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Fernando Franco, Mikel Gurrea, Pilar Palomero y Jaime Rosales competirán por la Concha de Oro en la 70ª edición del Festival de San Sebastián
También formaran parte de la Sección Oficial la proyección especial de ‘El sostre groc (El techo amarillo)’, de Isabel Coixet, y la participación fuera de concurso de la serie ‘Apagón’, dirigida por Rodrigo Sorogoyen, Raúl Arévalo, Isa Campo, Alberto Rodríguez e Isaki Lacuesta.
El Velódromo acogerá tres estrenos mundiales: ‘Rainbow’, de Paco León; ‘Sintiéndolo mucho’, de Fernando León de Aranoa, y ‘Black is Beltza II: Ainhoa’, de Fermin Muguruza.
La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha acogido hoy el anuncio de 18 títulos de producción española (quince largometrajes, dos cortos y una serie de televisión) que podrán verse en la Sección Oficial y en las secciones New Directors, Zabaltegi-Tabakalera, Perlak y Velódromo de la 70ª edición del Festival de San Sebastián, que se desarrollará entre el 16 y el 24 de septiembre.
Fernando Franco (Sevilla, 1976) regresa a la competición oficial de San Sebastián con su tercer largometraje, La consagración de la primavera, tras ser reconocido con el Premio Especial del Jurado y la Concha de Plata para la actriz Marian Álvarez por La herida (2013) y ser seleccionado como proyección especial con Morir (2017). La consagración de la primavera narra el encuentro entre una chica de 18 años (Valèria Sorolla) y un joven con parálisis cerebral (Telmo Irureta).
Suro es el debut de Mikel Gurrea (San Sebastián, 1985) en el largometraje, después de que su corto Heltzear fuera estrenado el año pasado en el Festival de Venecia y programado en Zabaltegi-Tabakalera. Protagonizado por Vicky Luengo y Pol López, que encarnan a una pareja que se muda al campo, Suro es el primer proyecto de las residencias de Ikusmira Berriak que compite por la Concha de Oro.
La maternal es la segunda película de Pilar Palomero (Zaragoza, 1980) tras obtener el Goya a la mejor película, a la mejor dirección novel y al mejor guión original por su largometraje de debut, Las niñas (Made in Spain 2020, tras su paso por Berlín y Málaga). Palomero se centra en una adolescente de 14 años (Carla Quílez) y su proceso para aprender a ser madre.
Jaime Rosales (Barcelona, 1970) también regresa a la competición oficial de San Sebastián después de que Tiro en la cabeza (2008) fuera galardonada con el Premio Fipresci y de presentar varias de sus películas en Made in Spain y en Perlak (Petra, 2018). En Girasoles silvestres Anna Castillo encarna a una madre en busca de una vida mejor.
Una producción española será una proyección especial de la Sección Oficial: El sostre groc (El techo amarillo), una no ficción dirigida por Isabel Coixet (Barcelona, 1962) en torno a los abusos sexuales cometidos en el Aula de Teatro de Lleida entre 2001 y 2008. San Sebastián fue el escenario del debut de Coixet como directora, con Demasiado viejo para morir joven (New Directors 1988).
Fuera de concurso participará la serie de Movistar Plus+ Apagón, compuesta por cinco capítulos dirigidos por Rodrigo Sorogoyen, Raúl Arévalo, Isa Campo, Alberto Rodríguez e Isaki Lacuesta, que tiene como punto de partida una tormenta solar que provoca un corte general del suministro de energía.
Además, Alberto Rodríguez presentará también en San Sebastián la película de inauguración, la ya anunciada Modelo 77.
Maria Elorza, en New Directors
La sección New Directors, dedicada a primeras y segundas películas, acogerá A los libros y a las mujeres canto, de Maria Elorza. Elorza (Vitoria-Gasteiz, 1988), cuyos primeros cortometrajes como parte del colectivo Las chicas de Pasaik, Gure Hormek (Zabaltegi-Tabakalera, 2016) y La chica de la luz (Velódromo, 2016), se estrenaron en San Sebastián, y autora también de los multipremiados cortometrajes Ancora Lucciole (2018) y Quebrantos (2020), presentará su primer largometraje en el Festival, construido en torno a un ejército anónimo y desarmado de mujeres que cuida de los libros.
Elena López Riera, Carlota Pereda, Lur Olaizola y Estibaliz Urresola, en Zabaltegi-Tabakalera
La sección Zabaltegi-Tabakalera acogerá la presentación de otro proyecto de las residencias de Ikusmira Berriak, El agua, de Elena López Riera, que fue seleccionado en la pasada Quincena de Realizadores de Cannes. Asimismo, se programará Cerdita, el debut de Carlota Pereda, que se estrenó en el Festival de Sundance. También forman parte de la sección dos cortometrajes del programa Kimuak: Hirugarren koadernoa, de Lur Olaizola, que participará fuera de concurso después de su estreno en Cinéma du Réel, y Cuerdas, de Estibaliz Urresola, que se proyectará tras su paso por la Semana de la Crítica de Cannes.
Isaki Lacuesta, Rodrigo Sorogoyen y Oriol Paulo, en Perlak
La sección Perlak acogerá Un año, una noche, de Isaki Lacuesta, que compitió en la Berlinale, y As Bestas, de Rodrigo Sorogoyen, tras su paso por el Festival de Cannes. Ambos aspiran al Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián.
Además, clausurará la sección fuera de concurso Los renglones torcidos de Dios, la adaptación de la novela homónima de Torcuato Luca de Tena, firmada por Oriol Paulo y protagonizada por Bárbara Lennie y Eduard Fernández.
Paco León, Fernando León de Aranoa y Fermin Muguruza, en el Velódromo
El Velódromo, una sala con una pantalla de 400 metros cuadrados acondicionada para casi 3.000 espectadores, acogerá los estrenos de Rainbow, la mirada de Paco León sobre el clásico El mago de Oz, con Dora Postigo, Carmen Maura y Carmen Machi; Sintiéndolo mucho, el documental de Fernando León de Aranoa sobre Joaquín Sabina, y la última película de animación de Fermin Muguruza, Black is Beltza II: Ainhoa, cuya primera parte clausuró Zinemira en 2018.
SECCIÓN OFICIAL – A competición
Girasoles silvestres / Wild Flowers
Jaime Rosales (España)
País(es) de producción: España – Francia
Intérpretes: Anna Castillo, Oriol Pla, Quim Àvila, Lluís Marquès, Manolo Solo, Carolina Yuste
Julia, una joven de 22 años y madre de dos niños, se enamora de Óscar, un chico conflictivo con el que comienza una relación. A medida que pasan tiempo juntos, Julia empezará a plantearse si Óscar es la persona que realmente necesita a su lado, lo que la llevará a iniciar un viaje personal en busca de su felicidad y la de su familia.
La Consagración de la Primavera / The Rite of Spring
Fernando Franco (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Valèria Sorolla, Telmo Irureta, Emma Suárez
Laura acaba de llegar a Madrid para estudiar en la Universidad. Una noche, por casualidad, conoce a David, un chico con parálisis cerebral. La relación con él y con su madre proporcionará a Laura el impulso necesario para superar complejos e inseguridades y encarar con confianza una nueva etapa. Una historia sobre ese momento vital en el que todo es posible y sobre cómo los encuentros más inesperados pueden ser determinantes para tu vida.
La Maternal
Pilar Palomero (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Carla Quilez, Ángela Cervantes, Jordan Angel Dumes
Carla tiene 14 años y es una joven desafiante y rebelde. Vive en un viejo restaurante de carretera en las afueras de un pueblo con su joven madre soltera mientras falta a clase y pasa las horas con su amigo Efraín. Cuando la asistenta social se da cuenta de que está embarazada de cinco meses, Carla ingresa en ‘La Maternal’, un centro para madres menores de edad donde comparte su día a día con otras jóvenes como ella. Juntas con sus bebés, se enfrentarán a este nuevo mundo de adultos para el que no les ha dado tiempo a prepararse.
Suro 
Mikel Gurrea (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Vicky Luengo, Pol López, Ilyass El Ouahdani
Ikusmira Berriak 2013
Helena e Ivan se proponen construir una nueva vida en los bosques de alcornoques, pero sus diferentes puntos de vista sobre cómo vivir en la tierra emergen, desafiando su futuro como pareja.
SECCIÓN OFICIAL – Fuera de concurso
Apagón / Offworld
Rodrigo Sorogoyen (España), Raúl Arévalo (España), Isa Campo (España), Alberto Rodríguez (España), Isaki Lacuesta (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Luis Callejo, Ainhoa Santamaría, Melina Matthews, Patricia López Arnaiz, Zoé Arnao, Miquel Fernández, Jesús Carroza, María Vázquez, Naira Lleó
Fuera de concurso
Una tormenta solar impacta en la Tierra causando un apagón generalizado. En esa nueva realidad se desarrollan cinco historias de personajes que luchan por adaptarse a un mundo sin electricidad, ni telecomunicaciones, ni medios de transporte, en el que tienen que enfrentarse a sus necesidades, instintos y miedos más básicos.
Modelo 77 / Prison 77
Alberto Rodríguez (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Miguel Herrán, Javier Gutiérrez, Jesús Carroza, Fernando Tejero, Catalina Sopelana, Xavi Sáez
Inauguración
Fuera de concurso
Cárcel Modelo. Barcelona, 1977. Manuel, un joven contable, encarcelado y pendiente de juicio por cometer un desfalco, se enfrenta a una posible pena de entre 6 y 8 años, un castigo desproporcionado para el delito cometido. Pronto, junto a su compañero de celda, Pino, se une a COPEL, un colectivo de presos que luchará por los derechos de los presos comunes y la amnistía. Se inicia una guerra por la libertad que hará tambalearse al sistema penitenciario español. Si las cosas están cambiando fuera, dentro también tendrán que hacerlo. Una historia de amistad, solidaridad y libertad, inspirada en hechos reales.
SECCIÓN OFICIAL – Proyecciones especiales
El Sostre Groc (El Techo Amarillo)
Isabel Coixet (España)
País(es) de producción: España
Proyecciones especiales
En 2018 un grupo de nueve mujeres presentaron una denuncia contra dos de sus profesores del Aula de Teatro de Lleida por abusos sexuales ocurridos entre los años 2001 y 2008, cuando eran unas adolescentes. Fue demasiado tarde. Por miedo, por vergüenza, porque tardaron mucho tiempo en entender y digerir lo que había pasado, la denuncia llegó cuando el caso ya había prescrito y se archivó. Lo que no sabían es que a pesar de que el caso había prescrito, sus testimonios estaban abriendo una puerta en la que, tal vez, no todo estaba perdido.
NEW DIRECTORS
A LOS LIBROS Y A LAS MUJERES CANTO / TO BOOKS AND WOMEN I SING
Maria Elorza (España)
País(es) de producción: España
Una mujer casi fue llamada ‘Avioneta’. Otra tuvo una biblioteca en el asiento trasero de su coche. Otra se fractura un dedo con los estantes rebeldes de su librería. Las cigarreras escuchan lecturas mientras trabajan. Las planchadoras recuerdan poemas. A todas ellas, les canto. Contra fuego, agua, polilla, polvo, ignorancia y fanatismo, un ejército anónimo de mujeres cuida de los libros. Es una resistencia íntima, sin épica, sin revolución, sin armas.
ZABALTEGI-TABAKALERA
CERDITA / PIGGY
Carlota Pereda (España)
País(es) de producción: España – Francia
Intérpretes: Laura Galán, Richard Holmes, Carmen Machi, Claudia Salas, Irene Ferreiro, Camille Aguilar, José Pastor, Pilar Castro, Julián Valcárcel, Fernando Delgado-Hierro, Chema del Barco
Durante el sofocante verano extremeño, un misterioso desconocido llega al pueblo de Sara y secuestra a las chicas que la acosan a diario. Y ella lo ha visto todo. Solo Sara puede salvar a las chicas pero, ¿debería hacerlo?
Cuerdas / Chords (Cortometraje)
Estibaliz Urresola Solaguren (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Begoña Suarez, Miguel Garcés, Xanti Aguirrezabalaga, Jone Laspiur
La coral de mujeres a la que pertenece Rita está a punto de disolverse porque han perdido la subvención municipal que les permitía mantener el local de ensayo. Ahora el grupo tiene que decidir si acepta o no el patrocinio de una de las empresas que más contamina en el valle.
El agua / The Water
Elena López Riera (España)
País(es) de producción: Suiza – Francia – España
Intérpretes: Luna Pamies, Bárbara Lennie, Nieve de Medina, Alberto Olmo, Irene Pellicer, Nayara García, Lidia María Cánovas, Pascual Valero
Ikusmira Berriak 2018
Es verano en un pequeño pueblo del sureste de España. Una tormenta amenaza con volver a desbordar el río que lo atraviesa. Una vieja creencia popular afirma que algunas mujeres están predestinadas a desaparecer con cada nueva inundación porque tienen «el agua adentro». Ana vive con su madre y con su abuela en una casa a la que el resto del pueblo mira con suspicacia. En medio de la atmósfera eléctrica que precede a la lluvia, Ana conoce a José a la vez que lucha por aventar a los fantasmas.
Hirugarren koadernoa / Third Notebook (Cortometraje)
Lur Olaizola (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Ana Torrent
Fuera de concurso
Una actriz y una cineasta ensayan un guion cinematográfico. El guion recoge fragmentos del diario que María Dolores González Katarain, Yoyes, escribió durante su exilio en México entre 1980 y 1985, tras haber abandonado ETA. A medida que el guion progresa, destellos y referencias a otras mujeres afloran entre las palabras de Yoyes: Ulrike Meinhof, Simone de Beauvoir, Rocío Díazescobar, Alexandra Kollontai, Tina Modotti. Mientras tanto, afuera oscurece.
PERLAK
Los renglones torcidos de Dios / God’s Crooked Lines
Oriol Paulo (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Bárbara Lennie, Federico Aguado, Loreto Mauleón, Eduard Fernández, Pablo Derqui, Javier Beltrán, Adelfa Calvo
Clausura fuera de concurso
Alice, investigadora privada, ingresa en un hospital psiquiátrico simulando una paranoia para recabar pruebas del caso en el que trabaja: la muerte de un interno en circunstancias poco claras. Sin embargo, la realidad a la que se enfrentará en su encierro superará sus expectativas y pondrá en duda su propia cordura. Un mundo desconocido y apasionante se mostrará ante sus ojos. El curso que tomarán los acontecimientos la hará pasar de detective a sospechosa en un juego de pistas maestro, en el que nada es lo que parece.
As bestas / The Beasts
Rodrigo Sorogoyen (España)
País(es) de producción: España – Francia
Intérpretes: Denis Ménochet, Marina Foïs, Luis Zahera, Diego Anido, Marie Colomb
Antoine y Olga son una pareja francesa que se instaló hace tiempo en una aldea del interior de Galicia. Allí llevan una vida tranquila, aunque su convivencia con los lugareños no es tan idílica como desearían. Un conflicto con sus vecinos, los hermanos Anta, hará que la tensión crezca en la aldea hasta alcanzar un punto de no retorno.
Un año, una noche / One Year, One Night
Isaki Lacuesta (España)
País(es) de producción: España – Francia
Intérpretes: Nahuel Pérez Biscayart, Noémie Merlant, Quim Gutiérrez, Alba Guilera, Natalia de Molina, C. Tangana
Ramón y Céline son una joven pareja que se encuentra en el local Bataclan de París la noche del 13 de noviembre de 2015. Durante el asalto terrorista, ambos logran, cada uno por su lado, entrar en el camerino de los músicos y refugiarse allí. Al salir ya no son los mismos. Y no saben si podrán volver a serlo…
VELÓDROMO
Black is Beltza II: Ainhoa
Fermin Muguruza (España)
País(es) de producción: España
Ainhoa nace de milagro en La Paz (Bolivia) tras la muerte, en atentado parapolicial, de su madre Amanda. Crece en Cuba y en 1988, a los 21 años, viaja al País Vasco para conocer la tierra de su padre Manex. En pleno conflicto represivo, conoce a Josune, una periodista comprometida, y su cuadrilla de amigas y amigos. Cuando uno de estos muere por sobredosis de heroína, Ainhoa y Josune parten en un viaje iniciático que las llevará por el Líbano, Afganistán y la ciudad de Marsella. Son los últimos años de la Guerra Fría y ambas se adentrarán en el oscuro mundo de las redes de narcotráfico y sus estrechos vínculos con las tramas políticas.
Rainbow
Paco León (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Dora Postigo, Carmen Maura, Carmen Machi, Luis Bermejo, Ayax Pedrosa, Wekaforé Jibril
Dora es una adolescente con un talento extraordinario para la música y una energía interior difícil de contener. Tras una fuerte discusión con su padre el día de su cumpleaños, Dora se marcha de casa en compañía de su perro Totó y comienza un viaje en busca de su madre, a la que no ha conocido porque desapareció cuando ella era un bebé. Por el camino va haciendo nuevos amigos con los que se embarca en un road trip rumbo a Ciudad Capital, pero también se enfrenta a peligrosos enemigos que tratan de impedir por todos los medios que descubra el misterio de su pasado. Pero la vitalidad y la magia de Dora le ayudan a llegar al final de su viaje, que es el principio de otro.
SINTIÉNDOLO MUCHO / FEELING IT
FERNANDO LEÓN DE ARANOA (España)
País(es) de producción: España – México
Retrato de Joaquín Sabina sin bombín, hecho a muy pocos centímetros de su piel, con nocturnidad y alevosía, por su amigo, el cineasta Fernando León de Aranoa. Un relato como su voz, áspero, directo y sin ecualizar, que cuenta sin atenuantes la intimidad del artista, sus bambalinas, su cara B. Que comienza cuando baja del escenario, que le acompaña en lo cotidiano, y así en lo inesperado: en la risa y en el drama. Sintiéndolo mucho es el resultado de trece años de rodaje juntos, y recorre todos los escenarios de Joaquín Sabina, públicos y privados, luminosos y ocultos. Un paseo por las claves de su vida y de su trabajo: por lo que le mueve, por lo que le inspira, por lo que le duele, desarrollado siempre a partir de situaciones vivas, compartidas, entre músico y cineasta.
El origen del mal, tráiler de «Orphan: First Kill»
Trece años después de aquella efectiva película de terror de Jaume Collet-Serra titulada Orphan nos llega un primer avance vía Paramount Pictures de su precuela Orphan: First Kill, film cuyo tráiler oficial podéis ver a final de página junto a su póster. La película, dirigida por William Brent Bell Devil Inside (2012) Wer (2013) o The Boy (2016), vuelve a contar como protagonista principal con Isabelle Fuhrman teniendo previsto un estreno en cines y VOD de Estados Unidos para el próximo 19 de agosto, un mes antes que a las carteleras españolas, el 16 de septiembre, que nos llegará de la mano de Diamond Films.
Orphan: First Kill nos narra la historia de Lena, que consigue escapar del psiquiátrico ruso en el que está recluida y viaja a EEUU haciéndose pasar por la hija desaparecida de una familia adinerada. Pero su nueva vida como Esther no será como ella esperaba, y se enfrentará a una madre que protegerá a su familia a cualquier precio del peligro que supone Lena.
La película con guion a cargo de David Coggeshall está protagonizada por Julia Stiles, Isabelle Fuhrman, Rossif Sutherland, Hiro Kanagawa, Stephanie Sy, Jade Michael, Andrea del Campo, Lauren Cochrane, Erik Athavale, Matthew Finlan, Sarah Luby, Kennedy Irwin, Kristen Sawatzky, Alicia Johnston, Bradley Sawatzky, Sadie Lee, Alec Carlos, Gwendolyn Collins y Parker Bohotchuk.
Programación online del Atlàntida Film Fest 2022
«After Blue», de Bertrand Mandico.
En su duodécima edición, que se celebrará entre el 24 de julio y el 24 de agosto, la programación online del festival de Filmin presenta más de 100 títulos.
Después de dar a conocer, la semana pasada, la programación de la edición en Palma de su festival de cine, Filmin presenta hoy su edición online, que se celebrará en la plataforma entre el 24 de julio y el 24 de agosto. Atlàntida Film Fest 2022 ofrecerá a lo largo del mes más de 100 títulos sin estreno comercial en nuestro país, que incluyen 48 estrenos absolutos en España. Una vez más, Europa -su identidad, sus gentes, sus problemas y sus retos de futuro- será el eje principal que articulará las diferentes películas del festival.
UNA NUEVA SECCIÓN OFICIAL
La gran novedad de la presente edición es que por primera vez Atlàntida Film Fest incluirá una Sección Oficial a competición, dotada con un premio de 10.000 euros a la distribución, y que tiene como leit motiv los dilemas y conflictos a los que deben hacer frente las nuevas generaciones. 13 serán los largometrajes a concurso: el debut en la dirección del conocido actor barcelonés Francesc Cuéllar, con el drama metacinematográfico «Jusqu’ici, tout va»; el vibrante thriller psicológico «Heartbeast», debut de la finlandesa Aino Suni; el thriller histórico «Bruno Reidal, confesión de un asesino», de Vincent Le Port; la última ganadora del Premio César a la Mejor Ópera Prima, «Magnetic Beats», de Vincent Maël Cardona, y «Softie», de Samuel Theis, ganadora de la úlitma edición del D’A Film Fest. A ellas se suman la italiana «Una femmina, código de silencio», de Francesco Costabile; la suiza «Soul of a Beast», de Lorenz Merz, doblemente premiada al Festival de Locarno; la ucraniana «Rhino», de Oleg Sentsov; la polaca «Other People», de Aleksandra Terpinska; la franco-kosovar «La colina donde rugen las leonas», de Luàna Bajrami, el frenético thriller «Runner», de Andrius Blazevicius o la aclamada «Farha», en la que somos testigos de la Guerra entre Israel y Palestina a través de los ojos de una adolescente. La sección oficial a competición la completa una película de animación que viene de conquistar Cannes y Annecy, «Los secretos de mí padre» de Vera Belmont y Xavier Picard. Estas películas optarán al premio de la sección que otorgará un jurado compuesto por Leticia Dolera, Eneko Sagardoy, Nacho Vigalondo y los jóvenes estudiantes Mateu Bibiloni, Paula Martín y Sophi Burgüer. Además entre estos títulos se fallará también el Premio del Público, que deciden los espectadores de Filmin con sus votos en la plataforma, y el Premio de la Crítica, organizado en colaboración con la Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC).
FUENTE INAGOTABLE DE PROPUESTAS
El resto de la programación se divide en 10 secciones temáticas que vertebran el festival. En Atlàntida Literary, por ejemplo, resuenan los nombres de Patricia Highsmith, protagonista del documental «Amando a Highsmith»; Milan Kundera, objeto de estudio en «Kundera: De la broma a la insignificancia»; Marguerite Duras, objeto de deseo de «Quiero hablar sobre Duras», la última película de Claire Simon; o Marcel Proust, autor de la obra de teatro que ensayan los actores de «Guermantes», de Christophe Honoré, antes de que el Covid-19 les obligue a cambiar de planes.
En Atlàntida Premiere recuperamos algunos de los grandes títulos del cine de autor de la temporada, avalados por su paso previo por algunos de los mayores festivales del mundo. Encontramos obras como «After Blue», la última alucinación del singular Bertrand Mandico, autor de la película de culto «The Wild Boys»; «Atlantide», de Yuri Ascarani, fascinante retrato generacional de los jóvenes que pululan por los canales de Venecia con sus flamantes lanchas; «Earwig», la última obra de la reina del cine fantástico europeo, Lucile Hadzihalilovic, Premio Especial del Jurado en el último Festival de San Sebastián; la durísima «Animals» de Nabil Ben Yadir, sobre el primer crimen homófobo registrado jurídicamente en Bélgica; o «Kung Fu Zohra», de Mabrouk El Mechri («JCVD»), que responde con humor y artes marciales a la violencia machista.
«Kung Fu Zohra», de Mabrouk El Mechri.
De la sección Domestic, centrada en títulos que reflexionan sobre el impacto de la sociedad y el sistema en la vida íntima de las personas, destacan la película basada en hechos reales «A Change of Heart», sobre el romance inesperado entre una mujer próxima a la extrema derecha francesa y un inmigrante iraní; «America Latina», de los hermanos D’Innocenzo, controvertida pelicula que compitió en Sección Oficial en el Festival de Venecia; «Brighton 4th», gran triunfadora, con tres premios, en el Festival de Tribeca; o «Rose», drama sobre la vejez protagonizado por Françoise Fabian, la actriz de «Mi noche con Maud» (Eric Rohmer, 1969).
Las nuevas generaciones son de nuevo protagonistas de la sección Fábulas generacionales y sus realidades, donde destacan «Pequeño cuerpo», la mejor ópera prima del año en Italia, dirigida por Laura Samani; «Hacia mi nombre», documental sobre la transexualidad masculina producido por Elliot Page; «Una revolución pornográfica», sobre una productora suiza de cine porno feminista; o las películas españolas «Fail Better», «La amiga de mi amiga», «Miss Futuro», «Tener tiempo», «Valldaura: A Quarentine Cabin» y el corto «Matar a la madre». Además, el festival recupera en versión remasterizada una de las películas europeas clave de la década de los 80: «Yo, Cristina F.», oscura mirada al mundo de la heroína en el Berlín de los años 70 dirigida por Uli Edel.
«Pequeño cuerpo», de Laura Samani.
El cineasta ucraniano Sergei Loznitsa será uno de los protagonistas de la duodécima edición de Atlàntida Film Fest. El festival le dedica una retrospectiva que incluye once de sus títulos, entre ellos el documental «Mr. Landsbergis», que es además una de las propuestas más interesantes de la sección Memoria histórica. En ella encontramos nombres como los de Kornél Mundruczó, autor de «Evolution», obra casi experimental sobre las heridas de la II Guerra Mundial en el interior de Europa; Carolina Astudillo, directora de «Canción a una dama en la sombra», drama epistolar sobre el bando republicano en la Guerra Civil; Tomasz Wolski, quien en «1970» mezcla archivo y animación con marionetas para recrear la violenta respuesta del gobierno de su país a una manifestación; o Dziga Vertov, uno de los padres del cine soviético, de quien se rescatan en edición remasterizada dos películas.
En la sección Controversia, que incluye títulos llamados a generar debate, encontramos «Copilot», sobre la vida previa a los atentados de uno de los terroristas responsables del 11-S; «Our Men», con Louise Garrel como protagonista, drama que refleja cómo es la vida de las esposas de los legionarios en los campamentos militares; «Tralala», musical de los hermanos Larrieu protagonizado por Mathieu Amalric; o la sátira excéntrica «Bloody Oranges», de Jean-Cristophe Meurisse.
La ganadora del Festival de Karlovy Vary, «As Far As I Can Walk», es una de las propuestas destacadas de la sección Conflictos del siglo XXI, donde los espectadores podrán descubrir también el Mejor Documental del último Festival de Berlín, «Diarios de Myanmar». La crisis de los refugiados, la guerra de Ucrania o el conflicto entre Israel y Palestina son otros de los grandes temas que abordan las películas de esta sección.
Finalmente, el mejor cine balear de la temporada se dará cita en la sección Balearics.
Todas las películas de Atlàntida Film Fest estarán disponibles en Filmin del 24 de julio al 24 de agosto sin coste añadido para los suscriptores.
Esta es la programación completa de la edición online de Atlàntida Film Fest 2022:
SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN
“Heartbeast”, de Aino Suni (Alemania, Finlandia, Francia, 2022)
“Una femmina: código de silencio”, de Francesco Costabile (Italia, 2022)
“Magnetic Beats”, de Vincent Maël Cardona (Francia, 2021)
“Farha”, de Darin J. Sallam (Jordania, 2022)
“Rhino”, de Oleg Sentsov (Ucrania, 2021)
“Jusqu’ici tout va”, de Francesc Cuéllar (España, 2022)
“Soulf of a Beast”, de Lorenz Merz (Suiza, 2021)
“Runner”, de Andrius Blazevicius (Lituania, 2021)
“Softie”, de Samuel Theis (Francia, 2021)
“Bruno Reidal: Confesión de un asesino”, de Vincent Le Port (Francia, 2021)
“Other People”, de Aleksandra Terpinska (Polonia, 2021)
“Las colinas donde rugen las leonas”, de Luàna Bajrami (Francia, 2021)
“Los secretos de mi padre”, de Vera Belmont y Xavier Picard (Francia, Bélgica, 2020)
ATLÀNTIDA PREMIERE
“Animals”, de Nabil Ben Yadir (Bélgica, Francia, 2021)
“Earwig”, de Lucile Hadzihalilovic (Reino Unido, Francia, Bélgica, 2021)
“The Score”, de Malachi Smyth (Reino Unido, 2022)
“Kung Fu Zohra”, de Mabrouk El Mechri (Francia, 2022)
“Cop Secret”, de Hannes Þór Halldórsson (Islandia, 2021)
“She Will”, de Charlotte Colbert (Reino Unido, 2021)
“After Blue”, de Bertrand Mandico (Francia, 2021)
“Atlantide”, de Yuri Ancarani (Italia, Francia, Estados Unidos, Qatar, 2021)
“99 Moons”, de Jan Gassmann (Suiza, 2022)
“Girl Picture”, de Alli Haapasalo (Finlandia, 2022)
ATLÀNTIDA LITERARY
“Amando a Highsmith”, de Eva Vitija-Scheidegger (Suiza, Alemania, 2022)
“Quiero hablar sobre Duras”, de Claire Simon (Francia, 2021)
“Kundera: De la broma a la insignificancia, de Milos Smídmajer (Rep. Checa, 2021)
“Los Emigrantes”, de Erik Poppe (Suecia, Nueva Zelanda, Dinamarca, Noruega, 2021)
“Guermantes” de Christophe Honoré (Francia, 2021)
“La fiebre de Petrov”, de Kirill Serebrennikov (Rusia, Francia, Suiza, Alemania, 2021)
“The Timekeepers of Eternity”, de Aristotelis Maragkos (Grecia, Reino Unido, 2021)
DOMESTIC
“A Change Of Heart”, de Jérémie Elkaïm (Francia, 2021)
“América Latina”, de Damiano y Fabio D’Innocenzo (Italia, Francia, 2021)
“Rose”, de Aurélie Saada (Francia, 2021)
“El paraíso del pavo real”, de Laura Bispuri (Italia, Alemania, 2021)
“The Dawn”, de Dalibor Matanic (Croacia, 2021)
“Inventory”, de Darko Sinko (Eslovenia, 2021)
“Brighton 4th”, de Levan Koguashvili (Georgia, Rusia, 2021)
“La vida me sienta bien”, de Al Hadi Ulad-Mohand (Marruecos, Francia, 2021)
“Cinema Sabaya”, de Orit Fouks Rotem (Israel, 2021)
“Marina y Ulay: Sin final previsto”, de Kasper Bech Dyg (Dinamarca, 2021)
“Passion”, de Maja Borg (Suecia, España, 2021)
FÁBULAS GENERACIONALES Y SUS REALIDADES
“Pequeño cuerpo”, de Laura Samani (Italia, Francia, Eslovenia, 2021)
“Theo y las metamorfosis”, de Damien Odoul (Francia, Suiza, 2021)
“Miss Osaka”, de Daniel Dencik (Dinamarca, Noruega, Japón, 2021)
“Miss Futuro”, de Antonio Morales (España, 2021)
“Brotherhood”, de Francesco Montagner (Italia, Rep. Checa, 2021)
“Just Animals”, de Saila Kivelä y Vesa Kuosmanen (Finlandia, 2022)
“Hacia mi nombre”, de Bassetti Nicolò (Italia, 2022)
“Una revolución pornográfica”, de Patrick Muroni (Suiza, 2022)
“Fail Better”, de Eva Garrido (España, 2022)
«La amiga de mi amiga» (Zaida Carmona, 2022)
“Futura”, de Pietro Marcello, Francesco Munzi y Alice Rohrwacher (Italia, 2021)
“Tener tiempo”, de Mario Alejandro Arias, Gabriela Alonso Martínez y Nicolás Martin Ruiz (España, 2021)
“Valldaura: A Quarentine Cabin”, de Manuel Logar (España, 2022)
“Yo, Cristina F.”, de Uli Edel (RFA, 1981)
«Matar a la madre» (Corto), de Omar Ayuso (España, 2022)
MEMORIA HISTÓRICA
“Evolution”, de Kornél Mundruczó (Hungría, 2021)
“Broken Keys”, de Jimmy Keyrouz (Líbano, Francia, Estados Unidos, Chipre, 2021)
“El tesoro de su juventud”, de Bruce Weber (Estados Unidos, 2021)
“La travesía”, de Florence Miailhe (Francia, Rep. Checa, Alemania)
“Canción a una dama en la sombra”, de Carolina Astudillo (España, 2021)
“Mr. Landsbergis”, de Sergei Loznitsa (Lituania, Holanda, 2021)
“1970”, de Tomasz Wolski (Polonia, 2021)
“The History of the Civil War”, de Dziga Vertov y Nikolai Izvolov (URSS, 1922)
“Anniversary of the Revolution”, de Dziga Vertov (URSS, 1918)
CONTROVERSIA
“Our Men”, de Rachel Lang (Bélgica, Francia, 2021)
“Copilot”, de Anne Zohra Berrached (Alemania, Francia, 2021)
“Un policía desaparece”, de Frédéric Videau (Francia, 2022)
“The Staff Room”, de Sonja Tarokic (Croacia, 2021)
“Tralala”, de Arnaud y Jean Marie Larrieu (Francia, 2021)
“Milagro”, de Bogdan George Apetri (Rumanía, Rep. Checa, Letonia, 2021)
“Bloody Oranges”, de Jean-Christophe Meurisse (Francia, 2021)
CONFLICTOS DEL SIGLO XXI
“Diarios de Myanmar”, de The Myanmar Film Collective (Myanmar – Birmania, 2022)
“Honorable Men”, de Roni Aboulafia (Israel, 2020)
“Trincheras”, de Loup Bureau (Francia, 2021)
“The First 54 Years”, de Avi Mograbi (Israel, Francia, Finlandia, Alemania, 2021)
“La lluvia incesante”, de Alina Gorlova (Ucrania, 2020)
“The Devil’s Drivers”, de Daniel Carsenty y Mohammed Abugeth (Francia, Alemania, Líban, Palestina, Qatar, Israel, 2021)
“Europa”, de Haider Rashid (Irak, Italia, Kuwait, 2021)
“Europe”, de Philip Scheffner (Alemania, 2022)
“La Guerra de Miguel”, de Eliane Raheb (Líbano, Alemania, España, 2021)
“As Far As I Can Walk”, de Stefan Arsenijevic (Serbia, Francia, Luxemburgo, Bulgaria, Lituania, 2021)
“Fear”, de Ivaylo Hristov (Bulgaria, 2020)
“Tropic of Violence”, de Manuel Schapira (Francia, 2022)
BALEARICS
“Álbum Pere Joan”, de Emili Manzao y Claire Roquigny (España, 2022)
“Pedra i oli”, de Àlex Dioscórides (España, 2022)
“Petricor”, de Victoria Morell (España, 2022)
“Margalida”, de Constança Amengual y Francesca Mas (España, 2022)
“Gota entre gotas”, de Jaume Rodríguez (España, 2022)
“Si Talía fuera ciega”, de Antonio Gil Aparicio (España, 2021)
“Judit” (Cortometraje), de Ana Gago (España, 2022)
“Vacua” (C), de Margalida Adrover (España, 2022)
“Pedis Possessió” (C), de Aina Climent (España, 2021)
“Pregunta” (C), de Toni Sastre y Biel Jordà (España, 2022)
“El nido” (C), de David Ordinas (Espala, 2022)
FOCO SERGEI LOZNITSA
“Blokada” (2006)
“My Joy” (2010)
“Maidan” (2014)
“El último imperio” (2015)
“Austerlitz” (2016)
“Donbass” (2018)
“The Trial” (2018)
“Victory Day” (2018)
“State Funeral” (2019)
“Babi Yar. Context” (2021)
“Mr. Landsbergis” (2021)
Fiesta sangrienta, tráiler de «Bodies Bodies Bodies»
Dentro del cada vez más extenso catálogo de producciones de género fantástico por parte de la productora A24 nos llega el tráiler final, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la comedia de terror Bodies Bodies Bodies, segundo trabajo detrás de las cámaras tras Instinct (2019) de la actriz Halina Reijn que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 5 de agosto.
En Bodies Bodies Bodies vemos como un grupo de veinteañeros adinerados planea una fiesta privada en una remota mansión familiar, un juego que se vuelve paulatinamente más peligroso en relación a una historia plagada de puñaladas por la espalda, falsos amigos y una velada que termina saliendo francamente mal.
La película con guion a cargo de Sarah DeLappe está protagonizada por Lee Pace, Amandla Stenberg, Pete Davidson, Maria Bakalova, Rachel Sennott, Conner O’Malley, Myha’la Herrold y Chase Sui Wonders.
«Sala:B» y Juan Antonio Bardem
El ciclo dedicado a Juan Antonio Bardem por el centenario de su nacimiento inspira este programa doble de rabioso cine de culto.
Podría parecer anecdótico y casual, pero estas dos películas en las que interviene Juan Antonio Bardem de manera muy lateral son consideradas hoy en día dos de las cult-movies españolas con mayor prestigio autoral, junto a títulos de la altura de La novia ensangrentada, de Vicente Aranda, o ¿Quién puede matar a un niño?, de Chicho Ibáñez Serrador. La primera, La campana del infierno, es una ambigua exploración sobre la locura y la represión en los pueblos que difícilmente encaja en ninguno de los géneros con que coquetea: fantaterror, slasher, giallo, comedia negra, spanish gothic, arte y ensayo…
En realidad la película de Guerín Hill parece divertirse amagando y cambiando de dirección constantemente como su incipiente carrera, que oscilaba entre el debut con Querejeta y Erice, adaptaciones para televisión de Beckett, Goethe y Strindberg o melodramas turbios con actrices de moda. Desde luego no ayuda que Guerín no pudiera acabar ni montar esta película, falleciendo trágicamente al caer del campanario al final del rodaje.
Bardem rodó la escena que faltaba y la montadora Magdalena Pulido hizo lo que pudo con el guion de Santiago Moncada y lo que mandaran los productores. Lo que nos ha llegado no es poco, una película fiel reflejo de su tiempo y de sus malditas circunstancias, tan
fascinante como inaprensible.
El perro parece una película de aventuras de supervivencia hasta que se convierte en un thriller político con claras alusiones a la recién desaparecida dictadura franquista. Antonio Isasi y su guionista Juan Antonio Porto adaptaban un best seller de Alberto Vázquez-Figueroa, llevando sus mimbres de novela de acción, la persecución entre un perro y un hombre, a los terrenos de la crítica sociopolítica. A pesar de ser un éxito de taquilla en su época, con una gran campaña alrededor de su protagonista Jason Miller (El exorcista), hoy permanece como una película de culto áspera y poco amistosa. En este caso, Bardem hace un papel secundario como líder clandestino, en un reparto lleno de iconos: Marisa Paredes, Aldo Sambrell, Miguel Rellán…
Una sesión doble que demuestra que el cine de género y el cine de autor pudieron convivir en su día sin traicionarse ni rebajarse el uno al otro». (Álex Mendíbil).
La campana del infierno (Claudio Guerín, 1973). Int.:
Renaud Verley, Viveca Lindfors, Alfredo Mayo, Maribel
Martín. España. DCP. VOSE*. Color. 91’
El perro (Antonio Isasi-Isasmendi, 1977). Int.: Jason
Miller, Lea Massari, Aldo Sambrell, Juan Antonio Bardem.
España. 35 mm. Color. 114’
Presentación a cargo de Javier Memba, periodista y autor de El cine negro español. Del Spanish noir al policiaco actual (Ediciones JC, 2020), y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración total aproximada de la sesión:230
Primer tráiler para lo nuevo de Louis Garrel «L’innocent»
Después de estrenar tan solo hace unos meses en nuestro país su particular mirada ecologista con La croisade (critica aquí) Louis Garrel tiene ya listo el que será su cuarto trabajo tras las cámaras titulado L’innocent, película cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. El film, en donde el responsable de L’homme fidèle vuelve a indagar al igual que en anteriores películas suyas en la comedia romántica, tras su paso por el pasado Festival de Cannes se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo otoño de la mano de BTeam.
En L’innocent vemos cuando Abel descubre que su madre, Sylvie, que ronda los sesenta años, está a punto de casarse con un hombre en la cárcel, entra en pánico. Respaldado por Clémence, su mejor amiga, hará todo lo posible para intentar protegerla. Pero su encuentro con Michel, su nuevo padrastro, podría ofrecer a Abel nuevas perspectiva
La película con guion a cargo del propio Louis Garrel junto a Tanguy Viel y Naïla Guiguet está protagonizada por Louis Garrel, Roschdy Zem, Anouk Grinberg, Manda Touré, Léa Wiazemsky, Jean-Claude Pautot, Yanisse Kebbab y Florent Masarin.
https://youtu.be/6wl4B5lJgBM
Lo que nunca volverá. La infancia en el cine
Desde los inicios del cine, la representación de la infancia en las películas siempre ha sido diversa, rica y con infinitos matices desde un punto de vista expresivo. De hecho, la relación entre los niños y la cámara, ya no solo por la fotogenia o la presteza comunicativa de los pequeños, sino por las decisiones que marcan el proceso creativo de los directores, nos lleva a considerar que la niñez en el cine se caracteriza por una singularidad que va más allá de un tema o un género. En “Lo que nunca volverá”, una veintena de autores indaga en esta posibilidad analizando distintas obras cinematográficas donde, entre otras cosas, se refleja una confrontación (que provoca extrañeza, trauma, descubrimiento…) entre dos mundos diferentes que existen simultáneamente: el infantil y el adulto. Con una reflexión que abarca clásicos indiscutibles (“Los cuatrocientos golpes”, “La infancia de Iván”, “El espíritu de la colmena”,”E.T, el extraterrestre”…) y filmes poco conocidos para el gran público (“Los niños nos miran”, “Viento en las velas”, “Dos por el precio de una”…), este ensayo colectivo deja ver aspectos reveladores sobre esta etapa de crecimiento y cambio. Además, las películas permiten un original recorrido de cómo se ha tratado la infancia desde el cine mudo hasta la actualidad, y por diferentes puntos del mapa, pasando al mismo tiempo por una estimulante y original selección de cortometrajes. Esta obra espolea la imaginación y pretende recuperar la mirada infantil de unos lectores que quizás hace tiempo dejaron de ser niños, pero con muchas ganas aún de recuperar ese espíritu infantil que hace observar el mundo de una manera especial.
Autor; Prólogo de Javier González de Dios y textos de Santiago Alonso, Ana I. Álvarez García, Cristina Aparicio, Anaís Berdié, Jesús Cuellar Menezo, Miguel Martorell, Mireia Mullor Vicedo, Diego Olmedo, David G. Panadero, Yago Paris, Laura Pavón Aramburú, Daniel Pérez Pamies, Álvaro Peña, Ignacio Pablo Rico Guastavino, Juanma Ruiz, Isabel Sánchez, Diego Salgado, Marian Salgado y Snuff. Editorial: Colección: Cineclub Applehead. Páginas: 422
«Modelo 77» de Alberto Rodríguez, inaugurará la 70ª edición del Festival de San Sebastián
Protagonizada por Miguel Herrán y Javier Gutiérrez, entre otros intérpretes, la película se proyectará fuera de concurso el día 16 de septiembre.
El nuevo largometraje del cineasta sevillano Alberto Rodríguez, Modelo 77, inaugurará fuera de concurso la 70ª edición del Festival de San Sebastián. Se trata de un thriller ambientado en la España de la Transición política y protagonizado por Miguel Herrán y Javier Gutiérrez, entre otros intérpretes. El filme, la quinta participación de su director en la Sección Oficial, se proyectará tras la gala de inauguración que el Auditorio Kursaal acogerá el 16 de septiembre.
Inspirada en hechos reales, la película es una historia de amistad, solidaridad y libertad. La acción comienza en la cárcel Modelo de Barcelona, donde Manuel (Miguel Herrán), un joven contable a la espera de juicio por desfalco, se enfrenta a una pena de entre 6 y 8 años, un castigo desproporcionado para el delito cometido. Junto a Pino (Javier Gutiérrez), su compañero de celda, se une a un grupo de presos comunes que lucha por sus derechos y por la amnistía en los albores de la democracia en España tras 40 años de dictadura.
Alberto Rodríguez (Sevilla, 1971) debutó con El factor Pilgrim (2000), largometraje codirigido junto a Santi Amodeo con el que visitó el Festival de San Sebastián por primera vez y ganó una mención especial en New Directors. Con El traje / The Suit (2002) repitió, ya en solitario, en el mismo apartado y su debut en la Sección Oficial fue 7 vírgenes / 7 virgins (2005), con la que el actor Juan José Ballesta obtuvo la Concha de Plata al mejor actor. Le siguieron After (2009), nominada a tres premios Goya, y Grupo 7 / Unit 7 (2012), proyectada en Made in Spain y candidata al Goya en 16 categorías.
El director regresó a la competición oficial de San Sebastián con La isla mínima / Marshland (2014), que antes de alzarse con 10 premios Goya obtuvo la Concha de Plata al mejor actor para Javier Gutiérrez y el Premio del Jurado a la mejor fotografía para Álex Catalán. Después volvió a concursar con El hombre de las mil caras / Smoke and Mirrors (2016), que brindó a Eduard Fernández la Concha de Plata, y presentó la serie La peste / The Plague (2017) en la Sección Oficial fuera de concurso.
Modelo 77 / Prison 77
Alberto Rodríguez (España)
País(es) de producción: España
Intérpretes: Miguel Herrán, Javier Gutiérrez, Jesús Carroza, Fernando Tejero, Catalina Sopelana, Xavi Sáez
Inauguración
Fuera de concurso
Cárcel Modelo. Barcelona, 1977. Manuel, un joven contable, encarcelado y pendiente de juicio por cometer un desfalco, se enfrenta a una posible pena de entre 6 y 8 años, un castigo desproporcionado para el delito cometido. Pronto, junto a su compañero de celda, Pino, se une a COPEL, un colectivo de presos que luchará por los derechos de los presos comunes y la amnistía. Se inicia una guerra por la libertad que hará tambalearse al sistema penitenciario español. Si las cosas están cambiando fuera, dentro también tendrán que hacerlo. Una historia de amistad, solidaridad y libertad, inspirada en hechos reales.
Una noche en urgencias, tráiler de «La fracture»
No es la primera vez que la veterana cineasta francesa Catherine Corsini se adentra en melodramas que parecen situarse en mayor o menor medida a través de problemáticas de índole social, tras el drama de época Un amour impossible (20189 nos llega La fracture, film cuyo primer tráiler en castellano acaba de ver la luz de la mano de La Aventura y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película tras estar presente en 2021 en el Festival de Cannes y conseguir el premio a la mejor actriz secundaria para Aissatou Diallo Sagna en la pasada edición de los Premios César se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 29 de julio.
En La fracture vemos como Raf y Julie, una pareja a punto de romper, se encuentran en Urgencias al borde de la asfixia la noche de una manifestación parisina de los «chalecos amarillos». Su encuentro con Yann un manifestante herido y en cólera, hará que sus certezas y prejuicios vuelen en mil pedazos. Fuera, la tensión continúa creciendo. El hospital, bajo presión, debe cerrar sus puertas. El personal está desbordado. La noche se prevé que va a ser larga.
La película con guion a cargo de la propia Catherine Corsini junto a Agnès Feuvre y Laurette Polmanss está protagonizada por Valeria Bruni Tedeschi, Marina Foïs, Pio Marmai, Aïssatou Dialo-Sagna, Jean-Louis Coullo’ch, Camille Sansterre, Marin Laurens, Caroline Estremo, Ferdinand Perez, Clément Cholet, Ramzi Choukair y Norman Lasker.
Filmoteca Española incorpora a sus fondos el legado documental de Emilio Ruiz del Río y Félix Murcia
Fotografías para el estudio del estanque de El perro del hortelano (Pilar Miró, 1996)
Los archivos incluyen una gran variedad de materiales que van desde maquetas y dibujos hasta guiones asociados a proyectos tanto realizados como irrealizados
Filmoteca Española incorpora a sus fondos cinematográficos los archivos de dos nombres fundamentales del cine español e internacional: el artista de efectos especiales y visuales Emilio Ruiz del Río (Madrid, 1923-2007), y el director artístico Félix Murcia (Aranda del Duero, 1945- ). En ambos casos se trata de una donación realizada por la familia, en el primer caso, y por el propio director, en el segundo. Con esta adquisición Filmoteca Española amplía sus fondos personales, entre los que ya se encontraban los de personalidades como Teresa Font, Juan Antonio Bardem, Ana Mariscal o Luis Buñuel.
Emilio Ruiz del Río
Emilio Ruiz del Río desarrolló su carrera profesional junto a cineastas de la talla de Florián Rey, Rafael Gil, José Luis Borau, David Lean, Nicholas Ray, John Milius, David Lynch, Álex de la Iglesia o Guillermo del Toro, entre otros muchos. Su trabajo le valió tres premios Goya a mejores efectos especiales por Acción mutante (Álex de la Iglesia, 1993), Nadie conoce a nadie (Mateo Gil, 1999) y El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006).
Su archivo incluye dibujos, fotos, maquetas y documentación asociada a múltiples películas como, además de las ya mencionadas, Conan el bárbaro (John Milius, 1982), El embrujo de Shanghái (Fernando Trueba, 2002) o El puente de San Luis Rey (Mary McGuckian, 2004); además de series de televisión como Fortunata y Jacinta (Mario Camus, 1980).
Félix Murcia
Por su parte, Félix Murcia ha sido responsable de la ambientación y decoración de numerosas películas. Ha obtenido, entre otros reconocimientos, el Premio Nacional de Cinematografía de 1999 o el Goya al Mejor Dirección Artística hasta en cinco ocasiones por películas como Dragon Rapide (1987), El rey pasmado (1992) y El perro del hortelano (1997).
Su archivo cuenta con dibujos, fotografías, guiones, planos, storyboards y documentación de trabajos como Los señores del acero (Paul Verhoeven, 1985), Días contados (Imanol Uribe, 1994), Fortunata y Jacinta (Mario Camus, 1980), El perro del hortelano (Pilar Miró, 1996), El bosque animado (José Luis Cuerda, 1987) o Mujeres al borde de un ataque de nervios (Pedro Almodóvar, 1988).
Dibujo de maqueta para Conan, el bárbaro (John Milius, 1982)
La familia vampírica, tráiler español para «La invitación»
Será una de las películas de género fantástico que este verano lleguen a nuestra cartelera, la cinta vampírica La invitación, cuyo tráiler en español acaba de ver la luz de la mano de Sony Pictures y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se estrenara en cines de nuestro país el próximo 26 de agosto. La película cuenta tras las cámaras con la realizadora australiana Jessica M. Thompson (The Light of the Moon 2017).
La invitación nos narra cómo tras la muerte de su madre y quedarse sin parientes conocidos, Evie se hace un test de ADN y descubre a un primo lejano que nunca supo que tuvo. Al ser invitada por su recién encontrada nueva familia a una fastuosa boda en la campiña inglesa, se verá pronto seducida por el sexy aristócrata anfitrión, pero acabará envuelta en una pesadilla de supervivencia al destapar los retorcidos secretos en la historia de su familia y las inconfesables intenciones que se esconden detrás de su pecaminosa generosidad.
La película con guion a cargo de la propia Jessica M. Thompson junto a Blair Butler está protagonizada por Nathalie Emmanuel, Stephanie Corneliussen, Thomas Doherty, Sean Pertwee, Hugh Skinner, Alana Boden y Courtney Taylor.
El Festival de San Sebastián inaugura en Tabakalera su gran exposición del 70 aniversario
Hasta el 24 de septiembre se puede visitar ‘Imagina un Festival’, que a través de una veintena de pantallas muestra cientos de vídeos que suman más de 150 minutos de contenido.
El Festival de San Sebastián, que celebrará su 70ª edición del 16 al 24 de septiembre, ha inaugurado hoy en el Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera, sede del certamen, una gran exposición para celebrar su aniversario. Coorganizada por Tabakalera en colaboración con el Ayuntamiento de San Sebastián y la Diputación Foral de Gipuzkoa, la muestra Imagina un Festival está planteada como un homenaje a la industria del cine, a los medios de comunicación, a las salas de proyección, a la propia ciudad y, por supuesto, al público que abarrota las salas edición tras edición.
Desde hoy y hasta el 24 de septiembre, la exposición mostrará a través de varias instalaciones audiovisuales repartidas en distintos espacios públicos de Tabakalera los principales hitos de la historia del Festival, presentado “como una obra colectiva en la que todas las personas somos protagonistas”, según el concepto de Carlos Rodríguez y Asun Lasarte, de Morgancrea, la productora que ha comisariado una exposición que mediante una veintena de pantallas muestra cientos de vídeos que suman más de 150 minutos de contenido.
Junto a quienes han diseñado la exposición han participado en la presentación de hoy el director del Festival, José Luis Rebordinos, y la directora de Tabakalera, Edurne Ormazabal, así como el alcalde de San Sebastián, Eneko Goia, y el diputado general de Gipuzkoa, Markel Olano, en representación de las instituciones colaboradoras.
¡Sigue la alfombra roja!
Presente en el Festival desde sus inicios, la alfombra roja ejerce de guía en una exposición a la que se puede acceder desde la entrada principal de la plaza de las Cigarreras o desde el acceso inferior de la plaza Nestor Basterretxea. En total, se han utilizado más de 200 metros de alfombra que, a ratos suspendida sobre las cabezas de quienes visiten la exposición, marcará un camino que se puede transitar de diversas formas en distintos puntos del espacio público de Tabakalera.
Si se accede a la Plaza de la planta 0 por la plaza Nestor Basterretxea la primera instalación que se puede visitar se compone de ocho pantallas dedicadas al Público. Por un lado, propone un recorrido por el ambiente de la alfombra roja y los cines en distintas etapas del Festival y, por otro, muestra la selección de fotografías que la ciudadanía ha enviado expresamente a la exposición atendiendo a la llamada del certamen: son instantáneas y selfis con nombre y apellidos que las personas asiduas al Festival se sacaron en su día junto a distintas estrellas y personalidades.
Las escaleras que conducen a la primera planta desembocan en la instalación Media, centrada en el papel de los medios de comunicación que han contribuido a la difusión internacional del Festival y a preservar su memoria a través de escritos, entrevistas, fotografías y audiovisuales. Como si de un gran libro o periódico se tratara, dos grandes pantallas verticales reproducen una selección de imágenes, titulares y declaraciones de algunos de los personajes más relevantes que han pasado por San Sebastián en estos 70 años.
Sin abandonar la primera planta, un largo pasillo adquiere la forma de Photocall, presidido por una pantalla gigante de 24 x 4 metros sobre la que se reproducen las imágenes lanzadas simultáneamente desde cinco proyectores. Se trata de un espacio mágico por cuya alfombra roja se puede pasear y contemplar a más de 800 personalidades que han visitado el Festival durante siete décadas. Los contenidos de este túnel del tiempo se presentan de modo cronológico, de forma que, situados a cierta distancia, el público podrá ver simultáneamente y en movimiento a Gloria Swanson, Kirk Douglas, Audrey Hepburn, Harrison Ford, Bette Davis, Robin Williams y Brad Pitt, entre muchos otros.
Por último, al fondo del pasillo una cortina da acceso a la última estancia, denominada Zinea y concebida como una gran sala de cine en la que distintas pantallas sincronizadas permiten recordar los instantes más icónicos de la historia del Festival.
Por un lado, a la izquierda se sitúan tres grandes pantallas que proyectan de modo aleatorio momentos inolvidables: desde las multitudinarias acogidas a Sophia Loren, Liz Taylor, Bette Davis, Denzel Washington o Bradley Cooper, al paseo de John Travolta por la Concha, los estrenos de Star Wars y La máscara del zorro, o la sorpresa que se llevó Penélope Cruz antes de recibir su Premio Donostia de manos de Bono (U2).
Por otra parte, dos cubos suspendidos en el centro de la sala hacen un guiño al Kursaal de Rafael Moneo y proyectan en sus distintas caras imágenes relacionadas con ocho temas entre los que figuran las salas de cine de la ciudad, los jurados del Festival, sus premios, la organización o los nuevos talentos.
Finalmente, hay dos proyecciones que muestran cómo ha evolucionado la concha, principal distintivo gráfico del certamen, y una animación de los carteles oficiales de las 70 ediciones, así como una mediateca que a través de dos pantallas táctiles permite navegar por la historia del Festival descubriendo o rememorando reportajes, entrevistas, entregas de premios, personajes y películas.
Talleres infantiles, visitas guiadas y un concurso
En torno a la exposición se han organizado talleres infantiles (para niñas y niños de 3 a 6 años y de 7 a 11) los miércoles y jueves por la mañana y los sábados por la tarde, y visitas guiadas dirigidas al público adulto, los martes por la tarde y los domingos por la mañana. Las personas que estén interesadas en las actividades, que son de carácter gratuito, podrán inscribirse a través de las páginas web del Festival y de Tabakalera. Además, quienes visiten la exposición podrán participar en un concurso de preguntas vinculadas a los contenidos de la muestra. Entre las respuestas acertadas se sortearán entradas para la 70ª edición del Festival y objetos de merchandising.
La exposición permanecerá abierta todos los días, de lunes a domingo, de 10:00 a 20:00 horas.
La exposición ‘Vive le cinéma!’, a partir del viernes
Además de colaborar en la organización de Imagina un Festival, Tabakalera se volcará con el 70º aniversario a través de otra exposición, Vive le cinéma!, que abrirá sus puertas este viernes 8 de julio. En ella se mostrarán instalaciones artísticas firmadas por cuatro cineastas internacionales: Jia Zhang-ke, Lemohang Jeremiah Mosese, Isaki Lacuesta y Dea Kulumbegashvili, los dos últimos ganadores de tres Conchas de Oro.
La supervivencia helada, teaser tráiler de «Polaris»
Será uno de las varios estrenos mundiales que estos días se podrán ver en el Fantasia International Film Festival de Montreal, Polaris, cinta que nos describe un futuro post apocalíptico nevado cuyo primer avance en forma de teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el segundo trabajo tras las cámaras de la realizadora de origen canadiense Kirsten Carthew tras The Sun at Midnight (2016).
Polaris nos sitúa en el año 2144 en un páramo completamente congelado. Allí Sumi, una joven criada en el exterior escapa de una tribu salvaje tropezando en su huida con Frozen Girl, con la que forja una extraña relación inquebrantable. Ambas huyen de las tribus de cazadores hacia la única luz que Sumi parece conocer, la estrella Polaris.
La película con guion a cargo de la propia Kirsten Carthew está protagonizada por Viva Lee, Muriel Dutil y Khamisa Wilsher.
Fantastic Factory: El cine de los condenados
En el año 2000 el productor español Julio Fernández y el cineasta estadounidense Brian Yuzna se asociaron para crear una productora de cine de género con sede en Barcelona. A lo largo de cinco años y nueve películas, la Fantastic Factory intentó despertar del letargo el adormecido fantaterror español defenestrado por aquellos prejuiciosos incapaces de comprender que el cine debe ser sobre todo diversión y escapismo. Desde “Faust: La venganza está en la sangre” hasta “Bajo aguas tranquilas”, Fernández y Yuzna lucharon por un sector de la industria española necesitado de nuevas producciones que recuperaran el legado de aquellas obras de culto de los años 60 y 70 que atravesaron fronteras y dieron a conocer internacionalmente a autores como Narciso Ibáñez Serrador, Jesús Franco o Paul Naschy.
“Fantastic Factory: El cine de los condenados”, de Juan Luis Daza, es el primer ensayo a nivel mundial dedicado exclusivamente a la compañía catalana. Mediante declaraciones exclusivas en primera persona por parte de uno de los dos fundadores de la productora, el mismísimo Brian Yuzna, “Fantastic Factory: El cine de los condenados” supone un pormenorizado viaje por los orígenes de la productora, todas y cada una de sus nueve películas y el material original (literatura, cómics, sagas cinematográficas previas, hechos reales de la crónica negra española) en que se inspiraron, la desaparición del sello y su legado. A todo ello debemos sumar más de una decena de entrevistas a personalidades relacionadas con la productora, entre directores, intérpretes o guionistas que nos ayudarán a desentrañar y reivindicar aquella locura que nos hizo ver que en España otro tipo de cine era posible.
Autor; Juan Luis Daza, Portada: Carmen López. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas:
After Blue (Paradis sale) review
After Blue nos sitúa en un futuro lejano a través de un planeta salvaje en donde solo las mujeres pueden sobrevivir en medio de una particular flora y fauna. La solitaria adolescente Roxy libera a una criminal que estaba enterrada en la arena. Una vez libre, la mujer vuelve a sembrar el terror y la muerte. Roxy y su madre, Zora, serán consideradas por este hecho responsables, algo que hará que se les exilia de su comunidad y se les condena a localizar a la asesina. Así, comienzan un peligroso periplo por los territorios fantásticos y fantasmales de su sucio paraíso.
Mucha expectación había generado en según que determinados círculos el nuevo largometraje del realizador francés Bertrand Mandico tras su reconocida a nivel crítico Les garçons sauvages (mejor película de 2018 según Cahiers du Cinema), After Blue, cuya premier mundial tuvo una lógica acogida en el pasado Festival de Locarno (Premio FIPRESCI), nos trasporta a una cinematografía de naturaleza cada vez más extinta, de muy complicada catalogación genérica en lo relacionado a poner a prueba la paciencia de un tipo concreto de espectador que si consigue entrar en dicho entramado narrativo, y sobre todo conceptual, se verá recompensado de sobras con una de las propuestas más estimulantes e inclasificables realizadas el pasado 2021.
Según palabras del propio Bertrand Mandico After Blue nace del propósito de ensalzar, y en gran parte reconfigurar, la presencia de la mujer en un determinado cine genérico tomando como principales conceptos su papel en el western, también en lo relacionado a derivas adyacentes a la crueldad que suele existir en los cuentos de hadas clásicos y al lirismo que a veces atesora según que parcelas de la ciencia ficción, dicho posicionamiento no deja de ser expuesto a través de una mirada bastante particular pues en After Blue las referencias a los géneros cinematográficos que aborda se alejan de esa
estigmatización que suelen sufrir a día de hoy de forma tan habitual por ejemplo el western o la ciencia ficción. Para ponernos algo en contexto al igual que en el cine perpetrado por Hélène Cattet y Bruno Forzani Bertrand Mandico se muestra totalmente irreductible a la hora de crear un imaginario, aquí mostrado a modo de una especie de anti paraíso poblado únicamente por mujeres, percibido como único y expuesto a medio camino entre lo poético y lo cruel sin llegar a atesorar ninguna concesión a convencionalismos de índole genéricos, en el podemos intuir, apelando a cierta estética de los años setenta, a conceptos propios del western post-apocalíptico provistos del delirio visual cercanos a nivel conceptual de por ejemplo el Fando y Lis o La montaña sagrada de Alejandro Jodorowsky, también a componentes surrealistas de tono kitsch, cutres supuestamente a propósito, relativamente semejantes por poner otro ejemplo al Flash Gordon de Mike Hodges.
Ante tales referentes en relación a su abstracción meditativa After Blue como relato que desafía en todo momento la zona de confort del espectador pude ser interpretado entre otras muchas cosas a modo de grotesca fabula que transita basicamente sobre la naturaleza salvaje que anida en el interior de las mujeres, todo ello expuesto a través de una película provista de claras connotaciones catárticas dada su poca disimulada tendencia al exceso otorgando a Bertrand Mandico y a su cine de esa etiqueta, cada vez más difícil de encontrar hoy en día, de autor único y de culto que recicla y se apropia de conceptos ajenos a cual más dispares para de alguna manera hacerlos suyos en base a una de las miradas más sugerentes y relevantes surgidas en estos últimos años en el actual panorama de cine europeo de autor.
Valoración 0/5: 4
Reimaginando al tiburón, tráiler de «L’année du requin»
Tras su debut con Willy 1er (2016) el dúo de realizadores franceses formado por Ludovic Boukherma y Zoran Boukherma años más tarde se dio a conocer en el panorama internacional a un nivel algo más amplio con aquella particular comedia de hombres lobos titulada Teddy 2020 (critica aquí). Sin dejar el fantástico desde esa visión tan personal ahora nos ofrecen L’année du requin, film cuyo primer avance en forma de tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, una parodia del cine de escuálidos asesinos, tiene previsto su estreno comercial en Francia para el próximo 3 de agosto.
En L’année du requin vemos como un pequeño pueblo costero en el suroeste de Francia entra, para desesperación de la policía marítima, en alerta máxima después de la desaparición de un surfista. Pronto se revela la increíble verdad, un tiburón de grandes dimensiones merodea por el puerto.
La película con guion a cargo de los propios Ludovic Boukherma y Zoran Boukherma está protagonizada por Marina Foïs, Kad Merad, Jean-Pascal Zadi y Christine Gautier.
La actriz Macarena Gómez es la protagonista del cartel de la Semana de Terror 2022
La actriz Macarena Gómez será durante los próximos meses la imagen oficial de la 33ª Semana de Cine Fantástico de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 28 de octubre y el 4 de noviembre.
Una ilustración protagonizada por Macarena, realizada por el dibujante Carlos Fdez (Penrider), es la imagen de la Semana 2022, en la que también tiene un protagonismo especial una araña, símbolo del festival desde sus comienzos.
La coordinación y el diseño del cartel han corrido a cargo de Arteuparte Estudio.
Macarena Gómez, convertida en los últimos años en una de las actrices más representativas del fantástico español gracias a películas como Platillos volantes (Óscar Aibar, 2013), Las brujas de Zugarramurdi (Álex de la Iglesia, 2013) o Pieles (Eduardo Casanova, 2017), ha visitado la Semana con películas como Dagon (Stuart Gordon, 2001), uno de sus primeros trabajos, o Musarañas (Esteban Roel y Juanfer Andrés), que inauguró la edición de 2014.
En palabras de Carlos Fdez: «Para realizar este trabajo buscábamos algo inquietante. Tras varias pruebas nos decidimos por un impactante plano frontal en el que la mirada de Macarena directa al espectador aportara toda la fuerza a la ilustración».
Macarena Gómez
Desde que debutara como actriz hace 20 años, Macarena Gómez ha participado en más de 80 proyectos entre cine, televisión y teatro por los que ha recibido casi medio centenar de premios y nominaciones, incluyendo la nominación a Mejor Actriz en los premios Goya por su papel en Musarañas.
Lleva 12 temporadas siendo una de las protagonistas de «La que se avecina» (2007-), una de las series más exitosas de España, y recientemente ha protagonizado la serie de HBO «30 monedas» (2020-), con la que volvió a ponerse a las órdenes de Álex de la Iglesia tras Las brujas de Zugarramundi y cuya 2ª temporada se encuentra rodando.
Carlos Fdez (penrider.com)
Nacido en Madrid en 1980, sin realizar estudios oficiales en Bellas Artes aprendió a dibujar haciendo algunos cursos de ilustración y cómic en la Escuela Superior de Dibujo Profesional de Madrid (ESDIP) y sobre todo de manera autodidacta invirtiendo muchas horas.
Obtenida cierta visibilidad y ayudado por las redes sociales, ha participado en diferentes exposiciones colectivas, culminando en 2020 con su primera exposición individual en Haven Gallery en Nueva York.
Especializado en el dibujo a lápiz, su trabajo trata de describir atmósferas misteriosas a través de delicados degradados, con una visión trágica del mundo y una temática surrealista a través de la cual representa sueños, sentimientos y emociones. Le interesa la soledad de los incomprendidos, ama la naturaleza, los animales y el espacio exterior.
Siempre intenta contar una pequeña historia con un final abierto a diferentes interpretaciones para involucrar al espectador.
Exposición homenaje a Luis Gasca en la Semana de Terror de 2022
KOLDO MITXELENA Kulturunea (KMK) y Donostia Kultura / Semana de Terror, con la colaboración del Festival de Cine, organizan la exposición LUIS GASCA: Cómics y cine, que estará abierta entre el 8 de septiembre y el 8 de noviembre en Okendo Kultur Etxea.
Luis Gasca (Donostia / San Sebastián, 1933-2021), figura fundamental del cómic y el cine españoles, editor, historiador, guionista y coleccionista, director del Festival de Cine (siempre recordado por ser el responsable del estreno europeo en el Zinemaldia en 1977 de La guerra de las galaxias), apasionado de la imagen, dedicó gran parte de su vida al mundo del tebeo.
La exposición, comisariada por Asier Mensuro y Álvaro Pons, pretende rendir homenaje a la trayectoria profesional y vital de Gasca, parte de cuyo legado se encuentra en KOLDO MITXELENA Kulturunea (KMK).
La editorial Hermenaute publicará para la Semana un libro sobre el canibalismo en el cine
Hermenaute editará para la Semana una publicación escrita por Antonio José Navarro dedicada al canibalismo en el cine, que tendrá su reflejo en la programación de la Semana de 2022.
El periodista y escritor cinematográfico Antonio José Navarro, que ha colaborado en las publicaciones de la Semana desde hace años, entre otras como coordinador del libro colectivo American Gothic. El cine de terror USA 1968-1980 (2007) y autor de Líbranos del mal. Un estudio cultural del cine de posesiones demoníacas y exorcismos (2021), editado por Hermenaute para la Semana del año pasado, se adentra en este ensayo en cómo el cine fantástico se ha acercado al canibalismo a lo largo de su historia.
Tráiler final para «Resurrection» de Andrew Semans
Tras el buen sabor de boca dejado el pasado año con The Night House de David Bruckner y su aparición en el Godzilla vs. Kong de Adam Wingard Rebecca Hall sigue siendo una figura recurrente en películas de género fantástico, en esta ocasión es turno para Resurrection, film que tras un primer teaser de hace un par de meses nos presenta su tráiler final que de la mano de IFC Films podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, un thriller psicológico de terror dirigido por Andrew Semans (Nancy, Please 2012), tras su premier mundial a principios de año en el Festival de Sundance se estrenará en Estados Unidos simultáneamente en cines y VOD el próximo 5 de agosto.
Resurrection nos muestra como Margaret es una mujer que lleva una vida exitosa y ordenada, equilibrando perfectamente su ajetreada carrera profesional y su soltera maternidad con su independiente hija Abbie. Todo está bajo en aparente control, pero ese equilibrio se verá repentinamente alterado cuando una sombra no deseada, David, regresa trayendo consigo los horrores del pasado de Margaret. En una lucha contra su creciente miedo, Margaret deberá enfrentarse al monstruo que ha evadido durante dos décadas y que ha venido a terminar unos asuntos pendientes.
La película con guion a cargo del propio Andrew Semans está protagonizada por Rebecca Hall, Tim Roth, Angela Wong Carbone, Josh Drennen, Rosemary Howard, Winsome Brown, Jaime Zevallos, Michael Esper, Grace Kaufman, Patrick Klein y Colin Bradley Lewis.
El Festival de San Sebastián otorgará un Premio Donostia a David Cronenberg
El director y guionista canadiense recibirá la distinción durante una gala en el Teatro Victoria Eugenia tras la que se proyectará ‘Crimes of the Future’, su nuevo largometraje.
El director y guionista canadiense David Cronenberg (Toronto, 1943) recibirá un Premio Donostia de la 70ª edición del Festival de Sebastián, que reconocerá con su máxima distinción honorífica la carrera de uno de los cineastas más singulares del último medio siglo. El 21 de septiembre el Teatro Victoria Eugenia acogerá la ceremonia de entrega del galardón, tras la que se proyectará Crimes of the Future (2022), el largometraje protagonizado por Viggo Mortensen, Léa Seydoux y Kristen Stewart que concursó en el último Festival de Cannes.
Maestro del horror biológico, de las atmósferas turbadoras y de un universo tan personal como intransferible, Cronenberg ha dirigido una veintena de largometrajes entre los que destacan obras convertidas en clásicos de géneros como la ciencia ficción, el terror, el drama psicológico o el thriller. También es autor de numerosos trabajos para televisión.
En 2004 el Festival de San Sebastián proyectó Crash (1996) en el marco de la retrospectiva Incorrect@s y tres años después Cronenberg visitó San Sebastián por primera y única vez hasta la fecha para inaugurar la Sección Oficial a concurso con Eastern Promises (Promesas del Este, 2007). El canadiense se suma así al listado de directoras y directores que también han recibido el Premio Donostia, entre quienes destacan Francis Ford Coppola, Woody Allen, Oliver Stone, Agnès Varda, Hirokazu Koreeda y Costa-Gavras.
Hijo de una pianista y de un escritor, David Cronenberg creció entre libros y cómics que cimentaron su interés por la cultura y el cine. Autodidacta, sus primeros trabajos fueron cortos como Transfer (1966) y From the Drain (1967), a los que siguieron sus primeros largometrajes, de corte experimental, Stereo (1969) y Crimes of the Future (1970), cuyo título coincide con el de su película más reciente. En estas obras primerizas podían rastrearse ya los rasgos de una filmografía marcada por temas como la enfermedad, la violencia, el sexo, el cuerpo o la experimentación científica.
Esta última está muy presente en la primera etapa de su obra, por ejemplo, en Shivers (Vinieron de dentro de…, 1975), Rabid (Rabia, 1977) o The Brood (Cromosoma 3, 1979), en las que conviven parásitos asesinos, plagas violentas y terapias fallidas para tratar psicópatas. También firmó encargos como Fast Company (1979), una película sobre carreras de coches, aunque los títulos que forjaron su prestigio como autor dentro del cine de género más radical fueron Scanners (1981), sobre un grupo de personas con mortales poderes mentales, y Videodrome (1983), una de las cimas de la estética de la Nueva Carne. Tras narrar en The Fly (La mosca, 1986) la asfixiante historia de un científico que se transforma en insecto, contó con Jeremy Irons para protagonizar dos de sus siguientes películas: Dead Ringers (Inseparables, 1988), en la que el actor se desdobló para encarnar a unos atormentados ginecólogos gemelos, y M. Butterfly (1993), el ambiguo romance entre una misteriosa diva de la ópera y un diplomático francés en la China de los años 60.
Cronenberg ha llevado a la pantalla novelas de escritores tan icónicos como Stephen King —The Dead Zone (La zona muerta, 1983)—, William Burroughs —The Naked Lunch (El almuerzo desnudo, 1991), quizá su mayor obra de culto— y J.G. Ballard, a quien adaptó en Crash (1996), que analizaba la excitación sexual de varios personajes al sufrir accidentes automovilísticos y que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes. Tras adentrarse en la realidad virtual con eXistenZ (1999) y asomarse a los abismos de la enfermedad mental en Spider (2002), el cineasta canadiense inauguró una etapa en su filmografía en la que el fantástico dejó de ser el ingrediente principal de su cine, hasta que ahora, 20 años después, acaba de estrenar Crimes of the Future (2022), una revisión o compendio de sus antiguas obsesiones que será Proyección Premio Donostia en la 70ª edición del Festival de San Sebastián.
Esta última película supone su cuarta colaboración con el actor Viggo Mortensen, con quien primero rodó A History of Violence (Una historia de violencia, 2005), un thriller sobre un hombre marcado por un intrigante pasado. Los otros filmes son Eastern Promises (Promesas del Este, 2007), una inmersión en el infierno de la mafia rusa de Londres, y A Dangerous Method (Un método peligroso, 2011), en la que Mortensen interpretaba a Sigmund Freud. Los dos últimos títulos anteriores a Crimes of the Future fueron Cosmopolis (2012), adaptación de la novela de Don DeLillo, y Maps to the Stars (2014), una ácida reflexión sobre la fama.
En ambos trabajos participó Robert Pattinson, uno de los últimos en sumarse a la amplia nómina de estrellas con las que David Cronenberg ha trabajado a lo largo de su dilatada carrera y en la que destacan, entre otras, Juliette Binoche –otro de los Premios Donostia de esta edición–, Gabriel Byrne, Willem Dafoe, Geena Davis, Michael Fassbender, Ralph Fiennes, Jeff Goldblum, Ed Harris, Holly Hunter, William Hurt, Keira Knightley, Jude Law, Jennifer Jason Leigh, Miranda Richardson, Martin Sheen, James Spader, Christopher Walken, Naomi Watts, Peter Weller y James Woods.
David Cronenberg también ha intervenido como actor en películas de otros cineastas como, por ejemplo, en Nightbreed (Razas de noche, 1990, Clive Barker), To Die For (Todo por un sueño, 1995, Gus Van Sant), Extreme Measures (Al cruzar el límite, 1996, Michael Apted) y Falling (2020), a cuyo director, Viggo Mortensen, felicitó a través de un vídeo cuando recibió en el Kursaal el Premio Donostia en 2020. Además, ha sido distinguido con la Orden de Canadá y es Oficial de la Orden de las Artes y las Letras y Caballero de la Legión de Honor francesas. En 2014 publicó su primera novela, Consumed: A Novel (Consumidos).
Crimes of the Future
David Cronenberg (Canadá)
País(es) de producción: Canadá – Grecia
Intérpretes: Viggo Mortensen, Léa Seydoux, Kristen Stewart, Scott Speedman, Welket Bungué
A medida que la especie humana se adapta a un entorno sintético, el cuerpo sufre nuevas transformaciones y mutaciones. Saul Tenser (Viggo Mortensen), célebre artista de performance, muestra públicamente la metamorfosis de sus órganos en actuaciones vanguardistas con su compañera Caprice (Léa Seydoux). Timlin (Kristen Stewart), una investigadora del Registro Nacional de Órganos, sigue obsesivamente sus movimientos, y es entonces cuando se descubre a un misterioso grupo… Su misión: utilizar la notoriedad de Saul para arrojar luz sobre la siguiente fase de la evolución humana.
La sonrisa perturbadora, primer tráiler para «Smile»
Tras una extensa trayectoria dentro del cortometraje el realizador norteamericano Parker Finn debuta en el largo con Smile, cinta de terror con posesiones cuyo primer avance en forma de tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a uno de sus carteles promocionales. La película de la mano de Paramount Pictures tiene previsto estrenarse comercialmente en cines de Estados Unidos el próximo 30 de septiembre.
En Smile vemos como la doctora Rose Cotter, tras presenciar un extraño y traumático incidente con un paciente suyo, comienza repentinamente a experimentar sucesos aterradores que no puede llegar a explicar. A medida que un miedo sobrecogedor comienza a afectar a todos los aspectos de su vida, Rose se verá obligada a enfrentarse a su problemático pasado a la hora de intentar sobrevivir y poder escapar de su horripilante nueva realidad.
La película con guion a cargo del propio Parker Finn está protagonizada por Sosie Bacon, Kyle Gallner, Rob Morgan, Caitlin Stasey, Kal Penn, Judy Reyes, Jessie T. Usher, Gillian Zinser, Kevin Keppy, Scot Teller, Nick Arapoglou, Sara Kapner, Setty Brosevelt, Jerry Lobrow, Perry Strong, Vanessa Cozart y Shevy Berkovits Gutierrez.
Miradas ascéticas. Poéticas del distanciamiento en el cine moderno y contemporáneo
Robert Bresson, Michelangelo Antonioni, Abbas Kiarostami y Lisandro Alonso nos han legado y transmitido sus miradas a través de sus obras. Un acto de ver y representar que catalogamos bajo la idea de ascetismo. Transitamos a través del cine moderno y sus derivas contemporáneas, y navegamos entre la opacidad, el distanciamiento, el extrañamiento, la sustracción, la austeridad, la pausa, el silencio, el azar o la desnarrativización, pero también el enigma, el secreto, lo inefable, la inaccesibilidad, la inmanencia y la trascendencia. Se trata de búsquedas estéticas subjetivas, nunca derivadas de imposiciones o limitaciones ajenas, sino fruto de una voluntad estética que conlleva apostar por la emancipación del espectador en el sí de obras que proponen una mirada ascética hacia lo real, con construcciones muy contenidas de la puesta en escena, de las narrativas y de la psicología de los personajes, acercándose a una indefinición o incluso a una ausencia.
Miradas ascéticas: poéticas del distanciamiento en el cine moderno y contemporáneo propone una constelación de autores para desplegar una aproximación transversal al cine y se articula a partir de cuatro ejes clave: el suicidio en Bresson, la incomunicación en Antonioni, el tránsito en Kiarostami y el extrañamiento en Alonso. Finalmente, en una coda se abordan otros cineastas que comparten rasgos de este ascetismo y, por ello, se consideran como cuerpos celestes que están más o menos cerca de los que conforman la constelación que se ha constituido, aunque algunos tienen una relación más tangencial u otros actúan más bien como satélites; entre otras figuras, encontramos a Wim Wenders, Carlos Reygadas, Wong Kar-Wai, Edward Yang, Hou Hsiao-Hsien, Tsai Ming-Liang, Jia Zang-ke, Andrey Zvyagintsev, Yorgos Lanthimos, Eugène Green, Aki Kaurismäki, Hong Sang-soo, Andrei Tarkovski, Yasujiro Ozu, José Luis Guerín, Darezhan Omirbayev, Nuri Bilge Ceylan, Carlos Reygadas o Sharunas Bartas.
El autor
MARTA PIÑOL LLORET, Profesora en la Universidad de Barcelona, también ha impartido clases en la UOC, en la UIC y en ESCAC, de Historia del Cine, Historia y Teoría de la Fotografía, Cine Documental o Dirección Artística. Cursó la licenciatura de Historia del Arte, el Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte y el doctorado en la Universidad de Barcelona, obteniendo en los tres casos premio extraordinario. Su tesis fue galardonada con el premio Claustre de Doctors de la UB. Es autora de los libros Europa como refugio. Reflejos fílmicos de los diversos exilios españoles (1939-2016) (Edicions UB, 2020) y Con las maletas a otra parte. La emigración española hacia Europa en el cine (Sans Soleil Ediciones, 2020), así como ha sido editora de múltiples obras, como Monstruos y monstruosidades (Sans Soleil, 2015), Relaciones Ocultas. Símbolos, alquimia y esoterismo en el arte (Sans Soleil Ediciones, 2018), entre otras, o ha coeditado, junto a José Enrique Monterde, Crónica de un desencuentro. La recepción del cine moderno en España (Ediciones de la Filmoteca, IVAC, 2015) y ha traducido varios volúmenes. Ha sido profesora invitada en la Université Toulouse Jean Jaurès y ha obtenido una beca de investigación del Harry Ransom Center (Austin).
Autor: Marta Piñol Lloret, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre], Páginas: 360
Extraños en la noche, tráiler de «Barbarian»
Después de codirigir junto a Trevor Moore películas como Miss Marzo (2009) o The Civil War on Drugs (2011) Zach Cregger debuta en solitario con Barbarian, film que de la mano de 20th Century Fox acaba de estrenar un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Un thriller de terror interpretado por Bill Skarsgård que aún sin fecha de salida en nuestro país tiene previsto su estreno comercial en Estados unidos para el próximo 31 de agosto.
En Barbarian vemos como una joven que viaja a Detroit para una entrevista de trabajo alquila una casa para poder pasar la noche. Pero cuando llega a altas horas descubre sorprendida que la casa ha estado doblemente reservada y que un hombre extraño ya se está quedando allí. En contra de su buen juicio, decide pasar la noche en el inmueble, pero pronto descubre que hay mucho más que temer que a un invitado inesperado.
La película con guion a cargo del propio Zach Cregger está protagonizada por Georgina Campbell, Bill Skarsgård, Justin Long, Jaymes Butler, Trevor Van Uden, J.R. Esposito, Sophie Sörensen, Kalina Stancheva y Matthew Patrick Davis.
Los neones de «Tron» iluminan Sitges 2022
Las nuevas propuestas de Dario Argento, Quentin Dupieux o Peter Strickland integran una Sección Oficial que acoge el género más diverso e innovador
En la actual era de la hiperconexión y los metaversos, el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya mira atrás y se adentra en los mundos virtuales y deslumbrantes de Tron (Steven Lisberger, 1982) para celebrar su cuadragésimo aniversario. Visionario y pionero, el film protagonizado por Jeff Bridges inspira el cartel de la 55ª edición del certamen e invita a un viaje al otro lado de la pantalla. Del 6 al 16 de octubre, Sitges volverá a ser el epicentro del cine de género y la cita anual indispensable para todos sus fans.
El cartel de esta edición ha sido elaborado, un año más, por la agencia China. Sobre el proceso creativo que han desarrollado, comentan: “Para los que vamos teniendo una edad, es muy especial poder trabajar alrededor de un clásico de nuestra infancia y de la ciencia ficción como Tron, una obra más actual que nunca con palabras como metaverso o realidad virtual colándose en casi cualquier conversación. Tomando como inspiración el universo gráfico en el cual Kevin Flynn se ve atrapado al penetrar en los circuitos de su ordenador, vimos la oportunidad de recuperar el gran icono del festival y, por primera vez, cederle todo el protagonismo. Realidad virtual y Sitges, fusionados en una imagen concebida desde el digital y para el digital. Para diseñarla, hemos apostado por el artista visual barcelonés Sergi Delgado quien, con su estilo minimalista, jugó y exploró con efectos ópticos hasta encontrar el equilibrio entre la sencillez y rotundidad que todo cartel necesita y el desorden de unas líneas distorsionadas e inmersivas que, de cerca, te invitan a entrar literalmente en el leit motiv de esta edición.”
Sitges 2022 avanza los primeros títulos confirmados dentro de su programación de Sección Oficial. Películas predominantemente europeas que aportan diferentes miradas al fantástico de directores con gran recorrido y habituales de Sitges, como Dario Argento, Quentin Dupieux o Peter Strickland, junto con nombres que despuntan como Hanna Bergholm o Léa Mysius.
El maestro Dario Argento vuelve una década después de su último trabajo Drácula 3D con Occhiali Neri (Dark Glasses), sobre una joven invidente que, con la ayuda de un niño chino, intenta acabar con un asesino en serie. El cineasta italiano despliega su universo sangriento inimitable en un film interpretado por Ilenia Pastorelli y Asia Argento, y que supone el reencuentro con uno de los imprescindibles del terror.
El rey francés del absurdo, Quentin Dupieux, presentará sus dos últimas películas en Sitges 2022. Incroyable mais vrais, con un reparto formado por Alain Chabat, Léa Drucker, Anaïs Demoustier y Benoît Magimel, es una divertida y excéntrica comedia sobre un matrimonio y el misterioso sótano de su nueva vivienda, que llega al Festival después de su paso por Berlín. Con Fumer fait tousser, Dupieux propone una sátira del cine de superhéroes, con tortugas demoníacas, que se presentó en Cannes en sección oficial fuera de concurso y que vuelve a contar con Anaïs Demoustier y Alain Chabat, a los cuales se unen Adèle Exarchopoulos, Vincent Lacoste y Benoît Poelvoorde.
Otro clásico de Sitges es Peter Strickland. El nuevo trabajo del director británico, Flux Gourmet, se centra en un colectivo gastronómico, sus inquietudes artísticas y luchas de poder, mientras exploran el concepto de “cocina sónica”. Asa Butterfield y Gwendoline Christie son los protagonistas de esta propuesta al mismo tiempo delirante e inquietante.
De Finlandia llega Hatching, la ópera prima de Hanna Bergholm, una historia de terror familiar, arriesgada y sorprendente, con criatura monstruosa incluida. Una combinación de coming-of-age y body horror que tuvo su presentación mundial a Sundance, donde Bergholm se reveló como una de las promesas más sólidas del género.
Otro debut femenino destacado es Les cinq diables, de Léa Mysius, guionista habitual de cineastas como Claire Denis, Jacques Audiard o Arnaud Desplechin. Presentada en la Quincena de Realizadores de Cannes, el film se sitúa a medio camino entre el thriller y el drama con toques fantásticos; una historia familiar al pie de los Alpes sobre una niña con una sensibilidad olfativa extraordinaria y protagonizada por Adèle Exarchopoulos y Daphne Patakia.
El director gallego Alberto Vázquez presentará en Sitges Unicorn Wars, largometraje de animación antibelicista de coproducción francesa que ha competido recientemente en la sección oficial del festival de Annecy. Vázquez, ganador de tres premios Goya, reflexiona en el film sobre el origen de los conflictos bélicos a través de la historia de una guerra ancestral entre oseznos y unicornios.
Coupez!, la película inaugural de Cannes 2022, también estará en el Festival. Michel Hazanavicius dirige el remake de One Cut of the Dead -la sorprendente comedia de zombis japonesa que supuso todo un fenómeno en Sitges 2018- manteniendo su espíritu festivo y meta, con Romain Duris y Bérénice Bejo.
Vuelve el thriller a Órbita
La 55ª edición del Festival recupera Órbita, la sección dedicada al thriller, que toma fuerzas renovadas y presenta un adelanto de dos títulos procedentes de Corea del Sur, una de las cinematografías más poderosas actualmente.
Hunt, el debut en la dirección de Lee Jung-jae -protagonista de El juego del calamar– es un frenético thriller de espías ambientado en la Corea del Sur de los años 80. Acción criminal de violencia desbordante que aterrizará en Sitges después de verse en Cannes en sección oficial fuera de concurso.
Lee Sang-yong firma The Roundup, la secuela de Ciudad sin ley (Kang Yoon-sung, 2017). La película coreana más taquillera del año, que ha logrado cifras pre-pandémicas, es un thriller de acción criminal protagonizado por Ma Dong-seok, popular por sus papeles en Train to Busan o Eternals.
Industria: Sitges Fanlab y Woman in Fan
El programa del Festival de Sitges para la visibilización y la incorporación de la mujer creadora en la cinematografía fantástica presenta una convocatoria para la realización de un corto-teaser.
Woman in Fan propone con este concurso la creación de una pieza para su circulación en el mercado audiovisual. Así pues, el corto teaser tiene que servir como muestra de una idea de largometraje de corte fantástico.
El programa amplía de este modo su campo de actuación hasta la producción cinematográfica para apoyar al trabajo de las cineastas dentro de la industria del género fantástico.
La Comisión de evaluación seleccionará diez proyectos entre todos los presentados de los cuales habrá un ganador. Los nueve finalistas y el proyecto ganador tendrán derecho a participar en varias formaciones del Sitges Fanlab durante la 55ª edición del certamen. Además, la cineasta ganadora dispondrá de un presupuesto de 10.000 euros, que serán destinados íntegramente a la producción del corto-teaser ganador, con el apoyo del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya en las funciones de producción del proyecto. La presentación del proyecto se realizará dentro del marco de la edición correspondiente del Festival.
La Casa Encendida: Ciclo Alrededor de la fragilidad
Ciclo de cine y coloquio que, los martes y jueves del mes de julio, analiza a través de seis películas los conceptos de fragilidad y vulnerabilidad. Estos largometrajes son también un homenaje a la fuerza y capacidad de lucha de los más frágiles.
Cuando consultamos en el diccionario de la Real Academia Española el significado del adjetivo «frágil» nos encontramos con palabras o conceptos como: quebradizo, algo que con facilidad se hace pedazos, débil, deterioro, escasez de fuerza…, pero también nos ayuda a ahondar en diferentes acepciones un sinónimo revelador: «vulnerable». Entonces los significados se amplían, el diccionario nos dice ante tal término que algo o alguien «puede ser herido o recibir lesión, física o moralmente». Vulnerable puede ser una persona, un colectivo, un país o la propia Naturaleza. Si estudiamos el sustantivo vulnerabilidad desde un punto de vista social, el asunto se complica más: refleja la inseguridad y la indefensión de ciertas comunidades, grupos, familias o individuos en su forma de vida por el impacto negativo de algún factor natural, político, económico o social. La fragilidad está siempre presente.
Un paso más allá nos permite corroborar un hecho que suele obviarse: la fuerza y la capacidad de lucha del vulnerable, de aquel o aquella que es más frágil. No hay mejor manera de ejemplificarlo que con el mito bíblico de David y Goliat. Gracias a la existencia de muchas personas como David, el mundo se va rebelando contra los derechos vulnerados.
Ese es otro punto peliagudo: un grupo no es solo frágil, sino que se define por muchas cosas más. Por ejemplo, los niños son un colectivo vulnerable, pero aportan vitalidad, esperanza, enseñan a vivir el presente, son el futuro… Tendría que darse por sentado que sus derechos y necesidades han de estar cubiertos, pero muchas veces lo que ocurre es una vulneración de esos derechos y un no cumplimiento o un difícil acceso a la solución de sus necesidades.
Y ahí ya entran las relaciones de poder y las responsabilidades ante ciertas situaciones que viven estos colectivos. El ciclo nos guiará por temas como el cambio climático, la situación de los migrantes en el Mediterráneo, los mayores y el acceso a la sanidad, etcétera.
Tras las proyecciones habrá un coloquio con especialistas en distintos ámbitos.
Participan:
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Luis Enrique Alonso, catedrático de Sociología de la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad Autónoma de Madrid.
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José Carlos López Seisdedos, director de la Fundación Porque Viven.
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Esteban Sánchez Moreno, director del Instituto Universitario de Desarrollo y Cooperación de la Universidad Complutense de Madrid.
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Marifé Santiago Bolaños, poeta, filósofa y profesora titular de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid.
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Paula Palacios, cineasta.
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Ignacio Santos Molina, consultor en medio ambiente, desarrollo y cooperación internacional.
Comisariado por: Isabel Sánchez Fernández, periodista y comisaria de exposiciones.
Programación
05 julio
Encuentros, Audiovisuales «El agente topo», de Maite Alberdi
Precio: 4.00 €
07 julio
Encuentros, Audiovisuales «Ganar al viento», de Anne-Dauphine Julliand
Precio: 4.00 €
12 julio
Encuentros, Audiovisuales «La mujer del chatarrero», de Danis Tanovic
Precio: 4.00 €
14 julio
Encuentros, Audiovisuales «Nación», de Margarita Ledo
Precio: 4.00 €
19 julio
Encuentros, Audiovisuales «Cartas mojadas», de Paula Palacios
Precio: 4.00 €
21 julio
Encuentros, Audiovisuales «La mujer de la montaña», de Benedikt Erlingsson
Precio: 4.00 €
Teaser tráiler para lo nuevo de Eduardo Casanova «La piedad»
Tras su debut en el largometraje en 2017 con Pieles Eduardo Casanova sigue siendo uno de los jóvenes realizadores de nuestro país con un imaginario de lo más propio como se puede comprobar en el primer avance, en forma de teaser tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster promocional, de su nuevo trabajo tras las cámaras titulado La piedad, film en el que vuelve a mostrarnos ese universo estético y colorista tan reconocible en su cine. La película tendrá su premier mundial en el próximo Festival de Cine internacional de Karlovy Vary para pasar posteriormente por el BIFAN coreano.
En La piedad vemos, a modo de alegoría en forma de los paralelismos existentes entre una toxica relación materno filiar con la dictadura de Corea del Norte, como Mateo vive con su madre Libertad en un mundo color de rosa: un microcosmos que tiene precisamente dos habitantes, madre e hijo. Un día a Mateo le diagnostican cáncer…
La película con guion a cargo del propio Eduardo Casanova está protagonizada por Ángela Molina, Manel Llunell, Ana Polvorosa, Antonio Durán Morris, María León, Daniel Freire, Songa Park, Alberto Jo Lee, Macarena Gómez y Meteora Fontana.
Filmoteca Española clausura la exposición dedicada a José Luis López Vázquez con 3.500 visitantes
José Luis López Magerus, hijo del intérprete, dona a Filmoteca Española los materiales de su archivo personal que había prestado para la muestra
Más de 3.500 personas han visitado la exposición “Del escenario a la pantalla. Los diseños de José Luis López Vázquez”, una muestra organizada por Filmoteca Española para conmemorar el centenario del nacimiento del intérprete.
A lo largo de tres meses los públicos asistentes han podido conocer la faceta menos conocida de López Vázquez, la de dibujante, a través de un itinerario diseñado por el historiador del arte Joaquín Cánovas Belchí que ha abarcado desde sus inicios y periodo de formación, hasta sus trabajos como figurinista y escenógrafo, así como su labor en el campo del diseño gráfico.
Tras la clausura de la exposición José Luis López Magerus, hijo del intérprete, ha donado a Filmoteca Española los materiales de su colección privada que había prestado para la muestra. La escenografía para el montaje teatral de Don Juan Tenorio (1952), el cartel para la Feria del Mar de San Sebastián (1957) o el figurín de Los sacristanes burlados (1942) son solo algunos de los tesoros cinematográficos que ahora custodiará Filmoteca Española en sus dependencias.
Esta donación se suma a la colección de Fondos Cinematográficos de Filmoteca Española, que cuenta con más de un centenar de archivos personales y de entidades cinematográficas, entre ellos los de figuras como Juan Antonio Bardem, Ana Mariscal o Luis Buñuel.
Tras el colapso, primer tráiler de «Vesper»
Vesper, cuyo tráiler de la mano de IFC Films acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone uno de los proyectos europeos más ambiciosos de este 2022, una sci-fi dirigida a cuatro manos por Kristina Buozyte, responsable de la también distópica Aurora (Vanishing Waves) 2012, y Bruno Samper que había colaborado con el primero en la colectiva The ABCs of Death 2 2014. La película aún sin fecha en nuestro país llegará a las pantallas francesas el próximo 10 de agosto con un estreno comercial en cines y VOD de Estados Unidos previsto para finales del mes de septiembre.
Ambientada en un futuro distópico en Vesper vemos como después del colapso del ecosistema de la Tierra, una niña de 13 años llamada Vesper que lucha por sobrevivir con su padre paralizado, conoce a una misteriosa mujer con un secreto que obliga a Vesper a utilizar su ingenio, su fuerza y sus habilidades de bio-hackeo para luchar por la posibilidad de un futuro.
La película con guion a cargo de los propios Kristina Buozyte y Bruno Samper junto a Brian Clark está protagonizada por Raffiella Chapman, Eddie Marsan, Rosy McEwen, Richard Brake, Melanie Gaydos y Edmund Dehn.
Amicus, terror británico más allá de la Hammer
El cine de terror siempre ha sido la oveja negra del séptimo arte. Se le suele considerar un género menor. A los críticos no les interesan las películas de horror. Pero, sea como sea, este género del Fantástico levanta pasiones desde el expresionismo alemán hasta los slashers. La Hammer Films fue durante su reinado, y sigue siendo, tan famosa que a veces pensamos que muchos títulos de películas del mismo estilo pertenecen a su filmografía. Pero no, ya que muchos de ellos, y sobre todo los protagonizados por la realeza del terror británico, Peter Cushing y Christopher Lee, son obra de dos pioneros y amantes del cine como lo fueron Max-J-Rosenberg y Hamilton Subotsky cuando crearon AMICUS.
Autor: Antonio Piñera García, Editorial: The Force Books, Páginas: 178
El auge, primer tráiler para «Blonde» de Andrew Dominik
Será indiscutiblemente una de las películas más esperadas una vez acabado el verano, Blonde, cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, supone el nuevo trabajo tras las cámaras del siempre interesante Andrew Dominik, The Assassination of Jesse James By The Coward Robert Ford (2007), Killing Them Softly (2012), que aquí adapta libremente la novela de Joyce Carol Oates. La película, que ha sufrido una accidentada postproducción, tras su paso por el Festival de Venecia se estrenará a través de Netflix el próximo 23 de septiembre.
En Blonde vemos como Marilyn Monroe era una artista en ciernes plagada de romances turbulentos, pero también era una mujer frágil, asustada y repleta de inseguridades que buscaba en otros, en el ex deportista, en el dramaturgo o en el Presidente de por aquel entonces, ese amor que ella misma se negaba. Una estrella cargada de conflictos interiores, temores y pasiones desatadas, una niña que no dejó de huir hacia delante y que de alguna manera llegó a burlar a la propia muerte para convertirse en leyenda.
La película con guion adaptado a cargo del propio Andrew Dominik está protagonizada por Ana de Armas, Bobby Cannavale, Adrien Brody, Julianne Nicholson, Evan Williams, Xavier Samuel, Caspar Phillipson, Toby Huss, Sara Paxton, Chris Lemmon, Dan Butler, Garret Dillahunt, Lucy DeVito, Michael Masini, Ned Bellamy, Scoot McNairy, Rebecca Wisocky, Catherine Dent, Spencer Garrett, Eden Riegel, Tygh Runyan, Sonny Valicenti, Haley Webb, David Warshofsky, Ravil Isyanov, Judy Kain, Time Winters, Jerry Hauck, Patrick Brennan, Colleen Foy, Mike Ostroski, Rob Brownstein y Rob Nagle.
«As In Heaven» review
El debut en la dirección de la joven realizadora danesa Tea Lindeburg fue una de las pocas cintas de las varias presentes en la pasada edición del festival de San Sebastián que logro de alguna manera solventar la pobreza de un mensaje alegórico que pareció estar presente hasta la saciedad en el certamen, metáfora sobre la mujer del hoy y del ayer tan manida como poco consistente que aquí es solventada gracias a un ejercicio de estilo cinematográfico de tono potente en relación al retrato que se nos hace de un asfixiante drama psicológico, a tal respecto el premio a la mejor dirección fue posiblemente el galardón más coherente otorgado este año en el festival.
As In Heaven nos sitúa a finales del siglo XIX, la vida de Lise, de 14 años, cambia para siempre. Es la mayor de sus hermanos, la primera de su familia en ir a la escuela y está llena de esperanza y confianza en la vida. Pero cuando su madre se pone de parto, pronto algo parece ir mal. A medida que cae la noche y el parto avanza, Lise empieza a comprender que el día que comenzó siendo una niña podría terminar con ella convertida en la mujer de la casa.
As In Heaven vuelve a incidir mediante la tiranía estructural del patriarcado en la precariedad de la mujer del pasado extrapolable a según qué circunstancias del presente, en realidad el mensaje que se expone en la película no va mucho más allá de dicho enunciado, en un escueto periodo de 24 horas, espacio temporal que cambiará la existencia de la protagonista para siempre, asistimos al complicado parto de una madre, 
mientras tanto la hija mayor del clan familiar se debate en quedarse en el hogar o irse a estudiar a un internado de la ciudad y desligarse de alguna manera de ese universo opresivo en el que parece estar condenada a subsistir, llegados a este punto lo realmente interesante que vemos en As In Heaven no es tanto el mensaje, por momentos bastante obvio, y si como este queda plasmado en la pantalla a través de un preciosismo visual que por momentos puede colindar peligrosamente con lo ostentoso de dicho posicionamiento. Hace un par de años Malgorzata Szumowska intento de forma defectuosa hacer algo parecido aplicando el concepto me too en la fallida The Other Lamb, en este sentido Tea Lindeburg recurre a través de la imagen y el sonido a estilismos más propios del cine de terror premonitorio con reminiscencias telúricas a la hora de mostrarnos un oscuro imaginario onírico que orbita principalmente sobre los miedos y los sentimientos de culpa que parecen anidar en la psique de la protagonista.
Una película que pese a atesorar un continuo conflicto de intereses en referencia a lo que es su fondo y sus formas tiene la innegable virtud de no recurrir a proclamas gravitatorias de índole gratuitas en lo concerniente a la negación del consabido coming of age expuesto aquí a modo de sacrificio por parte de esas mujeres que convivían en ese perturbador y marginal mundo rural de finales del siglo XIX en donde era habitual el dogmatismo religioso y la explotación femenina.
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El Festival de San Sebastián dedicará una retrospectiva al director francés Claude Sautet
En la 70ª edición se inaugurará una nueva colección de libros editados en colaboración con Filmoteca Vasca y el primer número tratará sobre el cineasta galo.
El Festival de San Sebastián dedicará una retrospectiva, con la colaboración de Filmoteca Vasca, al director y guiónista francés Claude Sautet (1924-2000), autor de películas tan celebradas como Classe tous risques (A todo riesgo, 1960), Les choses de la vie (Las cosas de la vida, 1970) y Max et les ferrailleurs (Max y los chatarreros, 1971). Conocido por sus colaboraciones con artistas como Romy Schneider, Michel Piccoli o Emmanuelle Béart, Sautet se situó en una cierta encrucijada en la historia del cine francés: no pertenecía a la generación de los realizadores de posguerra ni formó parte de la Nouvelle Vague.
Nacido en Montrouge en 1924 y fallecido en París en 2000, Sautet comenzó en la industria del cine en 1950 como ayudante de dirección y trabajó en una docena de filmes entre comedias y relatos criminales realizados por André Cerf, Edouard Molinaro y Richard Pottier. Su película más importante como asistente fue la última en la que desempeñó esta función, Les yeux sans visage (Los ojos sin rostro, 1960), influyente película de Georges Franju en cuyo guión también participó.
Antes había dirigido su primer filme, Bonjour sourire! (1956), una comedia musical bien alejada de lo que luego desarrolló en el grueso de su filmografía. La peculiaridad es que estuvo protagonizada por Henri Salvador, importante cantante y guitarrista que cultivó el jazz, la bossa nova, la chanson y el rock’n’roll.
Los primeros intereses del Sautet director se deslizaron hacia el polar, género al que aportó Classe tous risques (A todo riesgo, 1960), protagonizada por uno de los actores más representativos del género, Lino Ventura, y basado en una novela de otro nombre crucial para la literatura y el cine policíaco francés, José Giovanni. Un año antes, Sautet ya había coincidido con Ventura en otro polar, Le Fauve est lâché (La fiera anda suelta, 1959), en el que firmó el guión y parece ser que rodó algunas secuencias, aunque la película está acreditada a Maurice Labro en solitario. Eran los tiempos de la eclosión de la Nouvelle Vague y aunque Sautet no formó parte del movimiento, ahí estaba Jean-Paul Belmondo encarnando a un delincuente en A todo riesgo como lo había hecho en À bout de souffle (Al final de la escapada, 1960), de Jean-Luc Godard.
Sautet siguió vinculado al cine criminal y a José Giovanni al participar en el guión de Symphonie pour un massacre (Ronda de crímenes, 1963), de Jacques Deray, y en varios filmes policíacos más. Alternó su faceta como guiónista para otros con la realización y escritura de sus propias películas, siempre dentro del género, como en su nuevo encuentro con Lino Ventura en L’Arme à gauche (Armas para el Caribe , 1965), esta vez con soporte literario del estadounidense Charles Williams.
Y con el cambio de década Sautet inauguró la etapa más fecunda y popular de su carrera gracias al impulso de Romy Schneider y Michel Piccoli, una de las mejores parejas del cine francés de los primeros años 70. Sus colaboraciones con el infalible tándem interpretativo fueron Les choses de la vie (Las cosas de la vida, 1970), donde ambos fueron vértices de un triángulo amoroso, y Max et les ferrailleurs (Max y los chatarreros, 1971), una incursión distinta en el policíaco con Piccoli-Schneider atrayéndose y rechazándose en los papeles de un policía y una prostituta. Yves Montand se unió al grupo a partir de César et Rosalie (Ella, yo y el otro, 1972), con Schneider, yVincent, François, Paul et les autres… (Tres amigos, sus mujeres y… los otros, 1974), con Piccoli.
El éxito de esta especie de díptico sobre las crisis sentimentales y existenciales de diversos personajes de mediana edad marcó un nuevo tono en la obra de Sautet. El drama se volvió más oscuro en Mado (1976), su último filme con Piccoli; Une histoire simple (Una vida de mujer, 1978), la última colaboración con Schneider, y Garçon! (1983), el último con Montand. Todas son películas centradas en desencuentros y reencuentros amorosos, en la idea de agarrarse a una última oportunidad.
Sautet realizó también un drama centrado en la rehabilitación emocional y familiar de un drogadicto, Un mauvais fils (1980), y una comedia romántica bien distinta, Quelques jours avec moi (1988), interpretada por Sandrine Bonnaire y Daniel Auteuil, además de devolverle el favor a Giovanni escribiéndole el guión de Mon ami le traître.
Después encontró en Emmanuelle Béart a una nueva actriz con la que se sintió tan seguro como con Schneider. Con ella realizó sus dos últimos filmes, Un coeur en hiver (Un corazón de invierno, 1992) y Nelly et Mr. Arnaud (Nelly y el Sr. Arnaud, 1995), dramas delicados sobre triángulos amorosos y atracciones inesperadas.
Su último trabajo se encuadró en el Collectif de Cinéastes Pour les Sans-Papiers, colectivo formado por 200 directores, productores, exhibidores y distribuidores franceses –entre ellos Sautet, Bertrand Tavernier, Jacques Audiard, Sólveig Anspach, Catherine Corsini, Laurent Cantet, Philippe Garrel, Lola Doillon y Alain Bergala– que firmaron un manifiesto en forma de cortometraje en apoyo a todos los inmigrantes ilegales en Francia, Nous, sans-papiers de France (1997).
En la 70ª edición del Festival, que tendrá lugar del 16 al 24 de septiembre, se inaugurará una línea de libros de cine editados en colaboración con Filmoteca Vasca y cuyo primer número estará dedicado a Claude Sautet. Esta nueva etapa se abre tras la finalización de la fructífera colección de publicaciones que en los últimos años el Festival de San Sebastián ha coeditado junto a Filmoteca Española.