Este 2023 las brujas son las protagonistas de la Semana, y su cartel oficial les rinde también tributo. La actriz vasca Itziar Ituño encarna a una sorgina dual, luminosa y oscura, poderosa y clemente a la vez.

El equipo creativo liderado por Nerea Torrijos, también diseñadora del vestuario, ha querido huir de las representaciones más tópicas de la bruja, persiguiendo la Magia. El diseño en forma de carta de tarot quiere conectar con esencias más ancestrales y sutiles, con los oráculos griegos, con los arcanos… recogiendo la fuerza de las dos magias.

La autora de la fotografía es Marta Fresnillo y el diseño del cartel lo ha realizado Alive VFX & Design.

El diseño del cartel se enmarca dentro del leitmotiv conjunto con TerrorMolins Sorginak-Bruixes, ya anunciado hace unos días, que incluye la exposición Bruixes – Sorginak – Brujas. Aquelarre ilustrado, comisariada por Borja Crespo, y la edición del libro escrito por Elisa McCausland y Diego Salgado Beso negro: Brujería, cine y cultura pop.

Itziar Ituño

Nacida en 1974 en Basauri, actualmente es una de las actrices vascas más internacionales gracias a su participación en la serie «La casa de papel» (2017-2021).

Desde su debut en televisión en 1993 ha alternado su trabajo en la pequeña pantalla con el cine, el teatro y la música.

En 1999 debuta en la longeva serie «Goenkale», donde permanece hasta 2015. Ha trabajado en películas como Loreak (2014), Un otoño sin Berlín (2015), Morir (2017), Errementari (2017), Campanadas a muerto (2020), Todas las lunas (2020), Irati (2022) o Las buenas compañías (2023) y en 2022 protagonizó la serie «Intimidad» (2022).

Okendo Kultur Etxea acogerá la exposición «Iconos del cine fantástico japonés»

Donostia Kultura y la Fundación Japón presentan, dentro del programa de actividades Euskadi Japón 2023 y en el marco de la Semana de Terror, la exposición Iconos del cine fantástico japonés. Colección Aguilar-Haraguchi, que estará abierta en Okendo Kultur Etxea entre el 14 de septiembre y el 4 de noviembre.

Terror, ciencia ficción y fantasía. Kaijus, yokais, espectros, vampiros y extraterrestres. Antes de la explosión del cine de animación japonés, que comenzó a propagarse a gran velocidad por el mundo hasta llegar a la situación actual, y del hoy conocido como J-Horror, en Japón se produjeron un gran número de películas del género fantástico en imagen real. Historias de venganzas espectrales nacidas del kabuki, peripecias con los trasgos locales conocidos como yokai, monstruos gigantes representados por ese Godzilla que hoy es estrella mundial o películas que adaptaban las modas del cine occidental, como las invasiones extraterrestres o los vampiros.

Todo este cine dio lugar a una cartelería muy imaginativa que hoy es muy apreciada. La Colección Aguilar-Haraguchi (una de las mayores del mundo, recopilada por el escritor y especialista en cine japonés Daniel Aguilar y el cineasta y técnico de efectos especiales de maquillaje Tomoo Haraguchi) reúne posters, guías de prensa, fotografías, pressbooks y todo tipo de material publicitario hoy inencontrable que se podrá ver en Okendo Kultur Etxea, así como muestras del trabajo de Haraguchi en el campo de la creación de criaturas fantásticas.

El ciclo de cine clásico de la 71ª edición del Festival se complementará con la publicación de un libro de entrevistas con el cineasta editado en colaboración con Filmoteca Vasca

La retrospectiva de 2024 estará dedicada al cine policiaco italiano

El Festival de San Sebastián dedica su nueva retrospectiva de cine clásico, coorganizada junto a la Filmoteca Vasca en colaboración con Japan Foundation y Etxepare Euskal Institutua en el marco del programa Euskadi-Japan 2023, al director Hiroshi Teshigahara (1927-2001), autor fundamental del cine japonés de los años 60 gracias a una serie de filmes de poética experimental y a su prolongada colaboración con el escritor Kobo Abe. La única de sus películas que llegó a distribuirse en España, la celebrada Suna no onna / Woman in the Dunes (La mujer de la arena, 1964), resume muy bien aquella época y el estilo de Teshigahara.

Nacido y fallecido en Tokio, Teshigahara estudió primero Bellas Artes y debutó a mediados de los 50 en el campo del corto documental. Interesado por todas las corrientes cinematográficas occidentales que habían mostrado los movimientos de resistencia durante la II Guerra Mundial, netamente el neorrealismo italiano y el cine francés de la época, formó parte de una especie de club denominado Cinema 57, en el que se proyectaban y discutían documentales que en muchas ocasiones no llegaban a verse en las salas comerciales. El manifiesto interés por el cine documental le influiría considerablemente al pasar a la realización de largometrajes de ficción.

Su primer corto, Hokusai, es de 1953 y el primer largometraje, Otoshi-ana / The Trap [La trampa], de 1962. En medio de estas dos fechas ya habían realizado sus primeras películas Nagisa Oshima –el Festival le dedicó su retrospectiva de 2013–, Seijun Suzuki, Shohei Imamura, Susumu Hani, Yoshishige Yoshida y Masahiro Shinoda, nombres representativos de las distintas tendencias de la Nueva Ola japonesa. Teshigahara tuvo un papel más tangencial en este movimiento y una menor repercusión internacional, pese a ganar el premio especial del Jurado en Cannes por La mujer de la arena y ser nominado al Oscar al mejor director y a la mejor película de habla no inglesa por este mismo filme. Pero de una forma u otra estuvo en el centro de aquella agitación conceptual que dio un vuelco al cine japonés a través de nuevas temáticas y formas de filmar.

Fructífera fue su asociación con Kobo Abe, que escribió el guion de La trampa y las adaptaciones de las tres novelas en las que se basan La mujer de la arena, Tanin no kao kao / The Face of Another [El rostro ajeno, 1966] y Moetsukita chizu / The Man Without a Map [El hombre sin mapa, 1968], las obras clave del cineasta. Abe firmó también el guion de Ako, episodio del filme colectivo La fleur de l’âge / Les adolescents (1964), cuatro relatos sobre la adolescencia realizados por Teshigahara, Jean Rouch, Michel Brault y Gian Vittorio Baldi.

Sus últimos trabajos, Rikyu (1989) y Go-hime / The Princess Goh [La princesa Goh, 1992], fueron películas históricas. Rodó también para la televisión y nunca descuidó su práctica documental en formato corto, mediometraje o largometraje. Dedicó dos películas al púgil puertorriqueño José Torres, una al escultor y pintor suizo Jean Tinguely y un filme al Tokio de 1958. Pero su documental más conocido es Antonio Gaudí (1984), excelente aproximación a la figura y obra del arquitecto modernista catalán.

Además de cineasta, Teshigahara fue un maestro en el arte japonés del arreglo floral (ikebana). Desde 1980 hasta su muerte dirigió la escuela Ikebana Sogetsu, que había sido fundada por su padre, y publicó el libro The Art of Ikebana (1997). Estuvo casado con la actriz Toshiko Kobayashi, a quien sólo dirigió en una película, Sama soruja / Summer Soldiers [Soldados de verano, 1972].

En la 71ª edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 22 al 30 de septiembre, se proyectará la filmografía completa de este director relativamente desconocido. Dos de sus películas habían participado en anteriores ediciones del Festival, La mujer de la arena –en el ciclo “Cenizas y diamantes” de la edición de 1985– y El hombre sin mapa dentro de la retrospectiva “Japón en negro” organizada en 2008. El ciclo tendrá como complemento la publicación del libro de Inuhiko Yomota Crónicas de vanguardia. Conversaciones con Hiroshi Teshigahara, traducido del japonés por Daniel Aguilar.

Italia violenta. El cine policiaco italiano

Por otro lado, el Festival de San Sebastián dedicará su retrospectiva de 2024 al denominado poliziesco. Bajo el título Italia violenta. El cine policiaco italiano, el ciclo de la 72ª edición incluirá una selección de títulos de un género que sirvió para realizar un acertado retrato del país y que todavía hoy sigue pendiente de revisión desde un prisma contemporáneo.

Tras sobrevivir a los años del fascismo y de la posguerra, el policiaco italiano pareció encontrar su materialización canónica con la cinta de Pietro Germi Un maledetto imbroglio / The Facts of Murder (Un maldito embrollo, 1959), primera que se desligaba de la imitación del noir francés para fijar un modelo propio que abrirá una auténtica edad de oro para el género. Su evolución será la de la política y la sociedad del país a partir de entonces: si la Italia del boom económico lo trasladará a espacios urbanos y reflejará los primeros conatos de la delincuencia y el crimen organizados, el estallido de mayo del 68, particularmente virulento en Italia, lo conducirá a derivas políticas gracias a realizadores como Francesco Rosi o Damiano Damiani.

La Palma de Oro y el Oscar a la mejor película extranjera obtenidos por Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto / Investigation of a Citizen Above Suspicion (Investigación sobre un ciudadano fuera de toda sospecha, Elio Petri, 1970) pareció marcar un punto final para el género, pero lejos de anquilosarlo éste se abriría a nuevas mutaciones: si el policiaco ortodoxo encontraría continuidad gracias a realizadores como Fernando Di Leo, las mafia movies lo llevarían por derroteros desconocidos hasta entonces. Y tras alzarse con la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián, La polizia ringrazia / Execution Squad (La policía agradece, Steno, 1972) abrirá el filón del poliziottesco, espejo de la confusión provocada por la aparición del terrorismo plasmado según los parámetros fijados por la generación de la violencia estadounidense.

El diseñador catalán Toni Pontí repite como autor del cartel oficial del festival, con el que pretende reflejar que “los cambios forman parte de la evolución”.

El diseño “Coincidir”, del burgalés Diego Gil, será la imagen de la sección Punto de Encuentro, mientras “Historias del pasado”, de la diseñadora vasca Ibone Etxebarria, representará a Tiempo de Historia.

El cartel oficial de la próxima 68 edición de la Semana Internacional de Cine (Seminci), que se celebrará del 20 al 28 de octubre, es obra del diseñador catalán Toni Pontí y lleva por título Showing Up. El jurado ha seleccionado por unanimidad la imagen de Pontí entre un total de 312 propuestas recibidas y vistas de forma anónima hasta emitir su decisión. El director de arte leridano, especializado en diseño gráfico, fotografía y diseño de vestuario para cine y publicidad, firmó el cartel de la sección Punto de Encuentro en el 60 aniversario del certamen, así como la imagen oficial del festival en las ediciones de 2014, 2016, 2017 y 2019.

El planteamiento de Pontí a la hora de realizar este cartel es “un claro homenaje a los 68 años de vida del festival”, a los cambios y su evolución. “La intención era representar todo esto haciendo alusión a que los cambios forman parte de la evolución”. Con una estética noventera, el cartel refleja el crecimiento del festival mediante 68 líneas “correspondientes a las ediciones desde un punto de vista de crecimiento, posicionamiento, dinamismo fuerza y trayectoria y todo ello concentrado en un diseño completamente gráfico y tipográfico donde el conjunto reflejara el halo de una proyección”, según explica el autor.

Punto de Encuentro y Tiempo de Historia

En esta décimo quinta convocatoria del concurso de carteles, se han seleccionado, además, los carteles de la sección Punto de Encuentro y Tiempo de Historia. La propuesta ganadora de la sección Punto de Encuentro lleva por título Coincidir. El cartel, obra del diseñador burgalés Diego Gil, se basa en unas franjas horizontales que “convergen en un espacio común a modo de cintas de películas de cineastas con diferentes miradas y lenguajes, que se proyectan en un punto de encuentro en Seminci”, de tal forma que autores y espectadores “se fusionan, creando un lugar o vínculo donde compartir historias y vivir experiencias”.

Diego Gil, arquitecto de interiores y diseñador, ha logrado numerosos reconocimientos en su faceta como diseñador gráfico. Entre otros trabajos, ha sido premiado por sus carteles del 30 aniversario de la EXPO’92 de Sevilla para la Fundación Fidas, el carnaval de Campo de Criptana, la 24 edición del Menorca Jazz Festival o el logotipo del 50 aniversario de la Dama de Baza, entre otros.

Historias del pasado es el título del cartel ganador de la sección Tiempo de Historia, obra de la joven diseñadora Ibone Etxebarria. Con una foto familiar antigua con los rostros emborronados como principal recurso, la diseñadora propone “representar a todas las personas cuyas vivencias han quedado en el olvido y la importancia de que estas narrativas encuentren su espacio”.

Ibone Etxebarria, nacida hace 27 años y afincada en Getxo (Bizkaia), realizó la carrera en la Escuela de Arte Superior de Diseño de Burgos y, posteriormente, un grado superior de diseño gráfico. Actualmente, trabaja como diseñadora en un estudio en Bilbao.

La 38ª edición de Cinema Jove otorgará este año el premio Luna de València a uno de los directores más libres, renovadores y comprometidos del cine ‘indie’ estadounidense reciente, Sean Baker (Nueva Jersey, 1971). El realizador y guionista será reconocido presencialmente durante la gala de inauguración del festival internacional de cine de València el 22 de junio en el Palau de les Arts.

El director adjunto de Audiovisuales y Cinematografía del IVC, Francesc Felipe, ha señalado que Cinema Jove premia este año “a una de las principales figuras del cine independiente norteamericano actual y uno de los más implacables y certeros cronistas del lado más oscuro y deprimente del sueño americano. En sus películas, Baker centra su mirada no exenta de humor en las clases marginales que malviven en la periferia de las grandes ciudades estadounidenses”.

Sean Baker es un guionista, director, productor y editor que ha realizado siete largometrajes independientes en las últimas dos décadas. Su aclamada película ‘The Florida Project’ (2017) recibió un premio al Mejor Director del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York y una nominación al Oscar al Mejor Actor de Reparto para Willem Dafoe. Su proyecto anterior, ‘Tangerine’ (2015), ganó un Independent Spirit Award y dos Gotham Awards. El filme más reciente de Baker, ‘Red Rocket’ (2021), se estrenó en el Festival de Cannes con gran éxito de crítica y fue distribuida por A24 en los Estados Unidos. y Focus Features a escala internacional. El cineasta acaba de finalizar la producción de su próximo largometraje.

“Sean Baker es el gran retratista de ecosistemas al margen; alguien que pone el foco en no-lugares, en personajes que tratan de salir a flote o encontrar algo de comodidad dentro de su hábitat“, ha destacado el director de Cinema Jove, Carlos Madrid.

Su cine acostumbra a poner el foco sobre colectivos infrarrepresentados en el audiovisual, personajes que viven en los márgenes de la sociedad, pero en su retrato, nunca falta el humor. Así, su ópera prima, ‘Take Out’ (2004), daba el protagonismo a un inmigrante chino en Nueva York que trabaja frenéticamente para reunir el dinero suficiente en propinas para pagar una deuda con unos contrabandistas, y ‘The Florida Project’ a una niña que vive en uno de los moteles de alquiler semanal situados en el entorno de Disney World. Junto al considerado como el “lugar más feliz del mundo” habitan familias en serios apuros económicos.

La cara B de la prosperidad americana

“La filmografía de Baker está trufada de personajes jóvenes, adolescentes, niños… en medio de una encrucijada o que simplemente buscan su lugar en el mundo. La cámara de Baker los trata con gran respeto, cariño y solidaridad, sin por ello ahorrarnos la crudeza, la cara B de la prosperidad americana”, ha valorado Madrid.

Su trayectoria ha estado marcada por abrazar tanto el formato analógico como el digital. El director alterna el talante experimental que le aporta el uso de cámaras digitales con la defensa del uso de película. Así, en 2015 acaparó la atención en Sundance con ‘Tangerine’, donde empleó un iPhone 5S encajado en un sistema estabilizador de Steadicam para indagar en la vida de dos trabajadoras sexuales transgénero, mientras que en 2022, filmó ‘Red Rocket’ en 16 milímetros y anamórfico, con la experiencia de la gran pantalla en mente para adentrarse en el regreso de un fracasado actor porno a su Texas local.

John Waters incluyó su último largometraje hasta la fecha en su lísta de 10 mejores películas del año 2021 por devolver al cine de autor “los polvos, las peleas y los desnudos frontales”.

Otro rasgo fundamental de su cinematografía es el cromatismo pop. En sus películas, la ciudad se convierte en un personaje más al que asocia una paleta de color. Le sucedió con Kissimmee en ‘The Florida Project’ y con Texas City en ‘Red Rocket’.

La Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donostia / San Sebastián y TerrorMolins – Festival de Cine de Terror de Molins de Rei unen fuerzas este año para presentar actividades conjuntas centradas en el mundo de las brujas, protagonistas de las ediciones de 2023 de ambos festivales, que tendrán lugar entre octubre y noviembre. El leitmotiv se denomina Sorginak-Bruixes. Una exposición de 24 ilustradoras y un libro escrito por Elisa McCausland y Diego Salgado forman parte del leitmotiv compartido.

La figura de la bruja ha sido una fuente de inspiración para el cine de terror desde sus orígenes, pero ha adquirido una especial relevancia en el contexto vasco y catalán, donde el cine y la literatura han explorado historia, cultura e identidad bajo ese prisma.

La bruja, en todas sus dimensiones, es un personaje que sigue fascinando y aterrorizando al público del cine de terror, pero también ha experimentado una resignificación en los últimos años, convirtiéndose en un símbolo de empoderamiento femenino y de resistencia frente a la opresión patriarcal y religiosa –The Lords of Salem (2012), The Love Witch (2016), Akelarre (2020)–.

Las brujas vascas se designan como sorgin o sorguiña, que podría ser “hacedora de suerte” o “creadora”. Las brujas catalanas usaban el término bruixa, que proviene del latín bruxa o brutia (“mordedora” o “chupadora”). Ambas han dejado una huella profunda en la cultura popular plasmada en leyendas, lugares y fiestas. En Euskal Herria se encuentra la Cueva de Zugarramurdi o Sorginen Leizea, ubicación para aquelarres. En Catalunya nos topamos con el castillo de Montsoriu, Sant Feliu de Sasserra o la plaça de les Bruixes de Molins de Rei, donde al parecer habitaban o se reunían las brujas.

La Semana de Cine Fantástico y de Terror y TerrorMolins recogen esta herencia cultural común y la celebrarán con una exposición de ilustradoras y un libro oficial compartido, además de otras actividades que se anunciarán más adelante. Las citas serán del 27 de octubre al 3 de noviembre en Donostia y del 3 al 12 de noviembre en Molins de Rei.

Bruixes – Sorginak – Brujas. Aquelarre ilustrado

La exposición Bruixes – Sorginak – Brujas. Aquelarre ilustrado reúne a 24 hechiceras de trayectoria vinculada al cómic, el diseño y la ilustración, reunidas para rendir pleitesía a una representación esencial en la ficción, literaria y audiovisual, que atraviesa nuestros sueños y pesadillas.

Esta muestra ritual, comisariada por Borja Crespo, cuenta con una importante presencia de autoras vascas (Ane Pikaza, Raquel Alzate, Higinia Garay, Josune Urrutia) y catalanas (Genie Espinosa, Sandra Uve, Susanna Martin, Nadia Hafid). Hemos invocado a esta selección de artistas para homenajear, con la magia de su talento, la importancia y el atractivo de un símbolo que protagoniza fábulas y está presente en algunos pasajes espeluznantes de nuestra historia.

Listado completo de ilustradoras participantes: Raquel Alzate, Sara Bea, Carla Berrocal, Natacha Bustos, Olga de Castro, Genie Espinosa, Mabel Esteban, Ana Galvañ, Higinia Garay, Nadia Hafid, Irene Márquez, Susanna Martín, Mermelada de Sesos, Ana Oncina, Laura Pérez, Mireia Pérez, Miriampersand, Ane Pikaza, Sara Soler, Clara Soriano, Josune Urrutia. Sandra Uve, Teresa Valero y Roberta Vázquez.

Beso negro: Brujería, cine y cultura pop
Elisa McCausland y Diego Salgado

Como sabe todo aficionado a las artes prohibidas, el osculum infame o beso en el ano del diablo, su otra boca, sella la rendición de un ser humano a los hechizos del mal. Beso negro: Brujería, cine y cultura pop recoge esa imagen en su título para arrojar luz oscura sobre un fenómeno que no ha dejado de manifestarse de una u otra forma en la cultura popular desde los inicios mismos de la Era de la Razón: la brujería.

Tras una introducción en la que se repasa el impacto de la misma en la esfera cultural y artística de los dos últimos siglos como manifestación de un descontento soterrado hacia los valores de la Modernidad, el ensayo pasa a contrastar en dos secciones bien definidas los personajes del brujo y la bruja, omnipresentes en la ficción audiovisual. El brujo y la bruja son figuras complementarias pero también antagónicas, si atendemos a los medios y los fines que persiguen a la hora de subvertir los valores dominantes.

Beso negro: Brujería, cine y cultura pop analiza las estrategias de uno y otra para transformar la realidad a través de un recorrido que tiene su epicentro en el cine pero no olvida la pequeña pantalla, el cómic y otras expresiones plásticas y audiovisuales en las que brujo y bruja han pugnado por materializar otra forma de ser y estar en el mundo. De Dion Fortune (1890-1946) y Häxan: La brujería a través de los tiempos (1922) hasta La bruja (2015) y los nigromantes de TikTok, un viaje en el que parece todo dicho y en el que todo está aún por invocar.

El libro será publicado con la Editorial Hermenaute.

Hermana Muerte de Paco Plaza será la encargada de inaugurar la próxima edición del Festival de Sitges, rodada casi íntegramente en el Real Monasterio de San Jerónimo de Cotalba, en una localidad cercana a Gandía, la película recupera el universo Verónica; se trata de un cuento de terror en clave femenina, que nos llevará a la España de posguerra, tomando como punto de referencia un convento sacudido por la llegada de Narcisa, una joven novicia con poderes sobrenaturales.

Hermana Muerte nos sitúa en la España de la posguerra, Narcisa, una joven novicia con poderes sobrenaturales, llega a un antiguo convento, ahora colegio para niñas, para incorporarse como maestra. Conforme pasan los días, los extraños acontecimientos y las situaciones cada vez más inquietantes que la atormentan terminarán por conducirla a desentrañar la terrible madeja de secretos que rodean al convento y acechan a sus habitantes.

En palabras del director, Paco Plaza: «Llevo asistiendo al festival de Sitges desde 1991, por lo que es fácil adivinar el privilegio que supone para mí participar un año más, y especialmente con la película inaugural. Sitges es el Wimbledon del terror, el centro del mundo para toda la comunidad cinéfila de terror a nivel planetario, y que “Hermana muerte» sea la película de apertura es un honor que me llena de felicidad. Es una película muy especial para mí en muchos sentidos, una expansión del universo de “Verónica”, con el que guarda muchas conexiones, pero es una película con una naturaleza propia y muy diferente a su predecesora, una película de una luminosidad tenebrosa en torno a un personaje muy querido para mí».

Con producción de El Estudio para Netflix la película, con guion a cargo de Jorge Guerricaechevarría, está protagonizada por Aria Bedmar, Almudena Amor, Maru Valdivielso, Luisa Merelas, Chelo Vivares y Consuelo Trujillo.

Javier Bardem recibirá un Premio Donostia en la 71ª edición del Festival de San Sebastián. El actor español será protagonista por partida doble: además de recibir el galardón honorífico más importante del Festival, que desde 1986 reconoce la trayectoria y aportación de grandes figuras del mundo del cine, será la imagen del cartel oficial de la próxima edición.

La ceremonia de entrega del galardón tendrá lugar durante la gala de inauguración de la 71ª edición, el viernes 22 de septiembre en el Auditorio Kursaal, treinta años después de la primera visita de Bardem al Festival, con motivo de la proyección de Huevos de oro (Bigas Luna) en la Sección Oficial, en 1993.

Javier Bardem (Las Palmas de Gran Canaria, 1969) es el actor español de mayor reconocimiento internacional en la actualidad con más de un centenar de galardones, entre los que figuran el Óscar, el Globo de Oro y el BAFTA por No Country for Old Men (No es país para viejos, 2007), los Goyas por sus actuaciones en Días Contados (1994), Boca a boca (1995), Los lunes al sol (2002), Mar adentro (2004), Biutiful (2010) y El buen patrón (2021), además de a la mejor película documental como productor de Hijos de las nubes, la última colonia (2012), así como los reconocimientos de la Academia del Cine Europeo, de los Premios Platino y de los principales festivales: el premio al mejor actor en Cannes (Biutiful, 2010), la Copa Volpi en Venecia (Before Night Falls / Antes que anochezca, 2000 y Mar adentro, 2004) y la Concha de Plata (por Días Contados y El detective y la muerte) en 1994.

San Sebastián ha seguido la evolución de la trayectoria del actor en las tres últimas décadas a través de su veintena de visitas: desde la primera con Huevos de oro (Bigas Luna, Sección Oficial, 1993) hasta la última con El buen patrón (Fernando León de Aranoa, Sección oficial, 2021), pasando por su Concha de Plata al mejor actor por Días contados (Imanol Uribe) y El detective y la muerte (Gonzalo Suárez), en 1994, sus colaboraciones con Pedro Almodóvar y Álex de la Iglesia (Perdita Durango -Velódromo- y Carne trémula -Made in Spain-, en 1997 y 1998) y la entrega del Premio Donostia a John Malkovich (1998). El Festival ha sido testigo del inicio de su carrera internacional con la proyección de Before Night Falls (Antes que anochezca, Julian Schnabel, Zabaltegi-Perlas) y la entrega del Premio Donostia a Robert de Niro en 2000 y la presentación, dos años después, de The Dancer Upstairs (Pasos de baile, John Malkovich, Zabaltegi-Perlas). Asimismo, ha asistido a la consolidación de su carrera con Los lunes al sol (Fernando León de Aranoa, Sección Oficial, 2002), Vicky Cristina Barcelona (Woody Allen, Zabaltegi-Perlas) en 2008, el reconocimiento del Premio Nacional de Cinematografía ese mismo año, y la entrega del Premio Donostia a Julia Roberts y la presentación de Eat Pray Love (Come reza ama, Ryan Murphy, Sección Oficial fuera de concurso, 2010). Y ha acogido también su faceta como productor en Hijos de las nubes, la última colonia (Made in Spain, 2012), Bigas x Bigas (Proyección especial Sección Oficial, 2016), Loving Pablo (Perlas, 2017) y Sanctuary (2019).

Javier Bardem es el sexto intérprete español en recibir el premio honorífico más importante del Festival, tras Fernando Fernán Gómez (1999), Paco Rabal (2001), Antonio Banderas (2008), Carmen Maura (2013) y Penélope Cruz (2019).

El Festival instauró en 2018 una nueva línea de carteles, presidida por una figura de la cinematografía contemporánea. Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver y Juliette Binoche han precedido a Bardem como imagen oficial, que este año ha sido elaborada por la agencia de publicidad Dimensión a partir de dos fotografías realizadas por el fotógrafo Nico Bustos. La superposición de las imágenes, a través del recurso de la maculatura, homenajea la capacidad camaleónica de Javier Bardem, su transformación en los personajes que encarna.

Dimensión también ha realizado los carteles del resto de secciones. Junto al fotógrafo José Luis López de Zubiria, han recurrido a la retórica visual para crear asociaciones no evidentes entre algunos objetos y los atributos específicos que definen a cada sección: el atrevimiento en el caso de New Directors, la energía de Horizontes Latinos, lo imprevisible en Zabaltegi-Tabakalera, lo selecto en Perlak, la osadía en Nest, el legado en Culinary Zinema y la identidad en Zinemira.

La Mostra Internacional de Cinema Periférico proyectará más de 60 piezas del archivo personal del artista que no habían salido a la luz hasta que fueron adquiridas por Filmoteca Española, en su esfuerzo por preservar y difundir el patrimonio cinematográfico de nuestro país.

El ciclo “A/Z: Zulueta inédito”, comisariado por Josetxo Cerdán y Miguel Fernández Labayen, inaugurará esta XIV edición del (S8) y se extenderá más allá de las fechas del festival.

El archivo fílmico inédito de Iván Zulueta inaugurará la décimo cuarta edición del (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico, el viernes 26 de mayo. Será la primera de un total de siete sesiones que el festival dedicará a proyectar el legado del mítico cineasta. Materiales fílmicos rodados entre los años 30 y 80 del siglo pasado, vinculados a su vida personal, a los movimientos culturales de nuestro país durante la Transición y a la vanguardia cinematográfica, que fueron adquiridos en 2021 por Filmoteca Española y estructurados, tras un profundo trabajo de investigación y conservación, en el ciclo “A/Z: Zulueta inédito”. Una propuesta comisariada por Josetxo Cerdán, exdirector de Filmoteca Española y catedrático de Comunicación Audiovisual de la Universidad Carlos III de Madrid, y Miguel Fernández Labayen, vicedecano del doble grado de Periodismo y Comunicación Audiovisual en la Universidad madrileña.

El ciclo que podrá verse en A Coruña de la mano del (S8) incluye, entre otras piezas, películas familiares y primeros registros y cortometrajes de Zulueta, filmaciones de fiestas con amigas y conocidos que reflejan el ambiente cultural de la Movida a finales de los setenta -entre las que figuran imágenes de una de las primeras manifestaciones en España en apoyo a los derechos de las personas LGTBI-, y materiales inéditos rodados durante la creación de su largometraje Arrebato (1979), uno de los filmes cumbre de la cinematografía española. Materiales que se creían perdidos o de los que no se tenía constancia de su existencia, y que permiten ampliar el conocimiento sobre uno de los creadores imprescindibles del cine español.

Cineasta, dibujante, ilustrador, realizador, decorador, actor y fotógrafo, Zulueta desafió las barreras entre las disciplinas artísticas, movido siempre por su pasión por la imagen, casi siempre, en movimiento. Precursor del cine underground y experimental en nuestro país, Iván Zulueta fue protagonista y fuente de inspiración de la primera edición del (S8), en 2010. Ahora, catorce años después, el festival acoge este programa de Filmoteca Española, con el fin de reivindicar la figura de un artista que abrió nuevas oportunidades y lenguajes. Adalid de la modernidad artística de la España de la libertad, Zulueta es aún un tesoro por descubrir.

El ciclo “A/Z: Zulueta inédito” se desarrollará a lo largo de la Mostra y continuará durante todo el mes de junio como parte de la programación extendida del (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico en Filmoteca de Galicia.

Tras la deliberación del Consejo Rector de la Fundación Municipal de Cultura, la concejala de Cultura, Ana Redondo, ha firmado el decreto de nombramiento del hasta ahora director del Festival de Sevilla

Tras la deliberación del Consejo Rector de la Fundación Municipal de Cultura de Valladolid (FMC) se ha resuelto nombramiento de José Luis Cienfuegos como nuevo director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, a propuesta de la comisión técnica de valoración de las candidaturas presentadas al proceso selectivo convocado para cubrir la plaza que deja vacante el hasta ahora director del festival, Javier Angulo.

El decreto de nombramiento ha sido firmado por la Presidenta de la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid, Ana Redondo.

José Luis Cienfuegos asume la dirección de Seminci tras haber permanecido al frente del Festival de Sevilla desde 2012. Como director del certamen de cine europeo, Cienfuegos ha congregado a las grandes figuras del cine europeo, desde leyendas como Agnès Varda o Paolo Taviani, hasta ganadores de la Palma de Oro del Festival de Cannes, como Jacques Audiard, Abdellatif Kechiche o Ruben Östlund, pasando por creadores que han marcado el paso del cine de autor en tiempos recientes, como Joanna Hogg, Alice Rohrwacher, Elia Suleiman, Abel Ferrara, Pietro Marcello, Christian Petzold, Sergei Loznitsa, Jessica Hausner, Mark Cousins, Andrea Arnold, Ulrich Seidl, Pedro Costa, Miguel Gomes, Aleksandr Sokúrov, Roy Andersson o João Pedro Rodrigues.

Como director del Festival de Sevilla, Cienfuegos formó parte del Comité Organizador de la gala de entrega de los 31 European Film Awards, celebrados en la ciudad hispalense en diciembre de 2018. Miembro de la European Film Academy, también forma parte de su comité de expertos, ha sido miembro del comité de selección de los premios LUX Film Awards hasta 2019 y ha sido asesor de programación en Laboral Cinemateca y de German Films para el Festival de Cine Alemán de Madrid, además de jurado del Premio Príncipe de Asturias de las Artes de la Fundación Príncipe de Asturias de 2013 a 2017.

Entre 2000 y 2012, organizó el festival multicultural “Intersecciones”, dedicado a músicos de gran prestigio y noveles de la escena independiente nacional e internacional, tarea que compatibilizaba con la dirección del Festival Internacional de Cine de Gijón, que dirigió entre 1995 y 2011, y al que otorgó un sello de calidad e independencia.

En Sevilla y Gijón ha organizado homenajes a cineastas como Olivier Assayas, Tsai Ming-liang, Aki Kaurismäki, Abbas Kiarostami, Paul Schrader, Víctor Erice, Todd Haynes, Hal Hartley, Todd Solondz, Larry Clark, Harmony Korine, João César Monteiro, Claude Lanzmann, Ulrich Seidl, Lukas Moodysson, Leos Carax, Bruno Dumont, Lisandro Alonso, Claire Denis, Carlos Reygadas o Bertrand Bonello.

Miembro habitual de jurados de festivales internacionales de cine, como San Sebastián, BAFICI, Karlovy Vary y el IFF Rotterdam Tigers, José Luis Cienfuegos asume ahora la dirección de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, donde liderará todas las actividades desarrolladas a lo largo del año en torno a la marca del certamen y del nuevo Espacio Seminci.

Asimismo, asumirá la representación ordinaria del festival, dirigirá a los equipos de trabajo que prestan sus servicios al certamen y propondrá al Consejo Rector de la FMC los planes de actuación de la cita, tanto para los días del festival como, si así lo considera, para actividades de extensión en el tiempo.

José Luis Cienfuegos sucede en el cargo a Javier Angulo, quien comunicó el pasado diciembre su decisión de dejar la dirección de Seminci después de 15 ediciones. Cienfuegos se convierte en el octavo director de la historia del festival, tras Antolín de Santiago y Juárez (1956-1973), Carmelo Romero (1974-1975), Rafael González Yáñez (1976-1977), Fernando Herrero (1978-1983), Fernando Lara (1984-2004), Juan Carlos Frugone (2005-2007) y Javier Angulo (2008-2023).

El autor de ‘La isla mínima’ conversará este jueves con el guionista Rafael Cobos, mientras que la cita con Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga será el 26 de mayo.

La sesión de Belén Funes y Marçal Cebrián se aplaza al próximo año.

La segunda temporada de Diálogos de cineastas, organizada por Koldo Mitxelena Kulturunea, Z365, el festival de todo el año del Festival de San Sebastián, y Elías Querejeta Zine Eskola, se cerrará en abril y mayo con las sesiones protagonizadas por Alberto Rodríguez y Rafael Cobos, y los tres cineastas de Moriarti Produkzioak: Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga.

Una de las alianzas más largas y fructíferas del cine español reciente protagonizará la jornada del jueves, día 13: la del director Alberto Rodríguez y el guionista Rafael Cobos, que han colaborado en películas como 7 vírgenes / 7 Virgins (2005), Grupo 7 / Unit 7 (2012), La isla mínima / Marshland (2014), El hombre de las mil caras / Smoke and Mirrors (2016) o Modelo 77 / Prison 77 (2022), que inauguró el pasado Festival de San Sebastián.

Para cerrar la segunda edición, los cineastas vascos Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga, explicarán el 26 de mayo su modelo de trabajo cooperativo en Balenciaga, su primera serie para una plataforma, tras su experiencia en títulos como Loreak / Flowers (2014), Handia (2017) y La trinchera infinita / The Endless Trench (2019), todos estrenados en la Sección Oficial del Festival.

La conversación prevista para el 4 de mayo con la directora Belén Funes, que estrenó su ópera prima La hija de un ladrón / A Thief’s Daughter (Goya a la mejor dirección novel) en la Sección Oficial de San Sebastián, y el guionista Marçal Cebrián, ha quedado aplazada a la próxima temporada porque se encuentran inmersos en la preparación de su segundo largometraje.

Las dos sesiones se desarrollarán en Areto Nagusia de Koldo Mitxelena Kulturunea (19:00 horas, entrada libre hasta completar aforo) y se emitirán en abierto por la página web kmk.gipuzkoakultura.eus.

El curso, además de descentralizar la mirada única de una o un cineasta, tiene como objetivo dar a conocer los oficios más tradicionales que conforman el desarrollo de un proyecto y, en consecuencia, aprender a ver y leer cine de forma crítica, en un contexto cuyas circunstancias lo están haciendo mutar en todas las direcciones posibles. En esta segunda temporada, han participado cineastas como Estibaliz Urresola, Irati Gorostidi, Maider Fernández Iriarte, Albert Serra, Mikel Gurrea, Fernando Franco, Pilar Palomero, Alauda Ruiz de Azua y Carlota Pereda.

La 22ª edición del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria arrancará el próximo 14 de abril, a las 21:00 horas, con la proyección de Cœur fidèle (The Faithful Heart, Francia, 1923, 87 min.), un buen ejemplo del cine de vanguardia francés que este 2023 cobrará especial protagonismo en el apartado «Camera Obscura».

El drama amoroso rodado por Jean Epstein llegará a la Sala Miller cien años después de su estreno y lo hará arropado por la música en directo del extraordinario bandoneonista argentino Santiago Cimadevilla quien, junto al Ensamble Camera Obscura, interpretará una pieza propia inspirada en el legado de Astor Piazzolla y Dino Saluzzi.

 Por tercer año consecutivo, «Camera Obscura» invitará a recorrer la historia del cine y la música. Y es que, tal y como recuerda en el texto del catálogo el director del FICLPG, Luis Miranda, “aunque el cine fuera mudo en sus primeras tres décadas de desarrollo, en público muy rara vez fue silente. La música estuvo a su lado (casi) desde el principio. Antes de que nadie se atreviera a suponer que el cinematógrafo tuviera algún futuro como arte, la música ya estaba junto a las imágenes, aunque fuera de ellas”.  

De este modo, diferentes artistas y formaciones volverán a acompañar el programa de la sección que, este año, contará con otros tres títulos que celebran su primer centenario o están a punto de hacerlo entre los que se encuentra El hombre mosca (Safety Last!). La comedia de Fred C. Newmeyer y Sam Taylor (EE.UU., 1923, 80 min.) protagonizada por Harold Lloyd recalará en el Festival junto a los acordes del compositor, contrabajista y bajista eléctrico Tana Santana.

La música del International Bach Festival Ensemble, un aliado del apartado de la cita cinematográfica desde su nacimiento, cerrará el ciclo de proyecciones acompañando a otros dos cortometrajes franceses de vanguardia: el surrealista Entr’acte de René Clair (1924, 25 min.) y el impresionista La souriante Madame Beudet (La sonriente Madame Beudet) de la cineasta Germaine Dulac (1923, 38 min.).

Al igual que en la pasada edición, «Camera Obscura» dará el pistoletazo de salida a una concurrida agenda con la reposición de una de las grandes obras maestras de principio del siglo pasado. Y es que, a pesar de no haber contado con el apoyo del público el año de su estreno, Cœur fidèle se ha consolidado como uno de los títulos de referencia del cine de vanguardia francés por su carácter innovador en cuanto al uso de los primeros planos.

La cinta fue una de las primeras en rodarse en Marsella, ciudad en cuyos fondos se adentró para narrar los entresijos de un triángulo amoroso formado por una huérfana de nombre Marie (Gina Manés), un trabajador portuario llamado Jean (Léon Mathot) y un matón apodado Petit Paul (Edmund Van Daële). Epstein tardó una noche en escribir el guion del que fue su tercer film y el primero de estilo dramático en solitario.

La copia restaurada por la Fundación Jérôme Seydoux-Pathé se proyectará la noche del 14 de abril con la música original compuesta para la ocasión por el bandoneonista argentino Santiago Cimadevilla, quien estará acompañado por el Ensamble Camera Obscura. La creación tomará como referencia la música de los compositores y bandoneonistas Astor Piazzolla y Dino Saluzzi.

Otras citas de «Camera Obscura»

«Camera Obscura» volverá a encender la pantalla de Miller tan solo un día después de la inauguración de la cita cinematográfica capitalina con una de las grandes comedias del cine mudo: El hombre mosca (Safety Last!). Dirigida por Fred C. Newmeyer y Sam Taylor, la película brindó una de las imágenes memorables de la historia del séptimo arte en la que se puede ver al protagonista, el icónico Harold Lloyd, colgado de las manecillas de un gran reloj de un rascacielos.

“Este ‘hombre mosca’, en principio, no es sino un empleado de grandes almacenes, sometido a una escalada de peripecias que ponen su integridad física en serio peligro, al tiempo que exaltan su respuesta positiva a lo que se espera del dinamismo americano: iniciativa, vigor juvenil y valentía -pese-a-todo”, explica el texto de Luis Miranda. La obra fue seleccionada en 1994 para su conservación en el Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos (National Film Registry).

Su reposición llegará a la capital grancanaria con una propuesta musical del compositor, contrabajista y bajista eléctrico Tana Santana, basada en la sonoridad de las primeras bandas de jazz y dixieland de los años 20. Para ello, se ha optado por una formación de quinteto que completarán Roberto Nieva al saxo alto David Xirgu a la batería, Xan Campos al piano y Jairo Cabrera a la trompeta, fliscornio, flauta y clarinete.

La última cita de «Camera Obscura» del 22º FICLPGC tendrá lugar el miércoles 19 de abril. La jornada volverá a pivotar en torno al cine de vanguardia francés a través de dos títulos de renombre: el cortometraje surrealista Entr’acte de René Clair y el mediometraje impresionista La souriante Madame Beudet de Germaine Dulac. El primero de estos celuloides de marcado carácter dadaísta y surrealista vio la luz en diciembre de 1924 en el Théâtre des Champs-Élysées de París, donde se proyectó durante el intermedio del ballet Relâche escrito por Francis Picabia con música de Erik Satie.

La composición del francés volverá a sonar en vivo en la capital gracias al IBF Ensemble, proyecto vinculado a «Camera Obscura» desde su nacimiento en 2021 y que, bajo la dirección de Humberto Armas, interpretará la obra durante el visionado de la copia restaurada por la Fundación Jérôme Seydoux-Pathé.

La agrupación grancanaria también acompañará la proyección de La souriante Madame Beudet, rodada por la directora considerada pionera del cine de vanguardia, Germaine Dulac. En esta ocasión, será una pieza con música de piano de Debussy, obras de Ravel, Gounod, Dora Pejačević y composiciones propias de Armas las que suenen mientras se reproduce el celuloide que cuenta la historia de una mujer inteligente atrapada en un matrimonio sin amor a quien da vida la actriz Germaine Dermoz. Una perspectiva rompedora y atrevida para la época que ha hecho que la película, que también cumple un siglo, sea considerada una de las primeras verdaderamente feministas.

Otros festivales

Tras inaugurar la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria con la proyección de Nosferatu, el apartado de cine mudo con música en directo revivió de nuevo el pasado septiembre al icónico vampiro en el Festival de Cine de Ourense (OUFF) con la proyección del gran éxito de Friedrich Wilhelm Murnau. Humberto Armas, director musical de la actividad, y la pianista Noemí Salomón, ambos del IBC Ensemble, fueron los encargados de coordinar para la cita el Ensemble OU Camera Obscura, formado para la ocasión con miembros de la Real Filarmónica de Galicia y la Orquesta Sinfónica de Galicia.

Selección Cámera Obscura

Cœur fidèle / The Faithful Heart, de Jean Epstein (Francia, 1923, 87 min.)
Safety Last! / El hombre mosca, de Fred C. Newmeyer y Sam Taylor (EE.UU., 1923, 80 min.)
Entr’acte, de René Clair (Francia, 1924, 25 min.)
La souriante Madame Beudet / La sonriente Madame Beudet, de Germaine Dulac (Francia, 1923, 38 min.)

El espíritu de la colmena celebra en 2023 el 50 aniversario de su estreno y la recepción del máximo reconocimiento del Festival de Cine de San Sebastián, la Concha de Oro de 1973.

Las Palmas de Gran Canaria ha querido rendir tributo a esta efeméride y subrayar el valor de esta obra maestra del cine con un ciclo que gira en torno al clásico y que ha sido comisariado por el crítico y programador Jaime Pena y que, entre otras joyas, contempla la proyección de El largo día acaba con la presencia de su director Terence Davies.

Asimismo, el cartel de la vigésima segunda edición de la cita grancanaria celebra el aniversario y muestra, en una de sus versiones, a una de las protagonistas de la película, Ana, en la misma actitud que los tres monos sabios, así como al monstruo que la fascina, Frankenstein de James Whale, triplicado y en idéntica actitud en la otra adaptación de la imagen del Festival.

«Ecos de un espíritu. 50 años de El espíritu de la colmena» es el título bajo el que el gallego Jaime Pena presenta 10 obras conectadas, de una u otra manera, con la de Víctor Erice, “una película fundamental”, según el director del Festival, un referente en el cine como estado de arte que, en palabras de Luis Miranda, “tiene una gran capacidad de evocación, conecta con cualquier tipo de público en cualquier lugar del mundo y ha ejercido una influencia real sobre el cine de los últimos 50 años”.

La infancia, la poesía, el cine y la fascinación que provoca son algunos de los nexos de unión en la selección propuesta, una colección que contempla grandes joyas del cine, empezando por la propia película de Erice y la mencionada El largo día acaba (The Long Day Closes) de Terence Davies (Reino Unido, 1992, 85 min.), además de Le printemps de Marcel Hanoun (Francia, 1971, 82 min.); El viajero (Mossafer) de Abas Kiarostami (Irán, 1974, 84 min.); Cría Cuervos de Carlos Saura (España, 1976, 110 min.); Los motivos de Berta de José Luis Guerín (España, 1983, 85 min.); La sangre (O Sangue) de Pedro Costa (Portugal, 1989, 99 min.); Ponette de Jacques Doillon (Francia, 1996, 90 min.); Ya viene, aguanta, riégueme, mátame del Colectivo Los Hijos (España, 2009, 8 min.); Verano 1993 de Carla Simón (España, 2017, 96 min) y Train Again de Peter Tscherkassky (Austria, 2021, 20 min.).

Retrospectiva integral de la obra de Terence Davies

La confirmación de asistencia de Terence Davies, a propósito del tributo a la creación que considera “obra maestra del cine mundial”, será celebrada por el equipo de programación del Festival con una retrospectiva de la obra completa del cineasta británico.

En total una decena de títulos de un cine que, tal y como señaló Luis Miranda, tiene “un aliento clásico, lírico y muy personal. De una elegancia formal y narrativa que a penas tiene parangón en el cine contemporáneo”.

The Terence Davies Thrilogie: Children (1976, 47 min.); Madonna and Child (1980, 30 min.); Death and Transfiguration (1983)

Distant Voices, Still Lives (1988)

The Long Day Closes (1992)

The Neon Bible (1995)

The House of Mirth / La casa de la alegría (2000)

Of Time and the City (2008)

The Deep Blue Sea (2011)

Sunset Song (2015)

A Quiet Passion / Historia de una pasión (2016)

Benediction (2021)

‘Artxiboa’, la página web que permite la consulta libre a la ciudadanía y a especialistas de los 70 años de historia del Festival de San Sebastián, tiene como propósito generar un archivo vivo que funcione como un espacio de reflexión y discusión en torno al pasado, el presente y el futuro del Festival abierto a diálogos críticos con el pensamiento, la investigación y la creación contemporánea. Para ello, desde el inicio del proyecto se han definido diferentes focos de investigación y, además, todos los meses el equipo de ‘Artxiboa’ escoge el documento del mes, una de las colecciones digitales a partir de las cuales se puede bucear en el archivo histórico del Festival, como los diarios, los carteles o las fotografías.

En el caso del documento del mes se trata de ofrecer pistas sobre los fondos del Festival a partir de diferentes objetos del archivo: en diciembre, coincidiendo con la inauguración de ‘Artxiboa’ se puso en circulación la autorización de un jovencísimo Pedro Almodóvar que, en 1980, daba permiso para proyectar Pepi, Luci y Bom y otras chicas del montón en distintas localidades del País Vasco y Navarra a través de la Comisión Barrios y Pueblos; en enero, se rescató el material de cartelería más antiguo conservado en el archivo del Festival: el póster de la segunda semana de formación cinematográfica celebrada en 1955, diseñado por el humorista, escritor y cineasta José María González Castrillo ‘Chumy Chúmez’; y en febrero, en un guiño a la celebración de la Berlinale, se difundía la acreditación para el festival de Berlín de Pilar Olascoaga, secretaria general del Festival y una de las personalidades clave del certamen. En marzo, el documento del mes que se publica hoy tiene como protagonista al actor y director francés Pierre Clémenti que, en 1979, fue invitado a participar en la sección Nuevos Realizadores del Festival con su película New Old. El rastro en el archivo de la visita del actor de Belle de jour (Bella de día, Luis Buñuel, 1967), que trabajó también a las órdenes de Visconti, Pasolini y Bertolucci, es fecundo. Entre sus documentos, figura la emblemática imagen de su entrada en el teatro Victoria Eugenia del brazo de Ocaña.

Vídeo de Kutxa Fundazioa

Precisamente, la fotografía de Clémenti y Ocaña es una de las dos imágenes escogidas -de las cerca de 60.000 posibles- para explicar en un vídeo la colaboración entre el Festival y Kutxa Fundazioa que ha permitido recuperar, conservar, catalogar y difundir los fondos del Festival y de Fototeka, coincidiendo con su 50 aniversario, y ponerlo a disposición tanto de la ciudadanía como de especialistas. En el documento audiovisual, las voces de Ane Abalde, directora de Arte y Patrimonio de Kutxa Fundazioa; Maialen Beloki, subdirectora del Festival de San Sebastián; Pablo La Parra, investigador principal del proyecto Zinemaldia 70: todas las historias posibles; el fotógrafo Juantxo Egaña; las conservadoras-restauradoras Anna Ferrer, Lorena Soria y Andrea Sánchez y el técnico de digitalización Niko Iturralde explican tanto las dificultades técnicas como la trascendencia política, social y artística que entraña ‘Artxiboa’.

El país andino, invitado de honor, participará con cuatro largometrajes
en Sección Oficial y otros tres en el ciclo Focus Perú.

La campaña ‘El cine nos representa’ llevará hasta el certamen andaluz a más de 20 profesionales que participarán en secciones de MAFIZ como Málaga Talent, Hack MAFIZ y Warmi Lab, una residencia para mujeres cineastas de diversas regiones del Perú.

Perú será el país invitado de honor del 26 Festival de Málaga, donde será el protagonista del Latin American Focus de MAFIZ (Málaga Festival Industry Zone), un espacio para dar a conocer la cinematografía peruana contemporánea, el talento que hace posible su crecimiento y las posibilidades de colaboración con su industria y de rodar en sus localizaciones.

A través de la campaña EL CINE NOS REPRESENTA el país andino presentará lo mejor de su producción cinematográfica actual con dos estrenos mundiales y películas programadas tanto en Sección Oficial (Diógenes, El caso Monroy, Hipocampo) como en el ciclo Focus Perú (El corazón de la luna, Invasión Drag, Un mundo para Julius). Se trata de propuestas que abordan cuestiones como  la realidad LGTBQ+, la gastronomía, las lenguas indígenas, el valor de la tierra o  la denuncia social a través de la ficción, el documental y la ciencia ficción.

Entre el 13 y el 17 de marzo, visitará el certamen andaluz una delegación encabezada por la Ministra de Cultura del Perú, Leslie Carol Urteaga Peña; la responsable de la Dirección del Audiovisual, la Fonografía y los Nuevos Medios (DAFO); Erika Chávez Huamán; y la jefa de la Oficina de Estrategia de Imagen y Marca País; Carmen Julia García. Junto a ellas viajarán trabajadores del cine y del audiovisual, autoridades y representantes institucionales para establecer relaciones profesionales, artísticas, comerciales, y fomentar las oportunidades de colaboración y coproducción. Asimismo, se espera la presencia en Málaga de cineastas como Leonardo Barbuy, Jose Mández, Delia Ackerman, Víctor César Ybazeta Guerra, Aldo Salvini, Alberto Castro o  Rossana Díaz Costa, así como las directoras programadas en la sección Warmi Llab.

CINE PERUANO EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA

En ediciones anteriores de este festival han sido reconocidos algunos de los cineastas más importantes del cine peruano. Es el caso de Claudia Llosa, ganadora del Oso de oro en Berlín con La Teta Asustada, que en 2005 ganó en este festival  el premio a Mejor Película latinoamericana por Madeinusa. O del ganador del Goya Javier Corcuera, cuyo film Invierno en Bagdad fue reconocido como Mejor Película Documental.

El Festival de Málaga es el escenario elegido para presentar dos estrenos mundiales de la reciente cinematografía peruana. En primer lugar, DIÓGENES (2023), la ópera prima de Leonardo Barbuy, una coproducción con Colombia y Francia, es una historia sobre una búsqueda del pasado en plenos Andes peruanos, se podrá ver, dentro de la Sección Oficial Zonacine, el martes 14 en la Sala Albéniz en dos sesiones: a las 16:00 y a las 22.15.

También tendrá su premiere internacional EL CASO MONROY (2023) tercer largometraje de Josué Méndez, primer cineasta peruano en participar en el programa Work In Progress del Festival de Cannes. Programada en Sección Oficial Fuera de Competencia, esta coproducción con Argentina está  inspirada en las crónicas del libro Día de visita de Marco Avilés. Una historia sobre la corrupción judicial que se podrá ver el jueves 16 a las 20:45 en Cine Albéniz, y el sábado 18 a las 17:00 en Sala María Victoria Atencia.

Además, participará en Sección Oficial Hatun Phaqcha, Tierra Sana (2021) de Delia Ackerman, un documental sobre la paradoja que se vive en Perú, un país productor de alimentos nutritivos que, sin embargo, sufre de malnutrición y otras enfermedades ligadas a una dieta inadecuada. Se proyectará el sábado 11 a las 16:00 en Teatro Echegaray.

Víctor César Ybazeta Guerra presentará HIPOCAMPO (2022), donde además de la dirección firma el guion, la fotografía y el montaje. Este cortometraje documental que retrata  un viaje sensorial hacia el futuro de Paita se ha programado el miércoles 15 a las 19:30 en Teatro Echegaray.

Hatun Phaqcha de Delia Ackerman.

Otras tres producciones participarán en Latin American Focus, un encuentro de coproducción con Latinoamérica en el que un país de este territorio se convierte en protagonista: El corazón de la luna, Invasión Drag y Un mundo para Julius. Tras Costa Rica en 2022, Perú es el país elegido en 2023 para centrar esta iniciativa que nace con la vocación de ser punto de encuentro entre productores latinoamericanos y distribuidores e inversores de España y resto de Europa con el fin de fomentar la coproducción de proyectos latinoamericanos destinados al mercado internacional.

EL CORAZÓN DE LA LUNA (2021) de Aldo Salvini es una fábula de ciencia ficción que narra la búsqueda de la felicidad de una anciana. La película fue seleccionada por el Ministerio de Cultura de Perú para competir en la 95.ª edición de los Premios Óscar en la categoría Mejor Película Internacional. Se proyectará el miércoles 15 a las 16:15 en Cine Albéniz.
Dirigida y escrita por Rossana Díaz Costa a partir de la novela homónima de Alfredo Bryce Echenique, UN MUNDO PARA JULIUS (2021) es la historia del desencanto y la pérdida de la inocencia de un niño de clase alta. Esta coproducción con España y Argentina se ha programado el viernes 17 a las 18:45 en Cine Albéniz. 

Con INVASIÓN DRAG (2020) Alberto Castro inició su trilogía de películas de temática LGBT+. Este documental filmado en 2017 registra la llegada a Lima de los integrantes del famoso programa internacional RuPaul Drag Race. Seleccionado en el short list de los Premios Platino del Cine Iberoamericano a Mejor Documental,  se podrá ver el viernes 17 a las 17:00 en Cine Albéniz.

El corazón de la luna de Aldo Salvini

PERÚ, PROTAGONISTA DE MAFIZ

Una delegación oficial  seleccionada por el Festival visitará las diferentes secciones del MAFIZ con sus proyectos en desarrollo y postproducción, y participarán en espacios formativos como el Málaga Talent, el Hack MAFIZ y el Warmi Lab, una residencia para mujeres cineastas de diversas regiones del Perú.

Los proyectos 4EBER de Ximena Valdivia (Montaña Rosa Films), Gloria de Sairah, Josefina Choque (Llamkaq Warm Cine), La otra orilla de Francesca Canepa (Splitfilms), Misión Kipi de Sonaly Tuesta (Ayni Producciones) se presentarán en MAFF; Aida de Alejandra Gómez (Conteo Regresivo Films) en MAFF Women Screen Industry; y Estados generales de Mauricio Freyre (Estudio Rien, Tasio) y Punku de Juan Daniel Fernández Molero (Tiempo Libre) en Málaga WIP Iberoamérica. Por su parte, Katya Zevallos Ynmenso participará en Hack Málaga.

Asimismo, entre el 14 y el 16 de marzo se presentarán cuatro proyectos de directoras peruanas jóvenes bajo el sello Warmi Lab: Cabeza de Toro de Kandy Nataly Aures; Catorce de María Jimena Calderón; Ukhu de Sadeli Nina Contreras; y Watukamunayki, de Gladis Flórez. Con este laboratorio, cuyo significado es «mujer» en lengua quechua, se pone en marcha una iniciativa de formación de mujeres jóvenes cineastas que tendrá continuidad en próximas ediciones del Festival de Málaga.

Perú cerrará su participación en el Festival de Málaga el 15 de marzo, con una serie de reuniones y actividades profesionales para crear un punto de encuentro e intercambio entre los profesionales peruanos y la industria cinematográfica nacional e internacional. Esta jornada culminará con la entrega de la Biznaga de Plata, de manos de Francisco de la Torre, alcalde de Málaga.

El Festival Ohlalà! – Festival de Cine francófono de Barcelona que se celebrará del 1 al 8 de marzo en el Institut Français y los Cines Girona contará con Thierry Frémaux como invitado de honor y rendirá homenaje al cine de Xavier Dolan. 

Thierry Frémaux, delegado general del Festival de Cannes y director del Institut Lumière de Lyon, visitará Barcelona el próximo mes de marzo. Y lo hará de la mano de Ohlalà! Film Festival. El Festival le ha concedido una carta blanca para presentar una película de su elección. 

La película seleccionada es Dans la nuit de Charles Vanel, última película del cine mudo francés (1929), restaurada por el Institut Lumière, que tuvo una proyección en el Festival de San Sebastián en 2022. La película, que contará con música de piano interpretada en directo por el compositor, director de orquesta y pianista Gerard Pastor, y se podrá ver el jueves 2 de marzo a las 19h en el auditorio del Institut français. Se trata del único largometraje dirigido por el prolífico actor Charles Vanel (1892-1989), que también encarnó al protagonista, un minero cuya vida cambia tras sufrir un accidente laboral que le desfigura el rostro.

Destacado personaje del mundo del cine, el director del Festival de Cannes ha llevado el Festival a ampliar su programación que ahora cuenta con obras que van desde el género hasta la animación, y ha fortalecido la sección Un Certain Regard a través de una mezcla de talentos emergentes y autores establecidos. 

Fremaux ha aportado un sentido del cine como espectáculo, evento social en vivo y vínculo comunitario, que ha florecido en su otra carrera, en el Instituto Lumière de Lyon, donde comenzó a trabajar en 1983 y lanzó el Festival Lumière de Lyon en 2009, con Bertrand Tavernier.

Ohlalà! Film Festival sigue su apuesta por reivindicar el cine de calidad y este año lo hace con un homenaje  a la figura del joven Xavier Dolan. L’enfant terrible del cine quebequense se consagró en Cannes con el film J’ai tué ma mère que se llevó tres premios. Entonces tenía diecinueve años. Ahora cuenta con treinta y tres y una prolífica carrera cinematográfica. 

La retrospectiva de la quinta edición de Ohlalà! Festival presenta Laurence Anyways, seleccionada en Un Certain Regard en Cannes 2012; Tom à la ferme, un thriller psicológico adaptado de una obra del dramaturgo Michel Marc Bouchard, premio FIPRESCI en la Mostra de Venecia en 2013 e inédita en España; y por último, Mommy, Premio del Jurado del Festival de Cannes en 2014. Su film más conocido y más aclamado por la crítica, una obra maestra contemporánea que cautivó a todo su público.

Las proyecciones de estos tres títulos se podrán ver en los Cines Girona los días 2, y 3 , y 6 de marzo y la retrospectiva se verá ampliada en la plataforma FILMIN con las películas Mi vida con John F. Donovan, Matthias & Maxime y Solo el fin del mundo. 

El festival, que toma su nombre de la característica locución francesa para expresar sorpresa, nostalgia o alegría, alude a la magia del cine y la variedad de emociones que la gran pantalla es capaz de evocar en el espectador. Ohlalà!

Bajo la atenta mirada de John Belushi, protagonista de la imagen de esta edición, obra de Gloria Bonet y Fredi Rife, el festival se inaugurará en la sala Phenomena el 7 de marzo y continuará en las tres salas de los Cinemes Girona y en el Zumzeig del 8 al 12 de marzo. La inauguración como siempre será con invitación.

Este año estar presente en el festival Todd Solondz, una de las voces más personales y controvertidas del reciente cine independiente norteamericano, que será objeto de una retrospectiva en la Filmoteca, que empezará el día 28 de febrero con su presentación de Wiener-Dog y se extenderá hasta el 15 de marzo. El 1 de febrero también presentará Bienvenidos a la casa de muñecas. Atentos, pues, ya que mayoritariamente, la retrospectiva será antes de las fechas del festival. Además, el 27 de febrero haremos una clase magistral en Blanquerna que costará 15 euros.

La programación, como siempre, se dividirá en las secciones TOPS, NEXT y DOCS. Este año la película inaugural, será de esta última sección, un título que llegará a Americana después de haber ganado el León de Oro a mejor film en el último festival de Venecia, se trata de La belleza y el dolor, nominada al Oscar a mejor largometraje documental, de la ya oscaritzada directora Laura Poitras, un impactante film activista, contra el poder farmacéutico con el arte y la lucha de la fotógrafa Nan Goldin como protagonista. En la sección DOCS también encontraremos All That Breathes, otra cinta nominada al Oscar, historia necesaria y humana explicada con imágenes de gran belleza que nos recuerda como los pequeños gestos pueden ayudar a mejorar el mundo; All These Sons (de otro nominado al Oscar, Bing Liu), que nos muestra los programas comunitarios de ayuda contra la violencia en Chicago; en A Compassionate Spy, de uno de los mejores documentalistas de la actualidad, Steve James, que nos transporta a 1944 para explicarnos la historia de uno de los espías más famosos de la guerra fría; Framing Agnes, ganadora de dos premios en Sundance, es una reflexión apasionante sobre la identidad trans en los Estados Unidos; The Pez Outlaw, en este caso ganadora de SXSW, es una alucinante historia sobre Steve Glew, que hacía contrabando en los EE. UU. de dispensadores de la marca Pez; TikTok, Boom, un documental sobre todo lo que hay detrás de la aplicación con más descargas de la historia; y, finalmente, La Colonial, que nos lleva al microcosmos formado en este edificio de gran lujo ubicado en uno de los barrios más antiguos, populares y humildes de Ciudad de México.

Dentro de TOPS tendremos una selección de las películas indies más esperadas y premiadas en la actualidad. Riceboy Sleeps, ganadora del premio del público en festivales de todo el mundo, sobre una madre soltera coreana que cría su hijo pequeño en los suburbios del Canadá. Una delicada y cálida pieza sobre la búsqueda de la identidad y la importancia de las raíces culturales en las personas migrantes. Falcon Lake, también canadiense, recientemente nominada al César, una atípica historia de amor en un contexto fantástico de atmósfera inquietante, donde la debutante Charlotte Le Bon filma una delicada y exquisita película, que se detiene en su maravilloso entorno, cuida cada plano y estremece con una presunta sencillez que oculta varias capas. War Pony, Cámara de Oro en Cannes, un coming of age, retrato sin prejuicios ni florituras sobre la realidad que viven los jóvenes indios en la reserva de Pine Ridge, en Nebraska, uno de los lugares más pobres de Norteamérica. El hoyo en la cerca, otro coming of age, en este caso mexicano, donde el descubrimiento de un agujero en la valla perimetral de un campamento de verano, desencadena una serie de acontecimientos cada vez más inquietantes, con la intención de reflexionar sobre los problemas de la educación y la diferencia de clases sociales en el país. Palm Trees and Power Lines, mejor dirección en Sundance y con cuatro nominaciones en los Independent Spirit, donde Lea, una adolescente desencantada y alienada, ve en un hombre que le duplica la edad una escapatoria a su verano descafeinado. La directora Jamie Dack opta por el realismo para abordar una temática complicada con unos diálogos en el umbral de la duda y la manipulación y unas interpretaciones excelentes que exponen sin señalar y condenan sin evidenciar. Emily the Criminal, también nominada a los Independent con cuatro candidaturas, donde Aubrey Plaza, hace un trabajo para unos delincuentes comunes y atraída por este submundo, buscará tomar más responsabilidades, poniendo en peligro su vida. El debutante John Patton Ford, mantiene un ritmo tenso y constante en este thriller criminal situado en una siempre fascinante Los Angeles. Sharp Stick, donde  Lena Dunham vuelve a dirigir un largo después de 12 años en una historia de sexo que hará temblar la moral del espectador con sus mujeres liberadas o en proceso de liberación, movidas por su independencia y su deseo. Y este año también tenemos un slasher, Bodies Bodies Bodies, donde el aislamiento de un grupo de amigos en una mansión se convierte en la excusa perfecta para la fiesta y la paranoia, exponiendo el sentir de una generación que no confía ni en su sombra. Dual se adentra en la comedia negra y la ciencia ficción. La dirige RileyStearns, de quien hemos visto a Americana el resto de su filmografía, Faults y The Art of Self Defense. Nos explica una historia de clones con humor delirante y surrealista, no exento de una fría violencia física y emocional. Finalmente, Acidman, de Alex Lehman, clausurará el festival. Es una película intimista de historias paranormales, que de nuevo usa la ciencia ficción como excusa para tratar relaciones personales, y que ha sido galardonada en varios certámenes.

Y, finalmente, los talentos emergentes de NEXT. The Unknown Country es una road movie intimista que nos acerca a los personajes solitarios que transitan la América profunda, con una mirada lírica que recuerda al cine de  Kelly Reichardt. Unidentified Objects, otra road movie, mucho más delirante, que mezcla enanos, prostitutas y extraterrestres y que es un canto a la diversidad y a las segundas oportunidades. Something You Said Last Night, una coming of age de una chica trans aspirante a escritora en busca de independencia, con una escena absolutamente mágica. Montana Story nos acerca al reencuentro de dos hermanos que vuelven al rancho familiar para cuidar de su padre enfermo en este drama de introspección con unas localizaciones y una fotografía excelentes que merece la pena verse en la gran pantalla. En Linoleum, una serie de acontecimientos surrealistas empujarán a un presentador a intentar cumplir su sueño de infancia: convertirse en astronauta. La ciencia ficción, el drama y la comedia se combinan a la perfección en esta nostálgica y onírica película que nos recuerda por instantes a Brigsby Bear. Amor y matemáticas es una pequeña y nada complaciente comedia romántica mexicana que llena de sensibilidad femenina una entrañable historia de amor y música. En Every Day in Kamuki, un músico retirado quiere cambiar de vida en Nueva York. Una pequeña joya, que pasó por Sundance y que es la primera producción de Hawai de la historia de Americana. En Know Your Place, unos chicos de ascendencia etíope intentan entregar una maleta cargada de medicamentos y dinero en efectivo. Galardonada en el pasado festival de Seattle es un debut honesto y directo sobre la identidad, la amistad y el sentimiento de pertenencia a una comunidad. El club del odio, que algunos conoceréis como Soft & Quiet, es el brutal debut de Beth de Araújo que ha sacudido todos los festivales por dónde ha pasado. Una historia de terror cotidiano de Blumhouse rodada magistralmente en un plano secuencia con todo el sentido del mundo. Y más terror con Jethica, en este caso en clave de comedia lowcost situada en la América profunda, donde Elena se encuentra con Jessica, una vieja amiga de la escuela. Cuando un acosador de Jessica aparece repentinamente, tendrán que buscar ayuda en el más allá para deshacerse de él por siempre jamás.

Del 7 al 12 de marzo Americana Film Fest celebrará su décima edición en Barcelona en sus sedes habituales (Cinemes Girona, Zumzeig, Phenomena y Filmoteca de Catalunya), y para estar a la altura de este aniversario tan especial os anunciaremos el invitado estrella de esta edición. El festival tendrá el honor de recibir al realizador Todd Solondz, director de películas como Happiness o Wiener-dog. Todd Solondz vendrá a Barcelona a presentar una retrospectiva completa de su filmografía que realizaremos en colaboración con la Filmoteca de Catalunya. Próximamente anunciaremos las fechas exactas de la retrospectiva y las sesiones con la presencia de su director.

A continuación, hacemos un pequeño avance de la programación. Empezamos por Falcon Lake de Charlotte Le Bon, una misteriosa coming of age quebequesa que se estrenó en la Quincena de realizadores de Cannes y que ha pasado por festivales como Valladolid o Deauville (premio de Ornano-Valenti). Joseph Engel y Sara Montpetit protagonizan una historia de exploración de la sexualidad durante unas vacaciones de verano con el trasfondo de la leyenda del fantasma del lago Falcon.

El segundo título que avanzamos hoy la primera película de la historia en ganar el premio a mejor documental en Sundance y Cannes, se trata de All that Breathes. Una película que ha llegado a la shortlist de los premios Oscar y ha estado nominada en multitud de premios como, por ejemplo, los Independent Spirit Awards. La película nos acerca a dos hermanos que dedican su vida a proteger un pájaro conocido como milano negro en la ciudad de Delhi en medio de un escenario apocalíptico debido a las consecuencias del cambio climático.

‘La Habanera’, una película rodada por Douglas Sirk antes de exiliarse en Estados Unidos, y ‘Lumière’, el desconocido debut como directora de la legendaria actriz Jeanne Moreau, se presentarán en copias recientemente restauradas

El taller ‘Programming European Heritage at Film Festivals’ reunirá los días 8 y 9 de noviembre en el CICUS a representantes de filmotecas y archivos europeos para reflexionar sobre la preservación y difusión del patrimonio fílmico.

El Festival de Sevilla vuelve a poner de manifiesto en su 19ª edición, que se celebrará del 4 al 12 de noviembre, su vocación de servir de espacio de reflexión cinematográfica y de difusión del patrimonio fílmico. Creada el año pasado con el propósito de repensar el canon y visibilizar películas que en su momento fueron injustamente olvidadas, acalladas por la censura, obviadas por cuestiones geográficas –en el caso de tantos creadores del otro lado del Telón de Acero cuando éste permanecía en pie– o de género –como les ocurrió a tantas mujeres cineastas–, la sección Hacia otra historia del cine europeo ofrecerá en su segunda convocatoria una selección de ocho títulos que se proyectarán por primera vez en España en sus copias recientemente restauradas.

Con el convencimiento de que la historia no es ni puede ser algo estático, el Festival de Sevilla, a través de esta sección, aspira a generar un debate enriquecedor e impulsar una historiografía del cine viva y crítica con los discursos hegemónicos. O lo que es lo mismo: un proceso en el que nunca se deja de investigar para sacar a la luz lo desconocido, reevaluar lo incomprendido o reinterpretar lo que parece inamovible.

Esta iniciativa, única en el panorama de festivales de cine españoles, se lleva a cabo este año con la colaboración de Europe Direct Sevilla y de una serie de filmotecas y archivos de toda Europa que juegan un papel esencial a la hora de preservar y difundir el legado cinematográfico del continente. Entre ellas se encuentran, en esta edición, la Filmoteca Española, el National Institute Film Hungary, el Greek Film Archive, la Friedrich Wilhelm Murnau Foundation o el EyeFilm Museum de Ámsterdam.

Al acercar al público actual películas relevantes y sin embargo muy poco conocidas, Hacia otra historia del cine europeo plantea también una reflexión sobre el papel que pueden desempeñar los festivales no sólo como plataformas para la exhibición de la creación contemporánea, sino también como impulsores de esta reevaluación permanente del canon dominante y como divulgadores fundamentales del ingente patrimonio cinematográfico europeo.

La Habanera

Douglas Sirk y Jeanne Moreau

Ejemplo elocuente del espíritu al que responde esta sección es uno de los grandes títulos programados dentro de ella esta edición, La Habanera (1937), una de las películas más relevantes rodadas en el marco del sistema de los estudios UFA, que gozó de un enorme éxito popular en la Alemania inmediatamente anterior a la Segunda Guerra Mundial. Último trabajo de su director, Detlef Sierck, antes de exiliarse en Estados Unidos ante el imparable avance del horror nazi y pasar a la historia como Douglas Sirk, este título prefigura los rasgos estilísticos que lo convertirían en el gran maestro del melodrama hollywoodiense. Se trata, como sería habitual en adelante en su obra, de una historia narrada desde el punto de vista de una mujer que desafía la norma: esta vez, una que se desenvuelve entre terratenientes y políticos corruptos en un exotizado Puerto Rico que en realidad era la isla de Tenerife, donde se rodó la película.

Otro plato fuerte de Hacia otra historia del cine europeo lleva el nombre de Jeanne Moreau, pero no como intérprete, sino como directora. Lumière (1976) es la primera de las tres películas que realizaría tras la cámara y que quedarían eclipsadas por su condición de actriz legendaria e imprescindible del cine francés. En este rotundo debut como autora, Moreau, que también actuaba en el film, convocó a tres compañeras (Lucía Bosé, Francine Racette y Caroline Cartier) para entregar una obra sobre cuatro actrices en distintos estadios de sus carreras que se reúnen en una lujosa casa de campo para hablar de su oficio y de asuntos personales. Se trata de un título muy desconocido pese a su carácter visionario, pues se adelantó a un género hoy tan en boga como la autoficción.

Joyas ocultas tras el Telón de Acero

The long farewell, terminada en 1971 pero estrenada en 1987, con la perestroika en ya marcha, es una de las cimas de Kira Muratova, cineasta ucraniana fallecida en 2018 y autora clave para entender el cine soviético. En esta película la directora se detiene a observar el fuerte apego de una madre soltera hacia su hijo, una historia que podría haber agradado a las autoridades soviéticas de no ser por la libertad estética y la experimentación formal de las que hacía gala la autora, lo que representaba una inconveniente desafección hacia el realismo socialista y los discursos férreamente programáticos que fomentaba el poder.

La de la directora húngara Judit Ember es una de esas recuperaciones necesarias, ya que encarna paradigmáticamente la suerte de tantas mujeres cineastas a lo largo de la historia, relegadas, pese a sus virtudes artísticas, a un lugar secundario o, en el caso de Ember, casi totalmente invisible, en gran medida por el ensañamiento censor que padeció. Mistletoes (1971) ilustra el profundo interés por los individuos más vulnerables de la sociedad que siempre movió a la cineasta, perteneciente a una generación apasionante del cine húngaro de la que Béla Tarr es su exponente más emblemático. En un híbrido de documental y ficción, Ember retrata aquí la vida de tres generaciones de mujeres de etnia gitana, a las que da la voz y la dignidad que las autoridades les negaban.

Dentro del antiguo bloque soviético surgió también Karel Kachyňa, uno de los más importantes representantes de la Nueva Ola checoslovaca. En The ear (1970) acompañamos en su día a día a un funcionario que empieza a ser objeto de sospecha y ostracismo. Con potentes ecos orwellianos, Kachyňa firmó una rotunda denuncia de la opresión ejercida por los Estados paranoicos e hipervigilantes de la órbita soviética, una osadía que pagó teniendo que esperar hasta 1990, cuando cayó el gobierno comunista de la todavía unida Checoslovaquia, para ver el estreno de la película en el marco de la Sección Oficial del Festival de Cannes.

The long farewell

Entre la censura y la incomprensión

Figura clave de la Ola Negra yugoslava junto a nombres como Dušan Makavejev o Želimir Žilnik, el serbio Aleksandar Petrović logró trascender el restringido circuito de la cinefilia militante para gozar de un gran reconocimiento popular gracias a títulos como Encontré zíngaros felices (1967) y Tri (1965), ambas nominadas al Oscar a la mejor película extranjera en su momento. En el Festival de Sevilla se mostrará la última de ellas, un clásico no suficientemente reconocido del cine bélico que postula una dura crítica contra el patriotismo y que rezuma modernidad formal y clarividencia política en su visión de la guerra a través de un antihéroe.

La selección de Hacia otra historia del cine europeo se completa con otros dos títulos procedentes de Grecia y los Países Bajos. Face to face (1966) es una película de Robert Manthoulis, perteneciente a una generación dorada de cineastas griegos que vivió su auge en los años 60, cuando en paralelo al cine comercial surgieron figuras que agitaron el panorama de su país y abrieron un camino que luego transitarían célebres directores de hornadas posteriores como Theo Angelopoulos. La película trae al frente los espinosos temas de la lucha de clases y la desmedida explotación urbanística en la Atenas de los 60. Tras el golpe de Estado de 1967 que desembocó en una dictadura militar, la producción fue censurada y Manthoulis se vio abocado al exilio en Francia tras las declaraciones en contra de la junta militar que hizo en el estreno de la película en Cannes.

Por su parte, A woman like Eve (1979), de Nouchka van Brakel, narra la historia de dos mujeres que buscan su lugar en el mundo mientras se enfrentan a una encrucijada existencial. Protagonizada por dos grandes actrices, Monique van de Ven (habitual de Paul Verhoeven en su etapa previa a Hollywood) y Maria Schneider, la película fue recibida con recelo en su día debido a la naturalidad con la que la cineasta retrataba los avatares de una relación lésbica, así como el sexo al margen de los estándares de la representación heteronormativa. Desdeñada por lo que muchos consideraron meros “panfletos”, Van Brakel permaneció sin embargo firme en su discurso, inmune a la estigmatización que el movimiento feminista sufría entonces entre algunos sectores de la sociedad. Años después, se convertiría en la primera mujer en entrar en la Academia del Cine holandesa.

Tri

Un taller para la reflexión

La sección Hacia otra historia del cine europeo no se limitará a la proyección de películas. También se celebrará el taller Programming European Heritage at Film Festivals, organizado por la Filmoteca Española y el Festival de Sevilla. Este evento se celebrará los días 8 y 9 de noviembre en el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla, con la participación de representantes de archivos europeos como el EyeFilm Museum de Ámsterdam, la Cineteca de Bolonia o la Filmoteca Nacional de Estonia, que explicarán el papel de estas entidades en la preservación y recuperación de la memoria del cine europeo, así como la importancia de los festivales como agentes esenciales en la divulgación de este patrimonio cultural.

HACIA OTRA HISTORIA DEL CINE EUROPEO

La Habanera (Detlef Sierck, Alemania, 1937)
Lumière (Jeanne Moreau, Francia, 1976)
The long farewell (Kira Muratova, antigua Unión Soviética, 1971)
Mistletoes (Judit Ember, Hungría, 1978)
The ear (Karel Kachyňa, antigua Checoslovaquia, 1970)
Tri (Aleksandar Petrović, Croacia, 1965)
Face to face (Robert Manthoulis, Grecia, 1966)
A woman like Eve (Nouchka van Brakel, Países Bajos, 1979)

El espectáculo, que tendrá lugar el 28 de octubre en el Centro Cultural Miguel Delibes, muestra doce minutos de metraje adicional con el acompañamiento musical del prestigioso artista

La Semana Internacional de Cine de Valladolid presentará la copia restaurada de la película La aldea maldita (Florián Rey, 1930) con 12 minutos de metraje inédito y con música en directo compuesta e interpretada por el músico Raül Refree, espectáculo que tendrá lugar el día 28 de octubre en el Centro Cultural Miguel Delibes.

La aldea maldita es una película mítica de la historia del cine español y está considerada como la primera obra maestra del mismo. Nacida en el momento de la llegada del cine sonoro, contó con una doble versión, la sonora y la muda. Solo la segunda ha llegado hasta nuestros días. La película se consideró perdida durante muchos años, hasta que, a mediados de los años ochenta, Filmoteca Española pudo encargar su restauración a Juan Mariné. Con motivo del centenario del nacimiento de este director de fotografía y restaurador del cine español –Espiga de Honor en la 60 Seminci–, en 2020 se encargó la creación de un nuevo acompañamiento musical para la película al músico y productor Raül Refree, que se presentó en el cine Doré de Madrid en diciembre de 2020.

La diferencia de la versión que estrenará Seminci el día 28 de octubre respecto a aquella del año 2020 son doce minutos de metraje adicional nunca vistos hasta la fecha, tras una nueva y laboriosa restauración realizada por Filmoteca Española, para los que Raül Refree ha compuesto y adaptado también el acompañamiento musical. Será la segunda vez que Seminci proyecte la película de Florián Rey con musical en directo. En 1986, el compositor José Nieto recibió el encargo de Seminci de componer la música para La aldea maldita. La música fue interpretada por la Orquesta Sinfónica Ciudad de Valladolid bajo la dirección del autor durante la proyección de la película en el Teatro Calderón en la inauguración de la 31 edición del festival. Posteriormente, el 1996, la partitura se reedita conjuntamente con el libro homenaje publicado por Seminci con motivo de la entrega de la Espiga de Honor al compositor.

Acompañamiento de Raül Refree

El labrador Juan Castilla y su familia viven en el pueblo castellano de Luján, castigado por el pedrisco y otras inclemencias que obligan a sus habitantes a emigrar. Juan se enfrenta al viejo avaro tío Lucas y será encarcelado, mientras Acacia, su mujer, tendrá que marchar a la ciudad en busca de la prosperidad que le promete su amiga Magdalena. Años después, Juan encontrará a su mujer en un tugurio. La reconciliación no será fácil. La aldea maldita se muestra, con este nuevo acompañamiento musical, como una película de una radical modernidad. Con una fotografía deslumbrante, un estilo directo y un montaje seco, recoge algunos temas tan actuales como el del patriarcado o el vaciamiento de las zonas rurales.

Raül Refree es uno de los productores españoles más aclamados de la última década. Publica junto a experimentadores como Lee Ranaldo de Sonic Youth mientras revisa los fados de Amália Rodrigues junto a Lina. Ha trabajado con artistas innovadores como Rosalía o el Niño de Elche, y junto a ellos ha construido la vanguardia del “nuevo flamenco”. También es un destacado compositor y músico que ha lanzado nueve álbumes bajo su proyecto más personal, Refree, además de bandas sonoras de películas como Ojos Negros (Marta Lallana e Ivet Castelo, 2019), Entre dos aguas (Isaki Lacuesta, 2018) o Un año, una noche (Isaki Lacuesta, 2022).

Entre los films programados en colaboración con la ACCEC detacan The Velvet Vampire, de la pionera Stephanie Rothman, y películas de cineastas como Jesús Franco, René Laloux o Johnnie To.

De nuevo, con el objetivo de seguir descubriendo y reivindicando títulos que han pasado de puntillas por el canon del género fantástico, la Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC) y el Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña han seleccionado siete películas que serán presentadas por miembros de la asociación.

Abriremos Seven Chances con un film de Jesús Franco, Faceless (Los depredadores por la noche), protagonizada por la nuestra Premio Nosferatu de este año: Brigitte Lahaie, todo un mito del cine erótico y fantástico europeo de los 70 y 80. Antes de entregarse definitivamente a derivas cada vez más radicales, Franco dirigía a finales de los ochenta su última gran aportación a cierto tipo de cine fantástico europeo que empezaba a agonizar. Con la vista puesta en los Yeux sans visage de Georges Franju, el cineasta madrileño urdía una macabra intriga sobre un cirujano obsesionado con recomponer el rostro desfigurado de su hermana.

Recientemente restaurada por el American Film Archive, y proyectada en el llamativo ciclo de cine fantástico que el MoMA de Nueva York ha ofrecido este verano, The Velvet Vampire se puede consideras la primera película de terror dirigida por una mujer. Stephanie Rothman tuvo que rechazar un par de encargos de Roger Corman para lanzarse a una puesta personal que narra el embrujo de un joven matrimonio a manos de una vampira centenaria. Menospreciado en su día, el film resignificaba en clave femenina y subversiva los códigos del género vampírico.

El hongkonés Johnnie To no tendría que necesitar presentación en Sitges. Avanzándonos al treinta aniversario de The Heroic Trio, el primero de sus films emblemáticos, estrenado en 1993, lo recuperamos para poder disfrutar en pantalla grande de este vibrante e imaginativo delirio de acción capitaneado por tres mujeres temibles — Michelle Yeoh, Anita Mui y Maggie Cheung —, tres heroínas que descubrirán lo que las une a raíz de una trama de secuestro de bebés.

El año pasado nos dejaba Joaquín Romero Marchent, de quien hace un par de años descubrimos Manos torpes. El mayor exponente ibérico del eurowestern vuelve a Seven Chances: lo despedimos de la mano de Condenados a vivir, quizá el más crudo y sangriento de sus films, durante el cual acompañaremos a un grupo de condenados a muerte en su calvario atravesando el Pirineo aragonés, donde se rodaron los exteriores de la película. Quentin Tarantino es fan declarado de esta película, que es casi un slasher bajo la nieve.

A menudo eclipsado por otros cineastas con más prestigio internacional, Masahiro Shinoda fue uno de los grandes nombres de la nueva ola japonesa, la de Oshima, Imamura o Seijun Suzuki. A Demon Pond, que se exhibió cuidadosamente restaurada en el Festival de Cannes de 2021, nos transporta a un pueblecito entre montañas que vive atemorizado por la leyenda del dragón que vive en el fondo de un estanque. Partiendo de una obra de teatro kabuki de Kyöka Izumi, un escritor muy ligado al fantástico y a las atmósferas surrealistas, Shinoda da forma a una arrebatadora fábula de amor tráfico.

El artesano Maurizio Lucidi también comenzó su carrera haciendo spaghetti westerns, peplums y películas bélicas, pero sería el insólito giallo La vittima designata, su única incursión en el subgénero, el que se convertiría con el tiempo en una pieza de culto. Esta tensa revisión de Extraños en un tren de Hitchcock nos ubica en una Venecia decadente donde un extravagante conde, interpretado por Pierre Clémenti, lía a un ambicioso hombre de negocios con el rostro de Romas Milian para llevar a cabo un intercambio de asesinatos.

Y para acabar, toda una joya, muy poco vista, de la animación europea: Gandahar, el último largometraje de René Laloux, autor de la fundamental El planeta salvaje. Después de trabajar con artistas como Roland Topor o Moebius, Laloux se asoció con el dibujante francés Caza para llevar al cine una novela del escritor de ciencia ficción Jean-Pierre Andrevon. Este relato de aventuras fantásticas nos muestra una civilización idílica, que no ha conocido el horror de la guerra y se ve abocada a enfrentarse a una amenaza proveniente de un futuro remoto.

Estas son las Seven Chances de Sitges 2022. Siete oportunidades únicas de recuperar obras singulares, a menudo arrinconadas por las circunstancias o paso del tiempo, que demuestran que en la inabarcable constelación del fantástico aún hay mucho por explorar.

Selecció Seven Chances 2022

Faceless (Los depredadores de la noche) (Jesús Franco, 1988), presentada por Carlos Losilla

The Heroic Trio (Dung fong sam hap) (Johnnie To, 1993), presentada por Violeta Kovacsics

La vittima designata (La víctima designada) (Maurizio Lucidi, 1971), presentada por Javier Parra

The Velvet Vampire (Stephanie Rothman, 1971), presentada por Marga Almirall

Demon Pond (Yashagaike) (Masahiro Shinoda, 1979), presentada por Mariona Borrull

Condenados a vivir (Joaquín Romero Marchent, 1971), presentada por Alejandro G. Calvo

Gandahar (René Laloux, 1988), presentada por Iván Pintor

Cuatro años después de inaugurar el 51º Festival de Cine de Sitges con su versión de Suspiria, Luca Guadagnino será el encargado de cerrar esta 55ª edición el sábado 15 de octubre. El realizador italiano vuelve a rodearse de un reparto recurrente de actores, entre los que figuran Timothée Chalamet, Chloë Sevigny y Michael Stuhlbarg, junto a la estrella emergente Taylor Russell y el veterano Mark Rylance, para contar este drama basado en la novela homónima de Camille de Angelis.

Ambientada en los Estados Unidos de los años 80, ‘Hasta los huesos: Bones and All’ cuenta la historia del primer amor entre Maren (Russell), una joven que está aprendiendo a sobrevivir al margen de la sociedad, y Lee (Chalamet), un vagabundo apasionado y privado de sus derechos, que se encuentran y se unen para emprender juntos una odisea de miles de kilómetros que los lleva por carreteras secundarias y pasadizos ocultos de la América de Ronald Reagan. A pesar de sus esfuerzos, todos los caminos los devuelven a sus aterradores pasados y a una batalla final que determinará si su amor puede sobrevivir a su otredad. David Kajganich, que colaboró con Guadagnino en Suspiria y Cegados por el sol, ha escrito el guion de esta historia de fantasía sobre el amor en tiempos difíciles, mientras que dos compositores consagrados, Trent Reznor y Aticuss Ross han compuesto la banda sonora.

Chalamet, nominado al Oscar, vuelve a colaborar con el director italiano cinco años después de la memorable película Call Me by Your Name. En esta ocasión, a Chalamet le acompaña Taylor Russell, que ganó el premio a la Mejor Actriz Emergente en el Festival de Cine de Venecia. Completan el reparto Stuhlbarg (La llegada, La forma del agua, Lincoln), Rylance (Dunkerque, Ready Player One), André Holland (Moonlight, Viudas) y Sevigny (We Are Who We Are, Zodiac). Además del premio para Russell, Guadagnino ganó el premio al Mejor Director en la competición italiana, lo que confirma el enorme éxito que tuvo la película en su estreno.

MGM presenta “Hasta los huesos: Bones and All”, que será distribuida internacionalmente por Warner Bros. Pictures y se estrenará en España el 25 de noviembre de 2022.

No mires a los ojos, nuevo largometraje del guionista y director navarro Félix Viscarret (Pamplona, 1975), inaugurará la 67 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, que tendrá lugar del 22 al 29 de octubre. El film, que se presenta a concurso en la Sección Oficial de Seminci, adapta la novela Desde la sombra, de Juan José Millás, y está protagonizada por Paco León, Leonor Watling, Álex Brendemühl y Juan Diego Botto.

No mires a los ojos es una producción de Tornasol y Desde la sombra del árbol A.I.E., en coproducción con Entre Chien et Loup (Bélgica), con la participación de RTVE y Movistar +. La película, distribuida en España por Universal Pictures International Spain, llegará a las salas de cine el 4 de noviembre.

Sinopsis

La trama de la película gira en torno al personaje de Damián, despedido tras 20 años trabajando en la misma empresa. Su reacción, furiosa y un tanto violenta, le lleva a salir corriendo para escapar de su jefe y a esconderse de él en el primer sitio que encuentra al salir de la oficina: un armario cargado en una furgoneta. El armario con Damián dentro se entrega en casa de Lucía y Fede, una pareja de la edad de Damián que vive con su hija adolescente, María. Esa misma noche un impulso inesperado lleva a Damián a quedarse con la familia para convertirse en una misteriosa presencia que observará y se moverá desde la sombra.

No mires a los ojos es el quinto largometraje de Félix Viscarret quien, con su primer trabajo, Bajo las estrellas (programado en Spanish Cinema en la 52 Semana), logró un unánime aplauso de crítica y público y dos premios Goya, incluyendo Mejor Guion Adaptado para el propio Viscarret, de un total de siete nominaciones. Sus trabajos recientes como director y guionista incluyen el largometraje Vientos de La Habana (2016), primera adaptación al cine del premio Princesa de Asturias Leonardo Padura. Como continuación de dicho largometraje, Viscarret también dirige la serie Cuatro estaciones en La Habana, coproducción internacional emitida por Netflix.

En 2017, Viscarret presenta su largometraje Saura(s), un retrato fílmico no convencional del legendario director de cine Carlos Saura y su familia, nominado a los premios Goya. Además de su experiencia en el cine, Félix Viscarret ha dirigido diversas series de TV, como Hispania, la leyenda (2011) y Marco (2011/2012) para Antena 3 TV, y la primera mitad de la serie Patria (2018), primera producción de HBO para España que adapta el best seller de Fernando Aramburu.

Jaime Chávarri competirá por la Espiga de Oro con «La Manzana de Oro», su primer largo en 17 años

La Sección Oficial programará a concurso los cortos de León Siminiani, Pablo García Canga y la actriz Marta Nieto, que debuta en la dirección, además del film inaugural No mires a los ojos

Punto de Encuentro programará las óperas primas de las directoras Estefanía Cortés y Avelina Prat, además de siete títulos que competirán en La Noche del Corto Español

Tiempo de Historia estrena los nuevos trabajos de Iñaki Arteta y la argentina española Amparo Aguilar y los cortometrajes de Miguel López Beraza y Esteve Riambau

El director Jaime Chávarri optará a la Espiga de Oro de la Semana Internacional de Cine de Valladolid con La Manzana de Oro, su regreso a la dirección de largometrajes tras un periodo de 17 años desde el estreno de Camarón (2005), su última película hasta la fecha. La Manzana de Oro, adaptación de la novela “Ávidas pretensiones” de Fernando Aramburu, cuenta con un amplio elenco encabezado por Sergi López, Marta Nieto, Adrián Lastra, Joaquín Climent, Paca Gabaldón, Vicky Peña, Elena Seijo, Roberto Enríquez y Ginés García Millán. La Manzana de Oro es una producción de La Piruleta Films, con la coproducción gallega de Viva Zapata & Villar, la financiación del ICAA y RTVE, y el apoyo de la Diputación de Ourense.

La película de Chávarri, que recibió la Espiga de Honor de Seminci en 1999, trata sobre la llegada de un invitado inesperado que desestabiliza las Jornadas Poéticas que cada año reúne en un aislado convento del noroeste peninsular a distintas tendencias de la poesía española. Durante un fin de semana acelerado, mientras los poetas escriben, recitan y se vigilan, persiguiendo un premio dorado, una sospecha de plagio, la batalla por la presencia en una futura antología, la irreverencia de un rapero, el cumpleaños de un poeta centenario, unas setas venenosas, los imprevistos cruces sexuales y el despertar de amores tardíos, culminarán en una noche tormentosa después del triunfo insospechado de una nueva estrella femenina de la poesía contemporánea.

Jaime Chávarri (Madrid, 1943), licenciado en Derecho y tras cursar dos años en la Escuela Oficial de Cinematografía, debuta tras las cámaras con Run, Blancanieves, Run (1967), aunque se considera Los viajes escolares (1973) su primera obra comercial. Trabaja con Elías Querejeta en el documental sobre la familia del poeta Leopoldo Panero El desencanto (1976) y los filmes de ficción A un dios desconocido (1977) y Dedicatoria (1980), y con Alfredo Matas en las adaptaciones de obras literarias de Llorenç Villalonga (Bearn o La sala de las muñecas), Fernando Fernán Gómez (Las bicicletas son para el verano) y Pablo Sorozábal (Tierno verano de lujurias  y azoteas).

Autor de una veintena de títulos, Chávarri rodó dos musicales protagonizados por Ángela Molina y Manuel Bandera, Las cosas del querer (1989) y su secuela Las cosas del querer 2ª parte (1995). Besos para todos (2000), El año del diluvio (2004) y Camarón (2005) son sus últimos títulos hasta la fecha.

El reparto de La Manzana de Oro se completa con Celso Bugallo, Isa Garrido, Loreto Fajardo, Abelo Valis, Rodrigo Soares, Álvaro Subiés, Carla Campra, Mela Casal, Kenia Mestre, Russo Nnandong, Lucía Veiga y David Perdomo.

La Manzana de Oro será, junto a la ya anunciada película inaugural No mires a los ojos, los dos largometrajes españoles en competición en la Sección Oficial de la 67 Seminci. No mires a los ojos, nuevo largometraje del guionista y director navarro Félix Viscarret, adapta la novela Desde la sombra, de Juan José Millás, y está protagonizada por Paco León, Leonor Watling, Álex Brendemühl y Juan Diego Botto.

La Sección Oficial de la 67 Seminci también estrenará en competición tres cortometrajes de autores españoles: Arquitectura emocional 1959, de León Siminiani; Por la pista vacía, de Pablo García Canga; y Son, debut tras las cámaras de la actriz Marta Nieto.

León Siminiani, guionista y director, ha explorado diferentes formatos y géneros en ocho cortos y dos largometrajes documentales a medio camino entre el cine-diario y el ensayo fílmico, entre ellos Mapa (2012) y Apuntes para una película de atracos (2018), ambos candidatos al Goya al mejor documental.

Por su parte, el madrileño Pablo García Canga ha dirigido varios cortometrajes y mediometrajes, tanto de ficción como documentales, que han obtenido premios en festivales como Alcine o Aguilar de Campoo y han participado en otros como SEMINCI, Documenta Madrid, Palm Spring Shorts Festival o HollyShorts.

Finalmente, Son, corto protagonizado por Patricia López Arnaiz -Premio Goya a mejor interpretación femenina protagonista-, supone el debut como directora de Marta Nieto, actriz en películas como El camino de los ingleses (Antonio Banderas, 2006), Madre (Rodrigo Sorogoyen, 2019), Cosmética del enemigo (Kike Maíllo, 2021) o Tres (Juanjo Giménez, 2021).

Punto de Encuentro

La sección Punto de Encuentro, la muestra paralela de carácter competitivo que la Semana Internacional de Cine de Valladolid dedica a primeras y segundas películas de nuevos autores y cinematografías poco habituales en nuestras pantallas, programará en competición las óperas primas de las directoras Estefanía Cortés (Eden) y Avelina Prat (Vasil).

El título de la película Edén hace referencia a la empresa clandestina a la que cuatro desconocidos, interpretados por Charlotte Vega, Israel Elejalde, Marta Nieto y Ramón Barea, acuden para quitarse la vida. Diplomada en dirección de cine por la Escuela Septima Ars de Madrid, Estefanía Cortés lleva más de una década tras la cámara trabajando en los departamentos de dirección y guion para diferentes productoras. Además, ha escrito y dirigido los cortometrajes Moiré, Yerbabuena y Miss Wamba, seleccionados y premiados en festivales de todo el mundo.

Vasil, la ópera prima de la valenciana Avelina Prat, está protagonizada por el búlgaro Ivan Barnev, Karra Elejalde, Alexandra Jiménez, Susi Sánchez y la británica Sue Flack. Vasil es un inmigrante búlgaro, un hombre singular, que transmite bondad, pasión y una peculiar sabiduría, que ve la vida de otra manera y cuenta pequeñas historias fascinantes. El film está producido por Distinto Films y Activist 38.

Además de los dos largometrajes, la sección Punto de Encuentro celebrará una nueva edición de La Noche del Corto Español, que este año estrenará siete cortometrajes: Cosas de niños, de Bernabé Rico; El perro de un torero, de Sandra Romero; Has estado, hace tiempo, de Gerard Oms; L’avenir, de Santiago Ráfales; Semillas, de Toni Bestard; Solo un ensayo, de Hugo Sanz, y Tormenta de verano, de Laura García Alonso.

Tiempo de Historia

La sección Tiempo de Historia, dedicada al género documental, estrenará otros cuatro títulos españoles: los largometrajes La tara, coproducción que dirige la argentino española Amparo Aguilar, y Sin libertad, 20 años después, de Iñaki Arteta, además de los cortometrajes Ponto final, de Miguel López Beraza, y Vidres de colors, de Esteve Riambau, que se programará fuera de concurso.

Amparo Aguilar indaga en La tara  en su propia historia familiar. Los hermanos Aguilar, descendientes del famoso y olvidado Cuarteto Aguilar, encuentran la banda de sonido de la única película surrealista Argentina, Tararira: la bohemia de hoy, filmada en 1936. El interés por la película, que es un gran mito del cine nacional, los reencuentra con partes del pasado de la familia que desconocen: peleas entre hermanos, arte y vínculos con la política, con una tara notable para estar siempre del lado de los derrotados.

Iñaki Arteta retoma el contacto con los protagonistas de su mediometraje Sin libertad (2001), en el que una veintena de vascos dan su testimonio como familiares de víctimas asesinadas por ETA o perseguidos por la banda. En Sin libertad, 20 años después, se pregunta cómo habrán asimilado esas mismas personas este período de tantos cambios, desde el terrorismo al cese de la violencia y la incorporación a la política del entramado ultranacionalista. Para ello, elige a cinco jóvenes estudiantes de periodismo para realizar las entrevistas a estos testigos.

La participación española en la 67 edición de Seminci se completará con los títulos programados en las secciones competitivas DOC. España, dedicado al género documental español, y Castilla y León en Corto, enfocado en los nuevos autores de la comunidad autónoma, además de Spanish Cinema, la selección de las películas más relevantes estrenadas en el último año, y Castilla y León en Largo, que ofrece una panorámica de los títulos realizados o rodados en la región castellano leonesa.