Autor: Administrador

Weird Western, Cine del Oeste Sin Fronteras

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¿Qué tienen en común películas tan variopintas como El Valle de Gwangi, Almas de metal, Cowboys y Aliens o Bone Tomahawk? Pues difícil precisarlo porque unas son de ciencia ficción… otras tienen monstruos… uy, y otra es de terror y en ella salen hasta caníbales. Pero sin temor a equivocarnos, podríamos decir que todas son, de entrada, películas del oeste. ¿Seguro? ¿Son películas del oeste? La respuesta a esta pregunta se encuentra profundamente analizada y contestada en Weird Western, cine del oeste sin fronteras. Este libro será la obra conmemorativa de la XXIII Semana Internacional de Cine Fantástico Costa del Sol, que se celebrará entre los días 5 y 11 de septiembre de este año, y su publicación correrá a cargo de Applehead Team.

El objetivo de este volumen colectivo es establecer un catálogo de filmes de western clásico a los que argumentalmente se les han añadido elementos propios del cine fantástico o de miedo, y reflexionar sobre él. Aunque suene extraño existen varios y muy ilustres ejemplos, incluso más allá de los citados, una serie de producciones que van desde los años cuarenta hasta la actualidad. Bajo la coordinación del crítico y escritor Jesús Palacios, un nombre que no necesita presentación para los cinéfilos, este trabajo promete una lectura llena de sorpresas, ideas sustanciosas y nuevas pistas que seguro que disfrutarán los aficionados al cine de género.

Indice:

Una introducción al WW: rompiendo fronteras por Jesús Palacios

Yo dirigí un Weird Western español: «Atolladero» por Oscar Aibar

Gusanos de la Frontera por Jesús Palacios

El valle de los perdidos por Robert E. Howard

Resucitando la Frontera: vampiros y zombis en el WWA por Adolfo Reneo

Monster Western: un bestiario fantástico de la Frontera por Rakel Suárez

La Frontera diabólica: sectas y cultos extraños en el wéstern por Jesús Palacios

De Salvadores a Angeles de la Muerte: los wésterns apocalípticos  por Donato Totaro

Indian Country: nativos americanos y WWAlfredo Lara La Torre Oscura: Stephen… ¿King del WW’? por Iria Barro Vale

Filmografía selecta comentada por Carlos Morcillo

Autor: VVAA. Editor: Jesús Palacios, Editorial: Applehead Team Creaciones, Páginas:

«La nuée» review

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En la nube vemos como a Virginie le resulta difícil conciliar su vida de agricultora con la de madre soltera. Para sacar a su familia adelante y evitar la quiebra de su granja, se entrega en cuerpo y alma a la cría de saltamontes comestibles. Poco a poco, Virginie empieza a desarrollar un extraño vínculo obsesivo con sus saltamontes: ni sus hijos son capaces ya de reconocerla.

Fue una de las varias óperas primas presentes en la algo atípica sección oficial a concurso de la pasada edición del Festival de Sitges (Premio Especial del Jurado y el galardón a Mejor Actriz para Suliane Brahim), la cinta gala La nuée de Just Philippot, film que se estrena comercialmente en nuestro país la próxima semana, vino apadrinada con el sello de la Semana de la Crítica de ese Festival de Cannes 2020 nunca celebrado constituyendo una buena muestra del gran momento actual que parece estar atravesando el cine de género fantástico proveniente de Francia, cinematografía que de alguna manera siempre ha estado intentando con mayor o menor fortuna a través de diferentes vías la reinvención de conceptos genéricos referenciales a través del filtro autoral.

La nuée certifico de buenas a primeras ese tipo de cine de ambivalencia genérica presente en el festival que tan bien, a diferencia de otros muchos, sabe utilizar e insertar la metáfora dentro de la historia, en esta ocasión la de un duro drama familiar con la precariedad de fondo embadurnado de claros contornos fantásticos, de alguna manera la opera prima de Just Philippot forma parte de ese grupo de películas que al igual que por ejemplo la notable Take Shelter de Jeff Nichols oscila a través de dos aguas en referencia a la exploración psicológica de unos personajes ubicados en una situación y unos hechos limites que se escapan de la lógica y como tales entran de lleno en el terreno del relato fantástico, a tal respecto el mensaje alegórico del film adquiere una curiosa concomitancia con los tiempos actuales del Covid 19 a la hora de mostrarnos como la mano del hombre está forzando a la naturaleza en base a la alteración de sus propios recursos. Si a lo largo de la historia del género fantástico el concepto de catástrofe natural o animal ha estado representada en la mayoría de ocasiones a través de una causa científica en La nuée dicha manipulación parte de unos parámetros algo distintos en base a pervertir el consabido concepto del mad doctor mostrado aquí a través de un concepto de índole mucho más minimalista y realista en lo referido a una vertiente social, inmigración no arraigada, adolescentes excluidos socialmente a causa de la arbitrariedad de una madre soltera y la precariedad en la que se mueve en referencia a unas inquietudes contemporáneas que derivan en angustia, excelente interpretación a cargo de Suliane Brahim, una mujer dispuesta a todo, incluso a dejarse devorar de forma literal por su empresa,  con tal de poder salvaguardar un negocio de crías de saltamontes comestibles que viene a ser el principal sustento de su desestructurada familia.

La reflexión que deriva en advertencia a modo de alegoría en clave medioambiental que nos lanza Just Philippot viene dada en la medida de justificar o no una maternidad percibida como negligente a la hora de cruzar ciertos límites de lo entendible como responsabilidad. Esa obsesión por parte de la protagonista a la hora de alimentar de una manera muy especial a los saltamontes en base a aumentar cada vez más su producción y salvarle de la bancarrota hará que entre en escena en la parte final de la película el elemento fantástico de un modo casi bíblico-apocalíptico, lo hace de una manera admirable en la medida de mostrar de una forma muy comedida e incluso realista una causa/efecto dentro de un planteamiento que hasta ese momento no había salido de unos parámetros naturalistas colindantes ligeramente incluso con un tono documental, de hecho La nuée no deja de ser un relato que bascula a través de una amenaza que transita en lo relativo al in crescendo de su narrativa, desde la sugerencia más sonora, como creciente sensación de malestar previa al peligro, que visual hasta el exabrupto final, la revolución animal pues hará acto de presencia de una forma abrupta y rupturista como fiel testigo y juez implacable en referencia a la desmedida ambición humana, las langostas pasan de un comportamiento neutral e inofensivo a la fase de enjambre agresivo, este último concepto con un buen uso y sentido de la digitación a cargo de Antoine Moulineau, aquí expuesta, si nos posicionamos a través de una mirada referencial y algo juguetona, casi a modo de un emotivo guiño cinéfilo a aquellas entrañables producciones de plagas de índole catastrofistas que tan bien sabia orquestaba en su día Irwin Allen.

Valoración 0/5: 3’5

Nuevo tráiler de «Belle», lo nuevo de Mamoru Hosoda

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Indiscutiblemente considerado como uno de los principales puntales de la animación mundial actual cada nuevo trabajo del japonés Mamoru Hosoda es considerado como todo un evento. Dos años después de Mirai el responsable de Summer Wars nos presenta Belle (Ryū to Sobakasu no Hime en original), film cuyo nuevo tráiler de poco más de un minuto de duración acaba de ver la luz después del breve teaser publicado hace un mes y que podéis ver a final de página junto a su póster oficial.

La película que se estrenará comercialmente en Japón el próximo mes de julio coincidiendo con el décimo aniversario del estudio Chizu y que aquí veremos seguramente por primera vez a partir del mes de septiembre por festivales patrios sigue las andanzas de una joven estudiante de secundaria de 17 años llamada Suzu que vive en un apartado pueblo rural junto a su padre. Durante mucho tiempo ella solo ha sido una sombra de sí misma, un día, Suzu ingresa en U, un universo en línea en constante evolución con más de cinco mil millones de miembros en línea que la hace convertirse en Belle, una cantante de fama mundial. Belle pronto se encuentra con una criatura misteriosa con la que se embarca en un viaje lleno de aventuras en la búsqueda de poder convertirse en quien realmente cree que es.

El cine de Buñuel, Saura y Coixet llega al programa educativo de Filmoteca Española

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  • Más de 2.000 estudiantes de 50 centros educativos de distintas ciudades españolas han participado en EducaFilmoteca en los primeros meses de este curso escolar
  • Estudiantes de secundaria, bachillerato y FP podrán disfrutar de sesiones online gratuitas de cine español y participar en encuentros digitales con cineastas
  • Los centros educativos podrán solicitar su participación en las siguientes sesiones del curso 2020/2021 a través de este formulario

En los próximos meses, el cine de Luis Buñuel, Carlos Saura o Isabel Coixet estará presente en las aulas de docenas de centros educativos de toda España gracias a las nuevas sesiones que anuncia EducaFilmoteca. Desde que comenzó el curso escolar, el programa educativo de Filmoteca Española ha acercado el cine español a dos mil estudiantes de cincuenta centros en sesiones gratuitas online, seguidas de encuentros digitales con cineastas.

EducaFilmoteca pretende acercar a los jóvenes un amplio abanico de estilos, géneros y autores que aporten una visión diversa del patrimonio cinematográfico español con la programación de películas como Un perro andaluz (1929), la obra surrealista por excelencia de Luis Buñuel, rodada en colaboración con Salvador Dalí, o el retrato de la periferia madrileña que hizo Carlos Saura en su ópera prima, Los golfos (1960). Los estudiantes podrán descubrir El mundo sigue (1965), un crudo relato sobre la bajeza moral y falta de oportunidades en aquella España firmada por Fernando Fernán Gómez, a quien Filmoteca Española rinde homenaje este año por su centenario.

Entre las novedades de su programación, también propone Cosas que nunca te dije (1996), una obra paradigmática en cuanto a la internacionalización del cine español donde Isabel Coixet, recientemente galardonada con el Premio Nacional de Cinematografía, sentaba las bases de su estilo narrativo. Por último, la película Vete de mí (2006) de Víctor García León narra la relación entre un hijo y su padre en plena crisis vital; “una tragedia griega en Carabanchel”, según su director.

Aprendizaje compartido con nuestro mejor cine

En los encuentros de EducaFilmoteca se conectan a través de videoconferencia varios centros educativos desde distintas partes de España en horario lectivo. Y a los pocos minutos, las reflexiones del alumnado sobre las decisiones creativas de cada autor, la técnica narrativa de la obra, su estética y rasgos estilísticos, discurren entre las preguntas al invitado, la relectura de secuencias, la respuesta a cuestionarios interactivos o una lluvia de ideas para visualizar la opinión de los participantes.

Para que esto sea posible, resulta fundamental el trabajo previo del profesorado con el material pedagógico que proporciona EducaFilmoteca para preparar el visionado de las películas, junto con el marcado enfoque didáctico de los coloquios dirigidos por el equipo de Aulafilm, que convierten los encuentros de los jóvenes con los cineastas en estimulantes sesiones educativas. La profesora Alicia Vega del IES Guía (Las Palmas) describe la iniciativa como “una oportunidad de oro para acceder a nuestro cine” y considera que la guía didáctica “es el germen para un debate en clase”.

Los docentes encuentran especialmente motivadora la participación de los invitados: “Es muy interesante porque les permite analizar las películas en profundidad, contando además con la participación de los propios creadores en los encuentros”, considera Antonio Lachos del IES Martínez Vargas (Huesca). En el mes de febrero los estudiantes analizaron películas como Queridísimos verdugos de Basilio Martín Patino de la mano de la profesora e investigadora Ana Martín Morán, o la película de animación Arrugas (Ignacio Ferreras, 2011) en un coloquio que contó con la participación de su productor, Manuel Cristóbal.

Sesiones EducaFilmoteca marzo – junio 2021

  • Jueves 18 de marzo: La leyenda del tiempo (Isaki Lacuesta, 2006)
  • Jueves 15 de abril: Cosas que nunca te dije (Isabel Coixet, 1996)
  • Jueves 22 de abril: El mundo sigue (Fernando Fernán Gómez, 1965)
  • Jueves 20 de mayo: Los golfos (Carlos Saura, 1960)
  • Jueves 3 de junio: Un perro andaluz (Luis Buñuel, 1929)
  • Jueves 17 de junio: Vete de mí (Víctor García León, 2006)

Apariencias inquietantes, primer tráiler de «Things Heard & Seen»

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Parece ser que el subgénero de terror sobrenatural ubicado en casas vuelve a estar en la palestra con una serie de títulos que verán la luz en las próximas semanas, si hace bien poco hablábamos de cintas como The Banishing de Christopher Smith o The Night House de David Bruckner ahora es turno para Things Heard & Seen (La Apariencia de las Cosas en español), film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de paginan junto a su póster oficial. La película basada en la novela de terror de Elizabeth Brundage titulada All Things Cease to Appear está dirigida en el que es su primer trabajo dentro del género fantástico por el dueto formado por Shari Springer Berman y Robert Pulcini, responsables entre otros de trabajos como American Splendor (2003), The Nanny Diaries (2007) o Ten Thousand Saints (10,000 saints) (2015).

En Things Heard & Seen, que se estrenará a través de Netflix el próximo 29 de abril, vemos como después de mudarse a una antigua aldea ubicada en el valle del Hudson, una joven pareja de Manhattan descubre que su matrimonio está impregnado de una oscuridad siniestra capaz de rivalizar con la turbia historia de un nuevo hogar maldito por el asesinato de sus antiguos dueños.

La película con guion adaptado por parte de los propios Shari Springer Berman y Robert Pulcini está protagonizada por Amanda Seyfried, James Norton, Karen Allen, F. Murray Abraham, Natalia Dyer, Rhea Seehorn, Alex Neustaedter, Jack Gore, Olivia Boreham-Wing, Kelcy Griffin, Emily Dorsch, Cotter Smith, Ana Sophia Heger, Dawn McGee, Polly Lee, Alison Smith, Joey Auzenne, Joe Lanza, Marion McCorry, Elliot Frances Flynn, Ben Graney, Charlotte Maier, Jill Dalton, Larry Petersen, Brian Corrigan, Lexa Hayes y Lewis Payton Jr.

Elías Querejeta, Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián publican ZINE: cuadernos de investigación cinematográfica

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Esta publicación online de carácter bianual explorará las conexiones de la cultura cinematográfica con otras disciplinas científicas y humanísticas, con una atención particular por el cine vasco.
En el primer número se analiza la obra cinematográfica de Nestor Basterretxea desde el punto de vista del constructivismo y se presenta la obra de María Jesús ‘Tatus’ Fombellida.

ZINE: cuadernos de investigación cinematográfica es una publicación académica editada por Elías Querejeta Zine Eskola, Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián. El propósito de ZINE es publicar investigaciones originales que contribuyan al conocimiento especializado en el campo de los estudios cinematográficos desde una perspectiva interdisciplinar.

Aunque da cabida a todo tipo de contribuciones relevantes para el campo, ZINE se fija como objetivo principal el apoyo y edición de trabajos que propongan nuevas miradas sobre la cultura y el patrimonio cinematográfico y audiovisual vasco, ya sea mediante el análisis y puesta en valor de casos de estudio que han quedado fuera de los relatos canónicos, la revisión crítica de figuras consolidadas o la puesta en práctica de metodologías innovadoras que hayan tenido menor desarrollo en la tradición académica local. En suma, ZINE se plantea como un espacio que propone ampliar no sólo las fronteras de los estudios sobre cine vasco sino, también, de los estudios cinematográficos desde el País Vasco.

La distribución de ZINE será íntegramente online. La publicación, de carácter bianual, estará alojada y disponible para descarga libre en español, euskera e inglés o francés en las páginas web de las tres instituciones involucradas en el proyecto.

En opinión de Harkaitz Millán, diputado de cultura de la Diputación Foral de Gipuzkoa, «la creación de una línea de publicaciones destinada a promover la investigación es consecuente con los objetivos del centro y con su actividad investigadora». El diputado también destaca la importancia de poner el foco en el análisis y estudio del cine vasco, y la divulgación del trabajo realizado por investigadoras e investigadores locales. Para Filmoteca Vasca participar en el desarrollo de esta publicación es natural dada la vocación investigadora y de preservación del patrimonio audiovisual vasco, dos líneas de trabajo y objetivos que se complementan con el carácter divulgativo de una parte importante de las actividades que lleva a cabo el centro. Por su parte, la participación del Festival en la publicación forma parte de su configuración como festival de todo el año, como certamen que se piensa a sí mismo y que quiere fomentar el estudio y la investigación sobre cuestiones relacionadas con el cine.

FORMATO FLIP BOOK | FORMATO PDF

 

Un primer número dedicado al cine vasco

Cada número de ZINE constará de dos secciones principales: por un lado, un estudio monográfico a cargo de especialistas sujeto a revisión externa por pares; por otro, ZINE acogerá también materiales vinculados a proyectos y acciones de investigación impulsados por el Departamento de Investigación de Elías Querejeta Zine Eskola en una sección que explora formatos híbridos entre la investigación académica y la creación. Por ello, ZINE se plantea, también, como un punto de encuentro entre la comunidad académica internacional y las iniciativas de investigación desarrolladas en la escuela.

En este primer número de la colección, Elixabete Ansa, profesora Asociada y Directora de Asuntos Académicos del Instituto de Estética de la Pontificia Universidad Católica de Chile, propone un estudio de la relación entre el cine y la fábrica, a través de una propuesta de lectura del cine vasco desde una perspectiva “constructiva”. El punto de partida del artículo de Ansa lo marca la película Operación H (1963) de Néstor Basterretxea y la necesidad de problematizar las formas en que se ha pensado la comunidad en el cine vasco.

Por otra parte, y como resultado del proyecto de investigación de EQZE Artesanos del cine: investigación sobre el cine amateur vasco, ZINE acoge un dossier dedicado a la serie documental Gure Herria filmada por la cineasta amateur María Jesús ‘Tatus’ Fombellida entre 1975 y 1985. Este apartado cuenta con las firmas de Enrique Fibla, investigador del CCCB y EQZE; Benoît Turquety, profesor de la Universidad de Laussanne experto en cine amateur, y de la artista Sahatsa Jauregi, que reflexionan desde sus respectivas disciplinas sobre el lugar que ocupan estas películas en el mapa de las prácticas culturales. Este dossier se acompaña de la publicación en la web de EQZE de nuevas versiones digitales de nueve películas de la serie Gure Herria de Fombellida.


Call for papers

ZINE es un proyecto abierto a las contribuciones de investigadoras e investigadores. Las propuestas de contribución de ZINE serán preseleccionadas por el Comité Editorial y también estarán sujetas a revisión externa por pares. Pueden hacerse llegar propuestas a la dirección zine@zine-eskola.eus. Cada propuesta debe constar de un resumen de entre 250 y 500 palabras y de un CV completo del/la autor/a. Las instrucciones para los autores y autoras están disponibles en la web de EQZE.

 

Rebecca Hall y el terror sobrenatural, tráiler de «The Night House»

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The Night House, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, fue una de esas películas que a causa de la pandemia quedo en el limbo de la distribución, casi un año después de ser presentada en el Festival de Sundance será el próximo 16 de julio cuando se estrene en cines esta cinta de terror que cuenta tras las cámaras con David Bruckner, realizador que tan buenas sensaciones nos dejó con trabajos como The Signal o The Ritual.

En The Night House vemos como una mujer intenta superar la repentina muerte de su marido recluyéndose en una casa cerca de un lago que el difunto diseño especialmente para ella. Una vez instalada hará todo lo posible por no perder la cordura a raíz de unos extraños los sueños. Las perturbadoras visiones de una presencia que la persigue por la casa comienzan a ser cada vez más frecuentes, aunque a la luz del día todo parece normal empezará lentamente a desesperarse, algo que hará que decida ignorar el consejo de sus amigos y empiece a investigar tratando de encontrar alguna respuesta a unos secretos tan extraños como terribles.

La película con guion a cargo de Ben Collins y Luke Piotrowski está protagonizada por Rebecca Hall, Sarah Goldberg, Vondie Curtis-Hall, Stacy Martin, Evan Jonigkeit, Allie McCulloch, Samantha Buck, Andy Rich, Dannielle Rose, Michael Flores, Timothy Patrick Klein, Laura Austin, Crystal Swann, Amy Zubieta, James W. Meagher, ArthurMk, Saylor Wellman, Derek M. Puma, Shawn Hopseker, Juniper Cherniak, Catherine Weidner, Daniel Rayome y Jacob Garrett White.

Cómo los superhéroes explican el mundo. Cine, cómic y política internacional

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En este libro, el internacionalista Turzi recurre a los superhéroes de su infancia para explicar la geopolítica, los conflictos entre potencias o la cuestión nuclear.- Hulk, que oscila entre la calma contenida y el estallido mortal, ayuda a entender la política exterior de la Rusia de Putin, Wonder Woman tiene el mismo poder “blando” y declinante que la Unión Europea y la saga de los X-Men ilustra el drama de los refugiados y los migrantes. La superpotencia estadounidense refleja desde hace décadas su hegemonía en Superman, por supuesto, y su complejo militar-industrial en los excesos de Iron Man. Los villanos también nos dicen algo: Lex Luthor expresa las inequidades del capitalismo globalizado y Fu Manchú, los temores que genera el ascenso de China. ¿Acaso el barbijo de Bane, el enemigo que quebró a Batman, no es un anticipo de los efectos del coronavirus? En este libro tan original como riguroso, el reconocido internacionalista Mariano Turzi recurre a los superhéroes que alegraban su infancia para ayudarnos a entender la geopolítica, los conflictos entre potencias, la globalización, la desigualdad o la cuestión nuclear.
El autor
Mariano Turzi es Doctor en Estudios Internacionales por la Escuela de Estudios Internacionales Avanzados de la Universidad John Hopkings. Nació en Buenos Aires, Argentina, donde reside. Actualmente es profesor en UCEMA y en la Universidad Astral, pero su verdadera identidad es ser marido de Gladys Pierpauli y papá de Felicitas, Miranda y Candelaria.
Autor: Mariano Turzi, Editorial: Clave Intelectual, Páginas: 132

Takashi Miike de vuelta al universo Yokai, primer tráiler de «The Great Yokai War: Guardians»

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Después de la notable First Love (critica aquí) y tras un par de años en donde ha estado enfrascado en trabajos televisivos Takashi Miike vuelve al largometraje con la esperada continuación de aquella revisitación del folklore local que era The Great Yokai War (2005), en The Great Yokai War: Guardians, cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, el prolífico realizador japonés vuelve a adaptar el universo literario de Hiroshi Aramata en una película que tiene previsto su estreno comercial en Japón para el próximo verano y que por aquí seguramente veamos por primera vez en el circuito de festivales de género de otoño.

En The Great Yokai War: Guardians vemos como Kei Watanabe es un estudiante de quinto grado de primaria que ha heredado la sangre de un legendario cazador de yokai. Esto lo convertirá en la persona destinada a combatir a los yokai y así poder salvar el mundo de la destrucción.

La película con guion adaptado por parte de Yûsuke Watanabe está protagonizada por Kokoro Terada, Takao Osawa, Hana Sugisaki, Nao Omori, Sakura Ando, Koji Ookura, Takahiro Miura, Yûko Ôshima, Takashi Okamura, Ken’ichi Endô, Renji Ishibashi, Eiji Akaso, Kazuki Kitamura, Nanako Matsushima y Akira Emoto.

Proyecciones Xcèntric: Filmar la escuela. Diario di un maestro, de Vittorio De Seta

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Diario di un maestro (Vittorio De Seta,1973)

Tras sus conocidas películas documentales de los años cincuenta sobre las culturas y tradiciones del sur de Italia, Vittorio De Seta se embarca en 1971 en la realización de Diario di un maestro, una ficción pedagógica filmada en una escuela popular romana que suscitaría amplios debates sobre la enseñanza tras su emisión televisiva.

Entre 1954 y 1959, Vittorio De Seta rodó diez películas documentales. La orientación antropológica que guió la filmación de las costumbres de aquellas comunidades rurales se espeja en la libertad que De Seta buscó en la televisión durante el rodaje, en 1971, de Diario di un maestro: de un lado, la convivencia con agricultores y marineros de Sicilia, Calabria, Cerdeña o las islas Eolias en Il mondo perduto; del otro, el largo proceso de investigación en torno a las nuevas posibilidades pedagógicas en una escuela popular romana ubicada en el barrio de Tiburtino III, donde la mayoría de los alumnos, hijos de inmigrantes subproletarios, bien podrían ser nietos de aquellos campesinos y pescadores.

Diario di un maestro incorpora, desde su propio proceso de creación, la invención de un programa alternativo basado en los preceptos de la «nueva escuela» de Célestin Freinet. En lugar de limitarse a filmar una película, gracias a los dilatados tiempos de producción que le permitía la televisión, Vittorio de Seta se propuso crear una auténtica escuela en la que explorar las posibilidades emancipatorias de los alumnos. La película se filmó a lo largo de cuatro meses, respetando el orden cronológico, y se emitió en la televisión italiana en 1973, siendo vista por más de veinte millones de espectadores y suscitando un debate nacional en torno a los sistemas de enseñanza pública.

Las escenas de Diario di un maestro, improvisadas por los alumnos a partir de una ficción escrita día a día por De Seta junto con el pedagogo Francesco Tonucci, testimonian un modelo inclusivo basado en la escucha. A través de los intercambios propios de la vida colectiva —reanudando las actividades emprendidas durante las mañanas de rodaje, por las tardes los alumnos asistían a clase con un auténtico maestro—, los niños tomaban conciencia de sus capacidades, convirtiéndose así en verdaderos portadores de conocimiento.

Diario di un maestro, Vittorio De Seta, 1973, 16 mm, 270 min.

Episodios 1 y 2 (137 min): jueves 1 y sábado 24 de abril, 18.30 h

Episodios 3 y 4 (134 min): domingo 4 y domingo 25 de abril, 18.30 h

Proyección en digital. VOSE. Copia cortesía de Editions Montparnasse y Editions L’Arachnéen.

Fecha: 1, 4, 24 y 25 abril 2021

Horario: 18.30

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y www.eventbrite.es

Entradas online

1 de abril (Episodios 1 i 2)
4 de abril (Episodios 3 i 4)
24 de abril (Episodios 1 i 2)
25 de abril (Episodios 3 i 4)

Dilema en el espacio, tráiler de «Stowaway»

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Parece ser que el realizador Joe Penna es bastante proclive a contarnos historias de supervivencias extremas, si hace un par de años nos mostraba en Arctic (critica aquí) las penurias a las que se tenía que enfrentar el personaje interpretado por Mads Mikkelsen a la hora de sobrevivir en un escenario helado y hostil en su segundo trabajo tras las cámaras titulado Stowaway, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, traslada al acción al espacio en un thriller de ciencia ficción que se estrenará a través de Netflix el próximo 22 de abril.

En Stowaway vemos como la tripulación de una nave espacial que se dirige a Marte descubre inesperadamente la presencia de un polizón a bordo que provoca de forma accidental daños graves en los sistemas de soporte vital de la nave. Sin combustible para poder regresar a la Tierra y sin medios suficientes para sobrevivir mucho tiempo a la deriva, los tripulantes deciden «acabar» con la presencia del intruso a cualquier precio. Sólo una investigadora médica que viaja con ellos se opone a una decisión que traerá consecuencias funestas para los tripulantes.

La película con guion del propio Joe Penna junto a Ryan Morrison está protagonizada por Anna Kendrick, Toni Collette, Daniel Dae Kim y Shamier Anderson.

Primer tráiler de «In the Earth», lo nuevo de Ben Wheatley

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Empieza a ser un denominador común ver como Ben Wheatley va alternando de alguna manera trabajos de una producción elevada como la reciente Rebeca con otros bastantes más austeros en lo económico como por ejemplo Happy New Year, Colin Burstead o la película que nos ocupa, In the Earth, cinta de terror de bajo presupuesto rodado el pasado año en secreto durante la pandemia cuyo primer tráiler acababa de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. In the Earth que tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Sundance tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 23 de abril.

En In the Earth vemos como mientras el mundo busca desesperadamente una cura para un mortal virus, un científico y un guardabosques se adentran en las profundidades de un bosque para realizar unas pruebas científicas. Conforme cae la noche, la travesía se convertirá en un aterrador viaje por el corazón de la más profunda oscuridad, con el bosque cobrando vida a su alrededor.

La película con guion del propio Ben Wheatley y música a cargo de Clint Mansell está protagonizada por Joel Fry, Ellora Torchia, Hayley Squires, Reece Shearsmith y Mark Monero.

Avance de programación del D’A 2021

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En un año que ha sido muy complicado para la cultura y que en el mundo del cine ha afectado desde las salas de cine a los circuitos de distribución, pasando por los grandes festivales y la propia producción cinematográfica, el cine independiente no ha perdido su oportunidad de brillar mostrando una gran variedad de registros, temáticas, voces e inquietudes que se mostrara en la selección que presentará el D’A 2021. Así en esta edición del D’A Film Festival Barcelona se podrán ver películas de grandes maestros del cine volviendo a sus esencias como El teléfono del viento, el retorno de Nobuhiro Suwa a Japón para retratar la frágil recuperación emocional diez años después del tsunami, Siberia de Abel Ferrara, sexta película del neoyorquino protagonizada por Williem Dafoe, prácticamente convertido en alter ego del director en su eterna pulsión entre sexo y muerto, o Rizi / Days del gran director asiático Tsai Ming-liang en una maravilla que ganó el premio Teddy a la última Berlinale.

En el D’A 2021 también se verán obras de directoras como Josephine Becker (Madeline’s Madeline), que con una corta filmografía se ha convertido en uno de los nombres más prometedores del cine actual y de quien presentamos Shirley, protagonizada por Elizabeth Moss y que ganó el premio Especial del Jurado a Sundance, o la sensación del cine español independiente Karen de María Pérez Sanz con Christina Rosenvinge en el papel de la escritora Karen Blixen. También se  podrán ver dos películas de gran impacto como Berlin Alexanderplatz de Burhan Qurbani, director alemán de origen afgano, que se enfrenta al clásico de Alfred Döblin, ya adaptado por R.M. Fassbinder, actualizándolo al Berlín actual, y Las cosas que decimos, las cosas que hacemos de Emmanuel Mouret, la ganadora moral de los César 2021 (solo ganó un César de los 13 a los que aspiraba) y que es una de las películas más emocionantes del año.

Berlin Alexanderplatz

Completa este primer adelanto de una programación que llegará a los 90 títulos, dos debuts fulgurantes con el estreno catalán de La vida era eso de David Martín de los Santos, protagonizada por Anna Castillo y Petra Martínez, galardonada con el premio a la mejor actriz en el Festival de Sevilla 2020, y el estreno de la película catalana Mía y Moi de Borja de la Vega, protagonizada por Bruna Cusí y Eneko Sagardoy, ganadores del Goya a los mejores intérpretes revelación por Verano 1993 y Handia, respectivamente.

«Adiós, idiotas» inaugurará el D’A 2021

La película inaugural del D’A Film Festival Barcelona será Adiós, idiotas de Albert Dupontel, protagonizada por él mismo y Virginie Efira. La película ha sido un fenómeno en su paso por los cines franceses y arrasó en los premios César de este año donde ganó un total de siete galardones, incluyendo los de mejor película, director y guion. La séptima película como director de Albert Dupontel es una tragicomedia delirante, cargada de humor negro y ritmo frenético.

https://youtu.be/s7BXyq50Ib0

 

El barrio perfecto, tráiler de la serie de terror «Them»

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Afortunadamente parece ser que las cadenas televisivas están empezado nuevamente a apostar por el terror, una de las próximas en ver la luz será Them, serie coproducida por Amazon Studios y Sony Pictures Television cuyo primer tráiler oficial podéis ver a final de página junto a uno de sus pósters promocionales. La serie que puede remitirnos en sus primeras imágenes al Get Out de Jordan Peele y que constará de diez episodios en su primera temporada se estrenará tras su premier en el SXSW de Austin a través de Prime Video el próximo 9 de abril.

Them creada por Little Marvin nos sitúa en los años 50 cuando una pareja de raza negra decide mudarse a un vecindario blanco de Los Ángeles. La nueva casa de la familia situada en una calle arbolada y aparentemente idílica se convierte en la zona cero donde fuerzas malévolas amenazan con burlarse de ellos, devastarlos y destruirlos.

La serie dirigida por Nelson Cragg, Craig William Macneill, Ti West, Janicza Bravo y Daniel Stamm está protagonizada por Deborah Ayorinde, Ashley Thomas, Alison Pill, Javier Botet, Ryan Kwanten, Melody Hurd, Christopher Heyerdahl, Shahadi Wright Joseph, Abbie Cobb, Sophie Guest, John Patrick Jordan, Derek Phillips, Jeremiah Birkett, Natalie Britton, P.J. Byrne, Kim Shaw, Nick La Croix, Regina McKee Redwing, Bailey Noble, Easton Alexeyev, Zack Daly, Pat Healy, Ryan Kennedy, Mia Komsky, Lindsey Kraft, Stacy Lafay, Barry Livingston, Peyton Nicole Morton, Gracen Newton, Paula Jai Parker, Kari Perdue y Mike Rad.

https://youtu.be/WL3Jz8fDgFI

Contra el tiempo. Actores y actrices de género

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Este Contra el tiempo. Actores y actrices de género se basa en el largometraje documental Contra el tiempo (José Manuel Serrano Cueto, 2012), nominado al Goya como Mejor Largometraje Documental. El volumen recopila, extendidas, las entrevistas que aparecen en la película a Charly Bravo, Mabel Escaño, Lone Fleming, Fernando García Rimada, Antonio Mayans y Ricardo Palacios. También se recoge una entrevista muy completa a Aldo Sambrell (que en la película aparece de forma testimonial), y a Antonio Pica y Jack Taylor, que finalmente no pudieron estar en el documental. Además, Serrano Cueto ha querido publicar aquí una larga charla, absolutamente inédita, que mantuvo con Paul Naschy. Todos son intérpretes del cine de género español de los 60 y 70 (terror, aventuras, policíaco, erótico…), salvo el caso de García Rimada, un actor que empezó en los 90 pero de la misma manera que muchos de aquellos nombres, los presentes y otros: gracias a su físico. Hoy adquiere mucho más valor porque Bravo, García Rimada, Palacios y Sambrell ya no se encuentran con nosotros. Se recogen también entrevistas al joven actor Antonio Mora. Este libro supone, pues, una extensión del documental, que, además, lo completa.
Autor: José Manuel Serrano Cueto, Ilustración de la portada: Manuel J. Iniesta, Editorial: Applehead Team Creaciones, Colección: Made in Spain, Páginas:

«La nube» de Just Philippot se estrenará en cines el próximo 9 de abril

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Será el próximo 9 de abril cuando Capricci Cine estrene en cines La nube, ópera prima del cineasta francés Just Philippot. La película está protagonizada por Suliane Brahim (Especiales, Zona blanca), Sofian Khammes (El mundo es tuyo, Chouf), Nathalie Boyer (Engrenages, Versailles) y Marie Narbonne (Lo mejor está por llegar, Play).

Escrita por Jérôme Genevray y Franck Victor, formó parte de la Semana de la Crítica de Cannes 2020 y de la sección oficial del Festival de Sitges (crítica aquí), donde consiguió el Premio Especial del Jurado y el Premio a la Mejor Interpretación Femenina para Suliane Brahim.

En la nube vemos como a Virginie le resulta difícil conciliar su vida de agricultora con la de madre soltera. Para sacar a su familia adelante y evitar la quiebra de su granja, se entrega en cuerpo y alma a la cría de saltamontes comestibles. Poco a poco, Virginie empieza a desarrollar un extraño vínculo obsesivo con sus saltamontes: ni sus hijos son capaces ya de reconocerla.

Nacido en 1982, en la región de París, Just Philippot obtuvo en 2007 un máster de cine por la Facultad de París VIII. Guionista y director, es autor de cuatro cortometrajes, entre ellos Ses Soufflés de 2015 y Acide de 2018, preseleccionados para los premios César. La nube es su primer largometraje.

“Lo que me ha interesado de la historia es que se trata de una película de hoy, una película que, a través de su dimensión fantástica, habla de nosotros de manera directa, del gran desequilibrio que afecta al mundo y, en concreto, a la agricultura. Este desequilibrio en esencia está ligado a una causa: la de producir más barato”, señala Philippot.

“No podía permitirme hacer que el realismo se orientara hacia lo fantástico de una manera muy forzada. Me apetecía que los saltamontes mutantes estuvieran cercanos a algo más real, más corriente. [···] Lo que me interesó de los saltamontes fue el motivo de la nube, la cantidad más que el propio insecto: la forma de esa nube, de ese enjambre, de esa masa indomable. En sí misma, ésta se convirtió en un personaje. Construimos un criadero de saltamontes expresamente para la película”, concluye.

Tráiler en español de lo nuevo de Justin Benson y Aaron Moorhead «Synchronic»

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El dueto compuesto por Justin Benson y Aaron Moorhead se ha convertido por méritos propios como una de las voces más estimulantes dentro del fantástico contemporáneo, sus trabajos, Resolución, Spring o la notable The Endless, hasta fecha de hoy nos han llegado básicamente a través del formato doméstico previa andadura por festivales de género, su última película titulada Synchronic, cuyo tráiler en castellano de la mano de Vértice Cine podéis ver a final de página junto a su póster oficial, no será una excepción a tal respecto teniendo previsto que vea la luz en nuestro país a través de plataformas digitales el próximo 16 de abril.

En Synchronic (crítica aquí) vemos como noche tras noche, Steve (Anthony Mackie) y Dennis (Jamie Dornan), dos paramédicos de Nueva Orleans encuentran cadáveres cuya extraña muerte parece relacionada con una droga experimental. Poco tiempo después, mientras ambos se ven inmersos en sendas crisis personales, la sustancia se introduce en sus vidas, dando un vuelco a su percepción del tiempo y de la existencia.

La película con guion de Justin Benson y Aaron Moorhead como viene siendo habitual está protagonizada por Jamie Dornan, Anthony Mackie, Ally Ioannides, Bill Oberst Jr., Betsy Holt, Martin Bats Bradford, Kate Adair, Shane Brady, Natasha Tina Liu, Divine Prince Ty Emmecca, Walker Babington, Rhonda Johnson Dents, Devyn A. Tyler, Lawrence Turner, Mike R. Moreau, Matthew Underwood, Sophie Howell, Sam Malone, Adam J. Yeend, Carl Palmer, Ramiz Monsef, Hawn Tran, Rosé Belara Young, Miles Hendler, J. Lamb y Jean-Pierre Vertus.

Filmoteca Española incorpora a sus fondos la obra gráfica completa del director de animación Cruz Delgado

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Filmoteca Española acaba de adquirir parte de los materiales gráficos asociados a la filmografía de Cruz Delgado, autor de algunas de las series y películas de animación más emblemáticas del siglo XX en nuestro país como Don Quijote de la Mancha (1979-1981) o Los cuatro músicos de Bremen (1989).

Con esta adquisición Filmoteca Española consigue reunir la obra completa del realizador, que se ha ido incorporando poco a poco durante los últimos años a la colección de fondos cinematográficos para su correcta conservación. Esta acción se suma a los esfuerzos del Ministerio de Cultura y Deporte para preservar el patrimonio cultural español a través de la adquisición de bienes culturales para la las colecciones públicas, como el archivo personal de Rafael Sánchez Ferlosio o el Archivo Martínez Campos, por mencionar solo algunas de las incorporaciones de los últimos años.

En esta ocasión, se han adquirido materiales relacionados con los siguientes títulos: Mágica aventura, Los cuatro músicos de Bremen, Los viajes de Gulliver, Los trotamúsicos, Don Quijote de la Mancha y El desván de la fantasía. En concreto, los materiales proporcionados corresponden a aquellos elementos que permitían realizar el producto de animación, esto es: bocetos, dibujos de animación, hojas de modelos, story boards, layouts, dibujos en acetatos y decorados de las películas.

Una vez sean inventariados, dichos materiales estarán a disposición de todas las personas investigadoras que deseen acercarse a la obra de Cruz Delgado. Aquella parte de su legado ya depositado en Filmoteca Española se encuentra disponible para su consulta. Con el fin de dar a conocer su trabajo, se proyectarán los cuatro largometrajes que dirigió en el Cine Doré a lo largo de abril y mayo.

Sobre Cruz Delgado

Cruz Delgado es uno de los realizadores de animación más importantes y premiados de España. Nació en Madrid el 12 de diciembre de 1929 y estudió en la Escuela de Artes Gráficas. Durante varios años se dedicó a la ilustración de historietas infantiles, al tiempo que experimenta en el campo del dibujo animado.

Desarrolló su carrera profesional en diferentes destinos, destacando el departamento de animación de Estudios Moro y los Estudios Belvision de Bruselas. Cuando regresa a Madrid en 1963, funda una productora dedicada a la producción de películas de dibujos animados.

Trabajó tanto en cine como para televisión. Realizó varios cortometrajes, entre ellos: El Gato con Botas (1964) o diferentes piezas sobre su personaje “El canguro Boxy” (1966-1970). Entre sus largometrajes encontramos: Mágica Aventura (1972), que tuvo gran éxito en el Festival de animación de Gijón en 1973; El Desván de la Fantasía (1977); Los Viajes de Gulliver (1983) y Los cuatro músicos de Bremen (1989), que obtuvo el premio Goya a mejor película de animación en 1990, siendo la primera producción en la historia que obtenía dicho galardón.

Produjo, además, varias series: una sobre su personaje “Molécula”, televisada en 1968 en TVE; Don Quijote de La Mancha, emitida también por la televisión pública entre 1979 y 1981; o Los Trotamúsicos, de 1989, inspirada en Los cuatro músicos de Bremen.

 

Una carrera contrarreloj, primer tráiler del thriller «Vanquish»

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No es la primera vez que el realizador George Gallo colabora con el veterano Morgan Freeman, The Poison Rose (2019) y la reciente The Comeback Trail (2020), Vanquish, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supondrá la tercera película en donde ambos coinciden. El film, un thriller de acción, se estrenará de la mano de Lionsgate en plataformas digitales el próximo 23 de abril.
Vanquish nos cuenta como un comisionado de policía retirado chantajea a su cuidadora secuestrando a su hija para que lo ayude a traicionar a sus antiguos socios en un intento de limpiar la ciudad antes de que sea demasiado tarde. Ahora, la cuidadora de nombre Victoria deberá usar armas y conocimientos criminales de su turbio pasado a la hora de acabar con el grupo de violentos gánsteres si quiere volver a reunirse con su hija.
La película con guion de Samuel Bartlett está protagonizada por Ruby Rose, Morgan Freeman, Patrick Muldoon, Nick Vallelonga, Julie Lott, Miles Doleac, Paul Sampson, Joel Michaely, Ekaterina Baker, Ele Bardha, Chris Mullinax, Richard Salvatore, Bill Luckett, Leonard Waldner, Reginald Robinson, Nate Adams y Yvan Gauthier.

«My Heart Can’t Beat Unless You Tell It To» review

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Dwight y Jessie están en desacuerdo sobre los cuidados de su frágil y enfermo hermano menor Thomas, que solo vive de la sangre humana. A Dwight le cuesta comprender que para que su hermano viva tengan que dejar tras de sí un reguero de cadáveres, pero cuando empiece a distanciarse de su familia, la implacable Jessie hará lo que sea necesario para mantenerlo en casa.

Viene siendo un denominador común en estos últimos años, y bastante visible por ejemplo en ese gran escaparate de tendencias de género que suele ser Sitges, el ver como un número muy significativo de películas retuercen hasta la extenuidad conceptos y parámetros del género fantástico a la hora de querer discernir sobre problemáticas direccionadas normalmente hacia un índole de carácter social, en su gran mayoría lindantes con el drama, el fantástico como aparente excusa a la hora de hablarnos de otras cosas siempre ha estado de una manera u otra muy presente en la historia del cine fantástico, el debut en la dirección de Jonathan Cuartas (Premio Mejor película Noves Visions y Citizen Kane a la dirección revelación en el pasado Sitges) con la nada desdeñable My Heart Can’t Beat Unless You Tell It To se inscribe de una forma muy evidente en dicha tendencia a través de una variación muy sui géneris del concepto del mito del vampiro, un drama realista de tono claustrofóbico que coquetea tímidamente con el terror en lo concerniente a una película que vendría a ser un buen ejemplo de ese posicionamiento en lo referente a la vertiente más agraciada de dicho termino.

El problema, a parte del desmedido subrayado utilizado en la mayoría de las ocasiones, a la hora de aplicar dicho concepto antes citado es ver como muchos autores utilizan una mirada algo despectiva, casi situada por encima del hombro, hacia el fantástico en la medida de plantear la alegoría, en esta cuestión entraríamos en el eterno debate de cuál es la prioridad o justificación del relato en cuestión, la narrativa más pura de género que vertebra sutiles interpretaciones y matizaciones de otro ámbito o utilizar el fantástico, en la mayoría de veces de forma algo burda, como mera excusa a la hora de exponer la metáfora, en la pasada edición del Festival de Sitges hubo una película que ejemplarizaba a la perfección esta última aseveración como fue muy publicitada e inflada Relic, una de las películas que peor ha tratado el concepto natural del fantástico en estos últimos años.

A tal respecto podríamos llegar a la conclusión de que la modesta pero bastante meritoria My Heart Can’t Beat Unless You Tell It To transita por unos territorios algo parecidos en relación a su estructura, sin embargo a diferencia del film de Natalie Erika James Jonathan Cuartas no distrae ni disimula a la audiencia, o lo que es peor engaña, en referencia a cuáles son sus auténticas motivaciones a la hora de plantear un discurso, a tal respecto el tema del vampirismo y sus interesantes relecturas, en realidad dicho subgénero se ha utilizado en infinidad de ocasiones a la hora de explorar problemas y miedos sociales, un poco a la manera de la seminal Martin de George A Romero o los teen angst más reciente como The Transfiguration de Michael O’Shea o esa derivación exótica y arty que es A Girl Walks Home Alone at Night de Ana Lily Amirpour  por no hablar de la involuntariamente mainstream Let the right one in de Tomas Alfredson, aquí nuevamente todo no deja de ser una excusa casi anecdótica empleada en la medida de desarrollar, en base a una puesta en escena sobria, un seco y áspero drama familiar provisto de relaciones tan afectivas como malsanas que nos cuenta la toxicidad que puede desprender el ser humano con respecto a dependencias forzadas, también interesante del mismo modo en lo concerniente a la exploración de hasta dónde puede llegar el compromiso hacia el vínculo consanguíneo y que se está dispuesto a sacrificar en base a la contradicción moral para poder hacerlo prevalecer.

La revisión del mito vampírico a través de una historia inquietante expuesta en My Heart Can’t Beat Unless You Tell It To será pues algo difusa en relación a su vertiente más puramente genérica, en parte algo lógico al no existir ningún elemento de índole sobrenatural en su planteamiento, de hecho la palabra vampiro nunca se llega a mencionar en el guión, sin embargo será bastante lucida e interesante en la medida de transitar a través de un horror realista que nos pregunta quien es realmente el monstruo, ayudada aquí por una muy característica factura indie en relación a una tonalidad estética lindante casi con el documental, muy a la manera de por ejemplo la reciente The Dark and the Wicked de Bryan Bertino, en la medida de mostrarnos un relato demoledor carente de subrayados a modo de cruda deriva intimista acerca de ese grupo de desheredados de la sociedad que parecen estar condenados a ser excluidos de ese en muchas ocasiones quimérico sueño americano del bienestar.

Valoración 0/5.3’5

Tráiler para «The Banishing», lo nuevo de Christopher Smith

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Christopher Smith siempre ha sido un realizador muy a tener en cuenta, sus trabajos siempre han estado situados de una manera u otra a través de fronteras limítrofes y muy cercanas con el fantástico, Creep, Triangle, Black Death o Detour son un claro ejemplo de ello. Con The Banishing, cuyo tráiler final podéis ver a final de página junto a su póster oficial, Christopher Smith se adentra por primera vez en una historia de terror gótico de época. La película que se pudo ver en la pasada edición del Festival de Sitges dentro de la sección Panorama Fantàstic verá la luz a través de la cadena estadounidense Shudder el próximo 15 de abril.

The Banishing nos traslada al año 1930, un joven reverendo y su esposa e hija deciden mudarse a una mansión con un horrible secreto. Cuando un espíritu vengativo persiga a la niña y amenace con destrozar a la familia, el reverendo se verá obligado a confrontar sus creencias, deberá recurrir a la magia negra buscando la ayuda de un famoso ocultista o arriesgarse a perder a su hija.

La película con un guion a tres manos por parte de David Beton, Ray Bogdanovich y Dean Lines está protagonizada por Jessica Brown Findlay, Sean Harris, John Lynch, Anya McKenna-Bruce, Jason Thorpe, Cokey Falkow, Amy Trigg, Seamus O’Neill, Adam Hugill, Nigel Travis, Jean St. Clair, John Heffernan, James Swanton, Danny Shayler y Sara Apostolaki.

Solaris, Textos de cine: La invasión de los ultracuerpos, de Philip Kaufman

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¿Puede una historia de ciencia-ficción convertirse en una de las más versátiles metáforas para pensar nuestro tiempo? ¿Cómo es que una fantasía aparentemente inocente sobre una invasión alienígena, publicada originalmente en 1956, se ha revelado tan audaz para entender y reflejar los temores e inquietudes de cada momento? Analizamos La invasión de los ultracuerpos, la inolvidable adaptación al cine que Philip Kaufman realizó en 1978 a partir de la novela de Jack Finney, pero también, con una mirada abierta y panorámica, el imaginario y los hallazgos del resto de adaptaciones a cargo de cineastas como Don Siegel, Abel Ferrara u Oliver Hirschbiegel.

Nos sumergimos en el fenómeno cultural de los body-snatchers, o ladrones de cuerpos, analizando su capacidad para revelar la verdad de cada época: la paranoia anticomunista, o antimacarthista, de los años 50; la conspiranoia post-Watergate en los 70; el temor al terrorismo tras el 11-S y hasta la pandemia del COVID-19. Desde La invasión de los ultracuerpos y con la apuesta de su metáfora plenamente vigente en nuestros días, nos arrojamos a pensar sobre los límites de la libertad, el valor del individualismo, la otredad del envejecimiento, lo político y lo biológico, así como la posibilidad misma del amor en el desierto de lo igual.

Desde la centralidad de La invasión de los ultracuerpos de Kaufman, pero junto al resto de adaptaciones, se encuentra en estas páginas el pensamiento de ensayistas de múltiples disciplinas, analistas fílmicos y textuales, psicoanalistas, filósofos y cineastas para desentrañar y esclarecer la vigencia y el alcance de una de las más prósperas alegorías de la ciencia-ficción.

Contenidos

Prólogo: Estragos del tiempo (y de la crítica)
Pachi Arroyo

La política del fantástico… o un cine político de género
Quim Casas

Quién grita: tres hipótesis sobre la identidad del ultracuerpo
Carlos Atanes

¿Víctimas, villanas o heroínas? Una reflexión sobre Elizabeth, Nancy y la lucha feminista de los 70
Miriam Borham Puyal

The Body Snatchers o El divorcio de lo real
Amanda Núñez

¿Ultracuerpos en el siglo XXI?
Carlos Tejeda

El cuerpo sentido
Aarón Rodríguez Serrano

La invasión de los ultracuerpos o la feminización del vacío
Mireia Iniesta

Y te miran, y te miras, al pasar
Raúl Álvarez

No despertamos nunca
Shaila García-Catalán

Una imagen para una sociedad infectada (antes y después de la pandemia vírica)
Israel Paredes

De Jack Finney a Philip Kaufman: la naturaleza de la bestia
José Ángel Barrueco

Autor:Varios, Editorial: SOLARIS, Textos de cine con el apoyo de la Editorial TRAMA, Páginas: 216

 

El demonio tras el milagro, tráiler de «The Unholy»

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El terror religioso parece estar de vuelta viendo la gran cantidad de películas que están abordando dicha temática estos meses, Saint Maud de Rose Glass por ejemplo como la última película estrenada en nuestro país que aborda dicho concepto. The Unholy, cuyo primer tráiler de la mano de Sony Pictures acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, no sitúa a través de un relato de terror sobrenatural que adapta el exitoso libro de James Herbert titulado Shrine. The Unholy que supone el debut en la dirección de Evan Spiliotopoulos se estrenará en cines de Estados Unidos el próximo 2 de abril.

En The Unholy vemos como Alice es una joven con una discapacidad auditiva que tras una supuesta visita de la Virgen María parece haber adquirido el don de escuchar, hablar y curar a los enfermos. Mientras el asunto va cogiendo relevancia un periodista caído en desgracia se desplazará al pequeño pueblo de Nueva Inglaterra donde ocurren los hechos con la intención de que el caso le devuelva su carrera al estrellato. Lo que desconoce es que estos milagros esconden una cara mucho más oscura de lo que él en un principio cree.

La película que cuenta con la producción de Sam Raimi a través de Ghost House y guion adaptado por parte del propio Evan Spiliotopoulos está protagonizada por Jeffrey Dean Morgan, Cary Elwes, William Sadler, Katie Aselton, Christine Adams, Celeste Oliva, Diogo Morgado, Janelle Feigley, Marina Mazepa, Bates Wilder, Gisela Chipe, Kiara Pichardo, Bill Thorpe, Dustin Tucker, Danny Corbo, Rob Lévesque, Kevin Fennessy, Cassidy Neal, Kevin Daigneault, Julia Bechler, Nate Luis Silva, Jeff Bouffard, Hannah Jane Doyon, Derek Mellor, Sonny Corbo, Mike Wendt, JJ Wright, Alexander M. Akerblom, Stephen O’Neil Martin, Mere Davis, Maximo Duran, Ian Dylan Hunt, Catherine Hunter, Elbert Kim y Adrian M. Mompoint.

Proyecciones Xcèntric: Marte en la Tierra I. As Without so Within

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Bad Mama, Who Cares (Brigid McCaffrey, 2016)

A través de una insólita exploración fílmica en el uso del encuadre, la iluminación, el desenfoque, la sobreimpresión o el stop motion, los cortos de esta sesión ensayan caminos de experimentación perceptiva en los que elementos y lugares concretos —destellos de luces, formas circulares o geológicas— configuran topografías cósmicas, sinuosidades más lejanas de otros planetas y figuraciones inesperadas. Este programa, con películas de Sophie Michael, Manuela de Laborde, Gautam Valluri, Brigid McCaffrey y Jodie Mack, está enmarcado como actividad paralela de la exposición «Marte. El espejo rojo».

Las luces de una tienda en 99 Clerkenwell Road se convierten en esferas de colores parecidas a los astros de un sistema solar vistos desde un telescopio. Las piedras observadas como objetos escultóricos en As Without so Within adquieren, bajo una luz incidente, el aura de asteroides cuyos claroscuros dan lugar a eclipses y a destellos interplanetarios. Con Circles exploramos la superficie marciana y descendemos a la tierra. Bad Mama, Who Cares nos descubre la actividad de una geóloga retirada en su casa del desierto, amparada por una luminosidad fosforescente de una fuerza extranatural, y vemos sus manos colocando electrodos en un trozo de roca negra… Y, por último, una colección de minerales cobra vida en el proceso manual de mostrar un archivo en Hoarders Without Borders 1.0.

99 Clerkenwell Road, Sophie Michael, 2010, 16 mm, 8 min; As Without so Within, Manuela de Laborde, 2016, 16 mm, 25 min; Circles, Gautam Valluri, 2015, 16 mm, 4 min; Bad Mama, Who Cares, Brigid McCaffrey, 2016, 35 mm, 12 min; Hoarders Without Borders 1.0, Jodie Mack, 2018, 16 mm, 5 min.

Proyección en digital. Copias cortesía de los artistas.

Fecha: 18 marzo 2021

Horario: 19:00

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida

Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido

Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y www.eventbrite.es

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Primer tráiler de «Oxygen», lo nuevo de Alexandre Aja

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Algo dispersa está resultando últimamente la trayectoria del realizador francés afincado en los Estados Unidos Alexandre Aja, tras su entretenida Crawl y su participación en la nueva serie televisiva de la saga Tomie el responsable de Haute tensión tiene ya listo su último trabajo tras las cámaras titulado Oxygen, film cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster promocional. Oxygen, que inicialmente tenía que ser rodada por Franck Khalfoun y que nos remite argumentalmente de una forma clara a películas como Buried de Rodrigo Cortés o la reciente Tin Can de Seth A. Smith se estrenará a través de Netflix el próximo 12 de mayo.

En Oxygen vemos como una mujer se despierta en una especie de unidad criogénica médica. No recuerda quién es ni cómo ha terminado encerrada en una caja no más grande que un ataúd. Mientras se queda sin oxígeno, debe reconstruir sus recuerdos a la hora de poder encontrar una salida a su pesadilla.

La película con guion Christie LeBlanc está protagonizada por Mélanie Laurent, Mathieu Amalric, Malik Zidi, Marc Saez, Eric Herson-Macarel y Cathy Cerda.

Bromas macabras, tráiler de «Making Monsters»

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La ópera prima del dueto formado por Justin Harding y Rob Brunner es otra de las muchas producciones de bajo presupuesto que debido a la pandemia se han quedado de alguna manera en el limbo de la distribución, tras más de dos años de su realización Making Monsters, cinta canadiense de terror ambientada en las redes sociales cuyo tráiler final acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, tiene ya por fin fecha de salida prevista para el próximo 26 de marzo a través de VOD.

En Making Monsters vemos como Christian Brand tiene un exitoso canal de YouTube con más de 10 millones de seguidores. Su esposa, Alison, es la estrella de alguna manera involuntaria de sus videos de bromas. Un día ambos se encuentran con un viejo amigo llamado Jesse que los invita a pasar un fin de semana en su casa de campo. Cuando llegan, descubren que Jesse no está allí, pero sí su compañero David. Alison y Christian tienen una velada tranquila con David, que se convierte en una noche de fiesta y de sucesos extraños. La pareja se despierta al día siguiente para descubrir que sus móviles no están y su anfitrión tampoco. Cuando Alison es arrastrada al sótano por un fantasma, Christian va tras ella y encuentra una computadora con imágenes de video de ellos y sus invitados anteriores. Los videos se han publicado en una web oscura en donde los visitantes pagan para ver cosas horribles.

La película con guion del propio Justin Harding está protagonizada por Alana Elmer, Tim Loden, Jonathan Craig, Jarrett Siddall y Peter Higginson.

Ciclos La Casa Encendida: Gabriel Mascaro: La poética de los cuerpos

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Recorrido por la filmografía de uno de los principales exponentes del nuevo cine brasileño, dividido en dos etapas: una primera dedicada al cine documental y el retrato de las desigualdades urbanas y una segunda que ahonda en la situación del Brasil contemporáneo desde la ficción.

La obra de Gabriel Mascaro se caracteriza por una interpretación crítica de la contemporaneidad. Analiza la realidad social brasileña e investiga las relaciones entre la micropolítica y la vida cotidiana. En sus películas muestra un especial talento a la hora de crear imágenes sugerentes y atmósferas llenas de potencia visual, capturando la fuerza y la carnalidad del cuerpo humano en relación al deseo y el entorno que le rodea. Su trabajo evoluciona del retrato más realista de la sociedad a una aproximación más lírica, fragmentada e incluso distópica.

Artista visual y cineasta, Gabriel Mascaro es uno de los directores brasileños más prestigiosos de la actualidad. Nacido en Recife en 1983, se licenció en Comunicación social por la Universidad Federal de Pernambuco. A partir de 2008 comienza su carrera cinematográfica; primero dentro del campo del cine documental con títulos como Um lugar au sol (2009), Avenida Brasília Formosa (2010) o Doméstica (2012), año en el que también realiza la pieza de videoarte EBB AND FLOW (A Onda Trás o Vento Leva), que fue expuesta en La Casa Encendida.

En 2014 debuta en el largometraje de ficción con Ventos de agosto, a las que seguirán Boi Neon (2015) y Divino amor (2019). Todas ellas cuentan con un impresionante recorrido por festivales internacionales, habiendo participado en Sundance, Berlinale, San Sebastián, BFI Londres, IndieLisboa o BAFICI, con premios en festivales como Venecia, Locarno, Toronto o Mar del Plata entre sus más de 30 reconocimientos internacionales.

El ciclo se completa con un encuentro online en directo entre Gabriel Mascaro y Andrea Franco, que tiene lugar el día 18 de marzo a las 18.00h. Se realiza a través de la plataforma Zoom y, para participar, es necesario inscribirse en este enlace.

Andrea Franco es licenciada en Periodismo, máster en Teoría e Historia del Cine y Doctora cum laude con una tesis sobre la ciudad y el espacio urbano a través del cine iberoamericano contemporáneo. Es programadora audiovisual para festivales, filmotecas, centros de arte y plataformas digitales y ha comisariado muestras y retrospectivas sobre cine que cruzan con otras artes. Entre ellas destacan las consagradas a Gordon Matta-Clark; Jonas Mekas; Jeannette Muñoz; Camilo Restrepo & L’Abominable; o la muestra de cine de la Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo. Colabora habitualmente en revistas como Transit, Cine y otros Desvíos, o La Furia Umana, de la que también es coeditora. Es autora del libro Iberoamérica Urbana. Itinerarios por un cine desencantado (2018).

Programación

  Del 10 al 16 marzo

La Casa On, Cine, Audiovisuales

‘Um lugar ao sol’, de Gabriel Mascaro

Precio: 3.00 €

Entradas

 

Del 13 al 20 marzo

La Casa On, Cine, Audiovisuales

‘Ventos de Agosto’, de Gabriel Mascaro

Precio: 3.00 €

Entradas

 

 

Del 17 al 23 marzo

La Casa On, Cine, Audiovisuales

‘Avenida Brasília Formosa’, de Gabriel Mascaro

Precio: 3.00 €

Entradas

 

 

Del 20 al 26 marzo

La Casa On, Cine, Audiovisuales

‘Boi neon’, de Gabriel Mascaro

Precio: 3.00 €

Entradas

 

Del 24 al 30 marzo

La Casa On, Cine, Audiovisuales

‘Doméstica’, de Gabriel Mascaro

Precio: 3.00 €

Entradas

 

 

Del 27 marzo al 02 abril

La Casa On, Cine, Audiovisuales

‘Divino Amor’, de Gabriel Mascaro

Precio: 3.00 €

Entradas

 

 

 

 

 

 

La épica deportiva, tráiler de «Les sorcières de l’Orient»

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No es la primera vez que el realizador francés Julien Faraut aborda a través del documental cuestiones y personalidades relacionadas con el deporte, en 2018 nos mostró con L’empire de la perfection unas vicisitudes, casi en modo experimental, que reflexionaban acerca de la perfección en el tenis en base a un profundo retrato sobre la figura del legendario tenista John McEnroe. Dos años más tarde Julien Faraut nos vuelve a ofrecer un relato documental vinculado con el deporte y las reminiscencias sociales y culturales que derivando de todo ello con Les sorcières de l’Orient, film cuyo primer tráiler tras su reciente paso por el Festival de Rotterdam acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Conocidas como «Las brujas de Oriente» el documental, que intercala entrevistas y escenas de archivos, nos muestra al equipo de voleibol femenino japonés que ganó el oro olímpico en los Juegos de 1964 en Tokio. Un equipo que comenzó su formación en la fábrica textil Nichibo Kaizuka de Osaka, ganando de forma repetida, su récord de 258 victorias consecutivas sigue invicto hasta el día de hoy. El equipo llego a ser tan popular que una gran cantidad de personajes de manga, dibujos animados se basaron en ellos. Julien Faraut utiliza secuencias de series de anime como la popular Attack no 1 (1968), junto a imágenes de archivo de partidos intensos y sesiones de entrenamiento extremo, todo ello enfatizado a través de la música a cargo del francés K-Raw.

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MIS HISTORIAS DE CINE I

El libro que el lector tiene entre sus manos recoge la versión escrita de una enseñanza oral. La impartida en la Elías Querejeta Zine Eskola de San Sebastián durante el curso académico 2018-19. Responde, además a una propuesta que ningún estudioso del cinematógrafo podría rechazar: elegir las películas de mi vida, indagar en la manera en que ciertas obras han marcado mi manera de relacionarme con el cinematógrafo.

Por tanto, estamos ante un caso particular. Que no aspira a proponer un supuesto canon más menos normativo. Ni tampoco trata de jugar a ese juego divertido pero banal que consiste en señalar los pretendidos mejores filmes de la historia del cine. Se trata de algo mucho más íntimo, de hablar de la manera en que la frecuentación de esas obras (doce simples películas que sirven de muestra de muchos centenares vistas a lo largo de casi siete décadas, de tantas y tantas horas consumidas en la oscuridad de las salas) han construido mi manera de “vivir el cine”, de “vivir en el cine”, de “vivir con el cine”. Se trata de intentar explicar cómo y de qué manera esas películas me han atravesado, marcando a fuego la manera en que a partir de las ventanas que me han abierto sobre la vida, han moldeado mi manera de pensar el cine. Porque, eso sí, no creo que haya mejor forma de vivirlo que pensándolo.

Para ello me he visto obligado a volver la vista atrás hacia esa escena originaria que muestra a un niño que entraba de la mano de su madre en esas acogedoras salas de barrio (¡los cines de barrio, las sesiones matinales de los domingos, las interminables sesiones continuas!) de mi ciudad natal. Salas cuyo espacio tenía la virtualidad de transmutar las mañanas y tardes de los días festivos, a través una alquimia cuyos secretos apenas intuía, en territorios soñados. Territorios en los que, como dice la célebre frase de Michel Mourlet que Jean-Luc Godard pone en boca de André Bazin en el inicio de Le mépris, el cine ha venido para sustituir nuestra mirada por un mundo que sea acorde con nuestros deseos.

Santos Zunzunegui

El autor

SANTOS ZUNZUNEGUI (Bilbao, 1947). Catedrático Emérito de Comunicación Audiovisual y Publicidad (Universidad del País Vasco). Semiólogo, analista e historiador cinematográfico. Ha sido profesor invitado en diversas universidades de Europa, EE. UU. y América del Sur. Desde el curso 2018-19 imparte docencia en la Escuela de Cine Elías Querejeta Zine Eskola de San Sebastián.

Entre sus principales libros se cuentan: Mirar la imagen (1984); El cine el País Vasco (1985); Pensar la imagen (1989); La mirada cercana. Microanálisis fílmico (1996; nueva edición revisada y ampliada, Shangrila, 2016), Robert Bresson (2001); Historias de España. De qué hablamos cuándo hablamos de cine español (2002; nueva edición revisada y ampliada, Shangrila, 2018), Metamorfosis de la mirada. Museo y semiótica (2003; versión italiana Metamorfosi dello sguardo, 2011); Orson Welles (2005); Las cosas de la vida. Lecciones de semiótica estructural (2005); La mirada plural (2008), ganadora del Premio Internacional de Ensayo “Francisco Ayala” y cuya traducción al italiano ha aparecido en 2015 con el título de Lo sguardo plurale. En 2013 ha publicado Lo viejo y lo nuevo (Cátedra) donde se recogen cinco años de su trabajo en Caimán. Cuadernos de Cine, revista de la que es miembro de su Consejo Editorial. En 2017 apareció Bajo el signo de la melancolía. Cine, desencanto y aflicción (2017), su último libro.

Autor: Santos Zunzunegui, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre] libros, Páginas: 316

 

«Mantícora» será el nuevo trabajo como director de Carlos Vermut

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Tras Diamond Flash, Magical Girl y Quién te cantará y a la espera de su trabajo como guionista en la nueva película de Paco Plaza, La abuela acaba de anunciarse de que Mantícora será su cuarta película como director. Producida por Aquí y Allí Films y Bteam Prods, Mantícora fue el proyecto mejor valorado en el último comité del ICAA Selectivas. Cuenta con la participación de TV3, distribuye Bteam Pictures y las ventas internacionales corren a cargo de Film Factory.

Esta historia «sobre amor y monstruos en los tiempos modernos» en palabras del propio Carlos Vermut «habla de un monstruo real, de los que viven entre vosotros y que te puedes encontrar en el metro o en la cola de la panadería. Habla de su necesidad de amar y ser amado«.

Mantícora es un guión «impecable e implacable». Producir a un autor como Carlos Vermut siempre es un placer, pero producir esta película está siendo un auténtico lujo» dice Pedro Hernández Santos de Aqui y Alli Films. Alex Lafuente, productor de Bteam Pictures, añade es «un placer poder colaborar por primera vez con Aqui y Alli Films una de las productoras de referencia de cine independiente español. El guión de Mantícora y la mirada de Carlos Vermut nos impresionaron desde el primer momento»

La sinopsis de la película nos cuenta como Julián es un exitoso diseñador de videojuegos que vive atormentado por un oscuro secreto. Cuando Diana aparece en su vida, Julián sentirá cercana la oportunidad de ser feliz.

Tráiler para «Limbo» de Soi Cheang

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En un momento en que la línea entre las producciones de Hong Kong y la China se está volviendo cada vez más difusa en lo relativo a su adscripción genérica siempre es una buena noticia saber de trabajos que en un principio parecen recuperar la gran tradición del thriller hongkonés de antaño, Limbo, presente estos días en el Festival de Berlín y cuyo primer tráiler, subtitulado al inglés, acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster promocional, supone el nuevo trabajo tras las cámaras de Soi Cheang, realizador que tan buenas sensaciones nos dejó con películas como Love Battlefield, Dog Bite Dog o Accident.

En Limbo vemos como Yam Hoi es un oficial novato que acaba de graduarse en la academia de policía. A causa de una oleada de asesinatos en serie, Hoi es asignado como compañero de Brother Chin que acaba de ser readmitido en el cuerpo, Sin embargo, lejos de resolver los casos, el dúo causa una serie de nuevos incidentes. Tiempo después, Chin se reencuentra con un viejo conocido, Wong To que asesinó a su mujer e hijo, y su ira provoca que pierda por completo el control. Hoi pierde su pistola, que es hallada por el asesino en serie. Con él rondando libremente por la ciudad, la crisis se agranda a pasos agigantados.

La película con guion Au Kin-Yee está protagonizada por Gordon Lam, Cya Liu, Mason Lee, Hiroyuki Ikeuchi, Fish Liew, Sammy Sum, Hanna Chan y Franjo Kumer.