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Filmoteca Española y el Museo Reina Sofía y presentan una retrospectiva de Peter Watkins, creador del falso documental
Filmoteca Española y el Museo Reina Sofía y presentan una retrospectiva integral de Peter Watkins, creador del falso documental.
La retrospectiva `Peter Watkins: Imágenes en guerra´ se desarrollará del 2 de noviembre al 29 de diciembre.
Su obra plantea una crítica a la manipulación y uniformización de los medios y defiende que la experimentación narrativa y formal del documental nos conducirá a ser ciudadanos libres y autónomos.
Patrick Watkins, escenógrafo, colaborador en sus últimas películas e hijo del cineasta, presentará en Madrid las primeras sesiones del ciclo
El Museo Reina Sofía y Filmoteca Española presentan su ciclo anual conjunto dedicado en esta ocasión a Peter Watkins (Reino Unido, 1935), uno de los últimos cineastas rebeldes de nuestro tiempo. Su obra plantea una crítica a la manipulación y uniformización de los medios de masas según intereses creados y defiende una creencia en que la experimentación narrativa y formal del documental nos conducirá a ser ciudadanos libres y autónomos respecto a los poderes que gobiernan el mundo.
Comisariada por Chema González (Museo Reina Sofía) y Natalia Marín y Carlos Reviriego (Filmoteca Española), Imágenes en guerra es una retrospectiva integral que va a mostrar todas las películas del cineasta y que es la culminación de más de dos años de conversaciones entre Peter Watkins, el Museo Reina Sofía y Filmoteca Española, así como un extenso trabajo de búsqueda y negociación de los derechos de proyección, en muchas ocasiones propiedad de televisiones que muestran escaso interés, cuando no censura, en la obra de este cineasta a contracorriente.
El ciclo tiene lugar entre el cine Doré de Filmoteca Española y el Auditorio Sabatini del Museo Reina Sofía, e incluye hitos como una de las escasas proyecciones de La Commune, la primera proyección íntegra en nuestro país de The Journey, serie de más de 14 horas sobre el pacifismo global, la recuperación de las obras de juventud y la presentación comentada de Patrick Watkins, colaborador e hijo del cineasta, durante la primera semana. La mayor parte de las sinopsis de este programa, el orden de proyección de las películas, así como el formato de debate tras su proyección han sido decididos y elaborados por el propio autor.
Del docudrama al falso documental
Vivimos en un tiempo de posverdad, de fake news, de mentiras virales, en el que la representación de los conflictos y guerras a nuestro alrededor imita las convenciones del cine bélico, el lenguaje de los videojuegos o simplemente copia formatos de entretenimiento informativo. A comienzos de 1960, un joven realizador del departamento de documental de la BBC se planteó de qué manera podemos evitar esta “monoforma”, en su propia acepción, y cómo entender el documental como un proceso democrático, emancipatorio y profundamente escéptico con el statu quo. Ese joven, Peter Watkins, inventa así el docudrama o el falso documental; esto es, el uso de la ficción dentro de este género, en el que la re-escenificación teatral de los acontecimientos históricos, la dramatización de los recursos periodísticos —entrevistas, declaraciones—, el uso de actores amateurs y la implicación de un equipo no profesional conduce a un paradójico proceso en el que el artificio nos acerca a las distintas aristas de la verdad. Watkins ha persistido en una firme idea a lo largo de su trabajo: el totalitarismo, la sociedad con nulas libertades civiles y el camino a la aniquilación de la humanidad en una guerra nuclear es una probabilidad muy cercana. Así, su obra está plagada de distopías sobre la noción de un futuro policial y aterrador, Punishment Park, The Gladiator o The Trap que, en última instancia, aluden al potencial del cine político para despertar conciencias.
El relato especulativo, tráiler de «La última noche de Sandra M.» de Borja de la Vega
Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del segundo trabajo tras las cámaras de Borja de la Vega La última noche de Sandra M. Dramatización de las últimas horas de vida de Sandra Mozarowsky, trágica figura de culto del cine español de los setenta que tuvo una muerte misteriosa. El film, después de su paso por el Festival de Málaga y Sitges, dentro de la sección Noves Visions, llegará a los cines de nuestro país el próximo 15 de diciembre.
La película nos cuenta como Sandra, de 18 años, es actriz en la España de la Transición, un momento en el que ser joven y guapa te relega irremediablemente a hacer cine del destape. Una calurosa tarde de agosto, sola y angustiada por un embarazo no deseado, intenta decidir su futuro.
La última noche de Sandra M., con guion a cargo del propio Borja de la Vega, está protagonizada por Claudia Traisac, Georgina Amorós, Núria Prims, Nicolás Illoro, Pep Ambròs, Beatriz Arjona, Olaya Caldera, Rafa Castejón, Manu Imizcoz, Ramon Pujol, Bruno Sevilla y Oriol Tarrasón.
Crónica Festival de Sitges 2023 (II)
Autorías establecidas: Evolución y equidistancia
Sobre autorías en mayor o menor medida consagradas dentro del circuito de festivales, se pudo ver el nuevo trabajo de la austriaca Jessica Hausner, realizadora que regresaba a Sitges 19 años después de estar presente con la sugerente Hotel y ya con la etiqueta de ser una presencia habitual en los festivales de clase A, al haber abrazado proyectos de una proyección internacional de mayor envergadura, como en su anterior film Little Joe o Club Zero, película en donde se atisban constantes ya presentes en el ideario fílmico de la autora, a través del análisis, desde una perspectiva que linda con la sátira de los dogmas y los supuestos males adyacentes al Occidente contemporáneo. En Club Zero, Hausner vuelve a recurrir a una suerte de distopía acerca de nuevas religiones de nutrición saludable a modo de neurosis colectiva en donde se forman a autómatas anoréxicos. Lástima de un frío y aséptico dispositivo formal que dada su obviedad, en contraposición con lo encriptado de gran parte de su obra, diluye casi por completo la paradoja o denuncia, aquí podría ser tanto la técnica del mindfulness, como el dejar de comer a modo de posicionamiento anticapitalista expuesto desde el propio capitalismo, tesis que pretende ser divertida; Lourdes (2009) funcionaba muy bien en dicho aspecto, en relación con una historia que, sin embargo no dejaba de dar vueltas sobre sí misma, reiterando conceptos supuestamente cínicos e irónicos de la mano de una realizadora cuyo nivel de inteligencia crítica aquí bordea de forma algo peligrosa el subrayado. Por otra parte resulta curioso, cuando menos, que un director como Takeshi Kitano, Shinya Tsukamoto también entraría en la ecuación, ya no cotice, ni falta que le hace, en el ecosistema de festivales de cine. La esplendida Kubi, inspirada en los hechos reales conocidos como el incidente Honnō-ji ocurrido en 1582, es bastante más que la ostentación de un delirio consensuado o una deconstrucción del chambara que muchos han querido ver en ella desde su première mundial en el pasado festival de Cannes. Como lo fue en su día Zatoichi, Kubi es una película deliberadamente incomprensible, aquí aún más desaforada y liberada del temor a la muerte, o sea, es para bien puro ‘Beat’ Takeshi. Hablando de cotizaciones, esta vez al alza en según qué círculos, la de Yorgos Lanthimos parece estar en plena ebullición, Poor Things, después de triunfar en Venecia fue uno de los platos fuertes de este Sitges 2023, una relectura del mito de Frankenstein en clave de fábula liberadora sobre una mujer que conforme evoluciona, anhela dicha condición y status. 
En realidad, estamos ante una película que pretendiendo ser poco ortodoxa acaba siéndolo, como resultado de una liviandad y obviedad inhabitual en el cine de su autor, aquí enmascarada por un agradable visionado, su estructura visual nos remite a imaginarios propios de Terry Gilliam o unos primerizos Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro. Adaptando la novela de Alasdair Gray, estamos ante un relato de subjetividad femenina que puede funcionar como comedia gótica retro futurista, en donde el sexo se convierte en una herramienta de poder, pero no funciona tan bien a la hora de requerir una trasgresión formal, aquí el humor ya no nace de la incomodidad, algo que era una seña de identidad del autor, tanto en sus inicios, Canino o Alps, como en trabajos de una proyección ya más amplia, Langosta o The Killing of a Sacred Deer. Puestos a ser algo maliciosos, ante un film en donde se percibe una voluntad política cuestionable, podríamos estar ante una suerte de reverso conceptual de Barbie de Greta Gerwig.
En un año plagado de testamentos fílmicos por parte de referentes, The Boy and The Heron, la nueva producción del Studio Ghibli inspirada en una novela de Genzaburo Yoshino, se vislumbra como un ejercicio derivado de la observación, donde la expresividad de las imágenes limita con la abstracción que vuelve a imbuir de magia un entorno que abarca tanto lo grandilocuente como lo minúsculo. Como suele ser habitual en una figura de la importancia de Hayao Miyazaki, la fantasía vuelve a cuestionar condición y realidad, a través de dicho statu quo el maestro, que siempre tendrá algo que decirnos, nos habla sobre el duelo y la tragedia infantil en relación con el drama personal, aunque no deja de ser en sí mismo una celebración ¿final? de un imaginario consustancial, aquí provisto de la mejor caligrafía del estilo de su autor. Con respecto a otros festivales, Sitges cuida con cierto esmero su selección de película de clausura,
por consiguiente, Dream Scenario de Kristoffer Borgli fue una digna elección, estimulante película que sortea con bastante austeridad cuestionables antecedentes como Ari Aster, A 24, a la hora de exponer el concepto de la pesadilla del individuo gris como un mal social, y como todo ello puede llegar a ser interpretado a modo de simulacro de un mundo supuestamente feliz. Relato que brilla con relación a temarios que invitan a la reflexión, que cuestiona cierta masculinidad al mismo tiempo que rescata la acidez inherente en la comedia existencial vista, por ejemplo, en la anterior Sick of Myself, aquí también con relación a una voraz crítica hacia lo efímero o la cultura de la cancelación, funcionando por momentos mejor como película de terror que como supuesta comedia negra. Además, constatar después de mucho tiempo que Nicolas Cage, traspasando su condición de subgénero propio, sigue siendo un gran actor.
Sección Panorama: El fantástico como constante
La sección Panorama continúa siendo ese agradecido reducto dedicado a una serie de películas cuya adscripción al género no admite dudas; evidentemente dicha sección deriva en un conglomerado donde impera por encima de todo, más como virtud que como deficiencia, la serie B. A tal respecto, Suitable Flesh viene a ser un disfrutable intento de resucitar la Empire y a Stuart Gordon 
a través de aquellas placenteras e imposibles adaptaciones de relatos de H.P. Lovecraft como Re-Animator, From Beyond o Castle Freak. Propósito concentrado en la presencia de Barbara Crampton y el guionista Dennis Paoli. Se agradece que no se detenga únicamente en la nostalgia retro, dando la sensación de ser más un loable esfuerzo que una simple condescendencia genérica. Por su parte la ópera prima de Anna Zlokovic Apéndice, es otra película de género consciente de sí misma, de una condición, que en esta ocasión indaga en temáticas algo más actuales, y lo hace a través de coordenadas como body horror, el concepto Body Snatchers o la referencia al Basket Case de Frank Henenlotter. A medio camino entre el ingenio y la distensión genérica, se permite el lujo de ser una pervertida metáfora, sin ínfulas ni militarismos, sobre ansiedades e inseguridades varias adyacentes al imaginario femenino.
El mexicano Jorge Michel Grau ya había dado buena cuenta en Somos lo que hay de la disfuncionalidad familiar ubicada en escenarios precarios; en Rabia, secuela espiritual de su anterior drama caníbal, vuelve a fijar una narrativa en una periférica urbe mexicana, aquí casi apocalíptica, también en núcleos familiares desestructurados, pero lo hace bajo conceptos algo más clásicos como la licantropía. Partiendo siempre de la metáfora y las segundas lecturas, la película reinterpreta a través de conceptos fantásticos nuestra realidad, lástima de una narrativa percibida como abrupta en lo concerniente a intentar hibridar drama y fantasía, la furia o pulsión derivada de esta última, noción característica adyacente al imaginario de la licantropía, que quedaba mejor expuesta en otra película latinoamericana, As boas maneiras de Marco Dutra y Juliana Rojas, con relación a relatos que inquieren en la observación social ensamblada a elementos fantásticos. Por su parte Hideo Nakata volvía a Sitges 24 años después de presentar
en 1999 las dos primeras entregas de The Ring. En la disfrutable, y por momentos delirante, The Forbidden Play, se intuyen algunos indicios de vida en el J-horror, algo muy de agradecer después de décadas de absentismo, tanto por parte del subgénero como del propio autor. Dentro del tono liviano por el que transita la película, que intenta evitar lugares comunes, funciona relativamente bien a modo collage en donde se integra, un terror deudor del ideario de Pet Sematary, comedia y melodrama. A tal respecto, estamos ante un film que convendría contextualizar de forma adecuada, especialmente si nos fijamos en comparación, no a unos inicios ya referenciales, y sí a una última etapa por parte del responsable de la extraordinaria Dark Water de un claro talante alimenticio.
Cine patrio: Referentes consolidados
Fue bastante congruente que la inauguración de este Sitges 2023 recayera en un producto tan convincente como Hermana muerte de Paco Plaza, película que constituye el mejor, y más austero trabajo del realizador español que mejor ha sabido indagar a través de coordenadas genéricas en iconografías contiguas a la historia socio-cultural de nuestro país, un autor, cuya madurez en el manejo de códigos 
narrativos del horror, le permite tener una fe ciega en sus imágenes, Hermana muerte es una buena muestra de ello. Relato de tono tenebroso expuesto a plena luz del día, que transcurre en el año 1949 en un convento de monjas, que tiene el doble mérito de confirmar una autoría que le hace solventar y trascender en varios apartados por los que transita, primero como producto Netflix, y segundo como obra independiente del referente, a modo de precuela que es de Verónica, en realidad más deudora de ¿Quién puede matar a un niño? respecto a recrear ambientes siniestros en escenarios luminosos, también cuenta con el beneplácito de salir airoso de una temática tan explotada en la actualidad como es el terror religioso. Solvente en lo formal, atesora un espléndido clímax que la sitúa entre lo mejor del fantástico español de los últimos años. Por su parte, La sociedad de la nieve, película que recrea la tragedia del accidente aéreo de los Andes de 1972, deja claro que en el cine no existen temas trillados, sí autorías, como la de J.A Bayona y su emotividad llevada a la hipérbole, camuflada como viene siendo habitual por una inmaculada ejecución técnica. Puestos a elegir una versión sin violines de la historia, un servidor siempre estará a favor, tanto del Supervivientes de los Andes de René Cardona, como de la efectiva Alive! de Frank Marshall.
Uno de los platos fuertes dentro de la animación visto este año en Sitges fue el nuevo trabajo de Pablo Berger Robot Dreams, película que recurre al uso de ese tipo de relatos, aquí sin diálogos, situado a medio camino entre imaginarios infantiles y adultos, que nos habla sobre la complejidad que anida en la amistad, a través de una historia que expone la emotividad desde el punto de vista de la contención, amparándose en esencia en el poder de la mirada y la música. A tal respecto, no sorprende que un cineasta de las características de Berger no se conforme con transitar por trazados y formatos convencionalistas, en realidad una actitud consecuente al optar por experimentar con otras formas posibles de la imagen, ya lo hizo con Blancanieves, plasmada en coordenadas del cine mudo. En Robot Dreams, a través del icónico paisaje urbano del Manhattan de los años 80, y ayudado por una limitada expresividad, se maximiza la fuerza emocional de cada simple gesto de sus protagonistas, aquí volvemos a las referencias del cine mudo, en esta ocasión el cómico. El resultado final, o el trayecto que nos lleva a dicho punto no importa tanto como las cuestiones y posteriores reflexiones que esta interesante película nos llega a plantear. Otra película patria importante este año en el festival fue
La espera, tercera película de F. Javier Gutiérrez en donde recurre, al igual que en su opera prima 3 días, a un escenario árido y solitario que nos sitúa en la Andalucía de los 70 a la hora de abordar un thriller rural patrio de época con alma de western, que abraza la locura y pulsión de la España profunda, y que transmuta en su parte final, desde el conocimiento de coordenadas genéricas por parte del responsable de Rings, en un disfrutable Folk Horror clásico de manual. Tan sólida en la utilización de su despliegue atmosférico, como algo predecible con relación a su viraje narrativo, se agradece, sin embargo, su determinación a la hora de no ser esclava de contenidos desmarcados del género. Como colofón a esta segunda crónica del festival nos detenemos brevemente en la fallida La ermita de Carlota Pereda, producto que no deja de ser una lógica consecuencia de querer elevar por encima de sus posibilidades líquidas autorías intuidas aún como embrionarias. Película de una resolución narrativa alarmante, que recuerda en parte a ese cine español fantástico enquistado en la indeterminación genérica de finales de los 90, y que se explica a la perfección revisando su anterior film, Cerdita. Mucha curiosidad por parte de un servidor por ver cómo el buenismo y el nepotismo instalado en la industria y crítica patria logra mantener el hype creado.
Crónica Festival de Sitges 2023 (I)
Del 5 al 15 de octubre, con unas temperaturas más propias de la temporada estival, tuvo lugar la 56 edición del Festival de Sitges, un año marcado por una definitiva vuelta a la normalidad, después de unas últimas ediciones que se vieron afectadas en diferentes parcelas, principalmente como consecuencia de las restricciones provocadas por la pandemia y todo lo relacionado con ello. Sitges 2023 volvió a transitar por unas reconocibles señas de identidad plagadas de claroscuros, especialmente con referencia a su labor como certamen de un indudable talante popular, en ocasiones excesivamente encaminado al evento, que por momentos dio la sensación de estar demasiado preocupado en proclamas de éxito respecto a la afluencia de público, con relación a una justificación percibida como burocrática, algo que no deja de ser contradictorio en lo concerniente a otros ámbitos y apartados de un festival que, entre otras cosas, propone una generosa selección de títulos de tono heterodoxo, dirigidos al riesgo y la experimentación, también con referencia a ofrecer la oportunidad de poder visionar clásicos del género en pantalla grande, apartado este año potenciado
con un mayor número de títulos. También como función meritoria, señalar su decidida apuesta por seguir ofreciendo publicaciones en papel, este año por partida doble, a través de los ensayos colectivos: Ciudad Pánico. Morfologías urbanas del horror y Mistress of Fan. Monstruos, criaturas y pesadillas engendrados por ellas.
Como inabarcable cajón de sastre genérico que siempre ha sido, Sitges volvió a ofrecer diversas actividades paralelas a un público que regresó de forma generosa a las cuatro salas habilitadas para la ocasión, más una quinta improvisada a última hora por problemas de infraestructura para la sección Brigadoon. A la hora de hacer un balance general de lo que fue este Sitges 2023, a nivel de selección, señalar el regreso de unos viejos déficits intuidos ya casi como endémicos, visibles desde hace varios años, principalmente el referido al difícil equilibrio a la hora de poder cuantificar y cualificar el elevado número de películas en el festival, algo que en realidad no tendría que suponer un problema en sí mismo, en cierta manera no deja de ser una ventaja para el espectador tener la opción de poder elegir qué querer ver, más discutible puede resultar que ello ocasione la renuncia a poder acceder a determinados títulos, o algo más importante, prescindir de unos casi inexistentes Q&A o justificar una determinada cifra de películas en relación con una selección percibida como algo mecanizada y poco clarificadora, especialmente con relación a un criterio que da la sensación de estar concebido a la carta, con base en una cuadratura, intuida como meramente estadística, en la medida de darles un lógico sentido de ubicación y temática en las distintas secciones del festival.
A continuación, y cambiando el modelo de crónica de antiguas ediciones publicadas en el portal, el análisis y la perspectiva generada desde el tiempo y la reflexión de todo lo que dio de sí este Sitges 2023, a través de cuatro extensas entregas.
Sección oficial: El fantástico discordante
Asentamientos y nuevas vías
Lo más interesante visto en este Sitges 2023 vino de la mano de esporádicas reformulaciones y un cierto resurgimiento de cinematografías en estado embrionario desde hace tiempo, así la ganadora a la Mejor Película, la argentina Cuando acecha la maldad, fue una de las pocas cintas presentes este año en el certamen que intentó indagar en el terror sin ningún tipo de ambivalencias disuasorias. Demian Rugna, que tan buenas sensaciones nos había dejado en su reivindicable Aterrados, nos muestra a través de unas coordenadas genéricas reconocibles como es el cine de posesiones demoníacas, un tratado sobre el mal expuesto, casi en tiempo real, a modo de una infección de alcance colectivo que hace estragos en un asfixiante y hostil escenario rural, espacio donde cohabitan masculinidades violentas y mitologías populares. Cine que recuerda, dada su ausencia de concesiones, a aquella corriente de 
extremismo francés surgido a principios del 2000 que no denotaba inconsistencias en su planteamiento. Al igual que aquellas, Cuando acecha la maldad intenta sin temor ir más lejos en su condición de violento y caótico relato de terror. Otra película que se ampara en el exceso, en el buen sentido de la palabra, y con el principal referente de la estupenda Ghostwatch, fue la australiana Late Night with the Devil, historia que sustituye el terror en tiempo real por una suerte de found footage de tono vintage que nos traslada a los años 70. No tan original como se ha comentado, la película carece de cierta credibilidad y realismo con relación a la utilización de sus dispositivos formales, sin embargo tiene la virtud de evitar subrayados narrativos proclives a dicho formato, desplegando una ingeniosa mirada sobre la fascinación y credulidad de América por lo oculto y las consecuencias que acarrea el anhelo de éxito bajo cualquier tipo de circunstancias. Situada a medio camino entre Network y Rosemary’s Baby, y pervirtiendo el concepto del reality show, el film de Cameron Cairnes y Colin Cairnes, que cuenta con un extraordinario David Dastmalchian, por fin en un papel principal, atesora uno de los clímax mejor llevados en relación con su puesta en escena del reciente cine de terror. Por su parte The Theory of Everything del alemán Timm Kröger vino a ser una peculiar celebración de los clásicos y sus referencias. Ciencia-ficción europea de aplicado tono vintage que tiene la virtud de no desentonar a la hora de hibridar conceptos en un principio antagónicos, tales como integrar el multiverso y las paradojas espacio-temporales en coordenadas de cierto cine negro Hollywoodiense de los años 60, también en películas más recientes como, por ejemplo, Europa de Lars von Trier, en relación con una estética de fantasía en blanco y negro, que utiliza imágenes monocromáticas de alto contraste, ubicado en el contexto de la posguerra. Un sugerente pulp cuántico que sin embargo da la sensación de ser más efectista que convincente, impoluto en lo concerniente a su condición de ejercicio de estilo referencial, no tanto con relación al desarrollo de una deriva narrativa, críptica en el mal sentido del término, causada por la desmesura de sus intenciones.
Dentro de la compleja labor de poder llegar a discernir alguna nueva corriente dentro del fantástico actual hay dos apuntes a destacar, primero, el asentamiento de un determinado cine francés que abordaremos más adelante, y segundo, un tímido resurgimiento del terror asiático, subgénero en estado aletargado desde hace muchos años, a tal respecto la ópera prima de Yûta Shimotsu Best Wishes to All parte de uno de los conceptos argumentales más originales vistos este año en Sitges, al generar una serie de imágenes y situaciones insólitas, lindando con el terror, que hacen que la historia
vaya en todo momento por delante del espectador, y no al revés. A medio camino entre lo extraño del cine de Kiyoshi Kurosawa y un trazo bizarro digno de un Hitoshi Matsumoto o Junji Ito, Best Wishes to All cuestiona la estabilidad familiar y el sacrificio generacional que conduce a una supuesta armonía social. Su condición de rara avis, como relato alegórico que se sustenta en lo inaudito, no indica que estemos ante una película que abra nuevas vías dentro del ahora extinto J-Horror, posiblemente sí sea reconocida como vía alternativa del resurgimiento de ciertas autorías asiáticas periféricas, que intentan indagar desde la introspección en ese otro cine fantástico. Otra cinematografía aletargada en los últimos años es la del terror proveniente de Corea, género que supuso a principios del 2000 un auténtico boom a un nivel industrial, más que autoral. En Sleep, al igual que Best Wishes to All, no se establece una clara adscripción al género de terror, la etiqueta de película de misterio sobre ansiedades varias de la vida en pareja que ocasionalmente mira sin disimulo a la comedia, sería algo más preciso. La ópera prima del guionista y director Jason Yu, al igual que The Machinist de Brad Anderson, o Come True de Anthony Scott Burns, entre otras, parte de una premisa interesante, como es el conflicto originado por desórdenes del sueño, en este caso el referido al sonambulismo, y cómo a través de él, nuestros peores miedos pueden cobrar vida mediante la ambigua paranoia que los protagonistas sufren por dicha anomalía. Película que, conforme avanza muta hacia coordenadas más genéricas y predecibles, como el cine de posesiones y escenarios encantados, algo que irremediablemente hace que esa tensión inicial quede bifurcada, y en parte diluida, en otros apartados intuidos como más artificiales, con todo, un debut prometedor.
Como colofón a este primer apartado, dos propuestas destacaron por encima del resto de películas presentes en la Sección Oficial a concurso en este Sitges 2023, por una parte, la cinta canadiense Les chambres rouges, film que pervierte conceptos tales como el drama judicial, las serial killer groupies y las derivaciones del true crime, mediante la fascinante disección de un personaje sumido en la obsesión. Al igual que en Kissed (1996) o Dans ma peau (2002) en Les chambres rouges asistimos al desarrollo de una 
oscura patología, con relación a una historia que tiene la gran virtud de estar continuamente incumpliendo las expectativas del espectador, narrativas en donde sus protagonistas descubren que hay lugares que una vez que los visitas, es muy difícil volver. La película de Pascal Plante termina siendo un fascinante thriller autoral que cobra vigencia en unos tiempos marcados por el voyerismo morboso y el capitalismo de vigilancia. Relato que comienza con una disección del tropo del asesino en serie, evolucionando hacia un psicodrama centrado en dos mujeres que orbitan en una historia que canaliza hábilmente la esencia del horror social anexo a internet y el concepto de la perversidad de la imagen, funciona también como estudio sobre la preocupación enfermiza de la sociedad por el mal. Desafiante también podría considerarse la trayectoria de Bertrand Mandico, Conann viene a ser una inclasificable reinterpretación del personaje de Robert E. Howard a modo de demencial parábola Faustiana de tono glam. El responsable de la también fascinante After Blue, como cineasta experimental que es, sigue a lo suyo, ofreciéndonos siempre algo divertido mediante las subversiones de género, la sensación intencionadamente barroca de su estética, y el sentido de la inmersión en un espectáculo visual que no excluye al espectador con predisposición a su cine. Inalterable a la hora de deformar personajes y narrativa contiguos a la cultura pop y el exceso mediante la ostentación de su puesta en escena, el cine de Bertrand Mandico deviene como una autoría sofisticada, y hoy por hoy inimitable, que aúna lo indefinido y lo kitsch, su visionado en bruto justifica el cine como experiencia única.
Reformulaciones y el nuevo cine fantástico social francés
Como últimamente viene siendo habitual, varias fueron las propuestas vistas en este Sitges 2023 que intentaron reconfigurar patrones genéricos que han tenido una presencia destacada en el fantástico pretérito y contemporáneo, nos detendremos en dos películas que discurren por ese ideario de una forma cuestionable. Riddle of Fire, del debutante Weston Razooli, pretende recuperar conceptos
de la aventura infantil como perpetuo happy place. En el film vemos como tres niños que intentan descifrar el control parental de su videoconsola tendrán que dar con la receta de la tarta de arándanos perfecta para el cumpleaños de su madre convaleciente, y así, a modo de premio, poder acceder al juego. Riddle of Fire recurre en todo momento a una narrativa adyacente y deudora de la cultura popular, la trama apela al lenguaje del videojuego, también a una suerte de fábula infantilizada de tono medieval, el problema surge al comprobar como aquí la mirada, de un claro tono hipster, intenta situarse por encima de la complacencia que pretende mostrar, intentar presumir de rodar en 16mm, o acabar el relato bajo los acordes musicales del Cannibal Holocaust de Riz Ortolani a modo de guasa, no significa forzosamente ser el más listo de la clase, mucho menos estar a la altura de los clásicos cinematográficos en los que se sustenta. Más deficitaria, aún si cabe, resulta There’s Something in the Barn, película que atesorar una crisis de identidad galopante en sus obviedades genéricas, poniendo de manifiesto que no es una idea acertada que cinematografías nórdicas indaguen en conceptos consustanciales del fantástico occidental, como ya se pudo comprobar en Rare Exports: A Christmas Tale de Jalmari Helander. Aquí la principal referencia sería la comedia de terror navideña en la que se sustentaba el Gremlins de Joe Dante, aunque en realidad el film de Magnus Martens, pese a recurrir a una cierta tradición local, orbita en todo momento alrededor del tópico que busca por encima de todo la condescendencia del fan, sin saber muy bien adecuar a qué tipo de audiencia se dirige, pues resulta algo violenta para un público infantil y excesivamente naif para un espectador pretendidamente adulto.
De fallidas reformulaciones también anda sobrada la ópera prima del francés Romain de Saint-Blanquat, La Morsure, película que pretende deambular a través del concepto de lo impredecible e inconcreto, lo hace a modo de artefacto de consonancias arty que también intenta alardear de referencias genéricas. Posee cierto aroma de Giallo, aunque citar como principal antecedente el cine vampírico de Jean Rollin le hace un flaco favor, al quedar todo en un propósito de fantasmagoría que circunvala conceptos dramáticos, como el coming of age, el angst juvenil y la correspondiente pulsión sexual, de forma tan abstracta, que el simbolismo que pretende exponer de forma sutil, termina revelándose a modo de simple cliché. Algo más entonada con respecto a propósitos y narrativa resulta la cinta pakistaní In Flames, película que curiosamente hace un recorrido inverso al film de Romain de Saint-Blanquat. Al igual que hacía Ali Abassi en Holy Spider a través de la óptica de la crónica negra, aquí todo se inicia con una problemática social, será conforme avance la trama, cuando irá haciendo acto de presencia el subjetivo elemento fantástico. La ópera prima de Zarrar Kahn nos cuenta una historia de opresión que aborda el género como mecanismo de denuncia, en ella vemos la precaria existencia de una madre y una hija tras la muerte del patriarca de la familia, un nuevo status de indefensión social ocasionará un trauma intergeneracional cuyo origen es percibido como patriarcal. El escenario, una sociedad machista, será el terreno abonado para una aparición fantasmal intuida en el relato como dual, imaginaria y terrenal, la primera no desentona en el conjunto, seguramente por la ausencia
de subrayados a modo de espectral recordatorio de cómo los hombres pueden conservar el control en las psiques femeninas, incluso después de haber fallecido. Posiblemente la corriente más contrastada dentro del fantástico actual sea ese cine proveniente de Francia abonado a la distopía que inserta sin pudor realismo y alegoría al relato de género, Acide, al igual que el anterior trabajo de Just Philippot, la estimulante La nuée, indaga con determinación en el tono trágico del apocalipsis medioambiental, un ecoterror aquí ocasionado por una lluvia ácida que causa devastación y pánico por donde pasa. Bastante más convencional que su ópera prima, aquí lo social y familiar dan la impresión de estar orquestados como mera excusa. Como mal menor, dejando de lado su cuidada producción, los mejores momentos de la cinta los podemos encontrar a través de cierto talante deudor, a modo de survivor catastrofista, que nos conduce, salvando distancia y condición, al War of the Worlds de Steven Spielberg.
Hubo más cine francés que profundizó en ese fantástico que parece estar sumido en el drama, Le règne animal de Thomas Cailley, también recrea un escenario distópico, aquí mediante su condición de fábula animalista que toma iconografías y tropos derivados de, por ejemplo, La Isla del Doctor Moreau, los X-Men o de ciertas texturas colindantes al body horror. En esta ocasión, la fantasía deviene más luminosa que apocalíptica, a través de una historia en donde contemplamos una alteración genética con relación a mutaciones que transforman de forma aleatoria a humanos en animales, y los prejuicios que de todo ello se deriva. De ritmo errático, su enunciado propone una oda a la amistad y el proceso de aceptación de una metamorfosis a través de una relación paternofilial, la idea resulta original, no tanto el desarrollo, y se agradece al menos la ausencia de vulgares moralejas en el manejo de la parábola. Otra cinta que modula géneros respecto al apocalipsis y la condición humana
es Vincent doit mourir, el film de Stéphan Castang parte de una interesante premisa: sin explicación alguna, un hombre empieza a ser atacado con claras intenciones homicidas por parte de personas corrientes, concepto que nos retrotrae a un imaginario que parece surgido de la mente de Richard Matheson, en relación a su minimalismo y a la imposibilidad del individuo corriente de asumir con lógica un hecho fantástico e irracional, de tratar de comprender algo incomprensible que trastoca por completo, su hasta ese momento gris existencia. Historia de enorme complejidad, que empieza casi como una sátira social sobre el mundo laboral, coquetea más tarde con el slapstick y acaba en relato de índole paranoide, algo lastrada por una parte final en donde el cataclismo pasa a ser global, dejando en un segundo plano esa interesante exploración que aborda la ruptura de una cohesión social, cuya única solución posible previa al colapso, pasa por redimir la confianza hacia el otro. Por otra parte, sorprende que un producto tan encaminado a la serie B como es Vermin, película de monstruos de bajo presupuesto, no escape a esa tendencia comentada en estas líneas sobre cómo gran parte del fantástico francés actual mira a problemáticas sociales. De epiléptica dirección, la película de Sébastien Vanicek transcurre, al igual que La tour de Guillaume Nicloux, en un bloque marginal de la periferia de una gran ciudad, desarrollando su historia a cerca de la indecisión, en lo concerniente a elegir entre una narrativa desenfadada de supervivencia o un registro más realista que aborda la alegoría social. Lo mejor del film de Sébastien Vanicek termina siendo la añoranza que desprende hacia películas que sí tenían claros concepto e idearios y que transitaban por la temática de las arañas letales; Kingdom of the Spiders o Aracnofobia serían dos buenos ejemplos de ello.
Ciudad Pánico. Morfologías urbanas del horror
¿Qué tienen en común la onírica Venecia, la ciudad de la muerte, con Los Ángeles, la ciudad de los sueños? ¿La «culta» Nueva York con la «industriosa» Detroit? ¿Un suburbio de Estados Unidos con el centro de Roma? Todos ellos son escenarios del miedo contemporáneo. Cartografías del terror que toman forma de ciudad. Laberintos para las ansiedades de nuestro tiempo. Coordinado por Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro. Libro oficial de SITGES ? Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
Las ciudades se reflejan en el género como centros densos de actividad humana, albergan tanto sueños como pesadillas y brindan un terreno fértil para que los cineastas exploren emociones que solo tienen sentido en el marco de la vida urbana. En esos enfoques, el aislamiento y la alienación se convierten en temas centrales.
Jordi Sánchez-Navarro habla en el primer capítulo de la representación de algunas ciudades italianas legendarias en el cine de terror y su relación con el concepto de lo sublime terrorífico.
Jorge Gorostiza analiza, a través de los nombres y la morfología urbana, cómo funcionan las urbes imaginadas y los pueblos inventados en las ficciones cinematográficas.
Los guetos y los suburbios residenciales son el material que ha tratado Victoria Santamaría Ibor en su capítulo.
Símbolo del colapso del siglo XX, Detroit es el escenario predilecto del terror contemporáneo que analiza Lluís Rueda.
Ángel Sala nos propone recorrer los mil y un horrores de la ciudad total, las grandes megalópolis urbanas de la modernidad.
Antonio José Navarro nos acompaña en una muy especial cartografía española del miedo urbano.
Carlos Tabernero pone el foco en la representación de las ciudades abandonadas.
El volumen se cierra con una selección de películas brevemente comentadas por Xavi Sánchez Pons y Ángel Sala.
Autor: Coordinado por Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro, Editorial: Hermenaute, Páginas: 214
Henry James en la discoteca, tráiler para «La bête dans la jungle» de Patric Chiha
Es sin duda alguna una de las películas más inclasificables de este año, el nuevo trabajo del austríaco Patric Chiha, La bête dans la jungle, cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, adapta de forma libre de la novela homónima de Henry James. Película, que tuvo su premiere mundial en la sección Panorama de la pasada edición del Festival de Berlín, sobre esperas, cuya banda sonora marca el paso de las transformaciones de un país, que transita entre varias épocas, desde la epidemia de sida a los atentados del 11 de septiembre.
The Beast in the Jungle nos narra la relación de dos amantes que, entre cuerpos en movimiento y a lo largo de veinticinco años, se acercan y alejan en la sala de fiestas de un club nocturno sin percatarse de que, a su alrededor, el tiempo avanza y el mundo cambia.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Patric Chiha junto a Jihane Chouaib y Axelle Ropert, está protagonizada por Anaïs Demoustier, Tom Mercier, Béatrice Dalle, Martin Vischer, Sophie Demeyer, Pedro Cabanas, Mara Taquin y Bachir Tlili.
FlixOlé estrena el primer gran título del Fernán Gómez director: La vida por delante
La plataforma también incorporará al catálogo de películas dirigidas por Fernán Gómez la exitosa adaptación de ‘Los palomos’ y la arriesgada zarzuela ‘¡Bruja, más que bruja!’
Como si de un hombre del Renacimiento se tratara, Fernando Fernán Gómez alcanzó la excelencia en cuantos trabajos realizó a lo largo de su carrera: legó al público memorables personajes en su faceta de actor; firmó obras literarias de obligada lectura, traducidas algunas al guion cinematográfico; y dirigió varios clásicos del cine español, entre los que se encuentra La vida por delante (1958), película que FlixOlé estrenará el próximo viernes, 10 de noviembre.
La plataforma especializada en cine español presentará una colección con los títulos más emblemáticos dirigidos por Fernán Gómez. Un recorrido por la filmografía del cineasta en el que también se incorporarán al catálogo de FlixOlé —además de la citada La vida por delante— la adaptación de la obra teatral de Alfonso Paso, Los palomos (1964), y ¡Bruja, más que bruja! (1977).
Fernando Fernán Gómez, en la película ‘La vida por delante’
Ingeniosa y ácida comedia dramática
Considerado por la crítica como el primer gran título que Fernán Gómez realizó en su faceta como director, La vida por delante significó un soplo de aire fresco para la gran pantalla del país en el momento de su llegada a las salas. El autor proyectó las influencias sainetescas y neorrealistas que le impactaron a su paso por los escenarios y delante de la cámara; hasta convertirlas en un retrato cómico de los dramas que las gentes vivían en la España de los 50.
Protagonizada por el propio cineasta, en compañía de Analía Gadé, el filme presentaba las dificultades que experimenta una pareja joven para construir su hogar. Problemas tan en boga en la actualidad como la falta de oportunidades y de un trabajo fijo, los apuros económicos y la angustia de no poder pagar el minúsculo apartamento en el que viven marcan el negro porvenir de sus personajes.
Una crítica al modelo familiar, moral y laboral promovido por el franquismo. La película fue castigada por la censura, que la calificó con la puntuación más baja para limitar su proyección y distribución. A pesar de ello, el largometraje cosechó un importante éxito comercial, lo que propició el rodaje de una secuela.
Manuel Alexandre, José Luis López Vázquez y Gracita Morales, protagonistas en ‘Los Palomos’
Una completa colección
La vida por delante ha quedado también como uno de los filmes más interesantes estrenados en la época. Ello se debe a la originalidad con la que Fernán Gómez narró los avatares de la pareja, haciendo uso del flashback y del narrador presente. Entre las ingeniosas secuencias de la película se encuentra la de una persona tartamuda que intenta explicar a las autoridades los hechos de un accidente de tráfico: las imágenes de la escena se repiten de acuerdo a las intermitencias de la voz en off de Pepe Isbert cuando éste relata el suceso.
El largometraje La vida por delante se incluirá dentro del especial con el que FlixOlé recordará el periplo de Fernán detrás de la cámara. En dicha colección se podrá acceder a títulos tan inspiradores como El extraño viaje (1964) y El mundo sigue (1965); las disparatadas comedias El malvado Carabel (1955), La venganza de Don Mendo (1961) y Crimen imperfecto (1970); así como las premiadas El viaje a ninguna parte y Mambrú se fue a la guerra (ambas de 1986).
Nuevas incorporaciones ‘fernandianas’
A dichos filmes se suman el estreno en la plataforma de Los palomos, encargo que Fernán Gómez recibió y resolvió con envidiable solvencia al dirigir a un reparto de renombre encabezado por José Luis López Vázquez, Gracita Morales, Fernando Rey, Mabel Karr, Julia Caba y Manuel Alexandre. El resultado fue una divertida comedia de salón que atrajo a más de medio millón de espectadores con la historia de un empresario sin escrúpulos que intenta colocar un crimen que él mismo ha cometido a un matrimonio humilde, Los Palomos.
También se añadirá a FlixOlé ¡Bruja, más que bruja!, una zarzuela esperpéntica en la España rural en la que el cacique del pueblo (Fernán Gómez) aprovecha la ausencia de su sobrino (Francisco Algora) para casarse con la novia de éste (Emma Cohen). Cuando el familiar regresa, intentará vengarse.
Crónica Festival de San Sebastián 2023 (I)
El contenido como constante
Del 22 al 30 de septiembre tuvo lugar la 71 edición del Festival de San Sebastián, un año marcado, y en parte recrudecido por una serie de vicisitudes que han estado presentes a lo largo de los últimos tiempos en el Zinemaldia, esto se manifiesta esencialmente a través de su ambivalente condición de festival de festivales. Ese estado de origen ya casi crónico, que le coloca en la difícil tesitura de estar en la cola de los certámenes de categoría A, en parte aliviada en los últimos tiempos por la vía Toronto, ha hecho que San Sebastián se tenga que buscar la vida a la hora de auxiliar sus sempiternas carencias en la medida de dar un sentido consistente y temático a su Sección Oficial, problema este año patente a través de una cuestionable representación del cine español, apartado que anteriormente en parte acreditaba y justificaba la exigüidad conceptual de esa parcela principal del certamen, siendo nuevamente apartados alternativos como New Directors, Perlas o Zabaltegi-Tabakalera, los espacios que han logrado equilibrar una vez más una programación que en esta edición se ha visto algo supeditada a los abruptos saltos cualitativos existentes en secciones.
Ausencias y presencias que posiblemente vengan motivadas por un rumbo actual cuando menos debatible, especialmente en relación a una encorsetada Sección Oficial que parece estar sometida a una serie de contenidos, cuotas o compromisos que da la sensación de colocarse por encima de lo entendible como puramente cinematográfico, solo así se puede llegar a entender una serie de decisiones de difícil justificación, por ejemplo, una película como El sueño de la sultana en competición, también la comparecencia de dos propuestas argentinas, de temática y desarrollo demasiado similares como resultaron ser La práctica y Puan, o la presencia, algo forzada en lo relativo a la búsqueda de equivalencias, de complejas indagaciones autorales con cintas tipo All Dirt Roads Taste of Salt o MMXX, interesantes trabajos autorales que parecían estar programadas
a modo de compensación respecto a propuestas de otra índole en donde prevaleció un tono demasiado condescendiente.
Forzados equilibrios entre secciones en esta 71 edición en la que destacó por encima del resto, por la esforzada y necesaria (hoy más que nunca) labor de seguir al pie del cañón con las retrospectivas clásicas, este año dedicada al cineasta japonés Hiroshi Teshigahara, ciclo acompañado de una interesante publicación. A continuación, y al igual que en pasadas ediciones, pasamos a detallar los títulos presentes en la Sección Oficial, así como el cine español visto en San Sebastián, dejando para un segundo dossier el análisis, igualmente pormenorizado, de todo lo que dio de sí lo visto en secciones paralelas del festival, tales como New Directors, Perlas, Zabaltegi-Tabakalera y retrospectiva.
Hayao Miyazaki y el riesgo
En un año plagado de testamentos fílmicos por parte de referentes, The Boy and The Heron, la nueva producción del Studio Ghibli inspirada en una novela de Genzaburo Yoshino, no dejó de ser una inauguración soñada por parte del festival, situada muy por encima en calidad y contenido con respecto a anteriores propuestas presentes en el certamen. Ejercicio derivado de la observación, en donde la expresividad de las imágenes, colindantes con la abstracción, vuelven a inundar de magia un entorno que atiende tanto a lo 
grandilocuente como a lo minúsculo. Como suele ser habitual en el cine de una figura de la talla de Hayao Miyazaki, la fantasía vuelve a cuestionar condición y realidad, a través de dicho statu quo el maestro, que siempre tendrá algo que decirnos, nos habla sobre el duelo y la tragedia infantil en relación con un compendio, el drama personal, que no deja de ser en sí mismo una celebración, tal vez final, de un imaginario consustancial, aquí provisto de la mejor caligrafía de estilo de su autor. Provenientes de sectores duros, incluso experimentales con referencia a autorías percibidas como arriesgadas, dos propuestas destacaron del resto de películas a competición, por un lado la ópera prima de la realizadora estadounidense Raven Jackson con All Dirt Roads Taste of Salt, exploración lírica compuesta casi en su totalidad por secuencias de transición que parecen girar sobre sí mismas, cine que por momentos puede retrotraernos a Terrence Malick, en lo concerniente a querer trascender en cada secuencia, recurriendo estrictamente al trazo sensorial a la hora de mostrar un retrato vivido, en el más estricto término de la palabra, que recorre décadas y dos generaciones de mujeres que viven a orillas del Mississippi. Narrativamente cargada de imágenes y sonidos ambientales, la historia, una indagación sobre el discurrir de la vida, no inventa nada nuevo con respecto a un fondo que sin una cierta predisposición puede resultar algo esquemático, en lo formal sin embargo nos encamina a ese tipo de relatos hoy en desuso, aquellos que intentan a través del riesgo componer una gramática solo entendible como propia. Más arriesgado, aún si cabe, resultó ser el último trabajo de Cristi Puiu MMXX, cinta que transita a través del autosabotaje y que posiblemente sea junto a Zeros and Ones de Abel Ferrara el mejor retrato pandémico, dada su complejidad a la hora de diseccionar una sociedad, realizado hasta la fecha. El director de La muerte del señor Lazarescu nos cuenta a través de cuatro historias sinérgicas el devenir de universos cerrados que hablan de su tiempo, en realidad el último y más interesante de todos, no deja de ser una cruel consecuencia de los tres anteriores. De formato infranqueable el conjunto, por lógica, resulta desigual y por momentos complicado de descifrar, pero interesante en referencia con una función metafórica que radiografía una Europa supuestamente próspera en lo moral y material. Curioso y sintomático fue comprobar como las películas de Cristi Puiu y Raven Jackson fueron posiblemente las dos propuestas a competición peor recibidas por parte de la crítica acreditada, ausencia de unos aplausos ya normalizados al término de cada sesión y deserciones masivas en pases de prensa, un preocupante indicativo, tanto del adocenamiento crítico, como de los tiempos líquidos para el cuestionamiento que nos toca vivir en la actualidad.
Cine patrio en la estacada
El cine español presente este año en San Sebastián puso de manifiesto la difícil coyuntura existente por la que atraviesa hoy el certamen con relación a una selección de cine patrio cuando menos cuestionable. La sensación de que festivales como Cannes, Berlín o Venecia se llevan la mejor parte del pastel volvió a ser patente, siendo una representación la de este año condicionada por dicho escollo, solo así se entiende que una película de las características de El sueño de la sultana, que hubiera encontrado con suma facilidad acomodo en cualquier otra sección del festival, excepto a competición, película de animación a cargo de la veterana Isabel Herguera que indaga en un relato feminista de Begum Rokeya escrita a principios del siglo XX, loable, aunque limitado esfuerzo artesanal al servicio de un discurso que deviene como simplista y dramáticamente disperso. Con respecto a Un amor, nada como un material literario intuido como complejo a la hora de subrayar alarmantes carencias autorales. Una película que nos dice lo que ya sabíamos del cine de Isabel Coixet, se reconoce al menos su inteligencia, o si se prefiere su oportunismo, al transitar por una serie de temarios en boga dentro de la cinematografía patria, lo rural como nirvana de la clase media alta, moda que ojalá acabe lo antes posible. En parte lo campestre también tiene una presencia destacada en la ganadora de la Concha de Oro como Mejor película, O corno, 
segunda película de Jaione Camborda tras su estimulante opera prima, Arima, que nos sitúa en un relato íntimo de época, Isla de Arosa a principios de los 70, y que explora una odisea terrenal y corporal, fisicidad que por momentos puede evocar el cine de Claire Denis, en forma de huida, de una mujer que se ve obligada a abandonar su hogar tras la muerte de una adolescente a la que ha ayudado a abortar. Obra que, al menos, confirma una voz e identidad propia, cuyo poderío visual rehúye del costumbrismo edulcorado, al mismo tiempo que difumina reiteraciones temáticas teniendo la virtud de no caer en alegatos militaristas poco perspicaces, a la hora de abordar retratos genuinamente femeninos. Con diferencia, la mejor película española presente este año en la Sección Oficial.
Dos películas, en apariencia importantes, provenientes de otros festivales que encontraron un acomodo en San Sebastián fueron, por una parte, La sociedad de la nieve, película que recrea la tragedia del accidente aéreo de los Andes de 1972, en donde queda claro que en el cine no existen temas trillados, sí autorías, como la de J.A Bayona y su emotividad llevada a la hipérbole y camuflada, como viene siendo habitual, en su inmaculada ejecución técnica. Puestos a elegir una versión sin violines de la historia, servidor siempre estará muy a favor tanto del Supervivientes de los Andes de René Cardona, como de la efectiva Alive! de Frank Marshall. Por otra parte, la proyección de Cerrar los ojos y el merecido Premio Donostia otorgado a Víctor Erice vino a dignificar, y en parte a justificar, la existencia de cualquier festival de cine que se precie, obra que da por finalizado un círculo y que utiliza el cine, y la pervivencia de la imagen, como fábula nostálgica y herramienta para fijar el tiempo a través de una historia a la que no le sobra ni un solo minuto de metraje. Un autor de una película monumental en la cual nos detendremos de forma más exhaustiva próximamente. Dentro de Galas de RTVE, Chinas de Arantxa Echevarría volvió a ser otro de esos trabajos tan voluntariosos como intrascendentes que indagan en problemáticas sociales de nuestro presente a través de un relato que reflexiona sobre identidad y raíces con relación a una mirada situada a la altura de la infancia, lástima
que el resultado final sea esclavo de una serie de clichés raciales y generacionales, que derivan en una cierta irrelevancia. La práctica de Martín Rejtman, una de las dos representaciones argentinas a concurso este año en San Sebastián, transita bajo las coordenadas de una comedia mordaz a través del cordial retrato de la prototípica figura del perdedor, aquí un individuo refugiado en la metafísica vegetariana oriental, doctrina que pregona como supuesta solución para la salud de mente y cuerpo. Relato que intenta beber del cine de Éric Rohmer y que tiene la virtud de poner sobre la palestra algunas de las derivas de la psique que asolan a gran parte de seres humanos de este siglo XXI.
Autorías en impasse
Varios fueron los realizadores de una reconocida trayectoria dentro del circuito de festivales que estuvieron presentes este año en competición en el Zinemaldia, autorías que sin embargo mostraron un tono difuso y distante con respecto a anteriores trabajos, Joachim Lafosse parte de una premisa recurrente este año en el certamen, las trágicas consecuencias de la pedofilia en el seno de la institución familiar, ligado a otro tema bastante reiterativo dentro de su filmografía, la descomposición de dicho núcleo, visto por ejemplo en películas como L’économie du couple o la más reciente Les intranquilles , también
en Un silence, que parte de un mediático caso real ocurrido en Bélgica, donde una cosa lleva irremediablemente a la otra, haciendo acto de aparición el consiguiente dilema ético, que lo hace de una forma algo confusa, a través de un relato de estructura aleatoria por parte de un Lafosse que pareciera estar más pendiente del juego genérico de la ocultación de datos en la trama, se intenta narrar lo que no aparece en la pantalla, que de la sutileza propia de su cine. Obra algo menor de un realizador interesante que siempre ha sabido manejar con soltura eficaces coordenadas que inciden en retratos psicológicos dirigidos en la mayoría de los casos a disputas de poder internas. De complejas derivas paternofiliales y espirales psicológicas infernales también trata Le successeur del francés Xavier Legrand, relato camuflado a modo de oscuro thriller que nos habla del mal como concepto heredado, en realidad la historia no deja de ser el estado mental del protagonista, una premisa sobre tinieblas familiares que resulta como punto de partida fascinante, el pánico e irracionalidad con relación a sus actos que puede generar una persona ante la elevada probabilidad de heredar toxicidades de su progenitor, no tanto un desarrollo, hay momentos en donde se transita peligrosamente hacia la comedia involuntaria, del que hace uso el responsable de la notable Jusqu’à la garde, otra película algo más afortunada en concepto de la que nos ocupa, que también abordaba la paternidad a modo de un relato de terror.
Por su parte L’île rouge de Robin Campillo, ambientada en el Madagascar de principios de los años 70, se postula, en un principio, mediante un tono evocador bajo los designios de la perspectiva del infante, camuflada por la supuesta cotidianidad de un coming-of-age de tono fabulario y autoficcional, la película es percibida a través de un claro talante político que nos muestra el final del colonialismo a través de un relato vertebrado en dos partes bien diferenciadas, la primera, y más interesante, la referida a los
“colonos” y su retirada moral y física, apartado que indaga en corrientes ocultas de una supuesta normalidad que no lo es tanto y que queda expuesta a modo de radiografía de una trastienda familiar, pues básicamente asistimos al derrumbamiento, a la claudicación alegórica de un mundo adulto, dejando para la parte final la algo más obvia a modo de subrayado narrativo, la histórica y explícita representación de la liberación. Una interesante propuesta, que pasó demasiado desapercibida en el certamen, sobre el discurrir del tiempo y la melancolía de un paraíso que deviene finalmente como falso. Como viene siendo habitual en los últimos años la clausura estuvo representada a través del academismo, y qué mejor para ello que el biopic de un personaje histórico, Dance First retrata las vivencias del Premio Nobel de Literatura Samuel Beckett, relato que se inclina más por los debates emocionales internos del protagonista que por la propia creación artística, elección que no deja de ser consciente de las limitaciones poco gratificantes que suelen albergar el retrato de los intelectuales en el audiovisual moderno. La película acontece como la imposibilidad de intentar capturar elementos subversivos de unas vivencias que podrían reflejar parte de una obra artística. Para una reflexión más profunda, queda discernir el adocenamiento en la trayectoria de su director James Marsh, interesante autor de documentales tan reconocidos como Man on Wire o Proyecto Nimy y responsable de una de las óperas primas más rupturistas en lo formal de los últimos años, Wisconsin Death Trip, película que en espíritu nos sitúa justo en las antípodas de todo lo mostrado en Dance First.
Reincidencias y divergencias genéricas
Los dramas ocasionados por las inseguridades sentimentales de la pareja estuvieron presentes en la sección oficial por partida doble, primero con Fingernails del griego Christos Nikou, comedia dramática que orbita a través de la complejidad e incógnita que anida en el sentimiento amoroso, película que tiene el problema de utilizar una distopía como peaje, y mal necesario, a la hora de bucear sobre mecanismos narrativos de supuesta apariencia extraña, aquí un instituto de alta tecnología diseñado para incitar y probar la presencia del amor romántico en parejas cada vez más desesperadas que bien podría formar parte de un episodio de la serie Black Mirror, en relación con un simple McGuffin, que aquí hace honor a su condición sin apenas desarrollo, a priori interesante concepto solo esbozado de forma tímida a través de una mirada crítica sobre la dependencia de la tecnología que nos lleva a dejarnos condicionar dentro de dicha esfera. Otro detector de la deriva del responsable de la más entonada Apples sería un cierto abuso, ya casi sempiterno, en la utilización de música de los 80, a modo de recurso que, ante la imposibilidad de profundizar en sus conceptos, pretende ser empático a toda costa con el espectador.
Algo más distendida en lo concerniente a sus formas a la hora de retratar masculinidades heridas causadas por las complicadas relaciones de pareja, resultó Ex-Husbands, segundo largometraje de Noah Pritzker que pretende ser un amable y distendido retrato generacional sobre los desvaríos sentimentales de los miembros masculinos de una familia. Pese a evitar el trazo tópico y facilón de dicha premisa la sensación final es la de estar ante un producto de tono liviano, algo que en parte queda mitigado al comprobar como cuarenta años después del After Hours de Martin Scorsese, Griffin Dunne como concepto y personaje con relación a la indagación sobre cómo asumir la soledad, sigue representando en sí mismo un estado de ánimo.
Como en The Assistant la realizadora Kitty Green reincide en temarios ya trillados al volver a cuestionar la toxicidad de la mirada masculina utilizando la presencia física de una notable Julia Garner, si en su anterior trabajo el conflicto quedaba situado a un nivel corporativo en The Royal Hotel, esos severos peligros consustanciales encauzados a la feminidad son visualizados a través de un ambiento aún más hostil y físico, como resulta ser la Australia profunda del Outback, escenario intuido como inhóspito, un no lugar que por momentos nos remite al cine de terror y al western, y que funciona a modo de curiosa variante turbia situada a medio camino de la extraordinaria 
Wake in Fright de Ted Kotcheff y de Thelma & Louise en clave teen angst. Lástima que Kitty Green no lleve hasta el final este interesante tratado sobre el miedo, en el que dos jóvenes mochileras canadienses se ven obligadas a trabajar en la barra de un pub ubicado en una desértica y remota localidad minera. El enunciado y la escala dramática sobre la feminidad acosada funciona a la perfección, no así una resolución en donde se evidencia su condición de ostensible metáfora simbólica, posiblemente el abrazar coordenadas genéricas, como el exploitation, o incluso el rape-revenge, hubiera dado algo más de sentido a una conclusión que requería algo más de contundencia con respecto a cómo tarde o temprano la violencia, como única vía posible, termina por emerger. Pese a evidentes carencias, The Royal Hotel fue un soplo de aire fresco en una Sección Oficial demasiado enfocada a contenidos sociales. Hablando de incomodidades varias, Isabella Eklöf, al igual que Kitty Green, pero desde una perspectiva bien distinta, también indaga sobre temarios ya intuidos en su corta trayectoria, tanto en Kalak como en su anterior Holiday, sigue a personajes marcados por la violencia, lo hace de forma irregular a través de un retrato plagado de aristas que intenta romper expectativas en base a la sordidez de sus acciones. Aquí, basándose en una novela autobiográfica de alguien que huye de su pasado y que en su huida se pierde. El concepto abrupto y rupturista de la trama parte de un abuso sexual sufrido en el pasado, la víctima, ya en edad adulta, intentará validar el trauma mediante exilio y adicciones varias a través de un relato agrio y poco amable para el espectador; tiene el déficit, sin necesidad de serlo, de ser arbitrario e ilustrativo en exceso, el Abel Ferrara de los 90 hubiera sacado auténtico petróleo de dicho material.
En la representación asiática a competición de este año hubo una cierta sensación de reincidir en conceptos narrativos muy frecuentados durante este Zinemaldia 2023, en las dos películas presentes contemplamos después de una larga ausencia, el regreso de un hijo a la vida de su padre, ya en una condición muy precaria, y cómo bajo estas circunstancias debe ajustar cuentas con él. En la taiwanesa A Journey in Spring, sencilla pieza de estilo y de estructura casi artesanal, las debutantes Peng Tzu-Hui y Ping-Wen Wang nos hablan mediante un tono poético que evita manierismos recurrentes, y a través de elementos mínimos, de cuestiones que se atisban como supuestamente trascendentales, una podría ser la asunción de la muerte y la correspondiente conservación de la memoria a un nivel 
emocional que ello conlleva, la historia nos cuenta las vivencias de una pareja de ancianos que viven en la periferia urbana de Taipei, tras la repentina muerte de la mujer, el marido la coloca en un viejo congelador intentando de forma infructuosa aferrase a un modo de vida ya materializada como pretérita. La película también profundiza, a través de la indefensión en la que se ve sumido su protagonista, en una suerte de un autoconocimiento paternofilial, y como a causa de un hecho traumático y rupturista, se intenta reparar un mal del pasado. Algo más compleja en fondo y forma resulta Great Absence de Kei Chika-Ura, drama de precisión casi quirúrgica, que viene a ser una nueva observación sobre las difusas brumas que anidan en la figura paterna, y que también comparte más de una semejanza argumental con otra película presente el pasado año en el festival, como fue la también japonesa A Hundred Flowers de Genki Kawamura, ambas cintas comparten un complejo juego narrativo, por momentos críptico, al fragmentar la estructura del relato en un intrincado juego que oscila entre presente y pasado. En esta ocasión, un hijo no tendrá más remedio que adentrarse en el enmarañado laberinto mental, víctima de la demencia en el que se encuentra su padre, un excepcional Tatsuya Fuji. Podríamos decir que el nexo en común de estas películas vendría a ser tanto una nueva visión de viejos conceptos cada vez más extintos de masculinidad por parte del pariente más joven del clan familiar, como un tratado sobre el sufrimiento ocasionado por un severo declive mental. Se agradece que Great Absence no subraye tremendismos propicios a su trama, en cambio adolece de una excesiva duración de más de 150 minutos, un mal ya habitual en el cine contemporáneo, para un relato que posiblemente requería una mayor economía narrativa.
La desintegración de América, primer tráiler para «Leave the World Behind»
El derrumbamiento de una sociedad ha sido a lo largo de los años un tema recurrente en el cine a través de películas que indagan en la temática del apocalipsis. Al igual que la siempre reivindicable The Trigger Effect de David Koepp en Leave the World Behind, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se nos muestra el principio de un supuesto fin, y como los protagonistas has de asumirlo. Basada en la novela de Rumaan Alam del mismo título, la película con Sam Esmail tras las cámaras, Comet (2014), Mr. Robot (2015), se estrenará vía Netflix el próximo 8 de diciembre.
En Leave the World Behind vemos como las vacaciones de una familia dan un giro escalofriante cuando dos desconocidos, G.H. y su hija Ruth, se presentan en plena noche buscando refugio frente a un ciberataque que se va volviendo más y más aterrador. En esta situación, todos deberán asumir su papel en un mundo que se desmorona.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Sam Esmail, está protagonizada por Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha’la Herrold, Kevin Bacon, Charlie Evans, Farrah Mackenzie, Vanessa Aspillaga, Josh Drennen, Madison Jessica Bennett y Erica Cho.
«Sala:B» y el péplum
Hércules contra los hijos del sol (Osvaldo Civirani, 1964). Int.: Mark Forest, Giuliano Gemma, Angela Rhu, Anna Maria Pace. España, Italia. 35 mm. VE. Color. 80’
La rebelión de los gladiadores (Vittorio Cottafavi, 1958). Int.: Gianna Maria Canale, Ettore Mani, Rafael Luis Calvo, Mara Cruz. España, Italia. 35 mm. Color. 98’
«Presentamos uno de los subgéneros más clásicos de los cines de barrio, el péplum o “cine de romanos”, en un programa doble coproducido con Italia lleno de exóticas aventuras y fornidos gladiadores en minifalda.
Hércules contra los hijos del sol es uno de los últimos trajes a medida del culturista (y luego tenor) Mark Forest, sucesor de Steve Reeves en el trono de héroes musculosos de la antigüedad. Forest había sido gogo-boy de Mae West en Las Vegas, para luego protagonizar varios Hércules y Macistes de segunda fila. En 1964, cuando la prolífica fórmula se empezaba a agotar, se intentaron mestizajes improbables como este, donde el héroe naufraga en el continente americano para toparse con los incas y el mismísimo Atahualpa. Este improbable periplo da como resultado una de las aventuras más exóticas, delirantes y coloridas de la saga, aliñada con paisajes, matte-paintings y vestuarios de puro cómic, en los que se podría reconocer la influencia de un Mario Bava. Ojo a las secuencias musicales que son todo un espectáculo. Para más inri, la habitual compañera femenina queda eclipsada por Giuliano Gemma como príncipe inca, constantemente obnubilado por los brazos y la espada de Hércules. A pesar de la peluca inca que luce, Gemma se convertirá a continuación en una de las raras bellezas masculinas del spaghetti western.
En contraste con la visión pop y sin prejuicios de la anterior, La rebelión de los gladiadores es un pequeño clásico del cine de romanos, dirigido por uno de sus máximos exponentes: Vittorio Cottafavi, que inició con ella una serie de péplums más comprometidos con la historia y menos con la fantasía mitológica. Sin perder el ritmo de aventuras y las peleas de circo romano, La rebelión de los gladiadores incluye sólidas tramas de conspiraciones e intrigas femeninas con villanas de altura, algo poco frecuente en este subgénero tan varonil». (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo de Víctor Matellano, escritor y cineasta, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 200’).
Proyecciones Xcèntric: Una Técnica con T mayúscula: Tecnología, etnografía y plástica en el cine de José Val del Omar
Pensado en conexión con la sesión del curso “Escribir el cine II” (Aula Xcèntric 2023) dedicada al cineasta José Val del Omar, este programa pretende ofrecer un marco histórico y biográfico que ayude a comprender su producción teórica, nutrida de un imaginario que se mantendrá constante a lo largo de su trayectoria. Presentación a cargo de Lluis Alexandre Casanovas, programador de la sesión.
Esbozando la constelación de intereses de cineastas próximos a Val del Omar, este programa explora la persistencia de un recurso que alimentará buena parte del cine de vanguardia del siglo XX español: el uso de la tradición popular como punto de partida para la experimentación visual. La tecnología del cine, argumentan diferentes autores, ayuda a reconstruir una supuesta continuidad entre cultura y entorno, entre antropología y tecno-ciencia, con métodos etnográficos sustentados en las posibilidades ópticas de los nuevos mecanismos de registro visual. Se trata, como Val del Omar explicará, de ofrecer al espectador “documentos objectivos de primera calidad” que muestren la conexión entre naturaleza y tradición; por ejemplo, entre las formas del agua sometida a la fuerza de la gravedad y el movimiento del cuerpo al bailar una siguiriya, o entre las formas sinuosas de las células vegetales y las imágenes barrocas esculpidas en madera de pino. Los esfuerzos de estos cineastas se enmarcan dentro de la confianza en las posibilidades comunicativas que, más allá del lenguaje, permite la reproductibilidad técnica de imágenes, y se desarrollarán a partir de diferentes ámbitos cientificotécnicos y artísticos.
El programa se estructura en dos bloques, a partir de dos producciones de Val del Omar sobre su Granada natal. El primer bloque investiga las posibilidades que inaugura el cine en la comprensión de fenómenos biológicos y culturales. Gira alrededor del corto Vibración de Granada (1935), que acompaña con piezas de Guillermo López Fernández-Zúñiga, Carlos Velo y Fernando G. Mantilla, asociados, como Val del Omar, al Servicio de Cinematografía de las Misiones Pedagógicas. Esta iniciativa no solo proyectaba cine en las regiones rurales más aisladas, sino que también documentaba, a través del cine y la fotografía, las condiciones de vida de estas áreas y la persistencia de tradiciones ya desaparecidas en entornos metropolitanos. Esta doble operación servia, además, para recalcar la importancia que estas comunidades y su cultura tenían en el proyecto político de la República. En paralelo a la documentación de las Misiones, estos cineastas realizarán cortometrajes científicos y etnográficos de vocación educativa en los que ensayarán nuevas estéticas políticas como es el caso de Galicia/Finis Terrae (1936), de Velo y Mantilla.
El segundo bloque muestra la continuidad del proyecto de revaloración de las tradiciones populares emprendido en el período republicano después de la Guerra Civil. Aguaespejo granadino (La gran siguiriya) (1953-55) de Val del Omar se acompaña aquí del documental “lírico-antropológico” Boda en Castilla (1941) de Manuel Augusto García Viñolas. Esta película experimental emplea los recursos estéticos que ofrece el cine para registrar las tradiciones nacionales como un sistema esencialista cerrado, sin continuidad con la materia ni el entorno. En contraposición, el programa concluye con Aguaespejo granadino, un “ensayo de plástica lírica” sobre las arquitecturas y el paisaje de la Alhambra y la comunidad romaní que vive a su alrededor. Val del Omar estructura la relación entre entorno e individuo a través de una imajen que funciona como el motor capaz de despertar manifestaciones culturales ocultas en el inconsciente, que se activa a través de recursos ópticos como la obturación rápida que congela el agua de las fuentes de la Alhambra en un baile de siguiriyas o la iluminación estroboscópica que convierte figuras vegetales en patrones ornamentales abstractos.
Vibración de Granada, José Val del Omar, 1934-35, 16mm, Sin Sonido, 21’; Polinización, Guillermo Fernández López-Zúñiga, 1935, 16mm, Sin Sonido, 3’; Finis Terrae-Galicia, Carlos Velo y Fernando G. Mantilla, 1936, 35mm, 8′; La ciudad y el campo, Carlos Velo y Fernando G. Mantilla, 1934, 35mm, Sin Sonido, 9’; Boda en Castilla, Manuel Augusto García Viñolas, 1941, 35mm, 16’; Aguaespejo granadino (La gran siguiriya), José Val del Omar, 1955, 35mm, 23’
Proyección en digital.
Agradecimientos: Archivo Val del Omar, Piluca Baquero, Fundación Carlos Velo, Margarita Ledo y Grupo de Estudos Audiovisuais de la Universidade de Santiago de Compostela.
Fecha: 2 noviembre 2023
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.
Beso negro. Brujería, cine y cultura pop
Como saben quiénes veneran las artes ocultas, el ‘osculum infame’ o beso en el ano del diablo sella el abandono de los seres humanos al hechizo del mal. ‘Beso negro: Brujería, cine y cultura pop’ recoge en su título la imagen del ‘osculum infame’ para arrojar luz negra sobre un fenómeno que no ha dejado de manifestarse de una u otra forma en la cultura popular desde los inicios mismos de la Era de la Razón: la brujería.
‘Beso negro: Brujería, cine y cultura pop’ analiza las estrategias mágicas del brujo y la bruja para transformar la realidad y el eco que ello ha tenido en la ficción, a través de un recorrido que tiene su cuyo epicentro se halla en el cine, pero que no olvida la pequeña pantalla, el cómic y otras expresiones plásticas y lúdicas en las que brujo y bruja han pugnado por materializar otra forma de ser y estar en el mundo. Desde Aleister Crowley y ‘Häxan: La brujería a través de los tiempos’ (1922) hasta ‘La bruja’ (2015), las hechiceras feministas y los nigromantes de TikTok, un viaje en el que parece todo dicho y en el que todo está aún por invocar.
Autor: Diego Salgado y Elisa McCausland, Ilustraciones: Miki Edge. Editorial: Hermenaute, Colección Mikró. Páginas: 280
Muerte de un ciclista viaja al Festival Lumière con una copia en 4K restaurada por FlixOlé
El festival de talla mundial dedicado al cine clásico acogerá la proyección de una copia en 4K de la película ‘Muerte de un ciclista’
La película capital del cine español de los años 50, Muerte de un ciclista (1955), estará presente en 4K en la 15ª edición del Festival Lumière. Este encuentro encaminado a preservar la memoria del séptimo arte a través de sus obras maestras incorporará en su sección Grands classiques du noir et blanc el filme dirigido por Juan A. Bardem, el cual se proyectará el miércoles 18 de octubre, a las 21:45 horas, en Pathé Bellecour; y el jueves 19 de octubre, a las 10:45 horas, en Cinema Comoedia.
Galardonada con el premio de la crítica internacional FIPRESCI en Cannes, Muerte de un ciclista regresa a tierras francesas con una renovada imagen después de que la plataforma FlixOlé, en colaboración con la distribuidora Mercury Films, restaurase la película en 4K. Dicha remasterización ha obtenido el reconocimiento del festival, que ha otorgado el sello Lumiére Classics a la copia que se proyectará en la ciudad de Lyon junto a otros clásicos como Rebeca (Alfred Hitchcock, 1940), Bellísima (Luchino Visconti, 1951), El grito (Michelangelo Antonioni, 1957) o El apartamento (Billy Wilder, 1960), entre otros.
De esta manera, el Festival Lumière pone en valor las labores de conservación y restauración del patrimonio audiovisual español desarrolladas por FlixOlé y Mercury Films, al tiempo que redescubrirá al público uno de los clásicos más importantes de la cinematografía del país: Muerte de un ciclista. Obra cumbre en la filmografía de su autor, la película supuso todo un descubrimiento en clave mundial, tanto por el comprometido mensaje social y político que Juan A. Bardem insufló al metraje en plena dictadura; como por su factura técnica.
Lucía Bosé y Alberto Closas, protagonistas de ‘Muerte de un ciclista’
Crítica descarnada a la burguesía
A caballo entre el cine negro americano, el neorrealismo italiano y otras corrientes innovadoras del cine internacional, Muerte de un ciclista se convirtió en una dura crítica de la España franquista. También en una denuncia a la hipocresía, el egoísmo y la falta de escrúpulos de la clase burguesa de la época, prácticas que quedaron reflejadas en los personajes de María José de Castro (Lucía Bosé), una mujer casada con un rico empresario, y el amante de ésta, Juan (Alberto Closas), un profesor de universidad.
Durante un paseo en coche, la pareja atropella a un ciclista. En lugar de socorrerlo, huyen del lugar. El miedo de los protagonistas a que se descubra su adúltera relación, y el temor a perder su estatus social, les lleva a guardar el secreto de lo sucedido. Mientras María José intenta que la verdad no salga a la luz, el sentimiento de culpa hace mella en su amante.
Este crudo reflejo de la sociedad española, que incluye hasta manifestaciones de estudiantes universitarios, evidenciaba el marcado carácter disidente de la película respecto a los postulados del régimen franquista. No obstante, los órganos censores se centraron tanto en las cuestiones morales de Muerte de un ciclista que no se percataron del fuerte componente sociopolítico de la misma; si bien fue censurada en varias ocasiones.
Juan (Alberto Closas) visita una corrala para localizar a la familia del obrero que él y su amante atropellaron
Restauración de La caza, en la Venice Classics
El largometraje puso a su autor en el mapa fílmico europeo y hollywoodiense. También significó la primera colaboración entre Saura y Elías Querejeta, uno de los productores más importantes del cine español por los numerosos clásicos que ayudó a crear y por los nombres de directores a los que encumbró (el propio Saura, Víctor Erice, Jaime Chávarri y Gracia Querejeta, entre otros).
La selección de La caza dentro de la sección Venice Classics del Festival de Venecia, cuya programación aglutina todos aquellos clásicos de la historia del cine, es una muestra de la relevancia del filme en todo el mundo. Igualmente, la proyección de la copia en 4K pone en valor la labor de restauración del archivo cinematográfico español que desarrolla FlixOlé, en colaboración con la distribuidora Mercury Films.
En su compromiso de recuperar aquellos títulos imprescindibles del patrimonio audiovisual del país, la plataforma ha remasterizado en sus instalaciones (en los laboratorios Cherry Towers) la película La caza para que la misma pueda ser disfrutada en la mejor calidad de imagen y sonido, poniéndola también a disposición del espectador a través de su catálogo.
Un clásico que se podrá revisitar como nunca antes
Al insólito y arriesgado relato propuesto por Bardem se suma la meticulosa puesta en escena y el moderno montaje del filme, en el que destacan las transiciones y encabalgamientos entre secuencias. Original y arrebatadora, la película forma parte de los grandes clásicos del séptimo arte nacional e internacional.
Tras su restauración en 4K, proceso enmarcado en las tareas de preservación y promoción del cine español por parte de FlixOlé y Mercury Films, el largometraje se podrá visualizar en la mejor calidad de imagen y sonido durante su proyección en el Festival Lumiére. Asimismo, Muerte de un ciclista se encuentra disponible en el catálogo de la plataforma, junto a otros títulos de Juan A. Bardem como Esa pareja feliz (codirigida con Luis García Berlanga, 1951), Cómicos (1954), Calle Mayor (1956), La venganza (1958) y Nunca pasa nada (1963), entre otras.
Filmoteca Española dedica una retrospectiva al cineasta italiano Nanni Moretti
El ciclo comienza en octubre y se alargará hasta diciembre en el cine Doré
El 21 de septiembre se celebra un acto previo en el que Valia Santella, coguionista de `El sol del Futuro´ (2023), presentará la última película de Moretti en un coloquio abierto al público
Con motivo del estreno en España de la última película de Nanni Moretti, `El sol del futuro´ (2023) Filmoteca Española pone en marcha una retrospectiva del director italiano que se desarrollará entre octubre y diciembre de 2023. Con su última película, cuyo preestreno se celebró en el cine Doré el pasado 11 de septiembre, Moretti cierra un tríptico desarrollado durante tres décadas que completan `Caro diario´ (1993) y `Abril´ (1998).
El ciclo, que arranca en octubre y se desarrollará hasta diciembre, contará con un acto previo el 21 de septiembre en el que Valia Santella, coguionista de `El sol del Futuro´, presentará el filme en un coloquio abierto al público.
Instrucciones para pensar el mundo
El cine de Nanni Moretti se construye desde la autoficción, que no es una atalaya narcisista desde la que mirar el mundo, sino un ejercicio de presentarse a sí mismo como parte del discurso cinematográfico, de relatarlo con su propio cuerpo. Desde sus inicios en el cine, el director italiano hace ya una declaración de intenciones con el título elegido para su primer largometraje `Io sonno un autarchico´ (1976). Moretti, se debate entre la autarquía -que deriva en un estado de autosuficiencia personal y estilística- y un cuestionamiento político permanente acerca de la sociedad italiana. Esta dicotomía entre lo exterior y lo interior inspira el título de la retrospectiva que Filmoteca Española presenta este otoño en el cine Doré: `Instrucciones para pensar el mundo´.
Seminario paralelo
La sesión del 21 de septiembre se desarrolla en paralelo a la celebración en la ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) del Seminario Internacional con Valia Santella “Del set a la escritura (y viceversa). Un viaje personal y emocional en la escritura cinematográfica”, organizado conjuntamente con Filmoteca Española y DAMA, y dirigido a guionistas, directores, productores, actores, actrices y otros profesionales del sector. Tendrá lugar en la sala de cine de la ECAM los días 19 y 20 de septiembre . Santella, que comenzó su carrera como guionista en 2010, es colaboradora de Moretti y ha trabajado con otros directores italianos de la talla de Marco Bellucci y Valeria Golino.
Calendario sesiones octubre
1 de octubre – 20:30
`Palombella rossa´ (1989)
4 de octubre – 17:30
`Santiago, Italia´ (2018)
5 de octubre – 17:30
`Habemus Papam´ (2011)
7 de octubre – 21:30
`La misa ha terminado´ (1985)
8 de octubre – 17:30
`La habitación del hijo´ (2001)
10 de octubre – 18:00
`Palombella rossa´ (1989)
13 de octubre – 21:30
`Caro diario ´ ( 1993).
14 de octubre – 17:30
`La habitación del hijo´ (2001)
26 de octubre – 21:30
`Caro diario´ (1993)
28 de octubre – 17:30
`Habemus Papam´ (2011)
29 de octubre – 21:30
`La misa ha terminado´ (1985)
En noviembre completarán este ciclo otros títulos como `Come parli, frate?´, `Io sono un autarchico´, `Ecce Bombo´, `Sogni d’oro´, versión restaurada por la Cineteca Nazionale; `Bianca´ o `El caimán´.
Vampiros en la campiña, primer tráiler para «The Vourdalak» de Adrien Beau
A las puertas de la LVI edición del próximo Festival de Sitges empiezan a ver la luz algunos avances de las películas presentes en el certamen catalán. The Vourdalak, que formará parte de la Sección Noves Visions y cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el debut en el largometraje de Adrien Beau. La película, con buena recepción en el pasado festival de Venecia, adapta el cuento La familia del vurdalak escrito por Aleksei Tolstoy.
En The Vourdalak, que se estrenará en los cines franceses el próximo 25 de octubre, vemos como perdido en un bosque hostil, el marqués de Urfé, un noble emisario del rey de Francia, encuentra refugio en la casa de una misteriosa familia que oculta un secreto aterrador.
La película, con guion adaptado a cargo Adrien Beau junto a Hadrien Bouvier está protagonizada por Kacey Mottet Klein, Ariane Labed, Grégoire Colin, Claire Duburcq, Kacey Mottet Klein, Erwan Ribard, Vassili Schneider y el propio Adrien Beau.
«Sala:B» y el terror SS
Más allá de la muerte (Sebastián D’Arbó, 1986). Int.: Narciso Ibáñez Menta, Tony Isbert, Berta Cabré, Sergio Tula. España. DCP. Color. 92’
La herencia del mal (Joaquín Gómez, 1987). Int.: David Rocha, María Vico, Frank Braña, Remedios Hernández. España. DCP. Color. 93’
«Después de las clasificadas S, presentamos el “terror SS” con dos películas malditas del fantaterror español sembradas de subtramas nazis, gotas de erotismo y otras góticas truculencias perfectas para celebrar Halloween en «Sala:B».
Más allá de la muerte, dirigida por Sebastián D’Arbó, es una de sus películas menos conocidas, pero también una de las más interesantes e insólitas. Partiendo de su característico formato de documento paranormal con presentación incluida, D’Arbó prueba aquí una trama mucho más ambiciosa y compleja, combinando experiencias más allá de la muerte con los rituales ocultistas de la Sociedad Thule, que desembocó en el partido nacionalsocialista de Hitler. Narciso Ibáñez Menta y Tony Isbert desempeñan a los dos fascinantes antagonistas de esta misteriosa y trepidante rareza que parece cambiar de género cada 15 minutos, entre flashbacks, sueños, efectos especiales y secuencias psicodélicas cósmicas con aromas kubrickianos, nada menos.
La herencia del mal va a tener su estreno mundial en «Sala:B», después de que su director Joaquín Gómez Sáinz (Dan Barry) donase a Filmoteca Española los materiales que conservaba de este malogrado proyecto. Desavenencias con los productores y la precariedad del rodaje dieron al traste con este giallo tardío que se atrevía también a dar saltos mortales entre subgéneros, desde el terror gótico (con ese magnífico castillo de San José de Valderas) al melodrama nazi, y del slasher al thriller quinqui. Por si faltara poco delirio general, el inconfundible David Rocha pone una vez más sus excesos interpretativos al límite, haciendo de esta película un viaje tan desconcertante como memorable». (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo de los directores, Sebastián D’Arbó y Joaquín Gómez Sáinz, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 205’).
El Ministerio de Cultura y Deporte rinde homenaje a los profesionales de la industria del cine en el Día del Cine español
La edición, dedicada a Lola Flores con motivo del centenario de su nacimiento, contará con la proyección de la restauración de ‘Embrujo’, dirigida por Carlos Serrano de Osma y protagonizada por Lola Flores y Manolo Caracol
Además de ‘Embrujo’, ‘Las Niñas’ (Pilar Palomero, 2020) y ‘Valentina’ (Chelo Loureiro, 2021) podrán verse dentro y fuera de España como parte del programa de actividades
Filmoteca Española inaugura también el mismo día 6 la exposición ‘Errantes y perseverantes. El siglo de Margarita Alexandre, Lola Flores y Ana Mariscal’
El director general del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), Ignasi Camós, ha presentado esta tarde, junto a la directora de Filmoteca Española, Valeria Camporesi, el programa de actividades de la tercera edición del Día del Cine Español, que se celebra el próximo 6 de octubre y que este año estará dedicado a Lola Flores por el centenario de su nacimiento.
Con los lemas #QuédateALosCréditos y #ElMomentoDeNuestroCine, la cita pretende poner en valor, por un lado, el trabajo de todos los profesionales de la industria que hacen posibles las producciones cinematográficas y, por otro, la importancia del cine español como patrimonio cultural, generador de una identidad e imaginario común.
Con este propósito, para esta tercera edición se llevarán a cabo distintas actividades y acciones que acercarán a los públicos la riqueza y diversidad de la cinematografía española: proyecciones, coloquios, encuentros, actividades formativas, publicaciones, exposiciones y acciones de comunicación completan la agenda del Día del Cine Español 2023
Proyección de ‘Embrujo’
El acto central del Día del Cine Español, que se celebrará el 6 de octubre en el cine Doré, será un homenaje a Lola Flores con motivo del centenario de su nacimiento. Para celebrar la efeméride se proyectará la restauración, realizada por Filmoteca Española, de ‘Embrujo’ (Carlos Serrano de Osma, 1947), protagonizada por Lola Flores junto a Manolo Caracol.
Proyecciones dentro y fuera de España
La película de Flores, junto con ‘Las Niñas’ (Pilar Palomero, 2020) y ‘Valentina’ (Chelo Loureiro, 2021), se programarán también en instituciones públicas y privadas, asociaciones, colegios, institutos, cines, escuelas, museos, casas de cultura, bibliotecas o centros culturales, lugares que abrirán una ventana al cine español tanto dentro como fuera de España. En particular, en esta edición se ha incrementado en más de 700 el número de proyecciones que se llevarán a cabo en los diferentes organismos colaboradores, con la incorporación de nuevos centros culturales y embajadas.
Una exposición dedicada a Margarita Alexandre, Lola Flores y Ana Mariscal en Filmoteca Española
Otro de los actos centrales del 6 de octubre será la inauguración de la exposición ‘Errantes y perseverantes. El siglo de Margarita Alexandre, Lola Flores y Ana Mariscal’, que se celebrará entre el 6 de octubre de 2023 y el 31 de marzo de 2024 en la sala de exposiciones (calle Magdalena, 10) y el cine Doré (calle Santa Isabel, 3) de Filmoteca Española.
Comisariada por las historiadoras Marina Díaz López y Sonia García López, la muestra propone un recorrido, a través fundamentalmente de las colecciones de Filmoteca Española, de tres grandes nombres del cine español que fueron productoras, guionistas, directoras y empresarias en España y América Latina. Carteles, fotografías, contratos, cartas, guiones, planes de rodaje, órdenes de censura, revistas, audiovisuales o entrevistas componen una exposición que ofrece una mirada no sólo a la vida artística de estas tres mujeres, sino también a la historia del cine español.
Premio Nacional de Patrimonio Cinematográfico y Audiovisual
Por segundo año consecutivo, la celebración del Día del Cine Español estará precedida por el fallo, el 3 de octubre, del Premio Nacional de Patrimonio Cinematográfico y Audiovisual, que en la pasada edición recayó en el preservador y restaurador cinematográfico Ferrán Alberich.
Este premio tiene como objeto destacar la labor de personas, instituciones y organizaciones que han desarrollado iniciativas y proyectos destacables de recuperación, conservación y difusión del patrimonio cinematográfico y audiovisual.
Sobre el Día del Cine Español
El 9 de marzo de 2021, el Consejo de Ministros acordó instaurar el 6 de octubre como el Día del Cine Español con el objetivo de reconocer el papel de los profesionales del sector del cine, su influencia e importancia en la vida cultural y social de nuestro país y el papel que el cine español ha desempeñado a lo largo de su historia y que ha de seguir desempeñando.
La fecha coincide con el final de la producción de ‘Esa pareja feliz’, película dirigida y guionizada por Juan Antonio Bardem y Luis García-Berlanga y protagonizada por Fernando Fernán Gómez y Elvira Quintillá. Con el paso de los años, esta película se ha convertido en símbolo de una de las más brillantes generaciones de cineastas de nuestro país.
La Seminci estrena la sección Alquimias, un espacio para el descubrimiento de un cine vibrante y original
El maestro filipino Lav Diaz, el ganador del Festival de Locarno Ali Ahmadzadeh o el esperado largometraje de los directores DK y Hugh Welchman (Loving Vincent) integran esta nueva sección competitiva, cuyo premio de 10.000 euros patrocina Grupo Recoletos Red Hospitalaria.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid introduce una nueva sección competitiva, Alquimias, un espacio nuevo que amplía la mirada del festival y emprende un contundente impulso a su internacionalización, expandiendo su enfoque a un cine vibrante y original. Esta sección, que constituye la mayor innovación en la programación de Seminci, nace para acoger historias ubicadas en latitudes distantes, relatos que definen un momento y un lugar, al tiempo que retratan las pasiones inherentes a la condición humana y evidencian las posibilidades del cine como espejo compartido de los acontecimientos del mundo.
Alquimias dará también cabida a los autores que, con tres o más películas, atesoran ya un cierto recorrido y reconocimiento en el circuito de festivales. Se abre por lo tanto un espacio nuevo que amplía la mirada del festival y se complementa con las secciones Oficial, principal escaparate de la programación con autores consagrados y noveles, y Punto de Encuentro, dedicada a primeras y segundas películas. Grupo Recoletas Red Hospitalaria patrocina el premio de esta sección, que tendrá una dotación de 10.000 euros.
El jurado de esta sección estará integrado por tres representantes de la Confederación Internacional de Cines de Arte y Ensayo (CICAE por sus siglas en francés), asociación creada en 1955 con el objetivo de promover la diversidad cultural en cines y festivales, así como impulsar políticas de apoyo a las salas que se posicionaban a favor de esta forma de arte cinematográfico. La organización reúne a más de 2.400 salas de cine de autor en 45 países del mundo.
Ocho títulos integran la sección, firmados por talentos emergentes, nombres que, en la apuesta firme y definitoria de Seminci por el descubrimiento de nuevos autores y miradas todavía desconocidas en España, copan el grueso de Alquimias. Junto a ellos, los consagrados Lav Diaz (Melancholia, From What Is Before) y el dúo formado por DK y Hugh Welchman (Loving Vincent), que presentan sus trabajos por primera vez en Valladolid y acompañan a otras voces que comienzan a sonar con fuerza en el circuito internacional, como el iraní Ali Ahmadzadeh (Kami’s Party y Atomic Heart).
Su película Critical Zone, galardonada con el Leopardo de Oro de Locarno, es una road movie callejera que viaja a lomos del coche de un pequeño traficante que constituye una crónica del Teherán nocturno y su fauna urbana más clandestina: drogas, prostitución y contrabando. Ali Ahmadzadeh retrata una juventud hastiada de la represión y el fundamentalismo en esta película rodada de forma clandestina en la capital iraní. El cineasta acudirá a Valladolid a presentar su película, después de no poder hacerlo en Locarno ni recoger el Leopardo de Oro por la prohibición de las autoridades iraníes de abandonar el país, que además presionaron para que la película fuera retirada del certamen suizo.
Critical Zone
De venganza y asuntos irresueltos trata Femme, ópera prima de Sam H. Freeman y Ng Choon Ping, que adaptan su cortometraje homónimo de 2021 sobre una drag queen que se encuentra en una sauna gay con un joven que meses antes le propinó una paliza. Proyectada en la sección Panorama de la Berlinale, George MacKay (1917, The Beast –programada en Sección Oficial-) y Nathan Stewart-Jarrett (Misfits, Utopía) interpretan a dos amantes que se adentran por un laberinto cada vez más turbio y complejo. YouPlanet distribuye la película en España, seleccionada a los premios EFA de la Academia del Cine Europeo.
Femme
Bajo otra luz, la de los focos y los neones, se desarrolla The Beast in the Jungle, de Patric Chiha (Brothers of the Night, Si c’était de l’amour), que compitió en Panorama en la Berlinale. Adaptación libre de la novela homónima de Henry James –la misma que ha inspirado la película The Beast, de Bertrand Bonello, programada en Sección Oficial, la historia transcurre durante 25 años (de 1979 a 2004) en un enorme club nocturno, donde un hombre y una mujer observan y esperan un evento desconocido, mientras seguimos la evolución de la música disco a la tecno como banda sonora de la historia de una obsesión. Surtsey Films se encarga de la distribución en España de esta película, que protagoniza Anaïs Demoustier (Los consejos de Alice, La chica del brazalete, La casa junto al mar).
The Beast in the Jungle
La esperada película de los directores de Loving Vincent, el dúo formado por DK y Hugh Welchman, completa la selección de Alquimias: En nombre de la tierra, un film de animación pictórica estrenado en el Festival de Toronto y propuesto por Países Bajos como candidato al Óscar a la mejor película internacional. Adaptación de la novela Los campesinos del premio Nobel de Literatura Władysław Reymont, esta historia ambientada en la campiña polaca a caballo entre los siglos XIX y XX, está protagonizada por una joven campesina obligada a casarse con un granjero rico y mucho mayor, pese a que ella está enamorada de su hijo. Karma Films distribuye la película en España.
En otro entorno rural, esta vez en Filipinas, se sitúa Essential Truths of the Lake, con la que el maestro Lav Diaz, ganador de León de Oro en Venecia en 2016 por The Woman Who Left, llega por primera vez a la Seminci. El realizador asiático denuncia las atrocidades del régimen de Duterte a través de este thriller sobre un crimen sin resolver protagonizada por Hermes Papauran, un detective atormentado por un pasado difuso y enfrentado a una encrucijada moral.
Essential Truths of the Lake
La realizadora iraní Sepideh Farsi (Tehran without Permission), declarada persona non grata por el régimen de la república islámica y con la entrada prohibida en su país –reside en París desde 1984-, se estrena en la animación con La Sirène tras una brillante carrera en la ficción (Le Voyage de Maryam, Dreams of Dust, Red Rose) y el documental (Le Monde est ma maison, Hommes de Feu). Su nuevo film abrió la sección Panorama de la Berlinale y compitió en la Oficial de Annecy, donde ganó el premio a la mejor banda sonora. La Sirène es una conmovedora historia antibélica con el sitio de la ciudad iraní de Abadán por parte de las fuerzas iraquíes como trasfondo, donde un adolescente que intenta huir en mitad de los enfrentamientos durante la guerra entre Irán e Irak, en 1980.
Sobre otro suceso real, el enfrentamiento en 1968 entre los estudiantes de la Universidad de São Paulo, contrarios a la dictadura militar, y los de la Mackenzie, favorables a ella, versa A Batalha da Rua Maria Antônia, segundo largometraje de Vera Egito. Cuando estalla el enfrentamiento, se lanzan gritos, bombas molotov, piedras, palos, bombas caseras y un niño inocente muere. La realizadora aborda este capítulo de la historia brasileña con una película que, mediante 21 planos-secuencia, retrata un enfrentamiento entre mentalidades opuestas que guarda inquietantes paralelismos con los días que vivimos, a través de la crónica de un grupo de jóvenes que participa en las protestas en defensa de un ideal.
Tres hermanos, ganadora del Premio Especial del Jurado en el Festival de Mar del Plata, supone también la segunda incursión en el largo de Francisco J. Paparella, que despliega un trepidante y angustioso cruce entre wéstern y thriller ambientado en la Patagonia argentina, cuyo paisaje majestuoso e inhóspito se presenta como el escenario de una historia cruda y violenta donde los tres hermanos del título, seres primitivos, disfuncionales y excesivos, viven presos de sus traumas familiares, en un film que rememora la película de Sorogoyen As Bestas con acento argentino.
Tres hermanos
«Historias para no dormir». Los orígenes de lo fantástico en la televisión española
Historias para no dormir (TVE, 1966-1968; 1982), la mítica serie de televisión de Narciso (Chicho) Ibáñez Serrador, fue una de las primeras obras de consumo popular que apostó con gran éxito por los relatos fantásticos y terroríficos en la España de posguerra, tras un periodo cultural dominado por el realismo social.
Este libro de la investigadora Ada Cruz Tienda (Grupo de Estudios Sobre lo Fantástico de la Universitat Autònoma de Barcelona) ofrece una inmersión en la poética fantástica del autor, reconstruyendo el contexto en el que surge Historias para no dormir (con el fin de identificar los factores textuales y paratextuales que influyeron en el cambio de paradigma que entonces experimentó el género) y analizando sus episodios más representativos. También observa las diferencias y similitudes que existen en el tratamiento que Ibáñez Serrador dio a los diversos géneros con que exploró sus terrores favoritos (fantástico, ciencia ficción, terror físico, género policíaco…).
Chicho, que llevó la ficción fantástica a los diferentes medios de comunicación de la segunda mitad del siglo XX, logró conformar un estilo que sin duda condicionó la percepción del género en un público español aún no iniciado. Su aportación a la evolución de lo fantástico en nuestro país se hace evidente cuando se observa la inmediata proliferación de espacios televisivos –y en otros soportes– que apostaron por esta categoría estética poco después de las primeras emisiones de la serie, y de los cuales también se hace un breve repaso al final de esta publicación.
El autor
ADA CRUZ TIENDA. Doctora en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada y licenciada en Periodismo por la Universitat Autònoma de Barcelona. Como miembro del Grupo de Estudios sobre lo Fantástico, con sede en la misma universidad, sus principales líneas de investigación giran en torno a la presencia, formas y sentidos de lo fantástico en la televisión española y su influencia en el desarrollo del género en otros soportes mediáticos. Es autora de la tesis doctoral Los inicios de lo fantástico en la televisión española: Historias para no dormir y su herencia audiovisual (1966-1976) (2016), además de diversos artículos académicos sobre el género y de los capítulos dedicados a la televisión en Historia de lo fantástico en la cultura española contemporánea (1900-2015) (Iberoamericana-Vervuert, 2017), ensayo colectivo dirigido por David Roas, e Historia de la ciencia ficción en la cultura española (Iberoamericana-Vervuert, 2018), editado por Teresa López-Pellisa. Ha sido coordinadora del servicio pedagógico del centro de arte contemporáneo Estruch de Sabadell, responsable de comunicación del festival literario FLIC (Tantàgora) y, actualmente, coordina el Club de Lectura Fantástico de Librerío de la Plata de Sabadell e imparte clases de lengua y literatura española.
Autor: Ada Cruz Tienda, Editorial: Shangrila, Colección Fantasmagorías, Páginas: 316
La mirada femenina se impone entre las nuevas voces presentes en la Seminci
Dos de las sensaciones de Cannes, las óperas primas How to Have Sex, de la británica Molly Manning Walker, y The Sweet East, del norteamericano Sean Price Williams, competirán por la Espiga de Oro.
Punto de Encuentro toma protagonismo y se convierte en una sección esencial para entender el cine de hoy con la presencia de los talentos emergentes del panorama internacional y con once títulos dirigidos por mujeres, el 73% del total.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid amplía su mirada con una contundente presencia en su programación de algunos de los referentes actuales del cine indie americano y de los talentos emergentes de otras cinematografías a los cuales la industria audiovisual sigue muy de cerca. Sus propuestas vibrantes y provocadoras estarán presentes en las secciones Oficial y Punto de Encuentro y convertirán la 68 edición en un espacio para el descubrimiento de obras sorprendentes y originales, que marcarán el camino futuro del cine con sus miradas nuevas y distintas.
La Sección Oficial programará en competición dos de los títulos más esperados, polémicos y que han generado más conversación del cine indie de los últimos tiempos, primeros trabajos de dos excelentes directores de fotografía: How to Have Sex, de la británica Molly Manning Walker, y The Sweet East, del norteamericano Sean Price Williams.
How to Have Sex aborda la cuestión del consentimiento sexual a través de la historia de tres amigas británicas que, al terminar el instituto, se escapan a una isla griega con el firme propósito de emborracharse, bailar y ligar en el que se supone que será el mejor verano de sus vidas. El film de Molly Manning Walker llega a la Sección Oficial tras ganar el premio de la sección Un Certain Regard del pasado Festival de Cannes. Manning da una vuelta de tuerca feminista a las películas de pérdida de la virginidad y cuestiona las presiones sociales sobre las mujeres que subyacen en las liturgias de desinhibición típicas de estos contextos.
Sean Price Williams, habitual de directores indies como Josh y Benny Safdie, Michael Almereyda, Alex Ross Perry o Abel Ferrara, debuta con The Sweet East, película filmada como una variación de “Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas” que celebró su estreno mundial en la Quincena de Cineastas Cannes. La película es un viaje al radicalismo y la locura de la Norteamérica contemporánea por las ciudades y paisajes de la costa Este norteamericana, donde la joven Lillian, tras escaparse de su viaje de estudios con sus compañeros de instituto, descubre a los outsiders de la sociedad: supremacistas blancos, radicales islámicos, neopunks… La película está protagonizada por Talia Ryder (Nunca, casi nunca, a veces, siempre) y Jacob Nathaniel Elordi (The Kissing Booth, Euphoria).
Punto de Encuentro
Punto de Encuentro será esta 68 edición de Seminci un lugar para descubrir las películas que abren nuevas perspectivas en el panorama contemporáneo, realizadas por talentos incipientes de espíritu indomable. Esta sección competitiva, que reúne primeras y segundas películas de ficción, reúne una selección de títulos en la que predomina la mirada femenina, con 11 de los 15 títulos que integran Punto de Encuentro firmados por directoras, el 73% del total.
The Feeling That The Time For Doing Something Has Passed es una autoficción autoparódica de escritora, directora y actriz norteamericana Joanna Arnow proyectada en la Quincena de Cineastas de Cannes y apadrinada por el pope del cine indie Sean Baker. Arnow también protagoniza esta película con tintes de comedia, en la que interpreta a una mujer cercana a los 40 años que se siente estancada en todas sus facetas vitales: tiene un trabajo precario, tiene una desapasionada relación sadomasoquista con un hombre mucho mayor y sufre a su conflictiva familia.
Luna Carmoon, cineasta británica de formación autodidacta, fue una de las grandes sorpresas de la Semana de la Crítica del Festival de Venecia, certamen donde su ópera prima, Hoard, obtuvo varios reconocimientos, entre ellos, una mención del jurado para su protagonista, Saura Lightfoot Leon, y el premio Authors Under 40 a la mejor dirección y guion. Hoard es una historia intensa y por momentos macabra sobre María, una joven separada de su madre cuando era pequeña por los servicios sociales, cuyos traumas infantiles afloran y desembocan en comportamientos degradantes cuando un viejo conocido, interpretado por Joseph Queen (Stranger Things, Gladiator II), entra en la casa de su familia adoptiva y abre la puerta a traumas pasados, magia y locura.
Hello Dankness, film inclasificable, disparatado y gamberro que firma el dúo Soda Jeck –formado por las hermanas australianas Dan y Dominique Angeloro- será uno de los acontecimientos que más dará que hablar esta 68 Seminci. Hello Dankness retrata los cambios experimentados por la sociedad estadounidense desde Trump engarzando fragmentos de 300 películas y programas de televisión –desde American Beauty a Star Wars, pasando por las presidenciales de 2016 o el #MeToo– para componer un tapiz anárquico. Estrenado en la sección Panorama de la Berlinale, el público solo podrá ver el film en su proyección en el festival ya que el uso de imágenes ajenas sitúa esta producción en los límites de la legalidad y es imposible su estreno en cines o plataformas.
Por su parte, Bill y Turner Ross son probablemente los cineastas independientes estadounidenses más innovadores del momento, cuyos trabajos anteriores, enmarcados en el cine de no ficción, han participado en los festivales de Sundance y Berlín y este mismo año ha sido objeto de una retrospectiva en el Centro Pompidou de París. Los hermanos Ross participan en Punto de Encuentro con su primer largo de ficción, Gasoline Rainbow, una road-movie estrenada en Venecia, en el que cinco adolescentes viajan a la costa del Pacífico y vivir una última aventura antes de iniciar la vida adulta a bordo de una destartalada furgoneta.
La película de Sirocco y el reino de los vientos, que inauguró el Festival de Annecy y recibió el premio del público, supone la primera presencia de un largo de animación en la sección Punto de Encuentro desde hace once años. El primer film en solitario del francés Benoît Chieux, que evoca el cine del maestro Hayao Miyazaki, es la historia de dos intrépidas hermanas de 4 y 8 años lucharán por volver al mundo real desde El Reino de las Corrientes de Aire, su libro favorito, al que han accedido por un pasaje secreto y se han transformado en gatas. La historia, aparentemente infantil pero con distintos niveles de lectura, ha sido coescrita por Chieux junto al nominado al Oscar Alain Gagnol (Un gato en París y Phantom Boy).
Stepne, de la realizadora ucraniana Maryna Vroda, Palma de Oro del Festival de Cannes por su corto Cross, participa en Punto de Encuentro con una historia de supervivencia colectiva no exenta de toques de humor que bucea en la identidad ucraniana a través de las voces de los ancianos. Stepne llega a Seminci tras su estreno en el Festival de Locarno.
One Last Evening, estrenada en la Sección Oficial del Festival de Roterdam y ganadora del premio First Look del Festival de Locarno, supone el debut del actor, guionista y director alemán Lukas Nathrath. One Last Evening es una comedia que retrata con empatía y ternura el desconcierto vital de un grupo de amigos treintañeros que acuden a una fiesta de despedida y acaba desembocando en una batalla de egos.
The Quiet Migration, de Malene Choi, directora surcoreana afincada en Dinamarca, regresa a la sección en la que ganó el primer premio en la 63 Seminci con su primer largo, The Return. Choi lleva a la pantalla su propia experiencia en The Quiet Migration, donde el joven Carl –un joven coreado adoptado por una familia danesa- siente que ha llegado el momento de elegir entre su hogar actual y su país natal en un film cómico y tierno ganador del premio FIPRESCI en la sección Panorama de la Berlinale.
La directora griega Sofía Exarchou explora en su segundo film, Animal, la cara B del paraíso visitando la trastienda de los trabajadores que animan un ‘todo incluido’ en el resort de lujo del Hotel Mirage situado en un isla griega. Tras ser seleccionada para el Laboratorio de Guionistas y Directores de Sundance en 2014, Exarchou se convirtió en una de las grandes sorpresas del circuito indie con Park, su primer largometraje, estrenado en el Festival de Toronto y premiado en el de San Sebastián con el premio nuevos directores.
Sweet Dreams, segundo largo de la cineasta bosnio-holandesa Ena Sendijarević, es un drama de época poco convencional al principio. Ambientado en una remota plantación de azúcar en las Indias Orientales Holandesas alrededor del año 1900, Sweet Dreams es una ficción mágica con toques surrealistas que, a través de una película de aparente corte histórico que tiende un puente hacia el espectador del presente para ponerlo frente al espejo del mundo actual.
Arthur & Diana, segundo largo de la directora alemana Sara Summa presentado en el Festival de Locarno, alude a los dos hermanos protagonistas de esta historia, interpretados por la propia directora y su hermano en la vida real, quienes viajan de Berlín a París para realizar la inspección anual de su destartalado Renault, herencia de su padre fallecido. Esta road movie es una comedia ligera y un tanto aventurera llena de personajes inesperados, pequeñas aventuras, problemas solucionables y cambios de rumbo.
The Cage is Looking for a Bird, debut de la cineasta chechena Malika Musaeva apadrinado por el maestro ruso Alexander Sokurov, Proyectada en la sección Encounters de la Berlinale –la primera película en lengua chechena programada en un gran festival-, Musaeva elige actores no profesionales para retratar su Chechenia natal a través de la las historias de varias mujeres.
Estos títulos, junto a los ya anunciados Muyeres, de Marta Lallana; Negu hurbilak, de Colectivo Negu, y On the Go, de María Giséle Royo y Julia De Castro, completan la programación de largometrajes en competición de la sección Punto de Encuentro.
«Dream Scenario» será la encargada de clausurar Sitges 2023
La 56ª edición del SITGES – Festival de Cinema Fantàstic de Catalunya clausurara con la comedia de terror ‘Dream Scenario’, producida por A24 y con un clásico de Sitges como Nicolas Cage a la cabeza, será la encargada de cerrar el festival en una proyección que promete ser toda una fiesta.
Paul Matthews (Nicolas Cage) es un profesor y padre de familia corriente; con una vida aparentemente normal, pero todo cambia cuando, de repente, millones de personas empiezan a soñar con él. Al principio, este extraño suceso resulta una bendición para Paul, pero a medida que los sueños empiezan a cambiar en su tono, empezará a convertirse en una pesadilla… Ari Aster (MIDSOMMAR, BEAU TIENE MIEDO’) produce, junto al sello A24, esta ambiciosa comedia surrealista con guion y dirección a cargo del noruego Kristoffer Borgli, director de la sorprendente comedia negra ‘SICK OF MYSELF’. Nicolas Cage (‘MANDY’, ‘COLOR OUT OF SPACE’) encabeza un reparto de lujo que cuenta con nombres de primer nivel como Julianne Nicholson (‘BLONDE’, ‘YO, TONYA’), Michael Cera (‘BARBIE’, ‘SCOTT PILGRIM VS THE WORLD’) y el veterano Dylan Baker (‘RÉQUIEM POR UN SUEÑO’, ‘SPIDER-MAN 2’).
‘DREAM SCENARIO’ llega a Sitges2023 tras su paso por el Festival de Toronto (TIFF), con buena recepción por parte de público y crítica, destacando especialmente la interpretación de un Nicolas Cage en su salsa. La película, supone además la primera colaboración entre el veterano actor estadounidense y el estudio A24, que ha revolucionado el cine de terror en la última década. Su pase en Sitges será además el primero fuera de Norte América y se producirá un mes antes de su estreno en Estados Unidos.
Filmoteca Española acoge una muestra cinematográfica conmemorativa del cincuenta aniversario del golpe de Estado en Chile
La muestra está comisariada por el Archivo de la Cineteca Nacional de Chile
Su presentación, que se celebrará el 12 de septiembre en el cine Doré, contará con la presencia del embajador de Chile en España, Javier Velasco
En el mes en el que se cumplen cincuenta años del golpe de Estado en Chile, Filmoteca Española, organismo dependiente del Ministerio de Cultura y Deporte encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico español, acoge una muestra cinematográfica comisariada por el Archivo de la Cineteca Nacional de Chile.
Tal día como hoy, el 11 de septiembre de 1973, varios sectores del ejército chileno se aliaron para acometer un golpe de Estado contra una democracia ejemplar en Latinoamérica, asaltando el Palacio de la Moneda, y tumbando el gobierno democrático de Salvador Allende.
Tras el golpe, se instaló un régimen dictatorial, represivo y criminal encabezado por Augusto Pinochet que, a lo largo de 17 años dejó un país partido en dos con miles de detenidos desaparecidos, asesinados y exiliados.
El cine ha sido en Chile un instrumento fundamental para mantener vivas las reflexiones en torno a estas cinco últimas décadas. En este periodo, se han producido cientos de películas desde Chile así como fuera de sus fronteras, por sus exiliados en el extranjero.
Filmoteca Española acoge esta muestra cinematográfica comisariada por el Archivo de la Cineteca Nacional, centro que tuvo como una de sus primeras misiones —desde su creación en 2006— localizar y rescatar esta producción, generando una memoria audiovisual del país, que se retroalimenta de manera constante a través de nuevos hallazgos documentales que enriquecen su fondo.
La selección de películas que configuran la muestra da cuenta de este trabajo realizado a lo largo de sus 17 años de existencia, así como de su búsqueda y continua reflexión sobre los hechos que, tras medio siglo de procesos, siguen repercutiendo en el presente del país.
El cine Doré, sala de proyecciones de Filmoteca Española, acogerá las cuatro sesiones de la muestra así como su presentación el 12 de septiembre, que contará con la presencia del embajador de Chile en España, Sr. Javier Velasco Villegas. En esa sesión de presentación, se proyectará `Compañero presidente´ (1971), mítico documental de Miguel Littin que retrata las conversaciones de Salvador Allende con el filósofo francés Régis Debray.
SESIONES
12 de septiembre – 18:00
`Compañero presidente´ (Miguel Littin, 1971)
13 de septiembre – 19:30
`El cine de la dictadura´ (Jorge Morgado, 1975)
14 de septiembre – 19:30
`No olvidar/Cien niños esperando a un tren´ (Ignacio Agüero)
15 de septiembre – 19:00
`Fragmentos de un diario inacabado´ (Angelina Vázquez, 1983)
Primer tráiler para «Kalak», lo nuevo de Isabella Eklöf
Tras haber colaborado en el guion de la premiada Border (2018), y ponerse por primera vez detrás de las cámaras con la polémica Holiday (2018), la realizadora de origen sueco Isabella Eklöf tiene ya listo su segundo largometraje titulado Kalak, film cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, basada en la novela autobiográfica del escritor noruego Kim Leine, competirá por la Concha de Oro en la inminente edición del Festival de cine de San Sebastián.
Kalak nos cuenta como Jan, un enfermero que también es padre, fue abusado sexualmente por su padre cuando era adolescente. Trabajando en Nuuk, Groenlandia, intenta conectarse con la cultura a través del sexo. Cuando alguien lo llama Kalak, una palabra groenlandesa que tiene el doble significado de denotar tanto a un groenlandés «verdadero» como a un «sucio», usa el epíteto como una insignia de honor.
La película, con guion a cargo de la propia Isabella Eklöf junto a Kim Leine y Sissel Dalsgaard Thomsen, está protagonizada por Emil Johnsen, Asta Kamma August, Soren Hellerup, Connie Kristoffersen y Hans Jukku Noahsen.
Programación completa del Sitges 2023
Los últimos trabajos de Hayao Miyazaki, Yorgos Lanthimos, Takeshi Kitano, Hideo Nakata entre otros muchos estarán presentes este año en el SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
Unas sesiones muy especiales
Empezamos el repaso a los nuevos títulos anunciados con las películas que formarán parte de la Sección Oficial Fantàstic, pero sin competir por los premios. Algunas de ellas están entre las más esperadas del año, como por ejemplo el caso de ‘POBRES CRIATURAS’, última película de Yorgos Lanthimos y flamante León de Oro en el Festival de Venecia. Una fantástica Emma Stone protagoniza una historia sobre empoderamiento femenino con toques fantásticos y el humor particular que caracteriza la obra del cineasta griego. Otro de los grandes nombres, éste nacional, es el de J. A. Bayona quien presenta, ‘LA SOCIEDAD DE LA NIEVE’, película que hace tan solo unos días clausuraba el Festival de Venecia. También se proyectará ‘EL CHICO Y LA GARZA’, la última película de una leyenda de la animación como Hayao Miyazaki; que ha sido un gran éxito en Japón a pesar de estrenarse sin ningún tipo de promoción por petición expresa de su propio autor: ni tráileres, ni imágenes ni siquiera sinopsis.
Otros nombres presentes en estas sesiones especiales incluyen a uno de los directores españoles más internacionales, Daniel Benmayor, que presenta, por primera vez, el thriller de ciencia ficción ‘AWARENESS’; el portugués Gabriel Abrantes también nos trae un thriller, ‘AMELIA’S CHILDREN’; si regresamos a la ciencia ficción, ‘UFO SWEDEN’, largometraje dirigido por el colectivo de cineastas suecos Crazy Pictures, es un gran ejemplo, igual que la estadounidense ‘ALIENS ABDUCTED MY PARENTS AND NOW I FEEL KINDA LEFT OUT’, aunque en este caso Jake Van Wagoner, su director, juega más en el terreno de la comedia. Similar es el caso de ‘THE TOXIC AVENGER’, el esperado remake del clásico de culto de 1984 que firma el director estadounidense Macon Blair.
Para terminar, un título de corte más clásico que hará las delicias de los fans del terror: ‘BLOOD DE BRAD ANDERSON’ del estadounidense Brad Anderson (valga la redundancia) es un filme impactante que, a pesar de sus elementos sobrenaturales destaca por el realismo que envuelve a la historia de terror.
Y para los aficionados más extremos, tenemos las dos propuestas que llegan al Especial Mitjanit de la Sección Oficial: ‘LA BALA DE DIOS’, thriller de acción del director estadounidense Nick Cassavetes, con un reparto de lujo encabezado por Nikolaj Coster-Waldau y ‘THE DEEP DARK’, una espeluznante muestra de cine de monstruos que dirige Mathieu Turi, que estuvo en el Festival hace tres años presentando la sorprendente ‘EL TUBO’.
Òrbita: la sección más asiática
El Festival de Sitges siempre ha sido un punto de encuentro para los aficionados del cine asiático, que este año van a estar exultantes al conocer la programación de una sección Òrbita, que confirma, un año más, que SITGES2023 sigue fiel a su espíritu global. Teniendo en cuenta la importancia del thriller en la sección (reservada a aquellos géneros limítrofes con el fantástico) no resulta extraño que Corea del Sur se erija como la reina de la sección, ya que se añaden cuatro títulos a la ya anunciada ‘FUERZA BRUTA: SIN SALIDA’: ‘CONCRETE UTOPIA’ de Um Tae-hwa, una película de catástrofes que fue un éxito tanto en su pase de Cannes como en la taquilla coreana durante este verano, ‘LOS OJOS DE LA NOCHE’ de Ahn Tae-jin, thriller sobre un acupunturista ciego que resulta ser el único testigo de un asesinato, ‘SMUGGLERS’ de Ryoo Seung-wan, un thriller policíaco ambientado en un pequeño pueblo costero durante los años 70 y ‘THE CHILDE’, un drama con pinceladas de thriller que dirige Park Hoon-jung, uno de los directores coreanos de género más reconocidos (junto a Ryoo Seung-wan) de la última década.
Siguiendo con los títulos asiáticos, hay un nombre que es sinónimo de Sitges (hasta rodó una película aquí) y no podía faltar: Takashi Miike nos trae, en primicia mundial, ‘LUMBERJACK THE MONSTER’, su última locura. Tampoco podía faltar un thriller de Hong Kong, a la ya anunciada ‘MAD FATE’ de Soi Cheang se le suma ‘WHERE THE WIND BLOWS’, filme dirigido por Philip Yung y que cuenta con un reparto de lujo que encabeza Tony Leung. También desde la periferia (pero en el otro extremo) llegan ‘PROPRIEDADE’ del brasileño Daniel Bandeira, un relato claustrofóbico sobre una mujer traumatizada llevada a una situación límite y ‘LA EXTORSIÓN’ del argentino Martino Zaidelis, un astuto thriller sobre un piloto obligado a colaborar con los servicios de inteligencia nacionales.
La sección también contará con dos títulos estadounidenses: ‘BLACK FLIES’, un thriller de Jean-Stéphane Sauvaire que protagonizan Tye Sheridan y Sean Penn y ‘THE LAST STOP IN YUMA COUNTY’ de Francis Galluppi, otro thriller en el que un vendedor ambulante de cuchillos se verá convertido en rehén por unos ladrones de bancos.
Acabamos el repaso a Òrbita por Europa con cuatro títulos más: los thrillers de acción británicos ‘JACKDAW’ de Jamie Childs (que se estrena en el largometraje) y ‘JERICHO RIDGE’ de Will Gilbey, director ya conocido del Festival; ‘NIGHT OF THE HUNTED’ del director francés Franck Khalfoun y ‘DIABOLIK: GINKO ALL’ATTACCO’, una secuela de los hermanos Antonio y Marco Manetti, quienes ya presentaron la primera parte en Sitges.
Panorama: el mejor terror actual
La sección Panorama nos ofrece premieres españolas de algunos de los títulos de terror más interesantes del año. Esta vez empezamos por los Estados Unidos, país con una mayor representación en la sección: Anna Zlokovic firma ‘APPENDAGE’, cinta de terror con toques de humor, pero realmente aterradora; Larry Fessenden presenta una nueva muestra de terror licántropo con ‘BLACKOUT’, Alan Scott Neal nos trae ‘LAST STRAW’, una historia de terror narrada desde dos perspectivas distintas y Jenn Wexler dirige ‘THE SACRIFICE GAME’, historia en la que dos jóvenes estudiantes deberán hacer lo necesario para sobrevivir a un peligro desconocido que acecha en su residencia. También de América, en este caso México, llega ‘RABIA’, otra cinta de hombres lobo con Jorge Michel Grau detrás de las cámaras. Del otro extremo del planeta, Australia, aterrizan dos propuestas de terror canónico: ‘EL EXORCISMO DE EASTFIELD’, una historia basada en hechos reales de Nick Kozakis y ‘YOU’LL NEVER FIND ME’, terror claustrofóbico que llega de las manos de Josiah Allen e Indianna Bell.
La programación asiática de la sección, sin ser tan extensa como en Órbita, es también significativa, con la presencia de dos películas japonesas, ‘#MANHOLE’ de Kazuyoshi Kumakiri y la ya mencionada ‘THE FORBIDDEN PLAY’ de Hideo Nakata, la coreana ‘PROJECT SILENCE’ de Kim Tae-gon, que se estrenó en la pasada edición de Cannes y la comedia de terror hongkonesa ‘LET IT GHOST’ de Hoi Wong. En cuanto a las representantes europeas, un total de cuatro películas estarán en competición: ‘NINA DEI LUPI’ del italiano Antonio Pisu, ‘RESTORE POINT’ del director checo Robert Hloz, ‘SUPERPOSITION’ de la danesa Karoline Lyngbye y ‘HOOD WITCH’ del francés Saïd Belktibia.
A todos estos títulos hay que sumarle cinco películas que se proyectarán fuera de competición: las japonesas ‘IMMERSION’ de Takashi Shimizu (otro gran nombre del j-horror) y las dos partes del live-action ‘TOKYO REVENGERS 2’, dirigidas por Tsutomu Hanabusa; la comedia de terror ‘CUANDO LOS AMOS DUERMEN’ del español Santiago Alvarado Ilarri y ‘THE PRIMEVALS’, el proyecto soñado de David Allen, leyenda de la creación de efectos visuales desde la década de los 70 hasta los 90, que se ha podido finalizar veinte años después de su fallecimiento.
20 años de Noves Visions
La sección Noves Visions, que este año celebra su 20 cumpleaños, es ideal para descubrir pequeñas joyas no tan comerciales o conocidas como el resto. Con motivo de su aniversario, se realizará una proyección especial de ‘EL DESPRECIO’ de Jean-Luc Godard en 4K, una película que representa a la perfección el espíritu de la sección. Si hablamos de los filmes en competición, este año la variedad de países es tan grande que no hay ninguno que tenga a más de dos representantes. Entre estos, se encuentra Bélgica con ‘LUKA’ de Jessica Woodworth y ‘THE LAST ASHES’ de Loïc Tanson, Japón con ‘MONDAYS: SEE YOU “THIS” WEEK!’ de Ryo Takebashi y ‘RIVER’ de Junta Yamaguchi (autor de la gran sensación ‘MÁS ALLÁ DE LOS DOS MINUTOS INFINITOS’), Francia con ‘THE VOURDALAK’ de Adrien Beau (premiada en la Semana de la Crítica de Venecia) y ‘EN ATTENDANT LA NUIT’ de Céline Rouzet y Canadá con ‘MY ANIMAL’ de Jacqueline Castel y ‘HUMANIST VAMPIRE SEEKING CONSENTING SUICIDAL PERSON’ d’Ariane Louis-Seize (gran triunfadora de las Jornadas de los Autores de Venecia).
La programación de la sección la completan ‘EMBRYO LARVA BUTTERFLY’ del griego Kyros Papavassiliou, ‘HALFWAY HOME’ del húngaro Isti Madarász, ‘HUNDREDS OF BEAVERS’ del estadounidense Mike Cheslik, ‘LA ÚLTIMA NOCHE DE SANDRA M.’ del español Borja de la Vega, ‘MIMÌ – PRINCE OF DARKNESS’ del italiano Brando De Sica (nieto del legendario Vittorio De Sica), la coproducción de Indonesia y Singapur ‘MOTEL MELATI’, dirigida por Mike Wiluan y Billy Christian, ‘RAGING GRACE’ del británico Paris Zarcilla, ‘THE FUNERAL’ del turco Orçun Behram, ‘THE INVISIBLE FIGHT’ del director estonio Rainer Sarnet y ‘TELA DE ARAÑA’ del reconocido director coreano Kim Jee-woon, que será el encargado de clausurar la sección.
La mejor animación se encuentra en Anima’t
Anima’t es sin duda una de las secciones con más encanto del Festival. Como suele pasar cada año, Japón demuestra su condición de potencia mundial en animación con un total de tres películas en competición: ‘KOMADA – A WHISKY FAMILY’, una historia original de Masayuki Yoshihara centrada en una familia y su lugar de trabajo; ‘LONELY CASTLE IN THE MIRROR’ de Keiichi Hara, una película donde los espejos se convierten en un portal que lleva a otras realidades y ‘SAND LAND’, largometraje basado en una obra de Akira Toriyama (creador de Bola de Dragón y guionista de la película) y dirigido por Toshihisa Yokoshima.
‘HEAVIES TENDRES’ se suma a la ya anunciada ‘ROBOT DREAMS’ como representantes españolas de la sección. Se trata de una historia en la que dos jóvenes encontrarán un refugio en la música heavy metal y que viene firmada por Joan Tomàs, Carlos Pérez-Reche y Juanjo Sáez. El checo Filip Posivac presenta ‘TONY, SHELLY AND THE MAGIC LIGHT’ tras haber ganado el Premio especial del jurado en la sección Contrechamp del Festival de Annecy; una conmovedora historia de amistad y diversidad realizada en stop motion. Por último, no podía faltar una producción francesa: ‘MARS EXPRESS’ de Jéremi Périn es una cinta que navega entre la ciencia ficción y una historia detectivesca.
Además de las películas que compiten, se proyectarán cuatro largometrajes más en el marco de la sección: las japonesas ‘FEAST OF AMRITA’ de Saku Sakamoto y ‘PHOENIX: REMINISCENCE OF FLOWER’ de Shojiro Nishimi se proyectarán fuera de competición. En el caso del clásico de 1982 ‘LES MAÎTRES DU TEMPS’ del francés René Laloux (con diseño de personajes de Moebius), una proyección que además será en 4K, y ‘THE SOLDIER’S TALE’, del estadounidense R. O. Blechman. Estas dos últimas proyecciones también formarán parte de Sitges Clàssics.
También en la sección Anima’t pero en el marco de Sitges Clàssics tendremos una sesión de cortos muy especial: ‘100 AÑOS DE WALT DISNEY ANIMATION STUDIOS: UN HOMENAJE A SUS CORTOS’. La proyección incluirá un total de 11 cortos, desde algunos de la década de los 20 y 30 hasta otros de esta última década.
Recuperando clásicos conocidos (y otros no tanto)
Seguimos con la sección Sitges Clàssics, de la que acabamos de mencionar ya algunos títulos. La selección de este año presenta una excelente combinación entre clásicos que no necesitan ninguna introducción entre los fans del cine de terror y películas más desconocidas que merecen ser vistas en las mejores condiciones. En este primer grupo tendríamos las versiones en 4K de ‘EL EXORCISTA’ de William Friedkin, ‘EL RESPLANDOR’ de Stanley Kubrick y ‘THE WICKER MAN’ de Robin Hardy. Otras películas que podríamos incluir en este primer grupo son ‘KING KONG’, ‘STAR TREK – THE MOTION PICTURE – THE DIRECTOR’S CUT’, la última versión de la primera película de la saga Star Trek o ‘THE RAID’ de Gareth Evans, que a pesar de no ser un clásico por antigüedad lo es por el impacto que causó en 2011 cuando se proyectó por primera vez en Sitges.
En cuanto al segundo grupo, aunque no tan conocidos, los títulos son igual de reivindicables: ‘SIESTA’, el debut en el cine de Mary Lambert, la muy reciente ‘LAKE MICHIGAN MONSTER’ del estadounidense Ryland Brickson Cole Tews, ‘PSYCHIC VISION: JAGANREI’ del japonés Teruyoshi Ishii, ‘ANGUSTIA DEL SILENCIO’, una de las mejores películas de Lucio Fulci, uno de los grandes maestros del giallo, ‘LA MÁSCARA DEL DEMONIO’ del italiano Lamberto Bava (Premio Honorífico en esta 56a edición), ‘MUNDO CANÍBAL, MUNDO SALVAJE’, del también italiano Ruggero Deodato y la proyección en 4K de ‘LOS NUEVOS EXTRATERRESTRES’ de Juan Piquer Simón. Y para rematar, programa doble de bruceploitation con ‘ENTER THE GAME OF DEATH’ de Tso Nam Lee y ‘DRAGON LIVES AGAIN’ de Chi Chih Lo.
Recordar, también, que se realizará la retrospectiva titulada ‘Ciudad Pánico’, que rinde homenaje a aquellas ciudades del cine que se transforman en catalizadoras del terror. Se proyectarán un total de siete películas dentro de la retrospectiva: ‘AMENAZA EN LA SOMBRA’ de Nicolas Roeg, ‘EL ALMUERZO DESNUDO’ (4K) de David Cronenberg, ‘GOD TOLD ME TO’ (4K) de Larry Cohen, ‘HOLLYWOOD 90028’ (4K) de Christina Hornisher, ‘LA CASA SIN FRONTERAS’ de Pedro Olea, ‘LOS ÚLTIMOS DÍAS’ de Àlex y David Pastor y ‘PÁJAROS DE CIUDAD’ de Jose María Sánchez Álvaro.
La no-ficción en el Festival de Sitges
El Festival de Sitges también ha apostado siempre por la no-ficción que reflexiona sobre el género y temas relevantes para el contexto de las obras que se han podido ver a lo largo de su historia. En la sección Sitges Documenta se podrán ver algunos de los documentales más interesantes del último año sobre cine de terror y de género en un sentido más general, buena parte de los cuales vienen de los Estados Unidos. Éstos son: ‘THE HISTORY OF METAL AND HORROR’ de Mark Schniff, que explora la relación entre la música heavy metal y el cine de terror; ‘LIVING WITH CHUCKY’ de Kyra Elise Gardner, documental sobre la saga del conocidísimo muñeco diabólico; ‘YOU CAN CALL ME BILL’ de Alexadre O. Philippe sobre William Shatner, actor reconocido sobre todo por su personaje de capitán Kirk en la saga Star Trek, ‘SPOOKTACULAR!’ de Quinn Monahan y ‘KIM’S VIDEO’ de David Redmon y Ashley Sabin en la que el espectador se embarcará en una aventura que trata de recuperar una legendaria colección de películas de un videoclub de Nueva York perdidas en la otra punta del mundo.
De Reino Unido llegan dos documentales que participarán en la sección: ‘DARIO ARGENTO PANICO’ de Simone Scafidi, una aproximación a la obra de uno de los autores más conocidos por los habituales del Festival y ‘LOCH NESS: THEY CREATED A MONSTER’ de John MacLaverty, que explora la leyenda del monstruo del lago Ness a través de las historias de los habitantes de la zona y los “cazadores” del monstruo.
Además, ‘DREAM TIME’ del italiano Claudio Lattanzi también estará en la sección, así como cinco proyecciones más que se realizarán de forma gratuita en el espacio Brigadoon: ‘UN MILLÓN DE ZOMBIES: LA HISTORIA DE PLAGA ZOMBIE’ de Nicanor Loreti y Camilo de Cabo, ‘THE DARKSIDE OF SOCIETY’ de Larry Wade Carrell, ‘SHARKSPLOITATION’ de Stephen Scarlata, ‘OTRA PELÍCULA MALDITA’ de Alberto Fasce y ‘MUJERES SIN CENSURA’ de Eva Vizcarra.
Midnight X-Treme: la sección de los trasnochadores
El Festival de Sitges tiene fans de todo tipo y la sección Midnight X-Treme es para los que siempre quieren más sangre, más tripas y más desmembramientos. Este año serán nueve películas las que conformen la programación: ‘ALL YOU NEED IS BLOOD’, del estadounidense Cooper Roberts, ‘KILL’ del director indio Nikhil Nagesh Bhat, ‘MAD CATS’ del japonés Reiki Tsuno; ‘OS REVIENTO’ del español Kike Narcea; ‘THE WELL’ del italiano Federico Zampaglione; ‘THE WRATH OF BECKY’ de los estadounidenses Matt Angel y Suzanne Coote, ‘TRIGGERED’, película filipina del director Richard V. Somes; ‘WE ARE ZOMBIES’ del trio canadiense François Simard, Annouk Whissel y Yohan-Karl Whissel (que estarán en SITGES2023 por partida doble) y ‘WINNIE THE POOH: MIEL Y SANGRE’, del británico Rhys Frake-Waterfield.
Sitges afianza su idilio con las series
En julio, anunciamos casi todas las series que podrán disfrutar en SITGES2023. A modo de recordatorio eran las siguientes: los dos primeros capítulos de la 2a temporada de ‘30 MONEDAS’, el nuevo trabajo de Álex de la Iglesia; los tres primeros episodios de ‘EL OTRO LADO’, serie original de Movistar Plus+ creada por Berto Romero y que dirigen Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro y los tres primeros capítulos de ‘ROMANCERO’, serie original de Prime Video dirigido por Tomás Peña. A ellas, se les suma una incorporación estelar: se podrán ver los dos primeros capítulos del nuevo true crime de Carles Porta, ‘LUZ EN LA OSCURIDAD’, serie original de Movistar Plus+.
Brigadoon, nuestro otro refugio
Un año más, la sección Brigadoon, el espacio de proyecciones y sesiones gratuitas del Festival, se erige como el punto de encuentro de la cinefilia más enamorada de los títulos y voces más desacomplejadas del cine de género. Con una completa selección de cortos, largos, videoclips y encuentros/homenajes con artistas siempre a reivindicar, Brigadoon hará las delicias de los paladares más inquietos con propuestas como ‘THORNS’, de Douglas Schulze; ‘ALLA RICERCA DEL PIACERE’, de Silvio Amadio; ‘SHARKSPLOITATION’, de Stephen Scarlata o ‘SAMURAI NINJA ONIMANJI’, de Yoshihiro Nishimura.
Sección Oficial Fantástico Competición (SOFC)
‘ACIDE’ – Just Philippot (Francia)
‘BEST WISHES TO ALL’ – Yûta Shimotsu (Japón)
‘CLUB ZERO’ – Jessica Hausner (Austria/Reino Unido)
‘CONANN’ – Bertrand Mandico (Francia/Luxemburgo/Bélgica)
‘CUANDO ACECHA LA MALDAD (WHEN EVIL LURKS)’ – Demian Rugna (Argentina)
‘DIVINITY’ – Eddie Alcazar (Estados Unidos)
‘EL REINO ANIMAL’ – Thomas Cailley (Francia)
‘IN FLAMES’ – Zarrar Khan (Canadá/Pakistán)
‘VIVE DENTRO’ – Bishal Dutta (Estados Unidos)
‘KUBI’ – Takeshi Kitano (Japón)
‘LA ESPERA’ – F. Javier Gutierrez (España)
‘LA MORSURE’ – Romain de Saint-Blanquat (Francia)
‘LATE NIGHT WITH THE DEVIL’ – Colin Cairnes, Cameron Cairnes (Australia)
‘LES CHAMBRES ROUGES’ – Pascal Plante (Canadá)
‘MOSCAS’ – Aritz Moreno (España/Argentina)
‘OMEN’ – Baloji Tshiani (Congo/Países Bajos/Francia/Bélgica/Alemania/Sudáfrica)
‘RIDDLE OF FIRE’ – Weston Razooli (Estados Unidos)
‘ROBOT DREAMS’ – Pablo Berger (España/Francia)
‘ROMANCE ASESINO’ – Lee Won-suk (Corea del Sur)
‘SALEM’ – Jean-Bernard Marlin (Francia)
‘SLEEP’ – Jason Yu (Corea del Sur)
‘SORCERY’ – Christopher Murray (Chile/México/Alemania)
‘STOPMOTION’ – Robert Morgan (Estados Unidos)
‘THE SEEDING’ – Barnaby Clay (Estados Unidos)
‘THE THEORY OF EVERYTHING’ – Timm Kröger (Alemania)
‘THERE’S SOMETHING IN THE BARN’ – Magnus Martens (Noruega)
‘TIGER STRIPES’ – Amanda Nell Eu (Malasia/Taiwan/Francia/Alemania/Países Bajos/Indonesia)
‘VERMIN: LA PLAGA’ – Sébastien Vanicek (Francia)
‘VINCENT DEBE MORIR’ – Stéphan Castang (Francia)
‘WAKE UP’ – François Simard, Annouk Whissel, Yoann-Karl Whissel (Francia)
‘WHITE PLASTIC SKY’ – Tibor Bánóczki, Sarolta Szabó (Hungría/Eslovaquia)
Sección Oficial – Sesiones Especiales
‘ALIENS ABDUCTED MY PARENTS AND NOW I FEEL KINDA LEFT OUT’ – Jake Van Wagoner (Estados Unidos)
‘AMELIA’S CHILDREN’ – Gabriel Abrantes (Portugal)
‘AWARENESS’ – Daniel Benmayor (Estados Unidos/España)
‘BLOOD DE BRAD ANDERSON’ – Brad Anderson (Estados Unidos)
‘EL CHICO Y LA GARZA’ – Hayao Miyazaki (Japón)
‘LA ERMITA’ – Carlota Pereda (España)
‘LA SOCIEDAD DE LA NIEVE’ – J.A. Bayona (España)
‘POBRES CRIATURAS’ – Yorgos Lanthimos (Reino Unido)
‘THE TOXIC AVENGER’ – Macon Blair (Estados Unidos)
‘UFO SWEDEN’ – Crazy Pictures (Suecia)
Oficial Fantástico – Especial Mitjanit
‘LA BALA DE DIOS’ – Nick Cassavetes (Estados Unidos)
‘THE DEEP DARK’ – Mathieu Turi (Francia)
Òrbita
‘BLACK FLIES’ – Jean-Stéphane Sauvaire (Estados Unidos)
‘CONCRETE UTOPIA’ – Um Tae-Hwa (Corea del Sur)
‘DIABOLIK: GINKO ALL’ATTACCO’ – Marco Manetti, Antonio Manetti (Italia)
‘FUERZA BRUTA: SIN SALIDA’ – Lee Sang-yong (Corea del Sur)
‘JACKDAW’ – Jamie Childs (Reino Unido)
‘JERICHO RIDGE – Will Gilbey (Kosovo/Reino Unido/Irlanda del Norte)
‘LA EXTORSIÓN’ – Martino Zaidelis (Argentina)
‘LOS OJOS DE LA NOCHE’ – Ahn Tae-jin (Corea del Sur)
‘LUMBERJACK THE MONSTER’ – Takashi Miike (Japón)
‘MAD FATE’ – Soi Cheang (Hong Kong)
‘NIGHT OF THE HUNTED’ – Franck Khalfoun (Francia)
‘PRORIEDADE’ – Daniel Bandeira (Brasil)
‘SMUGGLERS’ – Ryoo Seung-wang (Corea del Sur)
‘THE CHILDE’ – Park Hoon-jung (Corea del Sur)
‘THE LAST STOP IN YUMA COUNTY’ – Francis Galluppi (Estados Unidos)
‘WHERE THE WIND BLOWS’ – Philip Yung (China/Hong Kong)
Panorama
‘#MANHOLE’ – Kazuyoshi Kumakiri (Japón)
‘APPENDAGE’ – Anna Zlokovic, Alex Familia (Estados Unidos)
‘BLACKOUT’ – Larry Fessenden (Estados Unidos)
‘BROOKLYN 45’ – Ted Geoghegan (Estados Unidos)
‘EL EXORCISMO DE EASTFIELD’ – Nick Kozakis (Australia)
‘HOOD WITCH’ – Saïd Belktibia (Francia)
‘LAST STRAW’ – Alan Scott Neal (Estados Unidos)
‘LET IT GHOST’ – Hoi Wong (Hong Kong)
‘NINA DEI LUPI’ – Antonio Pisu (Italia)
‘ONYX THE FORTUITOUS AND THE LALISMAN OF SOULS’ – Andrew Bowser (Estados Unidos)
‘PROJECT SILENCE’ – Kim Tae-gon (Corea del Sur)
‘RABIA’ – Jorge Michel Grau (México)
‘RESTORE POINT’ – Robert Hloz (República Checa)
‘SUPERPOSITION’ – Karoline Lyngbye (Dinamarca)
‘THE FORBIDDEN PLAY’ – Hideo Nakata (Japón)
‘THE SACRIFICE GAME’ – Jenn Wexler (Canadá/Estados Unidos)
‘YOU’LL NEVER FIND ME’ – Josiah Allen, Indianna Bell, Josiah Allen (Australia)
Panorama – Fuera de Competición
‘CUANDO LOS AMOS DUERMEN’ – Santiago Alvarado (España)
‘IMMERSION’ – Takashi Shimizu (Japón)
‘THE PRIMEVALS’ – David Allen (Estados Unidos)
‘TOKYO REVENGERS 2: PART I’ – Tsutomu Hanabusa (Japón)
‘TOKYO REVENGERS 2: PART II’ – Tsutomu Hanabusa (Japón)
Noves Visions
‘EL DESPRECIO’ (4K) – Jean-Luc Godard (Francia/Italia) (Sesión Especial)
‘EMBRYO LARVA BUTTERFLY’ – Kyros Papavassiliou (Grecia/Chipre)
‘EN ATTENDANT LA NUIT’ – Céline Rouzet (Francia)
‘HALFWAY HOME’ – Madarász Isti (Hungría)
‘HUMANIST VAMPIRE SEEKS CONSENTING SUICIDAL PERSON’ – Ariane Louis-Seize (Canadá)
‘HUNDREDS OF BEAVERS’ – Mike Cheslik (Estados Unidos)
‘IN MY MOTHER’S SKIN’ – Kenneth Dagatan (Filipinas/Singapur/Taiwán)
‘LA ÚLTIMA NOCHE DE SANDRA M.’ – Borja de la Vega (España)
‘LUKA’ – Jessica Woodworth (Bélgica/Italia/Países Bajos/Bulgaria/Armenia)
‘MIMÌ – PRINCE OF DARKNESS’ – Brando de Sica (Italia)
‘MONDAYS: SEE YOU “THIS” WEEK!’ – Ryo Takebayashi (Japón)
‘MONOLITH’ – Matt Vesely (Australia)
‘MOON GARDEN’ – Ryan Stevens Harris (Estados Unidos)
‘MOTEL MELATI’ – Mike Wiluan, Billy Christian (Indonesia, Singapur)
‘MY ANIMAL’ – Jacqueline Castel (Canadá)
‘PANDEMONIUM’ – Quarxx (Francia)
‘RAGING GRACE’ – Paris Zarcilla (Reino Unido/Irlanda del Norte)
‘RIVER’ – Junta Yamaguchi (Japón)
‘TELA DE ARAÑA (COBWEB)’ – Kim Jee-won (Corea del Sur)
‘THE FUNERAL’ – Orçun Behram (Turquía)
‘THE INVISIBLE FIGHT’ – Rainer Sarnet (Estonia/Lituania/Grecia/Finlandia)
‘THE LAST ASHES’ – Loïc Tanson (Bélgica/Luxemburgo)
‘THE UNCLE’ – David Kapac, Andrija Mardesic (Serbia/Croacia)
‘THE VOURDALAK’ – Adrien Beau (Francia)
‘WHERE THE DEVIL ROAMS’ – Zelda Adams, John Adams, Toby Poser (Estados Unidos)
Anima’t
‘DEEP SEA’ – Tianxiao Peng (China)
‘FOUR SOULS OF COYOTE’ – Áron Gauder (Hungría)
‘HEAVIES TENDRES’ – Joan Tomàs, Carlos Pérez-Reche, Juanjo Sáez (España)
‘KOMADA – A WHISKY FAMILY’ – Masayuki Yoshihara (Japón)
‘LONELY CASTLE IN THE MIRROR’ – Keiichi Hara, Takakazu Nagamoto, Keiichi Hara (Japón)
‘MARS EXPRESS’ – Jéremie Perin (Francia)
‘ROBOT DREAMS’ – Pablo Berger (España/Francia)
‘SAND LAND’ – Toshihisha Yokoshima (Japón)
‘TONY, SHELLY AND THE MAGIC LIGHT’ – Filip Posivac (República Checa/Hungría/Eslovaquia)
‘WHITE PLASTIC SKY’ – Tibor Bánóczki, Sarolta Szabó (Hungría/Eslovaquia)
Anima’t – Sesiones Especiales
‘PHOENIX: REMINISCENCE OF FLOWER’ – Shojiro Nishimi (Japón)
‘THE FEAST OF AMRITA’ – Saku Sakamoto (Japón)
Anima’t – Sitges Clàssics
‘LES MAÎTRES DU TEMPS’ (4K) – René Laloux (Francia/Hungría/Suiza)
‘THE SOLDIER’S TALE’ – R. O. Blechman (Estados Unidos)
‘100 AÑOS DE WALT DISNEY ANIMATION STUDIOS: UN HOMENAJE A SUS CORTOS’ – Varios Autores (Estados Unidos)
Sitges Clàssics
‘ACCIÓN MUTANTE’ – Álex de la Iglesia (España)
‘ANGUSTIA DEL SILENCIO’ – Lucio Fulci (Italia)
‘CALÍGULA – THE ULTIMATE CUT’ (4K) – Tinto Brass (Estados Unidos/Italia)
‘LOS NUEVOS EXTRATERRESTRES’ (4K) – Juan Piquer Simón (España)
‘EL RESPLANDOR’ (4K) – Stanley Kubrick (Estados Unidos)
‘EL EXORCISTA’ (4K) – William Friedkin (Estados Unidos)
‘ENTER THE GAME OF DEATH’ – Tso Nam Lee (Hong Kong)
‘LAKE MICHIGAN MONSTER’ – Ryland Brickson Cole Tews (Estados Unidos)
‘PSYCHIC VISION: JAGANREI’ – Teruyoshi Ishii (Japón)
‘KING KONG’ (1933) – Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack (Estados Unidos)
‘EL HOMBRE DE MIMBRE’ (THE WICKER MAN) (4K) – Robin Hardy (Reino Unido/Irlanda del Norte)
‘LA MÁSCARA DEL DEMONIO’ – Lamberto Bava (Italia)
‘DRAGON LIVES AGAIN’ – Chi Chih Lo (Hong Kong)
‘MUNDO CANÍBAL, MUNDO SALVAJE’ – Ruggero Deodato (Italia)
‘THE RAID’ – Gareth Evans (Indonesia)
‘STAR TREK – THE MOTION PICTURE – THE DIRECTOR’S CUT’ – Robert Wise (Estados Unidos)
‘SIESTA’ – Mary Lambert (Estados Unidos)
Sitges Documenta
‘A DISTURBANCE IN THE FORCE’ – Jeremy Coon, Steve Kozak (Estados Unidos)
‘DARIO ARGENTO PANICO’ (4K) – Simone Scafidi (Reino Unido/Irlanda del Norte)
‘DREAM TIME’ – Claudio Lattanzi (Italia)
‘ENTER THE CLONES OF BRUCE’ – David Gregory (Estados Unidos)
‘KAIDAN. STRANGE STORIES OF JAPANESE GHOSTS’ – Yves Montmayeur (Francia)
‘KIM’S VIDEO’ (4K) – David Redmon, Ashley Sabin (Estados Unidos)
‘LIVING WITH CHUCKY’ – Kyra Elise Gardner (Estados Unidos)
‘LOCH NESS: THEY CREATED A MONSTER’ – John MacLaverty (Reino Unido)
‘MUJERES SIN CENSURA’ – Eva Vizcarra (España)
‘OTRA PELÍCULA MALDITA’ – Alberto Fasce (Argentina)
‘THE HISTORY OF METAL AND HORROR’ – Mike Schiff (Estados Unidos)
‘SATAN WANTS YOU’ – Sean Horlor, Steve J. Adams, Sean Horlor (Canadá)
‘SHARKSPLOITATION’ – Stephen Scarlata (Estados Unidos)
‘SPOOKTACULAR!’ – Quinn Monahan (Estados Unidos)
‘THE DARK SIDE OF SOCIETY’ – Larry Wade Carrell (Estados Unidos)
‘THE J-HORROR VIRUS’ – Sarah Appleton, Jasper Sharp (Japón, Reino Unido)
‘UN MILLÓN DE ZOMBIES: LA HISTORIA DE PLAGA ZOMBIE’ – Nicanor Loreti, Camilo de Cabo (Argentina)
‘YOU CAN CALL ME BILL’ – Alexandre O. Philippe (Estados Unidos)
Retrospectiva – Ciudad Pánico
‘AMENAZA EN LA SOMBRA’ – Nicolas Roeg (Reino Unido)
‘HOLLYWOOD 90028’ (4K) – Christina Hornisher (Estados Unidos)
‘PÁJAROS DE CIUDAD’ – Jose María Sánchez Álvaro (España/Italia)
‘EL ALMUERZO DESNUDO’ (4K) – David Cronenberg (Canadá/Reino Unido)
‘LA CASA SIN FRONTERAS’ – Pedro Olea (España)
‘GOD TOLD ME TO’ – Larry Cohen (Estados Unidos)
‘LOS ÚLTIMOS DÍAS’ – Àlex Pastor, David Pastor (España)
Midnight X-Treme
‘ALL YOU NEED IS BLOOD’ – Cooper Roberts (Estados Unidos)
‘KILL’ – Nikhil Nagest Bhat (India)
‘MAD CATS’ – Reiki Tsuno (Japón)
‘OS REVIENTO’ – Kike Narcea (España)
‘THE WELL’ – Federico Zampaglione (Italia)
‘THE WRATH OF BECKY’ – Matt Angel, Suzanne Coote (Estados Unidos)
‘TRIGGERED’ – Richard V. Somes (Filipinas)
‘WE ARE ZOMBIES’- François Simard, Anouk Whissell, Yoann-Karl Whissell (Canadá)
‘WINNIE THE POOH: MIEL Y SANGRE’ – Rhys Frake-Waterfield (Reino Unido)
Brigadoon
‘IL BOSS’ – Fernando Di Leo (Italia)
‘OTRA PELÍCULA MALDITA’ – Alberto Fasce & Mario Varela (Argentina)
‘ALGUIEN TE ESTÁ MIRANDO’ – Gustavo Cova & Horacio Maldonado (Argentina)
‘AUXILIO’ – Tamae Garateguy (Argentina)
‘UN MILLÓN DE ZOMBIES: LA HISTORIA DE PLAGA ZOMBIE’ – Nicanor Loretti & Camilo de Cabo (Argentina)
‘PLAGA ZOMBIE’ – Pablo Parés & Hernán Sáez (Argentina)
‘LA DAMA ROJA MATA SIETE VECES’ – Emilio P. Miraglia (Italia)
‘THORNS’ – Douglas Schulze (Estados Unidos)
‘SHARKSPLOITATION’ – Stephen Scarlata (Estados Unidos)
‘MONSTER HEAVEN: GHOST HERO’ – Makoto Tezuka (Japón)
‘CUT AND RUN’ – Ruggero Deodato (Italia)
‘MUJERES SIN CENSURA’ – Eva Vizcarra (España)
‘TAKE A HARD RIDE (POR LA SENDA MÁS DURA)’ – Antonio Margheriti (Italia)
‘MARIA’S STOMACH’ – Hideyuki Hirayama (Japón)
‘LOS INVASORES DEL ABISMO’ – Ruggero Deodato (Italia)
‘TINTORERA’ – René Cardona Jr (México)
‘ALLA RICERCA DEL PIACERE’ – Silvio Amadio (Italia)
‘SAMURAI NINJA ONIMANJI’ – Yoshihiro Nishimura (Japón)
‘TIBURÓN 3 – L’ULTIMO SQUALO’ – Enzo G. Castellari (Italia)
‘DOOR’ – Benmei Takahashi (Japón)
‘MILÁN CALIBRE 9 (MILANO CALIBRO 9)’ – Fernando di Leo (Italia)
‘BLOOD SUCKING TREE’ – Shunji Iwai, Masaharu Ota & Akira Yoneta (Japón)
‘EL PANTANO DE LOS CUERVOS’ – Manuel Caño (España)
‘THE DARKSIDE OF SOCIETY’ – Larry Wade Carrell (Estados Unidos)
‘MARIA’ – Gabriel Grieco & Nicanor Loreti (Argentina)
‘LA VENGANZA DE LA MOMIA’ – Carlos Aured (España)
‘IL MUSEO DEGLI ORRORI DI DARIO ARGENTO’ – Luigi Cozzi (Italia)
‘THE BARN PART II’ – Justin M. Seaman (Estados Unidos)
‘OLDBOY’ – Park Chan-Wook (Corea del Sur)
‘LA TARÁNTULA DEL VIENTRE NEGRO’ – Paolo Cavara (Italia)
‘SANTO CONTRA LOS ZOMBIES’ – Benito Alazraki (México)
‘HUMANOID PUPPET’ – Hidehiro Ito (Japón)
«El misterio de Salem’s Lot». Bajo el signo del vampiro
El presente estudio plantea una aproximación en profundidad, profusamente ilustrada y documentada, a uno de los grandes hitos dentro de la evolución del mito vampírico en la pequeña y gran pantalla: El misterio de Salem’s Lot (1979), adaptación televisiva de la obra homónima de Stephen King, dirigida por Tobe Hooper y fenómeno de masas que, hoy en día, sigue contando con un creciente número de adeptos y una visibilidad denotada y transversal en diferentes manifestaciones y ámbitos artísticos.
A partir de una contextualización cronológica de la miniserie, con referencias a campos como la literatura, el cine y la cultura popular, este trabajo ayuda a comprender las claves de una obra indiscutiblemente seminal, definitiva e influyente que, a finales de la década de los setenta, supuso una refrenda de los parámetros y semas más clásicos y puristas del vampiro en un momento de transición y reconfiguración del mito a partir de derivas y relecturas posmodernas varias. Ofrecemos en estas páginas, allende la glosa anecdótica de aspectos relativos al proceso de filmación, producción y otras circunstancias tras las cámaras, todo aquello que constituye la esencia diferencial de una cinta categórica y referencial dentro de la filmografía vampírica, el cine de terror y, sin lugar a dudas, harto relevante dentro del séptimo arte en general.
El misterio de Salem’s Lot: bajo el signo del vampiro es un análisis fílmico y semiótico a partir de la definición e interpretación al detalle de escenas, planos, modalizaciones escenográficas y el desglose de aspectos básicos como la caracterización, la definición del espacio tematizado, la ambientación, el uso expresivo y narrativo de la banda sonora, el imaginario simbólico o la técnica del suspense, teniendo siempre como referente el texto original de Stephen King a fin de enriquecer nuestras conclusiones con el fundamento de una lectura comparada entre literatura y traslación a pantalla.
El autor
Julio Ángel Olivares Merino. Doctor en Filología Inglesa, docente investigador de la Universidad de Jaén. Ha impartido numerosas conferencias, escrito libros y artículos sobre el séptimo arte y la literatura de terror, centrándose en temáticas relacionadas con el concepto de lo espectral. Destacan sus monografías sobre Ringu o su estudio sobre el cine de Jaume Balagueró. Ha traducido, prologado y editado antologías de cuentos de fantasmas ingleses como Nueve fantasmas, de R.H. Malden, o la prestigiosa Fantasmas. Relatos victorianos y eduardianos, de Akal, además de preparar y traducir para Cátedra la edición de Carmilla, de Joseph Sheridan LeFanu, o los Cuentos infantiles de Oscar Wilde.
Como autor de ficción, ha publicado más de una decena de obras, entre las que destacan Sonambulia, Paralelo a tu expirar, Diarios del cuarto oscuro, La piel leve o La cacería.
Ha colaborado en diversos medios de comunicación y fundó la Radio de la Universidad de Jaén, UniRadio Jaén, de la que es director y con la que ha obtenido varios premios a nivel andaluz y nacional.
En 2020, fue galardonado con el “Premio Internacional Joseph Sheridan Le Fanu”, por su labor investigadora y creadora dentro del fantástico.
Autor: Julio Ángel Olivares Merino, Editorial: Shangrila, Colección Fantasmagorías, Páginas: 406
Una exploración espectral, tráiler para «Last Shadow at First Light» de Nicole Midori Woodford
Con el Festival de San Sebastián a la vuelta de la esquina varias son las películas presentes en el certamen donostiarra cuyos primeros avances empiezan a ver la luz, como es el caso de Last Shadow at First Light, film cuyo tráiler subtitulado al inglés vía Cine Maldito podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, presente en el Zinemaldia dentro de la sección New Directors, supone el debut en el largometraje de la realizadora originara de Singapur Nicole Midori Woodford
En Last Shadow at First Light vemos como atormentada por apariciones recurrentes, Ami se embarca en un viaje de Singapur a Japón en busca de su madre desaparecida. Entre paisajes que se transforman, los sueños, los fantasmas y la madre perdida de Ami desvelan su verdadera forma.
La película, con guion a cargo de la propia Nicole Midori Woodford, está protagonizada por Masatoshi Nagase, Mihaya Shirata, Mariko Tsutsui y Peter Yu.
Seminario Educa tu Mirada: El Cine de Autor
El Cine de Autor es aquel en que el director o la directora impone su visión personal en la película, en términos temáticos y de puesta en escena, por oposición al cine industrial masivo, cuyo imperativos son el entretenimiento y las fórmulas de éxito. El curso pretende ahondar en la evolución del cine de autor desde su nacimiento en diferentes artículos de los años 50, principalmente cahieristas, hasta nuestros días, en que puede considerarse un género en sí mismo con su público, sus festivales y convenciones.
Los temas planteados en el curso giran en torno a cuestiones contemporáneas como la pérdida de la centralidad cultural del cine, la banalización de las imágenes, la eclosión del cine feminista, la posibilidad de realizar un cine subversivo o la pervivencia del canon. El curso se despliega a través del comentario de escenas de William Wyler, Ida Lupino, Robert Bresson, Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini, Terence Fisher, Alain Resnais, Jean-Luc Godard, Chantal Akerman, Andrei Tarkovsky, Pedro Costa, Wong Kar-Wai, Kelly Reichardt, Elena López Riera, etc. Las clases se complementan con textos teóricos de Alexandre Astruc, François Truffaut, Jean-Claude Carrière, Laura Mulvey, Annette Khun, Virgine Despentes, Barbara Zecchi, Nathaniel Dorsky, Alain Bergala, Werner Herzog, Carlos Losilla, Àngel Quintana, etc.
Dirigido a
Todo cinéfilo que quiera profundizar en el cine de autor.
Metodología
Los contenidos del curso se despliegan a través de fragmentos de películas y textos diversos. Cada tema planteado se presenta con una película de obligatorio visionado para el alumno, disponible en nuestra página de Filmin. Puedes consultarla aquí. El grupo de alumnos es reducido con el objetivo de fomentar la reflexión y el diálogo en las clases. La impartición es online, en directo desde Zoom. Las sesiones se graban y permanecen en la nube a disposición del alumnado.
Temario
• Hacia una definición de autoría.
• El hilo invisible: autoría y mainstream.
• Voces femeninas de cine de autor(a).
• Reformulando la teoría de los autores.
• Películas y textos profanos.
• Patologías de la imagen contemporánea.
Profesorado
Javier Urrutia: filósofo
Mireia Iniesta: crítica de cine
Andrés Duque: cineasta experimental
Javier Trigales: guionista
Antonio José Navarro: historiador de cine
Duración y horario
trimestral (octubre, noviembre y diciembre)
jueves, de 18:00 a 21:00h.
La matriculación incluye
• Certificado final
• Suscripción a Filmin
• Suscripción a la revista Caimán
Precio a escoger entre:
a) 225€ al mes x 3 = 675€
b) 580€ (una sola vez)
https://www.educatumirada.com/matriculacion/
Los desfavorecidos en la Francia actual, primer tráiler para «Les Indésirables» de Ladj Ly
Cuatro años después de su debut en el largometraje con Les Misérables el realizador francés de origen maliense Ladj Ly vuelve a indagar en el trasfondo político sobre la desigualdad en la Francia actual con Les Indésirables, film cuyo primer tráiler subtitulado al inglés acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, presente estos días en los festivales de Toronto y San Sebastián, presente en la sección Perlak, llegará a las salas de cine de Francia el próximo 6 de diciembre, a España, aun con fecha por concretar, lo hará de la mano de Caramel Films.
En Les Indésirables vemos como tras la repentina muerte del alcalde de la ciudad, Pierre, un joven médico idealista, es nombrado para sustituirle. Pretende continuar la política de su predecesor, que soñaba con rehabilitar este barrio obrero. Haby, una joven francesa de origen maliense que vive en uno de los bloques de pisos en ruinas, se niega a que su familia sea expulsada del barrio donde creció.
La película, con guion a cargo del propio Ladj Ly junto a Giordano Gederlini, Alexis Manenti, Anta Diaw, Jeanne Balibar, Steve Tientcheu, Valentin Pradier y Aristote Luyindula.
Hayao Miyazaki recibirá un Premio Donostia en la 71ª edición del Festival de San Sebastián
La cineasta Claire Denis presidirá el Jurado Oficial, en el que estará acompañada por la actriz china Fan Bingbing; la productora, realizadora y escritora colombiana Cristina Gallego; la fotógrafa francesa Brigitte Lacombe; el productor húngaro Robert Lantos; la actriz española Vicky Luengo y el director alemán Christian Petzold.
Cineastas como Maite Alberdi, J.A. Bayona, Robin Campillo, Isabel Coixet, Víctor Erice, Michel Franco, Matteo Garrone, Craig Gillespie, Jonathan Glazer, Kitty Green, Todd Haynes, Tran Anh Hung, Ladj Ly, James Marsh, Cristi Puiu, Valeria Sarmiento y Justine Triet presentarán sus películas ante el público y los medios de comunicación
Cineastas e intérpretes de todo el mundo han confirmado su presencia en San Sebastián con motivo de la celebración de la 71ª edición del Festival. Juliette Binoche, Gabriel Byrne, François Cluzet, Emmanuelle Devos, Griffin Dunne, Aidan Gillen, Mads Mikkelsen, James Norton y Dominic West acompañarán sus películas y participarán en las galas del Festival. Además de Víctor Erice, que recogerá el Premio Donostia el día 29, y Javier Bardem, que lo hará en la próxima edición debido a las limitaciones que le impone la huelga convocada por el Sindicato de Actores de Estados Unidos (SAG-AFTRA), el Festival también reconocerá la trayectoria del maestro japonés de la animación Hayao Miyazaki, que dirige la película inaugural Kimitachi wa do ikiru ka / The Boy and the Heron (El chico y la garza). Miyazaki recibirá el Premio Donostia de forma virtual durante la gala de inauguración.
Además, cineastas relevantes de la cinematografía contemporánea viajarán a San Sebastián para acompañar sus últimas películas, como Maite Alberdi (La memoria infinita, Perlak), J.A. Bayona (La sociedad de la nieve, Perlak), Robin Campillo (L’île rouge, Sección Oficial), Isabel Coixet (Un amor, Sección Oficial), Michel Franco (Memory, Perlak), Matteo Garrone (Io Capitano, Perlak), Craig Gillespie (Dumb Money, Perlak), Jonathan Glazer (The Zone of Interest, Perlak), Kitty Green (The Royal Hotel, Sección Oficial), Todd Haynes (May December, Perlak), Tran Anh Hung (La passion de Dodin Bouffant, Culinary Zinema), Tatiana Huezo (El eco, Horizontes Latinos), Ladj Ly (Bâtiment 5, Perlak), James Marsh (Dance First, Sección Oficial), Cristi Puiu (MMXX, Sección Oficial), Valeria Sarmiento (El realismo socialista, Klasikoak), Justine Triet (Anatomie d’un chute, Perlak) o Fernando Trueba y Javier Mariscal (They Shot the Piano Player, Sección Oficial).
En Sección Oficial, los actores Griffin Dunne, Miles Heizer y James Norton acompañarán al director Noah Pritzker para presentar Ex-Husbands, que compite por la Concha de Oro, como la cineasta Raven Jackson y la productora Adele Romanski, que mostrarán All Dirt Roads Taste of Salt. Joaquim Lafosse, que participa con Un silence, se desplazará con Daniel Auteuil y Emmanuelle Devos; François Cluzet y Vincent Lacoste viajarán a San Sebastián con el director de Un métier serieux (Los buenos profesores), Thomas Lilti; Xavier Legrand defenderá Le successeur / The Successor con sus protagonistas, Marc-André Grondin e Yves Jacques; y Robin Campillo, el director de L’île rouge (La isla roja) lo hará junto a Quim Gutierrez y Nadia Tereszkiewicz (quien estará en San Sebastián por partida doble porque también protagoniza Rosalie, programada en Perlak). El cineasta rumano Cristi Puiu presentará MMXX con los actores Dorian Boguta (también productor), Florin Tibre y Laurentiu Bondarenco y las actrices Adelaida Perjoiu y Otilia Panainte. También se desplazarán al Festival la realizadora Kitty Green (The Royal Hotel), Christos Nikou (Fingernails) e Isabella Eklöf (Kalak). La película de clausura, Dance First, contará con una amplia representación: además de Marsh, Byrne y Gillen, también viajarán integrantes del reparto como Fionn O’Shea.
Buena parte de las y los cineastas de Perlak acompañarán sus películas en San Sebastián: Jonathan Glazer (The Zone of Interest); Todd Haynes (May December); Christian Petzold, jurado oficial y director de Roter Himmel / Afire; Matteo Garrone con los protagonistas de Io Capitano, Seydou Sarr y Moustapha Fall; Michel Franco (Memory); Nicolaj Arcel y Mads Mikkelsen (The Bastard / The Promised Land); los cineastas australianos Warwick Thornton (The New Boy) y Craig Gillespie (Dumb Money); Ladj Ly (Bâtiment 5) con los actores Steve Tientcheu, Anta Diaw, Aristote Luyindula y Alexis Manentis; así como las realizadoras Celine Song (Past Lives) y Stephanie di Giusto (Rosalie).
Como es habitual, la cinematografía latinoamericana estará ampliamente representada en San Sebastián. En Sección Oficial, con María Alché y Benjamín Naishtat y los actores Marcelo Subiotto, Leonardo Sbaraglia y Mara Bestelli (Puan); y Martín Rejtman y los intérpretes Esteban Bigliardi -también en Los delincuentes– y Camila Hirane (La práctica). En Horizontes Latinos, Dolores Fonzi, en su debut como directora, acompañada del actor Toto Rovito y Santiago Mitre en calidad de productor (Blondi); Tatiana Huezo (El eco); Paula Hernández junto a Alfredo Castro y Sergi López (El viento que arrasa); Lucía Puenzo y Mariana di Girolamo (Los impactados); Rodrigo Moreno (Los delincuentes); Felipe Gálvez (Los colonos); y Lila Avilés (Tótem), entre otras realizadoras. Presentarán sus películas en Zabaltegi-Tabakalera Eduardo Williams (El auge del humano 3) y Andrés di Tella (Mixtape La Pampa); en Culinary Zinema, los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat y los intérpretes Luis Brandoni, Enrique Piñeyro y Majo Cabrera (Nada); y la cineasta Valeria Sarmiento asistirá al estreno de El realismo socialista (Klasikoak).
Encabezado por el Premio Donostia Víctor Erice y el reparto de Cerrar los ojos, José Coronado, Manolo Solo, Ana Torrent, María León, Petra Martínez, Mario Pardo, Venecia Franco y Helena Miquel, el cine español estará presente en San Sebastián en Sección Oficial con Isabel Coixet y los actores de Un amor (Laia Costa, Hovik Keuchkerian, Hugo Silva, Luis Bermejo, Francesco Carril e Ingrid García Jonsson), Jaione Camborda y los intérpretes Janet Novás y Diego Anido (O Corno), Isabel Herguera (El sueño de la sultana), Fernando Trueba y Javier Mariscal (Dispararon al pianista) y el equipo de La Mesías: los directores Javier Ambrossi y Javier Calvo y las actrices Carmen Machi, Macarena García, Cecilia Roth, Lola Dueñas y Ana Rujas, entre otras muchas intérpretes.
Para competir en New Directors se desplazarán los creadores de La estrella azul, con el director Javier Macipe y los intérpretes Pepe Lorente, Marc Rodríguez, Catalina Sopelana y Bruna Cusí. En Perlak, en busca del Premio del Público, J.A. Bayona presentará La sociedad de la nieve con el actor uruguayo Enzo Vogrincic. En las Galas RTVE, la directora Arantxa Echevarría estará acompañada de Leonor Watling, Carolina Yuste, Pablo Molinero, Xinyi Ye, Shiman Yang, Yehu Ji y Valeria Fernández (Chinas) y Emma Suárez, Carlos Cuevas, Alexandra Jiménez, Fernando Guallar, Gonzalo Castro y Anna Moliner asistirán junto al director, Vicente Villanueva, y al autor de la obra teatral, Alfredo Sanzol (La ternura). La actriz Mónica Randall presentará la proyección de la copia restaurada de Furia española en Klasikoak. En Zinemira estará el equipo de 20.000 especies de abejas con la directora Estibaliz Urresola y las actrices Patricia López Arnaiz, Itziar Lazkano, Ane Gabarain y Sofía Otero; para presentar Las buenas compañías, acudirán Alicia Falcó e Itziar Ituño, quien también acompañará al equipo de Irati.
En Made in Spain, Elena Trapé presentará Els Encantats; Elena Martín Gimeno, Creatura; Juan Francisco Viruega, Aura Garrido e Isabel Ampudia, Amanece; Miguel Ángel Vivas y Natalia de Molina, Asedio; Gerardo Herrero, Juan Carlos Vellido, Eva Ugarte, Fele Martínez, Antonio Pagudo y, de nuevo, Alexandra Jiménez, Bajo terapia; con El fantástico caso del golem, sus directores Burnin’ Percebes, Brais Efe y Bruna Cusi, quien, además de en La estrella azul, también participará en la presentación de Upon Entry junto a sus compañeros de reparto Alberto Ammann y Laura Gómez y el director, Alejandro Rojas.
En el Velódromo, Berto Romero, Andreu Buenafuente, María Botto y Nacho Vigalondo y, de nuevo, Eva Ugarte acompañarán a los directores Javier Ruiz Caldera y Alberto del Toro en el estreno de la serie El otro lado, y C. Tangana se desplazará a San Sebastián junto a los directores Santos Bacana, Cris Trenas y Rogelio González para presentar el proyecto documental Esta ambición desmedida. No será el único representante musical, porque también viajarán a San Sebastián la cantante francesa Jeanne Cherhal, que protagoniza Un silence, y Amaia Romero, que forma parte del reparto de La Mesías, ambas en Sección Oficial.
Asimismo, viajarán a San Sebastián intérpretes, cineastas o profesionales de otras disciplinas que cuentan sus historias en primera persona. En Made in Spain, la actriz Carmen Elías, que desveló hace un año que padecía Alzhéimer, presentará Mientras seas tú, junto a la directora Claudia Pinto; Fernando Méndez Leite vendrá como protagonista de la no ficción La memoria del cine: una película sobre Fernando Méndez-Leite,dirigida por Moisés Salama; el exfutbolista y exentrenador enfermo de ELA Juan Carlos Unzué hará lo propio con los directores de Unzué, l’ultim equip del Juancar, Jesús Muñoz, Santi Padró y Xavi Torres. El filósofo Paul B. Preciado presentará Orlando. Ma biographie politique, una suerte de autobiografía colectiva a través de la obra de Virginia Woolf en Zabaltegi-Tabakalera y el superviviente del accidente de aviación de los Andes Gustavo Zerbino acompañará a J.A. Bayona en el pase de La sociedad de la nieve (Perlak).
Jurado Oficial
El jurado de la Sección Oficial estará presidido por la directora francesa Claire Denis, galardonada con el Gran Premio del Festival de Cannes, el Oso de Plata en Berlín, el Leopardo de Oro en Locarno y el Premio Fipresci en San Sebastián. La directora de Beau travail y Trouble Every Day estará acompañada en las deliberaciones por la actriz china Fan Bingbing (ganadora de la Concha de Plata por su actuación en I Am Not Madame Bovary, Concha de Oro en 2016); la productora, directora y escritora colombiana Cristina Gallego (codirectora de Pájaros de verano y productora de la primera película colombiana nominada al Oscar, El abrazo de la serpiente, y de la última Concha de Oro, Los reyes del mundo), la fotógrafa francesa Brigitte Lacombe, quien, entre muchos otros trabajos, ha fotografiado el rodaje de películas como Todos los hombres del presidente, Kramer vs. Kramer, Gangs of New York, El lobo de Wall Street o El irlandés, y es también la autora del cartel oficial del Festival del año pasado, protagonizada por Juliette Binoche; el productor húngaro Robert Lantos (el productor de David Cronenberg y Atom Egoyan y de películas como Being Julia y Barney’s Version), la actriz española Vicky Luengo, protagonista de Suro y Antidisturbios, y el cineasta alemán Christian Petzold, Oso de Plata por Barbara, Premio Fipresci en San Sebastián por Phoenix y Gran Premio del Jurado en la Berlinale por Roter Himmel / Afire (El cielo rojo).
Hayao Miyazaki
Tras graduarse en Ciencias Políticas y Economía por la Universidad de Gakushuin en 1963, Hayao Miyazaki (Tokio, 1941) se unió a la compañía de animación Toei como animador. Trabajó bajo la dirección de Isao Takahata en la planificación de escenas y la animación clave para la producción de Taiyo no oji: Horusu no daiboken (La princesa encantada, 1968). Posteriormente pasó al estudio de animación A Production con Takahata en 1971, donde trabajó en el concepto original, guion, diseño de layout y animación clave para Panda Kopanda (1972). Miyazaki trabajó en varios estudios, incluyendo Zuiyo Eizo, con Takahata, Nippon Animation y Telecom, realizó la planificación de escenas y el diseño de layout para las series de televisión Arupusu no shojo Haiji (Heidi, 1974) y Haha wo tazunete sanzenri (Marco: De los Apeninos a los Andes, 1976), y dirigió su primera serie de televisión, Mirai shonen Konan (Conan, el niño del futuro, 1978).
Debutó como director de largometrajes con Rupan sansei: Kariosutoro no shiro (El castillo de Cagliostro, 1979). En 1984, escribió y dirigió Kaze no tani no Naushika (Nausicaä del Valle del Viento), basada en su novela gráfica original serializada en la revista mensual de animación Animage.
Miyazaki cofundó Studio Ghibli en 1985 con Takahata y ha dirigido diez largometrajes desde entonces, entre los que se incluyen Tenku no shiro Rapyuta (El castillo en el cielo, 1986), Tonari no Totoro (Mi vecino Totoro, 1988), Majo no takkyubin (Nicky, la aprendiz de bruja, 1989), Kurenai no buta (Porco rosso, 1992) y Mononoke hime (La princesa Mononoke, 1997). Sen to Chihiro no kamikakushi (El viaje de Chihiro, Velódromo, 2001) rompió todos los récords de taquilla en Japón y obtuvo numerosos premios, incluyendo el Oso de Oro en el Festival de Berlín y el Oscar a la mejor película de animación. Hauru no ugoku shiro (El castillo ambulante, 2004) recibió una Osella de Oro por sus logros técnicos en el Festival de Venecia, que en 2005 le otorgó un León de Oro en reconocimiento a toda su carrera. En 2008, escribió y dirigió Gake no ue no Ponyo (Ponyo, 2009), con la que volvió a la competición de Venecia. Posteriormente contribuyó a la planificación y escribió los guiones para Kari-Gurashi no Arrietty (Arriety y el mundo de los diminutos, 2010), de Hiromasa Yonebayashi, y Kokuriko-zaka kara (La colina de las amapolas, 2011), de Goro Miyazaki. En 2013 dirigió Kaze tachinu (El viento se levanta, Perlak), que compitió en el Festival de Venecia y fue nominada Oscar a la mejor película de animación.
En noviembre de 2014, la Junta de Gobernadores de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas le otorgó un Oscar honorífico por toda su carrera. Su última película, Kimitachi wa do ikiru ka / The Boy and the Heron (El chico y la garza), se estrenó en Japón el 14 de julio de 2023, se presentó en el Festival de Toronto e inaugurará fuera de competición la Sección Oficial del Festival de San Sebastián, en lo que supondrá su estreno europeo.
Miyazaki ha publicado varios libros de ensayos, dibujos y poemas, entre los que se incluye Shuppatsuten 1979-1996. Ha diseñado varios edificios, como el Museo Ghibli, en Mitaka, que se inauguró en 2001 y donde ejerce de director ejecutivo honorario. En 2012, Miyazaki fue nombrado Persona de Mérito Cultural por el Gobierno de Japón. En julio de 2014 fue incluido en el Salón de la Fama de los Premios Will Eisner de Cómic.
Cuestionar la mirada masculina, tráiler para «The Royal Hotel» de Kitty Green
No es la primera vez que la realizadora Kitty Green se adentra en la mirada femenina a través de la denuncia, si The Assistant (2019) se centraba en el acoso laboral, The Royal Hotel, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, nos cuenta la dura peripecia de dos jóvenes estadounidenses en el duro Outback. La película, tras su paso por Telluride y Toronto, formara parte de la Sección Oficial a concurso del próximo Festival de San Sebastián.
En The Royal Hotel vemos como Hanna y Liv son dos amigas estadounidenses que viajan como mochileras por Australia. Tras quedarse sin dinero, Liv, buscando vivir una aventura, convence a Hanna de aceptar un trabajo temporal tras la barra de un pub llamado The Royal Hotel, en una remota localidad minera del Outback. El dueño del bar, Billy, y un grupo de lugareños les ofrecen una desenfrenada introducción a la cultura del alcohol en Australia, pero pronto Hanna y Liv se ven atrapadas en una inquietante situación que rápidamente escapa a su control.
La película, con guion a cargo de la propia Kitty Green junto a Oscar Redding, está protagonizada por Jessica Henwick, Julia Garner, Hugo Weaving, Toby Wallace, Bree Desborough y Nic Darrigo.
Primer tráiler para «The Bikeriders», lo nuevo de Jeff Nichols
Motivo de celebración que siete años después de Loving Jeff Nichols vuelva a ponerse detrás de las cámaras con la adaptación de la novela de Danny Lyon The Bikeriders, film que de la mano de 20th Century Studios acaba de lanzar un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que ha tenido hace pocos días su premiere mundial en el Festival de Telluride, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 1 de diciembre.
The Bikeriders narra el nacimiento y las vivencias de un club ficticio de moteros del Medio Oeste americano, los Vandals, durante la década de los 60.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Jeff Nichols, está protagonizada por Jodie Comer, Austin Butler, Tom Hardy, Michael Shannon, Mike Faist, Norman Reedus, Boyd Holbrook, Damon Herriman, Beau Knapp, Emory Cohen, Karl Glusman, Toby Wallace y Happy Anderson.
