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Cinco chicas problemáticas se ven obligadas a acogerse a un programa experimental de enseñanza, impartido por la enigmática Madame Duret (Uma Thurman) en el internado Blackwood. Pronto empiezan a mostrar talentos singulares que no sabían que poseían, y a tener extraños sueños, visiones y lagunas de memoria. Cuando la frontera entre realidad y sueño comienza a hacerse demasiado difusa, todas comprenden al fin el motivo por el que han sido llamadas a Blackwood. Aunque puede que ya sea tarde…
No deja de ser curioso la actual recepción y posterior acomodo de según qué producciones extranjeras dirigidas por directores patrios, lo que en un principio no deja de ser una innegable congratulación al poder constatar como el talento existente en nuestro país es perfectamente exportable al exterior deviene posteriormente en una preocupación que no estaría de más que terminara en reflexión por parte de más de uno, el comentario viene a colación con respecto a la distinta acogida y posterior difusión mediática de dos películas en principio tan antagónicas pero de curiosas confluencias genéricas como son el Jurassic World: El reino caído de Juan Antonio Bayona y Blackwood del salmantino Rodrigo Cortés, salvando las muy evidentes distancias temáticas existentes en ambos films las que, las virtudes señaladas en el film de Bayona por una gran mayoría de medios para un humilde servidor son las que realmente atesora la película de Rodrigo Cortés, estas son el dejar una impronta personal o unos rasgos autorales en un producto en un principio de encargo, esta diéresis del elogio desmesurado solo estuvo presente de forma abrupta, casi invasiva como viene siendo habitual, en la película dirigida por Juan Antonio Bayona por parte de medios afines que siguen empecinados por razones que ellos solo sabrán en confundir una innegable virtud de haber llegado por méritos propios a dirigir superproducciones Hollywoodienses con el muy discutible talento de su autor, lamentablemente Rodrigo Cortés no goza del tal beneplácito pese que en un principio un producto algo fallido como resulta ser Blackwood atesore no pocos matices dignos de ser resaltados.
Podríamos llegar a la conclusión que Blackwood se sitúa a medio camino entre su opera prima Buried y su segundo trabajo tras las cámaras, la muy reivindicable Red Lights, si la primera no dejaba de ser un pulcro y muy funcional ejercicio de estilo la segunda mostraba de forma clara unos rasgos e inquietudes autorales muy a tener en cuenta, de esta manera Blackwood basada en la novela de Lois Duncan parte de un material en principio no afín al ideario del director de origen español, una epopeya young-adult de elogiable composición visual aderezada con una muy evidente estructura gótica de clara raíz genérica que intenta por momentos alejarse de convenciones propias, una película que da la impresión de moverse continuamente a través de la confusión narrativa, muy visible en su atropellado final, sin embargo en la cinta producida por Stephenie Meyer hay suficientes apuntes, en su gran mayoría soterrados, muy a tener en cuenta, en este sentido Blackwood parece estar situándose continuamente a través de la alegoría, no muy bien desarrollada pero alegoría al fin y al cabo, la rebeldía adolescente expuesta y ubicada en una tierra temporalmente de nadie o la juventud como ofrenda al arte son solo algunos de los matices e ideas luminosas que intentan distanciarse del tópico y del molde preconcebido en un film que por otra parte no reniega de los postulados de los que parte.
Blackwood pese a sus innegables déficits, como principal falla palpable existe una difícil asimilación entre clasicismo y modernidad no tanto a un nivel estilístico pero si muy evidente en lo referente a personajes, todo ello pese a existir un empeño en impregnar al relato de un tamiz de connotaciones góticas que deviene como algo pobre en lo referente a lo más estrictamente atmosférico, de esta manera una de las cualidades de dicho subgénero como es lo sutil y lo sugerido pasa aquí a ser algo más explícito de lo habitual en lo referente a su exposición, algo que de por si no tiene que ser considerado como algo negativo, en el caso que nos ocupa deviene más como un posicionamiento autoral a la hora de expresar unos códigos estilísticos propios plenamente reconocibles en anteriores trabajos del autor, estas intenciones llevadas esos si de forma algo irregular hacen que Rodrigo Cortés logre un producto que consigue al menos ir más allá del relato sobrenatural juvenil al uso tan mal visto hoy en día por gran parte de la audiencia, lastima sin embargo que el recibimiento de esta por momento subyugante, interesante y bastante atípica propuesta no haya tenido un mayor beneplácito crítico, de alguna manera y volviendo al discurso inicial Blackwood termina siendo prisionera de una falta de mayor indagación por parte de esas caprichosas corrientes de adhesión mediática que esperemos que en un futuro como viene siendo habitual logre reparar el actual desagravio.
Danny DeVito (Neptune, Estados Unidos, 1944) recogerá un Premio Donostia de la 66 edición del Festival de San Sebastián el sábado 22 de septiembre en el Kursaal. Al día siguiente, el domingo 23, presentará la película Smallfoot en el Velódromo.
El galardón reconoce una trayectoria de casi cinco décadas vinculada a la interpretación en teatro, cine y televisión, contando historias como actor y realizador o respaldando proyectos como productor. Ganador de un Globo de Oro y un Emmy, es conocido por sus papeles en las series televisivas Taxi y It’s Always Sunny in Philadelphia, y películas como One Flew Over The Cuckoo’s Nest (Alguien voló sobre el nido del cuco), Terms of Endearment (La fuerza del cariño), Romancing the Stone (Tras el corazón verde), Twins (Los gemelos golpean dos veces), Ruthless People (Por favor, maten a mi mujer) y Tin Men (Dos estafadores y una mujer).
Rostro popular para el público por papeles como el carismático Pingüino de Batman o el gemelo de Schwarzenegger, cuenta con una carrera versátil en la que ha trabajado a las órdenes de directores como Milos Forman, Brian de Palma, Robert Zemeckis, Barry Levinson, Tim Burton, Francis Ford Coppola, Sofia Coppola o Todd Solondz.
También ha dirigido -y protagonizado- películas tan emblemáticas como The War of the Roses (La guerra de los Rose, 1989), Hoffa (Hoffa: un pulso al poder, 1992), Death to Smoochy (Smoochy, 2002), Throw Momma from the Train (Tira a mamá del tren, 1987), Curmudgeons (2016), Duplex (2003), The Ratings Game (El juego de las audiencias, 1984) y The World’s Greatest Lover (El mejor amante del mundo, 1977), y producido películas de Quentin Tarantino, Steven Soderbergh o el propio Forman. Asimismo, ha producido, dirigido y actuado en Matilda (1996), Hoffa (1992) y Curmudgeons (2016).
Es director de Jersey Film’s 2nd Avenue, compañía sucesora de Jersey Films, que produjo Erin Brockovich (2000) que recibió una nominación al Oscar a la mejor película, Pulp Fiction (1994), Out of Sight (Un romance muy peligroso, 1998), Freedom Writers (2007), Garden State (Algo en común, 2004), Along Came Polly (Y entonces llegó ella, 2004) y Living Out Loud (De ahora en adelante, 1998), entre otras. DeVito ha sido productor y coprotagonista de Get Shorty (Cómo conquistar Hollywood, 1995), Man on the Moon (1999), Be Cool (2005), Even Money (La apuesta perfecta, 2006) y Drowning Mona (Todos la querían muerta, 2000).
Uno de sus primeros papeles en el séptimo arte fue One Flew Over the Cuckoo’s Nest (Alguien voló sobre el nido del cuco, 1975) y se dio a conocer con su trabajo en la serie de televisión Taxi (1978-1983), por la que fue nominado a los Globos de Oro y los Emmy todos los años que estuvo en emisión, y recibió uno de cada. Tras formar parte del reparto de películas como la oscarizada Terms of Endearment (La fuerza del cariño, James L. Brooks, 1983), Romancing the Stone (Tras el corazón verde, Robert Zemeckis, 1984) o Ruthless people (Por favor, maten a mi mujer, 1986), dirige su primer largometraje para la gran pantalla, Throw Mamma from the Train (Tira a mamá del tren, 1987), que fue nominada a los Oscar y a los Globos de Oro.
A continuación, dirigió y protagonizó The War of the Roses (La guerra de los Rose, 1989) y Hoffa (Hoffa: un pulso al poder, 1992), ambas seleccionadas en la competición oficial del Festival de Berlín, y Matilda (1996) basado en el libro de Roald Dahl. Su carrera como cineasta convivió con sus interpretaciones en películas como Wise Guys (Dos tipos geniales, Brian de Palma, 1986), Tin Men (Dos estafadores y una mujer, Barry Levinson, 1987), Twins (Los gemelos golpean dos veces, Ivan Reitman, 1988), Other People’s Money (Con el dinero de los demás, Norman Jewison, 1991), Batman Returns (Batman vuelve, Tim Burton, 1992), L.A. Confidential (Curtis Hanson, 1997), The Rainmaker (Legítima defensa, Francis Ford Coppola, 1997), The Virgin Suicides (Las vírgenes suicidas, Sofia Coppola, 1999), Big Fish (2003), de nuevo con Burton, o, más recientemente, The Comedian (Taylor Hackford, 2016) y Wiener-Dog (Todd Solondz, 2016). El año que viene estrenará la esperada versión de Dumbo, en la que volverá a encarnar, como en Big Fish, a un director de circo, en la que será su tercera colaboración con Burton.
Desde la década de los 90 se ha involucrado también como coproductor en películas como Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994), Get Shorty (Cómo conquistar Hollywood, Barry Sonnenfeld, 1995), Gattaca (Andrew Niccol, 1997), Man on the Moon (Milos Forman, 1999), Erin Brockovich (Steven Soderbergh, 2000), nominada al Oscar a la mejor película, Garden State (Algo en común, Zach Braff, 2004) o Freedom Writers (Diarios de la calle, Richard LaGravenese, 2007).
DeVito también ha prestado su voz para películas de animación como Space Jam (1996), Hercules (1997), The Lorax (Lorax: En busca de la trúfula perdida, 2012) o la película que le traerá por primera vez a San Sebastián, Smallfoot, que se proyectará en el Velódromo.
Tras el rodaje de un episodio piloto dirigido por Nicole Kassell esta misma semana se ha dado a conocer el visto bueno por parte de la cadena HBO para una primera temporada de Watchmen, traslación en esta ocasión para la pequeña pantalla del fundamental comic de Alan Moore y Dave Gibbons que vio la luz en el año 1986. Watchmen que ya tuvo una muy notable versión para cines en 2009 por parte de Zack Snyder contará para esta nueva versión con Damon Lindelof (Lost ,The Leftovers) ejerciendo de showrunner, una puesta al día de la obra en donde al parecer no se adaptará fielmente la novela gráfica sino que habrá una cierta distancia narrativa con el original. El Watchmen de la HBO verá la luz el próximo año, un 2019 en donde la cadena estadounidense también estrenará dos platos fuertes como son la tercera temporada de True Detective y el esperado final de Game of Thrones.
Recordemos que Watchmen nos sitúa en un hipotético pasado en los Estados Unidos de los años 80. En este periodo la Guerra Fría está en su pleno apogeo y los superhéroes son una parte obsoleta de la estructura de la sociedad, sin embargo estos que antes habían sido admirados ahora en su mayoría son perseguidos por las fuerzas del orden. Un día aparece muerto uno de ellos, El Comediante, que trabajaba para la CIA. Su amigo Rorschach, el único héroe enmascarado en activo al margen de la ley emprenderá la investigación de su misteriosa muerte, tras la que se oculta algo muy importante.
Hasta el momento algunos de los actores ya confirmados para la serie son Jeremy Irons, Regina King, Don Johnson, Tim Blake Nelson, Louis Gossett Jr., Adelaide Clemens, Andrew Howard, Tom Mison, Frances Fisher, Jacob Ming-Trent, Tom Mison, Sara Vickers, Yahya Abdul-Mateen II Dylan Schombing, Lily Rose Smith y Adelynn Spoon.
Mucha expectación existe alrededor del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador mexicano Alfonso Cuarón tras su aclamada Gravity (2013), Roma cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página supone además el proyecto más personal de Cuarón realizado hasta la fecha, un drama sobre una familia mexicana de clase media inspirada en su propia infancia. Roma rodada en blanco y negro bajo producción Netflix tendrá su premier mundial en la próxima edición del Festival de Cine de Venecia para después participar en la sección Perlak del Festival de San Sebastián, más tarde y tras un estreno limitado en cines la película verá la luz en la plataforma digital a partir del próximo mes de diciembre.
Roma nos presenta a Cleo, una joven empleada doméstica que trabaja en Roma, un barrio de clase media de Ciudad de México. En esta exquisita carta de amor dirigida a las mujeres que lo criaron, Cuarón rescata fragmentos de su infancia para tejer un retrato emotivo y auténtico de los conflictos domésticos y de la jerarquía social con la turbulenta situación política de los años 70 como telón de fondo.
La película con guion del propio Alfonso Cuarón está protagonizada por Marina de Tavira, Marco Graf, Yalitza Aparicio, Daniela Demesa, Latin Lover, Enoc Leaño y Clementina Guadarrama.
L’homme fidèle / A Faithful Man (Louis Garrel), Baby (Liu Jie), Alpha, the Right to Kill (Brillante Mendoza), In Fabric (Peter Strickland), Beautiful Boy (Felix Van Groeningen) y la ópera prima Blind Spot (Tuva Novotny) formarán parte de la lista de candidatas a la Concha de Oro de la 66 edición del Festival de San Sebastián. Estas seis producciones se suman a los últimos trabajos de Icíar Bollaín, Claire Denis, Simon Jaquemet, Kim Jee-woon, Naomi Kawase, Isaki Lacuesta, Benjamín Naishtat, Valeria Sarmiento, Rodrigo Sorogoyen, Markus Schleinzer, Juan Vera y Carlos Vermut en la pugna por los premios oficiales del Festival.
El actor y director francés Louis Garrel (París, 1983) presentará su segundo largometraje como realizador tras Les deux amis / Two friends (2015), que fue seleccionado en la Semana de la Crítica de Cannes. Garrel, que ha trabajado como intérprete con Bertolucci, Bonello, Hazanavicius y Honoré, protagoniza L’homme fidèle junto a Laetitia Casta y Lily-Rose Depp.
Liu Jie (Tianjin, China, 1968), que ganó el Premio Orizzonti en Venecia por su ópera prima, Mabei shang de fating / Courthouse on Horseback, aborda en Bao bei er / Baby, la historia de una joven de 19 años que quiere salvar a una niña enferma en el contexto del control de natalidad impuesto por el Gobierno chino.
Tras competir en Cannes, Berlín y Venecia, Brillante Mendoza (San Fernando, Filipinas, 1960) lo hará por primera vez en San Sebastián con Alpha: The Right to Kill, que se enmarca en una ofensiva del Gobierno filipino contra las drogas. El año pasado la producción de Mendoza Pailalim / Underground, dirigida por el debutante Daniel Palacio, formó parte de la selección de New Directors.
La actriz sueca Tuva Novotny (Estocolmo, 1979), que ha protagonizado recientemente Annihilation (Aniquilación, 2018) y Borg / McEnroe (Perlas 2017), se estrena como realizadora cinematográfica con Blind Spot con una historia sobre los puntos ciegos de la mente a través de la relación entre una madre y una hija.
Peter Strickland (Reading, Reino Unido, 1973) se ha convertido en un autor de culto solo con tres películas: Katalin Varga (2009), que compitió en Berlín y recibió el premio al descubrimiento europeo del año, Berberian Sound Studio (2012), que compitió en Locarno, y The Duke of Burgundy (2014). Su cuarto largometraje de ficción, In Fabric, recorre el itinerario de un vestido maldito.
Beautiful Boy es la primera película rodada en lengua inglesa por Felix Van Groeningen (Gante, Bélgica, 1977), que presentó De helaasheid der dingen / The Misfortunates (2009) en la Quincena de Realizadores y Alabama Monroe (2013) en la sección Panorama de la Berlinale, donde obtuvo el Premio del Público. Fue, además, nominada al Oscar a la mejor película extranjera. Beautiful Boy, basado en la historia real de la lucha de un padre por rescatar a su hijo de las drogas, está interpretado por Steve Carell y Timothée Chamalet y producida por los ganadores de los Oscar por Moonlight y 12 Years a Slave / 12 años de esclavitud (Brad Pitt, Dede Gardner y Jeremy Kleiner).
A un mes de la celebración del Festival, ya se conocen las dieciocho películas a competición, y las que participan fuera de concurso (Gigantes) y como proyecciones especiales (Tiempo después y Dantza). La película de clausura se anunciará en las próximas semanas.
Alpha, The Right To Kill
Brillante Mendoza (Filipinas)
Intérpretes: Allen Dizon, Elijah Filamor, Baron Geisler
Con el trasfondo de las enérgicas medidas del gobierno para luchar contra las drogas ilegales, la policía, liderada por los SWAT, el cuerpo de élite, lleva a cabo una operación para arrestar a Abel, un importante distribuidor de metanfetamina, con el sargento Moisés Espino y su confidente Elijah aportando información. Una violenta batalla se desata entre los SWAT y los hombres de Abel en un barrio de chabolas. Abel huye llevándose dinero y metanfetaminas. Los SWAT lo matan, pero antes de que los investigadores irrumpan en el lugar de los hechos, Espino roba el bolso de Abel.
Bao Bei Er / Baby
Liu Jie (China)
Intérpretes: Yang Mi, Guo Jingfei, Lee Hong-Chi, Wang Yanjun, Zhu Shaojun, Yan Surong
Jiang Meng nació hace 19 años en Nanjing con el síndrome de VACTERL. Sus padres la abandonaron. Con la ayuda de su madre de acogida y del director Wang, Jiang trabaja en un hospital como limpiadora. Un día Jiang se encuentra con un hombre que llega al hospital con un recién nacido. Se entera de que el bebé es una niña que tiene el síndrome de VACTERL y de que el padre ha decidido no tratar a su hija.
Beautiful Boy
Felix Van Groeningen (EEUU)
Intérpretes: Timothée Chalamet, Steve Carell, Maura Tierney, Amy Ryan
Basada en el best-seller de las memorias de David y Nick Sheff, padre e hijo, la película de Felix Van Groeningen narra la desgarradora e inspiradora historia de supervivencia, recaída y recuperación de una familia que lidió con la adicción durante muchos años.
Blind Spot
Tuva Novotny (Noruega)
Intérpretes: Pia Tjelta, Anders Baasmo Christiansen, Oddgeir Thune, Per Frisch, Marianne Krogh
Blind Spot se centra en las dificultades de una madre para entender la crisis de su hija adolescente, cuando la tragedia golpea a toda la familia.
In Fabric transcurre sobre el telón de fondo del ajetreado periodo de las rebajas de invierno en unos grandes almacenes y sigue los pasos de un vestido maldito conforme pasa de mano en mano, con devastadoras consecuencias.
L’homme fidèle / A Faithful Man
Louis Garrel (Francia)
Intérpretes: Louis Garrel, Laetitia Casta, Lily-Rose Depp
Marianne abandona a Abel por Paul, su mejor amigo y padre del hijo que espera. Ocho años después, Paul fallece. Abel y Marianne vuelven a estar juntos, lo que provoca los celos tanto del hijo de Marianne, Joseph, como de la hermana de Paul, Eva, secretamente enamorada de Abel desde su infancia.
No deja de ser de ser una certeza que el actual estado del J-Horror deja mucho que desear en lo referente a la calidad de sus productos, hoy en día tan solo autores consagrados que de vez en cuando indagan en el género consiguen resultados ciertamente satisfactorios como es el caso de por ejemplo Kiyoshi Kurosawa. Otro realizador nipón de mirada inquieta como es Tetsuya Nakashima (Memories of Matsuko, Confessions, The World of Kanako) prueba ahora con dicha temática con la traslación a la gran pantalla de la famosa novela Bogiwan Ga, Kuru escrita por Ichi Sawamura en 2015. Kuru cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página tiene previsto estrenarse en los cines de Japón el próximo 7 de diciembre.
Kuru nos cuenta la idílica existencia familiar de los recién casados Hideki Tahara y Kana Tahara, los cuales están esperado su primer hijo. Repentinamente todo cambia cuando Hideki un día recibe una llamada de un compañero de trabajo diciéndole que un individuo misterioso ha llegado a la oficina preguntando por «El caso de Chisa«. Cuando escucha ese nombre se queda atónito, ya que es el mismo que le piensan poner a su hijo, el cual sólo conoce el matrimonio. Al poco tiempo, el compañero que le comunicó el mensaje es hallado muerto en extrañas circunstancias. Años más tarde una serie de sucesos extraños obligaran a Hideki junto al periodista Nozaki y su novia Makoto Higa a intentar buscar una explicación, pero cuanto más se adentran en dicha búsqueda más se verán asechados por una amenaza desconocida.
La película con guion adaptado por parte del propio Tetsuya Nakashima junto a Hideto Iwai está protagonizada por Junichi Okada, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Haru Kuroki y Takako Matsu.
Podrá gustar más o menos lo que no deja de ser incuestionable es el que el cine de Gaspar Noé no deja indiferente a prácticamente nadie, un posicionamiento llamado por algunos como una simple provocación y por otros como una innovación, algo que dado los tiempos que corren no deja de ser una virtud en sí misma. Climax cinta psicodélica narrada a través de un viaje al infierno de las drogas es su ultimo trabajos tras las cámaras, la película que tuvo su premier mundial en la Quinzena de realizadores del pasado Festival de Cannes obtuvo una buena acogida por parte de la crítica después de la decepción que supuso tres años atrás su anterior Love. De la mano de su distribuidora norteamericana A24 acaba de ver la luz un primer tráiler oficial que junto a su póster podéis ver a final de página. Climax dentro de unas semanas estará presente en el Festival de Toronto dentro de la sección Midnight Madness, en España de la mano de Avalon se estrenará en salas comerciales el próximo 11 de octubre previo paso por el Festival de Sitges.
Climax conocida anteriormente con el título de Psyche nos sitúa a mediados de los años noventa, un grupo de veinte jóvenes bailarines de danza urbana que se habían reunido para unas jornadas de tres días de ensayos en un internado en desuso situado en el corazón de un bosque, hacen su último baile común y luego festejan una última fiesta de celebración alrededor de una gran fuente de sangría. Pronto, la atmósfera se vuelve eléctrica y una extraña locura los atrapará toda la noche. Les parece obvio que han sido drogados, no saben por quién o por qué.
La película con guion del propio Gaspar Noé y fotografía a cargo de Benoît Debie está protagonizada por Alaia Alsafir, Mamadou Bathily, Ashley Biscette, Lakdhar Dridi, Romain Guillermic, Taylor Kastle, Smile Kiddy, Claude Gajan Maude, Kendall Mugler, Giselle Palmer, Thea Carla Schott, Adrien Sissoko, Sharleen Temple y Lea Vlamos.
Diez nuevas películas se incorporan a la competición por el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián. La selección de Perlak incluirá los últimos trabajos de Jacques Audiard, Damien Chazelle, Alfonso Cuarón, Lukas Dhont, Ciro Guerra y Cristina Gallego, Mamoru Hosoda, Nadine Labaki, Spike Lee y Jia Zhangke. Además, la ópera prima de Bradley Cooper como director clausurará la sección.
Jacques Audiard (París,1962), que ya estuvo en San Sebastián con Un prophète / A Prophet (Un profeta, 2009), nominada al Oscar a la mejor película extranjera, presentará The Sisters Brothers, que se estrenará en el Festival de Venecia. Este western basado en la novela homónima de Patrick de Witt está protagonizado por Jake Gyllenhaal, Joaquin Phoenix y John C. Reilly, quien también se ha involucrado en la producción.
La nueva película del ganador del Oscar al mejor director el año pasado, Damien Chazelle (Providence, Estados Unidos, 1985), vuelve a dirigir en First Man (First Man – El primer hombre) a Ryan Gosling, que encarna a Neil Armstrong, el primer astronauta que pisó la Luna. La película del creador de La La Land (La ciudad de las estrellas), en la que también actúa Claire Foy (The Crown), inaugurará Venecia.
Alfonso Cuarón (México DF, 1968) compitió en la Sección Oficial de San Sebastián con su segunda película, A Little Princess (1995). Desde entonces ha ganado un Oscar a la mejor dirección por Gravity y sus películas Y tu mamá también y Children of men (Hijos de los hombres) han obtenido un amplio éxito internacional. Con Roma, que se estrenará en Venecia, retrata la vida de una empleada doméstica que trabaja en un barrio de clase media de Ciudad de México a principios de los 70.
En A Star is Born (Ha nacido una estrella), esta nueva versión de la trágica historia de amor, Bradley Cooper (Philadelphia, Estados Unidos, 1975) debuta en la dirección y encarna a un músico curtido que descubre a una artista en apuros, interpretada por Lady Gaga, de la que se enamora. Ella acaba de abandonar su sueño de convertirse en una cantante de éxito hasta que conoce a Jack, que percibe enseguida su talento innato. Esta historia íntima traslada al espectador a un viaje a través de la belleza y los desafíos de una relación que lucha por sobrevivir. Tras su paso por Venecia, clausurará la sección Perlak en San Sebastián.
También Lukas Dhont (Bélgica, 1991) presentará su primer largometraje en San Sebastián, Girl, que obtuvo la Cámara de Oro a la mejor ópera prima de Cannes y el Premio Fipresci de Un Certain Regard. Dhont cuenta la historia de una joven que nació siendo niño y que sueña con convertirse en bailarina.
Ciro Guerra (Río de Oro, Colombia, 1981) comparte la dirección de Pájaros de verano con Cristina Gallego (Bogotá, 1978), productora de sus películas anteriores. Guerra inició su trayectoria en Cine en Construcción donde fue premiada en 2003 su ópera prima, La sombra del caminante. Su tercera película, El abrazo de la serpiente, proyectada en Horizontes Latinos, fue nominada al Oscar a la mejor película extranjera. En Pájaros de verano explica, a través de una historia real, el origen del narcotráfico en Colombia.
La primera película de animación que compitió en la Sección Oficial de San Sebastián fue Bakemono no ko / The Boy and the Beast (2015), de Mamoru Hosoda (Nakaniikawa, Japón, 1967). El autor de Toki wo kakeru shojo (La chica que saltaba a través del tiempo, 2006) y Okami Kodomo no Ame to Yuki (Wolf Children, 2012) presenta ahora en San Sebastián Mirai (Mirai, mi hermana pequeña), que fue estrenada en la Quincena de Realizadores de Cannes.
Las participaciones de Nadine Labaki (Beirut, 1974) en San Sebastián se cuentan por premios. En 2007, con su debut como realizadora Sukkar banat / Caramel, obtuvo el Premio del Público y de la Juventud, y en 2011, con su segunda película, Et maintenant on va où? / Where Do We Go Now? (¿Y ahora adónde vamos?), fue elegida como mejor película europea por los espectadores. Con Capharnaüm (Cafarnaúm), que obtuvo el Premio del Jurado en Cannes, aspira de nuevo al Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián.
Aunque sus películas han sido programadas dentro de distintas retrospectivas –When the Levees Broke: A Requiem in Four Acts en .doc Nuevos caminos de la no ficción y Summer of Sam (Nadie está a salvo de Sam) en American Way of Death: Cine negro americano 1990-2010– y el filme colectivo Ten Minutes Older. The Trumpet formó parte de la selección de Especiales Zabaltegi, es la primera vez que una película de Spike Lee (Atlanta, Estados Unidos, 1957) competirá por un premio en San Sebastián. El autor de Malcolm X, galardonado con el Oscar y el César honoríficos, aspira al Premio del Público con BlacKkKlansman (Infiltrado en el KKKlan), una comedia dramática sobre un policía afroamericano que se infiltra en el Ku Klux Klan, que ha obtenido el Gran Premio del Jurado en Cannes y el Premio del Público en Locarno.
Jia Zhangke (Fenyang, China, 1970), en cambio, ha disfrutado de una amplia presencia en el Festival en los últimos años. En 2013 ganó el premio al mejor guion en Cannes por Tian zhu ding / A Touch of Sin (Un toque de violencia, 2013), que fue proyectada en Perlak, la misma sección en la que fue seleccionada en 2015 Shan he gu ren (Mountains May Depart), que obtuvo el Premio del Público a la mejor producción europea. Su cortometraje The Hedonists fue proyectado en Zabaltegi-Tabakalera en 2016, el mismo año en el que integró el jurado oficial presidido por Bille August, que concedió la Concha de Oro a Wo bu shi pan jinlian / I Am Not Madame Bovary (Yo no soy Madame Bovary), de Xiaogang Feng. Ahora intentará volver a conseguir el galardón de los espectadores con Ash is Purest White, película seleccionada en la competición oficial de Cannes, en la que describe los cambios que están transformando su país a través de una violenta historia de amor.
Estas películas se suman a las ya anunciadas en Perlak: El ángel (Luis Ortega), Petra (Jaime Rosales), Leto / Summer (Kirill Serebrennikov), Zimna wojna / Cold War (Pawel Pawlikowski), Un día más con vida / Another Day of Life (Raúl de la Fuente y Damian Nenow), Netemo Sametemo / Asako I & II (Ryusuke Hamaguchi) y 3 Rokh / Three Faces (Jafar Panahi).
A Star Is Born (Ha nacido una estrella)
Bradley Cooper (EEUU)
Intérpretes: Bradley Cooper, Lady Gaga, Andrew Dice Clay, Dave Chappelle, Sam Elliott
Clausura
Fuera de concurso
En esta nueva versión de la trágica historia de amor, un experimentado músico descubre a una artista en aprietos de la que se enamora. Ella acaba de abandonar su sueño de convertirse en una cantante de éxito… hasta que Jack la persuade de salir a la palestra. Pero conforme la carrera de Ally despega, su relación personal se viene abajo mientras Jack libra una batalla con sus demonios internos.
Ash Is Purest White
Jia Zhangke (China – Francia – Japón)
Intérpretes: Zhao Tao, Liao Fan
Qiao está enamorada de Bin, un mafioso local. Durante una pelea entre bandas rivales, dispara una pistola para protegerle. A Qiao le condenan a cinco años de cárcel por este acto de lealtad. Tras salir de prisión, va en busca de Bin para continuar donde lo dejaron. Una historia de amor, traición y lealtad en los bajos fondos de China.
BlacKkKlansman (Infiltrado en el KKKlan)
Spike Lee (EEUU)
Intérpretes: John David Washington, Adam Driver, Topher Grace, Laura Harrier
Spike Lee dirige la historia real del primer policía afroamericano que consiguió infiltrarse en la cúpula del Ku Klux Klan durante los años 60, con ayuda de un compañero que se hizo pasar por un racista radical.
El juez: ¿Por qué has demandado a tus propios padres?
Zain: Por darme la vida.
First Man (First Man – El primer hombre)
Damien Chazelle (EEUU)
Intérpretes: Ryan Gosling, Claire Foy, Jason Clarke
La película cuenta la historia de la misión más peligrosa en la historia de la Humanidad hasta el día de hoy. Un relato sobre cómo la NASA hizo llegar a Neil Armstrong a la Luna y el precio y el sacrificio que representó para muchos.
Girl
Lukas Dhont (Bélgica – Países Bajos)
Intérpretes: Victor Polster, Arieh Worthalter, Katelijne Damen, Valentijn Dhaenens
Lara, de 15 años, sueña con convertirse en bailarina. Con el apoyo de su padre, se lanza de lleno a esta búsqueda interminable. Pero su cuerpo no se doblega tan fácilmente a la disciplina que le impone, porque en realidad cuando nació era un niño.
Mirai (Mirai, mi hermana pequeña)
Mamoru Hosoda (Japón)
Kun, un niño mimado y consentido de 4 años al que sus padres dejan de prestar atención cuando nace su hermana Mirai, empieza a sufrir situaciones en casa que nunca había vivido. Pero entonces, la versión adolescente de su hermana viaja en el tiempo desde el futuro para vivir junto a Kun una aventura extraordinaria más allá de lo imaginable.
Pájaros de verano
Ciro Guerra, Cristina Gallego (Colombia)
Intérpretes: Carmiña Martínez, Jose Acosta, Natalia Reyes, Jhon Narváez, José Vicente Cote, Juan Bautista Martínez, Greider Meza
Basada en una historia real que explica el origen del narcotráfico en Colombia, la película se sitúa en los años 70 cuando la juventud norteamericana abraza la cultura hippie y con ella, la marihuana. Esto provoca que los agricultores de la zona se conviertan en ‘empresarios’ a un ritmo veloz. En el desierto de Guajira, una familia indígena Wayuu se ve obligada a asumir un rol de liderazgo en esta nueva empresa. La riqueza y el poder se combinan con una guerra fratricida que pondrá en grave peligro su familia, sus vidas y sus tradiciones ancestrales.
Roma
Alfonso Cuarón (México)
Intérpretes: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira
Roma, el proyecto más personal hasta la fecha del oscarizado director y guionista Alfonso Cuarón (Gravity, Hijos de los hombres, Y tu mamá también), trata sobre Cleo, una joven empleada doméstica que trabaja en Roma, un barrio de clase media de Ciudad de México. En esta exquisita carta de amor dirigida a las mujeres que lo criaron, Cuarón rescata fragmentos de su infancia para tejer un retrato emotivo y auténtico de los conflictos domésticos y de la jerarquía social con la turbulenta situación política de los años 70 como telón de fondo.
The Sisters Brothers
Jacques Audiard (Francia – Bélgica – Rumanía – España)
Intérpretes: John C. Reily, Joaquin Phoenix, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed
Charlie y Eli Sisters viven en un mundo salvaje y hostil. Tienen las manos manchadas de sangre: la sangre tanto de criminales como de personas inocentes. No tienen escrúpulos a la hora de matar. Es su trabajo. Charlie, el hermano pequeño, nació para matar. Eli, sin embargo, sueña con llevar una vida normal. Ambos son contratados por el Comodoro para encontrar y matar a un hombre. De Oregón a California arranca una caza despiadada, un viaje iniciático que pondrá a prueba el demencial vínculo entre los dos hermanos. ¿Un camino que les descubrirá su naturaleza humana?
Si en el pasado año el cineasta surcoreano Hong Sang-soo nos obsequió con tres films tan interesantes como fueron The Day After, En la playa sola de noche y La cámara de Claire este 2018 no le va a la zaga en lo referente a dicha proliferación tras las cámaras, a Grass presentada en el pasado Festival de Berlín dentro de la sección Forum se le une ahora Hotel by the River, film cuyo primer tráiler vía TIFF acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. Hotel by the River, rodada en blanco y negro y amparándose en un estilo que cada vez más minimalista, tras su paso por el recientemente terminado festival de Locarno (premio al mejor actor para Joo-Bong Ki) será uno de los platos fuertes presentes en el próximo Festival de Toronto.
Hotel by the River nos cuenta como un poeta que se hospeda en un hotel de la ribera llama a sus dos hijos con los que no se reúne desde hace tiempo para que vayan a verle. Esta repentina decisión parece estar motivada por su extraña impresión de que va a morir en cualquier momento. Mientras la familia intenta ponerse al día, una mujer que ha sido engañada por su pareja se muda al hotel. Nada más llegar a su habitación, telefonea a un amigo para que se encuentre con ella. Sumidos en la desesperación, una repentina nevada entrelaza ambas historias.
La película con guion del propio Hong Sang-soo como viene siendo habitual está protagonizada por Joo-Bong Ki, Min Hee Kim, Kwon Hae-hyo, Song Seon-mi y Yu Jun-Sang.
El cine trabaja sobre los cuerpos porque él mismo es un cuerpo y, como todo cuerpo, opera de dos maneras: como el cine-organismo, cuerpo-engranaje en una cadena de montaje de partes ensambladas y firmes, o como el cuerpo heterogéneo cuyas partes exceden lo conjuntable, van más allá del lenguaje. El organismo cinematográfico opera convergencias en función de normas de escritura, cubre los huecos, enmascara los cortes. El Cuerpo cinematográfico sin Órganos diverge a partir del corte como región límite, como singularidad; opera la apertura del intervalo y explora las regiones entre los elementos, lo no conjuntable. Y es en esas regiones entre, en las regiones no conjuntables, donde la imagen se vuelve háptica, donde la imagen ejerce verdaderamente su “toque”, donde nos afecta más intensamente. Donde encontramos no ya una imagen del cuerpo sino una conspiración del cuerpo, una imagen-cuerpo.
El autor
Nacido en 1982, en Alicante, Christian Checa Bañuz ha desarrollado toda su actividad intelectual en Barcelona. Es Graduado en Cine y Audiovisuales, Licenciado en Filosofía y Doctor en Comunicación Social, además de profesor de Análisis Fílmico y Cine y Pensamiento en la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC). Con una vocación profundamente analítica, sus investigaciones parten del trabajo con las imágenes cinematográficas y sus mecanismos de significación como puerta abierta a todo tipo de desarrollos conceptuales que las lleven más allá del cine, al territorio de la filosofía o, incluso, de la política..
Autor; Christian Checa Bañuz, Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas; 378
Fue una de las películas más controvertidas vistas en el pasado Festival de Cannes (Gran Premio de la Semana de la Crítica), Diamantino cuyo primer teaser tráiler subtitulado al inglés y póster oficial podéis ver a final de página está dirigido a la limón por el realizador americano-portugués Gabriel Abrantes, reconocido cortometrajista, y el estadounidense Daniel Schmidt (Inner Worlds, Outer Worlds 2012), ambos realizadores ya habían colaborado anteriormente con el mediometraje Palácios de Pena (2011). Diamantino que se podrá ver dentro de poco en la Midnight Madness del Festival de Toronto y en el próximo festival de Sitges parte de una suerte de parodia al futbolista Cristiano Ronaldo solo como punto de partida inicial para desarrollar posteriormente una película tan imaginativa en lo referente a sus postulados como inclasificable a la hora de abordarla.
Diamantino nos cuenta como una estrella mundial de fútbol pierde su toque especial y acaba su carrera deshonrado. Buscando un nuevo propósito, el icono internacional empieza una odisea delirante donde se enfrenta al neofascismo, la crisis de los refugiados, la modificación genética y la búsqueda de una nueva fuente de genialidad.
La película con guion de los propios Gabriel Abrantes y Daniel Schmidt y música a cargo de Ulysse Klotz y Adriana Holtz está protagonizada por Carloto Cotta, Anabela Moreira, Filipe Vargas, Margarida Moreira, Carla Maciel, Vítor de Almeida, Cleo Tavares, Abílio Bejinha, Chico Chapas y Joana Barrios.
En las colinas desérticas de una isla indonesia, Marlina, una joven viuda, es atacada, violada y robada. Al defenderse mató a varios hombres de la banda. En busca de justicia, empezará un viaje de fortalecimiento y redención, pero el camino es largo, especialmente si el fantasma de una de sus víctimas empieza a acosarla.
Otra de las escasas muestras de ese valioso otro cine fantástico de digamos índole y raíz alternativa existente en festivales como el de Sitges (premio a la Mejor interpretación femenina para Marsha Timothy) vino de una región de apariencia tan exótica en lo referente a estos menesteres por parte del público occidente como es la Indonesia, Marlina the Murderer in Four Acts tercer trabajo tras las cámaras de la realizadora Mouly Surya tras Fiksi (2008) y What They Don’t Talk About When They Talk About Love (2013) escenifica casi a la perfección y a diferencia de otras películas vistas este mismo año en el festival de las cuales se les quiso apropiar erróneamente por lo que respeta a un servidor de un especifico tipo de etiqueta, aquella en donde un determinado tipo de cine intenta proyectar una visión eminentemente femenina en referencia a sus postulados, en el caso que nos ocupa dividida en cuatro actos narrativos que se sustentan a través en una un base autoral tan coherente en intenciones como rico en lo referente a la exposición de sus múltiples y variados matices.
Si más algo arriba hablábamos de como una película como por ejemplo Brimstone intentaba trasmutar de alguna manera su condición genérica para convertirse en algo en apariencia distinto, Marlina the Murderer in Four Acts en cierta manera recorre un trayecto totalmente opuesto en lo referente a lo que podríamos denominar como sus constantes genéricas, un trayecto que sin embargo de forma algo caprichosa acaban confluyendo gracias a su propia sinergia conceptual. Bajo el enunciado de una femenina revenge violenta la película de Mouly Surya nos ofrece un peculiar y depurado western en donde la estética, fotografía, sonido o amplias panorámicas resultan ciertamente complejas, tan variados y asumibles como rico en matices, y en donde el concepto narrativo del que supuestamente parte y se desarrolla posteriormente, de hecho el gran valor de un trabajo tan estimable como resulta ser Marlina the Murderer in Four Acts, reside en ver y constatar como a través de un excelso ejercicio de estilo no solo se reverencia a clásicos del subgénero de bandoleros plenamente reconocibles de los cuales sigue conceptos pauta por pauta con un inusual conocimiento de ellos no solo en referencias a sus mecanismos sino a cómo saber cómo trasladarlos a un contexto determinado, de naturaleza territorial con un claro sello folclórico y como no eminentemente social en su discurso, pues a fin de cuenta la película de Mouly Surya no deja de ser un claro film denuncia bien enmascarado en donde se prioriza la visión costumbrista a los consabidos golpes de efecto tan característicos en este tipo de película (un fiel exponente de esta diferencia de resultados podría ser por ejemplo una cinta como la surcoreana Bedevilled de Jang Cheol-soo). Marlina the Murderer in Four Acts termina presentándose como una historia del violento abuso del poder de géneros, y muy especialmente la de una rebelión por parte de una viuda y una embarazada contra ello, aquí lo es de una manera patriarcal a través de una sociedad opresora que sabemos que de diferentes maneras sigue existiendo a día de hoy.
Historia oscura con contornos de road movie que transcurre en un mundo luminoso a través de una visión de la venganza poco esperanzadora y provista de ligeras pinceladas de un humor en apariencia tan inteligentes como distanciadores, Marlina the Murderer in Four Acts de forma modélica hace apropio de lo que podríamos denominar como una suerte de textura clásica en lo concerniente a lo que es su propia estructura, una película en definitiva que viene a representar en cómo saber modernizar con cierta soltura un género (el western) a través de un discurso claramente referencial, inteligente y actual, y lo que es más importante de todo, plenamente autoral, mucha atención pues a la futura carrera tras las cámaras de Mouly Surya.
Tres películas procedentes de Foro de Coproducción Europa-América Latina y cuatro de Cine en Construcción figuran en la selección de Horizontes Latinos.
Doce películas producidas, dirigidas o ambientadas en América Latina competirán por el Premio Horizontes. Las herederas (Marcelo Martinessi), que inaugurará la sección, Familia sumergida (María Alché), La noche de 12 años (Álvaro Brechner), Figuras (Eugenio Canevari), Cómprame un revólver (Julio Hernández Cordón), Enigma (Ignacio Juricic Merillán), Sueño Florianópolis (Ana Katz), Ferrugem / Rust (Aly Muritiba), Nuestro tiempo (Carlos Reygadas), Marilyn (Martín Rodríguez Redondo), Los silencios (Beatriz Seigner) y El motoarrebatador (Agustín Toscano) componen la selección de Horizontes Latinos de la 66 edición del Festival de San Sebastián.
María Alché (Buenos Aires, 1983) protagonizó en 2004 La niña santa, de Lucrecia Martel. Tras dirigir cortometrajes exhibidos y premiados en festivales como Locarno, Rotterdam, BAFICI o Toulouse, Familia sumergida, su primer largometraje, fue seleccionado por Cine en Construcción en San Sebastián el año pasado y se proyectó en la sección Cineasti del Presente del reciente Festival de Locarno.
El año pasado, Ferrugem / Rust, del guionista, productor y director, Aly Muritiba (Mairi, Brasil, 1979), una historia de dos compañeros de clase, un viaje escolar y un vídeo compartido, ganó en 2017 el Premio de la Industria Cine en Construcción y este año fue seleccionado en la World Cinema Dramatic Competition de Sundance. El anterior largometraje de Muritiba, Para minha amada morta / To My Beloved (Cine en Construcción 26), ganó el Global Filmmaking Award en Sundance y fue también proyectado en Horizontes Latinos.
La obra de Carlos Reygadas (México D.F., 1971) ha tenido siempre una gran acogida en festivales internacionales: en 2002 Japón recibió una mención especial en la categoría de óperas primas en Cannes; con Stelle Licht (Luz silenciosa) obtuvo el Premio del Jurado en 2007 en el festival francés; y Post Tenebras Lux recibió el premio al mejor director en 2012 de nuevo en Cannes y fue seleccionado en Horizontes Latinos. Ahora proyectará su última película, Nuestro tiempo, que será estrenada en la sección oficial de Venecia.
Álvaro Brechner (Montevideo, 1976) escribió y dirigió en 2009 su primer largometraje, Mal día para pescar, presentado en la Semaine de la Critique del Festival de Cannes. El segundo, Mr. Kaplan (2014), fue candidato al Goya a la Mejor Película Iberoamericana. El proyecto de la tercera, La noche de 12 años, recibió una Mención Especial del Foro de Coproducción del Festival en 2015 (bajo el título Memorias del calabozo). Este largometraje, que describe el macabro experimento que la dictadura militar uruguaya perpetró contra el movimiento guerrillero de los tupamaros, se presentará en la sección Orizzonti del Festival de Venecia.
El primer largometraje de Julio Hernández Cordón (Raleigh, Estados Unidos, 1975), Gasolina, mereció el Premio Cine en Construcción de la Industria en 2007 y el Premio Horizontes en 2008. En 2015 compitió en Locarno con Te prometo anarquía y participó en Horizontes Latinos. Cómprame un revólver, una distopía ambientada en un México en el que las mujeres están desapareciendo, fue presentada en la Quincena de Realizadores de Cannes.
Ana Katz (Buenos Aires, 1975) debutó como directora con El juego de la silla (2002), que participó en Cine en Construcción 2 y obtuvo una mención especial en Made in Spain. Al año siguiente, en 2003, fue jurado de Nuevos Directores. Una novia errante (2007) ganó el Premio de la Industria de Cine en Construcción y se estrenó en Un Certain Regard de Cannes. Los Marziano formó parte de la Sección Oficial de San Sebastián en 2011 y en 2014 volvió a formar parte de Cine en Construcción con Mi amiga del parque, que obtuvo el Premio del Jurado al mejor guion en Sundance en 2016. Su último trabajo, Sueño Florianópolis, recibió en Karlovy Vary el premio FIPRESCI, el Especial del Jurado y el premio a la Mejor Actriz (Mercedes Morán), que interpreta junto a Gustavo Garzón a un matrimonio que se ha separado pero sigue yéndose de vacaciones junto a sus hijos adolescentes.
Tras participar con sus cortos en Berlín y Venecia, Marcelo Martinessi (Asunción, 1973) compitió en la Berlinale con su primer largometraje, Las herederas, que cosechó el Premio Alfred Bauer -que reconoce a la película que abre nuevas perspectivas en el arte cinematográfico-, el Oso de Plata a la mejor actriz (Ana Brun) y el Premio FIPRESCI, entre otros. En San Sebastián su historia sobre dos mujeres que llevan 30 años viviendo juntas recogerá el Premio Sebastiane Latino en el primer pase de la película, que inaugurará la sección.
El primer largometraje del actor, guionista y director Agustín Toscano (San Miguel de Tucumán, Argentina, 1981), Los dueños, codirigido con Ezequiel Radusky, obtuvo una mención especial de la Semana de la Crítica en 2013. El motoarrebatador, su segundo film, en torno a un ladrón que hiere gravemente a una mujer, fue seleccionado en el Foro de Coproducción del Festival en 2015 y se estrenó en la Quincena de Realizadores.
Marilyn, el primer largometraje de Martín Rodríguez Redondo (Buenos Aires, 1979), fue seleccionado en el Foro de Coproducción en 2014, ganó el Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos en Cine en Construcción de Toulouse en 2017 y se estrenó en la sección Panorama del pasado Festival de Berlín. Marilyn cuenta las vivencias de un peón de campo de 17 años que descubre su sexualidad en un ambiente hostil.
Los primeros pasos del cineasta argentino Eugenio Canevari tienen un estrecho vínculo con San Sebastián: su cortometraje Gorila Baila formó parte en Nest. Film Students y Paula, su ópera prima, fue seleccionada en Cine en Construcción en 2014 y se estrenó en Nuev@s Director@s en 2015. Su segundo largo, Figuras, aborda la historia de una inmigrante argentina en España que sufre ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica).
Beatriz Seigner debutó tras la cámara en 2009 con Bollywood Dream, la primera coproducción entre Brasil e India, que fue seleccionada en más de veinte festivales internacionales. También ha dirigido la película de no ficción Between Us, A Secret, coescrita con Walter Salles, que se encuentra en fase de posproducción. Los silencios, que ganó el Premio Cine en Construcción 33 y el Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos y se estrenó en la última Quincena de Realizadores de Cannes, se sitúa en una pequeña isla en mitad de la Amazonia, adonde llega una familia huyendo del conflicto armado colombiano.
Enigma, procedente de Cine en Construcción de Toulouse, es el primer largometraje de Ignacio Juricic Merillán, que se centra en una mujer que recibe una propuesta de un programa de televisión para que cuente la historia del asesinato de su hija, lo que la enfrentará a su familia y a las versiones que cada uno alberga sobre lo sucedido.
Las ocho primeras y segundas películas de la selección (Familia sumergida, Ferrugem / Rust, Las herederas, El motoarrebatador, Marilyn, Figuras, Los silencios y Enigma) aspiran también al Premio de la Juventud.
Las herederas
Marcelo Martinessi (Paraguay – Alemania – Brasil – Uruguay – Noruega – Francia)
Intérpretes: Ana Brun, Margarita Irún, Ana Ivanova, Nilda Gonzalez, María Martins, Alicia Guerra, Yverá Zayas
Inauguración
Desde hace más de 30 años, Chela y Martina viven juntas, como hijas de familias de buena posición social: habían heredado suficiente dinero como para vivir cómodamente sin necesidad de trabajar. Pero ahora, cuando ambas tienen más de 60 años, ese dinero heredado se ha acabado. Cuando Martina va a la cárcel por no poder pagar las deudas que contrajo, Chela empieza a proveer a mujeres mayores de familias acomodadas con un servicio de taxi que le ayuda a poder mantenerse. Así conoce a Josefina, una mujer glamurosa, 20 años más joven que ella, con quien conecta de inmediato. Esa conexión va transformando la relación de Chela consigo misma y con su entorno, provocándole una revolución interna.
México, en un futuro cercano… Las mujeres están desapareciendo y una chica llamada Huck lleva una máscara para ocultar su género. Ayuda a su padre, un adicto atormentado, a cuidar de un campo de béisbol abandonado en el que los narcos se reúnen a jugar. El padre trata de protegerla como puede. Con la ayuda de sus amigos, un grupo de niños perdidos que tienen el poder de camuflarse en el ventoso desierto, Huck debe luchar para superar su realidad y derrotar al capo local.
En la ciudad argentina de Tucumán, Miguel se gana la vida como «motochorro», un ladrón que roba las pertenencias de la gente desde su motocicleta. Cuando roba el bolso de Elena, una mujer mayor, termina hiriéndola gravemente. Tras el brutal incidente, Miguel, corroído por la culpa, es incapaz de ovidar a su víctima. En un intento por hacer las cosas bien, oculta a Elena su verdadera identidad y empieza a cuidar de ella sin que la anciana herida sospeche nada. Cuanto más se acerca a ella, más se enreda en sus propias mentiras. Temeroso de contar la verdad a Elena, Miguel continúa atormentado por su pasado y es incapaz de encontrar una verdadera redención.
Enigma
Ignacio Juricic Merillán (Chile)
Intérpretes: Roxana Campos, Rodrigo Pérez, Paula Zúñiga, Claudia Cabezas
Cine en Construcción 33
Nancy recibe la oferta de un programa de televisión sobre misterios sin resolver para participar en el capítulo que contará la historia de su hija, una joven lesbiana asesinada a golpes, que a ocho años del crimen aún no tiene culpables. Nancy se enfrenta a su familia y a las versiones que cada uno tiene de lo sucedido, mientras decide si participar en el espacio y reencontrarse con quien fue su hija.
Familia sumergida
Maria Alché (Argentina – Brasil – Alemania – Noruega)
Es verano en la ciudad de Buenos Aires, vacía y calurosa. La hermana de Marcela acaba de morir y ella se siente totalmente desubicada. Hace su duelo mientras debe enfrentarse a desarmar esa casa. Un joven amigo de su hija aparece en su vida dispuesto a ayudarla, y su presencia da lugar a viajes y aventuras juntos. En esos confusos días, se entrecruzan personas y conversaciones de otro tiempo que la interpelan, mientras la inminencia de su vida cotidiana la acecha.
Ferrugem / Rust
Aly Muritiba (Brasil)
Intérpretes: Tifanny Dopke, Giovanni Di Lorenzi, Pedro Inoue, Enrique Diaz, Clarissa Kiste, Dudah Azevedo
Cine en Construcción 32
Tati es una chica de 16 años, alegre y vivaz, a la que le gusta compartir sus momentos más felices en las redes sociales. Tiene muchas ganas de irse de viaje de fin de semana con sus amigos de la escuela. Sabe que puede ser una buena oportunidad para conocer mejor a Renet, su misterioso compañero de clase. Renet pertenece a una familia en la que las cosas no se hablan, tan solo se sugieren, a menudo en silencio. Actualmente el asunto del que padre e hijo no hablan es la marcha de la madre de Renet, que dejó a David, su exmarido, cuidando solo del chico. David es profesor en la misma escuela en la que Tati y Renet estudian. El tema del momento en la escuela es un vídeo compartido entre los estudiantes en el que la chica aparece en una situación comprometedora.
Figuras
Eugenio Canevari (España – Argentina)
Intérpretes: Stella Maris Santo, Francisco Dominguez, Valeria Ballerini
Stella, una inmigrante argentina que vive en España, sufre esclerosis lateral amiotrófica (ELA) y necesita atención constante. Paco, su compañero desde hace mucho tiempo, la ayuda a moverse, comer y comunicarse. Valeria, la hija de Stella, los visita esporádicamente y, angustiada por el visible deterioro de su madre, encuentra una vía de escape saliendo de fiesta. Mientras esperan una respuesta sobre un piso de protección oficial, tratan de lidiar con la situación a través del humor y el amor. Una familia real interpretando una historia real.
La noche de 12 años
Álvaro Brechner (España – Argentina – Francia – Uruguay)
Intérpretes: Antonio de la Torre, Chino Darín, Alfonso Tort
IV Foro de Coproducción Europa-América Latina
Septiembre de 1973. Uruguay está bajo el poder de la dictadura militar. El movimiento guerrillero Tupamaros ha sido aplastado y desarticulado hace ya un año. Sus miembros encarcelados y torturados. Una noche de otoño, tres presos Tupamaros son sacados de sus celdas en una operación militar secreta que durará doce años. Desde ese momento, iniciarán un recorrido por distintos cuarteles de todo el país, sometidos a un macabro experimento; una nueva forma de tortura cuyo objetivo es traspasar su límite de resistencia mental. La orden militar es precisa: «Como no pudimos matarles, vamos a volverles locos». Durante más de una década, los presos permanecerán aislados en diminutas celdas donde pasarán la mayor parte del tiempo encapuchados, atados, en silencio, privados de sus necesidades básicas, apenas alimentados, y viendo reducidos al mínimo sus sentidos. Empujados sus cuerpos y mentes hasta más allá de los límites, La noche de 12 años cuenta cómo lograron sobrevivir.
Los silencios
Beatriz Seigner (Brasil – Francia – Colombia)
Intérpretes: Marleyda Soto, Enrique Diaz, Maria Paula Tabares Peña, Adolfo Savilvino
Cine en Construcción 33
Nuria, Fabio y su madre, Amparo, llegan a una pequeña isla en mitad de la Amazonia, en la frontera entre Brasil, Colombia y Perú. Escaparon del conflicto armado colombiano, en el que su padre desapareció. Un día reaparece en su nueva casa. La familia vive atormentada por este extraño secreto y descubre que la isla está poblada por fantasmas.
Marilyn
Martín Rodríguez Redondo (Argentina – Chile)
Intérpretes: Walter Rodríguez, Catalina Saavedra, Germán de Silva, Ignacio Giménez, Germán Baudino, Andrew Bargsted, Rodolfo García Werner, Josefina Paredes
III Foro de Coproducción Europa-América Latina Cine en Construcción 31
Marcos, un peón de campo de diecisiete años, descubre su sexualidad en un ambiente hostil. Apodado «Marilyn» por otros adolescentes del pueblo, se convierte en objeto de deseo y de discriminación. Marcos se siente cada día más acorralado.
Nuestro Tiempo
Carlos Reygadas (Mexico – Francia – Alemania – Dinamarca – Suecia)
Intérpretes: Carlos Reygadas, Natalia López, Eleazar Reygadas, Rut Reygadas, Phil Burgers
Una familia vive en el campo mexicano criando toros de lidia. Esther está a cargo del rancho, mientras su marido, Juan, un poeta reconocido a nivel mundial, cría y selecciona los animales. Cuando Esther se enamora de un adiestrador de caballos llamado Phil, la pareja lucha por superar la crisis emocional.
Sueño Florianópolis
Ana Katz (Argentina – Brasil – Francia)
Intérpretes: Mercedes Morán, Gustavo Garzón, Marco Ricca, Andréa Beltrão
La pareja formada por Pedro y Lucrecia viaja a Brasil junto a sus hijos adolescentes. Hace poco han decidido separarse, pero el plan sigue siendo ir juntos de vacaciones. Marco, el brasileño que alquila a la familia la casa de veraneo, y Larissa, su exnovia, se hacen amigos de Pedro y Lucrecia. En las playas, entre olas, karaoke y paseos acuáticos, nacen los romances cruzados y una atracción que salpica también a los hijos de unos y de otros. Padres e hijos se divierten y ensayan la «alegría brasileña». Mientras una samba infinita despierta del letargo a los turistas, paulatinamente unos y otros se separan para dedicarse a la pasión y explorar, en el espejo, versiones de sí mismos más libres e inesperadas.
Vía Screen International y aprovechando el reciente anuncio de su presencia el próximo mes de septiembre en el Festival de Toronto dentro de la sección Platform acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador de origen argentino Benjamín Naishtat responsable de las notables Historia del miedo y El movimiento titulado Rojo, una película que también estará presente en la próxima edición del Festival de San Sebastián compitiendo por la Concha de Oro y que nos sitúa en la Argentina de los años 70, en las vísperas del comienzo de la dictadura militar.
En Rojo vemos como un hombre extraño llega a una tranquila ciudad de provincias. En un restaurante, y sin motivos aparentes, comienza a agredir a Claudio, un reconocido abogado. La comunidad apoya al abogado y el extraño es humillado y expulsado del lugar. Más tarde y camino a casa, Claudio y su mujer, Susana, son interceptados por el hombre extraño, quien está determinado a cobrarse una terrible venganza. El abogado toma entonces un camino sin retorno, de muerte, secretos y silencios.
La película con guion del propio Benjamín Naishtat está protagonizada por Darío Grandinetti, Andrea Frigerio y Alfredo Castro.
Los amantes del cine fantástico y de terror de nuestro país recuerdan todavía cómo, entre 1990 y 1993, cada domingo (a veces, de madrugada), Joan Lluís Goas les recibía desde el otro lado del televisor con el saludo «Buena luna, criaturas de la noche», antes de presentarles la película que tocara emitir esa semana. El programa se llamaba Noche de lobos, y su simple mención nos evoca tiempos en los que la televisión privada todavía estaba aprendiendo a funcionar y en los que aún había cabida para la experimentación, la sorpresa y la valentía. Gracias a esta ventana, muchos descubrimos clásicos de la Hammer, del giallo, de la serie B norteamericana, joyas del cine más oscuro e inquietante de diversas cinematografías… Y ese espíritu es el que Applehead Team quiere rescatar con una colección de libros titulada, precisamente, Noche de lobos, que cuenta además con el beneplácito del propio Goas.
Esta colección abre una nueva editorial dentro del ensayo cinematográfico: hay muchas pantallas que rasgar, pero de momento os podemos presentar los tres primeros títulos que estarán agrupados bajo el sello Noche de lobos.
DEMONS. LA PESADILLA RETORNA (Pedro José Tena)
El díptico dirigido por Lamberto Bava en 1985 y 1986 supone uno de los grandes hitos del cine de terror italiano de los 80, casi el canto de cisne de un género que estaba a punto de desaparecer en ese país y que después de estas dos películas sólo repuntaría en determinadas ocasiones. Este libro analiza por qué Demons y Demons 2 destacaron por encima de otras producciones del horror italiano de la época, por qué todavía hoy se sigue hablando de ellas y qué supusieron para un sistema de producción que entraba en agonía en aquellos momentos. Además, analiza su influencia en otros títulos y su relevancia persistente en convenciones de cine de terror. Pero, sobre todo, este libro es una historia oral de cómo se construyeron dos cintas fascinantes y amadas por miles de fans, con el relato en primera persona de quienes las hicieron posibles y que narran, asimismo, qué supuso Demons para sus carreras y cómo éstas han evolucionado o mutado desde entonces. Con prólogo de Luigi Cozzi, el libro incluye numerosas entrevistas exclusivas concedidas expresamente para esta ocasión por nombres como Lamberto Bava, Dardano Sacchetti, Sergio Stivaletti, Bobby Rhodes, Geretta Geretta, Fabiola Toledo, Coralina Cataldi-Tassoni, Karl Zinny, Simon Boswell, Virginia Bryant y otros ilustres invitados que podremos confirmar próximamente.
FREDDYMANIA. LAS CRÓNICAS DE ELM STREET (José Mellinas)
Si hay un asesino en serie cinematográfico que pueda equipararse a ídolos del rock en cuanto a su impacto en la cultura popular de los 80 y su celebridad mundial, ese es, sin duda, Freddy Krueger. Wes Craven lo creó para la magistral Pesadilla en Elm Street (1984); lo interpretó un Robert Englund en estado de gracia, quien quedaría marcado de por vida por el personaje. Freddy se instaló en la memoria colectiva (en nuestras pesadillas, en realidad) gracias a una de las sagas más longevas del cine de terror norteamericano, y también a otras apariciones multimedia que van desde una serie de televisión (Las pesadillas de Freddy) hasta videojuegos, pasando por cómics, figuras de acción o novelas. Este libro, que analiza la Freddymanía en todas sus vertientes, es el estudio definitivo sobre las historias que surgieron de Elm Street, desde sus orígenes hasta su remake, pasando por todas y cada una de sus manifestaciones audiovisuales, literarias o lúdicas. Incluye prólogo de Jaume Balagueró (director de Los sin nombre, Darkness o Rec) y epílogo de Ángel Sala (director del Festival de Sitges).
NOCHES DE HALLOWEEN. LA SAGA DE MICHAEL MYERS (Octavio López Sanjuán)
Hemos dicho que Freddy Krueger es el psychokiller más famoso de los 80, pero no se puede entender su figura (ni la de Jason Voorhees) sin la aparición en 1974 del Leatherface de La matanza de Texas (Tobe Hooper) ni, sobre todo, sin el fulgurante éxito que supuso la primera entrega de la saga protagonizada por Michael Myers, La noche de Halloween (1978), de John Carpenter. Este volumen recoge la génesis, desarrollo e impacto de este icono del cine de terror, con un desglose detallado de cómo se forjaron todas y cada una de las películas de la saga, además de un comentario crítico de todas ellas. Es una oportunidad única para comprender en su totalidad uno de los fenómenos del cine de terror más influyentes, lucrativos y longevos de la historia del celuloide. Pero además de esa apasionante historia repleta de machetazos, rostros inexpresivos y gritos desgarradores, lo que convierte en un libro único a Noches de Halloween es que se ha podido entrevistar en exclusiva para este texto a varios de los directores que han llevado a cabo su particular visión de este icono (John Carpenter, Rick Rosenthal, Tommy Lee Wallace, Dwight H. Little y Dominique Othenin-Girard). No falta tampoco un análisis del remake dirigido por Rob Zombie (ni su secuela), así como de la nueva entrega oficial que se estrenará en octubre de este mismo año.
Estos libros estarán disponibles próximamente en librerías, tiendas especializadas y puntos de venta habituales. Se ira anunciando la preventa de cada uno de ellos a medida que se acerquen los lanzamientos oficiales. Mientras tanto, como diría Joan Lluís Goas, buena luna a todos.
Hoy acaba de ver la luz las diez películas que formaran parte de la sección Midnight Madness del próximo festival internacional de cine de Toronto TIFF, certamen que se celebrará del 6 al 16 del mes de septiembre, con permiso de Cannes posiblemente estemos a día de hoy ante el festival de clase A más reconocido e importante del actual panorama festivalero, no solo por el generoso volumen de películas exhibidas cada año sino también por la calidad de su muy heterodoxa programación, una selección de títulos no competitivos que aúna lo más destacado del año visto en otros certámenes junto a primicias mundiales, un equilibrio en definitiva casi perfecto de tendencias cinematográficas de lo más diversas, un festival el de Toronto que en estos últimos años ha prestado una especial atención al fantástico, visibles principalmente en sus secciones Midnight Madness y Vanguard, esta última más diversificada y enfocada hacia el cine de autor. A continuación os ofrecemos la lista de las diez películas que se podrán ver en la Midnight Madness 2018, la sección dedicada más claramente al cine de género, en su mayoría estrenos mundiales, una lista de títulos que algunos de ellos muy problablemente se podrán ver en la próxima edición del festival de Sitges.
Assassination Nation. Dirección. Sam Levinson
“Assassination Nation” se centra en cuatro adolescentes de los suburbios que pasan a ser el foco de atención de los medios después de que su información personal sea filtrada por un hacker anónimo, hecho que dará lugar a una caza de brujas con consecuencias muy reales.
Climax. Dirección. Gaspar Noé
Climax conocida anteriormente con el título de Psyche nos sitúa a mediados de los años noventa, un grupo de veinte jóvenes bailarines de danza urbana que se habían reunido para unas jornadas de tres días de ensayos en un internado en desuso situado en el corazón de un bosque, hacen su último baile común y luego festejan una última fiesta de celebración alrededor de una gran fuente de sangría. Pronto, la atmósfera se vuelve eléctrica y una extraña locura los atrapará toda la noche. Les parece obvio que han sido drogados, no saben por quién o por qué.
Diamantino. Dirección. Gabriel Abrantes, Daniel Schmidt
Diamantino, una estrella mundial de fútbol pierde su toque especial y acaba su carrera deshonrado. Buscando un nuevo propósito, el icono internacional empieza una odisea delirante donde se enfrenta al neofascismo, la crisis de los refugiados, la modificación genética y la búsqueda de una nueva fuente de genialidad.
Halloween. Dirección. David Gordon Green
Halloween 2018 nos cuenta la historia de un equipo británico de televisión que realiza documentales por los Estados Unidos, en uno de sus viajes visitan a Michael Myers en prisión para poder tratar de entrevistarle para un programa que indaga sobre los macabros crímenes que cometió en el pasado, Laurie Strode por su parte se ha preparado a conciencia durante estos años para hacerle frente, un accidente del bus que trasporta a Michael Myers hará posible el inevitable enfrentamiento entre ambos.
In Fabric. Dirección. Peter Strickland
In Fabric está ambientada en el período de las ventas del invierno de un gran almacén comercial, la trama sigue el devenir de un vestido en apariencia maldito que va pasando de persona en persona con consecuencias devastadoras.
The Man Who Feels No Pain. Dirección. Vasan Bala
Película de acción rodada en Bollywood por parte de Vasan Bala (Peddlers) en donde vemos como un joven nacido con la capacidad de no sentir dolor deberá de hacer uso de todo su poder para poder vencer a sus 100 enemigos.
Nekrotronic. Dirección. Kiah Roache-Turner
Un grupo de cazadores conocidos como los Nekromancers luchan contra unas fuerzas del mal que utilizan las aplicaciones de los medios sociales para poseer demoníacamente a las grandes masas, un desenfrenado juego sobrenatural a cargo de Kiah Roache-Turner (Wyrmwood).
The Predator. Dirección. Shane Black
En Predator los cazadores más letales del universo son ahora más fuertes, más inteligentes y más mortales que nunca, y se han mejorado genéticamente con ADN de otras especies. Cuando un niño accidentalmente desencadena su regreso a la Tierra, solo un grupo de ex soldados y una profesora de ciencias podrán evitar, quizá el fin de la raza humana…
The Standoff at Sparrow Creek. Dirección. Henry Dunham
En este intrincado thriller que supone el debut en la dirección de Henry Dunham vemos como una milicia del vecindario se sorprende al descubrir que una reciente masacre aparentemente fue llevada a cabo por uno de sus propios miembros.
The Wind. Dirección. Emma Tammi
Cuando una joven mujer se muda a la frontera estadounidense para poder estar con su esposo empezara a sentir una presencia malvada que le ira inundando de una peligrosa paranoia.
Un nuevo avance en forma de un segundo tráiler oficial, que podéis ver a final de página junto a su póster, acaba de ver la luz de una de las películas españolas más esperada para este fin de año, la esperada adaptación a la gran pantalla de Superlópez, versión castiza y paródica de la historia de Superman, un personaje de cómic que nace originalmente en el año 1973 de la mano del dibujante Juan López Fernández (Jan) siendo uno de los personajes más icónicos aparecidos en la historia del cómic español, tras las cámaras nos encontramos con Javier Ruiz Caldera responsable entre otros de films con un buen bagaje comercial como por ejemplo Spanish Movie, Promoción fantasma o Anacleto: Agente secreto.
Producida por Telecinco Cinema, Zeta Cinema y La Gran Superproducción AIE, con la participación de Mediaset España y Movistar+, Superlópez llegará a los cines españoles el próximo 23 de noviembre de la mano de Buena Vista Internacional.
La película cuenta con un guion de Borja Cobeaga y Diego San José (Ocho apellidos vascos, Ocho apellidos catalanes) y música a cargo de Fernando Velázquez estando protagonizada por Dani Rovira, Alexandra Jiménez, Julián López, Pedro Casablanc, Gracia Olayo, Maribel Verdú, Nao Albet, Gonzalo de Castro, Marc Rodríguez, Carlos Zabala y Josep Maria Alejandre.
Young es creador de las partituras de exitosas películas como ‘Hellraiser’, ‘Spiderman 3’ o ‘Arrástrame al Infierno’. El músico acudirá a la Gala de Clausura, donde presentará la interpretación de una suite de su música para la película de ciencia ficción ‘Species: Especie mortal’. Nick Foster es coautor, junto a su hermano Ben Foster, de la banda sonora de ‘Thunderbirds are go!’, que sonará en la Gala de Clausura.
FIMUCITÉ confirma dos nuevos invitados que formarán parte del cartel de la duodécima edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife, que se celebrará entre el 21 y el 30 de septiembre de este año con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife. El reconocido compositor Christopher Young, quien ya participó en el Festival hace una década, presentará la interpretación en el marco de la Gala de Clausura de una suite de su música para la película de ciencia ficción ‘Species: Especie mortal’. Además, Nick Foster acudirá con motivo de la interpretación, también dentro del programa del concierto ‘La verdad está ahí fuera’, de la banda sonora de la serie de animación ‘Thunderbirds are go!’, que firma junto a su hermano, el director invitado a FIMUCITÉ en esta misma edición, Ben Foster.
El compositor nominado al Globo de Oro Christopher Young, natural de Nueva Jersey, cuenta con una excelsa trayectoria en cine y televisión con cerca de un centenar de películas, en la que destaca su dedicación al cine fantástico y de terror, con títulos como ‘Hellraiser‘, ‘Sinister’, ‘El Exorcismo de Emily Rose’, ‘La Mosca 2’, ‘La Mitad oscura’, ‘Pesadilla en Elm Street 2’, ‘Ghost Rider: El motorista fantasma’ o sus colaboraciones con el director Sam Raimi en ‘Arrástrame al Infierno’ y ‘Spider-man 3’. Una de sus obras más aclamadas, la banda sonora de ‘Species: Especie mortal’, por la que fue nominado a los galardones Golden Reel, sonará el sábado 29 de septiembre en el Auditorio de Tenerife Adán Martín dentro del programa previsto dedicado a la mejor música del subgénero de ciencia ficción sobre avistamientos de ovnis e invasiones alienígenas. Profesor de composición de música para el cine en la Universidad del Sur de California, ha dedicado también su carrera a la formación especializada y cuenta con numerosos seguidores por todo el mundo como quedó demostrado cuando visitó la segunda edición de FIMUCITÉ y protagonizó un inolvidable encuentro con fans.
La Orquesta Sinfónica de Tenerife también interpretará en el marco de la Gala de Clausura la música compuesta por los hermanos Foster para la serie ‘Thunderbirds are go!’, con la que lograron una nominación a los Premios BAFTA. Nick Foster es conocido por sus numerosas partituras para series de televisión en Reino Unido y Estados Unidos, con títulos como la comedia ‘Timewasters’ o la exitosa ‘Bounty Hunters’. También destaca por sus trabajos en publicidad para marcas como Stella Artois, Amazon o la cadena BBC. Actualmente prepara la música de una nueva producción para Netflix del mentalista Derren Brown, con quien ya colaboró en ‘Apocalipsis’ y ‘The Cube’, y para una nueva tanda de episodios de ‘Thunderbirds are go!’, junto a su hermano Ben Foster.
Las entradas para los dos conciertos sinfónicos que tendrán lugar en FIMUCITÉ 12, en el Auditorio de Tenerife, ya se encuentran a la venta en taquilla y a través de Internet en www.auditoriodetenerife.com. Como ya había sido anunciado, el viernes 28 de septiembre, a las 20:00 horas, el Auditorio de Tenerife acogerá la première española de un espectacular concierto “live to picture” dedicado al clásico, considerado obra maestra, de la ciencia ficción “Encuentros en el la Tercera fase” de Steven Spielberg, en el que mientras se proyecta la película la Orquesta Sinfónica de Tenerife, el Tenerife Film Choir interpretarán íntegramente la legendaria partitura de John Williams. El director artístico del Festival, el reconocido compositor y director de orquesta Diego Navarro, se pondrá al frente de esta original propuesta, el primer concierto “live to picture” sinfónico de un gran éxito de Hollywood que tiene lugar en Canarias. El concierto ‘La verdad está ahí fuera’ será el sábado 29 de septiembre, a las 19:00 horas.
Christopher Young y Nick Foster se suman al resto de invitados ya confirmados en FIMUCITÉ 12: los compositores Laura Karpman, quien actualmente ejerce como gobernadora de la rama musical en la Academia de Hollywood, y Jean-Michel Bernard, extraordinario pianista y colaborador habitual del cineasta Michel Gondry; además del citado Ben Foster, como director invitado.
El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) cuenta para la celebración de su duodécima edición, que tendrá lugar del 21 al 30 de septiembre de 2018, con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Audi Canarias, Dorada Especial y Teleférico del Teide, y con la colaboración de la Fundacion SGAE.
Pocos debuts más sonados en estos últimos años como el del realizador de origen húngaro László Nemes con su multipremiada Son of Saul, tres años después nos llega el que es su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Sunset (Napszállta), un drama de época cuyo primer tráiler oficial subtitulado al inglés acaba de ver la luz a través de Screen International y podéis ver a final de página. Coproducida entre Hungría y Francia Sunset se podrá ver en los inminentes festivales de Venecia y Toronto, a los cines de España llegará a principios de 2019 de la mano de Avalon.
Sunset nos sitúa en el 1913 en Budapest. Después de pasar su infancia en un orfanato, Irisz Leiter llega a la capital húngara con 20 años y la esperanza de trabajar de sombrerera en la antigua tienda de sombreros de sus padres biológicos. Pero Oszkar, el nuevo propietario, la rechaza. A su vez, se tendrá que enfrentar a su pasado cuando descubre un hermano que nunca supo que tenía. Su misión de encontrarlo la lleva a descubrir oscuros secretos mientras el país se prepara para el caos de la guerra.
La película con guion del propio László Nemes junto a Clara Royer y Matthieu Taponier y música compuesta por László Melis está protagonizada por Juli Jakab, Vlad Ivanov, Susanne Wuest, Uwe Lauer, Christian Harting, Levente Molnár y Urs Rechn.
Con la música de fondo del gran Barry White la HBO acaba de lanzar un primer teaser tráiler que podéis ver a final de página de la segunda temporada de The Deuce, una de las mejores series con diferencia vistas la temporada pasada en donde se nos describía el auge y caída de la industria pornográfica en el Nueva York de los años 70. Recordemos que esta nueva temporada de The Deuce, que en principio y según David Simon será una trilogía, saldrá a la luz el próximo 9 de septiembre a través de HBO.
The Deuce nos cuenta la historia de la legalización y posterior consolidación de la industria del cine porno en el New York los inicios de los años 70 hasta mediados de los 80, explorando un turbulento mundo donde la llegada del sida, la expansión de la cocaína y el renovado mercado inmobiliario sacudieron al todo el país.
La serie con guion de David Simon, George Pelecanos y Richard Price está protagonizada entre otros por James Franco, Maggie Gyllenhaal, Margarita Levieva, Gbenga Akinnagbe, Dominique Fishback, Gary Carr, Lawrence Gilliard Jr., Emily Meade, Michael Rispoli, Chris Bauer, Don Harvey, David Krumholtz, Chris Coy, Natalie Paul, Pernell Walker, Method Man, Tariq Trotter, Zoe Kazan, Mustafa Shakir y Ralph Macchio.
El Velódromo Antonio Elorza, una sala de cine con capacidad para más de 3.000 personas, acogerá las presentaciones de la serie completa de Arde Madrid, creada por Paco León y Anna R. Costa; Dilili à Paris / Dilili in Paris, el regreso de Michel Ocelot 20 años después del primer Kirikú; una doble sesión con la película española más taquillera del año (Campeones, de Javier Fesser) y el documental sobre el filme Ni distintos ni diferentes: Campeones; y Smallfoot, la película de animación que da una vuelta al mito del Yeti, dirigida por Karey Kirkpatrick .
La serie Arde Madrid parte de una anécdota real sucedida en 1961 cuando Ava Gardner se convirtió en la vecina del piso de arriba del expresidente argentino Juan Domingo Perón en la capital española. La historia, protagonizada por Paco León, que también la dirige, Inma Cuesta, Debi Mazar, Anna Castillo y Julián Villagrán, se cuenta desde el punto de vista del servicio doméstico de la actriz estadounidense y se mueve entre los registros de la comedia y del thriller.
Veinte años después de la célebre Kirikou et la sorcière (Kirikú y la bruja, 1998), que ganó el premio al mejor largometraje en el Festival de Annecy y cuyo éxito contribuyó a proyectar la industria de la animación francesa y europea, y tras las secuelas Kirikou et les bêtes sauvages (Kirikú y las bestias salvajes) (2005) y Kirikou et les hommes et les femmes (Kirikú y los hombres y las mujeres, 2012), Michel Ocelot (Villefranche-sur-Mer, Francia, 1943) presentará en San Sebastián Dilili à Paris, sobre una niña procedente de Nueva Caledonia que investiga los secuestros de chicas jóvenes en el París de la Belle Époque.
El Velódromo acogerá, asimismo, una sesión doble con la película de Javier Fesser Campeones, la producción española más taquillera del año, y el documental Ni distintos ni diferentes: campeones, protagonizado por los personajes reales de la película y dirigido y producido por Álvaro Longoria.
Por último, se proyectará Smallfoot, una película de animación para todas las edades, con música original y un reparto lleno de estrellas. Smallfoot da una vuelta a la leyenda cuando un yeti joven y listo se encuentra con algo que pensaba que no existía: un ser humano. Dirigida por Karey Kirkpatrick (Over the Hedge / Vecinos Invasores), a partir de un guion de Kirkpatrick y Clare Sera, una historia escrita por John Requa, Glenn Ficarra y el propio director, basada en el libro Yeti Tracks de Sergio Pablos. Pablos fue el responsable de la idea original de Despicable Me (Gru, mi villano favorito, Velódromo 2010). Smallfoot está producido por Bonne Radford, Ficarra y Requa. El reparto original de voces en lengua inglesa incluye a Channing Tatum, James Corden, Zendaya, Common, LeBron James, Danny DeVito, Gina Rodriguez, Yara Shahidi, Ely Henry y Jimmy Tatro.
Arde Madrid. Paco León, Anna R.Costa (España)
Intérpretes: Inma Cuesta, Paco León, Debi Mazar, Anna Castillo, Julián Villagrán, Ken Appledorn, Ósmar Núñez, Fabiana García Lago, Moreno Borja, Miren Ibarguren
Madrid 1961. Ana Mari es solterona, coja, franquista e instructora de la Sección Femenina. Por orden de Franco, recibe el encargo de ir a trabajar de criada a casa de Ava Gardner con la intención de espiarla. Para ello tiene que fingir estar casada con Manolo, un buscavidas que se convertirá en el chófer de la actriz americana.
Dilili à Paris / Dilili in Paris. Michel Ocelot (Francia)
Dilili, una joven de Nueva Caledonia, cuenta con la ayuda de su amigo repartidor para investigar una serie de misteriosos secuestros de chicas jóvenes en el París de la Belle Époque. En el curso de su investigación se encontrará a múltiples personajes extraordinarios que le irán dando pistas.
SESIÓN DOBLE: «NI DISTINTOS, NI DIFERENTES: CAMPEONES» + «CAMPEONES»
NI DISTINTOS, NI DIFERENTES: CAMPEONES. Álvaro Longoria (España)
Este documental cuenta las historias reales de los protagonistas de CAMPEONES. Un viaje emocional a una realidad poco conocida con la que todos convivimos, unas personas que viven en un mundo que no cuenta con ellos y de las que tenemos mucho que aprender.
CAMPEONES. Javier Fesser (España)
Intérpretes: Javier Gutiérrez, Athenea Mata, Juan Margallo, Luisa Gavassa, Daniel Freire, Jesús Vidal, Sergio Olmo, Julio Fernández, Jesús Lago, José de Luna, Fran Fuentes, Gloria Ramos, Alberto Nieto Fernández, Roberto Chinchilla, Stefan López
Marco es el segundo entrenador de un equipo de baloncesto profesional, que, tras una sentencia judicial, tendrá que entrenar a un equipo de baloncesto muy especial, formado por personas con discapacidad intelectual. De forma sorpresiva para el propio Marco, él será quien realmente aprenda de su aventura junto a un equipo donde imperan las ganas de vivir y dar importancia a las cosas que realmente la tienen.
Smallfoot. Karey Kirkpatrick (EEUU)
Smallfoot da una vuelta a la leyenda cuando un yeti joven y listo se encuentra con algo que pensaba que no existía: un ser humano. La noticia de este ‘humano’ provoca una conmoción en la sencilla comunidad de yetis al preguntarse qué otras cosas pueden existir más allá de su aldea nevada.
Mucha expectación como viene siendo habitual después de haber conseguido un Oscar a la mejor película, conseguido en 2016 por Moonlight, está generando el nuevo trabajo tras las cámaras del realizador Barry Jenkins, el film supone la adaptación de la novela homónima de James Baldwin escrita en 1974 titulada If Beale Street Could Talk, la novela fue editada en castellano con el nombre de Blues de la calle Beale. If Beale Street Could Talk cuyo primer tráiler acaba de ver la luz de la mano de la productora Annapurna y que podéis ver a final de página se estrenará en cines de Estados Unidos el próximo 30 de noviembre previo paso por el Festival de Toronto, a España aún sin fecha de salida llegará de la mano de eOne Films.
If Beale Street Could Talk nos cuenta la historia de Tish, una mujer residente en el Harlem de los años 70, embarazada y recién prometida intentará demostrar en una carrera contra reloj la inocencia de su prometido acusado de una presunta violación.
La película con guion adaptado del propio Barry Jenkins y música a cargo de Nicholas Britell está protagonizada por KiKi Layne, Stephan James, Diego Luna, Pedro Pascal, Teyonah Parris, Regina King, Colman Domingo, Brian Tyree Henry, Ed Skrein, Michael Beach, Emily Rios, Finn Wittrock, Dave Franco, Aunjanue Ellis y Faith Logan.
“La violencia, ese instinto animal arraigado en el hombre desde tiempos remotos, se institucionaliza a través del Estado, poseedor de su monopolio bajo el amparo de la ley, para impartirse desde motivaciones supuestamente legítimas; entre otras, la de salvaguardar la paz social mediante esa represión que trata de mantenernos alejados de la barbarie. Intrínseca a esa prerrogativa del Estado está la facultad de obligar a sus ciudadanos a secundar esa violencia, aportando su sufrimiento e incluso su propia vida y la de sus seres queridos. El cine, reflejo de todas las facetas que engloba la existencia del ser humano, nunca estuvo al margen de la representación de la guerra, ya sea para apoyarla, para censurarla, para constituirse en mero testimonio histórico o incluso para utilizarla como un espectáculo más con el que distraer a la audiencia. La guerra es, por desgracia, ese elemento que siempre estuvo, está y estará presente en el devenir del género humano.”
En “¡Esto es la guerra!” ofrece una panorámica sobre el modo en el que el séptimo arte ha plasmado el hecho bélico a través de una personalísima selección de cincuenta títulos pertenecientes al denominado cine bélico. Clásicos como Sin novedad en el frente, Senderos de gloria, Apocalypse Now, Platoon o La chaqueta metálica son analizados a lo largo de sus doscientas páginas, junto con recreaciones históricas tipo El día más largo y boutades como la inclusión en el listado de los films de temática fantástica Aliens, el regreso, Deathwatch e Invasión a la Tierra.
Conocido con el nombre de el crimen de Lizzie Borden dicho homicidio fue uno de los sucesos de la crónica negra más comentados en su época, una historia real que ha inspirado en mayor o menor parte a un buen número de películas incluso teniendo dos versiones televisivas bastante recientes como son Lizzie Borden Took An Ax y The Lizzie Borden Chronicles ambas con Christina Ricci al frente del reparto. Ahora es turno para su traslación a la gran pantalla, Lizzie cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página y que tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Sundance cuenta tras las cámaras con Craig William Macneill, realizador que ya dejo muy buenas sensaciones con su opera prima, el thriller psicológico The Boy (2015). Aún sin fecha de estreno en España Lizzie verá la luz en cines de Estados Unidos el próximo 14 de septiembre.
Lizzie nos sitúa en el año 1892, después de mucho tiempo de vivir en soledad Lizzie Borden se hace amiga de la criada Bridget Sullivan, la afinidad entre ambas y su especial intimidad acabará desatando un suceso inimaginable que llegara a convertirse en el motor de una sangrienta venganza destinada a permanecer en la historia como los infames asesinatos de la familia Borden.
La película con a cargo de guion de Bryce Kass está protagonizada por Chloë Sevigny, Kristen Stewart, Jamey Sheridan, Fiona Shaw, Kim Dickens, Denis O’Hare, Jay Huguley, Jody Matzer, Jeff Perry, Tara Ochs, Darin Cooper, Jeremy Sykes, Tom Thon, Ivylyn Nickel y Elgin Lee.
La retrospectiva de la 66 edición del Festival de San Sebastián ofrecerá los 28 largometrajes que Muriel Box (Surrey, Inglaterra, 1905- Londres, 1991) escribió y dirigió.
Box se caracterizó a lo largo de toda su obra como escritora y directora, desarrollada entre 1945 y 1964, por tratar temas complejos y prohibidos –como la prostitución, el abuso de menores, el aborto, los hijos ilegítimos o el sexo en la edad adolescente–, de manera muy clarividente y valiente teniendo en cuenta el contexto social y político en el que se produjeron aquellas películas. Su aportación en relación a estas temáticas es fundamental en el cine inglés de los años cincuenta y la primera mitad de los sesenta.
Como ocurre con las estadounidenses Dorothy Arzner –objeto de una retrospectiva en el Festival de San Sebastián de 2014– e Ida Lupino, la revisión actual de su filmografía parece esencial para establecer un discurso feminista y una reivindicación del importante papel de las realizadoras en distintos contextos y cinematografías. Pese a gozar de un cierto prestigio cinéfilo, son pocos los estudios sobre su obra y apenas aparece reseñada en las historias generales del cine.
Muriel Box responde además al canon del cine independiente a pesar de trabajar con temáticas propias de los géneros clásicos y populares, como el melodrama, la comedia, el policíaco o el cine de época. Su obra como directora queda inscrita en un periodo de cambios en el cine británico, el de las comedias de la productora Ealing, la obra de otros independientes como Michael Powell y Emeric Pressburger y el nacimiento de la práctica documental crítica que derivaría en el Free Cinema.
Nacida el 22 de septiembre de 1905 en New Malden (Surrey, Inglaterra), con el nombre de Violette Muriel Baker, comenzó en el cine como script. En 1935 contrajo matrimonio con el escritor Sydney Box, con quien crearía cinco años después Verity Films, una productora destinada a financiar cortos de propaganda bélica durante la segunda guerra mundial. La hermana de Sydney, Betty Box –una de las productoras inglesas más influyentes de los cincuenta–, colaboró con ellos. Muriel realizó para Verity el corto The English Inn (1941).
Escribió varias obras de teatro con su marido destinadas a compañías amateurs. Cuando después de la guerra Sydney se convirtió en el director de Gainsborough Pictures, Muriel pasó a ser la responsable del departamento de guiones y codirigió The Lost People (1949), un drama de posguerra iniciado por Bernard Knowles y que ella completó en el sesenta por ciento de metraje, cuya acción se desarrolla en un teatro alemán donde dos soldados británicos custodian a varios refugiados.
En 1951, Sydney creó la compañía London Independent Producers, en la que Muriel pudo acometer argumentos que entonces no estaban bien vistos ni en el cine ni en la sociedad británica, casi siempre con guiones escritos por ella y su esposo. Lo hizo a partir de una mezcla entre mirada autoral y cine de género, y ese resulta uno de sus rasgos principales. Aunque gozó de ciertos privilegios, tuvo que enfrentarse a los prejuicios masculinos e incluso femeninos de la industria cinematográfica: un año antes, la actriz Jean Simmons presionó para que no fuera la directora de So Long at the Fair (Extraño suceso, 1950), dirigida finalmente por Terence Fisher y Anthony Darnborough. Muriel Box ha sido definida como una directora que se desanimaba fácilmente pero que era, a la vez, tenazmente ambiciosa.
Dirigió 14 largometrajes entre 1949 y 1964 –además de un cortometraje–, de entre los que destacan sus peculiares comedias románticas en torno a la guerra de sexos: To Dorothy a Son (Herencia contra reloj, 1954), interpretada por Shelley Winters y centrada en las tribulaciones de varios personajes para cobrar una herencia; Simon and Laura (1955), con Peter Finch y Kay Kendall en los papeles de una pareja de actores de la vida real que se convierten en protagonistas de un programa de la BBC; The Passionate Stranger (1957), con Ralph Richardson como el chófer que tiene una idea equivocada de su jefa, Margaret Leighton, después de leer la novela erótica que ha escrito ella; The Truth About Women (1957), en la que el personaje encarnado por Laurence Harvey revive sus coloristas y exóticas historias de amor en distintos continentes, y Rattle of a Simple Man (1964), el último film de la directora, en el que narra la relación entre un hincha de fútbol muy introvertido y una prostituta.
Brilló igualmente en el drama, con títulos como The Beachcomber (El vagabundo de las islas,1954), adaptación de una obra clásica de W. Somerset Maugham sobre alcohol, religión, puritanismo y epidemias; This Other Eden (1959), en el que afrontó el tema irlandés al relatar las tensiones en una pequeña ciudad donde se quiere erigir una estatua a un miembro del IRA, y Too Young to Love (1960), una historia de prostitución de menores y aborto ambientada en un juzgado estadounidense y con Thomas Mitchell como el veterano juez. También rodó curiosos relatos criminales: Street Corner (1953), de estilo semidocumental y sobre el trabajo diario de una mujer policía; Eyewitness (Testigo en peligro, 1956), centrado en una mujer que presencia un asesinato en un cine, es atropellada por un autobús y acosada después en el hospital por los criminales, y Subway in the Sky (1959), ambientado en el Berlín de posguerra y protagonizado por Van Johnson y Hildegarde Knef.
En 1946, Muriel ganó el Oscar al mejor guión original por The Seventh Veil (El séptimo velo), filme realizado por Compton Bennett y escrito en colaboración con su esposo. Fue la segunda mujer en obtener un Oscar al mejor guión después de Frances Marion, que lo había ganado dos veces, en 1930 y 1932. Antes de pasar a la realización participó como guionista o productora en películas de Terence Fisher, Compton Bennett y David MacDonald, entre otros directores británicos ilustres de los años cuarenta y cincuenta.
El ciclo se completará con la publicación de un libro sobre la directora y guionista, coordinado por Quim Casas y Ana Cristina Iriarte y que cuenta con artículos de Rachel Cooke, Hanna McGill, Eulàlia Iglesias y Carlos Losilla, entre otros autores.
La retrospectiva está organizada conjuntamente con Filmoteca Española y cuenta con la colaboración del Festival Lumière de Lyon, la Filmoteca del Institut Valencià de Cultura, la Filmoteca Vasca y el Museo San Telmo.
Después de su proyección en el Festival de San Sebastián, la retrospectiva podrá verse en Filmoteca Española, en Madrid, en el Festival Lumière, en Lyon, y en la Filmoteca del Institut Valencià de Cultura durante los meses de octubre y noviembre.
William Friedkin, director de «El exorcista», sigue a un anciano sacerdote de 91 años a un pequeño pueblo italiano donde practica exorcismos reales a una mujer.
No era pocos los atractivos que atesoraba en un principio un trabajo de las características de The Devil and Father Amorth, de alguna manera suponía el cerrar esa especie de circulo temático que William Friedkin había abierto con la fundamental El exorcista en el ya lejano año 1972, esa especie de concomitancia existente entre la ficción y la supuesta realidad de la que se sustenta el presente trabajo daba la impresión de explorar muchas vías no exentas de interés, para más inri el formato documental parecía el más adecuado para dicha exposición, sin embargo este nuevo acercamiento por parte de Friedkin en lo relativo a esa visión acerca de la liberación del mal deviene casi como algo tan meramente anecdótico como imperfecto en lo referente a sus formas.
Lo primero que habría que señalar con respecto a The Devil and Father Amorth es su adscripción a una naturaleza que parece surgida de la más pura improvisación, dicho de otra manera, parece que estemos ante un trabajo no concebido a partir de una predeterminación concreta, en el documental somos testigos de que todo parece orbitar en lo concernientes a esos veinte minutos de exorcismo real realizado el pasado 1 de mayo de 2016 (un plano fijo rodado a tiempo real que nos muestra al padre Amorth y Cristina), esto da una cierta impresión de que una vez William Friedkin obtiene dicho material este decide alargarlo en forma algo improvisada e irregular en lo referente a sus formas narrativas, en un documental con otros cuarenta minutos adicionales. Curiosamente dicho trabajo más que hablarnos de la trayectoria, la del padre Amorth, lo hace del supuesto convencimiento y punto de vista de un William Friedkin omnipresente en todo momento, llegados a este punto podríamos aseverar que The Devil and Father Amorth no gira en torno al párroco, supuesto protagonista principal del documental, o del diablo, sino más bien de una reflexión hecha en primera persona (la expuesta por el propio Friedkin), por momentos una especie de púlpito diseñado por el propio cineasta a la hora de recordar tiempos pretéritos, a partir de este enunciado expuesto a modo de introducción entra en juego el debate existente entre creencia y escepticismo, a parte de una supuesta curiosidad dirigida de una manera nada disimulada a posibles conversos el problema viene dado en que uno tiene la ligera intuición, o al menos un servidor la tuvo, de que el autor de French Connection parece decantarse de buenas a primeras por un bando en concreto, siempre más interesado en confirmar creencias que en articular un relato que se apoye en lo supuestamente racional, algo totalmente legítimo evidentemente, mas dudad sin embargo genera que todos los interlocutores a los que acude para que expresen su opinión le sigan de alguna manera el juego. En este aspecto más que confrontar opiniones parece una unificación de criterios, por otra parte resulta harto evidente como se dota de un dudoso supuesto rigor de ficción al documento no sin antes recurrir sin embargo a un cierto efectismo que actúa como tal, uno echa en falta una mayor indagación en lo que podríamos denominar como ese apartado cinematográfico que suele articular artefactos de trucos, como botón de muestra en un momento dado el padre Amorth confiesa ser un gran admirador de El exorcista aunque le parece muy exagerado en algunos momentos como representación supuestamente realista, algo que queda suficientemente claro en como ese supuesto exorcismo real resulta ser mucho más light que el ficticio orquestado en su día por el propio Friedkin.
The Devil and Father Amorth deviene finalmente como un producto que denota una falta de profundidad en su análisis bastante evidente, su resultado final y lo escueto de sus formas lo acercan irremediablemente a una suerte de extra de alguna edición domestica al uso que a un estudio pormenorizado que haga reflexionar a posteriori al espectador sobre la tesis que supuestamente pretende abordar, por el contrario si la intención de Friedkin era la de rendir pleitesía a la figura del padre Amorth esta se presenta igualmente como insuficiente pues el documental carece de la suficiente información necesaria como para que tengamos la sensación de estar desgranando de una manera sólida a dicho personaje. Posiblemente la misión final de un producto de estas características, o lo que uno entiende por ella, no es dar respuestas y si plantear un dialogo rico en matices entre el autor y el receptor, en este aspecto The Devil and Father Amorth resulta insuficiente a todas luces, aun así y a modo de consuelo siempre nos quedara el discernir por nosotros mismos acerca de esa eterna atracción filosófica que solemos atesorar a la hora de abordar la sempiterna dialéctica entre la ciencia y la religión.
No deja de ser un pequeño acontecimiento cada nueva película dirigida por Shinya Tsukamoto, lejos quedan los tiempos en donde sus primeros trabajos como realizador parecían estar destinados a un público muy minoritario, un consenso el de hoy en día que hacen que cada nuevo film del autor de la saga Tetsuo esté presente en las secciones oficiales de certámenes de categoría A. Venecia parece ser el habitad natural del realizador nipón en estos últimos tiempos, hace cuatro años presento su particular visión de la novela de Shohei Ooka Nobi (Fires on the Plain), ahora es turno para la que será su primera incursión en el género chambara titulado Killing (Zan). Aprovechando el anuncio de su próxima presencia en el certamen italiano que tendrá lugar del 29 de agosto al de 7 de septiembre acaba de ver la luz un primer teaser tráiler que junto póster promocional podéis ver a final de página, Killing se estrenará en cines de Japón el próximo 24 de noviembre.
La película situada durante el convulso periodo Edo se centra en la figura de un honorable ronin cuya existencia gira en torno al Bunburyôdô (un ideal que simboliza la excelencia entre la dualidad de las artes militares y las culturales) y su relación con la hija de una pequeña familia de agricultores que son sus vecinos. Killing cuenta con un guion del propio Shinya Tsukamoto estando protagonizada por Yû Aoi, Sôsuke Ikematsu, Tatsuya Nakamura, Ryûsei Maeda y Shinya Tsukamoto.
La ópera prima de Juan Vera, productor de Pablo Trapero y Lucrecia Martel, está protagonizada por Ricardo Darín y Mercedes Morán.
La producción argentina El amor menos pensado inaugurará la 66 edición del Festival de San Sebastián. La película, que competirá por la Concha de Oro, supone el debut en la realización del guionista y productor Juan Vera. Coproductor de Zama, dirigida por Lucrecia Martel, y Elefante blanco y Carancho, de Pablo Trapero, Vera cuenta como protagonistas de su ópera prima con Mercedes Morán y el Premio Donostia Ricardo Darín, quien también se ha involucrado como productor junto a su hijo, Chino Darín.
La historia se centra en una pareja que, tras 25 años de matrimonio, atraviesa una crisis que les conduce a la separación y a interrogarse sobre el amor, el deseo y el paso del tiempo.
Mercedes Morán (Villa Dolores, Argentina, 1955) ha trabajado con algunos de los cineastas latinoamericanos más relevantes: Lucrecia Martel, Juan José Campanella, Walter Salles, Ana Katz (Los Marziano, Sección Oficial 2011) o Pablo Larraín. Su trabajo en Sueño Florianópolis le ha valido este año el premio a la mejor actriz en el Festival de Karlovy Vary. También ha estrenado en 2018 El ángel, presentada en Un Certain Regard y que se proyectará en Perlak.
Ricardo Darín (Buenos Aires, 1957), uno de los actores latinoamericanos más prestigiosos, recibió el año pasado el Premio Donostia en reconocimiento a una carrera en la que ha trabajado con cineastas como Adolfo Aristarain, Campanella, Fabián Bielinsky, Fernando Trueba, Trapero, Cesc Gay o Santiago Mitre. Sus películas han estado muy presentes en San Sebastián en las últimas dos décadas: ha competido cuatro veces en la Sección Oficial, fue jurado oficial en 2012, y ha obtenido, además del Premio Donostia (con la proyección de La cordillera), la Concha de Plata al mejor actor ex aequo con Javier Cámara por Truman y el Premio del Público a la mejor película europea por Relatos Salvajes.
El amor menos pensado. Juan Vera (Argentina)
Intérpretes: Ricardo Darín, Mercedes Morán, Claudia Fontán, Luis Rubio, Andrea Pietra, Jean Pierre Noher, Claudia Lapacó, Chico Novarro, Andrea Politti, Gabriel Corrado, Andrés Gil, Mariú Fernández, Norman Briski, Juan Minujín
Inauguración a concurso
Tras de veinticinco años de matrimonio, Marcos y Ana se interrogan a fondo sobre el amor, la naturaleza del deseo, la fidelidad, y toman una decisión que modificará sus vidas para siempre.
Hablábamos hace bien poco a propósito de la inminente Overlord de Julius Avery de la algo complicada asimilación genérica existente entre el fantástico y el bélico, la producción canadiense Trench 11, cuyo tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, viene a ser un nuevo intento en lo referente a dicho ensamblaje de géneros. Tras la cámaras nos encontramos con Leo Scherman en el que es su tercer trabajo tras las cámaras en un film que a diferencia del título nombrado más arriba parece más orientado por limitaciones presupuestarias a la serie B, la película tras un periplo por festivales de género en estos últimos meses verá la luz en Estados Unidos en plataformas digitales a partir del próximo 4 de septiembre.
Trench 11 nos sitúa en los últimos días de la Primera Guerra Mundial, un soldado con una conmoción cerebral debe liderar una misión en las profundidades de las trincheras para intentar detener un complot alemán que podría cambiar el rumbo de la guerra, una vez llegado a dicho objetivo descubrirán que la amenaza parece ir algo más allá de lo que ellos mismos entienden como terrenal.
La película con guion de Matt Booi y Leo Scherman está protagonizada por Rossif Sutherland, Karine Vanasse, Shaun Benson, Charlie Carrick, Rob Archer, Ted Atherton, Adam Hurtig, Robert Stadlober, Luke Humphrey, John B. Lowe, Bradley Sawatzky, Aidan Ritchie, Kevin Dennis, Jeff Strome, Werner Artinger, Andrew Cecon, Johann Gietzel y Jim Kirby.
Mucha expectación está causando el que será el nuevo trabajo tras las cámaras de Gareth Evans, antes de que nos llegue la tercera entrega de la saga The Raid la hará Apostle, film cuyo primer y muy sugerente póster oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. Apostle que se estrenará el próximo 12 de octubre a través de Netflix nos cuenta una historia que parece remitirnos en un primer momento al The Sacrament de Ti West, recordemos por otra parte que Gareth Evans ya había abordado con anterioridad el temario sectas en su muy contundente segmento Safe haven visto en V/H/S 2.
Apostle nos sitúa en el Londres de 1905, Thomas Richardson viaja a una isla remota para intentar rescatar a su hermana que al parecer ha sido secuestrada por una misteriosa secta que pide un rescate para poder liberarla. Decidido a recuperarla de la manera que sea viaja hasta la isla en donde reside un extraño culto religioso bajo el liderazgo del carismático profeta Malcolm, pronto queda claro que la secta se arrepentirá del momento en que molestó a este hombre, ya que él empezará a indagar en los secretos y mentiras en torno a los que se ha construido la comunidad.
La película con guion del propio Gareth Evans está protagonizada por Dan Stevens, Michael Sheen, Lucy Boynton, Mark Lewis Jones, Bill Milner, Kristine Froseth, Paul Higgins, Annes Elwy, Elen Rhys, Juke Hardy, Ross O’Hennessey, Richard Elfyn, Ioan Hefin, Blake Ridder y Stuart McNeil.
Era cuestión de tiempo que el personaje ficticio creado por Eric Knudsen en 2009 diera el salto al cine después de que el pasado año la cadena HBO sacará el documental Beware the Slenderman de Irene Taylor Brodsky, dicho trabajo dio cierta sensación de no acabar de explotar todas las posibilidades aunque fuera en formato de documental de dicho personaje, ahora acaba de ver la luz un nuevo tráiler en castellano y póster oficial que podéis ver a final de página de su traslación a la gran pantalla, Slender Man producida por Sony está dirigida por Sylvain White (I’ll Always Know What You Did Last Summer, Stomp the Yard, La marque des anges – Miserere), tras un retraso en su fecha de salida la película se estrenará finalmente en los cines españoles el próximo 19 de octubre.
Slender Man nos contará a modo de ficción los orígenes de este terrorífico mito de forma alargada que carece de rasgos faciales con un rostro solamente blanco surgido a través de Internet en el año 2009 en donde apareció por primera vez en un concurso de personajes paranormales en el portal Something Awful y cuya popularidad ha ido en aumento desde aquel momento. Dicha popularidad dio lugar al triste caso real de Morgan Geyser y Anissa Weier, dos niñas que en 2014 decidieron apuñalar hasta en 19 ocasiones a una compañera de clase por según ellas la influencia de Slenderman, después del incidente las chicas fueron encontradas a kilómetros del cuerpo, vagando en pleno bosque en busca de la supuesta mansión de Slenderman.
La película con guion de David Birke y Victor Surge y música compuesta por Ramin Djawadi está protagonizada por Joey King, Annalise Basso, Javier Botet, Julia Goldani Telles, Jaz Sinclair, Kevin Chapman, Michael Reilly Burke, Alex Fitzalan, Kayla Caulfield y Jessica Blank.
Cineasta, director teatral, guionista, poeta, activo militante político, profesor o gestor cultural son algunas de las ocupaciones que a lo largo de su vida ha desempeñado Julio Diamante. Quizá por ello ha sido tantas veces presentado como un autor polifacético. No son pocas las ocasiones en que los autores así calificados quedan exentos de un acercamiento a esas reconocidas múltiples facetas, siendo estudiadas, en el mejor de los casos, algunas de ellas y de manera parcial. Este trabajo pretende un acercamiento global bajo el convencimiento de que entre las muchas y muy distintas líneas de trabajo de Julio Diamante existen conexiones que permiten conocer más a fondo su personalidad y su obra.
Entre todas estas tareas abordadas por Diamante durante su extensa trayectoria, existe un aspecto común, el cine, y por ello esta dimensión se configura como el centro estratégico del estudio. Se analiza toda su obra cinematográfica, desde sus primeros cortometrajes en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC) allá por los años cincuenta, hasta su más reciente película, La memoria rebelde (2012), pasando por todos sus filmes realizados en los sesenta años intermedios. Así, tanto a través del análisis de sus películas y de las vicisitudes administrativas de estas, como de los numerosos y no pocas veces accidentados sucesos acontecidos en los variados trabajos relacionados de una u otra forma con el cine en los que Diamante se ha visto inmerso (desde la docencia en la Escuela Oficial de Cinematografía hasta la dirección del Festival de Benalmádena, entre otros muchos), se ha buscado ofrecer una mirada a la historia del cine español a través del caso concreto de Julio Diamante, autor implicado como pocos en el desarrollo de la historia de nuestro cine.
El autor
Iñigo Larrauri Gárate
(Bilbao, 1981). Licenciado en Historia del Arte y doctor en Teoría, análisis y documentación cinematográfica. Actualmente es profesor del Departamento de Historia del Arte de la UPV/EHU y forma parte del grupo de investigación Mutaciones del Audiovisual Contemporáneo (MAC). Ha colaborado en libros colectivos como Películas para la educación, editado por Carmen Arocena e Íñigo Marzabal (Cátedra, 2016), y ha publicado asimismo artículos sobre cine y otras artes en distintas revistas especializadas como L’Atalante, Eu-topías o Signa.
una película que da la impresión de moverse continuamente a través de la confusión narrativa, muy visible en su atropellado final, sin embargo en la cinta producida por Stephenie Meyer hay suficientes apuntes, en su gran mayoría soterrados, muy a tener en cuenta, en este sentido Blackwood parece estar situándose continuamente a través de la alegoría, no muy bien desarrollada pero alegoría al fin y al cabo, la rebeldía adolescente expuesta y ubicada en una tierra temporalmente de nadie o la juventud como ofrenda al arte son solo algunos de los matices e ideas luminosas que intentan distanciarse del tópico y del molde preconcebido en un film que por otra parte no reniega de los postulados de los que parte.
llegados a este punto podríamos aseverar que The Devil and Father Amorth no gira en torno al párroco, supuesto protagonista principal del documental, o del diablo, sino más bien de una reflexión hecha en primera persona (la expuesta por el propio Friedkin), por momentos una especie de púlpito diseñado por el propio cineasta a la hora de recordar tiempos pretéritos, a partir de este enunciado expuesto a modo de introducción entra en juego el debate existente entre creencia y escepticismo, a parte de una supuesta curiosidad dirigida de una manera nada disimulada a posibles conversos el problema viene dado en que uno tiene la ligera intuición, o al menos un servidor la tuvo, de que el autor de French Connection parece decantarse de buenas a primeras por un bando en concreto, siempre más interesado en confirmar creencias que en articular un relato que se apoye en lo supuestamente racional, algo totalmente legítimo evidentemente, mas dudad sin embargo genera que todos los interlocutores a los que acude para que expresen su opinión le sigan de alguna manera el juego. En este aspecto más que confrontar opiniones parece una unificación de criterios, por otra parte resulta harto evidente como se dota de un dudoso supuesto rigor de ficción al documento no sin antes recurrir sin embargo a un cierto efectismo que actúa como tal, uno echa en falta una mayor indagación en lo que podríamos denominar como ese apartado cinematográfico que suele articular artefactos de trucos, como botón de muestra en un momento dado el padre Amorth confiesa ser un gran admirador de El exorcista aunque le parece muy exagerado en algunos momentos como representación supuestamente realista, algo que queda suficientemente claro en como ese supuesto exorcismo real resulta ser mucho más light que el ficticio orquestado en su día por el propio Friedkin.
