Autor: Administrador

Proyecciones Xcèntric: Scenes From Under Childhood

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Obra capital de Stan Brakhage, y su gran película sobre la infancia, Scenes From Under Childhood (1967-70) explora el nacimiento de la visión. A través de las filmaciones de sus hijos, el cineasta compone en cuatro partes, desde los inicios fetales, la experiencia del descubrimiento del color o la luz, en una materialización de sus ideas sobre el arte de la visión y las potencias inexploradas, pero originarias, del cine.

Rehuyendo la filmación bucólica e idealizadora de la infancia, Brakhage busca captar los estados de temor e inquietud, contrastados con los de súbita felicidad, o cómo a veces los niños «se sienten como si estuvieran en una bruma». En una superposición, el registro lleno de ternura de sus hijos se conjuga, en el montaje, con los recuerdos de su propia infancia. El film revela, de este modo también, las sincronías entre las percepciones sensoriales del niño, previas al lenguaje, y la vida creativa del artista que busca evitar las «restricciones en el flujo libre de la memoria».

Scenes From Under Childhood: Section No.1, Stan Brakhage, 1967, 16 mm, 25 min.
Scenes From Under Childhood: Section No.2, Stan Brakhage, 1969, 16 mm, 40 min.
Scenes From Under Childhood: Section No.3, Stan Brakhage, 1969, 16 mm, 28 min.
Scenes From Under Childhood: Section No.4, Stan Brakhage, 1970, 16 mm, 46 min.

Proyección en 16 mm. Copias cortesía de Canyon Cinema.

Fecha: 5 noviembre 2021

Horario: 19.00

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida

 

Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido

Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y www.eventbrite.es

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Crónica Festival de San Sebastián 2021. Día 1

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El año de las mujeres

Después de una atípico en todos los sentidos 2020 el Zinemaldia pudo recuperar en cierta manera la normalidad con respecto al pasado año, aun existiendo una limitación de aforo en la salas y una lógica reducción de proyecciones el Festival logro sacar adelante con cierta solvencia una edición que en su recta final se vio ligeramente empañada a causa de un palmarés que creo una cierta controversia especialmente en referencia a la Concha de Oro otorgada a la cinta rumana Blue Moon, película de un nivel cinematográfico bastante pobre que logro de forma nada sorprendente el conceso critico poco antes de conocerse el palmarés de ser el film con diferencia al resto de más baja calidad de todos los presentes en la Sección Oficial. A tal respecto no estaría de más una reflexión algo profunda en lo relativo a como el Festival durante esta edición ha aplicado con excesivo celo y de forma algo forzada el integrar según qué cuotas de índole social en su programación, especialmente el referido al papel de la mujer en distintos ámbitos de nuestro presente e incluso pasado estuvo demasiado omnipresente en la Sección Oficial dando una cierta sensación de que predominaba en la mayoría de los casos más el mensaje que la calidad del producto en cuestión. Evidentemente uno percibe que la intención por parte del certamen es del todo loable sin embargo dichos equilibrios de cuotas deberían de estar regulados de una forma algo más natural, pues el exceso en dicha materia puede derivar en un cierto artificio que provocan pequeños desbarajustes tales como premiar con el más alto galardón a una cinta cuyo estatus de calidad no fue ni mucho menos un fiel reflejo del nivel real de las cintas presentes este año a competición.

Entrando en materia el Zinemaldia volvió a encontrar ese acomodo adyacente en sus diversas secciones que conforman una sinergia en sí misma en referencia a poder ofrecer una programación direccionada a un amplio abanico de paladares, donde no llega la Sección Oficial lo hacen con solvencia las secciones paralelas, Perlas posiblemente de forma algo difusa últimamente al estar convertida en un apartado algo previsible en relaciona dar cabida a un número excesivo de películas de estreno comercial inminente. New Directors por su parte volvió a ser uno de los apartados más interesantes del certamen complementado con una potente selección de títulos en un apartado como es Zabaltegi-Tabakalera que pese a cierta sensación de cajón de sastre sigue ofreciendo el cine autoral con más riesgo de todo el certamen. Digno de elogio fue la recuperación, aunque algo cerciorada en lo relativo al número de películas previstas en un principio, de la retrospectiva de cine clásico correspondiente este año a Flores en el infierno: la era dorada del cine coreano así como la oportunidad única de poder ver en pantalla grande piezas de un cine pretérito tan reivindicables como por ejemplo el Manicomio de Fernando Fernán-Gómez y Luis María Delgado

A continuación y como viene siendo habitual en estos ultimo años dentro del portal iremos desgranando a modo de crónica diaria y con una perspectiva temporal todo lo más importante visto en esta 69 edición del Festival de San Sebastián.

El celuloide como último recurso y prematuras obras de culto

Zhang Yimou inauguró el certamen con Un segundo, cinta que según palabras del propio responsable venía a ser una particular carta de amor al séptimo arte que mira al pasado histórico. En Un segundo vemos como un convicto es enviado a un campo de trabajo en el desolado noroeste de China durante la Revolución Cultural del país. Utilizando su ingenio, y con el único fin de ver a su hija, quien ha sido filmada en una película, logra escapar y huye en dirección al cine de un pueblo cercano. Allí espera encontrar esa cinta de película y hacerse con ella. Sin embargo, en dicho lugar se cruza con una vagabunda desesperada por conseguir el mismo carrete de película y que logra robarlo. Curiosamente, este enigmático objeto, que ambos anhelan por motivos muy distintos, se convertirá en la raíz de una inesperada amistad.

Posiblemente la evolución en la carrera de Zhang Yimou no haya sido la esperada por parte de los adeptos, entre los que un servidor se encuentra, de un realizador que tuvo un inicio ciertamente deslumbrante de cara a la cinefilia con cintas como Sorgo rojo o La linterna roja, en parte esas expectativas solo se han visto parcialmente cumplidas con respecto a sus traslaciones al universo Wuxia con películas tan potentes como las anteriores pero dentro de un ámbito genérico bien distinto como fueron Hero, House of Flying Daggers, Curse of the Golden Flower o la más austera en medios Shadow, Un segundo en parte es un claro ejemplo de una indecisión autoral cuyo desarrollo se percibe como irregular aunando en su haber aciertos con puntuales despropósitos. A través de un cine plagado de diversos claroscuros la película no deja de ser una bien intencionada versión particular de Cinema Paradiso que partiendo de los postulados del film de Giuseppe Tornatore trasforma lo que aquello era una supuestamente emotiva carta de amor hacia el cine a mostrarnos el inherente poder transformador del cine en relación al reconocimiento a la bobina física como último bastión de la memoria del individuo caído en desgracia, un relato circunvalado a medio camino entre el optimista y el pesimista, entre ligeros retazos de humor que rozan lo burlesco y entrañable a dolorosas metáforas políticas en lo concerniente a las víctimas del duro periodo de la Revolución Cultural de los años 60.

Una de las constantes temáticas dentro de la siempre interesante sección New Directors ha sido la exploración de universos adolecentes dentro de las llamadas coming of age, el segundo trabajo tras las cámaras del realizador chino Sun Liang parte en apariencia de un trayecto plagado de lugares comunes de los que sin embargo sabe sacar provecho mediante un meritorio trabajo de cámara. Lost in Summer nos cuenta como durante el verano, cuando acaba el instituto, un adolescente se enfrenta a su confusión vital y lo intenta todo para encontrar una salida. Sin embargo, fracasa, con intento de asesinato incluido.

Posiblemente la mayor virtud de una película de las características Lost in Summer radique en su falta de pretensiones a la hora de exponernos una serie de situaciones en principio nada novedosas argumentalmente para con el espectador, como bien indica su título la película nos sitúa en ese periodo temporal tan habitual en la adolescencia, final de estudios y comienzo de una época estival plagada de demasiados tiempos suspendidos, evidentemente entrara en escena ese periodo de indecisión, al fin del cabo el auténtico statu quo del relato, en donde el joven protagonista a punto de entrar a las puertas de la madurez se debatirá entre cuestiones tales como una primera e imposible atracción romántica y la duda de tomar la decisión correcta en según de cuestiones de índole moral, al final de la historia como es preceptivo hará acto de aparición una especie de redención a la hora de mostrarnos por parte del joven un reconocimiento y aceptación a un entorno familiar que hasta ese momento había despreciado. A tal respecto se agradece que la película adopte un tono naturalista y no contemplativo en base a lo impostado como suele ser muy habitual en este tipo de producciones chinas de primeros realizadores que nos llegan masivamente durante estos últimos años, también es digno de mención en esta humilde propuesta que el anexo narrativo social a la historia principal este expuesta de una forma sutil en base al contexto de una situación social y política actual, prescindiendo de esos subrayados tan característicos y deficitarios en dramas sociales actuales de los que afortunadamente Lost in Summer logra sortear de forma airosa.

Recién llegada del Festival de Venecia aterrizo en San Sebastián dentro de la sección Perlas Competencia oficial, sátira de escenografía teatral que reflexión sobre el ego del artista en donde somos testigos de cómo en busca de trascendencia y prestigio social, un empresario multimillonario decide hacer una película que deje huella. Para ello, contrata a los mejores: un equipo estelar formado por la celebérrima cineasta Lola Cuevas y dos reconocidos actores, dueños de un talento enorme, pero con un ego aún más grande: el actor de Hollywood Félix Rivero y el actor radical de teatro Iván Torres. Ambos son leyendas, pero no exactamente los mejores amigos. A través de una serie de pruebas cada vez más excéntricas establecidas por Lola, Félix e Iván deben enfrentarse no solo entre sí, sino también con sus propios legados.

Existen momentos en Competencia oficial en donde la delgada línea que separa la simple sátira y la autorreflexión más profunda queda diluida a causa principalmente de su evidente falta de riesgo pues de alguna manera el film de Gastón Duprat y Mariano Cohn no deja de ser una sucesión de gags, algunos más agradecidos que otros, que se beneficia principalmente de la labor actoral de un excelso Antonio Banderas, muy por delante de Penélope Cruz y  Oscar Martínez. Película más de actores que de narrativa fluida Competencia oficial se deja ver con cierto agrado pero termina siendo olvidada con demasiada premura, posiblemente debido a como los responsables de El ciudadano ilustre terminan desgastando con demasiada celeridad una premisa que en un principio daba para bastante más juego, la de burlarse de su propio reflejo en relación a la parodia de tono ligero a través de egos y rutinas dentro del mundo del cine, o sea una mirada cínica realizada desde dentro, aquí reflejada en el enfrentamiento entre dos artistas de un muy diferente ámbito y metodología  que sin embargo confluyen en una misma y algo sombría meta profesional que termina siendo personal.

En una edición en donde casi todas las problemáticas sociales de nuestro presente tuvieron su espacio el cambio climático tuvo su acomodo en la sección Perlas con el tercer trabajo tras las cámaras de un habitual del certamen como es Louis Garrel, La croisade, bautizada con el algo caprichoso título en castellano Un pequeño plan… cómo salvar el planeta nos muestra a modo de pequeña farsa provista de un ligero tono fabulario ese a veces farragoso propósito llevado al cine de concienciar al espectador sobre posibles fallas en nuestra sociedad que conducen irremediablemente a diversos conflictos generacionales. En la película Abel y Marianne descubren que su hijo Joseph, de 13 años, ha vendido en secreto sus objetos más preciados. Pronto se percatan de que Joseph no es el único: cientos de niños de todo el mundo se han unido para financiar un misterioso proyecto ecologista en África. Su misión es salvar el planeta.

No es tarea fácil enjuiciar de una manera ecuánime una serie de películas en donde lo loable del mensaje parece ir en una dirección contraria a la calidad del producto en cuestión, San Sebastián en esta edición estuvo plagada de muchos ejemplos a tal respecto, La croisade podría ser perfectamente uno de ellos, en cierta manera los mejores momentos con diferencia del film lo encontramos en sus primeros quince minutos, aquellos en donde el relato aún no ha desvelado sus verdaderas intenciones, ahí es donde entra en escena esa inconfundible escuela Garrel en base a ingeniosos diálogos que hacen que su narrativa sea fluida, todo lo demás que vendrá a continuación no deja de ser catalogo curioso tan loable y simpático como en parte anecdótico poniendo sobre la palestra como, en la temática que nos ocupa, el efecto Greta Thunberg puede llegar a ser contraproducente llevado a según qué artes escénicas. Cuestiones tales como la reflexión sobre la madurez o la rebelión filial terminan siendo expuestas de forma muy esquemática, esta última por cierto mucho mejor plasmada e inquietantemente intuida en otra cinta francesa que indagaba a través de parámetros genéricos por la misma problemática, la reivindicable L’heure de la sortie de Sébastien Marnier.

Dentro de la sección  Zabaltegi – Tabakalera el esperado nuevo trabajo de la dupla formada por Helena Girón y Samuel M. Delgado tras su buena acogida en el pasado Festival de Venecia tuvo un perfecto acomodo dentro de ese apartado cinematográfico de consonancias alternativas, aquí a través de un relato cercano a lo experimental que reflexiona sobre el poder intrínseco de la propia imagen y todo lo que puede derivarse de ella. Eles transportan a morte nos sitúa en el año 1492. Entre la tripulación de Cristóbal Colón viajan tres hombres que ya deberían haber muerto. Han conseguido evitar sus condenas participando en el incierto viaje, pero al llegar a las Islas Canarias, huyen cargados con una de las velas de la embarcación. Mientras, en el Viejo Mundo, una mujer trata de salvar a su hermana moribunda, con la esperanza de que una curandera pueda ayudarla. Ambos viajes tratan de burlar a la muerte. Ambos viajes están a merced del tiempo y de la Historia.

Eles transportan a morte, película que esta de forma continua vulnerando las reglas del género, es ese tipo de cine que un servidor espera que en un futuro no muy lejano forme parte de manera normalizada en las secciones oficiales de certámenes de clase A, la principal virtud del film en este aspecto seguramente radique en su no adscripción a reglas ya preestablecidas situándose en el punto más alejado posible de lo entendible de un tono académico, de hecho su argumento no deja de ser una declaración de intereses en este sentido pues estamos ante un relato que reinventa, y más tarde cuestionar y bifurcar, el relato oficial histórico despojándolo de toda épica posible. Partiendo de unas bases argumentales que nos remiten a la  conquista y exploración de un nuevo mundo Delgado y Girón nos ofrecen una potente alegoría visual a través de una odisea anticolonialista de consonancias tan políticas como antropológicas respecto de los males que la Europa colonialista derivo al resto del mundo, unos eventos que no fueron tan gloriosos como nos lo han explicado, otorgándonos una muy interesante relectura crítica y heterodoxa de un pasado expuesto a través de una simple trasgresión fílmica que es digna de elogio.

Precedida por la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes Titane de la realizadora francesa Julia Ducournau vino precedida de una inusitada y en parte lógica expectación a la hora de poder comprobar si realmente estamos delante de una obra de talante rompedor o ante una de esas modas con fecha de caducidad bastante frecuente dentro de ese ecosistema de burbuja que son los festivales de cine, al final ni una cosa ni otra pues si hay una clase de películas que necesiten de una contextualización en frio y con cierta perspectiva es sin lugar a dudas una película de las características de Titane, en el film vemos como un joven con la cara magullada aparece repentinamente en un aeropuerto. Asegura llamarse Adrien Legrand, un niño que desapareció en extrañas circunstancias hace diez años. Para su padre, Vincent, esto supone el final de una larga pesadilla y lo lleva a casa. Simultáneamente, se suceden una serie de horribles asesinatos en la región en donde viven. Alexia, modelo en un showroom para coches, tiene todas las papeletas para convertirse en la próxima víctima.

Resulta complicado separar el ruido mediático generado del simple análisis que se puede extraer de la película pues ambas vertientes están ligadas de algún modo casi como de vasos comunicantes se tratase, con todo no deja de ser una buena noticia que los festivales de clase A empiecen a valorar un tipo de cine fantástico que hasta ahora en cierta manera ha estado ninguneado de forma casi sistemática. A tal respecto Titane tenía todos los atributos para ser considerada con el paso del tiempo como una obra de culto, como en realidad y por poner un solo ejemplo lo ha sido otra película francesa que transita por narrativas no tan distantes como es la magnífica Trouble Every Day de Claire Denis, sin embargo el film de Julia Ducournau ha recorrido un recorrido completamente inverso a este tipo de films teniendo un reconocimiento, excesivo y contraproducente a mi entender, planteando la interrogante de cómo será valorada al cabo de un tiempo. Elucubraciones aparte, pues al final la película es lo que es, estas ni envejecen ni se rejuvenecen a diferencia de la mirada del espectador, por muchas valoraciones y expectativas mutantes que la circunvalen, lo mayor virtud que se puede percibir en ese drama psicológico disfrazado de fantástico que es Titane, extraordinario Vincent Lindon de lado, viene dada en referencia al irrenunciable posicionamiento autoral por parte de Julia Ducournau, un cine sin complejos que pretender ir más allá a través de una mirada trasgresora y desprovista de cualquier tipo de encorsetamientos genéricos que sin embargo se ve perjudicada por lo atropellada e inconclusa que resulta ser en lo concerniente a discernir y desarrollar según qué tipo de metáforas.

A la hora de emparentarla a otras ramas y autores de fantástico, y supuestamente en un intento de ser lo más original posible en la medida de buscar una serie de referencias a la obra, se ha ido nombrando por parte de la crítica prácticamente todos los conceptos posibles dentro del fantástico cuando en realidad la principal base de la que parece sustentarse Titane la encontraremos en la primera película de su directora Raw, ambas películas, una más ambiciosa que otra pero igual de irregulares, anidan a través de la problemática de la identidad de género expuesta en la película en forma de trasformación y posterior pulsión en base a sesgos en un primer lugar inconscientes que con el tiempo pasan a ser dependientes. Llegados a estos extremos poco importa la poca credibilidad del relato en cuestión, en realidad esto no deja de ser es un peaje natural por parte de un tipo de cine desprovisto de perjuicios y que de alguna manera se lanza al vacío sin muchos miramientos, un cine en definitiva que por lógica es más proclive a la contextualización temporal que a líquidos hypes de índole supuestamente postmodernos.

Restauraciones, descubrimientos y tesoros desenterrados, en la selección de este año de Seven Chances

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La sección que Sitges programa en colaboración con la ACCEC ofrecerá films hasta ahora inéditos de autores tan queridos en el Festival como George A. Romero (‘The Amusement Park’) o José Mojica Marins (‘A praga’)

En su afán de seguir poniendo en contacto el pasado, el presente y el futuro del fantástico, recuperando obras esenciales o ninguneadas y proyectando documentales que profundizan en áreas poco exploradas del género, el Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña y la Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC) han seleccionado siete títulos que serán presentados, como es habitual, por miembros de la Asociación.

Comenzaremos Seven Chances de la mano de George A. Romero, nombre fundamental del cine de terror contemporáneo, de quien todavía quedaba por descubrir The Amusement Park, que narra el sufrido periplo de un abuelo en un parque recreativo para la tercera edad. A principios de los setenta, una entidad religiosa le encargó a Romero un film educativo para advertir de las graves problemáticas que tenía que afrontar la gente mayor, pero la corrosiva patraña admonitoria que el cineasta entregó los aterrorizó y quedó olvidada en un cajón hasta que en el 2017 se encontró una copia en 16 mm., a partir de la cual se ha hecho la restauración que veremos.

Seis años después de tener en Sitges Cosmos, su exultante despedida, Andrzej Zulawski volverá a estar presente en Sitges con la flamante copia restaurada de On the Silver Globe (Na Srebrnym Globie), uno de sus films menos vistos. La radical incursión de Zulawski en los territorios de la ciencia ficción filosófica nos relata la aventura de cuatro astronautas que intentan mantener la continuidad de la civilización, purgando sus vicios y errores históricos, en un planeta extraterrestre. La humanidad, aun así, parece condenada a tropezar una y otra vez con la misma piedra.

En el documental Woodlands Dark and Days Bewitched: A History of Folk Horror, el especialista Kier-La Janisse analiza en profundidad el subgénero especialmente prolífico en Gran Bretaña durante los setenta, con obras como The Wicker Man o The Blood on Satan’s Claw. Janisse recorre el fenómeno hasta nuestros días y le aplica también la lupa de la perspectiva de género.

Paul Naschy repite en la sección. Después de rescatar en la edición pasada la turbia crónica negra de El huerto del francés, este año tendremos la restauración de uno de sus films más icónicos de la década de los setenta, El aullido del diablo. Compartiendo protagonismo con Howard Vernon y Caroline Munro, Naschy nos introduce en la mansión de un actor retirado con aficiones poco recomendables.

Y si el año pasado proyectamos À meia-noite levarei sua alma, el mito fundacional del terror brasileño, en esta edición descubriremos en primicia mundial A praga, el último susto que nos brinda desde el más allá el añorado José Mojica Marins. Rodada en Super 8 en el 1980, e inacabada debido a varios contratiempos en la producción, A praga fue redescubierta y finalizada por Heco Produções después de un proceso largo y complejo que se explica a A última praga de Mojica, el corto que acompañará la proyección. Esta tétrica historia sobre la maldición de una bruja constituye la última película estrictamente de género que Mojica rodó hasta su vuelta, en el 2008, con Encarnação do demônio.

Con Multiple Maniacs recuperamos uno de los primeros largometrajes del más adorable transgresor del cine norteamericano de los 70, 80 y 90: John Waters. Aquí ya estaba Divine, al frente de un soplo de irreverencia salvaje que filtra, desde Baltimore y sin ningún presupuesto pero con total libertad, la resaca norteamericana del 68, de aquellos tiempos en que se creía que podía derribarse todo para construir un mundo nuevo. Uno de los highlights de la película, y de la filmografía de Waters, es la mítica Cavalcade of Perversions.

Y no podíamos dejar pasar la oportunidad de rendir homenaje al recientemente fallecido Sonny Chiba. Lo haremos, y cerraremos Seven Chances, con Wolf Guy (Urufu gai: moero ôkami-otoko), un delirio inclasificable, producido por la Toei y firmado por Kazuhiko Yamaguchi, en el que Chiba interpreta un hombre lobo detective que se las tendrá que ver con un misterioso asesino y con los servicios secretos japoneses.

Seven Chances. De nuevo, siete películas. Siete títulos que nos permitirán completar la filmografía de autores esenciales, descubrir rarezas imprescindibles y seguir explorando el pasado y los márgenes del cine fantástico.

 

Selección Seven Chances 2021

The Amusement Park (George A. Romero, 1973), presentada por Vanessa Agudo

On the Silver Globe (Andrzej Zulawski, 1988), presentada por Gerard Casau

Woodlands Dark and Days Bewitched: A History of Folk Horror (Kier-La Janisse, 2021), presentada por Ana Uslenghi

El aullido del diablo (Jacinto Molina, 1987), presentada por Carlos Benítez

A praga (José Mojica Marins, 1980) + A última praga de Mojica (corto), presentados por Toni Junyent

Multiple Maniacs (John Waters, 1970), presentada por Javi Parra

Wolf Guy (Kazuhiko Yamaguchi, 1978), presentada por Tonio L. Alarcón

 

Mamoru Hosoda, Carlos Saura y Belén Rueda recibirán el Gran Premio Honorífico de Sitges 2021

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Los directores Mamoru Hosoda y Carlos Saura, y la actriz Belén Rueda, recibirán el Gran Premio Honorífico de la 54ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Los premios Màquina del Temps serán para el director Neill Blomkamp, la actriz Alice Krige y el guionista Nick Antosca, mientras que el compositor de bandas sonoras Roque Baños será reconocido con la Maria Honorífica y el actor Emilio Gutiérrez Caba recibirá el Premio Nosferatu de este año. Por su parte, Lucile Hadzihalilovic serà galardonada con el Premi Career que otorga la Méliès International Festivals Federation (MIFF).

GRAN PREMIO HONORÍFICO SITGES 2021

Consolidado como uno de los máximos renovadores del cine de animación, el director japonés Mamoru Hosoda inició su carrera en la productora Toei Animation, lugar donde aprendió el oficio de animador. De 2005 a 2011, gracias a su trabajo en el estudio Madhouse, estrena obras rompedoras y visionarias como La chica que saltaba a través del tiempo (2006) y Summer Wars (2009). En 2011 crea su propia compañía, Studio Chizu, y da forma a sus obras más arriesgadas y personales, Wolf Children (2012), El niño y la bestia (2015), Mirai, mi hermana pequeña (2018) y la reciente Belle (2021).

Belén Rueda se ha convertido en una de las reinas del grito más célebres del cine fantástico español, tras una primera etapa de su carrera de gran éxito ligada a la televisión. Su interpretación en El orfanato (2007) le valió la nominación a mejor actriz en los Goya, una categoría que acabaría ganando en el festival Fantasporto. Años más tarde, repitió en más títulos de género muy queridos como el neogiallo Los ojos de Julia (2010), thrillers retorcidos como El cuerpo (2012) y Perfectos desconocidos (2017), e incluso la ciencia ficción en Órbita 9 (2017).

Director, guionista y fotógrafo en activo desde 1956, Carlos Saura se revela internacionalmente con La Caza (1966), una demoledora y valiente alegoría de la España franquista que obtiene el premio al mejor director en el festival de Berlín. Luego vinieron clásicos indiscutibles del cine español como Ana y los lobos (1973), Cría Cuervos (1976), Mamá cumple 100 años (1979) y Deprisa Deprisa (1981), películas con una personalidad arrolladora, insobornable y librepensadora. Sus colaboraciones con Vitorio Storaro, Tango (1998) o Goya en Burdeos (1999), están llenas de imágenes de inspiración fantastique. En el Festival presentará el cortometraje Goya 3 de mayo.

PREMIO MÀQUINA DEL TEMPS SITGES 2021

Formado en el campo de la animación 3D, los efectos visuales y la publicidad, Neill Blomkamp da su gran salto al cine con Distrito 9 (2009), una película de ciencia ficción situada en su Johannesburgo natal que consiguió cuatro nominaciones a los Óscar, entre ellas a mejor película y mejor guion adaptado. Tras seguir en el género con las distopías Elysium (2013) y Chappie (2015), en 2017 crea Oats Studios, una productora independiente especializada en cortometrajes experimentales de fantástico y terror. En Sitges 2021 presentará su último trabajo, Demonic.

En 1981, el mismo año de su descubrimiento con Carros de fuego, Alice Krige se convierte en un rostro habitual del cine fantástico y de terror al coprotagonizar Historia macabra, una de las mejores historias de fantasmas de los ochenta. En los años posteriores y tras formar parte de la prestigiosa Royal Shakespeare Company, repite en el género con Sonámbulos (1992), da vida a la reina Borg en Star Trek: Primer contacto (1996) y brilla como la bruja Holda en Gretel & Hansel. Un oscuro cuento de hadas (2020). Será la protagonista del próximo reboot de La matanza de Texas y en Sitges 2021 presentará She Will.

Nick Antosca inicia su carrera como escritor de novelas de terror, y tras conseguir el Premio Shirley Jackson en 2009 por Pícnic a la luz de la luna, se convierte en guionista de series de televisión como Teen Wolf y Hannibal. En 2016 da el salto como showrunner en Channel Zero, una miniserie de cuatro temporadas en la que redefinió el imaginario visual del horror moderno partiendo de famosos creepypastas. Este 2021 ha debutado en Netflix con Nuevo sabor a cereza, una de las grandes sensaciones televisivas del año, y presenta en Sitges una película producida por Guillermo del Toro, Antlers: Criatura oscura y la serie Chucky.

PREMIO MARIA HONORÍFICA SITGES 2021

Roque Baños, graduado Summa Cum Laude en el Berklee College of Music de Boston en las especialidades de composición para música de películas e interpretación de jazz, es uno de los compositores de bandas sonoras más premiados y respetados de su generación. Lleva en activo desde 1997, ha ganado tres Goyas y tiene una filiación especial por el fantástico y el terror. Es el músico fetiche de figuras del género como Álex de la Iglesia y Fede Álvarez. También ha trabajado con Jaume Balagueró, Alejandro Amenábar, Terry Gilliam y Spike Lee.

 

PREMIO NOSFERATU SITGES 2021

La sección Brigadoon otorgará el Premio Nosferatu a Emilio Gutiérrez Caba. Nacido en Valladolid en una familia de actores, obtiene su primer éxito en 1963 al protagonizar una adaptación teatral de Peter Pan. Su primera incursión en el terror es legendaria: el romance de ultratumba con Dyanik Zurakowska en La llamada (1965). Entre 1966 y 1967 aparece en tres icónicas Historias para no dormir de Chicho Ibáñez Serrador: El cuervo, La sonrisa y La espera. Posteriormente, su idilio con el género continúa en films de culto como Estigma (1980), Viaje al más allá (1980) y Memorias del ángel caído (1997). En 2001 recibe el Goya al mejor actor secundario por La comunidad. Sigue en activo tras más de seis décadas en la profesión.

PREMIO CAREER MÉLIÈS SITGES 2021

Lucile Hadzihalilovic recibirá en Sitges 2021 el Premio Career, entregado por la Méliès International Festivals Federation (MIFF). Tras graduarse en el Institut Des Hautes Études Cinématographiques de París, inicia su andadura en el cine como directora, escritora, montadora y actriz en largometrajes y cortos. En 2004 debuta con su primera película, Innocence, premiada en San Sebastián y uno de los films fantastique más sugerentes de la época. Su segundo esfuerzo, Evolution (2015), fue el encargado de clausurar la sección Noves Visions en Sitges, un film que la confirmaba como una de las voces más fascinantes y personales del fantástico europeo. Este año presentará Earwig en el certamen.

 

Primer teaser tráiler de lo nuevo de Sean Baker «Red Rocket»

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Convertido por méritos propios en una de las voces más interesantes del actual panorama de cine independiente norteamericano, Sean Baker después de trabajos tan alabados por crítica y público como Tangerine y The Florida Project tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Red Rocket, film cuyo primer avance en forma de teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. La película, una nueva vuelta de tuerca a la trastienda de la América profunda en forma de comedia agridulce, después de su premier mundial en el pasado Festival de Cannes y aún sin fecha de estreno en nuestro país verá la luz comercialmente en Francia el próximo 2 de febrero de 2022.
En Red Rocket vemos como Mikey Saber es una estrella del porno caída en desgracia que regresa a su pequeña ciudad natal en Texas donde viven su ex-esposa y su suegra, aunque realmente nadie le quiere de vuelta…
La película con guion del propio Sean Baker junto a Chris Bergoch está protagonizada por Simon Rex, Suzanna Son, Bree Elrod, Ethan Darbone, Brenda Deiss, Brittney Rodriguez, Sam Eidson Vicky y Judy Hill.

https://youtu.be/TXT3RzbmC9g

La bestia interior. Hydes, licántropos y otras figuras teriantrópicas en el imaginario audiovisual

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Libro oficial del SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Este libro es una invitación a explorar las diferentes caras del tratamiento cinematográfico de la bestia que habita en el interior del ser humano. Por sus páginas desfilan hombres lobo, señores Hyde, mujeres gato y otros cruces de ser humano y bestia, en un recorrido que va de los textos fundacionales de la cultura grecolatina al cine contemporáneo y del Hollywood clásico al cine de autor de la Europa Oriental.
Coordinado por Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro, La bestia interior cuenta con aportaciones de los coordinadores y de Lluís Rueda, Violeta Kovacsics, Marta Torres, Diego López-Fernández y Mike Hostench. El lector encontrará textos de diversa naturaleza, en una polifonía de estilos que aporta nuevas miradas sobre un mito del cine fantástico que sigue gozando de gran vitalidad.
Autor: Lluís Rueda, Marta Torres, Ángel Sala, Jordi Sánchez-Navarro, Violeta Kovacsics, Diego López, Mike Hostench, Ilustraciones: Miki Edge, Editorial: Hermenaute, Páginas: 274

«El acontecimiento», película ganadora del León de Oro de Venecia, competirá en la Sección Oficial de la 66 Seminci

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El film de la realizadora francesa Audrey Diwan adapta la novela homónima de Annie Ernaux en la que describe el aborto clandestino al que se sometió en 1963.

La película El acontecimiento (L’événement), ganadora del León de Oro del Festival de Venecia, competirá en la Sección Oficial de la 66 Semana Internacional de Cine de Valladolid, que se celebrará del 23 al 30 de octubre. El estreno en España tendrá lugar, pues, durante el primer fin de semana del festival.

El film, segundo trabajo de la realizadora francesa Audrey Diwan, adapta a la gran pantalla la novela homónima de la escritora francesa Annie Ernaux, en la que describe el aborto clandestino al que tuvo que someterse en el año 1963 en Francia cuando esta práctica estaba prohibida y penada.

Ambientada en la Francia de 1963, El acontecimiento trata sobre Anne, una estudiante joven y brillante con un futuro prometedor. Pero cuando queda embarazada, se desvanece antes sus ojos la oportunidad de terminar sus estudios y escapar de las limitaciones impuestas por su origen social. Mientras se aproximan las fechas de sus exámenes finales y su barriga no deja de crecer, Anne decide actuar: aunque tenga que afrontar la vergüenza y el dolor; aunque se arriesgue a una pena de cárcel por hacerlo o perder la vida.

Nacida en 1980, Audrey Diwan es directora de cine francesa de origen libanés y se convirtió en guionista tras estudiar Periodismo y Ciencias Políticas. Escribió el guion de Conexión Marsella (Mariana Saffon, 2014), protagonizada por Jean Dujardin. También es colaboradora especial de la revista ‘Stylist’ y miembro de Collectif 50/50, una ONG francesa que promueve la igualdad entre hombres y mujeres en la industria cinematográfica.

Su debut como directora, Mais vous êtes fous, se estrenó en 2019, y su segundo largometraje, El acontecimiento (2021), ha conquistado el León de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de Venecia.

La película, que distribuye en España Caramel Films, fue invitada a participar en la Sección Oficial por el comité de selección de Seminci tres meses antes de su estreno internacional en el Festival de Venecia, apuesta que ahora ha refrendado el León de Oro que ha obtenido El acontecimiento en la recién clausurada edición del certamen italiano.

El resto de títulos que integrarán la Sección Oficial de Seminci se anunciará este próximo miércoles 15 de septiembre.

 

La isla maldita de Mike Flanagan, primer tráiler de «Midnight Mass»

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Continuando con su colaboración con Netflix Mike Flanagan tiene ya lista el que será su tercer trabajo con la plataforma televisiva tras The Haunting of Hill House y The Haunting of Bly Manor, Midnight Mass, cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster promocional, supone una nueva vuelta de tuerca de terror en donde se cambia el escenario de la casa encantada vista en las dos anteriores series por el de una comunidad isleña.
En Midnight Mass vemos como una comunidad al borde de la extinción y ávida de fe recibe la llegada de un carismático sacerdote, que trae consigo una serie de milagros y misterios en base a una renovada creencia religiosa hacia sus feligreses. La aparición del sacerdote coincide con eventos inexplicables y aparentemente milagrosos, que despertará un renovado fervor religioso en la comunidad, sin embargo estos milagros atesoran un peligro inesperado.
La serie que constará de siete episodios y verá la luz el próximo 24 de septiembre cuenta con un guion a cargo del propio Mike Flanagan junto a James Flanagan, Jeff Howard, Dani Parker y Elan Gale estando protagonizada por Kate Siegel, Zach Gilford, Hamish Linklater, Annabeth Gish, Michael Trucco, Samantha Sloyan, Henry Thomas, Rahul Abburi, Crystal Balint, Matt Biedel, Alex Essoe, Rahul Kohli, Kristin Lehman, Robert Longstreet, Igby Rigney, Annarah Shephard  y Camille Atebe.

https://youtu.be/qe9cvYXySf0

Sitges 2021: bajo el signo de la bestia

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‘Titane’, de Julia Ducournau, y ‘The Trip’, de Tommy Wirkola, entre las últimas y más esperadas confirmaciones

Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya presenta en su 54ª edición un line up convulso y en plena ebullición de nuevas propuestas. Un total de 126 títulos que se podrán disfrutar del 7 al 17 de octubre, con una mirada femenina protagonista en el género y el planteamiento de un debate sobre la delimitación de contenidos y nuevas formas del fantástico. Falta un mes para que vuelvan a llenarse las butacas del Auditori, el Retiro, el Prado, Tramuntana y Escorxador. La 54ª edición vendrá acompañada de los aullidos del hombre lobo y otras criaturas de la noche, bestias interiores y el último cine surgido de las entrañas del fantástico.

Entre las últimas incorporaciones a la 54ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya no podía faltar Titane, la Palma de Oro de Cannes 2021. Su directora, Julia Ducournau, visitó Sitges en 2016 con Crudo, film que fue reconocido con tres premios del certamen. Su nueva y explosiva propuesta habla del reencuentro de un padre con su hijo desaparecido diez años atrás, después de una serie de crímenes inexplicados. Está protagonizada por Vincent Lindon, Agathe Rousselle, Garance Marillier, Laïs Salameh y Bertrand Bonello.

El noruego Tommy Wirkola, autor de las películas de Zombis nazis, Hansel y Gretel: Cazadores de brujas y Siete Hermanas, vuelve a Sitges con The Trip. Una comedia negra sobre Lars y Lisa (Noomi Rapace y Aksel Hennie), un matrimonio en crisis que decide escapar un fin de semana a una cabaña en el bosque y buscar una oportunidad para empezar de cero. Tan pronto como el otro esté muerto.

En el terreno de las series, La sangre helada, una producción de la BBC que se podrá ver en Movistar+ en octubre, estrenará su primer episodio en Sitges. Interpretada por Colin Farrell y Jack O’Connell, es la adaptación de una novela del siglo XIX sobre un médico en crisis que se embarca en un ballenero donde coincidirá con un psycho-killer.

 

Sitges 2021: programación por secciones

Sección Oficial Fantàstic

El potente y extenso eje central del Festival presentará diferentes bifurcaciones temáticas y focos de expresión del género. Así, habrá nuevas formas y mitologías derivadas de lo popular y de raíz folk (In the Earth, The Medium, Luzifer, Y todos arderán) o visiones de lo maternal como pesadilla (Son, Lamb, El páramo) mientras la invocación del pasado o de lo cotidiano provocará la descomposición del círculo familiar o íntimo (Violation, She Will, Inexorable, Coming Home in the Dark, Silent Night, Nitram, L a abuela, Tres, Visitante) hasta abstraer nuestra propia realidad bajo el signo o significado de la pandemia referida en directo o como alegoría (We Need to Do Something, The Feast). Por otro lado, en el recorrido de esta Sección Oficial se encontrarán variaciones sobre temáticas clásicas (la maldad infantil en The Innocents, la casa maldita en The Deep House, el angst adolescente en Seance, el canibalismo en Barbeque, la licantropía en Eight for Silver, el slasher mítico en Halloween Kills o el giallo en Veneciafrenia).

También el fantástico optará por la representación casi vanguardista (los mundos oníricos de Mona Lisa and the Blood Moon, The Blazing World, Mad God, Prisoners of the Ghostland o After Blue) incluso basándose en el lenguaje de una animación que sirve al futuro (Belle) como interpreta en clave contemporánea los horrores del pasado (Where is Anna Frank?) o utilizando los lenguajes de la representación contemporáneos como invocadores del horror (Censor, Demonic). Y no faltará la reflexión en clave de fantástico militante y fascinante sobre un pasado revisitado desde el imaginario (Freaks Out, Last Night in Soho), o del futuro desde la distopía creativa (Tides) o realista (Limbo).

 

Noves Visions / Sitges Documenta

La programación de Noves Visions se dirige hacia una reflexión sobre las nuevas narrativas y lenguajes del género desde un minimalismo militante (Beyond the Infinite Two Minutes, The Scary of Sixty-First, El apego) a un barroquismo en clave de distopía atemporal (Land of the Sons, 2551.01, Gaia) sin olvidar variaciones sobre mitos clásicos (sobre todo el vampirismo en Rose. A Love Story, Dead & Beautiful, Vampir, o la licantropía en Bloodthirsty). En todo ello, discursos de género marcados por lo social (Medusa), la pandemia (A nuvem rosa), el fanatismo religioso (Agnes) o cierta invocaci&oacut e;n del absurdo (Mayday, Strawberry Mansion), incluyendo la violencia o el horror sugerido (Sound of Violence, The Dawn).

Sitges Documenta pondrá de nuevo en cuestión la propia naturaleza de la no ficción y la relacionará con el fantástico desde la recensión académica y valorativa (The Found Footage Phenomenon, Pennywise: The Story of It, Django vs. Django, Woodlands Dark and Days Bewitched: A History of Folk Horror), la invocación fantasmática del propio cine (The Taking) o su implantación en lo popular (Alien on Stage), además de utilizar claves propias de la ciencia ficción para analizar la realidad (A Glitch in the Matrix, Users).

 

Panorama Fantàstic / Midnight X-treme

Las dos secciones más propiamente fandom del Festival tendrán una representación amplia del fantástico, no solo de consumo sino también reflexivo con el presente (Barbarians, The Boy Behind the Door), invocando territorios genéricos desde perspectivas decididamente nuevas (Llanto maldito, Witch Hunt, Superhost, Caveat, Knocking, Hellbender) o más clásicas (Le Calendrier, The Power, Realidad virtual, Let The Wrong In, The Exorcism of God). La apuesta por un exceso con inteligencia (The Sadness, Hunter Hunter, Wyrmwood: Apocalypse) y también por la ciencia ficción (Broadcast Signal Intrusion, Warning). Propuestas decididamente pulp e indies desde un joven cine español (La pasajera, Jacinto) o una presencia importante del cine asiático (The Great Yokai War. Guardians, Last of the Wolves 2, Hand Rolled Cigarette, The Samejima Incident).

 

 

Anima’t

Una selección de largometrajes que invocan e innovan clásicos se añaden a la sección. Estarán presentes el espíritu del heavy metal o Ralph Bakshi en The Spine of the Night, la diversidad geográfica (Esluna: The Crown of Babylon, Bob Cuspe: Nós Nâo Gostamos de Gente, Welcome to Siegheilkirchen), la ciencia ficción más hard (Absolute Denial), sin olvidar la presencia esencial del anime (Pompo the Cinephile, Poupelle of Chimney Town, The Deer King) y la recuperación de una pieza japonesa concluida por fin, como la delirante Junk Head.

 

 

Sitges Classics / Seven Chances

En Sitges Classics, la retrospectiva “La bestia interior”, que ilustra el leitmotiv del Festival, contará con recuperaciones como la argentina Nazareno Cruz y el lobo o La bête, obra maestra de Borowzyck, así como clásicos del cine fantástico español tan dispares como El bosque del lobo, de Pedro Olea, o El retorno del hombre lobo, de Jacinto Molina, incluyendo clásicos como The Howling, de Joe Dante, y la decisiva An American Werewolf in London, de John Landis.

También se podrá ver el necesario rescate de una de las grandes obras maestras del cine español, El extraño viaje, aportación de Sitges al centenario de Fernando Fernán Gómez, un hombre de cine total del cual todavía tiene que descubrirse su vocación imaginaria. Y no podía faltar el homenaje al cuarto de siglo de El día de la bestia, en una copia restaurada en 4K.

La reivindicación del cine de género producido en Catalunya estará dentro de “Catalunya Imaginaria”, con la proyección de la magistral La dama del alba, de Rovira Beleta, y la enigmática La banyera, de Jesús Garay.

Seven Chances recuperará clásicos como On the Silver Globe, la majestuosa epopeya de ciencia ficción de Zulawski, o Multiple Maniacs, del siempre estimulante John Waters, mientras rescatará obras casi perdidas como El aullido del diablo, de Paul Naschy, The Amusement Park de George A. Romero o A Praga de Mojica Marinos, sin olvidar un homenaje al recientemente desaparecido actor japonés Sonny Chiba con la extraña y desconcertante Wolf Guy.

 

 

Brigadoon

La sección celebra su 35º aniversario y programa varios estrenos, como las catalanas Volpina, de Pere Koniec, sobre un verano de desamor y brujería, y El hijo del hombre perseguido por un OVNI, de Juan Carlos Olaria, secuela del film homónimo y dirigido por él mismo en 1976. El film de terror y sectas satánicas Bienvenidos al infierno, de la cineasta argentina Jimena Monteoliva, también se podrá ver en Brigadoon.

En el apartado documental, se añaden El sonido del terror, de Luis Esquinas Chanes, un estudio centrado en el trabajo del sonido en el cine fantástico; Blood in the Streets: The Quinqui Film Phenomenon, de Kier-La Janisse y Don Adams, una visión internacional del cine quinqui, y Las confisiones de un hombre lobo, de Ivan Cardoso, premiere mundial del docu-entrevista a Paul Naschy grabada en Brasil en 2005.

Formarán parte de la retrospectiva “La bestia interior” los films Romasanta, la caza de la bestia (Paco Plaza, 2004) y La bestia y la espada mágica (Jacinto Molina, 1983).

 

Consulta el line up completo

 

Cartel y programación online de Terror Molins 2021

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Tras el anuncio del leitmotiv del Festival llega el momento de la presentación del cartel oficial, una colaboración entre el fotógrafo Joan Gosa y el diseñador Joan Jarque, ambos miembros del equipo del festival. 

¿Cómo ha sido el proceso de creación del póster?

Como ya sabéis el leitmotiv de esta edición es la Contracultura y en ese concepto se basa el póster de esta 40 edición. Queríamos hacer un homenaje a todos nuestros carteles, así como también un homenaje a esa búsqueda de nuevos aires para romper con lo impuesto, propia de la década que vió nacer al Festival en aquél lejano 1973. Hemos optado por un collage de gran tamaño que fue realizado de forma manual, fotografiado y maquetado en digital. Nos transporta a los carteles setenteros y al movimiento de la contracultura de esa época.

Joan Gosa, nacido en Pallejá, es fotógrafo profesional freelance. Se considera un apasionado de las culturas del mundo y de las relaciones del hombre con la naturaleza. Compagina su gran pasión por los viajes con su trabajo como fotoperiodista deportivo y de noticias para una importante agencia de noticias. Tiene su propio estudio fotográfico, donde desarrolla sus proyectos personales y profesionales junto a sus clientes. Su relación con TerrorMolins comenzó en 2017, asistiendo como fotógrafo oficial; desde ese momento se convirtió en parte vital del Festival.

Joan Jarque, nacido en Molins, se define como diseñador multidisciplinar enamorado del diseño gráfico, del video-mapping y del cine de terror. Colabora en la dirección de la comunicación del Festival, dentro de su departamento de comunicación y marketing, así como en la creación y realización de video-mappings en directo durante los días en que se celebra el certamen. Trabaja como productor creativo para el estudio Framemov y también es diseñador gráfico freelance para diversas marcas. Su relación con TerrorMolins  comenzó en 2001, asistiendo al Festival junto a sus padres, grandes amantes también de esta cita con el cine de género. Está claro que el terror forma parte de su genética.

 

Primeros títulos en FILMIN

Tras meses de preparación esta es la primera oleada de títulos que formarán parte de la edición online del Festival de Cine de Terror Molins de Rei.

Cabe destacar dos novedades para la edición online (que por segundo año consecutivo se realizará en Filmin): La sección de documentales, donde se repasa las historias más insólitas del género a través de una colección de títulos todavía inéditos en nuestro país; y la sección Remember, pequeñas joyas del género que han pasado por el festival y que, lamentablemente, siguen todavía sin distribución.

A continuación, los primeros títulos que formarán parte de la nueva edición online del festival:

Sección Videodrome (Filmin):

  • Sound Of Violence
  • Tarumana (Llanto maldito)
  • Val
  • Doors
  • Slapface
  • Silence and Darkness

Sección Remember (Filmin):

  • Let us prey
  • I am Bad
  • Excess Flesh
  • Exists
  • Found
  • Mon Ami
  • Autumn Blood
  • Modus Anomali
  • Rammbock
  • The last employee
  • The man in the Orange Jacket
  • The Witch in the Window
  • Tragedy Girls
  • Vile
  • We go on

Sección Documentales (Filmin):

  • Cropsey
  • A devil Jumping around
  • Culto al terror
  • Fulci talks
  • Horror movie: a low budget
  • Greetings from tromaville
  • Scream Queen
  • Zombies en el cañaveral
  • Tales Of the uncanny

 

 

«Gull» review

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Dentro de la muy válida e interesante cosecha asiática que suele estar presente estos últimos años en la sección New Directors del Festival de San Sebastián, Gull la opera prima de la realizadora china Kim Mi-jo, vino a certificar en la pasada edición por si aún existían dudas al respecto el buen nivel de primeros trabajos provinientes de la cinematografía china, un film conciso de denuncia cuya mejor virtud posiblemente radique en ofrecernos una visión nada maniquea de un conflicto moral y social que tristemente sigue sin tener visos de desaparecer, el relato nos retrata la vida de O-bok, una mujer de 61 años que ha regentado una tienda de mariscos en un mercado de pescado durante décadas. Un día tiene su primer encuentro con los futuros suegros de su hija In-ae. Esa noche, O-bok es violada por Gi-taek. Al principio, finge que no ha pasado nada y trata de seguir con su vida como siempre. Poco después, le confiesa la violación a In-ae. La policía llama a Gi-taek para investigar y la historia del incidente comienza a difundirse por el mercado.
Es ciertamente interesante el comprobar como una película como Gull prescinde a través de caminos comunes de ese catálogo formalista que en ocasiones deriva en preciosista en base a multitud de dictados y estilos varios de índole artificial tan recurrente últimamente en las óperas primas a la hora de abordar una problemática social mostrada a través de un retrato psicológico, aquí expuesto desde la mirada de una en un principio no potencial víctima de violación, en cierta manera estamos ante una película cuya narrativa recurre constantemente a la elipsis casi a modo de un acto de fe, nos cuenta bastante más de lo que pueda parecer pero en base a no mostrarnos mucho, especialmente en lo referido a un suceso, situado continuamente fuera de campo, que dará pie a todo el entramado argumental posterior, este se desarrolla en referencia a un tono que deviene como aparentemente cotidiano, o al menos en lo referido a su génesis, apenas percibido como algo casi anecdótico que ira volviéndose cada vez más enrevesado conforme la victima de la violación se sienta totalmente legitimada moralmente para la denuncia pese al cada vez mayor descredito al que se ve sometida por todo su entorno.
En Gull también encontraremos interesantes apuntes al contexto de la crisis económica como podemos comprobar en ese intento de expropiación por parte del ayuntamiento del mercado en donde trabajan víctima y acusado, una problemática que en parte colinda con la principal del relato, el de la denuncia, a la hora de establecerse curiosos paralelismos en referencia a como la sociedad prioriza una cuestión para relativizar la otra, por fortuna la mirada de Kim Mi-jo a tal respecto no se sustentara en la demagogia como suele ser bastante habitual en este tipo de relatos, la visión de la realizadora devendrá limpia y libre de prejuicios en base a su condición de historia contemplativa, decisión que encumbra esta estimable y humilde película.
Valoración 0/5:3

https://youtu.be/-S4LGib7uP8

Dialogar con el demonio, tráiler de «Luzifer»

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Ha sido una de las películas más polémicas vistas en la pasada edición del Festival de Locarno, Luzifer, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, indaga en el terror autoral a través de una historia que nos sitúa en un escenario de opresión rural con el desvirtuado culto a la religión como epicentro del relato. La película con dirección a cargo de Peter Brunner Those Who Fall Have Wings (2015) y To the Night (2018) estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges.
Luzifer está inspirada en un suceso real de exorcismo en donde vemos como Johannes, un hombre con el corazón de un niño, vive aislado en una cabaña alpina con su madre. El día a día está regido por rezos y rituales. Pero, de repente, la modernidad se entromete en su mundo de naturaleza y alabanza divina. Un complejo turístico amenaza con envenenar su paraíso y despertar al supuesto demonio que tiene en su interior.
La película con guion del propio Peter Brunner y producción a cargo de una de las referencias más notorias del actual cine austriaco como es Ulrich Seidl está protagonizada por Franz Rogowski y Susanne Jensen.

https://youtu.be/zPZ-FmerTcA

El universo de William Wyler

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William Wyler es sin duda uno de los grandes directores de la Historia del Cine y posee una impresionante filmografía. Un grupo de expertos analizan en El universo de William Wyler todos sus films, sus actores, colaboradores…. todas las constantes de su vida y obra. Una enciclopedia sobre su obra, con impresionante despliegue fotográfico.
Autor: David Felipe Arranz, Victor Arribas, Ascanio Cavallo, Miguel A. Fidalgo, Ignacio García Garzón, Noemi Guillermo, Jaime Iglesias, Fernando R. Lafuente, Juan Carlos Laviana, Miguel Marias, Luis Martínez, Alejandro Melero Salvador, Diego Moldes, Oti Rodríguez Marchante, Adrián Sánchez, Gerardo Sánchez, Eduardo Torres-Dulce, Joaquín Vallet, Jaime Vicente Echagüe, Editorial: NOTORIOUS, Páginas: 368

El antecedente previo a la masacre, tráiler de «Nitram»

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No es la primera vez que Justin Kurzel reconstruye sucesos de la crónica negra australiana, si en 2011 nos mostraba en Snowtown un crudo estudio acerca de una personalidad malvada y dominante en Nitram, cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se nos relatan los eventos que precedieron a la masacre de Port Arthur de 1996 en Tasmania en donde murieron 35 personas. Esta historia de un asesino antes de convertirse en tal que estuvo presente en la pasada edición de Cannes, en donde consiguió el premio al Mejor actor para Caleb Landry Jones, se podrá ver en nuestro país el próximo mes de octubre en el Festival de Sitges.

La película nos sitúa en la Australia de mediados de los noventa, Nitram es un joven que vive en casa de sus padres, allí pasa su tiempo entre la soledad y la frustración. Cuando ofrece sus servicios como jardinero conoce a Helen, una heredera marginada que vive sola con sus animales. Juntos, construyen una vida al margen de todo. Cuando repentinamente Helen desaparece trágicamente, la cólera y la soledad de Nitram vuelven a hacer acto de aparición. En ese momento, comienza un largo descenso a los infiernos.

Nitram con guion a cargo de Shaun Grant está protagonizada por Caleb Landry Jones, Essie Davis, Anthony LaPaglia, Judy Davis y Annabel Marshall-Roth.

El universo creativo de Álex de la Iglesia aterriza en Filmoteca Española

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  • El 1 de septiembre comienza una retrospectiva del director que se prolongará hasta octubre. Además del propio Álex de la Iglesia, acudirán al cine Doré varios de sus colaboradores para presentar las películas y charlar con el público
  • También se proyectará una carta blanca con títulos como El proceso (Orson Welles, 1962) o La matanza de Texas (Tobe Hooper, 1974)

Filmoteca Española pone en marcha a partir de septiembre algunas iniciativas que permitirán al público acercarse de múltiples formas a la obra de uno de los directores más queridos y valorados de la cinematografía española: Álex de la Iglesia.

Perfectos desconocidos (2017) inaugura el 1 de septiembre “Álex de la Iglesia. Tragedias grotescas, comedias diabólicas”, una retrospectiva del director que incluye todos sus largometrajes, su debut en el cortometraje y sus trabajos para televisión, incluyendo la aclamada primera temporada de 30 monedas. En octubre, además, se podrá ver Veneciafrenia, su última película, tras su estreno mundial en Sitges.

Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española, ha puesto en valor la profusión e importancia de la filmografía del cineasta bilbaíno, cuyo discurso cinematográfico está “férreamente anclado en la concepción numantina, en el retrato identitario de una comunidad, un país, que perpetúa todo un legado costumbrista, caricaturesco, satírico y, más allá de modas y tendencias, un subtexto profundamente político”. Así mismo, Reviriego reivindica la retrospectiva como una oportunidad para apreciar “el enorme valor que ha adquirido su obra para las derivas del cine español”.

Para presentar algunas de las sesiones, además del propio Álex de la Iglesia acudirán al cine Doré varios de sus colaboradores habituales y amigos, entre ellos Santiago Segura, Belén Rueda, Emilio Gutiérrez Caba, Leonor Watling o Carlos Areces. El día 16 de septiembre, el propio cineasta dará el pistoletazo de salida a dichas presentaciones, que se irán confirmando conforme se acerquen las fechas previstas en el calendario del programa de septiembre.

Por otro lado, en septiembre el ciclo se complementará con la carta blanca “Álex de la Iglesia presenta…”, una oportunidad para conocer algunas de las películas que incidieron en la trayectoria cinematográfica del director. “El criterio de legitimación es el impacto o la erosión que provocan en mi cerebro, porque de eso se trata, de no ser el mismo tras la proyección”, ha indicado el propio Álex de la Iglesia, que ha seleccionado filmes de grandes autores como Orson Welles, Mario Monicelli, Tobe Hooper o Roman Polanski.

Además de las proyecciones en el cine Doré, del 3 al 10 de septiembre se podrá ver en el canal de Vimeo de Filmoteca Española, #FloresEnLaSombra, Mirindas asesinas, el cortometraje con el que Álex de la Iglesia debutó en 1990.

 

La amenaza lunar de Roland Emmerich, primer tráiler de «Moonfall»

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Hablar de la larga trayectoria de Roland Emmerich representa de alguna manera adentrarse en un subgénero propio, en este caso el relacionado con las catástrofes de diferente índole que asolan a nuestro planeta, temática que nació en 1996 con la exitosa Independence Day y que ha ido continuando con el paso de los años con productos que no esconden en ningún momento su naturaleza comercial evasiva como por ejemplo The Day After Tomorrow o 2012 por citar solo dos ejemplos. Moonfall, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, supone la última catástrofe cinematográfica orquestada por el responsable de Stargate.

En Moonfall vemos como una fuerza misteriosa golpea repentinamente a la Luna dejándola fuera de su órbita, algo que hace que la envíe en choque directo contra la Tierra a toda velocidad. Unas semanas antes del irremediable impacto con un mundo al borde de la aniquilación, la ejecutiva de la NASA y ex astronauta Jo Fowler está convencida de tener la clave para salvar nuestro planeta. Pero solo el astronauta Brian Harper y el teórico de las conspiraciones KC Houseman la creen. Estos antagónicos héroes montarán una misión imposible al espacio, dejando atrás a todos sus seres queridos, para aterrizar en la superficie lunar e intentar salvar a la humanidad.

La película, que tendrá un estreno en cines de Estados Unidos y nuestro país, de la mano de Diamond Films, previsto para el próximo 4 de febrero de 2022, cuenta con guion a cargo del propio Roland Emmerich junto a Spenser Cohen y Harald Kloser estando protagonizada por Halle Berry, Patrick Wilson, John Bradley, Charlie Plummer, Donald Sutherland, Stephen Bogaert, Eme Ikwuakor, Michael Peña, Wenwen Yu, Carolina Bartczak, Maxim Roy y Hazel Nugent.

Tráiler de «The Velvet Underground», la leyenda según Todd Haynes

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Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador Todd Haynes The Velvet Underground, documental que repasa de forma extensa la trayectoria de la mítica banda de rock estadounidense que tuvo su estreno mundial en el pasado Festival de Cannes y que dentro de pocas semanas veremos en el Zinemaldia dentro de la sección Perlas para más tarde estar disponible a través de Apple TV+ a partir del próximo 15 de octubre.
«The Velvet Underground» explora los diferentes hilos que convergieron para que surgiera una de las bandas más influyentes del rock. El grupo fue artífice de un nuevo sonido que en cierto modo cambió el mundo de la música, cimentando así su fama como una de las bandas de rock & roll más veneradas de la historia, y muestra cómo el grupo se convirtió en una piedra de toque cultural con una serie de contradicciones: son de su tiempo y atemporales; literarios y anclados en la realidad; tienen raíces en la alta cultura y en el arte urbano.
La película incluye entrevistas en profundidad a personalidades clave de la época, combinadas con una serie de impagables actuaciones inéditas y una rica colección de grabaciones, películas de Warhol y otros elementos de arte experimental, todo lo cual provoca una experiencia inmersiva en lo que John Cale (uno de los fundadores del grupo) describe como los valores creativos del conjunto: «Cómo ser elegante y cómo ser salvaje«.

Marion Cotillard recibirá un Premio Donostia en la 69 edición del Festival de San Sebastián

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El galardón honorífico será entregado a la actriz francesa el 17 de septiembre durante la ceremonia de inauguración.

Marion Cotillard, una de las actrices francesas más internacionales de la cinematografía contemporánea, recibirá un Premio Donostia de la 69 edición del Festival de San Sebastián. El galardón honorífico le será entregado el día 17 de septiembre, viernes, durante el transcurso de la ceremonia de inauguración del certamen en el Auditorio Kursaal.

Cotillard, ganadora del Oscar, del Globo de Oro y del Premio BAFTA por su interpretación de Édith Piaf en La Môme / La Vie en Rose (La vida en rosa, Olivier Dahan, 2007), ha brillado con intensidad en producciones europeas y estadounidenses que la han llevado a desempeñar con igual talento roles dramáticos, cómicos y de acción junto a cineastas como Michael Mann, Christopher Nolan, Woody Allen, Steven Soderbergh, James Gray, los hermanos Dardenne, Arnaud Desplechin, Nicole Garcia, Leos Carax y su pareja, el director y actor Guillaume Canet.

Nacida en París en el seno de una familia de artistas, debutó como actriz cuando aún era una niña en una de las obras de teatro de su padre, Jean-Claude Cotillard. Tras participar en series televisivas, hizo su primer papel para el cine en L’histoire du garçon qui voulait qu’on l’embrasse (Philippe Harel, 1994). Su participación en Taxi (Taxi Express, Gérard Pirès, 1998) le granjeó la primera de sus seis nominaciones a los Premios César. Más tarde volvería a meterse en la piel de Lilly Bertineau en Taxi 2 (2000) y Taxi 3 (2003) -ambas dirigidas por Gérard Krawczyk-, las secuelas de la taquillera saga de acción escrita y producida por Luc Besson.

Cotillard se desdobló para encarnar a las dos hermanas gemelas enfrentadas en Les jolies choses / Pretty Things (Gilles Paquet-Brenner, 2001), con la que volvió a ser candidata al César en la categoría de mejor actriz revelación. Su fama en Francia creció gracias a la comedia romántica Jeux d’enfants / Love Me If You Dare (Quiéreme si quieres, Yann Samuell, 2003), tras la que realizó su primera incursión en Hollywood gracias al estadounidense Tim Burton, que la incluyó en el coral elenco de Big Fish (2003). Finalmente, ganó el César como mejor actriz de reparto en el drama romántico de trasfondo bélico Un long dimanche de fiançailles / A Very Long Engagement (Largo domingo de noviazgo, Jean-Pierre Jeunet, 2004), y ese año también formó parte del equipo de Innocence (Lucile Hadzihalilovic, 2004), que obtuvo el Premio New Directors en San Sebastián. Después de trabajar en Mary (Abel Ferrara, Perlak, 2005), en Sauf le respect que je vous dois / Burn Out (Fabienne Godet, New Directors, 2005) y en Fair Play (Lionel Baillu, Premio Kutxa New Directors, 2006), la actriz dio vida a la dueña del restaurante de quien se enamora el personaje de Russell Crowe en A Good Year (Un buen año, 2006), de Ridley Scott.

Su aplaudida recreación de la célebre cantante Édith Piaf marcó un antes y un después en su carrera al convertirse en la primera actriz gala en lograr el Oscar por una interpretación realizada en idioma francés. Su papel en La Môme (La vida en rosa, Oliver Dahan, 2007) también le valió a Cotillard el Globo de Oro, el Premio Bafta y su segundo Premio César, esta vez como actriz principal. Poco después, recibió la Medalla de la Orden de la Artes y Letras de Francia.

A partir de entonces, Marion Cotillard multiplicó sus apariciones en producciones de Hollywood como Public Enemies (Enemigos públicos, Michael Mann, 2009), en la que encarnó a Billie Frechette, la novia del gánster John Dillinger; el musical Nine (Rob Marshall, 2009), en el que volvió a mostrar sus habilidades como cantante y bailarina; películas de acción como Inception (Origen, 2010) o The Dark Knight Rises (El caballero oscuro: La leyenda renace, 2012), ambas dirigidas por Christopher Nolan; comedias como Midnight in Paris (Woody Allen, 2011) y thrillers como Contagion (Contagio, Steven Soderbergh, 2011), Blood Ties (Lazos de sangre, Guillaume Canet, 2013) y Allied (Aliados, Robert Zemeckis, 2016); o dramas como The Inmigrant (El sueño de Ellis, James Gray, 2013), que fue su primer papel protagonista en una cinta estadounidense, o Macbeth (Justin Kurzel, 2015).

Entretanto, la actriz ha seguido trabajando con importantes cineastas europeos como Jacques Audiard (De rouille et d’os / Rust and Bone, De óxido y hueso, 2012) o los hermanos Dardenne (Deux jours, une nuite / Two Days, One Night; Dos días, una noche, 2014), con quienes consiguió su quinta y sexta nominación al César, respectivamente; y también ha actuado a las órdenes de Xavier Dolan (Juste la fin du monde / It’s Only the End of the World, Solo el fin del mundo, 2016), Arnaud Desplechin (Les fantômes d’Ismaël / Ismael’s Ghosts, Los fantasmas de Ismael, 2017) y Leos Carax, con quien acaba de protagonizar Annette (2021), inclasificable musical que inauguró recientemente la competición oficial del Festival de Cannes.

Ha trabajado al lado de actores y actrices como Matthew Modine, Forest Whitaker, Christian Bale, Daniel Day-Lewis, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Clive Owen, Joaquin Phoenix, Jeremy Renner, Michael Fassbender, Brad Pitt, Louis Garrel, Léa Seydoux, Mathieu Amalric, Charlotte Gainsbourg, Vincent Cassel, Benoît Magimel, François Cluzet, Adam Driver y Johnny Depp, quien también recibirá el Premio Donostia en la 69 edición del Festival de San Sebastián.

Firme defensora de la preservación del medio ambiente, la actriz es también coproductora de Bigger Than Us, un documental de Flore Vasseur producido por Denis Carot, de la compañía Eizévir. El filme, que da voz a la juventud comprometida, podrá verse en San Sebastián como Proyección Especial Premio Donostia el sábado 18 de septiembre en el Victoria Eugenia. Antes, fue programado en el Festival de Cannes junto a otros títulos dirigidos a sensibilizar al público con respecto al cambio climático y su impacto medioambiental.

El domingo 12 de septiembre se pondrán a la venta las entradas para la entrega del galardón a Cotillard, que se realizará durante la ceremonia inaugural del Festival (17 de septiembre) e incluirá la proyección del corto Rosa Rosae. La Guerra Civil, de Carlos Saura, y del largometraje Yi miao zhong / One Second (Un segundo), de Zhang Yimou.

 

Bigger Than Us

Flore Vasseur (Francia)

País(es) de producción: Francia

Durante seis años, Melati, una chica de 18 años, ha estado luchando contra la contaminación por plástico que está devastando su país, Indonesia. Como ella, toda una generación se está levantando para mejorar el mundo. En todas partes adolescentes y jóvenes están luchando por los derechos humanos, el clima, la libertad de expresión, la justicia social y el acceso a la educación o la comida. Por la dignidad. Solos, contra viento y marea, a veces arriesgando sus vidas y su seguridad, protegen, denuncian y se preocupan por los demás. Por la Tierra. Y lo cambian todo. Melati viaja alrededor del mundo para conocerlos. Quiere comprender cómo resistir y continuar con su  lucha. Desde las favelas de Río a los remotos pueblos de Malawi, desde botes improvisados en la isla de Lesbos a las ceremonias de los nativos americanos en las montañas de Colorado, Rene, Mary, Xiu, Memory, Mohamad y Winnie revelan un mundo magnífico, un  mundo de coraje y alegría, de compromiso con algo más grande que uno mismo. En un tiempo en el que todo parece estar desmoronándose, estos jóvenes nos muestran cómo vivir.

 

El fantástico español más reciente desembarca en Sitges 2021

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‘El páramo’, de David Casademunt, e ‘Y todos arderán’, de David Hebrero, se añaden a la programación

Las últimas producciones españolas de cine fantástico tendrán su cita en la 54ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Títulos de directores consolidados como Álex de la Iglesia con Veneciafrenia o Paco Plaza con La abuela, se presentarán en Sitges junto a otras obras representativas del panorama fantástico nacional más reciente.

El debut del catalán David Casademunt, El páramo, tendrá su estreno mundial en Sitges, en Sección Oficial Fantàstic en Competición. La película, protagonizada por Inma Cuesta y Roberto Álamo, narra la tranquila vida de una familia que vive aislada de la sociedad y que se ve perturbada por una criatura terrorífica que pondrá a prueba los lazos que los unen. También se incorpora, en sesión especial, la épica de terror Y todos arderán, segundo largometraje de David Hebrero. Una epopeya sobre la búsqueda de venganza de una madre contra el pueblo que le hizo perder a su hijo, con Macarena Gómez, Rodolfo Sancho, Ana Milán y Rubén Ochandiano.

Estos dos títulos se suman a otros films españoles ya anunciados en Sección Oficial Fantàstic en Competición: la inquietante cinta de ciencia ficción Tres, del premiado Juanjo Giménez, con Marta Nieto y Miki Esparbé, y el estreno mundial de Visitante, ópera prima de Alberto Evangelio, con Iria de Rio, Miquel Fernández, Jan Cornet y Sandra Cervera, sobre una crisis matrimonial que se convierte en un thriller fantástico de realidades paralelas.

En las sesiones especiales incluidas en la Sección Oficial Fantàstic se podrán disfrutar tres propuestas muy esperadas. El estreno mundial de Veneciafrenia, de Álex de la Iglesia, con su impactante mezcla de slasher y giallo; el ansiado retorno de Paco Plaza con La abuela, una pesadilla con guion de Carlos Vermut, y la premiere de los cuatro relatos de Historias para no dormir, el regreso de la mítica serie creada por Chicho Ibáñez Serrador cincuenta años atrás, que reúne a las mejores figuras del fantástico español actual como Rodrigo Cortés, Rodrigo Sorogoyen, Paco Plaza y Paula Ortiz, junto a un reparto de lujo.

El fantástico español estará presente en buena parte de las secciones del Festival. En Panorama Fantàstic se podrán ver dos estrenos mundiales. La cinta de terror gallega Jacinto, de Javi Camino, sobre un niño encerrado en el cuerpo de un adulto, y la terrorífica road-movie en furgoneta La pasajera, dirigida por Raúl Cerezo y Fernando González.

 

Recuperación de clásicos

Además de la última cosecha de cine fantástico español, la proyección de clásicos ocupará un lugar destacado en Sitges 2021. Dentro de la retrospectiva dedicada a los hombres lobo, “La bestia interior”, se verán El bosque del lobo (Pedro Olea, 1970), y El retorno del hombre lobo (Paul Naschy, 1981), dos films imprescindibles en la historia de nuestro cine. Naschy será recordado por partida doble, ya que la sección Seven Chances programará El aullido del diablo, obra de 1987 dirigida por el director y actor madrileño.

Por su parte, Sitges Classics recuperará otras dos cintas españolas. El extraño viaje, de Fernando Fernán Gómez, una obra de culto escrita a partir de un argumento de Luis García Berlanga, y la copia remasterizada en 4K de El día de la bestia, de Álex de la Iglesia.

En colaboración con la Filmoteca de Catalunya, se proyectarán dos producciones catalanas que se engloban en la retrospectiva “Catalunya Imaginària”. Se trata de La banyera (Jesús Garay, 1989), en la que un hombre que sufre amnesia intenta localizar a un testigo del asesinato de su amante, y La dama del alba (Francesc Rovira Beleta, 1966), una cinta fantasmagórica sobre una misteriosa desaparición.

 

Pesadillas. Diccionario de películas del cine de terror español (1961-2020)

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La crítica y la historiografía han convertido el cine de terror en un caótico cajón de sastre al que han ido a parar películas de muy diversa temática y efectos. A ello hay que añadir, si nos asomamos al estricto ámbito del cine español, que muchos de esos trabajos no han dejado de repetir informaciones sesgadas y errores de apreciación que han acabado distorsionando la percepción de muchos filmes, magnificando sus aciertos y obviando —voluntariamente— sus defectos.
Pesadillas. Diccionario de películas del cine de terror español (1961-2020) viene a corregir algunos de estos problemas, partiendo, primero, de una ajustada definición del término «cine de terror», para, a partir de esta, explorar su desarrollo en la cultura española contemporánea mediante una selección crítica de películas que en verdad se ajustan a dicho subgénero. Una selección que no esconde los gustos y opiniones de su autor, pero que, al mismo tiempo, se sustenta en una detallada contextualización de las películas, tanto en función de su época como en relación al conjunto de la obra de sus directores/as, guionistas, productoras o actores y actrices.
Los lectores tienen aquí un exhaustivo y amplísimo panorama del cine de terror español, de los diversos caminos por los que ha evolucionado, de sus vinculaciones con las cinematografías europeas y estadounidense. Un trabajo que no solo reivindica un subgénero habitualmente maltratado, sino que también viene, como decía, a enmendar muchos de los errores y exageraciones que la crítica se ha empeñado en perpetuar.
Autor: Pau Roig, Editorial: EOLAS EDICIONES, Páginas: 350

Infancia hostil, tráiler de «Un monde»

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Después de cosechar buenas críticas y alzarse con el Premio FIPRESCI de la sección Un Certain Regard en el pasado Festival de Cannes nos llega un primer tráiler vía Cine Maldito, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del debut en la dirección de la realizadora belga Laura Wandel Un monde. La película también conocida con el título internacional de Playground que estará presente dentro de pocas semanas en la sección Zabaltegi-Tabakalera del próximo Festival de San Sebastián nos narra la cruda historia de un par de hermanos que han de hacer frente a un bullying que sufre uno de ellos en el colegio al que ambos acuden.
Un monde nos cuenta como Nora, una niña de siete años, y su hermano mayor, Abel, vuelven a la escuela. Cuando Nora presencia cómo otros niños abusan de Abel, se apresura a protegerle avisando a su padre. Pero Abel la obliga a guardar silencio. Atrapada en un conflicto de lealtades, Nora intentará encontrar su lugar, dividido entre el mundo de los niños y el de los adultos.
La película con guion de la propia Laura Wandel está protagonizada por Günter Duret, Léna Girard Voss, Karim Leklou, Thao Maerten, Maya Vanderbeque y Laura Verlinden.

 

Derek Jacobi, Adrian Dunbar y Sian Clifford en la sexta temporada de «Inside No. 9»

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Los seis nuevos episodios de la serie de culto de Steve Pemberton y Reece Shearsmith llegan a Filmin el próximo 31 de agosto.

Filmin estrena el próximo martes 31 de agosto, en exclusiva en España, la sexta temporada de uno de sus mayores éxitos: «Inside No. 9«. La serie británica de culto regresa con seis nuevos episodios autoconclusivos en los que la mezcla de géneros, los giros de guion imposibles y su peculiar humor negro harán las delicias de los seguidores de la última ganadora del BAFTA a la mejor serie de comedia.

Una leyenda de la interpretación como Derek Jakobi será uno de los intérpretes invitados a esta sexta temporada. Jacobi, que ya prestó su voz al célebre episodio de «El Diablo de la Navidad» (temporada 3), estará presente esta vez en el quinto episodio, encarnando a un anciano abogado cascarrabias que recibe las atenciones de su resolutivo cuidador, encarnado por Reece Shearsmith (creador de «Inside No. 9» junto a Steve Pemberton).

Jacobi no será la única estrella presente en esta nueva tanda de episodios. Adrian Dunbar («Blood») protagonizará el episodio 4 encarnando a una versión mejorada de sí mismo; mientras que en el episodio 3, Sian Clifford («Fleabag») será una experta lectora de labios contratada para investigar una supuesta infidelidad.  Lindsay Duncan («Sherlock»), Paterson Joseph («The Leftovers») o Gemma Whelan («Juego de Tronos») son otros de los intérpretes que podremos ver en esta sexta temporada de «Inside No. 9».

Tráiler final para «Las leyes de la frontera» de Daniel Monzón

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La esperada adaptación a la gran pantalla de la novela de Javier Cercas publicada en 2012 Las leyes de la frontera, cuyo tráiler final acaba de ver la luz de la mano de Warner Bros. y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, puede suponer de alguna manera para un nuevo publico el revival de la figura del quinqui tan presente en aquella España marginal de finales de los 70 y principios de los 80 que fue llevada al cine en esa misma época en varias ocasiones por directores como José Antonio de la Loma y Eloy de la Iglesia (a tal respecto recomendar la extraordinaria edición restaurada en 2K de la trilogía Perros callejeros que acaba de editar el sello El Setanta-Nou). Las leyes de la frontera que cuenta tras las cámaras con Daniel Monzón y que será la encargada de clausurar la inminente edición del Festival de San Sebastián llegará a los cines de nuestro país el próximo 8 de octubre.

Las leyes de la frontera nos sitúa en el verano de 1978. Nacho Cañas, un estudiante introvertido y algo inadaptado, tiene diecisiete años y vive en Girona. Al conocer al Zarco y a Tere, dos jóvenes delincuentes del barrio chino de la ciudad, se ve inmerso en un triángulo amoroso que le lleva a vivir una carrera imparable de hurtos, robos y atracos que se prolongará durante todo el verano y que cambiará su vida para siempre. Las leyes de la frontera es la historia del verano en el que Nacho experimentó el primer amor y se hizo mayor, transgrediendo constantemente la frontera entre dos mundos, cruzando la línea que hay entre el bien y el mal.

La película con guion adaptado a cargo de Jorge Guerricaechevarría está protagonizada por Marcos Ruiz, Begoña Vargas, Chechu Salgado, Pep Tosar, Daniel Ibañez, Guillermo Lasheras, Jorge Aparicio, Carlos Oviedo, Cintia García, Xavier Martín, Víctor Manuel Pajares y Diego Molina Garau.

Las leyes de la frontera es una producción de Ikiru Films, La Terraza Films y Atresmedia Cine en colaboración con Buendía Estudios y Las Leyes de la Frontera AIE.

La 66 Seminci programará el ciclo «Disidencias: nuevos cineastas, nuevas miradas»

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El ciclo programará 16 primeras y segundas películas de autores como Chloé Zhao, Kelly Reichardt, Hong Sangsoo, Cristi Puiu, Apichatpong Weerasethakul y los españoles Isaki Lacuesta y Mercedes Álvarez.

La 66 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine, programará el ciclo “Disidencias: Nuevos cineastas, nuevas miradas”, que mostrará una selección de 16 largometrajes de reconocidos directores y directoras que ponen de manifiesto la búsqueda de nuevos lenguajes y formas de narración en el cine de ficción y documental en las últimas dos décadas. Las propuestas “disidentes” de estos cineastas se conciben ajenas a los modelos convencionales de narrativa cinematográfica y de producción, logrando el reconocimiento de crítica y público.

El ciclo está integrado por dieciséis creadores de trece países y cuatro continentes diferentes, diez hombres y seis mujeres: Maren Ade (Alemania), Wang Bing y Chloé Zhao (China), Sergei Loznitsa (Bielorrusia), Lucrecia Martel y Lisandro Alonso (Argentina), Raya Martin (Filipinas), Lemohang Jeremiah Mosese (Lesoto), László Nemes (Hungría), Cristi Puiu (Rumania), Kelly Reichardt (Estados Unidos), Hong Sangsoo (Corea del Sur), Céline Sciamma (Francia) y Apichatpong Weerasethakul (Tailandia), además de los españoles Isaki Lacuesta y Mercedes Álvarez.

“Disidencias: Nuevos cineastas, nuevas miradas” reúne los primeros trabajos de estos cineastas surgidos en el siglo XXI cuyo nexo de unión es una obra que se sale de la norma, que busca nuevos caminos frente a los ya conocidos por el cine anterior o por la producción mayoritaria. Son creadores portadores de miradas frescas capaces de sorprender, de proponer acercamientos originales y heterodoxos, y de rodar y filmar con el corazón y el instinto más que con la razón.

Varias óperas primas

Los títulos seleccionados son óperas primas como ‘El hijo de Saúl’ (2015), de Laszlo Nemes, que logró el Oscar a la Mejor película Extranjera, el Premio del Jurado y FIPRESCI en Cannes o el BAFTA a Mejor película de habla no inglesa; y ‘Songs My Brothers Taught Me’ (2015), de la directora Chloé Zhao, que más tarde conseguiría con su segundo largo, The Rider, la Espiga de Plata y el Premio ‘Pilar Miró’ al Mejor Nuevo Director en SEMINCI y más de 140 premios con Nomadland, entre ellos dos Oscar a Mejor Película y Dirección, dos premios BAFTA, el Globo de Oro a Mejor Director, Premio del Público en Toronto o el León de Oro en Venecia.

También son primeros trabajos los documentales de autores españoles: ‘Cravan vs Cravan’ (2002), de Isaki Lacuesta, al que seguirían títulos reconocidos como ‘Los pasos dobles’ o ‘Entre dos aguas’; y ‘El cielo gira’ (2004), de Mercedes Álvarez, presentado en la sección Tiempo de Historia de SEMINCI, fue premiado en Rotterdam y Buenos Aires con el FIPRESCI y Premio del Público, entre otros galardones.

Segundos largometrajes y documentales

Asimismo, se han seleccionado segundos largometrajes como ‘La muerte del señor Lazarescu’ (2005), de Cristi Puiu, premio de la sección Un certain regard en Cannes, festival que también programó en la sección oficial su largometraje ‘Sieranevada’; ‘Entre nosotros’ (2010), de Maren Ade, Oso de Plata en Berlín y Premio a la Mejor Directora y FIPRESCI en Buenos Aires, que con su tercera y última película, ‘Toni Erdman’, logró el premio FIPRESCI en Cannes, Mejor Director en el Festival de Toronto y Premio Especial del Jurado en Sundance, entre otros galardones; y  ‘This is Not a Burial, It’s a Resurrection’ (2019), de Jeremiah Mosese, premiado en Sundance.

El ciclo ofrecerá, además, ‘La mujer es el futuro del hombre’ (2004), de Hong Sangsoo, presentado en la sección oficial de Cannes (‘La mujer que escapó’, ‘Hahaha’, ‘Ahora sí, antes no’); ‘Syndromes and a Centur’ (2006), de Apichatpong Weerasethakul, programado en Venecia (‘Uncle Boonmee’ recuerda sus vidas pasadas, ‘Tropical Malady’); ‘La mujer sin cabeza (La mujer rubia)’ 2008, de Lucrecia Martel, seleccionado en el Festival de Cannes (‘La ciénaga’, ‘La niña santa’); ‘Independencia’ (2009), de Raya Martin, premiada en Rotterdam (‘Death of Nintendo’, ‘La última película’); ‘Meek’s Cutoff’ (2010), de Kelly Reichardt, premiada en Venecia (‘First Cow’, ‘Wendy and Lucy’); ‘Jauja’ (2014), de Lisandro Alonso, Premio FIPRESCI en Un certain regard en Cannes (‘La libertad’, ‘Los muertos’); ‘Retrato de una mujer en llamas’ (2019), de Céline Sciamma, por el que logró el premio al Mejor Guion en Cannes (‘Girlhood’, ‘Tomboy’).

Disidencias se completará con los documentales ‘Mrs. Fang’ (2018), de Wang Bing, Mejor Película en el Festival de Locarno (‘San Zimei’, ‘Ku Quian’), y ‘State Funeral’ (2019), de Sergei Loznitsa (‘Donbass’, ‘Pismo’).

LISTADO TÍTULOS

  • ‘Cravan vs Cravan’, Isaki Lacuesta (2002)
    • ‘El cielo gira’, Mercedes Álvarez (2004)
    • ‘La mujer es el futuro del hombre’, Hong Sangsoo (2004)
    • ‘La muerte del señor Lazarescu’, Cristi Puiu (2005)
    • ‘Syndromes and a Century’, Apichatpong Weerasethakul (2006)
    • ‘La mujer sin cabeza (La mujer rubia)’, Lucrecia Martel (2008)
    • ‘Independencia’, Raya Martin (2009)
    • ‘Entre nosotros’, Maren Ade (2010)
    • ‘Meek’s Cutoff’, Kelly Reichardt (2010)
    • ‘Jauja’, Lisandro Alonso (2014)
    • ‘El hijo de Saúl’, Laszlo Nemes (2015)
    • ‘Songs My Brother Taught Me’, Chloe Zhao (2015)
    • ‘Mrs. Fang’, Wang Bing (2018)
    • ‘State Funeral’, Sergei Loznitsa (2019)
    • ‘Retrato de una mujer en llamas’, Céline Sciamma (2019)
    • ‘This is Not a Burial, It’s a Resurrection’, Jeremiah Mosese (2019)

 

Icono y leyenda, primer tráiler para «Spencer» de Pablo Larraín

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Es sin lugar a dudas una de las películas más esperadas para este final de año, el nuevo trabajo tras las cámaras del realizador de origen chileno Pablo Larraín Spencer estrena un primer tráiler que acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su deslumbrante póster oficial. Película en donde Pablo Larraín vuelve a incidir en el biopic después de la notable Jackie (2016), en esta ocasión a través del retrato de la figura de Lady Di cuya premier mundial tendrá lugar en el inminente Festival de Venecia teniendo previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 5 de noviembre.
Spencer nos narra un fin de semana durante las vacaciones navideñas de la Princesa Diana con la Familia Real en el castillo de Sandringham, en el condado de Norfolk. Lo que debería ser un maravilloso respiro navideño con sus hijos en la finca se convierte, en cambio, en una sucesión de obligaciones no deseadas. Mientras tanto, el Príncipe Carlos de Inglaterra está retozando abiertamente con Camilla Parker-Bowles, lo que obliga a Diana a interpretar el papel implacable de la amada y fiel esposa delante de los paparazzi que siguen cada uno de sus movimientos. ¿Aceptará su posición o se revelará y por fin vivirá su vida tal y como desea?
La película con guion a cargo de Steven Knight está protagonizada por Kristen Stewart, Sally Hawkins, Sean Harris, Timothy Spall y Jack Farthing.

El western según Jane Campion, tráiler de «The Power of the Dog»

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Aprovechando la cercanía de la próxima edición del Festival de Venecia empiezan a salir los primeros avances de algunas de las películas que estarán presentes en la Bienal, The Power of the Dog, cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el regreso al cine de la realizadora australiana Jane Campion tras doce años desde su último largometraje Bright Star. La película que adapta novela del mismo título de Thomas Savage tendrá un estreno limitado en cines de Estados Unidos el próximo 17 de noviembre estando disponible a través de Netflix a partir del 1 de diciembre.

The Power of the Dog nos cuenta como los acaudalados hermanos Phil y George Burbank son las dos caras de la misma moneda. Phil es elegante y cruel, mientras George es impasible y amable. Juntos son copropietarios de un enorme rancho en Montana. Es un lugar en donde la rápida modernización del siglo XX está a la orden del día George se casa en secreto con una viuda del pueblo llamada Rose, Phil, sorprendido y furioso, lleva a cabo una guerra sádica e implacable para destruirla por completo usando a su hijo, Peter, como peón.

La película con guion adaptado por parte de la propia Jane Campion está protagonizada por Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Frances Conroy, Keith Carradine, Peter Carroll, Adam Beach, Karl Willetts, Geneviève Lemon, Yvette Parsons, Tatum Warren-Ngata, Maeson Stone Skuggedal, Ramontay McConnell, Daniel Cleary y Ella Hope-Higginson.

La mirada de Gong Li

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ESTUDIO DEL SUJETO ACTORAL FEMENINO EN EL CINE CHINO
La aparición de Gong Li en la pantalla simboliza una apertura revolucionaria en la representación del erotismo femenino en China, después de la denominada Revolución Cultural (1966-1976). En este libro se demuestra la construcción de la subjetividad femenina de la actriz a partir del análisis de la mirada de la estrella; gesto destacado de su interpretación que visualiza su deseo y poder como sujeto femenino que cuestiona el sistema falogocéntrico de las narraciones que protagonizó.
Se considera, paralelamente, la función que Gong Li quiso dar a su star persona, interviniendo en el proceso de sus producciones fílmicas e involucrándose activamente en la creación de su propia imagen simbólica. El objetivo último es demostrar –desde los estudios de la filosofía feminista y los star studies– que la actriz china Gong Li se alza como una subjetividad actoral autónoma.
El autor
FANG QI (China, 1990). Doctora en Comunicación Audiovisual de la Universitat de Pompeu Fabra, Barcelona. Tiene un Máster en Cine Contemporáneo y los Estudios Audiovisuales de la Universitat de Pompeu Fabra y es licenciada en los Estudios de las Comunicaciones Internacionales de la Universidad de Nottingham. Ha publicado artículos sobre el cine chino, la cultura e historia china, la teoría feminista y la historia del cine en las revistas Arte, Individuo y Sociedad, Comparative Cinema, Janus 2017 Conjuntura Internacional: A Comunicação Mundializada y Artciencia.Com, Revista De Arte, Ciência E Comunicação.
Autor: Fang Qi, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre], Páginas: 264

La aventura marina de Alejandro Amenábar, primer tráiler de «La Fortuna»

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Será el próximo 30 de septiembre previo paso por el Festival de San Sebastián cuando Movistar+ estrene con la emisión de un episodio doble la serie La Fortuna, ambicioso proyecto internacional con Alejandro Amenábar al frente cuyo primer avance en forma de tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La miniserie de seis episodios y 45 minutos de duración cada uno que adapta la novela gráfica de Paco Roca y Guillermo Corral llegará a Estados Unidos a principios de 2022 de la mano de AMC+.
La Fortuna nos presenta a Álex Ventura, un joven e inexperto diplomático que se ve convertido sin proponérselo en el líder de una misión que pondrá a prueba todas sus convicciones, recuperar el tesoro submarino robado por Frank Wild, un aventurero que recorre el mundo saqueando el patrimonio común de las profundidades del mar. Conformando un singular equipo con Lucía, una funcionaria de armas tomar, y Jonas Pierce, un brillante abogado norteamericano apasionado por las viejas historias de piratas, Álex emprenderá la aventura de su vida, descubriendo la importancia del amor, la amistad y el compromiso con aquello en lo que uno cree.
La serie que con guion adaptado a cargo del propio Alejandro Amenábar junto a Alejandro Hernández está protagonizada por Álvaro Mel, Ana Polvorosa, Stanley Tucci, Clarke Peters, T’Nia Miller, Karra Elejalde, Manolo Solo, Blanca Portillo, Pedro Casablanc, Mari Carmen Sánchez, Juan Carlos Vellido, Duncan Pow, Jimmy Shaw, Misa D’Angelo, Deborah Domínguez, Ryan Ford, Marjorie E. Glantz, Delcan Joyce, José Emilio Vera, Ignacio Ysasi y Rick Zingale.

Klasikoak celebrará los centenarios de García Berlanga y Fernán-Gómez con la proyección de «Esa pareja feliz», «La muerte y el leñador» y «Manicomio»

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La sección también incluye versiones restauradas de ‘The Rain People (Llueve sobre mi corazón)’ y ‘The Outsiders: The Complete Novel’, de Coppola, y el pase de ‘Ça commence aujourd’hui (Hoy empieza todo)’ en homenaje a Tavernier.
La retrospectiva ‘Flores en el Infierno. La edad de oro del cine coreano’ sustituye tres de los títulos programados.

La sección Klasikoak, que el año pasado no se celebró por la pandemia, regresará con seis títulos -tres más que en 2019- dirigidos por Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem, Fernando Fernán-Gómez y Luis María Delgado, Francis Ford Coppola y Bertrand Tavernier. Los tres clásicos españoles, programados para celebrar los centenarios de García Berlanga y Fernán-Gómez, han sido ditigalizados y restaurados por Filmoteca Española.

El año en que se celebra el centenario del nacimiento de Luis García Berlanga, Klasikoak recuperará Esa pareja feliz (1951), su debut como realizador, escrito y codirigido en colaboración con Juan Antonio Bardem. Fernando Fernán-Gómez y Elvira Quintillá protagonizan la historia de un humilde matrimonio madrileño cuyos sueños de bienestar parecen hacerse realidad cuando ganan un concurso patrocinado por una marca de jabón.

La sesión de Berlanga contará con el pase previo de su cortometraje La muerte y el leñador (1962), el tercer fragmento del filme colectivo Las cuatro verdades, basado en fábulas de La Fontaine. El realizador valenciano, que consideraba este episodio como una de las historias más esperpénticas de su filmografía, escribió junto a su inseparable Rafael Azcona la historia de un organillero al que requisan el manubrio por no tener la documentación en regla.

Klasikoak mostrará otra ópera prima, Manicomio (1953), adaptación de cuatro historias de Poe, Kuprin, Andreiev y Gómez de la Serna que Fernando Fernán-Gómez codirigió con Luis Miguel Delgado. Fernán-Gómez, de cuyo nacimiento también se cumple un siglo en 2021, protagoniza esta sátira ambientada en un psiquiátrico en cuyo reparto también figuraron intérpretes de la talla de Elvira Quintillá, Susana Canales, Julio Peña y María Asquerino.

Asimismo, se proyectarán dos recordados largometrajes de los inicios de la carrera de Francis Ford Coppola en versiones restauradas por los estudios American Zoetrope. Por un lado, la sección mostrará The Rain People (Llueve sobre mi corazón, 1969), con la que el realizador italoamericano conquistó la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián y abrió nuevos caminos para un género tan estadounidense como la road movie. Protagonizada por Shirley Knight, James Caan y Robert Duvall, fue el primer largometraje escrito y dirigido en solitario por su director.

El otro filme de Coppola, cineasta que en 2002 recibió el Premio Donostia Especial 50 Aniversario, es The Outsiders: The Complete Novel, una versión extendida de The Outsiders (Rebeldes, 1983), la adaptación de la icónica novela juvenil de Susan E. Hinton. En 2005, el director reintegró 22 minutos de metraje que incluían un nuevo comienzo y un nuevo final más fieles al libro, al tiempo que enriqueció a los personajes que en su día interpretaron C. Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Rob Lowe, Diane Lane, Emilio Estevez y Tom Cruise, entre otras futuras estrellas. Además, el nuevo montaje de la película que relataba la lucha de clases entre dos grupos de adolescentes de Oklahoma durante los años 60 contiene una impactante nueva banda sonora de rock and roll con seis canciones de Elvis Presley y otros grandes de la música.

El Festival de San Sebastián aprovechará Klasikoak para homenajear a uno de sus cineastas más queridos, Bertrand Tavernier, de quien se proyectará Ça commence aujourd’hui (Hoy empieza todo, 1999), una emocionante mirada al mundo de la educación que participó en Perlak y obtuvo el Premio del Público en San Sebastián. La sesión será presentada por Thierry Fremaux, director del Festival de Cannes y del Festival Lumière de Lyon, además de albacea del realizador. Fallecido en marzo de este año, Tavernier concursó tres veces en la Sección Oficial del Festival: con Coup de torchon (Corrupción, 1982); con Capitaine Conan (Capitán Conan, 1966), que logró una Mención Especial del Jurado, y con Quai D’Orsay (Crónicas diplomáticas. Quai D’Orsai, 2013), que cosechó el Premio del Jurado al mejor guión y el Premio FIPRESCI. Además de protagonizar su propia retrospectiva en 1999, año en que presidió el Jurado Oficial, el maestro francés participó en Perlak con Laissez-Passer (Salvoconducto, 2002) y con Holy Lola (La pequeña Lola, 2005), que nuevamente le granjeó el Premio del Público. Su última participación en el Festival fue con Voyage à Travers le cinéma français / A Journey Through French Cinema (Las películas de mi vida, por Bertrand Tavernier, 2016), que inauguró la sección Zabaltegi-Tabakalera.

‘FLORES EN EL INFIERNO’

Por otro lado, la retrospectiva Flores en el infierno. La edad de oro del cine coreano incorporará tres títulos en sustitución de otros tantos que finalmente no serán programados por motivos técnicos. En lugar de Ma-ui gyedan / The Devil’s Stairway (1964), Gwiro / Homebound (1967) y Hyu-il / A Day Off (1968), las tres dirigidas por Lee Man-Hee, el ciclo incluirá la proyección de tres dramas con trasfondo social: Lomaenseuppappa / Romantic Papa (Shin Sang-ok, 1960), Mabu / A Coachman (Kang Dae-jin, 1961) y Yeopansa / A Woman Judge (Hong Eun-won, 1962), que fue una de las primeras películas de la historia del cine coreano dirigidas por una mujer.

Flores en el infierno mantendrá en su programa algunas de las más emblemáticas cintas de la época: Hanyeo / The Housemaid (1960), considerada una de las obras maestras de la historia del cine surcoreano; crónicas duras y realistas de la vida en la Corea del Sur de posguerra como Ji-okhwa / The Flower in Hell (1958) y Obaltan / Aimless Bullet (1961); o clásicos del melodrama como Angae / Mist (1967). También destaca el film noir con Geom-eun meori / Black Hair (1964) o el cine juvenil representado por Maenbal-ui cheongchun / The Barefooted Young (1964), así como Dumangang-a jal itgeora / Farewell Duman River (1962), una muestra del western manchú, género típicamente local sobre aventuras ambientadas en Manchuria e inspiradas en el western americano.

El Festival de San Sebastián y Filmoteca Española organizan esta retrospectiva de diez títulos de los años 50 y 60 en colaboración con Filmoteca Vasca y el Centro Cultural Coreano en España. Este ciclo, que en 2020 tuvo que suspenderse por la pandemia, se completará con un libro monográfico editado por el Festival y Filmoteca Española.

Ça commence aujourd’hui / It All Starts Today (Hoy empieza todo)

Bertrand Tavernier (Francia)

País(es) de producción: Francia – 1999

Intérpretes: Philippe Torreton, Maria Pitarresi, Nadia Kaci

Daniel Lefebvre es el director de una guardería en Hernaing, cerca de Valenciennes, en el norte de Francia. Hijo de un minero, le apasiona enseñar en una región que en otro tiempo fue próspera pero que hoy está azotada por el desempleo. Respaldado por un equipo de profesores comprometido y muy competente, Daniel trabaja con los niños para despertar su curiosidad y su expresión personal y estimular su creatividad. Una tarde, una madre, la señora Henry, llega tarde a recoger a su hija, Laetitia. Cuando se agacha para darle un beso, se desploma, totalmente borracha, en el patio. Avergonzada, huye, abandonando a Laetitia y a su hermano, todavía un bebé…

Esa pareja feliz / That Happy Couple

Luis García Berlanga (España), Juan Antonio Bardem (España)

País(es) de producción: España – 1951

Intérpretes: Fernando Fernán Gómez, Elvira Quintillá, Félix Fernández, José Luis Ozores, Fernando Aguirre

Juan y Carmen son un humilde matrimonio madrileño. Ella se ocupa de las labores domésticas y él trabaja como electricista en unos estudios de cine. Sus sueños de bienestar se hacen realidad cuando ganan un concurso patrocinado por una marca de jabón. Se trata de la elección de la pareja feliz: durante 24 horas la pareja seleccionada recibe toda clase de invitaciones y obsequios. Pero, precisamente el mismo día, Juan debe resolver dos serios problemas que Carmen desconoce.

La muerte y el leñador (segmento de Las cuatro verdades) / Death and the Woodcutter (segment of Three Fables of Love)

Cortometraje

Luis García Berlanga (España)

País(es) de producción: España – Italia – Francia – 1962

Intérpretes: Hardy Krüger, Ana Casares, Manuel Alexandre, Agustín González, Lola Gaos

Un organillero apodado El Rubio ve requisado el manubrio de su organillo al no poseer toda la documentación en regla. A partir de ese momento comienza un periplo cargado de desgracias para intentar por todos los medios encontrar una pieza equivalente a la sustraída que le permita volver a trabajar.

Manicomio / Asylum

Fernando Fernán-Gómez (España), Luis María Delgado (España)

País(es) de producción: España – 1953

Intérpretes: Elvira Quintillá, Susana Canales , Julio Peña, Fernando Fernán Gómez, María Asquerino

Carlos va a visitar a su novia Juana al manicomio donde trabaja. Una vez allí, el director le presenta a su sobrina, obsesionada con tocar el arpa, y a un enfermero que repite palabra por palabra lo que dice Carlos. Nada es lo que parece en el manicomio.

The Outsiders: The Complete Novel

Francis Ford Coppola (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 2005

Intérpretes: C. Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Rob Lowe, Diane Lane, Emilio Estevez, Tom Cruise

The Outsiders: The Complete Novel se centra en la lucha de clases entre dos grupos de adolescentes de Oklahoma durante los años 60. En 1983, la película de Francis Ford Coppola basada en la novela de S.E. Hinton tocó la fibra sensible del público, capturando la intensa sensación de estar atrapado entre la infancia y la edad adulta y de no pertenecer a ninguna parte. Décadas después, Coppola ha revisitado el film y reintegrado 22 minutos de metraje que enriquecen a los personajes, incluyendo un nuevo comienzo y un nuevo final más fieles al libro. Una impactante nueva banda sonora de rock and roll que incluye seis canciones de Elvis Presley y otras grandes figuras de la música hace de esta nueva versión de The Outsiders uno de los grandes redescubrimientos de la historia del cine.

The Rain People (Llueve sobre mi corazón)

Francis Ford Coppola (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1969

Intérpretes: Shirley Knight, James Caan, Robert Duvall, Tom Aldredge, Marya Zimmet

Una lluviosa mañana, Natalie Ravenna, insegura, embarazada de dos meses y sintiéndose atrapada, deja una nota a su marido, aún dormido, se sube al coche y se aleja de su casa en Long Island con el fin de encontrarse a sí misma.

 

 

Filmoteca Española incorpora a sus fondos el archivo personal de Iván Zulueta

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Contiene documentos tanto fílmicos como cinematográficos, muchos de ellos inéditos, datados entre 1960 y 2009

El Ministerio de Cultura y Deporte, a través de Filmoteca Española, ha adquirido el legado documental y fílmico de Iván Zulueta, uno de los archivos personales más potentes en el contexto cinematográfico de la segunda mitad del siglo XX debido a la profusión y diversidad de los materiales que contiene.

Josetxo Cerdán, director de Filmoteca Española, ha definido esta incorporación como “un verdadero acontecimiento para la institución”, y ha destacado la presencia de carretes de película en Súper 8 y 16mm, algunos de ellos materiales nunca proyectados públicamente a pesar de tener una clara intención fílmica. “Zulueta es una de esas figuras míticas que recorre el cine español, con una obra cinematográfica realmente escasa pero de culto entre muchos cinéfilos, dentro y fuera de nuestro país. Era, además, un excelente ilustrador, su labor se extendió en muchos terrenos, desde carteles de cine a carátulas de discos o portadas de libros”.

Entre la documentación relativa a sus fondos cinematográficos se han hallado desde documentos de carácter personal y familiar, que incluyen un guion de una de las prácticas que realizó durante su estancia en la EOC y que completaría la colección de este periodo ya existente en Filmoteca Española; hasta obras de creación como bocetos, carteles o dibujos, pasando por recortes de prensa o correspondencia con personalidades como Terenci Moix, Will More, Carmen Giralt o José Luis Borau. Destaca también la presencia de fotografías polaroid, un formato en el que Zulueta encontró una fuente inagotable de experimentación para crear pequeñas historias imaginarias mediante composiciones de objetos y muñecos. Algunas de ellas ya se pudieron ver en la sección “Mientras tanto…” del programa de diciembre de 2020 del cine DoréEnlace externo, se abre en ventana nueva.

En lo que respecta a la documentación de fondos fílmicos, el archivo incluye piezas fundamentalmente en formato subestándar en S8mm, aunque también algunas en 8mm, 16mm y 35mm que fueron rodadas entre las décadas de 1960 y 80. Entre ellas podemos encontrar obras de ficción o experimentales, filmaciones de reuniones y celebraciones en las que aparecen reconocidos personajes, o materiales para la construcción de obras, descartes y pruebas. Destaca, por ejemplo, la presencia de parte del material con el que se montó Souvenir, película desaparecida hasta la fecha.

Un artista a la vanguardia

Los materiales adquiridos ponen de manifiesto la trascendencia de un artista cuyo trabajo se situó siempre a la vanguardia, conectando el cine de nuestro país con los movimientos artísticos norteamericanos más avanzados, concretamente con el Pop Art, y abriendo así caminos no explorados previamente por el cine español de su época. “En lo personal, casi diría que en lo generacional, Zulueta supone un espejo en el que nos pudimos reconocer muchos adolescentes cinéfilos de la década de los 80. Su escasa pero contundente obra pivota sobre un concepto del cine radicalmente rompedor en su tiempo. Es un cineasta con una sensibilidad única a la hora de crear unas imágenes que, más de cuarenta años después, siguen golpeando las retinas de sus espectadores”, ha destacado Cerdán.

Con solo dos largometrajes en su haber: Un, dos, tres… al escondite inglés (1969) y Arrebato (1979), una docena de cortometrajes rodados en subformatos (Súper 8 y 16mm) entre 1964 y 1978, la concepción y realización de la serie televisiva Último grito (1968) sobre las tendencias artísticas y musicales del momento, y dos capítulos para sendos programas para Televisión Española, Párpados (1989) y Ritesti (1992), su obra audiovisual se complementa con una serie de prácticas realizadas durante su paso por la Escuela Oficial de Cinematografía que ya se conservan en Filmoteca Española. Además, Iván Zulueta desarrolló entre los años 60 y el momento de su muerte una muy profusa obra gráfica que incluye dibujos y pinturas en técnicas muy diversas, así como fotografía. Su trabajo como artista plástico fue requerido por todo tipo de producciones cinematográficas, creando carteles para películas, festivales de cine y todo tipo de iniciativas fílmicas a lo largo de varias décadas.

Acceso al archivo

La incorporación del legado de Iván Zulueta a Filmoteca Española se suma a la de otros archivos adquiridos recientemente como el de Basilio Martín Patino o la obra gráfica de Cruz Delgado, y forma parte de la política de la institución de incremento de sus fondos y colecciones, concretamente en lo que se refiere a la adquisición de materiales relacionados con grandes cineastas. Una vez el archivo de Zulueta haya sido estudiado en profundidad y digitalizado por las y los profesionales de Filmoteca Española, será puesto a disposición de las personas investigadoras que lo requieran.

«Mosquito State» review

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Agosto de 2007. Aislado en su austero ático con vistas a Central Park, el analista de datos de Wall Street Richard Boca ve patrones siniestros. Sus modelos informáticos se están comportando de manera errática, igual que los enjambres de mosquitos que se reproducen en su apartamento, una plaga que ayuda a su derrumbe psicológico.

El cineasta polaco-estadounidense Filip Jan Rymsza conocido en estos últimos años por ser el responsable de la restauración de ese film perdido e inacabado que es The Other Side of the Wind de Orson Welles presento a concurso en la pasada edición del Festival de Sitges la cinta de insectos y capitalismo Mosquito State, film que parte de la premisa de una muy peculiar odisea llevada a cabo por un analista de Wall Street ( un esforzado Beau Knapp) que sufre una plaga de mosquitos en su lujoso apartamento situado en Wall Street, una película que desato, como ocurrió pocas semanas antes en el Festival Venecia, una en parte muy comprensible disparidad de opiniones con respecto a lo que fue la acogida de un film cuya premisa da la impresión de ir muy por delante de lo que finalmente resulta ser su desarrollo.

Evidentemente con el visionado de Mosquito State, como buen relato de claro índole kafkiano que pretende ser, a un servidor le vino a la mente de buenas a primeras retazos quizás demasiados evidentes del cine perpetrado en su día por David Cronenberg, algo que otorga al film de forma inequívoca una incómoda etiqueta de film derivativo en relación a presentarnos un relato de naturaleza supuestamente hibrida, por una parte el social, en donde se nos muestra como un modelo lucrativo y especulativo está predestinado a desaparecer de forma abrupta, junto a otro que nos conduce a un progresivo y degenerativo descenso en picado a estados mentales y físicos cada vez más alterados como bien pudimos ver en la fundamental The Fly del realizador canadiense, a través de todo ello somos testigos de cómo su protagonista, más cercano, seguramente de forma involuntaria, al Nicolas Cage de Vampire’s Kiss que al Jeff Goldblum del film de Cronenberg , utiliza una obsesión de tono enfermizo hacia los insectos que invaden su ostentoso apartamento para crear a partir de un errático comportamiento un modelo analítico tan alternativo como sofisticado a la hora de intentar predecir los movimientos de los mercados financieros.

La película, de una muy recargada caligrafía visual, sin embargo actúa de forma algo más adecuada en referencia a ser una especie de alegoría retorcida que nos retrata masculinidades en crisis que fluctúan de forma paralela con respecto a un declive capitalista que está a punto de hacer acto de aparición, en concreto el shock financiero acaecido en el año 2008, a tal respecto el film de Filip Jan Rymsza se acerca más al concepto expuesto en el American Psycho de Mary Harron, en lo concerniente a ser un drama con ribetes gruesos de metáfora  de época acerca de un pasado aún muy reciente dentro de nuestro imaginario, que en lo relativo a cualquier otro apartado de lo entendible como un apocalipsis orgánico. La metáfora o fábula física en relación a los mosquitos y su conexión con la sangre humana en lo relativo a la asociación del insecto con la enfermedad no termina pues de estar bien adherido a un relato posiblemente demasiado ambicioso en referencia a sus postulados, terminando por estar ante una historia algo difusa, viniendo a representar ese tipo de relato que te quieren explicar demasiadas teorías pero que ninguna de ellas terminan por llegar a un buen puerto en base a una historia acerca de supuestas sociedades asfixiantes que son retratadas en base a metáforas de brocha gorda en lo concerniente al final de una era de capitalismo feroz, o por lo menos de las cosas y los comportamientos entendidos hasta ese determinado momento como tales. Lástima que el exceso de simbolismos algo inocuos de esta especie de psico-horror, en cierta manera tan evidentes como poco conceptuados e incapacitados a la hora de fusionar y desarrollar ideas, termine por desbaratar una analogía o una metáfora que da la sensación de no atreverse a ir hasta las últimas consecuencias de su en un principio interesante enunciado.

Valoración 0/5: 2’5

Tráiler para lo nuevo de Alex van Warmerdam «Nr. 10»

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Fue en 2013 cuando de alguna manera Alex van Warmerdam se dio a conocer a un público más amplio con la premiada Borgman aunque ya atesoraba una trayectoria a tener muy en cuenta con trabajos tan interesantes como Los norteños (1992), Little Tony (1998) o The Last Days of Emma Blank (2009). Tras su algo desapercibida Schneider vs. Bax (2015) el realizador holandés vuelve a ponerse tras las cámaras con Nr. 10, thriller con elementos de comedia negra cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Nr. 10 nos cuenta la peculiar historia de Günter, un niño encontrado en los bosques alemanes con cuatro años que crecerá bajo la tutela de una familia adoptiva. Cuatro décadas más tarde, su vida podría calificarse de normal, se gana la vida como actor de teatro, dedica gran parte de su tiempo a su hija Lizzy y tiene una relación sentimental con una mujer casada. Sin embargo empezara a cuestionarse sus orígenes cuando repentinamente un extraño en un puente le susurre una palabra al oído.
La película con guion y música a cargo del propio Alex van Warmerdam está protagonizada por Anniek Pheifer, Gene Bervoets, Pierre Bokma, Frieda Barnhard, Tom Dewispelaere, Mandela Wee Wee, Hans Kesting, Dirk Böhling y Richard Gonlag.