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Empiezan a ver la luz los primeros adelantos de algunas de las películas que se podrán ver en la próxima edición del Festival de San Sebastián, Brûle la sang, coproducción entre Francia, Bélgica y Austria cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el debut en el largometraje del georgiano Akaki Popkhadze (Tbilissi,1991), autor de cortos como Je vois (2019) o Ici en silence tout hurle (2023). La película estará presente en el Zinemaldia dentro de la sección New Directors el próximo mes de septiembre.
Brûle la sang nos sitúa en un barrio obrero de Niza, Francia, es asesinado un pilar de la comunidad georgiana. Su hijo Tristan, que quiere ser sacerdote ortodoxo, es el único apoyo de su afligida madre. Gabriel, su hermano mayor con un pasado turbulento, reaparece tras un largo exilio para vengarse y restaurar el honor de la familia.
La película, con guion a cargo del propio Akaki Popkhadze junto a Florent Hill, está protagonizada por Nicolas Duvauchelle, Florent Hill-Chouaki, Denis Lavant, Finnegan Oldfield, Ia Shugliashvili, Sandor Funtek, Catherine Allégret, David Ayala y Jean-Philippe Ricci.
El pasado educativo tiene en el cine español un aliado esencial para su representación. Desde el franquismo son numerosas las películas ambientadas en el aula, en las que destaca el papel del profesorado y del alumnado, pero es a partir de la Transición y la llegada de la democracia que se introduce la crítica, tanto de la Segunda República como de la dictadura. Por ello, resulta necesario conocer el retrato que el celuloide ha hecho de los docentes desde estas etapas y hasta la década de los noventa, en el periodo de ochenta años comprendido entre la posguerra y la actualidad.
El autor
Valeriano Durán Manso, (Talavera la Real, Badajoz, 1984). Profesor titular en el Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universidad de Sevilla, doctor en Comunicación, licenciado en Periodismo por la misma universidad y graduado en Comunicación Audiovisual por la Universitat Oberta de Catalunya. Pertenece al Grupo de Investigación en Análisis de Medios, Imágenes y Relatos Audiovisuales (AdMIRA). Sus líneas de investigación giran en torno a la historia del cine universal, la historia del cine español, la narrativa audiovisual –centrándose en la construcción del personaje audiovisual–, y la representación cinematográfica del pasado histórico-educativo. Entre otras publicaciones, es autor de numerosos artículos científicos sobre estas materias en revistas académicas de impacto y coordinador del libro Rompiendo el Código: personajes y sexualidades latentes en el Hollywood clásico (ReaDuck Ediciones, 2020). Asimismo, es colaborador habitual de la revista cinematográfica Versión Original.
Después de estar presente en 2020 con Eté 85, el realizador francés François Ozon vuelve a competir en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián con el drama Quand vient l’automne, film cuyo primer teaser tráiler subtitulado al castellano acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película llegará a las carteleras galas el próximo 2 de octubre, a nuestro país de la mano de LAZONA Pictures y Caramel Films lo hará el 13 de diciembre de 2024 con el título de Cuando cae el otoño.
En Quand vient l’automne vemos como Michelle es una mujer jubilada cuya vida cambia de forma repentina cuando, estresada por la visita de su hija, le cocina unas setas silvestres tóxicas. Todo lo que acontece después parece fruto del infortunio, pero la sombra de la duda crece en su interior cuando conoce al hijo de su mejor amiga, que acaba de salir de prisión.
La película, con guion a cargo del propio François Ozon, esta protagonizada por Hélène Vincent, Josiane Balasko, Ludivine Sagnier, Pierre Lottin, Sophie Guillemin, Vincent Colombe y Marie-Laurence Tartas.
Protagonizada por Ángela Molina, Alfredo Castro y Mònica Almirall, esta gran historia de amor incondicional propone un viaje emocional sobre la decisión de morir a través de la comedia, el drama, la música de María Arnal y la danza de La Veronal
La producción hispano suiza Polvo serán, que dirige el cineasta Carlos Marques-Marcet (10.000 KM, Los días que vendrán), abrirá la 69 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid el próximo 18 de octubre.
En Polvo serán, Marques-Marcet pone una vez más el foco sobre la condición humana. Si en sus anteriores trabajos abordaba la llegada de una nueva vida (Los días que vendrán) y el amor (10.000 KM, Tierra firme), en esta ocasión propone un viaje emocional en forma de tragicomedia musical sobre las consecuencias de elegir poner fin a la propia vida.
La película está protagonizada por un destacado plantel de intérpretes encabezado por Ángela Molina, el actor chileno Alfredo Castro (El Club, Neruda) y la actriz catalana Mònica Almirall, fundadora de la compañía Atresbandes (Desert, Aspecto global de una cuestión), que debuta en la gran pantalla.
Tras ser diagnosticada con una enfermedad terminal, Claudia (Ángela Molina) decide hacer su último viaje a Suiza. Flavio (Alfredo Castro), que no se ha separado de ella en cuarenta años, decide acompañarla en este viaje sin retorno. Su hija Violeta (Mònica Almirall) se convierte en mediadora entre sus padres y todo aquello que dejan atrás, a la vez que busca su sitio en esta historia de amor incondicional.
Escrita por Marques-Marcet junto a Clara Roquet (guionista de las películas estrenadas en Seminci Libertad –que también dirigía- o Que nadie duerma) y Coral Cruz (Uno para todos), la banda sonora corre a cargo de la artista, cantante y compositora Maria Arnal –Premio Ojo Crítico de RTVE y mejor álbum y mejor canción de los Premios de la Música Independiente en 2018-, y que también compuso con John Talabot la pieza AIR para la Bienal de Arquitectura de Venecia 2021.
Además, las coreografías de la película son creación de La Veronal, prestigiosa compañía de danza fundada y dirigida por Marcos Morau, Premio Nacional de Danza en 2013 y Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia en 2023. Con La Veronal, ha recorrido festivales y teatros internacionales como el Théâtre National de Chaillot en París, la Biennale di Venezia o el Festival d’Avignon.
Del amor a la muerte a través de la comedia, el drama, la música, la danza… Según Marques-Marcet, su película “se pregunta sobre las cuestiones que nos hacemos todos: cómo queremos vivir y dejar de vivir, cómo queremos estar con la gente que tenemos cerca, cómo compartimos nuestras decisiones con nuestros seres queridos, cómo nos acompañamos y nos entendemos”. Para el director, “es un honor inaugurar Seminci, un festival con una gran trayectoria que ha ayudado a impulsar la carrera de muchos cineastas, y compartir con el público esta película tan particular, a la que tengo mucho cariño. Nos ha costado mucho hacerla pero creo que Polvo serán es bastante original y especial, y no va a dejar indiferente a nadie”.
Rodada en Barcelona, los Alpes italianos y Suiza, Polvo serán es una producción de la compañía Lastor Media de Tono Folguera y Ariadna Dot (Creatura, Suro, Mediterráneo, El maestro que prometió el mar); la suiza Alina Film de Eugenia Mumenthaler y David Epiney, productora de Abrir puertas y ventanas (Leopardo de Oro en el Festival de Locarno), El año del descubrimiento, El agua o Azor; y la italiana Kino Produzioni (La bella estate, My Summer with Irene, Alcarràs) de Giovanni Pompili. El film cuenta con la colaboración del ICAA, ICEC y MEDIA – Europa Creativa, más el apoyo de RTVE, Movistar Plus+, Direzione Generale Cinema e Audiovisivo del Ministero della Cultura DGCA – MIC, IDM Film Fund & Commission Südtirol Alto Adige y Eurimages. La película será distribuida en cines españoles por Wanda Vision y Elástica Films.
Carlos Marques-Marcet (Barcelona, 1983) es uno de los cineastas con más proyección del panorama actual. Director, montador y guionista, ganó el Goya al Mejor Director Novel (2015) por su ópera prima, 10.000 KM, film que además le reporta numerosos premios en, entre otros, el South By Southwest Film Festival SXSW (2014), el Festival de Málaga o los Premios Gaudí, así como la nominación en los European Film Awards.
Tras dirigir en 2015 la TV Movie 13 Dies d’Octubre -Premio Gaudí a la Mejor Película para Televisión 2016-, estrena en el BFI London Film Festival Tierra firme (2017), su segundo largometraje, y completa un intenso recorrido por festivales entre los que destacan Rotterdam, Guadalajara y Sevilla. En 2019 presenta en el Festival de Róterdam Los días que vendrán, película que narra las vicisitudes, dudas y discusiones de una pareja con apenas un año de relación que van a tener un hijo sin haberlo planeado, es elegida como mejor película en los Premios Gaudí y en el Festival de Málaga. Su filmografía se completa con los trabajos para televisión En el corredor de la muerte (2019), En casa (2020), Escenario 0 (2020) La ruta (2022) y La mort de Guillem (2020).
Nathan se considera a sí mismo un hombre normal. Un buen día despierta en una montaña helada, sin recordar cómo ha llegado hasta allí. Conforme prosiga en su inquietante e imaginativo descenso a los infiernos, conocerá a personas que le obligarán a replantearse la percepción que tiene de sí mismo y de su vida hasta ese momento.
En la sección Noves Visions de la pasada edición del Festival de Sitges se pudo ver Pandemonium, cinta del artista multidisciplinar francés conocido con el seudónimo de Quarxx. Presente hace unas ediciones con la interesante Tous les Dieux du ciel (2018), Pandemonium nace de la unión de tres cortos del autor, que pretende a través de curiosas referencias pictóricas tener una conexión argumental con el concepto de la muerte, sobre el tránsito y origen de almas condenadas al infierno. Tomando en consideración la estructura episódica insertada en el largometraje que siempre ha sido irregular dada su propia naturaleza, el film de Quarxx lo es doblemente por varios motivos.
El principal problema viene dado al no estar concebido como un largometraje, la unión de sus segmentos, en términos de agrupación temática resulta muy cuestionable, por momentos dan la impresión de estar ahí para servir a una misantropía monocorde, en especial en lo concerniente a tonos y narrativas que terminan siendo demasiado equidistantes entre sí; uno de los episodios podría pasar perfectamente como anuncio concienciador contra el bullying, mientras que el otro, el más afortunado, parece surgido de estéticas propias de imaginarios malsanos cercanos al universo Clive Barker. Obra fallida que solo puede despertar cierta curiosidad en el espectador en relación con su vocación de experimento fílmico. Puestos a buscar semejanzas, queda muy alejada en conceptos y resultados de las películas de antología de la Amicus, relatos que venían a explicar prácticamente lo mismo, el concepto del individuo y su condena, desde una perspectiva mucho más simple y efectiva, carente de estudios y cualquier tipo de tentativas sobre la moral y la metafísica.
Esta serie documental, que Filmin estrenará el 23 de agosto, se sumerge en el exigente y bellísimo trabajo del Ballet Nacional de Canadá durante la preparación de “El Lago de los Cisnes”, obra que supone la despedida de una de las bailarinas y coreógrafas más importantes de la historia: Karen Kain.
Filmin estrena el 23 de agosto la serie “Swan Song”, un documental inédito que se sumerge en una de las compañías de ballet más importantes del mundo, el Ballet Nacional de Canadá, durante su montaje de la monumental y ambiciosa producción de El Lago de los Cisnes. El ballet está dirigido por Karen Kain, la icónica y respetada bailarina canadiense que dio la vuelta al mundo sobre sus puntas –que incluso Andy Warhol retrató– y que ahora se despide de la compañía que marcó su vida coreografiando la misma obra con la que debutó como bailarina en 1971.
La grabación del documental duró casi dos años, en los que tanto Kain como la compañía dio a Chelsea McMullan, la directora de la serie, total libertad y acceso completo al proceso creativo. McMullan habla de “Swan Song” como un “cinema verité” que muestra la dualidad de este arte dotado tanto de un sacrificio como de una belleza extraordinarias: “Ha sido fascinante capturar la visión de Kain de El Lago de los Cisnes en contraposición a la crudeza del proceso hasta llegar al escenario”. Kain comenta: “Es adictivo formar parte de un arte como este. A veces te preguntas por qué lo estás haciendo. Pasas mucho dolor físico y emocional, pero los que lo hacemos y nos gusta sabemos el porqué”.
Aunque el foco principal está en el sudor y las lágrimas de los bailarines, el documental también se fija en la tradición del ballet clásico y en cómo esta obra pasará a la historia no solo por su colosal producción sino también por el color de las medias: “Siempre se han llevado las típicas medias rosa pálido, opacas”, explica Kain. “Decidí que ya era el momento de aceptar el hecho de que el Ballet Nacional de Canadá había cambiado: No todos los bailarines son blancos y es inaceptable forzar a alguien a fingir que lo es”. A lo que una de las bailarinas añade: “Todos queremos honrar la tradición, pero el racismo no es una buena tradición”.
“Swan Song”, formada por 4 capítulos de 50 minutos, se estrenará en exclusiva en Filmin el 23 de agosto después de su estreno mundial en la prestigiosa Sección Oficial del Festival de Toronto.
El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera conmemora junto a la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Sebastián el centenario del fallecimiento del escritor checo Franz Kafka (1883-1924) con la publicación de un ensayo escrito por el filólogo canario Jonathan Allen y el escritor y crítico de cine madrileño Jesús Palacios, quien recogió el Premio Isla Calavera a la Difusión del Fantástico en 2022.
Editado por Hermenaute, ‘Kafka, lo kafkiano y el cine fantástico’ se acerca a la enorme influencia del autor al género a lo largo de la historia, no solo a través de adaptaciones de sus obras, sino por el influjo que su trabajo ha ejercido en innumerables cineastas. Orson Welles (‘El proceso’, 1962), David Hugh Jones (El proceso de Kafka’, 1993), Michael Haneke (‘El castillo’, 1997) o Valeri Fokin (‘Metamorfosis’, 2002) son algunos de los directores que han llevado sus novelas y relatos a la pantalla.
El libro estará disponible durante la celebración de sendos festivales especializados, del 25 de octubre al 1 de noviembre la Semana de San Sebastián, y del 8 al 17 de noviembre el Festival Isla Calavera, y a la venta en librerías especializadas. El ilustrador de la cubierta es Miquel Rof.
En palabras de Jonathan Allen y Jesús Palacios: “En pleno centenario de la muerte de Franz Kafka, uno de los autores más relevantes de la literatura y el pensamiento universales, queremos destacar en esta pequeña aportación al extenso corpus de estudios sobre su obra la singular, fundamental y fundacional importancia de la misma para el género fantástico cinematográfico». “Partiendo del carácter netamente simbólico, alegórico y surrealista de la propia obra de Kafka, esta construye un modelo de lo fantástico singular y poderoso, que ha moldeado nuestra visión del universo, así como nuestra relación con lo real, con la ficción y la condición humana. Y si un género ha sentido ese poderoso influjo más que ningún otro, por su propia naturaleza y coincidencia con el pensamiento kafkiano, es el fantástico”, añaden.
Autor: Jonathan Allen, Jesús Palacios. Editorial: Hermenaute, Páginas:
Uno de los platos fuertes de la próxima edición del Festival de Sitges es la vuelta al largometraje, tras un largo periplo televisivo, del director E.L. Katz, (Cheap Thrills 2013), Small Crimes (2017), con la cinta de terror postapocalíptica Azrael, film cuyo primer tráiler oficial acaba de ser presentado en sociedad por parte de IFC Films y Shudder y podéis ver a final de página. Presentado con éxito en el pasado South by Southwest, la película se estrenará comercialmente en nuestro país de la mano de Vértice Cine el próximo 11 de octubre de 2024.
Azrael nos sitúa en un mundo del que nadie habla, una devota persigue a una joven que ha escapado de su encierro. Recapturada por sus despiadados líderes, Azrael debe ser sacrificada para apaciguar un antiguo mal en lo más profundo de las tierras salvajes que la rodean.
La película, con guion a cargo de Simon Barrett (A Horrible Way to Die 2010), You’re Next (2011), The Guest (2014), Blair Witch (2016), Godzilla x Kong: The New Empire (2024), esta protagonizada por Samara Weaving, Victoria Carmen Sonne, Rea Lest, Katariina Unt, Karen Bengo, Johhan Rosenberg, Sebastian Bull Sarning, Eero Milonoff, Kimi Vilkkula, Peter Christoffersen, Phong Giang, Jan Gebruk, Lucie Jan Martin y Sonia Roszczuk.
Tras su buena acogida en el pasado Festival de Cannes acaba de salir a la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador italiano Paolo Sorrentino titulado Parthenope, película en donde el responsable de La grande belleza vuelve a indagar en su amada de Nápoles a través de personajes que forman parte de la propia mitología de la propia ciudad. La película, previo paso por el Festival de San Sebastián dentro de la sección Perlas, se estrenará en nuestro país de la mano de BTEAM Pictures en el último trimestre de 2024.
Parthenope nos muestra el largo viaje de la vida de Parthenope, desde su nacimiento en 1950 hasta hoy. Una epopeya femenina desprovista de heroísmo, pero rebosante de una pasión inexorable por la libertad, Nápoles y los rostros del amor, todos esos amores verdaderos, inútiles e indecibles. El perfecto verano de Capri, el desenfado de la juventud, que acaba en emboscada. Y luego todos los demás: los napolitanos, hombres y mujeres, observados y amados, desilusionados y vitales, sus olas de melancolía, sus ironías trágicas y sus miradas abatidas. La vida, ordinaria o memorable, sabe ser muy larga. El paso del tiempo ofrece un vasto repertorio de emociones. Y ahí al fondo, tan cerca y tan lejos, está Nápoles, esa ciudad inefable que hechiza, encanta, grita, ríe y siempre sabe cómo hacerte daño.
La película, con guion a cargo del propio Paolo Sorrentino junto a Umberto Contarello, está protagonizada por Celeste Dalla Porta, Gary Oldman, Stefania Sandrelli, Luisa Ranieri, Silvio Orlando, Isabella Ferrari, Giampiero De Concilio, Dario Aita, Brando Improta, Silvia Degrandi, Peppe Lanzetta, Alfonso Santagata, Lorenzo Gleijeses, Biagio Izzo, Nello Mascia y Alessandro Cucca.
La restauración de ‘Tasio’, de Montxo Armendáriz, inaugurará la sección el sábado 21 en el Teatro Victoria Eugenia
La sección Klasikoak del Festival de San Sebastián acogerá las versiones restauradas de Tasio, de Montxo Armendáriz, que inaugurará la sección; Tatuaje, primera aventura de Pepe Carvalho / Tatuaje, the First Adventure of Pepe Carvalho, de Bigas Luna; The Piano (El piano), de Jane Campion; Sha Fu / The Woman of Wrath (Matar al marido), de Tseng Chuang-Hsiang; Surcos / Furrows, de José Antonio Nieves Conde, y Un rêve plus long que la nuit, de Niki de Saint Phalle.
Además de las retrospectivas, una de las señas de identidad del certamen, el Festival de San Sebastián rescata desde 2018 clásicos antiguos y modernos de la historia del cine universal. En su 72ª edición, 40 años después de su estreno en el Festival de San Sebastián, la película Tasio (Montxo Armendáriz, 1984), restaurada por la Filmoteca Vasca, inaugurará Klasikoak el sábado 21 en el Teatro Victoria Eugenia, tras haber sido seleccionada en los festivales de cine clásico más prestigiosos: Cannes Classics del Festival de Cannes, Cinema Ritrovato de Bolonia y el Festival Lumière de Lyon, donde se proyectará en octubre.
En colaboración con la Filmoteca de Catalunya, se recuperará Tatuaje, primera aventura de Pepe Carvalho / Tattoo, the First Adventure of Pepe Carvalho (Bigas Luna, 1978), el primer largometraje del cineasta catalán, basado en la novela homónima de Manuel Vázquez Montalbán, que participó en el guion junto a Bigas Luna y Josep Ulloa. En esta película de intriga, que clausurará la sección, protagonizada por Carlos Ballesteros, Pilar Velázquez y Mónica Randall, el famoso detective Pepe Carvalho, nacido de la pluma de Vázquez Montalbán, investiga la muerte de un joven cuyo cadáver aparece en una playa barcelonesa con una frase tatuada en su brazo: “He nacido para revolucionar el infierno”.
Asimismo, en colaboración con el Institut Lumière de Lyon, podrá verse la versión restaurada de The Piano (El piano, Jane Campion, 1993), la icónica película de época de la realizadora neozelandesa que impactó en la taquilla y la crítica de los 90. El filme, que será presentado por el director del Institut Lumière, Thierry Frémaux, fue reconocido con la Palma de Oro del Festival de Cannes –la primera dirigida por una mujer– y tres Oscar (al mejor guion y a las interpretaciones de Holly Hunter y Anna Paquin). La directora de The Power of Dog (El poder del perro, Perlak, 2022) cuenta la historia de una pianista muda que se traslada con su hija desde su Escocia natal a Nueva Zelanda, donde le aguarda un matrimonio concertado.
También figura en la selección Sha Fu/The Woman of Wrath (Matar al marido, Tseng Chuang-Hsiang, 1984), un clásico de la nueva ola de cine taiwanés de los 80. Tseng Chuang-Hsiang (Guandong, 1947) dirige la adaptación de la controvertida novela Matar al marido de la escritora y activista feminista Li Ang. Ambientada durante la ocupación japonesa de Taiwán e inspirada en un suceso real, denuncia la situación de una joven huérfana tras el suicidio de su madre, que es obligada por su familia a casarse con un carnicero.
Otro clásico del cine español será programado en la sección en colaboración con Videomercury: Surcos / Furrows (José Antonio Nieves Conde, 1951), “la primera película española con categoría internacional”, en palabras del historiador José María García Escudero. Nieves Conde ambienta la trama, adaptada por Gonzalo Torrente Ballester, el propio Nieves Conde, Eugenio Montes y Natividad Zaro, en el Madrid de finales de los años 40, donde una familia de emigrantes rurales –interpretada por Luis Peña, María Asquerino, Francisco Arenzana, Marisa de Leza y Ricardo Lucía–tratará de iniciar una nueva vida con la esperanza de mejorar.
Por último, Klasikoak presentará Un rêve plus long que la nuit (1976), la segunda y última película de Niki de Saint Phalle. La pintora, escultora y cineasta francesa, que la protagoniza -también figura en el reparto su marido, el escultor suizo Jean Tinguely, a quien el cineasta de la retrospectiva del año pasado, Hiroshi Teshigara, dedicó un documental-, dirige una película con apariencia de cuento infantil, en la que una princesa experimenta el paso a la vida adulta atravesando el campo minado del patriarcado, en un contexto fantasmagórico y surrealista.
Klasikoak ha programado en el último lustro películas como Akai Tenshi / TheRed Angel (El ángel rojo, 1966), de Yasuzo Masumura; Principio y fin / The Beginning and the End (1993), de Arturo Ripstein; Érase una vez… (1950), de Alexandre Cirici Pellicer y Josep Escobar; Festival en las entrañas (1963-1965) de José Val del Omar; Nueve cartas a Berta / Nine Letters to Berta (1966), de Basilio Martín Patino; Fúria espanyola/ Spanish Fury (Furia española, 1975), de Francesc Betriu; Manicomio / Asylum (1953), de Fernando Fernán-Gómez y Luis María Delgado; Sátántangó (1994), de Béla Tarr o Lumière! L’aventure commence/ Lumière! The Adventure begins (¡Lumière! Comienza la aventura, 2016), de Thierry Frémaux, cuya proyección fue el punto de partida de este programa.
En 2024 el Festival de San Sebastián y la Filmoteca Vasca han impulsado un festival de cine clásico expandido en el tiempo y en el espacio, agrupando tres ciclos: la docena de películas restauradas que la Filmoteca programa en primavera en distintas instituciones culturales de la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y País Vasco francés; las seis películas de la sección Klasikoak anunciadas en esta nota que se proyectarán en septiembre en el marco del Festival, así como la retrospectiva dedicada este año al poliziesco, titulada Italia violenta. El cine policiaco italiano. Este año, además, ofrecerá un ciclo de cortometrajes restaurados que anunciará la próxima semana y que se podrán ver durante los días del Festival.
Klasikoak es heredero de la tradición histórica del Festival de San Sebastián por recuperar la obra de cineastas, épocas, temáticas o lenguajes cinematográficos que activó prácticamente desde sus inicios, con la retrospectiva dedicada a René Clair en 1959, y de la decidida apuesta de la Filmoteca Vasca tanto por la restauración de películas como por su divulgación.
Tasio
Montxo Armendáriz (España)
País(es) de producción: España – 1984
Intérpretes: Patxi Bisquert, Amaia Lasa
Inauguración
Tasio trabaja como carbonero desde los catorce años en un pequeño pueblo navarro de la sierra de Urbasa. La vida cambia, pero el monte permanece siempre igual: abrupto y hermoso. Es el escenario de sus juegos infantiles, pero es también el lugar donde encuentra el sustento para su familia. Cuando se hace adulto, al carbón añadirá la caza furtiva. Es la época del éxodo rural, pero Tasio prefiere quedarse y vivir en el monte, en la más absoluta soledad, con tal de salvaguardar su libertad.
Tatuaje, primera aventura de Pepe Carvalho / Tattoo, The First Adventure Of Pepe Carvalho
Bigas Luna (España)
País(es) de producción: España – 1978
Intérpretes: Carlos Ballesteros, Pilar Velázquez, Mónica Randall, Luis Ciges
Clausura
En una playa de Barcelona aparece el cadáver de un hombre con un mensaje tatuado en el brazo: «He nacido para revolucionar el infierno». El detective Pepe Carvalho será el encargado de llevar el caso, que lo llevará desde los bajos fondos de Barcelona hasta los canales de Amsterdam, sin que ello afecte a sus particulares métodos de investigación.
Sha fu / The Woman of Wrath (Matar al marido)
Tseng Chuang-hsiang (China)
País(es) de producción: Taiwan – 1984
Intérpretes: Pat Ha Man-Jik, Pai Ying, Chen Shu-fang, Yang Li-yin
Huérfana tras el suicidio de su madre y casada después con un carnicero lujurioso, Lin Shih lleva una vida de desesperación. Su oscuro viaje la lleva a un desgarrador acto de venganza: matar a su marido con su propio cuchillo de carnicero.
Surcos / Furrows
José Antonio Nieves Conde (España)
País(es) de producción: España – 1951
Intérpretes: Luis Peña, María Asquerino, Francisco Arenzana, Marisa de Leza, Ricardo Lucía
A finales de los años 40, una familia abandona el campo y emigra a Madrid con la esperanza de mejorar sus condiciones de vida. Sin embargo, la vida en la ciudad es cruel y está llena de desengaños y penalidades. Manuel, el padre, encuentra trabajo en una fundición, pero no puede soportar el ritmo. Pepe, el hijo mayor, se dedica a turbios asuntos de estraperlo. Manolo, el hijo menor, encuentra trabajo como chico de los recados y Tonia, la hermana, empieza a trabajar como asistenta.
The Piano (El piano)
Jane Campion (Nueva Zelanda)
País(es) de producción: Australia – 1993
Intérpretes: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill, Anna Paquin
Ada es una mujer muda desde los seis años que solo se comunica a través de la música y de su hija, Flora. Un matrimonio concertado la obliga a dejar su Escocia natal acompañada de su hija y su piano. Su destino es Nueva Zelanda, donde la espera Stewart, un granjero con el que no tiene nada en común. Su sufrimiento aumenta cuando su marido vende el piano a su vecino George. Pero Ada conseguirá seguir tocando a cambio de dar clases a George.
Un rêve plus long que la nuit
Niki de Saint Phalle (Francia)
País(es) de producción: Francia – 1976
Intérpretes: Niki De Saint Phalle, Humbert Balsan, Laura Duke Condominas, Laurence Bourqui, Laurent Condominas, Jean Tinguely
La joven princesa Camelia, transformada mágicamente en adulta, debe atravesar un paisaje fantasmagórico y surrealista lleno de seres encantados, duendes fantásticos y demonios de aspecto humano. A lo largo de su viaje hacia la edad adulta, navega por un campo minado de patriarcado, enfrentándose a una serie de espantosos encuentros en este caprichoso y surrealista nuevo mundo.
Tras su sonado pase por el pasado Festival de Cannes (Mejor guion), y meses después de aparecer un escueto teaser acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Mubi un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo y esperado trabajo de Coralie Fargeat The Substance. Tras su ópera prima Revenge (Mejor dirección y Dirección novel Sitges 2017), la realizadora francesa se adentra en esta ocasión en un estilizado y transgresor body horror que se estrenará comercialmente en nuestro país, previo paso por el Festival de Sitges, el próximo 11 de octubre de 2024 de la mano de ElásticaFilms y Filmin.
La sinopsis promocional de The Substance es la siguiente ¿Alguna vez has soñado con una mejor versión de ti mismo? Tú misma, sólo que mejor en todos los sentidos. Deberías probar este nuevo producto, se llama The Substance. Cambio mi vida. Con The Substance puedes generar otro tú: más joven, más bello, más perfecto. Sólo tienes que compartir el tiempo: una semana para uno, una semana para el otro. Un equilibrio perfecto de siete días cada uno… fácil ¿verdad? Si respetas el equilibrio… ¿qué podría salir mal?
La película, con guion a cargo de la propia Coralie Fargeat, está protagonizada por Margaret Qualley, Demi Moore, Gore Abrams, Tom Morton, Tiffany Hofstetter, Dennis Quaid, Joseph Balderrama, Oscar Lesage, Matthew Géczy, Vincent Colombe, Philip Schurer, Olivier Raynal y Hugo Diego Garcia.
El director, guionista y productor español de mayor reconocimiento internacional será homenajeado el jueves 26 antes de la proyección de su última película, ‘La habitación de al lado / The Room Next Door’
El director, guionista y productor Pedro Almodóvar recibirá el jueves 26 de septiembre un Premio Donostia en la 72ª edición del Festival de San Sebastián. La entrega del galardón honorífico, que reconoce la aportación extraordinaria del homenajeado al mundo del cine, tendrá lugar en el Auditorio Kursaal previa a la proyección de su última película, La habitación de al lado / The Room Next Door, su primer largometraje en inglés, protagonizado por Tilda Swinton y Julianne Moore, que competirá por el León de Oro en el próximo Festival de Venecia. Precisamente, será Swinton quien le entregue el premio sobre el escenario.
La trayectoria de Pedro Almodóvar, que incluye más de una decena de cortos, algunos de gran proyección internacional como La voz humana (2020), estrenado en el Festival de Venecia, o Extraña forma de vida (2023), presentado en Cannes, y casi una treintena de largometrajes, está avalada por más de 170 premios y más de 200 nominaciones. Entre los reconocimientos figuran dos Oscar, dos Globos de Oro, siete premios de la Academia de Cine Europeo, cinco Bafta, cuatro Cesar, cinco Goyas y dos David de Donatello. Ha sido galardonado en los festivales de Cannes, Berlín, Venecia y San Sebastián, y homenajeado en el MOMA. También ha recibido reconocimientos como el Premio Jean Renoir, ha sido escogido para la David Lean Lecture y nombrado doctor honoris causa en Harvard y Oxford, y ha sido merecedor de la Medalla de Oro de las Bellas Artes de Estados Unidos, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes de España, el Premio Príncipe de Asturias de las Artes o la Orden de Caballero de la Legión de Honor Francesa.
Además de su talento artístico y su reconocible estilo visual –su personalidad se evidencia desde la dirección de arte hasta la banda sonora–, el cine de Pedro Almodóvar sobresale por la escritura de los personajes femeninos, la dirección actoral, la audacia en la aproximación a temas como el universo LGTBIQ+, la religión, el sexo, las adicciones o la memoria histórica, y su compromiso político, que le ha llevado a posicionarse públicamente contra conflictos bélicos o los discursos de la extrema derecha.
Almodóvar en el Festival de San Sebastián
Pedro Almodóvar visitó por primera vez el Festival de San Sebastián en 1980 con su primer largometraje, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, que compitió en la sección Nuevos Realizadores. También fue proyectada en Barrios y Pueblos y, 24 años después, en 2004, fue recuperada en la retrospectiva Incorrect@s. Con su siguiente película, Laberinto de pasiones (1982), compitió en la Sección Oficial. Artxiboa, el archivo histórico del Festival de San Sebastián, da fe de estas visitas. De 1980 figura una fotografía del cineasta con Blanca Sánchez y Olvido Gara (Alaska) en el estreno de Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, así como una nota manuscrita para autorizar que su película se proyecte en Barrios y Pueblos, que llevaba la programación del Festival de San Sebastián a localidades del País Vasco y Navarra. De 1982 data una imagen a su llegada al Teatro Victoria Eugenia junto a las actrices Marta Fernández Muro y Cecilia Roth. De 1993 destaca la fotografía con Rossy de Palma, Bibi Andersen y Loles León en el Paseo de la República Argentina, año en el que el Festival recupera en Zabaltegi el debut del cineasta al margen del circuito comercial, Folle, folle, fólleme, Tim (1978) en el marco del homenaje que le rindió el Festival bajo el nombre La noche Almodóvar. También pudieron verse algunos fragmentos de Kika, que estaba en fase de postproducción.
(1) Pedro Almodóvar, Olvido Gara «Alaska» y Blanca Sánchez subiendo las escaleras del Teatro Victoria Eugenia en el estreno de Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón.(2) Nota manuscrita de Pedro Almodóvar en la que autoriza a la Comisión de Barrios y Pueblos proyectar su película Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón. [Archivo Festival de San Sebastián]
(3) El director Pedro Almodóvar y las actrices Marta Fernández Muro y Cecilia Roth, tras su llegada al Teatro Victoria Eugenia. (4) Pedro Almodóvar en el Paseo de la República Argentina con Rossy de Palma y Bibi Ándersen al fondo (Miguel Ángel Martirena, 1993). [Archivo Festival de San Sebastián]
En 1995 Almodóvar regresa a la Sección Oficial con La flor de mi secreto, que fue proyectada fuera de concurso. Ese mismo año la retrospectiva El bazar de las sorpresas recuperó su cortometraje Trailer para los amantes de lo prohibido (1985). A partir de entonces, buena parte de sus películas han formado parte de la programación del Festival, tras su paso por festivales como Cannes y Venecia, en la sección de Made in Spain: Carne trémula (1998); Todo sobre mi madre (1999), que recibió el Gran Premio Fipresci en San Sebastián; Hable con ella (2002); La mala educación (2004), que inauguró Cannes; Volver (2006), que también recibió en San Sebastián el Gran Premio Fipresci; Los abrazos rotos (2009), Los amantes pasajeros (2013), Julieta (2016) o Dolor y gloria (2019), por citar algunas de las más significativas.
(5) Pedro Almodóvar charla con Bertrand Tavernier en el Festival de 1996. (6) El director, al fondo de la imagen, aplaude a Al Pacino en la gala en la que el actor estadounidense recibió el Premio Donostia. (7) El cineasta Iván Zulueta abraza a su amigo Pedro en 2002, en el 50º aniversario del Festival.
Su presencia en San Sebastián ha estado ligada también a la productora El Deseo, que fundó en 1986 junto a su hermano Agustín y que, además de producir su filmografía, ha apoyado películas que han sido seleccionadas en la sección Horizontes Latinos como El último verano de la Boyita (2009) o en la sección Perlak de San Sebastián: Relatos salvajes (Premio del Público a la mejor película europea, 2014), El clan (2015) o El ángel (2018), cuya presentación coincide con la última visita de Almodóvar al Festival. Este año también figura como productor de Ramón y Ramón, de Salvador del Solar, que se proyectará en Horizontes Latinos.
(8-9) Pedro Almodóvar entregó el Premio Donostia a Woody Allen en 2004 y a Antonio Banderas en 2008.
(10) Su hermano y productor Agustín Almodóvar recogió el Gran Premio Fipresci obtenido por Volver en 2006 y en 2014 y 2018 El Deseo participó como coproductora de las películas Relatos salvajes (11) y El ángel (12).
Además de presentar películas, Almodóvar ha apoyado con su presencia al Festival de San Sebastián asistiendo a la celebración del 50º aniversario del certamen (2002) o entregando el Premio Donostia a Al Pacino (1996), Woody Allen (2004) y Antonio Banderas (2008). En 2024 será él quien lo reciba de manos de la actriz Tilda Swinton, protagonista del corto La voz humana (2020) y de su última película, La habitación de al lado / The Room Next Door.
«Mi carrera empezó en San Sebastián el año 1980 y desde entonces con o sin película he vuelto al festival muchas veces. Y siempre lo he disfrutado muchísimo. Le he entregado el premio Donostia a Al Pacino, Woody Allen y Antonio Banderas. En este año me lo entregan a mí, lo cual me llena de alegría y agradecimiento. De verdad, es un honor. San Sebastián es una de las ciudades donde se celebra el cine con mayor entusiasmo. Más que nunca, en estos momentos, necesitamos de la complicidad de los espectadores, y de su presencia en las salas. Es un sueño asistir a un festival como este, donde las salas de cine están siempre llenas«.
Pedro Almodóvar
La habitación de al lado / The Room Next Door
PEDRO ALMODÓVAR (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Tilda Swinton, Julianne Moore, John Turturro
Ingrid y Martha fueron muy amigas en su juventud. Ambas trabajaban en la misma revista, pero Ingrid acabó convertida en novelista de autoficción y Martha en reportera de guerra. Las circunstancias de la vida las separaron y, después de muchos años sin tener contacto, vuelven a encontrarse en una situación extrema, pero extrañamente dulce.
BIOGRAFÍA
Nace en Calzada de Calatrava, provincia de Ciudad Real, en pleno corazón de La Mancha, en los años cincuenta. A los ocho años emigra con su familia a Extremadura. Allí estudia el bachillerato elemental y superior, con los Padres Salesianos y los Franciscanos, respectivamente.
A los diecisiete años se independiza de su familia y se instala en Madrid, sin dinero y sin trabajo, pero con un proyecto muy concreto: estudiar y hacer cine. Imposible matricularse en la Escuela Oficial de Cine, Franco acababa de cerrarla. A pesar de la dictadura que asfixia el país, para un adolescente provinciano Madrid representa la cultura, la independencia y la libertad. Trabaja en múltiples y esporádicos trabajos, pero no puede comprarse su primera cámara de Super 8 mm. hasta conseguir un empleo «serio» en la Compañía Telefónica Nacional de España en el año 1971. Durante doce años trabaja en dicha C.T.N.E. como auxiliar administrativo, compartiendo este trabajo matinal con múltiples actividades que suponen su auténtica formación como cineasta y como persona.
Por las mañanas, en la Telefónica, conoce a fondo la clase media española en el inicio de la época del consumo, los años 70, sus dramas y sus miserias, todo un filón para un futuro narrador. Por la tarde-noche escribe, ama, hace teatro con el mítico grupo independiente Los Goliardos, rueda películas en Super 8 (su única escuela como cineasta). Colabora con distintas revistas undergrounds, escribe relatos, algunos se publican. Es miembro de un grupo de punk-rock paródico, Almodóvar y McNamara, etc. Y tiene la fortuna de que su explosión personal coincida con la explosión del Madrid democrático de final de los 70, principio de los 80. Lo que en el mundo se llamó La Movida.
Su cine es hijo y testimonio de la recién nacida democracia española. Después de año y medio de azaroso rodaje en 16 mm. estrena en 1980 Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón un film sin presupuesto y realizado en cooperativa con el resto del equipo, todos debutantes, excepto Carmen Maura.
En 1986 funda con su hermano Agustín la compañía de producción El Deseo S.A. Su primer proyecto es La ley del deseo. Desde entonces han producido todas las películas que Pedro ha dirigido y escrito, además de producir a otros jóvenes directores.
A lo largo de los últimos 24 años, Almodóvar ha recibido los galardones cinematográficos de mayor prestigio, nacionales e internacionales. Y continúa con el mismo ritmo de trabajo y la misma pasión que cuando empezó.
Será la tercera vez que el realizador argentino Diego Lerman este presente en el Festival de San Sebastián compitiendo por la Concha de Oro, tras Una especie de familia (2017) y El suplente (2022) es turno para El hombre que amaba los platos voladores, film, que indaga en la creación audiovisual de presencia alienígena más recordada de la televisión argentina, cuyo primer tráiler oficial acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página.
El hombre que amaba los platos voladores nos sitúa en 1986. El periodista José de Zer junto al Chango, su camarógrafo, emprenden el viaje hacia La Candelaria (Córdoba) tras recibir una propuesta extraña por parte de dos personajes sospechosos. Al llegar al pueblo no hay mucho que valga la pena analizar allí, tan solo un pastizal quemado en medio de los cerros. Lo que vino a continuación fue la labor de un genio mitómano con un talento oculto.
La película, con guion a cargo del propio Diego Lerman junto a Adrián Biniez, está protagonizada por Leonardo Sbaraglia, Sergio Prina, Osmar Nuñez, Renata Lerman, María Merlino, Daniel Aráoz, Mónica Ayos, Norman Briski y Agustín Rittano.
Pese al gran momento que está viviendo lo fantástico, apenas hay estudios que hayan analizado en su conjunto la renovación que las creadoras están llevando a cabo en todos los frentes audiovisuales. Este libro trata de compensar esa falta. Para ello se divide en dos secciones. La primera está conformada por seis largas investigaciones panorámicas que reflejan la tremenda variedad y riqueza en cuanto a temas y estéticas de la producción fantástica realizada por mujeres en el cine, la televisión y el cómic en España durante el siglo XXI. La segunda sección recoge los testimonios de autoras destacadas de cada ámbito a través de una serie de conversaciones sobre las claves de su trayectoria profesional, sobre los escollos y los prejuicios a los que se han enfrentado en un espacio históricamente masculino, sobre las condiciones que han favorecido el arraigo de lo fantástico y del terror, los nuevos referentes del género y sus horizontes de innovación.
La lectura de las dos partes del libro facilita el acceso a un valioso corpus de cortometrajes y largometrajes, cómics y series que se caracterizan por su mezcla de géneros y lenguajes, por la incorporación de una mirada feminista y, sobre todo, por la reformulación que sus autoras están haciendo de los miedos que nos acechan.
SUMARIO
1. INTRODUCCIÓN Enrique del Rey Cabero y Álvaro López Fernández
2. CREADORAS Y CINE FANTÁSTICO: EL LARGOMETRAJE EN EL PERIODO 2000-2022 David Roas
3. CREADORAS Y CINE FANTÁSTICO: EL CORTOMETRAJE DURANTE LA ÚLTIMA DÉCADA Álvaro López Fernández
4. LO FANTÁSTICO EN LAS CREADORAS TELEVISIVAS ESPAÑOLAS (1969-2023) Ada Cruz Tienda
5. HUMOR E INTERTEXTUALIDAD PARA CONSTRUIR UN ‘CONTRARRELATO’ Y SUBVERTIR LO REAL: LO FANTÁSTICO EN CLAVE ESTÉTICA Y DISCURSIVA EN DESTELLO BRAVÍO (2021) Elios Mendieta
6. LO FANTÁSTICO EN EL CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN ESPAÑOL DE AUTORÍA FEMENINA: EL EJEMPLO DE ISABEL HERGUERA Isabelle Touton
7. TRANSFORMACIONES FANTÁSTICAS EN PODRÍA SER PEOR, DE ANA GALVAÑ Enrique del Rey Cabero
8. RODAR CONTRACORRIENTE. CONVERSAVIÓN CON ANDREA JAURRIETA David Roas y Álvaro López Fernández
9. CREANDO SERIES DE FANTASÍA Y CIENCIA-FICCIÓN EN ESPAÑA. ENTREVISTA CON RUTH GARCÍA Concepción Cascajosa
10. OTROS MUNDOS QUE ESTÁN EN ÉSTE. ENTREVISTA CON LAURA PÉREZ GRANEL Iván Pintor Iranzo
11. AUTORÍA DE LOS TEXTOS
Autores
David Roas, Escritor y profesor de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada en la Universidad Autónoma de Barcelona, donde también dirige el Grupo de Estudios sobre lo Fantástico (GEF) y Brumal. Revista de Investigación sobre lo Fantástico. Especialista en lo fantástico, entre sus ensayos cabe destacar: Teorías de lo fantástico (2001), Tras los límites de lo real. Una definición de lo fantástico (2011; IV Premio Málaga de Ensayo), Historia de lo fantástico en la cultura española contemporánea (1900-2015) (2017) y Cronologías alteradas. Lo fantástico y la transgresión del tiempo (2022). Es autor, entre otros, de los libros de cuentos Distorsiones (2010; ganador del VIII Premio Setenil al mejor libro español de cuentos del año), Bienvenidos a Incaland® (2014), Invasión (2018), Monstruario (2021) y Niños (2022). También ha publicado las novelas Celuloide sangriento (1996) y La estrategia del koala (2013). Sus cuentos han sido traducidos al portugués, francés, italiano, inglés, croata, serbio y griego.
Enrique del Rey Cabero, Profesor de Literatura Española en la Universidad de Alcalá. Es doctor por la Universidad de Granada y ha llevado a cabo su actividad docente e investigadora en universidades como La Trobe University, University of Oxford, University of Exeter y Université Bordeaux Montaigne. Es autor de (Des)montando el lbro. Del cómic multilineal al cómic objeto (Universidad de León, 2021; Mejor Monografía en Artes y Humanidades en la XXV edición de Premios Nacionales de Edición Universitaria), coautor de How to Study Comics & Graphic Novelas. A Graphic Introduction to Comic Studies (TORCH, University of Oxford, 2021), obra que se está traduciendo en la actualidad a diez idiomas, y coeditor de la antología Dúplex. Cómic y poesía (Ediciones Marmotilla/Alas Ediciones, 2020). Es miembro del grupo de investigación GILCO y de la Cátedra ECC-UAH de Investigación y Cultura del Cómic, y forma parte del comité editorial de CuCo. Cuadernos de Cómic y Pasavento. Revista de Estudios Hispánicos. Su investigación se centra en torno a las narrativas gráficas en diversos ámbitos (teoría del cómic, cómic experimental, estudios autoriales, cómic fantástico) y la literatura del siglo XX y contemporánea, particularmente las relaciones ente música y literatura.
Álvaro López Fernández, Profesor e investigador posdoctoral Margarita Salas de la Universidad Complutense de Madrid (con estancia en la Universidad Autónoma de Barcelona). Sus líneas de investigación abarcan el análisis de lo fantástico y de lo grotesco en el cine y la literatura en España, las representaciones de la memoria y el estudio de la poesía española actual. En este sentido, es autor del libro El esperpento durante la Guerra Civil: propaganda y revolución (Guillermo Escolar Editor, 2020), co-editor de las ediciones críticas Raimundo Salas Mercadal. Poesía reunida (Universidad de Zaragoza, 2023, con Raúl Molina Gil) y Checas de Madrid de Tomás Borrás (Escolar y Mayo, 2016, con Emilio Peral Vega) y coordinador, en colaboración, de los números monográficos Experimentación y rupturas en la poesía española del siglo XXI (Tropelías, 2023) y Lecturas del desierto: nuevas propuestas poéticas en España (Kamchatka, 2018). Es miembro del Consejo de Redacción de Brumal. Revista de investigación para lo fantástico. Ha formado parte de cuatro proyectos de investigación nacionales y actualmente está ligado a los grupos de investigación Grupo de Estudios sobre lo Fántástico (GEF, UAB) y Crítica, edición y géneros literarios (CREGEL, VIU).
Autor: David Roas, Enrique del Rey Cabero y Álvaro López Fernández, Editorial: Shangrila, Colección Fantasmagorías, Páginas: 344
La restauración, llevada a cabo por FlixOlé y Enrique Cerezo PC, se estrenará mundialmente en el mes de septiembre dentro de la sección Klasikoak del festival
La obra maestra del cine español dirigida por José Antonio Nieves Conde, Surcos (1951), se estrenará mundialmente en una renovada versión en 4K en el Festival de San Sebastián el próximo mes de septiembre. Clasificada en su día como “gravemente peligrosa”, la película no estuvo exenta de roces con el régimen franquista al reflejar temas como el éxodo rural, la pobreza, el crimen organizado en torno al estraperlo y la prostitución.
A pesar de las dificultades y consecuencias que acompañaron al estreno del título, éste fue nominado a la Palma de Oro en su paso por Cannes y recibió numerosos premios por el Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC): Mejor película, Mejor actor secundario (Félix Dafauce), Mejor actriz secundaria (Marisa de Leza) y Mejor director. En la actualidad, es considerada como una de las mejores películas del audiovisual español, la cual podrá verse nuevamente en la gran pantalla después de que Donostia Zinemaldia la haya seleccionado en el marco de su programación en Klasikoak.
La incorporación de Surcosen dicha sección dedicada a los grandes clásicos del cine universal ha sido posible gracias a la restauración llevada a cabo por la plataforma FlixOlé y la productora Enrique Cerezo PC. Dicha rehabilitación ha consistido en el escaneo en 4K del interpositivo de 35 mm del que posteriormente se han etalonado y restaurado los planos. Debido al deteriorado estado en el que se encontraba el material, se ha desarrollado un minucioso trabajo en el que se llegaron a reconstruir fotogramas en los que se había perdido información.
La primera película neorrealista española
La familia Pérez se ve obligada a abandonar el pueblo y emigrar a Madrid con la esperanza de mejorar sus condiciones de vida. Van a parar a una corrala del barrio de Lavapiés, donde convivirán con Engracia y su hija Pili (María Asquerino), con quienes guardan parentesco. Los recién llegados deberán ponerse a buscar trabajo cuanto antes, pero descubrirán un mundo urbano hostil, quedando sus miembros a merced del engaño, la precariedad y la delincuencia.
Para sobrevivir, el padre de familia, Manolo (José Prada), hará cola en la oficina de empleo del sindicato para después emplearse como peón en una fundición de la que pronto lo echarán por su edad; sin mejor suerte, su ingenuo hijo menor (Ricardo Lucia) acabará mendigando un plato de comida por los cuarteles. Por su parte, Tonia (Marisa de Leza), se convertirá en la amante de ‘El Chamberlain’ (Félix Dafauce), un mafioso estraperlista que introducirá al hijo mayor del matrimonio, Pepe (Francisco Arenzana), en sus turbios negocios.
En torno a estos personajes, el director Nieves Conde construyó la que sería la primera película neorrealista del cine español, movimiento cinematográfico surgido en Italia tras la caída del estado fascista de Mussolini y que mostró la desgarradora realidad que se vivía en las calles del país transalpino. Junto al novelista Gonzalo Torrente Ballester, el inspirador de la historia, Eugenio Montes, y la productora y guionista Natividad Zaro, importaron el género a través de la innovadora Surcos.
Película de ‘Interés Nacional’
Alternando escenas rodadas en interiores y exteriores reales, vistieron al elenco con las ropas de los residentes de los barrios marginales para reflejar la claustrofóbica y decadente vida de aquellas gentes. El filme rompía así con la tradición audiovisual instaurada por la dictadura en la que abundaban las comedias blancas, películas folclóricas, largometrajes históricos, militares y religiosos de cartón piedra para mostrar a una capital ahogada por el hambre y corrompida por la crueldad, el mercado negro y la prostitución.
La valiente propuesta de Nieves Conde, militante falangista que introdujo algunos de los postulados del partido en la película para evidenciar su descontento por el franquismo, tuvo sus desavenencias con la censura. La Junta Nacional de Clasificación de Espectáculos la catalogó como “gravemente peligrosa”. A pesar de ello, pudo estrenarse después de modificarse el final propuesto. En lugar del cementerio que acaba fundido en los surcos del campo, el guion original planteaba un encuentro entre los Pérez que abandonan la ciudad y otra familia que aterriza en la ciudad con las mismas ilusiones que ellos tenían al comienzo de la película; asimismo, en su viaje de vuelta en tren, Tonia decide permanecer en la capital y salta del transporte en marcha.
Un tesoro oculto del cine español
Una de las personas que contribuyó a que Surcos llegase a las salas fue el recién nombrado Director General de Cinematografía y Teatros, José María García Escudero. Éste, crítico con el insustancial rumbo que estaba tomando el cine español, elevó el largometraje de Nieves Conde a ‘Interés Nacional’ (destinada a aquellos proyectos que exaltaban los valores del franquismo). Las protestas en el seno de la industria y del propio régimen condujeron a la dimisión de García Escudero, y a la retirada del favor a la película.
Adelantada a su tiempo, Surcos fue condenada al olvido, permaneciendo como un tesoro oculto en la cinematografía del país. En su empeño por recuperar el patrimonio audiovisual español y hacerlo viajar por los principales y más prestigiosos festivales de todo el mundo, la plataforma FlixOlé ha restaurado la copia en 4K que permitirá revisitar este clásico en San Sebastián.
Aún reciente la notable In a Violent Nature, Presence, cuyo primer adelanto en forma de un breve teaser de la mano de Neon podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, viene a ser otra cinta, que al igual que la inteligente película de Chris Nash, juega con la subjetividad narrativa. A tal respecto no es la primera vez que Steven Soderbergh transita, y al mismo tiempo deconstruye, coordenadas genéricas a modo de experimento estético, en este sentido Presence viene a ser un thriller psicológico de terror cuyo punto de vista se sitúa a través de la perspectiva de la entidad sobrenatural. Después de estar presente en el pasado Festival de Sundance, la película llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 17 de enero de 2025.
Presence nos cuenta como una familia se traslada a una casa en las afueras de la ciudad, una vez instalados se darán cuenta de que no están solos, percibirán que en su nuevo hogar habita una misteriosa fuerza sobrenatural que está allí desde antes de que la familia se instalara.
La película, con guion a cargo de David Koepp, que ya había abordado el género fantástico como director con trabajos como The Trigger Effect (1996), Stir of Echoes (1999), Secret Window (2004) o más la reciente You Should Have Left (2020), esta protagonizada por Lucy Liu, Julia Fox, Chris Sullivan, West Mulholland, Callina Liang y Eddy Maday.
El 16 de agosto llega a Filmin, en el marco de la programación online de Atlàntida Mallorca Film Fest, un documental sobre estafas románticas de la directora Sonia Kronlund («Nothingwood»).
El viernes 16 de agosto se estrena en Filmin “El hombre de las mil caras”, un documental sobre engaños, mentiras y falsas identidades, de la directora francesa Sonia Kronlund. En él seguimos a Alexandre, Ricardo o Daniel, un cirujano o ingeniero, argentino o brasileño, que convive con cuatro mujeres al mismo tiempo. La farsa dura hasta que Marianne, quien espera un hijo suyo, descubre la sarta de mentiras. Esta mujer, una conocida de la directora, la llama para contarle su historia.
Kronlund empieza entonces a investigar y a entrevistar al resto de mujeres involucradas en el engaño. Algunas se conocían entre sí ya que contactaron para intentar desenmascarar, sin éxito, al estafador. En esos encuentros descubre a mujeres rotas, confundidas, humilladas y resentidas: “Eran amantes heridas, algunas avergonzadas de haber estado enamoradas, mientras que otras pensaban que Ricardo era un genio. La película muestra la fragilidad de las mujeres en sus relaciones”, explica la directora.
La directora recibe una actitud abierta por parte de las entrevistadas, que le cuentan su versión aunque no todas quieren mostrarse ante la cámara, así que se utilizan actrices profesionales para personificar sus declaraciones. Surgió entonces el debate de si podían o no filmarle a él, destapar quién era: “Ya que algunas mujeres habían accedido a enseñar sus rostros, a superar su vergüenza participando en la película, no me parecía correcto ocultar el suyo. Habría sido injusto. [..] no podía pedir a esas mujeres que expusieran su historia, su intimidad, sus debilidades, sin mostrar el rostro de Ricardo. Les debo mucho”.
Ricardo se adaptaba al modelo de hombre ideal que sus víctimas tuvieran. Basándose en el imaginario colectivo de clichés y estereotipos románticos, creaba una fantasía de príncipe azul en la que sustentaba sus múltiples personajes: el latin lover, el ingeniero, el cirujano… Haciendo que todos sus objetivos se enamorasen de él y se convirtieran en víctimas. Este documental es para ellas, explica Kronlund: “Espero que la película emane alegría, que las mujeres encuentren en ella algo que repare al menos su autoestima, que sanen riendo un poco. Es lo mejor que podemos hacer, realmente, porque la ley no puede hacer nada al respecto”.
El ciclo ‘Italia violenta. El cine policiaco italiano’ incluye la publicación de un libro monográfico escrito por Felipe Cabrerizo
Un total de 22 largometrajes estrenados entre 1943 y 2023 integrarán la retrospectiva de la 72ª edición del Festival de San Sebastián que, bajo el título Italia violenta. El cine policiaco italiano, ofrecerá una completa panorámica del denominado poliziesco. Además, el ciclo incluirá la publicación de un libro monográfico escrito por el historiador Felipe Cabrerizo, coordinador de la retrospectiva junto a Quim Casas, crítico y miembro del comité de Selección del Festival.
Organizado en colaboración con el Istituto Italiano di Cultura, el ciclo ayudará a difundir un género que sirve para realizar un acertado retrato del país y que todavía hoy sigue pendiente de revisión desde un prisma contemporáneo.
Pese a la estricta censura que el fascismo impuso sobre el cine criminal, Luchino Visconti dará con Ossessione / Obsession (1943) pistoletazo de salida a un género que será enormemente transitado durante toda la historia del cine italiano. Bajo su influjo analizarán Mario Soldati o Fernando Cerchio las consecuencias que la guerra había dejado en el tejido del país, y su influencia impulsará el rigor que marcará a Pietro Germi o Luigi Zampa en su tratamiento del fenómeno creciente de las redes criminales, por otra parte tan habituales en el cine italiano que este ya se había lanzado a tratarlas incluso por vía de la comedia en cintas como Mafioso (El poder de la Mafia, Alberto Lattuada, 1962, Concha de Oro a la mejor película en el Festival de San Sebastián). Será el propio Germi quien dé en Un maledetto imbroglio / The Facts of Murder (Un maldito embrollo, 1959) con las claves que permitirán al género desarrollar una vida propia desvinculándose de la aún evidente influencia de los referentes extranjeros.
Esto permitirá al poliziesco emprender un nuevo camino centrado en tomar el pulso a la sociedad surgida en Italia tras el colapso del boom económico y el estallido de 1968. Damiano Damiani abrirá con Il giorno della civetta / The Day of the Owl (El día de la lechuza,1968) un nuevo prisma sociológico sobre el problema de la Mafia y, siguiendo la estela del cine de Carlo Lizzani, Elio Petri llevará esta vía política a su punto culminante con Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto / Inquiry of a Citizen Above Suspicion (Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha, 1969) en un empeño refrendado por el Oscar a la mejor película extranjera. Todo ello se conjugará con formas más ortodoxas que acercaron el género al polar francés de la mano de realizadores como Fernando Di Leo (Milano calibro 9 / Calibre 9 /Milán calibre 9, 1972) o Sergio Sollima (Revolver / Revólver, 1973), en un panorama que fue enriqueciéndose hasta convertir al poliziesco en un pilar fundamental de la industria cinematográfica italiana, capaz incluso de estructurar todo un star system en el que tendrán particular relevancia actores como Tomas Milian, Franco Nero, Fabio Testi, Gian Maria Volonté, Maurizio Merli, Claudia Cardinale o Giuliano Gemma, protagonista del cartel del ciclo.
La aparición del terrorismo abocará a Italia a una guerra civil encubierta que encontrará pionera plasmación en La polizia ringrazia / Execution Squad (La policía agradece, 1972), cinta de Stefano Vanzina que se alzaría con la Concha de Plata al mejor director en el Festival de San Sebastián. Será el punto de partida del filón conocido como poliziottesco, revitalización del policiaco desde parámetros de género puro que se erigirá en auténtico hito del cine B de los 70. La falta de prejuicios de directores como Umberto Lenzi o Pasquale Squitieri abrirán los enfoques de una hiperproducción que plasmó el colapso de todo un país anunciado por Francesco Rosi en Cadaveri eccellenti / Illustrious Corpses (Excelentísimos cadáveres, 1976). El asesinato de Aldo Moro por las Brigadas Rojas provocará rigurosas reflexiones de realizadores como Giuseppe Ferrara o Marco Bellocchio al tiempo que colapsó una ficción que pareció desbordada por la propia realidad. Tras unos años de bloqueo, el género resurgirá brillantemente con Gomorra / Gomorrah (Matteo Garrone, 2008), la película que lo devolvió a una primera línea que se antoja clave para el cine italiano del nuevo milenio y que en este ciclo se proyectará en un nuevo corte del director remasterizado en 4K.
En 2024 el Festival de San Sebastián y la Filmoteca Vasca han impulsado un festival de cine clásico expandido en el tiempo y en el espacio, agrupando tres ciclos: la docena de películas restauradas que la Filmoteca programa en primavera en distintas instituciones culturales de la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y el País Vasco francés; las seis películas de la sección Klasikoak y la retrospectiva anunciada en esta nota. Este año, además, ofrecerá un ciclo de cortometrajes restaurados que anunciará en breve y que se podrán ver durante los días del Festival.
Ossessione / Obsession
Luchino Visconti (Italia)
País(es) de producción: Italia – 1943
Intérpretes: Clara Calamai, Massimo Girotti, Dhia Cristiani, Elio Marcuzzo, Juan de Landa, Michele Riccardini, Vittorio Duse, Michele Sakara
Giovanna es una mujer joven casada con el maduro propietario de un restaurante. Su sórdida vida cambia con la aparición de un vagabundo que se convierte en su amante y al que induce a matar a su marido. Adaptación en clave neorrealista de la novela de James M. Cain El cartero siempre llama dos veces.
Tras terminar la II Guerra Mundial, un criminal fascista sobre el que pende una orden de busca y captura intenta escapar clandestinamente con su hijo hacia Francia. Cuando el tren en el que viajan hace una parada y se disponen a cenar en un restaurante, es reconocido por la camarera.
Un joven juez es enviado al pequeño pueblo siciliano de Capodarso. Su misión es aplicar la ley en una comunidad acostumbrada a regirse por las reglas de la Mafia y a vivir en un estado permanente de inseguridad. Pronto se percata de que está solo y que los habitantes no están predispuestos a colaborar. Basado en la novela autobiográfica de un magistrado.
Il bivio / The Crossroads (Nacido en el odio)
Fernando Cerchio (Italia)
País(es) de producción: Italia – 1951
Intérpretes: Raf Vallone, Charles Vanel, Claudine Dupuis, Saro Urzì, Carlo Sposito
Historia de un héroe condecorado en la guerra que ha seguido una vida delictiva. Cuando decide hacerse policía para ayudar a los miembros de su banda de gánsteres se enamora de una joven y empieza a pensar en abandonar a sus antiguos cómplices. Una rareza policíaca alumbrada aún por el estilo neorrealista.
La città si difende / Four Ways Out
Pietro Germi (Italia)
País(es) de producción: Italia – 1951
Intérpretes: Gina Lollobrigida, Renato Baldini, Cosetta Greco, Paul Muller, Fausto Tozzi, Enzo Maggio
Mientras se disputa un partido de fútbol, cuatro delincuentes roban en la taquilla del estadio. Antes de que puedan escaparse, son descubiertos y perseguidos, por lo que deciden separarse antes de dividir el dinero. Premio a la mejor película italiana en la Mostra de Venecia.
Un juez encargado del asesinato de un respetable ciudadano de Nápoles descubre que la víctima pertenecía a una gran organización criminal. El magistrado se debate entre su obligación, sus principios y las fuertes presiones que sufre por parte del poder político y la alta burguesía. Basada en casos reales de la lucha contra el crimen organizado napolitano.
Un maledetto imbroglio / The Facts of Murder (Un maldito embrollo)
Pietro Germi (Italia)
País(es) de producción: Italia – 1959
Intérpretes: Pietro Germi, Claudia Cardinale, Franco Fabrizi, Cristina Gaioni, Claudio Gora
En dos pisos de un mismo edificio se producen un robo y un asesinato. El comisario encargado del caso (interpretado por el propio director del filme, Pietro Germi) irá desvelando las miserias de todos los que están en mayor o menor medida involucrados en el caso. Uno de los filmes más representativos de Germi.
Mafioso (El poder de la mafia)
Alberto Lattuada (Italia)
País(es) de producción: Italia – 1962
Intérpretes: Alberto Sordi, Norma Bengell, Gabriella Conti, Ugo Attanasio, Cinzia Bruno
Un honrado siciliano que trabaja y vive en Milán pasa sus vacaciones en su pueblo natal, situación que aprovecha el director de su empresa para enviar un paquete al jefe de la mafia local. A partir de ese momento, el personaje interpretado por Alberto Sordi se ve implicado en los negocios del crimen organizado. Concha de Oro en el Festival de San Sebastián de 1963.
Banditi a Milano / The Violent Four (Bandidos en Milán)
Carlo Lizzani (Italia)
País(es) de producción: Italia – 1968
Intérpretes: Gian Maria Volontè, Don Backy, Raymond Lovelock, Ezio Sancrotti, Piero Mazzarella
Cavallero es un empresario en apariencia respetable, católico y conservador. Sin embargo, él y tres amigos forman una banda de ladrones que atracan bancos en distintas ciudades italianas. Un estudio del submundo criminal milanés basado en los atracos y asesinatos de la banda de Cavallero en la segunda mitad de los años 60.
Il giorno della civetta / The Day of the Owl (El día de la lechuza)
Damiano Damiani (Italia)
País(es) de producción: Italia – Francia – 1968
Intérpretes: Claudia Cardinale, Franco Nero, Lee J. Cobb, Tano Cimarosa, Nehemiah Persoff
La mafia siciliana, que domina el negocio de la construcción, dispone de poderosos mecanismos para ejercer y mantener el poder. El punto de partida es el asesinato de un sindicalista y la desaparición de un hombre. Mientras la policía investiga a la esposa del desaparecido, las sospechas se centran en un importante mafioso, pero la labor policial es sistemáticamente obstruida desde las altas esferas.
Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto / Inquiry of A Citizen Above Suspicion (Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha)
Elio Petri (Italia)
País(es) de producción: Francia – Italia – 1970
Intérpretes: Gian Maria Volontè, Florinda Bolkan, Gianni Santuccio, Orazio Orlando, Sergio Tramonti
El jefe de la brigada de homicidios, encarnado por el icónico Gian Maria Volonté, asesina a su amante, pero pone en evidencia pruebas contra sí mismo porque no soporta que se burle el orden establecido y que los culpables queden impunes. Disección de las esferas del poder político y policial que encumbró a su director, Elio Petri.
La polizia ringrazia / Execution Squad (La policía agradece)
Steno (Stefano Vanzina) (Italia)
País(es) de producción: Italia – Francia – 1972
Intérpretes: Enrico Maria Salerno, Mariangela Melato, Mario Adorf, Franco Fabrizi, Cyril Cusack
Un grupo organizado se dedica a matar a delincuentes que no pudieron ser juzgados y el comisario Bertone es el encargado de dar con este grupo de vengadores. Un análisis oportuno sobre las convenciones y límites de la justicia realizado en paralelo a varios filmes en el mismo sentido rodados en Hollywood. Concha de Plata al mejor director en San Sebastián en 1972.
Milano calibro 9 / Calibre 9 (Milán calibre 9)
Fernando Di Leo (Italia)
País(es) de producción: Italia – 1972
Intérpretes: Gastone Moschin, Barbara Bouchet, Mario Adorf, Frank Wolff, Luigi Pistilli
La banda del Americano intenta recuperar 300.000 dólares misteriosamente desaparecidos. Todos sospechan de Ugo Piazza, que fue condenado varios años a la cárcel. Tras salir en libertad, un sicario del Americano le espera para aclarar dónde está el dinero. El mejor thriller italiano de todos los tiempos en efusivas palabras de Quentin Tarantino.
Revolver (Revólver)
Sergio Sollima (Italia)
País(es) de producción: Italia – Alemania – 1973
Intérpretes: Oliver Reed, Fabio Testi, Paola Pitagora, Agostina Belli, Frédéric de Pasquale
La esposa del funcionario de prisiones encarnado por el homérico Oliver Reed es secuestrada y será ejecutada si no ponen en libertad al preso interpretado por Fabio Testi. Pero el relato acabará por trazar una alianza entre el funcionario y el preso, ya que este es consciente de que su antigua banda pretende eliminarlo. Poliziesco con música de Ennio Morricone programado en la retrospectiva con la colaboración del Festival de Sitges.
Milano odia: la polizia non può sparare / Almost Human
Umberto Lenzi (Italia)
País(es) de producción: Italia – 1974
Intérpretes: Tomas Milian, Henry Silva, Laura Belli, Gino Santercole, Mario Piave
Con propuestas tan interesantes como Blue Ruin (2013) y Green Room (2015), Jeremy Saulnier fue uno de los jóvenes talentos que irrumpieron con fuerza hace años dentro del circuito de cine independiente norteamericano. Tras su anterior y algo más ambiciosa Hold the Dark (2018), el director estadounidense vuelve a unir fuerzas con Netflix con Rebel Ridge, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, en donde Saulnier al igual que en anteriores trabajos vuelve a indagar en el thriller de venganza, verá la luz vía Netflix el próximo 6 de septiembre de 2024.
En Rebel Ridge vemos como Terry llega a la ciudad de Shelby Springs con una aparente misión sencilla, pagar la fianza de su primo y salvarlo de lo que parece ser un peligro inminente. Pero la policía confisca injustamente los ahorros de toda su vida, y Terry se verá abocado a un violento enfrentamiento con el jefe de policía local y sus oficiales. Sin embargo, Terry encuentra una inesperada aliada en la secretaria del tribunal Summer McBride, será entonces cuando ambos se vean atrapados en una conspiración profundamente arraigada en Shelby Springs.
La película, con guion a cargo del propio Jeremy Saulnier, está protagonizada por Aaron Pierre, Don Johnson, AnnaSophia Robb, David Denman, Emory Cohen, C.J. LeBlanc, James Cromwell, James Badge Dale, Zsane Jhe, Al Vicente, Caleb J. Thaggard, Leslie Nipkow, Rhonda Johnson Dents, Harlon Miller y Curtis Johnson.
Conocidos por el nombre de RKSS, el grupo de cineastas canadienses compuesto por François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell, siguen con su particular periplo revisionista en clave fantástica, tras Turbo Kid (2015) y Summer of 84 (2018) nos llega con la comedia zombie titulada We Are Zombies, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, que se pudo ver en la pasada edición del Festival de Sitges junto a su también reciente Wake Up, tiene previsto su estreno en Estados Unidos vía VOD para el próximo 13 de agosto de 2024.
En We Are Zombies vemos como los no-muertos son un colectivo pacífico y oprimido, por cuya integración social luchan algunos activistas, y de cuya subalternidad se aprovechan algunos desalmados. En este cruce de voluntades se ven involucrados los protagonistas del film, que deberán luchar contra una megacorporación para poder salvar a su abuela.
La película, con guion a cargo de los propios François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell, esta protagonizada por Alexandre Nachi, Derek Johns, Megan Peta Hill, Vincent Leclerc, Benz Antoine, Carlo Mestroni, Teneisha Collins, Kevin Woodhouse y David-Emmanuel Jauniaux.
Eloy de la Iglesia: el placer oculto del cine español es un ensayo colectivo coordinado por el investigador Carlos Barea que rinde homenaje al responsable de películas tan populares como El techo de cristal, La semana del asesino, El diputado, El Pico o La estanquera de Vallecas, entre otras muchas. Mirado con desdén por la crítica cinematográfica de la época y reivindicado posteriormente por las nuevas generaciones como uno de los directores más importantes de la Transición, la figura de Eloy de la Iglesia es fundamental para acercarse a una de las etapas más convulsas de nuestra historia reciente.
Para esta aproximación al cine de De la Iglesia hemos contado con una nómina de autores y autoras entre los que se encuentran Diana Aller, Alejandro Melero, Juan Sánchez, Eduardo Bravo, La Caneli, Nico Grijalba, David Velduque, Vicente Monroy, Francina Ribes, Violeta Kovacsics y Carlos Barea. Cada uno profundiza en un aspecto de las películas del cineasta vasco, cuya filmografía contribuyó decisivamente a retratar las luces y, sobre todo, las sombras de un país que despertaba hacia la democracia después de una larga dictadura pero que marginaba a una parte de la población. Entre esta se hallaban los denominados quinquis, que dieron nombre al exitoso subgénero, o los integrantes del colectivo LGTBIQ+. Homosexual y comunista, el realizador nos ha legado un testimonio muy valioso para comprender una época reciente de nuestra historia que se encuentra en proceso de revisión. Prólogo del director de cine Félix Sabroso.
Autor: VVAA .Coordinado por Carlos Barea. Editorial: DOS BIGOTES, Páginas:260
La muestra se abrirá al público el próximo 17 de septiembre y es una producción de Tabakalera en colaboración con el Festival Internacional de Cine de Róterdam y el Festival de San Sebastián
La realizadora argentino-británica, que ha sido residente en Ikusmira Berriak y ha sido seleccionada en el Festival de Locarno, presentará su último largometraje, ‘Monólogo colectivo / Collective Monologue’, en Zabaltegi-Tabakalera
Tabakalera y el Festival Internacional de Cine de Róterdam (IFFR) anuncian la próxima inauguración de la exposiciónExtramission. Begi distiratsuen ehizan (Extramisión. Capturando ojos luminosos), creada por la realizadora argentino-británica Jessica Sarah Rinland. Esta muestra, que cuenta con la colaboración del Festival de San Sebastián, será presentada en la sala de exposiciones 2 de Tabakalera el próximo 17 de septiembre. Unos días más tarde, durante el Festival de San Sebastián, Rinland participará en la sección Zabaltegi-Tabakalera con su última película Monólogo colectivo / Collective Monologue.
Jessica Sarah Rinland es una artista y cineasta reconocida internacionalmente por su enfoque experimental y narrativa única en el cine documental. En esta ocasión, de la mano de Tabakalera y el Festival Internacional de Cine de Róterdam, dará el salto a la sala de exposiciones con una video-instalación audiovisual que ha creado expresamente para esta muestra. Tras su exposición en Tabakalera, la instalación viajará a la ciudad neerlandesa, donde también se exhibirá el próximo enero, en el marco de su festival de cine.
Simultáneamente, la última película de Jessica Sarah Rinland, Monólogo colectivo, producida durante su residencia en la sexta edición del programa Ikusmira Berriak de 2020, se prepara para su estreno la próxima semana en el Festival de Locarno y en la sección Zabaltegi-Tabakalera del Festival de San Sebastián. La película, al igual que la video-instalación, ha contado con el apoyo del laboratorio audiovisual de Tabakalera en su fase de postproducción y contó con el soporte de Hubert Bals Fund, el fondo de ayudas a la producción cinematográfica del Festival Internacional de Cine de Róterdam en 2020.
La trayectoria de la cineasta Rinland, y el resultado de su proceso de creación, con la proyección de su película en distintos festivales, y con la presentación de su instalación artística, ponen de relieve la importancia del sistema de apoyo a la creación y a las y los artistas que han articulado Tabakalera, el Festival de San Sebastián y Elias Querejeta Zine Eskola durante años. Además, la colaboración interinstitucional que promueve Tabakalera con el Festival de Cine de Róterdam para apoyar la producción de nuevas instalaciones audiovisuales consolida la apuesta y el compromiso del centro con el cruce entre el cine y el arte contemporáneo.
Muestra de ello fue Vive le cinéma!, exposición que reunió en 2022 las creaciones audiovisuales de los directores de cine Dea Kulumbegashvili, Isaki Lacuesta, Lemohang Jeremiah Mosese y Jia Zhang-ke. Los cuatro cineastas adaptaron su práctica habitual, hacer películas, para crear piezas audiovisuales destinadas a ser contempladas en una sala de exposiciones. Captives, la propuesta que Kulumbegashvili creó expresamente para la exposición, fue seleccionada para participar en el Festival de Cine de Róterdam de 2023.
Asimismo, en 2023 Tabakalera dedicó una exposición al proceso de creación de El sueño de la sultana, película de la artista y directora de cine Isabel Herguera. La cineasta y su equipo trabajaron de manera intermitente en el Espacio de Artistas de Tabakalera desde 2016 y la muestra se estructuró con una recreación de su estudio de trabajo. El sueño de la sultana fue nominada al Premio Goya a Mejor Película de Animación y fue la primera película de animación europea en competir dentro de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.
La nueva videoinstalación de Jessica Sarah Rinland combina nuevas imágenes en movimiento y grabaciones de audio con archivo de la revista National Geographic de principios del siglo XX. Los actos de conservación y repatriación en el trabajo de Rinland sugieren que los actos de cuidado contemporáneos pueden exponer violencias pasadas.
Monólogo colectivo / Collective Monologue
Jessica Sarah Rinland (Argentina)
País(es) de producción: Argentina
Ikusmira Berriak 2020
Momentos íntimos y fragmentados se desarrollan en una comunidad de zoológicos y centros de rescate de animales en toda Argentina. A medida que se descubren las historias de estas instituciones, los trabajadores se comprometen día y noche a cuidar de los restantes animales encerrados, fomentando un vínculo mutuo que trasciende los límites imaginarios entre humanos y animales.
Acaba de ver la luz de la mano de Lionsgate un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del film de terror Bagman, una nueva vuelta de tuerca al mito del hombre del saco que cuenta tras las cámaras con el británico Colm McCarthy, responsable de la interesante incursión en la temática de zombies Melanie. The Girl With All the Gifts (2016).
En Bagman vemos como durante siglos, los padres han advertido a sus hijos sobre el temible Hombre del Saco, un ser maligno que rapta a niños inocentes y los aparta para siempre de sus familias. Patrick escapó de sus garras por los pelos en su infancia, pero el trauma que le generó aquel encuentro le ha perseguido desde entonces. Tras mudarse a su antigua casa familiar con su esposa e hijo, Patrick descubrirá que la tenebrosa criatura continúa allí, acechando a través de sus pesadillas y amenazando con arrebatarle aquello que más quiere en el mundo.
La película, que se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 20 de septiembre de 2024, cuenta con guion a cargo de John Hulme, estando protagonizada por Sam Claflin, Antonia Thomas, William Hope, Steven Cree, Frankie Corio, Sharon D. Clarke, Adelle Leonce, Henry Pettigrew, Neil Linpow, Jordan Gubian, Caréll Vincent Rhoden y Will Davis.
El pasado 8 de marzo se presentó en el Festival de Málaga el trabajo de restauración de los cortometrajes de Nadia Werba rodados en España entre los años 1965 y 1967
La recuperación ha sido posible gracias a un acuerdo de colaboración entre Filmoteca Española, CIMA y el Instituto Universitario del Cine Español de la UC3M, instituciones que comparten el objetivo de la investigación y difusión del patrimonio cultural y cinematográfico, así como el de fomentar una presencia igualitaria de las cineastas y profesionales del audiovisual
La figura olvidada de la pintora y cineasta Nadia Werba ha sido recuperada gracias al acuerdo entre Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico español, CIMA (Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales) y el Instituto Universitario del Cine Español de la Universidad Carlos III de Madrid.
Gracias a esta colaboración se han restaurado los cuatro cortometrajes documentales que Nadia Werba filmó en España entre 1965 y 1967. Este trabajo se presentará en una sesión especial del Festival de Málaga el próximo día 8 de marzo con motivo del Día Internacional de las Mujeres. Junto a ellos se proyectará un vídeo documental producido por CIMA que contextualiza su vida y obra poniendo el foco en su aportación al panorama cinematográfico español de los años 60, y para el que se ha contado con la colaboración de la propia cineasta y de sus hijos.
La recuperación de una figura como la de Nadia Werba (París, 1926) se suma a la de otras mujeres rescatadas por Filmoteca Española y CIMA como Adela Medrano o María Forteza. El esfuerzo por reescribir la historia y el canon de nuestro cine pasa por dar visibilidad a estas mujeres que han estado olvidadas, entre otras razones porque sus películas no eran accesibles, del mismo modo que ha ocurrido en otras artes como la literatura o la pintura. En esta ocasión, se suma al esfuerzo el Instituto Universitario del Cine Español en un acuerdo que las tres instituciones esperan se pueda proyectar en el futuro mediante la recuperación de obras de otras directoras que es necesario restaurar para que puedan volver a ser accesibles para toda la ciudadanía.
Nadia Werba
Nace en París en 1926 en el seno de una familia judía. Tras perder a su madre siendo muy pequeña, su padre huye con ella a Argentina ante el avance del nazismo. Mientras era estudiante de Letras en Buenos Aires, se adentra en el mundo del arte de la mano del pintor Demetrio Urruchúa. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, decide volver a París para continuar su formación artística.
En París se casa con Hank Werba, periodista que la adentra en el mundo del cine, ya que trabaja con el productor Samuel Bronston. De esta manera, llega a España como parte de la troupe que acompaña al productor de Hollywood y vive en primera línea ese momento de euforia cinematográfica madrileño asistiendo a rodajes como La condesa descalza, Rey de reyes, Doctor Zivago o 55 días en Pekín.
Son años muy prolíficos para ella y, al final de esa etapa española, es cuando realiza el salto a la dirección, rodando en solo dos años los cuatro cortometrajes que ahora se han restaurado. Tras su paso por España, realiza documentales por todo el mundo y también da el salto a la ficción, rodando dos largometrajes en Estados Unidos, My Mother, My Daugther (1981) y Eva’s Dream (1982).
Los cortometrajes de Nadia Werba rodados en España
Nadia Werba rodó su primer cortometraje en 1965 para retratar las fiestas de San Juan de Soria. En San Juan del toro, título de la película, retrata sus festejos taurinos con una mirada antropológica nada complaciente. Su segunda película, Maestros del duende (1966) pone el ojo en el flamenco pero huyendo de su imagen turística. Ese mismo año rueda la que posiblemente es su obra más atrevida formalmente, Unos chicos, unas chicas, película en la que de forma adelantada a su tiempo en el contexto del documental español, cede la voz a sus protagonistas: las y los jóvenes de clase alta madrileña que se identifican en el naciente universo de la música pop. Su última película, Catch (1967) es un retrato de la lucha libre, espectáculo muy popular en los años 60. En todos estos trabajos se supo rodear de un equipo de excelentes profesionales como Luis Cuadrado, Jesús García de Dueñas, Pedro Olea o Teo Escamilla, algunos de los cuales estaban acabando en esos momentos sus estudios en la Escuela Oficial de Cinematografía.
Sobre su restauración
La restauración de los cuatro documentales ha sido posible gracias al acuerdo de colaboración mencionado, contando —en el caso del cortometraje Catch— con la participación de la productora tenedora de sus derechos Fantasía en 5. La restauración se ha realizado en las instalaciones del Centro de Conservación y Restauración ´Carlos Saura´ de Filmoteca Española, escaneando los materiales originales a 4K a partir de los negativos originales en todos los casos, excepto en el de San Juan del Toro, única de las cuatro películas rodada en color, en la que se ha tenido que partir de una copia de exhibición con una importante degradación cromática. Afortunadamente, y como se puede apreciar en el resultado, los trabajos de restauración han permitido una óptima recuperación del color. El estado de los negativos en el caso de Maestros del duende y de Catch era excelente, pero en Unos chicos y unas chicas, sin embargo, ha sido necesario recuperar una breve secuencia de una copia de exhibición.
Algo lejanos los años en donde destaco dentro del fantástico con trabajos como Session 9 (2001) o Vanishing on 7th Street (2010), o sus trabajos para Filmax, The Machinist (2004) y Transsiberian (2008), Brad Anderson se ha refugiado en estos últimos años en una labor algo más artesanal en donde predominan participaciones para series de televisión. Tras su interesante incursión licántropa el pasado año con Blood, y a la espera que fructifique Twilight of the Dead, la que vendría a ser la séptima y última entrega oficial de la franquicia de zombis creada y escrita por George A. Romero, Anderson presenta The Silent Hour, thriller de acción cuyo primer tráiler oficial acaba de salir a la luz y podéis ver a final de página. La cinta, que tendrá un estreno limitado en cines y VOD de Estados Unidos previsto para el 11 de octubre, llegará de la mano de YouPlanet Pictures a las salas comerciales de nuestro país el próximo 31 de octubre.
En The Silent Hour vemos como Frank Shaw es un detective de Boston que tiene un accidente en acto de servicio lo que le provoca una importante perdida de audición. Sumido en la depresión, Frank contempla abandonar el cuerpo policial, pero su compañero Doug le convence para demostrar que puede seguir siendo un policía. Con su nuevo rol de intérprete de lengua de signos para el departamento, Frank tiene ahora la misión de proteger a Ava, una mujer sorda testigo de un brutal asesinato de pandillas. Cuando los criminales intentan deshacerse de ella, y aislado del mundo exterior, Frank descubre que tendrá que enfrentarse a un grupo de policías corruptos.
La película, con guion a cargo de Dan Hall, esta protagonizada por Joel Kinnaman, Mark Strong, Mekhi Phifer, Sandra Mae Frank, Michael Eklund, Jonathan Koensgen, Anthony Grant, Sean James Sutton, Chris Dingli, Matthew Camilleri, Djinda Kane y Anselmo DeSousa.
Los nuevos largometrajes de Maite Alberdi, Edward Berger, Gia Coppola, Costa-Gavras, Kiyoshi Kurosawa, Mike Leigh, Diego Lerman, Joshua Oppenheimer y François Ozon competirán por la Concha de Oro junto a los debuts de Laura Carreira y Xin Huo, incluidos también en la Sección Oficial de la 72ª edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará del 20 al 28 de septiembre.
Sus películas se suman al filme de Audrey Diwan que inaugurará la competición y a los cuatro títulos con producción española que se disputarán la Concha de Oro, dirigidos por Iciar Bollain, Pedro Martín-Calero, Pilar Palomero y Albert Serra.
Maite Alberdi (Santiago de Chile, 1983) participará por primera vez en la pugna por la Concha de Oro con su primer largometraje de ficción, El lugar de la otra, adaptación de uno de los casos recogidos en Las homicidas, ensayo de Alia Trabucco Zerán. Alberdi cuenta la historia real de la escritora María Carolina Geel, que en 1955 mató a tiros a su amante. La cineasta chilena, que fue integrante del jurado oficial en 2021, ha mostrado en Perlak obras de no ficción como El agente topo / The Mole Agent (2020), película seleccionada en el Foro de Coproducción del Festival, posteriormente estrenada en Sundance, ganadora del Premio del Público Ciudad Donostia / San Sebastián a la Mejor película europea y nominada al Oscar, o La memoria infinita / The Eternal Memory (2023), que obtuvo en Sundance el Gran Premio del Jurado en la competición internacional de documentales y también recibió una nominación al Oscar.
On Falling, que retrata la precaria vida de una trabajadora portuguesa en un enorme almacén de Escocia, es el debut en el largometraje de Laura Carreira (Oporto, 1994). En la experiencia previa de la cineasta lusa afincada en Edimburgo destacan los cortos Red Hill (2018), que ganó el Premio New Visions del Festival de Edimburgo y fue nominado en los Premios BAFTA Escocia, y The Shift (2020), estrenado en el Festival de Venecia y nominado a los Premios de Cine Europeo y a los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Londres.
Pamela Anderson, Jamie Lee Curtis y Dave Bautista forman parte del reparto de The Last Showgirl, nuevo largometraje de Gia Coppola (Los Ángeles, 1987), que presentó Palo Alto (2013) y Mainstream (Popular, 2020) en la Mostra de Venecia. Su filme es el retrato de una veterana bailarina situada en la encrucijada cuando cierra el espectáculo en el que ha trabajado durante 30 años.
Homenajeado con el Premio Donostia en 2019, año en que se proyectó Adults in the Room (Comportarse como adultos), el realizador franco-griego Costa-Gavras (Loutra-Iraias, 1933) regresará a la Sección Oficial, donde presentó Le capital (El capital, 2012). Su nuevo trabajo, Le dernier souffle / Last Breath, recoge las reflexiones sobre la vida de un médico de cuidados paliativos y un escritor, y está protagonizado, entre otras figuras, por Denis Podalydès, Kad Merad, Ángela Molina, Charlotte Rampling, Hiam Abbass, Karin Viard y Marilyne Canto. En su amplia y comprometida obra destacan obras como Z (1969), ganadora de los Oscar a Mejor película de habla no inglesa y Mejor montaje y Premio Especial del Jurado en Cannes; Missing (Desaparecido, 1981), Oscar al Mejor guion adaptado y Palma de Oro en Cannes, o Music Box (La caja de música, 1989), Oso de Oro en Berlín.
Edward Berger (Wolfsburgo, 1970), cuya película anterior, Im Westen nichts Neues (Sin novedad en el frente, 2022), ganó varios Oscar, entre ellos el de Mejor película internacional, concursará con Conclave (Cónclave). En ella Ralph Fiennes interpreta a un cardenal que tras el repentino fallecimiento del Papa debe supervisar el cónclave del que saldrá elegido su sucesor. El cineasta alemán, que en este filme ha dirigido también a Stanley Tucci, John Lithgow e Isabella Rossellini, presentó Jack (2014) y AllMy Loving (2019) en la competencia oficial de la Berlinale y en el apartado Panorama, respectivamente.
Después de ser guionista en títulos como Shower (La ducha, 1999), Kung Fu Hustle (2004), Curiosity Kills The Cat (2006) o The Monkey King (2014), Xin Huo (Beijing, 1980) debutará tras la cámara con Bound in Heaven. La directora china narra la peripecia de un enfermo terminal y una joven atrapada por la violencia que inician una huida contrarreloj a lo largo de varias ciudades.
La competición incluirá también la proyección de Hebi no michi / Serpent’s Path, una película de Kiyoshi Kurosawa (Kobe, 1955) sobre un hombre que urde un plan para vengar la brutal muerte de su hija. Rodada en francés y protagonizada por Ko Shibasaki, Damien Bonnard y Mathieu Amalric, la película es una nueva versión del filme homónimo que el propio Kurosawa dirigió en 1998 y que diez años después fue programado en la retrospectiva temática Japón en negro del Festival de San Sebastián. En la carrera del prolífico autor japonés destacan obras como Akarui mirai / Bright Future (2003), incluida en 2015 en el ciclo Nuevo Cine Independiente Japonés; Tokyo Sonata (Zabaltegi-Perlas, 2008), que fue Premio del Jurado de Un Certain Regard en Cannes; la miniserie Shokuzai / Penance (Zabaltegi-Especiales, 2012), o Wife of a Spy (La mujer del espía, Perlak, 2020), que ganó el León de Plata a la mejor dirección en la Mostra de Venecia.
También se estrenará en la Sección Oficial el británico Mike Leigh (Salford, 1943), que presentó en Perlak la película con la que logró la Palma de Oro en Cannes, Secrets and Lies (Secretos y mentiras, 1996), además de títulos como Naked (Indefenso,1993), con la que obtuvo el Premio al mejor director en el festival francés; All or Nothing (Todo o nada, 2002); Vera Drake (El secreto de Vera Drake, 2004), ganadora del León de Oro de Venecia, o Happy-Go-Lucky (Happy, un cuento sobre la felicidad, 2008). En la producción anglo-española Hard Truths, protagonizada por Marianne Jean-Baptiste y Michele Austin, Leigh retrata el día a día de una familia londinense y explora temas como las relaciones familiares, el duelo y la salud mental.
Diego Lerman (Buenos Aires, 1976) regresa por tercera vez a la competición con El hombre que amaba los platos voladores, un filme sobre la creación audiovisual de presencia alienígena más recordada de la televisión argentina. En el elenco artístico destacan Leonardo Sbaraglia, Sergio Prina, Osmar Núñez y Renata Lerman, quien ganó la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto en El suplente / The Substitute (2022), el otro largometraje presentado por Lerman en la Sección Oficial junto a Una especie de familia / A Sort of Family (2017), que obtuvo el Premio del Jurado al mejor guion. Trabajos previos como La mirada invisible / The Invisible Eye (2010) y Refugiado (2014) se estrenaron en la Quincena de Cineastas de Cannes antes de programarse en Horizontes Latinos.
La Sección Oficial también acogerá The End, la primera incursión en el cine de ficción de Joshua Oppenheimer (Austin, Texas, 1974). Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay, Bronagh Gallagher y Tim McInnerny destacan en el elenco artístico de este musical distópico sobre una familia adinerada que sobrevive en un bunker dos décadas después del fin del mundo. Entre los trabajos previos de Oppenheimer destacan sus obras sobre el genocidio indonesio The Act of Killing (2012), estrenada en la sección Panorama de la Berlinale y ganadora del Bafta al Mejor documental, y The Look of Silence (La mirada del silencio, 2014), que obtuvo el Gran Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI en la Mostra de Venecia. Ambos filmes optaron al Oscar al Mejor documental y formaron parte de la retrospectiva temática que el Festival de San Sebastián tituló, precisamente, The Act of Killing. Cine y violencia global.
En Quand vient l’automne / When Fall Is Coming (Cuando cae el otoño), protagonizada por Hélène Vincent, Josiane Balasko, Ludivine Sagnier y Pierre Lottin, François Ozon (París, 1967) cuenta la historia de una mujer jubilada cuya vida cambia al conocer a un hombre, el hijo de una amiga, recién salido de prisión. El filme supondrá la sexta participación del realizador francés en la Sección Oficial, donde ganó la Concha de Oro y el Premio del Jurado al mejor guion con Dans la maison / In The House (En la casa, 2012) y logró el Premio Especial del Jurado con Le refuge (Mi refugio,2009), además de presentar Sous le sable / Under the Sand (Bajo la arena, 2000), Une nouvelle amie / The New Girlfriend (Una nueva amiga, 2014) y Été 85 / Summer of 85 (Verano del 85, 2020). Asimismo, varias películas de Ozon han participado en Perlak, entre otras, 8 femmes (8 mujeres, 2002), Jeune et jolie (Joven y bonita, 2013), Frantz (2016) y Peter von Kant (2022).
Estos títulos se suman a Emmanuelle, el filme de Audrey Diwan que inaugurará la Sección Oficial a concurso, y a las películas con producción española que competirán por la Concha de Oro anunciadas recientemente: Soy Nevenka / I am Nevenka, de Iciar Bollain; El llanto / The Wailing, de Pedro Martín-Calero; Los destellos / Glimmers, de Pilar Palomero, y Tardes de soledad, de Albert Serra.
Bound in Heaven
Xin Huo (China)
País(es) de producción: China
Intérpretes: Ni Ni, You Zhou
Esta película narra la conmovedora historia de un enfermo terminal y una mujer atrapada por la violencia, que se entreteje a través de su huida tras un incidente imprevisto. Es la historia de un amor que sobrevive a los estragos de la muerte y un fugaz destello de vida entre sus sombras.
Conclave (Cónclave)
Edward Berger (Alemania)
País(es) de producción: Reino Unido – EEUU
Intérpretes: Ralph Fiennes, Stanley Tucci, John Lithgow, Isabella Rossellini, Sergio Castellitto
Conclave (Cónclave) sigue muy de cerca uno de los rituales más secretos y antiguos del mundo: la elección del Papa. Tras la inesperada muerte del Sumo Pontífice, el cardenal Lawrence es designado como responsable de dirigir el cónclave. Cuando los líderes más poderosos de la Iglesia Católica se reúnen en los salones del Vaticano, Lawrence se ve atrapado dentro de una compleja conspiración a la vez que descubre un secreto que podría sacudir los cimientos de la Iglesia.
El hombre que amaba los platos voladores
Diego Lerman (Argentina)
País(es) de producción: Argentina
Intérpretes: Leonardo Sbaraglia, Sergio Prina, Osmar Nuñez, Renata Lerman, Maria Merlino, Daniel Araoz, Mónica Ayos, Norman Briski, Agustín Rittano
El periodista José de Zer junto al Chango, su camarógrafo, emprenden el viaje hacia La Candelaria (Córdoba) tras recibir una propuesta extraña por parte de dos personajes sospechosos. Al llegar al pueblo no hay mucho que valga la pena analizar allí, tan solo un pastizal quemado en medio de los cerros. Lo que vino a continuación fue la labor de un genio mitómano con un talento oculto: la creación audiovisual de presencia alienígena más recordada de la historia de la televisión argentina.
El lugar de la otra
Maite Alberdi (Chile)
País(es) de producción: Chile
Intérpretes: Elisa Zulueta, Francisca Lewin, Marcial Tagle, Pablo Macaya, Gabriel Urzúa
Chile, 1955. Cuando la popular escritora María Carolina Geel asesina a su amante, el caso cautiva a Mercedes, la tímida secretaria del juez encargado de defender a la acusada. Después de visitar el departamento de la escritora, Mercedes comienza a cuestionar su vida, identidad y el rol de la mujer en la sociedad al encontrar en ese hogar un oasis de libertad.
Hard Truths
Mike Leigh (Reino Unido)
País(es) de producción: Reino Unido – España
Intérpretes: Mariane Jean-Baptiste, Michele Austin, David Webber, Ani Nelson, Sophia Brown, Tuwaine Barrett
Para Pansy la vida es una lucha constante. Llena de dolor físico y mental, su manera de relacionarse con el mundo es a través del enfado y la confrontación: discute con su familia, con su dentista, con su médico, con la cajera del supermercado… Su marido Curtley hace tiempo que no sabe cómo tratarla, mientras Moses, su hijo, vive inmerso en su mundo, apenas dice una palabra y lo único que hace durante todo el día es caminar sin rumbo por la ciudad. Sólo su cariñosa hermana Chantelle la comprende y puede ayudarla.
Hebi no Michi / Serpent’s Path
Kiyoshi KUROSAWA (Japón)
País(es) de producción: Japón – Francia
Intérpretes: Ko Shibasaki, Damien Bonnard, Mathieu Amalric
En los suburbios de París, Albert, un reportero freelance, jura vengar el brutal asesinato de su hija pequeña mientras Sayoko, una doctora japonesa, le ayuda en su búsqueda de venganza. Gracias a la hábil colaboración de Sayoko, ambos se acercan a la verdad que se esconde tras la muerte de la hija de Albert, pero descubren que una misteriosa secta y unos traficantes de personas están implicados en el caso. Cuando por fin todo está a punto de desvelarse, las verdaderas intenciones de Sayoko quedan al descubierto…
Le dernier souffle / Last Breath
Costa-Gavras (Grecia)
País(es) de producción: Francia
Intérpretes: Denis Podalydès, Kad Merad, Angela Molina, Charlotte Rampling, Hiam Abbass, Karin Viard, Marilyne Canto, Agathe Bonitzer
En una suerte de diálogo filosófico, el doctor Augustin Masset y el célebre escritor Fabrice Toussaint debaten sobre la vida y la muerte… Una vorágine de encuentros en los que el médico es el guía y el escritor, su pasajero, conducido a confrontar sus propios miedos y angustias… Una danza poética en la que cada paciente es un compendio de emociones, risas y lágrimas… Un viaje al corazón palpitante de nuestras vidas.
On Falling
Laura Carreira (Portugal)
País(es) de producción: Reino Unido – Portugal
Intérpretes: Joana Santos
On Falling cuenta la historia de Aurora, una mujer portuguesa que trabaja en un gran almacén de Escocia. Atrapada entre los muros de su centro de trabajo y la soledad de su piso compartido, Aurora trata de resistir al aislamiento, la alienación y la charla trivial que comienzan a amenazar su consciencia de sí misma. En un entorno dominado por una economía basada en algoritmos y diseñada para mantenernos separados, On Falling explora la lucha silenciosa y vital por encontrar sentido y conectar.
Quand vient l’automne / When Fall Is Coming (Cuando cae el otoño)
François Ozon (Francia)
País(es) de producción: Francia
Intérpretes: Hélène Vincent, Josiane Balasko, Ludivine Sagnier, Pierre Lottin
Michelle, una abuela en plena forma en todos los aspectos, vive una jubilación tranquila en un pueblecito de Borgoña, donde también reside Marie-Claude, su mejor amiga. El Día de Todos los Santos, su hija Valérie viene a verla con la idea de dejarle a su nieto Lucas durante la semana de vacaciones escolares. Pero nada ocurrirá como estaba previsto.
The End
Joshua Oppenheimer (EEUU)
País(es) de producción: Dinamarca – Alemania – Irlanda – Italia
Intérpretes: Tilda Swinton, George MacKay, Moses Ingram, Michael Shannon
The End es un musical al estilo de la Edad de Oro de Broadway sobre una de las últimas familias de la Tierra. Tras la repentina llegada de una extraña, Chica, que pone en peligro la integridad del lujoso recinto familiar que Madre y Padre poseen en las profundidades subterráneas, Hijo comienza a cuestionar la aparente perfección de su vida allí.
The Last Showgirl
Gia Coppola (EEUU)
País(es) de producción: EEUU
Intérpretes: Pamela Anderson, Kiernan Shipka, Brenda Song, Billie Lourd, Dave Bautista, Jamie Lee Curtis, Jason Schwartzman
Una experimentada bailarina debe planificar su futuro cuando su espectáculo cierra abruptamente tras una carrera de 30 años. Como bailarina de cincuenta años, se debate por saber qué hacer a continuación. Como madre, se esfuerza por reparar una tensa relación con su hija, que a menudo pasaba a un segundo plano en su vida.
Movistar Plus+ acaba de presentar un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Icíar Bollaín Soy Nevenka, adaptación al cine del libro Hay algo que no es como me dicen de Juan José Millas que indaga en un hecho real sucedido en el Ayuntamiento de Ponferrada en el año 2000. La película, previo paso por el Festival de San Sebastián, donde competirá por la Concha de Oro, llegará a los cines de nuestro país de la mano de Buena Vista International el próximo 27 de septiembre.
En Soy Nevenka vemos como una concejala de Hacienda en el Ayuntamiento de Ponferrada, sufre una persecución implacable, tanto sentimental como profesional, por parte del alcalde, un hombre acostumbrado a hacer su voluntad en lo político y en lo personal. Nevenka decide denunciar, aunque sabe que deberá pagar un precio muy alto: su entorno no la apoya, la sociedad de Ponferrada le da la espalda y los medios la someten a un juicio público. Su caso inicia en España el movimiento #metoo mucho antes de que se invente el término. Una historia inspirada en hechos reales que convierte a su protagonista en una pionera al llevar por primera vez a un político influyente y popular ante los tribunales por acoso sexual y laboral.
La película, con guion a cargo de la propia Icíar Bollaín junto a Isa Campo, esta protagonizada por Mireia Oriol, Urko Olazabal, Ricardo Gómez, Carlos Serrano, Lucía Veiga, Luis Moreno, Javier Gálego, Mercedes del Castillo, Font García y Miguel Garcés.
Dentro de las grandes figuras que nos dejó el cine de terror a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, una de las más destacadas, por su mirada personal y su manera de trabajar con los géneros de su contemporaneidad, fue Dario Argento. El cineasta italiano, deudor de toda una cultura e impulsor del giallo, es responsable de una filmografía apasionante por su desarrollo formal y la aportación, temática y estética, a una rica tradición dentro de la cinematografía de su país. Este ensayo es, por ello y ante todo, una invitación a explorar la figura de Argento y, especialmente, la conocida como Trilogía de las Madres: Suspiria, Inferno y La madre del mal forman un triplete inclasificable que va desvelando más y más capas a medida que nos vamos sumergiendo en él.
Partiendo de los escritos de Thomas De Quincey y contextualizando los precedentes giallísticos, este libro tiene como objetivo bucear en dichas películas, cuestionarlas y retorcerlas para ver qué cae, intentar descubrir si existe algo así como un estilo Argento, y aportar un granito de arena a discusiones cinematográficas con décadas de antigüedad alrededor de unas obras tan influenciadas por lo que las precedieron como influyentes en mucho cine de género que vino después. Un estudio, en definitiva, sobre películas fascinantes de rojos profundos y azules imposibles.
Autor: Daniel Cabo. Editorial: APPLEHEAD TEAM CREACIONES, Páginas:
Dark Sky Films acaba de publicar un primer avance, en forma de tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del thriller independiente Hostile Dimensions. Dirigido por el escoces Graham Hughes, Death of a Vlogger (2019), la película, un found footage que mezcla elementos de terror y ciencia ficción, tras su paso por festivales como el reciente FrightFest y el Beyond Fest del pasado año, se estrenará en Estados Unidos vía VOD el próximo 23 de agosto de 2024.
Hostile Dimensions nos cuenta como dos documentalistas se adentran en una investigación sobre la misteriosa desaparición de un artista grafitero que repentinamente se desvaneció sin dejar rastro alguno. A medida que la investigación se desarrolla, se encontrarán con una puerta que los transporta a un oscuro viaje a través de oscuras dimensiones que se encuentran al otro lado. Decididos a descubrir la verdad, se darán cuenta de que se han topado con algo mucho más misterioso y aterrador de lo que podrían haber imaginado en un primer momento.
La película, con guion y papel principal a cargo del propio Graham Hughes, está protagonizada por Annabel Logan, Joma West, Paddy Kondracki, Josie Rogers, Stephen Beavis, Andy Stewart y Cedric Gall.
Este documental repasa la historia de Rai Benet, Guillem Boltó y Klaus Stroink, los jóvenes catalanes que le pusieron banda sonora a la pandemia.
Filmin estrena el próximo viernes 2 de agosto, en exclusiva en España y en el marco del Atlàntida Mallorca Film Fest, el documental «Stay Homas. La banda que no debería existir», una película que retrata el fenómeno internacional de Stay Homas, el trío de músicos catalanes que lograron hacerse virales en todo el mundo al colgar una nueva canción cada día en Instagram desde su terraza, durante los peores días del confinamiento causado por la pandemia de la Covid-19 en 2020. Su alcance fue tan mayúsculo que Rai Benet, Guillem Boltó y Klaus Stroink, los tres miembros de Stay Homas, llegaron a grabar temas en colaboración con artistas como Pablo Alborán, Sílvia Pérez Cruz o Manu Chao, y Michael Bublé compartió un cover de una de sus canciones más conocidas: «Gotta be patient».
Como todas las historias de éxito fulgurante, la de Stay Homas es también una historia agridulce, repleta de grandes éxitos y momentos más complicados. Tal y como los define Nick Bolger, codirector del documental junto a Guillem Gispert y Ramón Balagué, «son tres hombres normales que no buscaron la fama y que han estado luchando contra ella». Romper un contrato con una discográfica internacional como Sony Music, o anunciar una retirada indefinida a finales de 2023, són algunos de los pasos dados por los tres jóvenes catalanes para tratar de recuperar la normalidad previa a la pandemia. «Homas nos ha dado y nos ha sacado mucha vida y después de la gira del año que viene nos despediremos de los grandes escenarios», anunciaban en noviembre en Instagram.
Uno de los aspectos en los que profundiza el documental es el «hate» en redes sociales al que tuvo que hacer frente el grupo casi al unísono con su éxito internacional. Su estilo optimista y desenfadado resultó muy pertinente durante un tiempo, pero a algunos les acabó resultando indigesto. El cantar en inglés y no hacerlo en catalán fue también origen de muchos mensajes de desprecio. «Es muy representativo de la sociedad en la que vivimos, en la que haces algo y todo el mundo opina en redes, para bien o para mal. Queríamos retratar cómo vivieron ellos los comentarios de los haters», explica Guillem Gispert.
Los tres directores contactaron con Stay Homas durante la pandemia casi por azar, y les convencieron para dejar constancia en un documental de todo lo que estaban viviendo. Por ello, «Stay Homas. La banda que no debería existir» tiene acceso exclusivo a momentos muy íntimos de la banda. «Hay un momento en el que se dan cuenta de que no quieren ser el grupo de la terraza, pero a su vez es su identidad, y esta lucha contra el origen hace que pasen cosas, que es lo interesante de cualquier película, opina Gisbert, quien destaca la presencia de la directora de fotografía Camille Irrgang, de la misma generación que Rai, Guillem y Klaus, como llave para acceder a algunos de los momentos más reservados del grupo.
«Stay Homas. La banda que no debería existir» es una producción de La Lupa Produccions, Icon International y Minifilms TV, en coproducción con 3Cat, el soporte del ICEC y la difusión de Filmin. Llega ahora directa a la plataforma de manera exclusiva tras su estreno en el Festival de Málaga en marzo.
Érase una vez tres niños que intentaban descifrar el control parental de su videoconsola y dar con la receta de la tarta de arándanos perfecta. Érase una vez una secta de cazadores furtivos que no paraban de discutir y una niña con un don élfico.
Como últimamente viene siendo habitual, varias fueron las propuestas vistas en el pasado festival de Sitges que intentaron con mayor o menor fortuna reconfigurar patrones genéricos que han tenido una presencia destacada en el fantástico pretérito y contemporáneo, nos detendremos en una película que discurre por ese ideario de una forma cuestionable. Riddle of Fire, del debutante Weston Razooli, pretende recuperar conceptos de la aventura infantil como perpetuo relato happy place. En el film vemos como tres niños que intentan descifrar el control parental de su videoconsola tendrán que dar con la receta de la tarta de arándanos perfecta para el cumpleaños de su madre convaleciente, y así, a modo de premio, poder acceder al juego.
Riddle of Fire recurre en todo momento a una narrativa adyacente y deudora de la cultura popular, la trama apela al lenguaje del videojuego, también a una suerte de fábula infantilizada de tono medieval, el problema surge al comprobar como aquí la mirada, de un claro e incuestionable tono hipster, intenta situarse por encima de la complacencia que pretende mostrar, intentar presumir de rodar en 16mm, o acabar el relato bajo los acordes musicales del Cannibal Holocaust de Riz Ortolani a modo de guasa, no significa forzosamente ser el más listo de la clase, mucho menos estar a la altura, o aproximarse, a los clásicos cinematográficos en los que se sustenta.
Quizás el punto más destacado del film de Weston Razooli radique en ese ideario en donde las alegrías de nuestra juventud chocan de forma abrupta con las realidades menos interesantes de la edad adulta. Sin embargo, esa serie de obstáculos entre los jóvenes y su misión resulta más agotador que estimulante, incluso cuando se trata de algo que pretende ser divertido, aquí solo de forma ocasional y esporádica.
Acaba de ser presentado de la mano de Searchlight Pictures un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de A Complete Unknown, biopic musical que nos muestra los primeros años del mítico cantautor Bob Dylan en la ciudad de Nueva York. Dirigida por James Mangold, Copland (1997), Identity (2003), 3:10 to Yuma (2007), Logan (2017), la película llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo mes de diciembre.
A Complete Unknown está ambientada en la influyente escena musical de Nueva York de principios de los años 60, en ella vemos el meteórico ascenso del músico de Minnesota Bob Dylan, un cantante de folk de 19 años, hasta las salas de conciertos y lo más alto de las listas de éxitos. Sus canciones y su mística se convirtieron en un fenómeno mundial que culminó en 1995 con su rompedora actuación de rock eléctrico en el Newport Folk Festival.
La película, con guion a cargo del propio James Mangold junto a Jay Cocks, está protagonizada por Timothee Chalamet, Elle Fanning, Monica Barbaro, Edward Norton, Boyd Holbrook, Scoot McNairy, Dan Fogler, Will Harrison, Charlie Tahan, P.J. Byrne, Eli Brown, Nick Pupo, Big Bill Morganfield, Laura Kariuki, Eric Berryman, David Alan Basche, Joe Tippett y James Austin Johnson.
es uno de los cineastas con más proyección del panorama actual. Director, montador y guionista, ganó el Goya al Mejor Director Novel (2015) por su ópera prima, 10.000 KM, film que además le reporta numerosos premios en, entre otros, el South By Southwest Film Festival SXSW (2014), el Festival de Málaga o los Premios Gaudí, así como la nominación en los European Film Awards.
Jessica Sarah Rinland (Argentina)
