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Terror, fenómenos paranormales y conspiración en la España rural son los ingredientes principales de la esperada serie 30 monedas, dirigida por Álex de la Iglesia para HBO Europe, que aterrizará en la 53ª edición del Festival de Sitges. La proyección se podrá disfrutar en un pase especial dentro de la Sección Oficial.
La serie de televisión del aclamado director de El día de la bestia, Balada triste de trompeta o Las brujas de Zugarramurdi, sumerge al espectador en un mundo donde nada es lo que parece y no se puede confiar en nadie. Su protagonista, el padre Vergara, es un exorcista, boxeador y exconvicto exiliado en una parroquia de un pueblo remoto de España. Cuando Vergara es relacionado con una serie de fenómenos paranormales ocurridos en el pueblo, Paco, el ingenuo alcalde y Elena, una inquieta veterinaria, tratarán de desvelar los secretos de su pasado y el significado de la antigua moneda que Vergara mantiene oculta. Poco a poco, este insólito trío de héroes se encontrará inmerso en una conspiración global: la batalla por el control de las treinta monedas por las que el apóstol Judas Iscariote traicionó a Jesús de Nazaret.
30 monedas está coescrita por Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría, e incluye un reparto de alto nivel formado por Eduard Fernández, Miguel Ángel Silvestre, Megan Montaner, Macarena Gómez, Pepón Nieto, Manolo Solo o Carmen Machi. La serie es una producción de Pokeepsie Films para HBO Europe, con la participación de HBO Latin America.
Tras su premier mundial en el pasado en el Festival de Sundance el nuevo trabajo de la realizador chilena Maite Alberdi (El salvavidas, La once, Los niños) titulado El agente topo estrena un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que formara parte de la sección Perlas de la próxima edición del Festival de San Sebastián, al igual que los anteriores trabajos de Alberdi indaga en el documental, en esta ocasión a través de un curioso relato de detectives privados, temática esta relegada normalmente a la ficción.
En El agente topo vemos como Sergio es un espía chileno. O algo parecido. Al menos, se le ha ofrecido este trabajo después de un casting organizado por el detective Rómulo, un investigador privado que necesita a un topo que sea creíble para infiltrarse en un hogar de la tercera edad. La cliente de Rómulo, una hija de una residente preocupada por el trato que ésta pueda estar recibiendo, sospecha que su madre podría estar siendo maltratada, por lo que le contrata para descubrir qué es exactamente lo que está sucediendo.
Sergio, sin embargo, tiene 83 años y no es precisamente el agente 007, por lo que no resulta nada fácil entrenar a un aprendiz en lo que respecta a la tecnología y a la metodología de espionaje. Sergio sin embargo sí que es un buen estudiante que busca por todos los medios distracciones para entretenerse tras haber perdido a su mujer. ¿Qué podría ser más interesante que algo de espionaje de encubierto? Mientras trata de recolectar pruebas, Sergio entabla amistad con algunos de los residentes y se da cuenta que la supuesta terrible verdad que buscaba no tiene absolutamente nada que ver con lo que tanto él como Rómulo habían sospechado.
La película es una co-producción entre España (Malvalanda), Chile (Micromundo), Estados Unidos (Motto Pictures), Alemania (Sutor Kolonko) y Holanda (Volya Films) que cuenta con la participación de Orange España y que llegará a los cines de España a finales de año de la mano de BTEAM Pictures.
The Vast of Night nos sitúa en Nuevo México, Estados Unidos en la década de los años 50. Dos trabajadores de una radio local, un operador de radio y un pinchadiscos descubren una frecuencia que podría cambiar su vida y la de toda la humanidad para siempre, líneas telefónicas caídas, sospechosas señales de radio, bobinas de cintas ocultas en una biblioteca y una misteriosa llamada telefónica anónima llevarán a nuestros protagonistas a una peligrosa búsqueda hacia lo desconocido.
Tiempos algo extraños dentro del fantástico los acontecidos en estos últimos meses de este atípico 2020, si existe un género cinematográfico que está continuamente reinventándose en busca de nuevas fórmulas de entretenimiento indudablemente es este, posiblemente esa necesidad de abordar, o en el peor de los casos intentarlo, nuevas vías venga en la medida de ser un género que lejos de anclarse en la complacencia de un público va evolucionando casi al unísono de unas nuevas generaciones de aficionados que ya parece que no solo se conforman con que la propuesta de alguna manera les sorprenda sino que en cierta manera y si se da el caso exigir que se rinda una especie de pleitesía hacia un tipo de cine ya pretérito.
Dentro de ese pequeño festival lleno de buenas intenciones como es el Americana siempre ha habido un pequeño resquicio para algún film que indague sin muchas fisuras derivativas dentro del género fantástico independiente inédito en nuestro país, algo que en cierta manera tiene su mérito, siempre que la propuesta lo valga naturalmente, dada la excesiva proliferación de festivales especializado en dicho género que copan la gran mayoría de dichos productos, en esta edición el turno recayó en el segundo trabajo tras las cámaras del realizador Andrew Patterson titulado The Vast of Night, la extrañeza más arriba citada con respecto a este y otro film viene en la medida de cómo durante el confinamiento derivado por la pandemia una película de genero de tan dudosa calidad como The Wretched de Brett Pierce y Drew T. Pierce ha conseguido un auténtico record de visionados vía streaming, algo que en cierta manera tampoco es ninguna novedad pues la historia está plagada de films de terror de seria B que han rendido en taquilla muy por encima de lo que en realidad son sus posibilidades, con respecto a The Wretched seguramente sin existir esta excepcionalidad que nos ha tocado vivir hubiera pasado totalmente desapercibido dentro de ese interminable catálogo de películas de genero destinadas a la televisión por cable.
Con The Vast of Night y su inclusión en Amazon Prime, aunque de una forma local, ha pasado algo parecido en referencia a una serie de dialécticas, seguramente ocasionadas por la excepcionalidad antes comentada, que han llevado de alguna manera a la película ha situarla muy por encima de lo que en realidad son sus posibilidades, dicho de otra manera, el dialogo orquestado sobre ella puede resultar terminando bastante más interesante que lo que es en realidad el producto en cuestión, a fin de cuentas un muy modesto film que juega todas sus carta a favor de un estilo y empaque visual en detrimento de cualquier tipo de narrativa que resulte adecuada a unas imágenes que dan la impresión de buscar a toda costa una personalidad propia que a un servidor le cuesta bastante reconocer. La polémica, en parte absurda, como la mayoría que se producen en las redes sociales, vino en la medida por parte de un colectivo de aficionados que había encontrado multitud de virtudes en la película en buscar una explicación de su no inclusión en la pasada edición de un Festival de Sitges que la rechazo el pasado año, en este apartado entraríamos en una discusión que requeriría de muchas más líneas y de una profunda reflexión a la hora de percibir como muchos festivales de cine presentan programaciones que parecen destinadas a un público que el mismo evento ha ido formando durante años a su propia conveniencia llegando inexorablemente a un punto de autocomplacencia, tanto por parte del público como del propio certamen quedando bastante alejados de aquel concepto en donde los festivales cinematográficos eran un terreno propicio para la trasgresión, la polémica sana y el debate ocasionado por una programación que era inexistente en el ámbito de los estrenos comerciales.
Centrándonos ya en la película con todos los defectos que puede atesorar The Vast of Night la cinta de Andrew Patterson tiene conceptos bastantes más interesantes que el cincuenta por ciento de la vasta programación que suele presentar cada año Sitges, también fue posiblemente uno de los titulo más interesantes vistos este año dentro del Americana, independientemente de su aparente adscripción genérica estamos ante un film que representa casi a la perfección la validez, o lo entendible de ella, de saber transitar con cierto aplomo los recovecos de lo que viene a representar la esencia del cine independiente, básicamente y resumiendo la originalidad técnica o narrativa por encima de los medios disponibles a la hora de su plasmación fílmica. Dicho esto no estaría de más el contextualizar y en parte clarificar ciertas etiquetas otorgadas de antemano al film de forma algo confusa y precipitada que pueden llevar al despiste al espectador poco precavido, principalmente el referido a equipararla en base a ser un clon surgido del imaginario de la fundamental The Twilight Zone, a tal respecto señalar que la película de Andrew Patterson pese a anidar en todo momento a través de un toque retro que se sustenta básicamente en base al homenaje o la referencia de la mítica serie creada por Rod Serling no lo es tanto en el espíritu entendido como tal, al comienzo del film vemos una pequeña pantalla de televisión que emite un programa en blanco y negro a modo casi de némesis del de Serling titulado Paradox Theatre que segmenta el relato de forma episódica de forma muy forzada sirviendo de preámbulo o introducción a la narrativa que se nos va a relatar a partir de ese momento, a tal respecto las similitudes son clónicas solo en apariencia, o sea a través de su supuesta carcasa en donde se percibe una estética algo forzada, sin embargo la auténtica naturaleza de la película da la sensación de recurrir a texturas más propias de la Amblin de los años 80 que a la propia The Twilight Zone. Posiblemente una de las mayores virtudes que podemos encontrar en The Vast of Night consista en ver como Andrew Patterson se las ingenia, a través de diversos recursos técnicos tales como efectivos planos secuencia, para intentar disimular un argumento bastante simple que en parte no va más allá de lo que es su propia premisa, supuestos avistamientos de ovnis, visitas y secuestros alienígenas ubicados en una época que anida a través de la perplejidad de sus habitantes, a tal respecto The Vast of Night es esa clase de relatos que intenta evoca los dramas de radio de tiempos pretéritos, el tipo de cuentos fantásticos que en parte llevaron a multitud de familias a reunirse alrededor de su aparato de radio y escuchar hasta altas horas de la noche ficciones fantásticas, historias en definitiva con un trasfondo que puede devenir como muy amplio pero contadas aquí de una forma tan simple y sutil como efectiva por mucho que se caiga en la contradicción y en parte en la paradoja del abuso de la imagen y sus recursos estéticos a través de un relato que curiosamente versa principalmente acerca del valor, y el misterio en su variante fantástica, de la comunicación establecida por las palabras.
Después de su más que agraciado regreso hace un par de años al Wuxia con la notable Shadow Zhang Yimou da un golpe de timón en referencia a su productividad con tres nuevos trabajos que se irán estrenando en los próximos meses, al drama One Second, que en un principio tendría que haber estado presente en la pasada edición del Festival de Berlín pero que fue vetada por las autoridades chinas a última hora, se le unen dos thrillers, por una parte Under the Light, drama criminal ubicado en la china actual, por otro Impasse, film de espionaje de época cuyo primer tráiler con subtitulos en inglés acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a dos de sus pósters oficiales.
Impasse nos sitúa en los años 30, cuatro agentes comunistas que habían sido entrenados en la Unión Soviética regresan a China en donde forman un grupo de trabajo para llevar a cabo una operación encubierta denominada Utra que tiene como objetivo investigar una serie de oscuros experimentos médicos realizado por los japoneses. Después de lanzarse en paracaídas sobre una zona señalada, el grupo se encuentra instantáneamente atrapado en una trampa en donde parece obvio la existencia de un traidor entre ellos. ¿Conseguirán escapar con vida y completar la misión? Atrapados y rodeados de nieve y enemigos, el grupo de espías sabe que se enfrentan a una dura prueba.
La película con guion del propio Zhang Yimou está protagonizada por Zhang Yi, Zhang Hanyu, Qin Hailu, Zhu Yawen, Liu Haocun y Ni Dahong.
En este primer volumen de la Colección El Ocultismo en el Cine se dan cita las películas que se han inspirado en el vudú a lo largo de la historia. Desde Yo anduve con un zombi de Jacques Tourneur hasta El corazón del ángel de Alan Parker o La serpiente y el arco iris de Wes Craven; desde las ignotas cintas de serie B de los años 30 y 40 del siglo XX protagonizadas por Boris Karloff, Bela Lugosi o John Carradine, hasta las aportaciones más actuales. Reinas y sacerdotes vudú, zombies, sociedades secretas, viejos y malditos cantantes de blues, sacrificios rituales, posesiones, ceremonias a la luz de la luna. El libro que tienes en las manos es un exhaustivo repaso al cine inspirado en ese particular universo de la mano de Dani Morell, Javier J. Valencia, José Ángel De Dios, Óscar Sueiro, Víctor Castillo y Xavi Torrents.
Pero Vudú es mucho más que eso. Dani Morell, el coordinador de la obra, es un apasionado de la historia, del universo sureño de los Estados Unidos, la literatura, el cine y la cultura popular. Eso da como resultado una inmersión en los orígenes del vudú, un reconocimiento a los primeros estudiosos y aventureros que lo difundieron y un repaso detallado a la ficción que se atrevió y se atreve con el tema (relatos, novelas, cómics, música, videojuegos…), abriendo la puerta al lado más oculto y emocionante de Nueva Orleans, Haití y las islas del Caribe.
Autor: Varios, Editorial: Dilatando Mentes Editorial, Colección: El Ocultismo en el Cine, Páginas: 386
Será una de las películas presentes en la próxima edición del Festival de Sitges previo paso a finales de este mes de agosto por el Fantasia International Film Festival, certamen en donde tendrá lugar su premier mundial, el segundo trabajo tras las cámaras del realizador canadiense Anthony Scott Burns titulado Come True estrena un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Tras su interesante opera prima Our House y su participación en la colectiva Holidays Anthony Scott Burns ejerce en esta cinta de terror en auténtico hombre orquesta ocupándose a parte de la dirección y el guion de la música, junto a Electric Youth, y la fotografía.
En Come True vemos como una adolescente de carácter rebelde vive atormentada por unos oscuros sueños que espera solucionar a través de un estudio universitario sobre dicha dolencia, una terapia que espera que la ayude a deshacerse de sus pesadillas, sin embargo dicho tratamiento se convierte en el canal de un nuevo descubrimiento bastante oscuro.
La película con producción de Vincenzo Natali y guion del propio Anthony Scott Burns junto a Daniel Weissenberger está protagonizada por Julia Sarah Stone, Landon Liboiron, Skylar Radzion, Tiffany Helm, Tedra Rogers, Chantal Perron, Michelle Rios, Marla Renae, Carlee Ryski, Caroline Buzanko, Elena Porter, Kaya Coleman, Orin McCusker, Pamela Parker y Steve Tsang.
El Festival de San Sebastián y Kutxa Fundazioa han firmado un acuerdo de colaboración en el contexto del proyecto de investigación Zinemaldia 70: Todas las historias posibles, un proyecto que cuenta con el patrocinio de Loterías y Apuestas del Estado. Esta colaboración se centra en la conservación, catalogación e investigación del fondo fotográfico del archivo del Festival.
En virtud de este convenio, el Festival se compromete a catalogar las fotografías relacionadas con la cita cinematográfica donostiarra que conserva la extensa Fototeka de Kutxa Fundazioa y que puede consultarse en la web Kutxateka.eus. Además, este acuerdo de colaboración permitirá iniciar los trabajos de recuperación, conservación y catalogación del fondo fotográfico conservado en el archivo del Festival de San Sebastián. Estas dos líneas de trabajo permitirán profundizar en el conocimiento de la memoria visual del Festival y garantizar la correcta conservación y difusión de este importante patrimonio fotográfico.
Esta colaboración cristalizará, además, en una exposición fotográfica anual en el espacio expositivo de Kutxa Kultur Plaza, ubicado en Tabakalera. La primera exposición tendrá lugar en diciembre de 2020 y presentará uno de los casos de estudio a partir de las investigaciones sobre el archivo del Festival.
Esta colaboración entronca con la línea de trabajo en la que Kutxa Fundazioa trabaja por la puesta en valor del Patrimonio guipuzcoano poniendo especial énfasis en el patrimonio documental fotográfico.
Kutxa Fundazioa lleva casi 50 años realizando la labor de conservación y difusión del patrimonio fotográfico por medio de su Fototeka que conserva alrededor de un millón y medio de objetos fotográficos relacionados, en su mayoría, con el territorio guipuzcoano.
Zinemaldia 70: Todas las historias posibles
¿Cuántas historias cuentan siete décadas de funcionamiento de un festival internacional de cine? ¿Cómo reencontrarnos con la memoria y los rastros materiales de todas las facetas cinematográficas, políticas, sociales y personales que han dado forma al Festival de San Sebastián desde su fundación en 1953?
El Festival de San Sebastián ha creado junto al departamento de investigación de Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE) el proyecto Zinemaldia 70: todas las historias posibles (Z70) con el fin de generar un archivo vivo del Festival. La primera fase del proyecto culminará en 2022, coincidiendo con el 70º aniversario del Festival. La iniciativa cuenta con la colaboración del Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera, Filmoteca Vasca y Kutxa Fundazioa, y con el patrocinio de Loterías y Apuestas del Estado.
El proyecto Z70 pone de relieve la importancia de los fondos documentales del Festival (cartas, fotografías, críticas y reseñas en periódicos y revistas, libros…) conservados en su archivo desde 1953. El principal objetivo del proyecto es generar reflexión y discusión en torno al pasado, el presente y el futuro del Festival, así como diálogos críticos con la creación cinematográfica y el pensamiento contemporáneo.
El cineasta Alfred Hitchcock en San Sebastián presentando su película Vértigo. (1958)
Foto: Paco Marí – Fondo Marín
El director del Zinemaldia, Antonio de Zulueta, recibe en la estación del Norte a la actriz Eva-Marie Saint, que vino para presentar su película Con la muerte en los talones, que dio la Concha de Plata al Mejor director a Alfred Hitchcock. (1959)
Foto: Paco Marí – Fondo Marín
Nestor Basterretxea y Fernando Larruquert en el cine Astoria con la película Ama lur. (1968)
Foto: Arturo Delgado – Fondo Arturo Delgado
Fritz Lang. (1970)
Foto: Paco Marí – Fondo Marín
Elizabeth Taylor en la presentación de la película Una hora en la noche. (1973)
Foto: Paco Marí – Fondo Marín
Pilar Miro en la rueda de prensa de la película Werther. (1986)
Foto: Javier Gallego – Fondo Gallego
Williem Dafoe en el año de La última tentación de Cristo. (1988)
Foto: Javier Gallego – Fondo Gallego
Roman Polanski en la presentación de Frenético. (1988)
Foto: Javier Gallego – Fondo Gallego
John Waters en el año de la película Hairspray. (1988)
Foto: Javier Gallego – Fondo Gallego
Emma Suarez en la presentación de la película Contra el tiempo. (1990)
Foto: Javier Gallego – Fondo Gallego
Una vez acaba la popular Juego de Tronos empieza ese duro tránsito para algunos de sus actores de tener que aparecer en proyectos que en parte les alejen del encasillamiento, a tal respecto Maisie Williams protagoniza el thriller The Owners, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, basada en el comic de Herrmann y Yves H Une Nuit de Pleine Lune y opera prima del realizador de origen francés Julius Berg, tendrá un estreno limitados en cines y VOD en Estados Unidos previsto para el próximo 4 de septiembre.
The Owners nos cuenta como un grupo de amigos cree que encuentran un blanco fácil en una casa vacía en donde creen que hay una caja fuerte llena de dinero. Pero cuando los propietarios, una pareja de ancianos, llegan temprano a casa, las cosas cambian repentinamente. Será entonces cuando comience un juego del gato y el ratón con los ladrones luchando para salvarse de una pesadilla que nunca hubieran imaginado.
La película con guion del propio Julius Berg junto a Matthieu Gompel está protagonizada por Maisie Williams, Rita Tushingham, Sylvester McCoy, Jake Curran, Ian Kenny, Andrew Ellis y Stacha Hicks.
El film adapta la novela homónima de Amélie Nothomb, de éxito internacional.
Cosmética del enemigo, el último trabajo del director catalán Kike Maíllo, será uno de los títulos que se presentarán en Sitges 2020, en una edición donde el cine catalán y español tendrá un peso muy destacado. El film es una coproducción entre España, Francia y Alemania y cuenta con un reparto internacional formado por Tomasz Kot (Cold War), Athena Strates (The Good Liar), Marta Nieto (Madre) y Dominique Pinon (Delicatessen).
La película, que formará parte de la Sección Oficial a Competición, adapta la novela Cosmétique de l’ennemi, de la autora belga Amélie Nothomb, que ha sido traducida a 24 idiomas y ha vendido más de 700.000 copias en todo el mundo. Se trata del tercer largometraje de Kike Maíllo, que inauguró Sitges 2011 con Eva y ganó el Goya a la mejor dirección novel. Cosmética del enemigo es su primera producción internacional, para la cual ha confiado una vez más en un equipo técnico integrado, en su mayoría, por profesionales formados en ESCAC (Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Catalunya).
El film está centrado en la historia de Jeremiasz Angust, un arquitecto de éxito que pierde su vuelo a causa de una misteriosa joven que lo aborda de repente. Los dos personajes iniciarán una conversación que irá enrareciéndose hasta convertirse en algo siniestro y criminal.
Acaba de ver la luz un primer avance, en forma de tráiler oficial que podéis ver a final de página, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador británico Steve McQueen (Shame, 12 Years a Slave, Widows) titulado Small Axe, miniserie antológica compuesto por cinco películas ambientadas desde finales de la década de 1960 hasta mediados de 1980 que cuentan diferentes historias que involucran a la comunidad antillana residente en Londres y su lucha por los derechos civiles de la población de color. Los cinco largometrajes titulados Mangrove, Lovers Rock, Alex Wheatle, Education, y Red, White and Blue estarán disponibles en a finales de año en Prime Video tras su emisión por la BBC.
El primero de los largometrajes de nombre Mangrove nos sitúa hace 50 años, el 9 de agosto de 1970, 150 manifestantes marcharon contra el acoso policial en Notting Hill. Esta es la historia de los llamados Mangrove 9, un grupo de activistas negros arrestados por liderar la protesta y que cambió la historia británica al tomar una posición contra la discriminación racial.
La serie producida por Turbine Studios y Lammas Park de Steve McQueen para BBC One, con Amazon Studios coproduciendo en los Estados Unidos cuenta con guion del propio Steve McQueen junto a Alastair Siddons y Courttia Newland estando protagonizada porThomas Coombes, Gershwyn Eustache Jnr, Malachi Kirby, Jodhi May, Shaun Parkes, Rochenda Sandall, Letitia Wright, Joshua Viner, Morgan Archer, John Boyega, Nigel Boyle, Calum Callaghan, Sheyi Cole, Richard Cordery, Zakiyyah Deen, Elliot Edusah, Ellis George, Robert Godley-Harrod, Rudy Valentino Grant, Marina Hayter, Tyrone Jeffers, Alex Jennings, Jack Lowden, Andrew G. Ogleby, Shaniqua Okwok, Ciarán Owens, Martin Portlock, Jon Prophet, Joy Richardson, Jay Simpson, Joakim Skarli, Sam Spruell, Jim Sturgeon y Joe Tucker.
El Festival selecciona también la proyección especial (fuera de concurso) del segundo filme de Matt Dillon como director.
El Festival de San Sebastián ha incorporado a su competición a la reconocida directora franco-libanesa Danielle Arbid, que pugnará por la Concha de Oro con su nuevo largometraje, Passion simple; al argentino Eduardo Crespo, que participará con Nosotros nunca moriremos / We Will Never Die, y al británico Harry Macqueen, con Supernova. En la Sección Oficial coincidirán también dos obras de temática musical: el veterano documentalista y cineasta inglés Julien Temple concursará con Crock of Gold: A Few Rounds with Shane MacGowan, un acercamiento a la figura del carismático líder del grupo The Pogues, mientras que el actor estadounidense Matt Dillon mostrará en Proyecciones Especiales su segundo filme como director, El gran Fellove, acerca del músico cubano Francisco Fellove.
La franco-libanesa Danielle Arbid (Beirut, 1970) ha participado previamente en la Quincena de Realizadores de Cannes con Maarek hob / In the Batterfields (2004) y Un homme perdu / A Lost Man (2007), y varias veces en el Festival de Locarno, donde ha ganado el Leopardo de Oro y el de Plata. Ahora, la directora participa por primera vez en la competición donostiarra con Passion simple, adaptación de la novela homónima de la escritora francesa Annie Ernaux, en la que Laetitia Dosch interpreta a una mujer que pierde la cabeza por un diplomático ruso encarnado por Sergei Polunin.
Por su parte, Eduardo Crespo (Crespo, 1983) relata en su tercer largometraje, Nosotros nunca moriremos, el viaje de un niño junto a su madre al pueblo donde acaba de morir su hermano mayor. El cineasta, guionista y director de fotografía argentino es autor de Tan cerca como pueda (2012) y del documental Crespo (La continuidad de la memoria) (2016), ambos estrenados en festivales internacionales y estrechamente vinculados a la provincia de Entre Ríos de la que es oriundo.
En Supernova, el segundo filme que escribe y dirige Harry Macqueen (Leicester, 1984), los actores Colin Firth y Stanley Tucci encarnan a dos viejos amigos para quienes lo más importante es pasar tiempo juntos después de que uno de ellos haya sido diagnosticado de demencia prematura. El británico se estrenó como director con Hinterland (2014), película en la que también actuó, pues la interpretación es otra de sus facetas y ha trabajado en múltiples cortos y en largometrajes como Me and Orson Welles (Richard Linklater, 2008) o Provenance (Ben Hecking, 2017).
También se presentará a concurso Crock of Gold: A Few Rounds with Shane MacGowan, una producción de Johnny Depp dirigida por Julien Temple (Londres, 1953) cuyo protagonista es el talentoso y querido líder de The Pogues, banda de música folk irlandesa con espíritu punk. El realizador inglés es autor de obras de ficción como Earth Girls are Easy (Las chicas de la tierra son fáciles, 1988) o Bullet (1996), pero sobre todo destaca en su condición de cronista del rock de los últimos 40 años gracias a sus documentales y vídeos musicales para artistas como Sex Pistols, The Rolling Stones, David Bowie, The Kinks, Joe Strummer (The Clash), Wilko Johnson y Paul Weller, entre muchos otros. Temple fue miembro del Jurado Oficial del Festival en 1986, año en que presentó Absolute Beginners en la primera maratón del Velódromo. Además, en 2010 el Festival proyectó su documental The Filth and the Fury (La mugre y la furia, 2000) en el ciclo .doc-Nuevos caminos de la no ficción.
Fuera de competición, la Sección Oficial incluirá la proyección especial del segundo filme como director de Matt Dillon (New Rochelle, Nueva York, 1964), El gran Fellove, un documental sobre el músico e intérprete cubano Francisco Fellove (1923-2013). El debut del estadounidense tras la cámara fue el largometraje de ficción City of Ghosts (La ciudad de los fantasmas, 2002), aunque es más popular en su faceta de actor, que ya fue reconocida con el Premio Donostia a su carrera en 2006. Entre otras películas, ha protagonizado The Outsiders (Rebeldes, Francis Ford Coppola, 1983), Drugstore Cowboy (Gus Van Sant, 1989), Crash (Paul Haggis, 2004) o The House that Jack Built (La casa de Jack, Lars von Trier, 2018).
Passion simple está incluida en el listado de las películas que el Festival de Cannes tenía previsto presentar este año antes de verse obligado a suspender su 73 edición por el Covid-19. Los cinco títulos se proyectarán en San Sebastián como estrenos mundiales que se suman a los ya anunciados en una Sección Oficial en la que concursarán cineastas consagrados como Pablo Agüero (Akelarre), Sharunas Bartas (In The Dusk), Naomi Kawase (Asa Ga Kuru / True Mothers), Antonio Méndez Esparza (Courtroom 3H / Sala del Juzgado 3H), François Ozon (Été 85 / Summer of 85 / Verano del 85) y Thomas Vinterberg (Druk / Another Round) junto a nuevos realizadores como Dea Kulumbegashvili (Dasatskisi / Beginning) o Takuma Sato (Nakuko wa ineega / Any Crybabies Around?).
Rifkin’s Festival, la nueva comedia de Woody Allen, inaugurará la Sección Oficial fuera de concurso. Al margen de la competición también se proyectarán dos nuevas series: Antidisturbios, de Rodrigo Sorogoyen, se verá fuera de concurso, mientras que Patria, creada por Aitor Gabilondo, será una proyección especial.
Crock of Gold: A Few Rounds With Shane McGowan
Julien Temple (Reino Unido)
Combinando imágenes de archivo inéditas de la banda y de la propia familia de MacGowan, junto con animaciones del legendario ilustrador Ralph Steadman, Crock of Gold es una celebración del poeta punk irlandés Shane MacGowan, cantante y compositor principal de The Pogues.
El Gran Fellove / The Great Fellove
Matt Dillon (México – Cuba – EEUU)
Proyecciones especiales
El Gran Fellove es una película documental del actor y cineasta Matt Dillon que relata la carrera musical del cantante y showman cubano Francisco Fellove y la grabación de su último álbum. A través de una serie de entrevistas, fotografías y videos de archivo, y también mediante las propias imágenes de Matt, la película describe la vida de Fellove como la de un músico en apuros en Cuba, recuerda su tardío éxito en México y el contagioso amor que tuvo por la música hasta el final.
Nosotros nunca moriremos / We Will Never Die
Eduardo Crespo (Argentina)
Intérpretes: Romina Escobar, Rodrigo Santana, Jésica Frickel, Giovanni Pelizzari, Brian Alba, Sebastián Santana
Rodrigo y su madre viajan al pueblo donde acaba de morir su hermano mayor. En ese lugar calmo, transitarán los primeros tiempos del duelo. Rodrigo se irá asomando al dolor de los adultos y de manera imperceptible irá dejando la infancia. Su madre intentará revelar los misterios de esa muerte. Una película diáfana, con melancolía y un leve humor, con personajes solitarios que intentan brindar algo de afecto. Una historia suspendida en el tiempo, en la flotación de los lugares perdidos de provincia.
Passion simple
Danielle Arbid (Francia – Bélgica)
Intérpretes: Laetitia Dosch, Sergei Polunin
«Desde septiembre del año pasado no he hecho más que esperar a un hombre: que me llamara y que viniera a verme… Todo en él me parecía precioso: sus ojos, su boca, su pene, sus recuerdos de infancia, su voz…»
Supernova
Harry Macqueen (Reino Unido)
Intérpretes: Colin Firth, Stanley Tucci
Sam y Tusker han pasado veinte años juntos, y están tan enamorados como siempre. Pero en los dos últimos años, desde que Tusker fue diagnosticado de demencia prematura, sus vidas han cambiado. Al llegar el otoño comienzan un viaje por carretera para reencontrarse con sus amigos y familiares y visitar los lugares de su pasado. A medida que su viaje avanza, comienzan sus diferencias al abordar sus planes de futuro. Se descubren secretos, se desentrañan planes privados y se pone a prueba su amor como nunca antes.
El lenguaje de las ópticas explora el poder expresivo de las ópticas y su contribución a la narración de historias en los proyectos cinematográficos. Mediante un examen detallado explica las formas de controlar la apariencia del espacio, el movimiento, el enfoque, los destellos, las distorsiones y la personalidad óptica del panorama visual de la historia. El autor proporciona un enfoque único para aprender a producir imágenes convincentes, tanto en el ámbito estético como en el narrativo.
Rebosante de vívidos ejemplos del cine comercial, independiente y mundial, El lenguaje de las ópticas presenta docenas de casos, a la par que examina su enfoque conceptual, narrativo y técnico. De esta forma, revela cómo han aprovechado los cineastas el poder de las ópticas para expresar toda la gama de emociones, temas, tono, atmósfera, subtextos, estados de ánimo y conceptos abstractos en sus filmes. El lenguaje de las ópticas proporciona a los cineastas de cualquier nivel o experiencia una gran cantidad de conocimiento para liberar el poder expresivo de la óptica que tengan en sus manos, tanto si se trata de un smartphone como de ópticas profesionales de última generación.
Cinco años han pasado desde que Charlie Kaufman dirigiera su último trabajo tras las cámaras, la stop motion Anomalisa, I’m Thinking of Ending Things, su tercera película como realizador cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, nos llegará vía Netflix el próximo 4 de septiembre, el film supone la adaptación por parte de Kaufman de la novela homónima de Iain Reid, un relato colindante con el drama psicológico de marcado tono oscuro y surrealista que en un principio parece bastante propicio al particular imaginario del responsable de la aun inédita en nuestro país Synecdoche, New York.
En I’m Thinking of Ending Things vemos como a pesar de no estar del todo segura de su relación sentimental, una joven se embarca en un viaje con su nuevo novio a la granja de su familia. Cuando una inoportuna ventisca los deja encerrados en la casa con los padres de Jake, la joven empieza a poner en duda todo lo que cree saber de su prometido, del mundo y de sí misma.
La película con guion adaptado por parte del propio Charlie Kaufman y música a cargo de Jay Wadley está protagonizada por Jesse Plemons, Jessie Buckley, Toni Collette, David Thewlis, Colby Minifie, Jason Ralph, Abby Quinn, Hadley Robinson, Guy Boyd, Ashlyn Alessi, Teddy Coluca, Dj Nino Carta, Austin Ferris, Dannielle Rose, Brooke Elardo, Varvara Cardenas, Monica Ayres, James Glorioso Jr., Thomas Hatz, Albert Skowronski, Liggera Edmonds-Allen, Julie Chateauvert y Kamran Saliani.
Sorprendente cuanto menos esta precuela televisiva lanzada por Netflix del personaje interpretado por Louise Fletcher en la película One Flew Over the Cuckoo’s Nest de Milos Forman basada en la novela del año 1962 de Ken Kesey, Ratched, cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a uno de sus pósters promocionales, nos sitúa 28 años antes que la película interpretada por Jack Nicholson. Ratched, que verá la luz el próximo 18 de septiembre, cuenta en la labor de showrunner con Ryan Murphy (American Horror Story).
En Ratched vemos el proceso mental de una enfermera de una institución mental que se vuelve hastiada, irascible y un verdadero monstruo para sus pacientes. En los años 40, Mildred Ratched se traslada al norte de California para conseguir un trabajo en un hospital psiquiátrico pionero en la aplicación de nuevos e inquietantes experimentos con la mente humana. Mildred se presenta como la imagen perfecta de lo que debería ser una enfermera pero, a medida que empieza a trabajar en el sistema de salud mental y con aquellos que están dentro de él, se descubrirá que en su elegante exterior oculta una oscuridad que va creciendo en su interior y que lleva ardiendo durante mucho tiempo, revelando que los verdaderos monstruos se hacen, no nacen.
La serie de 18 episodios cuenta con un guion del propio Ryan Murphy junto a Evan Romansky estando protagonizada por Sarah Paulson, Judy Davis, Harriet Sansom Harris, Cynthia Nixon, Hunter Parrish, Amanda Plummer, Corey Stoll, Sharon Stone, Jon Jon Briones, Finn Wittrock y Charlie Carver.
Entre los trabajos seleccionados hay varias películas procedentes de los ‘work in progress’ del Festival.
Un total de once producciones de Brasil, China, Corea del Sur, España, Francia, Holanda, Irlanda, Japón, Polonia, Reino Unido, Rusia y Vietnam competirán por el Premio Kutxabank-New Directors del Festival de San Sebastián, que celebrará su 68 edición del 18 al 26 de septiembre. Del total de trabajos seleccionados, siete son óperas primas y el resto son segundas películas de sus autores, según han explicado hoy en rueda de prensa el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, y la directora de la Red Gipuzkoa de Kutxabank, Ainhoa Arruabarrena.
Entre quienes presentan su debut en el largometraje hay cuatro cineastas con proyectos gestados, premiados o programados anteriormente en el Festival de San Sebastián. Es el caso de Isabel Lamberti (Bühl, 1987), cineasta nacida en Alemania y criada en España y Holanda que tras lograr con el corto Volando voy (2015) el Torino Award de Nest, el encuentro internacional de estudiantes de cine del Festival de San Sebastián, ahora concursará con La última primavera / Last Days of Spring, largometraje ambientado en el barrio de chabolas de la Cañada Real de Madrid. Asimismo, David Pérez Sañudo (Bilbao, 1987), que en 2017 participó en Zinemira-Kimuak con el corto Aprieta pero raramente ahoga (2017), presentará Ane, un largometraje sobre una madre embarcada en la búsqueda de su hija desaparecida.
Por su parte, el brasileño Joâo Paulo Miranda Maria (Porto Feliz, Sâo Paulo, 1982), que obtuvo el Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos en Cine en Construcción 37 Toulouse, mostrará Casa de antiguidades / Memory House, una espiritual y fantástica historia que capta las tensiones sociales y raciales del Brasil de hoy en día, mientras que el ruso Grigory Kolomytsev (Krasnodar, 1990), que participó en las residencias de Ikusmira Berriak en 2018, narra en Chupacabra el hallazgo de una criatura mística por parte de un niño.
También figura entre los primerizos la coreana Kim Mi-jo (Jeonju, 1989), que recientemente ha obtenido el Gran Premio de la competición coreana del Festival de Jeonju 2020 con Gal-mae-gi / Gull, historia de una mujer madura que sufre una violación. El realizador chino Xingyi Dong (Anyang, 1986) debuta con Gē shēng yuán hé màn bàn pāi / Slow Singing (Las notas del tiempo), cuyo personaje principal es un hombre que vuelve a su pueblo natal tras salir de la cárcel, y Suzanne Lindon (París, 2000), dirige y protagoniza 16 printemps / Spring Blossom, acerca de una joven que se debate entre el amor por un hombre mayor que ella y el disfrute de su vida adolescente. Segundas películas
Por otra parte, cuatro cineastas concursarán en New Directors con su segundo largometraje. Limbo, la nueva participación de Ben Sharrock (Edimburgo, 1988) en New Directors tras debutar con Pikadero (2015), se presenta como una sátira intercultural sobre las dificultades y la esperanza de los refugiados. También regresará a San Sebastián Imanol Rayo (Pamplona, 1984), ganador del Premio Zinemira con Bi anai (2011) que en Hil kanpaiak / Death Knell (Campanadas a muerto) lleva al cine la novela de Miren Gorrotxategi 33 ezkil.
Finalmente, después de obtener eco internacional con Silent Night (2017), su ópera prima, el polaco Piotr Domalewski (Lomza, 1983) acudirá por primera vez a San Sebastián con Jak Najdalej Stąd / I Never Cry, un filme acerca de una joven que viaja a Irlanda para recuperar el cuerpo de su padre, muerto en un accidente laboral. Lo mismo hará el japonés Akio Fujimoto (Osaka, 1988), que con Boku no kaeru basho / Passage of Life (2017) ganó dos premios en la sección Asian Future del Festival Internacional de Tokio, y en su segundo filme, Umibe no kanojotachi / Along the Sea, sigue a una mujer vietnamita que escapa de su puesto de aprendiz técnica y empieza a trabajar ilegalmente en Japón para mantener a su familia.
Todas las películas seleccionadas para New Directors se proyectarán en premiere mundial salvo Gal-mae-gi / Gull, que será estreno internacional, y Limbo y 16 printemps, que serán estrenos europeos.Además, estas dos últimas y Casa de antiguidades forman parte del listado de filmes que el Festival de Cannes ha seleccionado en este año en el que la pandemia del COVID-19 ha impedido la celebración de su 73 edición. Por su parte, La última primavera había sido incluida en la programación paralela que realiza en Cannes ACID, la Asociación de Cine Independiente para su Difusión.
Suzanne tiene 16 años. La gente de su edad le aburre. Todos los días en su camino al instituto pasa por delante de un teatro. Allí conoce a un hombre de más edad que se obsesiona con ella. A pesar de la diferencia de edad, ambos encuentran en el otro una respuesta a su hastío y se enamoran. Sin embargo, Suzanne teme perderse cosas en la vida, esa vida de una joven de 16 años que tanto le ha costado disfrutar del mismo modo que sus amistades. Ópera prima.
Ane
David Pérez Sañudo (España)
Intérpretes: Patricia López Arnáiz, Jone Laspiur, Mikel Losada, Luis Callejo, Nagore Aramburu, Fernando Albizu, Gorka Aguinagalde, David Blanka
Euskadi, 2009. Lide trabaja como guardia de seguridad en las obras del tren de alta velocidad, un proyecto que genera protestas sociales en las calles. Cuando vuelve a casa después de trabajar y pasar la noche de fiesta, prepara el desayuno para dos, pero su hija adolescente, Ane, no está. Al día siguiente, ésta sigue sin aparecer. Lide mantiene la calma, seguramente su desaparición está causada por la fuerte discusión que tuvieron el día anterior. Buscando entre las cosas de Ane, se irá dando cuenta de que su hija es una persona a la que no conoce. Ópera prima.
Casa de Antiguidades / Memory House
João Paulo Miranda Maria (Brasil – Francia)
Intérpretes: Antonio Pitanga, Ana Flavia Cavalcanti, Sam Louwyck
El Brasil de hoy en día, pero perdido en el tiempo. Cristovam, un nativo negro del norte rural, se muda a una antigua colonia austriaca del sur para trabajar en una fábrica de leche. Obligado a lidiar con personas conservadoras y xenófobas, se siente aislado y alejado del mundo de los blancos. Descubre una casa abandonada, llena de objetos y recuerdos que le evocan sus orígenes, y se instala en ella volviendo a conectar con sus raíces. Como si esa casa de recuerdos estuviera viva, comienzan a aparecer más objetos. Lentamente, Cristovam comienza una metamorfosis. Ópera prima y Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos en Cine en Construcción 37 Toulouse.
Andrey, de nueve años, vive en las afueras de un pueblecito cerca del mar. Su madre quiere llevarle a un orfanato. A Andrey le aterra esa posibilidad porque sabe que su vida cambiará drásticamente. Un día de tormenta encuentra un perro en la playa y decide que es la criatura mística conocida como Chupacabra, un vampiro cabra que obrará el milagro. Ópera prima desarrollada en el programa de residencias Ikusmira Berriak.
Gal-mae-gi / Gull
Kim Mi-jo (Corea del Sur)
Intérpretes: Jeong Ae-hwa
O-bok, una mujer de 61 años, ha regentado una tienda de mariscos en un mercado de pescado durante décadas. Un día tiene su primer encuentro con los futuros suegros de su hija In-ae. Esa noche, O-bok es violada por Gi-taek. Al principio, finge que no ha pasado nada y trata de seguir con su vida como siempre. Poco después, le confiesa la violación a In-ae. La policía llama a Gi-taek para investigar y la historia del incidente comienza a difundirse por el mercado. Ópera prima.
Junsheng regresa a casa poco después de salir de prisión y descubre que se siente distanciado de su ciudad natal. No ha estado allí en años, pero aún cree que sigue siendo el joven más duro del pueblo. Después de atravesar diversos padecimientos, se percata de que esa aparente corta ausencia es una brecha insalvable. Ópera prima.
En el caserío Garizmendi aparecen huesos humanos y los caseros, Fermín y Karmen, llaman a su hijo Néstor, quien decide avisar a la policía. Pero cuando llegan los agentes, los huesos han desaparecido. Acto seguido, suenan las campanas de la ermita cercana. Esta señal de mal augurio anuncia la llegada de hechos trágicos y reabre viejas heridas en la familia y personas cercanas. Segunda película de su director.
Ola debe viajar a Irlanda para trasladar a Polonia el cuerpo de su padre, muerto en un accidente en la construcción. Lejos de interesarse por él, Ola quiere saber si su padre ahorró el dinero necesario para el coche que le había prometido. Mientras se las apaña para lidiar con la burocracia extranjera utilizando su picardía, comienza a conocer a su padre. Segunda película de su director.
La última primavera / Last Days of Spring
I
sabel Lamberti (Holanda – España)
Intérpretes: David Gabarre Jiménez, Agustina Mendoza Gabarre, David Gabarre Mendoza, Ángelo Gabarre Mendoza, María Duro Rego, David Gabarre Duro, Isabel Gabarre Mendoza, Angelines Gabarre Mendoza, Alejandro Gabarre Mendoza
La familia Gabarre-Mendoza celebra el cumpleaños de su nieto cuando una inspección policial interrumpe el festejo. En la Cañada Real, un barrio de chabolas a las afueras de Madrid, surgen tensiones entre las autoridades y los vecinos, ya que los terrenos han sido vendidos y las familias son obligadas a abandonar las casas que ellos mismos han construido. Mientras, la madre, Agustina, pasa de ser una mujer muy alegre a vivir atormentada por el miedo; el padre, David, un chatarrero muy trabajador, intenta encontrar una solución, pero la burocracia del sistema les falla. Entretanto, los miembros más jóvenes de la familia -David hijo, la nuera y madre adolescente María y el joven Alejandro- luchan a su manera con sus vidas en la cuerda floja. Ópera prima.
Limbo
Ben Sharrock (Reino Unido)
Intérpretes: Amir El-Masry, Vikash Bhai, Ola Orebiyi, Kwabena Ansah, Sidse Babett Knudsen, Kais Nashif
Omar es un joven y prometedor músico. Separado de su familia siria, se encuentra atrapado en una remota isla escocesa esperando el destino de su solicitud de asilo. Debido a la escayola que lleva en el brazo, no puede tocar su laúd y se dedica a vagar por paisajes épicos en busca de respuestas a un pasado complejo y a un futuro desalentador. Quizá esté atrapado, pero no está solo. Omar y sus nuevos compañeros de piso asisten a clases de conciencia cultural terriblemente malintepretadas, hacen una maratón de la serie Friends, debaten sobre si Ross y Rachel se han dado un tiempo y Farhad, obsesionado con Freddie Mercury, intenta convencer a Omar de que participe en la noche de micrófono
Umibe no Kanojotachi / Along the Sea
Akio Fujimoto (Japón – Vietnam)
Intérpretes: Hoang Phuong, Anh Huynh Tuyet, Nhu Quynh
Phuong, An, y Nhu son vietnamitas veinteañeras. Las tres se convierten en residentes ilegales en Japón tras escapar de su lugar de trabajo como aprendices técnicas. An se pone en contacto con un intermediario para que les ayude a encontrar un empleo. Éste las lleva a la cabaña cubierta de hielo de un pescador donde pueden alojarse a cambio de trabajo. Están contentas porque, además, ven duplicado su salario. Cuando empiezan a trabajar, Phuong cae repentinamente entre fuertes dolores. Preocupadas, An y Nhu llevan a Phuong a un hospital, pero rechazan su ingreso por no tener una tarjeta de identificación. Segundo largometraje de su director.
Cada vez viene siendo más habitual la mezcla de géneros que en apariencia no han sido muy dados a fusionarse con anterioridad, The Pale Door, cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, une sin demasiados tapujos el fantástico y el western con un argumento que recuerda bastante al From Dusk Till Dawn de Robert Rodriguez. La película que tendrá un estreno limitado en cines y VOD el próximo 21 de agosto en Estados Unidos cuenta tras las cámaras con Aaron B. Koontz, realizador con algo de experiencia en el fantástico de serie B con trabajos como Camera Obscura o Scare Package.
The Pale Door nos cuenta como después de un fallido robo a un tren, dos hermanos que lideran una banda de vaqueros deberán sobrevivir durante una noche en un pueblo fantasma habitado por un grupo de brujas.
La película con guion del propio Aaron B. Koontz junto a Cameron Burns y Keith Lansdale está protagonizada por Stan Shaw, Melora Walters, Natasha Bassett, Zachary Knighton, James Landry Hébert, Devin Druid, Bill Sage, Noah Segan, Pat Healy, Tina Parker, Alexandra Harris, Darryl Cox, Jake Ryan Scott, Jonny Mars, Holt Boggs, Peggy Schott, Mark Adam Goff, Danielle Evon Ploeger, Collin Place, Jennifer Rader, Kent Shelton, Jeremy King, James Whitecloud, Debbi Tucker, Doug Van Liew, Caroline Kelly, Miranda Poteet, Seth Stuart, Emily Bertels, William Tate y Greg Williams.
Wiebke vive con su hija adoptiva Nicolina y acaba de adoptar a Raya. Las dos hermanas parecen llevarse bien, pero la pequeña empieza a mostrarse agresiva y a ser un peligro para los demás. Ante la situación, Wiebke tendrá que enfrentarse a una serie de extremas decisiones para proteger a sus pequeñas.
En estos últimos años el festival de Sitges ha sido un perfecto campo abonado y correspondiente escaparate a la hora de mostrar nuevas autorías genéricas surgidas a través de una mirada femenina, una vicisitud que a día de hoy se percibe como normalizada, en parte esto no dejaba de ser un déficit histórico que afortunadamente en la actualidad parece ya superado en referencia a su excepcionalidad, la indagación de realizadoras dentro del fantástico empieza pues a ser un denominador común como bien podemos comprobar en trabajos de autoras como Jennifer Kent, Julia Ducournau, Anna Biller o Ana Lily Amirpour por ejemplo, posiblemente la alemana Katrin Gebbe al contrario que las compañeras arriba citadas se ha ido acercando al género fantástico de una forma algo más sutil y menos expeditiva, algunos lo contemplaran como una aproximación en cierta manera no fundamentada en referencia a su auténtica adscripción genérica, Gebbe con su opera prima Nothing Bad Can Happen transitaba en un oscuro drama familiar ubicado a través de una crónica real, tras formar parte de la colectiva The Field Guide to Evil Pelican Blood se presenta como su trabajo más ambicioso realizado hasta la fecha, también el más ambiguo y difuso genéricamente.
En las pasadas crónicas del festival de Sitges hemos ido incidiendo, posiblemente de una forma bastante reiterada, en esa difusa adscripción arriba citada en el género fantástico de muchas de las películas presentes en el certamen, en un buen número de ellas impera en mayor o menor medida una indagación que se percibe como parcial o inacabada, a tal respecto las hibridaciones genéricas están a la orden del día casi a modo de un nuevo estatus autoral que años atrás era ciertamente complicado de ver pero que en la actualidad están a la orden del día, Pelican Blood, presente estas semanas en el Atlàntida Film Fest tras su paso por Sitges el pasado mes de octubre podría ser un buen ejemplo de todo ello, el film de la alemana Katrin Gebbe parte y se desarrolla a lo largo de una gran parte de su metraje a través de una premisa de claro índole dramático, su narrativa también da la sensación de no salirse de una tangente reconocible y preestablecida a la hora de abordar un complejo estudio psicológico acerca de las diferentes divergencias adyacentes en un estudio algo oscuro acerca de la maternidad, será en el tramo final de la película, en su resolución, cuando se recurra a un fantástico aderezado con algún que otro apunte direccionado al folk horror o al cine de posesiones ubicado en esta ocasión dentro del gótico estadounidense.
La pregunta vendrá dada en la medida de averiguar si dicha deriva o divergencia genérica desvirtúa o por el contrario llena de matices el relato en cuestión, digamos que ni una cosa u otra, Pelican Blood se sitúa en un punto indeterminada siendo todo una particularidad, imperfecta a todas luces, a tener en cuenta dada su atípica naturaleza, el film de Katrin Gebbe nos habla básicamente de una abnegación materna que continuamente está siendo torpedeada en lo concerniente al trauma, el proveniente de la nueva adopción y el ya adyacente con anterioridad por parte de la protagonista, en esta relación, y en parte confrontación, materno-filial percibida como resquebrajada una omnipresente Nina Hoss, que este año repite papel como madre en la encrucijada tras la notable La audición de Ina Weisse, deviene como un activo importante a la hora de contarnos una historia delimitada territorial y moralmente en los márgenes de la sociedad que aquí es percibida en su estética en base a un clima gélido gracias especialmente a una notable fotografía a cargo de Moritz Schultheiß, la trama animalista en esta ocasión actuara a modo dual, el personaje principal se niega a renunciar, tanto a la complicada enseñanza de un caballo como a la niña recién adoptada de la cual cree que sin importar lo que haya sufrido en el pasado puede ser redimida a través del amor puro que una nueva madre le puede otorgar, su conclusión, pese a una cierto falta de verisimilitud argumental, por otra parte lógica dada la dirección tomada, añadirá varios matices a una cinta que tiene al menos la virtud de no transitar en la complacencia en lo relativo a una función reflexiva que profundiza básicamente a través del concepto del adiestramiento emocional.
Por lo visto la pandemia de estos últimos meses no ha sido afortunadamente ningún obstáculo para que el músico y realizador francés Quentin Dupieux siga finiquitando proyectos de una trayectoria que pese a su irreverencia, tanto temática como genérica, se percibe a día de hoy como plenamente coherente en referencia a un estilo de hacer cine. Después de su notable Le Daim Mandibules supone su nuevo trabajo detrás de las cámaras, la película que acaba de lanzar un primer y breve teaser de poco más de 15 segundos que podéis ver a final de página tendrá su premier mundial el próximo mes de septiembre en el marco del Festival de Venecia teniendo previsto su estreno comercial en Francia para el 2 de diciembre.
La breve sinopsis de Mandibules nos cuenta como dos amigos no muy inteligentes encuentran de forma casual una mosca gigante viva atrapada dentro de un coche, ambos deciden entrenarla para poder ganar dinero con ella.
La película con guion y fotografía a cargo del propio Quentin Dupieux como viene siendo habitual está protagonizada por Grégoire Ludig, David Marsais, Adèle Exarchopoulos, India Hair, Dave Chapman, Anaïs Demoustier, Coralie Russier, Bruno Lochet, Raphaël Quenard y Roméo Elvis.
Desde las remotas galaxias, hasta la tierra incógnita que se despliega más allá las partículas subatómicas, la ciencia-ficción nos ha abierto las puertas a los más grandes de los relatos, y a un fabuloso número de contextos cosmológicos donde especular con lo desconocido. Un género para reflexionar acerca de nosotros mismos y de nuestro lugar en el universo, pero también para evadirnos entre los cúmulos de «materia oscura», sin más pretexto que la diversión.
En Space Fiction, acudimos a los referentes actualizados que nos ofrece la cinematografía (Alien, Lifeforce, Ad Astra, Arrival, etc.), las series (Rick y Morty, Love, Death & Robots, Black Mirror, etc.), la literatura (La guerra de los mundos, 2001: Una odisea espacial, La trilogía de los tres cuerpos, etc.), los videojuegos (Persona 3, Detroit: Become Human, etc.), o los cómics (Silver Surfer), entre otros, para llevar a cabo nuestra propia «exploración espacial» en una selecta colección de textos de autores y autoras internacionales. En sus páginas, el lector encontrará nuevas perspectivas sobre las cuestiones estéticas, filosóficas, históricas y políticas que, hoy, rodean al género.
Autor: Varios, coordinado por Mario-Paul Martínez Fabre y Fran Mateu, Editorial: Cinestesia, Páginas: 252
HBO acaba de publicar un primer tráiler oficial que podéis ver a final de página del nuevo trabajo tras las cámaras de Álex de la Iglesia titulado 30 Monedas. Serie televisiva de terror y acción de 8 episodios aún sin fecha de estreno que tendrá su premier mundial en el próximo Festival de Venecia que se celebrará entre el 2 y el 12 de septiembre.
30 Monedas nos sitúa en un pueblo remoto de España en donde se desencadenan una serie de fenomenos sobrenaturales que amenazan con destapar secretos del Vaticano y aniquilar a la raza humana. En medio de todo estará el padre Vergara, un exorcista, boxeador y ex convicto exiliado en una parroquia del pequeño pueblo donde aparece la moneda. Vergara quiere olvidar y ser olvidado, pero sus enemigos lo encontrarán muy pronto. Cuando Vergara es relacionado con una serie de fenómenos paranormales ocurridos en el pueblo, Paco, el ingenuo alcalde y Elena, una inquieta veterinaria, tratarán de desvelar los secretos de su pasado y el significado de la antigua moneda que Vergara mantiene oculta.
La serie con guion a cargo del propio Álex de la Iglesia junto a Jorge Guerricaechevarría está protagonizada por Eduard Fernández, Macarena Gómez, Miguel Ángel Silvestre, Megan Montaner, Pepón Nieto, Manolo Solo, Carmen Machi, Jaime Ordóñez, Francisco Reyes II y Mafalda Carbonell.
30 monedas es una producción de Pokeepsie Films para HBO Europe que cuenta con la participación de HBO Latin America. Los productores ejecutivos por parte de HBO Europe son Miguel Salvat, Steve Matthews y Antony Root, mientras que Álex de la Iglesia y Carolina Bang lo son por parte de Pokeepsie Films.
Rodrigo Sorogoyen participará fuera de concurso en la Sección Oficial con el pase completo de la serie Antidisturbios. La serie Patria, creada por Aitor Gabilondo, se podrá ver como proyección especial.
Akelarre, de Pablo Agüero, y Courtoom 3H (Sala del Juzgado 3H), de Antonio Méndez Esparza, competirán por la Concha de Oro de la 68 edición del Festival, cuya Sección Oficial acogerá el pase de dos series españolas: Antidisturbios, de Rodrigo Sorogoyen, se programará fuera de concurso, mientras que Patria, creada por Aitor Gabilondo, será una proyección especial.
Pablo Agüero (Mendoza, 1977), que participó en New Directors con 77 Doronship (2009) y en la Sección Oficial con Eva no duerme (2015), regresará para concursar con Akelarre, proyecto ganador del Arte Kino International Prize del VI Foro de Coproducción Europa-América Latina en 2017. Rodada en euskera y castellano con Amaia Aberasturi y Alex Brendemühl como protagonistas, la quinta película del realizador argentino es una coproducción entre España, Francia y Argentina filmada en tierras vascas y presentada como un drama histórico inspirado en un proceso judicial por brujería que tuvo lugar en el País Vasco en el siglo XVII.
Fiel a su preocupación por las cuestiones sociales, Antonio Méndez Esparza (Madrid, 1976) volverá a pugnar por la Concha de Oro con su tercer largometraje, Courtroom 3H (Sala del Juzgado 3H), una historia de no ficción que transcurre en un tribunal especial de Florida que dirime asuntos relacionados con los menores de edad. El cineasta afincado en EEUU regresa con esta coproducción hispano-estadounidense al Festival donde ya presentó sus anteriores obras: Aquí y allá (2012), que ganó el Gran Premio de la Semana de la Crítica en Cannes y después se proyectó en Horizontes Latinos, y Life and Nothing More (La vida y nada más, Sección Oficial, 2017), con la que recibió el Premio Fipresci y el Premio John Cassavetes en los Spirit Awards.
Rodrigo Sorogoyen (Madrid, 1981) participará por tercera vez en la Sección Oficial tras Que Dios nos perdone (Premio del Jurado al mejor guión, 2016) y El reino (2018). En esta ocasión, el director mostrará fuera de concurso Antidisturbios, una serie de Movistar+ de seis capítulos sobre un grupo de policías antidisturbios que se enfrenta a una acusación de homicidio tras ejecutar un desahucio que se complica. En el reparto figuran Vicky Luengo, Raúl Arévalo, Álex García, Hovik Keuchkerian, Roberto Álamo, Raúl Prieto y Patrick Criado.
La Sección Oficial contará también con la proyección especial de Patria, serie de ocho episodios creada por Aitor Gabilondo para HBO Europe a partir de la exitosa novela de Fernando Aramburu, que aborda tres décadas de la historia del País Vasco a través de los ojos de dos familias divididas por la violencia.
Además, la Sección Oficial se inaugurará, fuera de concurso, con un título ya anunciado, Rifkin’s Festival, la nueva comedia romántica de Woody Allen, que cuenta con producción estadounidense, española e italiana.
OTRAS PRODUCCIONES ESPAÑOLAS DE LA 68 EDICIÓN
La sección New Directors, que incluye primeras y segundas películas, acogerá el debut en el largometraje de dos cineastas con amplia experiencia previa en el ámbito del corto. Es el caso de David Pérez Sañudo (Bilbao, 1987), que tras recorrer festivales de todo el mundo y presentar en Zinemira-Kimuak Aprieta pero raramente ahoga (2017), concursará con Ane, un debut largo rodado en euskera que habla de fronteras y comunicación entre una madre y su hija desaparecida. Por otra parte, la coproducción hispano-holandesa La última primavera, ambientada en el barrio de chabolas de la madrileña Cañada Real, está dirigida por Isabel Lamberti (Bühl, 1987), nacida en Alemania y criada en España y Holanda –su cortometraje Volando voy (2015) logró el Torino Award de Nest, actividad entonces celebrada bajo el nombre de Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine–. Además, Imanol Rayo (Pamplona, 1984), que ganó el Premio Zinemira con su debut Bi anai (2011), presentará su segundo largometraje Hil kanpaiak / Campanadas a muerto, una historia basada en la novela 33 ezkil, de Miren Gorrotxategi, que comienza con la aparición de un cráneo en los terrenos de un caserío.
Zabaltegi-Tabakalera, la sección más abierta del Festival, albergará el regreso de Juan Cavestany (Madrid, 1967), quien tras filmes como Gente en sitios (Made in Spain, 2013) y series como Vergüenza (Zabaltegi-Tabakalera, 2017), emplea Un efecto óptico para enredar a Pepón Nieto y a Carmen Machi en un fantástico bucle temporal. Además, Zabaltegi-Tabakalera programará tres cortometrajes: Correspondencia plasmará el intercambio de misivas audiovisuales entre las cineastas Carla Simón (Barcelona, 1986), que debutó con Estiu 1993 (Verano 1993, Made in Spain, 2017), y Dominga Sotomayor (Santiago de Chile, 1985); Ya no duermo, seleccionado en el programa Kimuak del Gobierno Vasco, supondrá el estreno de la joven Marina Palacio (San Sebastián, 1996) tras graduarse en Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), y Laida Lertxundi (Bilbao, 1981), que fue responsable del grado de Creación de este centro educativo, participará con Autoficción, una obra de corte experimental coproducida en EEUU, España y Nueva Zelanda.
La sección Perlak incluirá El agente topo, un trabajo de la chilena Maite Alberdi (Santiago, 1983) sobre un viudo de 83 años que se infiltra como espía en una residencia de ancianos. Tras ganar el Premio EFADs-CAACI en el Foro de Coproducción Europa-América Latina de 2017, este proyecto coproducido por Chile, EEUU, Alemania, Holanda y España tuvo su estreno mundial en la competición oficial para documentales internacionales del pasado Festival de Sundance.
Por último, Warner España y el Festival de San Sebastián ofrecerán un pase benéfico de El verano que vivimos, un drama romántico dirigido por Carlos Sedes (A Coruña, 1973)y protagonizado por Blanca Suárez, Javier Rey y Pablo Molinero. Completan el reparto Carlos Cuevas, Guiomar Puerta y María Pedraza.
SECCIÓN OFICIAL – A competición
Akelarre
Pablo Agüero (España – Francia – Argentina)
Intérpretes: Álex Brendemühl, Amaia Aberasturi, Garazi Urkola, Irati Saez de Urabain, Jone Laspiur, Lorea Ibarra, Yune Nogueiras, Daniel Fanego, Asier Oruesagasti, Iñigo de la Iglesia, Elena Úriz , Daniel Chamorro, Jeanne Insausti
País Vasco, 1609. Los hombres de la región se han ido a la mar. Ana participa en una fiesta en el bosque con otras chicas de la aldea. El juez Rostegui, encomendado por el Rey para purificar la región, las arresta y acusa de brujería. Decide hacer lo necesario para que confiesen lo que saben sobre el akelarre, ceremonia mágica durante la cual supuestamente el Diablo inicia a sus servidoras y se aparea con ellas. Proyecto ganador del Arte Kino International Prize del VI Foro de Coproducción Europa-América Latina en 2017.
Courtroom 3H (Sala del Juzgado 3H)
Antonio Méndez Esparza (España – EEUU)
El Tribunal de Familia Unificado de Tallahasee (Florida) es un juzgado especializado en casos en los que hay menores implicados. Es una corte única en EEUU que se ocupa de asuntos relativos a padres e hijos. Las familias entran en esta corte cuando han sido acusadas de abuso, abandono o negligencia con los menores. El objetivo de este juzgado declarado por la Ley es reunificar a las familias lo antes posible y del modo más seguro. La cinta se inspira en las palabras de James Baldwin: «Si uno realmente desea saber cómo se administra la justicia en un país se acerca al desprotegido y escucha su testimonio».
SECCIÓN OFICIAL – Fuera de concurso
Rifkin’s Festival
Woody Allen (España – EEUU – Italia)
Intérpretes: Elena Anaya, Louis Garrel, Gina Gershon, Sergi López, Wallace Shawn, Christoph Waltz
Inauguración
Fuera de concurso
Rifkin’s Festival narra la historia de un matrimonio estadounidense que acude al Festival de San Sebastián. La pareja queda prendada del festival, así como de la belleza y encanto de España y la fantasía del mundo del cine. Ella tiene un affaire con un brillante director de cine francés y él se enamora de una bella española residente en la ciudad. Una comedia romántica que se resuelve de un modo divertido.
Seis antidisturbios ejecutan un desahucio en el centro de Madrid que se complica y un hombre acaba muriendo. Un equipo de Asuntos Internos será el encargado de investigar los hechos y los seis antidisturbios se enfrentan a una acusación de homicidio imprudente. El grupo de agentes busca una salida por su cuenta que acaba separándolos y, finalmente, complicando aún más la situación. Laia, una de las agentes de Asuntos Internos, se obsesiona con el caso y acaba descubriendo que, tras ese desahucio malogrado, hay mucho más. Serie de seis episodios de 50 minutos de duración.
SECCIÓN OFICIAL – Proyecciones especiales
Patria
Serie de televisión
Aitor Gabilondo (España)
Intérpretes: Elena Irureta, Ane Gabarain, Jose Ramón Soroiz, Mikel Laskurain, Jon Olivares, Susana Abaitua, Loreto Mauleón, Iñigo Aranbarri, Eneko Sagardoy
Proyecciones especiales
El día en que ETA anuncia el abandono de las armas, Bittori se dirige al cementerio para contarle a la tumba de su marido, el Txato, asesinado por los terroristas, que ha decidido volver al pueblo donde vivieron toda su vida. ¿Podrá convivir con quienes la acosaron antes y después del atentado que trastocó su vida y la de su familia? ¿Podrá saber quién fue el encapuchado que mató a su marido cuando se dirigía a su empresa de transportes? La presencia de Bittori altera la falsa tranquilidad del pueblo, sobre todo la de su vecina Miren, amiga íntima en otro tiempo, y madre de Joxe Mari, un terrorista encarcelado. ¿Qué pasó entre esas dos mujeres? ¿Qué ha envenenado la vida de sus hijos y sus maridos, tan unidos en el pasado? Con sus desgarros disimulados y sus convicciones inquebrantables, con sus heridas y sus valentías, la historia incandescente de sus vidas antes y después del cráter provocado por el asesinato del Txato, nos habla de la imposibilidad de olvidar y de la necesidad de perdón. Serie de ocho episodios basada en la novela homónima de Fernando Aramburu.
NEW DIRECTORS
Ane
David Pérez Sañudo (España)
Intérpretes: Patricia López Arnáiz, Jone Laspiur, Mikel Losada, Luis Callejo, Nagore Aramburu, Fernando Albizu, Gorka Aguinagalde, David Blanka
Euskadi, 2009. Lide trabaja como guardia de seguridad en las obras del tren de alta velocidad, un proyecto que genera protestas sociales en las calles. Cuando vuelve a casa después de trabajar y pasar la noche de fiesta, prepara el desayuno para dos, pero su hija adolescente, Ane, no está. Al día siguiente, ésta sigue sin aparecer. Lide mantiene la calma, seguramente su desaparición está causada por la fuerte discusión que tuvieron el día anterior. Buscando entre las cosas de Ane, se irá dando cuenta de que su hija es una persona a la que no conoce. Junto con su exmarido Fernando, investigarán el paradero de su hija. Ambos se sumergirán en el mundo de Ane, un espacio activista, inestable y adolescente. Ane es una historia de búsqueda, de comunicación y falta de ella, de cuidados y descuidos, de obras y reconstrucciones, porque todas las relaciones tienen un poco de cada una. Ópera prima.
En el caserío Garizmendi aparecen huesos humanos y los caseros, Fermín y Karmen, llaman a su hijo Néstor, quien decide avisar a la policía. Pero, cuando llegan los agentes, los huesos han desaparecido. Acto seguido, suenan las campanas de la ermita cercana. Esta señal de mal augurio anuncia la llegada de hechos trágicos y reabre viejas heridas en la familia y personas cercanas, en especial la de la muerte de Aitor, hermano gemelo de Néstor. Ahora, como entonces, Karmen culpa de todo a su cuñado Estanis y trata de convencer a Néstor de que ellos serán los próximos y deben hacer algo. Segunda película de su director.
La última primavera / Last Days of Spring
Isabel Lamberti (Holanda – España)
Intérpretes: David Gabarre Jiménez, Agustina Mendoza Gabarre, David Gabarre Mendoza, Ángelo Gabarre Mendoza, María Duro Rego, David Gabarre Duro , Isabel Gabarre Mendoza, Angelines Gabarre Mendoza, Alejandro Gabarre Mendoza
La familia Gabarre-Mendoza celebra el cumpleaños de su nieto cuando una inspección policial interrumpe el festejo. En la Cañada Real, un barrio de chabolas a las afueras de Madrid, surgen tensiones entre las autoridades y los vecinos, ya que los terrenos han sido vendidos y las familias son obligadas a abandonar las casas que ellos mismos han construido. Mientras la madre, Agustina, pasa de ser una mujer muy alegre a vivir atormentada por el miedo; el padre, David, un chatarrero muy trabajador, intenta encontrar una solución, pero la burocracia del sistema les falla. Entretanto, los miembros más jóvenes de la familia -David hijo, la nuera y madre adolescente María y el joven Alejandro- luchan a su manera con sus vidas en la cuerda floja. Ópera prima.
ZABALTEGI-TABAKALERA
Autoficción / Autofiction
Cortometraje
Laida Lertxundi (EEUU – España – Nueva Zelanda)
Tomando prestado su título de un género literario, la película reconoce la indeterminación tanto de la ficción como del ser. Elementos de film noir se reducen a gestos inexpresivos bajo la brillante luz del sol de California. Grabaciones de campo realizadas en Nueva Zelanda se escuchan mientras las mujeres hablan entre ellas sobre la maternidad, el aborto, las rupturas y la ansiedad. Un desfile en favor de los derechos civiles se mueve lentamente por una calle. Los cuerpos aparecen en estados de cansancio, heridos o en reposo, mientras que las canciones de Irma Thomas y Goldberg evocan el paso del tiempo y un futuro incierto.
Correspondencia / Correspondence
Cortometraje
Carla Simón, Dominga Sotomayor (España – Chile)
Correspondencia visual entre Carla Simón y Dominga Sotomayor en la que comparten cachitos de su vida y lo que las ha llevado a contar las historias que cuentan en la gran pantalla y a convertirse en las creadoras que son hoy en día. Reflexiones acerca del cine, la família, la herencia y la maternidad que se cruzan con realidades que modifican por momentos la percepción que tienen del mundo las cineastas.
Un efecto óptico / An optical illusion / Interval
Juan Cavestany (España)
Intérpretes: Carmen Machi, Pepón Nieto
Alfredo y Teresa son un matrimonio de Burgos que viaja a Nueva York con la intención de «desconectar» y hacer todos los planes que vienen en la guía. Pero nada más aterrizar empiezan a percibir señales, sutiles y no tanto, de que en realidad no están en la ciudad que les vendieron en la agencia. ¿Dónde están entonces?
YA NO DUERMO
Cortometraje
Marina Palacio Burgueño (España)
Intérpretes: Jesús Palacio Erauskin, Miguel Burgueño Herrero
Ya no duermo es una película realizada en familia que nos muestra a Miguel y a su tío Kechus, quienes quieren rodar una película de vampiros. En ese intento por crear algo juntos se alternan realidad y ficción, en un juego que muestra además la particular relación que se establece entre niño y adulto.
Rómulo es un detective privado. Cuando una clienta le encarga investigar la residencia de ancianos donde vive su madre, Rómulo decide entrenar a Sergio, un hombre de 83 años que jamás ha trabajado como detective, para vivir una temporada como agente encubierto en el hogar. Ya infiltrado, con serias dificultades para asumir su rol de topo y ocultar su adorable y cariñosa personalidad, se acaba convirtiendo, más que en un espía, en un aliado de sus entrañables compañeras. Premio EFADs-CAACI en el Foro de Coproducción Europa-América Latina de 2017.
OTRAS ACTIVIDADES
El verano que vivimos
Carlos Sedes (España)
Intérpretes: Blanca Suárez, Javier Rey, Pablo Molinero, Carlos Cuevas, Guiomar Puerta, María Pedraza
Proyección benéfica
Unas misteriosas esquelas llegan a manos de una joven periodista. Siempre sin firmar. Siempre dedicadas a una tal Lucía. En ellas, se adivina una historia de amor, amistad y traición que sucedió en las viñas de Jerez durante el verano de 1958. Un amor inmortal cuyos protagonistas, a pesar de que han pasado cuarenta años, no quieren olvidar. Hay momentos que duran toda una vida.
Adam Egypt Mortimer lleva ya un tiempo en el radar de los seguidores del fantástico independiente con cintas como Some Kind of Hate o su participación en la colectiva Holidays, seguramente el éxito crítico el pasado año de Daniel Isn’t Real le haya servido de alguna manera para abrirle las puertas a empresas algo más ambiciosas. En su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Archenemy, cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, Adam Egypt Mortimer vuelve a indagar en el fantástico aunque en esta ocasión emparentado con elementos propios del thriller de acción en una película que tiene previsto su estreno comercial de la mano de Voltage Pictures para el 2021.
En Archenemy vemos como Max Fist asegura ser un héroe de otra dimensión que cayó por accidente en la Tierra, donde no puede emplear sus poderes, a través de una brecha en el espacio-tiempo. Sólo un adolescente local a quien todos conocen por el sobrenombre de Hamster cree en él. Juntos tendrán que luchar contra unos traficantes de drogas para poder liberar la ciudad de delincuencia.
La película con guion del propio Adam Egypt Mortimer junto a Lucas Passmore está protagonizada por Joe Manganiello, Glenn Howerton, Joseph D. Reitman, Mac Brandt, Kieran Gallagher, Christopher Guyton y Luis Kelly-Duarte.
Sera una de las películas presentes en la próxima edición del Festival de Málaga, la opera prima de la realizadora Mariana Barassi titulada Crónica de una tormenta, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, en una adaptación de la obra teatral Testosterona, de Sabina Berman. La película se estrenará en los cines de nuestro país de la mano de Syldavia Cinema el próximo 23 de octubre.
En Crónica de una tormenta vemos como Antonio, el director de un importante periódico, debe elegir a su sucesor, Maca, una mujer que apuesta por la cooperación entre los miembros de la empresa y no por la verticalidad en el trabajo, competirá contra el otro subdirector, Vargas, un periodista manipulador que se las sabe todas. Maca ha sido la discípula predilecta de Antonio desde la universidad, y también los une un amor platónico, pero si bien parece la candidata idónea para el puesto, Antonio duda sobre su capacidad para manejar el poder. La noche en la que Antonio le cuenta a Maca el proceso de selección, ambos se quedan encerrados en el periódico por una fuerte tormenta y, en el curso de esa noche, hablarán a fondo, discutirán y revelarán cuestiones trascendentales de la vida, el periodismo, el amor, el sexo y la muerte.
La película producida por Tornasol, Urkulu Producciones Cinematográficas A.I.E. y Hernández y Fernández Producciones Cinematográficas A.I.E., en co-producción con Haddock Films y Aleph Media y el apoyo del ICAA cuenta con un guion adaptado de la propia Mariana Barassi y música a cargo de Paula Olaz estando protagonizada por Clara Lago, Ernesto Alterio y Quique Fernández.
El género fantástico proveniente de Rusia está proporcionando estos últimos años un amplio catálogo de producciones que de alguna manera están emparentadas al mainstream proveniente de Norteamérica, dentro de la ciencia ficción de tono realista pudimos ver hace un par de años la entretenida Salyut-7 de Klim Shipenko, Sputnik, cuyo tráiler internacional con subtítulos en inglés podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se adentra en un territorio más cercano a películas referenciales como por ejemplo Alien o The Thing. La película que supone el debut en la dirección de Egor Abramenko y cuyo estreno en VOD en Estados Unidos está previsto para el 14 de agosto estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges.
Sputnik nos cuenta como el único superviviente de un enigmático incidente de una nave espacial no ha regresado solo a casa, escondiéndose dentro de su cuerpo una criatura peligrosa. Su única esperanza será una doctora que estará dispuesta a todo lo que sea necesario para poder salvarlo.
La película con guion a cuatro manos por parte de Oleg Malovichko y Andrei Zolotarev está protagonizada por Oksana Akinshina, Fedor Bondarchuk, Pyotr Fyodorov, Anna Nazarova, Anton Vasilev y Vasiliy Zotov.
Ensayo fílmico lírico y espiritual sobre El exorcista, la ultimísima película de Alexandre O. Philippe explora las profundidades inexploradas de la mente de William Friedkin, los matices de su proceso creativo y los misterios de la fe y del destino que han modelado su vida y su filmografía.
Como hemos venido comentado anteriormente en otras reseñas con respecto a la notable Memory: The Origins of Alien Alexandre O. Philippe fue indiscutiblemente uno de los nombres propios de la pasada edición del Festival de Sitges, un realizador cuyo trabajos dentro del documental han ido mejorando visiblemente conforme se ha desarrollado su trayectoria como bien lo demuestra el cómo de trabajos de índole casi anecdótico como por ejemplo The People vs. George Lucas o The Life and Times of Paul the Psychic Octopus ha pasado a otros de un mayor empaque como su notable 78/52, Leap of Faith: William Friedkin on The Exorcist, bastante diferente en su estructura al título que analiza la película de Ridley Scott, fue su segundo trabajo tras las cámaras que se pudo ver en el certamen el pasado mes de octubre, un documental que sin embargo huye de ser prototípico en relación a una función que sigue siendo inequívocamente didáctica para con el espectador pero que aquí sustituye el consabido desgrane y análisis global de un autor o una obra por parte de terceros, en el caso que nos ocupa la seminal The Exorcist, para ofrecernos desde dentro una apasionante reflexión acerca del proceso creativo que termina bifurcándose hacia toda una obra expuesta y diseccionada a cargo de una sola voz, la del propio creador, William Friedkin.
La fórmula aquí expuesta por evidente que resulte no deja de ser exitosa en el caso que nos ocupa, tan solo seis días de rodaje y una exposición a modo de testimonio desnudo y lujoso audio-comentario resultante de una extensa entrevista en donde William Friedkin analiza un proceso de construcción que deviene como muy personal, el quid de la cuestión en referencia a dicho formato queda en manos exclusivamente de su interlocutor, si por ejemplo este hubiera sido por poner un ejemplo John Carpenter el resultado sería bastante diferente, es en dicha síntesis narrativa en donde Leap of Faith: William Friedkin on The Exorcist resulta ciertamente interesante pues a fin de cuentas la clarividencia aquí va bastante más allá que una simple disección de anécdotas ocurridas en relación a un rodaje en concreto. Siempre es interesante escuchar lo que dice William Friedkin, pero especialmente resulta interesante en como lo dice, la información a tal respecto deviene como valiosísima, siendo ciertamente encomiable la pasión con que el responsable de To Live and Die in L. A recuerda cada mínimo detalle de una cinta que en el año 1973 cambió de alguna manera lo que sería a partir de entonces la historia del género de terror, a tal respecto ni que decir tiene que para los fanáticos de la película constituirá un auténtico tesoro que difícilmente verán en cualquier edición extra del film en formato doméstico, poco importara que el responsable de The French Connection en su continuo y muy profundo monologo se pueda percibir una cierta sensación de superioridad cultural con respecto a sus interlocutores, algunos lo llamaran pedantería, lo importante es que esta mirada no sea impostada pues a fin de cuentas el testimonio como tal deviene como inabarcable en referencia a sus numerosos matices.
Como documento excepcional y brillante acercamiento a una obra que es Leap of Faith: William Friedkin on The Exorcist, proyecto que curiosamente se gestó hace un par de años en un Sitges en donde coincidieron y se conocieron por primera vez un homenajeado William Friedkin y un Alexandre O. Philippe que presentaba en el certamen su 78/52, este queda finalmente expuesto a modo de un interesante making of de lujo que cuenta con el añadido del acierto de un Alexandre O. Philippe que opta por apartarse en referencia al autor, aquí expuesto desde su primer plano a través de una abrumadora confesión que extrapola el concepto de la puntual descripción de una supuesta obra maestra del género que curiosamente acabo siendo concebida a modo de un acto de fe autoral.
A partir de su propia experiencia cinéfila desbordada, Vicente Monroy desarrolla en este ensayo una apasionante historia de los mitos de la cinefilia y de sus argumentos fundamentales, de las múltiples formas en que el cine, ese arte joven pero siempre en crisis, ha llegado a enfermar a sus amantes. De Orson Welles a Martin Scorsese, pasando por los Cahiers du Cinéma o Serge Daney, pero también dialogando con la historia de la filosofía y de la literatura, Monroy consigue construir en estas páginas una elegante síntesis de las ideas y polémicas más profundas que se han dado sobre el cine y su significado histórico. Una historia del cine articulada a partir de los cinéfilos, grandes amantes del cine que en ocasiones desarrollan una relación patológica con el objeto de su deseo.
El autor
Vicente Monroy nació en Toledo en 1989. Escribe teoría literaria y sobre cine. Es autor de varios poemarios, entre ellos ‘El gran error del siglo 21’ (2015) y ‘Las estaciones trágicas’ (2018). Ha trabajado como profesor de cine, como guionista y como arquitecto.
Acaba de ver la luz de la mano de Filmax un nuevo adelanto del segundo trabajo tras las cámaras de David Victori titulado No matarás. Después del thriller sobrenatural El pacto Victori se adentra en esta ocasión en un relato de suspense que tiene previsto su estreno en cines de nuestro país para el próximo otoño previo paso por el Festival de Sitges. El tema principal de la película está compuesto e interpretado por Macaco y cuenta con la colaboración de Babi. Se trata de una pieza original escrita especialmente para la película y producida con sonidos retro-actuales, esta canción es la base musical del tráiler oficial, ya disponible, que podéis ver a final de página.
En No matarás vemos como Dani, un buen chico que durante los últimos años de su vida se ha dedicado exclusivamente a cuidar de su padre enfermo, decide retomar su vida tras la muerte de éste. Justo cuando ha decidido emprender un largo viaje, conoce a Mila, una chica tan inquietante y sensual como inestable, que convertirá esa noche en una auténtica pesadilla. Las consecuencias de este encuentro llevarán a Dani hasta tal extremo, que se planteará cosas que jamás habría podido imaginar.
La película producida y distribuida por Filmax y con la participación de RTVE, Televisió de Catalunya y Movistar+ cuenta con un guion a tres manos por parte de Jordi Vallejo, David Victori y Clara Viola estando protagonizada por Mario Casas, Joaquín Caserza, Victor Solé, Milena Smit y Elisabeth Larena.
Se ha hecho esperar más de lo previsto el segundo trabajo tras las cámaras de Brandon Cronenberg tras su prometedora opera prima Antiviral, ocho años después con Possessor, cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se vuelve a adentrar en temáticas e imaginarios que nos pueden remitir ocasionalmente a trabajos ya transitados por su padre David como por ejemplo Videodrome o eXistenZ. La película que tuvo muy buena acogida en el pasado Festival de Sundance se podrá ver muy posiblemente después del verano por el circuito de certámenes de género de nuestro país.
En Possessor vemos como Tasya Vos es una agente de una organización secreta que utiliza implantes cerebrales para controlar el movimiento corporal de otras personas, obligándolas a cometer asesinatos que benefician a toda clase de peces gordos del mundo corporativo. Un día, durante una misión rutinaria, algo sale mal. La agente Vos se ve atrapada dentro de la mente de uno de los sujetos que trataba de controlar, cuyo apetito por la violencia se acaba convirtiendo en su peor aliado, superando incluso el suyo propio.
La película con guion del propio Brandon Cronenberg y música compuesta por Jim Williams está protagonizada por Andrea Riseborough, Christopher Abbott, Sean Bean, Jennifer Jason Leigh, Tuppence Middleton, Kaniehtiio Horn, Hanneke Talbot, Rossif Sutherland, Christopher Jacot, Raoul Bhaneja, Gage Graham-Arbuthnot, Deragh Campbell, Ayesha Mansur Gonsalves, Kelsey Klippenstein, Megan Vincent, Kathy Maloney, Daniel Park, Danny Waugh, Dorren Lee y Matthew Garlick.
El cartel es obra del estudio donostiarra Patio a partir de una imagen del fotógrafo Martin Schoeller.
El actor estadounidense Willem Dafoe (Appleton, Wisconsin, 1955) protagonizará la imagen del cartel de la 68 edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre. El Festival comenzó en 2018 una nueva línea de carteles, cuya composición aúna fotografía e ilustración y que preside una figura de la cinematografía contemporánea. La actriz Isabelle Huppert inauguró la serie en la 66 edición y el año pasado lo hizo Penélope Cruz. El cartel ha sido realizado por el estudio donostiarra Patio a partir de una imagen del fotógrafo Martin Schoeller.
Nominado cuatro veces al Oscar y tres a los Globos de Oro, Dafoe recibió en 2005 el Premio Donostia en reconocimiento a una trayectoria que incluye colaboraciones con los cineastas Michael Cimino, Martin Scorsese, Oliver Stone, John Waters, Paul Schrader, David Lynch, Alan Parker, Abel Ferrara, Lars Von Trier, Wes Anderson, Sam Raimi, Sean Baker y Robert Eggers, entre muchos otros.
Dafoe visitó San Sebastián por primera vez en 1988 para presentar The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo, Martin Scorsese). Regresó en 1997 para acompañar la película Victory (Mark Peploe), que compitió en la Sección Oficial, y en 2005 volvió para recoger el galardón honorífico más importante del Festival, el Premio Donostia, en una ceremonia en la que se proyectó Before it Had a Name (Giada Colagrande). Su última visita tuvo lugar en 2014 junto a Pasolini (Perlak), dirigida por Abel Ferrara.
“Es un honor para el Festival que uno de los mejores actores del mundo, con el que nos une una afectuosa relación desde hace muchos años, haya aceptado ser la imagen de la 68 edición del Festival de San Sebastián”, ha apuntado el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos.
“Lugar de encuentro del pasado, presente y futuro del cine”
Los carteles de esta edición pertenecen a la serie Huele de cine, elaborada por el estudio donostiarra Patio, que ya diseñó el cartel de la retrospectiva dedicada a Ernst Lubitsch en 2006, en la 54 edición. El director creativo de Patio, Patxi Zapirain, ha partido de un concepto que agrupase la cartelería y la dotase de una identidad compartida, con el objetivo de “contribuir al posicionamiento del Festival como lugar de encuentro del pasado, presente y futuro del cine”. Los motivos orgánicos y vegetales y el color dominan las imágenes a través de las que Zapirain representa al Festival “como un gran jardín donde puedes encontrar todo tipo de flores, de sensaciones y olores, un jardín que está muy vivo, con grandes flores, grandes películas, pero también con pequeñas películas que pueden hacerse grandes”.
Patio ofrece desde 2004 servicios de comunicación integrales, es decir, publicidad estratégica, marketing directo, diseño, imagen, identidad corporativa, social media, acciones no convencionales, diseño y programación de páginas web, editorial o comunicación aplicada a espacios.
El Festival ya ha dado a conocer el filme que inaugurará fuera de concurso la 68 edición, Rifkin’s Festival, dirigido por Woody Allen y rodado en la ciudad, la entrega del Premio Donostia al actor y director estadounidense Viggo Mortensen, acompañada de la proyección de Falling, su debut como cineasta y seis películas que competirán por la Concha de Oro: In the Dusk (Sharunas Bartas), Asa Ga Kuru / True Mothers (Naomi Kawase), Dasatskisi / Beginning (Dea Kulumbegashvili), Été 85 / Summer of 85 (Verano del 85, François Ozon), Nakuko wa ineega / Any Crybabies Around? (Takuma Sato) y Druk / Another Round (Thomas Vinterberg).
Tras participar en series como Cuffs o Hard Sun el debut en el largometraje de Nick Rowland nos trasporta a una trama criminal situada en la Irlanda rural, el film titulado Calm with Horses, cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, cuenta en su reparto con figuras emergentes como Barry Keoghan o Cosmo Jarvis, este último visto recientemente en la notable Nocturnal. La película bajo el título de The Shadow of Violence se estrenará en las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 31 de julio.
En Calm with Horses vemos como en la zona rural más oscura de Irlanda, un ex-boxeador llamado Douglas ‘Arm’ Armstrong se ha convertido en el brazo fuerte de la familia Devers, un clan dedicado al negocio de la venta de droga. Mientras tanto, también trata de ser un buen padre para Jack, un niño autista de cinco años. Dividido entre sus dos familias, la lealtad de Arm se pone a prueba cuando los Devers le piden por primera vez que asesine a un hombre.
La película con guion de Joseph Murtagh está protagonizada por Barry Keoghan, Niamh Algar, Ned Dennehy, Cosmo Jarvis, Anthony Welsh, Hazel Doupe, Simone Kirby, Toni O’Rourke, Roisin O’Neill, Ryan McParland, John Paul O’Driscoll, Lee Byford, Matt Tyzack, Stephen McDade, Ally Ni Chiarain, Stephen McGowan y Kiljan Moroney.
La 53ª edición, que se desarrollará en un formato híbrido entre presencial y virtual, presenta una selección de los mejores títulos del fantástico actual. Sitges 2020 se prepara para su encuentro anual con los fans del fantástico, la industria y la prensa en una edición única. El Festival combinará el mejor cine de género del momento con una mirada hacia filmes que han trazado la historia del fantástico, a través de diversos homenajes. Las películas dirigidas por mujeres tendrán un protagonismo evidente –una clara tendencia en los últimos años– y el papel del cine estatal también será preponderante.
La primera gran película de género fantástico de la historia del cine, Das Cabinet Des Dr. Caligari (El gabinete del doctor Caligari) celebra 100 años de existencia y Sitges 2020 la adopta como motivo para su cartel, realizado por la agencia China. En palabras de sus creadores, “este año tenemos la suerte de celebrar el primer centenario en Sitges con los 100 años de El gabinete del doctor Caligari. Uno de los padres indiscutibles del cine fantástico y de terror con una mirada perturbadora que ha influenciado a tantos cineastas del género. Hemos querido homenajear su inolvidable estilo expresionista con una reinterpretación de Sitges que emula a Holstenwall, el pueblo imaginado por los artistas Hermann Warm, Walter Reimann y Walter Röhrig. Una visión angustiosa, que refleja la hipnosis colectiva de sus habitantes, y que durante unos días hipnotizará también a los fans del fantástico en Sitges”. El ilustrador del cartel es David de Ramón de The Mushroom Company.
La película de Robert Wiene también inspirará la retrospectiva Sombras de Caligari, formada por grandes clásicos como The Trial (El proceso), de Orson Welles, entre otros que se anunciarán próximamente. Esta retrospectiva irá acompañada de un libro, editado por Hermenaute, sobre la influencia de Caligari en el fantástico.
La 53ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se abrirá el próximo 8 de octubre con el estreno de Malnazidos, la película de acción zombi dirigida conjuntamente por Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro. El filme adapta la novela de Manuel Martín Ferreras, ambientada en la Guerra Civil Española. El reparto está integrado por Miki Esparbé, Aura Garrido, Luis Callejo, Álvaro Cervantes y María Botto, entre otros. La cinta sigue a un grupo de combatientes huidos de bandos rivales durante la Guerra Civil que tendrán que aliarse para hacer frente a un enemigo común, los zombis.
Los fans de los no-muertos también están de enhorabuena con el estreno de la película coreana Peninsula, la secuela de Train to Busan que en Sitges 2016 fue merecedora de los premios a la mejor dirección para Yeon Sang-ho y a los mejores efectos especiales.
Uno de los títulos más esperados de este año es Relic, el debut de la directora australiana Natalie Erika James, que sorprendió en Sundance y que se ha situado en primera posición en los cines norteamericanos post-pandemia. Producida por Jake Gyllenhaal y protagonizada por Emily Mortimer, la cinta se adentra en un espiral de terror turbio.
El terror independiente de diversas procedencias y dirigido, en una mayoría, por mujeres, disfrutará de una presencia destacada en el Festival con propuestas como la británica The Show, de Mitch Jenkins, escrita por el gurú del cómic Alan Moore; la francesa Jumbo, de Zoé Wittock; la norteamericana 12 Hour Shift, de Brea Grant, o la canadiense Slaxx, de Elza Kephart. Sitges 2020 contará con un buen puñado de ejemplos de terror festivo, dirigido a los fans del género, con títulos como Psycho Goreman, de Steven Kostanski; Benny Loves You, de Karl Holt, o The Queen of Black Magic, de Kimo Stamboel.
Otros títulos confirmados en esta 53ª edición ofrecerán un amplio abanico de tipologías del fantástico. Del terror pasando por la ciencia ficción y el thriller, filmes a descubrir que llenarán el Festival, como The Silencing, de Robin Pront, una cinta de venganza protagonizada por Nikolaj Coster-Waldau y Annabelle Wallis. Respecto a la ciencia ficción, se podrá ver The Sputnik, filme ruso dirigido por Egor Abramenko, una aventura espacial con alienígenas. También Come True, de Anthony Scott Burns, con un adolescente atormentado por terribles pesadillas. Archive, la ópera prima de Gavin Rothery, trata la temática de la inteligencia artificial, mientras que La nuée, de Just Philippot, plantea un peculiar drama de terror plaga do de saltamontes, y Fried Barry, de Ryan Kruger, presenta a un antihéroe drogadicto que es abducido por extraterrestres.
Los vampiros tampoco podían faltar a la cita anual y este año estarán representados por Comrade Drakulich, cinta húngara dirigida por Márk Bodzsár, una comedia negra con un héroe de la revolución cubana en formato vampiro. De Hungría también llegará Post Mortem, de Péter Bergendy, una historia de fantasmas ambientada en la Primera Guerra Mundial.
En este primer avance de programación, la animación tiene su espacio con Lupin III: The First, la continuación de la saga manga creada por Monkey Punch que se ha convertido en un icono en Japón, dirigida por Takashi Yamazaki.
Cine catalán
Además de la flamante inauguración con Malnazidos, el cine autóctono estará muy presente en Sitges 2020. El Festival contará con el estreno de No matarás, de David Victori, un thriller protagonizado por Mario Casas dando vida a un personaje que se encontrará contra las cuerdas.
La Barcelona de principios del siglo XX es el escenario de La vampira de Barcelona, un terrorífico drama basado en hechos reales que dirige Lluís Danés y cuenta con un amplio reparto de actores catalanes como Nora Navas, Sergi López, Francesc Orella, Pablo Derqui, Bruna Cusí, Roger Casamajor o Núria Prims.
Próximamente, se anunciarán más producciones catalanas seleccionadas.
Fantástico iberoamericano
La cinematografía argentina pisará con fuerza la 53ª edición del Festival, presentando algunas de las películas de género más destacadas de la temporada. Como la inquietante Inmortal, de Fernando Spiner, un drama fantástico que explora los límites entre la vida y la muerte. También alrededor de esta temática se proyectará Los que vuelven, un thriller de gran potencia visual.
Historia de lo oculto, de Cristian Ponce, cierra este primer bloque de títulos iberoamericanos, con un filme de terror en blanco y negro que trata la corrupción política y la conspiración.
Grandes clásicos con la máxima calidad
Sitges 2020 es el marco idóneo para conmemorar los aniversarios de dos grandes mitos del cine fantástico de todos los tiempos. Elephant Man (El hombre elefante), la impactante obra maestra de David Lynch, celebra sus 40 años y el Festival revisitará en una remasterización en tecnología 4K la terrible historia de John Merrick –en una magnífica interpretación de John Hurt– que se ha mantenido intacta en las retinas de todos los cinéfilos.
Otro éxito del fantástico, Total Recall (Desafío total), de Paul Verhoeven, celebrará su 30º aniversario con los fans, también en resolución 4K. La cinta de ciencia ficción, que adaptó un relato de Philip K. Dick, forma parte del imaginario colectivo, con Arnold Schwarzenegger y Sharon Stone, y conecta también con la retrospectiva Sombras de Caligari, ya que es un título fuertemente influenciado por el clásico.
Revisión de grandes figuras
Los documentales sobre grandes nombres del cine tampoco faltarán a la 53ª edición del Festival de Sitges. El director Gregory Monro recupera en Kubrick by Kubrick nuevas grabaciones exclusivas del cineasta, en las cuales reflexiona sobre su filosofía de vida, aportando un documento esencial y un tributo definitivo a la persona de Stanley Kubrick.
Bruce Lee recibirá también su homenaje con Be Water, el documental de Bao Nguyen que, a partir de material inédito, retrata al legendario actor y maestro de artes marciales, de vida fugaz pero intensa.
Brigadoon y Premio Nosferatu
La sección Brigadoon contará en Sitges 2020 con una fuerte presencia de cine latinoamericano. Al morir la matinée (Argentina, Uruguay), dirigida por Maximiliano Contenti, es una nueva aproximación al giallo con referencias al filme Angustia, de Bigas Luna.
Cabrito (Brasil), de Luciano de Azevedo, retoma la propuesta del cortometraje del mismo título, y confecciona un largo sofocante y malsano de terror puro. Por otro lado, Cuidado con lo que deseas (México), de Agustín Oso Tapia, presenta una historia protagonizada por niños y adultos donde los crímenes y las traiciones están bien presentes, con el telón de fondo del teatro de guiñol.
Respecto a documentales, en Brigadoon se presentarán Bava Puzzle, una pieza centrada en la figura del realizador italiano Lamberto Bava, director de clásicos como Demons o Macabro e hijo del mítico Mario Bava. Dirigen Paola Settimini y Daniele Ceccarini. The Quiet Revolution: State, Society and the Canadian Horror Film, de Xavier Mendik y Philip Escott, es un estudio cinematográfico del panorama del cine de terror canadiense. Un análisis con sus protagonistas donde se exploran influencias, historia y tradición dentro del género. Segrelles. Ilustrador universal, dirigido por Ignacio Estrela, resigue la vida y obra del pintor valenciano José Segrelles (1885-1969), uno de los ilustradores más influyentes en artistas contemporáneos. Una figura artística de reconocimiento internacional a valada por realizadores como Guillermo del Toro, uno de los invitados al documental.
El Premio Nosferatu de este año será para el actor Manuel de Blas, cara visible en el fantástico estatal desde la década de los sesenta y todavía en activo. De Blas ha trabajado en más de 200 producciones para cine, televisión y teatro, transitando por todos los géneros (western, comedia, drama…), con el fantástico como un puntal importante en su carrera, con títulos como El coleccionista de cadáveres (Santos Alcocer, 1970), donde compartió reparto con Boris Karloff, La orgía nocturna de los vampiros (León Klimovsky, 1973) o El jorobado de la morgue (Javier Aguirre, 1973).
Sitges Film Hub
La sección de industria del Festival vuelve con fuerza en una edición donde se complementarán las ya consagradas sesiones presenciales en el Industry Hub by Catalan Films&TV del Hotel Meliá Sitges, con una oferta virtual de las actividades y encuentros dirigidos a los profesionales del sector.
Bajo el paraguas del Sitges Film Hub, en la anterior edición del Festival se acogieron más de 40 actividades, entre mesas redondas, masterclasses, actividades de mentoring y encuentros con invitados del Festival. Más de 1.800 asistentes estuvieron presentes en las actividades donde también se presentaron 42 proyectos en diferentes sesiones de pitch.
Por sexto año consecutivo, el Festival y la plataforma Filmarket Hub se unen para organizar el esperado Sitges Pitchbox, un evento internacional de pitching enfocado a proyectos de género en desarrollo. La edición del año 2020 se realizará en formato virtual y, como novedad, incluirá también una sesión de pitch para series de televisión europes. La convocatoria de proyectos se inicia el próximo 23 de julio en https://www.filmarkethub.com/calls.
La iniciativa del Festival que busca acercar la literatura y el cine fantástico, el Sitges Taboo’ks, presentará de nuevo cuatro obras literarias (novela, teatro, relato corto y novela gráfica o cómic). El programa invita a productores interesados en los proyectos con la finalidad de promover acuerdos de adaptación. La actividad contará también con una masterclass impartida por una personalidad significativa en ambos sectores: el cinematográfico y el literario. El plazo de presentaciones de obras finalizará el 18 de agosto.
El Producers Meet Producers, programa de mentoring dirigido a jóvenes productores, también celebra su sexta edición. La actividad, organizada por la PAC (Productors Audiovisuals de Catalunya) y el Ayuntamiento de Sitges (Promoción Económica), en colaboración con el Sitges Film Hub, tiene como objetivo poner en valor y dar visibilidad a la figura del productor audiovisual, dentro y fuera del sector, generar industria y tejer una red con el talento emergente.
El Sitges Film Hub publicará su agenda completa de actividades en el mes de septiembre.
Iba a ser una de las películas presentes en la sección oficial del ya cancelado Festival de Cannes, el nuevo trabajo tras las cámaras de la realizadora Naomi Kawase titulado True Mothers, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, sí que estará presente sin embargo en la próxima edición del Festival de San Sebastián compitiendo por la Concha de Oro. Naomi Kawase, ya presente en el certamen donostiarra con su anterior Vision, vuelve con True Mothers a indagar en una temática como es la maternidad ya recorrida con bastante frecuencia dentro de su filmografía.
True Mothers nos cuenta como tras una larga e insatisfactoria lucha por quedarse embarazada y convencida por una asociación de adopción, Satoko y su marido deciden adoptar a un niño. Años después, su familia se tambalea con la amenaza de Hitari, una chica desconocida que dice ser la madre biológica. Satoko opta por confrontar a Hitari directamente.
La película que se ha estrenado en cines de Japón este pasado 5 de julio cuenta con un guion adaptado por parte de la propia Naomi Kawase junto a Izumi Takahashi está protagonizada por Hiromi Nagasaku, Arata Iura, Aju Makita, Miyoko Asada, Hiroko Nakajima, Tetsu Hirahara y Taketo Tanaka.
despiste al espectador poco precavido, principalmente el referido a equipararla en base a ser un clon surgido del imaginario de la fundamental The Twilight Zone, a tal respecto señalar que la película de Andrew Patterson pese a anidar en todo momento a través de un toque retro que se sustenta básicamente en base al homenaje o la referencia de la mítica serie creada por Rod Serling no lo es tanto en el espíritu entendido como tal, al comienzo del film vemos una pequeña pantalla de televisión que emite un programa en blanco y negro a modo casi de némesis del de Serling titulado Paradox Theatre que segmenta el relato de forma episódica de forma muy forzada sirviendo de preámbulo o introducción a la narrativa que se nos va a relatar a partir de ese momento, a tal respecto las similitudes son clónicas solo en apariencia, o sea a través de su supuesta carcasa en donde se percibe una estética algo forzada, sin embargo la auténtica naturaleza de la película da la sensación de recurrir a texturas más propias de la Amblin de los años 80 que a la propia The Twilight Zone. Posiblemente una de las mayores virtudes que podemos encontrar en The Vast of Night consista en ver como Andrew Patterson se las ingenia, a través de diversos recursos técnicos tales como efectivos planos secuencia, para intentar disimular un argumento bastante simple que en parte no va más allá de lo que es su propia premisa, supuestos avistamientos de ovnis, visitas y secuestros alienígenas ubicados en una época que anida a través de la perplejidad de sus habitantes, a tal respecto The Vast of Night es esa clase de relatos que intenta evoca los dramas de radio de tiempos pretéritos, el tipo de cuentos fantásticos que en parte llevaron a multitud de familias a reunirse alrededor de su aparato de radio y escuchar hasta altas horas de la noche ficciones fantásticas, historias en definitiva con un trasfondo que puede devenir como muy amplio pero contadas aquí de una forma tan simple y sutil como efectiva por mucho que se caiga en la contradicción y en parte en la paradoja del abuso de la imagen y sus recursos estéticos a través de un relato que curiosamente versa principalmente acerca del valor, y el misterio en su variante fantástica, de la comunicación establecida por las palabras.
I
en el Atlàntida Film Fest tras su paso por Sitges el pasado mes de octubre podría ser un buen ejemplo de todo ello, el film de la alemana Katrin Gebbe parte y se desarrolla a lo largo de una gran parte de su metraje a través de una premisa de claro índole dramático, su narrativa también da la sensación de no salirse de una tangente reconocible y preestablecida a la hora de abordar un complejo estudio psicológico acerca de las diferentes divergencias adyacentes en un estudio algo oscuro acerca de la maternidad, será en el tramo final de la película, en su resolución, cuando se recurra a un fantástico aderezado con algún que otro apunte direccionado al folk horror o al cine de posesiones ubicado en esta ocasión dentro del gótico estadounidense.
Pablo Agüero (España – Francia – Argentina)
Antonio Méndez Esparza (España – EEUU)
Woody Allen (España – EEUU – Italia)
Serie de televisión
Serie de televisión
Cortometraje
Cortometraje
Cortometraje
Maite Alberdi (Chile – EEUU – Alemania – Holanda – España)
Carlos Sedes (España)
Siempre es interesante escuchar lo que dice William Friedkin, pero especialmente resulta interesante en como lo dice, la información a tal respecto deviene como valiosísima, siendo ciertamente encomiable la pasión con que el responsable de To Live and Die in L. A recuerda cada mínimo detalle de una cinta que en el año 1973 cambió de alguna manera lo que sería a partir de entonces la historia del género de terror, a tal respecto ni que decir tiene que para los fanáticos de la película constituirá un auténtico tesoro que difícilmente verán en cualquier edición extra del film en formato doméstico, poco importara que el responsable de The French Connection en su continuo y muy profundo monologo se pueda percibir una cierta sensación de superioridad cultural con respecto a sus interlocutores, algunos lo llamaran pedantería, lo importante es que esta mirada no sea impostada pues a fin de cuentas el testimonio como tal deviene como inabarcable en referencia a sus numerosos matices.
