Categoría: Festivales

Crónica Festival de San Sebastián 2023 (III)

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Miradas limítrofes: New Directors/Zabaltegi-Tabakalera/Horizontes Latinos
Dentro de las secciones periféricas del certamen, y como colofón a las crónicas del festival de San Sebastián 2023, nos detendremos de forma breve en algunas propuestas presentes en dichas parcelas. New Directors volvió a evidenciar una marcada crisis de identidad respecto a pasadas ediciones, a la hora de ofrecer una mirada que parecía estar más centrada en lo concerniente a contenidos y cuotas que en autorías. Solo así se entiende la presencia de una cinta de las características de Last Shadow at First Light, primer largometraje de Nicole Midori Woodford, en donde vemos a una joven que se embarca en un viaje de Singapur a Japón en busca de su madre desaparecida como consecuencia de un tsunami. Supuesto ejercicio de índole fantasmagórica y onírica, que orbita bajo el concepto de la presencia-ausencia y la memoria adyacente a ella; Relato que intenta abarcar un ideario demasiado amplio, materializándose en una especie de esbozo, transitado ya en demasiadas ocasiones, plagado de silencios y contención gestual y que termina siendo voluntarioso en su cometido de indagar a cerca de una idea de connotaciones fantásticas con relación a presencias que mediante la sugestión resultan tangibles, pero insuficiente a la hora de transmitir un suceso rupturista desde un punto de vista emocional, de expresar una idea del trauma que aquí acaba resultando poco original. Más convencional, aún si cabe, se percibe la cinta Mother, Couch!, debut en el largometraje de Niclas Larsson, un film basado en la novela Mama i soffa de Jerker Virdborg, que parte de la premisa de un hecho, en un principio anecdótico: el intento infructuoso de tres hermanos por sacar de un almacén de muebles decrépito a su madre que se niega a salir; el absurdo, lo inverosímil transmuta en lo surreal, con relación a mostrar los vaivenes de una familia fracturada. A partir de dicho planteamiento, Mother, Couch! basa su razón de ser a través de una dialéctica pretendidamente cínica en lo concerniente a una emoción maternofilial intuida tan luminosa como oscura. Sin embargo, sea cual sea el misterio que intenta generar la película, nunca alcanza un punto álgido percibido como satisfactorio, y mucho menos con relación a un desarrollo dramático que posiblemente la historia necesite. A pesar de todo ese subterfugio narrativo y su supuesta complejidad, a propósito de una confusa hibridación genérica de tragedia y comedia colindante al mumblecore, la película termina generando un ruido sordo y anticlimático.
De vínculos paternos también trata la cinta de Kazajstán Bauryna salu, interesante debut de Ahkhat Kuchencherekov que nos muestra el fin de la infancia, el paso a la vida adulta, concepto bastante trillado en determinado cine autoral que aquí utiliza y en parte solventa convencionalismos mediante una narrativa dual del retrato psicológico e intimista de un joven que necesita encontrar sus raíces, y el de una sociedad, en donde según qué tradiciones ancestrales aún siguen estando vigentes, una de ellas es la de los primogénitos que son separados de sus padres para ser entregados a los abuelos. Relato que tiene la virtud de transitar mediante una mirada de tono etnográfico en lo concerniente a la complejidad adyacente a la vida rural, lo hace mediante manierismos formales cercanos al documental en donde somos testigos de un tratado que versa sobre el concepto de la pérdida, y cómo ésta se materializa en una forma de subsistencia. Por su parte, la japonesa Beyond the Fog fija su mirada en la naturaleza y lo pretérito como plenitud ante la indecisión del individuo, también muestra, casi a modo de epifanía, la vida cotidiana en lugares apartados, y cómo estos entran en declive debido a la modernización. Película de claras texturas simbólicas y contemplativas, que requiere de bastante predisposición por parte del espectador si no quiere caer en el estado narcótico de sus personajes. Con todo y eso, un tipo de cine preferible a numerosas zafiedades rurales patrias vistas en esta edición del Zinemaldia.
Presente en la sección Horizontes Latinos, Los colonos, ópera prima del chileno Felipe Gálvez, es percibida como una película que se desenvuelve bastante mejor en relación con su estética, a través de ella se desarrollan conceptos genéricos que nos derivan a los cánones del western, incluso al terror, que como relato de denuncia antiimperialista que supuestamente cuestiona la identidad de un país que se construyó sobre el sangriento genocidio de la población indígena. Relato que dialoga con el espectador en su tramo final, en donde se agradece que la mayor parte de su metraje anteponga la exploración, o incluso lo antropológico, a lo meramente propagandístico, con relación a su mirada ideológica sobre el pasado. Por su parte, la cinta brasileña Pedágio de Carolina Markowicz indaga en facetas más mundanas de nuestro presente mediante una atractiva mezcla de realismo y sátira. Cercana a la comedia de tono lúdico, la película explora la relación de una madre soltera con su hijo adolescente, y cómo ésta, de forma infructuosa, intenta reconducirle hacia la heterosexualidad. A través de dicho planteamiento expone un sutil retrato de la actual sociedad brasileña conservadora, en especial del sinsentido que anida en los pensamientos más retrógrados, también en una supuesta superioridad moral como antesala del recelo en un Brasil dividido por una serie de prejuicios que parecen estar profundamente arraigados en el subconsciente colectivo de gran parte de su población. Presente dentro de la sección Zabaltegi-Tabakalera, bastante más interesante y sólida resultó La Palisiada del realizador ucraniano Philip Sotnychenko, thriller policial ucraniano provisto de un humor de tono oscuro que explora eficazmente la difícil crónica postsoviética de un territorio, a través de la historia de dos viejos amigos, un detective de policía y un psiquiatra forense que investigan el asesinato de un compañero. Relato que también funciona a modo de obra política, donde se muestra la imposibilidad de seguir los dictados morales de distintas épocas mediante las imágenes que nos han legado sus formatos de grabación a través de ellos, y de unas abruptas elipsis, también seremos testigos de un análisis sobre el propio medio cinematográfico. Un cine tan fascinante como irritante, dada su severidad formal y que tiene la virtud de reflexionar y exponer una de las críticas más mordaces realizadas sobre la mentalidad policial en Europa del Este.

 

De genios pretéritos y presentes: Hiroshi Teshigahara/David Fincher
Veinte títulos, entre largometrajes, mediometrajes y cortometrajes, integraron la retrospectiva clásica dedicada al cineasta vanguardista japonés Hiroshi Teshigahara, autor fundamental dentro del cine japonés de los años 60 y 70, gracias a una serie de trabajos que transitan a través de una poética experimental que también resulta clave por su prolífica colaboración con el escritor Kobo Abe. El ciclo estuvo acompañado por la publicación del libro de Inuhiko Yomota Crónicas de vanguardia. Conversaciones con Hiroshi Teshigahara. A tal respecto, un breve inciso en dos revisiones presentes en la retrospectiva: por un lado, The Trap, que parte de la premisa del misterio ocasionado por una serie de inexplicables asesinatos en una abandonada comunidad minera, es percibida como uno de los mejores debuts en la dirección de la historia del cine, un fascinante relato de pliegues documentales y tono fantástico, gracias a un sentido del tiempo oblicuo que nos habla sobre la naturaleza del ser humano. Su inquietante narrativa nos muestra una fantasmagoría expuesta en torno al concepto del doppelgänger, con evidentes referencias al neorrealismo, hace que su discurso visual siga resultando hoy en día deslumbrante. La también fantástica The Man Without a Map viene a ser un perfecto ejemplo de la manera en la que ciertos autores como Hiroshi Teshigahara usaron en su día coordenadas genéricas, aquí sustraídas de las intrigas criminales a la hora de crear films subversivos y muy personales. Película en donde se cambia el blanco y negro por el color y la pantalla panorámica, que nos muestra una transferencia de personalidades, la deconstrucción de una identidad que nace a través de un proceso de investigación que termina desembocando en un descenso al caos y la locura. Si en la extraordinaria The Man Without a Map el actor Shintaro Katsu de alguna manera se volatiliza, en los dos episodios de la saga Zatoichi dirigidos por Hiroshi Teshigahara, Shin Zato-Ichi. Niji no tabi y Zato-Ichi New Series. Wander of the Rainbow, su figura está muy presente. Oportunidad única para poder disfrutar en pantalla grande de dos relatos de un personaje tan complejo como popular dentro del imaginario nipón. De pasado incierto, sus aventuras delatan un presente constantemente amenazado por un exacerbado reflejo que lo ha llevado a matar inocentes, existencia también condicionada por la incapacidad de reprimir la violencia de su espada ante los estallidos de injusticia a los que se ve abocado.
Como broche a esta última crónica de lo visto en San Sebastián 2023, la sesión sorpresa de este año vino de la mano del estadounidense David Fincher y la estupenda The Killer, relato con evidentes ecos bressonianos y del thriller de los 70, sobre un asesino a sueldo adscrito a un método, y cómo éste se ve abruptamente alterado. Película que convierte en narrador al prototípico antihéroe melvilliano a través de una caligrafía audiovisual perfectamente coreografiada, con relación a actualizar coordenadas genéricas del thriller mediante formas destiladas, siendo al mismo tiempo válido en su cometido de reflexionar sobre nuestro presente como relato de su tiempo, que indaga sobre la identidad y las reglas contiguas a un manual de supervivencia utilizado en una jungla plagada de falsas pistas e individuos que deciden el destino de otros a través del corporativismo. Admirable en referencia a su sentido del ritmo y del montaje, sorprende que muchos, a tenor de su supuesta austeridad argumental, consideren The Killer como uno de los trabajos más simples por parte del responsable de Seven, cuando en realidad termina siendo uno de los más complejos y fascinantes de su autor.

 

Palmarés

Concha de Oro a Mejor Película: ‘O Corno’, de Jaione Camborda
Concha de Plata a la Mejor Dirección: Tzu-Hui Peng y Ping-Wen Wang por ‘Chun Xing/ Un viaje en primavera’
Concha de Plata a Mejor Interpretación Principal: Tatsuya Fuji por ‘Great Absence’ y Marcelo Subiotto por ‘Puan’
Concha de Plata a Mejor Interpretación de Reparto: Hovik Keuchkerian por ‘Amor’
Premio Especial del Jurado: ‘Kalak’, de Isabella Eklöf
Premio del Jurado a Mejor Guion: María Alché y Benjamín Naishtat por ‘Puan’
Premio del Jurado a Mejor Fotografía: Nadim Carlsen por ‘Kalak’
Premio Nuev@s Director@s: ‘Bahadur the brave’, de Diwa Shah
Premio Horizontes: ‘El castillo’, de Martín Benchimol
Premio Zabaltegi: ‘El auge del humano 3′, de Eduardo Williams
Premio Zabaltegi Mención especial: ‘El juicio’, de Ulises de la Orden
Premio del público: ‘La sociedad de la nieve’, de Juan Antonio Bayona
Premio del público a la mejor película europea: ‘Io Capitano’, de Matteo Garrone
Premio Irizar al cine vasco: ‘El sueño de la sultana’, de Isabel Herguera
Premio Euskolabel: ‘Latxa’, de Mikel Urretabizkai
Premio Otra Mirada: ‘The Royal Hotel’, de Kitty Green
Premio de la Cooperación Española AECID: ‘La estrella azul’, de Javier Macipe
Premio Mejor Película Culinary Zinema: ‘La passion de Dodin Bouffant’, de Tran Anh Hung
Premio Feroz Zinemaldia: ‘Un amor’, de Isabel Coixet

 

Crónica Festival de San Sebastián 2023 (II)

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Autorías y tendencias del hoy: Perlas
La sección Perlas volvió a ser ese reducto equidistante destinado en su gran mayoría a autorías consagradas que, de alguna manera, han marcado el baremo fijado desde una primera línea de flotación, en relación con la calidad cinematográfica de este 2023 en una edición algo más liberada respecto a anteriores años en lo concerniente a compromisos, en apariencia ineludibles, con ciertas distribuidoras patrias. El balance final puede considerarse como positivo en un año marcado por testamentos fílmicos de grandes referentes y consagraciones por parte de una serie de autores destinados, en un principio, a formar parte de un consecuente relevo generacional.
El veterano Wim Wenders, después de una última etapa bastante difusa, presentó en Perlas su mejor film en años, Perfect Days, un afortunado regreso a la ficción a través de una película que de alguna manera progresa respecto a trabajos anteriores de su autor de complicada justificación; Palermo Shooting  (2008) o Inmersión (2017) serían dos buenos ejemplos de ello. Mediante un tipo de cine, en apariencia voluntariamente menor, fundamentado desde un minimalismo que nos muestra una narrativa entendida como poética, nos muestra el retrato íntimo de un limpiador de lavabos públicos, un héroe cotidiano bajo los rasgos de un superlativo Koji Yakusho, en el Tokio del presente. Perfect Days puede ser entendida a modo de tratado y estudio de un determinado estado de ánimo, situado en la historia a medio camino entre la felicidad y la melancolía, que conduce al protagonista al disfrute de los placeres de la vida a través del simple detalle. Relato que conversa con la soledad de manera sutil con relación a su adscripción a lo filosófico, de perspectiva sosegada y deudor del cine de Yasujiro Ozu, tiene la gran virtud de reconciliarnos con cierta austeridad de cinematografías pretéritas.
Otro referente del cine autoral europeo contemporáneo como es Aki Kaurismäki presentó Fallen Leaves, película que goza del beneplácito de apartarse de imposiciones supuestamente trascendentales, y también de representar en apenas ochenta minutos lo más esencial de una obra, aquí de una condición percibida como plenamente autorreferencial. Lo hace mediante una historia de una solidez formal apabullante, en donde cada toma tiene un sentido específico. Ambientada en nuestros tiempos, aunque como todos los trabajos del responsable de La chica de la fábrica de cerillas, tiene una puesta en escena inusualmente retro, evidente incluso en el mínimo detalle de diseño, Fallen Leaves, como fábula obrera que es, apela a la dignidad del proletariado, a través del acercamiento emocional de dos parias que viven en los márgenes, cuyo amago de romance termina siendo un paradigma sobre cómo reconducir el fatalismo melodramático a ese concepto de supuesto amor verdadero que suele emerger de las acciones y gestos más simples. Otra película fascinante, aunque bastante más inquietante, es The Zone of Interest, adaptación de la novela homónima del británico Martin Amis, que revisita de forma perturbadora el Holocausto a través de un fuera de campo visual y sonoro que nos conduce a cierta metodología geométrica colindante a imaginarios formales propios de Stanley Kubrick, en donde rituales y cotidianidad muestran el mal escondido bajo una alfombra, y cómo éste puede florecer desde la eventualidad más banal hacia un descenso al abismo, y a la pérdida de perspectiva moral que se deriva de ello. Acercamiento original en forma de tesis que funciona como tal, convirtiéndose en una obra adulta y atrevida, al situarse de forma inteligente en las antípodas de la emotividad de Schindler’s List, o del virtuosismo explícito de Son of Saul, a través de un enfoque de tono casi antropológico. Un auténtico drama que Jonathan Glazer, director de indiscutible talento, se prodigue tan poco y en periodos tan largos de tiempo.
Un sospechoso habitual de San Sebastián y la sección Perlas es el japonés Hirokazu Koreeda, su último trabajo tras las cámaras, Monster, es una reiteración constante en su obra como son las familias desestructuradas y el imaginario infantil ubicado en dinámicas sociales poco placenteras. Al igual que en Rashomon, el responsable de Air Doll recurre a una narrativa fragmentada mediante la cual veremos un mismo hecho a través de distintas personas y puntos de vista, del observador y su subjetividad. Al igual que la reivindicable Radio Flyer de Richard Donner, sustituyendo la opresión familiar por el bullying escolar, Monster, que parte de la emoción de poder escuchar la última banda sonora compuesta por Ryūichi Sakamoto, indaga en el maltrato al menor y lo hace examinando la realidad desde los matices y las supuestas contradicciones preguntando al espectador: ¿Quiénes son realmente los monstruos? Cuestión que posiblemente termine desvelándose a través de unas imágenes ausentes al inicio y que luego se materializan de forma dolorosa, yendo más allá del concepto de fábula amable y solución fácil muy presente en las últimas películas de Koreeda.
Otra figura recurrente en Perlas suele ser la presencia de la última ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes. Después de unos años con películas bastante cuestionables, Anatomie d’une chute de Justine Triet vino a ser una galardonada de cierto consenso. Al igual que Les Chambres Rouges de Pascal Plante, aunque desde un planteamiento distinto, estamos ante una cinta que reformula el concepto del relato de juicios, aquí no se busca la verdad de un hecho luctuoso, de una muerte, ¿suicidio o un asesinato?, más bien se reflexiona, pues no hay una resolución entendida como tal, desde postulados bergmanianos, sobre la compleja anatomía de una pareja, en donde lo que se judicializa realmente son sus vidas privadas. Tiene la virtud de saber transitar por esquemas dramáticos que fluctúan sobre el ideario de la dualidad, a través de una delgada línea que separa lo real de lo ficticio. Estos temas, como la mirada del otro en calidad de ente que influye en nuestra cotidianidad, por ejemplo, se examinan y entrelazan en una película rica en matices, cuya principal virtud posiblemente sea la de hacer de algo supuestamente obvio una disquisición sutil. Por su parte la notable May December también transita por conceptos y narrativas ambiguos, en esta ocasión los adyacentes al biopic, al arquetipo del ama de casa estadounidense, o incluso de un noir de telenovela, todo ello derivado de un caso real mediático, la relación entre Gracie Atherton-Yu y su joven marido Joe, profesora y alumno, que escandalizó a todo un país. Ejercicio metafílmico a modo de rompecabezas identitario que parece pervertir el Persona de Ingmar Bergman, Todd Haynes ofrece una mirada oscura e hilarante de un American way of life disfuncional, la trama transcurre en la localidad Savannah, escenario ideal para plasmar dicho concepto y que nos remite al gótico americano. Cine construido a partir de la superposición de capas, a través de ellas se puede percibir un imaginario turbio, alejado del ejercicio de estilo habitual en los últimos trabajos de Haynes, que nos devuelve a la mejor etapa de su autor, aquella que al igual que en Poison o Safe, habla de ambigüedades morales, de identidades ocultas, que terminan por reflejarse en la máscara del otro.
En Io Capitano Matteo Garrone abandona imaginarios fantásticos habituales en su trayectoria, como The Tale of Tales (2015) o Pinocho (2019), fábulas oscuras marcadas por un fuerte estilo visual con un toque neogótico, para posicionarse casi en la antítesis de dichos postulados, a la hora de contarnos una historia de realismo descarnado, sobre el largo y difícil viaje migratorio de dos adolescentes senegaleses que sueñan con llegar a Europa. Poniendo el foco en el sentimiento de comunidad que existe entre los inmigrantes y el horror de la realidad de la inmigración, la película aborda un temario que en muchas ocasiones suele derivar en un tipo de cine convencional como es el relato de una madurez forzada, y la correspondiente pérdida de inocencia que se deriva de ello. Encuentra su validez en un tramo final que retoma una vez más el concepto de cuento de hadas tan característico en su autor, a través de la historia de un príncipe africano, huérfano de padre, que se encuentra y supera una serie de pruebas en su camino hacia la autorrealización. Bastante más decepcionante resulto la epopeya histórica Bastarden, película que nos sitúa en el año 1755, mediante las peripecias de un empobrecido y retirado capitán del ejército, bajo los rasgos del mediático Mads Mikkelsen, que se dispone a conquistar los duros e inhóspitos páramos daneses con un objetivo aparentemente imposible, crear una colonia en nombre del rey. El film del danés Nikolaj Arcel, que regresa a su país después de su monótona adaptación de The Dark Tower, parte de unos postulados ciertamente interesantes, casi a modo de un western como estado mental, al exponer un enfrentamiento que surge de lo anecdótico, y que se trasforma paulatinamente en algo con connotaciones atávicas, con relación a oscuros conflictos sociales y de raza que acechan la psique humana. Síntesis que nos puede recordar en un principio al The Duellists de Ridley Scott, pero que en Bastarden queda supeditado a su ineludible condición de blockbuster de época, de relato ampuloso, en ocasiones desmedido en contenidos que apenas desarrolla, construido sobre la reiteración de binarios conceptos morales, termina siendo tan eficaz como producción expansiva de altos vuelos, pero demasiado terrenal con relación a una naturaleza fílmica intuida como poco sutil.
Más desenfadada y acertada en propósitos es Dumb Money, revisión del famoso caso GameStop, en donde el realizador Craig Gillespie, que vuelve a inspirarse en un caso real, articula todo el relato a través de las formas y las apariencias, éstas como viene siendo habitual en su cine, I, Tonya (2017) como gran paradigma de ello, nos termina planteando bastantes más interrogantes que respuestas, aquí con respecto al abstracto flujo del capital y el sistema financiero. Comedia ágil, y supuestamente idealista, por momentos satírica en su función de ejercicio de docuficción, que adolece de una cierta falta de consistencia a la hora de trascender a modo de relato de denuncia, en donde se segmenta el presente a través de una interesante radiografía que hace de la exacerbación de lo virtual en los humildes que levantan las armas, sobre la maltrecha fantasía del sueño americano, ya expuesta desde otros parámetros en películas recientes como The Wolf of Wall Street de Martin Scorsese o The Big Short de Adam McKay. Tesis que nos deriva a la consabida narrativa de David contra Goliat, ésa que nos dice, sin que sirva de precedente, que la banca no siempre gana. Posiblemente la propuesta más lúdica y disfrutable, en este sentido los acordes musicales de Seven Nation Army ayudan bastante, de esta edición de la sección Perlas.
Por su parte el mexicano Michel Franco, al igual que en su anterior Sundown (2021), vuelve en Memory a indagar sobre vínculos emocionales con fecha de caducidad. En ambas películas se intenta desvirtuar ese concepto clásico del boy meets girl; en Memory lo hace a través de una historia en donde dos maltrechos personajes solo pueden huir de sus infiernos particulares mediante una unión sexual y afectiva que parece transgredir a los que les rodean. Michel Franco nunca ha sido un realizador proclive a la complacencia, a poner las cosas fáciles al espectador, ni en sus dramas psicológicos más íntimos como Chronic, ni en proyectos de una mayor envergadura como New Order, su descripción de la sociedad mexicana moderna en modo apocalíptico. Memory, que recupera la austeridad tonal los primeros trabajos de su autor, tampoco llega a ser un trabajo de connotaciones benévolas, aunque sea un melodrama que dé la sensación de haber sido visto anteriormente, tiene la virtud de evitar la obviedad a través de una historia en donde todo parece girar mediante la redención, por medio de ella, asistimos a la reinvención de unos personajes, supeditados a una oscuridad del pasado que ha dejado huella en sus psiques, y como éstas, terminan siendo proyectadas a un presente condicionado de forma inevitable. El japonés Ryusuke Hamaguchi, autor en boga dentro de la actual cinefilia, presentó Evil Does Not Exist, película aparentemente distanciada del relato introspectivo del individuo presente en La ruleta de la fortuna o Drive My Car, a la hora de abordar una temática de un tono más global, representado en la historia a modo de fábula ecológica sobre la resistencia de una comunidad rural frente a la gentrificación a la que parece verse abocada. Hamaguchi, que vuelve a hacer gala de una noción única del tiempo cinematográfico, del silencio que subyace tras cada línea de dialogo, no se muestra sin embargo tan acertado respecto a anteriores trabajos, en lo relativo a la condición de relato extraño que maneja, por momentos indescifrable, también con relación a transiciones argumentales poco dadas a un seguimiento dócil. Por suerte no estamos ante una película de Ken Loach, en donde el drama social-realista o el derribo capitalista suelen ser las prioridades básicas de la agenda, Evil Does Not Exist expande expectativas, al menos lo intenta, aunque de forma algo difusa, hay continuos cambios de punto de vista, pasando de lo poético a una tentativa de thriller y viceversa, al final el tratado parece claro, las contradicciones existentes entre tradición y progreso, el trayecto que nos dirige a dicha conclusión, incapaz de anticipar qué rumbo tomar durante su desarrollo, no lo es tanto.
Tras el buen recibimiento cosechado por su anterior y notable Undine, Christian Petzold, autor que parece anclado en un perpetuo estado de gracia, presentó otra historia cuya mutación narrativa no se percibe sin embargo tan arbitraria como en la última película de Ryusuke Hamaguchi. Afire, posiblemente el film más accesible de la filmografía del responsable de Phoenix, parte de situaciones y personajes aparentemente banales, casi a modo de una comedia de enredos veraniegos, en donde vemos la reunión de cuatro jóvenes en una casa junto al mar Báltico, uno de ellos un escritor que se encuentra en un importante bloqueo creativo, para terminar desembocando en un trasfondo provisto de varias capas y lecturas. Estos lugares comunes, cotidianos, que de alguna manera son manipulados, la comparación con el cine de Eric Rohmer se antoja como inevitable, terminan derivando en representaciones humanas ciertamente complejas, una de ellas podría ser el retrato del escritor que termina dependiendo más de las experiencias vividas que de su talento, también complejo en relación con su condición de historia de tono metalingüístico, esa amenaza de incendio representado como ente que expande la adversidad y el temor, a la hora de impedir la evolución artística y personal del personaje principal. Bastante menos acertado resultó el nuevo trabajo tras las cámaras del realizador francés Ladj Ly Bâtiment 5, intento de secuela espiritual de su anterior y más entonada Les Misérables, a través de una historia, en donde la policía ya no es el centro de la acción, que vuelve a fijar su mirada en los desfavorecidos ubicados en la periferia de una gran ciudad, a modo de relato, próximo con la militancia, que pretende ser heredero del cine social y callejero del cine francés. Película que se sitúa a medio camino entre la resistencia y la denuncia sobre falsas equivalencias, Bâtiment 5, adolece del gran déficit de confundir la palabrería con la circunspección, también se percibe como insuficiente en su intento de complicar personajes y tramas que tienen bastantes menos matices de los que da a entender en un principio. Carencias que dan la sensación de querer ser paliadas mediante una grandilocuencia hollywoodiense de tono visual, con un abuso excesivo y ridículo de drones aéreos en una película equivocada, tanto en su intento de querer invocar un espíritu social incendiario, como en su función de pretender ser un alegato contra un prejuicio sistémico.

 

 

 

Crónica Festival de Sitges 2023 (IV)

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La no ficción y estimulantes revisiones

Para finalizar el repaso de este Sitges 2023, un recorrido parcial por tres secciones periféricas muy alejadas del evento entendido como tal, que de alguna manera le da un fundado sentido a la existencia y a la labor de un certamen cinematográfico: Sitges Documenta, a través de un cometido casi pedagógico con el cinéfilo, Seven Chances, sección que con el paso de los años ha ido encaminada hacia un tipo de cine menos autoral y más genérico, en referencia a una vertiente más fantástica, que en la mayoría de las ocasiones aprovecha la remasterización, o los Director’s Cuts de títulos algo olvidados hoy en día, que a través de dichas reediciones gozan de una segunda vida, y Sitges Clàssics, parcela más global que sustituye el concepto entendido anteriormente como retrospectiva, y que resulta fundamental en su función de revisitar un tipo de cine pretérito, que este año de forma satisfactoria, se ha visto reforzado con la proyección de un mayor número de películas con respecto a ediciones pasadas.

Sitges Documenta

En el apartado de documentales que transitaron al margen de las coordenadas del estudio cinematográfico, destacaron Kim’s Video de David Redmon y Ashley Sabin, historia que nos sitúa justo después del cierre del legendario videoclub neoyorquino en 2008, a través de un trabajo que afortunadamente evita la enésima revisión nostálgica del fin de una era de consumo mediante un estimulante, y por momentos divertido, ejercicio de periodismo gonzo derivado del estilo de Michael Moore, con cierta apariencia de thriller y que aborda múltiples géneros y estilos. Con ciertas similitudes a otro trabajo de no ficción como Atari: Game Over (2014) con relación a la búsqueda de quimeras de la cultura popular, Kim’s Video parte de la premisa de seguir la pista a una colección de 55.000 películas propiedad de dicho videoclub, que una década después de su cierre parece estar desaparecida. Los responsables del documental, en el papel de investigadores, se trasladaron a Salemi, un pequeño pueblo de Sicilia, escenario alejado de cualquier tipo de canon cinematográfico, que adquirió dicha colección con oscuros fines burocráticos; documental cuyo complejo subtexto, la obsesión cinematográfica o el ambiguo juego entre imaginación y realidad, logra adecuarse de forma satisfactoria a una trama de indudable tono empático para fanáticos del cine. Menos compleja con relación a estructuras narrativas resultó Satan Wants You de los directores Steve J. Adams y Sean Horlor, un documental que explora el fenómeno conocido como “Satanic Panic”, surgido a principio de la década de los 80, cuyo principal origen se focaliza en la publicación del libro Michelle Remembers, obra del psiquiatra canadiense Larry Pazder y su paciente Michelle Smith, en donde se relata cómo esta última fue entregada siendo niña a una secta satánica que le infligió todo tipo de vejaciones y abusos. Lástima que una premisa tan interesante, que parte de la idea de explorar las raíces de una era de sugestión, locura y paranoia en Estados Unidos, no estudie de forma integral dicho movimiento, quedándose en una suerte de documento de investigación de índole testimonial con abundante material de archivo centrado en la ambigua relación de dos personajes como principal motor argumental a la hora de desmontar un asunto que aporta muy pocas novedades para quienes ya conozcan el caso. Como mal menor, hay una interesante y soterrada contextualización con la actualidad, a través de curiosos paralelismos entre la histeria religiosa de los años 80 y las teorías de conspiración imperantes en políticas del presente.
Centrándose en el análisis de autorías y géneros cinematográficos, dos propuestas indagaron de diferente forma en el cine de terror italiano, por una parte, Dream Time de Claudio Lattanzi pone el foco en los últimos estertores de dicho género, situándonos en la década de los 80 y 90, planteando interrogantes del porqué de semejante involución hasta su práctica desaparición. Partiendo del estudio y gestación de dos películas como piezas angulares de su postrero éxito en taquilla, Dèmoni (1985) y Dellamorte Dellamore (1994), el documental divaga en exceso, sin apenas rumbo fijo, en relación con un anecdotario, vivencia y relaciones de tono nostálgico por parte de una serie de testimonios que no profundiza en la supuesta tesis que intenta abarcar. Para más inri, la narrativa, conducida por Davide Pulici, fundador de la revista especializada Nocturno, nos muestra momentos que rozan peligrosamente el ridículo, al intentar guionizar de forma surrealista algunos encuentros con los entrevistados. Un documental que posiblemente, dada su difusa estructura y olvidadiza memoria, elude películas y autores esenciales de la época como, por ejemplo, Pupi Avati, hubiera encontrado un mejor acomodo en esa segunda línea de flotación de trabajos de no ficción, que es la sección Brigadoon.
Como bien indica su título, Dario Argento Panico repasa obra y vida del responsable de Suspiria, del hombre y su método, a través de su propio testimonio sumado a intervenciones de autores influidos por su obra, como Guillermo del Toro, Gaspar Noé o Nicolas Winding Refn entre otros, y colaboradores cercanos a su trayectoria, como Vittorio Cecchi Gori, Lamberto Bava o Michele Soavi. Simone Scafidi, que había abordado con algo más de fortuna el estudio de otro tótem del fantástico italiano en la estimulante Fulci for Fake (2019) dirige su mirada hacia el cénit de la producción creativa de Argento, ubicada en los años 70 y 80, dando la impresión de poner el piloto automático, a la hora de recorrer unas narrativas preestablecidas dentro del formato documental, de decantarse más por la consabida veneración difundida por terceros, que por un análisis que sea percibido como profundo, que indague tanto en unas dinámicas familiares intuidas como complejas como en un legado cinematográfico que deviene como capital dentro de la historia del género fantástico. Un sospechoso habitual en Sitges del documental es Yves Montmayeur, al igual que otro pope contemporáneo de la no ficción que examina cinematografías y autorías como es Alexandre O. Philippe, ya que prácticamente todos sus trabajos han estado presentes en el festival, desde las interesantes The 1000 Eyes of Dr Maddin (2015) o Mad in Belgium (2022), hasta piezas bastante más residuales y anecdóticas como Dragon Girls!, Les amazones pop asiatiques(2015) o Citizen Kitano (2020). Kaidan. Strange Stories of Japanese Ghosts parte de un estudio que fija su mirada en Japón como uno de los territorios del mundo con más tradición en leyendas mitológicas protagonizadas por dioses y demonios en un país rico y propenso a los cuentos de fantasmas. Un contenido realmente ambicioso, y poco menos que inabarcable en la hora y media que dura un documental, que recorre los cimientos del género de fantasmas en la cultura japonesa, desde el folclore autóctono, teatro kabuki, cine mudo, los años 60 y 70 con películas fundamentales como Tôkaidô Yotsuya kaidan (Nobuo Nakagawa), Kwaidan (Kobayashi Masaki), Onibaba (Shindo Kaneto), hasta las ramificaciones adyacentes al J-Horror. Tiene la virtud de ser consciente de la imposibilidad de ser considerada como una enciclopedia, de ser exhaustiva sobre un temario al que no le habría venido mal aplicar una cierta linealidad en su discurso, puesto que enlaza artistas de performance, historiadores y cineastas, sin un aparente orden en una parcela cultural, la idiosincrasia del pueblo japonés, ciertamente fascinante.

Seven Chances

Dentro de Seven Chances nos detendremos en cuatro propuestas presentes en la sección, por un lado, en The McPherson Tapes, asistimos a la grabación casera de una celebración familiar, donde el padre documenta el evento con su nueva cámara VHS, sin saber que está a punto de capturar el primer contacto humano con vida alienígena. Material en bruto con nuevo transfer del posterior remake Alien Abduction: Incident in Lake County a cargo del mismo responsable, Dean Alioto, que viene a ser una curiosidad fílmica destinada para coleccionistas del fantástico, y que en su día fue considerada como punta de lanza del subgénero del found footage o metraje encontrado, nueve años después de Cannibal Holocaust, y diez antes de The Blair Witch Project, auténticos referentes de dicho formato. Más allá del nulo valor cinematográfico que atesora, tiene la particularidad de deambular por conceptos que pueden ser entendidos como pioneros en el tiempo de su gestación, grabación en vídeo y en una aparente única toma, y en especial por fomentar casi desde la clandestinidad, en una era pre internet, una especie de leyenda urbana sobre su supuesta veracidad. Por su parte O-Bi, O-Ba: The End of Civilization de Piotr Szulkin, nos muestra cómo tras una guerra nuclear, ochocientas personas se refugian en un búnker subterráneo, ante la imposibilidad de sobrevivir en un exterior convertido en un gran glaciar incompatible con la vida humana, esperando la llegada de un arca que los lleve a un lugar seguro y habitable. Proyección que sirvió de oportunidad para poder ver a quienes aún conserven esa virtud de índole casi personal, cada vez más extinta, de acudir a festivales de cine con el propósito de descubrir un tipo de cine poco difundido, una de las mejores películas realizadas sobre mundos distópicos y post-apocalípticos. Metafórica y absurda, esta obra maestra de la ciencia ficción y del fantástico onírico de la Europa del Este, supone la tercera parte de una tetralogía dirigida por Piotr Szulkin, que transita por Apocalipsis futuristas y deprimentes, formada por Golem (1980), The War of the World: Next Century (1981) y la posterior Ga-ga: Glory to the Heroes (1986). O-Bi, O-Ba: The End of Civilization expande dicho temario hacia conceptos tales como la religiosidad, el Arca de Noé omnipresente en la trama, la sátira política y social, en forma de alegoría de una demolición existencial a través de la agonía de un orden establecido, por entonces cercano en paralelismos al fin del comunismo en Polonia y la URSS. También importante por su condición de producto que asimila referencias estéticas, con relación a la utilización de neones azules y violetas en la fotografía de Witold Sobocinski, que nos retrotrae a imaginarios adyacentes a pilares de la ciencia ficción cinematográfica como Stalker o Blade Runner. Del mismo modo, interesante en lo concerniente a su función de expandir conceptos, esa noción de la inoperancia de la burocracia como movimiento absurdo de un sinsentido que veríamos en Brazil de Terry Gilliam, o ese final, en donde presenciamos cómo la pesadilla claustrofóbica estalla en caos, conclusión digna de la también fundamental Day of the Dead de George A. Romero, ambas películas curiosamente realizadas el mismo año que O-Bi, O-Ba: The End of Civilization.
Otra oportunidad, intuida por un servidor como impagable, de poder ver en pantalla grande un material fílmico que nos viene a decir que no todo el cine se encuentra en plataformas, ni está al alcance de nuestra mano, fue la proyección de La Venere d’Ille, film rodado en 16 mm para televisión como uno de los episodios de la serie I giochi del diavolo, que supone el último trabajo como director de Mario Bava, aquí en codirección junto a su hijo Lamberto y con Daria Nicolodi, mujer de Dario Argento, como protagonista principal. Relato situado a principios del siglo XIX que adapta una novela de Prosper Merimeée, en donde se indaga en ese gótico tan característico que explora la dualidad maldita, el fatalismo inescrutable, a través de un trabajo comedido, ya no solo ocasionado por la precariedad del marco televisivo, que curiosamente aquí le permite a Bava rodar un film a su gusto, sino por conservar unos rasgos de creatividad personal basada en una fuerza estilística, de índole más pictórico que cinematográfico, alejado de la estridencia vista en sus últimos trabajos, Lisa e il diavolo (1973), Cani arrabbiati (1974) o Shock (1977). Película que permite retrotraernos a los mejores trabajos del maestro italiano, especialmente visible en la parte final, donde la visión subjetiva de esa estatua que cobra vida, está fundamentada principalmente mediante la creación de una atmósfera, de una iluminación tenebrista en donde todo parece estar calculado, con relación a un tipo de cine que sugiere o indica más que muestra, puro cine fantástico… De un tono más lúdico que reivindicativo, fue la presencia en la sección de Los leprosos y el sexo, de ese referente en el cine de género mexicano que es René Cardona. Incursión del personaje de El Santo en el western, en una película, que como suele ser habitual en estas narrativas de tono pulp, son poco dadas a las sutilezas y el refinamiento y que en realidad es un remontaje en 4K con insertos sexploitation de Santo contra los jinetes del terror (1970). Curiosamente más sobria de lo que puedan dar a entender en un principio sus postulados, de hecho, lo más estridente y anti climático de la película termina siendo esos aparatosos añadidos de escenas sexuales, podría pasar como un western al uso si no fuera por esos manierismos en las tomas de acción, propios de la lucha libre. Tiene la particularidad de articular en el relato tropos del cine de terror, al presentar a los leprosos casi a modo de una legión de muertos vivientes, muy a semejanza del estupendo inicio de otro western, colindante desde otra vertiente a lo Weird, como es Manos torpes de Rafael Romero Marchent.

 Sitges Clàssics

Aprovechando la sinergia creada por la retrospectiva Ciudad Pánico, sobre la urbe como catalizador del terror y su reciente remasterización en 4k, se pudo ver dentro del apartado Sitges Clàssics, la genial y fascinantemente excéntrica, God Told Me To. Un híbrido de géneros casi imposible, en donde podemos ver al Mal encarnado en un extraterrestre mesiánico hermafrodita bajo los rasgos del icónico Richard Lynch, que nos muestra cómo a Larry Cohen le salía bien y de fábrica este tipo de películas hace cincuenta años. God Told Me To explora terrenos ignotos, siendo al mismo tiempo un perfecto ejemplo de lo entendible como cine de guerrilla, de aprovechar de forma clandestina el rodaje en exteriores; la estupenda escena del desfile del Día de San Patricio en Nueva York es un inmejorable ejemplo de ello, a través de un estilo pseudodocumental, cámara en mano, edición brusca y actuaciones naturalistas que buscan el impacto en el espectador. Relato que parte de claras coordenadas próximas al thriller policíaco, que abraza sin complejos un fantástico que flirtea con el terror en su tramo final, ofreciendo una perversa lectura por parte del responsable de It’s Alive, del fundamentalismo cristiano. Se anticipa a algunos conceptos vistos con posterioridad en la fundamental Cure de Kiyoshi Kurosawa. Tras estar presente el pasado año con la revisión de Gandahar, les années lumière, René Laloux volvió a tener acomodo en Sitges con la extraordinaria Les Maîtres du temps, adaptación de una novela de Stefan Wul, que ejemplifica de forma modélica cómo gran parte del mejor cine de animación de los 70 y 80 vino de la mano de una unión creativa poco dada a los límites, contundente en su intento de realizar un cine a contracorriente, a través de una perspectiva filosófica y experimental, muy alejada del paroxismo del estilo hollywoodiense. Un cine europeo que llegó a ser concebido casi a modo de cooperativismo, al aglutinar una serie de autores y corrientes diversas, Jean Giraud, Jean-Patrick Manchette o Roland Topor entre otros muchos, provenientes en su mayoría de la mítica revista Métal Hurlant. Les Maîtres du temps, de narrativa casi episódica, ofrece un arte conceptual que muta en un fantástico simbólico y libre de ataduras, en relación con historias que por aquel entonces ambicionaban crear tendencia dentro del ámbito de la animación. La proyección, y la oportunidad que se le otorga al espectador de poder descubrir la obra de René Laloux, justifica por sí sola la existencia de cualquier evento cinematográfico que se precie de su condición.
Como sesión especial dentro de la sección New Visions se pudo ver Le Mépris de Jean-Luc Godard, una de las reflexiones elegíacas sobre el fin del amor más bellas que haya dado la historia del cine. Aprovechando una reciente restauración que coincide con su sexagésimo aniversario, y bajo el inolvidable adagio de Georges Delerue, Le Mépris constituye en sí mismo, como bien menciona André Bazin en la cita que abre el film, el tratado definitivo sobre cómo el cine sustituye nuestra mirada por un mundo, supuestamente acorde a nuestros deseos. Película inabarcable, también entendible como homenaje crepuscular al cine, sublimado por su autor a la hora de trascender como el relato de un dolor privado. Entre sus innumerables virtudes, imposible de analizarlas con algo de rigor en escasas líneas, destacar la apropiación que hace de la metáfora del desprecio, concepto aquí llevado más allá del desamor o incluso del odio, a modo de reinterpretación del mito de Odiseo, en donde en un mundo de apariencias solo queda el vacío y el olvido, como mucho la melancolía como epifanía de un fracaso sentimental. Como colofón a la crónica de este Sitges 2023, nos detendremos en una recuperación bastante significativa que tuvo lugar en el pase nocturno en el Auditorio el primer día del festival, a un servidor la película le estuvo rondando por la cabeza durante todo el certamen, nos referimos a Caligula – The Ultimate Cut (4K) de Tinto Brass, posiblemente la película, por diferentes motivos, más importante presente en esta edición, cuya proyección no tuvo una recepción acorde a su relevancia, por parte de un público, perteneciente a esa característica burbuja Sitges, que en su gran mayoría parece estar más pendiente de la novedad insustancial del presente que en la indagación de un material pretérito, cuyo visionado en la película que nos ocupa, ya merece la pena solo por disfrutar de su barroca escenografía faraónica. Reconstrucción completa del film a partir del material original, con imágenes inéditas y un montaje lo más encaminado posible a la idea primigenia del guion de Gore Vidal, que deviene como la sexplotation Deluxe definitiva, tanto por su discurso político-sexual, como por su salvaje tratado sobre la locura y el poder, a través de una celebración pagana que aúna a la perfección conceptos tales como lo arty y lo trash. Obra en donde confluyen imaginarios propios de Fellini, Pasolini o Jodorowsky, cuya desmesura nos muestra un tratado, a modo de pesadilla, sobre la demencia del tirano. Lo más significativo de la película termina siendo su condición de cine representativo de una época concreta, percibida en el presente como irrepetible y libre, cuya concepción y posterior exposición, sería inimaginable hoy en día.

Palmarés

Sección Oficial Fantàstic Competición
Premio al Mejor Largometraje – ‘Cuando acecha la maldad’
Premio Especial del Jurado (ex-aequo) – ‘Stopmotion’ (por su exploración creativa del lado oscuro de la creatividad) y ‘Vermin: La plaga’ (por por ser una película de monstruos poderosa y política)
Premio a la mejor Dirección – Baloji por ‘Omen’
Premio a la mejor Interpretación Femenina – Kate Lyn Sheil por ‘The Seeding’
Mención especial Interpretación Femenina – Zafreen Zairizal por ‘Tiger Stripes’
Premio al mejor Interpretación Masculina – Karim Leklou por ‘Vincent debe morir’
Premio al Mejor Guion – Colin y Cameron Cairnes por ‘Late Night with the Devil’
Premio a la Mejor Fotografía – Martin Roux por ‘La morsure’
Premio a la Mejor Música – Markus Binder por ‘Club Zero’
Premio a los Mejores VFX – Frédéric Lainé, Jean-Christophe Spadaccini, Pascal Molina, Cyrille Bonjean-Jean, Bruno Sommier y Jean-Louis Autret por ‘El reino animal’
Mención especial 2 – ‘Riddle of Fire’ (porque hizo muy feliz al jurado)
Mención especial 3 –’Moscas’ (por su bonita visión del lado feo de Buenos Aires)
Premios de público
Gran Premio del Público a la mejor película de la SOFC – ‘Robot Dreams’
Premio del Público Panorama Fantàstic – ‘El exorcismo de Eastfield’
Premio del Público Focus Asia – ‘Fuerza bruta: sin salida’
Premio del Público Midnight X-treme – ‘Os reviento’
Noves Visions
Mejor Largometraje Noves Visions – ‘Moon Garden’
Mención especial 1 – ‘Humanist Vampire Seeks Consenting Suicidal Person’
Mención especial 2 – ‘Halfway Home’
Mención especial 3 – ‘Mimì – Prince of Darkness’
Mejor Dirección Noves Visions – David Kapac y Andrija Mardesic por ‘The Uncle’
Mejor Cortometraje Noves Visions Petit Format – ‘The Old Young Crow’
Anima’t
Mejor Largometraje Anima’t – ‘Tony, Shelly y la linterna mágica’
Mejor Cortometraje Anima’t – ‘Ghost of the Dark Path’
Blood Window / Órbita
Mejor Película Blood Window – ‘Cuando acecha la maldad’
Mejor Película Órbita – ‘The Last Stop in Yuma County’
Méliès
Méliès de Oro a la Mejor Película – ‘LOLA’
Méliès de Oro al Mejor Cortometraje – ‘Gnomes’
Méliès d’Argent a la Mejor Película – ‘La morsure’
Méliès d’Argent al Mejor Cortometraje – ‘Cultes’
Brigadoon
Premio Brigadoon Paul Naschy al Mejor Cortometraje – ‘Ellos
Crítica
Premio de la Crítica José Luis Guarner al Mejor Largometraje SOFC – ‘La teoría universal’
Premio Citizen Kane al Director Revelación – Stéphan Castang por ‘Vincent debe morir’
Premio al Mejor Cortometraje SOFC – ‘I’m Not a Robot’
CARNET JOVE
Mejor Película Sección Oficial Fantástico a Competición – ‘La morsure’
Mejor Película Sitges Documenta – ‘Kim’s Video’
SGAE Nova Autoría
Mejor Dirección – Mikel Garrido (ESCAC) por ‘Tenemos patria’
Mejor Guion – Karen Joaquín (ECIB) por ‘O que me parta un rayo’
Mejor Música Original – Márcio Echevarria (IDEM Barcelona) por ‘The Sun Thief’

 

 

 

 

Crónica Festival de Sitges 2023 (III)

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Noves Visions: El fantástico intuido

Noves Visions, sección ya con veinte años de existencia, volvió a ser un año más ese agradecido reducto temático destinado a cinematografías y autorías distantes de convencionalismos, algo que en la mayoría de los casos se materializa en un apartado con cierta autonomía con relación a articular según qué tipo de coordenadas apartadas en un principio de lo preestablecido. Estamos pues ante una serie de películas en donde el concepto genérico tiende a esparcirse hacia parcelas supuestamente colindantes al fantástico, abriendo nuevas vías discursivas que devienen tan infinitas como complejas, especialmente en lo concerniente a las relecturas conceptuales que nos llegan a ofrecer.
De cinematografías poco proclives al fantástico, como la chipriota, pudo verse la estimulante Embryo Larva Butterfly de Kyros Papavassiliou, relato utópico de narrativa fragmentada que indaga en lo relativo a existencias no lineales, a través de una historia que gira en torno a la paradoja temporal. Al igual que la comedia fantástica referencial Groundhog Day de Harold Ramis, pero pasado por el filtro argumental del Kramer vs. Kramer de Robert Benton, la temporalidad arbitraria no deja de ser una excusa en donde los protagonistas deben descifrar el momento exacto de su vida: pasado, presente y futuro en el que se despiertan cada día. Lo realmente importante vendrá dado por las complicaciones que se derivan de ello, aquí centradas en un drama sobre problemas y decisiones adyacentes a la pareja, premisa sobre anomalías que recuerda en algo a los primeros trabajos de Yorgos Lanthimos, especialmente con relación a una puesta en escena aséptica y minimalista que hace que estemos ante una gélida historia de amor, aquí encaminada hacia un tono filosófico que explora conceptos supuestamente trascendentales como la mortalidad y la existencia. Como buen relato de características weird, su tratado sobre lo insólito hubiera requerido algo más transgresor. Por su parte, el sangriento cuento de hadas In My Mother’s Skin de Kenneth Dagatan, se adentra en texturas cercanas a la tradición regional mediante un relato colindante a un folk horror, que evoca oscuras fabulas de la infancia situadas a medio camino entre la pesadilla de los cuentos y la alegoría histórica. También interesante por su adscripción al gótico familiar, la acción se sitúa en una finca rural de Filipinas durante los últimos días de la Segunda Guerra Mundial, poco antes de la derrota de las fuerzas de ocupación japonesas, ese subtexto sobre el fascismo, adherido al imaginario fantástico de seres mitológicos, nos deriva inevitablemente al El laberinto del fauno de Guillermo del Toro o a una suerte de analogía oriental del concepto de Hansel y Gretel, con relación a una película que tiene la virtud de no perder nunca de vista el contexto en el que se inscribe. Otro relato sugerente, aunque algo menos afortunado, vendría a ser Moon Garden. Con la excusa argumental de ver a una niña de cinco años en coma a causa de un accidente, y partiendo de ese postulado universal que es Alice in Wonderland respecto a imaginarios escapistas de infantes, el film de Ryan Stevens Harris articula una variante de referentes visuales que van desde el Labyrinth de Jim Henson,  MirrorMask de Dave McKean, Silent Hill, Alice de Švankmajer o Mad God, del homenajeado en el festival este año Phil Tippett, entre otros. Es una lástima vertebrar la historia a través de dos conceptos: fantasía y realidad, demasiado equidistantes, ocasionando un cuestionable desequilibrio de narrativas, si el primero funciona en lo concerniente a su condición de stopmotion pesadillesca expuesta a modo de versión Steampunk de la magnífica Paperhouse de Bernard Rose, el segundo apartado naufraga casi por completo con relación a una mal disimulada redundancia que transita lo real.
La representación patria en la sección de este año vino de la mano de la modesta, pero estimable La última noche de Sandra M. de Borja de la Vega, película que se sumerge en el relato de ficción especulativo sobre las últimas horas de vida de la malograda actriz del destape Sandra Mozarowsky. De un talante teatral a nivel escénico, y más próximo a un ejercicio de imaginación objetiva que un biopic al uso, el film encierra bajo los postulados de crónica negra una sugerente doble lectura a modo de tratado de terror como noción básica, en donde visitas y llamadas amenazantes de origen anónimo actúan como una herramienta simple y efectiva a la hora de mostrar la transición española, o el tardofranquismo como una entidad no material que imposibilita los sueños de la joven protagonista. Reinterpreta de forma curiosa conceptos ya vistos en Blonde de Andrew Dominik, funcionando relativamente bien, como obra opresiva y claustrofóbica próxima a una pesadilla que nos traslada a una especie de home invasión anclada en un perpetuo y poco complaciente estado mental. Por relatos femeninos fragmentados también discurrieron dos propuestas lastradas por modismos del presente como fueron Humanist Vampire Seeking Consenting Suicidal Person y My Animal, ambas películas lo hicieron a través de unas coordenadas genéricas bastante predecibles. La ópera prima de Ariane Louis-Seize recurre al relato vampírico desde una vertiente moderna que recoge lo peor de subvertir dicha mitología a un cine independiente contiguo a la comedia adolescente de tono naif. Dilema existencial sobre inadaptados, la incomprendida vampira y el suicida, más cercano a la intrascendencia de productos tan en boga hoy en día como A Girl Walks Home Alone at Night o What We Do in the Shadows, ambas del 2014, que a la transgresión inherente en dicho subgénero visto en películas como The Velvet Vampire (1971), Martin (1977), Nadja y The Addiction (1995), por citar solo cuatro ejemplos que nos venían a decir que desmitificar leyenda y realidad era un signo de valentía y originalidad, postulado situado en las antípodas de un producto tan complaciente y, por momentos cursi, como es Humanist Vampire Seeking Consenting Suicidal Person. Algo menos irritante pero igual de fallida resultó My Animal, otro debut en el largometraje por parte de la realizadora Jacqueline Castel, sobre gente marginada adherida al relato fantástico, en esta ocasión amparándose en el concepto de la licantropía, como eje narrativo por donde circula la alegoría del despertar sexual adolescente. Articulaciones narrativas que representan un subgénero en sí mismo, al vincular el consabido coming of age made in Sundance a una historia de trasformación animal, aquí consagrada a la manida historia sobre jóvenes con problemas de adicción, o con inclinaciones LGBTQ+ que se ven obligados a quedar al margen de una sociedad que no comprende sus necesidades o deseos, el elemento fantástico hará acto de presencia a modo de catarsis, en un relato carente de cualquier tipo de ambigüedad, algo que la sitúa a años luz, con respecto a su complejidad, de la mejor película de hombres lobo centrada en mujeres, Ginger Snaps (2000), cinta curiosamente también filmada en Canadá.
El western, o algunos de sus conceptos contiguos, tuvo una doble presencia en Noves Visions, por un lado The Last Ashes vino a confirmar una preocupante tendencia en un género hoy entendido como residual, el film de Loïc Tanson, un neo wéstern vinculado al folk que nos sitúa en el Luxemburgo de 1854 al igual que Brimstone (2016), también presente en el certamen hace unos años, utiliza unas coordenadas genéricas preestablecidas a la hora de orbitar por una serie de demandas actuales que intentan indagar en relación con la yuxtaposición de tramas de índole feminista víctimas de un patriarcado representado en la historia como atroz. Más próxima a un relato colindante al militarismo que a lo entendible como Weird, lógica definición que hibrida dos géneros en un principio tan antagónicos como el western y el fantástico, la película se desarrolla a modo de un convencional rape & revenge, que termina siendo bastante más complaciente de lo que pretender dar a entender en principio. Más lógica, dado su riesgo conceptual, fue la presencia en la sección de Where the Devil Roams, un American Gothic de claras resonancias performativas, a cargo de la familia Adams, la madre Toby Poser, el padre John Adams y las hijas Zelda y Lulu, involucrados en diferentes parcelas de la producción. Relato tan vanguardista como autoral, que hace uso de una fantasmagoría casi artesanal salpicada de barro, con relación a una historia narrada a modo de road movie que nos muestra la travesía sangrienta de una familia de artistas ambulantes por los Estados Unidos en plena época de la Depresión. Cambiando continuamente de texturas en blanco y negro a tonalidades descoloridas y subexpuestas, Where the Devil Roams atesora la virtud de darle un sentido al término cine independiente, y lo hace en lo concerniente a la aproximación que hace de lo temático desde el ángulo estrictamente más estético. Por su parte la estimable The Vourdalak de Adrien Beau, como hizo en su día Mario Bava en la estupenda I tre volti della paura, adapta el clásico cuento de Alekséi Tolstoi con el encanto que puede proporcionar la posibilidad de ver en una pantalla de cine una pieza de naturaleza casi arqueológica que se desarrolla en lo relativo a audaces formas escénicas, la mayoría de ellas derivadas de una teatralidad, en donde los actores se expresan más a través de los cuerpos que de las palabras. Película extravagante, en el buen sentido de la palabra, con cierto aroma a experimento de texturas retro que enlaza con ese terror gótico clásico del Este europeo de los años 60, en donde solía imperar una fuerte noción de la artesanía entendida como arte escénico. Con un sentido incuestionable de la honestidad, Adrien Beau se muestra hábil en lo relativo al ensamblaje de ciertos códigos del género de terror autoral, aquí desarrollados a través de una oscura sinergia que conecta la institución familiar con el vampirismo.
Al igual que la estupenda y algo más sofisticada Zora de Dalibor Matanic, presente en el festival en 2021, la también croata The Uncle de David Kapac y Andrija Mardesic (Premio a la Mejor Dirección) vino a ser una de las grandes películas metafóricas vistas este año en Sitges, especialmente en su exposición de una forzada disfuncionalidad familiar dentro de un contexto histórico, que conecta tanto con Croacia, como con Serbia y el posterior descontrol de la extinta Yugoslavia. Bajo la apariencia de un oscuro thriller con toques de un humor asfixiante, que mira sin disimulo a imaginarios que parecen surgidos de la mente de unos primerizos Michael Haneke, en especial su Funny Games, o Ulrich Seidl, el relato, que juega en todo momento al desconcierto y la incomodidad, nos muestra una celebración familiar navideña situada en la Yugoslavia de los años 80, en la que el tío llega desde Alemania, premisa que resulta ser cualquier otra cosa de lo que en un principio da a entender. El mérito de la propuesta vendrá dado por su función alegórica en diversos frentes que terminan por entrelazarse, especialmente el relacionado con una serie de dinámicas familiares origen de la autodestrucción, también en mostrar la Navidad como concepto subliminal que ataca nuestro subconsciente. Menos justificación en la sección tuvo Pandemonium, cinta del artista multidisciplinar francés conocido con el seudónimo de Quarxx. Presente hace unas ediciones con la interesante Tous les Dieux du ciel (2018), Pandemonium nace de la unión de tres cortos del autor, que pretende a través de curiosas referencias pictóricas tener una conexión argumental sobre el tránsito y origen de almas condenadas al infierno. Tomando en consideración la estructura episódica insertada en el largometraje que siempre ha sido irregular dada su propia naturaleza, el film de Quarxx lo es doblemente. La unión de sus segmentos, en términos de agrupación temática resulta muy cuestionable, en especial en lo concerniente a tonos y narrativas que terminan siendo demasiado equidistantes entre sí; uno de los episodios podría pasar perfectamente como anuncio concienciador contra el bullying, mientras que el otro, el más afortunado, parece surgido de estéticas propias de imaginarios cercanos a Clive Barker. Obra fallida que solo despierta cierta curiosidad en relación con su vocación de experimento. Puestos a buscar semejanzas, queda muy alejada en conceptos y resultados de las películas de antología de la Amicus, relatos que venían a explicar prácticamente lo mismo desde una perspectiva más simple y efectiva. El cierre de la sección vino de la mano de Kim Jee-woon con Cobweb; el autor, viejo conocido del festival y responsable de obras referenciales del cine coreano moderno como A Tale of Two Sisters (2003) o I Saw The Devil (2010), cuya presencia en Noves Visions fue percibida como algo controvertida, tanto en relación a su dudosa adscripción al fantástico, como por ser la obra supuestamente subversiva que algunos han querido ver en ella a modo de ejercicio de fabulación metafílmica, contada a través de una trama situada en los años 70, en donde se muestra a un director de cine obsesionado con volver a rodar el final de su película recién terminada. En realidad Cobweb, producto cercano a ser una metafarsa de condición supuestamente terapéutica, con relación a la creación cinematográfica, no deja de ser la deriva de un autor que ha intentado volver de forma infructuosa a unos parámetros de comedia algo más sofisticados con respecto a los que debutó, The Quiet Family (1998) o The Foul King (2000), para terminar ofreciendo un ejercicio poco convincente y de excesiva autocomplacencia que dejará a la mayoría de espectadores preguntándose sobre el significado real de lo que trata de contar.

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Crónica Festival de Sitges 2023 (II)

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Autorías establecidas: Evolución y equidistancia
Sobre autorías en mayor o menor medida consagradas dentro del circuito de festivales, se pudo ver el nuevo trabajo de la austriaca Jessica Hausner, realizadora que regresaba a Sitges 19 años después de estar presente con la sugerente Hotel y ya con la etiqueta de ser una presencia habitual en los festivales de clase A, al haber abrazado proyectos de una proyección internacional de mayor envergadura, como en su anterior film Little Joe o Club Zero, película en donde se atisban constantes ya presentes en el ideario fílmico de la autora, a través del análisis, desde una perspectiva que linda con la sátira de los dogmas y los supuestos males adyacentes al Occidente contemporáneo. En Club Zero, Hausner vuelve a recurrir a una suerte de distopía acerca de nuevas religiones de nutrición saludable a modo de neurosis colectiva en donde se forman a autómatas anoréxicos. Lástima de un frío y aséptico dispositivo formal que dada su obviedad, en contraposición con lo encriptado de gran parte de su obra, diluye casi por completo la paradoja o denuncia, aquí podría ser tanto la técnica del mindfulness, como el dejar de comer a modo de posicionamiento anticapitalista expuesto desde el propio capitalismo, tesis que pretende ser divertida; Lourdes (2009) funcionaba muy bien en dicho aspecto, en relación con una historia que, sin embargo no dejaba de dar vueltas sobre sí misma, reiterando conceptos supuestamente cínicos e irónicos de la mano de una realizadora cuyo nivel de inteligencia crítica aquí bordea de forma algo peligrosa el subrayado. Por otra parte resulta curioso, cuando menos, que un director como Takeshi Kitano, Shinya Tsukamoto también entraría en la ecuación, ya no cotice, ni falta que le hace, en el ecosistema de festivales de cine. La esplendida Kubi, inspirada en los hechos reales conocidos como el incidente Honnō-ji ocurrido en 1582, es bastante más que la ostentación de un delirio consensuado o una deconstrucción del chambara que muchos han querido ver en ella desde su première mundial en el pasado festival de Cannes. Como lo fue en su día Zatoichi, Kubi es una película deliberadamente incomprensible, aquí aún más desaforada y liberada del temor a la muerte, o sea, es para bien puro ‘Beat’ Takeshi. Hablando de cotizaciones, esta vez al alza en según qué círculos, la de Yorgos Lanthimos parece estar en plena ebullición, Poor Things, después de triunfar en Venecia fue uno de los platos fuertes de este Sitges 2023, una relectura del mito de Frankenstein en clave de fábula liberadora sobre una mujer que conforme evoluciona, anhela dicha condición y status. En realidad, estamos ante una película que pretendiendo ser poco ortodoxa acaba siéndolo, como resultado de una liviandad y obviedad inhabitual en el cine de su autor, aquí enmascarada por un agradable visionado, su estructura visual nos remite a imaginarios propios de Terry Gilliam o unos primerizos Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro. Adaptando la novela de Alasdair Gray, estamos ante un relato de subjetividad femenina que puede funcionar como comedia gótica retro futurista, en donde el sexo se convierte en una herramienta de poder, pero no funciona tan bien a la hora de requerir una trasgresión formal, aquí el humor ya no nace de la incomodidad, algo que era una seña de identidad del autor, tanto en sus inicios, Canino o Alps, como en trabajos de una proyección ya más amplia, Langosta o The Killing of a Sacred Deer. Puestos a ser algo maliciosos, ante un film en donde se percibe una voluntad política cuestionable, podríamos estar ante una suerte de reverso conceptual de Barbie de Greta Gerwig.
En un año plagado de testamentos fílmicos por parte de referentes, The Boy and The Heron, la nueva producción del Studio Ghibli inspirada en una novela de Genzaburo Yoshino, se vislumbra como un ejercicio derivado de la observación, donde la expresividad de las imágenes limita con la abstracción que vuelve a imbuir de magia un entorno que abarca tanto lo grandilocuente como lo minúsculo. Como suele ser habitual en una figura de la importancia de Hayao Miyazaki, la fantasía vuelve a cuestionar condición y realidad, a través de dicho statu quo el maestro, que siempre tendrá algo que decirnos, nos habla sobre el duelo y la tragedia infantil en relación con el drama personal, aunque no deja de ser en sí mismo una celebración ¿final? de un imaginario consustancial, aquí provisto de la mejor caligrafía del estilo de su autor. Con respecto a otros festivales, Sitges cuida con cierto esmero su selección de película de clausura, por consiguiente, Dream Scenario de Kristoffer Borgli fue una digna elección, estimulante película que sortea con bastante austeridad cuestionables antecedentes como Ari Aster, A 24, a la hora de exponer el concepto de la pesadilla del individuo gris como un mal social, y como todo ello puede llegar a ser interpretado a modo de simulacro de un mundo supuestamente feliz. Relato que brilla con relación a temarios que invitan a la reflexión, que cuestiona cierta masculinidad al mismo tiempo que rescata la acidez inherente en la comedia existencial vista, por ejemplo, en la anterior Sick of Myself, aquí también con relación a una voraz crítica hacia lo efímero o la cultura de la cancelación, funcionando por momentos mejor como película de terror que como supuesta comedia negra. Además, constatar después de mucho tiempo que Nicolas Cage, traspasando su condición de subgénero propio, sigue siendo un gran actor.
Sección Panorama: El fantástico como constante
La sección Panorama continúa siendo ese agradecido reducto dedicado a una serie de películas cuya adscripción al género no admite dudas; evidentemente dicha sección deriva en un conglomerado donde impera por encima de todo, más como virtud que como deficiencia, la serie B. A tal respecto, Suitable Flesh viene a ser un disfrutable intento de resucitar la Empire y a Stuart Gordon a través de aquellas placenteras e imposibles adaptaciones de relatos de H.P. Lovecraft como Re-Animator, From Beyond o Castle Freak. Propósito concentrado en la presencia de Barbara Crampton y el guionista Dennis Paoli. Se agradece que no se detenga únicamente en la nostalgia retro, dando la sensación de ser más un loable esfuerzo que una simple condescendencia genérica. Por su parte la ópera prima de Anna Zlokovic Apéndice, es otra película de género consciente de sí misma, de una condición, que en esta ocasión indaga en temáticas algo más actuales, y lo hace a través de coordenadas como body horror, el concepto Body Snatchers o la referencia al Basket Case de Frank Henenlotter. A medio camino entre el ingenio y la distensión genérica, se permite el lujo de ser una pervertida metáfora, sin ínfulas ni militarismos, sobre ansiedades e inseguridades varias adyacentes al imaginario femenino.
El mexicano Jorge Michel Grau ya había dado buena cuenta en Somos lo que hay de la disfuncionalidad familiar ubicada en escenarios precarios; en Rabia, secuela espiritual de su anterior drama caníbal, vuelve a fijar una narrativa en una periférica urbe mexicana, aquí casi apocalíptica, también en núcleos familiares desestructurados, pero lo hace bajo conceptos algo más clásicos como la licantropía. Partiendo siempre de la metáfora y las segundas lecturas, la película reinterpreta a través de conceptos fantásticos nuestra realidad, lástima de una narrativa percibida como abrupta en lo concerniente a intentar hibridar drama y fantasía, la furia o pulsión derivada de esta última, noción característica adyacente al imaginario de la licantropía, que quedaba mejor expuesta en otra película latinoamericana, As boas maneiras de Marco Dutra y Juliana Rojas, con relación a relatos que inquieren en la observación social ensamblada a elementos fantásticos. Por su parte Hideo Nakata volvía a Sitges 24 años después de presentar en 1999 las dos primeras entregas de The Ring. En la disfrutable, y por momentos delirante, The Forbidden Play, se intuyen algunos indicios de vida en el J-horror, algo muy de agradecer después de décadas de absentismo, tanto por parte del subgénero como del propio autor. Dentro del tono liviano por el que transita la película, que intenta evitar lugares comunes, funciona relativamente bien a modo collage en donde se integra, un terror deudor del ideario de Pet Sematary, comedia y melodrama. A tal respecto, estamos ante un film que convendría contextualizar de forma adecuada, especialmente si nos fijamos en comparación, no a unos inicios ya referenciales, y sí a una última etapa por parte del responsable de la extraordinaria Dark Water de un claro talante alimenticio.

 

Cine patrio: Referentes consolidados
Fue bastante congruente que la inauguración de este Sitges 2023 recayera en un producto tan convincente como Hermana muerte de Paco Plaza, película que constituye el mejor, y más austero trabajo del realizador español que mejor ha sabido indagar a través de coordenadas genéricas en iconografías contiguas a la historia socio-cultural de nuestro país, un autor, cuya madurez en el manejo de códigos narrativos del horror, le permite tener una fe ciega en sus imágenes, Hermana muerte es una buena muestra de ello. Relato de tono tenebroso expuesto a plena luz del día, que transcurre en el año 1949 en un convento de monjas, que tiene el doble mérito de confirmar una autoría que le hace solventar y trascender en varios apartados por los que transita, primero como producto Netflix, y segundo como obra independiente del referente, a modo de precuela que es de Verónica, en realidad más deudora de ¿Quién puede matar a un niño? respecto a recrear ambientes siniestros en escenarios luminosos, también cuenta con el beneplácito de salir airoso de una temática tan explotada en la actualidad como es el terror religioso. Solvente en lo formal, atesora un espléndido clímax que la sitúa entre lo mejor del fantástico español de los últimos años. Por su parte, La sociedad de la nieve, película que recrea la tragedia del accidente aéreo de los Andes de 1972, deja claro que en el cine no existen temas trillados, sí autorías, como la de J.A Bayona y su emotividad llevada a la hipérbole, camuflada como viene siendo habitual por una inmaculada ejecución técnica. Puestos a elegir una versión sin violines de la historia, un servidor siempre estará a favor, tanto del Supervivientes de los Andes de René Cardona, como de la efectiva Alive! de Frank Marshall.
Uno de los platos fuertes dentro de la animación visto este año en Sitges fue el nuevo trabajo de Pablo Berger Robot Dreams, película que recurre al uso de ese tipo de relatos, aquí sin diálogos, situado a medio camino entre imaginarios infantiles y adultos, que nos habla sobre la complejidad que anida en la amistad, a través de una historia que expone la emotividad desde el punto de vista de la contención, amparándose en esencia en el poder de la mirada y la música. A tal respecto, no sorprende que un cineasta de las características de Berger no se conforme con transitar por trazados y formatos convencionalistas, en realidad una actitud consecuente al optar por experimentar con otras formas posibles de la imagen, ya lo hizo con Blancanieves, plasmada en coordenadas del cine mudo. En Robot Dreams, a través del icónico paisaje urbano del Manhattan de los años 80, y ayudado por una limitada expresividad, se maximiza la fuerza emocional de cada simple gesto de sus protagonistas, aquí volvemos a las referencias del cine mudo, en esta ocasión el cómico. El resultado final, o el trayecto que nos lleva a dicho punto no importa tanto como las cuestiones y posteriores reflexiones que esta interesante película nos llega a plantear. Otra película patria importante este año en el festival fue La espera, tercera película de F. Javier Gutiérrez en donde recurre, al igual que en su opera prima 3 días, a un escenario árido y solitario que nos sitúa en la Andalucía de los 70 a la hora de abordar un thriller rural patrio de época con alma de western, que abraza la locura y pulsión de la España profunda, y que transmuta en su parte final, desde el conocimiento de coordenadas genéricas por parte del responsable de Rings, en un disfrutable Folk Horror clásico de manual. Tan sólida en la utilización de su despliegue atmosférico, como algo predecible con relación a su viraje narrativo, se agradece, sin embargo, su determinación a la hora de no ser esclava de contenidos desmarcados del género. Como colofón a esta segunda crónica del festival nos detenemos brevemente en la fallida La ermita de Carlota Pereda, producto que no deja de ser una lógica consecuencia de querer elevar por encima de sus posibilidades líquidas autorías intuidas aún como embrionarias. Película de una resolución narrativa alarmante, que recuerda en parte a ese cine español fantástico enquistado en la indeterminación genérica de finales de los 90, y que se explica a la perfección revisando su anterior film, Cerdita. Mucha curiosidad por parte de un servidor por ver cómo el buenismo y el nepotismo instalado en la industria y crítica patria logra mantener el hype creado.

 

 

 

Crónica Festival de Sitges 2023 (I)

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Del 5 al 15 de octubre, con unas temperaturas más propias de la temporada estival, tuvo lugar la 56 edición del Festival de Sitges, un año marcado por una definitiva vuelta a la normalidad, después de unas últimas ediciones que se vieron afectadas en diferentes parcelas, principalmente como consecuencia de las restricciones provocadas por la pandemia y todo lo relacionado con ello. Sitges 2023 volvió a transitar por unas reconocibles señas de identidad plagadas de claroscuros, especialmente con referencia a su labor como certamen de un indudable talante popular, en ocasiones excesivamente encaminado al evento, que por momentos dio la sensación de estar demasiado preocupado en proclamas de éxito respecto a la afluencia de público, con relación a una justificación percibida como burocrática, algo que no deja de ser contradictorio en lo concerniente a otros ámbitos y apartados de un festival que, entre otras cosas, propone una generosa selección de títulos de tono heterodoxo, dirigidos al riesgo y la experimentación, también con referencia a ofrecer la oportunidad de poder visionar clásicos del género en pantalla grande, apartado este año potenciado con un mayor número de títulos. También como función meritoria, señalar su decidida apuesta por seguir ofreciendo publicaciones en papel, este año por partida doble, a través de los ensayos colectivos: Ciudad Pánico. Morfologías urbanas del horror y Mistress of Fan. Monstruos, criaturas y pesadillas engendrados por ellas.
Como inabarcable cajón de sastre genérico que siempre ha sido, Sitges volvió a ofrecer diversas actividades paralelas a un público que regresó de forma generosa a las cuatro salas habilitadas para la ocasión, más una quinta improvisada a última hora por problemas de infraestructura para la sección Brigadoon. A la hora de hacer un balance general de lo que fue este Sitges 2023, a nivel de selección, señalar el regreso de unos viejos déficits intuidos ya casi como endémicos, visibles desde hace varios años, principalmente el referido al difícil equilibrio a la hora de poder cuantificar y cualificar el elevado número de películas en el festival, algo que en realidad no tendría que suponer un problema en sí mismo, en cierta manera no deja de ser una ventaja para el espectador tener la opción de poder elegir qué querer ver, más discutible puede resultar que ello ocasione la renuncia a poder acceder a determinados títulos, o algo más importante, prescindir de unos casi inexistentes Q&A o justificar una determinada cifra de películas en relación con una selección percibida como algo mecanizada y poco clarificadora, especialmente con relación a un criterio que da la sensación de estar concebido a la carta, con base en una cuadratura, intuida como meramente estadística, en la medida de darles un lógico sentido de ubicación y temática en las distintas secciones del festival.
A continuación, y cambiando el modelo de crónica de antiguas ediciones publicadas en el portal, el análisis y la perspectiva generada desde el tiempo y la reflexión de todo lo que dio de sí este Sitges 2023, a través de cuatro extensas entregas.

 

Sección oficial: El fantástico discordante

Asentamientos y nuevas vías
Lo más interesante visto en este Sitges 2023 vino de la mano de esporádicas reformulaciones y un cierto resurgimiento de cinematografías en estado embrionario desde hace tiempo, así la ganadora a la Mejor Película, la argentina Cuando acecha la maldad, fue una de las pocas cintas presentes este año en el certamen que intentó indagar en el terror sin ningún tipo de ambivalencias disuasorias. Demian Rugna, que tan buenas sensaciones nos había dejado en su reivindicable Aterrados, nos muestra a través de unas coordenadas genéricas reconocibles como es el cine de posesiones demoníacas, un tratado sobre el mal expuesto, casi en tiempo real, a modo de una infección de alcance colectivo que hace estragos en un asfixiante y hostil escenario rural, espacio donde cohabitan masculinidades violentas y mitologías populares. Cine que recuerda, dada su ausencia de concesiones, a aquella corriente de extremismo francés surgido a principios del 2000 que no denotaba inconsistencias en su planteamiento. Al igual que aquellas, Cuando acecha la maldad intenta sin temor ir más lejos en su condición de violento y caótico relato de terror. Otra película que se ampara en el exceso, en el buen sentido de la palabra, y con el principal referente de la estupenda Ghostwatch, fue la australiana Late Night with the Devil, historia que sustituye el terror en tiempo real por una suerte de found footage de tono vintage que nos traslada a los años 70. No tan original como se ha comentado, la película carece de cierta credibilidad y realismo con relación a la utilización de sus dispositivos formales, sin embargo tiene la virtud de evitar subrayados narrativos proclives a dicho formato, desplegando una ingeniosa mirada sobre la fascinación y credulidad de América por lo oculto y las consecuencias que acarrea el anhelo de éxito bajo cualquier tipo de circunstancias. Situada a medio camino entre Network y Rosemary’s Baby, y pervirtiendo el concepto del reality show, el film de Cameron Cairnes y Colin Cairnes, que cuenta con un extraordinario David Dastmalchian, por fin en un papel principal, atesora uno de los clímax mejor llevados en relación con su puesta en escena del reciente cine de terror. Por su parte The Theory of Everything del alemán Timm Kröger vino a ser una peculiar celebración de los clásicos y sus referencias. Ciencia-ficción europea de aplicado tono vintage que tiene la virtud de no desentonar a la hora de hibridar conceptos en un principio antagónicos, tales como integrar el multiverso y las paradojas espacio-temporales en coordenadas de cierto cine negro Hollywoodiense de los años 60, también en películas más recientes como, por ejemplo, Europa de Lars von Trier, en relación con una estética de fantasía en blanco y negro, que utiliza imágenes monocromáticas de alto contraste, ubicado en el contexto de la posguerra. Un sugerente pulp cuántico que sin embargo da la sensación de ser más efectista que convincente, impoluto en lo concerniente a su condición de ejercicio de estilo referencial, no tanto con relación al desarrollo de una deriva narrativa, críptica en el mal sentido del término, causada por la desmesura de sus intenciones.
Dentro de la compleja labor de poder llegar a discernir alguna nueva corriente dentro del fantástico actual hay dos apuntes a destacar, primero, el asentamiento de un determinado cine francés que abordaremos más adelante, y segundo, un tímido resurgimiento del terror asiático, subgénero en estado aletargado desde hace muchos años, a tal respecto la ópera prima de Yûta Shimotsu  Best Wishes to All parte de uno de los conceptos argumentales más originales vistos este año en Sitges, al generar una serie de imágenes y situaciones insólitas, lindando con el terror, que hacen que la historia vaya en todo momento por delante del espectador, y no al revés. A medio camino entre lo extraño del cine de Kiyoshi Kurosawa y un trazo bizarro digno de un Hitoshi Matsumoto o Junji Ito, Best Wishes to All cuestiona la estabilidad familiar y el sacrificio generacional que conduce a una supuesta armonía social. Su condición de rara avis, como relato alegórico que se sustenta en lo inaudito, no indica que estemos ante una película que abra nuevas vías dentro del ahora extinto J-Horror, posiblemente sí sea reconocida como vía alternativa del resurgimiento de ciertas autorías asiáticas periféricas, que intentan indagar desde la introspección en ese otro cine fantástico. Otra cinematografía aletargada en los últimos años es la del terror proveniente de Corea, género que supuso a principios del 2000 un auténtico boom a un nivel industrial, más que autoral. En Sleep, al igual que Best Wishes to All, no se establece una clara adscripción al género de terror, la etiqueta de película de misterio sobre ansiedades varias de la vida en pareja que ocasionalmente mira sin disimulo a la comedia, sería algo más preciso. La ópera prima del guionista y director Jason Yu, al igual que The Machinist de Brad Anderson, o Come True de Anthony Scott Burns, entre otras, parte de una premisa interesante, como es el conflicto originado por desórdenes del sueño, en este caso el referido al sonambulismo, y cómo a través de él, nuestros peores miedos pueden cobrar vida mediante la ambigua paranoia que los protagonistas sufren por dicha anomalía. Película que, conforme avanza muta hacia coordenadas más genéricas y predecibles, como el cine de posesiones y escenarios encantados, algo que irremediablemente hace que esa tensión inicial quede bifurcada, y en parte diluida, en otros apartados intuidos como más artificiales, con todo, un debut prometedor.
Como colofón a este primer apartado, dos propuestas destacaron por encima del resto de películas presentes en la Sección Oficial a concurso en este Sitges 2023, por una parte, la cinta canadiense Les chambres rouges, film que pervierte conceptos tales como el drama judicial, las serial killer groupies y las derivaciones del true crime, mediante la fascinante disección de un personaje sumido en la obsesión. Al igual que en Kissed (1996) o Dans ma peau (2002) en Les chambres rouges asistimos al desarrollo de una oscura patología, con relación a una historia que tiene la gran virtud de estar continuamente incumpliendo las expectativas del espectador, narrativas en donde sus protagonistas descubren que hay lugares que una vez que los visitas, es muy difícil volver. La película de Pascal Plante termina siendo un fascinante thriller autoral que cobra vigencia en unos tiempos marcados por el voyerismo morboso y el capitalismo de vigilancia. Relato que comienza con una disección del tropo del asesino en serie, evolucionando hacia un psicodrama centrado en dos mujeres que orbitan en una historia que canaliza hábilmente la esencia del horror social anexo a internet y el concepto de la perversidad de la imagen, funciona también como estudio sobre la preocupación enfermiza de la sociedad por el mal. Desafiante también podría considerarse la trayectoria de Bertrand Mandico, Conann viene a ser una inclasificable reinterpretación del personaje de Robert E. Howard a modo de demencial parábola Faustiana de tono glam. El responsable de la también fascinante After Blue, como cineasta experimental que es, sigue a lo suyo, ofreciéndonos siempre algo divertido mediante las subversiones de género, la sensación intencionadamente barroca de su estética, y el sentido de la inmersión en un espectáculo visual que no excluye al espectador con predisposición a su cine. Inalterable a la hora de deformar personajes y narrativa contiguos a la cultura pop y el exceso mediante la ostentación de su puesta en escena, el cine de Bertrand Mandico deviene como una autoría sofisticada, y hoy por hoy inimitable, que aúna lo indefinido y lo kitsch, su visionado en bruto justifica el cine como experiencia única.

 

Reformulaciones y el nuevo cine fantástico social francés
Como últimamente viene siendo habitual, varias fueron las propuestas vistas en este Sitges 2023 que intentaron reconfigurar patrones genéricos que han tenido una presencia destacada en el fantástico pretérito y contemporáneo, nos detendremos en dos películas que discurren por ese ideario de una forma cuestionable. Riddle of Fire, del debutante Weston Razooli, pretende recuperar conceptos de la aventura infantil como perpetuo happy place. En el film vemos como tres niños que intentan descifrar el control parental de su videoconsola tendrán que dar con la receta de la tarta de arándanos perfecta para el cumpleaños de su madre convaleciente, y así, a modo de premio, poder acceder al juego. Riddle of Fire recurre en todo momento a una narrativa adyacente y deudora de la cultura popular, la trama apela al lenguaje del videojuego, también a una suerte de fábula infantilizada de tono medieval, el problema surge al comprobar como aquí la mirada, de un claro tono hipster, intenta situarse por encima de la complacencia que pretende mostrar, intentar presumir de rodar en 16mm, o acabar el relato bajo los acordes musicales del Cannibal Holocaust de Riz Ortolani a modo de guasa, no significa forzosamente ser el más listo de la clase, mucho menos estar a la altura de los clásicos cinematográficos en los que se sustenta. Más deficitaria, aún si cabe, resulta There’s Something in the Barn, película que atesorar una crisis de identidad galopante en sus obviedades genéricas, poniendo de manifiesto que no es una idea acertada que cinematografías nórdicas indaguen en conceptos consustanciales del fantástico occidental, como ya se pudo comprobar en Rare Exports: A Christmas Tale de Jalmari Helander. Aquí la principal referencia sería la comedia de terror navideña en la que se sustentaba el Gremlins de Joe Dante, aunque en realidad el film de Magnus Martens, pese a recurrir a una cierta tradición local, orbita en todo momento alrededor del tópico que busca por encima de todo la condescendencia del fan, sin saber muy bien adecuar a qué tipo de audiencia se dirige, pues resulta algo violenta para un público infantil y excesivamente naif para un espectador pretendidamente adulto.
De fallidas reformulaciones también anda sobrada la ópera prima del francés Romain de Saint-Blanquat, La Morsure, película que pretende deambular a través del concepto de lo impredecible e inconcreto, lo hace a modo de artefacto de consonancias arty que también intenta alardear de referencias genéricas. Posee cierto aroma de Giallo, aunque citar como principal antecedente el cine vampírico de Jean Rollin le hace un flaco favor, al quedar todo en un propósito de fantasmagoría que circunvala conceptos dramáticos, como el coming of age, el angst juvenil y la correspondiente pulsión sexual, de forma tan abstracta, que el simbolismo que pretende exponer de forma sutil, termina revelándose a modo de simple cliché. Algo más entonada con respecto a propósitos y narrativa resulta la cinta pakistaní In Flames, película que curiosamente hace un recorrido inverso al film de Romain de Saint-Blanquat. Al igual que hacía Ali Abassi en Holy Spider a través de la óptica de la crónica negra, aquí todo se inicia con una problemática social, será conforme avance la trama, cuando irá haciendo acto de presencia el subjetivo elemento fantástico. La ópera prima de Zarrar Kahn nos cuenta una historia de opresión que aborda el género como mecanismo de denuncia, en ella vemos la precaria existencia de una madre y una hija tras la muerte del patriarca de la familia, un nuevo status de indefensión social ocasionará un trauma intergeneracional cuyo origen es percibido como patriarcal. El escenario, una sociedad machista, será el terreno abonado para una aparición fantasmal intuida en el relato como dual, imaginaria y terrenal, la primera no desentona en el conjunto, seguramente por la ausencia de subrayados a modo de espectral recordatorio de cómo los hombres pueden conservar el control en las psiques femeninas, incluso después de haber fallecido. Posiblemente la corriente más contrastada dentro del fantástico actual sea ese cine proveniente de Francia abonado a la distopía que inserta sin pudor realismo y alegoría al relato de género, Acide, al igual que el anterior trabajo de Just Philippot, la estimulante La nuée, indaga con determinación en el tono trágico del apocalipsis medioambiental, un ecoterror aquí ocasionado por una lluvia ácida que causa devastación y pánico por donde pasa. Bastante más convencional que su ópera prima, aquí lo social y familiar dan la impresión de estar orquestados como mera excusa. Como mal menor, dejando de lado su cuidada producción, los mejores momentos de la cinta los podemos encontrar a través de cierto talante deudor, a modo de survivor catastrofista, que nos conduce, salvando distancia y condición, al War of the Worlds de Steven Spielberg.
Hubo más cine francés que profundizó en ese fantástico que parece estar sumido en el drama, Le règne animal de Thomas Cailley, también recrea un escenario distópico, aquí mediante su condición de fábula animalista que toma iconografías y tropos derivados de, por ejemplo, La Isla del Doctor Moreau, los X-Men o de ciertas texturas colindantes al body horror. En esta ocasión, la fantasía deviene más luminosa que apocalíptica, a través de una historia en donde contemplamos una alteración genética con relación a mutaciones que transforman de forma aleatoria a humanos en animales, y los prejuicios que de todo ello se deriva. De ritmo errático, su enunciado propone una oda a la amistad y el proceso de aceptación de una metamorfosis a través de una relación paternofilial, la idea resulta original, no tanto el desarrollo, y se agradece al menos la ausencia de vulgares moralejas en el manejo de la parábola. Otra cinta que modula géneros respecto al apocalipsis y la condición humana es Vincent doit mourir, el film de Stéphan Castang parte de una interesante premisa: sin explicación alguna, un hombre empieza a ser atacado con claras intenciones homicidas por parte de personas corrientes, concepto que nos retrotrae a un imaginario que parece surgido de la mente de Richard Matheson, en relación a su minimalismo y a la imposibilidad del individuo corriente de asumir con lógica un hecho fantástico e irracional, de tratar de comprender algo incomprensible que trastoca por completo, su hasta ese momento gris existencia. Historia de enorme complejidad, que empieza casi como una sátira social sobre el mundo laboral, coquetea más tarde con el slapstick y acaba en relato de índole paranoide, algo lastrada por una parte final en donde el cataclismo pasa a ser global, dejando en un segundo plano esa interesante exploración que aborda la ruptura de una cohesión social, cuya única solución posible previa al colapso, pasa por redimir la confianza hacia el otro. Por otra parte, sorprende que un producto tan encaminado a la serie B como es Vermin, película de monstruos de bajo presupuesto, no escape a esa tendencia comentada en estas líneas sobre cómo gran parte del fantástico francés actual mira a problemáticas sociales. De epiléptica dirección, la película de Sébastien Vanicek transcurre, al igual que La tour de Guillaume Nicloux, en un bloque marginal de la periferia de una gran ciudad, desarrollando su historia a cerca de la indecisión, en lo concerniente a elegir entre una narrativa desenfadada de supervivencia o un registro más realista que aborda la alegoría social. Lo mejor del film de Sébastien Vanicek termina siendo la añoranza que desprende hacia películas que sí tenían claros concepto e idearios y que transitaban por la temática de las arañas letales; Kingdom of the Spiders o Aracnofobia serían dos buenos ejemplos de ello.

Crónica Festival de San Sebastián 2023 (I)

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El contenido como constante

Del 22 al 30 de septiembre tuvo lugar la 71 edición del Festival de San Sebastián, un año marcado, y en parte recrudecido por una serie de vicisitudes que han estado presentes a lo largo de los últimos tiempos en el Zinemaldia, esto se manifiesta esencialmente a través de su ambivalente condición de festival de festivales. Ese estado de origen ya casi crónico, que le coloca en la difícil tesitura de estar en la cola de los certámenes de categoría A, en parte aliviada en los últimos tiempos por la vía Toronto, ha hecho que San Sebastián se tenga que buscar la vida a la hora de auxiliar sus sempiternas carencias en la medida de dar un sentido consistente y temático a su Sección Oficial, problema este año patente a través de una cuestionable representación del cine español, apartado que anteriormente en parte acreditaba y justificaba la exigüidad conceptual de esa parcela principal del certamen, siendo nuevamente apartados alternativos como New Directors, Perlas o Zabaltegi-Tabakalera, los espacios que han logrado equilibrar una vez más una programación que en esta edición se ha visto algo supeditada a los abruptos saltos cualitativos existentes en secciones.
Ausencias y presencias que posiblemente vengan motivadas por un rumbo actual cuando menos debatible, especialmente en relación a una encorsetada Sección Oficial que parece estar sometida a una serie de contenidos, cuotas o compromisos que da la sensación de colocarse por encima de lo entendible como puramente cinematográfico, solo así se puede llegar a entender una serie de decisiones de difícil justificación, por ejemplo, una película como El sueño de la sultana en competición, también la comparecencia de dos propuestas argentinas, de temática y desarrollo demasiado similares como resultaron ser La práctica y Puan, o la presencia, algo forzada en lo relativo a la búsqueda de equivalencias, de complejas indagaciones autorales con cintas tipo All Dirt Roads Taste of Salt o MMXX, interesantes trabajos autorales que parecían estar programadas a modo de compensación respecto a propuestas de otra índole en donde prevaleció un tono demasiado condescendiente.
Forzados equilibrios entre secciones en esta 71 edición en la que destacó por encima del resto, por la esforzada y necesaria (hoy más que nunca) labor de seguir al pie del cañón con las retrospectivas clásicas, este año dedicada al cineasta japonés Hiroshi Teshigahara, ciclo acompañado de una interesante publicación. A continuación, y al igual que en pasadas ediciones, pasamos a detallar los títulos presentes en la Sección Oficial, así como el cine español visto en San Sebastián, dejando para un segundo dossier el análisis, igualmente pormenorizado, de todo lo que dio de sí lo visto en secciones paralelas del festival, tales como New Directors, Perlas, Zabaltegi-Tabakalera y retrospectiva.

 

Hayao Miyazaki y el riesgo

En un año plagado de testamentos fílmicos por parte de referentes, The Boy and The Heron, la nueva producción del Studio Ghibli inspirada en una novela de Genzaburo Yoshino, no dejó de ser una inauguración soñada por parte del festival, situada muy por encima en calidad y contenido con respecto a anteriores propuestas presentes en el certamen. Ejercicio derivado de la observación, en donde la expresividad de las imágenes, colindantes con la abstracción, vuelven a inundar de magia un entorno que atiende tanto a lo grandilocuente como a lo minúsculo. Como suele ser habitual en el cine de una figura de la talla de Hayao Miyazaki, la fantasía vuelve a cuestionar condición y realidad, a través de dicho statu quo el maestro, que siempre tendrá algo que decirnos, nos habla sobre el duelo y la tragedia infantil en relación con un compendio, el drama personal, que no deja de ser en sí mismo una celebración, tal vez final, de un imaginario consustancial, aquí provisto de la mejor caligrafía de estilo de su autor. Provenientes de sectores duros, incluso experimentales con referencia a autorías percibidas como arriesgadas, dos propuestas destacaron del resto de películas a competición, por un lado la ópera prima de la realizadora estadounidense Raven Jackson con All Dirt Roads Taste of Salt, exploración lírica compuesta casi en su totalidad por secuencias de transición que parecen girar sobre sí mismas, cine que por momentos puede retrotraernos a Terrence Malick, en lo concerniente a querer trascender en cada secuencia, recurriendo estrictamente al trazo sensorial a la hora de mostrar un retrato vivido, en el más estricto término de la palabra, que recorre décadas y dos generaciones de mujeres que viven a orillas del Mississippi.  Narrativamente cargada de imágenes y sonidos ambientales, la historia, una indagación sobre el discurrir de la vida, no inventa nada nuevo con respecto a un fondo que sin una cierta predisposición puede resultar algo esquemático, en lo formal sin embargo nos encamina a ese tipo de relatos hoy en desuso, aquellos que intentan a través del riesgo componer una gramática solo entendible como propia. Más arriesgado, aún si cabe, resultó ser el último trabajo de Cristi Puiu MMXX, cinta que transita a través del autosabotaje y que posiblemente sea junto a Zeros and Ones de Abel Ferrara el mejor retrato pandémico, dada su complejidad a la hora de diseccionar una sociedad, realizado hasta la fecha. El director de La muerte del señor Lazarescu nos cuenta a través de cuatro historias sinérgicas el devenir de universos cerrados que hablan de su tiempo, en realidad el último y más interesante de todos, no deja de ser una cruel consecuencia de los tres anteriores. De formato infranqueable el conjunto, por lógica, resulta desigual y por momentos complicado de descifrar, pero interesante en referencia con una función metafórica que radiografía una Europa supuestamente próspera en lo moral y material. Curioso y sintomático fue comprobar como las películas de Cristi Puiu y Raven Jackson fueron posiblemente las dos propuestas a competición peor recibidas por parte de la crítica acreditada, ausencia de unos aplausos ya normalizados al término de cada sesión y deserciones masivas en pases de prensa, un preocupante indicativo, tanto del adocenamiento crítico, como de los tiempos líquidos para el cuestionamiento que nos toca vivir en la actualidad.

 

Cine patrio en la estacada

El cine español presente este año en San Sebastián puso de manifiesto la difícil coyuntura existente por la que atraviesa hoy el certamen con relación a una selección de cine patrio cuando menos cuestionable. La sensación de que festivales como Cannes, Berlín o Venecia se llevan la mejor parte del pastel volvió a ser patente, siendo una representación la de este año condicionada por dicho escollo, solo así se entiende que una película de las características de El sueño de la sultana, que hubiera encontrado con suma facilidad acomodo en cualquier otra sección del festival, excepto a competición, película de animación a cargo de la veterana Isabel Herguera que indaga en un relato feminista de Begum Rokeya escrita a principios del siglo XX, loable, aunque limitado esfuerzo artesanal al servicio de un discurso que deviene como simplista y dramáticamente disperso. Con respecto a Un amor, nada como un material literario intuido como complejo a la hora de subrayar alarmantes carencias autorales. Una película que nos dice lo que ya sabíamos del cine de Isabel Coixet, se reconoce al menos su inteligencia, o si se prefiere su oportunismo, al transitar por una serie de temarios en boga dentro de la cinematografía patria, lo rural como nirvana de la clase media alta, moda que ojalá acabe lo antes posible. En parte lo campestre también tiene una presencia destacada en la ganadora de la Concha de Oro como Mejor película, O corno, segunda película de Jaione Camborda tras su estimulante opera prima, Arima, que nos sitúa en un relato íntimo de época, Isla de Arosa a principios de los 70,  y que explora una odisea terrenal y corporal, fisicidad que por momentos puede evocar el cine de Claire Denis, en forma de huida, de una mujer que se ve obligada a abandonar su hogar tras la muerte de una adolescente a la que ha ayudado a abortar. Obra que, al menos, confirma una voz e identidad propia, cuyo poderío visual rehúye del costumbrismo edulcorado, al mismo tiempo que difumina reiteraciones temáticas teniendo la virtud de no caer en alegatos militaristas poco perspicaces, a la hora de abordar retratos genuinamente femeninos. Con diferencia, la mejor película española presente este año en la Sección Oficial.
Dos películas, en apariencia importantes, provenientes de otros festivales que encontraron un acomodo en San Sebastián fueron, por una parte, La sociedad de la nieve, película que recrea la tragedia del accidente aéreo de los Andes de 1972, en donde queda claro que en el cine no existen temas trillados, sí autorías, como la de J.A Bayona y su emotividad llevada a la hipérbole y camuflada, como viene siendo habitual, en su inmaculada ejecución técnica. Puestos a elegir una versión sin violines de la historia, servidor siempre estará muy a favor tanto del Supervivientes de los Andes de René Cardona, como de la efectiva Alive! de Frank Marshall. Por otra parte, la proyección de Cerrar los ojos y el merecido Premio Donostia otorgado a Víctor Erice vino a dignificar, y en parte a justificar, la existencia de cualquier festival de cine que se precie, obra que da por finalizado un círculo y que utiliza el cine, y la pervivencia de la imagen, como fábula nostálgica y herramienta para fijar el tiempo a través de una historia a la que no le sobra ni un solo minuto de metraje. Un autor de una película monumental en la cual nos detendremos de forma más exhaustiva próximamente. Dentro de Galas de RTVE, Chinas de Arantxa Echevarría volvió a ser otro de esos trabajos tan voluntariosos como intrascendentes que indagan en problemáticas sociales de nuestro presente a través de un relato que reflexiona sobre identidad y raíces con relación a una mirada situada a la altura de la infancia, lástima que el resultado final sea esclavo de una serie de clichés raciales y generacionales, que derivan en una cierta irrelevancia. La práctica de Martín Rejtman, una de las dos representaciones argentinas a concurso este año en San Sebastián, transita bajo las coordenadas de una comedia mordaz a través del cordial retrato de la prototípica figura del perdedor, aquí un individuo refugiado en la metafísica vegetariana oriental, doctrina que pregona como supuesta solución para la salud de mente y cuerpo. Relato que intenta beber del cine de Éric Rohmer y que tiene la virtud de poner sobre la palestra algunas de las derivas de la psique que asolan a gran parte de seres humanos de este siglo XXI.

 

Autorías en impasse

Varios fueron los realizadores de una reconocida trayectoria dentro del circuito de festivales que estuvieron presentes este año en competición en el Zinemaldia, autorías que sin embargo mostraron un tono difuso y distante con respecto a anteriores trabajos, Joachim Lafosse parte de una premisa recurrente este año en el certamen, las trágicas consecuencias de la pedofilia en el seno de la institución familiar, ligado a otro tema bastante reiterativo dentro de su filmografía, la descomposición de dicho núcleo, visto por ejemplo en películas como L’économie du couple o la más reciente Les intranquilles , también en Un silence, que parte de un mediático caso real ocurrido en Bélgica, donde una cosa lleva irremediablemente a la otra, haciendo acto de aparición el consiguiente dilema ético, que lo hace de una forma algo confusa, a través de un relato de estructura aleatoria por parte de un Lafosse que pareciera estar más pendiente del juego genérico de la ocultación de datos en la trama, se intenta narrar lo que no aparece en la pantalla, que de la sutileza propia de su cine. Obra algo menor de un realizador interesante que siempre ha sabido manejar con soltura eficaces coordenadas que inciden en retratos psicológicos dirigidos en la mayoría de los casos a disputas de poder internas. De complejas derivas paternofiliales y espirales psicológicas infernales también trata Le successeur del francés Xavier Legrand, relato camuflado a modo de oscuro thriller que nos habla del mal como concepto heredado, en realidad la historia no deja de ser el estado mental del protagonista, una premisa sobre tinieblas familiares que resulta como punto de partida fascinante, el pánico e irracionalidad con relación a sus actos que puede generar una persona ante la elevada probabilidad de heredar toxicidades de su progenitor, no tanto un desarrollo, hay momentos en donde se transita peligrosamente hacia la comedia involuntaria, del que hace uso el responsable de la notable Jusqu’à la garde, otra película algo más afortunada en concepto de la que nos ocupa, que también abordaba la paternidad a modo de un relato de terror.
Por su parte L’île rouge de Robin Campillo, ambientada en el Madagascar de principios de los años 70, se postula, en un principio, mediante un tono evocador bajo los designios de la perspectiva del infante, camuflada por la supuesta cotidianidad de un coming-of-age de tono fabulario y autoficcional, la película es percibida a través de un claro talante político que nos muestra el final del colonialismo a través de un relato vertebrado en dos partes bien diferenciadas, la primera, y más interesante, la referida a los “colonos” y su retirada moral y física, apartado que indaga en corrientes ocultas de una supuesta normalidad que no lo es tanto y que queda expuesta a modo de radiografía de una trastienda familiar, pues  básicamente asistimos al derrumbamiento, a la claudicación alegórica de un mundo adulto, dejando para la parte final la algo más obvia a modo de subrayado narrativo, la histórica y explícita representación de la liberación. Una interesante propuesta, que pasó demasiado desapercibida en el certamen, sobre el discurrir del tiempo y la melancolía de un paraíso que deviene finalmente como falso. Como viene siendo habitual en los últimos años la clausura estuvo representada a través del academismo, y qué mejor para ello que el biopic de un personaje histórico, Dance First retrata las vivencias del Premio Nobel de Literatura Samuel Beckett, relato que se inclina más por los debates emocionales internos del protagonista que por la propia creación artística, elección que no deja de ser consciente de las limitaciones poco gratificantes que suelen albergar el retrato de los intelectuales en el audiovisual moderno. La película acontece como la imposibilidad de intentar capturar elementos subversivos de unas vivencias que podrían reflejar parte de una obra artística. Para una reflexión más profunda, queda discernir el adocenamiento en la trayectoria de su director James Marsh, interesante autor de documentales tan reconocidos como Man on Wire o Proyecto Nimy y responsable de una de las óperas primas más rupturistas en lo formal de los últimos años, Wisconsin Death Trip, película que en espíritu nos sitúa justo en las antípodas de todo lo mostrado en Dance First.

 

Reincidencias y divergencias genéricas

Los dramas ocasionados por las inseguridades sentimentales de la pareja estuvieron presentes en la sección oficial por partida doble, primero con Fingernails del griego Christos Nikou, comedia dramática que orbita a través de la complejidad e incógnita que anida en el sentimiento amoroso, película que tiene el problema de utilizar una distopía como peaje, y mal necesario, a la hora de bucear sobre mecanismos narrativos de supuesta apariencia extraña, aquí un instituto de alta tecnología diseñado para incitar y probar la presencia del amor romántico en parejas cada vez más desesperadas que bien podría formar parte de un episodio de la serie Black Mirror, en relación con un simple McGuffin, que aquí hace honor a su condición sin apenas desarrollo, a priori interesante concepto solo esbozado de forma tímida a través de una mirada crítica sobre la dependencia de la tecnología que nos lleva a dejarnos condicionar dentro de dicha esfera. Otro detector de la deriva del responsable de la más entonada Apples sería un cierto abuso, ya casi sempiterno, en la utilización de música de los 80, a modo de recurso que, ante la imposibilidad de profundizar en sus conceptos, pretende ser empático a toda costa con el espectador. Algo más distendida en lo concerniente a sus formas a la hora de retratar masculinidades heridas causadas por las complicadas relaciones de pareja, resultó Ex-Husbands, segundo largometraje de Noah Pritzker que pretende ser un amable y distendido retrato generacional sobre los desvaríos sentimentales de los miembros masculinos de una familia. Pese a evitar el trazo tópico y facilón de dicha premisa la sensación final es la de estar ante un producto de tono liviano, algo que en parte queda mitigado al comprobar como cuarenta años después del After Hours de Martin Scorsese, Griffin Dunne como concepto y personaje con relación a la indagación sobre cómo asumir la soledad, sigue representando en sí mismo un estado de ánimo.
Como en The Assistant  la realizadora Kitty Green reincide en temarios ya trillados al volver a cuestionar la toxicidad de la mirada masculina utilizando la presencia física de una notable Julia Garner, si en su anterior trabajo el conflicto quedaba situado a un nivel corporativo en The Royal Hotel, esos severos peligros consustanciales encauzados a la feminidad son visualizados a través de un ambiento aún más hostil y físico, como resulta ser la Australia profunda del Outback, escenario intuido como inhóspito, un no lugar que por momentos nos remite al cine de terror y al western,  y que funciona a modo de curiosa variante turbia situada a medio camino de la extraordinaria Wake in Fright de Ted Kotcheff y de Thelma & Louise en clave teen angst. Lástima que Kitty Green no lleve hasta el final este interesante tratado sobre el miedo, en el que dos jóvenes mochileras canadienses se ven obligadas a trabajar en la barra de un pub ubicado en una desértica y remota localidad minera. El enunciado y la escala dramática sobre la feminidad acosada funciona a la perfección, no así una resolución en donde se evidencia su condición de ostensible metáfora simbólica, posiblemente el abrazar coordenadas genéricas, como el exploitation, o incluso el rape-revenge, hubiera dado algo más de sentido a una conclusión que requería algo más de contundencia con respecto a cómo tarde o temprano la violencia, como única vía posible, termina por emerger. Pese a evidentes carencias, The Royal Hotel fue un soplo de aire fresco en una Sección Oficial demasiado enfocada a contenidos sociales. Hablando de incomodidades varias, Isabella Eklöf, al igual que Kitty Green, pero desde una perspectiva bien distinta, también indaga sobre temarios ya intuidos en su corta trayectoria, tanto en Kalak como en su anterior Holiday, sigue a personajes marcados por la violencia, lo hace de forma irregular a través de un retrato plagado de aristas que intenta romper expectativas en base a la sordidez de sus acciones. Aquí, basándose en una novela autobiográfica de alguien que huye de su pasado y que en su huida se pierde. El concepto abrupto y rupturista de la trama parte de un abuso sexual sufrido en el pasado, la víctima, ya en edad adulta, intentará validar el trauma mediante exilio y adicciones varias a través de un relato agrio y poco amable para el espectador; tiene el déficit, sin necesidad de serlo, de ser arbitrario e ilustrativo en exceso, el Abel Ferrara de los 90 hubiera sacado auténtico petróleo de dicho material.
En la representación asiática a competición de este año hubo una cierta sensación de reincidir en conceptos narrativos muy frecuentados durante este Zinemaldia 2023, en las dos películas presentes contemplamos después de una larga ausencia, el regreso de un hijo a la vida de su padre, ya en una condición muy precaria, y cómo bajo estas circunstancias debe ajustar cuentas con él. En la taiwanesa A Journey in Spring, sencilla pieza de estilo y de estructura casi artesanal, las debutantes Peng Tzu-Hui y Ping-Wen Wang nos hablan mediante un tono poético que evita manierismos recurrentes, y a través de elementos mínimos, de cuestiones que se atisban como supuestamente trascendentales, una podría ser la asunción de la muerte y la correspondiente conservación de la memoria a un nivel emocional que ello conlleva, la historia nos cuenta las vivencias de una pareja de ancianos que viven en la periferia urbana de Taipei, tras la repentina muerte de la mujer, el marido la coloca en un viejo congelador intentando de forma infructuosa aferrase a un modo de vida ya materializada como pretérita. La película también profundiza, a través de la indefensión en la que se ve sumido su protagonista, en una suerte de un autoconocimiento paternofilial, y como a causa de un hecho traumático y rupturista, se intenta reparar un mal del pasado. Algo más compleja en fondo y forma resulta Great Absence de Kei Chika-Ura, drama de precisión casi quirúrgica, que viene a ser una nueva observación sobre las difusas brumas que anidan en la figura paterna, y que también comparte más de una semejanza argumental con otra película presente el pasado año en el festival, como fue la también japonesa A Hundred Flowers de Genki Kawamura, ambas cintas comparten un complejo juego narrativo, por momentos críptico, al fragmentar la estructura del relato en un intrincado juego que oscila entre presente y pasado. En esta ocasión, un hijo no tendrá más remedio que adentrarse en el enmarañado laberinto mental, víctima de la demencia en el que se encuentra su padre, un excepcional Tatsuya Fuji. Podríamos decir que el nexo en común de estas películas vendría a ser tanto una nueva visión de viejos conceptos cada vez más extintos de masculinidad por parte del pariente más joven del clan familiar, como un tratado sobre el sufrimiento ocasionado por un severo declive mental. Se agradece que Great Absence no subraye tremendismos propicios a su trama, en cambio adolece de una excesiva duración de más de 150 minutos, un mal ya habitual en el cine contemporáneo, para un relato que posiblemente requería una mayor economía narrativa.

 

 

La Seminci estrena la sección Alquimias, un espacio para el descubrimiento de un cine vibrante y original

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El maestro filipino Lav Diaz, el ganador del Festival de Locarno Ali Ahmadzadeh o el esperado largometraje de los directores DK y Hugh Welchman (Loving Vincent) integran esta nueva sección competitiva, cuyo premio de 10.000 euros patrocina Grupo Recoletos Red Hospitalaria.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid introduce una nueva sección competitiva, Alquimias, un espacio nuevo que amplía la mirada del festival y emprende un contundente impulso a su internacionalización, expandiendo su enfoque a un cine vibrante y original. Esta sección, que constituye la mayor innovación en la programación de Seminci, nace para acoger historias ubicadas en latitudes distantes, relatos que definen un momento y un lugar, al tiempo que retratan las pasiones inherentes a la condición humana y evidencian las posibilidades del cine como espejo compartido de los acontecimientos del mundo.
Alquimias dará también cabida a los autores que, con tres o más películas, atesoran ya un cierto recorrido y reconocimiento en el circuito de festivales. Se abre por lo tanto un espacio nuevo que amplía la mirada del festival y se complementa con las secciones Oficial, principal escaparate de la programación con autores consagrados y noveles, y Punto de Encuentro, dedicada a primeras y segundas películas. Grupo Recoletas Red Hospitalaria patrocina el premio de esta sección, que tendrá una dotación de 10.000 euros.
El jurado de esta sección estará integrado por tres representantes de la Confederación Internacional de Cines de Arte y Ensayo (CICAE por sus siglas en francés), asociación creada en 1955 con el objetivo de promover la diversidad cultural en cines y festivales, así como impulsar políticas de apoyo a las salas que se posicionaban a favor de esta forma de arte cinematográfico. La organización reúne a más de 2.400 salas de cine de autor en 45 países del mundo.
Ocho títulos integran la sección, firmados por talentos emergentes, nombres que, en la apuesta firme y definitoria de Seminci por el descubrimiento de nuevos autores y miradas todavía desconocidas en España, copan el grueso de Alquimias. Junto a ellos, los consagrados Lav Diaz (Melancholia, From What Is Before) y el dúo formado por DK y Hugh Welchman (Loving Vincent), que presentan sus trabajos por primera vez en Valladolid y acompañan a otras voces que comienzan a sonar con fuerza en el circuito internacional, como el iraní Ali Ahmadzadeh (Kami’s Party y Atomic Heart).
Su película Critical Zone, galardonada con el Leopardo de Oro de Locarno, es una road movie callejera que viaja a lomos del coche de un pequeño traficante que constituye una crónica del Teherán nocturno y su fauna urbana más clandestina: drogas, prostitución y contrabando. Ali Ahmadzadeh retrata una juventud hastiada de la represión y el fundamentalismo en esta película rodada de forma clandestina en la capital iraní. El cineasta acudirá a Valladolid a presentar su película, después de no poder hacerlo en Locarno ni recoger el Leopardo de Oro por la prohibición de las autoridades iraníes de abandonar el país, que además presionaron para que la película fuera retirada del certamen suizo.

Critical Zone

De venganza y asuntos irresueltos trata Femme, ópera prima de Sam H. Freeman y Ng Choon Ping, que adaptan su cortometraje homónimo de 2021 sobre una drag queen que se encuentra en una sauna gay con un joven que meses antes le propinó una paliza. Proyectada en la sección Panorama de la Berlinale, George MacKay (1917, The Beast –programada en Sección Oficial-) y Nathan Stewart-Jarrett (Misfits, Utopía) interpretan a dos amantes que se adentran por un laberinto cada vez más turbio y complejo. YouPlanet distribuye la película en España, seleccionada a los premios EFA de la Academia del Cine Europeo.

Femme

Bajo otra luz, la de los focos y los neones, se desarrolla The Beast in the Jungle, de Patric Chiha (Brothers of the Night, Si c’était de l’amour), que compitió en Panorama en la Berlinale. Adaptación libre de la novela homónima de Henry James –la misma que ha inspirado la película The Beast, de Bertrand Bonello, programada en Sección Oficial, la historia transcurre durante 25 años (de 1979 a 2004) en un enorme club nocturno, donde un hombre y una mujer observan y esperan un evento desconocido, mientras seguimos la evolución de la música disco a la tecno como banda sonora de la historia de una obsesión. Surtsey Films se encarga de la distribución en España de esta película, que protagoniza Anaïs Demoustier (Los consejos de Alice, La chica del brazalete, La casa junto al mar).

The Beast in the Jungle

La esperada película de los directores de Loving Vincent, el dúo formado por DK y Hugh Welchman, completa la selección de Alquimias: En nombre de la tierra, un film de animación pictórica estrenado en el Festival de Toronto y propuesto por Países Bajos como candidato al Óscar a la mejor película internacional. Adaptación de la novela Los campesinos del premio Nobel de Literatura Władysław Reymont, esta historia ambientada en la campiña polaca a caballo entre los siglos XIX y XX, está protagonizada por una joven campesina obligada a casarse con un granjero rico y mucho mayor, pese a que ella está enamorada de su hijo. Karma Films distribuye la película en España.
En otro entorno rural, esta vez en Filipinas, se sitúa Essential Truths of the Lake, con la que el maestro Lav Diaz, ganador de León de Oro en Venecia en 2016 por The Woman Who Left, llega por primera vez a la Seminci. El realizador asiático denuncia las atrocidades del régimen de Duterte a través de este thriller sobre un crimen sin resolver protagonizada por Hermes Papauran, un detective atormentado por un pasado difuso y enfrentado a una encrucijada moral.

Essential Truths of the Lake

La realizadora iraní Sepideh Farsi (Tehran without Permission), declarada persona non grata por el régimen de la república islámica y con la entrada prohibida en su país –reside en París desde 1984-, se estrena en la animación con La Sirène tras una brillante carrera en la ficción (Le Voyage de Maryam, Dreams of Dust, Red Rose) y el documental (Le Monde est ma maison, Hommes de Feu). Su nuevo film abrió la sección Panorama de la Berlinale y compitió en la Oficial de Annecy, donde ganó el premio a la mejor banda sonora. La Sirène es una conmovedora historia antibélica con el sitio de la ciudad iraní de Abadán por parte de las fuerzas iraquíes como trasfondo, donde un adolescente que intenta huir en mitad de los enfrentamientos durante la guerra entre Irán e Irak, en 1980.
Sobre otro suceso real, el enfrentamiento en 1968 entre los estudiantes de la Universidad de São Paulo, contrarios a la dictadura militar, y los de la Mackenzie, favorables a ella, versa A Batalha da Rua Maria Antônia, segundo largometraje de Vera Egito. Cuando estalla el enfrentamiento, se lanzan gritos, bombas molotov, piedras, palos, bombas caseras y un niño inocente muere. La realizadora aborda este capítulo de la historia brasileña con una película que, mediante 21 planos-secuencia, retrata un enfrentamiento entre mentalidades opuestas que guarda inquietantes paralelismos con los días que vivimos, a través de la crónica de un grupo de jóvenes que participa en las protestas en defensa de un ideal.
Tres hermanos, ganadora del Premio Especial del Jurado en el Festival de Mar del Plata, supone también la segunda incursión en el largo de Francisco J. Paparella, que despliega un trepidante y angustioso cruce entre wéstern y thriller ambientado en la Patagonia argentina, cuyo paisaje majestuoso e inhóspito se presenta como el escenario de una historia cruda y violenta donde los tres hermanos del título, seres primitivos, disfuncionales y excesivos, viven presos de sus traumas familiares, en un film que rememora la película de Sorogoyen As Bestas con acento argentino.

Tres hermanos

 

La mirada femenina se impone entre las nuevas voces presentes en la Seminci

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Dos de las sensaciones de Cannes, las óperas primas How to Have Sex, de la británica Molly Manning Walker, y The Sweet East, del norteamericano Sean Price Williams, competirán por la Espiga de Oro. 
Punto de Encuentro toma protagonismo y se convierte en una sección esencial para entender el cine de hoy con la presencia de los talentos emergentes del panorama internacional y con once títulos dirigidos por mujeres, el 73% del total.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid amplía su mirada con una contundente presencia en su programación de algunos de los referentes actuales del cine indie americano y de los talentos emergentes de otras cinematografías a los cuales la industria audiovisual sigue muy de cerca. Sus propuestas vibrantes y provocadoras estarán presentes en las secciones Oficial y Punto de Encuentro y convertirán la 68 edición en un espacio para el descubrimiento de obras sorprendentes y originales, que marcarán el camino futuro del cine con sus miradas nuevas y distintas.
La Sección Oficial programará en competición dos de los títulos más esperados, polémicos y que han generado más conversación del cine indie de los últimos tiempos, primeros trabajos de dos excelentes directores de fotografía: How to Have Sex, de la británica Molly Manning Walker, y The Sweet East, del norteamericano Sean Price Williams.
How to Have Sex aborda la cuestión del consentimiento sexual a través de la historia de tres amigas británicas que, al terminar el instituto, se escapan a una isla griega con el firme propósito de emborracharse, bailar y ligar en el que se supone que será el mejor verano de sus vidas. El film de Molly Manning Walker llega a la Sección Oficial tras ganar el premio de la sección Un Certain Regard del pasado Festival de Cannes. Manning da una vuelta de tuerca feminista a las películas de pérdida de la virginidad y cuestiona las presiones sociales sobre las mujeres que subyacen en las liturgias de desinhibición típicas de estos contextos.
Sean Price Williams, habitual de directores indies como Josh y Benny Safdie, Michael Almereyda, Alex Ross Perry o Abel Ferrara, debuta con The Sweet East, película filmada como una variación de “Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas” que celebró su estreno mundial en la Quincena de Cineastas Cannes. La película es un viaje al radicalismo y la locura de la Norteamérica contemporánea por las ciudades y paisajes de la costa Este norteamericana, donde la joven Lillian, tras escaparse de su viaje de estudios con sus compañeros de instituto, descubre a los outsiders de la sociedad: supremacistas blancos, radicales islámicos, neopunks… La película está protagonizada por Talia Ryder (Nunca, casi nunca, a veces, siempre) y Jacob Nathaniel Elordi (The Kissing Booth, Euphoria).
Punto de Encuentro
Punto de Encuentro será esta 68 edición de Seminci un lugar para descubrir las películas que abren nuevas perspectivas en el panorama contemporáneo, realizadas por talentos incipientes de espíritu indomable. Esta sección competitiva, que reúne primeras y segundas películas de ficción, reúne una selección de títulos en la que predomina la mirada femenina, con 11 de los 15 títulos que integran Punto de Encuentro firmados por directoras, el 73% del total.
The Feeling That The Time For Doing Something Has Passed es una autoficción autoparódica de escritora, directora y actriz norteamericana Joanna Arnow proyectada en la Quincena de Cineastas de Cannes y apadrinada por el pope del cine indie Sean Baker. Arnow también protagoniza esta película con tintes de comedia, en la que interpreta a una mujer cercana a los 40 años que se siente estancada en todas sus facetas vitales: tiene un trabajo precario, tiene una desapasionada relación sadomasoquista con un hombre mucho mayor y sufre a su conflictiva familia.

Luna Carmoon, cineasta británica de formación autodidacta, fue una de las grandes sorpresas de la Semana de la Crítica del Festival de Venecia, certamen donde su ópera prima, Hoard, obtuvo varios reconocimientos, entre ellos, una mención del jurado para su protagonista, Saura Lightfoot Leon, y el premio Authors Under 40 a la mejor dirección y guion. Hoard es una historia intensa y por momentos macabra sobre María, una joven separada de su madre cuando era pequeña por los servicios sociales, cuyos traumas infantiles afloran y desembocan en comportamientos degradantes cuando un viejo conocido, interpretado por Joseph Queen (Stranger Things, Gladiator II), entra en la casa de su familia adoptiva y abre la puerta a traumas pasados, magia y locura.
Hello Dankness, film inclasificable, disparatado y gamberro que firma el dúo Soda Jeck –formado por las hermanas australianas Dan y Dominique Angeloro- será uno de los acontecimientos que más dará que hablar esta 68 Seminci. Hello Dankness retrata los cambios experimentados por la sociedad estadounidense desde Trump engarzando fragmentos de 300 películas y programas de televisión –desde American Beauty a Star Wars, pasando por las presidenciales de 2016 o el #MeToo– para componer un tapiz anárquico. Estrenado en la sección Panorama de la Berlinale, el público solo podrá ver el film en su proyección en el festival ya que el uso de imágenes ajenas sitúa esta producción en los límites de la legalidad y es imposible su estreno en cines o plataformas.
Por su parte, Bill y Turner Ross son probablemente los cineastas independientes estadounidenses más innovadores del momento, cuyos trabajos anteriores, enmarcados en el cine de no ficción, han participado en los festivales de Sundance y Berlín y este mismo año ha sido objeto de una retrospectiva en el Centro Pompidou de París. Los hermanos Ross participan en Punto de Encuentro con su primer largo de ficción, Gasoline Rainbow, una road-movie estrenada en Venecia, en el que cinco adolescentes viajan a la costa del Pacífico y vivir una última aventura antes de iniciar la vida adulta a bordo de una destartalada furgoneta.
La película de Sirocco y el reino de los vientos, que inauguró el Festival de Annecy y recibió el premio del público, supone la primera presencia de un largo de animación en la sección Punto de Encuentro desde hace once años. El primer film en solitario del francés Benoît Chieux, que evoca el cine del maestro Hayao Miyazaki, es la historia de dos intrépidas hermanas de 4 y 8 años lucharán por volver al mundo real desde El Reino de las Corrientes de Aire, su libro favorito, al que han accedido por un pasaje secreto y se han transformado en gatas. La historia, aparentemente infantil pero con distintos niveles de lectura, ha sido coescrita por Chieux junto al nominado al Oscar Alain Gagnol (Un gato en París y Phantom Boy).
Stepne, de la realizadora ucraniana Maryna Vroda, Palma de Oro del Festival de Cannes por su corto Cross, participa en Punto de Encuentro con una historia de supervivencia colectiva no exenta de toques de humor que bucea en la identidad ucraniana a través de las voces de los ancianos. Stepne llega a Seminci tras su estreno en el Festival de Locarno.
One Last Evening, estrenada en la Sección Oficial del Festival de Roterdam y ganadora del premio First Look del Festival de Locarno, supone el debut del actor, guionista y director alemán Lukas Nathrath. One Last Evening es una comedia que retrata con empatía y ternura el desconcierto vital de un grupo de amigos treintañeros que acuden a una fiesta de despedida y acaba desembocando en una batalla de egos.
The Quiet Migration, de Malene Choi, directora surcoreana afincada en Dinamarca, regresa a la sección en la que ganó el primer premio en la 63 Seminci con su primer largo, The Return. Choi lleva a la pantalla su propia experiencia en The Quiet Migration, donde el joven Carl –un joven coreado adoptado por una familia danesa- siente que ha llegado el momento de elegir entre su hogar actual y su país natal en un film cómico y tierno ganador del premio FIPRESCI en la sección Panorama de la Berlinale.
La directora griega Sofía Exarchou explora en su segundo film, Animal, la cara B del paraíso visitando la trastienda de los trabajadores que animan un ‘todo incluido’ en el resort de lujo del Hotel Mirage situado en un isla griega. Tras ser seleccionada para el Laboratorio de Guionistas y Directores de Sundance en 2014, Exarchou se convirtió en una de las grandes sorpresas del circuito indie con Park, su primer largometraje, estrenado en el Festival de Toronto y premiado en el de San Sebastián con el premio nuevos directores.
Sweet Dreams, segundo largo de la cineasta bosnio-holandesa Ena Sendijarević, es un drama de época poco convencional al principio. Ambientado en una remota plantación de azúcar en las Indias Orientales Holandesas alrededor del año 1900, Sweet Dreams es una ficción mágica con toques surrealistas que, a través de una película de aparente corte histórico que tiende un puente hacia el espectador del presente para ponerlo frente al espejo del mundo actual.
Arthur & Diana, segundo largo de la directora alemana Sara Summa presentado en el Festival de Locarno, alude a los dos hermanos protagonistas de esta historia, interpretados por la propia directora y su hermano en la vida real, quienes viajan de Berlín a París para realizar la inspección anual de su destartalado Renault, herencia de su padre fallecido. Esta road movie es una comedia ligera y un tanto aventurera llena de personajes inesperados, pequeñas aventuras, problemas solucionables y cambios de rumbo.
The Cage is Looking for a Bird, debut de la cineasta chechena Malika Musaeva apadrinado por el maestro ruso Alexander Sokurov, Proyectada en la sección Encounters de la Berlinale –la primera película en lengua chechena programada en un gran festival-, Musaeva elige actores no profesionales para retratar su Chechenia natal a través de la las historias de varias mujeres.
Estos títulos, junto a los ya anunciados Muyeres, de Marta Lallana; Negu hurbilak, de Colectivo Negu, y On the Go, de María Giséle Royo y Julia De Castro, completan la programación de largometrajes en competición de la sección Punto de Encuentro.
 

 

 

«Dream Scenario» será la encargada de clausurar Sitges 2023

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La 56ª edición del SITGES – Festival de Cinema Fantàstic de Catalunya clausurara con la comedia de terror ‘Dream Scenario’, producida por A24 y con un clásico de Sitges como Nicolas Cage a la cabeza, será la encargada de cerrar el festival en una proyección que promete ser toda una fiesta.
Paul Matthews (Nicolas Cage) es un profesor y padre de familia corriente; con una vida aparentemente normal, pero todo cambia cuando, de repente, millones de personas empiezan a soñar con él. Al principio, este extraño suceso resulta una bendición para Paul, pero a medida que los sueños empiezan a cambiar en su tono, empezará a convertirse en una pesadilla… Ari Aster (MIDSOMMAR, BEAU TIENE MIEDO’) produce, junto al sello A24, esta ambiciosa comedia surrealista con guion y dirección a cargo del noruego Kristoffer Borgli, director de la sorprendente comedia negra ‘SICK OF MYSELF’. Nicolas Cage (‘MANDY’, ‘COLOR OUT OF SPACE’) encabeza un reparto de lujo que cuenta con nombres de primer nivel como Julianne Nicholson (‘BLONDE’, ‘YO, TONYA’), Michael Cera (‘BARBIE’, ‘SCOTT PILGRIM VS THE WORLD’) y el veterano Dylan Baker (‘RÉQUIEM POR UN SUEÑO’, ‘SPIDER-MAN 2’).
‘DREAM SCENARIO’ llega a Sitges2023 tras su paso por el Festival de Toronto (TIFF), con buena recepción por parte de público y crítica, destacando especialmente la interpretación de un Nicolas Cage en su salsa. La película, supone además la primera colaboración entre el veterano actor estadounidense y el estudio A24, que ha revolucionado el cine de terror en la última década. Su pase en Sitges será además el primero fuera de Norte América y se producirá un mes antes de su estreno en Estados Unidos.

 

Programación completa del Sitges 2023

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Los últimos trabajos de Hayao Miyazaki, Yorgos Lanthimos, Takeshi Kitano, Hideo Nakata entre otros muchos estarán presentes este año en el SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
 Unas sesiones muy especiales
Empezamos el repaso a los nuevos títulos anunciados con las películas que formarán parte de la Sección Oficial Fantàstic, pero sin competir por los premios. Algunas de ellas están entre las más esperadas del año, como por ejemplo el caso de ‘POBRES CRIATURAS’, última película de Yorgos Lanthimos y flamante León de Oro en el Festival de Venecia. Una fantástica Emma Stone protagoniza una historia sobre empoderamiento femenino con toques fantásticos y el humor particular que caracteriza la obra del cineasta griego. Otro de los grandes nombres, éste nacional, es el de J. A. Bayona quien presenta, ‘LA SOCIEDAD DE LA NIEVE’, película que hace tan solo unos días clausuraba el Festival de Venecia. También se proyectará ‘EL CHICO Y LA GARZA’, la última película de una leyenda de la animación como Hayao Miyazaki; que ha sido un gran éxito en Japón a pesar de estrenarse sin ningún tipo de promoción por petición expresa de su propio autor: ni tráileres, ni imágenes ni siquiera sinopsis.
Otros nombres presentes en estas sesiones especiales incluyen a uno de los directores españoles más internacionales, Daniel Benmayor, que presenta, por primera vez, el thriller de ciencia ficción ‘AWARENESS’; el portugués Gabriel Abrantes también nos trae un thriller, ‘AMELIA’S CHILDREN’; si regresamos a la ciencia ficción, ‘UFO SWEDEN’, largometraje dirigido por el colectivo de cineastas suecos Crazy Pictures, es un gran ejemplo, igual que la estadounidense ‘ALIENS ABDUCTED MY PARENTS AND NOW I FEEL KINDA LEFT OUT’, aunque en este caso Jake Van Wagoner, su director, juega más en el terreno de la comedia. Similar es el caso de ‘THE TOXIC AVENGER’, el esperado remake del clásico de culto de 1984 que firma el director estadounidense Macon Blair.
Para terminar, un título de corte más clásico que hará las delicias de los fans del terror: ‘BLOOD DE BRAD ANDERSON’ del estadounidense Brad Anderson (valga la redundancia) es un filme impactante que, a pesar de sus elementos sobrenaturales destaca por el realismo que envuelve a la historia de terror.
Y para los aficionados más extremos, tenemos las dos propuestas que llegan al Especial Mitjanit de la Sección Oficial: ‘LA BALA DE DIOS’, thriller de acción del director estadounidense Nick Cassavetes, con un reparto de lujo encabezado por Nikolaj Coster-Waldau y ‘THE DEEP DARK’, una espeluznante muestra de cine de monstruos que dirige Mathieu Turi, que estuvo en el Festival hace tres años presentando la sorprendente ‘EL TUBO’.

 

Òrbita: la sección más asiática
El Festival de Sitges siempre ha sido un punto de encuentro para los aficionados del cine asiático, que este año van a estar exultantes al conocer la programación de una sección Òrbita, que confirma, un año más, que SITGES2023 sigue fiel a su espíritu global. Teniendo en cuenta la importancia del thriller en la sección (reservada a aquellos géneros limítrofes con el fantástico) no resulta extraño que Corea del Sur se erija como la reina de la sección, ya que se añaden cuatro títulos a la ya anunciada ‘FUERZA BRUTA: SIN SALIDA’: ‘CONCRETE UTOPIA’ de Um Tae-hwa, una película de catástrofes que fue un éxito tanto en su pase de Cannes como en la taquilla coreana durante este verano, ‘LOS OJOS DE LA NOCHE’ de Ahn Tae-jin, thriller sobre un acupunturista ciego que resulta ser el único testigo de un asesinato, ‘SMUGGLERS’ de Ryoo Seung-wan, un thriller policíaco ambientado en un pequeño pueblo costero durante los años 70 y ‘THE CHILDE’, un drama con pinceladas de thriller que dirige Park Hoon-jung, uno de los directores coreanos de género más reconocidos (junto a Ryoo Seung-wan) de la última década.
Siguiendo con los títulos asiáticos, hay un nombre que es sinónimo de Sitges (hasta rodó una película aquí) y no podía faltar: Takashi Miike nos trae, en primicia mundial, ‘LUMBERJACK THE MONSTER’, su última locura. Tampoco podía faltar un thriller de Hong Kong, a la ya anunciada ‘MAD FATE’ de Soi Cheang se le suma ‘WHERE THE WIND BLOWS’, filme dirigido por Philip Yung y que cuenta con un reparto de lujo que encabeza Tony Leung. También desde la periferia (pero en el otro extremo) llegan ‘PROPRIEDADE’ del brasileño Daniel Bandeira, un relato claustrofóbico sobre una mujer traumatizada llevada a una situación límite y ‘LA EXTORSIÓN’ del argentino Martino Zaidelis, un astuto thriller sobre un piloto obligado a colaborar con los servicios de inteligencia nacionales.
La sección también contará con dos títulos estadounidenses: ‘BLACK FLIES’, un thriller de Jean-Stéphane Sauvaire que protagonizan Tye Sheridan y Sean Penn y ‘THE LAST STOP IN YUMA COUNTY’ de Francis Galluppi, otro thriller en el que un vendedor ambulante de cuchillos se verá convertido en rehén por unos ladrones de bancos.
Acabamos el repaso a Òrbita por Europa con cuatro títulos más: los thrillers de acción británicos ‘JACKDAW’ de Jamie Childs (que se estrena en el largometraje) y ‘JERICHO RIDGE’ de Will Gilbey, director ya conocido del Festival; ‘NIGHT OF THE HUNTED’ del director francés Franck Khalfoun y ‘DIABOLIK: GINKO ALL’ATTACCO’, una secuela de los hermanos Antonio y Marco Manetti, quienes ya presentaron la primera parte en Sitges.

 

Panorama: el mejor terror actual
La sección Panorama nos ofrece premieres españolas de algunos de los títulos de terror más interesantes del año. Esta vez empezamos por los Estados Unidos, país con una mayor representación en la sección: Anna Zlokovic firma ‘APPENDAGE’, cinta de terror con toques de humor, pero realmente aterradora; Larry Fessenden presenta una nueva muestra de terror licántropo con ‘BLACKOUT’, Alan Scott Neal nos trae ‘LAST STRAW’, una historia de terror narrada desde dos perspectivas distintas y Jenn Wexler dirige ‘THE SACRIFICE GAME’, historia en la que dos jóvenes estudiantes deberán hacer lo necesario para sobrevivir a un peligro desconocido que acecha en su residencia. También de América, en este caso México, llega ‘RABIA’, otra cinta de hombres lobo con Jorge Michel Grau detrás de las cámaras. Del otro extremo del planeta, Australia, aterrizan dos propuestas de terror canónico: ‘EL EXORCISMO DE EASTFIELD’, una historia basada en hechos reales de Nick Kozakis y ‘YOU’LL NEVER FIND ME’, terror claustrofóbico que llega de las manos de Josiah Allen e Indianna Bell.
La programación asiática de la sección, sin ser tan extensa como en Órbita, es también significativa, con la presencia de dos películas japonesas, ‘#MANHOLE’ de Kazuyoshi Kumakiri y la ya mencionada ‘THE FORBIDDEN PLAY’ de Hideo Nakata, la coreana ‘PROJECT SILENCE’ de Kim Tae-gon, que se estrenó en la pasada edición de Cannes y la comedia de terror hongkonesa ‘LET IT GHOST’ de Hoi Wong. En cuanto a las representantes europeas, un total de cuatro películas estarán en competición: ‘NINA DEI LUPI’ del italiano Antonio Pisu, ‘RESTORE POINT’ del director checo Robert Hloz, ‘SUPERPOSITION’ de la danesa Karoline Lyngbye y ‘HOOD WITCH’ del francés Saïd Belktibia.
A todos estos títulos hay que sumarle cinco películas que se proyectarán fuera de competición: las japonesas ‘IMMERSION’ de Takashi Shimizu (otro gran nombre del j-horror) y las dos partes del live-action ‘TOKYO REVENGERS 2’, dirigidas por Tsutomu Hanabusa; la comedia de terror ‘CUANDO LOS AMOS DUERMEN’ del español Santiago Alvarado Ilarri y ‘THE PRIMEVALS’,  el proyecto soñado de David Allen, leyenda de la creación de efectos visuales desde la década de los 70 hasta los 90, que se ha podido finalizar veinte años después de su fallecimiento.

 

20 años de Noves Visions
La sección Noves Visions, que este año celebra su 20 cumpleaños, es ideal para descubrir pequeñas joyas no tan comerciales o conocidas como el resto. Con motivo de su aniversario, se realizará una proyección especial de ‘EL DESPRECIO’ de Jean-Luc Godard en 4K, una película que representa a la perfección el espíritu de la sección. Si hablamos de los filmes en competición, este año la variedad de países es tan grande que no hay ninguno que tenga a más de dos representantes. Entre estos, se encuentra Bélgica con ‘LUKA’ de Jessica Woodworth y ‘THE LAST ASHES’ de Loïc Tanson, Japón con ‘MONDAYS: SEE YOU “THIS” WEEK!’ de Ryo Takebashi y ‘RIVER’ de Junta Yamaguchi (autor de la gran sensación ‘MÁS ALLÁ DE LOS DOS MINUTOS INFINITOS’), Francia con ‘THE VOURDALAK’ de Adrien Beau (premiada en la Semana de la Crítica de Venecia) y ‘EN ATTENDANT LA NUIT’ de Céline Rouzet y Canadá con ‘MY ANIMAL’ de Jacqueline Castel y ‘HUMANIST VAMPIRE SEEKING CONSENTING SUICIDAL PERSON’ d’Ariane Louis-Seize (gran triunfadora de las Jornadas de los Autores de Venecia).
La programación de la sección la completan ‘EMBRYO LARVA BUTTERFLY’ del griego Kyros Papavassiliou, ‘HALFWAY HOME’ del húngaro Isti Madarász, ‘HUNDREDS OF BEAVERS’ del estadounidense Mike Cheslik, ‘LA ÚLTIMA NOCHE DE SANDRA M.’ del español Borja de la Vega, ‘MIMÌ – PRINCE OF DARKNESS’ del italiano Brando De Sica (nieto del legendario Vittorio De Sica), la coproducción de Indonesia y Singapur ‘MOTEL MELATI’, dirigida por Mike Wiluan y Billy Christian, ‘RAGING GRACE’ del británico Paris Zarcilla, ‘THE FUNERAL’ del turco Orçun Behram, ‘THE INVISIBLE FIGHT’ del director estonio Rainer Sarnet y ‘TELA DE ARAÑA’ del reconocido director coreano Kim Jee-woon, que será el encargado de clausurar la sección.

 

La mejor animación se encuentra en Anima’t
Anima’t es sin duda una de las secciones con más encanto del Festival. Como suele pasar cada año, Japón demuestra su condición de potencia mundial en animación con un total de tres películas en competición: ‘KOMADA – A WHISKY FAMILY’, una historia original de Masayuki Yoshihara centrada en una familia y su lugar de trabajo; ‘LONELY CASTLE IN THE MIRROR’ de Keiichi Hara, una película donde los espejos se convierten en un portal que lleva a otras realidades y ‘SAND LAND’, largometraje basado en una obra de Akira Toriyama (creador de Bola de Dragón y guionista de la película) y dirigido por Toshihisa Yokoshima.
‘HEAVIES TENDRES’ se suma a la ya anunciada ‘ROBOT DREAMS’ como representantes españolas de la sección. Se trata de una historia en la que dos jóvenes encontrarán un refugio en la música heavy metal y que viene firmada por Joan Tomàs, Carlos Pérez-Reche y Juanjo Sáez. El checo Filip Posivac presenta ‘TONY, SHELLY AND THE MAGIC LIGHT’ tras haber ganado el Premio especial del jurado en la sección Contrechamp del Festival de Annecy; una conmovedora historia de amistad y diversidad realizada en stop motion. Por último, no podía faltar una producción francesa: ‘MARS EXPRESS’ de Jéremi Périn es una cinta que navega entre la ciencia ficción y una historia detectivesca.
Además de las películas que compiten, se proyectarán cuatro largometrajes más en el marco de la sección: las japonesas ‘FEAST OF AMRITA’ de Saku Sakamoto y ‘PHOENIX: REMINISCENCE OF FLOWER’ de Shojiro Nishimi se proyectarán fuera de competición. En el caso del clásico de 1982 ‘LES MAÎTRES DU TEMPS’ del francés René Laloux (con diseño de personajes de Moebius), una proyección que además será en 4K, y ‘THE SOLDIER’S TALE’, del estadounidense R. O. Blechman. Estas dos últimas proyecciones también formarán parte de Sitges Clàssics.
También en la sección Anima’t pero en el marco de Sitges Clàssics tendremos una sesión de cortos muy especial: ‘100 AÑOS DE WALT DISNEY ANIMATION STUDIOS: UN HOMENAJE A SUS CORTOS’. La proyección incluirá un total de 11 cortos, desde algunos de la década de los 20 y 30 hasta otros de esta última década.

 

Recuperando clásicos conocidos (y otros no tanto)
Seguimos con la sección Sitges Clàssics, de la que acabamos de mencionar ya algunos títulos. La selección de este año presenta una excelente combinación entre clásicos que no necesitan ninguna introducción entre los fans del cine de terror y películas más desconocidas que merecen ser vistas en las mejores condiciones. En este primer grupo tendríamos las versiones en 4K de ‘EL EXORCISTA’ de William Friedkin, ‘EL RESPLANDOR’ de Stanley Kubrick y ‘THE WICKER MAN’ de Robin Hardy. Otras películas que podríamos incluir en este primer grupo son ‘KING KONG’, ‘STAR TREK – THE MOTION PICTURE – THE DIRECTOR’S CUT’, la última versión de la primera película de la saga Star Trek o ‘THE RAID’ de Gareth Evans, que a pesar de no ser un clásico por antigüedad lo es por el impacto que causó en 2011 cuando se proyectó por primera vez en Sitges.
En cuanto al segundo grupo, aunque no tan conocidos, los títulos son igual de reivindicables: ‘SIESTA’, el debut en el cine de Mary Lambert, la muy reciente ‘LAKE MICHIGAN MONSTER’ del estadounidense Ryland Brickson Cole Tews, ‘PSYCHIC VISION: JAGANREI’ del japonés Teruyoshi Ishii, ‘ANGUSTIA DEL SILENCIO’, una de las mejores películas de Lucio Fulci, uno de los grandes maestros del giallo, ‘LA MÁSCARA DEL DEMONIO’ del italiano Lamberto Bava (Premio Honorífico en esta 56a edición), ‘MUNDO CANÍBAL, MUNDO SALVAJE’, del también italiano Ruggero Deodato y la proyección en 4K de ‘LOS NUEVOS EXTRATERRESTRES’ de Juan Piquer Simón. Y para rematar, programa doble de bruceploitation con ‘ENTER THE GAME OF DEATH’ de Tso Nam Lee y ‘DRAGON LIVES AGAIN’ de Chi Chih Lo.
Recordar, también, que se realizará la retrospectiva titulada ‘Ciudad Pánico’, que rinde homenaje a aquellas ciudades del cine que se transforman en catalizadoras del terror. Se proyectarán un total de siete películas dentro de la retrospectiva: ‘AMENAZA EN LA SOMBRA’ de Nicolas Roeg, ‘EL ALMUERZO DESNUDO’ (4K) de David Cronenberg, ‘GOD TOLD ME TO’ (4K) de Larry Cohen, ‘HOLLYWOOD 90028’ (4K) de Christina Hornisher, ‘LA CASA SIN FRONTERAS’ de Pedro Olea, ‘LOS ÚLTIMOS DÍAS’ de Àlex y David Pastor y ‘PÁJAROS DE CIUDAD’ de Jose María Sánchez Álvaro.

La no-ficción en el Festival de Sitges
El Festival de Sitges también ha apostado siempre por la no-ficción que reflexiona sobre el género y temas relevantes para el contexto de las obras que se han podido ver a lo largo de su historia. En la sección Sitges Documenta se podrán ver algunos de los documentales más interesantes del último año sobre cine de terror y de género en un sentido más general, buena parte de los cuales vienen de los Estados Unidos. Éstos son: ‘THE HISTORY OF METAL AND HORROR’ de Mark Schniff, que explora la relación entre la música heavy metal y el cine de terror; ‘LIVING WITH CHUCKY’ de Kyra Elise Gardner, documental sobre la saga del conocidísimo muñeco diabólico; ‘YOU CAN CALL ME BILL’ de Alexadre O. Philippe sobre William Shatner, actor reconocido sobre todo por su personaje de capitán Kirk en la saga Star Trek, ‘SPOOKTACULAR!’ de Quinn Monahan y ‘KIM’S VIDEO’ de David Redmon y Ashley Sabin en la que el espectador se embarcará en una aventura que trata de recuperar una legendaria colección de películas de un videoclub de Nueva York perdidas en la otra punta del mundo.
De Reino Unido llegan dos documentales que participarán en la sección: ‘DARIO ARGENTO PANICO’ de Simone Scafidi, una aproximación a la obra de uno de los autores más conocidos por los habituales del Festival y ‘LOCH NESS: THEY CREATED A MONSTER’ de John MacLaverty, que explora la leyenda del monstruo del lago Ness a través de las historias de los habitantes de la zona y los “cazadores” del monstruo.
Además, ‘DREAM TIME’ del italiano Claudio Lattanzi también estará en la sección, así como cinco proyecciones más que se realizarán de forma gratuita en el espacio Brigadoon: ‘UN MILLÓN DE ZOMBIES: LA HISTORIA DE PLAGA ZOMBIE’ de Nicanor Loreti y Camilo de Cabo, ‘THE DARKSIDE OF SOCIETY’ de Larry Wade Carrell, ‘SHARKSPLOITATION’ de Stephen Scarlata, ‘OTRA PELÍCULA MALDITA’ de Alberto Fasce y ‘MUJERES SIN CENSURA’ de Eva Vizcarra.

 

Midnight X-Treme: la sección de los trasnochadores
El Festival de Sitges tiene fans de todo tipo y la sección Midnight X-Treme es para los que siempre quieren más sangre, más tripas y más desmembramientos. Este año serán nueve películas las que conformen la programación: ‘ALL YOU NEED IS BLOOD’, del estadounidense Cooper Roberts, ‘KILL’ del director indio Nikhil Nagesh Bhat, ‘MAD CATS’ del japonés Reiki Tsuno; ‘OS REVIENTO’ del español Kike Narcea; ‘THE WELL’ del italiano Federico Zampaglione; ‘THE WRATH OF BECKY’ de los estadounidenses Matt Angel y Suzanne Coote, ‘TRIGGERED’, película filipina del director Richard V. Somes; ‘WE ARE ZOMBIES’ del trio canadiense François Simard, Annouk Whissel y Yohan-Karl Whissel (que estarán en SITGES2023 por partida doble) y ‘WINNIE THE POOH: MIEL Y SANGRE’, del británico Rhys Frake-Waterfield.

 

Sitges afianza su idilio con las series
En julio, anunciamos casi todas las series que podrán disfrutar en SITGES2023. A modo de recordatorio eran las siguientes: los dos primeros capítulos de la 2a temporada de ‘30 MONEDAS’, el nuevo trabajo de Álex de la Iglesia; los tres primeros episodios de ‘EL OTRO LADO’, serie original de Movistar Plus+ creada por Berto Romero y que dirigen Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro y los tres primeros capítulos de ‘ROMANCERO’, serie original de Prime Video dirigido por Tomás Peña. A ellas, se les suma una incorporación estelar: se podrán ver los dos primeros capítulos del nuevo true crime de Carles Porta, ‘LUZ EN LA OSCURIDAD’, serie original de Movistar Plus+.

 

Brigadoon, nuestro otro refugio
Un año más, la sección Brigadoon, el espacio de proyecciones y sesiones gratuitas del Festival, se erige como el punto de encuentro de la cinefilia más enamorada de los títulos y voces más desacomplejadas del cine de género. Con una completa selección de cortos, largos, videoclips y encuentros/homenajes con artistas siempre a reivindicar, Brigadoon hará las delicias de los paladares más inquietos con propuestas como ‘THORNS’, de Douglas Schulze; ‘ALLA RICERCA DEL PIACERE’, de Silvio Amadio; ‘SHARKSPLOITATION’, de Stephen Scarlata o ‘SAMURAI NINJA ONIMANJI’, de Yoshihiro Nishimura.

Sección Oficial Fantástico Competición (SOFC)

‘ACIDE’ – Just Philippot (Francia)

‘BEST WISHES TO ALL’ – Yûta Shimotsu (Japón)

‘CLUB ZERO’ – Jessica Hausner (Austria/Reino Unido)

‘CONANN’ – Bertrand Mandico (Francia/Luxemburgo/Bélgica)

‘CUANDO ACECHA LA MALDAD (WHEN EVIL LURKS)’ – Demian Rugna (Argentina)

‘DIVINITY’ – Eddie Alcazar (Estados Unidos)

‘EL REINO ANIMAL’ – Thomas Cailley (Francia)

‘IN FLAMES’ – Zarrar Khan (Canadá/Pakistán)

‘VIVE DENTRO’ – Bishal Dutta (Estados Unidos)

‘KUBI’ – Takeshi Kitano (Japón)

‘LA ESPERA’ – F. Javier Gutierrez (España)

‘LA MORSURE’ – Romain de Saint-Blanquat (Francia)

‘LATE NIGHT WITH THE DEVIL’ – Colin Cairnes, Cameron Cairnes (Australia)

‘LES CHAMBRES ROUGES’ – Pascal Plante (Canadá)

‘MOSCAS’ – Aritz Moreno (España/Argentina)

‘OMEN’ – Baloji Tshiani (Congo/Países Bajos/Francia/Bélgica/Alemania/Sudáfrica)

‘RIDDLE OF FIRE’ – Weston Razooli (Estados Unidos)

‘ROBOT DREAMS’ – Pablo Berger (España/Francia)

‘ROMANCE ASESINO’ – Lee Won-suk (Corea del Sur)

‘SALEM’ – Jean-Bernard Marlin (Francia)

‘SLEEP’ – Jason Yu (Corea del Sur)

‘SORCERY’ – Christopher Murray (Chile/México/Alemania)

‘STOPMOTION’ – Robert Morgan (Estados Unidos)

‘THE SEEDING’ – Barnaby Clay (Estados Unidos)

‘THE THEORY OF EVERYTHING’ – Timm Kröger (Alemania)

‘THERE’S SOMETHING IN THE BARN’ – Magnus Martens (Noruega)

‘TIGER STRIPES’ – Amanda Nell Eu (Malasia/Taiwan/Francia/Alemania/Países Bajos/Indonesia)

‘VERMIN: LA PLAGA’ – Sébastien Vanicek (Francia)

‘VINCENT DEBE MORIR’ – Stéphan Castang (Francia)

‘WAKE UP’ – François Simard, Annouk Whissel, Yoann-Karl Whissel (Francia)

‘WHITE PLASTIC SKY’ – Tibor Bánóczki, Sarolta Szabó (Hungría/Eslovaquia)

 

Sección Oficial – Sesiones Especiales

‘ALIENS ABDUCTED MY PARENTS AND NOW I FEEL KINDA LEFT OUT’ – Jake Van Wagoner (Estados Unidos)

‘AMELIA’S CHILDREN’ – Gabriel Abrantes (Portugal)

‘AWARENESS’ – Daniel Benmayor (Estados Unidos/España)

‘BLOOD DE BRAD ANDERSON’ – Brad Anderson (Estados Unidos)

‘EL CHICO Y LA GARZA’ – Hayao Miyazaki (Japón)

‘LA ERMITA’ – Carlota Pereda (España)

‘LA SOCIEDAD DE LA NIEVE’ – J.A. Bayona (España)

‘POBRES CRIATURAS’ – Yorgos Lanthimos (Reino Unido)

‘THE TOXIC AVENGER’ – Macon Blair (Estados Unidos)

‘UFO SWEDEN’ – Crazy Pictures (Suecia)

 

Oficial Fantástico – Especial Mitjanit

‘LA BALA DE DIOS’ – Nick Cassavetes (Estados Unidos)

‘THE DEEP DARK’ – Mathieu Turi (Francia)

 

Òrbita

‘BLACK FLIES’ – Jean-Stéphane Sauvaire (Estados Unidos)

‘CONCRETE UTOPIA’ – Um Tae-Hwa (Corea del Sur)

‘DIABOLIK: GINKO ALL’ATTACCO’ – Marco Manetti, Antonio Manetti (Italia)

‘FUERZA BRUTA: SIN SALIDA’ – Lee Sang-yong (Corea del Sur)

‘JACKDAW’ – Jamie Childs (Reino Unido)

‘JERICHO RIDGE – Will Gilbey (Kosovo/Reino Unido/Irlanda del Norte)

‘LA EXTORSIÓN’ – Martino Zaidelis (Argentina)

‘LOS OJOS DE LA NOCHE’ – Ahn Tae-jin (Corea del Sur)

‘LUMBERJACK THE MONSTER’ – Takashi Miike (Japón)

‘MAD FATE’ – Soi Cheang (Hong Kong)

‘NIGHT OF THE HUNTED’ – Franck Khalfoun (Francia)

‘PRORIEDADE’ – Daniel Bandeira (Brasil)

‘SMUGGLERS’ – Ryoo Seung-wang (Corea del Sur)

‘THE CHILDE’ – Park Hoon-jung (Corea del Sur)

‘THE LAST STOP IN YUMA COUNTY’ – Francis Galluppi (Estados Unidos)

‘WHERE THE WIND BLOWS’ – Philip Yung (China/Hong Kong)

 

Panorama

‘#MANHOLE’ – Kazuyoshi Kumakiri (Japón)

‘APPENDAGE’ – Anna Zlokovic, Alex Familia (Estados Unidos)

‘BLACKOUT’ – Larry Fessenden (Estados Unidos)

‘BROOKLYN 45’ – Ted Geoghegan (Estados Unidos)

‘EL EXORCISMO DE EASTFIELD’ – Nick Kozakis (Australia)

‘HOOD WITCH’ – Saïd Belktibia (Francia)

‘LAST STRAW’ – Alan Scott Neal (Estados Unidos)

‘LET IT GHOST’ – Hoi Wong (Hong Kong)

‘NINA DEI LUPI’ – Antonio Pisu (Italia)

‘ONYX THE FORTUITOUS AND THE LALISMAN OF SOULS’ – Andrew Bowser (Estados Unidos)

‘PROJECT SILENCE’ – Kim Tae-gon (Corea del Sur)

‘RABIA’ – Jorge Michel Grau (México)

‘RESTORE POINT’ – Robert Hloz (República Checa)

‘SUPERPOSITION’ – Karoline Lyngbye (Dinamarca)

‘THE FORBIDDEN PLAY’ – Hideo Nakata (Japón)

‘THE SACRIFICE GAME’ – Jenn Wexler (Canadá/Estados Unidos)

‘YOU’LL NEVER FIND ME’ – Josiah Allen, Indianna Bell, Josiah Allen (Australia)

 

Panorama – Fuera de Competición

‘CUANDO LOS AMOS DUERMEN’ – Santiago Alvarado (España)

‘IMMERSION’ – Takashi Shimizu (Japón)

‘THE PRIMEVALS’ – David Allen (Estados Unidos)

‘TOKYO REVENGERS 2: PART I’ – Tsutomu Hanabusa (Japón)

‘TOKYO REVENGERS 2: PART II’ – Tsutomu Hanabusa (Japón)

 

Noves Visions

‘EL DESPRECIO’ (4K) – Jean-Luc Godard (Francia/Italia) (Sesión Especial)

‘EMBRYO LARVA BUTTERFLY’ – Kyros Papavassiliou (Grecia/Chipre)

‘EN ATTENDANT LA NUIT’ – Céline Rouzet (Francia)

‘HALFWAY HOME’ – Madarász Isti (Hungría)

‘HUMANIST VAMPIRE SEEKS CONSENTING SUICIDAL PERSON’ – Ariane Louis-Seize (Canadá)

‘HUNDREDS OF BEAVERS’ – Mike Cheslik (Estados Unidos)

‘IN MY MOTHER’S SKIN’ – Kenneth Dagatan (Filipinas/Singapur/Taiwán)

‘LA ÚLTIMA NOCHE DE SANDRA M.’ – Borja de la Vega (España)

‘LUKA’ – Jessica Woodworth (Bélgica/Italia/Países Bajos/Bulgaria/Armenia)

‘MIMÌ – PRINCE OF DARKNESS’ – Brando de Sica (Italia)

‘MONDAYS: SEE YOU “THIS” WEEK!’ – Ryo Takebayashi (Japón)

‘MONOLITH’ – Matt Vesely (Australia)

‘MOON GARDEN’ – Ryan Stevens Harris (Estados Unidos)

‘MOTEL MELATI’ – Mike Wiluan, Billy Christian (Indonesia, Singapur)

‘MY ANIMAL’ – Jacqueline Castel (Canadá)

‘PANDEMONIUM’ – Quarxx (Francia)

‘RAGING GRACE’ – Paris Zarcilla (Reino Unido/Irlanda del Norte)

‘RIVER’ – Junta Yamaguchi (Japón)

‘TELA DE ARAÑA (COBWEB)’ – Kim Jee-won (Corea del Sur)

‘THE FUNERAL’ – Orçun Behram (Turquía)

‘THE INVISIBLE FIGHT’ – Rainer Sarnet (Estonia/Lituania/Grecia/Finlandia)

‘THE LAST ASHES’ – Loïc Tanson (Bélgica/Luxemburgo)

‘THE UNCLE’ – David Kapac, Andrija Mardesic (Serbia/Croacia)

‘THE VOURDALAK’ – Adrien Beau (Francia)

‘WHERE THE DEVIL ROAMS’ – Zelda Adams, John Adams, Toby Poser (Estados Unidos)

 

Anima’t

‘DEEP SEA’ – Tianxiao Peng (China)

‘FOUR SOULS OF COYOTE’ – Áron Gauder (Hungría)

‘HEAVIES TENDRES’ – Joan Tomàs, Carlos Pérez-Reche, Juanjo Sáez (España)

‘KOMADA – A WHISKY FAMILY’ – Masayuki Yoshihara (Japón)

‘LONELY CASTLE IN THE MIRROR’ – Keiichi Hara, Takakazu Nagamoto, Keiichi Hara (Japón)

‘MARS EXPRESS’ – Jéremie Perin (Francia)

‘ROBOT DREAMS’ – Pablo Berger (España/Francia)

‘SAND LAND’ – Toshihisha Yokoshima (Japón)

‘TONY, SHELLY AND THE MAGIC LIGHT’ – Filip Posivac (República Checa/Hungría/Eslovaquia)

‘WHITE PLASTIC SKY’ – Tibor Bánóczki, Sarolta Szabó (Hungría/Eslovaquia)

 

Anima’t – Sesiones Especiales

‘PHOENIX: REMINISCENCE OF FLOWER’ – Shojiro Nishimi (Japón)

‘THE FEAST OF AMRITA’ – Saku Sakamoto (Japón)

 

Anima’t – Sitges Clàssics

‘LES MAÎTRES DU TEMPS’ (4K) – René Laloux (Francia/Hungría/Suiza)

‘THE SOLDIER’S TALE’ – R. O. Blechman (Estados Unidos)

‘100 AÑOS DE WALT DISNEY ANIMATION STUDIOS: UN HOMENAJE A SUS CORTOS’ – Varios Autores (Estados Unidos)

 

Sitges Clàssics

‘ACCIÓN MUTANTE’ – Álex de la Iglesia (España)

‘ANGUSTIA DEL SILENCIO’ – Lucio Fulci (Italia)

‘CALÍGULA – THE ULTIMATE CUT’ (4K) – Tinto Brass (Estados Unidos/Italia)

‘LOS NUEVOS EXTRATERRESTRES’ (4K) – Juan Piquer Simón (España)

‘EL RESPLANDOR’ (4K) – Stanley Kubrick (Estados Unidos)

‘EL EXORCISTA’ (4K) – William Friedkin (Estados Unidos)

‘ENTER THE GAME OF DEATH’ – Tso Nam Lee (Hong Kong)

‘LAKE MICHIGAN MONSTER’ – Ryland Brickson Cole Tews (Estados Unidos)

‘PSYCHIC VISION: JAGANREI’ – Teruyoshi Ishii (Japón)

‘KING KONG’ (1933) – Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack (Estados Unidos)

‘EL HOMBRE DE MIMBRE’ (THE WICKER MAN) (4K) – Robin Hardy (Reino Unido/Irlanda del Norte)

‘LA MÁSCARA DEL DEMONIO’ – Lamberto Bava (Italia)

‘DRAGON LIVES AGAIN’ – Chi Chih Lo (Hong Kong)

‘MUNDO CANÍBAL, MUNDO SALVAJE’ – Ruggero Deodato (Italia)

‘THE RAID’ – Gareth Evans (Indonesia)

‘STAR TREK – THE MOTION PICTURE – THE DIRECTOR’S CUT’ – Robert Wise (Estados Unidos)

‘SIESTA’ – Mary Lambert (Estados Unidos)

 

Sitges Documenta

‘A DISTURBANCE IN THE FORCE’ – Jeremy Coon, Steve Kozak (Estados Unidos)

‘DARIO ARGENTO PANICO’ (4K) – Simone Scafidi (Reino Unido/Irlanda del Norte)

‘DREAM TIME’ – Claudio Lattanzi (Italia)

‘ENTER THE CLONES OF BRUCE’ – David Gregory (Estados Unidos)

‘KAIDAN. STRANGE STORIES OF JAPANESE GHOSTS’ – Yves Montmayeur (Francia)

‘KIM’S VIDEO’ (4K) – David Redmon, Ashley Sabin (Estados Unidos)

‘LIVING WITH CHUCKY’ – Kyra Elise Gardner (Estados Unidos)

‘LOCH NESS: THEY CREATED A MONSTER’ – John MacLaverty (Reino Unido)

‘MUJERES SIN CENSURA’ – Eva Vizcarra (España)

‘OTRA PELÍCULA MALDITA’ – Alberto Fasce (Argentina)

‘THE HISTORY OF METAL AND HORROR’ – Mike Schiff (Estados Unidos)

‘SATAN WANTS YOU’ – Sean Horlor, Steve J. Adams, Sean Horlor (Canadá)

‘SHARKSPLOITATION’ – Stephen Scarlata (Estados Unidos)

‘SPOOKTACULAR!’ – Quinn Monahan (Estados Unidos)

‘THE DARK SIDE OF SOCIETY’ – Larry Wade Carrell (Estados Unidos)

‘THE J-HORROR VIRUS’ – Sarah Appleton, Jasper Sharp (Japón, Reino Unido)

‘UN MILLÓN DE ZOMBIES: LA HISTORIA DE PLAGA ZOMBIE’ – Nicanor Loreti, Camilo de Cabo (Argentina)

‘YOU CAN CALL ME BILL’ – Alexandre O. Philippe (Estados Unidos)

 

Retrospectiva – Ciudad Pánico

‘AMENAZA EN LA SOMBRA’ – Nicolas Roeg (Reino Unido)

‘HOLLYWOOD 90028’ (4K) – Christina Hornisher (Estados Unidos)

‘PÁJAROS DE CIUDAD’ – Jose María Sánchez Álvaro (España/Italia)

‘EL ALMUERZO DESNUDO’ (4K) – David Cronenberg (Canadá/Reino Unido)

‘LA CASA SIN FRONTERAS’ – Pedro Olea (España)

‘GOD TOLD ME TO’ – Larry Cohen (Estados Unidos)

‘LOS ÚLTIMOS DÍAS’ – Àlex Pastor, David Pastor (España)

 

Midnight X-Treme

‘ALL YOU NEED IS BLOOD’ – Cooper Roberts (Estados Unidos)

‘KILL’ – Nikhil Nagest Bhat (India)

‘MAD CATS’ – Reiki Tsuno (Japón)

‘OS REVIENTO’ – Kike Narcea (España)

‘THE WELL’ – Federico Zampaglione (Italia)

‘THE WRATH OF BECKY’ – Matt Angel, Suzanne Coote (Estados Unidos)

‘TRIGGERED’ – Richard V. Somes (Filipinas)

‘WE ARE ZOMBIES’- François Simard, Anouk Whissell, Yoann-Karl Whissell (Canadá)

‘WINNIE THE POOH: MIEL Y SANGRE’ – Rhys Frake-Waterfield (Reino Unido)

 

Brigadoon

‘IL BOSS’ – Fernando Di Leo (Italia)

‘OTRA PELÍCULA MALDITA’ – Alberto Fasce & Mario Varela (Argentina)

‘ALGUIEN TE ESTÁ MIRANDO’ – Gustavo Cova & Horacio Maldonado (Argentina)

‘AUXILIO’ – Tamae Garateguy (Argentina)

‘UN MILLÓN DE ZOMBIES: LA HISTORIA DE PLAGA ZOMBIE’ – Nicanor Loretti & Camilo de Cabo (Argentina)

‘PLAGA ZOMBIE’ – Pablo Parés & Hernán Sáez (Argentina)

‘LA DAMA ROJA MATA SIETE VECES’ – Emilio P. Miraglia (Italia)

‘THORNS’ – Douglas Schulze (Estados Unidos)

‘SHARKSPLOITATION’ – Stephen Scarlata (Estados Unidos)

‘MONSTER HEAVEN: GHOST HERO’ – Makoto Tezuka (Japón)

‘CUT AND RUN’ – Ruggero Deodato (Italia)

‘MUJERES SIN CENSURA’ – Eva Vizcarra (España)

‘TAKE A HARD RIDE (POR LA SENDA MÁS DURA)’ – Antonio Margheriti (Italia)

‘MARIA’S STOMACH’ – Hideyuki Hirayama (Japón)

‘LOS INVASORES DEL ABISMO’ – Ruggero Deodato (Italia)

‘TINTORERA’ – René Cardona Jr (México)

‘ALLA RICERCA DEL PIACERE’ – Silvio Amadio (Italia)

‘SAMURAI NINJA ONIMANJI’ – Yoshihiro Nishimura (Japón)

‘TIBURÓN 3 – L’ULTIMO SQUALO’ – Enzo G. Castellari (Italia)

‘DOOR’ – Benmei Takahashi (Japón)

‘MILÁN CALIBRE 9 (MILANO CALIBRO 9)’ – Fernando di Leo (Italia)

‘BLOOD SUCKING TREE’ – Shunji Iwai, Masaharu Ota & Akira Yoneta (Japón)

‘EL PANTANO DE LOS CUERVOS’ – Manuel Caño (España)

‘THE DARKSIDE OF SOCIETY’ – Larry Wade Carrell (Estados Unidos)

‘MARIA’ – Gabriel Grieco & Nicanor Loreti (Argentina)

‘LA VENGANZA DE LA MOMIA’ – Carlos Aured (España)

‘IL MUSEO DEGLI ORRORI DI DARIO ARGENTO’ – Luigi Cozzi (Italia)

‘THE BARN PART II’ – Justin M. Seaman (Estados Unidos)

‘OLDBOY’ – Park Chan-Wook (Corea del Sur)

‘LA TARÁNTULA DEL VIENTRE NEGRO’ – Paolo Cavara (Italia)

‘SANTO CONTRA LOS ZOMBIES’ – Benito Alazraki (México)

‘HUMANOID PUPPET’ – Hidehiro Ito (Japón)

 

Hayao Miyazaki recibirá un Premio Donostia en la 71ª edición del Festival de San Sebastián

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La cineasta Claire Denis presidirá el Jurado Oficial, en el que estará acompañada por la actriz china Fan Bingbing; la productora, realizadora y escritora colombiana Cristina Gallego; la fotógrafa francesa Brigitte Lacombe; el productor húngaro Robert Lantos; la actriz española Vicky Luengo y el director alemán Christian Petzold.
Cineastas como Maite Alberdi, J.A. Bayona, Robin Campillo, Isabel Coixet, Víctor Erice, Michel Franco, Matteo Garrone, Craig Gillespie, Jonathan Glazer, Kitty Green, Todd Haynes, Tran Anh Hung, Ladj Ly, James Marsh, Cristi Puiu, Valeria Sarmiento y Justine Triet presentarán sus películas ante el público y los medios de comunicación
Cineastas e intérpretes de todo el mundo han confirmado su presencia en San Sebastián con motivo de la celebración de la 71ª edición del Festival. Juliette Binoche, Gabriel Byrne, François Cluzet, Emmanuelle Devos, Griffin Dunne, Aidan Gillen, Mads Mikkelsen, James Norton y Dominic West acompañarán sus películas y participarán en las galas del Festival. Además de Víctor Erice, que recogerá el Premio Donostia el día 29, y Javier Bardem, que lo hará en la próxima edición debido a las limitaciones que le impone la huelga convocada por el Sindicato de Actores de Estados Unidos (SAG-AFTRA), el Festival también reconocerá la trayectoria del maestro japonés de la animación Hayao Miyazaki, que dirige la película inaugural Kimitachi wa do ikiru ka / The Boy and the Heron (El chico y la garza). Miyazaki recibirá el Premio Donostia de forma virtual durante la gala de inauguración.

Además, cineastas relevantes de la cinematografía contemporánea viajarán a San Sebastián para acompañar sus últimas películas, como Maite Alberdi (La memoria infinita, Perlak), J.A. Bayona (La sociedad de la nieve, Perlak), Robin Campillo (L’île rouge, Sección Oficial), Isabel Coixet (Un amor, Sección Oficial), Michel Franco (Memory, Perlak), Matteo Garrone (Io Capitano, Perlak), Craig Gillespie (Dumb Money, Perlak), Jonathan Glazer (The Zone of Interest, Perlak), Kitty Green (The Royal Hotel, Sección Oficial), Todd Haynes (May December, Perlak), Tran Anh Hung (La passion de Dodin Bouffant, Culinary Zinema), Tatiana Huezo (El eco, Horizontes Latinos), Ladj Ly (Bâtiment 5, Perlak), James Marsh (Dance First, Sección Oficial), Cristi Puiu (MMXX, Sección Oficial), Valeria Sarmiento (El realismo socialista, Klasikoak), Justine Triet (Anatomie d’un chute, Perlak) o Fernando Trueba y Javier Mariscal (They Shot the Piano Player, Sección Oficial).

En Sección Oficial, los actores Griffin Dunne, Miles Heizer y James Norton acompañarán al director Noah Pritzker para presentar Ex­-Husbands, que compite por la Concha de Oro, como la cineasta Raven Jackson y la productora Adele Romanski, que mostrarán All Dirt Roads Taste of Salt. Joaquim Lafosse, que participa con Un silence, se desplazará con Daniel Auteuil y Emmanuelle Devos; François Cluzet y Vincent Lacoste viajarán a San Sebastián con el director de Un métier serieux (Los buenos profesores), Thomas Lilti; Xavier Legrand defenderá Le successeur / The Successor con sus protagonistas, Marc-André Grondin e Yves Jacques; y Robin Campillo, el director de L’île rouge (La isla roja) lo hará junto a Quim Gutierrez y Nadia Tereszkiewicz (quien estará en San Sebastián por partida doble porque también protagoniza Rosalie, programada en Perlak). El cineasta rumano Cristi Puiu presentará MMXX con los actores Dorian Boguta (también productor), Florin Tibre y Laurentiu Bondarenco y las actrices Adelaida Perjoiu y Otilia Panainte. También se desplazarán al Festival la realizadora Kitty Green (The Royal Hotel), Christos Nikou (Fingernails) e Isabella Eklöf (Kalak). La película de clausura, Dance First, contará con una amplia representación: además de Marsh, Byrne y Gillen, también viajarán integrantes del reparto como Fionn O’Shea.
Buena parte de las y los cineastas de Perlak acompañarán sus películas en San Sebastián: Jonathan Glazer (The Zone of Interest); Todd Haynes (May December); Christian Petzold, jurado oficial y director de Roter Himmel / Afire; Matteo Garrone con los protagonistas de Io Capitano, Seydou Sarr y Moustapha Fall; Michel Franco (Memory); Nicolaj Arcel y Mads Mikkelsen (The Bastard / The Promised Land); los cineastas australianos Warwick Thornton (The New Boy) y Craig Gillespie (Dumb Money); Ladj Ly (Bâtiment 5) con los actores Steve Tientcheu, Anta Diaw, Aristote Luyindula y Alexis Manentis; así como las realizadoras Celine Song (Past Lives) y Stephanie di Giusto (Rosalie).
Como es habitual, la cinematografía latinoamericana estará ampliamente representada en San Sebastián. En Sección Oficial, con María Alché y Benjamín Naishtat y los actores Marcelo Subiotto, Leonardo Sbaraglia y Mara Bestelli (Puan); y Martín Rejtman y los intérpretes Esteban Bigliardi -también en Los delincuentes– y Camila Hirane (La práctica). En Horizontes Latinos, Dolores Fonzi, en su debut como directora, acompañada del actor Toto Rovito y Santiago Mitre en calidad de productor (Blondi); Tatiana Huezo (El eco); Paula Hernández junto a Alfredo Castro y Sergi López (El viento que arrasa); Lucía Puenzo y Mariana di Girolamo (Los impactados); Rodrigo Moreno (Los delincuentes); Felipe Gálvez (Los colonos); y Lila Avilés (Tótem), entre otras realizadoras. Presentarán sus películas en Zabaltegi-Tabakalera Eduardo Williams (El auge del humano 3) y Andrés di Tella (Mixtape La Pampa); en Culinary Zinema, los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat y los intérpretes Luis Brandoni, Enrique Piñeyro y Majo Cabrera (Nada); y la cineasta Valeria Sarmiento asistirá al estreno de El realismo socialista (Klasikoak).

Encabezado por el Premio Donostia Víctor Erice y el reparto de Cerrar los ojos, José Coronado, Manolo Solo, Ana Torrent, María León, Petra Martínez, Mario Pardo, Venecia Franco y Helena Miquel, el cine español estará presente en San Sebastián en Sección Oficial con Isabel Coixet y los actores de Un amor (Laia Costa, Hovik Keuchkerian, Hugo Silva, Luis Bermejo, Francesco Carril e Ingrid García Jonsson), Jaione Camborda y los intérpretes Janet Novás y Diego Anido (O Corno), Isabel Herguera (El sueño de la sultana), Fernando Trueba y Javier Mariscal (Dispararon al pianista) y el equipo de La Mesías: los directores Javier Ambrossi y Javier Calvo y las actrices Carmen Machi, Macarena García, Cecilia Roth, Lola Dueñas y Ana Rujas, entre otras muchas intérpretes.
Para competir en New Directors se desplazarán los creadores de La estrella azul, con el director Javier Macipe y los intérpretes Pepe Lorente, Marc Rodríguez, Catalina Sopelana y Bruna Cusí. En Perlak, en busca del Premio del Público, J.A. Bayona presentará La sociedad de la nieve con el actor uruguayo Enzo Vogrincic. En las Galas RTVE, la directora Arantxa Echevarría estará acompañada de Leonor Watling, Carolina Yuste, Pablo Molinero, Xinyi Ye, Shiman Yang, Yehu Ji y Valeria Fernández (Chinas) y Emma Suárez, Carlos Cuevas, Alexandra Jiménez, Fernando Guallar, Gonzalo Castro y Anna Moliner asistirán junto al director, Vicente Villanueva, y al autor de la obra teatral, Alfredo Sanzol (La ternura). La actriz Mónica Randall presentará la proyección de la copia restaurada de Furia española en Klasikoak. En Zinemira estará el equipo de 20.000 especies de abejas con la directora Estibaliz Urresola y las actrices Patricia López Arnaiz, Itziar Lazkano, Ane Gabarain y Sofía Otero; para presentar Las buenas compañías, acudirán Alicia Falcó e Itziar Ituño, quien también acompañará al equipo de Irati.

En Made in Spain, Elena Trapé presentará Els Encantats; Elena Martín Gimeno, Creatura; Juan Francisco Viruega, Aura Garrido e Isabel Ampudia, Amanece; Miguel Ángel Vivas y Natalia de Molina, Asedio; Gerardo Herrero, Juan Carlos Vellido, Eva Ugarte, Fele Martínez, Antonio Pagudo y, de nuevo, Alexandra Jiménez, Bajo terapia; con El fantástico caso del golem, sus directores Burnin’ Percebes, Brais Efe y Bruna Cusi, quien, además de en La estrella azul, también participará en la presentación de Upon Entry junto a sus compañeros de reparto Alberto Ammann y Laura Gómez y el director, Alejandro Rojas.
En el Velódromo, Berto Romero, Andreu Buenafuente, María Botto y Nacho Vigalondo y, de nuevo, Eva Ugarte acompañarán a los directores Javier Ruiz Caldera y Alberto del Toro en el estreno de la serie El otro lado, y C. Tangana se desplazará a San Sebastián junto a los directores Santos Bacana, Cris Trenas y Rogelio González para presentar el proyecto documental Esta ambición desmedida. No será el único representante musical, porque también viajarán a San Sebastián la cantante francesa Jeanne Cherhal, que protagoniza Un silence, y Amaia Romero, que forma parte del reparto de La Mesías, ambas en Sección Oficial.
Asimismo, viajarán a San Sebastián intérpretes, cineastas o profesionales de otras disciplinas que cuentan sus historias en primera persona. En Made in Spain, la actriz Carmen Elías, que desveló hace un año que padecía Alzhéimer, presentará Mientras seas tú, junto a la directora Claudia Pinto; Fernando Méndez Leite vendrá como protagonista de la no ficción La memoria del cine: una película sobre Fernando Méndez-Leite,dirigida por Moisés Salama; el exfutbolista y exentrenador enfermo de ELA Juan Carlos Unzué hará lo propio con los directores de Unzué, l’ultim equip del Juancar, Jesús Muñoz, Santi Padró y Xavi Torres. El filósofo Paul B. Preciado presentará Orlando. Ma biographie politique, una suerte de autobiografía colectiva a través de la obra de Virginia Woolf en Zabaltegi-Tabakalera y el superviviente del accidente de aviación de los Andes Gustavo Zerbino acompañará a J.A. Bayona en el pase de La sociedad de la nieve (Perlak).

Jurado Oficial

El jurado de la Sección Oficial estará presidido por la directora francesa Claire Denis, galardonada con el Gran Premio del Festival de Cannes, el Oso de Plata en Berlín, el Leopardo de Oro en Locarno y el Premio Fipresci en San Sebastián. La directora de Beau travail y Trouble Every Day estará acompañada en las deliberaciones por la actriz china Fan Bingbing (ganadora de la Concha de Plata por su actuación en I Am Not Madame Bovary, Concha de Oro en 2016); la productora, directora y escritora colombiana Cristina Gallego (codirectora de Pájaros de verano y productora de la primera película colombiana nominada al Oscar, El abrazo de la serpiente, y de la última Concha de Oro, Los reyes del mundo), la fotógrafa francesa Brigitte Lacombe, quien, entre muchos otros trabajos, ha fotografiado el rodaje de películas como Todos los hombres del presidente, Kramer vs. Kramer, Gangs of New York, El lobo de Wall Street o El irlandés, y es también la autora del cartel oficial del Festival del año pasado, protagonizada por Juliette Binoche; el productor húngaro Robert Lantos (el productor de David Cronenberg y Atom Egoyan y de películas como Being Julia y Barney’s Version), la actriz española Vicky Luengo, protagonista de Suro y Antidisturbios, y el cineasta alemán Christian Petzold, Oso de Plata por Barbara, Premio Fipresci en San Sebastián por Phoenix y Gran Premio del Jurado en la Berlinale por Roter Himmel / Afire (El cielo rojo).

 

Hayao Miyazaki

Tras graduarse en Ciencias Políticas y Economía por la Universidad de Gakushuin en 1963, Hayao Miyazaki (Tokio, 1941) se unió a la compañía de animación Toei como animador. Trabajó bajo la dirección de Isao Takahata en la planificación de escenas y la animación clave para la producción de Taiyo no oji: Horusu no daiboken (La princesa encantada, 1968). Posteriormente pasó al estudio de animación A Production con Takahata en 1971, donde trabajó en el concepto original, guion, diseño de layout y animación clave para Panda Kopanda (1972). Miyazaki trabajó en varios estudios, incluyendo Zuiyo Eizo, con Takahata, Nippon Animation y Telecom,  realizó la planificación de escenas y el diseño de layout para las series de televisión Arupusu no shojo Haiji (Heidi, 1974) y Haha wo tazunete sanzenri (Marco: De los Apeninos a los Andes, 1976), y dirigió su primera serie de televisión, Mirai shonen Konan (Conan, el niño del futuro, 1978).
Debutó como director de largometrajes con Rupan sansei: Kariosutoro no shiro (El castillo de Cagliostro, 1979). En 1984, escribió y dirigió Kaze no tani no Naushika (Nausicaä del Valle del Viento), basada en su novela gráfica original serializada en la revista mensual de animación Animage.
Miyazaki cofundó Studio Ghibli en 1985 con Takahata y ha dirigido diez largometrajes desde entonces, entre los que se incluyen Tenku no shiro Rapyuta (El castillo en el cielo, 1986), Tonari no Totoro (Mi vecino Totoro, 1988), Majo no takkyubin (Nicky, la aprendiz de bruja, 1989), Kurenai no buta (Porco rosso, 1992) y Mononoke hime (La princesa Mononoke, 1997). Sen to Chihiro no kamikakushi (El viaje de Chihiro, Velódromo, 2001) rompió todos los récords de taquilla en Japón y obtuvo numerosos premios, incluyendo el Oso de Oro en el Festival de Berlín y el Oscar a la mejor película de animación. Hauru no ugoku shiro (El castillo ambulante, 2004) recibió una Osella de Oro por sus logros técnicos en el Festival de Venecia, que en 2005 le otorgó un León de Oro en reconocimiento a toda su carrera. En 2008, escribió y dirigió Gake no ue no Ponyo (Ponyo, 2009), con la que volvió a la competición de Venecia. Posteriormente contribuyó a la planificación y escribió los guiones para Kari-Gurashi no Arrietty (Arriety y el mundo de los diminutos, 2010), de Hiromasa Yonebayashi, y Kokuriko-zaka kara (La colina de las amapolas, 2011), de Goro Miyazaki. En 2013 dirigió Kaze tachinu (El viento se levanta, Perlak), que compitió en el Festival de Venecia y fue nominada Oscar a la mejor película de animación.
En noviembre de 2014, la Junta de Gobernadores de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas le otorgó un Oscar honorífico por toda su carrera. Su última película, Kimitachi wa do ikiru ka / The Boy and the Heron (El chico y la garza), se estrenó en Japón el 14 de julio de 2023, se presentó en el Festival de Toronto e inaugurará fuera de competición la Sección Oficial del Festival de San Sebastián, en lo que supondrá su estreno europeo.
Miyazaki ha publicado varios libros de ensayos, dibujos y poemas, entre los que se incluye Shuppatsuten 1979-1996. Ha diseñado varios edificios, como el Museo Ghibli, en Mitaka, que se inauguró en 2001 y donde ejerce de director ejecutivo honorario. En 2012, Miyazaki fue nombrado Persona de Mérito Cultural por el Gobierno de Japón. En julio de 2014 fue incluido en el Salón de la Fama de los Premios Will Eisner de Cómic.

 

Zabaltegi-Tabakalera mostrará trabajos de Paul B. Preciado, Delphine Girard y Jean-Luc Godard, entre otros cineastas

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La sección competitiva más abierta del Festival de San Sebastián incluirá el estreno mundial de trabajos dirigidos por Ion de Sosa, Andrés Di Tella, Ashmita Guha Neogi, Kohei Igarashi y Rati Oneli. El resto de los títulos son en su mayor parte largometrajes y cortos premiados o programados en Berlín, Cannes, Locarno y Venecia, entre otros festivales.
Zabaltegi-Tabakalera acogerá en la 71ª edición del Festival de San Sebastián una selección de obras que en su mayor parte proceden de Berlín, Cannes, Locarno y Venecia, entre otros festivales. En la sección competitiva más abierta del certamen, en la que no hay limitaciones de estilo o tiempo, Ion de Sosa, Andrés Di Tella, Ashmita Guha Neogi, Kohei Igarashi y Rati Oneli mostrarán sus nuevos trabajos en estreno mundial junto a cineastas como Paul B. Preciado, Delphine Girard, Jean-Luc Godard, Yui Kiyohara, Damien Manivel, Rodrigo Moreno, Éléonore Saintagnan y Eduardo Williams. En la sección participan 25 títulos: quince largometrajes, ocho cortos y dos mediometrajes.
La inauguración de Zabaltegi-Tabakalera correrá a cargo del filme Subete no Yoru wo Omoidasu / Remembering Every Night, dirigido por la cineasta Yui Kiyohara (Tokio, Japón. 1982), que con su debut Our House (2018) participó en la sección Forum de la Berlinale. En ese mismo apartado ha presentado este año su segundo largometraje, un estudio de varios personajes femeninos. La sesión inaugural incluirá también un cortometraje póstumo de Jean-Luc Godard (París, Francia. 1930 – Rolle, Suiza. 2022) estrenado en el último Festival de Cannes: Film annonce du film qui n’existera jamais: ‘Drôles de Guerres’ / Trailer of the Film That Will Never Exist: ‘Phony Wars’.
La clausura correrá a cargo del documentalista Ulises de la Orden (Buenos Aires, Argentina. 1970), que mostrará El juicio / The Trial, una no ficción estrenada en la sección Panorama de la Berlinale que documenta al detalle el proceso judicial realizado en 1985 contra las juntas militares de la dictadura argentina.
Programado en la competición oficial de cortometrajes del Festival de Cannes, Aunque es de noche / Even Though it’s Night lleva la firma de Guillermo García López (Madrid, España. 1985), que ha ubicado este filme en el Sector 6 de La Cañada Real, asentamiento ilegal a las afueras de Madrid. Su primer trabajo, Frágil equilibrio (2016), ganó el Goya a la mejor película documental. Este año también ha presentado otro corto en la Quincena de Cineastas de Cannes, As gaivotas cortam o céu / Seagulls Cut the Sky, codirigido junto a Mariana Bártolo.

 

Tras mostrar sus cortos en festivales como FID Marseille o Visions du Réel, Éléonore Saintagnan (París, Francia. 1979) se estrena en el largometraje con Camping du lac, protagonizado por la propia directora y que comienza cuando ésta alquila un bungalow cerca de un lago donde, según dicen, vive una bestia legendaria. La película acaba de participar en la sección Cineasti del Presente del Festival de Locarno, donde ha ganado el Premio Especial del Jurado.
Basado en su propio corto homónimo, Xue yun / Absence es el debut en el largometraje de Wu Lang (Yiyang, China. 1991), que pasó por la sección Encounters del Festival de Berlín con este relato de dos antiguos amantes cuyos destinos siguen entrelazándose. El director participa en Zabaltegi-Tabakalera por partida doble, ya que en la misma sesión de Absence se proyectará su corto Duan Pian Gu Shí / Short Story, que se estrenará en la sección Orizzonti de Venecia y trata de un hombre que sueña que su mujer, a la que no ve hace tiempo, se despide de él.
Procedente de la competición oficial del Festival de Locarno, donde ya ganó el Leopardo de Oro a la mejor película por El auge del humano / The Human Surge (2016), Eduardo Williams (Buenos Aires, Argentina. 1987) presentará su segundo largometraje, El auge del humano 3 / The Human Surge 3, una historia ambientada en un mundo extraño y misterioso. El filme ha ganado en Locarno el Premio Boccalino de Oro de la Crítica Independiente a la mejor película.
Un hijo obligado a vivir de nuevo con su anciano padre protagoniza Gamopituli Khalkhi / We Are The Hollow Men (Somos los hombres huecos) un cortometraje dirigido por Rati Oneli (Tbilisi, Georgia, 1977), que fue productor, coguionista y actor de Dasatskisi / Beginning (Dea Kulumbegashvili, 2020), ganadora de la Concha de Oro a la mejor película, de las Conchas de Plata a la mejor dirección y a la mejor actriz, y del Premio del Jurado al mejor guion. El galardonado documental híbrido de Oneli City of the Sun se estrenó en la Berlinale en 2017.

La ganadora del premio a la mejor película en la sección Encounters de la Berlinale fue Here, en la que Bas Devos (Zoersel, Bélgica. 1983) sigue a un migrante cuyo regreso a casa es postergado por la posibilidad de un romance. Con sus anteriores largometrajes Devos ha pasado por otras secciones del festival de Berlín y por citas como la Quincena de Cineastas de Cannes, Rotterdam o Karlovy Vary.
Damien Manivel (Brest, Francia. 1981) logró una mención especial en la competición francesa del festival FID Marseille con L’Île / The Island (La isla), una historia sobre la amistad y el tránsito a la edad adulta. El filme supone la tercera incursión de Manivel en Zabaltegi-Tabakalera, donde ya presentó La nuit où j’ai nagé / Oyogisugita Yoru / The Night I Swam (2017), codirigida con Kohei Igarashi y estrenada en la sección Orizzonti de Venecia, y Les enfants d’Isadora / Isadora’s Children (2019), que obtuvo una mención especial tras lograr el premio a la mejor dirección en Locarno.
La Palisiada, ópera prima con la que Philip Sotnychenko (Kiev, Ucrania. 1989) se alzó con el Premio FIPRESCI en la competición Tiger del Festival de Rotterdam, tiene como protagonistas a dos amigos, un detective de policía y un psiquiatra forense, involucrados en la investigación de un asesinato.
Rodrigo Moreno (Buenos Aires, Argentina. 1972), que consiguió una mención especial en Horizontes Latinos con El custodio (2006), participa esta vez en Zabaltegi-Tabakalera con Los delincuentes / The Delinquents, estrenada en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes. En su nuevo largometraje, Moreno narra la historia de Morán y Román, dos empleados de banco cuya rutina queda alterada cuando uno de ellos roba en la sucursal en la que trabajan.

Andres Di Tella (Buenos Aires, Argentina. 1958), que en 2016 formó parte del Jurado del Premio Horizontes en San Sebastián y en 2022 presidió el jurado de Nest, volverá con su nuevo trabajo, Mixtape La Pampa, un largometraje que se adentra en el paisaje de una zona cuyo simbolismo es clave para conformar la identidad de su país. Las anteriores participaciones del realizador en Zabaltegi-Tabakalera son 327 cuadernos (2015), Ficción privada / Private Fiction (2019) y Diarios (2022).
Zabaltegi-Tabakalera mostrará otro filme laureado en la sección Encounters de la Berlinale, Orlando, mi biografía política / Orlando, My Political Biography, que consiguió cuatro galardones, entre ellos el Premio Especial del Jurado. En su debut en el largometraje, el escritor, filósofo y activista Paul B. Preciado (Burgos, España. 1970) parte de la novela de Virginia Woolf para abordar cuestiones como el género y los cuerpos no binarios.
Atsushi Hirai (Toyama, Japón. 1989), que participó en Locarno con su primer corto, Return to Toyama, mostrará en Zabaltegi-Tabakalera un trabajo que pasó por la sección de cortometrajes de la Quincena de Cineastas. Bajo el título de Oyu, el director describe la visita de un hombre a unos baños públicos en busca de un objeto perdido.
Ashmita Guha Neogi (Delhi, India. 1991), que obtuvo el Premio Nest por CatDog y actualmente prepara su primer largometraje, presentará un mediometraje, Sīlan, acerca de dos hermanos distanciados que retoman el contacto cuando muere su madre.

La realizadora belga Delphine Girard (Quebec, Canadá. 1990) concursará en Zabaltegi-Tabakalera con su primer largometraje, Quitter la nuit / Through the Night, que desarrolla la idea de su corto Une soeur / A Sister, que estuvo nominado al Oscar. La película, incluida en la sección Giornate degli autori de Venecia, sigue a tres personajes marcados por los ecos de la violencia.
Blazh / Grace es el primer largometraje de ficción de Ilya Povolotsky (Izhevsk, Rusia. 1987), que participó en la Quincena de Cineastas con esta delicada y contemplativa historia de un padre y una hija que viajan con su proyector de películas a través de un paisaje inquietante.
La actriz y directora Shaylee Atary (Rishon Lezion, Israel. 1989) presentará su segundo cortometraje, Or panas yachid / Single Light, estrenado en el Festival de Jerusalén y centrado en una mujer que sufre una agresión sexual. Con su primer corto, Neurim, estuvo en la Cinéfondation del Festival de Cannes.
Kohei Igarashi (Shizuoka, Japón. 1983) concursó en Zabaltegi-Tabakalera con La nuit où j’ai nagé / Oyogisugita Yoru / The Night I Swam (2017), una película proyectada en la sección Orizzonti de la Mostra de Venecia y codirigida por el citado Damien Manivel. Éste es precisamente el productor del nuevo trabajo con el que Igarashi vuelve a la sección, el cortometraje Suigyo no majiwari /Two of Us, sobre dos amigos de la infancia que pasan juntos las vacaciones.

La selección también incluye cuatro títulos que cuentan con producción española y que ya han sido anunciados previamente: Antier noche / Nights Gone By es el primer largometraje de Alberto Martín Menacho (Madrid, 1986), desarrollado en el programa de residencias y desarrollo de proyectos Ikusmira Berriak y estrenado en Visions du Réel; Bén Trong Vo Ken Vang / Inside the Yellow Cocoon Shell, dirigida por  An Pham Thien (Vietnam, 1989), es una coproducción internacional ganadora de la Cámara de Oro, el galardón que recibe el mejor debut del Festival de Cannes; Mamántula es un mediometraje firmado por Ion de Sosa (Urnieta, 1981), autor de obras como  el cortometraje Leyenda dorada / The Golden Legend (2019), que estuvo en Zabaltegi-Tabakalera tras competir en la Berlinale; y Contadores es un corto de Irati Gorostidi (Eguesibar, 1988) que participó en la Semana de la Crítica de Cannes y formó parte del catálogo Kimuak del año pasado.

Film annonce du film qui n’existera jamais: «Drôles de Guerres» / Trailer of the Film That Will Never Exist: «Phony Wars»

Jean-Luc Godard (Francia)

País(es) de producción: Francia – Suiza

Inauguración

Rechazando las innumerables imposiciones alfabéticas a fin de liberar las incesantes metamorfosis y metáforas de un lenguaje necesario y real, el director revisita las localizaciones de rodajes pasados, al tiempo que mantiene un relato de los tiempos modernos.

Subete no yoru wo omoidasu / Remembering Every Night

Yui Kiyohara (Japón)

País(es) de producción: Japón

Intérpretes: Kumi Hyodo, Minami Ohba, Ai Mikami, Guama Uchida, Tadashi Okujno, Shintaro Yuya, Mizuho Nojima

Inauguración

La historia de tres mujeres tejida en Tama New Town, un barrio inaugurado en 1971 en los suburbios de Tokio como el mayor proyecto residencial de todos los tiempos en el país. Un día, el valioso recuerdo de una de ellas resuena en la vida de otra.

El juicio / The Trial

Ulises de la Orden (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – Noruega – Francia – Italia

Clausura

1985, Buenos Aires, Argentina. El juicio de las Juntas Militares de la última dictadura (1976/1983), acusadas de crímenes contra la humanidad. Como en Núremberg después de la Segunda Guerra Mundial, el juicio se graba en su totalidad en cintas U-matic. Durante 90 días, se escucharon los testimonios del horror y una sentencia final: «Nunca más». Los defensores y las posiciones políticas e ideológicas de aquellos que apoyaron la dictadura. Las historias de tortura y dolor en la voz de las víctimas. Vida y muerte en una misma sala. Un archivo del pasado y una película que plantea un punto de partida.

Antier noche / Nights Gone By

Alberto Martín Menacho (España)

País(es) de producción: Suiza – España

Intérpretes: Juan Francisco Cambero Domínguez, Pepa Gracia, Antonio Acosta Narciso, Alba Domingo Martínez

Ikusmira Berriak 2019

Juan Francisco tiene doce años y vive en un pueblo del sur de Extremadura, un lugar rodeado de encinas milenarias y placas solares. A través de la caza con galgos, el niño descubre la estrecha relación que une a humanos y animales. Santi y Antonio forman parte de la juventud y de una modernidad que convive con las más antiguas tradiciones. Pepa es una joven madre que trabaja como temporera en el matadero. Mediante el retrato coral de estos jóvenes, se revela un territorio habitado por liebres y burros, historias de amor, incendios y raves.

Aunque es de noche / Even Though It’s Night

Guillermo García López (España)

País(es) de producción: España – Francia

En La Cañada, el asentamiento irregular más grande de Europa, no hay luz desde hace más de un año. A la luz del fuego, Toni, un chico de trece años, descubre que su mejor amigo Nasser se marcha para siempre. Entre leyendas sobre un posible futuro, Toni captura los últimos momentos con su amigo e intenta encontrar la forma de quedarse conectado a él.

Bén Trong Vo Ken Vang / Inside the Yellow Cocoon Shell

An Pham Thien (Vietnam)

País(es) de producción: Singapur – Vietnam – Francia – España

Intérpretes: Le Phong Vu, Nguyen Thi Truc Quynh, Nguyen Thinh, Vu Ngoc Manh

Un reticente Thien debe llevar el cuerpo de su cuñada, fallecida en un extraño accidente de moto en Saigón, y a su hijo Dao, de cinco años, que sobrevivió milagrosamente al accidente, a su pueblo natal en el campo. Thien emprende la búsqueda de su hermano mayor, desaparecido años atrás, para entregarle a Dao. En el camino, Thien tiene una serie de sueños sugestivos y encuentros cautivadores que reavivan recuerdos reprimidos y deseos prohibidos. En el laberinto de estas búsquedas fantasmales, Thien se enfrenta a su propia crisis existencial sobre por qué merece la pena vivir.

Blazh / Grace

Ilya Povolotsky (Rusia)

País(es) de producción: Rusia

Intérpretes: Maria Lukyanova, Gela Chitava

Una vieja autocaravana atraviesa una remota provincia rusa llevando en su interior a una adolescente, a su padre y un proyector de películas oxidado. Llevan mucho tiempo en la carretera, vagando entre misteriosos y pintorescos lugares en mitad de ninguna parte. Ella está acostumbrada a la melancolía de su padre y a las mujeres que van y vienen en su vida. Él soporta sus caprichos. Pero todo cambia en el viaje hacia el norte, cuando finalmente su mundo explota, empacado en el angosto espacio del vehículo junto a esperanzas, heridas, miedos y un pasado sin enterrar.

Camping du lac

Éléonore Saintagnan (Francia)

País(es) de producción: Bélgica – Francia

Intérpretes: Éléonore Saintagnan, Anna Turluc’h, Jean-Benoît Ugeux, Rosemary Standley, Wayne Standley, Étienne Siberil

Éléonore conduce hacia el oeste. Su coche se avería en mitad de Bretaña, Francia. Allí alquila un bungalow en un camping con vistas a un lago en el que, según se dice, vive una bestia legendaria. De mobile home en mobile home, observa el presente, evoca el pasado y se deja invadir por la ficción.

Contadores

Cortometraje

Irati Gorostidi (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Santiago Fernández de Mosteyrín, Jaume Ferrete, Claugia Pagès, Iskandar Rementeria, Natalia Suárez, Marina Suárez, Mugerza Ronse

Durante las negociaciones por un nuevo convenio del metal en 1978, un grupo de militantes libertarios defiende ante sus compañeros de fábrica su radical postura mientras atestiguan con decepción la atomización del movimiento obrero.

Duan pian gu shi / Short Story

Wu Lang (China)

País(es) de producción: China

Intérpretes: Jue Huang, Meng Li

Un hombre de mediana edad sueña con su esposa, a quien no ha visto desde hace mucho tiempo, diciéndole adiós. Cuando despierta, intenta salvar la relación.

El auge del humano 3 / The Human Surge 3

Eduardo Williams (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – Portugal – Países Bajos-Taiwán – Brasil – China

Intérpretes: Meera Nadarasa, Shakira Navamani, Livia Silvano Pacaya, Abel Navarro, Ri Ri Yang

Diferentes grupos de amigos vagan por un mundo lluvioso, ventoso y oscuro. Pasan el tiempo juntos, intentando alejarse de sus deprimentes trabajos, serpenteando constantemente hacia el misterio de nuevas posibilidades.

Gamopituli Khalkhi / We Are the Hollow Men (Somos los hombres huecos)

Cortometraje

Rati Oneli (Georgia)

País(es) de producción: Georgia

Intérpretes: Kakha Kintsurashvili, Murman Jinoria

Después de años de ausencia y fracaso, un hijo pródigo se ve obligado a regresar y a vivir con su anciano padre. Enfrentados a sus emociones contrapuestas, ambos hombres se ven obligados a afrontar sus recuerdos, sueños y miedos en un mundo sin la mujer que una vez los unió.

Here

Bas Devos (Bélgica)

País(es) de producción:

 

TerrorMolins desvela su imagen para la edición 2023

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El festival conmemorará el cincuentenario de su maratón de terror, la más antigua de Europa, volviendo excepcionalmente a su formato originario de 16 horas de cine.
El cartel, diseñado por el cineasta Paco Ruiz con la ayuda de inteligencia artificial, representa el rostro de una mujer a partir de fragmentos: una bruja que son muchas.
El TerrorMolins – Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, llega a su 42ª edición, que se celebrará del 3 al 12 de noviembre y que, como ya se anunció, tiene las brujas y la brujería como ejes principales. Este leitmotiv es el que centra el cartel de este año, un diseño del cineasta Paco Ruiz a partir de imágenes creadas con inteligencia artificial y compuestas a modo de collage. Esta edición supone también el cincuentenario de la Maratón de Terror, la más antigua de Europa y germen de lo que hoy es el festival TerrorMolins.
Brujas, el cartel. Tal como se anunció, la temática sobre la cual girará el TerrorMolins 2023 son las brujas, leitmotiv —Sorginak-Brujas— que el certamen comparte con la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donostia-San Sebastián. El cartel lo refleja mostrando la cara de una mujer formada a partir de la deconstrucción de diferentes rostros femeninos, y quiere ser un homenaje a las más de cien mil mujeres que se calcula que fueron acusadas y asesinadas por brujería en Europa entre los siglos XV y XVIII. La técnica empleada es el collage a partir de creación de fotografías, retoque digital y creación de imágenes con inteligencia artificial. Es decir: las caras visibles que aparecen en el cartel no son mujeres reales, sino creaciones a partir de patrones formados por millones de imágenes. El creador del cartel, Paco Ruiz, es cineasta y profesor de lenguaje cinematográfico, formado en la ESCAC y autor de los cortometrajes Insidia y María, entre otros.
50 años de maratón, 16 horas de terror. El día 7 de julio de 1973 el Cineclub de Molins de Rei organizaba la primera maratón de 16 horas de terror, e iniciaba así una cita anual imperdible donde se han proyectado buena parte de las películas más célebres del género, desde Psicosis hasta El exorcista, La noche de los muertos vivientes o La matanza de Texas, entre otras muchas. Cincuenta años más tarde, esta maratón se mantiene muy viva y se erige como la más antigua de Europa, por lo cual el TerrorMolins quiere celebrarlo volviendo excepcionalmente a su formato más extremo: 16 horas de cine, un regalo que desde la organización se quiere hacer al público que ha seguido el evento durante estas cinco décadas hasta la actualidad. Así pues, el 42º TerrorMolins celebrará esta efeméride esencial con la maratón más intensiva de los últimos tiempos —que tendrá lugar, como siempre, a La Peni— y otras sorpresas que se irán anunciando a medida que se acerque el festival.

 

Klasikoak rescatará entre otras «Historia de un vecindario» de Yasujiro Ozu y «The Red Angel» de Yasuzo Masumura

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La sección también incluye el estreno de dos filmes inéditos: ‘Festival en las entrañas’, de Val del Omar, y ‘El realismo socialista / Socialist Realism’, de Raúl Ruiz y Valeria Sarmiento
La web de Artxiboa incluye una exposición virtual que recoge la relación de Val del Omar con el Festival a través de su correspondencia
Desde su creación en 2018, la sección Klasikoak ha ido incrementando la selección de clásicos modernos y antiguos que rescata y en la 71ª edición contará con más películas que nunca. En total, serán ocho los títulos que se proyectarán en la sala de cine de Tabakalera. En esta ocasión podrán verse copias restauradas de obras dirigidas por Yasuzo Masumura, Liliane de Kermadec, Francesc Betriu, Yasujiro Ozu, Fabián Bielinsky y Arturo Ripstein, además del estreno de dos trabajos inéditos: Festival en las entrañas, dirigido por José Val del Omar, y el ya anunciado El realismo socialista / Socialist Realism, de Raúl Ruiz y Valeria Sarmiento.
Klasikoak proyectará la restauración de una película dirigida por Yasuzo Masumura, considerado uno de los más importantes nombres del cine japonés de posguerra. En Akai tenshi / The Red Angel (1966), Masumura nos traslada a la guerra sino-japonesa a través de una enfermera impactada por la inhumana violencia de la contienda. En 1965 el realizador nipón compitió por la Concha de Oro con Kuro no chōtokkyu / Super-express y en 2008 Karakkaze yarō / Afraid To Die participó en la retrospectiva Japón en negro.
Las actrices Isabelle Huppert y Delphine Seyrig encarnan a la artista suiza Aloïse Corbaz en su juventud y edad adulta, respectivamente, en Aloïse (1975), una película de Liliane de Kermadec. Coautora del guion junto a André Téchiné, la cineasta gala nacida en Polonia concursó en Cannes con este filme sobre una mujer que halló en la pintura una vía de escape para luchar contra su esquizofrenia. Contemporánea de la Nouvelle Vague, De Kermadec colaboró con cineastas como Agnès Varda o Alain Resnais, y dirigió otros títulos como La piste du télégraphe (1994).
Fúria espanyola / Spanish Fury (Furia española) (1975) es una comedia negra dirigida por Francesc Betriu en la que el actor Cassen interpreta a Sebastián, un gran aficionado al fútbol cuyo enlace con Juliana (Mónica Randall) coincide con el partido más importante de la liga: el clásico Barcelona-Real Madrid. En esta obra costumbrista, el director mezcla fútbol, política y crítica social para enfrentarse a la censura franquista en el año en que murió Franco.
La sección contará también con una película del reputado maestro japonés Yasujiro Ozu que presentará en persona Thierry Frémaux, director del Festival de Cannes y del Festival Lumière de Lyon. Nagaya shinshiroku / Historia de un vecindario (1947) fue la primera obra del director tras la II Guerra Mundial y relata la historia de un vidente y un calderero que, al poco de acabar la guerra, se ven obligados a hacerse cargo de un niño en un distrito de Tokio devastado por los bombardeos.
Además, Klasikoak recuperará en resolución 4K Nueve reinas / Nine Queens (2000), un título insoslayable de la cinematografía argentina y la obra maestra de su director, Fabián Bielinsky, que concursó en la Sección Oficial con El aura / The Aura (2005). En Nueve reinas Ricardo Darín y Gastón Pauls dan vida a dos estafadores que se conocen por casualidad y deciden unirse para trabajar juntos en un negocio que les puede hacer ganar una cuantiosa suma de dinero.
En el año en que se celebra el 30º aniversario de su estreno, se proyectará Principio y fin / The Beginning and the End, película que en 1993 ganó la Concha de Oro (ex aequo con Sara, de Dariush Mehrjui). En este clásico moderno, el director mexicano Arturo Ripstein, nombre habitual en distintas secciones del Festival de San Sebastián y ganador de una segunda Concha de Oro por La perdición de los hombres / The Ruination of Men (2000), relata la historia de una familia de clase media que, tras la muerte de su patriarca, lucha por evitar la pobreza.

ESTRENO Y EXPOSICIÓN VIRTUAL

Asimismo, Klasikoak contará con el estreno de un trabajo hasta ahora desconocido del cineasta granadino José Val del Omar: Festival en las entrañas (1963-1965). Se trata de una pieza rodada con su célebre técnica de la TáctilVisión y encargada por el Ministerio de Información y Turismo, entonces presidido por Manuel Fraga. El encargo constaba de al menos diez cortometrajes que recogían manifestaciones de la cultura popular, el folclore o monumentos de diferentes partes de España, y en esta pieza se recuperan dos de ellos.
Asimismo, la web de Artxiboa, el Archivo del Festival de San Sebastián, incluye desde hoy una exposición virtual que recoge la relación de Val del Omar con el Festival a través de las cartas que intercambiaron. Bajo el título Misticismo tecnológico. Un testimonio epistolar de la relación de José Val del Omar con el Festival de San Sebastián (1958-1959), la muestra recopila la correspondencia del inventor y cineasta granadino, compuesta por 18 cartas y telegramas.

El hallazgo del material es el resultado de las acciones de catalogación llevadas a cabo a inicios de 2023 en el marco de Artxiboa, el proyecto de archivo histórico del Festival de San Sebastián. Esta inédita y abundante huella material, digitalizada en su totalidad para la exposición, rescata un episodio desconocido de la historia del Festival protagonizado por José Val del Omar, como ideador de dos jornadas experimentales llevadas a cabo en San Sebastián entre 1958 y 1959. El texto de la exposición ha corrido a cargo del profesor e investigador Asier Aranzubia (Universidad Carlos III de Madrid).

Akai tenshi / The Red Angel

Yasuzo Masumura (Japón)

País(es) de producción: Japón – 1966

Intérpretes: Ayako Wakao, Shinsuke Ashida, Yusuke Kawazu

Una historia de amor entre un médico y una enfermera en medio de las explosiones en un campo de batalla. Sakura es una enfermera en un hospital de campaña que es asaltada por un soldado enfermo y está dispuesta a consolar a los soldados heridos si lo considera necesario. Una impactante película antibelicista sobre la sexualidad masculina, la devoción femenina y las miserias del campo de batalla.

Aloïse

Liliane de Kermadec (Polonia)

País(es) de producción: Francia – 1974

Intérpretes: Delphine Seyrig, Isabelle Huppert, Michael Lonsdale, Marc Heyraud, Jacques Weber

Suiza. Finales del pasado siglo. El hospital psiquiátrico donde Aloïse pasó sus últimos días es ahora un escaparate de las obras de esta sensible e incomprendida mujer. Esta película, bellamente filmada y excelentemente dirigida, plantea una pregunta: ¿cómo es posible que una persona con un espíritu tan aparentemente cuerdo y talentoso cayera durante cuatro largas décadas en la trampa de la enfermedad mental? Basada en hechos reales

El realismo socialista / Socialist Realism

Raúl Ruiz (Chile), Valeria Sarmiento (Chile)

País(es) de producción: Chile – 1973-2023

Intérpretes: Jaime Vadell, Juan Carlos Moraga, Javier Maldonado, Nemesio Antúnez, Waldo Rojas, Marcial Edwards

Una lectura satírica del proceso de la Unidad Popular del presidente Salvador Allende, previa al golpe cívico militar de 1973 en Chile. La película es un relato coral, donde se van encadenando distintos mundos. Por un lado, el de los obreros y el lumpen, con el personaje Lucho a la cabeza, y por otro, el de un grupo de intelectuales partidarios de la Unidad Popular que se agrupan en un frente poético más representantes de la pequeña burguesía. En determinado momento, estos personajes se cruzan en una aparente amistad que termina en escenas de mucha violencia, que producen una lectura satírica de la época.

Festival en las entrañas

Cortometraje

José Val del Omar (España)

País(es) de producción: España – 1963-65

En 1963, el Ministerio de Información y Turismo encargó al cineasta José Val del Omar una serie de diez cortometrajes sobre la campaña Festivales de España para la Exposición Universal de Nueva York 1964. Con la excusa de documentar espectáculos de esta iniciativa cultural en diferentes ciudades españolas, Val del Omar despliega un universo onírico que oscila entre lo lírico y antropológico. El presente filme corresponde a los dos últimos episodios, Luna de Sangre y Festival en las entrañas.

Fúria Espanyola / Spanish Fury (Furia española)

Francesc Betriu (España)

País(es) de producción: España – 1975

Intérpretes: Cassen , Mónica Randall, Carlos Ibarzábal, Rosa Morata, Alfred Lucchetti, Ovidi Montllor, Llàtzer Escarceller

El Fútbol Club Barcelona, capitaneado por Johann Cruyff, pasa por un buen momento. Esto provoca que Sebastián se haga socio de una peña barcelonista. Allí conocerá a la hija de su jefe, Juliana, que no parará de seducirle. Finalmente, se casarán, pero el destino hará que la boda coincida con el partido más importante de la liga: el clásico Barça-Madrid.

Nagaya shinshiroku / Record of a Tenement Gentleman (Historia de un vecindario)

Yasujiro Ozu (Japón)

País(es) de producción: Japón – 1947

Intérpretes: Chishû Ryû, Eitarô Ozawa, Chôko Iida

En el Japón de la postguerra, un hombre encuentra en la calle a un niño perdido y lo lleva a su casa, pero nadie quiere acogerlo, ni siquiera por una noche. Finalmente, lo hace una viuda de agrio carácter. Al día siguiente, la mujer lleva al niño a su barrio y averigua que el padre se ha marchado a Tokio y lo ha abandonado.

Nueve reinas / Nine Queens

Fabián Bielinsky (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – 2000

Intérpretes: Ricardo Darin, Gaston Pauls, Leticia Bredice, Tomás Fonzi

La historia sigue a Juan y a Marcos, dos estafadores residentes en Buenos Aires. La acción transcurre en tan solo 24 horas. En ese tiempo los protagonistas se conocen y se involucran en un negocio que les puede hacer ganar una cuantiosa suma de dinero. La misión consiste en robar unos sellos falsos conocidos como las nueve reinas para que un millonario y empresario los tenga en su colección. Los protagonistas, que disponen de solo un día para llevar a cabo el robo, deberán utilizar su ingenio para hacerse con el esperado botín.

Principio y fin / The Beginning and the End

Arturo Ripstein (México)

País(es) de producción: México – 1993

Intérpretes: Ernesto Laguardia, Bruno Bichir, Julieta Egurrola, Alberto Estrella

El padre de la familia Botero ha muerto. Doña lgnacia, madre amorosa de sus cuatro hijos, está segura de que Gabriel, el brillante hijo menor, está destinado a sacarlos de la miseria. La ambición y el individualismo con Gabriel envenena a la familia.

 

«Kuolleet lehdet / Fallen Leaves», de Aki Kaurismäki, recibirá el Gran Premio FIPRESCI 2023 a la mejor película del año

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El director finlandés obtendrá este reconocimiento por segunda vez
Kuollet lehdet / Fallen Leaves, dirigida por Aki Kaurismäki, ha obtenido el Gran Premio FIPRESCI tras ser elegida mejor película del año 2023 por los miembros de FIPRESCI, la Federación Internacional de Críticos de Cine. En la votación han participado 669 críticas y críticos de todo el mundo, que han elegido esta producción entre Finlandia y Alemania de entre todas las películas estrenadas tras el 1 de julio de 2022.
Las otras dos finalistas han sido The Banshees of Inisherin (Almas en pena de Inisherin), de Martin McDonagh, y Tár, de Todd Field, ambas estrenadas en el Festival de Venecia de 2022, donde ganaron respectivamente la Copa Volpi al mejor actor para Colin Farrell y la Copa Volpi a la mejor actriz para Cate Blanchett.
Kuolleet lehdet / Fallen Leaves se estrenó en el pasado Festival de Cannes, donde se alzó con el Premio del Jurado. Es la segunda vez que Kaurismäki recibe este reconocimiento de la crítica internacional, que en 2017 recayó en Toivo tuolla puolen / The Other Side of Hope.
Desde su creación en 1999 han recibido el Gran Premio FIPRESCI cineastas de la talla de Maren Ade, Pedro Almodóvar, Paul Thomas Anderson, Alfonso Cuarón, Jean-Luc Godard, Ryusuke Hamaguchi, Michael Haneke, Richard Linklater, George Miller, y Chloé Zhao, entre otras y otros cineastas.
El Gran Premio FIPRESCI se entregará el 22 de septiembre durante la gala de inauguración del 71º Festival de San Sebastián. Kuolleet lehdet / Fallen Leaves también forma parte de la sección Perlak, tal como se anunció recientemente.
Fallen Leaves se estrenará en España el 29 de diciembre de la mano de Avalon.

Kuolleet lehdet / Fallen Leaves

Aki Kaurismäki (Finlandia)

País(es) de producción: Finlandia – Alemania

Intérpretes: Alma Poysti, Jussi Vatanen

La historia de dos personas solitarias que se encuentran por casualidad en la noche de Helsinki e intentan encontrar el primer, único y último amor de sus vidas. Su camino hacia esta honrosa meta se ve empañado por el alcoholismo del hombre, números de teléfono perdidos y la tendencia general de la vida a poner obstáculos en el camino de quienes buscan su felicidad.

Isabella Eklöf, Kei Chika-Ura y Xavier Legrand, competirán por la Concha de Oro de la 71ª edición del Festival de San Sebastián

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Seis películas se suman al listado de aspirantes a la Concha de Oro de la 71ª edición del Festival de San Sebastián. La Sección Oficial incorpora las nuevas propuestas de las directoras de The Assistant (Kitty Green) y Holiday (Isabella Eklöf), y de los directores de Jusqu’à la garde (Xavier Legrand), Complicity (Kei Chika-Ura) y Apples (Christos Nikou), así como el debut de Tzu-Hui Peng y Ping-Wen Wang, A Journey in Spring. Además, la producción francesa Un métier sérieux / A Real Job (Los buenos profesores), dirigida por Thomas Lilti, formará parte de las proyecciones especiales de la Sección Oficial.
Chun Xing / A Journey in Spring es el primer largometraje de la pareja de cineastas Tzu-Hui Peng (Taichung, Taiwán. 1989) y Ping-Wen Wang (Taipei, Taiwán. 1987). Esta producción taiwanesa se aproxima al duelo de un hombre lleno de remordimientos tras la muerte de su esposa.
Tras la buena recepción crítica de Apples, que fue seleccionada en Telluride, Toronto y Venecia, el director Christos Nikou (Atenas, Grecia. 1984) ha contado con los intérpretes Jessie Buckley, Riz Ahmed, Jeremy Allen White, Luke Wilson y Annie Murphy en su segunda película -la primera en inglés-, Fingernails (Esto va a doler), un drama romántico que reflexiona sobre una institución que testa si el amor de una pareja es verdadero.
El primer largometraje del realizador japonés Kei Chika-Ura, Complicity, fue seleccionada en la Berlinale y ganó el premio de la crítica joven en el Festival CinemAsia. En su segunda película, Great Absence, un joven actor retoma el contacto con su padre tras la desaparición de su segunda mujer.
Isabella Eklöf (Storholmen, Suecia. 1978) dirigió Holiday (2018), seleccionada en Sundance y premiada en Austin. Eklöf escribió con el director Ali Abbasi el guion de Border (2018), ganadora del Premio Un Certain Regard del Festival de Cannes. Su segunda película como realizadora, Kalak, se centra en un enfermero danés que se traslada a vivir a Groenlandia.
Xavier Legrand (Melun, Francia. 1979) regresa al Festival de San Sebastián tras el éxito de Jusqu’à la garde / Custody (Custodia compartida, 2017), ganadora del Premio al mejor director en el Festival de Venecia, del Premio del Público y del Premio RTVE-Otra Mirada en San Sebastián y de los César a la mejor película y guion. Competirá por la Concha de Oro con Le successeur / The Successor, la historia de un diseñador que, tras la muerte de su padre, descubre un terrible secreto en la casa familiar.

También es esperada la segunda película de Kitty Green (Melbourne, Australia. 1984), que vuelve a confiar en la actriz Julia Garner, la protagonista de su popular película anterior, The Assistant (2019), premiada por el festival de Deauville y por la asociación de críticos de Nueva York. The Royal Hotel narra la historia de dos mochileras (Garner y Jessica Henwick) que aceptan un trabajo en un remoto pub australiano.
Además de las películas que competirán por la Concha de Oro, el Festival incorpora una proyección especial de la Sección Oficial, la película Un métier sérieux / A Real Job (Los buenos profesores), dirigida por Thomas Lilti (La Celle-Saint-Cloud, Francia. 1976). El director de Hippocrate / Hippocrates: Diary of a French Doctor (Hipócrates) cuenta con los intérpretes François Cluzet, Adèle Exarchopoulos y Vincent Lacoste para retratar la vida cotidiana en una escuela francesa.

Este anuncio se suma a la lista de once aspirantes a la Concha de Oro comunicados con anterioridad: María Alché y Benjamín Naishtat, Jaione Camborda, Robin Campillo, Isabel Coixet, Isabel Herguera, Raven Jackson, Joachim Lafosse, Noah Pritzker, Cristi Puiu y Martín Rejtman. Además, fuera de concurso se ha programado la serie La Mesías, de Javier Ambrossi y Javier Calvo; la proyección especial They Shot the Piano Player / Dispararon al pianista, de Fernando Trueba y Javier Mariscal; Hayao Miyazaki inaugurará la 71ª edición con Kimitachi wa dô ikiruka / The Boy And The Heron y James Marsh la clausurará con Dance First.

 

Chun xing / A Journey in Spring (Un viaje en primavera)

Tzu-Hui Peng (Taiwán), Ping-Wen Wang (Taiwán)

País(es) de producción: Taiwán

Intérpretes: Jason King, Kuei-Mei Yang, Wei-Hua Lan, Shu-Wei Chang, Chiasui Chen, Jack Kao

Un anciano con cojera, Khim-Hok, ha dependido de su esposa a lo largo de los años. Viven en una vieja casa en la periferia urbana de Taipei. Tras la repentina muerte de su mujer, Khim-Hok la coloca en un viejo congelador y continúa viviendo una vida aparentemente tranquila. Pero su hijo, del que estaba estaba distanciado desde hace mucho tiempo, y su nueva pareja aparecen de repente, por lo que finalmente Khim-Hok debe afrontar la muerte de su esposa.

Fingernails (Esto va a doler)

Christos Nikou (Grecia)

País(es) de producción: EEUU

Intérpretes: Jessie Buckley, Riz Ahmed, Jeremy Allen White, Luke Wilson, Annie Murphy

Anna y Ryan han encontrado el amor verdadero. Lo ha demostrado una nueva y controvertida tecnología. Solo hay un problema: Anna sigue sin estar segura. Entonces acepta un puesto en un instituto de evaluación del amor y conoce a Amir.

Great Absence

Kei Chika-Ura (Japón)

País(es) de producción: Japón

Intérpretes: Mirai Moriyama, Tatsuya Fuji, Yoko Maki, Hideko Hara

El actor Takashi ha vivido distanciado de su padre Yohji, un profesor universitario jubilado, desde el tumultuoso divorcio con su madre, que rompió la familia hace 20 años. Apenas mantienen el contacto, hasta que un día una llamada de la policía lleva a Takashi a visitar a Yohji, quien lucha contra la demencia en su casa en el sur de Japón. Al llegar, Takashi descubre que la segunda esposa de Yohji, Naomi, ha desaparecido. Al preguntarle dónde está, Yohji responde que se suicidó. Takashi debe averiguar si hay algo de verdad en las palabras de su padre.

Kalak

Isabella Eklöf (Suecia)

País(es) de producción: Dinamarca

Intérpretes: Emil Johnsen, Asta August

Jan huye de sí mismo tras haber sido agredido sexualmente por su padre. Viviendo en Groenlandia con su pequeña familia, ansía formar parte de su cultura abierta y colectivista y convertirse en un Kalak, un ‘sucio groenlandés’.

Le successeur / The Successor

Xavier Legrand (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Marc André Grondin, Yves Jacques, Louis Champagne, Anne-Elisabeth Bossé, Blandine Bury

Ellias Barnès, de 30 años, acaba de ser nombrado nuevo director artístico de una famosa casa de moda parisina. Pero como las expectativas son altas, comienza a experimentar dolores en el pecho. De manera repentina, es llamado de vuelta a Montreal para organizar el funeral de su padre, del que vivía distanciado, y descubre que quizá haya heredado de él algo mucho peor que su débil corazón.

The Royal Hotel

Kitty Green (Australia)

País(es) de producción: Australia

Intérpretes: Julia Garner, Jessica Henwick, Toby Wallace, Hugo Weaving, Ursula Yovich, Daniel Henshall

Hanna y Liv son dos amigas estadounidenses que viajan como mochileras por Australia. Tras quedarse sin dinero, Liv, buscando vivir una aventura, convence a Hanna de aceptar un trabajo temporal tras la barra de un pub llamado The Royal Hotel, en una remota localidad minera del Outback. El dueño del bar, Billy, y un grupo de lugareños les ofrecen una desenfrenada introducción a la cultura del alcohol en Australia, pero pronto Hanna y Liv se ven atrapadas en una inquietante situación que rápidamente escapa a su control.

Un Métier Sérieux / A Real Job (Los Buenos Profesores)

Thomas Lilti (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Vincent Lacoste, François Cluzet, Louise Bourgoin, Adèle Exarchopoulos, William Lebghil, Lucie Zhang

Proyecciones especiales

Fuera de concurso

Empieza un nuevo curso escolar. Benjamin es un estudiante de doctorado sin beca. Ante la falta de perspectivas de futuro, acepta un trabajo como profesor en un instituto de París. Sin formación ni experiencia descubre lo dura que puede ser la profesión de maestro en un sistema educativo afectado por una falta de recursos crónica. Con el apoyo y el compromiso del resto de docentes, y un poco de suerte, se replanteará su vocación.

 

Participación española en la 68 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid

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Seminci reunirá en sus secciones competitivas la mayor participación de cine español de su historia con algunas de las voces más personales de nuestra cinematografía
La Sección Oficial programará a concurso las películas El amor de Andrea, de Manuel Martín  Cuenca; Que nadie duerma, de Antonio Méndez Esparza; Samsara, de Lois Patiño; Sobre todo de noche, de Víctor Iriarte, y La imatge permanent, de Laura Ferrés
Fuera de concurso se presentarán Teresa, de Paula Ortiz; Mamacruz, de Patricia Ortega; El maestro que prometió el mar, de Patricia Font, y el ya anunciado film inaugural, La contadora de películas, de Lone Scherfig
Punto de Encuentro elige las películas On the Go, de María Gisèle Royo y Julia de Castro; Negu hurbilak, del Colectivo Negu, y Muyeres, de Marta Lallana
Tiempo de Historia estrenará los largos La estafa del amor, de Virginia García del Pino; Un volcán habitado, codirigida por David Pantaleón y José Víctor Fuentes, y Zinzindurrumkarratz, de Oskar Alegria
La 68 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid será la cita imprescindible para las voces más personales del nuevo cine español, cuya presencia en las diferentes secciones competitivas será la mayor de la historia de Seminci. La programación de cine español abarca 15 producciones, con cinco estrenos mundiales, dos europeos y ocho nacionales, poniendo de manifiesto la diversidad y originalidad de la creación cinematográfica en nuestro país.
La numerosa presencia de las nuevas miradas del cine español recorre todas las secciones competitivas, además de la Oficial, de forma que la programación de Seminci permitirá al espectador tener una visión de conjunto de las nuevas sensibilidades, temáticas y planteamientos estéticos de los creadores más audaces del nuevo cine español.
La Sección Oficial se abre a las miradas de cineastas consagrados como los últimos trabajos de Manuel Martín Cuenca, El amor de Andrea; y Antonio Méndez Esparza, Que nadie duerma; junto al esperadísimo tercer largo de Lois Patiño, Samsara; y los impactantes debuts en la ficción de Víctor Iriarte con Sobre todo de noche, y Laura Ferrés con La imatge permanent. Todos competirán por la Espiga de Oro de Seminci.
El amor de Andrea narra la búsqueda de una niña por recuperar el amor de un padre ausente, en el film más íntimo y personal de Martín Cuenca hasta la fecha, que tendrá su estreno mundial en Seminci. Con música de Vetusta Morla, cuenta con un reparto debutante encabezado por Lupe Mateo Barredo.
Que nadie duerma, adaptación de la novela homónima de Juan José Millás dirigida por Antonio Méndez Esparza, cineasta galardonado en festivales internacionales como Cannes o San Sebastián. En su primer film rodado en España, cuyo estreno mundial se producirá en Seminci, cuenta con un reparto encabezado por Malena Alterio -en un registro en el que nunca antes la hemos visto- y Aitana Sánchez-Gijón.
En Sobre todo de noche, Víctor Iriarte narra un encuentro emocional en torno a la maternidad de tres personajes que buscan su lugar en el mundo y protagonizan las actrices Lola Dueñas y Ana Torrent, quienes interpretan a dos mujeres que comparten la experiencia de haber sido madres –biológica y adoptiva- de un mismo niño, historia que, partiendo del melodrama, se convierte en una película de cine negro, con un robo y una huída.
Reconocido y galardonado en grandes festivales internacionales, el gallego Lois Patiño aborda en Samsara, su tercer largometraje, una historia sobre la reencarnación que transcurre entre Nepal y Zanzíbar, y que sirve al cineasta gallego para profundizar en su exploración formal del lenguaje cinematográfico indagando en la representación de lo invisible en el cine.
La imatge permanent es un esperado paso para Laura Ferrés, que ganó el Goya, el Gaudí y la Semana de la Crítica con su cortometraje documental Los deshederados (2017), estrenado en la Sección Oficial de la 62 Seminci. La imatge permanent es una historia dentro de una historia sobre una mujer que persigue a otra mujer, ávida de aventuras; un melodrama con actores no profesionales no exento de pinceladas de humor absurdo, que la cineasta escribe en colaboración con Carlos Vermut y Ulises Porra.
Junto a ellos y fuera de concurso, se programarán los estrenos de cuatro directoras tan diferentes como estimulantes: Paula Ortiz, Patricia Ortega, Lone Scherfig -todas ellas premiadas en diferentes ediciones de Seminci- y Patricia Font. Sus películas, cuatro historias tan diferentes entre sí como de una potencia arrolladora, permitirán al espectador disfrutar de auténticos recitales interpretativos de algunos de los más destacados actores y actrices españoles: Blanca Portillo, Asier Etxeandia, Kiti Mánver, Enric Auquer, Laia Costa o Antonio de la Torre brillan con luz propia en sus, probablemente, mejores registros hasta la fecha.
Paula Ortiz, premio Pilar Miró en la 56 Semana, estrena mundialmente en Seminci su film Teresa, adaptación de la obra de teatro “La lengua en pedazos”, de Juan Mayorga, que protagonizan Blanca Portillo y Asier Etxeandia; Patricia Ortega, Espiga Arco Iris de la 63 edición, estrena Mamacruz, con Kity Mánver como protagonista absoluta de una historia sobre el redescubrimiento del deseo; y la ganadora del Goya al mejor cortometraje Patricia Font, quien dirige El maestro que prometió el mar, film inspirado en la vida del maestro Antoni Benaiges que protagonizan los también ganadores del Goya Laia Costa y Enric Auquer. El film tendrá su estreno mundial en la Gala RTVE. Lone Scherfig -Espiga de Oro de la 46 Semana- inaugurará la 68 edición con La contadora de películas.
Punto de encuentro, sección con un espíritu renovado que será una de las grandes revelaciones de Seminci, ofrecerá los trabajos de jóvenes cineastas españoles que empiezan su carrera de manera rotunda: Negu hurblak, de Colectivo Negu, Mención Especial en el Festival de Locarno, aborda el aislamiento y la espera a través de la historia de una huida en el contexto del final del terrorismo en el País Vasco en el año 2011, con Jone Laspiur, ganadora del Goya a la actriz revelación por Ane, como protagonista; On the Go, de María Gisèle Royo y Julia de Castro, una road movie provocadora, gamberra, independiente y LGTBIfriendly sobre la amistad y el fracaso amoroso, interpretada por Omar Ayuso, Chacha Huang y Julia de Castro, e inspirada en el film de culto Corridas de alegría (1982), del sevillano Gonzalo García Pelayo; Muyeres, de Marta Lallana, film sobre la memoria y las tradiciones de las montañas asturianas de Somiedo con el músico Raül Refree como protagonista, que acaba de ser galardonado con el Gran premio del Jurado del Festival de Shanghái.
Tiempo de Historia, sección de referencia creada en el año 1984 y considerada pionera en el ámbito de los festivales de cine dedicada exclusivamente al cine de no ficción, mostrará las sugestivas propuestas de Oskar Alegria (Zinzindurrunkarratz, sobre la reconstrucción de la memoria a través de los sonidos), David Pantaleón y José Víctor Fuentes (Un volcán habitado, que describe el impacto en la población de la erupción del volcán de la isla de La Palma a través de aquellos que lo vivieron y cómo se mantuvieron conectados) y Virginia García del Pino (La estafa del amor, una película-performance que deconstruye la idea del amor romántico a partir de la irrupción de personas de distintos credos, opciones sexuales e ideologías que explican la influencia -no siempre positiva- de esta concepción del amor en sus vidas).
La participación del cine español en la 68 edición de Seminci será más amplia, con la incorporación de varios largometrajes al resto de secciones, así como de cortometrajes en todas las secciones competitivas. Los títulos pendientes se anunciarán en próximas fechas.

LISTA DE LOS TÍTULOS ANUNCIADOS:

 

Sección Oficial

El amor de Andrea, de Manuel Martín Cuenca – Estreno mundial

Manuel Martín Cuenca (La flaqueza del bolchevique, Caníbal, El autor, La hija), uno de los directores más prestigiosos y reconocidos del cine actual, estrenará en Seminci su película más íntima y personal, El amor de Andrea, donde la niña de 15 años que da título al film, con la complicidad de sus dos hermanos pequeños, quiere recuperar el amor de un padre que desapareció de sus vidas cuando se divorció de su madre.

Martín Cuenca vuelve a retratar de una manera muy personal un territorio andaluz que conoce bien, la bahía de Cádiz, y ha apostado por un reparto debutante después de un casting de un año en el que el propio director y su equipo vieron a casi 5.000 personas. Rodada en orden cronológico y sin que ninguno de los intérpretes conociera el guion, la película está protagonizada por la joven Lupe Mateo Barredo en el papel de Andrea, y completan el reparto Fidel Sierra, Cayetano Rodríguez Anglada, Agustín Domínguez, Irka Lugo, Jesús Ortiz, Inés Amieva y Jose M. Verdulla Otero.

Coescrita por Lola Mayo (La mujer sin piano, Lo que sé de Lola) y con música original de Vetusta Morla, El amor de Andrea es una producción de La Loma Blanca PC, Lazona, Nephilim y El amor de Andrea AIE, en coproducción con Alebrije Cine y Video que cuenta con la participación de RTVE y Canal Sur Radio y Televisión, la financiación de ICAA y el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y el patrocinio de Diputación Provincial de Cádiz. La distribución en España corre a cargo de Filmax.

 

La imatge permanent, de Laura Ferrés – Estreno nacional

La imatge permanent supone el debut en el largometraje de Laura Ferrés, cineasta a la que Seminci ha seguido los pasos muy de cerca: su proyecto final de carrera, el corto de ficción A perro flaco, se estrenó en La Noche del Corto Español en la 59 Semana, y su segundo trabajo, Los desheredados, en la Sección Oficial de la 62 edición, tras alzarse con el premio Leica Cine Discovery al mejor corto de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes y antes de lograr el Premio Goya de la categoría ese año.

La imatge permanent, film aclamado por la crítica en su estreno mundial en la competición del Festival de Locarno, es una de las obras más estimulantes del año. Protagonizada por las actrices debutantes María Luengo y Rosario Ortega, la acción arranca en un pueblo del sur, donde Antonia, una madre adolescente, desaparece en medio de la noche. Cincuenta años más tarde y muchos kilómetros al norte, Carmen, una directora de casting algo introvertida, debe encontrar personas que cuenten sus recuerdos tras cambiar de ciudad. Durante su búsqueda, Carmen conoce a Antonia, una mujer impulsiva que invade su soledad.

Laura Ferrés firma el guion con la colaboración de Carlos Vermut (Quién te cantará, Mantícora) y el argentino Ulises Porra (Carajita). La imatge permanent es una historia dentro de una historia sobre una mujer que persigue a otra mujer, ávida de aventuras; un melodrama con actores no profesionales no exento de pinceladas de humor absurdo. El film es una producción entre las compañías españolas Fasten Films y Materia Cinema y la francesa Le Bureau, con el apoyo de TV3, que Be for Films vende al extranjero, y cuya distribución en España corre a cargo de La Aventura.

 

Que nadie duerma, de Antonio Méndez Esparza – Estreno mundial

Si el año pasado Seminci estrenó la adaptación de la novela de Juan José Millás “No mires a los ojos”, este año la Sección Oficial repite adaptación del escritor valenciano con la nueva película de Antonio Méndez Esparza (Aquí y allí, La vida y nada más, Courtroom 3H). El cineasta madrileño, ganador del Gran Premio de la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes 2012 por Aquí y allá, y los premios Fipresci de San Sebastián y John Cassavetes de los Film Independent Spirit por La vida y nada más, elige para su cuarto largometraje, el primero rodado en España tras una carrera desarrollada en los Estados Unidos, la adaptación de la novela de Millás Que nadie duerma, cuyo guion firma el propio director con Clara Roquet (Libertad).

Rodada en su mayor parte en el madrileño distrito de Usera, Que nadie duerma es una road movie por un Madrid que cuenta en su reparto con Malena Alterio, Aitana Sánchez-Gijón, Rodrigo Poisón, José Luis Torrijo, Manuel de Blas y Mariona Ribas. Lucía (Malena Alterio) pierde su empleo como programadora informática y decide dar un giro definitivo en su vida convirtiéndose en taxista.  El encuentro con una productora teatral (Aitana Sánchez Gijón) incita a Lucía a dejarse llevar por la fantasía, la locura y la aventura embarcándose en una venganza en contra de aquellos que le han robado su propia historia y de los que nunca debió fiarse.

Esta película de alta tensión, subrayada por una trepidante banda sonora compuesta por la ganadora del Goya Zeltia Montes ( El buen patrón), es una producción de Aquí y Allí Films, Wanda Visión y Que Nadie Duerma AIE, en coproducción con la productora rumana Avanpost, con el apoyo de ICAA, Comunidad de Madrid, Ayuntamiento de Madrid, Impulsa Castilla La Mancha, CREA SGRy con la colaboración de AMAZON, RTVE y Telemadrid. Wanda Visión distribuirá la película en España.

 

Samsara, de Lois Patiño – Estreno nacional

Lois Patiño (Costa da morte, Lúa vermella), una de las miradas más audaces del nuevo cine español, se une a la familia de Seminci, que programará a concurso su tercer largometraje, Samsara, film donde profundiza en su exploración formal del lenguaje cinematográfico indagando en la representación de lo invisible en el cine, y planteando al espectador el reto de percibir la película con los ojos cerrados para convertir la sala en un espacio de meditación colectiva.

Samsara, término sánscrito que describe el ciclo budista de muerte y reencarnación, sirve a Patiño para explorar lo invisible a través del tránsito geográfico, espiritual y sensorial. Desde los templos de Laos, conviviendo con monjes adolescentes, acompañamos a un alma en su tránsito de un cuerpo a otro, a través del bardo. Las palabras del ‘Libro tibetano de los muertos’ sirven de guía para no perdernos por el más allá y realizar un recorrido lumínico y sonoro que nos llevará a reencarnarnos en las playas de Zanzíbar, donde grupos de mujeres trabajan en granjas de algas.

Presentada en el pasado festival de Berlín, donde logró el Premio Especial del Jurado ex aequo de la Sección Encounters, Samsara es una producción de Señor y Señora, con la financiación del ICAA y el apoyo de Jeonju Cinema Project, con distribución de Atalante Cinema. Escrita, dirigida y montada por Lois Patiño, cuenta en la producción con Leire Apellaniz (El último verano, Ventajas de viajar en tren), Garbiñe Ortega (Casa Roshell, Violet) y Claudia Salcedo, y la dirección de fotografía a cargo de Mauro Herce en Laos (Mimosas, O que arde) y Jessica Sarah Rinland en Zanzíbar.

 

Sobre todo de noche, de Víctor Iriarte – Estreno nacional

Sobre todo de noche es el primer largometraje de ficción de Víctor Iriarte (Bilbao, 1976), cineasta formado en el máster de documental creativo de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona en 2001 y que ejerce de docente y programador como miembro de la dirección académica de la Elías Querejeta Zineskola y del comité de selección del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Coescrita con Isa Campo (Maixabel, Entre dos aguas, La próxima piel) está protagonizada por la ganadora del Goya Lola Dueñas (Volver, Mar adentro, Yo, también), Ana Torrent (El espíritu de la colmena, Tesis, Cerrar los ojos) y Manuel Egozkue.

Vera (Lola Dueñas) y Cora (Ana Torrent) se reencuentran en Portugal a orillas del río Duero para repasar la historia de sus vidas. Ambas comparten la experiencia de haber sido madres –biológica y adoptiva- de un mismo niño, llamado Egoz (Manuel Egozkue). Partiendo de esta premisa propia del melodrama -un encuentro emocional de tres personajes que buscan su lugar en el mundo-, Iriarte juega con los cánones del género que derivan hacia una historia cine negro con tres muertes, dos robos y una huida.

Víctor Iriarte trabaja como asistente de dirección de Isaki Lacuesta en su ópera prima Cravan versus Cravan y posteriormente como director de fotografía del largometraje Buenas noches, España (Raya Martin, 2011), presentado en el Festival de Locarno. Como director, ha realizado varios cortometrajes y un largometraje experimental (Invisible), presentado en FIDMarseille. Sobre todo de noche es una producción de Atekaleun en coproducción con CSC Films, La Termita Films (España), Ukbar Filmes (Portugal) y 4A4 (que desde Francia participó también en la coproducción ganadora en Cannes O que arde), con distribución para España de Atalante Cinema.

 

 

Sección Oficial fuera de concurso

La contadora de películas, de Lone Scherfig – Estreno europeo

El maestro que prometió el mar, de Patricia Font – Estreno mundial

El maestro que prometió el mar es el segundo largometraje de ficción de la directora Patricia Font (Café para llevar –Premio Goya al mejor cortometraje-, Gente que viene y bah). Una producción de Minoria Absoluta, Lastor Media, Filmax y Mestre Films AIE, que cuenta con la participación de RTVE, Movistar+ y TV3, el apoyo de ICAA e ICEC, la participación de CreA SGR y la financiación del ICO y el Ayuntamiento de Briviesca, con Paco Escribano, Tono Folguera, Carlos Fernández y Laura Fernández Brites y David Felani en la producción. La película se basa en el libro homónimo de Paco Escribano y ha sido adaptado a la gran pantalla por Albert Val.

El film, que se programará en la Gala RTVE, está protagonizado por los ganadores del premio Goya, Enric Auquer (Quien a hierro mata, La vida padre) y Laia Costa (Cinco Lobitos, Un amor) y nos sumerge en la historia real de Antoni Benaiges, un maestro de Mont-Roig del Camp (Tarragona), que antes de la Guerra Civil fue destinado a la escuela de Bañuelos de Bureba, un pequeño pueblo de Burgos. La película entrelaza pasado y presente a través de dos tramas que construyen un relato sobre la memoria y la importancia de no dejar caer en el olvido nuestra historia reciente. Filmax distribuirá la película en cines.

 

Mamacruz, de Patricia Ortega – Estreno nacional

La Sección Oficial de Seminci también programará fuera de concurso Mamacruz, de la cineasta venezolana Patricia Ortega, quien regresa a Seminci tras ganar la Espiga Arco Iris con su segundo largometraje, Yo, imposible, programada en la sección Punto de Encuentro de la 63 edición. Kity Mánver es la protagonista absoluta de esta cinta en la que da vida a Cruz, una abuela que lleva décadas sin saber lo que es un orgasmo. Un día, navegando por Internet, empieza a sentir de nuevo deseos y sensaciones que ya creía extinguidas. Cruz se debate entre compaginar sus profundas creencias religiosas con este nuevo despertar sexual y sensual que ha llegado de pronto a su vida.

Patricia Ortega firma con José Ortuño (The Extraordinary Tale, Ánimas) el guion de Mamacruz, un retrato empático sobre la feminidad, el deseo y la sexualidad en la edad adulta que ha sido la única producción española seleccionada en el pasado Festival de Sundance. El film es una producción de La Claqueta PC, Pecado Films y Mamacruz AIE con Olmo Figueredo (Tu hijo, La trinchera infinita, El universo de Óliver) y José Alba (Viaje al cuarto de una madre, Cerrar los ojos) como productores ejecutivos, con distribución de Filmax.

 

Teresa, de Paula Ortiz – Estreno mundial

Teresa es la cuarta película de la directora zaragozana Paula Ortiz y adapta la obra de teatro “La lengua en pedazos”, del Premio Princesa de Asturias de las Letras Juan Mayorga. Basada en la figura de Santa Teresa de Jesús, el film se plantea como un combate entre una de las mentes más brillantes de nuestra cultura contra un inquisidor que quiere quemarla… o salvarla. Teresa es también un doble duelo: dialéctico entre la libertad religiosa y el fundamentalismo católico, e interpretativo, con sus protagonistas, Blanca Portillo y Asier Etxeandía, en estado de gracia.

Paula Ortiz (La novia) regresa al primer gran festival que reconoció su carrera como directora de largometrajes: el Premio Pilar Miró a la mejor nueva dirección en la 56 Seminci por su ópera prima, De tu ventana a la mía. Teresa, que cuenta también en su elenco con Greta Fernández (La hija de un ladrón, Unicornios) es una producción de Bluebird Films, Inicia Films (20.000 especies de abejas, La maternal, Las niñas, Verano 1993), La Lengua en Pedazos A.I.E. y en coproducción con la portuguesa Nu Boyana con Alex Lafuente y Valérie Delpierre como productores. Teresa cuenta con la participación de RTVE, Orange y Aragón TV y la financiación de ICAA, ICEC y Ayuntamiento de Madrid. BTeam Pictures distribuye la película en España.

 

 

Punto de Encuentro

Muyeres, de Marta Lallana – Estreno nacional

Punto de Encuentro programará también Muyeres, primer largometraje en solitario de la cineasta aragonesa Marta Lallana, film que aborda la memoria y las tradiciones de las montañas asturianas de Somiedo, donde viven Constantina e Irene, las últimas guardianas de una centenaria tradición oral destinada a desaparecer. Allí viaja interpretándose a sí mismo el músico Raül Refree –que regresa a Seminci tras ofrecer el pasado año el concierto con la proyección de la película La aldea maldita– para registrar todo este legado antes de que se extinga.

Marta Lallana, quien ya participó en la sección Spanish Cinema de la 64 Seminci con su ópera prima, Ojos negros, codirigida con Ivet Castelo, presentó por primera vez Muyeres en el Festival Internacional de Cine de Shanghái y se convirtió en una de las grandes triunfadoras del certamen al lograr el Gran Premio del Jurado y el premio a la mejor fotografía. Esta historia intergeneracional y contemporánea rodada en blanco y negro es una producción de Corte y Confección de Películas.

 

Negu hurbilak, de Colectivo Negu – Estreno nacional

Negu hurbilak, primer largometraje que firma Colectivo Negu, participará en la sección Punto de Encuentro tras su estreno mundial en la sección Cineasti del Presente del Festival Internacional de Cine de Locarno, donde ha recibido una Mención Especial del Jurado. Negu hurbilak es una película que habla sobre el aislamiento, la espera y el eterno anhelo de identidad, a través de la historia de una huida en el contexto del final del terrorismo en el País Vasco en el año 2011.

Jone Laspiur (Premio Goya a la mejor actriz revelación por Ane) es la joven protagonista que huye con el objetivo de cruzar la frontera, la “muga”, porque sabe que eso la podrá llevar lejos de su lugar de origen, de su casa, donde ya no está segura. Su huida le lleva al pueblo navarro de Zubieta, donde, escondida en una buhardilla, observa una cotidianidad aparentemente inmóvil como la piedra mientras parece esperar instrucciones. Rodada en 16mm en la propia Zubieta, el elenco está integrado por algunos de los propios vecinos del pueblo.

Colectivo Negu –formado en la ESCAC por los directores vascos Ekain Albite y Mikel Ibarguren, y los catalanes Nicolau Mallofré y Adrià Roca– firma esta película, realizada con el apoyo de las productoras Maluta* Films y Cornelius Films, la participación de EiTB; el apoyo de la Fundación Otxoa de Barandika; y la colaboración de Navarra Film Industry durante el rodaje. Begin Again se encarga de la distribución de la película.

 

On the Go, de María Gisèle Royo y Julia de Castro – Estreno nacional

También avalada por su gran acogida en Locarno, la sección Punto de Encuentro programará en competición la producción andaluza On the Go, una road movie femenina y LGTBIfriendly que firman las cineastas María Gisèle Royo y Julia de Castro con producción de Jur Jur Producciones, Paola Alvarez Filmproduktion y Esperpento Films. Inspirada en el film de culto Corridas de alegría (1982), del sevillano Gonzalo García Pelayo, una película de carretera sobre la amistad y el fracaso amoroso, las directoras revisan estos dos temas cuarenta años después, inmersos en la era de las aplicaciones de citas, la juventud eterna y la inseguridad económica. El film cuenta en su banda sonora con la colaboración de artistas como Miguelito García, Álvaro Romero, Leonor Leal y Paco Soto.

Protagonizado por Omar Ayuso (Elite), Chacha Huang (La casa de papel, Perdiendo el Este), Manuel de Blas (Goya en Burdeos, Los fantasmas de Goya, Sordo) y la propia codirectora Julia de Castro (The Pelayos, Por los pelos. Una historia de autoestima), en On the Go Milagros, una desempleada sevillana, huye de su cita de inseminación monoparental en el Corvair ’67 de su padre y decide usar la adicción a Grindr de su amigo Jonathan, que busca en la app consuelo a un abandono, para hacer una selección personalizada de su posible semental. El reencuentro de Jonathan con un amor de infancia y una misteriosa sirena con una corona mágica que solo habla inglés harán que el viaje adquiera matices surrealistas, donde la música, el baile y la sensualidad conducen a los personajes principales a encuentros inesperados.

 

 

Tiempo de Historia

La estafa del amor, de Virginia García del Pino – Estreno mundial

Un volcán habitado, de David Pantaleón y José Víctor Fuentes – Estreno nacional

El sonido también es fundamental en Un volcán habitado, donde los directores canarios David Pantaleón y Jose Víctor Fuentes reviven el impacto de la erupción del volcán de la isla de La Palma en la población a través de los mensajes de audio que un grupo de amigos de la infancia compartían en un chat común en WhatsApp. A partir de esos audios y con unas imágenes de una belleza salvaje, Un volcán habitado construye una crónica única sobre la tragedia, la amistad y la fortaleza colectiva de los pobladores de una tierra, que cada cierto tiempo conviven con el poder hipnótico y devastador de la naturaleza.

David Pantaleón (Rendir los machos) y José Víctor Fuentes (BKLYN 1121, A veces el amor) colaboran por primera vez para retratar la fuerza de la naturaleza pero en especial al pueblo canario, la templanza, la solidaridad y las preocupaciones diarias frente a un valle que es su hogar y está siendo devastado. El film, producido por Chukumi Studio y con la producción asociada de Los de Lito Films, Glow Films Entertainment y La Palma Spirit, y la distribución de Kino Rebelde, ha tenido su presentación mundial en el festival internacional Visions du Réel (Nyon, Suiza).

 

Zinzindurrunkarratz, de Oskar Alegría – Estreno europeo

La sección dedicada al cine de no ficción programará tres largometrajes españoles. Zinzindurrunkarratz, tercer largometraje de Oskar Alegria (Emak Bakia baita, Zumiriki), resume en su título la idea que persigue: el papel del sonido en la construcción de nuestros recuerdos y nuestra memoria. Zinzin es un valle donde el viento sopla ligero y sus letras representan ese sonido en euskera. Durrundurrun es una sima sin final, donde una piedra al caer se pierde en ese largo eco, y Kurruzkarratz, es el pico en el que siempre golpea el rayo, con su estruendo y desgarro lleno de erres.

El punto de partida es el proyecto de un cineasta de recuperar el camino de la trashumancia que hacían los pastores de su pueblo, Artazu, a las montañas, pero no encuentra a ningún testigo vivo que le indique la ruta exacta. Su idea es además filmarlo con la vieja cámara Súper-8 de su familia, pero descubre que, tras 41 años sin usarse, ya no recoge el sonido. Oskar Alegria participa por primera vez en Seminci tras una carrera aún breve pero llena de reconocimientos: logró 17 premios internacionales en 70 festivales internacionales con su primer largo, Emak Bakia baita, y ganó con su segundo trabajo, Zumiriki, el premio Nuevas Olas como mejor película de no ficción del Festival de Sevilla tras estrenarla anteriormente en la sección Orizzonti de la 76 Mostra de Venecia.

 

 

 

 

Víctor Erice recibirá un Premio Donostia de la 71ª edición del Festival de San Sebastián

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La actriz Ana Torrent entregará al director vasco el galardón el viernes 29 de septiembre en el Teatro Victoria Eugenia, donde se proyectará su última película, ‘Cerrar los ojos’
El reconocimiento al cineasta coincide con el 50º aniversario de la Concha de Oro a ‘El espíritu de la colmena’
El cineasta Víctor Erice (Karrantza, Bizkaia. 1940) recibirá un Premio Donostia en la 71ª edición del Festival de San Sebastián. La gala de entrega tendrá lugar el viernes 29 de septiembre en el Teatro Victoria Eugenia, donde se proyectará su última película, Cerrar los ojos / Close Your Eyes, 50 años después de la Concha de Oro a su primer largometraje en solitario, El espíritu de la colmena.
El Festival inauguró hace seis años una línea de Premios Donostia vinculada a cineastas cuya contribución al arte cinematográfico es indiscutible, como Agnès Varda (2017), Hirokazu Kore-eda (2018), Costa-Gavras (2019) y David Cronenberg (2022). El galardón honorífico más importante del Festival de San Sebastián homenajea en 2023 a un cineasta que, con solo cuatro largometrajes, cuenta en su historial con la Concha de Plata a la mejor dirección, la Concha de Oro a la mejor película y el Premio del Jurado y de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes, entre otros muchos reconocimientos.
La trayectoria de Víctor Erice ha tenido siempre eco en el Festival de San Sebastián. Su debut como director, filmando uno de los tres episodios de Los desafíos (1969) junto a José Luis Egea y Claudio Guerín, fue seleccionado en la Sección Oficial y recibió la Concha de Plata a la mejor dirección. Cuatro años después, con su primer largometraje en solitario, El espíritu de la colmena / The Spirit of Beehive (1973), fue reconocido con la Concha de Oro. El sol del membrillo / Dream of Light (1992) fue seleccionada en la sección Made in Spain, tras recibir el Premio del Jurado y de la Crítica Internacional en Cannes, y la película colectiva Ten Minutes Older: The Trumpet formó parte de la sección Zabaltegi en 2002.

Finalmente, el Festival acogerá Cerrar los ojos, tras su paso por los festivales de Cannes y Toronto, un filme sobre la memoria hilada en torno a una película inconclusa y a la misteriosa desaparición de un actor, que se proyectará tras la gala del Premio Donostia. La actriz Ana Torrent, que protagonizó El espíritu de la colmena cuando tenía seis años y ha vuelto a trabajar con Erice en Cerrar los ojos, entregará la estatuilla al realizador. Coincidiendo con el día de la entrega del Premio Donostia, el 29 de septiembre, la película se estrenará en las salas de cine en España.

Cerrar los ojos / Close Your Eyes

Víctor Erice (España)

País(es) de producción: España – Argentina

Intérpretes: Manolo Solo, Jose Coronado, Ana Torrent, Petra Martínez, María León, Mario Pardo, Helena Miquel, Antonio Dechent, José María Pou, Soledad Villamil, Juan Margallo, Venecia Franco

Un célebre actor español, Julio Arenas, desaparece durante el rodaje de una película. Aunque nunca se llega a encontrar su cadáver, la policía concluye que ha sufrido un accidente al borde del mar. Muchos años después, esta suerte de misterio vuelve a la actualidad a raíz de un programa de televisión que pretende evocar la figura del actor, ofreciendo como primicia imágenes de las últimas escenas en que participó, rodadas por el que fue su íntimo amigo, el director Miguel Garay.

 

James Marsh clausurará con «Dance First» la 71ª edición del Festival de San Sebastián

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El realizador de ‘The Theory of Everything’ dirige a Gabriel Byrne y Sandrine Bonnaire en esta película sobre todas las vidas del escritor Samuel Beckett
Dance First, la película del realizador británico James Marsh en torno a Samuel Beckett, clausurará la 71ª edición del Festival de San Sebastián. El filme, que cerrará la Sección Oficial fuera de concurso, está protagonizado por Gabriel Byrne y Sandrine Bonnaire.
Marsh (Truro, Reino Unido. 1963) ha ganado el Oscar al mejor documental por Man on Wire (2009), dirigida junto a Simon Chinn, y ha sido premiado en los Bafta, en Sundance y en San Sebastián. El director de The King (2005), Shadow Dancer (Agente doble, 2012) y The Theory of Everything (La teoría del todo, 2014) presentó en 1999 en la sección Perlak Wisconsin Death Trip, que obtuvo una mención especial del Premio Fipresci.
Gabriel Byrne ha protagonizado películas como The Usual Suspects (Sospechosos habituales, Bryan Singer, 1995), Miller’s Crossing (Muerte entre las flores, Joel Coen, Concha de Plata 1990), Le capital / Capital (El capital, Costa Gavras, Sección Oficial 2012) o Hereditary (Ari Aster, 2018) y ha ganado un Globo de Oro por su papel en la serie In Treatment (En terapia, 2009). En Dance First encarna al escritor irlandés Samuel Beckett, cuya esposa está interpretada por Sandrine Bonnaire, que ha sido premiada con dos César -a la actriz más prometedora por À nos amours (A nuestros amores, Maurice Pialat 1984) y a la mejor actriz por Sans toit ni loi (Agnès Varda, 1986)- y una Copa Volpi del Festival de Venecia en 1995 por La cérémonie (La ceremonia, Claude Chabrol) -galardón compartido con Isabelle Huppert-.
Dance First, que toma el título del lema del autor de En attendant Godot (Esperando a Godot), “Baila primero, piensa después”, se aproxima a todas las vidas del Nobel irlandés: bon vivant parisino, combatiente de la Resistencia en la II Guerra Mundial, figura clave del teatro del absurdo, amigo de James Joyce…

 

Dance First

James Marsh (Reino Unido)
País(es) de producción: Reino Unido – Hungría – Bélgica
Intérpretes: Gabriel Byrne, Aidan Gillen, Sandrine Bonnaire, Maxine Peake, Fionn O’Shea
Clausura fuera de concurso
El genio literario Samuel Beckett vivió una vida con muchas facetas: bon vivant parisino, luchador en la Resistencia durante la II Guerra Mundial, dramaturgo ganador del Premio Nobel, esposo mujeriego, ermitaño. Pero a pesar de toda la adulación que recibió, era un hombre plenamente consciente de sus propias debilidades. Titulada según el famoso ethos de Beckett, «Baila primero, piensa después», la película da amplia cuenta de la vida de este icono del siglo XX.

 

 

Hayao Miyazaki inaugurará la 71ª edición del Festival de San Sebastián con «The Boy and the Heron»

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El filme será proyectado en el Auditorio Kursaal el viernes, 22 de septiembre, tras la gala de inauguración.
La última película de Hayao Miyazaki, Kimitachi wa Do Ikiruka / The Boy and the Heron, inaugurará fuera de concurso la 71ª edición del Festival de San Sebastián. Tras su paso por el Festival de Toronto el 7 de septiembre, San Sebastián acogerá el estreno europeo de la nueva propuesta del director de El viaje de Chihiro. El filme será proyectado en el Auditorio Kursaal el viernes, 22 de septiembre, tras la gala de inauguración.
Hayao Miyazaki (Tokio, 1941) fundó junto a Isao Takahata el Studio Ghibli en 1985. Desde entonces ha dirigido películas como Tenku no Shiro Rapyuta / Castle in the Sky (El castillo en el cielo, 1986), Tonari no Totoro / My Neighbor Totoro (Mi vecino Totoro, 1988), Majo no Takkyūbin / Kiki’s Delivery Service (Nicky, la aprendiz de bruja, 1989), Kurenai no Buta / Porco Rosso (1992) y Mononoke Hime / Princess Mononoke (La princesa Mononoke, 1997). Sen to Chihiro no Kamikakushi / Spirited Away (El viaje de Chihiro, 2001) batió todos los récords de taquilla en Japón y cosechó numerosos reconocimientos, entre ellos el Oso de Oro de Berlín y el Oscar a la mejor película de animación. Hauru no Ugoku Shiro / Howl’s Moving Castle (El castillo ambulante, 2004) fue también nominada al Oscar y recibió el Premio Osella en el Festival de Venecia y Miyazaki obtuvo el León de Oro a la trayectoria al año siguiente. Kaze Tachinu / The Wind Rises (El viento se levanta, 2013) fue nominada al Oscar a la mejor película de animación. En 2012 Miyazaki fue nombrado Persona de Mérito Cultural por el Gobierno de Japón. En 2014 recibió el Oscar honorífico a toda su trayectoria y fue incluido en el Salón de la Fama de los Premios Will Eisner del Cómic.

Es la cuarta vez que una película del cineasta japonés, quien también escribe, dibuja y diseña edificios, es programada en el Festival de San Sebastián, pero es la primera en la que forma parte de la Sección Oficial. Previamente, estuvo en el Velódromo con El viaje de Chihiro y Gake no Ue no Ponyo / Ponyo on the Cliff by the Sea (Ponyo en el acantilado, 2009) y en Perlak con El viento se levanta.
Además de las películas mencionadas, otras dos películas del Studio Ghibli han sido seleccionadas en la sección Perlak: Kaguya-hime no Monogatari / The Tale of The Princess Kaguya (El cuento de la princesa Kaguya, 2013) de Isao Takahata, y La tortue rouge / Red Turtle (La tortuga roja, 2016) de Michael Dudok de Wit.
Kimitachi wa Do Ikiruka / The Boy and the Heron es una historia original escrita por su director. La banda sonora está firmada por el compositor habitual de las películas de Miyazaki, Joe Hisaishi.

 

El Korean Film Festival Barcelona da voz a la mujer y a la comedia

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Dirigida por la realizadora Kim Se-in, The Apartment with Two Women abrirá la sección Indies de Seúl, que está conformada por cinco películas, cuatro de ellas dirigidas por mujeres. Además, este año la sección Panorama está dedicada a recuperar cuatro joyas de la comedia coreana, uno de sus géneros más característicos.
El KFFB, que tendrá lugar del 13 al 17 de septiembre en los Cinemes Girona, anuncia las películas que componen la sección “Indies de Seúl” y “Panorama.
La mujer protagonista de la sección ‘Indies de Seúl’
La tercera edición del KFFB consolida su relación con el Seoul Independent Film Festival (SIFF) proyectando cinco películas que pudieron verse en la pasada edición del Festival coreano. Cuatro de las cinco películas que se presentarán han sido dirigidas por mujeres, lo que viene a corroborar lo que está sucediendo hace ya unos años: el creciente papel de la mujer dentro del panorama coreano del cine independiente.
The Apartment with Two Women, una de las películas más destacadas de la producción independiente de 2022, que además ha pasado por un gran número de festivales internacionales, llega ahora a Barcelona, y será la encargada de dar el pistoletazo de salida a la sección más “indie” del Festival. A este film le acompañarán otros cuatro. La niña coprotagonista del thriller En el silencio (Voice of Silence), que se proyectó el pasado año en el KFFB, se convierte en el eje central de The Hill of Secrets. Una película que ha conseguido 5 nominaciones internacionales. A Letter from Kyoto es un destacado drama familiar dirigido por la realizadora Kim Min-ju, que presenta las historias de tres hermanas con diferentes personalidades y su madre. El director Shin Sun utiliza la estética y los diálogos propios del cine de Hong Sang-soo en No Surprise, el reencuentro entre tres amigos que han estudiado cine y que hace años que no se ven. En Junhee from 5 to 7 la realizadora coreana Jan Kun-jae describe tres horas en la vida de una autora teatral en un homenaje al film de Agnès Varda.

 

La comedia, el género coreano por excelencia, en la sección ‘Panorama’

All About my Wife, la película que abrirá la sección ‘Panorama’, se convirtió un mes después de su estreno en Corea (mayo de 2012) en la cuarta película que superaba los 4 millones de espectadores, convirtiéndose al final de año en la sexta película con mayor recaudación. Una comedia de enredos entre un marido que se ha cansado de las manías de su mujer, y una mujer que está dispuesta a cualquier cosa para salvar su matrimonio. Dos grandes actores coreanos como protagonistas: Lim Soo-jung (A Tale of Two Sisters) y Lee Sun-kyun (Parásitos).
Tres películas más acabarán de conformar la sección “Panorama: Foco Comedia Coreana”. Luck-Key es una divertida comedia que surge del encuentro entre un asesino a sueldo con una tasa de efectividad del 100%, y un aspirante a actor que está viviendo un momento difícil. El azar hará que se intercambien los roles, y empiecen a vivir cada uno la vida del otro. La comedia no ha hecho más que empezar. Kim Hye-soo (Smugglers) y Ma Dong-seok (The Roundup) son los protagonistas de Familyhood, la comedia dirigida por Kim Tae-gon (Proyect Silence). Una actriz de gran éxito que no consigue quedarse embarazada y su asistente, un divertido Ma Dong-seok, se las ingeniarán para conseguirlo. Este año hay una película coreana que está arrasando por todos los festivales donde se ha proyectado: Killing Romance. En la sección ‘Panorama’ se proyectará la opera prima de su director Lee Won-suk: How to Use Guys with Secret Tips. Un manual de diversión asegurada durante dos horas. Recordamos que el Korean Film Festival Barcelona tendrá lugar del 13 al 17 de septiembre en los Cinemes Girona, y que ya pueden adquirirse en la taquilla de los cines los abonos (de 5 y 10 películas) y también de forma online las películas de inauguración y de clausura.

Sitges 2023. 30 años de Seven Chances

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Seven Chances cumple 30 años, la sección que el Festival programa en colaboración con la ACCEC, nos (re)descubre un año más el placer de rescatar del olvido títulos y voces que hacen del cine de género una fuente inagotable de extraña alegrías
Siete sesiones para siete películas únicas; joyas más o menos ocultas, más o menos de culto, firmadas por nombres más o menos idolatrados. Propuestas que décadas después de haber visto la luz por primera vez, nos iluminan con apuntes reveladores no solo acerca la filmografía de sus respectivos autores, sino también sobre la propia evolución del fantástico; sobre las tendencias, filias y fobias que le han dado forma a lo largo del tiempo.
Con perspectiva histórica y con una cuidada marcada por el rigor, la pasión y la avidez de un sentido crítico insobornable, Seven Chances se consolida como uno de los espacios más queridos del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, convirtiendo sus presentaciones y proyecciones en el Cine Prado en un referente ineludible dentro del ecosistema del certamen.
En esta nueva edición, podremos ver ‘The McPherson Tape’, de Dean Alioto (quien va a estar presente en el Festival), película OVNI, pieza extraviada y posteriormente recuperada cuyo aprovechamiento del formato vídeo para filmar el encuentro de una familia con unos extraterrestres, marca un tempranero y casi-olvidado (pero igualmente reivindicable) capítulo dentro de los terrores invocados por el found footage, detectado éste más de una década antes de su eclosión definitiva gracias al fenómeno de ‘El proyecto de la bruja de Blair’, de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez.

The McPherson Tape

Celebrando su reciente restauración, la siempre fértil cosecha británica contará con ‘The Appointment’, único largometraje de Lindsey C. Vickers, una perturbadora TV movie sobre el poder (auto-)sugestivo de las imágenes, a través de la construcción de profecías funestas que intoxican la mente y el -angustiado- día a día de una familia de clase media, en lo que promete ser una de las sensaciones del Festival.
Aunque para territorios prolíficos, siempre se puede contar con la producción de Europa del Este. Desde Polonia llegará ‘O-Bi O-Ba. The End of Civilization’, de Piotr Szulkin, rey de la ciencia-ficción cuya figura presumiblemente resurgirá a raíz de la restauración inminente de su filmografía. Antes, podremos disfrutar con las invocaciones del caos y las situaciones extremas de una cinta que más que ácida, es altamente corrosiva, en su desesperante y absurdo retrato de un mundo que, como el nuestro, se ha encerrado en los asfixiantes bunkers de la posverdad.

O-Bi O-Ba. The End of Civilization

Desde Hungría llegará ‘Twilight’, de György Féher, alumno aventajado de Béla Tarr. La que promete ser una de las propuestas evento de la sección, se traduce en un slow thriller con una atmósfera cargadísima, de una belleza visual aterradora, con un blanco y negro fantasmal, casi granítico; un ejercicio de suspense que gira alrededor de un crimen irresoluble, y que tiñe de culpa a una comunidad entera.
Yendo a la otra punta del mundo, aterrizaremos en México para reencontrarnos con las aventuras de El Santo, la leyenda imbatible de la lucha libre. ‘Los leprosos y el sexo’, de René Cardona, es un western delirante. Una película que en esta “versión sexy” con respecto a la original (trufada ahora de insertos softcore), nos recuerda que una obra fílmica es también la negación de una edición definitiva, o sea, que puede ser un contenedor en el que volcar, de manera interminable, los calentones que más se presten en el momento de volverse a encerrar, por enésima vez, en la sala de montaje.
Los leprosos y el sexo
De vuelta al viejo continente, presenciaremos el emocionante relevo generacional entre Mario y Lamberto Bava (este último, Premio Honorífico este año en Sitges). ‘La Venere d’Ille’, episodio de la serie de la RAI «I giochi del Diavolo», antología de adaptaciones de cuentos fantásticos del siglo XVIII. Aquí tenemos el resultado del milagro arqueológico de encontrar una copia extremadamente difícil de encontrar; un cuento que toma cuerpo en la amenaza inconcreta (pero igualmente mortífera) de una estatua maldita, pero sobre todo nos recuerda el incomparable placer de descubrir nuevos sabores y matices de una(s) filomgrafía(s) de la(s) que creíamos saberlo todo.
Por último, y ya en casa, nos esperará un encuentro con ‘La última Señora Anderson’, de Eugenio Martín, a quien ya se le concediera en el pasado el Premio Nosferatu. En este giallo a la española brilla con luz propia la presencia de Carroll Baker, y de José Luis López Vázquez, este último como inspector de Scotland Yard; creación imposible, excusa ideal para reivindicar las carreteras secundarias que transitan por Seven Chances.

La última Señora Anderson

Selección Seven Chances 2023
The Appointment (Lindsey C. Vickers, 1981), presentada por Andreu Marves.
Los leprosos y el sexo (René Cardona, 1970), presentada por Ignasi Franch.
The McPherson Tape (Dean Alioto, 1989), presentada por Javi Parra.
O-Bi O-Ba. The End of Civilization (Koniec Cywillizacj) (Piotr Szulkin, 1985), presentada por Aarón Cabañas.
Twilight (Szürkület) (György Féher, 1990), presentada por Violeta Kovacsics.
La última Señora Anderson (Eugenio Martín, 1971), presentada por Marla Jacarilla.
La venere d’ille (Mario Bava, Lamberto Bava, 1981), presentada por Antonio José Navarro.

Klasikoak acogerá el estreno mundial de ‘El realismo socialista’, una película inédita de Raúl Ruiz y Valeria Sarmiento

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El Festival de San Sebastián acogerá en su sección Klasikoak el estreno mundial de El realismo socialista / Socialist Realism (1973-2023), una película inconclusa del realizador chileno Raúl Ruiz que ha sido rescatada y reconstruida por la cineasta Valeria Sarmiento, su viuda y colaboradora habitual. El mundo obrero y el lumpen se encadenan con el de la pequeña burguesía intelectual en este filme inédito concebido como una lectura satírica del proceso de la Unidad Popular del presidente Salvador Allende, previo al golpe cívico militar que tuvo lugar en Chile hace ahora 50 años.
El realismo socialista es una producción de POETASTROS, productora de cine que lideran la actriz y cineasta Chamila Rodríguez y el montajista y director Galut Alarcón, que también estuvieron detrás de la recuperación y finalización de otras dos obras póstumas del célebre director chileno: La telenovela errante (2017), estrenada en el 70º Festival de Locarno, y El tango del viudo y su espejo deformante (2020), presentada en la sección Forum de la 70ª Berlinale.
Raúl Ruiz (Puerto Montt, Chile. 1941-París, Francia. 2011), uno de los nombres históricos del cine chileno, recibió incontables reconocimientos durante su carrera. Por ejemplo, Tres tristes tigres (1969) le valió el Leopardo de oro en el Festival de Locarno, mientras que con Genealogies d’un crime (Genealogía de un crimen, 1997) obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Berlín. Entre otros trabajos de Ruiz destacan dos presentados en la Sección Oficial de San Sebastián: Fado, majeur et mineur / Fado, Major and Minor (1994) y Mistérios de Lisboa / Mysteries of Lisbon (Misterios de Lisboa, 2010), por la que logró la Concha de Plata a la mejor dirección.

Valeria Sarmiento (Valparaíso, Chile. 1948), que colaboró estrechamente con Raúl Ruiz como montadora de muchas de sus películas, ha firmado una treintena de títulos entre documentales y largometrajes de ficción. Con su ópera prima, Notre mariage (Mi boda contigo, 1984), ganó el Gran Premio Donostia para Nuevos Realizadores en el Festival de San Sebastián, a donde después regresó con As Linhas de Torres / Lines of Wellington (Las líneas de Wellington, Zabaltegi-Especiales, 2012) y con Le cahier noir / The Black Book (El cuaderno negro, Sección Oficial, 2018).

El Realismo Socialista / Socialist Realism

Raúl Ruiz (Chile), Valeria Sarmiento (Chile)

País(es) de producción: Chile

Una lectura satírica del proceso de la Unidad Popular del presidente Salvador Allende, previa al golpe cívico militar de 1973 en Chile. La película es un relato coral, donde se van encadenando distintos mundos. Por un lado, el de los obreros y el lumpen, con el personaje Lucho a la cabeza, y por otro, el de un grupo de intelectuales partidarios de la Unidad Popular que se agrupan en un frente poético más representantes de la pequeña burguesía. En determinado momento, estos personajes se cruzan en una aparente amistad que termina en escenas de mucha violencia, que producen una lectura satírica de la época.

 

La Mostra de València recupera la figura de Helena Cortesina

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El festival edita un libro escrito por Irene de Lucas, que también será la comisaria de una exposición sobre la pionera valenciana
En 1923 llegaba a las pantallas comerciales ‘Flor de España’, el primer largometraje producido y dirigido por una mujer en la historia del cine español: la valenciana Helena Cortesina. Por desgracia, y como sucede con muchas otras películas del periodo mudo, no se conserva ninguna copia de la película, y apenas unos cuantos fotogramas atestiguan la existencia de esta producción independiente pero con vocación comercial, ya que combinaba dos de los grandes géneros en auge de la época: la adaptación de una novela taurina y la zarzuela.
Cien años después de aquella señalada fecha, Mostra de València, que celebra su 38ª edición del 19 al 29 de octubre, publica en coedición con IVC La Filmoteca el primer estudio monográfico sobre la figura de Helena Cortesina, reivindicando su papel de pionera. Su autora es Irene de Lucas, licenciada en Comunicación Audiovisual y doctora por la Universidad de Valencia, así como investigadora cinematográfica con experiencia en el terreno del cine primitivo y autora de la tesis ‘La pionera oculta: Alice Guy en el origen del cine’ (2011).
“Cortesina es una persona especialmente moderna para la época. Por ejemplo, nunca se casó a pesar de tener hijos, además de ser una artista completa: bailarina primero, luego actriz de cine, directora y productora», asegura Irene de Lucas, la autora del libro.  «Por si fuera poco, crea dos empresas teatrales. Lo que más me sorprende es esta audacia y su capacidad de reinventarse en un contexto muy complicado. Durante la Guerra Civil fallece una de sus hijas, se marcha al exilio embarazada y consigue, a pesar de todo, que su carrera no deje de crecer”.
El libro es fruto de una rigurosa investigación con escalas en Madrid, Barcelona, Granada, Nagasaki o Buenos Aires, que desmonta leyendas previas, revela nuevos datos sobre la cineasta y repasa su periplo biográfico, desde sus inicios como bailarina, pintada por Sorolla y conocida como «La Venus Valenciana», hasta su trabajo en el teatro y el cine, así como su exilio en Argentina tras la guerra civil y su relación de amistad con Federico García Lorca y otros autores de la Generación del 27.
‘Flor de España’ fue la única experiencia como directora de Cortesina, que como otras actrices de la época, montó su propia productora para relanzar su figura: “Las actrices productoras no dirigían, pero ella se atreve a hacerlo y además protagoniza el film. En nuestra investigación hemos descubierto que la película estuvo en cartel a lo largo de seis años y que logró su objetivo: Cortesina entró en el circuito teatral como actriz gracias al reconocimiento que le dio esta cinta”, afirma De Lucas.
El ensayo se complementará con una exposición en torno a Helena Cortesina que acogerá la Galería del Tossal en el mes de octubre, también comisariada por Irene de Lucas. Según Eduardo Guillot, director artístico de Mostra de València, «es imposible entender el cine del presente sin conocer su pasado, y es misión de los festivales establecer ese nexo entre uno y otro. En ese contexto se enmarca la recuperación de una mujer como Helena Cortesina, que a partir de este libro debe pasar a ser considerada un referente en la historia del cine español».

Sitges2023: Primeros avances para las secciones Brigadoon y Catalunya Imaginària

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Este año, de forma excepcional, Brigadoon, la sección gratuita del Festival cambia su emplazamiento y ofrecerá sus proyecciones en la Sala Jofre Vila, en la planta 1 del Cine Prado.
En el apartado de largometrajes de ficción, la primera confirmación es ‘The Barn Part II‘, de Justin M. Seaman: Este año, las chicas de la casa de la hermandad de mujeres Gamma Tau Psi llevarán fuera del campus su infame atracción embrujada para recaudar fondos. Desafortunadamente para ellas, algún practicante del «truco o trato» no invitado llama a la puerta y quiere recolectar algo más que dulces…
También se podrá ver ‘Thorns‘, de Douglas Schulze: Un exsacerdote que trabaja para la NASA es enviado a investigar un observatorio remoto que quedó en silencio después de recibir una misteriosa señal de radio del espacio profundo. Al llegar, descubre que la señal abrió un portal que desató un monstruo de espinas. El ex sacerdote ahora debe invocar su fe perdida para evitar que la señal propague el infierno en la Tierra.

‘Thorns’

El apartado de documentales estará marcado por un fuerte sabor italo-argentino. Tendremos ‘Otra película maldita‘, de Alberto Fasce y Mario Varela se trata de una invitación a desandar el camino de la historia del cine de terror en Argentina, una historia llena de películas olvidadas, pérdidas o truncadas. Se podría decir que la historia del cine de terror argentino está hecha de películas malditas.
Anunciar también ‘Il museo degli orrori di Dario Argento‘, de Luigi Cozzi: En Roma, Italia, desde 1989, los cineastas Dario Argento y Luigi Cozzi administran una tienda que vende recuerdos de terror, fantasía y ciencia ficción, inspirados en películas, además de un museo único que muestra a los visitantes los accesorios originales utilizados durante la realización de sus propias películas más famosas. Muchos miles de fans de todo el mundo ya la han visitado…

‘Il museo degli orrori di Dario Argento’

Otro de los títulos será ‘Un millón de zombies: La historia de Plaga Zombie‘, de Nicanor Loretti y Camilo de Cabo: En 1997, un grupo de amigos de 17 años llevó adelante de manera totalmente artesanal el primer film de muertos vivos de Argentina. Todo un hito que derivaría en una saga de culto. Un Millón de Zombies cuenta la historia de estas películas y de los cineastas que crecieron a la par de ellas.
Por último también anunciar la sesión especial de ‘Hall of Frame. María Luisa Pino‘, de Guillermo López Aliaga y Fran Mateu, con la presencia de María Luisa Pino, una obra que explora la extensa trayectoria de María Luisa Pino, bajo su propio testimonio, como experta en el campo del montaje cinematográfico y de los efectos especiales, trabajando en películas de género fantástico que forman parte de la memoria de la cinematografía universal.
Como se había anunciado anteriormente el Premi Nosferatu de este año irá a la gran Barbara Bouchet.

 

Catalunya Imaginària

Dos títulos confirmados para el espacio destinado a repasar el legado fantástico catalán.

Primero, ‘Más allá de la muerte‘ (1986), colofón de la trilogía parapsicológica de Sebastià D’Arbó, cuya proyección vendrá acompañada por la presentación del libro homónimo, escrito junto a Diego Peñalver: El Dr. Johan Moser, joven psiquiatra austríaco, va en busca del Profesor Hamermann, quien se encuentra discretamente en los Pirineos ofreciendo esporádicamente conferencias sobre sus pretéritas investigaciones paracientíficas. Moser requiere de la experiencia de Hamermann y de sus descubrimientos acerca de las investigaciones efectuadas a la búsqueda de la posible existencia de otra vida después de la muerte, ya que su difunta esposa se le ha aparecido poco tiempo después de fallecer. ¿Se trata de un fenómeno paranormal o una manifestación sobrenatural?

‘Más allá de la muerte’

También estará presente ‘Fata Morgana‘ (1966), primera película que Vicente Aranda realizó en solitario y que le situó en los últimos momentos del Nuevo Cine español. La película ha sido identificada después como la precursora de la Escuela de Barcelona. Protagonizada con la musa de este movimiento, Teresa Gimpera, ya contiene buena parte de los temas que obsesionan a dicho cineasta: la violencia y el sexo.

 

Paula Hernández inaugurará Horizontes Latinos con «El viento que arrasa» y Carolina Markowicz clausurará con «Pedágio / Toll»

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Lila Avilés, Martín Benchimol, Tatiana Huezo, Guto Parente y David Zonana también competirán por el Premio Horizontes. Los debuts de Camila Fabbri, Dolores Fonzi, Felipe Gálvez, Lucía Puenzo y María Zanetti completan la sección.
Doce historias que transcurren en Argentina, Chile, México y Brasil integran la sección Horizontes Latinos, la selección de largometrajes del año, inéditos en España, de entre todos los producidos total o parcialmente en América Latina, dirigidos por cineastas de origen latino, o que tengan por marco o tema comunidades latinas del resto del mundo. En la selección de títulos que en la 71ª edición del Festival de San Sebastián competirán por el Premio Horizontes figuran dos películas premiadas en la última entrega de WIP Latam –El castillo / The Castle y Estranho caminho / A Strange Path (Extraño camino)– y en el Foro de Coproducción Europa-América Latina –Alemania–.
Tras presentar en Horizontes Latinos uno de sus anteriores filmes, Los sonámbulos / The Sleepwalkers (2019), Paula Hernández (Buenos Aires, Argentina. 1969) vuelve a la sección que inaugurará con El viento que arrasa / A Ravaging Wind, adaptación cinematográfica de la novela homónima de Selva Almada. Alfredo Castro, Sergi López, Almudena González y Joaquín Acebo protagonizan esta historia sobre un predicador y su hija que sufren una avería de coche en mitad de una nueva misión evangelizadora.
Un año después de participar en la sección con Carvão / Charcoal (Carbón, 2022), Carolina Markowicz (São Paulo, Brasil. 1982) retorna con su segundo largometraje, Pedágio / Toll, que clausurará Horizontes Latinos. La protagonista, trabajadora en un peaje de carretera, vive apesadumbrada porque su hijo es gay y haría cualquier cosa por cambiar su condición.
La debutante María Zanetti (Buenos Aires, Argentina. 1980) presentará Alemania, que en 2021 ganó el ArteKino International Award en el Foro de Coproducción Europa-América Latina. En esta ópera prima, la directora se centra en el personaje de una adolescente cuya familia vive atravesada por el trastorno mental que padece su hermana.
La actriz Dolores Fonzi (Buenos Aires, Argentina. 1978) –El aura / The Aura, Truman, La cordillera / The Summit o Distancia de rescate / Fever Dream– debuta como directora con Blondi, una historia sobre la especial relación que mantiene una madre con su hijo protagonizada por la propia Fonzi junto a Carla Peterson, Rita Cortese, Toto Rovito y Leonardo Sbaraglia. Estrenada en la Competencia Oficial del Festival BAFICI, obtuvo el Premio a la Mejor Actuación a todo el elenco y el Premio a la Mejor Directora Argentina entre todas las Competencias Oficiales (Premio Género DAC).

También debuta tras la cámara la escritora y actriz Camila Fabbri (Buenos Aires, Argentina. 1989), que en el largometraje Clara se pierde en el bosque / Clara Gets Lost in the Woods muestra a una mujer enfrentada a un suceso traumático de su pasado. Fabbri ha escrito y dirigido obras de teatro y ha publicado su obra literaria en numerosos idiomas. Además, fue nominada a los Premios Cóndor de Plata como actriz revelación por su papel en Dos disparos / Two Shots Fired (Martín Rejtman, Horizontes Latinos, 2019).
Con experiencia en el campo del cine documental, Martín Benchimol (Buenos Aires, Argentina. 1985) presentará su primer largometraje dirigido en solitario, El castillo / The Castle, que el año pasado obtuvo el Premio de la Industria WIP Latam y el Premio Egeda Platino Industria al mejor WIP Latam. Estrenado en la sección Panorama del Festival de Berlín, la película cuenta la historia de Justina, una empleada doméstica que hereda una enorme mansión.
También regresa a Horizontes Latinos Tatiana Huezo (San Salvador, El Salvador. 1972), que fue incluida en la retrospectiva 4+1: Cine mexicano contemporáneo con El lugar más pequeño / The Tiniest Place (2011) y después ganó el Premio Horizontes con Noche de fuego / Prayers for the Stolen (2021). El eco / The Echo, que documenta la vida de un remoto pueblo del norte de México, fue galardonada en la Berlinale con el premio al mejor documental del festival y con el premio a la mejor dirección en la sección Encounters.
Con sus trabajos anteriores, Guto Parente (Fortaleza, Brasil. 1983) ha participado en citas como BAFICI o Rotterdam, y ahora visitará San Sebastián con su décimo largometraje, que conquistó el Primer Premio Projeto Paradiso en la sección WIP Latam. Estranho caminho / A Strange Path (Extraño camino), sobre un cineasta que vuelve a conectar con su padre al quedarse confinado por la pandemia, fue premiado en la competición internacional del Festival de Tribeca con cuatro galardones: mejor película, interpretación, guion y fotografía. 
David Zonana (Ciudad de México, 1989), que concursó en la Sección Oficial del Festival con su debut, Mano de obra / Workforce (2019), mostrará en Horizontes Latinos su segundo trabajo, Heroico / Heroic, que pasó por Sundance y por la sección Panorama de la Berlinale. Zonana regresará a San Sebastián con este alegato antibelicista protagonizado por un joven que ingresa en un colegio militar en busca de un futuro mejor.
Felipe Gálvez (Santiago de Chile, 1983) mostrará una película con aires de western que participó en la sección Un Certain Regard del pasado Festival de Cannes. Bajo el título Los colonos / The Settlers y ambientada a principios del siglo XX, esta ópera prima pone el foco en el genocidio de los pueblos nativos de la Patagonia chilena.
La directora Lucía Puenzo (Buenos Aires, Argentina. 1976), que ha concursado en festivales como Cannes, Berlín y Tribeca, ya participó en Horizontes Latinos con El médico alemán-Wakolda (2013). Su quinto largometraje, Los impactados, sigue los pasos de una mujer, interpretada por Mariana Di Girolamo, que experimenta cambios físicos y psíquicos tras ser alcanzada por el rayo de una tormenta.
Con su debut, La camarista / The Chambermaid (2018), Lila Avilés (Ciudad de México, 1982) pasó por New Directors y fue elegida para representar a su país en los Oscars y los Goya. Dos años después de ser miembro del jurado del Premio Horizontes, la cineasta mostrará en esta sección su segundo trabajo, Tótem / Totem, que compitió en la pasada Berlinale y cuya protagonista es una niña de siete años que ve cómo se tambalean los cimientos de su familia.

Todas las películas de la sección Horizontes Latinos optan al Premio Horizontes, dotado con 35.000 euros destinados al director o directora y a la distribuidora en España. El Jurado del Premio Horizontes es el encargado de valorar y premiar estos títulos. Las películas de la sección Horizontes Latinos que sean la primera o segunda de su directora o director (en este caso, Alemania, Blondi, Clara se pierde en el bosque, Heroico, Los colonos, Pedágio y Tótem) optan también al Premio TCM de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.

El viento que arrasa / A Ravaging Wind

Paula Hernández (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – Uruguay

Intérpretes: Alfredo Castro, Sergi López, Almudena González, Joaquín Acebo

Inauguración

Presa de la fe ciega de su padre, el Reverendo Pearson, Leni lo acompaña en su misión evangélica. Un accidente banal los obliga a detenerse en el taller del Gringo. Cuando el Reverendo se obsesiona con salvar el alma de Tapioca, el hijo del mecánico, Leni entiende que es momento de asumir su destino.

 

Pedágio / Toll

Carolina Markowicz (Brasil)

País(es) de producción: Brasil – Portugal

Intérpretes: Maeve Jinkings, Thomás Aquino, Kauan Alvarenga, Aline Marta, Isac Graça

Clausura

Suellen, empleada en una cabina de peaje, se percata de que puede utilizar su trabajo para conseguir dinero extra de forma ilegal. Pero lo hace sólo por una causa noble: enviar a su hijo a un costoso taller de conversión gay dirigido por un reputado sacerdote extranjero.

 

Alemania

María Zanetti (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – España

Intérpretes: Maite Aguilar, Miranda De La Serna, María Ucedo, Walter Jakob

Foro de Coproducción Europa-América Latina 2021

Lola, una adolescente de 16 años, está preparando las asignaturas que tiene que recuperar cuando aparece la posibilidad de ir a estudiar un semestre en Alemania. Lola quiere viajar, pero su familia, absorbida por el trastorno mental de su hermana mayor, no quiere que haga el viaje. La inestabilidad y el desgaste en el vínculo con su familia hacen que Lola persista con su idea y salga a buscar nuevas experiencias que le devuelven otra mirada sobre sí misma y las circunstancias que la rodean.

 

Blondi

Dolores Fonzi (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – España – EEUU

Intérpretes: Dolores Fonzi, Carla Peterson, Rita Cortese, Toto Rovito, Leonardo Sbaraglia

Blondi y Mirko son mejores amigos. Les encanta vivir juntos, escuchan la misma música, miran las mismas películas, les gusta fumar marihuana, ir a recitales, tienen los mismos amigos, todo es perfecto entre ellos… pero, aunque parecen casi de la misma edad, Blondi es la madre de Mirko.

 

Clara se pierde en el bosque / Clara Gets Lost in the Woods

Camila Fabbri (Argentina)

País(es) de producción: Argentina

Intérpretes: Camila Peralta, Agustín Gagliardi, Julián Larquier Tellarini, Florencia Gómez García, Maitina De Marco, Pedro García Narbaitz, Martina Chamorro

Clara se aleja de la ciudad en un viaje familiar hacia las afueras. Recibe un mensaje de Martina, su amiga de la infancia, con quien estuvo en República Cromañón la noche de la tragedia, que pone en primer plano la idea de la maternidad. A partir de este disparo de presente y realidad, mediante audios de Whatsapp, vídeos caseros y almuerzos familiares, se desata una revisión exhaustiva sobre su propia adolescencia y la de sus amigos en una ciudad devastada por la crisis y por una tragedia.

 

El castillo / The Castle

Martín Benchimol (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – Francia – España

Intérpretes: Justina Olivo, Alexia Caminos Olivo

WIP Latam 2022

Luego de trabajar como empleada doméstica toda su vida, Justina hereda de su antigua empleadora una enorme mansión en medio de las pampas argentinas. La única condición es que jamás la venda. En este moderno cuento de hadas, Justina y su hija Alexia enfrentarán los desafíos de mantener viva esa promesa.

 

El eco / The Echo

Tatiana Huezo (El Salvador)

País(es) de producción: México – Alemania

El Eco es un pueblo remoto en el norte de México donde la vida se compone de las cosas más sencillas. Ser niño aquí es una experiencia única desde el primer día: involucrando a la naturaleza, los animales y las personas. Pero también el amor, la intimidad y los ciclos de la vida. Y la educación, al menos para la generación más joven.

 

Estranho caminho / A Strange Path (Extraño camino)

Guto Parente (Brasil)

País(es) de producción: Brasil

Intérpretes: Lucas Limeira, Carlos Francisco, Rita Cabaço, Tarzia Firmino

WIP Latam 2022

David está de vuelta a su ciudad natal en Brasil para presentar una película en un festival de cine. Al llegar, la pandemia de la covid-19 comienza a propagarse rápidamente por el país. Se decreta un confinamiento, el festival se suspende y el vuelo de regreso de David  se cancela. Solo, David necesita un lugar donde quedarse y no ve otra opción que acercarse a su padre, Geraldo, un hombre excéntrico con quien no ha hablado en más de diez años. Cuando David llega al apartamento de Geraldo, cosas extrañas comienzan a suceder.

 

Heroico / Heroic

David Zonana (México)

País(es) de producción: México

Intérpretes: Santiago Sandoval, Fernando Cuautle, Mónica del Carmen, Esteban Caicedo

Luis, adolescente de origen nativo americano, se inscribe en un colegio militar en busca de un futuro mejor. Tanto él como sus nuevos compañeros se ven sometidos a un sistema jerárquico brutal, diseñado para convertirlos en soldados perfectos.

 

Los colonos / The Settlers

Felipe Gálvez (Chile)

País(es) de producción: Chile – Argentina – Reino Unido – Taiwan – Francia – Dinamarca – Suecia

Intérpretes: Mark Stanley, Camilo Arancibia, Benjamín Westfall, Alfredo Castro, Mishell Guaña, Agustín Rittano, Mariano Llinás, Sam Spruell, Adriana Stuven, Luis Machín, Marcelo Alonso

Chile, principios del siglo XX. Un rico terrateniente contrata a tres jinetes para delimitar el perímetro de su extensa propiedad y abrir una ruta hacia el Océano Atlántico a través de la vasta Patagonia. La expedición, compuesta por un joven mestizo chileno, un mercenario americano, y dirigida por un temerario teniente británico, pronto se convierte en una incursión «civilizadora».

 

Los impactados

Lucía Puenzo (Argentina)

País(es) de producción: Argentina

Intérpretes: Mariana Di Girolamo, Germán Palacios, Guillermo Pfening, Osmar Nuñez, Moro Anghileri

El impacto de un rayo que sufre Ada durante una tormenta en el campo la reconfigura física y psíquicamente. Además de las secuelas visibles la inquietan una serie de extraños síntomas que no puede controlar: alucinaciones visuales y auditivas, descargas eléctricas y confusiones temporales que terminan alejándola de lo que fue su vida antes. Encuentra sostén en un grupo de impactados y el médico en quien confían ciegamente. Para Ada, el camino hacia la electrofilia será un viaje sin retorno.

 

Tótem / Totem

Lila Avilés (México)

País(es) de producción: México

Intérpretes: Naíma Sentíes, Montserrat Marañon, Marisol Gasé, Teresita Sánchez, Mateo García Elizondo

Sol, una niña de siete años, se encuentra en casa de su abuelo ayudando con los preparativos de una fiesta sorpresa para su padre. A medida que avanza el día, un ambiente extraño y caótico se apodera lentamente de la situación, fracturando los cimientos que mantienen unida a la familia. Sol llegará a comprender que su mundo está a punto de experimentar un gran cambio, uno que abrirá el camino al misterio de celebrar la vida.

 

«La contadora de películas», de la cineasta danesa Lone Scherfig, inaugurará la 68 edición de la Seminci

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Protagonizada por Bérénice Bejo, Antonio de la Torre, Sara Becker y Daniel Brühl, el film adapta la novela homónima de Hernán Rivera Letelier con guion de Walter Salles, Rafa Russo e Isabel Coixet
La contadora de películas, adaptación de la novela homónima del Premio Nacional de Literatura chileno Hernán Rivera Letelier que dirige la cineasta danesa Lone Scherfig (An Education, Italiano para principiantes), abrirá la 68 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid el próximo 21 de octubre.
El film, coproducción hispano-chilena-francesa que se programará fuera de concurso, cuenta con un reparto internacional encabezado por Bérénice Bejo (nominada al Oscar por The Artist), Antonio de la Torre (La trinchera infinita, El reino, Tarde para la ira) y Daniel Brühl (Goodbye Lenin!, Malditos bastardos, Rush, Capitán América: Civil War). Las jóvenes actrices chilenas Sara Becker y Alondra Valenzuela completan el elenco principal de La contadora de películas, film que mezcla humor y drama y es, sobre todo, una declaración de amor al cine.
El film narra la cautivadora historia de María Margarita, una joven que vive en un pueblo minero en el corazón del desierto de Atacama (Chile) en la década de 1960 y que desde bien pequeña tiene un don muy especial para contar películas. Su talento y pasión pronto se extienden más allá de su círculo familiar para llegar a toda la comunidad. La historia se desarrolla de la mano de hechos culturales y políticos relevantes, como la llegada y éxito de la exhibición cinematográfica, seguida de su declive con la aparición de la televisión. Además, refleja los cambios políticos acontecidos en las épocas de Frei, Allende y la llegada de Pinochet y revive la decadencia de los históricos pueblos mineros del salitre en el norte de Chile.
Lone Scherfig consiguió reconocimiento internacional en el año 2000 con Italiano para principiantes, film estrenado en la 46 edición de SEMINCI y que conquistó la Espiga de Oro, el premio al Mejor Actor (Peter Gantzler) y el premio de la Juventud, tras haber conquistado el Oso de Plata de la Berlinale. Scherfig regresó a la Seminci dos años después con su siguiente película, Wilbur se quiere suicidar (2002), que obtuvo nuevamente el premio al Mejor Actor, en esa ocasión para Jaime Sives.
En 2009 dirigió An Education, basada en el guion de Nick Hornby y protagonizada por Cary Mulligan. La película tuvo nueve nominaciones a los BAFTA y tres al Oscar, incluida Mejor Película. Desde entonces, Scherfig ha dirigido el drama romántico One Day (2011) con Anne Hathaway y Jim Sturgess, The Riot Club (2014) y Su mejor historia (2017), entre otros.
El cineasta brasileño Walter Salles (Estación Central de Brasil) es el impulsor del proyecto en el que viene trabajando desde hace más de una década, una historia que emparenta con su oscarizada Diarios de motocicleta al estar ambientada en las mismas minas del desierto de Atacama donde Ernesto Guevara se convirtió en “el Che”. Salles firma el guion junto a los españoles Rafa Russo (El año de la furia) e Isabel Coixet (La librería, La vida secreta de las palabras, Mi vida sin mí, Nieva en Benidorm), galardonada con la Espiga de Honor en la 65 edición de Seminci.
La película está producida por A Contracorriente Films, Selenium Films, Altiro Films y Contadora Films AIE.  Cuenta con la colaboración del ICAA, ICEC, Crea-SGR y la participación de RTVE, TVC, Euskaltel-Telecable. A Contracorriente Films distribuirá la película y las ventas internacionales corren a cargo de Embankment Films y Latido Films.

Once primeras y segundas películas competirán por el Premio Kutxabank-New Directors del Zinemaldia 2023

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Once producciones de diecinueve países se disputarán el Premio Kutxabank-New Directors del Festival de San Sebastián, que celebrará su 71ª edición del 22 al 30 de septiembre. Del total de trabajos elegidos, siete son óperas primas y el resto son segundas películas de sus autoras o autores, según han desvelado hoy en rueda de prensa el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, y la directora de la Red Gipuzkoa de Kutxabank, Marta Madinabeitia.
Entre quienes concursarán con su segundo largometraje figura el actor, director y guionista Liang Ming (Yichun, China. 1984), cuyo estreno en el largometraje, Wisdom Tooth (2020), obtuvo reconocimiento en diferentes festivales internacionales. El realizador inaugurará New Directors con Xiao yao you / Carefree Days, la adaptación de la novela homónima de Ban Yu que sigue a una joven enferma que trata de buscar su lugar en el mundo.
Tras dirigir varios cortos y el largometraje Roll (2020), Daichi Murase (Shigaraki, Japón. 1997) mostrará su segundo filme, Kiri no Fuchi / Beyond the Fog, que clausurará New Directors. Su autor ofrece el retrato íntimo de una familia que durante generaciones ha regentado una posada en un remoto pueblo de montaña.
Con su debut, À l’ouest de Pluton / West of Pluto (2008), Henry Bernadet (Quebec, Canadá. 1977) participó en distintos festivales internacionales como Rotterdam y Zurich. Ahora, en Les Rayons Gamma / Gamma Rays brinda al público un retrato generacional de un grupo de jóvenes que viven en Montreal.

Además, New Directors también incluirá una segunda película de producción española ya anunciada, La estrella azul / The Blue Star, de Javier Macipe (Zaragoza, 1987). Se trata de una aproximación en clave de ficción a la historia del músico zaragozano Mauricio Aznar, fundador de bandas como Golden Zippers, Más Birras o Almagato. Su debut, Los inconvenientes de no ser Dios (2014), le valió a Macipe el premio a la mejor primera película del Festival de Cine de Zaragoza. También ha dirigido cortometrajes de ficción como Gastos incluidos (2019) u Os meninos do rio (2014), que resultaron finalistas en los Goya.
El resto de cineastas incluidos en la selección concursarán con sus óperas primas. Así, el cineasta Farhad Delaram (Teherán, Irán. 1988) participará en New Directors con su primera incursión en el largometraje, Ashil / Achilles, que trata sobre un joven cineasta que trabaja en un hospital y cuya vida cambia tras conocer a una misteriosa joven.
El primer trabajo de Askhat Kuchinhirekov (Almaty, Kazajistán. 1982) se titula Bauryna salu, que es el nombre que recibe una antigua tradición nómada que consiste en entregar al primogénito a los abuelos para que lo cuiden ellos en lugar de sus padres. Antes de ponerse tras la cámara, Kuchinhirekov ha trabajado como actor y ayudante de dirección en títulos como Tulpan (2008) y Aika (2019), de Sergei Dvortsevoy, que ganaron respectivamente los premios Un Certain Regard y Mejor actriz en Cannes.
Taylor Russell, Ewan McGregor y Ellen Burstyn protagonizan Mother, Couch!, la ópera prima de Niclas Larsson (Malmö, Suecia. 1990), que comienza cuando tres hermanos distanciados se reúnen para averiguar por qué su madre se niega a leventarse del sofá de una tienda de muebles.

La hasta ahora guionista y montadora Ilia Malakhova (San Petersburgo, Rusia. 1973) se estrena con el largometraje Hi, mom, centrado en la figura de Kira, una mujer de 36 años que no ha superado la desaparición de su madre y que vive en la misma casa que su hermana pequeña y sus hijas.
Juan Sebastián Quebrada (Medellín, Colombia. 1987), que estrenó su trabajo de grado Días extraños (2015) en Bacifi y su corto La casa del árbol (2017) en el Festival de Toronto, muestra ahora su debut en el largometraje, El otro hijo / The Other Son, que en su fase de proyecto participó en el Foro de Coproducción Europa-América Latina en 2020. El cineasta colombiano sigue los pasos de un adolescente que, tras la inesperada muerte de su hermano, trata de encontrar la fuerza necesaria para seguir viviendo.
Con experiencia previa como ayudante de dirección y novelista, la realizadora Diwa Shah (Nainital, India. 1995) debuta con Bahadur the Brave, una película que transcurre durante los primeros momentos de la pandemia en una aldea india fronteriza con Nepal, donde un inmigrante nepalí trata de ganar dinero para curar a su hijo enfermo.
Last Shadow at First Light, también presente en la selección, es el estreno en el largometraje de Nicole Midori Woodford (Singapur, 1986), que narra el viaje a Japón de una joven que, atormentada por apariciones recurrentes, parte en busca de su madre desaparecida. Los cortos que ha dirigido anteriormente han participado en festivales como Busan, Clermont-Ferrand o Tokio.

Las once películas optan al Premio Kutxabank-New Directors, dotado con 50.000 euros repartidos a partes iguales entre la directora o el director y la distribuidora de la película en España. El Premio Kutxabank-New Directors está patrocinado por Kutxabank, colaborador oficial del Festival. El Jurado del Premio Kutxabank-New Directors es el encargado de valorar y premiar estas películas. Los trabajos correspondientes a la sección de New Directors son candidatos también al Premio TCM de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.
New Directors es un ejemplo de la apuesta del Festival de San Sebastián por los nuevos talentos, pero no el único, puesto que se programan primeras y segundas obras en prácticamente todas las secciones, y también se muestran primeros trabajos en Nest, la sección competitiva de cortometrajes de estudiantes de escuelas de cine de todo el mundo. Además, el Festival lidera junto a Tabakalera y Elías Querejeta Zine Eskola el programa de apoyo a proyectos audiovisuales innovadores Ikusmira Berriak, que contempla un plan de residencias artísticas.

Xiao yao you / Carefree Days

Liang Ming (China)

País(es) de producción: China

Intérpretes: Lu Xing Chen, Li Xue Qin, Li Cong Xi, Ai Li Ya

Inauguración

En el noreste de China, Shenyang es una ciudad en decadencia. Xu Lingling es una joven de 25 años que padece uremia y cuya vida se ha derrumbado. En el punto álgido de su enfermedad, su disoluto padre ha regresado para cuidar de ella con su mejor amiga Tan Na y su antiguo compañero de clase Zhao Dongyang. A pesar de su sufrimiento y gracias al amor de su familia y amigos, siente que vivir merece la pena. Un día, Xu Lingling decide salir de viaje con Tan Na y Zhao Dongyang.

Kiri no Fuchi / Beyond the Fog

Daichi Murase (Japón)

País(es) de producción: Japón

Intérpretes: Shuri Miyake, Masaki Miura, Shinzo Hotta, Asami Mizukawa

Clausura

Ihika vive en una tranquila e inaccesible aldea en las montañas de Japón, un lugar que en su tiempo estuvo lleno de excursionistas y comercios. La niña, que tiene 12 años, ha crecido en una familia que ha regentado una posada durante generaciones. Su padre vive separado desde hace algunos años y Saki, la madre de Ihika, dirige el lugar junto a Shige, su suegro. Un día Shige desaparece y la supervivencia de la posada corre peligro mientras se avecinan cambios para la familia de Ihika.

Ashil / Achilles

FARHAD DELARAM (Irán)

País(es) de producción: Alemania – Irán – Francia

Intérpretes: Mirsaeed Molavian, Behdokht Valian, Roya Afshar, Neda Aghighi

Un joven cineasta que actualmente trabaja en un hospital emprende un breve viaje en compañía de una paciente con problemas de salud mental para descubrir quién es en realidad. Ahora debe decidir si huir con ella o llevarla de vuelta al hospital.

Bahadur the Brave

Diwa Shah (India)

País(es) de producción: India

Intérpretes: Rupesh Lama, Rahul Mukhia

Durante la pandemia de coronavirus, India decreta el confinamiento. Mientras todos los trabajadores migrantes nepalíes se ven forzados a regresar a su país, Hansi ve en la crisis laboral en ciernes una oportunidad de ganar más dinero para su hijo enfermo cuando su cuñado, Dil Bahadur, le ofrece trabajar como ilegal en un almacén.

Bauryna salu

Askhat Kuchinhirekov (Kazajistán)

País(es) de producción: Kazajistán

Intérpretes: Yersultan Yermanov

Siguiendo una antigua tradición nómada llamada ‘bauryna salu’, Yersultan fue entregado a su abuela cuando nació para que le criara. Creció con resentimiento y distanciado de sus padres. Cuando cumple 12 años, su abuela muere y tiene que regresar con su familia, a la que apenas conoce. El paso a la vida adulta de Yersultan coincide con una transformación insoportable y un intento de restaurar la relación entre él y sus padres, especialmente con su progenitor.

El otro hijo / The Other Son

Juan Sebastián Quebrada (Colombia)

País(es) de producción: Colombia – Francia – Argentina

Intérpretes: Miguel González, Ilona Almansa, Jenny Navarrete

Foro de Coproducción Europa-América Latina 2020

Federico y su hermano Simón viven plenamente su adolescencia hasta el día en que Simón muere al caer de un balcón en una fiesta. Mientras su entorno familiar se desmorona ante sus ojos, Federico intenta vivir con normalidad sus últimas semanas de colegio. Incapaz de hacer el duelo, se va acercando a Laura, la novia de su hermano fallecido, en quien parece encontrar alivio.

Hi, mom

Ilia Malakhova (Rusia)

País(es) de producción: Rusia

Intérpretes: Daria Saveleva, Aglaya Tarasova, Anna Osipova

Kira tiene 36 años. Trabaja en el centro de llamadas del aeropuerto de Pulkovo y vive con su hermana menor Vera y sus hijas. Hace un par de años, su madre echó de casa a las hermanas y luego desapareció. Kira debe aceptar que su madre está muerta y seguir adelante, para lo cual necesita obtener el certificado de defunción, reclamar su herencia y comenzar a vivir sin su hermana y sus sobrinas. Una nueva vida la espera, pero Kira no quiere cambiar nada y solo sueña con que su madre regrese.

La estrella azul / The Blue Star

Javier Macipe (España)

País(es) de producción: España – Argentina

Intérpretes: Pepe Lorente, Cuti Carabajal, Bruna Cusí, Marc Rodriguez, Mariela Carabajal, Noelia Verenice Díaz

Años 90. Un famoso rockero español recorre Latinoamérica intentando reconectar con su vocación. Allí conoce a un anciano músico en horas bajas y de su encuentro nace un dúo quijotesco, con todos los visos de ser un absoluto fracaso comercial.

Last Shadow at First Light

Nicole Midori Woodford (Singapur)

País(es) de producción: Singapur – Japón – Eslovenia – Filipinas – Indonesia

Intérpretes: Masatoshi Nagase, Mihaya Shirata, Mariko Tsutsui, Peter Yu

Atormentada por apariciones recurrentes, Ami se embarca en un viaje de Singapur a Japón en busca de su madre desaparecida. Entre paisajes que se transforman, los sueños, los fantasmas y la madre perdida de Ami desvelan su verdadera forma.

Les Rayons Gamma / Gamma Rays

Henry Bernadet (Canadá)

País(es) de producción: Canadá

Intérpretes: Chaimaa Zinedine, Chris Kanyembuga, Yassine Jabrane, Hani Laroum, Océane Garçon-Gravel

La tranquila vida de Abdel se ve alterada por la llegada de su extrovertido primo, que se queda a pasar el verano con él. Fátima, que va a empezar un nuevo trabajo como cajera en un supermercado, anhela una vida más estable. Mientras pesca, Toussaint encuentra en la orilla una botella con un mensaje en su interior. A caballo entre la ficción y el documental, Les Rayons Gamma / Gamma Rays es una comedia dramática rodada con jóvenes actrices y actores no profesionales de comunidades inmigrantes.

Mother, Couch!

Niclas Larsson (Suecia)

País(es) de producción: EEUU – Dinamarca – Suecia

Intérpretes: Taylor Russell, Ewan McGregor, Ellen Burstyn

Taylor Russell, Ewan McGregor y Ellen Burstyn protagonizan esta historia de tres hermanos distanciados que se unen cuando su madre se niega a moverse de un sofá en una tienda de muebles.

 

El cine de Rainer Werner Fassbinder llega a Filmin

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La amplia retrospectiva que la plataforma dedica al miembro más ilustre del Nuevo Cine Alemán incluye 19 largometrajes, dos series y dos cortos.
Filmin añadirá a su catálogo el próximo lunes 24 de julio 23 producciones dirigidas por Rainer Werner Fassbinder, en la que constituye la mayor colección de títulos del director alemán disponible en plataformas digitales en España. El ciclo consta de 19 largometrajes, dos series de televisión y dos cortometrajes, y se inscribe en el marco del Atlàntida Mallorca Film Fest. El festival de cine de Filmin, que el año pasado dedicó su retrospectiva al ucraniano Sergei Loznitsa, ha decidido en esta ocasión recuperar las películas más significativas del que está considerado como el mayor exponente del Nuevo Cine Alemán, corriente cinematográfica que imperó en el país germano entre los años 60 y 80 y que reúne a otros cineastas como Volker Schlöndorff, Werner Herzog o Wim Wenders. Las películas de Fassbinder permanecerán en Filmin una vez finalizado el Atlàntida Mallorca Film Fest.

Tras una primera etapa dedicada al teatro (en la que dirigió obras que posteriormente llevaría al cine como «Katzelmacher» o «Las amargas lágrimas de Petra von Kant») y unos primeros pasos en el séptimo arte de corte más experimental e influenciados por la Nouvelle Vague, el cine de Fassbinder vivió una revolución tras descubrir la obra de Douglas Sirk, al que incluso fue a conocer personalmente a Lugano (Suiza). Llegarían entonces sus «melodramas distanciados», una mezcla entre el melodrama clásico hollywoodiense y los preceptos del dramaturgo Bertold Brecht, películas analíticas, intelectualizadas y que rehuían la identificación del espectador con los personajes.

Fassbinder, que falleció en 1982 a los 37 años, tuvo tiempo de dirigir más de 40 obras en apenas 15 años, y se convirtió en uno de los mejores retratistas de su Alemania natal: su historia, su sociedad, su cultura, su geografía, y el malestar del tiempo en el que él vivió. No en vano, se ganó el apodo de «Balzac del cine alemán» gracias a una mirada amplia que le permitió retratar todas las clases sociales. Sus estrechas relaciones con los directores de fotografía Michael Ballhau y Xaver Scharzemberger son clave para entender la sofisticación de su puesta en escena, y su relación con actrices como Hanna Schygulla, Margit Carstensen, Ingrid Caven o Irm Hermann explican su vinculación a un llamado «cine de mujeres» (retratos de personajes femeninos fuertes y complejos) que junto a su mirada queer le han llevado a ser relacionado en muchas ocasiones con Pedro Almodóvar.

Títulos que integran el ciclo:
El pequeño caos (Corto, 1966) ● El vagabundo (Corto, 1966) ● El amor es más frío que la muerte (1969) ● Katzelmacher (1969) ● El soldado americano (1970) ● Dioses de la peste (1970) ● ¿Por qué le da el ataque de locura al Sr. R.? (1970) ● El mercader de las cuatro estaciones (1971) ● Atención a esa prostituta tan querida (1971) ● Las amargas lágrimas de Petra Von Kant (1972) ● 8 horas no hacen un día (serie TV, 1972) ● El mundo conectado (serie TV, 1973) ● Todos nos llamamos Alí (1974) ● Effi Briest (1974) ● La ley del más fuerte (1975) ● El viaje a la felicidad de mamá Küster (1975) ● El asado de Satán (1976) ● La ruleta china (1976) ● Un año con trece lunas (1978) ● El matrimonio de Maria Braun (1979) ● La tercera generación (1979) ● Lola (1981) ● La ansiedad de Veronika Voss (1982)

Sitges 2023 presenta el mejor fantástico nacional y mundial

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La 56ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que se celebrará del 5 al 15 de octubre, empieza a tomar cuerpo con un primer avance de la programación donde brillan presencias como Pablo Berger, Carlota Pereda, Álex de la Iglesia, Jessica Hausner, Bertrand Mandico, Lee Unkrich o Mary Lambert.
En la Fàbrica Moritz de Barcelona, Ángel Sala y Mònica Garcia i Massagué, Director Artístico del Festival y Directora de la Fundación respectivamente, han ofrecido un primer avance de la programación de la 56ª edición del certamen referente del cine fantástico.

 

La imagen multiplicada

Dicho anticipo ha estado precedido por la presentación de las nuevas versiones del cartel de 2023 que, un año más, ha confeccionado el equipo de CHINA. En la misma línea de la impactante imagen desvelada en el pasado Festival de Cine de Cannes, se mantiene y refuerza la apuesta por la sangre; por un rojo intenso que impregna unas manos cuya disposición nos recuerda el vuelo amenazante de ‘Los pájaros’ de Alfred Hitchcock… y al mismo tiempo nos lleva al recuerdo de incontables películas y criaturas que igualmente han protagonizado algunos de nuestros sueños más inolvidables; algunas de nuestras pesadillas más traumatizantes.

 

En ningún sitio como en casa

Como no podía ser de ninguna otra manera, la representación de producciones catalanas y españolas va a tener un peso fundamental en esta 56ª edición. Al ya anunciado regreso de Paco Plaza al hogar (a razón de la presentación de ‘HERMANA MUERTE’, nuestra película de apertura), SITGES2023 suma las presencias de nombres tan consagrados, y con tanta proyección como Pablo Berger, Carlota Pereda o Álex de la Iglesia. El primero presentará ‘ROBOT DREAMS’, espectacular cinta animada que ya ha causado furor tanto en su desembarco oficial en Cannes, como en su confirmación en Annecy, la Meca del cine de animación donde ha conquistado el Premio a la Mejor Película en la Sección Contrechamp. Por su parte, la directora de ‘Cerdita’ presentará ‘LA ERMITA’, drama sobrenatural protagonizado por Belén Rueda, y que debe servir para aupar a la que claramente se descubrió, la temporada pasada, como una de las grandes revelaciones del cine de género.

Robot Dreams

En el formato serie, daremos la bienvenida a la esperada 2ª temporada de la serie original de HBO ’30 MONEDAS’, nuevo trabajo del maestro Álex de la Iglesia; resaca deliciosamente diabólica del combate épico entre el padre Vergara y el cardenal Santoro, con uno de los repartos más impresionantes que veremos este año, con Eduard Fernández, Megan Montaner, Miguel Ángel Silvestre, Macarena Gómez y la incorporación de Najwa Nimri y Paul Giamatti, entre otrxs. También desvelaremos los sucesos paranormales de ‘EL OTRO LADO’, la serie original de Movistar Plus+ producida en colaboración en El Terrat (The Mediapro Studio) y creada por Berto Romero que dirigen Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro. Berto Romero, Andreu Buenafuente, Eva Ugarte, María Botto y Nacho Vigalondo nos descubrirán el reverso cómico de los poltergeist. En el apartado de series, también contaremos con la presentación de ‘ROMANCERO’, un original de Prime Video en forma de thriller sobrenatural andaluz, dirigido por Tomás Peña, escrito por Fernando Navarro y protagonizado por Sacha Cócola, Elena Matic, Alba Flores, Belén Cuesta, Ricardo Gómez y Guillermo Toledo. Por último, y de vuelta al formato largo, recibiremos a F. Javier Gutiérrez, cinco años después de su última película, para descubrir ‘LA ESPERA’, una retorcida intriga a tres bandos (entre Víctor Clavijo, Ruth Díaz y Manuel Morón) que supondrá el regreso del cineasta andaluz a su tierra natal.

30 Monedas (Temporada 2)

Nuestras conexiones francesas

 

Conann

Cruzando la frontera, la 56ª edición del Festival servirá también para comprobar el excelente estado de salud por el que actualmente pasa el fantastique francés. A partir de una fructífera cosecha proveniente del último Festival de Cannes, podremos ver ‘ACIDE’, de Just Philippot (gran sensación en Sitges2020 gracias a ‘La nube’, su sorprendente debut), una cinta en la que las angustias de la supervivencia emanan de la ecoansiedad de un mundo azotado por una naturaleza vengativa. En un escenario igualmente desconcertante (y desesperante), en el que algunos seres humanos se han transformado en animales, nos sumergirá la nueva propuesta de Thomas Cailey, ‘THE ANIMAL KINGDOM’, protagonizada por Romain Duris y Adèle Exarchopoulos. Por su parte, Bertrand Mandico tendrá ocasión de consagrarse como uno de los nuevos tótems del ecosistema Sitges, gracias a ‘CONANN’, una de las películas más libres, bárbaras y por esto, alucinantes del año. Por último, Sébastien Vanicek activará nuestra aracnofobia con ‘VERMIN’, y Stéphan Castang nos apabullará con ‘VINCENT DEBE MORIR’, sobre el drama agónico de un hombre (encarnado por un Karim Leklou estelar) que al despertar, descubre que una horda de gente desconocida quiere matarle.

 

All around (the world)

Pero Sitges, ya lo sabemos, es también el lugar ideal para asomarse a las cinematografías emergentes; a esas voces cuyo arrojo nos hace descubrir nuevas maneras de relacionarnos con el mundo. Es el caso de la malaya ‘TIGER STRIPES’, de Amanda Nell Eu, gran campanada en Cannes… la cual ya vislumbramos en la edición de 2018 del Sitges Fanpitch. Pero habrá tiempo para más: desde Pakistán llegará ‘IN FLAMES’, de Zarrar Kahn; el rapero Baloji nos llevará al Congo de sus orígenes en ‘OMEN’; Kenneth Lim Dagatan fundirá en ‘IN MY MOTHER’S SKIN’ el folk horror con la barbarie de la Segunda Guerra Mundial en Filipinas, y Bishal Dutta tenderá (y zarandeará) puentes entre Estados Unidos y la India en ‘IT LIVES INSIDE’.
Otros títulos que están marcando tendencia este año en el fantástico desembarcarán igualmente en Sitges. Serán los casos de ‘LATE NIGHT WITH THE DEVIL’, de Cameron y Colin Cairnes, ‘SLEEP’, de Jason Yu, ‘RIDDLE OF FIRE’, de Weston Razooli, ‘BRUJERÍA’, de Christopher Murray’, ‘WHEN EVIL LURKS’, de Demián Rugna, o ‘CLUB ZERO’, con Mia Wasikowska, nuevo y controvertido trabajo de Jessica Hausner, uno de los talentos más consolidados del cine europeo.

Late Night With the Devil

También podremos ver ‘PANDEMONIUM’, de Quarxx, ‘MONOLITH’, de Matt Vesely, ‘THE UNCLE’, de David Kapac y Andrija Mardešić, ‘WHERE THE DEVIL ROAMS’, de John Adams, Zelda Adams y Toby Poser, ‘MOON GARDEN’, de Ryan Stevens Harris, ‘MAD FATE’, de Soi Cheang, ‘BROOKLYN 45’, de Ted Geoghegan, ‘SUITABLE FLESH’, de Joe Lynch o ‘THE ROUNDUP: NO WAY OUT’, de Lee Sang-yong, con el arrollador carisma de Ma Dong-seok.
Como no podía ser de otra forma, la animación y el documental tendrán una destacada representación con propuestas como ‘DEEP SEA’, de Tian Xiao Peng o ‘FOUR SOULS OF COYOTE’, de Áron Gauder, mientras que tanto ‘STOPMOTION’, de Robert Morgan, como ‘DIVINITY’, de Eddie Alcazar (producida por Steven Soderbergh), sorprenderán por sus tratamientos puntuales de la imagen animada. En la carpeta de no-ficción, tendremos ‘ENTER THE CLONES OF BRUCE’, de David Gregory, ‘A DISTURBANCE IN THE FORCE’, de Jeremy Coon y Steve Kozak, ‘THE J-HORROR VIRUS’, de Sarah Appleton y Jasper Sharp o ‘KAIDAN. STRANGE STORIES OF JAPANESE GHOSTS’, de Yves Montmayeur, estas dos últimas, dedicadas a la atracción incansable que ejerce sobre nosotros el terror nipón.
En cuanto a los clásicos, volveremos a fijarnos en la obra de Álex de la Iglesia con el 30º aniversario de ‘ACCIÓN MUTANTE’, su legendaria ópera prima, y con la eterna polémica de Tinto Brass con ‘CALIGULA: THE ULTIMATE CUT.

Caligula: The Ultimate Cut

Presencias estelares

El dos veces ganador del Oscar LEE UNKRICH, pilar fundamental de la etapa dorada de la factoría Pixar, gracias a títulos como ‘Monstruos, S.A.’, ‘Buscando a Nemo’, ‘Coco’ o la segunda y tercera entregas de la saga ‘Toy Story’, llegará a Sitges… pero no por ninguno de estos grandes logros. Recibiremos al legendario director y montador americano para verle desgranar los laberínticos entresijos de una de sus obsesiones vitales: ‘El resplandor’, de Stanley Kubrick, un objeto de culto inagotable, esa obra maestra de la que pensábamos que ya lo sabíamos todo, pero que un increíble libro escrito por Unkrich y editado por Taschen, demuestra que aún quedan innumerables misterios con los que seguir rondando los pasillos del hotel Overlook.
En su firme compromiso por reivindicar las figuras femeninas del fantástico, este año el Festival rendirá homenaje a MARY LAMBERT, quien tiene el honor de haber sido la primera mujer en dirigir un largometraje de zombies (con ‘Cementerio viviente’, célebre adaptación de la novela homónima de Stephen King), y cuya dilatada carrera tanto en la gran como en la pequeña pantalla, se refrenda asimismo en un formato videoclip (donde encontramos piezas para artistas de la talla de Madonna, Ramones, Chris Isaak o Rod Stewart) donde también se confirma su estatus de Historia viva del audiovisual.
El cine italiano de décadas pasadas brillará con la presencia, primero, de LAMBERTO BAVA, director, guionista, productor y montador romano de “demoníaco” pedigrí; y después con BARBARA BOUCHET, Premio Nosferatu, icónica actriz afincada a dicha cinematografía y nombre clave del giallo y el poliziesco.

Lamberto Bava

Por último, también se ha anunciado la visita de CHARLES BAND, nuestro querido “maestro titiritero”, cuya dilatada trayectoria en el cine de terror será celebrada tanto desde su posición de director como de productor, y también con la presentación de su nuevo proyecto, ‘THE PRIMEVALS’, de Dave Allen.

El Festival que se lee

Un año más, Sitges transmitirá su amor por el cine fantástico también a través de la palabra escrita. En nuestro ya tradicional apartado de publicaciones, cristalizará uno de los leitmotivs de esta 56ª edición. “CIUDAD PÁNICO”, sobre la urbe como catalizador del terror, y que se verá reflejada en la pantalla con un foco donde podremos recuperar títulos como ‘EL ALMUERZO DESNUDO (NAKED LUNCH)’, de David Cronenberg, ‘DEMON (GOD TOLD ME TO)’, de Larry Cohen, ‘AMENAZA EN LA SOMBRA (DON’T LOOK NOW)’, de Nicolas Roeg o ‘LA CASA SIN FRONTERAS’, de Pedro Olea.

Naked Lunch

También, desde la iniciativa WomanInFan, llegará “MISTRESS OF FAN. MONSTRUOS, CRIATURAS Y PESADILLAS ENGENDRADOS POR ELLAS”, sobre el legado femenino en la construcción y consolidación de algunas de las figuras y mecanismos clave del cine de género. Un libro editado por Hermenaute y coordinado por Mònica Garcia i Massagué, que contará con las colaboraciones de Alexandra Heller-Nicholas, Alexandra West, Jordi Sánchez- Navarro, Ángel Sala, Alan Jones y Mikko Aromaa.

 

Jaione Camborda, Isabel Coixet e Isabel Herguera competirán en la Sección Oficial de la 71ª edición del Festival de San Sebastián

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La serie ‘La Mesías’, de Javier Ambrossi y Javier Calvo, formará parte de la Sección Oficial fuera de concurso, y ‘They Shot the Piano Player’, de Fernando Trueba y Javier Mariscal, tendrá una Proyección Especial dentro de la Sección Oficial.
‘La estrella azul’, la segunda película de Javier Macipe, ha sido seleccionada en New Directors.
La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha acogido hoy en Madrid el anuncio de 14 títulos de producción española (nueve largometrajes, un mediometraje, un corto y tres series de televisión) que podrán verse entre el 22 y el 30 de septiembre en la Sección Oficial y en las secciones New Directors, Horizontes Latinos, Zabaltegi-Tabakalera y Velódromo de la 71ª edición del Festival de San Sebastián.
Tras debutar en el largometraje con Arima (2020), que fue seleccionada en Made in Spain tras ser galardonada en Sevilla y Gijón, Jaione Camborda (San Sebastián, 1983) competirá por la Concha de Oro con su segundo trabajo, O Corno / The Rye Horn. La película, que está rodada en gallego y en su fase de proyecto participó en el programa de residencias Ikusmira Berriak, cuenta la historia de María (Janet Novás), una mujer que asiste en partos y que, tras un horrible suceso, se ve obligada a huir de la isla donde vive.
Isabel Herguera (San Sebastián, 1961) es una artista visual, productora y directora de animación con una filmografía en la que destacan cortometrajes multipremiados como Kutxa beltza (2016), Amore d’inverno (2015), Bajo la almohada (2012), Ámár (2010) o La gallina ciega (2006), por el que fue nominada a mejor cortometraje de animación en los Premios Goya. En El sueño de la sultana / Sultana’s Dream, su primer largometraje, Herguera nos presenta un relato basado en el cuento escrito en 1905 por Rokeya Hossain donde narra su historia personal y la historia de Ladyland, un mundo utópico gobernado por mujeres.
Por su parte, Isabel Coixet (Sant Adrià de Besòs, 1960) optará por primera vez a la Concha de Oro con Un amor, basada en la novela homónima de Sara Mesa y protagonizada por Laia Costa, que encabeza un reparto en el que también figuran Hovik Keuchkerian, Hugo Silva, Luis Bermejo, Ingrid García-Jonsson y Francesco Carril. Coixet presentó en el Festival su primera película, Demasiado viejo para morir joven (New Directors, 1988). Desde entonces, ha competido en Cannes, Berlín y Venecia, y ha obtenido, entre otros reconocimientos, seis premios Goya. En la pasada edición del Festival Coixet participó por primera vez en la Sección Oficial con la proyección especial fuera de concurso del documental El sostre groc (El techo amarillo), que fue reconocido con el Premio RTVE-Otra Mirada y una mención especial del Premio Dunia Ayaso.

Asimismo, Javier Ambrossi (Madrid, 1984) y Javier Calvo (Murcia, 1991), que forman la pareja artística conocida popularmente como ‘Los Javis’, debutarán en la Sección Oficial con la serie de siete episodios La Mesías, definida como un thriller familiar que se proyectará fuera de concurso y en cuyo reparto figuran, entre otros, Roger Casamajor, Macarena García, Lola Dueñas, Carmen Machi, Ana Rujas, Albert Pla, Amaia, Biel Rossell y Cecilia Roth. Ambrossi y Calvo han dirigido y/o producido series de éxito como Paquita Salas (2016), La Veneno (2020) o Cardo (2021). En 2017 estrenaron en el Festival su primer largometraje, La llamada / Holy Camp, que protagonizó la Gala RTVE.
La Sección Oficial contará además con una proyección especial de producción española: They Shot the Piano Player (Dispararon al pianista), dirigida por Fernando Trueba (Madrid, 1955) y Javier Mariscal (Valencia, 1950), que forman de nuevo equipo tras haber obtenido la nominación al Óscar a la mejor película de animación por Chico & Rita (2011). En esta nueva colaboración animada reivindican la figura del músico brasileño Tenório Jr., en un retrato de los inicios del movimiento musical conocido como bossa nova. En el filme, narrado por la voz de Jeff Goldblum, suena música de Caetano Veloso, Antonio Carlos Jobim, Joao Donato, Toquinho, Bill Evans y Vinicius de Moraes, entre otros artistas.

 Javier Macipe, en New Directors

La sección New Directors, dedicada a primeras y segundas películas,acogerá el estreno del segundo largometraje de Javier Macipe (Zaragoza, 1987), La estrella azul / The Blue Star, una aproximación en clave de ficción a la historia del músico zaragozano Mauricio Aznar, fundador de bandas como Más Birras o Almagato. Su debut en el largometraje, Los inconvenientes de no ser Dios (2014), le valió el premio a la mejor primera película del Festival de Cine de Zaragoza. También ha dirigido cortos como Gastos incluidos (2019) u Os meninos do rio (2014), que resultaron finalistas en los Goya.

 Martín Benchimol y Dolores Fonzi, en Horizontes Latinos

Horizontes Latinos, sección dedicada al cine latinoamericano, contará con la participación del primer documental en solitario de Martín Benchimol (Buenos Aires, 1985), El castillo / The Castle, que competirá por el Premio Horizontes tras hacerse con los Premios WIP Latam y Egeda Platino Industria al mejor WIP Latam en la última edición del Festival de San Sebastián y ser escogido por la sección Panorama de la Berlinale. Con El espanto (2017) obtuvo el premio a la mejor película en el IDFA (Festival Internacional de Cine Documental de Amsterdam).
Ya son varias las visitas que la actriz Dolores Fonzi (Buenos Aires, 1978) ha hecho al Festival, gracias a sus actuaciones en El aura (Sección Oficial, 2005), Truman (Sección Oficial, 2015), Paulina (Horizontes Latinos, 2015), La cordillera / The Summit (Proyección Especial Premio Donostia, 2017) y Distancia de rescate / Fever Dream (Sección Oficial, 2021), aunque este año volverá a San Sebastián en calidad de directora debutante. Presentará en la sección Horizontes Latinos Blondi, la historia de la especial relación que mantiene una madre con su hijo protagonizada por la propia Fonzi junto a Carla Peterson, Rita Cortese, Toto Rovito y Leonardo Sbaraglia.

Alberto Martín Menacho, An Pham Thien, Irati Gorostidi y Ion de Sosa, en Zabaltegi-Tabakalera
Zabaltegi-Tabakalera, la sección competitiva más abierta del Festival, acogerá la primera película de Alberto Martín Menacho (Madrid, 1986), Antier noche / Nights Gone By, que desarrolló en el programa de residencias y desarrollo de proyectos Ikusmira Berriak y fue estrenada en Visions du Réel. La película realiza un retrato de cierta juventud rural del sur de Europa que vive entre un mundo que desaparece y uno moderno que sigue avanzando.
Tras obtener la Cámara de Oro, galardón que recibe el mejor debut del Festival de Cannes, An Pham Thien (Vietnam, 1989) también competirá por el Premio Zabaltegi-Tabakalera con Bén Trong Vo Ken Vang / Inside the Yellow Cocoon Shell. Esta coproducción internacional cuenta la historia de Thien, un hombre que, tras una tragedia familiar, debe hacerse cargo de su sobrino y emprende la búsqueda de su hermano, desaparecido años atrás.
Ion de Sosa (Urnieta, 1981), autor de títulos como True Love (2011) y Sueñan los androides (2014), ha sido también director de fotografía en distintos proyectos y codirector del cortometraje Leyenda dorada / The Golden Legend (2019), que participó en Zabaltegi-Tabakalera tras competir en la Berlinale. En esta ocasión, De Sosa regresa en solitario a esta sección con el mediometraje Mamántula, que es también el nombre de una araña gigante travestida de humano.
También formará parte de la sección el cortometraje Contadores, de Irati Gorostidi (Eguesibar, 1988), que participó en la Semana de la Crítica de Cannes y formó parte del catálogo Kimuak del año pasado. Actualmente, Gorostidi está desarrollando su primer largometraje, Anekumen, seleccionado en Ikusmira Berriak 2022 y en otros programas de mentoría y mercados.

 Dos series en el Velódromo

El Velódromo, acondicionado para casi 3.000 espectadores, es la sala con mayor aforo del Festival, y en esta edición acogerá el estreno de dos series. Dirigida por Santos Bacana (Madrid, 1991), Cris Trenas (Madrid, 1987) y Rogelio González (Madrid, 1991), Esta ambición desmedida / This Excessive Ambition consta de tres partes que aprovechan la creación y puesta en marcha de la gira musical Sin Cantar ni Afinar para explorar el proceso creativo del artista C. Tangana.
También se presentará en el Velódromo El otro lado / The Other Side, una nueva serie original de Movistar Plus+ de seis episodios dirigida por Javier Ruiz Caldera (Viladecans, 1976) y Alberto de Toro (Barcelona, 1972), y creada, coescrita y protagonizada por Berto Romero (Cardona, 1974). El popular cómico televisivo, autor de series como Mira lo que has hecho, se adentra por primera vez en el género de terror con la historia de Nacho, un periodista especializado en lo paranormal que atraviesa un mal momento profesional y personal.

 

SECCIÓN OFICIAL – A competición

El sueño de la sultana / Sultana’s Dream

Isabel Herguera (España)

País(es) de producción: España – Alemania

Inspirada por un cuento de ciencia ficción feminista escrito en Bengala en 1905, Inés emprende un viaje iniciático por India en búsqueda de Ladyland, la utópica tierra de las mujeres.

O corno / The Rye Horn

Jaione Camborda (España)

País(es) de producción: España – Portugal – Bélgica

Intérpretes: Janet Novás, Siobhan Fernándes, Carla Rivas, Daniela Hernán Marchán, María Lado, Julia Gómez, José Navarro, Nuria Lestegás, Diego Anido

Ikusmira Berriak 2020

Illa de Arousa, 1971. María es una mujer que se gana la vida mariscando. También es conocida en la isla por ayudar a otras mujeres en sus partos con especial dedicación y cuidado. Tras un inesperado suceso, se ve obligada a huir y comienza una peligrosa travesía que le hará luchar por su supervivencia. Buscando su libertad, María decide cruzar la frontera por una de las rutas de contrabando entre Galicia y Portugal. 

Un amor

Isabel Coixet (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Laia Costa, Hovik Keuchkerian, Hugo Silva, Luis Bermejo, Ingrid García-Jonsson, Francesco Carril

Tras escapar de su agobiante vida en la ciudad, Nat, treintañera, encuentra refugio en el pequeño pueblo de La Escapa, en lo más profundo de la España rural. En una casa rústica y en ruinas, acompañada de un perro salvaje y tosco, esta joven intenta reconstruir su vida de nuevo. Después de enfrentarse a la hostilidad de su casero y a la desconfianza de los habitantes del pueblo, Nat se descubre a sí misma aceptando una inquietante propuesta sexual de su vecino Andreas. A partir de este extraño y confuso encuentro, surge una pasión devoradora y obsesiva que consumirá a Nat completamente y le hará poner en cuestión el tipo de mujer que cree ser. 

 

SECCIÓN OFICIAL – Fuera de concurso

La Mesías

Serie

Javier Calvo (España), Javier Ambrossi (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Roger Casamajor, Macarena García, Lola Dueñas, Carmen Machi, Ana Rujas, Albert Pla, Amaia , Biel Rossell, Cecilia Roth

Fuera de concurso

El vídeo viral de un grupo de música pop cristiana compuesto por varias hermanas impacta en la vida de Enric, un hombre atormentado por una infancia marcada por el fanatismo religioso y el yugo de una madre con delirios mesiánicos.

 

SECCIÓN OFICIAL – Proyecciones especiales

They Shot the Piano Player (Dispararon al pianista)

Fernando Trueba (España), Javier Mariscal (España)

País(es) de producción: España

Proyecciones especiales

Fuera de concurso

Un periodista musical de Nueva York comienza una trepidante investigación detrás de la misteriosa desaparición del pianista brasileño, Tenorio Jr, habitual de Vinicius de Moraes, entre otros. Este thriller de animación al ritmo de jazz y bossa-nova supone un punto de inflexión justo antes de que el continente latinoamericano fuera envuelto por regímenes totalitarios.

 

NEW DIRECTORS

La estrella azul / The Blue Star

Javier Macipe (España)

País(es) de producción: España – Argentina

Intérpretes: Pepe Lorente, Cuti Carabajal, Bruna Cusí, Marc Rodriguez, Mariela Carabajal, Noelia Verenice Díaz

Años 90. Un famoso rockero español recorre Latinoamérica intentando reconectar con su vocación. Allí conoce a un anciano músico en horas bajas y de su encuentro nace un dúo quijotesco, con todos los visos de ser un absoluto fracaso comercial.

 

HORIZONTES LATINOS

Blondi

Dolores Fonzi (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – España – EEUU

Intérpretes: Dolores Fonzi, Carla Peterson, Rita Cortese, Toto Rovito, Leonardo Sbaraglia

Blondi y Mirko son mejores amigos. Les encanta vivir juntos, escuchan la misma música, miran las mismas películas, les gusta fumar marihuana, ir a recitales, tienen los mismos amigos, todo es perfecto entre ellos… pero, aunque parecen casi de la misma edad, Blondi es la madre de Mirko.

El castillo / The Castle

Martín Benchimol (Argentina)

País(es) de producción: Argentina – Francia – España

Intérpretes: Justina Olivo, Alexia Caminos Olivo

Tras trabajar como empleada doméstica toda su vida, Justina hereda de su antigua empleadora una enorme mansión en medio de las pampas argentinas. La única condición es que jamás la venda.

 

ZABALTEGI-TABAKALERA

Antier noche / Nights Gone By

Alberto Martín Menacho (España)

País(es) de producción: Suiza – España

Intérpretes: Juan Francisco Cambero Domínguez, Pepa Gracia, Antonio Acosta Narciso, Alba Domingo Martínez

Ikusmira Berriak 2019

Juan Francisco tiene doce años y vive en un pueblo del sur de Extremadura, un lugar rodeado de encinas milenarias y placas solares. A través de la caza con galgos, el niño descubre la estrecha relación que une a humanos y animales. Santi y Antonio forman parte de la juventud y de una modernidad que convive con las más antiguas tradiciones. Pepa es una joven madre que trabaja como temporera en el matadero. Mediante el retrato coral de estos jóvenes, se revela un territorio habitado por liebres y burros, historias de amor, incendios y raves.

Bén Trong Vo Ken Vang / Inside the Yellow Cocoon Shell

An PHAM THIEN (Vietnam)

País(es) de producción: Singapur – Vietnam – Francia – España

Intérpretes: Le Phong Vu, Nguyen Thi Truc Quynh, Nguyen Thinh, Vu Ngoc Manh

Un reticente Thien debe llevar el cuerpo de su cuñada, fallecida en un extraño accidente de moto en Saigón, y a su hijo Dao, de cinco años, que sobrevivió milagrosamente al accidente, a su pueblo natal en el campo. Thien emprende la búsqueda de su hermano mayor, desaparecido años atrás, para entregarle a Dao. En el camino, Thien tiene una serie de sueños sugestivos y encuentros cautivadores que reavivan recuerdos reprimidos y deseos prohibidos. En el laberinto de estas búsquedas fantasmales, Thien se enfrenta a su propia crisis existencial sobre por qué merece la pena vivir.

Contadores

Cortometraje

Irati Gorostidi (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Santiago Fernández de Mosteyrín, Jaume Ferrete, Claugia Pagès, Iskandar Rementeria, Natalia Suárez, Marina Suárez, Mugerza Ronse

Durante las negociaciones por un nuevo convenio del metal en 1978, un grupo de militantes libertarios defiende ante sus compañeros de fábrica su radical postura mientras atestiguan con decepción la atomización del movimiento obrero.

Mamántula

Mediometraje

Ion de Sosa (España)

País(es) de producción: Alemania – España

Intérpretes: Lorena Iglesias Lista, Moisés Richart, Marta Bassols

Mamántula es el chico al que todos desean, pero también una araña gigante travestida de humano, fruto de un breve encuentro en el Tiergarten berlinés, en un pasado alternativo de saunas brutalistas, interminables pasillos de metro y detectives con gabardina y sombrero.