Autor: Administrador
Círculo de Bellas Artes de Madrid. La Noche Bizarra. Jean Rollin: Paisajes Vampíricos
Cada sábado noche, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas.
Castillos en ruinas, playas desiertas, cementerios o parajes brumosos de la campiña francesa son algunos de los escenarios habituales del cine de Jean Rollin (1938-2010), el cineasta que llevó el popular género del cine de vampiros a los terrenos más oníricos, poéticos y personales. Descrito como “una de las imaginaciones más puras jamás consagradas al género de terror” (Tim Lucas), la obra de Jean Rollin nos sumerge, con una bellísima fotografía, en esos parajes en los que el tiempo parece estar detenido y que están poblados de rituales, vampiresas, muertos vivientes y fantasmas. Desde La noche bizarra, nos enorgullece presentar, por primera vez en España y en la gran pantalla, las nuevas restauraciones de cuatro de las películas más emblemáticas del cine de Jean Rollin.
Películas del ciclo
Fascinación
Jean Rollin, Francia, 1979, 1h22 VOSE [Archivo digital]
Un criminal fugitivo irrumpe en un castillo aparentemente deshabitado y toma como rehenes a dos asustadas sirvientas. Al caer la noche, llega un grupo de misteriosas mujeres aristócratas y el criminal empieza a darse cuenta de que las mujeres ocultan un siniestro secreto.
Bellamente filmada y con una atmósfera onírica, Fascinación trata el fetiche de la sangre con un subtexto feminista y ofrece al espectador algunas de las imágenes más icónicas de la filmografía de Jean Rollin.
Sesión Sábado 27.01.24 · 22:00
La Muerta Viviente
Jean Rollin, Francia, 1982, 1h30 VOSE [Archivo digital]
Catherine Valmont, una rica heredera que murió de forma prematura, es accidentalmente resucitada por el efecto de unos residuos químicos vertidos en la cripta de su deshabitado castillo. Su amiga de la infancia, Hélene, le ayudará a saciar su insaciable sed de sangre.
Con La muerta viviente, Rollin se adentra en el terreno del gore poético a la vez que explora en profundidad el amor y la amistad entre dos amigas. Una de sus películas más populares (en parte debido a Rob Zombie y su canción The Living Dead Girl) que ofrece además una de las escenas finales más intensas de la historia cine.
Sesión Sábado 03.02.24 · 22:00
Labios de sangre
Jean Rollin, Francia, 1975, 1h27 VOSE [Archivo digital]
Frédéric ve una fotografía de un castillo costero en ruinas que le despierta un extraño recuerdo de su infancia. Entonces emprende una misteriosa búsqueda, ayudado por cuatro vampiras, para encontrar el castillo y a la bella mujer que vive en él.
Labios de sangre quizá sea la película de Rollin que mejor trasciende sus tendencias hacia lo poético y lo arcano, manteniéndose al mismo tiempo fiel a sus obsesiones más personales y recurrentes: la infancia, la nostalgia, el amor perdido, las búsquedas románticas, el cine, la obsolescencia. Labios de sangre era la respuesta cuando le preguntaban a Rollin por su película favorita.
Sesión Sábado 10.02.24 · 22:00
El amanecer de los vampiros
Jean Rollin, Francia, 1971, 1h35 VOSE [Archivo digital]
Una joven pareja de luna de miel pasa la noche en un antiguo castillo. Sin que ellos lo sepan, el castillo es el hogar de una horda de vampiros, que tienen sus propios planes para la pareja.
El imaginario gótico se mezcla con el psicodélico en este relato alucinado con castillos, ataúdes, cementerios, vampiros hippies, rock progresivo y escenas oníricas con colores a lo Mario Bava.
Sesión Sábado 17.02.24 · 22:00
Precio:[entrada 5,5 € – mayores de 65 y Carnet Joven 4 € – abono 3,6 € – socios 3,5 €]
De miedos y colonialismo, tráiler para «Raging Grace» de Paris Zarcilla
Una de las cintas más recurrentes dentro del circuito de festivales de género fantástico del pasado año fue la ópera prima del cineasta británico de origen filipino Paris Zarcilla Raging Grace, film cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Presente entre otros en certámenes como el SXSW, Neuchâtel Film Fest o Sitges, este híbrido entre terror, suspense y sátira social, tuvo un estreno limitado en salas comerciales de Estados Unidos el pasado mes de diciembre.
Raging Grace nos cuenta como Joy, una inmigrante filipina sin papeles lucha por hacer lo mejor que puede a la hora de poder mantener a su hija Grace. Consigue el trabajo perfecto, cuidar de un anciano extremadamente rico pero en estado terminal. El nuevo puesto se paga muy bien y garantiza un techo sobre sus cabezas, sin embargo Joy y Grace no tardarán en darse cuenta de que el trabajo no es tan simple como parece en un principio. Algo oscuro está floreciendo bajo la superficie, amenazando todo por lo que han luchado madre e hija.
La película, con guion a cargo del propio Paris Zarcilla, está protagonizada por Max Eigenmann, Jaeden Boadilla, David Haymar, Leanne Best, Oliver Wellington, Caleb Johnston-Miller, Jodie Cuaresma y Seb Yates Cridland.
Filmoteca Española arranca su programación 2024
Filmoteca Española da la bienvenida al nuevo año con nuevos ciclos de proyecciones, coloquios, presentaciones y música en directo en el cine Doré
En el primer aniversario de su fallecimiento, una retrospectiva homenajeará al director Agustí Villaronga
Los ciclos internacionales se centrarán en la figura del director palestino Elia Suleiman, quien visitará el cine Doré el 25 de enero; y en la cineasta estadounidense Barbara Hammer, icono del cine queer
Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico español, arranca su programación para el 2024 dedicando tres ciclos a tres grandes cineastas: Agustí Villaronga, Barbara Hammer y Elia Suleiman.
El ciclo «Agustí Villaronga. Fascinación por el mal», rinde homenaje al director fallecido hace poco menos de un año. En enero y febrero se proyectarán buena parte de los trabajos de uno de los cineastas más heterodoxos de nuestro cine, una obra que pone en valor la indomesticable mirada de un autor poseído por la necesidad de explorar los pliegos más oscuros de la condición humana. Gracias a esta retrospectiva, se revisitarán títulos como su transgresor debut ´Tras el cristal´ (1986), ´Pan negro´ (2010), o filmes como ´El niño de la luna´ (1989), ´El mar´ (2000) o ´Aro Tolbukhin: En la mente del asesino´ (2002). La presentación del ciclo –que se celebrará en el cine Doré el viernes 12 de enero- contará con la presencia de la actriz Marisa Paredes y de la productora, guionista, directora y presidenta de l´Ateneu Barcelonès, Isona Passola.
Por lo que respecta a los ciclos internacionales, el ciclo ´Barbara Hammer.Women I love´ atravesará la trayectoria de una de las figuras clave del cine queer y experimental que cuestionó la mirada heteropatriarcal que históricamente ha arrojado el cine sobre el colectivo queer. Además de sus cortos en 16 mm, se proyectará su «trilogía histórica»: `Nitrate Kisses´ (1992), `Tender Fictions´ (1995) y `History Lessons´ (2000), considerados ya hitos del cine LGTBIQ+.
El cine del palestino Elia Suleiman – quien visitará el Doré para la ocasión los próximos 25, 26 y 27 enero – protagonizará la primera retrospectiva integral en España dedicada a su figura. ´Sátiras palestinas´ proyectará la mirada de un cineasta que presenta una visión –al mismo tiempo localista y universal- de los conflictos entre Israel y Palestina, si bien desde la mirada perpleja de un niño atrapado en las sinrazones del odio y el terror bélico. Como señala Adrián Martín en el texto que introduce el ciclo, sus comedias políticas invitan tanto al humor como al dolor, y frente a ellas es tan correcto reír como llorar, como reacción al sufrimiento que se despliega en la pantalla, y especialmente, en relación con el horror actual que se está viviendo en la franja de Gaza. Además de sus cortometrajes, se podrán ver en el cine Doré sus cuatro películas, la última de ellas inédita en salas: ´Chronicle of a Disappearance´ (1996), ´Intervención divina´ (2002), ´The Time That Remains´ (2009) y ´De repente, el paraíso´ (2019).
Completa la renovación mensual de ciclos de Filmoteca Española la celebración del 150 aniversario de la Sección de Música de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, a través del ciclo `Compositores académicos del cine español´ que presentará una selección de grandes clásicos de nuestra cinematografía cuyas bandas sonoras corrieron a cargo de destacados músicos que también fueron académicos en esta institución.
Por último, no faltarán en la programación de Filmoteca Española sesiones online que sacarán a la luz materiales provenientes de los archivos de Filmoteca Española – caso de la obra de Salvador Gijón, pionero del stop-motion -, presentaciones de libros, sesiones de los programas educativos destinados a aproximar el patrimonio cinematográfico a los más jóvenes `Filmoteca en Familia´ y `Educa Filmoteca´, o sesiones con música en directo a través de la proyección de joyas de nuestro patrimonio cinematográfico mudo –recientemente restauradas por Filmoteca Española- como `Lucha de corazones´ (Joan María Codina, 1912) en diálogo con la música electrónica de Abel Hernández (integrante de ´El hijo´).
Seminario La Casa del Cine: Géneros y subgéneros populares entre los 60 y los 70
Seminario de cinco sesiones dedicado a los subgéneros más olvidados en las aulas de las escuelas de cine. Pero llenos de iconografías que han marcado la historia del cine de los años 60 y 70 hasta la actualidad. El giallo, el spaguetti western, la edad dorada del fantaterror español, el Blaxploitation, el gore o la serie B japonesa. Un seminario para fans y seguidores del cine más trash.
El seminario
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Italia: giallo (Dario Argento, Mario Bava, Lucio Fulci, etc.) y spaguetti western (Sergio Leone, Sergio Corbucci, Enzo G. Castellari)
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España: la edad dorada del fantaterror (Jess Franco, Paul Naschy, León Klimovsky, Armando de Ossorio…)
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: el Blaxploitation y sus estrellas, Pam Grier y Richard Roundtree. Los inicios del gore: el cine de Herschell Gordon Lewis.
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Japón: la serie B y los pinku eigas (cine erótico) de Nikkatsu. El caso de Seijun Suzuki (Youth of the Beast, Tokyo Drifter, Branded to Kill).
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Hong Kong: los wuxia de los Shaw Brothers. El cine de acción hongkonés.
Fechas: 30 enero y 6, 13, 20, 27 febrero
Horario: 19h a 21h
Precio: 100€
Docente Antonio José Navarro
Un trayecto musical, tráiler para «La estrella azul» de Javier Macipe
Una de las producciones patrias más interesante que se pudieron ver por el circuito de festivales del pasado año es el nuevo trabajo tras las cámaras del director zaragozano Javier Macipe (Los inconvenientes de no ser Dios 2014) La estrella azul, película cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, un relato a medio camino entre el biopic documental y la ficción, que reflexiona sobre la escena musical de nuestro país, llegará a las salas comerciales de la mano de Wanda Vision el próximo 23 de febrero.
La estrella azul nos sitúa en los años 90. Mauricio, un famoso rockero español recorre Latinoamérica buscando reencontrarse con su vocación dejando atrás el fantasma de la adicción. Allí conoce a Don Carlos, un anciano músico en horas bajas que, a pesar de ser autor de algunas de las canciones más famosas del folclore de su país, apenas consigue pagar sus facturas. Carlos acoge con generosidad al extraño visitante haciendo las veces de maestro Miyagi musical. De su encuentro nace un extravagante dúo quijotesco, con todos los visos de ser un absoluto fracaso comercial.
La película, con guion a cargo del propio Javier Macipe, está protagonizada por Pepe Lorente, Cuti Carabajal, Bruna Cusí, Marc Rodríguez, Catalina Sopelana, Mariela Carabajal, Noelia Verenice Díaz, Pablo Álvarez, Josh Climent y Manuel Chacón.
La estrella azul se rodó entre marzo de 2020 y febrero de 2023 en localizaciones de Zaragoza y en Argentina. La producción corre a cargo de Simón de Santiago, Amelia Hernández y Hernán Musaluppi, con Fernando Bovaira, Diego Rodríguez, Antonio Pita y Santiago López, como coproductores. La película es una producción hispano-argentina de MOD Producciones, El Pez Amarillo y Cimarrón, en coproducción con La Charito Films y Prisma que cuenta con la participación de RTVE, Movistar Plus+ y Aragón TV, con la financiación de ICAA – Gobierno de España y el INCAA y el apoyo de Gobierno de Aragón, Diputación Provincial de Zaragoza, Ayuntamiento de Zaragoza, Gobierno de Santiago del Estero y el apoyo internacional de Eurimages e Ibermedia.
Mel Brooks ¡Todo sobre mí! Mis memorables gestas en el universo mundo del espectáculo
El legendario -e incombustible a sus 97 años- Mel Brooks resiste incólume y sigue marcando la pauta en la comedia televisiva, cinematográfica y teatral. Ahora, por primera vez, este grafómano y simpar bufón, miembro del selecto círculo de los EGOT (dícese de todo aquel militante de la farándula que se ha hecho con un Emmy, un Grammy, un Óscar y un Tony), nos comparte, de su puño y letra -y para alivio de nuestra uretra- la desternillante crónica de sus añoranzas, alabanzas, labranzas, chanzas, venganzas, enseñanzas y, cómo no, de sus no menos azarosas andanzas.
Para los amantes de la comedia norteamericana, se hace saber que la larga espera ha terminado. He aquí una jugosa ristra de anécdotas y recuerdos celosamente custodiados, historias jamás desveladas, pifias gloriosas, hallazgos inesperados e incontables secretos de una mente deliciosamente enferma.
«¡Todo sobre mí!» narra el meteórico ascenso de un Melvin Kaminsky (Mel Brooks para la gran mayoría de sus incondicionales) que sobrevivió a la Depresión en Brooklyn y a una guerra mundial para -a fin de ir resumiendo- hacerse con la Medalla Nacional de las Artes. Ya fuera en el Ejército o en sus primeros tientos profesionales como comediante adolescente en Catskills, buscaba incansablemente material en sus propias vivencias siempre en busca del chiste perfecto. Su fulgurante carrera arranca con «Your Show of Shows», al servicio de Sid Caesar, donde formó parte de la mejor caterva de guionistas de la historia, junto a Carl Reiner, Neil Simon y Larry Gelbart. Tras registrar sus alardes de improvisación con Carl en los exitosos álbumes del célebre «The 2000 Year Old Man» y trabajar en el clásico de la televisión «Superagente 86» despega su estelar carrera cinematográfica. Escribió, dirigió y protagonizó películas como «Los productores», «Las doce sillas», «Sillas de montar calientes», «El jovencito Frankenstein», «La última locura», «Máxima ansiedad», «La loca historia del mundo» y «La loca historia de las galaxias», además de producir películas como «El hombre elefante», «La mosca» y «Mi año favorito». No contento con Hollywood, Brooks conquistaría, acto seguido, Broadway con su adaptación musical de «Los productores».
Las amistades y colaboraciones de las que Brooks disfrutó con Sid Caesar, Carl Reiner, Gene Wilder, Madeline Kahn, Alfred Hitchcock y el gran amor de su vida, Anne Bancroft- pueblan este inventario de luchas, desconsuelos, logros y camaraderías (con docenas de fotografías). Tributo, en suma, de obligada lectura para quien desee zambullirse en la vida y obra de uno de los artistas más consumados y queridos de la historia.
CONTENIDO:
Prefacio
1. Brooklyn
2. Las montañas
3. Segunda Guerra Mundial
4. Televisión – Los años de Sid Caesar
5. Carl Reiner y The 2000 Year Old Man
6. Johnny Carson y The Tonight Show
7. La Sociedad de gourmets china
8. Kismet – Encuentro con Anne Bancroft
9. Ser inteligente
10. Los productores
11. Las doce sillas
12. Sillas de montar calientes
13. El jovencito Frankenstein
14. Cine mudo
15. Máxima ansiedad
16. Brooksfilms, Parte I
17. La loca historia del mundo, Parte I
18. Brooksfilms, Parte II
19. Soy o no soy
20. Brooksfilms, Parte III
21. Spaceballs
22. ¡Qué asco de vida!
23. Las locas, locas aventuras de Robin Hood
24. Drácula, un muerto muy contento y feliz
25. Los productores en Broadway
26. Mi tercer acto
Autor: Mel Brooks, Traducción Ana Julia Sarmiento, Editorial: Libros del Kultrum, Páginas: 496
Filmin estrena el 19 de febrero el drama de Richie Adams «The Road Dance»
La actriz Hermione Corfield («Contagio en alta mar«) protagoniza este drama ambientado en los albores de la I Guerra Mundial y basado en hechos reales.
El próximo 19 de enero, Filmin estrenará «The Road Dance«, segundo largometraje del director estadounidense Richie Adams («Of Mind and Music«), La película adapta una novela del periodista John MacKay, quien estudió la historia real de su pueblo, en la escocesa Isla de Lewis, y que documenta un trágico suceso ocurrido en la zona a principios del siglo XX.
La actriz Hermione Corfield, vista en películas como «Nacido Rey«, de Agustí Villaronga, o «Contagio en alta mar» interpreta a Kirsty Macleod, una joven aldeana que, en una noche de fiesta y baile para despedir a los jóvenes que van a alistarse en el ejército para combatir en la Primera Guerra Mundial, es víctima de un trágico y misterioso asalto. La película relata los días previos y los meses posteriores a la fatídica noche, y analiza hábilmente temas como el abuso, el trauma, la sororidad y lo que significaba ser mujer a principios del siglo XX.
«The Road Dance» se rodó íntegramente en la ciudad real de Garenin (o Gearrannan en gaélico escocés) en la hermosa isla de Lewis. Fue posible porque sus habitantes abrieron las puertas de sus casas para que se filmaran las escenas. «Era una especie de set cerrado. Todo se rodó en exteriores. Creo que por eso resulta tan auténtica«, afirma Richie Adams.
Aunque los temas que aborda la película (el abuso, el patriarcado, la vergüenza…) resuenan en 2024, la película es muy consciente histórica y culturalmente. Como explica Hermione Corfield, «lo genial del guion es que no intenta decir que las mujeres piensan de la misma manera ahora que entonces. Pero creo que, aunque está ambientada en esa época, hay muchas cosas que siguen siendo extremadamente relevantes hoy en día«. La actriz añade: «Queríamos que el público se quedara con un sentido de resiliencia y de esperanza: incluso en una época y un lugar donde había tanta presión por ser mujer, y después de ser vapuleada, todavía hay una salida para la protagonista«.
La película se estrenó internacionalmente en el Festival de Edinburgo, donde se llevó el Premio del Público, y posteriormente fue también premiada en los festivales de Manchester y Sedona.
Adam Sandler y la ciencia ficción intimista, primer tráiler de «Spaceman»
Vía Netflix acaba de aparecer un primer adelanto en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Spaceman, cinta de ciencia ficción protagonizada por Adam Sandler que adapta la novela Spaceman of Bohemia del escritor checo Jaroslav Kalfař. Dirigida por Johan Renck (Bates Motel, Halt and Catch Fire, Bloodline, Chernobyl), la película tendrá un estreno limitado en cines de Estados Unidos el próximo 23 de febrero, estando disponible en la plataforma de forma global a partir del 1 de marzo.
En Spaceman vemos como un astronauta es enviado a los confines de la galaxia para recoger un misterioso polvo, descubriendo que su vida se desmorona al darse cuenta de que su matrimonio podría romperse antes de su regreso a la Tierra, acudiendo a una única voz que puede ayudarle a intentar recomponerla en ese momento. Pero resulta que esa voz pertenece a una criatura del principio de los tiempos que acecha en las sombras de su nave.
La película, con guion adaptado a cargo de Colby Day, está protagonizada por Adam Sandler, Carey Mulligan, Kunal Nayyar, Lena Olin, Isabella Rossellini, Paul Dano, Sinead Phelps, Petr Papánek y John Flanders.
«Deprisa, deprisa» regresa al Festival de Berlín en una versión restaurada en 4K por FlixOlé y Mercury Films
Galardonada con el Oso de Oro en 1981, será la primera película española en participar en la sección Berlinale Classics
Transcurridos más de 40 años desde que Carlos Saura recogió el Oso de Oro por Deprisa, deprisa (1981), el Festival de Berlín presentará en su 74ª edición el estreno mundial de la versión 4K de esta obra maestra del cine quinqui. Será la primera película española en participar en Berlinale Classics, sección que desde su inauguración en 2013 dedica su programación a los grandes títulos del séptimo arte que han sido restaurados, y que el próximo mes de febrero proyectará una copia de Deprisa, deprisa remasterizada por la plataforma FlixOlé y la distribuidora Mercury Films.
Regresa así al festival esta historia de amor a flor de piel surgida en las barriadas del Madrid de principios de los ochenta y que, envuelta en atracos, drogas y la emblemática canción ‘Me quedo contigo’ de Los Chunguitos, conquistó al público y a la crítica internacional. La presentación servirá también de homenaje a su autor, Carlos Saura, cuando se cumple un año de su fallecimiento.
La restauración del filme se ha realizado a partir del negativo original de 35mm, logrando como resultado la inédita versión en 4K de Deprisa, deprisa que se estrenará en la capital alemana. Dicho proceso de remasterización ha corrido a cargo de FlixOlé y Mercury Films, en el marco de las labores que desempeñan para la conservación y recuperación del patrimonio audiovisual del país, así como en la promoción de los clásicos del cine español en los circuitos cinematográficos internacionales más prestigiosos.
La poética película de cine quinqui con la que Saura se reinventó
Pablo, Meca y Sebas son tres amigos de los suburbios de Madrid que se dedican a robar coches y a atracar bancos. El primero de ellos se enamora de Ángela, una camarera de bar con la que comienza una relación. Ésta se unirá al grupo y participará en los golpes para dejar atrás el ambiente marginal en el que viven. Entre la ficción y el documental, Carlos Saura transcribió en Deprisa, deprisa los relatos de aquella juventud perdida de los descampados que, absorbida por la violencia y la drogadicción, intentaba salir a flote -de la peor manera posible- en la España de los 80.
Para entonces, el conocido como cine quinqui había asaltado la cartelera del país con exitosos títulos repletos de peleas callejeras, sexo, persecuciones y chutes de heroína. El realizador aragonés prefirió adentrarse en la cotidianidad de los bajos fondos y ofrecer un retrato lo más veraz posible sobre el fenómeno social.
A la verosimilitud de lo narrado en Deprisa, deprisa contribuyó el elenco, formado por actores no profesionales cuyas vidas se asemejaban a la de los delincuentes que interpretaban: José Antonio Valdelomar (Pablo), Jesús Arias (Meca) y José Mª Hervás (Sebas). Asimismo, cobró especial importancia el papel de Berta Socuéllamos (Ángela): los personajes femeninos apenas tenían peso en la trama de las películas del cine quinqui; sin embargo, en el caso de la cinta de Carlos Saura, el protagonismo recayó en la figura de Ángela.
Un nuevo cartel para la renovada versión
Con rigor y una cuidada estética, Saura construyó un romance que se alejó del exploitation al que acostumbraba el cine quinqui, pero que transmitía de igual manera la cruda verdad que se vivía en la periferia de las grandes ciudades. La mezcla de lirismo y objetividad hizo de Deprisa, deprisa una exitosa obra maestra dentro de ese género de sobredosis, navajeros y música de Los Chunguitos. También en un punto de inflexión en la carrera del director, quien pasó del cine críptico y metafórico desarrollado durante el franquismo al realismo.
El estreno mundial de la copia en 4K de Deprisa, deprisa en el Festival de Berlín irá acompañado de un nuevo cartel de la película. Basándose en el póster original realizado en su día por Cruz Novillo, los miembros del proyecto ‘La Residencia’, David Rodríguez Losada y Jorge Luengo, han elaborado un diseño alternativo a partir de una icónica escena de sus protagonistas. Además del cartel, ‘La Residencia’ ha creado un nuevo tráiler del filme expresamente para el evento, el cual se lanzará en próximas fechas.
«Club Zero» review
Miss Novak es una maestra que se une al equipo de una escuela de élite para dar clases de nutrición a jóvenes estudiantes. En poco tiempo, la maestra establece un estrecho vínculo con cinco de sus alumnos, sin que el resto de profesores se dé cuenta de lo que sucede. Hasta que todo da un inesperado giro muy peligroso.
Sobre autorías en mayor o menor medida consagradas dentro del circuito de festivales, en la pasada edición de Sitges se pudo ver el nuevo trabajo de la austriaca Jessica Hausner, realizadora que regresaba al certamen 19 años después de estar presente con la sugerente Hotel y ya con la etiqueta de ser una presencia habitual en los festivales de clase A, al haber abrazado, siendo aceptada, proyectos de una proyección internacional de una mayor envergadura, como lo fue en su anterior film Little Joe o Club Zero, película esta última en donde se atisban de forma algo irregular constantes ya presentes en el ideario fílmico de la autora, a través del análisis, desde una perspectiva que linda con la sátira de los dogmas y los supuestos males adyacentes al Occidente contemporáneo.
En Club Zero, Jessica Hausner vuelve a recurrir a una suerte de distopía centrada en esta ocasión en lo concerniente a nuevas religiones de nutrición saludable, expuesta en el relato a modo de neurosis colectiva en donde se forman a autómatas anoréxicos. Lástima de un frío y aséptico dispositivo formal, en donde predomina encuadres geométricos, que dada su obviedad, en contraposición con lo encriptado de gran parte de la obra de la responsable de Amour Fou , diluye casi por completo la paradoja o denuncia, que aquí podría ser tanto la técnica del mindfulness, como el dejar de comer a modo de posicionamiento anticapitalista expuesto desde el propio capitalismo, instaurando una suerte de rebelión ante dicho orden establecido, tesis que pretende ser divertida e incluso satírica; Lourdes (2009) funcionaba muy bien en dicho aspecto, en relación con una historia que, sin embargo aquí no deja de dar vueltas sobre sí misma, reiterando conceptos supuestamente cínicos e irónicos de la mano de una realizadora cuyo nivel de inteligencia crítica aquí da la impresión de bordear de forma algo peligrosa el subrayado.
Valoración 0/5:2
Cine Asia curso online: Asia Fantástica
El género fantástico mueve al año un gran número de aficionados. Y Asia se encuentra colocado en uno de los lugares preferenciales. En el Festival de cine de Sitges es un hecho claro: en la pasada edición, 50 películas de la programación oficial procedían de Asia. ¿Qué es lo que hace al cine de género fantástico y de terror en Asia tan atractivo? ¿Procede de su folclore… de su historia…? A lo largo de este curso, que consta de 10 sesiones de dos horas cada una, intentaremos responder a esta y a otras preguntas para que el alumno tenga una idea de cómo ha evolucionado el género fantástico en los diferentes países asiáticos.
Un curso realizado en colaboración con Sitges – Festival Internacional de cinema Fantàstic de Catalunya.
Ficha técnica
Fechas: miércoles 24 de enero a 27 de marzo de 2024
Sesiones: 10 sesiones de 2 horas, desde el miércoles 24 de enero al 27 de marzo, de 19h a 21h
Online: A través de la plataforma Zoom. 24 horas antes del acto las personas inscritas recibirán la información necesaria para acceder.
Precio: 120€ (público general) 100 € (alumnos que han realizado un curso en CineAsia en 2023)
Certificado del curso: CineAsia entregará por correo electrónico un certificado de asistencia al curso a quien lo solicite y que haya asistido al 80% de las clases.
Sumario del curso (conferencias)
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Japón: del folclore y el kaiju-eiga al fantástico de la Nueva Ola
Miércoles 24 de enero de 19 a 21h
En Occidente, el aliado más poderoso de la belleza siempre fue la luz; en la estética tradicional japonesa, lo esencial está en captar el enigma de la sombra. En Japón, la fantasía es real. Los espectros acechan en cualquier esquina y sus apariciones son tema frecuente de conversación entre compañeros de trabajo o estudio. Bienvenidos al fantástico nipón.
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Japón: El terror y el fantástico japonés llega la ciudad
Miércoles 31 de enero de 19 a 21h
El estreno de Ringu (Hideo Nakata, 2000) supuso un antes y un después dentro del terror y el fantástico asiático: los espectros inicialmente desde Japón van a saltar a las carteleras occidentales. El miedo a los terremotos y a los tsunamis sigue produciendo un sinfín de películas. La animación también es fantástica. Y el terror y fantástico actual.
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Corea del Sur: el reino ermitaño y los terrores cotidianos
Miércoles 7 de febrero de 19 a 21h.
El cine de terror (de evasión) fue una gran constante durante los primeros años de la dictadura militar de Park Chung-gee, tras la Guerra de Corea. Directores como Sin Sang-ok (con Pulgasari, el primer kaiju del proletariado), Lee Man-hee (con su espléndida The Devil’s Stairs) o el llamado padre del fantástico y terror coreano Kim Ki-young con su obra maestra The Housemaid (1960), marcaron una época del fantástico coreano. Prácticamente desconocida.
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Corea del Sur: una cinematografía a la búsqueda de su identidad
Miércoles 14 de enero de 19 a 21h.
Se apagan las luces. Los tráilers anuncian el último drama romántico de la temporada… pero no, esa es otra historia. Ahora toca pasar miedo. Asustarse. Corea, a pesar de no ser un género muy apreciado por su público, ha mostrado desde tiempo inmemorial una pasión hacia las películas de terror, incrementada en la última década gracias a la renovación que el género ha vivido en Asia, con los realizadores japoneses Hideo Nakata o Takashi Shimizu como estandartes. Llega el turno de la Nueva Ola y de directores como Park Chan-wook, Bong Joon-ho, Kim Kee-woon o Na Hong-jing.
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China: los fantasmas del gigante asiático
Miércoles 21 de enero de 19 a 21h.
La primera película de terror china la encontramos en la era muda, Song at Midnight (1937), el remake del clásico de la Universal, El fantasma de la ópera (1925). Con la subida al poder de Mao tras su victoria sobre los nacionalistas, el cine va a servir al Partido durante dos generaciones. A principios de los 90 se vislumbran los primeros cambios, aunque estos no llegarán hasta que China descubra que la ciencia ficción, el terror, y el cine fantástico dan dinero: The Wandering Earth acabó recaudando en 2018 700 millones de dólares.
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Hong Kong y Taiwán: el cine de evasión vs el cine identitario
Miércoles 28 de enero de 19 a 21h
Comparadas con las películas de terror o fantásticas de Japón y Corea del Sur, el cine de género de Hong Kong tiende a suavizar la magnitud del horror. Esto es debido principalmente a la profunda influencia de la cultura tradicional china y a los límites asignados por la censura del continente. En lugar de enfatizar su parte terrorífica, las películas incorporan importantes elementos sobre la relación entre vivos y muertos. Aunque en los últimos años esto ha cambiado y mucho… Desde Una historia china de fantasmas a Rigor Mortis, se pueden ver estas diferencias.
En cuanto a Taiwán, la Nueva Ola de los años 90 tiende a cuestionarse más problemas de identidad (soy taiwanés o soy chino) que genéricas. Aunque desde el siglo XXI, el cine fantástico tiene una importancia vital tanto dentro como en el exterior: De Detention (2019), que tiene serie en Netflix, a la terrorífica Incantation (2022), han cambiado mucho las cosas en la antigua isla de Formosa.
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India: el cine de terror más exótico y desconocido
Miércoles 6 de marzo de 19 a 21h
Una de las características más simpáticas del cine indio de horror es su mala fama entre su público nacional. La mayoría de los propietarios de videoclubs especializados en films de la India o Pakistán establecidos en Europa se reirán en tu cara si les preguntas por películas indias de terror. Otros te dirán directamente que tal cosa no existe, o te explicarán lo malas que son. Aun así, no todo lo que se dice… es cierto. Y hay claros ejemplos para demostrarlo.
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El Sudeste Asiático: Filipinas e Indonesia: el folk horror
Miércoles 13 de marzo de 19 a 21h
El cine de terror en el Sudeste Asiático ha sido tradicionalmente uno de los géneros comerciales que más ha gozado del favor del público, entregado y ávido de historias mitológicas, monstruos, fantasmas, vampiros y superhéroes. Fantasmas de niños de color azul observan al espectador desde debajo de las mesas. Fogonazos de cámara revelan presencias invisibles a simple vista. Y el folk–horror que ha sido uno de sus grandes éxitos en los últimos tiempos.
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El Sudeste Asiático: Tailandia: criaturas espectrales y folclore
Miércoles 20 de marzo de 19 a 21h
De todos los cines del Sudeste Asiático puede que sea Tailandia una de las cinematografías orientales que mejor ha sabido extraer de su tradición la materia constitutiva con la que poblar el universo de la mayor parte de productos fantásticos que ha producido. La leyenda de los krasues (mujeres que llevan colgando el corazón y las vísceras) ha dado films en los 70, 80, 80 y en los 2000, como Ghost of Valentine (2006). También hay que tener en cuenta las historias de fantasmas, como la de Nang Nak (1999) con la que debutaron en España o la más reciente Shutter (2004)
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El fantástico asiático: reflexiones finales
Miércoles 27 de marzo de 19 a 21h
Ejercicio: confeccionar una lista por parte de los alumnos con 10 de las películas imprescindibles fantásticas asiáticas que han conocido a lo largo del curso. En la última clase la comentaremos. Así como también hablaremos del papel que están teniendo tanto los festivales de cine de género, y las plataformas digitales en el boom que estamos viviendo estos días.
Profesores del curso:
(Próximamente) Estará compuesto por parte del equipo de CineAsa y del Festival de cine de Sitges.
Inscripción en el curso ‘Asia Fantástica’
Infancia vampírica, primer tráiler de «Abigail»
Acaba de presentarse vía Universal Pictures un primer adelanto, en forma de tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta Abigail, una nueva variante del cine de vampiros trasladado a la actualidad que cuenta tras las cámaras con el dueto formado por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, (Ready or Not 2019), (Scream, Scream VI 2022-2023). La película tiene prevista su llegada a los cines de Estados Unidos para el próximo 19 de abril de 2024.
En Abigail vemos como a una banda de delincuentes se les ha encargado secuestrar a Abigail, una bailarina de doce años hija de una poderosa figura del inframundo. Su misión requiere también vigilarla durante la noche para poder cobrar un rescate de 50 millones de dólares. En una mansión aislada, los captores comienzan a desaparecer, uno por uno, y descubren, para su creciente horror, que la pequeña niña con la que están encerrados no es normal y está mostrando su verdadera naturaleza.
La película, con guion a cargo de Guy Busick y Stephen Shields, está protagonizada por Melissa Barrera, Dan Stevens, Alisha Weir, Kathryn Newton, William Catlett, Kevin Durand, Angus Cloud y Giancarlo Esposito.
Western USA 1962-1992
El western producido en Hollywood a lo largo de las tres décadas comprendidas entre 1962 y 1992 constituye un bloque apasionante y muy peculiar en la historia del cine estadounidense. Sendas películas relevantes entrañan su proemio y epílogo respectivos: Duelo en la Alta Sierra (Sam Peckinpah, 1962) y Sin perdón (Clint Eastwood, 1992). La primera tiende un puente entre el clasicismo moribundo y su reinterpretación crepuscular, de forma inconsciente, y la última encierra, de modo consciente, la despedida al género de uno de los cineastas emblemáticos de estos decenios (en su triple función de actor, director y productor).
Autor: Coordinado por Carlos Aguilar y Pablo Fernandez, Editorial: Donostia Kultura y Filmoteca Vasca, Colección Nosferatu, Páginas: 256
Primer tráiler para lo nuevo de Quentin Dupieux «Daaaaaalí!»
Si hace pocos días la plataforma Filmin estrenaba en nuestro país Yannick ahora es turno para un primer avance en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Daaaaaalí!, el otro trabajo rodado en 2023 por parte del peculiar realizador galo Quentin Dupieux. La película, que tuvo su premiere mundial en el pasado Festival de Venecia, llegará a las carteleras francesas el próximo 7 de febrero de 2024.
Daaaaaali! nos cuenta como una joven periodista francesa se encuentra en varias ocasiones con el icónico artista surrealista Salvador Dalí para un proyecto documental que nunca llegó a realizarse.
La película, con guion como suele ser habitual a cargo del propio Quentin Dupieux, está protagonizada por Anaïs Demoustier, Gilles Lellouche, Édouard Baer, Jonathan Cohen, Pio Marmai, Didier Flamand, Romain Duris, Pierre Niney, Alain Chabat, Jérôme Niel, Hakim Jemili, Agnès Hurstel, Marc Fraize, Nicolas Carpentier y Tom Dingler.
El Festival de San Sebastián estrenará un documental sobre Eduardo Chillida
La productora guipuzcoana Bixagu Entertainment se suma a la celebración del centenario del escultor donostiarra Eduardo Chillida —del que precisamente hoy, miércoles 10 de enero, se cumplen cien años de su nacimiento (10 de enero de 1924)— con el largometraje documental CIENTO VOLANDO, cuyo estreno mundial tendrá lugar en la 72.ª edición del Festival de San Sebastián, antes de llegar a las salas de cine el próximo 4 de octubre con distribución de A Contracorriente Films.
La cineasta Arantxa Aguirre dirige este film sobre uno de los artistas más universales e influyentes del siglo XX. Eduardo Chillida fue un creador que dejó una huella imborrable en el arte contemporáneo. Con una vida dedicada a forjar, tallar, esculpir y modelar la materia para resolver cuestiones fundamentales que le surgían durante su proceso creativo relacionadas con el espacio, el tiempo, la materia o el espíritu. También fue un defensor de los derechos humanos y la justicia social.
CIENTO VOLANDO se enmarca en la celebración de Eduardo Chillida 100 años. Lugar de encuentro, un programa multidisciplinar compuesto por exposiciones, publicaciones, proyectos audiovisuales, educativos y académicos con el objetivo de reivindicar el legado de la obra de Chillida.
El documental, producido por Bixagu Entertainment y A Contracorriente Films, asume el reto de llevar al lenguaje audiovisual la experiencia única de visitar, de sentir y de vivir el museo Chillida Leku. El estreno busca conseguir que las texturas, olores, temperaturas y el mismo peso de las inmensas y eternas masas, se amalgamen con el color, la luz y el sonido en un fragmento de tiempo.
La actriz ganadora del Goya por Ane, Jone Laspiur, es la conductora de esta producción de Bixagu Entertainment y A Contracorriente Films, Con guion y dirección de Arantxa Aguirre —cineasta de reconocido prestigio en els mundo de los documentales sobre arte—, este film, que se rodará en castellano y euskera y tendrá una duración de 70 minutos, cuenta con varios directores de fotografía entre los que se encuentran Gaizka Bourgeaud o Rafael Reparaz. Aitor Vitoria es ayudante de dirección. El sonido corre a cargo de Carlos De Hita. Leire Zurdo se encarga del maquillaje y la peluquería. Sergio Deustua se ocupa del montaje y posproducción de la imagen. Mikel Huércanos es el director de producción. Iñaki Gómez y Fernando Riera son los productores ejecutivos.
CIENTO VOLANDO cuenta con el apoyo de la Fundación Chillida y de Pilar Belzunce, viuda del artista.
Sinopsis
Jone, una joven estudiante de Bellas Artes, se dirige al Peine del Viento en San Sebastián para encontrarse con la obra más emblemática de Eduardo Chillida. Se cumplen 100 años del nacimiento del escultor y ella se propone conocerlo a fondo. Intuye que va a descubrir cosas que la tocan de cerca, que tienen que ver no sólo con la historia del arte sino también con su propia identidad.
Más que llegar lejos, quiere llegar hondo. Por eso se encamina hacia el jardín del artista en Hernani, Chillida Leku, que atesora decenas de esculturas al aire libre. Allí volverá sin prisa a lo largo de las cuatro estaciones del año y lo observará vestido de distintos colores. Lugar de encuentro, a Chillida Leku acuden los que mejor conocen al escultor: el arquitecto Joaquín Montero, el historiador Kosme de Barañano, sus familiares o quienes desde hace muchos años trabajan allí. También están presentes las obras de otros artistas que fueron importantes para Chillida, como Julio González, Palazuelo, Braque, Calder o Giacometti, junto a los árboles del jardín, el canto de los pájaros o los relinchos de la yeguada vecina…
La directora
Nacida en Madrid de padre donostiarra, Arantxa Aguirre es doctora cum laude en Literatura y ha publicado dos libros: Buñuel, lector de Galdós (Premio de Investigación Pérez Galdós 2003) y 34 actores hablan de su oficio (Ed. Cátedra, 2008), este último secuela de su documental Hécuba, un sueño de pasión, nominado al Goya en 2006. Antes de dirigir sus propias películas ha sido ayudante de Mario Camus, Basilio Martín Patino, Pedro Almodóvar o Carlos Saura, entre otros. Desde 2020 es miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Arantxa Aguirre a propósito del documental «Para entender a alguien hay que tener muy en cuenta su tempo particular. Chillida era un hombre reposado y dedicaba a cada cosa el tiempo que merecía. Esta película buscará ese mismo ritmo tranquilo y constante, que es el de las olas del mar. No nos podían faltar la costa atlántica y su peculiar “luz oscura” en esta película. “Yo soy un discípulo de la mar”, escribió Chillida. Y también: “La inmensidad del horizonte es la patria de todos.” Iremos en busca de ese maestro y de esa inmensidad.
No vamos a recorrer el mundo en busca de las obras de Eduardo Chillida, sino que permaneceremos en Chillida Leku, ese espacio que el artista primero concibió en su cabeza y que después, junto a su mujer, buscó cuidadosamente, estudió en profundidad y acondicionó sin prisas durante catorce años, para que sus esculturas tuvieran siempre un lugar donde volver.
Esta película hablará de arte, por supuesto -es algo que llevo haciendo en todos mis trabajos- pero también de patrimonio, de la conciencia de un bien común que hay que preservar porque viene de nuestros antepasados y será para nuestros hijos. La conciencia de que formamos parte de algo mucho más grande que nosotros. Formamos parte del camino que otros recorrerán».
Nace Sombra Madrid, Festival de Cine Fantástico que se celebrará del 13 al 17 del próximo mes de marzo
El pasado mes de diciembre la organización de Sombra – Festival de Cine Fantástico Europeo de Murcia, anunciaba el nacimiento de Sombra Madrid, que convierte a la capital en un segundo hogar para el festival. Este nuevo evento se llevará a cabo simultáneamente con Sombra en Murcia, ofreciendo una programación e invitados similares. La colaboración y apoyo del equipo de Nocturna, junto con numerosos amigos del festival en Madrid, añaden un toque especial a este proyecto. Sombra Madrid no sólo revive la escena del cine fantástico en la ciudad, sino que también promete ser un evento imperdible.
En la octava edición de Sombra el certamen organizó una exposición sobre el legendario Paul Naschy, gracias a la colaboración de su hijo, y gestor de su legado, Sergio Molina. La conexión resultante llevó a que los dirigentes de Sombra y Nocturna, el Festival de Cine Fantástico de Madrid, comenzaran desde entonces a reunirse anualmente. La pandemia afectó a muchos eventos, incluido Nocturna, que no pudo volver a celebrarse desde 2019. Sin embargo, el 2023 trajo la posibilidad de trasladar Sombra a Madrid junto con la edición en Murcia. En un esfuerzo conjunto, Sombra buscó la aprobación y participación del equipo de Nocturna, quienes brindaron su apoyo incondicional y entusiasmo.
Con la colaboración de A.D.J. Proyectos Audiovisuales y la Asociación Pop Culture España, la idea se hizo realidad. Sombra Madrid nace para infundir nuevos aires fantásticos en la comunidad del género en Madrid, recogiendo el testigo del festival Nocturna. La capital recupera así su Festival de Cine Fantástico.
Y como primera confirmación oficial Claudio Simonetti visitará Madrid y Murcia al frente de su banda, Goblin, para ofrecer dos actuaciones en directo interpretando la banda sonora de Rojo Oscuro (Dario Argento, 1975) durante la proyección de la película. La doble cita tendrá lugar el viernes, 15 de marzo, en el Teatro Sanpol de Madrid, y el sábado, 16 de marzo, en el Teatro Circo de Murcia. Dos oportunidades únicas de disfrutar de una experiencia que sirve como ejemplo y carta de presentación de un formato de evento que nace con la ilusión de traer buenas noticias al mayor número de aficionados posible.
La criatura distorsionada, primer tráiler para «Lisa Frankenstein» de Zelda Williams
Numerosas han sido las ocasiones en donde la clásica novela Mary Shelley Frankenstein ha sido en mayor o menor medida readaptada al cine, versiones como Young Frankenstein (1974), Frankenhooker (1990) o la reciente Poor Things (2023), por poner solo tres ejemplos, nos ofrecían desde diferentes miradas una versión bastante desprejuiciada del mito. Lisa Frankenstein, cuyo primer tráiler vía Focus Features acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone una nueva incursión en la novela a modo de comedia romántica. La película, ópera prima de la hasta ahora actriz Zelda Williams, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 9 de febrero de 2024.
Lisa Frankenstein nos sitúa en 1989, una impopular chica de secundaria llamada Lisa reanima accidentalmente un apuesto cadáver victoriano durante una tormenta eléctrica y comienza a reconstruirlo para convertirlo en el hombre de sus sueños usando la cama de rayos uva estropeada que tiene en el garaje de su casa.
La película, con guion a cargo de Diablo Cody, está protagonizada por Carla Gugino, Liza Soberano, Joe Chrest, Henry Eikenberry, Kathryn Newton, Cole Sprouse, Jenna Davis, Joshua Montes, Summer Selby, Lacey Dover, Sylvia Grace Crim, Geraldine Singer y Donna Duplantier.
Proyecciones Xcèntric: Encuentro sobre archivos cinematográficos
Nitrato argentino. Museo del Cine «Pablo Ducrós Hicken»
La labor de programación y difusión del cine experimental que realizamos en Xcèntric es inseparable de otra labor: la de todos aquellos profesionales que preservan, restauran e investigan el legado cinematográfico. Los cambios sociales y tecnológicos recientes, como la adopción masiva de los soportes digitales o el imperativo de revisar los cánones heredados, han puesto de manifiesto la necesidad de no dar por descontado la importancia del trabajo con el archivo. Por este motivo, Xcèntric inaugura la programación de 2024 con unas jornadas coorganizadas con Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), centro de referencia en el Estado español que ofrece un programa especializado en archivo cinematográfico. Recogiendo el espíritu interdisciplinar y expandido de la actividad de programación de Xcèntric y del modelo pedagógico de EQZE, estas jornadas quieren poner en diálogo las reflexiones y experiencias de restauradores, archivistas, investigadores y programadores.
Jueves 18 enero
11:30 Presentación del programa y los participantes Gloria Vilches, responsable de Xcèntric.
11:45 Estado de la cuestión con Giovanna Fossati (Eye Filmmuseum)
Giovanna Fossati es autora del libro Del grano al píxel, recientemente traducido al castellano, una obra que se ha convertido en indispensable para entender el estado de los archivos cinematográficos en la era digital. En esta conferencia inaugural, profundizará en el panorama cambiante del discurso sobre el patrimonio cinematográfico en la era digital, explorando aspectos relacionados con la restauración, investigación y reutilización de películas. Reconociendo las relaciones dinámicas entre los factores culturales, técnicos, estéticos y económicos en las prácticas de archivo cinematográfico, esta presentación enfatizará la necesidad urgente de una perspectiva más participativa e inclusiva del patrimonio audiovisual.
12:30 Conversación entre Giovanna Fossati y Pablo La Parra, responsable del departamento de investigación en Elías Querejeta Zine Eskola.
17:30 Cine-Performance: Archivos no-alineados Léa Morin (Investigadora independiente/EQZE)
Los gestos de edición, investigación, restauración, archivo y programación cinematográfica, sobre todo cuando se hacen desde la militancia y en colectivos, nos permiten adentrarnos en los vacíos, las rendijas y las ausencias, para cuidar de las múltiples y estropeadas narraciones del cine. Debatiremos varios proyectos (libros, proyecciones de cine, restauraciones cinematográficas, investigaciones) que contribuyen a problematizar las formas clásicas de aproximarse a la historia del cine, iluminando películas olvidadas, devolviendo a la centralidad escritos esenciales sobre el cine y con ellos un pensamiento cinematográfico más allá de las geografías dominantes, reactivando anhelos por el cine y sueños de revolución siempre necesarios para nuestras sociedades.
19:00 De quelques évènements sans signification (1975)
Primer largometraje del director marroquí Mostafa Derkaoui, considerado perdido hasta que fue localizado y restaurado en la Filmoteca de Catalunya. La sesión estará presentada por Rosa Cardona, responsable del proceso de restauración.
Viernes 19 enero
11:30 Cines pequeños y preservación desigual Carolina Cappa (archivista independiente/ EQZE)
En esta presentación, analizaremos las condiciones tecnológicas y materiales que determinan la preservación cinematográfica, poniendo el foco en los cines menores o aquellos que no pertenecen al régimen de la imagen-mercancía. A partir de algunos proyectos de preservación recientes realizados en España y América Latina, debatiremos sobre cómo estas condiciones intervienen para ofrecer un acceso desigual a determinados cines. Porque existe una enorme brecha entre las películas que reciben financiamiento, se digitalizan o se preservan fotoquímicamente, y se vuelven accesibles, frente a aquellos cines menores que permanecen sumergidos en la opacidad de los archivos (cine amateur, militante, experimental, no comercial, de países pobres). Al abrir la caja negra de la preservación, intentaremos plantear algunas ideas sobre por qué tenemos acceso a ciertas imágenes y no a otras.
12:15 Conversaciones con Mnemósine, el arconte y Dracón: aventuras y desventuras de una investigadora en el archivo Sonia García López (Universidad Carlos III de Madrid)
La investigación sobre cine en los archivos es apasionante. Permite no solo conocer y estudiar los pormenores de las películas conocidas y admiradas por el público, sino también imaginar y hacer realidad otras historias del cine posibles, aquellas que nunca se contaron. Reconstruir esas historias requiere acercarse no solo a los filmes que se conservan, sino también a otros vestigios en forma de expedientes, fotografías, guiones o planes de rodaje. Sin embargo, las y los cineastas anónimos y las películas huérfanas, desconocidas o invisibilizadas a menudo son objeto de una doble invisibilización: la que produce la dificultad o imposibilidad de acceder a los materiales que permiten contar su historia.
13:00 Mesa redonda entre Carolina Cappa, Sonia García López y Enrique Fibla (UAB), investigador especializado en la relación entre archivo visual y memoria histórica.
17:30 Problemas en la imagen: conservación y restauración de películas experimentales. Mark Toscano (Academy Film Archive)
Incluso para los cinéfilos más acostumbrados, los procesos y las filosofías en torno al archivo de películas pueden ser desconocidas o crípticas. Cuando se trata de cine experimental, esto puede aumentar exponencialmente. Mark Toscano es un conservador de cine en el Academy Film Archive de Los Ángeles, donde se ha especializado en el cuidado, comisariado y restauración de cine experimental durante veinte años. En esta presentación compartirá generalidades, particularidades, anécdotas, excepciones y detalles insólitos sobre su práctica, ampliamente ilustrados con imágenes de su trabajo sobre el cine de artista. Los temas incluirán grano, suciedad, rayas, color, bandas sonoras analógicas, digitales, dibujadas a mano, películas enviadas en contenedores de alimentos y qué ocurre cuando un artista procesa Ektachrome mientras tiene un viaje con LSD.
19:00 There is Something on Your Mind
Mark Toscano presenta un programa de películas experimentales restauradas en Academy Film Archive con la ciudad de Los Ángeles como protagonista.
Domingo 21 enero
18:30 Nitrato lírico. Experimentos con películas de archivo
Como punto final de este Encuentro sobre archivos cinematográficos, Giovanna Fossati propone tres películas de su catálogo que exploran la dimensión estética de los procesos de degradación y descomposición de los soportes fotoquímicos.
Fecha: 18 y 19 enero 2024
Horario: 11.30 – 21.00
Espacio: Auditorio
Precio: Gratuito con reserva
Una comunidad rota, tráiler para «Sala de profesores» de Ilker Çatak
Acaba de ver la luz de la mano de A Contracorriente Films un primer tráiler subtitulada al castellano, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta alemana Sala de profesores (Das Lehrerzimmer). Drama social, con tintes autobiográficos a cargo de Ilker Çatak, I Was, I Am, I Will Be (2019) Stambul Garden (2021), que estuvo presente en la pasada edición del festival de Valladolid y que llegará a los cines de nuestro país el próximo 2 de febrero de 2024.
En Sala de profesores vemos como Carla Nowak, una idealista profesora de matemáticas y deportes, comienza su primer trabajo en una escuela de secundaria. Cuando se producen una serie de robos en la escuela y se sospecha de uno de sus alumnos, decide llegar al fondo del asunto por su cuenta. Carla intenta mediar entre padres indignados, colegas obstinados y estudiantes agresivos, pero se enfrenta a las implacables estructuras del sistema escolar.
La película, con guion a cargo del propio Ilker Çatak junto a Johannes Duncker, está protagonizada por Leonie Benesch, Eva Löbau, Leonard Stettnisch, Michael Klammer, Anne-Kathrin Gummich, Kathrin Wehlisch, Sarah Bauerett, Rafael Stachowiak, Uygar Tamer y Özgür Karadeniz.
«Annette» / «Titane». Un cuento de canciones y furia
Saliendo ilesas del sesgo y el azar del capricho historicista, y amparadas por un llamativo acuerdo colectivo, las páginas de los innumerables volúmenes dedicados a la Historia del Cine no han dudado en localizar la simiente de la que es quizá la corriente cinematográfica más relevante y referenciada de todas, la Nouvelle Vague francesa, en el Festival de Cannes de 1959. De allí, pese a que la Palma de Oro fuera para Orfeo Negro de Marcel Camus, emergió el François Truffaut de Los cuatrocientos golpes con el reconocimiento al mejor director y la crítica premiaba a Hiroshima, Mon Amour de Alain Resnais, consideradas ambas los puntales del movimiento por excelencia de la modernidad cinematográfica. Es pronto todavía para aventurar si el punto de partida del presente libro puede funcionar a modo de reverberación de aquel hito, pero bien es cierto que en ese mismo enclave, el Festival de Cannes, del reciente 2021, un par de películas capitanean la nueva ola que nos está arrasando.
Titane de Julia Ducournau gana la Palma de Oro —la segunda de la historia para una mujer—, y Leos Carax se lleva el premio a mejor director por Annette. Titane y Annette comparten género fantástico, y son, a su vez, fantásticas y de “género”, pues la cineasta francesa se adhiere con fuerza a las nuevas voces femeninas del audiovisual contemporáneo. Annette y Titane (se) reflejan (en) el inexorable tránsito hacia un cine fantástico de radical autoría.
En un momento en el que posiciones presentistas proponen desmantelar lo insensato del arte, Annette y Titane se alzan como películas díscolas y salvajes que muestran que el arte no debe pedir ni permiso ni perdón: pues el arte trasciende juicios y prejuicios porque toca cierta verdad de la subjetividad de la época. El análisis fílmico de Annette y Titane desgrana cómo, desde el bajorrelieve de la voz enunciativa, los nuevos nombres del malestar contemporáneo exponen sus formas. Encrucijadas sobre lo que somos capaces de robar a nuestro deseo, soufflé de palabras coaguladas o humor fracasado, ambas engendran, empero, bellas criaturas que iluminan otro posible futuro.
Los autores
Shaila García Catalán (1983). Profesora Titular en la Universitat Jaume I, donde es vicedecana del grado en Comunicación Audiovisual. Ha escrito el libro La luz lo ha revelado. 50 películas siniestras (UOC, 2019) y otros textos donde estudia la cultura visual y su relación con la subjetividad contemporánea desde el análisis fílmico y el psicoanálisis. Impulsa el espacio de pensamiento Sala Caligari, dirige el proyecto “Voces femeninas emergentes en el cine español del siglo XXI: escrituras de la intimidad” (UJI) y es socia de la Escuela Lacaniana de Psicoanálisis (Valencia).
Iván Bort Gual (1982). Profesor de Teoría e Historia del Cine, Narrativa Audiovisual, Modos de Representación Cinematográficos, Teoría de la Imagen, Montaje y Edición Audiovisual y Ficción Televisiva en el CESAG-UP Comillas de Palma de Mallorca. Es co-autor del libro La vida y nada más. Million Dollar Baby / Valor de ley (Shangrila, 2012) junto a Francisco Javier Gómez Tarín y colabora en diversos medios generalistas y especializados sobre cine. Desde hace más de veinte años gestiona una colección fílmica particular, ahora instalada en el cine privado Sala ISLOTE.
Autor: Shaila García Catalán e Iván Bort Gual, Editorial: Shangrila, Colección Fantasmagorías, Páginas: 582
Filmin estrenará en 2024 las comedias británicas «Such Brave Girls» y «Dreaming Whilst Black»
Filmin estrenará en 2024 dos series coproducidas y distribuidas por A24, una de las empresas audiovisuales más prestigiosas del mundo, reconocida por su mirada fresca y alternativa y el sello detrás de series como «Euphoria» y de películas como la última ganadora del Oscar a la Mejor Película, «Todo a la vez en todas partes». Se trata de dos comedias británicas que han marcado el año seriéfilo en el Reino Unido: «Such Brave Girls», protagonizada y creada por Kat Sadler, y «Dreaming Whilst Black», escrita y protagonizada por Adjani Salmon.
«Such Brave Girls», emitida en noviembre en BBC Three y estrenada recientemente en Estados Unidos de la mano de Hulu, es una comedia familiar que sigue la vida de dos hermanas, Josie y Billy, que viven junto a su madre soltera y transitan por la vida con poco juicio y cargadas de un peculiar sentido del humor mientras se relacionan con personas que no son de fiar y que no se preocupan demasiado por ellas. La actriz y cómica Kate Sadler, con una amplia experiencia como guionista en diversos programas de humor, tanto televisivos como radiofónicos, firma una serie que además protagoniza junto a su hermana en la vida real, la debutante Lizzie Davidson. Por su parte, la actriz Louise Brealey («Sherlock») interpreta a Deb, la madre de ambas. Tras su estreno en Gran Bretaña y Estados Unidos, la serie ha recibido excelentes críticas. The Hollywood Reporter habla de «un nuevo giro en la comedia británica traumática» y señala a Sadler como «una de las revelaciones del año»; por su parte, The Guardian la define como «adecuadamente brutal y adecuadamente divertida… singular, fresca, escabrosa, insobornable e hilarante».
«Dreaming Whilst Black» ha sido una de las grandes sorpresas de la temporada tras su estreno en verano en BBC Three y su posterior llegada a Estados Unidos de la mano de Paramount+. La serie ha sido nominada a dos Independent Spirit Awards en las categorías de Mejor Nueva Serie y Mejor Nuevo Intérprete, candidatura que ha recaído en la figura de su creador y protagonista, Adjani Salmon («Chivalry»). «Dreaming Whilst Black» es la adaptación de la premiada web-serie homónima que Salmon y Ali Hughes estrenaron en 2018. Inspirada en sus propias vivencias, la serie de Salmon narra la historia de un aspirante a cineasta llamado Kwabena, que sueña con triunfar junto a su amiga de la escuela de cine y productora Amy (Dani Moseley). El problema es que está arruinado, es negro y nació en una familia jamaicana que preferiría que fuese contable. Partiendo del humor, la serie reflexiona sobre asuntos serios como la discriminación, la desigualdad o la historia, y se ha ganado el favor de la crítica a los dos lados del charco: Para The Guardian, «[Dreaming Whilst Black] está rompiendo las reglas de la comedia; mientras que en USA The Daily Best la define como «una de las series más gratificantes del año».
Las dos series llegarán a España, de la mano de Filmin, durante el primer cuatrimestre del 2024.
Invasión arácnida, tráiler y póster español para «Vermin: La plaga»
Uno de los estrenos más esperados en este recién empezado 2024 por parte del aficionado al fantástico es el debut en el largometraje del francés Sébastien Vanicek Vermin: La plaga, película cuyo primer tráiler en español acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que se alzó con el Premio Especial del Jurado en la pasada edición del Festival de Sitges, transita, con un ligero trasfondo social, por la temática de las arañas letales, vista anteriormente en cintas como por ejemplo Kingdom of the Spiders (1977) o Aracnofobia (1990).
En Vermin vemos como Kaleb está a punto de cumplir 30 años y nunca ha estado más solo. Está peleando con su hermana por un asunto de herencia y ha cortado los lazos con su mejor amigo. Apasionado por los animales exóticos, un día llega a casa con una araña muy venenosa que accidentalmente escapa. Estas rápidamente se reproducen y los habitantes del edificio intentarán sobrevivir a una plaga que se sale de control.
La película, con guion a cargo del propio Sébastien Vanicek junto a Florent Bernard, esta protagonizada por Finnegan Oldfield, Sofia Lesaffre, Jérôme Niel, Théo Christine, Lisa Nyarko, Marie-Philomène Nga, Mahamadou Sangaré, Abdellah Moundy, Ike Zacsongo, Emmanuel Bonami, Xing Xing Cheng, Samir Nait y Malik Amraoui.
«Sala:B». Perla Cristal
El comisario G. (en el caso del cabaret) (Fernando Merino, 1975). Int.: Emilio Rodríguez, Tina Sainz, Marisa Medina, Ramón Lillo. España. 35 mm. VO Color. 94’
Emma, puertas oscuras (José Ramón Larraz, 1974). Int.: Susanna East, Perla Cristal, Ángel Menéndez, Marina Ferri. España. DCP. VO Color. 75’
Sesión de homenaje a la veterana actriz Perla Cristal, desenterrando dos “perlas” de su filmografía llenas de crímenes, sangre y mujeres muy perturbadas.
Descubierta por Jess Franco en el circo Price, la argentina Perla Cristal es uno de los nombres más icónicos del cine de género español de los años 60 y 70, dedicándose al terror, el western, el noir, el cine de aventuras, la comedia y hasta el giallo a la española. El comisario G (el caso del cabaret) es una de esas tramas de psicópatas y policías que tanto explotaron los italianos en la época, con montones de asesinatos, chicas de moda como Tina Sainz, Rosa Valenty o Marisa Medina y un misterio por resolver. Perla es la Cobra, una vedette con muchos enemigos que representa la decadencia de ese mundo del cabaret y la noche ante los tiempos de cambio que se veían venir en el país. Además del humor que impregna el guionista José María Palacio (Miedo a salir de noche, Un vampiro para dos…), la película de Merino cuenta con una bombástica banda sonora de funk setentero, cortesía del gran Adolfo Santisteban.
Seguimos con Emma, puertas oscuras de José Ramón Larraz, que continúa la senda de su etapa británica de terror psicológico y jóvenes descarriados (Whirlpool, Deviation, Symptoms), pero esta vez producida aquí por los Estudios Balcázar. Eso sí, sin renunciar a sus mansiones góticas, marca de la casa. Perla Cristal es la madre de Emma (Susanna East), una chica con problemas psiquiátricos que haría buenas migas con la Deneuve de Repulsión. Los personajes femeninos complejos y atormentados siguen siendo la especialidad del director. Larraz acomete una vez más el género centrándose más todavía en el suspense y el manejo de la tensión alrededor de dos o tres set-pieces, logrando un minimalismo muy peculiar que divide la película en dos partes muy diferenciadas, casi dos géneros en sí mismos.” (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo de la actriz Perla Cristal y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 190’).
Revisitar fantasmas, tráiler para «Nightwatch: Demons are Forever» de Ole Bornedal
Fue en el año 1994 cuando el realizador danés Ole Bornedal se dio a conocer al gran público con su ópera prima Nightwatch, thriller de terror psicológico que cosecho un gran éxito comercial, lo cual propicio que el propio director tres años más tarde se encargara de remake norteamericano, protagonizado por Ewan McGregor, Patricia Arquette y Nick Nolte.
Tras una trayectoria desarrollada básicamente en su país de origen, solo interrumpida con una nueva incursión en Estados Unidos con la cinta de terror The Possession (2012), Ole Bornedal treinta años después se encarga de la secuela de su primer trabajo tras la cámaras, Nightwatch: Demons are Forever, película cuyo primer tráiler subtitulado al inglés podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
En Nightwatch: Demons are Forever vemos como la hija de Martin, Emma, se encuentra con Wörmer en su celda de aislamiento, y esto saca al comisario convicto de su coma y pone en marcha una cadena de fatídicos acontecimientos.
La película, con guion a cargo del propio Ole Bornedal, está protagonizada por Nikolaj Coster-Waldau, Alex Høgh Andersen, Kim Bodnia, Sonja Richter, Fanny Bornedal, Paprika Steen, Christopher Læssø y Ulf Pilgaard.
«La espera» review
Eladio, guarda de una finca, acepta el soborno de un cazador. Semanas después su vida entera colapsa. Lo que parecía un vuelco favorable del destino se convertirá en un macabro descenso a los infiernos en el que Eladio verá puesta a prueba su cordura.
Una de las películas patrias importante presentes en la pasada edición del festival de Sitges fue La espera, tercer trabajo tras las cámaras del cineasta cordobés F. Javier Gutiérrez, que nos ofrece un relato en donde recurre como punto de partida escénico, al igual que en su opera prima, la apocalíptica 3 días (2008), a un escenario árido y solitario que nos sitúa en la Andalucía de los años 70, a la hora de abordar una historia que transita en un primer momento por coordenadas adyacente al thriller rural patrio de época con alma de western, a través de una iconografía mesetaria y autóctona que abraza cierta locura y pulsión característica en el relato negro de esa España profunda en donde de forma constante la abrupta tragedia parece estar acechando, y que transmuta en su parte final, desde el conocimiento de coordenadas genéricas por parte del responsable de Rings (2017), en un disfrutable Folk Horror clásico de manual.
La espera deviene, gracias a su caligrafía visual, como una película sólida que no se apresura en referencia a la utilización de un aplicado despliegue atmosférico, por el contrario resulta algo predecible con relación a ese viraje narrativo antes comentado que nos remite de conceptos del realismo sucio de la España vaciada, vistos en La caza de Carlos Saura o Los santos inocentes de Mario Camus, a otros más genéricos, deudores de películas como por ejemplo The Wicker Man de Robin Hardy o el Angel Heart de Alan Parker. Se agradece, sin embargo, que rehuya de un discurso ideológico en lo concerniente a ese enunciado que versa principalmente sobre la opresión de clases, lo hace mediante una clara determinación a la hora de no ser esclava de ciertos contenidos, muy visibles y predecibles en los últimos años dentro del fantástico, que son percibidos como demasiados desmarcados del género.
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El mal heredado, primer tráiler para «Le Successeur» de Xavier Legrand
No es la primera vez que el francés Xavier Legrand indaga en complejas derivas paternofiliales, si en su anterior Jusqu’à la garde abordaba dicha temática casi a modo de un relato de terror, en Le Successeur, film cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, lo hace a través de una historia que nos deriva en un oscuro thriller. La película, que estuvo presente en la Sección Oficial del pasado Festival de San Sebastián, se estrenará comercialmente en Francia el próximo 22 de marzo de 2024. A España, aún sin fecha de salida, nos llegará de la mano de Bteam.
En Le Successeur vemos como Ellias Barnès, de 30 años, acaba de ser nombrado nuevo director artístico de una famosa casa de moda parisina. Pero cuando las expectativas son altas, empieza a sentir dolores en el pecho. De repente, le reclaman en Montreal para organizar el funeral de su padre, del que está distanciado, y descubre que puede haber heredado algo mucho peor que su débil corazón.
La película, con guion a cargo de Alexandre Postel, está protagonizada por Marc-André Grondin, Yves Jacques, Louis Champagne, Anne-Elisabeth Bossém y Blandine Bury.
Freddie Francis, más que un director de fotografía
Freddie Francis fue uno de los grandes directores de fotografía de la historia del cine, reclamado por varios de los directores más reputados de la industria y ganador de dos Oscar de la academia de Hollywood, su paso por el asiento de la dirección de films, quizá sea menos conocido, pero resulta igual de interesante que el resto de su filmografía. En este libro dedicado a su figura, además de recuperar su nombre y legado, el autor ahonda más en su vertiente como director, siendo revisadas todas sus películas en este ámbito así como el de director de series, sin dejar de hablar, por supuesto, de su labor como fotógrafo para otros cineastas.
Autor: Antonio Piñera García. Editorial:. Páginas: 239
Reinterpretando a Robert E. Howard, tráiler para «She is Conann» de Bertrand Mandico
Tras debutar en 2021 con Les garçons sauvages Bertrand Mandico demostró ser uno de esos autores que devienen como sofisticados, y hoy por hoy inimitables, que aúna lo indefinido y lo kitsch. Siguiendo los pasos de su anterior After Blue, Mandico reincide en imaginarios que subvierten géneros en She is Conann, película cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Film, demencial parábola Faustiana de tono glam que reinterpreta al famoso personaje creado por Robert E. Howard, que tuvo su premiere mundial en el pasado Festival de Cannes dentro de la Quincena de Realizadores para meses después estar presente en el Festival de Sitges.
She is Conann nos cuenta como viajando a través del abismo, Rainer, el perro del inframundo, relata las seis vidas de Conann, perpetuamente condenada a muerte por su propio futuro, a través de eras, mitos y edades. Desde su infancia, como esclava de Sanja y su horda bárbara, hasta su ascenso a las cumbres de la crueldad a las puertas de nuestro mundo.
La película, con guion a cargo del propio Bertrand Mandico, está protagonizada por Elina Löwensohn, Agata Buzek, Christa Theret, Nathalie Richard, Yuming Hey, Françoise Brion, Claire Duburcq, Marie Drion, Michaël Erpeling, Audrey Bonnet y Anne Lise Maulin.
FlixOlé y Barreira A+D trabajarán juntos para promover las enseñanzas artísticas y el cine español
La plataforma y el centro valenciano han firmado un convenio de colaboración que permitirá acercar el audiovisual español a los estudiantes de los másteres de cine que ofrece Barreira A+D
FlixOlé y Barreira A+D aúnan esfuerzos para el fomento de las enseñanzas artísticas y la promoción del cine español. La plataforma y el centro han firmado un convenio de colaboración que permitirá dar a conocer la oferta de estudios superiores relacionados con el séptimo arte de la escuela de arte y diseño con el aprendizaje y puesta en valor del audiovisual del país a través de distintas líneas de acción.
Mediante dicho acuerdo, FlixOlé se compromete a apoyar los planes de estudio desarrollados por Barreira A+D en sus másteres de: Guion para cine y nuevos medios, encaminado a que el alumnado conozca a fondo la narrativa audiovisual; Filmmaker, cuyo programa da voz a una de las profesiones emergentes con más futuro; Diseño de Vestuario, enfocado tanto a cine como a teatro y televisión; Dirección de Arte y Producción Creativa Digital, centrado este último en las nuevas tecnologías.
“Desde FlixOlé estamos entusiasmados con poder contribuir a la formación que desde hace décadas imparte Barreira A+D. Junto con la escuela, trabajaremos para acercar el cine español a sus alumnos de máster, permitiendo así que las nuevas generaciones de cineastas, guionistas y demás profesionales conozcan nuestro rico y variado patrimonio audiovisual”, han indicado desde la plataforma.
El tejido cinematográfico y el mundo académico
A este respecto, el acuerdo alcanzado por ambas partes contempla un descuento para los estudiantes del centro en la suscripción de FlixOlé. De esta manera, los alumnos podrán acceder a los más de 4.000 títulos del servicio de vídeo bajo demanda. El mismo cuenta con el mayor listado de películas españolas de todos los tiempos, el cual incluye parte de la filmografía de directores como Luis Buñuel, Luis Gª Berlanga, Carlos Saura, Mariano Ozores, Álex de la Iglesia, Icíar Bollaín, Isabel Coixet, Alejandro Amenábar y Fernando León de Aranoa, entre otros. Además, la plataforma dispone de clásicos del cine americano y europeo, pudiéndose visualizar largometrajes de la RKO y westerns.
Los contenidos disponibles en FlixOlé se ponen de este modo al alcance de la labor pedagógica que lleva a cabo el equipo docente de Barreira A+D, integrado por nombres de reconocida trayectoria en la pequeña y gran pantalla del país: como el director de la premiada película de animación Robot Dreams, Pablo Berger; el guionista y realizador, Paco Cabezas; la diseñadora y ganadora de tres premios Goya, Clara Bilbao; el director de series como Mujeres desesperadas y Gossip Girl, David Warren; o la responsable de producción ajena de Movistar Plus+, Leticia Pérez.
Igualmente, la experiencia formativa en clave internacional con la que cuenta la escuela de arte y diseño, a través del Centro Sperimentale di Cinematografia romano, favorece el aprendizaje y promoción del séptimo arte en el exterior. “Nos satisface enormemente esta colaboración que pone en contacto a los másteres de cine con las referencias del tejido cinematográfico español más actuales, como es el caso de FlixOlé”, concluye por su parte Barreira A+D.
El nacimiento del miedo, tráiler para «Out of Darkness» de Andrew Cumming
Conocida anteriormente con el título de The Origin, el debut en el largometraje del británico Andrew Cumming Out of Darkness, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, nos sitúa en una violenta historia de supervivencia ubicada en el 45.000 a. C. La película, que se pudo ver el pasado año en el London Film Festival o Sitges (critica aquí) entre otros certámenes, tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 9 de febrero de 2024.
Out of Darkness nos sitúa en la antigua Edad de Piedra, un grupo dispar de humanos primitivos se une en busca de una nueva tierra. Durante la travesía, al caer la noche, se darán cuenta de que no están solos, sospechando que un ser malévolo y místico los está persiguiendo. Algo monstruoso anda suelto viéndose obligados a enfrentarse a un peligro que nunca pudieron imaginar.
La película, con guion a cargo del propio Andrew Cumming junto a Ruth Greenberg y Oliver Kassman, está protagonizada por Safia Oakley-Green, Kit Young, Chuku Modu, Iola Evans, Arno Lüning y Luna Mwezi.
Proyecciones Xcèntric: Nitrato lírico. Experimentos con películas de archivo
Como punto final del Encuentro sobre archivos cinematográficos, la curadora en jefe del Eye Filmmuseum, Giovanna Fossati, propone una selección de tres películas de su catálogo que exploran la dimensión estética de los procesos de degradación y descomposición de los soportes fotoquímicos.
Esta sesión presenta una selección de cine experimental proveniente de la colección del Eye Filmmuseum de Ámsterdam. Desde la oda poética al cine mudo de Lyrisch Nitraat, obra maestra del found footage, hasta las exploraciones contemporáneas de la materialidad fílmica de Liquidator y Under Saturn (Act 1), esta proyección profundiza en la reutilización del archivo y explora la visualización de la materialidad, la descomposición y la manipulación digital.
En Lyrisch Nitraat (1991), el cineasta, escritor y antiguo director adjunto del Museo de Cine holandés Peter Delpeut se basa en la colección Desmet (1907-1916) para elaborar un homenaje visualmente impresionante al cine de los orígenes. Este clásico del metraje reencontrado muestra la riqueza de la fotografía, la puesta en escena, la actuación y el color del cine mudo de la Colección Desmet, un tesoro de la Memoria del Mundo de la UNESCO.
El estudio del cineasta experimental Karel Doing sobre la película de no ficción Haarlem (1922) se desarrolla como una exploración fascinante de la materialidad del cine. Concebida durante la restauración de la película original, Liquidator (2010) es un viaje experimental a la descomposición de nitratos dentro del dominio digital.
Creada durante la residencia artística de Alexandra Navratil en el Eye Filmmuseum, Under Saturn (Act 1) (2018) explora la materialidad de las primeras películas de no ficción (1895–1935). Centro en películas industriales relacionadas con el carbón o el petróleo, junto con imágenes microscópicas de células sanguíneas y microorganismos, Navratil utiliza herramientas digitales para proporcionar una perspectiva visual y sonora muy original del material de archivo.
Lyrisch Nitraat, Peter Delpeut, Países Bajos, 1991, 35mm, 50′. Liquidator, Karel Doing, Países Bajos, 2010, digital, 8′. Under Saturn (Act 1), Alexandra Navrtil, Países Bajos, 2018, digital, 10′.
Proyección en DCP, cortesía del Eye Filmmuseum.
Fecha: 21 enero 2024
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB y Carnet Docente (educación obligatoria): gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.