Fantasia: Cine sin cortapisas

Pinamar

Dos hermanos vuelven a Pinamar después de la muerte de su madre para darle su último adiós y vender el apartamento familiar. Mientras que Pablo quiere terminar lo antes posible, Miguel quiere disfrutar de la visita. Durante su estancia en Pinamar el pasado vuelve a la vida a través de Laura, una vieja amiga de Miguel que les gusta a los dos, y mientras tratan de conquistarla, redescubren su relación y se dan cuenta de que cada final es siempre el comienzo de algo nuevo.

Segundo film del realizador argentino Federico Godfrid tras La Tigra, Chaco codirigido junto a Juan Sasaín, en Pinamar presentado en la sección Nuev@s Director@s asistimos a una premisa en principio nada novedosa, dos jóvenes hermanos (Juan Grandinetti y Agustín Pardella)  regresan a la casa materna tras la muerte de esta con la intención de venderla y no regresar al lugar, una venta que supondría decir adiós a un enclave importante en la vida de ambos jóvenes. Un relato en donde lo que a priori puede parecer sencillo se diversifica a nivel casi extrasensorial, aquella premisa en donde lo supuestamente menor significa más, dando paso a una honestidad en su narrativa de tono melancólico que llega a funcionar en base a su propia naturalidad, Pinamar se toma su tiempo a la hora de hacernos artífices de un pensamiento direccionado a un dilema básico, el pasar página o el aferrarse a unos recuerdos y vivencias, Federico Godfrid lo hace uso mediante continuos silencios y abundantes planos fijos en un film honesto en lo referente una tesis de sobrada de empatía en lo que es su exposición.

Valoración 0/5: 3

As You Are

Jack es un estudiante de instituto que vive con su madre soltera, Karen, en una ciudad anodina. Considerado un marginado social y un solitario, Jack no tiene amigos hasta que el nuevo novio de Karen, Tom, se muda a vivir con ellos e introduce en sus vidas a su hijo Mark. Los dos outsiders no tardan en hacerse buenos amigos y, tras un encuentro casual en un restaurante, incluyen a su compañera Sarah en el grupo. Los tres encuentran su salvación en el grupo, hasta que ciertos cambios en las relaciones y la aparición de algunos secretos les obligan a pararse a pensar y ver hasta dónde están dispuestos a llegar para vivir las vidas que han elegido.

En la presente edición del festival varias fueros las propuestas de óperas primas vistas dentro de la sección oficial a competición, una iniciativa valiente pero algo arriesgada por razones bastantes obvias, As You Are (Premio Especial del Jurado en el pasado Festival de Sundance) del estadounidense  Miles Joris-Peyrafitte incide en ese tipo de cine independiente norteamericano que refleja la desorientación y el desarraigo de un sector de la adolescencia yanqui dentro de un ambiente poco afín, As You Are alterna tramos interesantes con otros que la derivan hacia una argumentación bastante previsible y manida, apoyada en una premisa muy socorrida en los últimos años dentro de este tipo de cine.

El film tiene la ligera virtud de un comienzo al menos algo novedoso en su concepto, ese arranque insertado con interrogatorios a modo de thriller funciona como preámbulo a la presentación de los personajes otorgando al relato un aura de connotaciones trágicas, sin embargo su utilización resulta baldía por completo, lo que veremos a continuación conforme avanza su argumento no da razón de una forma coherente a ello, la película cae en una reiteración de situaciones y sucesión de clichés que hacen que esos flashbacks antes mencionados sean completamente innecesarios. As You Are termina siendo una película fallida, con un montaje muy disperso y una sensación de pastiche generacional que hacen que sus ligeros y bienintencionados aciertos sean de muy difícil apreciación.

Valoración 0/5: 2’5

Summer Lights

Akihiro, un cineasta japonés que vive en París, vuelve a Japón a entrevistar a supervivientes para un documental conmemorativo del 70 aniversario de la bomba atómica de Hiroshima. Profundamente conmovido por las entrevistas, decide tomarse un descanso, y deambulando por la ciudad, conoce a Michiko, una joven alegre y enigmática. Michiko se lo lleva en un improvisado y alegre recorrido desde la ciudad hacia el mar, donde los horrores del pasado se mezclan con la simplicidad del presente.

Lumières d’été del francés Jean-Gabriel Périot (la mejor película vista por un servidor dentro de esa abigarrada sección que es Nuev@s Director@s) aborda desde una perspectiva que transita a medio camino entre el documental y el tradicional relato oral japonés el fatídico bombardeo de Hiroshima vista a través de la sociedad nipona tanto desde una prespectiva de presente como de pasado. Lumières d’été nos ofrece una mirada hacia atrás plagada de melancólica, dotada de una narrativa muy localista, una fábula de contornos casi fantasmagóricos que sirve al mismo tiempo como clara fricción entre diferentes culturas (Francia y Japón), ese choque generacional y cómo afrontar el recuerdo de una ciudad que pese al paso de los años sigue estando conectada con el pasado de una manera irrefutable, un trayecto el del film que sirve como perfecto viaje iniciático a Akihiro, por otra parte Michiko (genialmente interpretada por Akane Tatsukawa) será su particular guía, personificada a modo de ancestro cuya misión es el mostrarnos el peso del pasado de un lugar, de una mirada. Lumières d’été es una pequeña joya a degustar de forma muy plausible, un film en donde llegados a un preciso momento el documental y la ficción se hacen casi imperceptibles, pues al fin y al cabo la memoria histórica y los sueños que lo acompañan tendrían que sustentarse de ambos conceptos.

Valoración 0/5: 4

A Monster Calls

Conor sólo tiene trece años, pero sabe perfectamente qué va a pasar poco después de la medianoche. Va a tener la misma pesadilla otra vez, esa “pesadilla llena de oscuridad, de viento y de gritos”. Ha sido así desde que su madre cayó enferma. Aunque esa noche parece diferente. Conor escucha una voz que le llama desde el jardín. Frente a la casa hay una antigua iglesia, con su cementerio… y un viejo árbol, un tejo que se ha transformado en un monstruo ante los ojos de Conor. De la mano de esa criatura, Conor emprende noche tras noche una nueva aventura para huir de sus propios miedos… hasta que reúna el valor suficiente para enfrentarse a su peor pesadilla, a su propia historia: la verdad.

Vaya por delante que nunca he sido muy partidario de los trabajos perpetrado por Juan Antonio Bayona, un servidor siempre ha tenido la sensación de estar ante un tipo de cine manufacturado hacia una globalidad en concreto, no fundamentado desde unos cimientos autorales sino apoyado de una forma muy visible (y este sería entrar en otro debate que daría mucho que hablar) en base a referentes y estamentos de diferente índole. A Monster Calls es con diferencia el peor trabajo de Bayona, de echo si miramos con detenimiento las tres películas dirigidas por él estas han ido en una clara regresión en lo referente a su calidad. A Monster Calls tiene la dolorosa particularidad de estar apoyada en un prestigioso texto guionizado por el propio autor.

A Monster Calls es una fábula fantástica de cómo debemos aceptar la muerte de un ser querido y como saber enfrentarnos a ella, el principal problema entre otros muchos de la cinta dirigida por Bayona es que nos es presentada como una quintaescencia del maniqueísmo dirigido hacia una emocionalidad artificial enormemente torpe, todo en la película parece haber estado trazado a golpe de mazo, no hay una lógica construcción argumental en lo referente a sus personajes, para más inri el empleo de los efectos especiales no llegan a estar conceptuado de una manera lógica a su narrativa, todo parece una sucesión de segmentos sin ningún tipo de fluidez ni unión entre ellos, un auténtico desastre fílmico que con toda seguridad batirá records de taquilla en España, otro cantar será ver como es recibida fuera de nuestras fronteras esta lastimosa película que nos es vendida como el mejor film de la historia del cine patrio por parte de Mediaset por increíble que parezca.

Valoración 0/5: 1

Frantz

En una pequeña ciudad alemana después de la I Guerra Mundial, Anna va cada día al cementerio a lamentar la pérdida de su novio Frantz, que murió en una batalla en Francia. Un día se encuentra con Adrien, un joven francés que ha ido a depositar flores en la tumba de Frantz y cuya presencia en un país que acaba de perder la guerra encenderá pasiones encontradas.

François Ozon presento dentro de la sección Perlas su último trabajo visto en el pasado festival de Venecia, en Frantz (nueva versión extendida en su tercer acto del Broken Lullaby de Ernst Lubitsch con una espléndida y matizada interpretación por parte de la actriz alemana Paula Beer, de asombroso parecido físico a la icónica Sylvia Kristel) nos encontramos ante la película más clasista y académica del director francés y posiblemente su trabajo más maduro relatado a través de un muy sutil melodrama ejecutado de forma concisa y a modo de manual, una mesurada reflexión atemporal sobre las consecuencias morales acontecidas después de un conflicto bélico en la sociedad de ambos bandos.

François Ozon demuestra un tacto exquisito a la hora de contar la historia, tan exquisito como acertado podríamos definir también un uso cromático para nada gratuito, el blanco y negro para reflejar la tristeza y añoranza de los protagonistas, el color para resaltar momentos puntuales de exaltación emocional. Frantz despliega toda la elegancia del melodrama académico establecido dentro de un contexto temporal determinado, aquel en donde la soledad, la culpa y el desarraigo son las consecuencias más directas de un enfrentamiento bélico, especialmente para los que les toca quedarse y convivir con el recuerdo de lo perdido. François Ozon parece haber llegado a una madurez narrativa y de puesta en escena bastante palpable, el cineasta francés en Frantz parece haber encontrado en la represión emocional de una sociedad histórica un altavoz ideal para difundir su peculiar y notabilísimo discurso cinematográfico.

Valoración 0/5: 3’5