ante la anodina vida en la periferia de las grandes ciudades.

 

GRANNY’S DANCING ON THE TABLE. Hanna Sköld  (Suecia – Dinamarca)

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Eini ha sido criada en total aislamiento de la sociedad por su padre, un hombre temeroso del mundo. Su mayor miedo es que Eini lo abandone. Hace todo lo posible para hacerle creer que el mundo exterior y la gente que lo habita son malvados, y que todo lo que tiene que ver con la sexualidad y la vida adulta es peligroso.

 

IONA. Scott Graham  (Reino Unido – Alemania)

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Tres años después de competir en Nuev@s Director@s en 2012 con Shell, el escocés Scott Graham regresa al Festival de San Sebastián con este drama. Tras un violento crimen, Iona y su hijo adolescente Bull buscan refugio en la isla donde ella nació. Este regreso obliga a Bull a llevar una forma de vida que Iona rechazaba cuando era adolescente y provoca una onda de choque en la familia que dejó atrás.

 

JAJDA / THIRST. TSOTSORKOVA SVETLA  (Bulgaria)

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Una pareja y su hijo adolescente se ganan la vida a duras penas en lo alto de una colina con un servicio de lavandería para los hoteles locales, a pesar de que el suministro de agua es muy intermitente. Su sencilla vida es puesta patas arriba por la llegada de un padre y una hija que forman equipo: ella es zahorí y él perforador de pozos de agua.

 

LE NOUVEAU / THE NEW KID. Rudi Rosenberg  (Francia)

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Benoit, un chico de catorce años, ha dejado el campo para mudarse a París. Su primer día en el colegio resulta ser más difícil de lo que esperaba, y pronto se siente aislado. Hasta que un día, una chica nueva llega a clase…

 

PARASOL. Valéry Rosier  (Bélgica)

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Vacaciones, una isla en el Mediterráneo. Tres extravíos al final del verano. La determinación de hacer que las cosas cambien sin que importe el precio. Nostalgia por un pasado que nunca existió.

 

PAULA. Eugenio Canevari  (Argentina – Españapaula.jpg
Paula es una joven que vive y trabaja en la estancia de una familia burguesa cuidando a sus hijos. Su vida da un giro inesperado al descubrir que está embarazada de un joven que no se hace cargo de su paternidad. Presentada en Cine en Construcción en la pasada edición del Festival, es la ópera prima de Eugenio Canevari, quien también participó en el Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine de San Sebastián en 2013 con su corto Gorila baila.

 

PIKADERO. Ben Sharrock  (España – Reino Unido)

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Una pareja sin dinero encuentra serios obstáculos para consumar su fugaz relación en casa de sus padres, lo que pone en peligro una historia de amor que trata de librarse de los grilletes de una economía que se derrumba. Una comedia romántica protagonizada por Barbara Goenaga y Joseba Usabiaga.

 

RODINNY FILM / FAMILY FILM. Olmo Omerzu  (Rep.Checa – Alemania – Eslovenia – Francia – Eslovaquia)

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Un matrimonio sale a navegar al océano, dejando que sus hijos exploren el sentimiento de libertad de vivir solos en la casa familiar. El barco se hunde y la familia también. Un perro, abandonado en una isla desierta, es su única esperanza.

 

STAY WITH ME. Jinwoo Rhee  (Corea del Sur)

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Iseop es un estudiante nuevo en la clase donde también está la problemática Hayun. Se hacen amigos, y sus respectivas vidas se influyen y cambian poco a poco. Un drama que explora minuciosamente la vida adolescente.


VIDA SEXUAL DE LAS PLANTAS. Sebastián Brahm  (Chile)

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Después de que un accidente transforma al amor de Bárbara en un extraño de pocas luces ella se involucra con un hombre que le ofrece estabilidad sin pasión. Trata de adaptarse a su nuevo destino pero la memoria del amor perdido la atormenta. Hasta que entiende que lo más importante no está perdido.

Kaidan Eiga (1950-1970), diez propuestas

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El director nipón Hideo Nakata en su paso por el festival de Sitges en el 1999 para presentar «Ringu» y previendo que a partir de este film se abría una nueva etapa dentro del género de terror japonés, el denominado y a día de hoy prácticamente extinto a causa de su nula evolución j-horror, Nakata venía a reivindicar el cine clásico de genero japonés como marco referencial, poseedor al mismo tiempo de una notoria herencia artística de raíces bien profundas. Si estamos algo acostumbrados a resaltar en lo referente a su repercusión a cinematografías tan importantes en la evolución del género (en su mayoría europeas) como son el gótico y el giallo italiano, la fecunda etapa británica con la Hammer Films a la cabeza y sus derivados o incluso el esforzado fantaterror hispánico, no convendría olvidar el rico y variado cine de género japonés clásico, una cinematografía esta que poco o nada tiene que envidiar a las arriba comentadas.

El denominado Kaidan Eiga que aquí nos ocupa hacen referencia  al cine (Eiga) de fantasmas y espíritus (Kaidan) que se realiza en Japón prácticamente desde inicios de siglo, teniendo una edad de oro entre los añoa 50 y 60, es precisamente en los 60 hasta finales de los 70 cuando aparecen los maestros clásicos del género como Yoshihiro Ishikawa, Nobuo Nakagawa o Satoru Kobayashi, de la misma manera grandes directores no afines a este tipo de cine como Kaneto Shindô y Masaki Kobayashi irrumpen de forma definitoria con obras maestra que dotan al género de un prestigio antes no reconocido.

La presente lista viene a servir como una modesta herramienta informativa a los no iniciados en la materia, una breve lista compuesto por diez títulos en donde resalto lo primordial y básico de un subgénero hoy día poco conocido o valorado por las nuevas generaciones, un tipo de cine en donde nos encontramos de forma fecunda un predominio de fantasmas vengativos femeninos ubicados dentro de una sociedad feudal marcada de una manera clara por un abuso de poder claramente machista y patriarcal, todo ello enmarcado dentro de una tradición rica en elementos literarios, folklóricos, o incluso filosóficos.

1. Ugetsu monogatari (Tales of a Pale and Mysterious Moon After the Rain 1953) Kenji Mizoguchi

Japón, siglo XVI. Durante la guerra civil, los campesinos Genjuro y Tobei pretenden hacer fortuna: Tobei como vendedor y Genjuro como samurai. Los dos llegan al castillo de la princesa Wakasa, donde Genjuro se convierte en su amante. Por otro lado, Tobei se enamora de otra mujer.

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Obra maestra indiscutible a cargo del gran Kenji Mizoguchi donde el elemento fantástico es abordado de manera tan sutil y breve como elegante en una historia contada como uno de los más desgarradores testimonios de la codicia humana jamás llevados a la gran pantalla, perfecto equilibrio entre lo real y lo sobrenatural en un relato poseedor de una innegable sensibilidad de contornos puramente orientales.

2. The Ghost Cat of Ouma Crossing (Kaibyo Omagatsuji 1954) Bin Kado

Una actriz kabuki muere asesinada por envenenamiento. En su regazo, su gato prueba la sangre de su ama y se convierte en un espectro con ansias de venganza.

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Segunda película a cargo de Bin Kado que aborda la temática kaidan de gatos, filmada entre The Terrible Ghost Cat of Okazaki (1954) y The Ghost Cat of Gojusan-Tsugi (1956). Film ambientado dentro del entorno kabuki e interpretada por la veterana actriz Takako Irie, una habitual en este tipo de roles, película característica de venganza de tono espectral con la simbología del gato como principal referente, a destacar especialmente su tramo final a la hora de escenificar dicha venganza con un ritual tan atípico como inusualmente macabro.
 

3. Ghost of Kasane (Kaidan Kasane-ga-fuchi 1957) Nobuo Nakagawa

Un hombre le reclama a un samurái que le pague una deuda. El samurái mata al hombre y le ordena al criado que lo arroje a un pantano. Desde ese momento el fantasma del hombre acosará al samurái y su familia.

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Posiblemente la versión más notoria de un relato capital dentro del kaidan (el denominado relato de la compasión escrito por Encho Sanyutei) que ha sido adaptado a la gran pantalla en varias ocasiones. Nobuo Nakagawa nos propone aquí un fascinante relato que bebe del imaginario patrimonio cultural japonés de una manera acertada, en donde los celos deviene como el auténtico motor de una historia que es representada de forma icónica en su ámbito sobrenatural en la escenificación propia de los espectros que surgen del pantano al que hace referencia el título.

4. The Ghost of Yotsuya (Tokaido Yotsuya kaidan 1959) Nobuo Nakagawa

Las relaciones amorosas entre el despiadado ronin Iyemon y la bella Iwa no cuentan con la aprobación del padre de ésta. Iyemon lo asesina y huye a Edo con Iwa y su hermana, Sode, aparentando inocencia ante ambas. Poco después, una joven perteneciente a una familia poderosa, Ume, se enamora de Yyemon, lo cual motiva que el ronin, aconsejado por sus cómplices, mate a Iwa, con el fin de casarse con aquélla y superar sus míseras condiciones de vida.

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Nuevamente Nobuo Kanagawa recreando de manera magistral
  la obra homónima escrita por Namboku Tsuruya, posiblemente el relato por antonomasia del Kaidan mas importante y más veces adaptado al cine (más de medio centenar, la última a cargo de Takashi Miike). Estamos pues ante una muy fiel representación del relato original en una historia en donde Kanagawa demuestra un extraordinario buen hacer a la hora de plasmar visualmente todos los elementos sobrenaturales, consiguiendo un equilibrio casi perfecto entre la elegancia visual mostrada y la aspereza moral que posee la propia historia.

5. Ghost of Kagami Pond (Kaidan Kagamigafuchi 1959) Masaki Mori

En el Japón feudal hay una famosa tienda llamada Edoyo, cuyo encargado, Kinbei, sabe para sí mismo que algún día heredará el negocio, debido a que el propietario no tiene familia. Pero, de repente, el anciano adopta a un joven ronin llamado Yasujiro, lo que pone tenso a Kinbei, de manera que busca eliminarlo. En pos de un plan funesto, Kinbei asesina a la hermana de la novia de Yasujiro y arroja el cadáver al estanque de Kagami.

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Considerada una obra menor pero no exenta de varios elementos interesantes, film modesto que no deja de ser una reiteración formal de los espectros en busca de venganza tan característicos en este género, posiblemente abuse en su trama de una cantidad elevada de intrigas familiares algo que en parte es paliado por el buen uso del sonido fuera de campo a la hora de escenificar la consabida amenaza espectral.

6. Onibaba (1964) Kaneto Shindô

En el Japón medieval, la madre y la esposa de un guerrero esperan su vuelta del frente. Sobreviven engañando a los soldados perdidos en los campos, a los que asesinan para luego vender sus pertenencias…

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Otra de las cumbres indiscutibles del género, una excelente metáfora visual sobre las consecuencias de la guerra, el material que maneja Kaneto Shindo en el film es soberbio, conformando una sencilla historia triangular con una asombrosa definición espectral y sombría, aplicando un acertado uso del folclore japonés más primitivo, máscaras y leyendas sobrevuela la cinta pero implantadas de manera cuidadosa y elegante, en ningún momento se nos define por completo como una historia puramente de fantasmas ni demonios como en otras producciones de terror, aquí los demonios vienen a estar representados de alguna manera por los seres humanos.

7. Kaidan (Kwaidan 1964) Masaki Kobayashi

Filme basado en cuatro historias del escritor Lafcadio Hearn. «Pelo negro»: un samurái no soporta a su mujer y la abandona por una princesa. Años después vuelve a casa para realizar un terrible descubrimiento. «La mujer en la nieve»: dos leñadores se refugian de una tormenta de nieve en una especie de cobertizo abandonado. «Hoichi»: el fantasma de un samurái le pide a un músico ciego que toque una balada en la tumba de su señor. «En la taza de té»: un samurái se asusta ante la visión de un hombre reflejado en su taza.

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Magnífica y absoluta obra maestra esta película japonesa de Kobayashi que aquí se desmarca por completo de sus anteriores films para ofrecernos cuatro cuentos sobrenaturales (adaptando los relatos recogidos por el británico nacionalizado japonés Lafcadio Hearn), film de un innegable y notable preciosismo formal y estético, siendo posiblemente la gran referencia del cine de fantasmas japonés (galardonada en 1960 con el premio especial del jurado del Festival de Cannes). Film decididamente manierista pero que al mismo tiempo viene a ser un ejemplo modélico de que el cine fantástico también es sobre todo una cuestión de puesta en escena.

8. Kuroneko (Yabu no naka no kuroneko 1968) Kaneto Shindô

Una mujer y su nuera son atacadas y violadas por un grupo de samurais, que las asesinan cuando prenden fuego a la cabaña en que ellas viven. Poco después 2 mujeres muy parecidas a las muertas entran en escena atrayendo a samuráis solitarios hasta su casa con oscuras y vengativas intenciones.

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Otras de las cimas de la presente lista, no solo en lo referente al subgénero del kaidan eiga sino a la perfecta simbiosis existente aquí a la hora de conjuntar el relato espectral junto al de la reflexión-denuncia sobre la crueldad de la guerra. La sutileza y elegancia está presente prácticamente en
 todos los aspectos del film, desde su narración hasta su acertado empleo en aspectos técnicos, iluminación, maquillaje o efectos especiales.

9. Ghost Story of the Snow Witch (Kaidan yukijorô 1968) Tokuzô Tanaka

Un joven aprendiz y su maestro buscan en las montañas un árbol con el que tallar una estatua de la diosa Kannon. Tras encontrarlo, una tormenta de nieve les sorprende y se ven obligados a refugiarse en una cabaña. Pronto recibirán la visita de la mujer de nieve, que mata al maestro pero deja con vida al joven aprendiz a cambio de nunca rebele lo acontecido esa noche. Tiempo más tarde, el joven conoce una bella y misteriosa mujer de la que se enamora perdidamente.

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Sin la menor duda estamos ante la recreación cinematográfica por antonomasia de la historia Yuki onna, uno de los más características de la ghost story nipona desde que la incluyera Lafcadio Hearn en su antología Kwaidan y llevada al cine con anterioridad por Masaki Kobayashi , con un impecable sentido del romanticismo del que está dotado el relato que aquí se ve enriquecido en diversas y variadas vertientes, con uno de los finales más conmovedores de la historia del cine japonés, siendo al mismo tiempo un prodigio de narración que sabe aunar a la perfección el drama y la fantasía.

10. The Haunted Castle (Hiroku kaibyô-den 1969) Tokuzo Tanaka

1729, el Lord Tangonokami Nabeshime se encapricha de Sayo, hermana de un monje ciego. El monje Matashichiro se niega a ceder a los intereses lascivos del señor Nabeshime. Ante tal circunstancia, Nabeshime decide matar al monje, pero las circunstancias no serán las esperadas, Sayo se suicida y en su último aliento le pide a su gato Tama que beba de su sangre para que la venganza pueda perpetrarse.

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Enésima muestra del subgénero del gato espectral, imprescindible para los incondicionales del género como todos los film de la presente lista, el año algo tardío en que está realizada sirve para que el film sepa sacar el máximo partido en lo que se refiere al uso del color a la hora de escenificar sus secuencias más impactantes, suicidio-maldición-venganza.

StarWars. La creación de la Trilogía Original

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StarWars, o La Guerra de las Galaxias en España, es posiblemente la saga cinematográfica más importante de la historia. Más allá de su calidad artística o de su éxito comercial, esta obra marcó profundamente no solo a la industria del séptimo arte- que vio como la forma de hacer cine cambiaba de la noche a la mañana gracias a estas películas- sino a toda una generación de espectadores que adoptaron las aventuras de LukeSkywalkery compañía como parte intrínseca de sus propias vidas. Y es que ninguna otra serie de films ha impactado en la cultura popular de la forma en que lo hizo la creación de George Lucas.

Hoy, casi 40 años después y con todo un aluvión de nuevas entregas a la vista podría parecer que la franquicia lo ha tenido siempre todo de su parte, pero nada más lejos de la realidad. Los inicios, como casi siempre, fueron muy duros y la crónica de como StarWars llegó a hacerse realidad está repleta de matices. StarWars. La creación de la Trilogía Original adentra al lector en el corazón de esa apasionante historia que se esconde tras la realización de aquellas películas clásicas distinguiendo entre el mito y la realidad: Las motivaciones tras la visión de George Lucas, la concepción de los guiones, el desarrollo de toda una serie de nuevas técnicas cinematográficas, las anécdotas y curiosidades de los diversos rodajes…todo eso y mucho más en un relato indispensable para entender porque StarWars sigue siendo hoy, más que nunca, un hito de la historia del cine.

 http://creaciondelatrilogiaoriginal.blogspot.com.es/

Autor; Francisco Javier Martínez García. Editorial; ASOCIACIÓN CULTURAL DEL CÓMIC. Páginas; 216

Primer tráiler de la Palma de Oro 2015 «Dheepan» de Jacques Audiard

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«Dheepan«, el nuevo film de Jacques Audiard
 Un Prophète» y «De ruille et d’os«) acaba de estrenar un primer tráiler que podéis ver a final de página, la película ganadora con cierta polémica, pues muchos no la consideraron ni mucho menos entre las favoritas, de la Palma de Oro otorgado por el jurado presidido por los hermanos Coen en el pasado Festival de Cannes se mueve en los territorios del drama al igual que los anteriores trabajos de su director para contarnos una historia sobre la inmigración. El film llegará a los cines de Francia el próximo 26 de agosto.

«Dheepan» nos cuenta como para huir de la guerra civil en Sri Lanka, Dheepan hace pasar por su esposa a una mujer y por su hijo a una niña con la esperanza de que su engaño le otorgue fácilmente el derecho de asilo en Francia. El “héroe” de la película, tras ser un vendedor callejero, encuentra un trabajo como guardián de un edificio en un barrio problemático de las afueras. Yendo de un lado a otro observando y sin comunicarse verbalmente, en su desconocimiento casi total de la lengua francesa, los dos adultos se adaptarán progresivamente, aprendiendo también a conocerse mejor hasta empezar a amarse, mientras que la pequeña Illayal avanza a mayor velocidad gracias a la escuela. Pero Dheepan verá cómo finalmente las actividades del tráfico de drogas que lo rodean lo obligarán a salir de su reserva y sus sueños de la jungla tomar una dimensión urbana brutal…

La película está interpretada por Vincent Rottiers,  Marc Zinga,  Jesuthasan Antonythasan,  Franck Falise y Claudine Vinasithamby.

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Sitges 2015 se prepara con una sesión de cortos al aire libre

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A falta de poco más de dos meses para la 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, el Festival organiza una minimaratón de cortometrajes en el Port de Sitges – Aiguadolç, una iniciativa que se celebra desde hace cuatro años.

La cita será el próximo sábado, 1 de agosto, a las 23 horas, con un programa que incluye siete cortometrajes que se pudieron ver en la edición de Sitges 2014. Todos tienen en común la temática fantástica y de terror, y su trayectoria por diferentes festivales nacionales e internacionales, donde muchos de ellos han recogido destacados premios.

Programa

Sábado, 1 de agosto, a las 23 horas

Port de Sitges – Aiguadolç (Moll de Llevant)

Entrada gratuita

Cortos seleccionados (por orden alfabético)

Aún hay tiempo, de Albert Pintó. La noche de Navidad, Ángel se presenta en el centro comercial dónde trabaja su exnovia Nina con intención de arreglar las cosas con ella. Lo que aún no sabe es que para recuperar a la chica deberá escapar de un laberinto espacio-temporal creado por un misterioso muñeco Santa Claus.

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Baskin, de Can Evrenol. Rodada durante las cargas policiales en el parque Gezi de Istambul, Baskin sigue a cuatro policías que tras recibir una llamada rutinaria descubrirán algo aterrador.

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El bosque negro, de Paul Urkijo. Sir Héctor, un valiente caballero con armadura y corcel, se dispone a penetrar en el impío Bosque Negro para liberar a una hermosa y virginal dama, presa de un terrible ogro. ¿Conseguirá nuestro héroe vencer donde otros han sucumbido al horror y a la muerte?

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Interior. Familia, de Gerard Quinto, Esteve Soler y David Torras. Una pareja de padres cariñosos despierta a su hijo en medio de la noche. Deben hablar con él sobre algo urgente y aterrador que cambiará su vida por siempre jamás. 

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La carrera, de Christopher Cartagena. Un pequeño pueblo ha sido sitiado por la aparición de una extraña epidemia que ha afectado a toda la población. Alfredo también ha sido contagiado, pero con un juego entrenará a su hija para salir de ahí sola. ¿Será capaz la niña de abandonar a su padre llegado el momento?

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Nada S.A., de Albert Pintó y Caye Casas. Carlos lleva años en paro, está desesperado después de fracasar en todas las entrevistas de trabajo a las que se presenta. Un día ve un anuncio de una empresa que busca a alguien que quiera cobrar por no hacer nada. Carlos consigue el trabajo y ese día le cambiará la vida.

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Óscar desafinado, de Mikel Alvariño. En tono de broma, Violeta le dice a su novio Óscar que, si ella muere antes, él deberá esperar al menos 2 años antes de salir con otra mujer y que, si no lo hace, ella volverá de la tumba para vengarse. Poco después, Violeta muere. Y Óscar conoce a Ana.

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Vuelta al horror de Auschwitz, primer tráiler de la aclamada «Son of Saul»

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Primer tráiler que podéis ver a final de página de «Son of Saul» que supone el debut tras las cámaras de László Nemese que anteriormente había trabajado como asistente de dirección del reconocido cineasta húngaro Béla Tarr. «Son of Saul» fue una de las películas que más conmocionaron en la pasada edición del
 Festival de Cannes, hasta el punto de conseguir el gran premio del jurado, teniendo la sensación entre gran parte de la crítica que realmente era la merecedora a la palma de oro. A día de hoy se tiene cierta certeza de que el cine ya ha tratado el tema  del holocausto nazi de todas las perspectivas y maneras posibles, al parecer este nuevo cineasta húngaro ha logrado con «Son of Saul» lo que parecía algo difícil, mostrar de nuevo la misma historia pero desde una perspectiva totalmente nueva. El film que ya ha sido seleccionada por parte de Hungría como su representante en la carrera hacia los Oscar se estrenará en España el próximo 4 de diciembre de la mano de Avalon.

«Son of Saul» nos sitúa en el año 1944, durante el horror del campo de concentración de Auschwitz, un prisionero encargado de quemar los cadáveres de su propia gente encuentra cierta supervivencia moral tratando de salvar de los hornos crematorios a un niño que toma como su hijo, llegando a obsesionarse con él y con la loca idea de proporcionarle un entierro digno, con rabino incluido.

La película está interpretada por Géza Röhrig,  Levente Molnár,  Urs Rechn,  Sándor Zsótér,  Todd Charmont,  Björn Freiberg,  Uwe Lauer,  Attila Fritz,  Kamil Dobrowolski y Christian Harting.

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Llevando la autoridad al límite, tráiler de «Experimenter»

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Michael Almereyda se dio a conocer a mediados de los noventa con la peculiar «Nadja«, un film de vampiros en blanco y negro
 apadrinado por David Lynch, película casi experimental que pese a ser algo irregular poseía varios puntos de interés, de su filmografía posterior destacar básicamente su también curiosa «Trance» y su atípica visión Shakespeariana con «Hamlet«, después de varios años sin nada destacado en su haber ahora nos llega  un film algo más convencional, al menos en apariencia, que anteriores trabajos suyos, «Experimenter» cuyo primer tráiler y poster podéis ver a final de página. La película es un drama biográfico que se pudo ver en el pasado festival de Sundance y que tendremos la ocasión de ver en el próximo festival de Sitges. Su estreno en cines en Estados Unidos está previsto para el 16 de Octubre.

«Experimenter» gira en torno a un experimento que el afamado psicólogo Stanley Milgram llevó a cabo en la Universidad de Yale en los años 60, la cual tenía como fin medir la disposición de un participante para obedecer las órdenes de una autoridad superior aun cuando éstas pudieran entrar en conflicto con su propia conciencia, ordenó a los sujetos de dicho estudio que aplicaran una serie de corrientes eléctricas a un individuo que no podían ver, conforme subía el voltaje de las descargas y los gritos de la víctima eran más evidentes, Milgram acentuaba su papel autoritario y acababa ordenaba a los sujetos que continuaran aplicando electricidad a sabiendas de que estaban torturando a ese desconocido individuo. Milgram ideó estos experimentos para responder a la pregunta ¿Podría ser que millón de nazis en el Holocausto sólo estuvieran siguiendo órdenes?

La película está interpretada por Winona Ryder,  Taryn Manning,  Kellan Lutz,  Anton Yelchin,  John Leguizamo,  Peter Sarsgaard,  Dennis Haysbert,  Lori Singer,  Josh Hamilton,  Anthony Edwards,  Jim Gaffigan y  Vondie Curtis-Hall.

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Del Trazo al Píxel

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Del trazo al píxel. Un recorrido por la animación española es el complemento ideal del ciclo itinerante Del trazo al píxel. Más de cien años de animación española, producido por el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) y Acción Cultural Española (AC/E), una antología de piezas históricas olvidadas y trabajos recientes en el centenario del nacimiento del cine animado en nuestro país.

La selección del ciclo, a cargo de la comisaria Carolina López, incluye películas de autores como Segundo de Chomón, Josep Escobar, Francisco Macián, José Luis Moro, Jordi Amorós, Tomàs Bases, Raúl García, Juan Pablo Etcheverry, Isabel Herguera,  Javier Mariscal, Anna Solanas, Marc Riba, Alberto Vázquez, Pedro Rivero, Izibene Oñederra, Nicolai Troshinsky y Rocío Álvarez entre muchos otros.

Algunas de las piezas menos conocidas y sorprendentes del programa son: Garbancito de la Mancha (Arturo Moreno, 1945), primer largometraje de dibujos animados en color de Europa; anuncios en blanco y negro de los años 30 de dibujantes catalanes como Serra i Massana y Ferran; La Edad de Piedra (Gabriel Blanco, 1965), con dibujos de Chumy Chúmez; los spots de los Estudios Moro y Estela, un breve film de Frederic Amat creado para la ocasión.

A modo de catálogo del ciclo, y como ya se hizo con Del éxtasis al arrebato. Un recorrido por el cine experimental español, Cameo edita ahora un pack cuyo contenido hará felices a los seguidores de la animación tanto en nuestro país como en el mundo entero. Una edición de lujo que contiene 3 DVD con más de 50 títulos, un libro de 164 páginas con amplia información sobre cada una de las piezas incluidas, además de los artículos escritos para la ocasión por Carolina López, comisaria del ciclo, y Alfons Moliné y Susana Rodríguez Escudero, dos de los principales especialistas en animación de nuestro país. Todo ello reunido en un digipack con una cuidada presentación, diseñado por Estela Robles y con retoques de Iván Jiménez.

El triple DVD-catálogo, editado por Cameo, contiene algunos títulos diferentes a los del ciclo. Andrés Hispano ha coordinado los contenidos de la edición en DVD, que incluye 52 piezas, entre las que se encuentra el largometraje Historias de amor y masacre (Jordi Amorós, 1979), y en la que destaca también una cuidada selección de 28 anuncios de televisión de los Estudios Moro.

El programa de animación española Del trazo al píxel. Más de cien años de animación española se estrenará en la 55 edición del  Annecy, festival international du film d’animation (Francia) del 15 al 20 de Junio, dónde será uno de los platos fuertes de este año, en el que España es país invitado.

La industria española de animación también será la protagonista del mercado internacional más destacado de este género, el MIFA (Marché International du Film Animé), en Annecy.

Del Trazo al Píxel da continuidad al proyecto de recuperación de cinematografías poco conocidas iniciado por el CCCB y A/CE con Del Éxtasis al Arrebato (dedicado al cine experimental español y comisariado por Antoni Pinent y Andrés Hispano) y ha supuesto un trabajo de dos años de investigación y recuperación de materiales. El proyecto ha contado con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya, la Filmoteca Española y Movierecord, entre otros.

Tras su estreno en Francia, el ciclo recorrerá los principales museos, cinematecas y festivales internacionales y está previsto que se estrene en Barcelona y Madrid este próximo otoño. El catálogo-DVD saldrá a la venta en nuestro país el próximo 24 de junio editado por Cameo, y estará disponible en todos los puntos especializados y en www.cameo.es

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El Festival de San Sebastián desvela el cine español presente en su 63ª edición

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Pablo Agüero, Asier Altuna, Cesc Gay, Marc Recha, Federico Veiroj, Agustí Villaronga y Álex de la Iglesia estrenarán sus nuevas películas en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián. Imanol Uribe y Pere Joan Ventura presentarán sus últimos trabajos en proyecciones especiales dentro de la Sección Oficial. Dos coproducciones con España compiten en Nuev@s Director@s, y otros nueve títulos se presentan en otras secciones.

Hoy ha tenido lugar en la sede de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas la presentación de las películas de producción española que podrán verse en la 63 edición del Festival de San Sebastián, cuya inauguración tendrá lugar el próximo 18 de septiembre. José Luis Rebordinos, director del Festival, y Maialen Beloki, miembro del Comité de Dirección, han dado a conocer los títulos que se presentarán en las diferentes secciones.

Algunos de los más destacados cineastas españoles competirán con sus últimos trabajos por la Concha de Oro en la Sección Oficial: Asier Altuna, Cesc Gay, Marc Recha, Federico Veiroj y Agustí Villaronga, junto con el argentino Pablo Agüero. Álex de la Iglesia presentará su nueva película, Mi gran noche, fuera de concurso, mientras que en proyecciones especiales se estrenará el film de Imanol Uribe Lejos del mar y el documental de Pere Joan Ventura No estamos solos.

La sección Nuev@s Director@s incluye la participación de dos coproducciones con España: Paula, dirigida por el argentino Eugenio Canevari, y Pikadero, film del escocés Ben Sharrock rodado en el País Vasco. Otras dos coproducciones se presentarán en la sección Horizontes Latinos: El botón de nácar, nuevo film del cineasta chileno Patricio Guzmán, y Magallanes, ópera prima como director del actor peruano Salvador del Solar.

Como es habitual, la sección Zabaltegi presenta una selección de otros títulos destacados del año y en esta edición se incluyen varios títulos de producción nacional: Isla bonita de Fernando Colomo, La Novia de Paula Ortiz, Un día vi 10.000 elefantes, de Alex Guimerà y Juan Pajares, Mi querida España, de Mercedes Moncada, y The Propaganda Game, de Álvaro Longoria. El cortometraje de Tucker Dávila Wood Duellum se presentará también en esta sección.

Por último, la pantalla gigante del Velódromo de Anoeta acogerá un pase especial del film de Dani de la Torre El desconocido.

SECCIÓN OFICIAL

A competición

AMAMA. Asier Altuna   (España) 

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La nueva película del cineasta vasco Asier Altuna. Una historia familiar sobre el conflicto entre lo urbano y lo rural, entre pasado y presente, padres e hijos. Dos formas opuestas de entender la existencia, y una abuela que observa el mundo desde el más elocuente de los silencios. Protagonizada por Iraia Elias, Amparo Badiola, Ander Lipus, Manu Uranga, Kandido Uranga y Klara Badiola.

EL APóSTATA. Federico Veiroj   (España – Uruguay – Francia)

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El tercer largometraje de Federico Veiroj cuenta la historia de un joven que desea emanciparse de la fe que ha heredado de sus padres, al tiempo en que repara en su historia, sus cicatrices, las marcas de la culpa y el deseo. Interpretada por Álvaro Ogalla, Bárbara Lennie, Marta Larralde, Joaquín Climent y Vicky Peña.

UN DIA PERFECTE PER VOLAR  (UN DÍA PERFECTO PARA VOLAR). Marc Recha   (España

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Marc Recha presenta su nueva película, protagonizada por su hijo Roc y Sergi López. En un paraje solitario, un niño hace volar la cometa que ha hecho su padre. Sopla viento y el niño necesita la ayuda del adulto para seguir haciendo volar la cometa, que se ha enredado en la vegetación. En plena naturaleza, explican un cuento especial.

EVA NO DUERME. Pablo Agüero   (Argentina – Francia – España)

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Eva Perón ha muerto. Es la figura más amada y más odiada de Argentina. Un gran especialista se encarga de embalsamarla. Tras meses de trabajo logra un resultado perfecto. Pero se suceden una serie de golpes de Estado en Argentina y algunos dictadores quieren borrar el legado de Evita de la memoria popular. Su cuerpo se convierte entonces en el centro de una confrontación que durará 25 años. 25 años durante los cuales Evita ha sido una figura más poderosa que cualquier político vivo. Protagonizada por Gael García Bernal, Denis Lavant e Imanol Arias.

EL REY DE LA HABANA. Agustí Villaronga   (España – Rep. Dominicana)

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Agustí Villaronga adapta la novela homónima de Pedro Juan Gutiérrez. Reinaldo, un adolescente recién escapado de un correccional, se lanza a las calles de La Habana durante los duros años 90 del «período especial» cubano. Un pícaro con pocos escrúpulos que se enfrenta al hecho cotidiano de vivir. Interpretada por Maykol David, Yordanka Ariosa y Hector Medina.

TRUMAN. Cesc Gay   (España – Argentina)

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La nueva película de Cesc Gay, protagonizada por Ricardo Darin y Javier Cámara, se centra en la relación de dos amigos: Julián recibe la visita inesperada de su amigo Tomás que vive en Canadá. Ambos, junto a Truman, su perro fiel, compartirán, a lo largo de cuatro intensos días, momentos emotivos y sorprendentes provocados por la difícil situación de Julián.

Fuera de concurso

MI GRAN NOCHE. Alex de la Iglesia   (España)

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Jose, en paro, es enviado por la ETT para trabajar como figurante en la grabación de un programa especial de Nochevieja, en pleno agosto. Cientos de personas como él llevan semana y media encerradas día y noche, mientras fingen reír, festejando estúpidamente la falsa venida del año nuevo. ¿Hay hueco para el amor en medio de ese caos incontrolable? Una comedia coral de Álex de la Iglesia en la que la estrella de la canción Raphael se une a un reparto impresionante: Carlos Areces, Carolina Bang, Luis Callejo, Mario Casas, Carmen Machi, Pepón Nieto, Terele Pávez, Ana Polvorosa, Carmen Ruiz, Hugo Silva, Santiago Segura, Blanca Suárez, Antonio Velázquez y Enrique Villén.

Proyecciones especiales

LEJOS DEL MAR. Imanol Uribe   (España)

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Imanol Uribe refleja en su última película el drama de unos personajes que se enfrentan a los horrores del pasado. Santi sale de la cárcel y viaja al sur para visitar a Emilio, un antiguo compañero de celda que arrastra una enfermedad terminal. La casualidad hace que tropiece con Marina, la doctora que atiende a su amigo, con quien Santi tuvo un encuentro terrible hace muchos años y que ha marcado desde entonces la vida de ambos. Elena Anaya y Eduard Fernández son los protagonistas.

NO ESTAMOS SOLOS. Pere Joan Ventura   (España)

Una historia coral de la gente que, desde la soledad o la multitud, desde el barrio o el estrado de una universidad, agita diariamente la vida en las ciudades españolas.

NUEV@S DIRECTOR@S

PAULA. Eugenio Canevari   (Argentina – España)

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Paula es una joven que vive y trabaja en la estancia de una familia burguesa cuidando a sus hijos. Su vida da un giro inesperado al descubrir que está embarazada de un joven que no se hace cargo de su paternidad. Ópera prima de Eugenio Canevari, que participó en el Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine de San Sebastián en 2013 con su corto Gorila baila.

PIKADERO. Ben Sharrock   (España – Reino Unido)

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Una pareja sin dinero encuentra serios obstáculos para consumar su fugaz relación en casa de sus padres, lo que pone en peligro una historia de amor que trata de librarse de los grilletes de una economía que se derrumba. Una comedia romántica protagonizada por Barbara Goenaga y Joseba Usabiaga.

HORIZONTES LATINOS

EL BOTÓN DE NÁCAR. Patricio Guzmán   (Chile – España – Francia)

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El cineasta chileno Patricio Guzmán nos habla en su nuevo documental del agua, el cosmos y nosotros, los humanos. Todo comienza con el descubrimiento de dos misteriosos botones en lo profundo del Océano Pacífico, en las costas chilenas.

MAGALLANES. Salvador del Solar   (Perú – Argentina – Colombia – España)

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Película ganadora del Premio Cine en Construcción en la pasada edición del Festival. Magallanes reconoce a una mujer que sube a su taxi. Es Celina, la campesina menor de edad que detuvo arbitrariamente hace más de veinte años, cuando él era soldado. Tienen ambos un asunto pendiente. Y Magallanes una oportunidad de redención. Damián Alcázar, Magaly Solier y Federico Luppi son los protagonistas.

ZABALTEGI

UN DÍA VI 10.000 ELEFANTES. Alex Guimerà, Juan Pajares   (España)

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Angono Mba, rememora la expedición en la que hizo de porteador para el cineasta Hernández Sanjuán recorriendo la Guinea Española entre 1944 y 1946, en busca de un misterioso lago, donde según contaba una leyenda, se podían ver 10.000 elefantes.

ISLA BONITA. Fernando Colomo   (España)

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Fernando Colomo protagoniza y dirige su nueva película. Fer, un veterano publicista que está pasando por una crisis vital, es invitado a la isla de Menorca por su amigo Miguel Angel. Una vez allí, se reunirá con Nuria, una escultora antisistema, y su hija Olivia.

MI QUERIDA ESPAÑA. Mercedes Moncada   (España)

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Jesús Quintero acuñó, durante su larga carrera de periodista, un inmenso universo de personajes, de todo tipo de registro, que incluía a los que estaban excluidos de la versión imperante del país. Sus entrevistas reflejan también la palabra que no se pronuncia, y a los cuerpos que hablan aunque los sonidos le contradigan; así sus entrevistas nos devuelven un espejo más rico y complejo donde contemplarnos. Esta narrativa y sus entrevistas, emitidas e inéditas, son la materia prima de este relato de los años de España en Democracia.

LA NOVIA. Paula Ortiz   (España – Turquía – Alemania)

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La segunda película de Paula Ortiz está basada en Bodas de Sangre de Federico García Lorca y protagonizada por Inma Cuesta, Asier Exteandía, Leticia Dolera y Álex García. La Novia, angustiada e infeliz, se prepara para su boda con El Novio en medio del desierto blanco… pero existe un hilo invisible, feroz e imposible de romper, que une a La Novia y a Leonardo.

THE PROPAGANDA GAME. Álvaro Longoria (España)

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Largometraje documental dirigido por Álvaro Longoria, en el que se analizan las diversas técnicas y estrategias de la Propaganda centrándose en el sorprendente y siempre llamativo caso de Corea del Norte. La película ha sido rodada aprovechando el acceso privilegiado a filmar en Corea del Norte de la mano de Alejandro Cao de Benós, el único extranjero que trabaja para el gobierno comunista.
  El film analiza las estrategias utilizadas por los diferentes «jugadores» para manipular la «verdad» y sus intereses. Noticias falsas, medias verdades y  polémicas surrealistas sirven para que el espectador llegue a sus propias conclusiones y reflexione sobre lo difícil que es saber la verdad.

DUELLUM (Cortometraje). Tucker Dávila Wood   (España)

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Un duelo en el bosque, un día cualquiera.

VELÓDROMO

EL DESCONOCIDO. Dani de la Torre   (España)

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Luis Tosar, Goya Toledo y Javier Gutiérrez protagonizan un thriller dirigido por Dani de la Torre. Cuando Carlos, ejecutivo de banca, arranca su coche, recibe una llamada que le anuncia que tiene una bomba debajo de su asiento. Apenas tiene unas horas para reunir una gran cantidad de dinero o su coche volará por los aires.

El vínculo sobrenatural por encima de la cruda realidad, tráiler de «One and Two»

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Primer tráiler del film independiente «One and Two«, la película supone el debut de Andrew Droz Palermo en un trabajo de ficción, antes había dejado buenas sensaciones con el documental «Rich Hill» ganador del premio al mejor documental en el festival de Sundance del pasado año. «One and Two» viene a ser una nueva muestra del ese cine independiente
 estadounidense cada vez más habitual en estos últimos años en donde se nos presenta un drama familiar con algún que otro elemento fantástico en su historia, la película que se estrenará en Estados Unidos el próximo 14 de agosto ha pasado con buena nota en la sección panorama del pasado festival de Berlín y el SXSW de hace bien poco.

«One and Two» nos cuenta como dos hermanos que viven apartados de la sociedad en una remota granja descubren una forma sobrenatural de escapar de un hogar con problemas, pero encuentran su vínculo a prueba cuando la realidad amenaza con destruir su familia.

La película está interpretada por Kiernan Shipka,  Timothée Chalamet,  Elizabeth Reaser,  Grant Bowler,  Kyle Bell,  Zachary Dylan Brown y Chantey Colet.

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«Blind» review

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«Blind» nos sumerge en la historia de Ingrid, quien tras haber perdido recientemente la vista se retirará a la seguridad de su hogar, sitio en el que poder sentir que está todo controlado, a solas con su marido y sus pensamientos
  pronto empezará a sospechar que su marido oculta algún secreto pero, ¿será fruto de su paranoia o habrá alguna amenaza real a la que temer? sin embargo, los problemas reales de Ingrid se hallan precisamente ahí, entre esas cuatro paredes del apartamento en el que se refugia y reside, empezando a aflorar sus profundos temores y sus fantasías más reprimidas.

«Blind» supone la ópera prima tras las cámaras de Eskil Vogt (guionista de «Reprise» 2006 y «Oslo, 31 de Agosto» 2011), ofreciéndonos una interesante aproximación en donde la percepción y la imaginación de su personaje principal basculan a lo largo de todo el metraje del film en forma de un acertado discurso metafórico sobre ceguera física y pasional y como esta puede llegar a desgranar la complejidad de las relaciones personales y el vacío existencial inherente del mundo adulto y sus supuestos vínculos de pareja, estamos pues ante un original estudio sobre esa ceguera emocional antes comentada que sabe alejarse de manera inteligente del prototipo de film confuso argumentalmente hablando, una primera impresión puede conducir a esta apreciación, nada más lejos de la realidad, el objetivo de Eskil Vogt es otro bien distinto que el mero hecho de despistar al espectador a la hora de narrar.

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En «Blind» todo llega ha estar conjugado de una manera intencionada y condicional en lo que respeta a las fantasías ficcionadas de su protagonista, el reto de la película consiste (y ahí radica su principal virtud) en lograr situar al espectador en la piel de una persona ciega que no se preocupa en absoluto por lo real más que en la medida de lo que ella misma quiere conseguir visualizar en su subconsciente, por consiguiente cada nueva escena constituye una nueva ocasión o posibilidad de dar con un hallazgo cambiante de manera inesperada en su puesta en escena o de guion, consiguiendo dirigirla de una forma clara hacia una narración que podría calificarse como totalmente sensorial, lanzando al mismo tiempo un lucida reflexión que versa sobre la insatisfacción de una persona. Eskil Vogt da muestras de mucho humor (ese humor nórdico tan característico e inusual) e imaginación en este sentido, su lado más lúdico logra aligerar el peso de lo que ante todo es un drama sobre la desintegración de una pareja y el aislamiento de una mujer por causa de un aflicción física y moral. El director nórdico embarca al espectador hacia una experiencia que sutilmente se termina transformando en algo alejado completamente de lo que se supone que es una narración clásica.

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Aunque en ocasiones la película puede llegar a resultar algo cruda y directa en su puesta en escena, esta puede llegar a estar por momentos provista de una abundancia de escenas pornográficas que puede pillar por sorpresa a más de uno, en «Blind» no llegan a faltar ni la inteligencia ni las citas, Eskil Vogt termina haciendo una perfecta metáfora con el propio título del film al jugar dentro de su propia narración de una manera inteligente, alejándose conscientemente de ser caprichoso de forma gratuita y aportando ricos matices intercalados dentro de sus escenas. «Blind» posee también esa frialdad escandinava tan característica, llegando a estar representada en este aspecto y de manera inmejorable en la fisionomía de su actriz principal, hermosa pero extraña, una excelente elección de casting que corrobora todo el potencial interpretativo de la bella Ellen Dorrit Petersen.

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De la misma manera se tendría que destacar varios aspectos técnicos del film, por ejemplo su apartado visual es contundente, cuidado y pulcro, también resaltar su extraordinario sonido, impresionante en su afán por recrear notablemente las texturas sonoras captadas por la protagonista, algo que lamentablemente hace que su BSO no llegue a estar a la altura al equipararla, esta cumple sin más dando cierta sensación poco equilibrada en su conjunto con respecto a este apartado. «Blind» termina siendo una película original y muy recomendable de ver que nos habla y nos hace reflexionar al mismo tiempo de que lo que vivimos rara vez coincide con lo que deseamos, Eskil Vogt pues se sitúa como uno de los directores más interesantes del actual panorama cinematográfico europeo, cuya futura trayectoria habrá que seguir muy de cerca a partir de ya.

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