Categoría: Festivales

Si hace unas semanas se informaba de las fechas y las bases de la XXXV edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, hoy se ha dado a conocer el cartel para la edición de este año. Como ya sabéis el leitmotiv de esta edición son las mutaciones y no cabe duda de que La Mosca (The Fly, 1986) es una película referencia en el género. Este año se cumplen 30 años de su estreno y el Festival homenajea el famoso filme de David Cronemberg que ya proyectamos el año 1987 en la 14a edición del Festival. Por quinto año consecutivo Maite Pascual se ha encargado del diseño del poster de Festival. La diseñadora nos confesó que recibió el encargo con ganas de sorprendernos:

Este año ha sido todo un reto. La intención ha sido darle un aire diferente e innovador a los que estamos acostumbrados a ver cómo imagen en un festival de cine de terror. Y sobre todo creo que deja claro que el Festival de Molins de Rei no es un festival más.

Maite Pascual

Las fechas oficiales para la que será la 35a Edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei serán del 11 al 20 de noviembre de 2016. El TerrorMolins ha ampliado su duración a nueve días en la edición de este año en un nuevo paso hacia ofrecer la mejor experiencia para nuestro público. Nueve días de gloria para todo fan del terror que no os podéis perder.

Recordad pues que la XXXV Edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei arrancará el viernes 11 de noviembre. A modo de curiosidad acerca de la fecha de arranque del Festival de este año señalar que un 11 de noviembre de 2005 muere el veterano productor de cine Moustapha Akkad, responsable de ocho películas de la saga “Halloween”, y también un 11 de noviembre de 2007, domingo, dábamos por concluida la XXVIa Edición de nuestro Festival tras las famosas 12 horas de terror que acabaron ese año con la película “Black Sheep” de Jonathan King.

Del 9 al 13 de marzo se celebró la tercera edición del Offsidefest, un modesto y voluntarioso festival que tiene la particularidad de sustentarse en dos especializaciones dentro de una misma, por una parte el auténtico e indiscutible leitmotiv de la cita, el futbol expuesto a través del documental, pero la propuesta no se queda ahí y se incide especialmente en la particularidad de aquellas producciones que reflejan el deporte rey en una mayor o menor medida desde una perspectiva claramente social, su influencia como fenómeno de masas ya sea a un nivel histórico, político, metafórico o incluso desde una base puramente cultural. Un festival que va dando pequeños pasos en su crecimiento en lo referente a lo que es su infraestructura, se dispuso de una necesaria sala de cine para las proyecciones, se incorporó a la programación de forma acertada un cortometrajes previo pase de cada documental (quizás incluidos de manera algo encorsetada en la parrilla y con poco tiempo para poder tomarse un respiro entre proyecciones).

A la hora de hacer un balance general con respecto de los trabajos vistos en esta edición hubo tres documentales muy por encima de la media, «I Believe in Miracles«, «Una meravigliosa stagione fallimentare» y «Gascoigne» destacaron dentro de un nivel general algo por debajo con respecto al pasado año, una edición no exenta de propuestas de lo más interesantes pero algo inferior si llegamos a diseccionar su calidad global a la hora de compararla con la inusual y extraordinaria cosecha que pudimos visionar en la edición del 2015.

14 largometrajes y otros 14 cortometrajes vistos durante cuatro días en el cine Maldà de Barcelona y la Antiga Fàbrica Estrella Damm, a continuación todo lo que dio de sí un festival muy válido, algo diferente en lo referente a lo que es su propuesta y de ahí posiblemente su máximo activo, una cita casi obligada para lo que entendemos el futbol como algo más, un certamen que da la oportunidad de poder visionar trabajos de una difícil difusión fuera de unos circuitos muy específicos, una en definitiva mirada privilegiada de esa otra cara del futbol la que nos ofrece el Offsidefest. 

Miércoles 9 y Jueves 10

Una de las iniciativas más acertadas vistas en esta edición del Offsidefest fue la de recuperar clásicos del futbol documentado, una mirada hacia atrás sobre trabajos que en cierta manera abrieron una nueva vía dentro del documental futbolístico, en la sección inaugural se pudo ver «El profeta del Gol» documental realizado sobre la figura de Johan Cruyff en uno de los puntos más álgidos de su carrera como jugador (copa de Europa con el Ajax, la liga del Barcelona en 73-74 y el mundial de Alemania en ese mismo año) a cargo del italiano Sandro Ciotti en 1976, un trabajo de claras connotaciones hereditarias ubicadas dentro de un contexto específico que termina reflejando un cierto sabor a nodo, una radiografía la expuesta quizás algo desprovista de una reflexión más íntima acerca de la propia figura del jugador pero poseedor de un estilo casi primigenio acerca del documental del día a día de un deportista que devino clave en el futbol moderno.

«Llegando a casa» de Fernando Kalife es ese tipo de documental que cada propio equipo quisiéramos tener en nuestro poder, la historia sobre las siete décadas del cuadro mexicano en un elaborado trabajo recopilatorio en base a imágenes de archivo y entrevistas a implicados, un vasto nivel informativo de la historia del Club de Fútbol Monterrey mexicano desde sus inicios hasta el día de hoy el que nos ofrece un documental puede llegar a resultar tan detallado, laborioso e impoluto en lo referente a su cometido como algo extenuante al no vinculado emocionalmente con los denominados Rayados, sobretodo dada su muy larga (127 minutos de duración) exposición.

La simpática «Gol de Cuba» transita a medio camino entre el anecdotario histórico y un fanatismo visto de una perspectiva de lo más peculiar, utilizando ambas herramientas a la hora de presentarnos al pueblo cubano de Zulueta, cuna del futbol de dicho país, en su exclusivo día a día durante la celebración del mundial de 2010 a través de cinco testimonios expuestos en base a su empatización en donde se nos cuenta su curiosa historia de amor hacia el fútbol y la reivindicación-orgullo que sienten hacia la tradición futbolera de su modesto pueblo. Quizás la mayor virtud de «Gol de Cuba» aparte de su complicidad venga dada en parte en su posterior reflexión, y en como el futbol como fenómeno social es utilizado como un ente esperanzador para contrarrestar la precariedad.

La laureada «Return to Homs» (Gran Premio del Jurado de documentales del Festival de Sundance 2013) de Talal Derki nos transporta a la crudeza el conflicto bélico de Siria contado en primera persona y en modo casi mockumentary, el asedio de Bashar al Assad hacia la ciudad de Homs vivido en primera persona en un documento que se aparta del relato de lo que los medios informativos difunden como supuesta información veraz. Posiblemente la excusa del futbol en «Return to Homs» este cogido algo con pinzas (el protagonista fue integrante de la selección nacional de fútbol y en el documental hay apenas algunas esporádicas referencias hacia ello) en un documento que pese a rozar peligrosamente su más que evidente naturaleza de índole propagandística deviene como un estremecedor relato en donde la esperanza del cambio queda crudamente radiografiada  en forma de los últimos suspiros en una cada vez más utópica revolución.

Viernes 11

«Tanger Gool» vista tras su paso en la pasada edición de la Seminci de Valladolid es un documental financiado a través del crowdfunding que nos ofrece una visión de la juventud árabe expuesta a través de los esfuerzos de los integrantes de una asociación ubicada en uno de los barrios más conflictivos de Tánger a la hora de organizar un partido de fútbol femenino con el equipo local (Al Boughaz) y uno español (Atlético de Madrid). Un esforzado documento friccionado con el fútbol como elemento percutor especialmente direccionado hacia las mujeres de Marruecos en lo referente a su modernización social.

Por otra parte Pedro Asbeg ganador al mejor documental en la pasada edición del Offsidefest con la extraordinaria «Democracia me preto e branco» junto a Renato Martins vuelve a incidir en la problemática social vista a través del futbol en Brasil, en esta ocasión con «Geraldinos«, un breve documental que nos habla de las consecuencias político-sociales de la remodelación del mítico estadio Maracaná para el Mundial de 2014 que acarreo la desaparición de la denominada Geral, una zona del estadio destinada a las clases más populares por lo económico de sus precios. Un trabajo algo inferior al anterior documental de su director pero que encuentra su algo dispersa validez en su propia función de relato-denuncia del proceso  de sustitución del futbol como expresión de entretenimiento cultural popular por algo meramente comercial con fines lucrativos. Una de las joyas que se pudo ver este año en el festival sin lugar a dudas «I Believe in Miracles«, los amantes del futbol británico y de la figura de Brian Clough estamos últimamente de enhorabuena, si el pasado año tuvimos la fortuna de poder disfrutar de la publicación en castellano de la mítica novela de David Peace «Maldito United» en donde se relataba los infernales 44 días de Brian Clough al frente del Leeds United el documental que aquí nos ocupa nos explica su posterior e increíble trayectoria al mando del Nottingham Forest, un documental de manual que puede servir al mismo tiempo como una fluida narración e inmejorable anexo documentado a la notable «The Damned United» de Tom Hooper, pues cronológicamente donde termina una empieza la otra, una historia la aquí contada que a un sector determinado de seguidores nos resulta muy complicado el no llegar a empatizar con ella.

Otro de los documentales vistos este año en el Offsidefest en modo de retrospectiva fue la valiosa «Profis» de Christian Weisenborn y Michael Wulf ambos presentes en el certamen, un documental que 37 años después de su realización deviene como una muestra adelantada a su tiempo, génesis casi perfecta del documento intimo futbolístico en donde asistimos al rígido seguimiento efectuado a Paul Breitner y Uli Hoeness a lo largo de una temporada en el Bayern Múnich, una valiosa pieza de connotaciones casi arqueológicas en donde prima la visión personal por encima de la más meramente futbolística.

Sábado 12

La premisa que nos ofrece «Calabash» es hasta cierto punto muy obvia, quizás demasiada aunque no exenta de un cierto interés, una visión alrededor del primer mundial de fútbol celebrado en África con el trasfondo de la supuesta corrupción institucional de los organizadores y como esto va en detrimento de los más desfavorecidos, volvemos a toparnos al igual que en «Geraldinos» en como la asignación de fondos públicos a un evento deportivo a gran escala deviene como arma arrojadiza en contra del bienestar social de una nación en un estado muy precario, una visión anexionado al mismo tiempo a través de historias explicadas por diferentes personajes que sirven como un fiel reflejo a la actual desigualdad existente entre personas (especialmente personificada en la familia acomodada mexicana que asiste al evento en contraposición  a los lugareños), un retrato que sirve como una fiel metáfora hiriente de la actual situación económica existente en el mundo.

En «Gascoigne» (ganador como mejor documental) la directora Jane Preston vuelve a incidir en la figura del ex futbolista británico, si en el 2013 nos ofrecía en «Being Paul Gascoigne» una visión más dirigida al retrato más puramente familiar, tortuoso y extradeportivo del personaje aquí somos testigos de una sincera confesión en primera persona de connotaciones casi catárticas centrada exclusivamente en su trayectoria deportiva, una carrera plagada de excesos a cargo de una figura atípica dentro del imaginario del futbol inglés, las vicisitudes de un héroe nacional a principios de los 90 documentado dentro de un recorrido plenamente dominado por un vaivén de luces y sombras que es plasmado en un trabajo con una clara vocación de índole claramente futbolística y en donde los escasos testimonios ajenos (Gary Lineker, José Mourinho y Wayne Rooney) pasan a un segundo término para dar lugar a la historia que hay detrás de su ascensión y caída contada desde dentro, como buen documental este a su finalización nos invita a su posterior reflexión y a preguntarnos  si es la prensa la encargada de crea ciertos mitos de cara a la sociedad, unos mitos creados más en función de la indisiocrancia del personaje que a la de sus logros deportivos.

Uno de los mejores documentales vistos este año en el festival fue «Una meravigliosa stagione fallimentare«, uno de esos film en donde de una manera incuestionable prima más su recorrido a lo que su finalidad, el retrato del entusiasmo de una ciudad entera que vuelve a creer de nuevo en su equipo de fútbol, una historia que sigue la evolución de Bari desde su trágica situación económica a principios de temporada hasta su milagrosa participación en los playoffs de ascenso a la primera división, un documental que aparte posee la virtud y el encanto de apoyarse dentro de unas coordenadas que la direccionan a una cierta tradición e idiosincrasia del prototípico cine clásico Italiano, su música, la particularidad de esa voz en off y personajes como la mascota o la niña son arquetipos muy característicos dentro de una índole perfectamente reconocible, dotado todo ello al mismo tiempo de un innegable encanto cinéfilo. La amena «The Art of Football» por su parte es una divertida y algo despreocupada guía futbolística de la A a la Z conducido por John Cleese, a medio camino entre el testimonio de superestrellas tales como Platini, Pelé, Ronaldo y Beckenbauer o de celebridades Dennis Hopper, Henry Kissinger o Wim Wenders  y el material de archivo, curiosamente el documental  tiene sus mejores momentos en lo concerniente a los gags a cargo del ex Monty Python, unos intervalos cómicos que tienen la virtud de poseer ese inconfundible tono de humor británico.

Domingo 13

El último día de festival  nos dio la oportunidad de visionar tres mediometrajes, posiblemente el más interesante de largo fue «White, Blue & White«, un acertado documental a cargo del canal ESPN acerca la figura de Ossie Ardiles, su presencia en el mundial del 1978 y su posterior traspaso al Tottenham Hotspur junto a su compatriota Ricky Villa cuando la posibilidad de que jugadores extranjeros jugarán en la liga Inglés era cuanto menos novedosa, una trayectoria que se vio repentinamente interrumpida por la guerra de las Malvinas, un testimonio ofrecido en primera persona a cargo de Ardiles a medio camino entre la tragedia familiar y su difícil situación coyuntural como jugador argentino en la Premier, es a partir de ahí cuando «White, Blue & White» gana enteros y  nos es presentada como una ceñida obra dramática que termina convirtiéndose en un acertado ejemplo de lo que debería ser un documento televisivo que trasciende más allá de lo meramente futbolístico.

Por otra parte la visión ofrecida en «Looking For Barcelona» de la rivalidad existente los dos grandes rivales deportivos de la ciudad, RCD Espanyol y FC Barcelona con la algo fantasmal presencia de Eric Cantona de por medio aporta bien poco más allá de lo puramente anecdótico a los que nos toca vivir dicha tesitura, un documento algo difuso y de desarrollo irregular en lo referente a su exposición, la carencia de una voz en off y un discurso político por parte de algunos entrevistados algo confuso y en parte discutible hacen del documental una muestra  fallida en el desarrollo de un tema que da para una exploración mucho más amplia y profunda. Como colofón final del OffsideFest 2016 y aprovechando la presencia como jurado del director Manuel Huerga se tuvo la ocasión de visionar su último trabajo, «371. Thiago Alcantara«, una producción a cargo de Mediapro que es la unión de 4 breves capítulos en donde se nos cuenta la dura vivencia de Thiago durante esos fatídicos días, desde su lesión hasta su recuperación, un documento provisto de entrevistas a compañeros y familiares en un conseguido relato cotidiano a través la dureza del día a día en la recuperación una grave lesión.

“Hay quien dice que el futbol no tiene nada que ver en la vida de un hombre con las cosas más esenciales. Desconozco cuanto sabe esta gente de la vida. Pero de una cosa estoy seguro; no saben nada del futbol”.

Edurado Sacheri

El D’A – Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona anuncia los veinte primeros nombres de los más de setenta filmes que formarán parte de la sexta edición del festival, que se celebrará del 21 de abril al 1 de mayo. Entre las secciones Direccions, Talents, Transicions y Retrospectiva, dentro del D’A 2016 se podrán ver películas de 23 países, con doce obras de directores debutantes, diez filmes españoles y diez obras dirigidas por mujeres, que abarcan todo tipo de géneros, desde las nuevas formulaciones del documental al género, reuniendo un año más el mejor cine que se hace en el mundo, los nombres más destacados del momento y las películas que redefinen continuamente la autoría contemporánea. El D’A 2016 empezará el día 21 de abril con la presentación de Cegados por el sol, la nueva película del director italiano LUCA GUADAGNINO (Yo soy el amor) protagonizada por Tilda Swinton, Ralph Fiennes, Dakota Johnson y Matthias Schoenaerts. La propera pell, la nueva película de ISAKI LACUESTA, codirigida con ISA CAMPO y protagonizada por Sergi López, Emma Suárez y Àlex Monner, clausurará el festival.

DIRECCIONS

La sección Direccions está dedicada a los autores de referencia sin los cuales no se puede entender la creación cinematográfica contemporánea y nombres habituales de los principales festivales del mundo. Año tras año, el D’A se hace eco de las nuevas películas de los clásicos del cine de autor, y en la sexta edición del festival se proyectarán las nuevas obras de directores como HONG SANG-SOO (Ahora sí, antes no), BRILLANTE MENDOZA (Taklub), TERENCE DAVIES (Sunset Song), ARNAUD DESPLECHIN (Trois souvenirs de ma jeunesse), ALEXANDER SOKUROV (Francofonia), PHILIPPE GARREL (L’ombre des femmes), ANDRÉS DUQUE (Oleg y las raras artes) o MARCO BELLOCCHIO (Sangue del mio sangue), entre otros.

PANORAMA DE LA MEJOR AUTORIA EN TRANSICIONS

El D’A no puede dejar pasar las mejores películas de cine de autor que se ha presentado en los festivales internacionales y han despertado el interés de la crítica y la cinefilia de todo el mundo. Así dentro de la sección Transicions algunas de las películas más sorprendentes del año, un radar de la mejor producción del momento, con películas como Dead Slow Ahead del español MAURO HERCE (ganador en Locarno 2015 del premio especial del jurado a Cineastas del Presente), Happy Hour de RYUSUKE HAMAGUCHI, quizá una de las mejores películas que nos han llegado desde el Japón en los últimos años, la producción indie norteamericana Nasty Baby de SEBASTIÁN SILVA con Kristen Wiig como protagonista, El nome de los árboles del asturiano RAMÓN LLUÍS BANDE o la revelación mexicana Te prometo anarquía de JULIO HERNÁNDEZ CORDÓN.

SANGRE FRESCA EN LA SECCIÓN TALENTS

Talents, la sección competitiva del festival, acoge una selección de películas de directores con un máximo de tres filmes en su filmografía -con doce directores que presentan su primera película- en un viaje que nos lleva por los caminos más nuevos y las voces más frescas de la creación cinematográfica, con visiones osadas, riesgo creativo y diversidad de temáticas y puntos de vista. Se podrán ver la mejor película debutante de Locarno, la china Kaili Blues de GAN BI o una de las revelaciones del año, Bang Gang (Une histoire de amour modern) de la directora EVA HUSSON. Fuera de competición, 600 millas de GABRIEL RIPSTEIN (premio a la mejor película de un director debutante en la Berlinale 2015), Demon del tristemente desaparecido MARCIN WRONA y el primer largometraje como director de LOUIS GARREL, Les deux amis.

EL DIRECTOR SHARUNAS BARTAS, PROTAGONISTA DE LA RETROSPECTIVA D’A 2016

El director lituano SHARUNAS BARTAS será objeto de la retrospectiva del D’A 2016, aprovechando la presentación de su nueva película después de seis años de inactividad, Peace to Us in Our Dreams. Su obra, formada hasta hoy por doce largometrajes y cortometrajes, dibuja perfectamente el mundo contemporáneo: la miseria, la soledad, los problemas de comunicación, la búsqueda de un futuro mejor que parece inalcanzable. Cineasta de los límites, Bartas confronta los hombres a los espacios y a menudo se pierde en largas expediciones. Su cine se vive como una experiencia física en la cual los lugares y su naturaleza resultan determinantes, dictando una ley que no se puede desobedecer. En colaboración con la Filmoteca de Catalunya se presentará su obra completa, una oportunidad única para descubrir a un cineasta inédito en nuestras pantallas, con obras de impacto como Indigène de Eurasie o The House (protagonizada por Valeria Bruni-Tedeshi y Alex Descas).

En su tercera edición, que comienza hoy y se alargará hasta el 13 de marzo en Barcelona, el festival internacional de documentales de fútbol proyectará hasta 14 largometrajes y 14 cortometrajes que explican apasionantes historias alrededor del fútbol desde un punto de vista social, cultural, histórico y deportivo.  La Sesión Inaugural de esta noche en la Antiga Fàbrica Estrella Damm, a partir de las 20:15h, contará con la proyección del clásico El Profeta del Gol de 1976, sobre Johan Cruyff. Después habrá un coloquio con David Carabén (líder de Mishima) y Jordi Marcos (director de L’Últim Partit).

EL CINE MALDÀ, NUEVA SEDE

A partir de mañana el festival estrenará sede en el Cine Maldà de Barcelona, donde hasta el sábado se podrán vivir historias como el emotivo repaso a la carrera de Paul Gascoigne (Gascoigne), el ejemplar lucha de un equipo de fútbol femenino de Tánger para visibiliizar su día a día (Tanger Gool), las repercusiones sociales de la reconstrucción del mítico Estadio Maracaná de Río de Janeiro (Geraldinos), y la particularísima guía futbolística teorizada con mucho humor por el Monty Python John Cleese (The Art Of Football).

Además, habrá espacio para la brutal historia de Return To Homs y su cruda visión de la guerra civil siria, y las historias esperanzadoras, cada una a su manera, de Gol de Cuba, I Believe In Miracles, Una Meravigliosa Stagione Fallimentare y 70 años llegando a casa.

INVITADOS DE LUJO

Frank Clark, ex-jugador, ex-entrenador y ex-presidente del Nottingham Forest, asistirá a la proyección del documental I Believe In Miracles (viernes 11 a las 20:30h). Además, nos visitarán los directores de films como Gascoigne, Profis, y Llegando a casa.

MATINAL GRATUITA Y CLAUSURA EN LA ANTIGA FÀBRICA ESTRELLA DAMM

La tradicional sesión matinal gratuita de cortometrajes tendrá lugar el domingo por la mañana, a partir de las 12:30h, en la Antiga Fàbrica Estrella Damm,  con documentales de Copa 90 También se celebrará un torneo de Pro Evolution Soccer 2016.

El Offside Fest 2016 celebrará su sesión de clausura el domingo 13, de nuevo en la Antiga Fàbrica Estrella Damm, con la proyección de los documentales White, Blue & White, Looking For Barcelona de Eric Cantona, y 371. Thaigo, corto dirigido por Manuel Huerga sobre la recuperación del futbolista actualmente en el Bayern de Múnich.

PROGRAMACIÓN OFFSIDE FEST 2016

 – Miércoles 9 de marzo: Sesión inaugural en la Antiga Fàbrica Estrella Damm

 – Del jueves 10 al sábado 12 de marzo: Proyecciones en el Cine Maldà

 – Domingo 13 de marzo (matinal gratuita): Torneo de Pro Evolution Soccer 2016 y matinal de cortos de Copa 90 en la Antiga Fàbrica Estrella Damm

 – Domingo 13 de marzo (tarde): Sesión de clausura y entrega de premios en la Antiga Fàbrica Estrella Damm

PROGRAMA DE MANO CON LOS HORARIOS

Trumbo

Dalton Trumbo fue uno de los más importantes guionistas del Hollywood clásico. Pero era militante comunista. Y además valiente. Y se vio encarcelado, marginado y apartado de su carrera por una sociedad manipulada y unos dirigentes que no querían sentirse amenazados por la lucha de clases o por tener que ceder derechos a los más desprotegidos. La paranoia de la Guerra Fría por parte de algunos y el miedo por parte de otros conducirán a Trumbo al exilio dentro de su propio país, al olvido y al anonimato, justo después de que se hubiera convertido en el guionista mejor pagado del mundo. Su lucha, su resistencia, la relación con su familia y las distintas actitudes de las personas que le rodean servirán para trazar un vivo retrato de aquel Hollywood tan lejano y de aquella etapa triste de los EEUU, además de un relato humano de quien todavía a día de hoy es considerado uno de los guionistas más brillantes de la historia.

«Trumbo» fue la encargada de clausurar la tercera edición del Americana 2016, un biopic interpretado por el gran Bryan Cranston y realizado por Jay Roach partiendo de la obra “Dalton Trumbo” de Bruce Cook, un retrato que posiblemente  huya  o no acierte a dotar convenientemente de la profundidad requerida al personaje principal, por el contrario el film nos ofrece una exposición a medio camino entre lo más puramente académico y la visión amena y correctamente cronológica de los lamentables hechos que tuvo que sufrir el guionista norteamericano en aquellos años. Hay dos maneras a la hora de enfrentarse a un film de las características de «Trumbo«, por un lado los más conocedores de una de las páginas más negras de la historia de Hollywood seguramente sentirán una cierta decepción ante la falta de sutileza del relato o de una visión más personal e incisiva en el retrato expuesto de Dalton Trumbo, por contra los no tan versados en la materia encontraran en la película una perfecta herramienta didáctico-histórica que funciona como un fluido entretenimiento al  mezcla el drama con toques de comedia al más puro estilo clásico, básicamente porque «Trumbo» consigue funcionar de manera solvente como un profuso catalogo-anecdotario que se apoya en su propia cinefilia, ahí es donde gracias a un ceñido y acertado casting (especialmente brillantes Bryan Cranston y Helen Mirren) el film exhibe sus puntuales aciertos, las referencia y las apariciones de multitud de estrellas de aquellos años y que posturas decidieron tomar muchos de ellos reinan por completo en una función que no quiere o no puede sentar cátedra en la materia, su resultado terminan asemejándose más a una pieza de connotaciones tan efectivas como funcionales.

Valoración 0/5: 2’5

Wildlike

Mackenzie es una hermosa adolescente a quien su madre envía a vivir un tiempo a Alaska con su tío, después de la muerte del padre. Pero la relación entre ambos se nos antoja extraña y pronto descubriremos que turbia. Así que la chica huye con destino a Seattle, improvisando sobre la marcha la forma de llegar. El destino la cruzará con Rene, un hombre maduro y viudo con quien vivirá una aventura por las fascinantes tierras de Alaska y con quién iniciará una relación de amistad basada sobre todo en los silencios y la mutua compañía. Pero el tío de Mackenzie no se dará por vencido y la buscará por toda Alaska, para mantener en secreto aquello que les une, pero que también los separa.

El debut en la dirección de Frank Hall Green fue una de las propuestas presentadas este año dentro  del festival más fallidas, un film de ritmo excesivamente lento que no termina de encontrar el tono en prácticamente ningún momento de su metraje, a medio camino entre la road movie de poder curativo en lo emocional y el drama de problemática adolescente más una suerte de thriller final, «Wildlike» termina por no sabe encausar adecuadamente un nivel narrativo que fracasa tanto en lo concerniente a su retrato intimista, el de dos personas heridas que tienen que compartir travesía, como a la hora de saber detallar con solvencia su supuesta ambigüedad genérica respecto a lo que es su núcleo narrativo, la descripción de personajes esta radiografiada de forma tan entrecortada que se hace por momentos casi  imposible poder otorgarles la solidez  que se requería en un principio. Al final los únicos activos que podemos destacar de «Wildlike» los vemos únicamente en la solvencia actoral de Bruce Greenwood (un extraordinario secundario de lujo a lo largo de prácticamente toda su carrera) y los paisajes naturales de Alaska que vamos viendo durante el metraje, algo que como resultado final sabe a bien poco la verdad.

Valoración 0/5:2

Prophet’s Prey

Warren Jeffs es el líder de la “Iglesia de los santos de los últimos días”. Esta secta evangelista y poligámica de tradición centenaria. Esconde muchos secretos. Viven en pueblos inexpugnables y tienen su propia ley. Las cosas cambian cuando Jeffs, heredero de un linaje de líderes de la iglesia, es acusado de abuso de menores. La investigación llevará a revelar las partes más oscuras de una organización enorme, llena de paranoia, intereses, idolatrías, mentiras y miedo.

Prophet’s Prey fue uno de los documentales vistos dentro de la nueva sección Americana DOCS, dirigido por la últimamente pluriempleada Amy Berg («West of Memphis«, «Deliver Us from Evil» y la recientemente estrenada «Janis: Little Girl Blue«), el film se adentra en la figura de Warren Jeffs, líder de la secta Fundamentalista SUD y de los abusos que fue cometiendo como “profeta” de la organización. «Prophet’s Prey» podríamos catalogarla como una pieza de corte algo tradicional en lo referente a su desarrollo, su narrativa camina a medias entre los testimonios (algo escuetos) y una investigación estructurada cronológicamente, es en la parte final cuando «Prophet’s Prey» gana atributos al adquirir las connotaciones de un documento de terror amparado en su no ficción.

Si hasta ese momento habíamos seguido la deleznable figura de Warren Jeffs (cerrada de forma escalofriante con una escena en la que la pantalla se pone negra mientras oímos el audio de una ceremonia ritual en el templo donde Warren Jeffs mantiene relaciones sexuales con una niña de 12 años) Amy Berg consigue dar un acertado golpe de timón en esa parte final cambiando el rumbo e introduciéndonos en el sistema de creencias utilizado por un líder encarcelado de por vida hacia sus acólitos, porque al final nos damos cuenta que el auténtico horror no recae en un solo individuo sino en el poder de manipulación de este hacia sus seguidores, es ahí cuando ese reino de terror mental adquiere un status de máxima perturbación hacia el espectador, un retrato en donde su escalofriante veracidad rompe esa barrera de seguridad que suele coexistir dentro de los parámetros de la ficción.

Valoración 0/5: 3’5

The Invitation

Will y Eden perdieron a su hijo años atrás. La tragedia afectó su relación de forma irreversible, hasta el punto de que ella desapareció de la noche a la mañana. Un día, Eden regresa a la ciudad; se ha vuelto a casar y en ella parece haber cambiado algo, convirtiéndola en una presencia inquietante e irreconocible incluso para Will.

«The Invitation» es indiscutiblemente una de las sorpresas más positivas del pasado 2015, aunque en un principio pueda llegar a descolocarnos en algo dado los antecedentes de sus responsables, su directora Karyn Kusama se resarce aquí de anteriores trabajos suyos como eran las horrendas «Aeon Flux» o «Jennifer´s Body» para presentarnos un producto de premisa modesta pero de resultado enriquecedor, ubicado en un escenario claramente minimalista «The Invitation» se presenta en forma de un drama psicológico que va mutando hacia el horror conforme avanza su recorrido argumental, que sabe alejarse de manera consiente del consabido relato de tono críptico usado de forma algo habitual en productos de trazado indie para ofrecernos lo diametralmente opuesto, una historia cocinada a fuego lento en base a un tempo narrativo bien llevado, de estructura sencilla en apariencia, una interpretación de ciertos comportamientos sociales bajo la apariencia de un drama profundamente dialogado y expuesto en cómo el dolor asumido de forma personal ante un hecho luctuoso puede llegar a convertirse en algo realmente espeluznante según como sea aceptado, a partir de dicha premisa el film va jugando en lo concerniente a una serie de continuas sospechas que nos van siendo mostradas y dosificadas en forma de pistas, para dar paso a un continuo tour de force en lo referente a una tensión muy bien direccionada y que termina derivándola en su tramo final a un twist-ending en el que cambia por completo de registro, algo que posiblemente rompa el tono exhibido hasta ese momento.

Seguramente «The Invitation» expuesto en términos plurales no sea un grandioso film, de echo la propuesta presentada por Karyn Kusama es tan sencilla de como efectiva en resultados, pero no deja de ser un notable ejercicio de cómo saber ejecutar el recurso de la tensión psicológica a un relato, en donde su mejor virtud es la de lograr reclutar por completo la atención del espectador durante prácticamente todo su metraje, algo hoy en día digno de resaltarse.

Valoración 0/5: 4

Digging for Fire

Tim (Jake Johnson) y Lee (Rosemarie DeWitt) son una de esas parejas atrapadas en su rutina. Con un bebé y las circunstancias sociales de su clase, se sienten obligados a hacer de su amor, una apariencia indispensable en el círculo en que se mueven. Pero una visita familiar y un descubrimiento harán que la pareja opte por dividirse y salir de la claustrofóbica relación durante un fin de semana. La aventura de cada uno por separado en busca de la felicidad y de sus miedos y de sus razones nos acercará a temas trascendentales siempre a través de la mirada ligera de su director.

La nueva película de Joe Swanberg vuelve a incidir en esas pequeñas taras emocionales que subyacen dentro de las parejas que aparentan una felicidad carente de una estabilidad emocional, una crisis matrimonial en donde se sigue a unos personajes a partir de una supuesta búsqueda de la felicidad por separados y durante el trascurso de un breve fin de semana, ya sea a través de una excusa meramente escapista, el descubrimiento de restos humanos en el jardín de la casa donde pasan unos días de relax (el) o bien a través del intento de pequeños escarceos románticos (ella).   

Un tránsito el que recorre «Digging for Fire» que empieza a partir del cuestionamiento dentro de la propia  pareja para acabar en una amable parábola sobre el compromiso, en este aspecto queda claro que lo mejor del nuevo film de Joe Swanberg reside parcialmente en lo referente a su trayecto y no en su finalidad (algo pueril), la narrativa de ese microcosmos del descontento llega a funcionar de manera algo dispersa y abrupta, una premisa la expuesta que incluso podríamos catalogarla como una versión alternativa y de claro calado indie del «Eyes Wide Shut» de Stanley Kubrick.

Valoración 0/5: 2

Blood Brother

Rocky Braat no tiene la estabilidad emocional que necesita. Siempre ha querido formar una familia, quizás porque la suya de tan desestructurada es casi inexistente y vive con su amigo del alma, Steve. Buscando encontrarse a sí mismo, comienza un viaje por la India sin destino concreto. Una vez allí, el azar le hará cruzarse con un orfanato de niños con SIDA y su vida cambiará radicalmente. Enganchado a sus afectos, sintiéndose útil y pleno por una vez en su vida, Rocky luchará para sacar a los niños adelante. Pero la pobreza y la enfermedad que sufren harán que la situación sea cruda y desesperada en muchos momentos. Una película dura y tierna que nos acerca a aquellos que sin haberlo planificado destina su vida a ayudar a los demás.

Dentro de la nueva sección (Americana DOCS) y en la jornada solidaria del festival se rescató «Blood Brother«, opera prima de Steve Hoover, presentada en el Festival de Sundance de 2013 en donde ganó los premios al mejor documental y el premio del público. Difícil el poder discernir de un forma ecuánime los atributos de un film en donde la propia naturaleza del producto va más allá de lo que es su calidad, un retrato crudo y desgarrador, de los que a priori ya esperas que te conmuevan desde un principio. «Blood Brother» huye del prototípico film-denuncia, básicamente nos encontramos ante un diario personal de alguien que decide abandonar su vida acomodada en Estados Unidos para establecerse en la India, donde conoce a un grupo de niños infectados con el VIH Sida. «Blood Brother» funciona como un perfecto retrato de la muestra del poder del amor desinteresado hacia las personas más desfavorecidas, la pregunta viene dada en saber si el retrato que nos ofrece el documental de su protagonista resulta acertado o no, y aquí me remito a lo arriba comentado, en cierta manera el personaje de Rocky Braat convive dentro de una especie de anonimato autoimpuesto, sus motivaciones parecen alejarse por completo del idealismo o la rebeldía, y posiblemente aquí resida la grandeza del documental, en la falta de un discurso propio de tono reivindicativo, una exposición está que los héroes anónimos no suelen necesitar.

Valoración 0/5: 3

People Places Things

Will está absorto en la fiesta de aniversario de sus hijas cuando descubre a su mujer poniéndole los cuernos con un invitado. Ella decide dejarlo, ya que las expectativas en su vida no se han cumplido a su lado. Él, tan aburrido como buena persona, mirará de rehacerse, volverse a enamorar, tener la capacidad de perdonarla y sobre todo encontrar el tiempo y la dedicación suficientes para poder disfrutar más y mejor de sus dos hijas.

«People, Places, Things» fue la encargada de inaugurar el festival, una película que podríamos catalogarla como un claro y definido prototipo o exponente de la comedia indie norteamericana más actual, un tipo de film de tono sobradamente amable, alejada de tesis transcendentales a la hora de discernir el desarrollo de sus personajes, una tesitura esta que en cierta manera le obliga a transitar hacia una argumentación algo despreocupada pero que suele dar como resultado el contentar a prácticamente a todos tras su visionado. La película de James C. Strouse versa en un principio sobre las relaciones humanas de pareja, sus rupturas, el comienzo de una nueva pero de una manera algo dispersa, pues «People, Places, Things» no es solo un film de relaciones sentimentales, básicamente asistimos a como un hombre ha de afrontar una nueva situación vital, paternidad, trabajo y por supuesto las relaciones románticas a las que se enfrenta, en este aspecto el principal activo del film recae sobre Jemaine Clement, uno de los creadores de «Flight of the Conchords«, actor y director que hemos visto recientemente en la sátira vampírica «What We Do in the Shadows«, sin su empatía actoral sería prácticamente imposible que «People, Places, Things» llegara a funcionar en lo referente a  su cometido, un film en definitiva que es plenamente consciente de sus propias limitaciones, una simplicidad desarrollada en base a ingeniosos diálogos que la deriva a un producto tan liviano por momentos como ingenioso en su finalidad.

Valoración 0/5: 3

The Overnight

The Overnight nos explica la historia de una pareja recién llegada a Los Ángeles junto a su hijo. Obsesionados con disponer lo más rápidamente posible de una vida social de la que enorgullecerse y de conocer a nuevos amigos, no dudarán en aceptar la invitación de su nuevo vecino, Jason Schwartzmann, a una velada en su lujosa casa. Pero lo que en principio parecía una invitación inocente les llevará a pasar una noche de lo más bizarra con el matrimonio vecino.

«The Overnight» de Patrick Brice (autor del curioso y estimulante found-footage «Creep» con la que comparte muchos puntos de semejanza a pesar del cambio de registro genérico) se mueve dentro del terreno de la comedia sexual de equívocos, un humor que orbita a través de la sutileza y muy especialmente de la incomodidad, una incomodidad aunque en clave de terror que ya estaba presente en el anterior trabajo de Patrick Brice, en «The Overnight»se contextualiza desde su inicio su hasta cierto punto esquemática  historia de una forma muy rápida, sin embargo puede llegar a resultar algo complicado que un film de estas características permanezca con nosotros mucho más tiempo después de lo que es su visionado, pues estamos ante un producto que se rige en función básicamente de sus gags y de la comicidad que se le quiera otorgar por parte del espectador a sus personajes.

La inseguridad de la pareja con el trasfondo del tema swinger como supuesta terapia de choque y elemento solucionador, o la necesidad imperiosa de establecer un lazo de comunicación con personas en un principio no muy afines a tu propia personalidad, son solo algunas cuestiones que lanza al aire «The Overnight«, un film que termina teniendo como principal virtud el huir de una manera consiente de ese humor zafio o fácilmente frívolo que dada la premisa de la película era bastante fácil en incurrir, a favor de un tono más liviano o sugerido, algo que le da un cierto sentido a lo que es su propia narrativa, colocando a Patrick Brice como un director aun en desarrollo pero poseedor de un discurso lo suficientemente interesante como para seguirle la pista en un futuro.

Valoración 0/5: 2’5

Del 3 al 6 de marzo se celebró la tercera edición del festival de cine independiente norteamericano de Barcelona (Americana 2016), un certamen pequeño en lo referente a su estructura pero rico en propuestas e intenciones y sobre todo en ilusión por parte de los que lo organizan, quien sabe si en un futuro, esperemos que no muy lejano, el festival vaya creciendo, de momento hay un público que responde plenamente a lo que se le ofrece y lo que es más importante desde mi punto de vista, la especialización en la que se sustenta el certamen es ahora mismo muy vasta y amplia en lo concerniente a lo que es su oferta actual, hay muchísimo cine independiente proveniente de Estados Unidos interesante, posiblemente dado las limitaciones del propio festival no se llegue a abarcar esta tendencia de una forma más amplificada en lo concerniente a dicho sector, sin embargo si ya en la pasada edición se creó la sección NEXT (dedicada a propuestas de índole más arriesgadas) este año se inauguró una sección exclusivamente dedicada al cine documental (Americana DOCS), una temática que ya de por si da suficiente material interesante como para hacer un festival solo dedicado a ello. A continuación un resumen de lo más destacado visto en estos tres días en un festival que tuvo como denominador común las reuniones familiares o de amistad, expuestas desde diferentes ópticas y conceptos, y que tuvo como principal punto de referencia en el publico dos films vistos en Sitges y que obtuvieron un sold out en sus diversos pases, «The Invitation» y «Tangerine«, film que contó con la presencia de su director de fotografía Radium Cheung.

King Jack

Jack tiene 15 años, un hermano mayor que pasa de él y una madre demasiado ocupada trabajando como para darse cuenta de sus problemas. Su vida tiende al drama adolescente: Las chicas se ríen de él, la escuela es un palo y sólo falta un grupo de chicos mayores, capitaneados por Shean, que lo persiguen y abusan de él día tras día. No parece que su situación vaya a mejorar con la llegada de su primo pequeño, Ben, de quien se tendrá que ocupar unos días. De hecho las cosas todavía pueden empeorar.

Uno de los muchos debuts en la dirección que se pudieron ver en esta edición fue el de Felix Thompson y su «King Jack«, un film correcto en base a su empatía formal pero algo desprovisto en cómo saber utilizar de una forma más arriesgada la garra emocional, una película que transita por tendencias y caminos bastantes reconocibles dentro de un cierto tipo de cine independiente norteamericano, en «King Jack» asistimos  a las vivencias y al intento de supervivencia de un problemático joven adolescente ubicado dentro de un entorno claramente hostil, desarraigo emocional familiar + acoso con el bullying de trasfondo + primeros escarceos sentimentales, elementos estos muy reconocibles dentro de un contexto habitual muy determinado.

Posiblemente «King Jack» llegue a abusar por momentos de ciertos tópicos e inherentes clichés temáticos, sin embargo su gran baza y en donde consigue ganar algunos enteros en lo referente a su narrativa está en cómo saber exponer esa naturalidad de tono idealista en clave teen, ese aprendizaje emocional expuesto de forma algo fluida en la trama del film en apenas 48 horas de vivencias, un enclave temporal en donde nuestro protagonista tendrá que dilucidar qué camino a seguir tiene que ser el correcto, de sus decisiones estar el recuperar ese reinado emocional al que hace referencia el título y que por circunstancias de la vida perdió tiempo atrás.

Valoración 0/5:2’5

Take me to the River

Ryder es un adolescente inocente y ensimismado de California. Se ve obligado a asistir a una reunión de familia en el centro rural de los Estados Unidos e intenta pasar desapercibido. Enseguida se convierte en el ídolo de su prima pequeña, Molly, que le sigue a todas partes. Pero un pequeño accidente hace que Molly acabe con el vestido manchado de sangre. Esta anécdota enrarece el encuentro y las sospechas caen sobre Ryder. Un ambiente enrarecido y peligroso plana sobre todos los asistentes con consecuencias imprevisibles.

Otros de los films que basculaban en un principio alrededor de la problemática adolecente fue «Take me to the River» del también debutante Matt Sobel, aunque expuesto desde una perspectiva muy poco convencional y muy diferente de por ejemplo «King Jack«, el film que reseñamos más arriba.

«Take me to the River» es de esos films que sin saber muy bien si lo hacen de una forma voluntaria o no juegan constantemente a la confusión y al despiste de tono incomodo tanto a nivel narrativo como temático, hasta llegar a una conclusión final que invita a una cierta reflexión nada complaciente, un descontrol  conceptual que abarca desde la comedia negra de equívocos de tono esperpéntico hasta un cierto costumbrismo dramático-familiar para acabar presentándose en forma de agria fábula moralista acerca de los abusos sexuales, todo ello sustentado en lo referente a su ambigüedad genérica, un curioso y algo deslavazado catálogo de comportamientos que terminan convirtiéndose en reversibles, los de una familia dividida entre los que habitan en la urbe y los que han tenido que subsistir dentro de esa América profunda. «Take me to the River» posiblemente no llegue a conceptuar de una manera sólida lo que es su propio tono, principalmente debido a una naturaleza que la deriva hacia una diversidad algo tosca, sin embargo si logra funcionar como atípico vehículo en el que a través de un festín humorístico de contornos incomodos termina por esbozar un servicio de cierta denuncia social, un esquema este que aunque expuesto desde unas diferentes coordenadas la llegan a emparentar por momentos a la notable «The Hunt» de Thomas Vinterberg.

Valoración 0/5:3’5

Krisha

Krisha lleva años sin hablar con su familia. La vida no ha sido fácil. Pero sus problemas parecen controlados, se siente en paz y es el momento ideal para reencontrarse con su familia y agradecer el apoyo a hermanos y sobrinos. Nadie parece tenerle en cuenta la ausencia ni los malos momentos pasados. Y Krisha lo quiere celebrar preparando ella misma la mejor comida de Acción de gracias de sus vidas. Por desgracia en pocas horas de convivencia todo empieza a enrarecerse. ¿Será o no el día de Acción de gracias soñado por todos ellos? Krisha tendrá que hacer frente a sus temores, debilidades y sentimiento de culpa delante de toda su familia.

«Krisha» fue indudablemente la apuesta más arriesgada presentada este año dentro del festival y la más interesante con diferencia desde mi punto de vista, Trey Edward Shults en una nueva opera prima nos ofrece un impactante y demoledor retrato contado en primera persona (extraordinariamente interpretado por Krisha Fairchild) acerca del doloroso proceso mental que ocurre en el trascurso de una cena de acción de gracias visto a modo de fracaso emocional-coyuntural dentro de los lazos familiares, visto y vivido a través de una mente perturbada que paulatinamente ya cayendo en una asfixia emocional que por momentos hace que el film llegue a bordear el terror psicológico.

«Krisha» no es presentada a modo de puzle argumental dentro del arco evolutivo pasado-presente de la protagonista, lejos de un tono críptico su narrativa es hasta cierto punto bastante adivinable, pero este es un recurso necesario pues estamos ante un viaje paulatino y nada complaciente en donde la combinación de elementos técnicos deviene como algo primordial, ejemplar plano secuencia inicial, montaje, fotografía y sonido que ayudan a crear una atmósfera desquiciada en donde prima lo irreal y lo onírico. Pocas veces se ha visto en una pantalla una experimentación del dolor y sobre todo de la indefensión de manera tan aguda e hiriente a la hora de intentar reparar unos vínculos rotos sin ningún tipo de posibilidad de llegar a ser restaurados, el gran mérito de Trey Edward Shults que aparte de saber jugar con todos los elementos de los que dispone es huir de cualquier juicio de valor en lo referente a comportamientos, hasta cierto punto da igual el porqué de la situación, lo importante es hacernos partícipes de ese desasosiego y esa confusión mental, una experimentación que transcurre a través  de una deconstrucción de miedos internos expuestos de forma muy dolorosa, unos atributos estos que termina validando una propuesta autoral totalmente llena de riesgos, huyendo y situándose al mismo tiempo en las antípodas de cualquier tipo de convencionalismos.  

Valoración 0/5:4

They Look like People

Wyatt ya no tiene pareja, ni trabajo, ni esperanza. Con este panorama se refugia en casa de su único amigo, Christian. Éste intentará ayudarlo sacándolo de fiesta, recordando buenos tiempos pasados, presentándole gente, en definitiva, haciendo de amigo. Lo que Christian no sabe es que Wyatt oye voces y recibe llamadas nocturnas que le advierten de un ataque zombie. Unas voces que le advierten de que el fin está cerca. Que nadie es quien él piensa que es y que van a por él. Wyatt sabe que no puede ser verdad. Que quizás se está volviendo loco. Pero todo es demasiado real. No puede parar de pensar en ello. Y mientras se prepara para lo peor pondrá a prueba su amistad con su mejor amigo.

«They Look Like People» debut en la dirección de Perry Blackshear se presentaba a modo de un producto de claro empaque low-cost que intenta adentrarse en los laberintos del llamado terror psicológico a través de una historia que transitar alrededor de un viaje a la parte más oscura de la mente del ser humano, posiblemente estemos ante una de las películas presentadas este año en el festival (la única propiamente de género) que desaproveche de una manera muy notoria su en un principio brillante premisa.

Básicamente podríamos definir a «They Look Like People» como una propuesta fallida por más de un motivo, ese supuesto terror genérico del que intenta hacer gala brilla claramente por su ausencia, tal como está planteado el film seguramente la única vía en su narrativa valida la direccionaba hacia un ámbito completamente diferente al que finalmente toma, el elemento fantástico podríamos decir que aquí queda prácticamente diluido o relegado a un plano invisible a favor de una suerte de metáfora nada sutil y con un final de claro tono naif acerca de la confianza-desconfianza del individuo en sí mismo y de las personas más cercanas que lo rodean, utilizada aquí como herramienta disyuntiva de autodestrucción. Cuando un producto de estas características hace aguas los medios (ínfimo en este caso y rozando casi lo amateur) en lo que se sustenta juegan muy en su contra, del mismo modo vemos como sus escasos ochenta minutos de duración por momentos se hacen largos, esos intervalos un tanto absurdos de comedia en teoría ubicados a modo de respiro ante una supuesta e incómoda tensión dramática acumulada terminan por empeorar el conjunto, seguramente debido a que «They Look Like People» llega a inquietar muy poco, por no decir prácticamente nada, demostrándonos que a veces no vale solo con huir de lo explicito sino que hay que saber manejar lo sugerido con bastante más tino.

Valoración 0/5:1’5

La décimo tercera Muestra Syfy de Cine Fantástico se inaugurará el próximo jueves 3 de marzo con la proyección de la cinta The Invitation, premio a la mejor película en el pasado Festival de Sitges. El evento, que mueve su sede al Cine de la Prensa de Madrid, se cerrará el domingo 6 con la película británica High Rise. Más de 20 sesiones de una selección del mejor cine de género se podrán ver en Madrid durante los cuatro días de la Muestra, un cartel que se completa con títulos como Bone Tomahawk, Absolutamente Todo, The Green Inferno, The Piper o la española Vulcania.

La actriz Leticia Dolera, presentadora de la Muestra, dará el pistoletazo de salida a cuatro días intensos de cine el jueves con The invitation, un inquietante thriller dirigido por Karyn Kusama y protagonizado por Logan Marshall-Green, Tammy Blanchard, Michiel Huisman y John Carroll Lynch. La película, aclamada por la crítica, se alzó con el máximo galardón de la más reciente edición del Festival de Sitges.

El viernes, la jornada arrancará a primera hora de la tarde con Villmark Asylum, secuela de la cinta noruega de 2003 que marcó un hito en el género de terror proveniente del norte de Europa. Le seguirán Nina Forever, con su peculiar trío amoroso que combina vísceras y humor, y The Green Inferno, la incursión del actor y director Eli Roth en el mundo del canibalismo.

Buena parte del equipo de la española Vulcania estará en la Muestra el viernes por la noche para presentar su película, que ese mismo fin de semana se estrena en cines. Ópera prima del director José Skaf, cuenta con un reparto encabezado por Aura Garrido, en el que también aparecen Jose Sacristán, Rubén Ochandiano, Ginés García Millán y Silvia Abril.

El sábado, el mito del flautista de Hamelín en versión coreana The Piper abre la jornada de tarde, que se completa con Listening, debut en la dirección del italiano Giacomo Martelli que fantasea sobre la posibilidad de crear un dispositivo que lea las mentes humanas, y The Mind’s Eye, que bucea en la infinita capacidad del cerebro humano y el peligro de su manipulación. El plato fuerte de la noche será Bone Tomahawk, un western de terror sin prejuicios protagonizado por Kurt Russell y Matthew Fox.

Tanto el viernes como el sábado, la Muestra amplía horario hasta la madrugada. Parasyte, la primera parte de este díptico de ciencia ficción japonesa, y Generation Z, o cómo mezclar zombies y dinosaurios, son las propuestas para las sesiones golfas.

El domingo, Demon, moderna adaptación de la leyenda del dybbuk judío, Jeruzalem, que también da una vuelta de tuerca a pesadillas bíblicas, y la comedia fantástica de origen británico Absolutamente Todo cierran la edición de este año, que tendrá como título de clausura la muy esperada  High Rise, un brillante relato post apocalíptico con un espectacular reparto encabezado por Tom Hiddleston, Sienna Miller, Jeremy Irons, Luke Evans, Elisabeth Moss y James Purefoy.

Syfy Kids

El niño y el mundo, nominada a mejor película de animación en la próxima edición de los Oscar, es el título más destacado de Syfy Kids, la sección que acoge películas para los más pequeños y que este año ampliará sesiones. A esta matinal se unirá una sesión de tarde el mismo sábado con la película La chica satélite y el chico vaca, premio a la mejor película de animación en la edición de 2014 del Festival de Sitges. El domingo, la matinal acogerá la proyección de Nicky, la aprendiz de bruja, una historia de imagen real basada en la novela que inspiró el clásico de Miyazaki.

Homenaje a Bowie

Como ya hizo el canal semanas atrás, la Muestra Syfy también rendirá su pequeño homenaje al recientemente fallecido David Bowie, con la proyección de la película Dentro del laberinto (V.O.S.), en una sesión gratuita de tarde el viernes 4.

El domingo a las seis, también con entrada libre hasta completar aforo, la Muestra proyectará Dark Star, un exhaustivo documental sobre el trabajo del ilustrador suizo Hansruedi Giger, que abrió las puertas de su taller poco antes de morir para mostrar cómo su desbordante imaginación creó algunas de las criaturas más temibles del cine, incluido el Alien.

Buffy Cazavampiros en pantalla grande

La Muestra acogerá también una proyección muy especial, la del capítulo musical de la serie Buffy Cazavampiros Una vez más, con sentimiento (Once More, with Feeling). Los fans de la serie, que se está reponiendo al completo y en HD de lunes a viernes en las tardes del canal Syfy, podrán disfrutar en pantalla grande de este popular episodio el sábado 5 a las 20 horas. La entrada será gratuita hasta completar aforo.

La serie, considerada en su inicio como un mero entretenimiento para adolescentes, fue ganando con sus episodios hasta convertirse en un título imprescindible del género, adorado por los fans y respetada por la crítica. Su creador, Joss Whedon, es otra de las estrellas más rutilantes del género, responsable de títulos como las series Ángel o Firefly, y director y guionista de la película Los Vengadores y su secuela, Vengadores: La era de Ultrón.

Platillos Volantes, las tapas según la Muestra Syfy

La Muestra Syfy también ha llegado este año a un acuerdo con AMER (Asociación Madrileña de Empresas de Restauración) para inundar los bares y restaurantes de fantasía y ciencia ficción en estos días de cine. Los establecimientos que se han sumado a la iniciativa propondrán a sus clientes tapas creadas para la ocasión, inspiradas en los personajes y las películas que han hecho historia en el cine de género. La lista de establecimientos participantes podrá consultarse en la página web oficial de la Muestra (www.syfy.es/muestra).

Bonos y entradas

En esta edición, al igual que en la anterior, los bonos para todas las sesiones tendrán un precio de 40 euros, y 4 euros las entradas individuales, con la única excepción de la sesión inaugural, a la que sólo se podrá acceder por invitación o con el bono. Una parte del aforo de la sesión infantil de Syfy Kids se pondrá también a la venta, por un precio de 3 euros por persona.

El Festival y Tabakalera – Centro Internacional de Cultura Contemporánea firman un acuerdo para crear el Premio Zabaltegi – Tabakalera. Zabaltegi es, desde hace varias ediciones, la sección abierta a las propuestas cinematográficas más variadas, sorprendentes y apetecibles del año en la que no existen normas formales ni limitaciones temáticas. En ella se han proyectado películas de creadores de la importancia de Alexander Sokurov, Laurie Anderson, Anca Damian, João Salaviza, Eric Khoo, Lav Diaz, Jem Cohen, Corneliu Porumboiu, Walter Salles, entre otros, y las series de televisión P’tit Quinquin, de Bruno Dumont y The Untold History of the United States, de Oliver Stone.

Gracias a este convenio firmado entre el Festival y Tabakalera – Centro Internacional de Cultura Contemporánea, Zabaltegi se convierte en una sección en la que las películas participantes competirán por el Premio Zabaltegi – Tabakalera que estará dotado de 20.000 €, de los cuales 6.000 € serán entregados al director de la película ganadora y los 14.000 € restantes al distribuidor en España de dicha película.

El Premio Zabaltegi – Tabakalera será decidido por un jurado constituido al efecto formado por un mínimo de 3 profesionales del cine y de la cultura.

Con este acuerdo, ambas instituciones buscan impulsar la creación de proyectos cinematográficos inusuales y sorprendentes tanto a nivel narrativo como formal e incrementan la colaboración y el trabajo conjunto que llevan ya varios años realizando.

El pasado viernes tuvo lugar la presentación de la tercera edición de Americana. Un festival que año tras año va creciendo gracias al trabajo desinteresado de su equipo y a un público que ha apoyado la iniciativa desde un principio. Después de una primera edición en que se presentaron 11 títulos en 12 sesiones y se contabilizó un total de 2400 espectadores con 8 sold-outs, el año pasado se decidió ampliar la programación a 16 películas repartidas en 30 sesiones logrando llegar a la cifra de 5000 espectadores. Una línea que sigue en esta edición ocupando de nuevo durante tres días las tres salas de los Cinemes Girona. Una cita cinematográfica que se ha convertido durante estos tres años en ineludible dentro de la ciudad de Barcelona, un festival compuesto por un tipo de cine independiente norteamericano que difícilmente suele llegar a las carteleras.

Americana TOPS

Americana TOPS está compuesta por una cosecha de las películas más premiadas por los festivales indies del pasado año como Sundance, Tribeca o South by Southwest, así como películas nominadas a los premios Oscar o a los Independent Spirit Awards. La sección está compuesta por ocho películas:

Tangerine es una de las revelaciones indie de la temporada que opta a cuatro Independent Spirit Awards, incluidos mejor película, director y actrices. Una cinta que está rodada con un Iphone 5 por Radium Cheung, que además de director de fotografía es productor de la película y que estará presente durante el festival y explicara su experiencia durante el rodaje al tiempo que hablará de cómo las nuevas tecnologías serán claves en el futuro del cine. Aprovechando la presencia de Radium Cheung se recuperara Starlet, la anterior película del tándem que forma con Sean Baker, gran triunfadora en los Independent Spirit Awards de hace tres de años y que está inédita en nuestro país. Las dos cintas nos descubrirán una de las voces más potentes y desconocidas de la nueva generación indie americana. En la sección TOPS también se podrán ver Wildlike de Frank Hall Green, una mezcla de coming of age, road movie, drama y comedia en el marco incomparable de Alaska. Una historia de amistad que ha ganado más de 45 premios internacionales y que sorprendentemente, no tiene distribución en nuestro país. La acompañará otro coming of age

King Jack, la ópera prima de Felix Thomson, que ganó el Premio del Público en Tribeca y que está nominada a los Independent Spirit Awards de esta edición. También se podrá ver lo nuevo a Joe Swangerg, que en la primera edición de Americana triunfó con Drinking Buddies y su ya mítica primera sesión con cerveza. En esta ocasión podremos ver Digging for Fire, un mumblecore con reparto de lujo con Jake Johnson, Sam Rockwell, Anna Kendrick, Brie Larson y hasta Orlando Bloom. La última ganadora del Festival de Sitges, The Invitation, también estará presente en TOPS de Americana. Una reunión de amigos tensa e imprevisible rodada por la directora Karyn Kusama. Y otra reunión, en este caso familiar, pero también cargada de un ambiente enrarecido es lo que nos ofrecerá otra de las grandes revelaciones del año, Krisha, de Trey Edward Shults, Gran Premio del Jurado en Austin, presente en la Semana de la Crítica de Cannes y nominada a mejor película a los Independent Spirit Awards de este año. Finalmente, la sección TOPS clausurará con una proyección única de Trumbo, drama biográfico de uno de los mejores guionistas de la historia y que ha acaparado premios, en especial para su protagonista Bryan Cranston, incluso nominado al Oscar a mejor actor principal.

Americana NEXT

Por segundo año, Americana presenta la sección NEXT, un conjunto de seis películas en que se apuesta por trabajos de directores noveles o cintas arriesgadas y emergentes que no habría ninguna posibilidad de ver en una sala de cine si no las exhibiese un festival. Una sección que el año pasado presentó algunas joyas como Buzzard o The Better Angels y que en esta ocasión además, inaugurará el festival. La cinta encargada de hacerlo será People, Places, Things, de James C.Strouse. Jemaine Clement, el 50% de Flight of the Conchords, protagoniza esta comedia con toques de drama existencial sobre un dibujante de cómics que debe reemprender su vida y tirar adelante a sus dos hijas después de su repentino divorcio. Este año la sesión inaugural será en la espectacular sala del cine Phenomena, donde se podrá degustar una muestra de productos americanos, gentileza de la cadena de tiendas, Taste of America. De la comedia saltamos al terror psicológico con They Look Like People, ópera prima de Perry Blackshear que nos plantea el siguiente dilema: ¿qué harías si tu mejor amigo pensase que unos monstruos están a punto de acabar con la vida del planeta? La respuesta a esta pregunta es una película de bajísimo presupuesto, un thriller tranquilo pero muy intenso que ha ganado premios en festivales tan reputados dentro del indie como Slamdance, San Francisco o Nashville. También se verá  Yosemite, ópera prima de Grabrielle Demestere basada en tres relatos de James Franco y que además es el protagonista de una de las tres historias. Una mirada melancólica y algo sucia sobre la pérdida de la inocencia en el Palo Alto de los 80.  Y continuando con la pérdida de la inocencia una vuelta al presente para adentrarnos en la América profunda y familiar con Take Me to the River, de Matt Sobel, una de las joyas ocultas de Sundance NEXT que nos plantea la dicotomía entre las dos Américas, la rural y la cosmopolita, en un drama familiar con mucha tensión.

También podremos ver Croonies, la nueva película de afroamericanos producida por Spike Lee. Una joya en blanco y negro que juega a mezclar ficción y documental y que nos acerca a las aventuras de tres amigos durante una noche. Una película que nos recuerda a ese cine de los 90 del propio Spike Lee. Y terminamos NEXT con The Overnight, de Patrick Brice. Una comedia sexual imprevisible, incorrecta, desinhibida y con un reparto en estado de gracia liderado por Jason Schwartzman. Loca, sexual, festiva y juguetona, The Overnight es una película indispensable que el sábado por la noche se podrá ver con una cerveza en la mano, gentileza de los amigos de Moritz.

Americana DOCS

Este año se inaugura una tercera sección dedicada a demostrar que una parte del mejor cine que se hace a día de hoy pertenece al género documental. La formarán cuatro documentales indispensables, aclamados por diversos certámenes y que tendrán una única proyección durante el festival. Tal y como anunciamos en diciembre contaremos con la “première” española de la última joya del reputado Frederick Wiseman, autor de la prestigiosa y muy galardonada National  Gallery, entre muchas otras. En esta ocasión Wiseman nos lleva directamente a In Jackson Heights, el barrio más plural de Nueva York y probablemente de todo el planeta.  Una maravilla para fans del documental que estuvo presente en Venecia y Toronto.

Más popular es Blood Brother, de Steve Hoover, un documental que fue galardonado en Sundance y que hemos querido rescatar este año. En Blood Brother conoceremos a Rocky Braat, un chico de Nueva York que después de viajar a la India y colaborar con niños huérfanos enfermos de SIDA decide que su vida solo tiene sentido ayudando a los niños. Esta película será nuestra sesión benéfica de este año. Así, Americana LOVE será en beneficio de “Sonrisas de Bombay”, que como el protagonista de Blood Brother, volvió de la India con la intención de mejorar la vida de los niños de Bombay. Y también nos iremos de ruta en bicicleta por los Estados Unidos siguiendo a los hermanos Hussin en su viaje de dos años por pequeñas comunidades a lo largo del país. America Recycled nos lleva de viaje por una América profunda, que a diferencia de la mayoría de documentales sobre pequeñas comunidades, apuesta por la sostenibilidad, el buen rollo y una forma libre, abierta y auténtica de afrontar la vida y el sueño americano. Y siguiendo con las pequeñas comunidades terminamos llegando a una secta polígama de la mano de Amy Berg. La directora de Janis, que clausuró el pasado Inèdit, vuelve con Prophet’s Prey, un documental en clave de thriller que investiga a Warren Jeffs, líder de una secta y uno de los hombres más buscados por el FBI. Paranoia, secretos, intereses, idolatrías y mucho miedo para un cóctel explosivo que además cuenta con la música y la narración de Nick Cave.

Americana +, Americana SHORTS

Y a parte de estos cuatro, habrá un quinto documental en una de las secciones paralelas del festival, Americana +, con contenidos de Movistar+. Se trata de Cartel Land, el documental producido por Kathryn Bigelow y nominado a los Oscar que nos acerca a la lucha de un grupo de vecinos contra los cárteles de la droga en México. Corrupción, drogas y tiroteos en primer plano para una de las películas más impactantes del año. Y dentro de Americana + también podrán verse dos sesiones gratuitas con los primeros capítulos de dos series 100% indies, la 5ª temporada de Girls de Lena Dunham y la 2ª de Togertherness de los siempre imprescindibles hermanos Duplass, todas ellas en pantalla grande gracias a Movistar +.

Completa la programación una sesión gratuita con los 12 cortometrajes de Americana SHORTS entre los que encontraremos piezas tan interesantes como Footprints, de Bill Plympton, Everything & Everything & Everything protagonizada por Shane Carruth o Interesting Ball, de los autores de Swiss Army Man, el film escándalo y ganador a mejor dirección en el pasado Sundance, en que se comprobara de primera mano las locuras que ya hacían estos dos directores antes de convertir a Harry Potter en un zombi erecto y flatulento.

El contador para la próxima edición del Festival Nits de cine oriental sigue acortando las distancias con el 12 de julio, cuando la cultura asiática volverá a Vic para ofrecernos seis intensas jornadas de cine, gastronomía y muchas y variadas actividades. Japón será el protagonista de esta 13ª edición. Un país, una cultura y un estilo de vida que ha seducido a medio mundo y que ha originado uno de los fenómenos culturales contemporáneos más masivos: el manga. De esta manifestación artística beben el cine, ya sea en su versión anime o en filmes de imagen real; la música e incluso la gastronomía japonesas.

El festival dedicará buena parte de su programación a Japón, con una nutrida presencia de títulos inéditos en la sección oficial a concurso, una inauguración con cena japonesa y varias actividades, un ciclo de películas del género Kaiju Eiga – las gigantescas criaturas surgidas después de la bomba de Hiroshima-, la edición de dos libros, la representación de un cuento infantil, tres exposiciones, una conferencia y varios talleres.

Cartel definitivo

Con Japón de país protagonista, casi era obligatorio escoger un yokai como imagen del certamen. Los monstruos y fantasmas del folclore japonés son una parte muy destacada de su vasta cultura y han inspirado libros, películas e infinidad de manga y anime, aparte de la lógica tradición popular. El yokai escogido para iluminar este Festival Nits 2016 es Hikari (luz en japonés) un travieso Chōchin-obake (farolillo fantasma) al que le gusta inventar historias y sorprender a los visitantes del espacio que ilumina. Inventar historias y sorprender, dos de las facetas que identifican el Festival Nits.

Hikari pertenece al grupo de los yokai “objetos de la casa”, que llevan mucho tiempo olvidados y acaban transformándose en un ser animado, juguetón y empeñado en pasarlo bien. El dibujo del personaje es un año más obra de Xevi Domínguez, ilustrador calldetenenc que trabaja en el festival desde sus inicios.

Mucho cine y nuevo premio

La industria del cine japonés es una de las más prolíficas de toda Asia y sus estudios de producción y directores abarcan todas las temáticas y géneros. La presencia nipona también destacará en las sesiones infantiles, las noches especiales como la Golfa o la Nit de Terror y en las clásicas matinales de anime.

Los filmes japoneses irán acompañados de una selección de las mejores y más recientes producciones de otros territorios como Hong Kong, China, India, Tailandia, Corea del Sur o Nepal.

Como novedad, este año se otorgará otro premio entre los filmes de la sección competitiva. Lo entregará un jurado internacional formado por figuras estrechamente vinculadas con el cine oriental. Así pues, aparte del clásico Gato de la Suerte de los Nitòmans, a partir de ahora también se dará el Gato de la Suerte del Jurado del Festival Nits.

El Festival Nits de cine oriental de Vic cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Vic y la Generalitat de Catalunya, a través del Departamento de Cultura y del ICEC. En esta edición también colaboran el Consulado Japonés en Barcelona y Japan Foundation, institución dedicada a la promoción de la cultura y lenguas japonesas en el mundo.

Nits de lectura

Después de la buena experiencia de la primera publicación del Festival Nits, el libro sobre westerns asiáticos Wild Wild East, este año se quiere repetir y duplicar la experiencia. El certamen publicará una original galería de Kaiju Eiga, los clásicos monstruos japoneses capitaneados por el mítico Godzilla, en un libro que imitará los cuadernos de naturaleza, con las características fisiológicas de cada especie. Kaiju Field Notebook es un libro coordinado por Domingo López, escrito por Eduard Terrades con aportaciones de diferentes colaboradores e ilustrado por Carlos Ganyarul.

Como en la anterior edición, el festival abrirá un Verkami para poder hacer frente a los gastos de la publicación. Además, la retrospectiva del festival también estará dedicada a los kaiju, con una selección de los filmes más representativos del género.

La otra publicación será un libro infantil ilustrado que contará la historia del Gato de la Suerte, icono del festival, bajo el título de Las aventuras de Maneki Neko.

El autor es Robert Jové y los dibujos son de Jaume Salés

Más informacion en: http://www.cinemaoriental.com

En su tercera edición, el festival de cine documental de fútbol de Barcelona ofrecerá 14 documentales largometrajes y 12 documentales cortometrajes que explican apasionantes historias alrededor del fútbol desde un punto de vista social, cultural, histórico y deportivo. Del 9 al 13 del próximo mes de marzo en el Cine Maldà y l’Antiga Fàbrica Damm, el OffsideFest volverá a significar-se cómo una cita imperdible para los amantes de la ecuación cine y fútbol. El OffsideFest 2016 se iniciará el miércoles 9 de marzo con una sesión inaugural en la Antiga Fàbrica Damm, espacio que también acogerá la ceremonia de clausura el domingo 13 de marzo. El resto de proyecciones, siendo una de las principales novedades se celebrarán en el Cinema Maldà.

MIÉRCOLES, 9 DE MARZO – SESIÓN INAUGURAL. ANTIGA FÀBRICA ESTRELLA DAMM

20.15h. El profeta del Gol. Director: Sandro Ciotti.1976. Italia. 110 min. SECCIÓN FORA DE JOC

Johan Cruyff nos presenta su vida en primera persona, desde su infancia en Amsterdam hasta la consecución de sus mayores éxitos como futbolista. Esta película documental nos muestra el día a día y las reflexiones un jugador que está considerado entre los mejores de la historia del fútbol. Un clásico incunable de los documentales de fútbol.

JUEVES, 10 DE MARZO – CINE MALDÀ

16.30h. Llegando a casa. Director: Fernando Kalife. 2016. México. 127 min. SECCIÓ OFICIAL ESTRELLA

Todo club de fútbol nació con un sueño. El Club de Fútbol Monterrey empezó a jugar con camisetas de ropa interior por no tener uniformes, un campo ni mucho menos, una afición. 70 años más tarde el club mexicano ha hecho realidad su sueño construyendo y estrenado el estadio más moderno de todo Latinoamérica. 70 años llegando a casa es la historia del Club de Fútbol Monterrey narrada de viva voz por sus protagonistas: el presidente que se declara en quiebra, lo que quiso matar a un árbitro, el que triunfó con modernas visiones mercadotécnicas pero acabaría en prisión, el único jugador en la historia (él y Pelé) que ha marcado ocho goles en un partido…

19h. Gol de Cuba. Director: Remo Beutels. 2013. Bélgica. 70 min. SECCIÓN FORA DE JOC

El pequeño pueblo de Zulueta es la cuna del fútbol en Cuba. Desde que los inmigrantes españoles llevaron el fútbol a la isla un siglo atrás, los zulueteños han mantenido viva la tradición y el juego se ha convertido en su modo de vida. En verano del año 2010 el pueblo entero está bajo el hechizo del Mundial de fútbol. Es el evento que esperan cada cuatro años y lo disfrutan como nadie en Cuba … quizás como nadie en ningún otro lugar del mundo.

21h. Return to Homs. Director: Talal Derki. 2014. Siria, Alemania. 94 min. SECCIÓN FORA DE JOC

En medio de la guerra civil siria,Return to Homs sigue al portero de la selección nacional de fútbol de 19 años, Abdul Baset Al Saros, y su amigo activista y periodista de 24, Osama al Homs, en su vida cotidiana en Homs, convertida en una ciudad fantasma por los bombardeos realizados por el ejército sirio afín a Bashar al Assad. Con sus sueños desmenuzados Baset y Osama experimentan una transformación vital, pasando de manifestantes clamando por la paz a rebeldes insurgentes.

VIERNES, 11 DE MARZO – CINE MALDÀ

16.30h. Tanger Gool. Director: Juan Gautier. 2015. España. 80 min. SECCIÓ OFICIAL ESTRELLA

Fátima trabaja en Arej, una asociación de uno de los barrios más conflictivos de Tánger, Birchifa coordinando los talleres de jóvenes. Una tarde conoce a las Gacelas del Estrecho, el equipo de futbol femenino local que con muy poca afición detrás, sobreviven gracias a la pasión y esfuerzo de todas ellas. Con la ayuda de varios amigos (Mohcine, el coordinador general de Arej, Sisqo, un profesor de break dance y Tarik el profesor de cine) Fátima decide ayudarlas montando un partido de futbol femenino con un equipo español para crear un evento en la ciudad, darlas mayor visibilidad y crear un puente entre culturas.

18.30h. Geraldinos. Director: Pedro Asbeg, Renato Martins. 2015. Brasil. 72 min. SECCIÓ OFICIAL ESTRELLA

Hace más de 65 años se construyó el Estadio Maracaná en Río de Janeiro, iconográfico testigo de la primera Copa del Mundo en Brasil. Uno de los sectores más emblemáticos del monumental estadio era el Geral, zona destinada a las clases populares por lo económico de las entradas, en la que todo el mundo podía ir ya fuera a ver los partidos, expresar sus puntos de vista o, sencillamente, a hacerse ver. La Geral desapareció con las remodelaciones que se realizaron en Maracaná para el Mundial de 2014. Dirigido por Renato Martins y Pedro Asbeg (ganador del OffsideFest 2015 con el imprescindible Democracia me preto e branco) evoca la figura de estos entrañables amantes del fútbol que se han visto desterrados de Maracaná.

20.30h. I Believe in Miracles. Director: Jonny Owen. 2015. Reino Unido. 104 min. SECCIÓN FORA DE JOC

Inglaterra, 1975: Brian Clough es despedido como entrenador del Leeds United después de sólo 44 días en el cargo. Al parecer, es imposible trabajar con él y la única oferta de trabajo que recibe Clough es de un club de segunda división. Una entidad histórica pero que entonces nadie tenía en cuenta: el Nottingham Forest. I Believe in Miracles es la historia hasta ahora no explicada de cómo el equipo en el que nadie creía y el entrenador que nadie quería consiguieron ganar a los mejores clubes del mundo convirtiéndose en uno de los once más ilustres en la historia del fútbol británico.

23h. Profis. Directores: Christian Weisenborn, Michael Wulfes. 1979. Alemania. 94 min. SECCIÓN FORA DE JOC

Documental de culto de los años setenta que, pegado a los talones de Paul Breitner y Uli Hoeneß, retrata a estas dos estrellas alemanas durante una temporada del FC Bayern de Munich.

SÁBADO, 12 DE MARZO – CINE MALDÀ

16.30h. Calabash. Director: Gerardo Chapa. 2015. Reino Unido. 82 min. SECCIÓ OFICIAL ESTRELLA

Calabash es la historia del primer Mundial de fútbol celebrado en África explicada a través de sus héroes cotidianos. Una familia en el corazón de Soweto que transforma su casa en un establecimiento bed & breakfast, un joven futbolista que sueña poder sacar a su familia de la pobreza y un trabajador de la construcción en el Soccer City Stadium que anhela volver con su familia. Mientras tanto, un seguidor mexicano asiste a su decimotercera Copa del Mundo consecutiva, atravesando Sudáfrica satisfaciendo su insaciable amor por el fútbol. En las semanas previas al torneo, cada personaje ofrece su propia perspectiva sobre una sociedad dividida, donde el máximo escaparate de orgullo nacional es una mera ilusión que revela sus injusticias.

18.30h. Una meravigliosa stagione fallimentare. Director: Mario Bucci. 2015. Italia. 90 min. SECCIÓ OFICIAL ESTRELLA

Una ciudad contaminada por el escándalo de las apuestas de fútbol. Un club en bancarrota. Colectas para pagar los desplazamientos. La campaña viral #compratelabari. Una increíble remontada del puesto decimoséptimo al séptimo. El acceso a los playoffs. Dos subastas por la propiedad del club sin pujadores. Los nuevos propietarios. El contagioso entusiasmo de una ciudad que cree de nuevo en su equipo de fútbol.  Hace tres años nadie hubiera querido estar en el lugar de un seguidor del Bari. Hoy  todo el mundo quiere vivir una historia como esta.

20.30h. Gascoigne. Jane Preston. 2015. Reino Unido. 90 min. SECCIÓ OFICIAL ESTRELLA

La Copa del Mundo de Italia 90 supuso el renacimiento del fútbol inglés. Su principal figura fue el joven Paul Gascoigne, un jugador que había llegado a la fama con el club de su ciudad, el Newcastle United, y que, con las lágrimas lloradas en la eliminación de Inglaterra en las semifinales, enamoró a toda una nación que lo recibió como un héroe. Gascoigne, sin embargo, también era un espíritu indomable. Este documental es la historia definitiva de una vida con capítulos extraordinarios dentro del campo y muchas páginas hirientemente cautivadoras fuera de él.

23h. The Art of Football. Director: Hermann Vaske. 2006. Alemania. 90 min. SECCIÓN FORA DE JOC

La guía futbolística más completa presentada por John Cleese, toda una leyenda de la comedia, miembro de los fundamentales Monty Python. De la A a la Z, los mejores goles en las jugadas más espectaculares, con entrevistas a iconos de la cultura, sociedad y política como Dave Stewart, Dennis Hopper y Henry Kissinger, así como la aportación de futbolistas emblemáticos como, entre otras, Pelé, Mia Hamm y Thierry Henry; The Art of Football teoriza (con mucho humor) sobre el más bello de los juegos y analiza su influencia en la cultura.

DOMINGO, 13 DE MARZO – CEREMONIA DE CLAUSURA. ANTIGA FÀBRICA ESTRELLA DAMM

16.30h. White, Blue & White. Director: Camilo Antonoli. 2014. Estados Unidos. 60 min. SECCIÓN FORA DE JOC

Son muchos los futbolistas argentinos que han triunfado lejos de su casa, pero muy pocos los que han logrado hacerse un nombre en Inglaterra. Ossie Ardiles es una excepción. Miembro de la selección argentina que conquistó la Copa del Mundo de 1978, esa misma temporada Ardiles y su compatriota Ricky Villa ficharían por el Tottenham Hotspur, convirtiéndose en una pieza fundamental del once que ganó la FA Cup el año 1981. Todo caviar radicalmente, sin embargo, el 2 de abril de 1982, fecha en que las tropas argentinas entraron en las Malvinas reclamando la soberanía de unas islas gobernadas por los británicos. Ardiles volvió a Buenos Aires dos días más tarde. De pronto se truncaba su brillante futuro con los Spurs. Una producción del prestigioso canal ESPN dirigida por Camilo Antonoli, cineasta argentino que ha trabajado en largometrajes tan destacados como El Mismo amor, La misma lluvia, El hijo de la novia o Luna de Avellaneda.

18.30h. Looking For Barcelona. Director: Stefano Cafiero. 2012. Francia. 52 min. SECCIÓN FORA DE JOC

En Barcelona dos clubes han competido durante más de un siglo. Desde su fundación, cada uno refleja una concepción diferente de la identidad catalana: la independencia desde el FC Barcelona; la apolítica, el Espanyol. Aquí, como en Manchester y Milán, las personas nacen en un lado o el otro, destinadas desde la cuna a convertirse en culés o pericos. Durante 100 años, los dos clubes y sus seguidores, han desarrollado sus propios códigos, sus propias leyendas, y han creado sus mitos y héroes. En este documental, Eric Cantona nos sumerge en la historia de dos identidades rivales, un deporte, una ciudad y un país.

20h. Entrega de premios

 
SECCIÓN PASSADA EN CURT

– Comercial Futebol Clube

– El otro Superclásico

– FCB Vs BVB Worldwide

– Futebol é pai

– Jasser

– Los otros sueños

– Muerte o gloria

– Os Boias-Frias do Futebol

– Padres Hooligans

– The Berlin Final

– The Global Language

– Watching the Ball

Del 21 al 31de enero se celebra una nueva edición del festival de Sundance, certamen fundado por Robert Redford en 1978, como viene siendo habitual dadas sus fechas el Sundance supone un primer pistoletazo de salida para un buen número de producciones en su gran mayoría cine de autor independiente, en los últimos años hemos visto como importantes films de género se han dado a conocer dentro del festival, títulos tales como The Blair Witch Project, Hard Candy, The Babadook o The Witch entre otros muchos han tenido su premier mundial en Sundance. Dentro de sus amplias y variadas secciones hoy nos detendremos en la Midnight, inaugurada en 1991y destinada en su gran mayoría a películas de género fantástico, los nueve films que integran la sección son los siguientes:  

31

Director: Rob Zombie. Intérpretes: Meg Foster, Jeff Daniel Phillips, Lawrence Hilton-Jacobs, Richard Brake, Malcolm McDowell, Sheri Moon Zombie. U.S.A.  /  102 Min.

«31» nos narra cómo cinco de adolescentes son elegidos de manera totalmente aleatoria y son secuestrados cinco días antes de la noche de Halloween. Estas personas, que no se conocen entre sí, son recluidas en un lugar llamado Murder World. Allí, los cinco jóvenes tendrán que jugar a un violento juego cuyo nombre es 31, y en él no hay reglas, ni límites. El juego consiste simplemente en sobrevivir durante 12 horas el acecho de una horda de siniestros payasos, que intentarán matar a todo aquel que pille de por medio. Quien lo consiga… es libre.

Antibirth

Director: Danny Perez. Intérpretes: Maxwell McCabe-Lokos, Meg Tilly, Mark Webber, Chloë Sevigny, Natasha Lyonne. U.S.A./Canada  /  94 Min.

La historia sigue a Lou, una solitaria chica que vive en las afueras de la ciudad, en una desierta y árida comunidad. Un virus alienígena le ha afectado de forma que en su interior está creciendo un nuevo ser, a partir de ese momento tendrá que luchar contra la extraña enfermedad, en la que la paranoia y las visiones fragmentadas se van  adueñando de ella poco a poco

Carnage Park

Director: Mickey Keating. Intérpretes: Larry Fessenden, James Landry Hebert, Darby Stanchfield, Alan Ruck, Pat Healy, Ashley Bell. U.S.A.  /  86 Min.

En el año es 1978, después de un frustrado atraco a un banco en un pueblo desolado de California, dos aspirantes a ladrones llamados Joe y Lenny huyen de la escena con un rehén, con su pareja gravemente herida de bala y perdiendo mucha sangre, Joe se dirige a las carreteras secundarias para esquivar los controles, involuntariamente se tropieza con un peligro mucho mayor, un francotirador ex militar psicópata, a partir de entonces empieza un perverso juego del gato y el ratón con un asesino altamente entrenado y mentalmente desequilibrado, comienzan una lucha desgarradora por la supervivencia.

Outlaws & Angels

Director: JT Mollner. Intérpretes: Ben Browder, Madisen Beaty, Teri Polo, Luke Wilson, Francesca Eastwood, Chad Michael Murray. U.S.A.  /  120 Min.

Una banda de forajidos escapa del atraco de un banco con un notorio cazador de recompensas siguiéndoles el rastro, los criminales necesitan desesperadamente un lugar para esconderse antes de que caiga la noche, el destino los lleva a la casa de los Tildens, una familia aparentemente inocente.

The Blackout Experiments

Director: Rich Fox. Intérpretes: Abel Horwitz, Allison Fogerty, Bob Glouberman, Russell Eaton, Kristjan Thor, Josh Randall. U.S.A.  /  80 Min.

Seis desconocidos se despiertan en una sala adornada con varias armas y les obligan a matarse entre ellos, todo ello es debido a consecuencia del lado oscuro de las terroríficas experiencias psicosexuales a que se han sometido.

The Greasy strangler

Director: Jim Hosking. Intérpretes: Michael St. Michaels, Joe David Walters, Jesse Keen, Gil Gex, Elizabeth De Razzo, Sky Elobar. U.S.A.  /  93 Min.

Ronnie, un hombre que realiza un tour por las discotecas de Los Ángeles junto con su hijo Brayden conoce a una mujer sexy y seductora llamada Janet, enseguida entra en competencia con su hijo por sus atenciones. Al mismo tiempo un grasiento e inhumano maníaco toma las calles en plena noche asesinando a inocentes. Es conocido como The Greasy Strangler.

Trash fire

Director: Richard Bates Jr. Intérpretes: Ray Santiago, Matthew Gray Gubler, Fionnula Flanagan, AnnaLynne McCord, Angela Trimbur, Adrian Grenier. U.S.A.  /  93 Min.

Cuando Owen  cerca de convertirse en padre es forzado a enfrentarse con el pasado al que ha estado huyendo durante toda su vida, él y su novia, Isabel, quedaran atrapados en una maraña de horribles mentiras. Te reirás, llorarás y quedarás asustado de por vida.

Under the shadow

Director: Babak Anvari. Intérpretes: Arash Marandi, Ray Haratian, Bobby Naderi, Avin Manshadi, Narges Rashidi. United Kingdom/Jordan/Qatar  /  84 Min.

Tehrán 1988: Cuando la guerra entre Irán e Iraq llega a su octavo año, una madre y su hija son lentamente separadas por las campañas de bombardeos a la ciudad. Mientras intentan sobrevivir juntas al terror un misterioso espíritu maligno las empieza a acechar en su apartamento.

Yoga Hoses 

Director: Kevin Smith. Intérpretes: Tyler Posey, Austin Butler, Justin Long, Johnny Depp, Harley Quinn Smith, Lily-Rose Depp. U.S.A.  /  87 Min.

«Yoga Hosers» nos cuenta como Colleen Collete y Colleen McKenzie son dos jóvenes que tienen como principales pasiones el yoga y sus móviles. Cuando son invitadas a una fiesta para mayores, las dos chicas despiertan de manera accidental un antiguo mal enterrado bajo la tienda en que trabajan. Ambas tendrán que unir sus fuerzas con un legendario cazador de Montreal llamado Guy Lapointe para combatir el mal legendario que sale de la superficie.

Offside Fest 2016 tendrá lugar del 9 al 13 de marzo del próximo año, y entre los primeros documentales confirmados para esta tercera edición, todos de la sección Fuera de Juego, encontramos cuatro documentales que nunca se han proyectado en el estado, como son Gascoigne (2015, Jane Preston), sobre el auge y la caída del legendario jugador británico; Looking For Barcelona (2013, Eric Cantona), que explora la rivalidad entre el FC Barcelona y el RCD Espanyol; Return To Homs (Talal Derk, 2013), ganadora del Gran Premio del Jurado en el festival de Sundance 2014, sobre un futbolista local de 19 años y un activista que deciden tomar partido cuando estalla la guerra de Siria; y Gol de Cuba (Remo Beutel, 2013), que documenta la localidad de Zulueta, “el pueblo cubano más entusiasta del fútbol”.

También, como novedad de este año, el festival recuperará dos clásicos del género documental fubtolístico: Profis (1979, Christian Weisenborn, Michael Wulf), un incunable que sigue los pasos de Pauls Breitner y Uli Hoeneß durante una temporada en el Bayern de Munich; y El profeta del gol (1976, Sandro Ciotti), sobre la figura de Johan Cruyff a finales de los años 70..

El OffsideFest 2016 se iniciará el miércoles 9 de marzo con una sesión inaugural en l’Antiga Fàbrica Estrella Damm, espacio que también acogerá la ceremonia de clausura el domingo 13. El resto de proyecciones, siendo una de las principales novedades de esta nueva edición, se realizarán en el Cine Maldà. Cinco días con y un total de 14 documentales repartidos entre la Sección Oficial y la sección Fora de Joc. Ya podéis comprar el abono para el OffsideFest 2016 a precio especial aquí.

Howl

Cuando el tren nocturno tiene que frenar en seco debido a que algo bloquea su camino, los pasajeros empiezan a ponerse nerviosos, más y cuando se dan cuenta que hay algo acechándoles en el exterior… Deberán permanecer unidos para intentar sobrevivir a los ataques de la misteriosa criatura.

Después de adentrarse en el realismo más extremo con la explicita «The Seasoning House» el realizador británico Paul Hyett nos presenta su segundo trabajo tras las cámaras, «Howl» se aleja por completo del tono de su anterior película, estamos ante un film más de género, un survival licántropo de tono algo convencional y un trabajo en definitiva inferior a su opera prima pues da la impresión de que Paul Hyett se limite a tirar de manual a la hora de usar ciertos tópicos del género de terror moderno y no de un paso más hacia delante, con presentar ciertas referencias no basta, se ha de saber utilizar las herramientas que se dispone de forma adecuada para que el producto cumpla su cometido con cierta corrección.

En «How» tenemos a un grupo de personajes variopintos, de un trazado excesivamente esquemático, uno de los grandes déficits del film, encerrados en un reducido espacio (un tren de cercanías) que han de hacer frente a una amenaza exterior, un guion que está plagado de momentos irrelevantes y excesivamente planos y que hace aguas de una forma muy evidente, en contraposición «Howl» apunta virtudes muy esporádicas, principalmente en lo referente a aspectos técnicos, un buen uso de la iluminación o una acertada utilización de la prótesis tradicional de látex sustituyendo casi por completo el uso de CGI a la hora de presentarnos el diseño de los hombres lobos. Paul Hyett apuntaba más alto con su anterior película, en «Howl» nos presenta un producto que solo funciona como una simple serie B muy al uso, un envoltorio ya visto en demasiadas ocasiones con anterioridad.

Valoración 0/5: 2

The Hallow

Adam y Clare se mudan a una zona rural con su hijo recién nacido. Enseguida empiezan a recibir advertencias sobre los malos espíritus que pueblan el área, pero la joven familia prefiere disfrutar la belleza de los bosques.

La irlandesa «The Hallow» se presentaba bajo los rasgos de ser una pieza de terror que en su argumento bebe de leyendas y  folklore local, una en apariencia pieza de horror de campiña de claro tono british que partía de referencias y estilos tan estimulantes como el «The Wicker Man» de Robin Hardy o la reivindicable «Wake Wood» de David Keating entre otras muchas, lo cierto que el debut del joven Corin Hardy en la dirección nos ofrece un catálogo de referencias que más que influenciarse de ese tono de horror campestre tan característico en los setenta lo hace  más hacía un estilo cinematográfico que la emparenta hacia la monster movie de serie B ochentera, para ello utiliza unos convencionalismos muy reconocibles dentro del propio género que sirven al mismo tiempo para desarrollar esa mitología propia en lo referente a su argumento, se apoya más en un tipo de terror seco y archiconocido en lo que son sus pautas narrativas, se podría destacar unos atributos visuales tales como el diseño de las criaturas de clara fabricación artesanal que nos remite a la etapa antes mencionada o una fotografía de tono oscuro bastante conseguida, lástima que estos apuntes queden algo diluidos al integrarlos dentro de una historia muy simplona y repetitiva sobre todo en su parte final que hacen que un producto como «The Hallow» no trascienda mucho más allá de ser un mero y algo convencional disfrute para el aficionado de un terror claramente reconocible y muy al uso en todo lo que nos expone.

Valoración 0/5: 2

Turbo Kid

En un futuro post-apocalíptico, el agua es un bien muy preciado y en todo el mundo solo hay una ley, la del más fuerte. The Kid es un joven que se ha criado solo en un mundo duro y cruel, gracias sobre todo a la ayuda de cómic retro y otros objetos de tiempos pasados que se han convertido en su particular obsesión. Con ayuda de compañeros que irá encontrando a lo largo de su camino deberá luchar contra Zeus y su grupo de salvajes que se han auto-proclamado los jefes de todo el territorio.

La reivindicación-añoranza de los ochenta en su vertiente más cinematográfica ha sido un denominador común en estos últimos años, libros, documentales, mediometrajes… «Turbo Kid» se presentaba como la obra tributo por excelencia, la ópera prima del trio canadiense compuesto por François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell no deja de ser una versión en largo del cortometraje «T is for Turbo«, uno de los episodios que formaban parte de la antología «The ABC’s of Death«.

«Turbo Kid» es un thriller retrofuturista que solo funciona como vehículo destinado para despertar la nostalgia de aquella época a través de un catálogo de referencias genéricas esbozadas de manera algo torpe, un efecto efervescente que puede ir diluyéndose conforme avanza el film, pues estamos ante una historia sin ningún tipo de interés en lo referente a personajes y argumento, a imagen y semejanza de las series B de los ochenta, el problema viene dado a la hora de que el espectador de hoy en día aparte del guiño nostálgico quiere algo más, y ese plus evidentemente «Turbo Kid» está muy lejos de ofrecerlo, pues por mucha predisposición que vayamos a la hora de su visionado olvidamos que básicamente nos enfrentamos ante una simple gamberrada, y todo lo que ello comporta. Estamos ante una película en definitiva que requiere de forma forzosa una mirada cómplice, es la única manera de que funcione el invento en sí mismo, de ahí la importancia de verla en determinadas circunstancias y espacios, si se prescinde de estas vicisitudes su visionado puede llegar a convertirse en una auténtica tortura.   

Valoración 0/5: 2’5

We Are Still Here

Una maldición hace que, cada 30 años, un horror oculto tenga que asesinar a la familia residente en una antigua mansión. De lo contrario, el terror se cernirá sobre todo el pueblo. Ahora, una familia se acaba de mudar desde la ciudad, pues acaba de perder a su único hijo y trata de comenzar una nueva vida.

El género de terror de manera continua ha sufrido una cierta saturación formal en sus conceptos a lo largo de su historia, si un producto ha funcionado se ha exprimido su fórmula hasta agotarla, en los últimos años de una manera más evidente, se intensifican las secuelas y van apareciendo en exceso los remakes, precuelas o reboots como una forma poco original de continuar o alargar un éxito, por eso no es tan extraño que en estos últimos años hayan ido aparecido una serie de autores que reformulan viejos conceptos, unas coordenadas que en un pasado fueron fructíferas dentro del género, una mirada hacia atrás en busca de una frescura autoral que bien puede servir como un simple homenaje o como una forma de refrescar un panorama anclado en un inmovilismo y una falta de ideas nuevas bastante preocupante, Ti West, Joe Begos o Adam Wingard son solo algunos nombres que han intentado poner en práctica esta fórmula, Ted Geoghegan con su opera prima «We Are Still Here» es el último en añadirse a la citada lista.

«We Are Still Here» se mueve dentro del subgénero de las casas encantadas, poseedora de un tono y unas coordenadas que recuerda mucho a cierto tipo de películas de los setenta y principios de los ochenta, muy especialmente bebe de aquella serie B italiana rodada por Lucio Fulci por dicha época, films como «The Beyond» o «The House by the Cemetery» nos vienen al instante a nuestra memoria, también coge elementos de ciertas películas producidas por Charles Band y su Empire Pictures en los ochenta, la elección de la icónica Barbara Crampton como protagonista no es pues una casualidad, un tipo de cine que se sustentaba especialmente en intentar, aunque pocas veces lo conseguía, crear de algún modo una atmosfera acorde con el género que trataba,intentando estar por encima del manido efectismo, una influencias que se ven de manera clara en «We Are Still Here» aunque esto no la salven de ser un producto algo irregular.

Ted Geoghegan nos ofrece un producto algo atípico, en cierta manera desestructurado básicamente dada su imperfección, da la apariencia de moverse entre el homenaje y la referencia facilona, con unos resultados que no acaban de funcionar del todo bien, dando la sensación de ser un trabajo en donde sus intenciones acaban presentándose como un simple y mero enunciado, una narración que no llega a fluir de manera correcta y unos personajes poco creíbles la dirigen hacia un tono de cierta intranscendencia en su conjunto, de producto televisivo al uso a lo largo de su metraje, solo en su parte final el film mejora algo, cuando entra en escena el gore explicito, una casquería que en parte ayuda a despojarse de cierto encorsetamiento en su estructura.

«We Are Still Here» es de una manera clara un film modesto en donde sus loables intenciones en recuperar –homenajear un tipo de cine extinto no llegan a estar a la altura de su resultado final, aun así es una película que esta varios escalones por encima de la típica serie B actual del cine de terror norteamericano, aunque solo sea por sus intenciones, y es que no ver en pantalla como protagonistas a adolecentes de dudoso coeficiente mental, o una trama en donde la alta tecnología no llega a ser un elemento primordial en su historia o simplemente obviar el found footage como recurso narrativo es algo digno de ser elogiado a día de hoy.

Valoración 0/5: 3

Palmares

Mejor Película: Deathgasm de Jason Lei Howden

 Mejor Director: Paul Hyett por Howl

 Mejor Actriz: Elma Begovic por Bite de Chad Archibald

 Mejor Actor: Milo Cawthorne por Deathgasm de Jason Lei Howden

 Premio del Público: Turbo Kid de François Simard, Anouk Whissell, Yoann-Karl Whissell

 Mención Especial: Excess Flesh de Patrick Kennelly

Concurso de Cortometrajes

1r Premio del Jurado: Noct de Vincent Toujas

 2n Premio del Jurado: Sange de Percival Agüero Mendoza

 Premio Victor Israel a la Mejor Interpretación: Thomas Barrand por Noct de Vincent Toujas

 Mejores Efectos Especiales: Surgery de The Clemens Brothers

 Mención Especial: Status Change de Rajesh Narot

 Premio del Público: L’ours Noir de Méryl Fortunat-Rossi

 Méliès d’Argent: Noct de Vincent Toujas

III

Una pequeña ciudad europea es asolada por una enfermedad desconocida que ha causado muchas muertes. Allí viven las hermanas Aya y Mirra. Tras la muerte de su madre a causa de esta enfermedad, se enferma la joven Mirra. Reconociendo que la medicina tradicional es impotente, Aya recurre al párroco Herman, quien tiene un extraño libro muy alejado de la religión tradicional. Para intentar salvar a su hermana, Aya deberá sumergirse en el subconsciente de su enferma hermana Mirren y encontrarse cara a cara con los demonios que habitan allí.

Habitual en la realización de video clips musicales el joven director ruso Pavel Khavaleev presento la interesante y algo atípica «III«, un curioso relato acerca de la religión y los rituales chamanes expuesto a través de un film en donde su poderío visual deviene como su principal e incuestionable baza, «III» es la clásica película en donde las imágenes van siempre por delante de lo que es su historia (muy al estilo de los primeros trabajos de Tarsem Singh ante de que este decidiera pasarse al lado oscuro y dirigir encargos de lo más convencionales), en este aspecto la historia que nos cuenta «III» llega a ser difusa y de un tono algo complejo, deviniendo como un ejercicio que atesora un difícil equilibrio entre el brillante escenario onírico expuesto y una narrativa dramática a la que le cuesta mucho avanzar de una manera algo coherente.

Aunque de un resultado claramente desigual, la arriesgada e inusual propuesta por la estética a cargo de Pavel Khavaleev es parcialmente interesante en base a un punto de originalidad en lo que nos expone, un film en donde su catálogo de imágenes tienen la imperiosa labor de intentar expresar ideas y conceptos de forma tan extrema no siempre resulta ser una tarea fácil, se puede caer en lo pretensioso de una forma fácil, «III» al menos salva esta tesitura y se sitúa como un producto de un trazado tan inusual y algo descompensado como cautivador en todo lo concerniente a su lograda apuesta por su estética visual.    

Valoración 0/5: 2’5

Excess Flesh

Jill tiene una fijación bastante importante con su peso, y el tener a una compañera de piso sexy y de gran éxito social como es Jennifer no ayuda en absoluto. Su obsesión por ser como ella se irá acentuando a medida que el tiempo pasa, hasta convertirse en algo tan obsesivo como peligroso.

«Excess Flesh» primer largometraje de Patrick Kennelly  presentado en el pasado SXSW fue una de las películas más interesantes vistas este año en TerrorMolins, un film que se aleja del terror convencional para encaminarse de forma notoria hacia el thriller psicológico que transita entre trastornos alimenticios, bulimia y obsesiones de varias índoles, de tono claustrofóbico «Excess Flesh» destaca por ser un ejercicio complejo en su discurrir tanto en lo referente a su narrativa como en su mensaje, lejos de presentarse como una premisa sencilla, algo que puede parecer en un principio, tampoco podría decirse  que el desarrollo que otorga al film Patrick Kennelly  tienda a ser críptico de una forma intencionada, un discurso que no es relatado a través de una mente trastornada, eso da lugar a un juego de interpretaciones algo difuso, algo que aprovecha el director para desplegar un sugerente catálogo de metáforas que transita entre un tono pesadillesco y descarnado. Sería un error pasar por alto una propuesta de esta característica, su bajo presupuesto le puede juegar alguna que otra mala pasada, un evidente feísmo visual no intencionado puede ahuyentar en un principio al espectador algo despistado.

«Excess Flesh» no es un producto creado para estómagos demasiados sensibles, un film incomodo pero notable en lo que nos intenta exponer, al igual que la extraordinaria «Starry Eyes«, «Excess Flesh» termina estando  algo emparentada con ese tipo de cine independiente norteamericano que transita en el estudio de los desórdenes psíquicos expuestos desde una vertiente poco dado hacia lo amable.   

Valoración 0/5: 3

Luna de Miel

Jorge es un hombre solitario que se mueve por una obsesión, su deseada vecina, Isabel. Hará todo lo humanamente posible para llamar su atención, hasta que vea que los métodos tradicionales de cortejo no sirven de nada con la joven. Es entonces cuando Jorge decidirá dar un paso más allá y empezará a practicar métodos mucho más persuasivos y dañinos…

Que el cine de género latinoamericano está en auge a día de hoy no es ninguna novedad, si hasta hace bien poco era muy difícil el encontrar un tipo de cine fantástico aceptable proveniente de estos países en estos últimos años la situación ha cambiado de forma palpable viendo la luz propuestas validas y teniendo la sensación de que esto ira a mas de forma positiva en un futuro, «Luna de Miel» segundo largometraje del mejicano Diego Cohen sin llegar a ser una gran película es un claro ejemplo de esta tendencia, un film que transita en los parámetros reconocibles del secuestrador-rehén llevado a cabo por parte de un psicópata metódico, como ejemplo podríamos llegar a afirmar que «The Collector» de William Wyler es un film referencia de lo referente a este tratado, en este aspecto la propuesta de Diego Cohen no aporta nada nuevo aunque sí que introduce un cambio de registros durante el film cuanto menos curioso, pero de un resultado claramente irregular, si en una primera parte (la más lograda con diferencia)se incide en un tono de comedia negra que hace que la propuesta se vea con cierto agrado, en su parte central se da paso hacia lo más puramente truculento, bordeando casi el torture porn para llegar a un tramo final en donde hace acto de aparición un rape-revenge de tono muy poco favorecedor.

«Luna de Miel» no deja de ser un compendio de giros argumentales algo manido y previsible, que llega a quedar algo lejos ser un producto compacto en lo referente a lo que es su esquema, aunque sí que termina consiguiendo cumplir con unos simples cánones genéricos que la hacen un ejercicio algo disfrutable para el aficionado al género poco exigente.

Valoración 0/5: 2

Some Kind of Hate

Lincoln sufre de continuos abusos en el instituto, después de un encontronazo con uno de sus compañeros de clase, le envían a un reformatorio. Lo que no esperaba encontrarse allí es el espíritu de una niña que también había sufrido abusos con ganas de mucha venganza y cargada de ira.

«Some Kind of Hate«, debut en la dirección del estadounidense  Adam Egypt nos propone una a priori interesante o cuanto menos curiosa premisa al intentar mezclar un slasher de ultratumba con la temática del bullying de trasfondo, una muestra de cine indie que hasta cierto punto cumple pero solo en su objetivo de horrorizar de forma algo plana al personal como simple producto de casquería al uso, es este aspecto es de agradecer las elevadas dosis de hemoglobina que es empleada en la película, el problema de un producto de las características de «Some Kind of Hate» viene a la hora de intentar otorgarle unos atributos que vayan más allá de lo que nos muestra su enunciado, al intento de articular una especie de metáfora social en su argumento, sobre todo en la primera parte de la película, fracasa manera estrepitosa pues básicamente nos encontramos ante una premisa sin ningún tipo de desarrollo narrativo, no se llega a profundizar en lo referente a sus personajes en lo más mínimo, anulando cualquier atisbo de empatía que podamos sentir hacia ellos, las subtramas y algunos personajes expuestos adolecen de un interés o credibilidad supuestamente requerida, solo al final de su metraje el producto adquiere una cierta coherencia como un simple y mero vehículo de terror explícito, intentar otorgarle unas credenciales que vayan más allá de eso es hasta cierto punto absurdo.

Valoración 0/5: 1’5

Black Mountain Side

Un grupo de arqueólogos afincados en las tierras al norte de Canadá, harán un descubrimiento que puede cambiar el rumbo de la humanidad para siempre. Unas ruinas totalmente desconocidas con más de diez mil años de antigüedad. Ahora es decisión del equipo como comunicar tal descubrimiento, pero pronto se darán cuenta que están completamente aislados en medio de la nada. Algo extraño parece estar acechando a todo el equipo…

Lo primero que nos viene a la mente en el visionado de «Black Mountain Side» es desviar nuestra mirada de manera forzosa hacia «The Thing«, escenario, personajes y algo de la amenaza a la que se enfrentan sus protagonistas nos remiten de forma clara al extraordinario film de John Carpenter, sin embargo solo nos encontramos ligeras semejanzas, algunas algo conseguidas y otras muchas claramente fallidas. Su director Nick Szostakiwskyj emplea un ritmo narrativo bastante lento, de tono claramente sobre explicativo algo que le resta tensión al relato, a la hora de presentarnos el monstruo de marras se intenta otorgarle algo de originalidad al asunto, se juega de manera acertada con el concepto de que es lo real o imaginario, de la misma manera se nos presenta una criatura de contornos casi primigenios o mitológico (en este apartado se nos remite más hacia la notable «The Last Winter» de Larry Fessenden que al film de Carpenter) que exterioriza su amenaza a nivel viral y parasitario, el elenco actoral cumple de manera sobria y la utilización del escenario por parte de Nick Szostakiwskyj es meritoria (con un gran trabajo de fotografía a cargo de Cameron Tremblay). «Black Mounatin Side» se tambalea algo en su tramo final, de tono algo precipitado y con esa sensación de producto que no se sabe muy bien cómo llegar a acabarlo, sin embargo la propuesta termina funcionando aunque de manera algo irregular, se percibe ciertos atributos en la labor de Nick Szostakiwskyj como director, se intuye un cierto manejo bien llevado de conceptos propios del género que llegan finalmente a validar al producto en cuestión.  

Valoración 0/5: 2’5

Bite

Poco antes de su boda y durante su despedida de soltera, la joven Casey sufre la picadura de un insecto desconocido. Lo que parece ser un incidente sin importancia pronto empieza a provocar ciertas transformaciones dentro de su organismo, que no tardan en aflorar y cambiar radicalmente su cuerpo de forma inimaginable.

El cine independiente de género de terror proveniente de Canadá ha visto como en estos últimos años ha ido eclosionado en propuestas que se mueven entre el gore extremo y un ligero apunte social en lo referente a su discurso, ya no se trata solo de mostrarnos un variado festín donde predominen vómitos, sangre, vísceras, y demás lindezas por el estilo. Si más arriba hablábamos de las influencias de «Black Mountain Side» con respecto a «The Thing» resulta inevitable no acordarse del «The Fly» de David Cronenberg viendo «Bite«, el film de Chad Archibald también guarda bastantes semejanzas temáticas con otro film actual de idéntica nacionalidad como es «Contracted 1 y 2«, quizás estemos ante un trabajo de contornos más minimalista en lo referente a su argumento y algo más generoso en lo concerniente a su tono visceral y explícito.

«Bite» se convierte por méritos propios en paradigma de la descomposición-mutación de carácter low cost, en donde destaca muy por encima su acertada labor de maquillaje de empleo enteramente artesanal, un film en definitiva que es muy simple en lo que nos propone, pero que de la misma manera es plenamente consciente hacia quien va dirigido, «Bite» hará las delicias de los seguidores de la serie B más grotesca poco dados a exigir algo que vaya más lejos de lo expuesto.  

Valoración 0/5: 2

Del 10 al 15 de noviembre se celebró la 34 edición del festival de cine de terror de Molins de Rey, un certamen pionero en lo referente a las maratones del genero de terror en territorio español (sus 12 horas, santo y seña de identidad más emblemático lleva celebrándose desde el año 1980) algo que otorga al certamen una solera muy notoria a la hora de valorarlo de una forma ecuánime, a final de página tenéis un video conmemorativo de su treinta aniversario que repasa la historia del festival desde sus inicios. En estos últimos años TerrorMolins aprovechando su inclusión en 2014 en la Federación Europea de Festivales de Cine Fantástico ha querido ampliar su oferta en varios frentes, una sección oficial a concurso, coloquios, proyecciones entre semana y una serie de actos paralelos, un paso adelante y un esfuerzo que hay que valorar en su justa medida, un equipo organizativo no profesional y una infraestructura muy modesta en lo referente a subvenciones hace del evento algo digno de resaltar, este año hemos tenido la ocasión de asistir a una gran edición, un festival en claro proceso de crecimiento que cada año da un pequeño paso hacia adelante, TerrorMolins 2016 tendrá como leitmotiv las Mutaciones..si tenéis oportunidad de pasaros el próximo año por el festival no lo dudéis..todo lo que se nos ofrece a través del entusiasmo y esfuerzo de los que lo organizan bien vale el esfuerzo.

The House on Pine Street

Jennifer y su marido se acaban de mudar a Kansas, su tierra natal. Recién mudados Jennifer empezará a notar que en su nuevo hogar suceden extraños fenómenos paranormales. El problema que solo pasan estando ella sola, por lo que ni su marido ni su madre acaban de creérsela, achacándoselo a un embarazo difícil. Realmente la casa esta maldita o es simplemente la imaginación de Jennifer jugándole una mala pasada.

«The House on Pine Street» dio el pistoletazo de salida del festival, un interesante debut tras las cámaras por parte de los hermanos Aaron y Austin Keeling que se inscribe de lleno dentro del subgénero de casas encantadas, la película aunque no ofrece nada nuevo (y tampoco parece que sea su propósito) a la temática antes mencionada intenta al menos dar un enfoque algo novedosos a un tipo de cine muy trillado en los últimos años como el que nos ocupa, no estamos ante la típica cinta de terror al uso que se mueve por unos formulismos habituales, «The House on Pine Street» tiene un ritmo extremadamente pausado, reniega por completo de lo explícito y nos ofrece un buen repertorio de secuencias apoyadas por su sutileza en una puesta en escena  que utiliza un acertado tratamiento del espacio, básicamente nos sugiere más que nos muestra, más que el susto fácil se nos intenta inquietar en base a pequeños detalles, película de muy pocos medios, rodada en tan solo 19 días, que tiene la virtud de crear tensión en base a lo psicológico. Posiblemente al film le sobre algo de metraje y tenga un final ligeramente alargado pero «The House on Pine Street» es pese a sus evidentes carencias un tipo de cine independiente de terror del bueno, aquel que intenta volver de alguna manera a los orígenes del género y buscar una manera de contarnos la misma historia de siempre de forma algo diferente.

Valoración 0/5: 3

Repulsión  (retro)

Carol Ledoux es una bella y reprimida joven belga que vive con su hermana Helen en un apartamento de Londres. Carol experimenta sentimientos simultáneos y contradictorios de atracción y repulsión hacia los hombres; por eso para ella resulta tan incómoda la relación que mantiene su hermana con un hombre casado. Cuando la pareja se marcha de vacaciones, Carol comienza a tener alucinaciones y su mente se desquicia.

No se me ocurre mejor película que represente de una manera tan adecuada el leitmotiv de este año del festival (fobias) que «Repulsión» de Roman Polanski, obra capital y un inmejorable retrato de ambientación claustrofóbica acerca de la psicosis, recreando como pocas veces hemos visto en la gran pantalla el camino de un ser humano hacia la locura, esplendido thriller psicológico y veraz drama que profundiza en los entresijos de la mente humana apoyándose en una atmósfera tan inquietante como agónica gracias a una inteligente utilización técnica de los efectos de sonidos (pocas veces el incesante tic-tac de un reloj, los sonidos provenientes del campanario de un convento, las risas de unas monjas, el timbre de un teléfono o una puerta que no para de sonar o el interminable goteo de un grifo han sido tan perturbadores y producido tanto desasosiego en el cine) y un magnífico juego de planos escénicos compuesto por un blanco y negro aséptico y tenebroso (estupenda fotografía a cargo de Gilbert Taylor) barnizado de puro surrealismo cinematográfico.  Roman Polanski en lo que fue su segundo largometraje empieza a articular un discurso que irá evolucionando poco a poco hacia unos cimientos que le otorgaran un sello tan personal como inconfundible a partir de ese momento, una eficacia y originalidad cinematográfica llevada hacia un tono hipnótico y obsesivo que llega a alcanzar altas cotas de sugestión y desasosiego en el espectador. «Repulsión» deviene de forma clara como quintaesencia del saber contar una historia mental direccionada hacia los abismos de forma extremadamente realista.

Valoración 0/5: 4’5

Documental 30 años Festival de Terror Molins de Rei

Into the Forest

Gira alrededor de dos hermanas adolescentes que viven en un bosque de Carolina del Norte a varios kilómetros del vecino más cercano. Los problemas no tardarán en llegar cuando la civilización tal y como la conocemos se colapse, con fuertes rumores de una posible guerra, pero lo que a ellas les preocupa es saber cuándo van a recibir de nuevo gas y electricidad, algo esencial para su peculiar modo de vida.

La adaptación de la novela homónima de Jean Hegland «Into the Forest» a cargo de la directora canadiense Patricia Rozema fue la encargada de clausurar la presente edición del festival de Sitges, film que ofrece una visión del cine post apocalíptico desde una perspectiva de carácter íntimo, alejándose de un tono crudo y realista bastante recurrente en este tipo de películas, «Into the Forest» lo expone desde el concepto del melodrama familiar (dos hermanas) a través de un supuesto fin del mundo, un tono expuesto que sin embargo le resta una credibilidad que el relato requería de forma obligada.

Posiblemente lo más destacable de «Into the Forest» sea el notable dueto interpretativo a cargo de Evan Rachel Wood y Ellen Page, labor esta que a duras penas consigue salvar un producto que se ve mermado por el torpe tono feminista con que Patricia Rozema dota al film. Cuando hablamos de igualdad de generos en referencia a mujeres directoras siempre he sido de la opinión que si estas recuren a una militancia nada disimulada a la hora de exponer su trabajo por encima de sus propias cualidades autorales es muy mala señal, «Into the Forest» es un claro ejemplo de ello, vemos conceptos trazados a las antípodas de la sutileza que chirrían sobremanera (sin ir más lejos su mensaje pro-life fue silbado de una forma incluso algo comprensible en el pase de prensa). Into the Forest termina convirtiéndose en un claro ejemplo de lo que no tendría que ser una película que reivindique el papel de la mujer tras las cámaras, afortunadamente a día de hoy parece que la relevancia de mujeres cineastas va en claro auge, directoras como Severin Fiala, Paula Ortiz, Ana Lily Amirpour, Lucile Hadihalilovic o Karyn Kusama entre otras muchas indican cual es el camino a seguir.

Valoración 0/5: 2

Ludo

Cuatro adolescentes llegan a la gran ciudad con intención de desfase. La noche es joven, están cachondos y no tienen un duro. La solución es pasar el fin de fiesta en un centro comercial que ya ha cerrado sus puertas. Sin embargo, no están solos: una pareja aparece de la nada y se dispone a jugar. Su apariencia es inofensiva, pero su verdadera naturaleza está marcada por una terrible sed de venganza.

La cinta de terror India «Ludo» es un claro ejemplo de hype contraproducente (promovido de forma errónea por el mismo festival), a priori una de las películas más terroríficas proveniente de un país poco dado al género de terror. Lo curioso del caso es que la película de Qaushiq Mukherjee y Nikon fue poco menos que vilipendiada por parte de un público que quizás esperaba ver otra cosa muy distinta, «Ludo» no deja de ser un puro género grindhouse de terror algo exótico con todo lo que ello pueda comportar, que bebe de ciertos esquemas del cine orquestado en su día por Lucio Fulci que incluso se atreve a mostrar una ligera semejanza al universo Clive Barker en lo referente a su escenografía, aunque claro todo ello mostrado desde una truculencia descuidada y carente de cualquier tipo de ritmo en lo referente a su maltrecha narración, algo por otra parte normal en cualquier serie Z que se precie, hubo supuestos entendidos en la materia que llegaron a asegurar que posiblemente «Ludo» haya sido una de las peores películas vistas en muchos años dentro del festival, no estoy de acuerdo, solo se trata que contextualizar un producto de esta características de una manera más adecuada, pondría las manos en el fuego a que un film de los mismos atributos que Ludo presentado desde una óptica occidental hubiera pasado el corte sin más, nuevamente se demuestra la estigmatización geográfica juega un papel decisorio a la hora de valorar un producto, muchas peores películas yanquis semejantes a «Ludo» han sido aceptados sin ningún tipo de problema cuando no tendría que ser así, pero tranquilos..seguro que con el tiempo y de manera muy puntual alguien empezara a reivindicar en un futuro una rareza como «Ludo«..suele ser algo cíclico a nivel de una crítica supuestamente especializada.

Valoración 0/5: 2’5

Smoke and Mirrors: The Story of Tom Savini

Primer documental sobre la vida y carrera del premiado genio de los efectos especiales Tom Savini, verdadero icono del cine fantástico. Todo un autorretrato, en el cual el Rey del Splatter reflexiona sobre su carrera y sus altibajos profesionales: un viaje por la vida, la muerte, el amor, la pérdida, la pena y la felicidad.

En una edición algo pobre en número en lo referente a documentales proyectados se pudo ver «Smoke and Mirrors: The Story of Tom Savini» de Jason Baker, un interesante recorrido en la carrera del célebre maquillador, mago de los efectos especiales, director y  actor ocasional Tom Savini, un documental necesario pues estamos ante una figura clave dentro de un claro contexto en el cine de terror estadounidense de una época concreta. Posiblemente estemos ante un personaje que no haya estado reivindicado de una manera justa a día de hoy, de echo el documental está producido por el propio Savini, algo pobre en medios y rodado a lo largo de un periodo de tiempo que abarca varios años, supuestamente dada la precariedad económica del proyecto, quizás por eso el trabajo se decante más hacia la vertiente más personal e íntima del personaje que hacia lo más puramente profesional, el fan quizás termine queriendo saber algo más de sus peripecias en rodajes o escuchar más testimonios de compañeros de profesión,  «Smoke and Mirrors: The Story of Tom Savini» termina siendo básicamente el hombre detrás de la estrella, un recorrido en el recorrido vital de un hombre que no lo ha tenido fácil en su vida, aun así el documental es de visión obligada para el seguidor del artista pues todo lo que nos cuenta Tom Savini a modo de testimonio aunque no abarque de pleno lo puramente didáctico de su profesión es de lo más interesante.

Valoración 0/5: 3

Dark Star – HR Giger’s World

Hansruedi Giger fue el hombre responsable de algunas de nuestras peores pesadillas. El ilustrador suizo poseía una imaginación fascinante y temible, en la que las formas orgánicas se unían con los pavores del mundo industrial, y que dio a luz a una de las criaturas más temibles del cine: el Alien. Poco antes de fallecer, Giger abrió las puertas de su taller a este documental, que nos muestra su faceta más íntima.

«Dark Star: HR Giger’s World» nos retrata desde el documental una visión íntima y familiar de la vida del genial artista H.R. Giger mostrándonos su día a día desde la cotidianidad más absoluta, de echo podríamos estar hablando casi de una despedida orquestada por el propio Giger que fallecería poco tiempo después de su rodaje.

Posiblemente no estemos ante el trabajo definitivo que nos muestre la vida y milagros del artista suizo, seguramente el documental que nos ocupa podría llegar a ser un interesante apéndice expuesto desde dentro en donde nos introducimos en la impresionante casa del ilustrador, llegamos a conocer su círculo social más íntimo y familiar, un acercamiento que hará las delicias del fan pero en el que se echa de menos una visión más neutral y completa así como testimonios más autorizados en la materia, tampoco se llega a indagar, ni es su propósito, en aspectos más profundos ya sea en lo artístico o personal, del mismo modo el testimonio del propio Giger queda algo deslucido y escueto debido su precario estado de salud. «Dark Star: HR Giger’s World» termina siendo una despedida orquestada desde dentro, loable en intenciones y que podría servir como perfecto preámbulo a un trabajo más global y definitorio, una figura tan importante y esencial como H.R. Giger lo merecería de sobras.

Valoración 0/5: 2’ 5

Schneider vs. Bax

Dos hombres, un asesino a sueldo y un escritor, tendrán que luchar entre ellos por la supervivencia. A Schneider, asesino a sueldo y hombre devoto de la familia, se le encarga justo en la mañana de su cumpleaños que liquide a Ramon Bax. Bax es un escritor de 50 años que vive recluido en una cabaña junto a un lago. Lo que en principio parecía un trabajo fácil, acabará convirtiéndose en mucho más de lo que cabría esperar.

Había expectación por ver el nuevo trabajo de del holandés Alex van Warmerdan (premio a la mejor película en Sitges 2013 por la extraordinaria «Borgman«), «Schneider vs. Bax» es algo más convencional en lo formal que su anterior film pero sigue siendo puro van Warmerdan, algo que la valida como un trabajo de un interés tan notable como original, mezcla de comedia negra de tono absurdo y ligeramente surrealista y thriller criminal con toques inesperados de violencia explícita, una amalgama de unión genérica que funciona en base a una sobriedad en su puesta una escena compuesta por una fotografía de tono sencillo pero muy eficaz y sobre todo por los matices expuestos que hacen diferenciar las personalidades de sus dos protagonistas, todo ello bajo una soterrada crítica expuesta que apunta directamente a una cierta y asentada burguesía existente en Europa.

 Alex van Warmerdan es un creador diferente y único en el actual panorama del cine de autor europeo, un brillante manipulador de géneros atípicos que suele esconder en sus películas una coherencia formal tan inusual como digna de elogio, un repaso a su filmografía así lo atestigua.

Valoración 0/5: 4

PALMARÉS

Secció Oficial Fantàstic Sitges 48

Premio Mejor Película: ‘The Invitation’ de Karyn Kusama

Premio Especial del Jurado: ‘The Final Girls’ de Todd Strauss-Schulson

Premio Mejor Dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa): S. Craig Zahler por ‘Bone Tomahawk’

Premio Mejor Interpretación Femenina: Pili Grogne por ‘Le tout nouveau testamento’

Premio Mejor Interpretación Masculina (patrocinado por Autolica – Mercedes Benz): Joel Edgerton por ‘The Gift’

Premio Mejor Guión: M. A. Fortin, Joshua John Miller por ‘The Final Girls’ de Todd Strauss-Schulson

Premio Mejores Efectos Especiales: Makoto Kamiya por ‘I Am a Hero’ de Shinsuke Sato

Premio Mejor Fotografía: Pawel Flis por ‘Demon’ de Marcin Wrona

Premio Mejor Música: Jean-Philippe Bernier, Jean-Nicolas Leupi, Le Matos por ‘Turbo Kid’ de Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell

Premio Mejor Cortometraje (patrocinado por Fotogramas): ‘They Will All Die in Space’ de Javier Chillon

Gran Premio del Público (patrocinado por La Vanguardia): ‘I Am a Hero’, de Shinsuke Sato

 Premio José Luis Guarner: ‘Bone Tomahawk’ de S. Craig Zahler

Premio Citizen Kane al Mejor Director Novel: Stephen Fingleton por ‘The Survivalist’

Premio Jurado Carnet Jove Mejor Película: ‘Turbo Kid’ de Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell

Secció Oficial Fantàstic Òrbita

Premio Mejor Película: ‘SPL2: A Time for Consequences’ de Soi Cheang

Premio Mejor Dirección: John Maclean por ‘Slow West’

Premio Especial del Jurado: ‘The Taking of Tiger Mountain’ de Tsui Hark

Panorama Fantàstic

Premio Mejor Película Panorama Documenta: ‘Lost Soul – The Doomed Journey of Richard Stanley’ s Island of Dr. Moreu’ de David Gregory

Premio del Público: ‘El Eslabón Podrido’ de Valentín Javier Diment.

Noves Visions

Premio Mejor Película Noves Visions One: ‘Anomalisa’ de Charlie Kaufman, Duke Johnson

Mención especial Noves Visions One: ‘Men & Chicken’ de Anders Thomas Jensen

Premio Mejor Cortometraje Noves Visions: ‘Disco Inferno’ de Alice Waddington ex aequo con ‘Formas de jugar’ de Gemma Blasco

Premio Mejor Película Noves Visions Plus: ‘Anabel’ de Antonio Trashorras

Mención especial: ‘Lovemilla’ de Teemu Nikki

Focus Àsia

Premio Mejor Película: ‘Veteran’ de Ryoo Seung-wan

Anima’t

Premio Mejor Película: ‘Miss Hokusai’ de Keiichi Hara

Premio Mejor Cortometraje: ‘Voltaire’ de Jan Snoekx

Mención especial Cortometraje: ‘The Orchestra’ de Mikey Hill

Midnight X-Treme

Premio Mejor Película: ‘Bound to Vengeance’ de José Manuel Cravioto

Méliès d’Argent

Premio Mejor Película Europea S.O.F. Sitges 48: ‘Le Tout Nouveau Testament’ de Jaco Van Dormael

Premio Mejor Cortometraje Europeo S.O.F. Sitges 48: ‘Graffiti’ de Lluís Quílez

Blood Window

Premio Mejor Película Blood Window: ‘Los parecidos’ de Isaac Ezban

Brigadoon

Premio Mejor Cortometraje Brigadoon – Paul Naschy: ‘Caradecaballo’ de Marc Martínez Jordan

Phonetastic

Premio Mejor Cortometraje: ‘Blackout’ de Sylvain Certain

Sitges Cine365 Film

Premio Sitges Cine365 Film: ‘Caradecaballo’ de Marc Martínez Jordan ex aequo con ‘Zero’ de David Victori

Video resumen día 9

Journey to the shore

Mizuki perdió a su marido Yusuke en el mar. Años después, el fantasma de su compañero aparece ante sus ojos. No se trata de una visión terrorífica, sino de un retorno lleno de cotidianeidad. Tras el reencuentro, ambos iniciarán un viaje hacia la costa.

La nueva película del siempre interesante realizador japonés Kiyoshi Kurosawa transita dentro de un contexto de fantasmas y lo más puramente espectral aunque dentro de un registro completamente diferente en lo concerniente a sus trabajos más conocidos como pueden llegar a ser «Cure«, «Kairo» o «Seance«. Su nuevo film «Journey to the shore» remite algo en su tono a su anterior y notable «Tokyo Sonata«, aquí nos encontramos ante el concepto de la aceptación de la pérdida dentro de un escenario narrativo inscrito dentro de la propia cultura oriental más clásica, sea a un nivel cinematográfico o incluso literario, un drama costumbrista de corte fantástico, de un trazado claramente pausado y reflexivo que aunque pueda parecer lo contrario nos esta hablando de muchas y variadas cosas, redención, perdón, abandono y aceptación final, un trabajo que llega a integrar a la perfección y con total naturalidad el relato fantástico dentro un escenario y contexto completamente realista, en este aspecto Kiyoshi Kurosawa maneja sabiamente conceptos que remiten  de una forma clara al cine de Hirokazu Koreeda o Naomi Kawase ofreciéndonos un producto de contornos exquisitos, tan selecto en su forma como acertadamente filosófico en todo lo que llega a exponer.

La película de Kiyoshi Kurosawa borra de forma consiente cualquiera tipo de inscripción que pueda remitirse a un tiempo en concreto, aísla a todos sus personajes dentro de un escenario atemporal,  plagado de emociones y poseedor de un flujo trascendental que la deriva hacia una retórica en donde la redención y lo espiritual cobran una magnitud muy palpable. En «Journey to the shore» terminamos por recuperar al mejor Kiyoshi Kurosawa, y eso siempre es algo digno de celebrarse por todo lo que nos llega a aportar su cine, una apuesta  por un cine en esta ocasión de grandes sentimientos, aquel que retrata de forma notablemente sutil experiencias vitales ubicadas dentro de unas historias repletas de momentos en lo que un tono claramente sensorial cobra una vital importancia.

Valoración 0/5: 4

Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld

Kagayama es un débil subalterno leal al legendario jefe de la yakuza Kamiura, que resulta ser un legendario vampiro. Cuando un asesino de un sindicato internacional llega a Japón para entregar un ultimátum, kamiura es asesinado. Pero no antes de llegar a morder a Kagayama. Ahora, su subalterno ya convertido en vampiro buscará venganza contra un formidable equipo de asesinos.

El habitual y obligado catalogo fílmico a cargo de Takashi Miike de este año dentro del festival de Sitges consistió en solo dos producciones, la divertida «As the Gods Will» y «Yakuza Apocalypse» su título estrella de este 2015 presentada nada menos que en la quincena de los realizadores del pasado festival de Cannes. «Yakuza Apocalypse» es un nuevo muestrario del libertinaje cinematográfico tan característico en el imaginario de Takashi Miike, libre de ataduras conceptuales y totalmente alejado de convenciones genéricas en donde todo cabe, una declaración de principios en toda regla que de vez en cuando da la impresión de tener la necesidad de recurrir el director nipón.

Unión algo desvergonzada de yakuza, kaijus y el cine de vampiros entre otras muchas más cosas, posiblemente a estas alturas podríamos llegar a decir que incluso estos trabajos de tono delirante y surrealista han ido ligeramente evolucionando con el tiempo, ahora Takashi Miike rebaja en algo la vertiente transgresora en lo referente a su incomodidad, ya sea en el ámbito del sexo o la violencia más descarnada, se sigue siendo recurriendo de forma clara a la exageración y a lo imposible pero desde una vertiente que da la sensación de estar algo más abierta y orientada hacia un público más amplio pese a la naturaleza del producto en sí mismo. Una cierta evolución hasta cierto punto lógica que no impide que «Yakuza Apocalypse» sea en esencia puro Takashi Miike, un producto destinado principalmente para el disfrute de incondicionales de su cine, un cineasta que desde hace ya un tiempo está en un primer nivel y que sabe  glorificar el género en todas sus vertientes y formas posibles, Sitges lo volvió a acoger con los brazos abiertos, algo en cierta manera  ya habitual y normal al jugar dentro de un territorio propio.

Valoración 0/5: 3

The Survivalist

El Superviviente vive aislado, protegiendo su granja de la banda de enmascarados que acechan la zona. La llegada de Kathryn y su hija Milja altera la precaria estabilidad del hombre, forzando una difícil convivencia.

«The Survivalist» se inscribe de lleno en el relato post-apocalíptico de tono real y poco complaciente en lo referente a lo que es su historia, una visión dura y áspera en todo lo que nos muestra, en donde vemos como la mayoría de los recursos naturales del planeta se han ido prácticamente agotando dando lugar al caos y la ley del más fuerte, un film que tiene ecos y bebe mucho del tono y estilo visto en el «The Road» de Cormac McCarth, en este aspecto «The Survivalist» resulta una película bastante modesta en lo referente a lo que son sus medios, poseedora de un devenir narrativo muy minimalista y con un único escenario de ámbito forestal, tres únicos personajes y una consiente escasez  de diálogos e inexistente banda sonora musical, su director el debutante Stephen Fingleton (premio al mejor director novel en el festival) no se complica a la hora de rodar con sencillez y de manera sobria lo que es su puesta en escena, en una historia que no precisa de ningún tipo de preciosismos en lo conserniente a su estilo, posiblemente este sea una de sus mayores bazas, el no intentar hacernos llegar un mensaje de enfoque trascendental, en la historia de «The Survivalist» no hace falta, tampoco hay lugar para adornos ni juicios de valores en las acciones de sus personajes, aquí solo queda un instinto primario de supervivencia dentro de un mundo totalmente precario, cualquier atisbo para la esperanza o normas de conductas humanitarias quedan al momento completamente disolutas, Stephen Fingleton en un debut tras las cámaras bastante prometedor así nos lo hace ver.

Valoración 0/5: 3

Enragés

Un robo sale mal. Los cuatro criminales encuentran refugio en un centro comercial. En plena huida, detienen el coche de un hombre, que pretendía trasladar a su hijo enfermo al hospital. Fuera de control, la fuga va a transformarse en una persecución sin piedad.

«Enragés» (Rabid Dogs) es un descafeinado remake de la genial «Chiens Enragés» (Semáforo rojo en España) que el gran Mario Bava dirigiera en 1974, el film presentado en el mercado del pasado festival de Cannes de 2015 y ópera prima del realizador francés Éric Hannezo funciona de forma algo irregular como un discreto y puntualmente entretenido thriller que intenta decantarse más hacia la tensión que a la acción, en este aspecto la falta de consistencia en el trazado de lo que son sus personajes resulta fundamental a la hora de intentar ofrecer una cierta credibilidad en según qué situaciones, tampoco resulta de gran ayuda su casi total falta de profundidad en lo referente a una historia que no llega a trascender en lo más mínimo, lamentablemente todo tiende a ser demasiado esquemático.Una en ocasiones acertada música de tono totalmente ochentero a cargo de Laurent Eyquem y cierta sequedad bien entendida en algún que otro tramo en lo referente a su realización junto a un giro argumental hacia el final no terminan de salvar una propuesta que termina siendo claramente fallida en su desarrollo y resultado final, destinada irremediablemente y de una forma clara al olvido al poco de su visionado.  

Valoración 0/5: 2

Endorphine

Tres mujeres llamadas Simone, cada una con su historia. La primera es una niña de doce años que debe recuperarse de un trauma. La segunda es una joven solitaria que sufre ataques de pánico. La tercera es una doctora de prestigio que alcanza el orgasmo en sueños. Tres vidas que empezarán a comunicarse entre ellas de manera misteriosa, casi onírica.

Puede que no fuera lo más acertado visionar un film de las características y textura de «Endorphine» casi al final del festival, el canadiense André Turpin nos propone un interesantísimo puzle narrativo de tono onírico alrededor de la teoría de los multiversos, en donde acción terrenal y planos temporales hace que tres distintas mujeres queden de algún modo conectadas a través de un hecho físico concreto, para ello se recurre en ocasiones a la física quántica e incluso a una cierta tendencia al relato de contornos filosóficos.

Endorphine aunque parezca todo lo contrario no nos propone una narrativa plenamente criptica en todo lo expuesto, también huye de un trazado pretensioso que algunos intuyeron en ella, la película se asienta más hacia lo complejo de un relato lleno de simbolismos en donde más que intentar descifrar un determinado contexto clave en lo referente a su argumento (algo bastante complicado la verdad y que requeriría de más de un visionado) es conveniente sumergirse en la propuesta y requerir de un cierto esfuerzo por parte del espectador para entrar en lo que es su entramado de un forma consiente en referencia al juego que se nos llega a  proponer. Puede que el film falle y quede diluido en algo a la hora de dramatizar situaciones concretas y personajes, un aspecto este que queda algo por debajo del formulario científico-onírico expuesto, aun así «Endorphine» tiene una capacidad hipnótica digna de elogio, un sugerente e interesante film independiente que ha sido una de las propuestas más arriesgadas y estimulantes de las presentadas este año en Sitges.

Valoración 0/5: 3’5

The Devil’s Candy

Jesse y Astrid compran una idílica casa en Texas, con espacio suficiente para que él pueda desarrollar su trabajo artístico. Al poco de mudarse, los cuadros de Jesse empiezan a adquirir un tono más oscuro e inquietante, como si una extraña fuerza poseyera su mente.

Seis años después de su estimable ópera prima «The Loved Ones» el realizador Sean Byrne presento en Sitges su nueva película «The Devil’s Candy«, film rodado lejos de su Australia natal estamos ante una película que transita el terror desde una perspectiva bastante diferente a su primer trabajo pero poseedora de un resultado final igual de estimulante, muestra inequívoca de que estamos ante un director muy a tener en cuenta próximamente.

«The Devil’s Candy» es una historia expuesta de forma más claramente oscura y madura que su anterior «The Loved Ones«, un competente horror heavy metal de casa encantada con un potente clímax final, que aunque no logra escapar del todo de muchos de los tópicos propios del género nos es presentada de forma algo distinta y original, un enfoque visto desde contornos incluso algo clásicos dentro del subgénero de posesiones demoníacas + casa encantada aunque las herramientas aquí utilizadas no sean muy habituales, un estilo el propuesto que dista en algo de lo puramente convencional, todo ello en base a un muestrario de música de heavy metal (letras que mayoritariamente hablan sobre la alienación y la continua lucha entre el bien y el mal bajo, guitarras y sonido estruendoso) que sustituye  a conceptos y postulados propios de un cine de terroral uso. En unos tiempos donde el género está inundado de propuestas mainstream y modas temporales de dudoso gusto «The Devil’s Candy» sin llegar a ser una grandiosa película sabe a gloria y cumple a la perfección como producto serio y digno, una película en definitiva para ver y disfrutar a ser posible en una pantalla lo más grande posible y por supuesto.. con los decibelios al máximo volumen.

Valoración 0/5: 3’5

Video resumen día 8

Victoria

Rodada en un único plano secuencia, el film tiene como escenario el famoso barrio berlinés de Kreuzberg. La cámara es testigo de todo lo que le pasa a la joven Victoria, una chica española en Berlín. Una noche, conoce a Sonne, y los dos flirtean. El problema es que él tiene que terminar un trabajito con su banda, y han decidido que Victoria es la persona perfecta para acompañarles, en ese breve periodo de tiempo le suceden cosas que darán un giro total a su vida.

«Victoria«, producción alemana dirigida por Sebastian Schipper se presentó en Sitges con la sonada virtud de haber estado rodada en un solo plano secuencia de 139 minutos de duración y en menor medida también por estar interpretada por la actriz española Laia Costa. Es difícil a la hora de contextualizar un film de las características de «Victoria» el alejarse del alarde técnico en el que se apoya por completo el film e intentar analizar de una forma ecuánime todo el resto, ¿hay algún punto a destacar por encima del propio experimento en sí?

En el film de Sebastian Schipper podemos encontrar apuntes del todo interesantes aunque algo dispersos a la hora de explorar las posibilidades de esa continuidad ininterrumpida, sobre todo en lo referente a una primera parte (la más interesante y conseguida) presentada bajo un tono casi costumbrista, en donde la soledad y la empatía de sus jovenes protagonistas devienen como su principal motor narrativo, y que la emparenta de algún modo a un cierto cine orquestado en su día por Richard Linklater, y una segunda parte en donde asistimos a un cambio de rumbo bastante acentuado, para adentrarnos en una pieza casi de género, en este aspecto la apuesta de Schipper es clara, opta por ofrecer un producto que sea disfrutable, entretener al espectador en detrimento de una credibilidad en lo referente a su guion, el problema viene dado en que todo lo conseguido hasta ese momento se llega a desvirtuar en algo a la hora de presentarnos una serie de situaciones a cual más rocambolesca e imposibles de llegar a ser creídas. «Victoria» termina convirtiéndose en un experimento algo irregular, plagado de claros oscuros, positivo en lo conserniente a su alarde técnico y en un conseguido ritmo de tono trepidante en sus más de dos horas de duración que la hacen un producto disfrutable para el espectador, algo nada fácil dado la formula en que se apoya, y negativo en lo referente a su propia falta de consistencia en lo que es su conjunto y muy especialmente la nula credibilidad con la que nos encontramos llegados a un punto determinado de su metraje.

Valoración 0/5: 3’5

Demon

Python y Janet reciben como regalo de boda unas tierras en las que construir su hogar. Al preparar el suelo para la futura casa, el novio encuentra unos huesos humanos. Será el primero de una serie de hechos extraños que culminan con la irrupción de un turbulento espíritu en las nupcias.

«Demon» fue sin lugar a dudas una de las películas más singulares, originales y rica por las múltiples vías que nos llegó a ofrecer de las proyectadas este año en Sitges, lástima que no tuviera una resonancia más importante dentro del festival, la propuesta del film lo valía de sobras, el mito clásico del dybbuk expuesto en la película a modo de retrato social y crítico de la Polonia más caustica, «Demon» se aleja del relato de terror convencional de posesiones al uso y bebe de ese cine fantástico de la Europa del este tan característico en los años setenta, abundante en metáforas y simbolismos tradicionales, de una mirada tan inusual y atípica como atrevida.

Las tradiciones nupciales y todo lo que lo rodea alrededor de las bodas polacas expuestas aquí  a través de una mirada en apariencia absurda, casi de tintes y tono surrealista que se cohesiona de manera sabia con el prototipo relato fantástico tradicional que aquí bebe del folklore judío en base a una historia mostrada bajo un tono claramente costumbrista. «Demon» deviene como un perfecto ejemplo de lo que tendría que ser una historia acerca de la metáfora incrustada dentro de la propia mitología, una pena del prematuro fallecimiento de su director Marcin Wrona poco antes de dar inicio el festival, un hecho luctuoso que nos priva de ver la evolución de un discurso cinematográfico que se intuía de lo más apasionante.

Valoración 0/5: 4

Coin Locker Girl

Recién nacida, Il-young es abandonada en la consigna número 10 de una estación. Años más tarde, es vendida a la organización criminal Mom de Chinatown, donde tendrá que luchar para sobrevivir en un mundo violento y cruel.

Presentada en la pasada la Semana de la Crítica del festival de Cannes «Coin Locker Girl» debut en la dirección de Han Jun-hee nos presenta un duro retrato criminal y social en forma de thriller dramático, acerca de una peculiar organización de gángsters. Poco se le puede achacar a la película en lo referente a su depuradísima factura técnica e incluso en su incondicional apuesta por lo más visceral, aunque he de confesar que empiezo a tener ciertos perjuicios a la hora de ver una gran parte del actual cine proveniente de Corea del Sur que abusa sobremanera de ciertos modismos de estilo a la hora de presentar lo que son sus propuestas, un abuso este especialmente visible en lo referente a un tono melodramático que por momentos chirria por su acentuado tono, unos personajes demasiados exagerados o una utilización de la narrativa que la ves venir desde muy lejos, no se igual es un problema personal (la película tuvo una acogida bastante buena) pero lo cierto que estos déficits hacen que el visionado de este tipo de productos los contemple desde una mirada de tono bastante escéptico.

Tengo la sensación y soy de los que opinan que ha día de hoy hay una enorme barrera diferencial de exposición y resultados entre las películas a cargo de autores ya consagrados en lo autoral o comercial como pueden ser Kim ki-duk, Na Hong-jin, Lee Chang-dong, Kim Ji-woon, Bong Joon-ho, Hong Sang-soo o Park Chan-wook entre algunos otros y alguna que otra propuesta aislada como la excelente «Han Gong-ju» de Lee Su-Jin vista el pasado año y el gran volumen de todo lo restante que en mayor o menor medida nos va llegando del país asiático y muy especialmente en lo concerniente a su trazado más comercial, «Coin Locker Girl» pese a cierto apuntes pertenece a este segundo grupo de películas algo encalladas en formulismos propios que le restan desde mi punto de vista un resultado final mucho más estimulante.

Valoración 0/5: 2

Experimenter

En 1961, Stanley Milgram llevó a cabo una serie de experimentos sobre la obediencia en la Universidad de Yale. La investigación, planteada a raíz del juicio a Adolf Eichmann, pretendía dilucidar la relación de las personas con la autoridad. La violencia del experimento hizo que Milgram fuera tildado de sádico y de monstruo.
Biopic sobre el psicólogo Stanley Milgram y sus famosos experimentos bajo la dirección de nada menos que Michael Almereyda, un curioso autor que en los noventa nos ofreció una visión muy personal y nada complaciente del fantástico con trabajos tan atípicos como eran «Nadja» o «Trance«, «Experimenter» se sitúa en las antípodas de aquellos primeros films de su director en lo referente al riesgo y la actitud, no deja de ser algo curioso que estemos ante su trabajo más asequible para el gran público, eso en teoría no tendría que ser malo de por sí, el problema viene dado en lo referente en que esa accesibilidad venga acompañada de una falta de riego y de identidad propia en el producto que hace que nos encontremos ante un biopic totalmente desaprovechado, vertebrado entre lo didáctico (lo más interesante) y el retrato personal (sin ningún tipo de interés en cómo está expuesto), de hecho estamos básicamente  ante un documental ficcionado en donde el personaje de Stanley Milgram va hablando a cámara en muchos momentos del film. «Experimenter» termina siendo una ocasión desaprovechada, el material daba para muchísimo más de lo que finalmente ofrece, Michael Almereyda opta por el camino más convencional e incluso por momentos desganado, una autentica pena, el retrato de Stanley Milgram merecía una exposición en la gran pantalla más valiente e incisiva. 

Valoración 0/5: 2’5

Partisan

Alexander es como cualquier otro niño: juguetón, curioso e ingenuo. También es un asesino entrenado. Criado en un paraíso escondido, Alexander ha crecido viendo el mundo filtrado a través de su padre, Gregori. Cuando Alexander comienza a pensar por sí mismo, sus miedos toman forma, y el mundo idílico de Gregori se desenreda.

Ariel Kleiman una de las promesas del nuevo cine independiente proveniente de Australia presento en la siempre interesante sección Noves Visions «Partisan«, su estimulante debut en el largometraje en donde nos presenta una alegoría de ubicación atemporal (podríamos estar hablando perfectamente de pasado, presente o futuro) acerca de un poder impuesto por los lazos patriarcales representado en el film en la creación de un mundo endogámico liderado bajo los rasgos de un excelente Vicent Cassel, personaje este que se nutre de la inocencia y sumisión de los más débiles para beneficio propio.

Sería un error el pensar que una película como «Partisan» sea simple, sencilla o que transite por territorios algo convencionales en todo lo que nos va exponiendo, nada más lejos de la realidad, más que en el avance psicológico y personal de los protagonistas la apuesta de Ariel Kleiman no deja de ser un perfecto y notable ejemplo de ese cine de claro calado metafórico, rico en un variado esquema de analogías y que abre múltiples vías de interpretación y extrapolación hacia diferentes aspectos sociales del actual mundo, aunque claro todo esto requiere de un ligero esfuerzo por parte del espectador, es ahí en donde «Partisan» gana enteros y adquiere por derecho propio un estatus y unas connotaciones propias de un film casi de horror real, una reflexión adquirida ante lo que vemos que nos deriva directamente hacia el malestar por la lectura social y política que hemos ido asimilado, todo un logro, «Partisan» podría devenir perfectamente casi como una versión real y autoral del «They Live» de John Carpenter, convirtiéndose por derecho propio en toda una pequeña joya indie a descubrir en este 2015.

Valoración 0/5: 4

Southbound

Cinco historias entrelazadas de terror que ocurren en una interminable carretera del desierto. En un tramo desolado de la carretera una serie de viajeros – dos hombres que rememoran su pasado, una banda en su camino hacia el próximo concierto, un hombre que lucha por llegar a casa, un hermano en busca de su hermana perdida y una familia vacaciones – se ven obligados a enfrentarse a sus peores temores y los secretos más oscuros en este film de segmentos donde impera el terror y los remordimiento.

«Southbound» fue una de las películas de episodios presentadas este año en el festival de Sitges, si en «Tales of Halloween» (muy inferior con respecto a la película que nos ocupa pese a tener un mayor reconocimiento por parte del público posiblemente dada por su proyección en un fin de semana) nos lamentábamos de una cierta tendencia actual en los dípticos del género de terror a la simple aglomeración estilística en «Southbound» afortunadamente asistimos a una afortunada reformulación de conceptos pasados que logra dotar al conjunto de una cierta solidez en lo que nos expone, una mirada hacia atrás con ligeros guiños a los tradicionales EC Comics y sobre todo poseedora de un aroma inconfundible que la emparenta a productos de los ochenta en tono y características parecidas, porque si, independientemente de calidad en sus propuestas los años ochenta y sus formulismos genéricos empiezan a ser valorados ya como conceptos de corte casi clásico, en este aspecto el film huye de modismos actuales como por ejemplo el recurso de la cámara en mano tan utilizada últimamente dentro del fantástico.

Cinco historias de terror autoconclusivas a cargo de Roxanne Benjamin, David Bruckner, Patrick Horvath y Radio Silence presentadas con coherencia, argumentalmente independientes entre sí pero con ligeros apuntes de conexión entre ellas, con la carretera como nexo de unión en lo que son sus historias, ya hemos hablado con anterioridad de la hasta cierto punto lógica irregularidad en este tipo de films, «Southbound» los solventa con acierto al ser una obra que aparenta mostrar un argumento circular sólido, consigue pese a la dificultad de la empresa que su ritmo no varié en exceso, una en definitiva propuesta de género de terror honesta,  pura serie B disfrutable y bien llevada, ni más ni menos.

 Valoración 0/5: 3’5

Video resumen día 7

Green Room

Los miembros de una banda punk, tras perderse en una zona aislada, se topan con un horrendo acto de violencia. Debido a que son los únicos testigos, se convierten en el blanco de una pandilla aterradora de skinheads.

Después de su presencia en el pasado festival de Cannes la nueva película de Jeremy Saulnier «Green Room» vino precedida por una gran expectación, era en principio uno de los platos fuertes presentes este año en Sitges, si en el anterior film de su director (Blue Ruin) este nos ofrecía una conseguida y notable pieza de cine independiente que recurría con acierto a un discurso acerca del recurso de la venganza ejecutada como tal y su aplicación de la violencia dentro de un contexto trágico, en «Green Room» pese a mantener ciertas constantes existentes de su anterior trabajo, aquí se es de una forma clara más menos profundo y sutil, cambia ligeramente de registro para ofrecernos un admirable ejercicio de estilo, un trabajo de tensión fílmica bien llevado que no decae en prácticamente ningún momento de su metraje, que bebe especialmente de un cierto cine de acción orquestado en los setenta (las referencias a «Assault on Precinct 13» de John Carpenter o «The Warriors» Walter Hill son muy evidentes), ofreciéndonos una violencia real y creíble, lejos de una estilización formal impuesta por modas con fecha de caducidad, en este aspecto su apuesta por cierto clasicismo es muy claro, «Green Room» sirve al mismo tiempo como reflejo virulento y retrato nada complaciente de la América profunda ubicado en el film dentro de un definido contexto cultural por el que se mueven esas tribus urbanas representadas por punks y skins.

«Green Room» pese a ser un ejercicio de tensión que se mueve dentro del ámbito del thriller o cine negro como hemos comentado más arriba entiende a la perfección como funciona los resortes tan característicos del género de terror, Jeremy Saulnier los maneja y expone con sobrada habilidad dentro de la película, de manera palpable y realista, su tratamiento descarnado y crudo de la violencia utilizando el recurso escénico de tono claustrofóbico es digno de cualquier tipo de elogio, a día de hoy me sigue resultando del todo incomprensible que no se alzara con el premio al mejor director en el palmares del festival, pero bueno ya se sabe cómo funciona esto de los premios y jurados, «Green Room» termina convirtiéndose de forma clara en la confirmación definitiva del talento de Jeremy Saulnier como director, un autor cuya carrera habrá que seguir con lupa a partir de ahora.

Valoración 0/5: 4

Macbeth

Inglaterra, Edad Media. Macbeth es un noble caballero escocés. Un día, después de una batalla en la que se gana el favor del monarca, encuentra a tres brujas que le profetizan que algún día llegará a ser Rey. Después del cumplimiento de otras dos profecías formuladas por las brujas, inevitablemente Macbeth se pregunta cómo podrá cumplirse la tercera, ya que el Rey Duncan todavía está vivo y, además, tiene dos hijos que pueden heredar el trono. En realidad, en cuanto Macbeth escuchó la profecía, la idea del asesinato de Duncan no dejó de rondar por su mente, aunque, al principio la rechazó. Sin embargo, su mujer, cuya ambición y voluntad de poder es más fuerte que la suya, intentará incitarlo a cometer el crimen. Adaptación de la obra de William Shakespeare.

Una nueva versión del clásico Shakesperiano Macbeth con Michael Fassbender y Marion Cotillard como principales actores y dirigido por Justin Kurzel (no os perdáis su anterior y brutal «Snowtown«) futuro responsable de la adaptación a la pantalla del famoso videojuego «Assassin’s Creed», «Macbeth» es una película que en si misma intenta huir de la reinvención más pura, que trata de ser fiel al texto pero apartándose de manera consiente del encorsetamiento de tono teatral tan habitual en estas líderes. Con una puesta en escena de clara mirada operística y matiz barroco poco se le puede reprochar al film en lo referente a una facturación técnica que resulta del todo inmaculada, sin embargo el tono se ve bastante lastrado al tener un problema de ritmo visible de manera muy evidente en muchas de sus secuencias, la mayoría de su metraje es llevado de una forma ostensiblemente lento para apreciarse de forma curiosa como en su parte final ve la luz una cierta precipitación narrativa en la evolución de sus personajes. «Macbeth» es un film que se dedica plenamente y de una forma decidida a la fabricación de una atmósfera  estética que resulte adecuada al texto en el que se apoya, pero que se olvida por completo a la hora de intentar entender o transmitir los inabarcables matices que posee la obra original del clásico literario de Shakespeare.

Valoración 0/5: 2’5

February

Joan. Kat. Rose. Tres chicas unidas por una serie de misteriosos eventos. Mientras Joan atraviesa carreteras heladas en medio de la noche, Kat y Rose esperan en una escuela femenina a que sus padres vengan a recogerlas por las vacaciones de invierno. A medida que los minutos pasan, una inquietante fatalidad se adueña del lugar.

«February» el prometedor debut en la dirección de Oz Perkins (hijo del mítico Anthony Perkins) es una de esas cintas que aunque parezcan partir de una trama en apariencia sencilla aportan más de lo que pueda parecer en un principio, la película deviene como un thriller psicológico que aunque no redondo en su resultado final tiene su mayor virtud en la de apartarse de forma consiente de un cine de terror convencional al uso, para ello se nos llega a obsequiar con una narrativa que aparte de jugar con la curiosidad del espectador apuesta por sugerir más que por mostrar, apoyándose en una notable utilización de sonido como principal arma técnica a la hora de saber gestionar tensión y crear atmósferas de tono oscuro, de hecho estamos ante una película en donde  se intenta en momentos aislados reinventar pautas temáticas propias del género, nos expone un viaje hacia los contornos psicológicos más tenebrosos del ser humano a través de un argumento que quizás abuse en algo de un cierto exceso de ambición en lo referente a su propuesta, y al mismo tiempo una ligera confusión en cómo nos quiere contar la historia a través de diferentes niveles temporales y distintos y algo difusos puntos de vista expuestos de una manera algo caprichosa. «February» termina siendo uno de esos films en donde se valora más, o se tendría, su forma de transitar lejos de lo más puramente manido que la redondez final del conjunto en sí mismo, una película en definitiva que aunque algo imperfecta es más que digna en todo lo que nos intenta proponer.

Valoración 0/5: 3

Fires on the Plain

Con la Segunda Guerra Mundial a punto de tocar su fin, el ejército de ocupación japonés en Filipinas está perdiendo peso. Los filipinos muestran una resistencia feroz y los americanos han comenzado su ofensiva. Tamura es de los pocos soldados japoneses que quedan, pero ha cruzado un umbral que lo conducirá a un reino sin amigos, enemigos ni esperanza.

Nuevo paso adelante en la carrera del gran Shinya Tsukamoto, en esta ocasión se atreve y sale victorioso con la adaptación de la novela del mismo título de Ooka Shohei publicada en 1951 que ya fuera llevada a la gran pantalla en 1959 (Nobi) por Kon Ichikawa. En «Fires on the Plain» el padre del cyberpunk asiático y realizador de culto reescribe a su manera el clásico del cine bélico japonés y nos da su visión del horror de la guerra en primera persona, con un mensaje en las antípodas del vergonzante trasfondo humanista que de vez en cuando suele asomar dentro del propio género, utilizando un concepto de estilo completamente visceral a la hora de filmar, poseedor de continuos y abruptos movimientos de cámara y montaje colérico, un inacabable bombardeo de imágenes y sonidos curiosamente emparentado en lo formal a sus primeros trabajos, una película que nos remite y bebe en parte de la tragedia y el nihilismo que exhibió en su día el cine bélico orquestado por Samuel Fuller, un survival realista concebido de forma abrumadora y poseedora de una radicalidad en su propuesta que no da lugar en ningún momento a la concesión dentro de un relato que recurre a lo extremo en su dictado, canibalismo o autoantropofagia a la hora de mostrarnos los horrores nacidos en el frente.

«Fires on the Plain» es una nueva demostración, y ya van unas cuantas de que Shinya Tsukamoto es mucho más que el responsable de la saga Tetsuo, una nueva demostración en definitiva del talento uno de los autores más consecuentes, innovadores y rompedores del cine contemporáneo japonés.

Valoración 0/5: 4

Free Fall

Una anciana salta desde lo alto de un edificio. En su caída, pasará a toda velocidad por delante de distintas ventanas, captando un destello de las variopintas y excéntricas vidas de los vecinos, que el espectador luego conocerá en profundidad.

Sitges dentro de su necesaria sección Seven Chances tuvo para bien recuperar el nuevo film de György Pálfi «Free Fall» visto durante el pasado año en varios festivales internacionales, si bien después de su polémica y potente «Taxidermia» Pálfi había dirigido sendos trabajos de un trazado completamente experimental (I Am Not Your Friend y Final Cut: Ladies and Gentlemen) en «Free Fall» parecía volver a esa temática que aúna lo barroco y enfermizo con el que se dio a conocer, sin embargo nos encontramos ante un ligero paso atrás por parte del director húngaro pues aunque estemos ante una obra que pese a incidir en constantes tan propias del realizador como es lo grotesco y la demencia surrealista de una sociedad europea enferma esta nos es presentada de forma muy dispersa y poco elaborada en su conjunto, un díptico de seis segmentos unidos por un mismo edificio como unico escenario que no logra la cohesión requerida, un temario por otra parte expuesto que intenta abarcar quizás demasiadas parcelas genéricas (desde la ciencia ficción abstracta hasta el sucio realismo social) obteniendo un resultado muy dispar en conceptos e intenciones. Una irregularidad esta que sin embargo no resta atributos a unos de los realizadores poseedores de uno de los imaginarios más arriesgados e incomodos del actual panorama de cine de autor europeo, un ideario hoy en día muy escaso y difícil de encontrar, lástima que György Pálfi no se prodigue mas a menudo .  

Valoración 0/5: 2’5

Nina Forever

Cuando Holly logra ligar con su amado Ben, descubre que la difunta exnovia de él todavía está presente en su vida… De hecho, sigue en su cama, putrefacta, parlanchina y malhumorada.

El debut en la gran pantalla de los hermanos Blaine se presenta como una curioso y algo atípico drama post mortem acerca del proceso de superación de la muerte de la antigua novia de un joven, y como este junto a su nueva compañera tendrán que afrontar tal tesitura, «Nina Forever» se aleja por completo del relato de terror al uso, de la misma manera también se agradece que se sitúe en las antípodas de films que trataban una premisa parecida desde unos parámetros de comedia macabra tipo «Burying the Ex» o «Life After Beth«. «Nina Forever» utiliza la metáfora o la reflexión a la hora de presentarnos la figura de la antigua novia muerta de forma muy física, como un instrumento de rechazo ante la nueva relación de su ex­-novio, la línea que separa realidad y ficción tiene la virtud de estar diseccionada de forma no pretenciosa aunque si de una manera algo rocambolesca, un ménage à trois alegórico en donde sobresale especialmente la actriz Fiona O’Shaughnessy (Utopia).

«Nina Forever» es una comedia-drama romántica original a la hora de mezclar géneros, no desentona en dicha labor, incluso podríamos hablar de un producto en cierta manera novedoso en lo que nos expone, el problema viene en cuanto la propuesta orquestada por los hermanos Blaine se agota relativamente pronto y no es capaz de dar un paso hacia adelante en lo referente a su narrativa, en este aspecto da la sensación de estar ante un trabajo con la estructura argumental de un corto, algo que le resta beneplácito a un conjunto que sin embargo posee pinceladas cuanto menos curiosas dentro de una propuesta de atributos ciertamente atípicos.

Valoración 0/5: 2

Video resumen

Bone Tomahawk

Año 1850. Llega a Bright Hope un forastero que rápidamente levanta las sospechas del sheriff (Kurt Russell), el cual le detiene después de una disputa. Una bella mujer (Lili Simmons) decide cuidar del preso hasta que una noche ambos desaparecen. Debido a que la única pista es una flecha que pertenece a una tribu de caníbales, el sheriff irá en búsqueda de la joven acompañado de algunos hombres entre los que se encuentran un vaquero (Patrick Wilson) y un anciano (Richard Jenkins).

«Bone Tomahawk» el debut en la dirección del novelista S. Craig Zahler fue otras de las agradables sorpresas vistas este año en Sitges, producto totalmente atípico en lo referente a su concepción (una financiación completamente alejada de los estandartes hollywoodienses y llevada a cabo de forma independiente con medios muy reducidos pese a contar con un cast de lo más apetecible y en donde sobresale de manera destacada un inconmensurable Richard Jenkins), fusión  genérica de western y survivor de horror explícito en su parte final estamos posiblemente ante una película en la que hay que valorar y celebrar de una forma especial su misma razón de ser más que el resultado que pueda llegar a otorgar en sí mismo, pues al fin y al cabo estamos ante una inusual hibridación de géneros que bebe de la serie B más genuina, reverencia de forma consiente a los westerns clásicos de John Ford o Howard Hawks pero sobretodo y muy especialmente su principal virtud reside a la hora de ser plenamente consciente de su propia condición de rara avis cinematográfica, en este aspecto su propuesta es innegociable y digna de aplauso, llegando hasta el final con todas las consecuencias que ello pueda acarrear, ritmo pausado, arriesgada combinación de estilos, duración fuera de paramentos estandars y una media hora final en donde una catarsis violenta rompe con el formulario preconcebido, una propuesta en definitiva que llega a trascender por su riesgo y originalidad, que de manera caprichosa logra romper esquemas pero que se apoya en lo más puramente clásico, ofreciéndonos en definitiva un producto tan sorpresivo como admirable.

Valoración 0/5: 4

Youth

Fred Ballinger (Michael Caine), un gran director de orquesta, pasa unas vacaciones en un hotel de los Alpes con su hija Lena y su amigo Mick, un director de cine al que le cuesta acabar su última película. Fred hace tiempo que ha renunciado a su carrera musical, pero hay alguien que quiere que vuelva a trabajar; desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe.

Paolo Sorrentino presento en Sitges su última obra «Youth«, ese otro fantástico que el festival de Sitges siempre ha tenido para bien el abrir sus puertas de par en par obviando en parte la naturaleza genérica en la que se inscribe, es evidente que el director italiano juega en otra liga en lo referente a calidad y resultados, pero una obra de los atributos de «Youth» siempre tendría que ser bendecida dejando de lado la necesidad o conveniencia de su proyección en según que sitios. Paolo Sorrentino al igual que en su anterior «La Gran Belleza» sigue incidiendo en la visión de la decadencia y el concepto de la pérdida ya sea de la juventud o la de un ser querido, decadencia y pérdida, dos conceptos ligados a esa juventud que da nombre al enunciado del film representado bajos los rasgos actorales de Michael Caine y Harvey Keitel, un sentimiento vital que no comienza a tener un sentido pleno en lo más estrictamente emocional hasta que se da por concluida dicha etapa a la que hace referencia el título del film y que aquí nos es diseccionado a través de un caleidoscopio metafórico que como es habitual en el cine de Paolo Sorrentino se apoya en base a un lenguaje audiovisual en donde música e imágenes encuentran una perfecta cohesión en lo referente a lo que son sus planos y diálogos, una mirada en definitiva que mira en el pasado para analizar lo que nos depara el presente y el futuro.

Es imposible analizar en tan pocas líneas todo lo que aporta una obra de estas características, más adelante y aprovechando su estreno comercial será hora de extenderse de forma más detenida y conveniente ante una de las mejores películas de este 2015, «Youth» sin lugar a dudad es una auténtica joya fílmica con la que nos obsequia y enamora de nuevo el genial director italiano.

Valoración 0/5: 4

Frankenstein

Una pareja de científicos han conseguido crear vida humana, un nuevo Frankenstein ha nacido desde lo más profundo de un laboratorio. A pesar que este Frankenstein aprende rápido, no acaba de controlar sus emociones, volviéndose inestable y peligroso, escapando del laboratorio.

Bernard Rose reincide en el género fantástico con una nueva adaptación de la novela gótica de Mary W. Shelley, el director británico responsable en los noventa de títulos tales como «Candyman« o su anterior «Paperhouse«, en mi opinión su mejor película hasta la fecha, sorprende para bien y más si nos atenemos a su penúltimo trabajo «Sxtape«, un muy descafeinado found footage algo impropio de un director de sus antecedentes. El «Frankenstein» contemporáneo de Rose funciona pese a sus limitaciones presupuestarias al imprimir cierto carácter personal al relato en función de unas pequeñas variantes en lo que es su historia, se centra básicamente en una criatura que nace no a través de la electricidad sino gracias a una gigantesca impresora 3D, prescinde por completo de lo gótico para acercarse más al relato de ciencia ficción, una versión de tono emotivo pero sobre todo muy físico en textura, que recurre al gore explícito a la hora de mostrarnos la degradación física del monstruo, ya sea por su fallida genética o por el maltrato que sufre del entorno humano que le rodea, posiblemente donde falla  algo el film de Bernard Rose sea en un desequilibrio importante de ritmo que denota su guión, dejando a su acto final muy cojo con respecto al resto del film, un clímax al que se llega de forma algo precipitada. 

Este «Frankenstein» lowcost alternativo pese a sus evidentes carencias es una opción muy válida, seguramente no a la hora de reinterpretar el clásico como tal pero si de actualizar con cierto tino desde la base el material original, en definitiva respetar una esencia que blockbusters venideros parecen dispuestos a ningunear en texto e imagen, que dios nos coja confesados.

Valoración 0/5: 3

The Hallow

Adam y Clare se mudan a una zona rural con su hijo recién nacido. Enseguida empiezan a recibir advertencias sobre los malos espíritus que pueblan el área, pero la joven familia prefiere disfrutar la belleza de los bosques.

La irlandesa «The Hallow» se presentaba bajo los rasgos de ser una pieza de terror que en su argumento bebe de leyendas y  folklore local, una en apariencia pieza de horror de campiña de claro tono british que partía de referencias y estilos tan estimulantes como el «The Wicker Man» de Robin Hardy o la reivindicable «Wake Wood» de David Keating entre otras muchas, lo cierto que el debut del joven Corin Hardy en la dirección nos ofrece un catálogo de referencias que más que influenciarse de ese tono de horror campestre tan característico en los setenta lo hace  más hacía un estilo cinematográfico que la emparenta hacia la monster movie de serie B ochentera, para ello utiliza unos convencionalismos muy reconocibles dentro del propio género que sirven al mismo tiempo para desarrollar esa mitología propia en lo referente a su argumento, se apoya más en un tipo de terror seco y archiconocido en lo que son sus pautas narrativas, se podría destacar unos atributos visuales tales como el diseño de las criaturas de clara fabricación artesanal que nos remite a la etapa antes mencionada o una fotografía de tono oscuro bastante conseguida, lástima que estos apuntes queden algo diluidos al integrarlos dentro de una historia muy simplona y repetitiva sobre todo en su parte final que hacen que un producto como «The Hallow» no trascienda mucho más allá de ser un mero y algo convencional disfrute para el aficionado de un terror claramente reconocible y muy al uso en todo lo que nos expone.

Valoración 0/5: 2

The Legend of Barney Thomson

Barney Thompson, un torpe y tímido barbero de Glasgow, vive una vida mediocre y carente de interés, pero esto está a punto de cambiar drásticamente cuando se introduce en el grotesco mundo del asesino en serie.

El actor escocés Robert Carlyle debuta tras las cámaras con la comedia criminal de enredos «The Legend of Barney Thomson«, film donde predomina un humor negro de claro trazado británico y en donde una serie de asesinatos involuntarios o no se convierte en un denominador común dentro de una barbería, un escenario este que sirve a la perfección como espejo temático en una especie de Sweeney Todd ambientada en Glasgow, de tono grotesco muy especialmente en lo referente al trazado de sus personajes en donde el propio Robert Carlyle, Emma Thompson y Ray Winstone se adueña de la función en una comedia en donde lo actoral se erige como su principal activo narrativo, una comedia coral de actores que sin embargo se ve algo lastrada en resultados a la hora de desarrollar una tendencia algo exagerada hacia el exceso y la autoparodia, situándose en las antípodas de lo que sería una comedia sutil, aun así estamos ante un producto correcto, dirigido con parcial acierto por parte de Robert Carlyle y especialmente recomendada para los amantes de un tipo de humor en donde predomina más la complicidad indiscreta a la carcajada más propiamente dicha.

Valoración 0/5: 2

I Am a Hero

Hideo es un dibujante con una vida miserable. Un día, su novia lo echa de casa y, al cabo de unas horas, se abalanza sobre él convertida en un agresivo zombie. Será la primera señal de que el mundo a su alrededor se desmorona.

¿Es posible ofrecer a día de hoy un producto novedoso que funcione o que no incida en lo manido en lo referente al subgénero zombie? «I Am a Hero«, adaptación del homónimo manga de Kengo Hanazawa dirigido por Shinsuke Sato, responsable de la también versión cinematográfica de otro manga, Gantz (2011), lo consigue en parte desde unos principios  muy básicos, puede ser que su estreno mundial en Sitges pillara algo desprevenidos a los asistentes, apenas se tenía conocimiento del proyecto, lo cierto es que la película no inventa nada nuevo dentro de la temática en la que se mueve pero resulta un perfecto divertimento fan que al parecer adapta el manga de una forma muy fiel según los conocedores del texto. «I Am a Hero» es consciente de ser una película concebida con la única finalidad de entretener y divertir al espectador, es por ello que su discurso no pretenda ir más allá de ser una cinta destinada al consumo de contornos muy específicos, bien construida visualmente, que sabe dotar al conjunto de un ligero humor negro que no empaña el elemento de terror y abundantemente generosa en lo referente al gore expuesto muy especialmente en su media hora final.

«I Am a Hero» fue la película zombie de este año dentro del festival, su Premio del Público así lo atestigua, un film que curiosamente proveniente de un país como es Japón en donde dicha temática no ha abundado en exceso en estos años de fiebre zombie si descartamos las consabidas series Z a cargo de Yoshihiro Nishimura o alguna aportación esporádica y autoral como por ejemplo la muy reivindicable «Miss Zombie» de Sabu.  

Valoración 0/5: 3’5

Video resumen

The Invitation

Will y Eden perdieron a su hijo años atrás. La tragedia afectó su relación de forma irreversible, hasta el punto de que ella desapareció de la noche a la mañana. Un día, Eden regresa a la ciudad; se ha vuelto a casar y en ella parece haber cambiado algo, convirtiéndola en una presencia inquietante e irreconocible incluso para Will.

Galardonada con el premio a la mejor película en la presente edición del festival de Sitges el film independiente «The Invitation» es indiscutiblemente una de las sorpresas más positivas de este 2015, aunque en un principio pueda llegar a descolocarnos en algo dado los antecedentes de sus responsables, su directora Karyn Kusama se resarce aquí de anteriores trabajos suyos como eran las horrendas «Aeon Flux» o «Jennifer´s Body» para presentarnos un producto de premisa modesta pero de resultado enriquecedor, ubicado en un escenario claramente minimalista «The Invitation» se presenta en forma de un drama psicológico que va mutando hacia el horror conforme avanza su recorrido argumental, que sabe alejarse de manera consiente del consabido relato de tono críptico usado de forma algo habitual en productos de trazado indie para ofrecernos lo diametralmente opuesto, una historia cocinada a fuego lento en base a un tempo narrativo bien llevado, de estructura sencilla en apariencia, una interpretación de ciertos comportamientos sociales bajo la apariencia de un drama profundamente dialogado y expuesto en cómo el dolor asumido de forma personal ante un hecho luctuoso puede llegar a convertirse en algo realmente espeluznante según como sea aceptado, a partir de dicha premisa el film va jugando en lo concerniente a una serie de continuas sospechas que nos van siendo mostradas y dosificadas en forma de pistas, para dar paso a un continuo tour de force en lo referente a una tensión muy bien direccionada y que termina derivándola en su tramo final a un twist-ending en el que cambia por completo de registro, algo que posiblemente rompa el tono exhibido hasta ese momento.

Seguramente «The Invitation» expuesta en términos plurales no sea el mejor film de los 38 vistos en competición este año en Sitges, de echo la propuesta presentada por Karyn Kusama es tan sencilla de como efectiva en resultados, pero no deja de ser un notable ejercicio de cómo saber ejecutar el recurso de la tensión psicológica a un relato, en donde su mejor virtud es la de lograr reclutar por completo la atención del espectador durante prácticamente todo su metraje, algo hoy en día digno de resaltarse.

Valoración 0/5: 4

Love 3D

Un 1 de enero por la mañana, el teléfono suena. Murphy se despierta junto a su esposa y su hijo de dos años. Escucha el mensaje, la madre de Electra, muy inquieta, le pregunta si tiene noticias de su hija que está desaparecida. Teme que le haya sucedido algo grave. A lo largo de un día lluvioso, Murphy se encuentra solo en casa, recordando su historia de amor más grande; dos años con Electra. Una pasión llena de promesas, juegos, excesos, errores…

Como viene siendo habitual en todo trabajo que se precie por parte del irreverente Gaspar Noé su nueva película «Love 3D» había despertado un inusitado interés tras su paso por el festival de Cannes de este año, no deja de ser preocupante las reacciones por parte de la crítica exhibidas en el certamen francés que llego a escandalizarse, vapuleando y poco menos que ninguneando el film de Noé por lo que ellos entendían como una provocación en toda regla, un producto en cuyo envoltorio no hay nada en su interior, nada más lejos de la realidad, en primer lugar «Love 3D» ni es porno ni la intención de su director es la de escandalizar, la película dirigida por Gaspar Noé no deja de ser un drama romántico entre otras muchas cosas que puntualmente recurre a lo explícito a la hora de explicarnos un historia que intenta reconstruirse en la memoria del protagonista a lo largo del film, una antigua relación amorosa que orbita alrededor de una afectividad pasada, a partir de una serie de flashbacks expuestos de una forma no cronológica que recurre a un pasado, su trayecto y los complejos recovecos existentes dentro de las relaciones sentimentales de una pareja.

«Love 3D» termina siendo una obra en la que el sexo fluye como un elemento narrativo más de la función y que es utilizado como una herramienta para ir descubriendo el significado que el amor tiene para el protagonista, utilizando un discurso que incluso tiende la mano a lo reflexivo o a lo más puramente filosófico, un relato de contornos muy marcadamente bellos pero también de un tono muy triste. Curiosamente estamos ante el trabajo de Gaspar Noé más lineal, contenido y de alguna manera clarividente, que quizás abuse en algo de cierta tendencia hacia lo autorreferencial, posiblemente estemos ante la película más incomprendida por parte de su director, y no deja de ser anecdótico que pese a que se recurra a un innecesario 3D a la hora de intentar captar de una forma legítima a un público muy determinado estemos ante la película menos provocadora y gratuita de las realizadas por el director francés hasta la fecha de hoy.

Valoración 0/5: 4

Miss Hokusai

Nos encontramos en el año 1814, en Edo, ahora conocido como Tokio. Una de las ciudades más pobladas del mundo con campesino, samuráis, ciudadanos, comerciantes, nobles, artistas, cortesanas y quizás también algunas cosas sobrenaturales. Tetsuzo es un artista de unos 50 años muy dotado para su tiempo. La tercera de sus cuatro hijas ha heredado el talento de su padre, y la obstinación también. A menudo pinta en vez de su padre, aunque sin llevarse ningún crédito.

El japonés Keiichi Hara responsable de la notable Colorful (2010) presento en Sitges su nueva película «Miss Hokusai«, film galardonado en la pasada edición del Festival de Annecy, siendo una de las apuestas más fuertes de este año por parte del festival en lo referente a la animación, un relato biográfico ubicado a finales del siglo XVIII que se centra en la figura de la hija del famoso pintor Hokusai, film de trazo costumbrista y tono inequívocamente contemplativo con algún que otro elemento fantástico en el desarrollo de su historia, si bien la película posee unos atributos dignos de reseñar en lo referente muy especialmente a su apartado visual y diseño lo cierto es que estamos ante un trabajo de una cierta irregularidad en lo que respecta a su estilo narrativo, se abusa de una sutileza en personajes y situaciones que terminan derivándola hacia un hermetismo que la direcciona a un tono algo superficial que no termina de beneficiar al conjunto, dando cierta sensación de llamar más la atención del espectador en base a detalles y matices expuestos de forma muy puntual que a la propia historia que nos pretenden contar, «Miss Hokusai» termina siendo un catálogo de sugerentes y dispersos aciertos y alguna que otra palpable imperfección, una propuesta de animación adulta en definitiva tan ambiciosa como algo carente de la cohesión que requería dicha empresa.

Valoración 0/5: 3

El cadáver de Anna Fritz

Anna Fritz, una famosa y joven actriz de cine, es encontrada muerta en la suite de un hotel. Pau trabaja como celador en el hospital donde han llevado el cadáver de Anna. Es un chico tímido e introvertido, y cada vez que entra en el depósito el cuerpo de chica atractiva que acaba de morir, no puede evitar mirarla desnuda. Hace una foto a Anna Fritz y la envía a sus amigos Iván y Javi. Estos van al hospital para ver de cerca el cuerpo de la actriz. Entran en la morgue y quedan admirados por su gran belleza. Tienen a Anna Fritz desnuda. Podrían poseerla y nadie lo sabría. Víctimas de sus instintos más primitivos, no saben que van a bajar a un infierno del que les va a ser muy difícil salir.

«El cadáver de Anna Fritz«, producto low cost que supone el debut en la dirección de Héctor Fernández Vicens tiene la virtud de ser un film honesto en lo que expone y de no intentar ir mas allá de lo que realmente puede abarcar, aunque recurra a una premisa inicial algo incomoda y nada fácil como es la necrofilia esta no es más que un mero enunciado, se parte de una estructura y desarrollo posterior de lo más simple posible pero efectiva en su resultado final que logra funcionar de forma algo liviana, un solo escenario y cuatro personajes encerrados en el depósito de cadáveres de un hospital, un punto de partida que en una primera parte báscula sobre la integridad y moralidad de un posible acto a realizar para enseguida pasar al thriller de tono tan convencional como entretenido y que juguetea de pasada en su parte final con el rape and revenge. «El cadáver de Anna Fritz» termina siendo una producción española de género valido cuya intención no es la trascendencia como en un principio pueda dar a entender su premisa inicial sino la de ser un simple y correcto vehículo de entretenimiento de tono algo inofensivo y ceñida duración (75 minutos), intentar dotarle de más atributos a una película de estas características es un ejercicio tan vano como inútil.  

Valoración 0/5: 2’5

Nowhere Girl

En un instituto de bellas artes, la joven Ai es ridiculizada por algunos compañeros y profesores, que rechazan por pura envidia unos trabajos de indudable talento. Una atmósfera férrea y opresiva acabará por sacar toda la rabia de Ai, que se tomará la justicia por su mano.

El gran Mamoru Oshii vuelve a la imagen real con el film «Nowhere Girl«, un medio este en el que el realizador japonés no acaba de encontrar un acertado discurso que si posee de sobras dentro del ámbito del anime, aun así el nuevo trabajo de Oshii proyectado casi de tapado en el festival dentro de la sección Noves Visions se presenta bajo los rasgos de aparentar ser una cosa totalmente opuesta a lo que realmente esconde en su interior, siendo finalmente un sugerente discurso que conecta a la perfección con un imaginario claramente propio, se aleja del ejercicio de acción al uso para presentarnos una introspección psicológica cocinada a fuego lento y de ritmo quizás extremadamente pausado, un recorrido en los recovecos de la mente de la protagonista rica en símbolos y capas de lectura que cobran un sentido en su parte final, un producto en definitiva que sin ser de los mejores de su autor se eleva en lo referente a su calidad con respecto a otros trabajos realizados en acción real por parte de Mamoru Oshii, de echo podríamos estar hablando de un pequeño apéndice argumental previo de su genial «Avalon«, una colisión entre mundos reales y oníricos intercalados por conflictos bélicos de raíz distópica, elementos estos perfectamente reconocibles dentro de un universo expuesto con anterioridad en muchas ocasiones por parte de su autor.

Valoración 0/5: 3’5

Video resumen

London Road

Una película que narra los sucesos reales que conmovieron a la población de Suffolk en 2006, cuando la tranquilidad de la ciudad de Ipswich se vio alterada por el descubrimiento de los cuerpos de cinco mujeres. Los residentes de London Road llevaban años luchando contra la frecuente aparición de hombres que recorrían la calle para solicitar los servicios de prostitutas. El film describe cómo la comunidad se convierte en el epicentro de esos trágicos acontecimientos.

«London Road» fue la encargada de clausurar el festival de San Sebastián, la segunda película del británico Rufus Norris tras su notable «Broken» acabo siendo una algo deslucida clausura, una norma que viene siendo ya norma habitual no solo en San Sebastián sino en prácticamente todos los festivales de clase A que no terminan de apostar por un producto fuerte a la hora de cerrar el certamen, Norris adapta al cine la obra de teatro homónima que él mismo dirigió años atrás, un musical que se aleja de las adaptaciones de clásicos tan en boga dentro del género para adentrarse en utilizar un caso real, los asesinatos a cinco prostitutas en la ciudad  británica de Ipswich y presentar las reacciones de los vecinos de London Road mientras se investiga y resuelve el caso, una originalidad en la propuesta que no viene acompañada de buenos resultados, «London Road» deviene como un producto claramente fallido en función de unos números musicales, algo que a fin de cuentas se presenta como el motor narrativo que cualquier musical, que no llegan a enganchar en prácticamente ningún momento del film al ser algo rutinarios y escasamente elaborados y con una ausencia de ritmo bastante evidente, un producto poseedor de un tono muy atípico en lo más puramente cinematográfico que no termina de ensamblarse de una manera coherente dentro de la historia que nos proponen, «London Road» termina siendo un experimento en sí mismo que se aleja de lo convencional, tan arriesgado e inusual como tedioso en su resultado final.

Valoración 0/5. 2

Palmares

CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA

Sparrows, de Rúnar Rúnarsson

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

Evolution, de Lucile Hadzihalilovic

CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR

Joachim Lafosse por Le chevaliers blancs

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ

Yordanka Ariosa por El rey de La Habana

CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR (ex aqueo)

Ricardo Darín y Javier Cámara por Truman

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN

Arnaud y Jean-Marie Larrieu por 21 nuits avec Pattie

PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFíA

Manu Dacosse por Evolution

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO

El apóstata, de Federico Veiroj

PREMIO NUEVOS DIRECTORES

Le nouveau, de Rudi Rosenberg

PREMIO NUEVOS DIRECTORES (Menciones Especiales): Drifters, de Peter Grönlund y Vida sexual de las plantas, de Sebastián Brahm

PREMIO HORIZONTES

Paulina, de Santiago Mitre

PREMIO HORIZONTES (Menciones especiales): Luis Silva por Desde allá y Te prometo anarquía, de Julio Hernández Cordón

PREMIO IRIZAR AL CINE VASCO

Amama, de Asier Altuna

PREMIO IRIZAR AL CINE VASCO (Mención especial)

 Irene Escolar por Un otoño sin Berlín

PREMIO DEL PÚBLICO

Nuestra hermana pequeña, de Hirokazu Kore-eda

PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA EUROPEA

Mountains May Depart, de Jia Zhang-ke

PREMIO FIPRESCI

El apóstata, de Federico Veiroj

PREMIO FEROZ ZINEMALDIA

Truman, de Cesc Gay

PREMIO EZAE DE LA JUVENTUD

Paulina, de Santiago Mitre

PREMIO TOKYO GOHAN FILM FESTIVAL

Noma, My Perfect Storm, de Pierre Deschamps

PREMIO CINE EN CONSTRUCCIÓN

Era el hotel Cambridge, de Eliane Caffé

Video resumen

The Demons

Mientras en Montreal se produce una ola de secuestros de niños, Félix, un chico de diez años, termina el colegio en Old Longueuil, un barrio residencial de pacífica apariencia. Imaginativo y sensible, Félix, como muchos niños, le tiene miedo a todo: el posible divorcio de sus padres, que parecen atravesar una crisis; los maníacos que acechan a los niños pequeños; los vecinos sospechosos, e incluso el SIDA. Poco a poco, los demonios imaginarios de la infancia se mezclan con los de una realidad inquietante.

El penúltimo día del festival se presentó una de las sorpresas más positivas vistas en esta edición de San Sebastián dentro de la sección oficial, «The Demons» opera prima del director canadiense Philippe Lesage explora a fuego lento un retrato de la infancia de tono algo perturbador, los miedos internos de un niño vividos desde dentro y expuestos alrededor de un contexto que pretende explorar un supuesto conocimiento del mal que orbita alrededor de sus propias vivencias, de lo que se aleja a su entendimiento, una hostilidad existente dentro de un universo que se le antoja ha día de hoy totalmente incomprensible, nuestro precoz protagonista vive entre discusiones paternas, desubicación, unido a un acoso infringido y recibido escolar, un primer y frustrado amor, la homosexualidad, un en definitiva variado temario en la que el director impone una narración quizás algo contemplativa pero que termina focalizando de un modo acertado en la trama en base a la utilización de unos recursos bien explotados como por ejemplo su notable banda sonora, para ir incidiendo en base a pequeños  detalles que se van fraguando poco a poco y de un modo similar en la formación de la psique del niño protagonista.

Lástima que el jurado no terminara de dar el visto bueno a una propuesta tan estimulante y valida como la presentada por Philippe Lesage, «The Demons» es una pequeña joya a descubrir y una de las sorpresas más agradables de la presente temporada.

Valoración 0/5: 4

Black Mass

En el sur de Boston, en la década de 1970, el agente del FBI John Connolly convence al gánster irlandés Jimmy Bulger para que colabore con el FBI para así poder eliminar a su enemigo común: la mafia italiana. Esta nefasta alianza se escapa de cualquier control, permitiendo que Bulger evada el peso de la ley mientras consolida su poder y se convierte en uno de los gánsters más implacables y peligrosos de la historia de Boston.

«Black Mass» dirigida por Scott Cooper y presentada en la sección Perlas vuelve a incidir en el biopic gansteril, en este caso la historia real de James “Withey” Bulger y sus sangrientas andanzas a lo largo de más tres décadas, uno de los criminales más duros y temibles de los Estados Unidos aquí caracterizado bajo los rasgos de Johnny Depp, un producto que partía con todos los atributos para convertirse en una de las películas del año y por ende en una firme candidata para los próximos Oscars pero que sin embargo deviene como un producto totalmente fallido, el principal error del tercer largometraje de Scott Cooper es una clara indecisión narrativa que se denota de forma demasiado visible, aparte de llegar a abusar sobremanera de unos testimonios proveniente de múltiples fuentes que la dirigen hacia una disparidad argumental que hacen que el relato adquiera un tono algo deslavazado, no logra apoyarse en una trama tejida de forma correcta apareciendo en escena un barnizado superficial que se apodera de la función por completo y de una forma notoria, de echo una vez acabado el film seguimos sin conocer realmente al personajes principal, todo llega a estar muy esquematizado y de la misma forma da la impresión de que en su variada cartera de personajes se le da demasiada importancia a unos quedándose otros sin embargo a estar muy desaprovechados prentandonoslos como simples apéndices de la historia.

Una propuesta fílmica en definitiva  no puede funcionar casi nunca de una manera correcta si su máximo responsable no consigue que la narración tenga que estar al servicio del propio contenido. «Black Mass» solo termina siendo ligeramente disfrutable muy desde la distancia y basándose en los propios atributos que posee la historia en si misma, convirtiéndose en un perfecto ejemplo de como un material a priori prometedor puede llegar a ser desaprovechado por completo por una dirección y un guion que en ningún momento llegan a estar expuestos de una forma acertada.  

Valoración 0/5: 2

After Eden

Eve es una actriz de cine para adultos de gran éxito, cuya rutina diaria consiste en fingir una juvenil inocencia para dar placer a su invisible audiencia. Adam es un solitario estudiante universitario obsesionado por los medios de comunicación y con una fijación por Eve. Al conseguir dar con su pista en el mundo real, se convierte en su anónimo perseguidor… hasta que encuentra el valor para tratarla en persona. Cuando Eve accede a protagonizar un vídeo de sexo en privado para Adam, el sueño de este está a punto de hacerse realidad.
Una tendencia muy habitual vista en la mayoría de óperas primas presentadas este año en la sección Nuevos Directores es que estas se basan y en un número bastante elevado en un material y su correspondiente desarrollo normalmente apoyadas bajo un tono que la direccionan inequívocamente hacia lo convencional, se echa en falta un mayor riesgo formal en propuestas que por ser primerizas tendrían que apostar de una forma más clara por una visión de tono más autoral, afortunadamente «After Eden» de Hans Christian Berger se aleja de convencionalismos para ofrecernos una brillante metáfora resuelta y expuesta en poco más de cinco planos secuencia, el sexo y su idolatracion vista de forma subjetiva, desde el modo vouyer en contraposición con lo explicito o practicado, en unos tiempos actuales en donde la virtualidad se apodera de las constantes necesidades del ciudadano de a pie, un presente el de hoy en día en donde la máxima comunicación ha abocado a gran parte de la sociedad actual a encontrarse perdida a la hora de intentar encontrar la verdad oculta tras la fachada, Hans Christian Berger nos habla de una supuesta falsedad inherente dentro de la figura idolatrada de una porno actriz pero el temario podría extrapolarse a diferentes ámbitos de comportamientos humanos que invitan a la reflexión, siendo esta la principal virtud de «After Eden«, un trabajo que bajo la apariencia de estar expuesto bajo un trazado superficial nos está hablando de algo mucho mas profundo.

Valoración 0/5: 3’5

Mia Madre

Margherita, una directora de cine, está en pleno rodaje de una película protagonizada por un famoso actor estadounidense. A las preguntas que se plantea en calidad de artista comprometida se suman las preocupaciones de su vida privada: su madre, que está ingresada en un hospital, su hija, que está en plena crisis adolescente y su hermano, cuyo comportamiento es absolutamente irreprochable.

Tras su paso por la última edición del festival de Cannes la nueva película Nanni Moretti se presentó de forma algo tardía en la sección Perlas. En «Mia Madre» el director italiano recure un relato autobiográfico que orbita alrededor de la agonía materna con la figura de la actriz Margherita Buy como alter ego en un juego de roles femeninos y masculinos invertidos al azar pues el mismo Moretti interpreta al hermano de la protagonista y en donde por otra parte no escatima una implícita autocrítica a su propia profesión. A medio camino entre un drama que afortunadamente no abusa de lo lacrimógeno y la comedia de tono algo absurdo personificado en el personaje interpretado de manera notable por John Turturro, un equilibrio este que está construido en base a situaciones que basculan entre lo más puramente onírico y  los flashbacks insertados de una forma hábil y que sirven al mismo tiempo como claro exponente de hasta qué grado la desaparición de la figura materna o patriarcal puede hacer tambalear  la realidad en la que viven de sus allegados así como la evolución de sus propias relaciones ante el inminente desenlace fatídico. Nanni Moretti con «Mia Madre» da un paso hacia adelante con respecto a anteriores trabajos, una reflexión de tono alegórico sobre la vida y la muerte, las metas y de la supuesta finalidad de nuestros propios actos y hacia donde nos llegan a derivar ante un hecho luctuoso y en definitiva el cómo saber hacer emocionar en imágenes través de una carga dramática bien direccionada.

Valoración 0/5: 3’5

Psiconautas, los niños olvidados

Birdboy y Dinki son dos adolescentes que han decidido escapar de una isla asolada por una catástrofe ecológica: Birdboy aislándose del mundo, Dinki emprendiendo un arriesgado viaje con la esperanza de que Birdboy la acompañe.

«Psicópatas, los niños olvidados» de Pedro Rivero y Alberto Vázquez tuvo un paso muy desapercibido por el festival, algo a lamentar pues la propuesta de los ganadores del Goya al mejor corto de animación por «Birdboy» en el 2012 es de las propuestas que merecen un total apoyo, una apuesta tan diferente como arriesgada en su concepción, que se aparta de una forma voluntaria de la animación más puramente infantil y convencional para adentrarse en una sórdida metáfora de tono oscuro sobre las miserias del consumo feroz así como el desprecio a la naturaleza. «Psiconautas» deviene como una fábula post-apocalíptica que vertebra su discurso en base a una textura de tono acido en lo referente a la inocencia de sus personajes y en cómo estos tienen que sobrevivir a los aspectos más oscuros del mundo que les ha tocado vivir. «Psiconautas» termina siendo una pequeña joya de la animación patria no apta para todos los públicos por el temario expuesto, que sabe transitar por territorios complejos y que posee al mismo tiempo una ambientación visual que apuesta de forma valiente por lo sucio e incómodo, merecedora en definitiva de un reconocimiento del todo unánime.

Valoración 0/5: 4

Video resumen

Tag

En plena excursión escolar, el viento corta un bus por la mitad, decapitando a todas las chicas excepto a Mitsuko, que logra escapar para llegar a su colegio. Ahí encuentra, de nuevo, a sus compañeras. ¿Ha sido todo una pesadilla?

Si hubo un nombre destacado en esta edición del festival de Sitges este fue sin lugar a dudas el del realizador japonés Sion Sono, presente en el certamen con tres películas «Tag«, «Love & Peace» y «The Virgin Psychics» y homenajeado de una forma merecida con el premio la máquina del tiempo, «Tag» su film a competición es el brillante compendio de un universo propio, una experiencia que por momentos desborda para bien ante un catálogo de lo más inverosímil que aúna sin ningún tipo de pudor desde el gore más explícito a un surrealismo de visión alternativa pasando por el alegato acerca de la difícil posición de la figura femenina dentro de la sociedad japonesa, «Tag» recuerda por momentos a su anterior «Suicide Club» en donde se partía de estructura parecida al empezar con una secuencia inicial de puro impacto para proseguir con una narrativa pobladas de capas a diferentes niveles de interpretación aquí presentadas bajo un tono inequívocamente onírico que va lanzando más preguntas en vez de proporcionar una serie de respuestas esperadas por el espectador, hasta llegar a un final que roza casi lo trascendental, y por increíble que pueda parecer todo ello llega a tener un sentido, o sea estamos frente a un perfecto ejemplo de un producto puro Sion Sono. Posiblemente no estemos ante la mejor película de su director, «Love Exposure«, «Guilty of Romance» y sobre todo «Cold Fish» siguen estando en un lugar privilegiado, aun así «Tag» demuestra de forma meridiana los cambios y brillantes manejos de registros de un autor tan inclasificable como único.

Valoración 0/5: 4

Vulcania

Jonás, que acaba de perder a su familia en un misterioso accidente, comienza a trabajar en la fundición del pueblo. Ahí conoce a Marta, con la que comparte tragedia y de la que intentará sacar información sobre lo sucedido. Su descubrimiento sacudirá los cimientos de la comunidad.

«Vulcania» la ópera prima del  argentino José Skaf había despertado mucha expectación previo paso por el festival, un proyecto nacional de cierta envergadura y con una premisa bastante interesante en donde se nos presenta un supuesto acontecimiento distópico atemporal que bebe  a medias de un universo Orwelliano y un argumento que la asemeja al «The Village» de M. Night Shyamalan, el control sobre las masas, en este caso una comunidad completamente aislada de la realidad, a través del dominio de la información, el film de Skaf se centra básicamente en este conflicto social en donde roba elementos de nuestro pasado a modo de simbología franquista, en este aspecto el diseño de producción de «Vulcania» es impagable, lamentablemente  la película tiene un recorrido demasiado pausado y monótono, se centra en especial en construir un escenario  distópico pero se olvida de generar una historia que trascienda a este ambiente, se hace más hincapié en los personajes que en la situación, también se prescinde por completo de un elemento fantástico que le hubiera otorgado una mayor vitalidad al relato, en este aspecto no deja de ser una pena pues «Vulcania» podría haber sido un trabajo que marcara en algo el devenir del genero patrio, la sensación de ocasión desaprovechada está ahí, aun así es digno de elogiar la existencia de un producto de esta características que se aleja de las premisas de género tan manidas hoy en día para ofrecernos una pieza que bordea la ciencia ficción adulta de tono reflexivo, una pena sin embargo que el resultado final no esté a la altura de su enunciado.      

Valoración 0/5: 2’5

Baskin

Un grupo de inocentes policías en turno de noche reciben una llamada que los lleva hasta el medio de la nada para investigar un incidente. Acabarán en unas ruinas laberínticas, topándose con una misa negra de culto lovecraftiano que se celebra en un edificio abandonado, a partir de ese momento el grupo de policías se sumergirán en un mundo sangriento y de violenta locura.

Opera prima del director turco Can Evrenol que adapta en gran formato un corto propio del mismo título realizado el pasado año, «Baskin» era uno de los films a competición más esperados este año en Sitges convirtiéndose por méritos propios en una de las piezas más estimulantes del genero del terror que han visto la luz este año y a su director como uno de los valores en alza más prometedores a partir de este momento. «Baskin» va directa al grano, un terror circular con reminiscencias argumentales a lo The Twilight Zone revestidas de un gore que bebe de universos similares a los de Clive Barker, un auténtico descenso a las profundidades del horror, en este aspecto la apuesta de Evrenol es valiente pues pone toda la carne en el asador mediante una valentía visual de pura abstracción, y en donde asistimos a un tempo narrativo bastante acertado en lo que es la propuesta en sí, un primer tercio en donde se nos presenta a los cuatro policías en modo cotidiano para a continuación presentarnos un lienzo de contornos oníricos, un expresionismo malsano y aberrante durante más de cincuenta minutos, sin posibilidad de freno, la película turca no deja indiferente a nadie y eso es bueno, y más hoy en día en donde el género más puramente genuino de terror se ve tan diseccionado en pautas, encontrarte ante un producto de horror tan honesto es motivo de satisfacción, inexplicablemente ausente en el palmarés «Baskin» hará las delicias de los seguidores más acérrimos a un tipo de cine de una representación puramente grafica en todo lo que expone. 

Valoración 0/5: 3’5

SPL 2: A Time for Consequences

Un policía de Hong Kong llamado Kit tendrá un altercado con un gángster importante en una operación encubierta. Los secuaces del mafioso en represalia, secuestran y ponen en una cárcel tailandesa bajo una identidad falsa al policía. Un guardia de la prisión llamado Chai con extraordinarias habilidades para el combate frustra su fuga de la prisión. Por otra parte la hija del guardia de la prisión sufre de una rara forma de leucemia y Kit es el único donante que puede salvarla. Chai descubre la verdadera identidad de Kit y le ayuda a escapar a cambio de un acuerdo para salvar a su hija. Juntos deberán enfrentarse al gángster y sus esbirros.

Si Soi Cheang que ya demostró atributos de sobras en sus anteriores «Accident» y «Motorway» en esta edición presento «SPL 2: A Time for Consequences» una nueva muestra de su innegable talento a la hora de dirigir acción y una cinta que se erigió como el film imperdible proveniente de Hong Kong presentado este año en Sitges, una de las experiencias vividas más disfrutables dentro del claro contexto en el que se mueve. «SPL 2» aúna a partes iguales desde planos  imposibles, unas coreografías totalmente espectaculares con unos Wu Jing y Tony Jaa en estado de gracia hasta un temario de claro tono sentimentaloide que puede chirriar en algo al no iniciado en esta cinematografía, todo en un pack que funciona a la perfección en lo que a su cometido se refiere, supera claramente a su predecesora (sin ninguna vinculación argumental entre ambas) y demuestra el talento innato de Soi Cheang, un director que ha sabido ir labrándose una carrera del todo intachable, con un gusto por el detalle muy a tener en cuenta hasta llegar a convertirse a día de hoy en un claro referente del actual cine de acción oriental. «SPL 2: A Time for Consequences» termina ejemplificando a la perfección lo que tendría que ser un buen drama de acción proveniente de Hong Kong.   

Valoración 0/5: 3’5

The Visit

«The Visit» nos plantea la hipotética pregunta de cómo reaccionaríamos ante la llegada de un grupo de extraterrestres a la Tierra, ¿cómo los trataríamos? ¿Qué les daríamos de comer? ¿Tendrían derechos? La visita investiga a nivel científico una hipotética visita extraterrestre a la Tierra. Enfocándose en nuestras posibles reacciones y una confrontación con el miedo a lo extraño, la película documental que explora las implicaciones de un encuentro de este tipo, que nos obligaría a hacernos preguntas fundamentales sobre nosotros mismos.

El director danés Michael Madsen presento en la sección Nuevas Visiones su nuevo documental friccionado de premisa futuro-hipotética «The Visit» repitiendo los esquemas ya expuestos en su anterior y brillante Into Eternity (2010), si allí nos hablaba de los posibles peligros del cementerio nuclear en un futuro en «The Visit» da un paso más hacia la ciencia ficción y nos plantea las repercusiones de una posible llegada de seres de otro planeta a nuestro hábitat. Un «Encounters of the Third Kind» en formato de especulación documentada que se sitúa algo por debajo de «Into Eternity«, más que nada porque el recurso narrativo del producto propuesto por Madsen se va agotando conforme avanza su metraje, no porque su discurso sea demasiado científico y ahuyente al espectador de a pie sino porque da la impresión de que se pierde algo en divagaciones, expone demasiadas y contrapuestas teorías para dar lugar más al debate o la reflexión que a la afirmación más propiamente dicha, orbita en demasía hacia unos esquemas que lo derivan a lo complejo dentro de un tono algo repetitivo, aun así estamos ante un producto que se aleja en positivo del documental convencional al uso y que nos hace discernir aunque sea de una manera algo desordenada acerca de un temario de un claro calado visual y científico en lo que es su exposición.     

Valoración 0/5: 3

Love and Peace

Ryoichi es un oficinista que sueña con ser una estrella de la música y que adora a su tortuga Pikadon. Cuando sus compañeros comiencen a mofarse de él, se verá forzado a tirar a su querida mascota por el váter. La tortuga, por su parte, emprenderá su propia aventura.

Otra de las películas presentadas este año en Sitges por parte del genial Sion Sono fue «Love and Peace» presentada dentro de la sección Nuevas Visiones One, estamos ante el que es posiblemente el mejor film de su director en el presente curso, de los seis que ha filmado, si hablábamos antes del amplio catálogo de registros que posee Sion Sono «Love and Peace» ejemplifica de manera perfecta dicha habilidad tan anárquica como sugerente, basado en un guion propio de hace más de veinticinco años atrás y destinado a todos los públicos (aun con la ausencia de un temario violento-sexual en el film se me hace difícil el imaginar que un producto de esta características puede llegar a ser perfectamente entendible para un público no adulto) el film transita entre el musical kaiju eiga y un Toy Story al uso, una multirreferencial comedia de tono romántico de final plenamente apoteósico que nos habla en modo de fabula de la persecución del deseo del triunfo personal por parte del individuo de a pie entre bastantes más cosas.. «Love and Peace» termina siendo un compendio genérico rico en matices y metáforas, mostradas desde el exceso, una obra bizarra en el buen sentido de la palabra que abusa de la estridencia para bien y que vuelve a demostrar el incuestionable talento de Sion Sono como creador.

Valoración 0/5: 4

Video resumen

Un dia perfecte per volar

En un paraje solitario cerca de la costa, un niño hace volar la cometa que le ha construido su padre. Sopla el viento y la cometa se enreda entre la vegetación. El niño necesita la ayuda del adulto para seguir haciendo volar la cometa. Juntos, perdidos en medio de la naturaleza, empezarán la narración de un cuento de miles de episodios. Una historia protagonizada por un gigante que siempre tiene hambre, al que pondrá voz el padre, y con el que el pequeño entablará una larga conversación.

Marc Recha presento a concurso su nueva película «Un dia perfecte per volar«, una muestra más del talento cinematográfico del realizador catalán en una apuesta tan rica en matices como arriesgada en su concepción, a partir de una premisa sencilla, solo en apariencia, con dos únicos personajes y el dialogo entre ambos Marc Recha despliega un apasionante abanico alegórico alrededor del imaginario infantil, la paternidad, la perdida o la ambivalencia del legado, son algunos de los múltiples conceptos que van orbitando alrededor de este sincero homenaje fílmico al valor de las palabras, una declaración de amor a la importancia de las historias ubicadas en un entorno natural y contadas desde lo cotidiano. «Un dia perfecte» per volar posee la virtud de transcender a su visionado, un experimento cinematográfico que le da una validez mayor al espectador una vez digerida, una verdadera  pena que una propuesta tan inusual y valida como «Un dia perfecte per volar» no se haya visto recompensada en el palmarés, el fabulario propuesto por Marc Recha poseía más atributos que todos los films españoles juntos presentados este año a competición, un tipo de cine en definitiva en donde se parte del cimiento para subrayar el recorrido y no la finalidad, todo una rara avis cinematográfica que habría que saber valorar en su justa medida.

Valoración 0/5: 4

Granny’s Dancing on the Table

Eini ha sido criada en total aislamiento de la sociedad por su padre, un hombre temeroso del mundo. Su mayor miedo es que Eini lo abandone. Hace todo lo posible para hacerle creer que el mundo exterior y la gente que lo habita son malvados, y que todo lo que tiene que ver con la sexualidad y la vida adulta es peligrosa. La brutalidad a la que Eini se ve expuesta la empuja casi hasta perder el sentido de su propio yo.

Primer largometraje de Hanna Sköld presentada en la sección nuevos directores «Granny’s Dancing on the Table» es un interesante relato que apuesta por una narración cuanto menos original al vertebrar la historia en dos apartados bien diferenciados, por un lado tenemos el más puramente real, un presente seco, crudo y contundente, marcado por una acentuada atmósfera opresiva en el que intenta subsistir la sufrida protagonista, por otra parte asistimos a una representación mental a cargo del propio personaje que evoca sueños y pasado familiar en forma de stop-motion, posiblemente estas dos representación cinematográficas no lleguen a complementarse de una forma consistente en el relato, da la impresión de una desconexión narrativa entre ambas técnicas que desembocan irremediablemente en una frialdad emocional en lo concerniente a su protagonista principal, nos cuesta ser cómplices de esa mirada de sufrimiento a la que asistimos. Aun con sus evidentes defectos de cohesión «Granny’s Dancing on the Table» tiene la virtud al menos de alejarse ese cine nórdico tan característico visto últimamente y que suele presentarse bajo una mirada en donde la estética contemplativa se adueña por completo de la función, la película de Hanna Sköld se desmarca por fortuna de esa tendencia tan manida para ofrecernos algo diferente aunque su resultado final sea de un tono ciertamente irregular.

Valoración 0/5:3

El Clan

Argentina, comienzos de los años 80. Detrás de la fachada de una típica familia del distinguido barrio de San Isidro, se oculta un siniestro clan dedicado al secuestro y asesinato como modo de vida. Arquímedes, el patriarca, lidera y planifica los operativos. Alejandro, el hijo mayor, estrella del club de rugby CASI y jugador del seleccionado nacional Los Pumas, se somete a la voluntad de su padre para «marcar» posibles candidatos y se sirve de su popularidad para no levantar sospechas.

Otro de los platos fuertes vistos este año dentro de la sección perlas en San Sebastián fue la nueva película de Pablo Trapero «El Clan«, un relato en forma de crónica negra ubicado en la Argentina de los años 80, una historia criminal dentro de un contexto político-social bastante definido, la apuesta de Trapero en este sentido es bastante clara, pone toda la carne en el asador al ceñirse a unos hechos cronológicos, una narración hasta cierto punto lineal que engancha en su enunciado pero no tanto en su fondo, aun así en lo referente al aspecto de la ambientación que le otorga al conjunto esta llega a ser inmaculada en lo referente a dotar al film de un clima inquietante y asfixiante que llega a funcionar, la labor actoral también sobresale muy especialmente en el trabajo de Guillermo Francella y Peter Lanzani, el problema de «El Clan» viene dado a la hora de discernirse una falta de determinación en lo que es propiamente su guion que llega a lastrar al film hacia una ausencia de cohesión bastante evidente en lo referente a su historia y a unos personajes a los que no se les llega a profundizar de una forma convincente, todo ello y pese a sus puntuales virtudes hacen que nos invada una sensación de estar visionando un producto desprovisto de la garra que requería la historia.  

Valoración 0/5: 2’5

Son of Saul

Auschwitz, 1944. Saul Auslander es un prisionero húngaro que trabaja en uno de los hornos crematorios del campo de concentración. Es obligado a quemar todos los cadáveres de los habitantes de su propio pueblo pero, haciendo uso de su moral, trata de salvar de las llamas el cuerpo de un joven muchacho a quien él cree su hijo y buscar un rabino para poder enterrarlo decentemente.

El húngaro László Nemes (antiguo asistente de Béla Tarr) presento en la sección Perlas unas de las películas del año, tras su paso por el festival de Cannes «Son of Saul» se ha erigido como una pieza tan incisiva como innovadora dentro de un temario bastante expuesto en la gran pantalla, quizás por eso la principal virtud de la propuesta es  el poder ver el infierno de Auschwitz desde dentro, un inmersión en primera persona y cámara en mano al horror, en este sentido Nemes no da tregua al espectador en ningún momento en este virtuoso en lo técnico paseo por los infiernos, una sucesión de planos secuencias en formato 4:3, herramienta esta utilizada para que no apartemos la vista del rostro-nuca del protagonista.

El visionado de «Son of Saul» pone de manifiesto hasta qué punto la mirada cinematográfica de un autor con atributos puede imponerse o intercalarse a un rigor formal expuesto de forma preconcebida, esta visita guiada por la fábrica de la muerte aparte de poseer una sobriedad incuestionable, rigor, y especialmente unos planos secuencias prodigiosos también logra trasmitirnos un ideario semi-religioso acerca de la salvación del espíritu en un escenario en donde lo más puramente terrenal queda condenado por la decisión del verdugo, el intentar preservar  un último resquicio de inocencia en la acción de tratar de salvar el cuerpo de un niño muerto de las llamas y poder dedicarle un entierro decente dentro de un mundo carente de cualquier raciocinio humano. László Nemes en este sentido se aleja de convencionalismos, en lo que vemos no hay lugar para un tipo de belleza y emociones sentimentales que suele caracterizar a menudo el tratamiento de un tema como este en el cine, «Son of Saul» nos ofrece la visión más veraz posible que existe en lo visual sobre la experiencia de un ser humano dentro del infierno, es por ello que la obra deviene como una experiencia cinematográfica única y por ende una de las películas del año.

Valoración 0/5: 4’5

No estamos solos

¿Por qué miles y miles de ciudadanos decidieron tomar las calles y plazas de toda España para expresar su indignación frente a los recortes, las privatizaciones, los desahucios y la corrupción política? La película retrata la fuerza y la imaginación de los movimientos sociales para denunciar la degradación de la democracia. Una etapa de rebelión espontánea, de participación de la sociedad civil, que marcará, sin duda, el futuro de la vida política en nuestro país.

«No estamos solos» el documental producido por El Gran Wyoming y Pere Portabella es una oportunidad desaprovechada por parte de sus responsables de presentar un trabajo sólido y más dado la actual coyuntura social existente en el país, de la misma manera cuesta algo de entender como el festival ha incluido en la sección oficial fuera de concurso a un producto tan descuidado como este, por mucha cuota de cine social y compromiso que se quiera tener dentro del certamen la calidad siempre tiene que ir un paso por delante del propósito, «No estamos solos» podría ser perfectamente un apéndice de cualquier programa televisivo al uso, el material es disperso, se abusa de imágenes de archivo no propias y se descuida sobremanera una falta de lectura crítica en su enunciado, ni se analiza ni se profundiza de manera convincente un supuesto discurso que se ve diluido por un camino tan fácil y confuso como el que deciden escoger finalmente sus responsables, una verdadera pena, el tema y su actual ubicación de realidad político-social existente a día de hoy merecían de un trabajo más diáfano y contundente.

Valoración 0/5: 1’5

Video resumen

Le Tout Nouveau Testament

¿Qué pasaría si Dios existiese y viviese en Bruselas? Dios en la tierra es un cobarde, tiene patéticos códigos morales y su conducta con su familia es odiosa. Su hija Ea, que se aburre mortalmente en la anodina Bruselas, decide rebelarse contra su padre, entra en su ordenador y le dice a todo el mundo el día en el que morirá, con lo que hace que de repente todos se pongan a pensar que hacer con los días, meses, o años que les quedan por vivir.

Jaco Van Dormael presento a concurso su nuevo film «Le Tout Nouveau Testament«, sátira irreverente en forma de cuento de hadas de tono algo sentimental acerca la figura del mismísimo Dios aquí trivializado en lo ordinario bajo los rasgos de Benoît Poelvoorde, posiblemente no estemos ante el mejor trabajo del director belga (Toto, el héroe o Le huitième jour siguen teniendo el listón demasiado alto) pero aun así la película posee multitud de capas originales especialmente direccionadas a sus incondicionales, con varios niveles de análisis sobre temas profundos, rico en texturas visuales-sonoros y lejos de la provocación, se distancia de forma consciente y agradecida de un supuesto tono hiriente o blasfemo en lo que nos relata. Es evidente que el imaginario de un autor tan atípico y especial como es Jaco Van Dormael puede llegar a indigestar al no preparado para según qué líderes, se sigue denotando un aunque rico en matices exceso formal, en ocasiones se abusa de lo kitsch que aunado a una tendencia algo naif puede llegar a saturar al espectador, pero aun así es indiscutible que estamos ante un autor diferente, de los que no proliferan hoy en día, con una capacidad inherente a la hora de fabricar imágenes con una fuerza visual muy detallada, un empleo en lo referente a el movimiento de la cámara que sabe cuadra con habilidad a la narración, «Le Tout Nouveau Testamente» es puro Van Dormael, para bien y para mal, con sus excesos y aristas pero sobretodo es plenamente honesta a un universo y un discurso muy propio, y que aunque algunos aun no lo sepan ya existía antes de ver la luz un film como «Le fabuleux destin d’Amélie Poulain«..más que nada por aquello de las fuentes.

Valoración 0/5:3’5

The Gift

Simon y Robyn son la pareja perfecta, hasta que un extraño irrumpe en sus vidas. Al principio, Simon no le reconoce, pero luego se da cuenta de que es Gordo, un antiguo compañero del instituto. Lo que Simon no sabe es que Gordo le guarda algo más que rencor por una cosa que hizo. Han pasado más de veinte años, pero Gordo está dispuesto a llegar hasta el final para vengarse.

Debut como director del actor Joel Edgerton bajo la producción de Blumhouse Productions, «The Gift» dejo un buen sabor de boca en su paso por el festival, principalmente porque su revestimiento o apariencia de thriller psicológico de tono convencional engaña algo, un tono que muta en su tramo final hacia el drama de contornos también psicológicos, una película en la que su gran baza es el giro argumental cosa que la aleja de lo manido o previsible pero que tampoco la convierte en una gran película como muchos han querido ver, aunque las interpretaciones sean realmente notables la realización a cargo de Joel Edgerton es muy plana, se abusa de una excesiva duración a la hora de presentar personajes aunque hay que reconocerle una efectividad en lo referente a su planteamiento, aun así no estaría de más a aquellos que la han elevado, en mi opinión de forma algo excesiva, a un film de las características de «The Gift» que le echaran un vistazo a «Mientras Duermes» de Jaume Balagueró, película está con la que guarda muchas y curiosas similitudes argumentales, «The Gift» termina siendo un correcto ejercicio, una pequeña sorpresa si se quiere, pero está muy lejos de ser un producto que innove.

Valoración 0/5: 2

Knock Knock

«Knock Knock» nos cuenta como un padre de familia que se ha quedado solo en casa ve como un par de chicas llaman a su puerta pidiendo ayuda. Después de seducirle, las jóvenes deciden que nuestro hombre de familia será la víctima de un sádico juego sexual.

Eli Roth presento en Sitges su nueva película «Knock Knock«, remake no oficial de la curiosa «Death Game» de 1977 cuyo título en España fue Las Sádicas, estamos ante un supuesto ejercicio de suspense con moralina de tono conservador incluido que demuestra por las claras el escaso talento como director de Roth, aquí posiblemente quede más al descubierto que en anteriores trabajos suyos por la propia naturaleza de producto, si en el torture porn (Hostel) o su recordatorio al mondo (The Green Inferno) pasaba el corte en mayor o menor medida, en «Knock Knock» a la hora de intentar construir unas coordenadas dentro del thriller de suspense fracasa por completo, asistimos a una incapacidad a la hora de generar tensión en sus secuencias bastante evidente, una falta de sutileza que si en sus películas anteriores funcionaban de algún modo aquí se presenta un obstáculo insalvable.

«Knock Knock» solo puede salvarse enfrentándote a ella como un mero y anecdótico pasatiempo algo disfrutable solo según como se mire, una home invasión de tono cambiante pues no acierta ni se posiciona ni por el suspense, horror o humor negro, ni por supuesto por un hipotético trasfondo moral (acoso y derribo de la institución familiar presentado no de forma ambigua sino más bien torpe) una indeterminación genérica que apoyadas por una interpretaciones de un nivel muy bajo hacen del producto un perfecto ejemplo de como a veces es mejor no intentar llegar a intentar generar postulados que van a llegar a descubrir por las claras una innegable falta de talento por parte de sus responsables. 

Valoración 0/5: 1’5

Goodbye Uncle Tom

Dos documentaristas viajan en el tiempo hasta antes de la guerra civil americana para filmar las ventas de esclavos. Con Addio zio Tom, los creadores de la seminal Este perro mundo se superaron a sí mismos, imaginando un viaje en el tiempo a la época donde la esclavitud era moneda común en los Estados Unidos. La explotación propia del género mondo se une a la reconstrucción histórica.

Una de los cometidos de los festivales, o tendría que serlo, es el ofrecer o rescatar clásicos o films olvidados para una nueva divulgación especialmente dirigida a las nuevas generaciones de espectadores, lamentablemente en Sitges es una tendencia que ha ido a la baja en los últimos tiempos, no resulta fácil rescatar según qué cosas y tampoco ha habido una respuesta favorable de público ante estas propuestas, afortunadamente siempre hay excepciones y este año aprovechando el homenaje a  Nicolas Winding Refn se proyectó uno de sus film predilectos elegido por el mismo, nada menos y nada más que el «Goodbye Uncle Tom» de Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi, una reivindicación quizás poco amable pero de lo más interesante. Los creadores del mondo y artífices del mockumentary presentan un inclasificable producto que mezcla la denuncia sobre la esclavitud sin escatimar en un supuesto morbo, un exploit vérité de militancia política bastante radical y ..ojo..rodado..con medios bastantes holgados donde sobresale muy especialmente la música a cargo de Riz Ortolani. Puede que «Goodbye Uncle Tom» sea infame y hasta detestable en su forma pero su visionado lejos de envejecer sigue siendo una experiencia única y totalmente recomendada para cinefagos inquietos, eso sí, continua sin ser apta para estómagos sensibles.

Valoración 0/5: 3’5

Ni le ciel ni la terre

Afganistán, 2014. El Capitán Bonassieu está al mando de una patrulla a la que han asignado una misión de vigilancia en el valle de Wakhan. El lugar se revela como una zona difícil de controlar, y la tensión no tarda en subir. Pero lo más extraño es que, de pronto, los soldados empiezan a desaparecer.

Presentada en la semana de la Crítica de la última edición de Cannes, «Ni le ciel ni la terre» del francés Clément Cogitore pudo ver dentro de la siempre interesante Noves Visions constituyendo una de las sorpresas más estimulantes vistas este año en Sitges. La mixtura genérica del cine bélico de tono realista con elementos fantásticos ha dado resultados bastantes irregulares en estos últimos años, films como The Bunker 2001, Deathwatch (2002), The Objective (2008) o la colombiana El Paramo (2011) han demostrado intenciones conceptuales hasta cierto punto loables pero una clara indefinición o posicionamiento en su propuestas dando lugar a productos en su mayoría claramente fallidos. «Ni le ciel ni la terre» se eleva en algo en lo referente a las películas antes mencionadas aunque parezca que siga unas mismas pautas y coordenadas en lo concerniente a su argumento, la confrontación de unos soldados dentro de un ámbito tan físico como es la guerra a algo no visible, de tono casi mitológico-religioso como se intuye en la historia aquí expuesta, el acierto de la propuesta en si viene dado en como Clément Cogitore sabe agregar una tensión de contornos casi metafísicos, que va en aumento y que sabe cómo explotar a la perfección en la amplitud de decorados naturales que dispone como escenario, poniéndolos de forma adecuada al servicio en esta ocasión de una metáfora bien utilizada.

Habrá que seguirle la pista en un futuro a Clément Cogitore, en este su primer trabajo demuestra una mirada autoral muy válida, «Ni le ciel ni la terre» termina siendo un boceto fantastico-arty de lo más estimulante.

Valoración 0/5:4

Tales of Halloween

Diez terroríficas historias se interconectan durante la noche de Halloween en un suburbio americano, donde demonios, extraterrestres, espectros y asesinos con hacha aparecen por una noche para aterrorizar a los residentes desprevenidos.

«Tales of Halloween» era una de las dos películas presentes en el certamen de este año dedicadas al díptico del género de terror, un subgénero temático este que en los últimos años se ha visto algo pervertido por propuestas alejadas de una tendencia digamos clásica, Amicus o producciones ochenteras, hablamos de compilaciones tales como V/H/S o ABC’s of Death en donde se prioriza más aún si cabe la diversificación en deterioro de una supuesta y ya de por sí difícil dada la naturaleza de un producto de estas características solidez argumental.  Las antologías de «Tales of Halloween» aunque intenta inscribirse en ese apartado nostálgico termina perteneciendo a ese grupo de recientes producciones antes comentadas pues asistimos más bien a una suma de cortos entrelazados alrededor de la festividad de Halloween dejando de lado cualquier atisbo de consistencia narrativa en su propuesta. Aun así el propósito del film no deja de ser otro que un disfrute fan sin pretensiones, un correcto entretenimiento en que las elevadas dosis de gore son muy bien recibido por un público entregado a la tarea como bien se pudo apreciar en su festivo pase nocturno en el cine Retiro.    

Valoración 0/5: 2

Video resumen

Moira

Después de salir de prisión, Mamuka trata de sacar a su familia de la pobreza. Su madre trabaja en el extranjero, su padre está en silla de ruedas y su hermano, desempleado, se siente atraído por la compañía de delincuentes. Gracias a un préstamo, compra un pequeño barco de pesca. Está dispuesto a trabajar y hacer que su madre regrese. Los dos hermanos bautizan el barco como Moira, una diosa del destino. Pero el destino es ciego y despiadado.

«Moira» segundo largometraje del georgiano Levan Tutberidze se presentó dentro de la sección oficial a concurso, film modesto en estructura pero poseedor de algunos matices que se merece destacar, en especial en lo referente a su dirección y a la hora de escenificar según que secuencias en base a una utilización y composición de espacios bastante digna (donde destaca por encima y muy especialmente ese notable plano final) en una historia cocinada a fuego lento, que nos remite a la tragedia griega de tono premonitorio (las Moiras eran las representaciones y las encargadas de controlar el destino metafórico en forma de hilo de la vida de cada persona), «Moira» es un film lento, posiblemente no en un sentido negativo aunque flojee algo en su parte central, su narrativa es previsible conscientemente en beneficio de una puesta en escena en donde la cámara se posiciona siempre de forma distante, definiendo de forma acentuada el espacio entre personajes y acción temporal. La película utiliza el tratamiento de la figura paterna como entidad inherente de un drama social dentro de una historia de supervivencia económica en un país completamente devastado por la crisis y la miseria, un mensaje fatalista y muy poco esperanzador el que nos ofrece Tutberidz. «Moira» termina siendo una perfecta muestra de ese pujante cine georgiano que se está haciéndose poco a poco un hueco dentro del panorama internacional, muy especialmente en el ámbito de festivales, un cine solvente y ahora mismo en clara fase de crecimiento.  

Valoración 0/5: 2’5

Mountains May Depart

China, a finales del año 1999. Dos amigos desde la infancia, Zang y Liangzi, cortejan a Tao, una joven de Fenyang. Zang es dueño de una gasolinera y tiene un futuro prometedor. Liangzi trabaja en una mina de carbón. Tao tiene el corazón dividido entre ambos, pero deberá tomar una decisión que marcará su vida y la de Dollar, su futuro hijo. Desde una China en pleno cambio a una Australia como promesa de una vida mejor, la película sigue las esperanzas y amores de estos personajes.

Jia Zhang Ke presento dentro de la sección perlas su último film presentado en la pasada edición del festival de Cannes «Mountains May Depart«, cine de quilates y extraordinaria alegoría-reflexión del vínculo familiar y territorial, una cinta que se abre y se cierra bajo el tono musical claramente irónico del Go West de los Pet Shop Boys, presentándonos a unos personajes ubicados alrededor de una realidad rota, mostrada en tres actos bien definidos, pasado, presente y futuro, tres espacios escénicos que van desde la China de finales del siglo XX hasta la Australia del año 2025, diferenciados no solo en su tono sino también en su formato cinematográfico, todo ello  dentro de un escenario marcado por un progreso tecnológico y social bastante acelerado. Film de claro tono melodramático en el que la representación de los sueños de prosperidad de todo una generación se estampa de forma violenta frente a un modelo socioeconómico que no se detiene.

Posiblemente Jia Zhang Ke incida sobre formularios ya expuestos con anterioridad, la pérdida de valores e identidad en la cultura china a favor de ese creciente capitalismo y globalización, la quimera de un sueño que nunca llego a aparecer (en este apartado la interpretación de Tao Zhao vuelve a ser prodigiosa) pero otra vez lo hace de forma magistral, de echo «Mountains May Depart» es un proyecto ambicioso en su estructura y no por eso menos incisivo en el brillante mensaje que siempre nos propone un genio de la talla de Jia Zhang Ke.      

Valoración 0/5: 4

Lejos del mar 

Santi sale de la cárcel y viaja al sur para visitar a Emilio, un antiguo compañero de celda que arrastra una enfermedad terminal. La casualidad hace que tropiece con Marina, la doctora que atiende a su amigo, con quien Santi tuvo un encuentro terrible hace muchos años y que ha marcado desde entonces la vida de ambos. Este reencuentro les hará revivir los horrores del pasado.

La ración de descalabros dentro del festival vino con la última película de Imanol Uribe presentada fuera de concurso «Lejos del mar«, lamentablemente un auténtico despropósito fílmico que aborda la temática del conflicto vasco para tratar de contarnos una supuesta historia dramática de reconciliación entre verdugo y víctima, el problema viene dado a la hora de tratar un tema tan serio, el film lo hace desde una perspectiva de personajes, diálogos, situaciones no ya inverosímiles en sí mismo sino por momentos completamente ridículos, elementos estos que ante un material de corte tan dramático como cambiante en tono quedan al descubierto con relativa facilidad, podría explayarme en multitud de situaciones dentro del film que chirrían sobremanera, pero no merece mucho la pena. Hablar del terrorismo dentro el cine no siempre es una fácil tarea, Imanol Uribe lo había hecho anteriormente en films bastante notorios como «La muerte de Mikkel» o «Días contados«, es por eso que duele especialmente que su vuelta a dicho temario sea con algo tan fallido, sus antecedentes no merecían un producto de estas características, una verdadera pena.

Valoración 0/5: 1

Freeheld

Basada en un suceso real, la historia de amor de Laurel Hester y Stacie Andrée y su lucha por la justicia. A la condecorada policía de Nueva Jersey Laurel le diagnostican cáncer y quiere dejar su pensión ganada durante años a su pareja de hecho, Stacie. Sin embargo, los funcionarios del condado legisladores, que no ven con buenos ojos la pareja homosexual, conspiran para evitarlo. El detective Dan Wells y el activista Steven Goldstein se unen en su defensa, reuniendo a oficiales de policía y ciudadanos de a pie para apoyar su lucha por la igualdad.

En esta jornada también hubo cabida para despropósitos no solo patrios sino también proveniente del cine norteamericano, «Freeheld«, drama gay provisto de un catálogo de refritos y clichés muy manidos y vistos con demasiada frecuencia anteriormente en la gran pantalla, supuesto cine pro derechos con final judicial solo oscarizable en lo referente a sus interpretaciones, cinta desprovista de cualquier tipo de matices ya sea en personajes o en su pobrísima narración, de estética televisiva la película no exige absolutamente nada al espectador para su seguimiento, utiliza el piloto automático en lo referente a su discurso cinematográfico por parte de Peter Sollett, posiblemente va siendo hora que este tipo de productos con temario reivindicativo provisto del consabido basada en hechos reales sirvan y se adecuen de forma más lógica dentro del ámbito del documental y no en una serie de trivialidades de ficción que empieza a dar claras y alarmantes muestras de un notorio agotamiento creativo.

La inclusión a competición de un producto de las características de  «Freeheld» solo es entendible desde la perspectiva de que sirva como excusa para traer al festival a sus protagonistas (hasta un último momento se barajó la posibilidad de contar con Julianne Moore para el premio Donostia), un peaje este hasta cierto punto entendible dentro un festival como el de San Sebastián.  

Valoración 0/5: 1

La Novia

Leonardo, El Novio y La Novia son un triángulo inseparable desde niños, pero Leonardo y La Novia poseen un hilo invisible, feroz, imposible de romper. Pasan los años y ella, angustiada, se prepara para su boda con El Novio en medio del desierto blanco donde vive con su padre. El día anterior a la ceremonia, a su puerta llama una Mendiga que le ofrece un regalo y un consejo: «No te cases si no le amas», mientras le da dos puñales de cristal. Un escalofrío recorre el alma y el cuerpo de La Novia.

Indudablemente fue una de las grandes sorpresas en positivo en esta edición del festival, «La Novia«, una verdadera lástima que no fuera a competición pues su difusión hubiera sido más amplia y merecida, segundo trabajo tras las cámaras de la aragonesa Paula Ortiz tras su notable «De tu ventana a la mía«, que se atreve en esta ocasión con la adaptación cinematográfica de uno de los grandes de la literatura, Federico García Lorca y sus Bodas de sangre. «La Novia» es sí mismo un triunfo, en cómo saber adaptar-evocar un universo literario tan complejo de visualizar en imágenes, en donde de una manera casi milagrosa todo los elementos cuadran a la perfección, se adecuan a un propósito concreto, desde la música, canciones populares +banda sonora compuesta por el japonés Shigeru Umebayashi hasta sus aspectos técnicos, diseño de producción de Jesús Bosqued, fotografía de Migue Amoedo, que logran transmitir con acierto ese sensación de tragedia tan característica en el imaginario Lorca. Paula Ortiz construye un relato que sabe alejarse de forma consciente de lo más puramente teatral y pictórico, todo ello elaborado en base una potencia visual incuestionable, una imagen al servicio del texto que sabe exactamente por donde direccionar la historia, cómo querer contarlo y dónde saber colocar la cámara en el momento oportuno para facilitar de este modo una brillante narración. En los próximos premios Goya «La Novia» no solo tendría que ser reconocida a un nivel de música o fotografía, Paula Ortiz es de forma clara una de las voces más refrescantes y rompedoras del actual panorama del cine español, su valiente propuesta merece un reconocimiento mucho más elevado.

Valoración 0/5: 4

Video resumen

Del 9 al 18 se celebró la 48 edición del festival de Sitges, a la hora de hacer un balance general y al igual que en las últimas ediciones este tiende a ser positivo, se ha seguido con unas costantes que han funcionado en pasadas ediciones, introduciendo pequeñas variaciones, la mayoría bien direccionadas, la respuesta del público en esta edición a sido incuestionable, aunque evidentemente en un certamen de la características como el de Sitges siempre hay claroscuros que convendría apuntar, en lo positivo señalar la fructífera presencia de homenajeados, reunir gente tan variopinta e importante dentro del ámbito como Nicolas Winding Refn, Sion Sono, Rick Baker, Simon Yam, Oliver Stone o Terry Jones (lamentablemente Andrzej Zulawski causo baja de última hora) no es fácil y más en los tiempos actuales en donde cada vez es más complicado traer a según qué invitados incluso para festivales de una mayor envergadura como por ejemplo San Sebastián, se redujo levemente el número de películas, algo que es de agradecer, de la misma forma se incluyó una cuarta sala de proyecciones, aquí cabria señalar que la iniciativa por parte de la organización es loable pues permite una mayor flexibilidad especialmente a la prensa para visionados pero el Tramuntana pese a las mejoras realizadas sigue sin ser una sala de cine propiamente dicha, la pantalla es pequeña y el nivel no descendiente del suelo hacen algo incómodo el visionado, esto obliga a poner subtítulos en la parte superior de la pantalla algo que puede modificar el formato del film, no estaría de más que en próximas ediciones y especialmente de cara al público se rebajara en algo el precio de las entradas en esta sala, no es lógico pagar un mismo precio en el Auditori y Tramuntana.

Sitges no deja de ser un amplio temario de diferentes propuestas, una especie de cajón de sastre genérico por momentos bastante inabarcable y excesivo, un modelo de festival algo inusual en Europa pero cuya fórmula es aceptada y funciona, y que parece haber encontrado una estabilidad de consenso bastante aceptable. A la hora de hacer un balance de lo que fue la programación oficial del festival resaltar que prácticamente todo lo disponible estuvo en Sitges, se repesco de forma inteligente títulos importantes que estuvieron en San Sebastián, apuntar también que la mayoría de majors continuan dando la espalda al festival, ni «Crimson Peak» o «The Martian» que pudiendo estar por fechas no pudo verse en Sitges, España hoy en día no es un territorio rentable en lo económico para las grandes distribuidoras, en este aspecto los festivales patrios por fuerza han de tener claro redefinir sus propuesta y apostar por un estilo de pogramacion donde impere producciones más modestas e independientes, afortunadamente hoy en día hay mucho material disponible dentro de esta tendencia por lo que el camino a seguir por parte de los certámenes han de estar bastante claro. También se pudo observar una cada vez más notoria división en aceptación o inscripción en lo referente a la tendencia genérica expuesta por el festival en estos últimos años por parte tanto de la crítica como del público, algo que se pudo apreciar en el palmarés, parece que cada vez más se acentúa la frontera existente en los films más puramente de género y ese otro apartado que apuesta por películas más ambivalentes en su identidad genérica, Cemetery of Splendou, La Novia, Love 3D o Macbeth entre otra muchas, esto a priori tendría que ser positivo siempre que se contextualice de una manera adecuada, la apuesta del festival por esta diversificación de abanicos es aparte de obligada necesaria, Sitges si quiere mantener un estatus como el actual tiene que apostar por abrir estas nuevas vías, solo es cuestión de saberlas interpretar de una forma ecuánime por los asistentes y abandonar ese absurda polémica de distanciamiento acerca de esa supuesta identidad autoral y genérica que tendría que enriquecer la propuesta y no polarizarla hacia una discusión hasta cierto punto absurda.

En Noves Visions, una de las secciones más interesantes del festival, se redujo de manera acertada el confuso número de subsecciones que contenía,  en una de ellas, Panorama Documenta, se echó en falta un mayor número de documentales, cinco films son pocos, posiblemente esta sea una sección en la que el público responde de una manera algo tibia pero el material existente hoy en día en este apartado es bastante fecundo e interesante, un material por otra parte que difícilmente llega a cines o televisión por lo que su difusión en festivales se me antoja esencial, a este respecto hubo trabajos exhibidos dentro de brigadoon que merecían una mayor difusión en lo concerniente a sus proyecciones .

Sitges 2016 ya empieza a estar en marcha, la próxima edición del festival estará dedicada en su cartel y leiv motiv al universo Star Trek aprovechando los 50 años de la emisión del primer episodio de la mítica serie de ciencia-ficción, será el preámbulo a el cincuenta aniversario del certamen, 50 años de un festival que ha sabido subsistir a todo tipo de coyunturas, algo digno de elogiar. A continuación iré reseñando todo lo visto durante el festival a través de crónicas diarias, más adelante se irán publicando criticas individuales de las películas vistas ya sea aprovechando su estreno comercial o como simple ampliación a la cobertura realizada.

The Girl in the Photographs

En uno de esos pueblos donde nunca ocurre nada, un psicópata empieza a masacrar jóvenes, sacando fotografías a los (ya no tan bellos) cuerpos en posiciones que “homenajean” las instantáneas de un célebre fotógrafo sospechosamente similar a Terry Richardson.

«The Girl in the Photographs» de Nick Simon se presentaba como la última película en el que aparecía el nombre del recientemente fallecido Wes Craven en los títulos de crédito, en este caso como productor ejecutivo, al final nos encontramos ante un producto totalmente desaprovechado, muy especialmente en lo referente al nivel de la teórica de su enunciado, no logra sacar partido de la premisa  voyeur del «Peeping Tom«, tampoco incide de una manera acertada en la supuesta puya al famoseo y la falsas celebrities así como la referencia que hace a su vinculación a las nuevas tecnologías, solo lo hace en un brillante último plano eso sí, el problema viene en el trayecto que realiza hasta llegar a ese punto, prácticamente toda la película se convierte en un slasher en demasía tópico, con ligeros ecos a un «Scream» de rebajas, se ve desprovisto del ese elemento distorsionador de la realidad que se intuía en su premisa inicial convirtiéndose en propuesta que lamentablemente destaca por lo pesimamente que llega a estar ejecutada.

Valoración 0/5: 2

The Witch

Nueva Inglaterra en el año 1630. Una familia de colonos cristiana, formada por un matrimonio y sus cinco hijos, vive cerca de un bosque que, según las creencias populares, está controlado por un mal sobrenatural. Cuando su hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros. Más allá de sus peores temores, un mal sobrenatural les acecha en el bosque cercano.

«The Witch» fue la encargada de inaugurar la presente edición de Sitges, posiblemente si el debut en la dirección de Robert Eggers (galardonado a la mejor dirección en el pasado Festival de Sundance) hubiera ido a concurso habría arrasado en el palmarés pues estamos ante un brillante regreso a un terror adulto de época algo escaso últimamente, mostrado de manera casi primigenia, en donde sobretodo se prioriza lo sugerido a lo explícito en base a un apabullante y malsana recreación atmosférica compuesta de planos  muy minuciosos, acompañado y ensamblado de forma notable por el trabajo del director de fotografía Jarin Blaschke y el compositor Mark Korven, una presión ambiental la mostrada que nos va a acompañar en un angustiante in crescendo representada como amenaza mitad sobrenatural mitad mitológica, de echo la narrativa argumental de «The Witch» es tan simple como anecdótica, una representación perturbadora acerca de una histeria puritana ubicada en el núcleo de una familia abandonada en el escenario de un territorio completamente hostil. Robert Eggers, un nombre que seguir en el futuro, logra en «The Witch» un cine independiente de genero de alta calidad y voltaje, pero sobre todo el producto deviene como un extraordinario y depurado ejercicio de estilo fílmico y devuelve, al igual que hizo recientemente Rob Zombie en su «Lords of Salem«, a la figura de la bruja una dignidad cinematográfica bastante abandonada y frivolizada en los últimos tiempos, y de paso convierte la película en una muestra inusual hoy en día de cómo lograr incidir en la psicología del espectador en base a una serie de sugerencias fuera de campo, consiguiendo una sensación de angustia tan efectiva y elegante como meritoria, sin llegar a recurrir en lo gratuito, todo un triunfo digno de alabar.

Valoración 0/5: 4

Absolutely Anything

Una junta alienígena (cuyas voces pertenecen nada más y nada menos que a los Monty Python) da a un hombre cualquiera la habilidad de hacer lo que se le antoje. Si demuestra que puede usar sus poderes para bien, invitarán a la Tierra a sumarse al consejo de sabios interplanetario. Si no, simplemente destruirán el planeta.

«Absolutely Anything«, comedia dirigida por el ex-Monty Python Terry Jones y que cuenta con la colaboración del resto de integrantes del famoso grupo a nivel solo vocal, partiendo de un disparatado argumento que promete caos pero avanza sin llegar a eclosionar del todo, es de esas comedias que hoy en día parecen algo desubicadas o ancladas, inmersas dentro de una situación casi atemporal por un tono que en vez de beneficiarla la perjudica, no se llega a ofrecer una dinámica que sorprenda para bien, aquí la sonrisa algo cómplice prevalece a la carcajada y eso no es una buena señal en este tipo de películas, se le echa en falta la incorreción o sarcasmo característico de sus autores y que no llega  aparece en absoluto a lo largo del film, en realidad la película se presenta bajo una serie acumulación de gags, un bucle de temario algo simplón que remite en su argumento a «The Man Who Could Work Miracles«, todo bajo un tono demasiado repetitivo y que no logra llegan a acercarse a anteriores trabajos de su director. «Absolutely Anything» es un humor nostálgico poco funcional, solo se salva en parte por el carisma que casi siempre otorga la presencia en la pantalla de Simon Pegg.

Valoración 0/5: 2’5

What we Become

Un vecindario se ve atacado por un brote de gripe fulminante, que no tarda en dejar cadáveres. Las autoridades se ven forzadas a acordonar la zona y ponerla en cuarentena, dejando aisladas a multitud de familias. Entre ellas están los Johansson, que deberán hacer todo lo posible para protegerse mientras, en el exterior, la situación se tensa hasta estallar en caos.

Temática zombie proveniente de Dinamarca a cargo del director Bo Mikkelsen que transita en la mayor parte de su metraje bajo un tono bastante heterogéneo en lo que respecta a su narrativa y que intenta utiliza el pretexto fantástico para centrarse básicamente en un relato que presenta una cotidianidad en lo referente a sus personajes y el cómo afrontar desde su inicio el brote e intentar de alguna manera hacer frente a lo anómalo, todo contado bajo un prisma y ritmo de corte claramente previsible, sin nada nuevo que aportar al subgénero, si en un principio el film viene a ser una versión actualizada a la europea de «The Crazies«, «What we Become» al menos tiene la ligera virtud de volver a mirar de reojo en su parte final a George A Romero y su «Night of the Living Dead«, tomando como referencia lo clásico del tema y alejándose afortunadamente de intentar ofrecernos algo que vaya más allá de lo que realmente puede llegar a aportar su sencilla pero efectiva propuesta.   

Valoración 0/5: 3

Summer Camp

En la búsqueda de diversión y nuevas experiencias, cuatro jóvenes estadounidenses se apuntan como monitores en un campamento de verano en Europa. Están preparados para todo: insectos, noches en vela, niños gamberros… pero no para que ese sea su último verano. Al llegar al campamento, una extraña infección que causa furia extrema sumerge al grupo en una espiral de terror y locura. Comienza entonces una carrera a contrarreloj para encontrar la fuente del contagio y poder salvar sus vidas.

No podía faltar dentro del festival la última producción Filmax, film producido por Jaume Balaguero y puesta de largo en la dirección de Alberto Marini responsable de los guiones de «Mientras Duermes«, «El desconocido» o «Extinction«, «Summer Camp» se presenta como una curiosa vuelta de tuerca al temario infectados/zombies cuya validez solo tiene un disfrute desde una perspectiva claramente fan, solo y únicamente desde ahí, una horror movie que pervierte de forma algo desinhibida los clichés del género de terror moderno de modo tan honesto como gamberro, una perversión de conceptos que le otorga al conjunto una cierta originalidad pese a la manifiesta modestia del producto. «Summer Camp» parte de una idea muy sencilla para terminar convirtiéndose en un aceptable grindhouse patrio que aporta de pasada algo de frescura al temario genérico del bodycount en base a un cruce involutivo en el tono de comedia –horror, algo ligeramente parecido y salvando las lógicas distancias a lo que vimos en las dos primeras «Evil Dead«, la intención aquí está bastante clara..un simple disfrute de marcado tono gamberro, el intentar por otra parte buscar algún tipo de consistencia en un producto de estas características es hasta cierto punto absurdo.  

Valoración 0/5: 2’5

Martyrs

Lucie escapa de un almacén en el que estaba cautiva y acaba en un orfanato. Una década después, localizará a la familia que la torturó, pero su deseo de venganza será el portal hacia un horror aún mayor.

Enésimo revisionada yanqui de un film de genero europeo, en esta ocasión el «Martyrs» de Pascal Laugier, el hacer nuevas versiones de films algo recientes suele ser sinónimo de fracaso tanto en lo comercial como lo artístico, el film de los hermanos Goetz seguramente se convertirá en un perfecto paradigma de ser un ejercicio tan innecesario como fallido, por mucho que sus directores nos aconsejes visionar la película como algo independiente al original, algo bastante complicado la verdad, poco importa su correcta factura técnica pues estamos ante una película que anula por completo tanto la fiereza como la idiosincrasia y atributos que poseía film original, me atrevería a decir incluso que estamos más que ante un remake a una reconversión que la direccionan hacia lo más puramente convencional, muy extremadamente sobre explicada en su parte final, aquella en la que toma un camino diferente a su predecesora y que termina por despojándola del impacto que poseía el film francés..en definitiva un trabajo muy precindible.

Valoración 0/5: 1’5

Video resumen

El Apóstata

Para renunciar al pasado y dar la bienvenida al futuro, para curarse, para emanciparse, Tamayo, un hombre de treinta y pico años, debe apostatar ante jurisdicciones, autoridades, burocracias y otras membresías vitales. Durante un arduo proceso de búsqueda y cuestionamiento se colarán la intermitente relación que mantiene con una prima, algunos pecados de niño cruel, el vínculo con una espiritualidad forastera, sus dificultades para seguir el camino paterno, las promesas y mieles de una madurez nueva.

Galardonada con una mención especial del Jurado y el Premio FIPRESCI «El Apóstata» es el nuevo trabajo del uruguayo Federico Veiroj, film que se presenta como un perfecto ejemplo en donde un enunciado-premisa está por encima del resultado que nos ofrece, en «El Apóstata» asistimos a la aproximación de un relato en donde una crisis de identidad deriva en una necesidad imperiosa de romper con todo lo establecido, película de tono tan original como extraño, de una cierta concepción cinematográfica admirable, hay muchos matices interesantes en la propuesta de Veiroj pero el film termina siendo una obra demasiada esporádica en sus variantes temáticas, relato pseudofilosófico, comedia irreverente y muchos más temas que orbitan de forma dispersa alrededor de este Apóstata, dando la sensación que su director anda tan despistado y en ocasiones tan ausente como su protagonista, un Álvaro Ogalla que se me antoja insuficiente, carece del carisma y la experiencia que el papel requería. «El Apóstata» termina siendo una fábula algo distinta, agradables por momentos al esquivar lo obvio pero desaprovechada y confusa en la mayor parte de su metraje, demasiadas direcciones solo expuestas de una manera leve y otras que simplemente no son desarrolladas, la desidia y la abulia del ser humano como principal obstáculo a sus propósitos por ejemplo.     

Valoración 0/5:2’5

The Boy and the Beast

Kyuta es un niño solitario que vive en Tokio y Kumatetsu es una criatura sobrenatural aislada en un mundo imaginario. Un día el niño cruza la frontera al mundo imaginario y entabla amistad con Kumatetsu, que se convierte en su amigo y guía espiritual. Este encuentro los llevará a multitud de aventuras.

«The Boy and the Beast» tuvo el honor de ser la primer película animada a competición en toda la historia del festival, algo que se intuye como lógico y más viendo como otros certámenes de categoría A ya lo habían apostado por dicha premisa con algunos años de antelación, abrir nuevas vías y conceptos de manera justificada siempre será un motivo tan renovador en lo positivo como gratificante en su intención, el nuevo film de Mamoru Hosoda no defraudo, posee virtudes claramente reconocibles aunque si cabria resaltar que pese a ser un film muy válido estamos ante un trabajo algo inferior a sus anteriores «Summer Wars» o «Wolf Children«, poseedora de un tono quizás más asequible y menos hermético para un sector de público que le costaba entrar en películas anteriores suyas, «The Boy and the Beast» utiliza de manera acertada la metáfora de la animalidad del individuo para discernir acerca de su propia identidad, lazos familiares y aprendizaje social, todo ello desde una óptica de claro tono didáctico perfectamente inherente e inculcado dentro del imaginario oriental de la animación, de espacios abrumadoramente detallados y poderío visual rico en matices pese un argumento algo convencional. Un Mamoru Hosoda en definitiva quizás algo menor, pero que tras la desaparición de Satoshi Kon y la retirada de Hayao Miyazaki ya tiene que ser una figura considerada de forma incuestionable como el principal referente actual de la animación nipona.

Valoración 0/5:3’5

Irrational Man

El profesor de filosofía Abe Lucas ha tocado fondo a nivel emocional y se ve incapaz de encontrarle ningún sentido ni alegría a su vida. Poco después de empezar a dar clase en la universidad de una pequeña localidad, Abe conoce a dos mujeres: Rita Richards, una profesora que se siente muy sola, y Jill Pollard, su mejor estudiante, que se convierte en su amiga más íntima. Aunque Jill quiere a su novio, Roy, encuentra irresistible la personalidad artística y atormentada de Abe y se siente cada vez más fascinada por él. Pero todo cambia por puro azar, cuando Abe y Jill se ponen a escuchar una conversación de unos desconocidos y se quedan absortos con ella.

Woody Allen presento dentro de la sección Perlas su último film «Irrational Man«, película que recupera conceptos y estilos ya vistos en anteriores trabajos suyos, la pregunta sería ¿esos matices ya conocidos esta entre lo mejor o lo no tan bueno de Allen? «Irrational Man» se sitúa en lo entonado del director neoyorquino, tomando claras referencias a Dostoievski (Crimen y Castigo) y partiendo como en él es habitual en muchos de sus  relatos a partir de una pequeña idea que logra articularla alrededor de una historia de marcado tono existencialista, que discierne a través de un humor cínico en el tema de la moralidad, moviéndose al mismo tiempo sobre la consabida línea vital que divide el bien y el mal.

Posiblemente estemos  ante una película que resulta algo menos fascinante que otras obras suyas, pero recordemos que Woody Allen nunca deja de ser disfrutable, fresco e inteligente, de genialidad única, aquí ofreciendo un sutil ejercicio filosófico de lo más apetecible, y eso para un autor de casi ochenta años y que sigue haciendo películas de una manera continua es algo digno de alabar.

Valoración 0/5:3

El rey de La Habana 

Reinaldo, tras fugarse de un correccional, trata de sobrevivir en las calles de La Habana de finales de los 90, una de las peores décadas para la sociedad cubana. Esperanzas, desencantos, ron, buen humor y sobre todo el hambre, le acompañan en su deambular, hasta que conoce a Magda y Yunisleidy, también supervivientes como él. Entre los brazos de una y de la otra, intentará evadirse de la miseria material y moral que le rodea, viviendo hasta el límite el amor, la pasión, la ternura y el sexo más desvergonzado.

Después de presentar en San Sebastián hace unos años «Pan Negro» Agustí Villaronga vuelve al festival con la adaptación de la novela homónima del escritor cubano Pedro Juan Gutiérrez «El rey de La Habana«, libro que no he tenido oportunidad de leer por lo que no puedo discernir sobre la fidelidad de dicha adaptación, si sin embargo valorar esta desafortunada película que se sitúa muy por debajo de anteriores trabajos del director mallorquín. «El rey de La Habana» fracasa de manera estrepitosa  a la hora de retratar un relato de realismo sucio mediante una mixtura genérica, drama-comedia, que no llega a funcionar en ningún momento, más que nada porque ese tono humorístico nunca llega a ser fluido y casi siempre es barnizado en base a una representación del sexo demasiado chabacana que termina anulando cualquier atisbo de cine social de tono profundo, algo que se me antoja como un elemento esencial en el relato, el mensaje aquí es claro..nacemos en la mierda y morimos en ella..pero todo es contado de manera demasiado liviana, carece por completo de ese atrevimiento formal tan característico en el cine de Villaronga, un éxtasis y el tormento el de este «El rey de La Habana» mal formulado y pobremente narrado, por más que se insista en demasía en el dicho la mejor manera de afrontar un problema es con humor, en esta ocasión el conjunto está muy lejos de estar cohesionado de una manera acertada..una pena.   

Valoración 0/5:1’5

Drifters

Minna, que se gana la vida trapicheando droga, tiene dificultades para pagar el alquiler, por lo que, tras timar a unos delincuentes, huye con el dinero. Se encuentra con Katja, una madre a la que los servicios sociales han retirado la custodia de su hijo. Minna y Katja se trasladan a una residencia ilegal a las afueras de la ciudad, donde un grupo de personas ha decidido unirse y elegir sus propias condiciones de vida. Pero uno de los hombres a los que Minna engañó la anda buscando, lo que acarreará consecuencias impredecibles a todos los habitantes de la residencia. El filme es un moderno drama social sobre la lucha de una mujer por salir adelante en los niveles más bajos de la sociedad.

La ópera prima del director sueco Peter Grönlund «Drifters”»que se presentó dentro de la sección Nuevos Realizadores bascula dentro de una coordenadas de relato social de marginalidad y bajos fondos bastante acentuado, todo ello en base a una sencillez narrativa que funciona de manera algo irregular, un universo tan inquietante como desalentador que nos es ofrecido bajo un inconfundible tono realite que roza por momentos el trazo documental, algo que en su puesta en escena y en base a un nivel claramente descriptivo funciona de manera puntual pero que le resta empatía hacia unos personajes algo carentes de profundidad, un reparto en su mayoría no profesional que cumple y en donde destaca muy por encima del resto su actriz principal Malin Levanon, «Drifters» termina siendo un film correcto en esencia  pero claramente carente de ambición, en una estructura fílmica que parece más preocupada por el retazo social que por los personajes que la pueblan.

Valoración 0/5:2

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