Categoría: Festivales

Darling

Carter es una solitaria joven que es contratada como cuidadora de una antigua y misteriosa mansión en Manhattan. Pasa la inmensa mayoría de sus horas en soledad y desde ese momento seremos testigos de su descenso al infierno de la locura.

Mickey Keating en poco más de tres años se ha establecido como un cineasta bastante afín y activo en lo referente al género de terror actual, no solo en lo relativo a su vertiente como director sino también en la de guionista e incluso en la de productor de sus propios trabajos, si sus anteriores Ritual y Pod no dejaban de ser leves esbozos de naturaleza poco convincente en lo concerniente a sus postulados, en Darling da un ligero golpe de timón en estilo y temática y nos ofrece un thriller psicológico con elementos de terror con la premisa del aislamiento expuesto tanto a nivel psíquico como físico, algo que la direcciona inequívocamente y de manera poco disimulada a films referencia en dichas líderes como pueden llegar a ser el Repulsión de Roman Polanski o el The Shining de Stranley Kubrick, todo ello barnizado con un estilo de características algo arty y marcado tono alucinatorio, de connotaciones casi experimentales, su fotografía en blanco y negro y un ligero trazo críptico en lo concerniente a su narración así lo atestigua. El riesgo formal asumido por Mickey Keating en Darling es indudable aunque esto no siempre es garantía de éxito, podríamos aseverar sin riego a equivocarnos que nos encontramos ante un producto en donde prima más los que son sus loables y valientes intenciones que lo que termina siendo su resultado final.

Uno de los mayores problemas a la hora de enfrentarnos a un film de las características de Darling reside en su muy endeble guion, no hay una narración argumental valida en lo referente a su desarrollo, estamos ante esa clase de productos en donde cualquier excusa vale para un propósito final, en este caso dado tanto por su inverosimilitud en lo concerniente a varios aspectos de su historia (realmente hay una necesidad real de una cuidadora en la casa) como por la poca profundidad en lo referente a su historia y personajes, tampoco la ambivalencia que quiere dotar Mickey Keating al conjunto llega a ser de un nivel satisfactorio, para crear o sugerir una duda (en este caso lo referente a si realmente la protagonista llega a estar desequilibrada por ella misma o por causa de la casa) se requiere de una consistencia evolutiva por parte del personaje principal (uno de los puntos positivos de Darling es la esforzada interpretación de Lauren Ashley Carter, rostro muy reconocible dentro del género actual) algo que no ocurre principalmente por el tono casi episódico que llega a emplear Mickey Keating a la historia, un irregular lienzo estilístico en donde se llega a abusar en algo del fotograma abrupto como mero vehículo gratuito a la hora de intentar perturbar al espectador.

Darling termina convirtiéndose de una manera clara en un producto fallido por su no posicionamiento estructural, aun así tiene la ligera virtud de pertenecer a esa clase de películas de muy bajo presupuesto que se apartan del consabido trazo convencional genérico en lo referente a lo que son sus propuestas, films como I Am a Ghost o The House on Pine Street (bastantes más superiores al film de nos ocupa) nos recuerdan que aún existen  sendas a explorar dentro del género de terror, del talento de su director depende que el riego final asumido sea reconocido para bien, Mickey Keating y su Darling de una forma evidente se queda a medio camino, aun así estamos ante un director inquieto y de naturaleza evolutiva, la relativa buena acogida de su último film en los pasado festivales de Sundance y Sitges de Carnage Park (un nuevo cambio de registro) parece confirmar un nuevo paso adelante por parte de un autor que no convendría perder de vista en un futuro.

Valoración 0/5:2’5

The Eyes of my Mother

Un forastero llega a una apacible granja. Ahí viven Francisca y su madre, una cirujana de origen portugués que enseña a su hija los secretos de la anatomía. La inesperada visita terminará en tragedia y traumatizará, a la par que despertará la curiosidad, de la pequeña Francisca.

El director neoyorkino Nicolas Pesce presento en MolinsTerror una de las películas más esperadas después de las buenas sensaciones y criticas de las que venía precedida tras su premiere en el pasado festival de Sundance y poder verse hace bien poco en Sitges, la estilizada The Eyes of my Mother nos ofrece una particular y muy estimulante visión de horror gótico a través de una mirada autoral tan fascinante como atípica.

Rodada en portugués e inglés y provista de una imponente fotografía en blanco y negro The Eyes of My Mother transita básicamente a través de una pesadilla de contornos minimalistas, su apuesta es tan clara en este sentido que puede jugarle alguna que otra mala pasada como por ejemplo ejercer una cierta sensación de estar más ante un cuidado mediometraje que voluntariamente obvia el profundizar en lo referente de los personajes secundarios, sin embargo la opera prima de Nicolas Pesce (27 años) no llega a desperdiciar ni una sola de sus imágenes, cuidando al máximo todas sus costuras, una pequeña y cuidada pieza de orfebrería de síntesis genérica muy ambivalente, su supuesta catalogación podría ser la de una piece arty de horror de tono malsano, de hecho la historia que nos es contada no es nueva, si lo es en la manera que lo hace, a raíz de un hecho traumático la pequeña Francisca queda marcada en lo psicológico, a partir de ese momento su dañado imaginario anidara a través de una locura de la que ella no parece ser plenamente consciente. The Eyes of my Mother es una de las propuestas más interesantes del presente curso, una apuesta atípica que basa su principal potencial en que su incuestionable buen gusto a un nivel estrictamente técnico y audiovisual no entra en ningún momento en conflicto en lo concerniente al tono retorcido y enfermizo que nos llega a exponer.

Valoración 0/5: 4

K-Shop

Salah regenta una tienda de kebabs junto a su padre, en medio de una transitada calle donde por las noches se reúnen los jóvenes para beber. El padre de Salah se verá envuelto en un fatídico accidente y él solo deberá a tirar hacia adelante con el negocio. Noche tras noche deberá aguantar un desfile de xenófobos, borrachos y especímenes de lo más variopintos, finalmente Salah deberá decidir si poner fin a esta situación o aguantar todo tipo de vejaciones.

La 35 edición del festival de cine de terror de Molins de Rei volvió a proyectar una ópera prima (un denominador común bastante frecuente en el certamen que hay que agradecer) dentro de su sección oficial, K-Shop puesta de largo en la dirección del británico Dan Pringle nos sitúa dentro del subgénero de justicieros con un claro trasfondo de crítica social partiendo como detonante esa Inglaterra de clase moral baja en donde todo tipo de borrachos, racistas y celebridades surgidos de los reality televisivos parecen erigirse como un nuevo status dentro de la actual sociedad. En K-Shop, una especie de versión british del Falling Down de Joel Schumacher con claras reminiscencias al imaginario de Sweeney Todd, hay poco lugar para la ironía o el humor negro a modo de comedia de horror (una lástima, esa tienda de kebabs que de alguna manera absorbe ese extracto de la sociedad para devolverlo en forma de comida podría haber funcionado bien en lo referente a tal concepto), posiblemente Dan Pringle se tome demasiado en serio el discurso moral de una película en donde sus dos horas de duración resultan algo largas, un déficit este especialmente visible en lo referente a varias sub tramas que son expuestas pero ni siquiera desarrolladas, también hay un abuso y reiteración de escenas documentales en donde vemos el desvarió moral que acontece en las calles de la urbe. Aun así K-Shop parte de una premisa al menos interesante, intenta esgrimir apuntes curiosos (esa referencia a  Henry Kissinger, o ese retrato de indefensión del inmigrante dentro de una sociedad que lo rechaza), lástima que finalmente solo sean ligeros retazos expuestos en un film al que le cuesta sobre manera encontrar un timing adecuado tanto en lo referente a su narrativa como a la hora de plasmar un discurso.

Valoración 0/5: 2

Under the Shadow

“Under the Shadow” nos sitúa en el Tehrán de 1988, cuando la guerra entre Irán e Iraq llega a su octavo año, una madre y su hija son lentamente separadas por las campañas de bombardeos a la ciudad. Mientras intentan sobrevivir juntas al terror un misterioso espíritu maligno las empieza a acechar en su apartamento..

Uno de los films que más expectación ha ido generando tras su paso por el circuito de festivales de genero durante este año fue la iraní Under the Shadow, la opera prima a cargo Babak Anvari coproducida entre Reino Unido, Qatar y Jordania tiene la virtud de exponer un compendio hacia el terror que queda equilibrado de manera notable a medio camino entre la clara alegoría socio-política y el relato folclórico tradicional de tono sobrenatural.

A la hora de hablar de Under the Shadow se le ha remitido de forma constante al Babadook de Jennifer Kent, lo cierto de que aparte de partir de una premisa bastante parecida, una joven madre e hijo-a aislados ante una amenaza sobrenatural la mirada de ambas es bastante diferente, si la cinta australiana se direccionaba más hacia el trauma psicológico aquí nos encontramos ante un drama doméstico de contornos casi intimistas revestido de cuento de terror que contextualiza su acción durante la guerra Irán-Irak. Babak Anvari indudablemente sabe cómo generar atmósferas opresivas, ya sea a través del uso depurado de las claves del género o como espejo de las asfixias sociales representadas en el film en base a fracturas de las sociedad iraní de la época, sin embargo hay momentos en que uno tiene la clara sensación de que Under the Shadow entra en un claro conflicto a la hora de asimilar o conjugar ambas percepciones, se agradece que ese denominado tren de la bruja funcione a modo de vehículo hacia la inquietud como funcional elemento genérico, por el contrario uno echa en falta un mayor grado de sutileza en lo referente a exponer su supuesta metáfora ideológica, hay tramos en el film en donde quizás no hacía falta poner con tanto énfasis el acento, aun así Under the Shadow por su condición de relato de puro terror de clara naturaleza bicéfala deviene como una de las óperas primas más vigorosa y estimulante del presente año.

Valoración 0/5: 3’5

Tear Me Apart

Abandonados por la sociedad surgida del colapso de la civilización tal y como la conocemos, dos hermanos (Frazer Alexander i Alfie Stewart) es ver forzados a vivir por su cuenta y riesgo en medio de un Cronwall desierto y salvaje. A pesar de que el mayor (Alexander) intenta mantener un cierto grado de humanidad en su supervivencia, el menos (Stewart) cae en el canibalismo atacando a los viajeros solitarios y devorándolos para sobrevivir. Hasta que Molly (Jennie Eggleton) apareció en sus vidas, no habían conocido a ninguna mujer, cosa que lleva sus instintos masculinos básicos y sus emociones afectivas al límite.

La ópera prima del realizador Alex Lightman Tear Me Apart nos sitúa en un escenario post-apocalíptico para ofrecernos un producto que se aleja del survival de acción al uso bastante habitual en este tipo de films para adentrarse en un drama de tono minimalista provisto de un trazado narrativo algo lento que aborda básicamente una serie de cuestiones éticas que han de afrontar una serie de personajes ubicados dentro de un escenario extremo, en cierta manera la premisa de la que parte Tear Me Apart no es muy diferente a la de Z for Zachariah de Craig Zobel o de The Survivalist de Stephen Fingleton, tres únicos personajes que se debaten  entre luchar por intentar conservar la poca humanidad que parece quedarles o dejarse llevar por sus instintos más básicos (en este caso representado en el film por la necesidad de recurrir al canibalismo), todo ello aderezado con algún que otro toque filosofal en su argumento que remiten a claros ecos de Adán y Eva en lo concerniente su conclusión, eso sí desarrollado a un nivel bastante más modesto en lo referente a lo que son sus recursos económicos y en donde las por momentos loables y esforzadas intenciones que denota a la hora de intentar crear un discurso propio a cargo de  de Alex Lightman sirven para salvar en parte la extrema modestia en la que se fundamenta un producto de las características de Tear Me Apart.

Valoración 0/5: 2

Lake Bodom

La peor pesadilla de un campista se hizo realidad en el lago Bodom en 1960, cuando cuatro adolescentes fueron apuñalados hasta la muerte mientras dormían en su tienda de campaña. Ahora, cincuenta años más tarde, otro grupo de campistas revivirán aquellos hechos…

El finlandés Taneli Mustonen presento en TerrorMolins el slasher Lake Bodom, un film con y en cierta manera para adolescentes que se adentra en dicho subgénero con esa peculiar visión del concepto tan característica en este tipo de películas proveniente de los países nórdicos, una transmutación territorial de la temática que no deja de ser algo curiosa a la hora de compararla al partir de una génesis con unos claros fundamentos y denominación de origen norteamericano. Lamentablemente esa mirada solo conseguimos apreciarla parcialmente en lo referente a sus formas y no en su contenido, paradójicamente Taneli Mustonen en Lake Bodom parece querer salirse de la tangente de esa previsibilidad ofreciéndonos un par de vueltas de tuerca en su argumento a la hora de intentar dentro de lo posible sorprender a la audiencia, sin embargo estos giros en su trama aparte de llegar algo tarde se acercan más a una cierta incredulidad especialmente visible por su falta de credibilidad que al efecto sorpresa en sí mismo, dando la sensación de estar ante un producto que en líneas generales denota ser muy errático y en donde para más inri cuando intenta abordar de manera muy breve y mediante unos repetitivos flashbacks algún que otro elemento dramático en su historia como el bullying lo hace de forma muy desacertada en lo concernientes a lo que son sus formas.

Valoración 0/5: 1’5

We Go On

Miles Grissom tiene un pánico irracional a la muerte. Por ello ofrece una recompensa monetaria bastante suculenta para quien le dé una prueba irrefutable de si tras la muerte hay algo más, o si de lo contrario una vez se acaba nuestra vida no hay un siguiente paso.

Segundo trabajo tras las cámaras del dueto formado por Jesse Holland y Andy Mitton responsables hace unos años del muy curioso y nada despreciable found footage YellowBrickRoad, en We Go On nos ofrecen una por momentos muy peculiar ghost story narrada de forma poco convencional. We Go On es puro cine independiente low cost en toda su esencia, un film que en cierta manera funciona como dos películas dentro de una, tenemos una primera parte que nos es expuesta casi a modo de thriller psicológico de tono obsesivo en donde vemos como traumas y fobias de varias índole transitan a modo de eje argumental en lo referente a su historia, y una segunda parte de tono mucho más genérico y por lo tanto más explícita en lo referente a su contenido, que bebe de forma nada disimulada del concepto argumental visto en The Sixth Sense de M. Night Shyamalan. We Go On tiene la particular virtud de intentar explicar una historia que aunque ya vista en multitud de ocasiones en la gran pantalla no es contada aquí desde una perspectiva algo original, una virtud esta que al mismo tiempo consigue que sus evidentes carencias (presupuestarias o interpretativas principalmente) queden situadas en un segundo término.

https://youtu.be/VURXPtrH7aA

Valoración 0/5: 3

The Unseen

Bob sufre una extraña enfermedad por la cual escoge alejarse de su mujer e hija. Pero cuando su hija se vea envuelta en un secuestro, Bob deberá volver a su pueblo y hacer frente la cruda verdad, pues es portador de una enfermedad que lo está haciendo desaparecer lentamente. Para salvar a su hija será capaz de todo y nada ni nadie podrán detenerlo.

La ópera prima del realizador Geoff Redknap revisita el personaje clásico del hombre invisible pero otorgándole aquí un cariz genérico que puede llegar a confundir por momentos al aficionado del fantástico predispuesto a una visión algo diferente de la que finalmente vemos en el film. Básicamente porque en The Unseen nos encontramos ante drama familiar en donde se incide mucho en una traumática relación paterno filiar, de hecho el elemento fantástico de la invisibilidad (abordada aquí casi a modo de enfermedad degenerativa y principal causa de dicha ruptura familiar) no deja de ser una mera excusa argumental a la hora de abordar un drama de relaciones con alguna que otra endeble deriva que la direcciona ocasionalmente hacia el thriller. The Unseen termina siendo una esforzada película con cierto aroma al cine de los ochenta, poseedora de un acabado técnico bastante pulido y aceptable dado su bajo presupuesto pero que por momentos se ve claramente afectada en su narrativamente por una indecisión genérica a la hora de abordar según que tramos de su historia, una carencia esta que por momentos llega a ser bastante visible.

https://youtu.be/HDJT8sQfF0E

Valoración 0/5: 2

Let Her Out

Tras sufrir un accidente, Helen comenzara a sufrir pesadillas, pequeñas pérdidas de memoria y alucinaciones. Después de una visita al doctor, este le detecta que tienen un tumor benigno que no es otra cosa que restos de su gemela. Este descubrimiento no hará sino que volver más paranoica a Helen que cada vez estará más convencida que su gemela nonata esta junto a ella.

De la mano de la productora  canadiense Black Fawn Films (Bite, Antisocial, The Drownsman) nos llegó  la muy explícita Let Her Out, otro modesto film que se adentra de lleno en el subgénero del denominado body horror movie de la mano del realizador Cody Calahan (Antisocial 1 y 2), una película que aborda la premisa del desdoblamiento de la personalidad (muy a la manera de La Mitad Oscura de Stephen King) a través de ese supuesto e infernal gemelo onírico expuesto en el film desde una perspectiva de claro tono feminista y dotada de una generosa dosis de gore, algo que en cierta manera hacen que el producto sea relativamente disfrutable en lo referente a su total carencia de sutileza en su historia o en no llegar a caer en una posible concesión a la hora de intentar ironizar de alguna manera con su argumento, en Let Her Out no hay lugar para dobles lectura o posibles metáforas, la película no deja de ser una serie B de trayecto muy directo y agresivo, dotada de una saturada visualización provista de una gran cantidad de luz de neón en su puesta en escena, pero también y por muchos momentos muy deslavazada narrativamente y poco compacta en lo que es su conjunto, paradójicamente es ahí en esa deriva cuando de alguna forma la película llega a funcionar como un mero y simple disfrute fan a modo y consonancia con el desvarió mental que sufre la protagonista.

Valoración 0/5: 2

Del 11 al 20 de noviembre está teniendo lugar la 35 edición del festival de Cine de Terror de Molins de Rei, uno de los certámenes de género fantástico más veteranos del país que ha fundamentado sus señas de identidad durante todos estos años en su conocido maratón de 12 horas. En estos últimos años ha habido una voluntad muy palpable por parte del festival de intentar crecer dentro de sus limitadas posibilidades (continua, seguramente para bien, siendo un pequeño evento que funciona en base al entusiasmo casi desinteresado de quienes lo organizan). Entre otras cosas TerrrorMolins ha pasado en estos últimos años a ser miembro de la Federación Europea de Festivales de Cine Fantástico o de tener una sección de largometrajes a competición, del mismo modo en la presente edición se han incrementado los días de duración del certamen a nueve y aprovechando el leitmotiv (mutaciones) de este año y acompañado con las proyecciones de las películas The Fly de David Cronenberg coincidiendo con su 30 aniversario y The Man with the X-ray Eyes de Roger Corman el festival ha tenido para bien el editar su primer libro oficial Puede ser contagioso. Las mutaciones en el cine de género. Una edición la de este año también tiene la novedad de contar con una inauguración y clausura propias, si el próximo viernes 18 se proyectara a modo de cierre el The Neon Demon de Nicolas Winding Refn la apertura de este año corrió a cargo del debut en la dirección de Kurro González La madriguera.

Debido a un suceso trágico, Carlos, un escritor de éxito, pierde las ganas de escribir y se encierra en casa, pero la editorial insiste en que cumpla su contrato. Al verse incapaz de salir de esa situación, su editor decide enviarle a Caterina, una joven ayudante que admira su trabajo. Su presencia hace que Carlos recupere cierto orden, y le empuja a realizar verdaderos esfuerzos para superar los miedos que le paralizan. Carlos ve en Caterina la oportunidad de concluir su novela, y no está dispuesto a dejarla marchar… Nunca.

Hace bien poco hablábamos de Pet segundo trabajo tras las cámaras de Carles Torrens a propósito de su reciente pase por el festival de Sitges, en la presentación previa a la proyección este a modo de curiosa advertencia alertaba al público de no tomarse excesivamente en serio la historia de iban presenciar, posiblemente debido a su muy juguetón guion, La madriguera al igual que el film de Torrens parte de una premisa bastante parecida, el secuestro o rapto expuesto a modo de thriller psicológico bajo una escenificación de claro trazado minimalista, una premisa llevada a cabo en multitud de ocasiones a la gran pantalla y cuya piedra angular seguramente sea la magnífica The Collector de William Wyler. La referencia antes citada al film de Carles Torrens con respecto a La madriguera viene dada en base al posicionamiento diametralmente opuesto entre ambas pese a partir de una premisa casi idéntica, si Pet incidía en el consabido juego entre el gato y el ratón aderezado con un curioso cambio de roles en lo referente a sus personajes la opera prima de Kurro González se decanta más hacia la exposición del retrato de un perfil psicológico en su vertiente más puramente dramática.

No deja de ser meritoria la muy modesta en medios apuesta llevada a cabo por Kurro González y Francisco Conde (actor principal, guionista y productor) en La madriguera un film en donde se apuesta por un retrato de personajes que transitan a través del miedo heredado a través de un hecho traumático y como este actúa como percutor de conductas desviadas, sin embargo es algo visible que en la película hay un conflicto evidente entre su clara apuesta por la dramatización de sus personajes y el generar tensión a través de sus actos, ese posicionamiento en tierra de nadie entre el drama y el thriller en donde se sitúa por momentos La madriguera es muy visible en una narración algo irregular que le cuesta encontrar el ritmo adecuado especialmente en su primera parte. Aun así y pese alguna que otra deriva más La madriguera tiene la particularidad y la ligera virtud y en cierta manera su propia razón de ser en no ser una película al uso de secuestros que incida en lo manido de su trama, algo que la direcciona en la actualidad en ser casi un producto de naturaleza algo atípica, hay una voluntad muy manifiesta en sus responsables en retratar perfiles y comportamientos psicológicos y situarlos en base al uso de un acertado espacio escénico de tono opresivo en detrimento de caer en la tentación de adentrarse en lo gratuito del golpe de efecto argumental , algo muy característico en este tipo de películas, de hecho en las escasas escenas en donde aparece una inevitable violencia se huye conscientemente de visualizar lo explicito, toda una declaración de intereses que de alguna manera e independientemente de su resultado final siempre es un posicionamiento que se llega a agradecer.

Valoración 0/5:2

The Limehouse Golem

Londres, 1880. Una serie de asesinatos sacuden el ya de por sí peligroso distrito de Limehouse, y los vecinos comienzan a conjeturar que tan monstruosos crímenes solo pueden ser obra del Golem. Desesperada, la policía pone al experimentado detective Kildare al frente de la investigación.

Juan Carlos Medina fue el encargado de clausurar la presente edición del festival de Sitges, después de su muy válida opera prima Insensibles 2012 (otra estimulante revisitación en clave fantástica de la guerra civil española) presento la película The Limehouse Golem, su primer trabajo en lengua inglesa que adapta la prestigiosa novela de Peter Ayckroyd Dan Leno and the Limehouse Golem, un film que fundamenta prácticamente sus únicas virtudes en un esforzado diseño de producción a la hora de recrear una lúgubre atmosfera ubicada en el Londres de finales del siglo XIX.

The Limehouse Golem tiene básicamente su razón de ser como un producto de naturaleza algo atípica dado los tiempos que corren, un thriller de época victoriana con ciertas reminiscencias góticas que bebe de la trama detectivesca y que incorpora en su narrativa conceptos genéricos y reverenciales tales como Jack el destripador, el golem, el mítico monstruo surgido de la mitología judía o que su protagonista se llame Lizzie Borden, una premisa en definitiva que no es algo muy habitual de ver hoy en día en el cine, sin embargo este envoltorio ciertamente atractivo expuesto a medio camino entre lo romántico y lo barroco se queda solo en eso, un enunciado provisto de una factura y una puesta en escena ciertamente impecables que no llega a disimular un muy torpe guion a cargo de Jane Goldman que denota una previsibilidad bastante manifiesta a la hora de abordar su conclusión, una película que en definitiva se sitúa en unos barómetros en lo referente a su valía artística bastante limitada, un ejercicio correcto pero desprovisto de esa substancia necesaria a la hora de llegar a trascender.

Valoración 0/5: 2

Voyage of Time

“Voyage of Time” es un documental existencialista sobre la naturaleza, un apasionante recorrido por la historia de la vida, desde su creación hasta día de hoy, con imágenes entre otra muchas cosas más de medusas, embriones de cocodrilo, nebulosas, un enorme cañón en Utah y Ganímedes, la luna de Júpiter.

Terrence Malick dirige su mirada al inicio de los tiempos con el documental Voyage of Time, una exploración de connotaciones más estéticas que informativas y en donde la visión de clara naturaleza poética y cósmica por parte del director norteamericano nos sitúa en una especie de tratado por momentos algo pretencioso acerca de la historia de la vida, que en cierta manera incluso se puede ver como un apéndice documentado y onírico de sus The Tree of Life, To the Wonder y Knight of Cups.

Posiblemente el mayor problema de Voyage of Time radique en la decisión de guiarnos a través de unas palabras que no llegan a estar en a la supuesta altura y trascendencia de sus imágenes ni tampoco del poder hipnótico de sus sonidos dando cierta sensación de que dicho texto hablado existe como un mero anexo o adorno más dentro un hiperbólico decorado, pero también hay un grave problema de fondo en el documental que llega a ser por momentos muy visible a lo largo de todo su metraje, en el podemos apreciar como Terrence Malick lejos de conformarse con ofrecernos un documental de naturaleza sugerente aspira a abarcar todo el concepto de la existencia como tal, con todo lo que ello implica a la hora de situarse en las antípodas de ese sostén narrativo que explora el cine como síntesis de la emoción, es quizás por esta cuestión por lo que los seguidores incondicionales al cine de Terrence Malick se puedan sentir algo decepcionados ante un producto de las características de Voyage of Time, situándose de alguna forma como película- antítesis de la propia inventiva de su autor, ofreciéndonos en esta ocasión un film más diseñado para un público de naturaleza más contemplativo que asociativa, posiblemente desde otra mirada autoral Voyage of Time encontraría de alguna manera su razón de ser, sin embargo proviniendo de alguien como Malick esta denota una falta y una pérdida de ambigüedad en favor de generar un vacío conceptual ciertamente decepcionante por tratarse de quien se trata.

Valoración 0/5: 2’5

Dearest Sister

Nok abandona su aldea en dirección a la gran ciudad. Allí se instala en casa de su prima Ana, recluida a causa de una extraña enfermedad que la está dejando ciega y que también la enfrenta a violentos encuentros sobrenaturales, tras los cuales farfulla una serie de números que anticipan los boletos ganadores de la lotería. ¿Será capaz Nok de enriquecerse a costa del tormento de su prima?

Toda una estimulante sorpresa resulto ser la película Dearest Sister vista en la sección Noves Visions, un film proveniente de una cinematografía prácticamente inexistente como es la de Laos, y que para más inri está dirigido por una mujer, Mattie Do, la primera fémina en dirigir una película en dicho país con su anterior opera prima Chanthaly (2013).

Dearest Sister transita a través del drama mundano de connotaciones realistas en donde nos adentramos en una especie de terror de claro trazado psicológico a través de un hecho fantástico que nos es expuesto en el film casi a modo de MacGuffin. Mattie Do parece más interesada en mostrarnos ese devenir dramático en sus personajes ubicados y reflejados dentro de un significado cultural especifico que en desarrollar ese elemento de género de una forma convencional, y es aquí en donde Dearest Sister valiéndose de una mirada de claro tono femenino gana enteros y en cierta manera su propia razón de ser en lo referente a su condición de producto que nos da una visión genérica un tanto inusual a través de una inquietante narrativa que conjuga historias de fantasmas clásicos fusionados con el folklore local de Laos para ofrecernos un cuento de naturaleza impredecible y por lo tanto especialmente espeluznante en lo referente a sus expectativas,  debajo de esta ghost story nos encontramos ante una interesante exploración de esa intersección entre la cultura occidental y la de Laos, en la películas podemos ver diversos apuntes tales como por ejemplo la complejidad social existente en el hecho de como los hombres blancos se casan con mujeres de Laos o los efectos de la participación empresarial europea en el país. Un terror el expuesto en Dearest Sister plagado de múltiples capas a la hora de abordar y plantearnos una inquietud o un suspense expuestos en el film de una forma tan original como inusual dentro del actual panorama de cine de género.

Valoración 0/5: 3

Arrival

Cuando misteriosas naves espaciales aterrizan en diferentes lugares del planeta, un equipo de élite liderado por la experta lingüista Louise Banks (Amy Adams) es reclutado para investigar. Mientras la especie humana se encuentra al borde de una guerra global, Banks y su equipo buscan respuestas a contrarreloj, y para encontrarlas, Banks correrá un riesgo que podría amenazar su vida y posiblemente a la humanidad.

Había la sensación (algo infundada) de que la primera incursión de Denis Villeneuve en el cine de ciencia ficción podía servirle a modo de preparatoria con vistas al rodaje de la muy ambiciosa Blade Runner 2 como una primera toma de contacto dentro del género fantástico, Arrival, drama adulto de ciencia ficción y adaptación algo libre del relato corto “The Story of Your Life” del escritor Ted Chiang que se pudo ver con anterioridad en los festivales de Venecia y San Sebastián no solo es posiblemente la mejor película vista este año por lo que respecta a un servidor sino que además pone el listón muy alto, quizás demasiado, en lo referente a los futuros trabajos del director franco-canadiense.

Arrival protagonizada por una incuestionable Amy Adams no deja de ser un rotundo triunfo como concepto genérico, ciencia ficción de primer nivel provista de ambiciosas y múltiples tesis, una película fascinante que no nos habla de invasiones extraterrestres sino de reflexiones transcendentales a través de ellas, a medio camino entre el drama psicológico y la ciencia ficción de tono minimalista y tesis existencialista plagado al mismo tiempo de un variado catálogo de ecos al cine de  Kubrick el film nos plantea la celebración de la comunicación como herramienta de claro sostén político-social, indagando de la misma manera en su repercusión a través de la moral y la futura existencial de la humanidad. Denis Villeneuve (maestro a la hora de crear ambientes perturbadores a través del sonido, ojo a esa resolución musical a cargo de Johan Jóhannsson en la primera incursión en la nave extraterrestre) tiene aparte la virtud de no llegar a perder la noción de verosimilitud del relato en ningún momento de la narración, basando su poderosa solidez en la fuerza que otorga las imágenes en relación a los sentidos. Más adelante y con vistas a su futuro estreno comercial el próximo mes de noviembre hablaremos con más detenimiento de esta fascinante obra destinada no solo a ser la mejor película de vista en este 2016 sino a ser una pieza clave y referencial a la hora de entender la evolución de la ciencia ficción en el cine en un futuro.

Valoración 0/5: 4’5

Yoga Hosers

“Yoga Hosers” se centra en dos jóvenes de 15 años de edad, Colleen Collete y Colleen McKenzie que tienen como principales pasiones el yoga y sus móviles y que suelen trabajar después de la escuela en una tienda llamada EH-2-Zed. Las dos chicas despiertan de manera accidental un antiguo mal enterrado bajo la tienda en que trabajan y libera un ejército de monstruos, las Colleen tendrán que unir sus fuerzas con un legendario hombre cazador de Montreal llamado Guy Lapointe para acabar con el enemigo.

Kevin Smith, el antiguo niño mimado del cine independiente norteamericano presento su última película Yoga Hosers, segunda parte de la llamada True North Trilogy, una inclasificable y descontrolada comedia particular y familiar, concepto este entendido no en lo referente al público que va destinado la película sino en el hecho de estar hecho en familia, muy al estilo del inefable Robert Rodriguez con su saga Spy Kids, Yoga Hosers  entra de lleno en ese tipo de cine que da la sensación de que los únicos que se divirtieron con ella fueron los que la hicieron.

Reconozco que nunca he sido un entusiasta del cine de Kevin Smith, ese globo que se desinflo a partir de Dogma ¿alguien se acuerda de ese film?, aunque he de decir que sus anteriores Red State y Tusk me parecieron muy defendibles, dos films que guste o no de esa mirada autoral expuesta por su director reflejaban un interesante intento a la hora de explorar nuevos territorios genéricos. Yoga Hosers se sitúa a medio camino entre un descalabro artístico de difícil justificación y un lúdico y despreocupado paréntesis a modo de atrevida broma tontorrona por parte de Kevin Smith, es harto complicado el tomarse con un mínimo de rigor el intentar desgranar una película de estas características, puede llegar a entenderse parcialmente como una especie de mirada ácida que ridiculiza en parte a la generación snapchat, o una mastodóntica hibridación de conceptos levada su máxima expresión, sea como sea el resultado final que nos ofrece la película está más cerca de la charlotada infantiloide que de cualquier tipo de crítica social en forma de comedia bizarra. Si finalmente uno quiere adentrarse en el imaginario reverencial y underground de Kevin Smith es mucho mejor ver su show televisivo Comic Book Men, mucho más accesible y sobre todo interesante que el despropósito que supone Yoga Hosers como película.

 Valoración 0/5: 1

Prevenge

Ruth está embarazada de siete meses y, como todas las madres, siente una conexión total con su bebé. Pero en su caso hallamos una particularidad: el niño nonato insta a la mujer a matar a todo aquel que se interpone en su camino.

Prevenge, opera prima como directora de la actriz británica Alice Lowe, conocida por esto lares por protagonizar Sightseers de Ben Wheatley, que también se encarga del guion y de la interpretación fue la encargada de clausurar este año la sección Noves Visions (Mencion especial del jurado), una película que transita a modo de versión algo corrosiva del Baby Blood de Alain Robak, una conjugación entre el humor negro y el terror que por momentos funciona de forma liviana en base a un humor algo extraño (que nadie espere ver una versión nonata en clave de terror de Look Who’s Talking) en donde conforme avanza su argumento deviene como algo mucho más oscuro y amargo de lo que en un principio pueda parecer. Prevenge, película modesta donde las haya (11 escasos días de rodaje) posiblemente y en contra de la opinión de muchos que la pudieron ver en Sitges tiene como concepto valido su firme apuesta por lo políticamente corrosivo pero con la habilidad de no llegar a excederse en dicha materia en ningún momento, una película en donde el humor intenta tener algo de trasfondo, esa desmitificación acerca de la maternidad que en su conclusión queda de alguna manera justificada argumentalmente sirve de perfecto ejemplo de todo ello en un film que dada su propia modestia de claro producto de espíritu independiente cumple a la perfección en lo referente a lo que son sus intenciones.

Valoración 0/5: 2’5

Palmares

Sección Oficial Fantàstic Sitges 49ª

Premio Mejor Película: SWISS ARMY MAN, de Daniels

Premio Especial del Jurado: LA AUTOPSIA DE JANE DOE (THE AUTOPSY OF JANE DOE), de André Øvredal

Premio Mejor Dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa): Yeong Sang-ho, por TRAIN TO BUSAN

Premio Mejor Interpretación Femenina: Sennia Nanua, por MELANIE. THE GIRL WITH ALL THE GIFTS

Premio Mejor Interpretación Masculina (patrocinado por Autolica – Mercedes Benz): Daniel Radcliffe, por SWISS ARMY MAN

Premio Mejor Guión: Jeremy Slater, por PET

Premio Mejores Efectos Especiales: Jung Hwang-su, por TRAIN TO BUSAN

Premio Mejor Fotografía: Hong Kyung-pyo, por EL EXTRAÑO (THE WAILING)

Gran Premio del Público (patrocinado por La Vanguardia): THE HANDMAIDEN, de Park Chan-wook

Premio Mejor Cortometraje Sección Oficial Fantàstic

CURVE, de Tim Egan

Mención especial a LIMBO, de Konstantina Kotzamani

Premio José Luis Guarner (Jurado de la Crítica)

THE NEON DEMON, de Nicolas Winding-Refn

Premio Citizen Kane a la Mejor Dirección Novel

Julia Ducournau, por GRAVE (CRUDO)

Premio Jurado Carnet Jove a la Mejor Película

GRAVE (CRUDO), de Julia Ducournau

Menciones especiales a THE LURE, d’Agnieszka Smoczynska y SWISS ARMY MAN, de Daniels

Noves Visions ONE

UNDER THE SHADOW, de Babak Anvari

Mención especial a PREVENGE, de Alice Lowe

Noves Visions PLUS

A DRAGON ARRIVES, de Mani Haghighi

Mención especial a ARE WE NOT CATS, de Xander Robin

Premio Mejor Cortometraje Noves Visions Pequeño Formato: LA FEMME ET LE TGV, de Timo Von Gunten

 Panorama Fantàstic

I AM NOT A SERIAL KILLER, de Billy O’Brien

Òrbita

LO CHIAMAVANO JEEG ROBOT, de Gabriele Mainetti

Focus Àsia

EL EXTRAÑO (THE WAILING), de Na Hong-jin

Mención especial a DEAREST SISTER, de Mattie Do

Anima’t

Premio Mejor Película: YOUR NAME, de Makoto Shinkai

Premio Mejor Cortometraje: DARREL, de Marc Briones y Alan Carabantes

Midnight X-Treme

IT STAINS THE SANDS RED, de Colin Minihan

Brigadoon

ARCANA, de Jerónimo Rocha

Méliès d’Argent

Premio Mejor Película Europea SOFC 49: GRAVE (CRUDO), de Julia Ducournau

Premio Mejor Cortometraje Europeo SOFC 49: DAWN OF THE DEAF, de Rob Savage

Blood Window

1974, de Victor Dryere

Premis SGAE Nova Autoria

Premio Mejor Guión: EN LA AZOTEA, de Miguel Casanova y Damià Serra

Premio Mejor Direcció-Realització: CABEZA DE ORQUÍDEA, de Violeta Blasco, Germán Andrés López, Carlotta Napolitano, Angélica Sánchez y Claudia Zegarra

Premio Mejor Música Original: ROGER, de Jan Fité

Premio IV Laboratorio de Escritura de Guión Cinematográfico: LOS INVITADOS, de Carla Guimarães

The Neon Demon

Jesse es una chica que llega a Los Angeles, California, para hacer su sueño realidad: convertirse en supermodelo. Pero su juventud y belleza despertará al demonio, y se verá atrapada en un peligroso mundo de envidias y celos en el que las modelos están dispuestas a todo para triunfar.

Posiblemente si ha habido una película este año que haya  generado un mayor debate acerca de su supuesta valía artística esta ha sido sin lugar a dudas The Neon Demon, el nuevo film de Nicolas Winding Refn que al igual que su anterior y por lo respecta a un servidor su mejor película hasta la fecha Only God Forgives fue vilipendiada en la pasado edición del festival de Cannes por parte de la prensa, algo que en parte se veía venir si uno conoce mínimamente los parámetros críticos que suele haber en el festival francés, un colectivo que parece seguir empeñado en direccionar la carrera de Nicolas Winding Refn en base a un film como Drive, incapaces de darse cuenta que este trabajo no deja de ser una anomalía (muy comprensible) en la trayectoria del director danés.

En cierta manera Sitges si que supo apreciar de algún modo los paramentos visuales y estéticos en los que se fundamenta la creatividad cinematográfica de Nicolas Winding Refn muy presentes en The Neon Demon (premio de la crítica), pedir algo más dentro del palmarés oficial con Mick Garris y Brian Yuzna como jurado quizás hubiese sido algo excesivo aunque para nada extraño, no hace falta ser ningún genio para darse cuenta de que el cine de Nicolas Winding Refn es mucho más afín en concepto a un certamen como el de Sitges que a cualquier otro festival de categoría A. The Neon Demon es un muy perverso y macabro cuento de hadas adulto, expuesto en forma de deslumbrante viaje visual acerca de la corrupción de la inocencia en base a los cánones actuales de la belleza y que sirve al mismo tiempo como una clara metáfora a modo de reflexión sobre el carácter efímero de tal concepto, un  viaje pausado y de clara espiral onírica hacia lo más oscuro que anida dentro del ser humano y en donde como viene siendo habitual en su director la metáfora y estética van cogidas de la mano en una película en donde se acrecienta la sensación por parte de Nicolas Winding Refn de un alejamiento cada vez más palpable con respecto a un naturalismo estructural, un posicionamiento que aquí vuelve a apostar por una estilización radical de la narración visual y sonora en clara contraposición a cualquier otra forma de elaboración con respecto a la construcción del relato, The Neon Demon sublima la realidad y posee al mismo tiempo un catálogo de imágenes crudas, estilizadas e hipnóticas que se regodean y devoran entre ellas mismas, muy a semejanza de esas modelos completamente obsesionadas por ser las más bellas del lugar. The Neon Demon no es un producto de estética vacua y mensaje superficial como sistemáticamente sus detractores se empeñan en afirmar de forma muy repetitiva, todo lo contrario, estamos ante un film que termina siendo un inmejorable vehículo por parte de un director que en esta ocasión ha podido modelar a su pleno antojo para poder dar rienda suelta a sus mejores habilidades como autor, un autor en donde la imagen como primigenia expresión artística deviene como totalmente primordial.

Valoración 0/5: 4

Operation Avalanche

Estamos en 1967, y la Guerra Fría está caliente, caliente, con la carrera espacial como punta de lanza. La CIA cree que un espía ruso se ha infiltrado en la NASA para sabotear el programa Apollo, y tienen la “brillante” idea de mandar a unos agentes del departamento de audiovisual para que se hagan pasar por documentalistas y desenmascaren al topo. Lo que descubrirán, sin embargo, será algo mucho peor.

Segunda película como director del norteamericano Matt Johnson tras su muy estimable The Dirties, un film en donde se exponía una muy curiosa perspectiva alrededor del bullying aplicado al cine como herramienta disociativa, en  Operation Avalanche vuelve a incidir en el  falso documental o en el supuesto metraje encontrado denominado found footage aunque posiblemente la catalogación de mockumentary sea más acorde con el film, en esta ocasión en base a una interesante por momentos premisa acerca de la hipótesis desarrollada según la cual el hombre nunca llegó a la Luna.

Hablando hace bien poco a propósito de Blair Witch señalábamos el claro agotamiento formal del recurso del found footage aplicado a un cierto tipo de cine de terror, un género que en estos últimos años se ido agotando hasta límites insospechados dicho recurso cinematográfico, afortunadamente hay otros géneros aun no explotados de forma tan masiva como el antes citado, Matt Johnson al igual que en su anterior The Dirties utiliza tal recurso en esta ocasión para adentrarse en la fabulación de un hecho real a través de un tono conspirativo y en base a un concepto casi de leyenda urbana a medio camino entre el thriller, el cine de espías  y unos apuntes de comedia intermitentemente incrustados, curiosamente lo mejor que funciona en Operation Avalanche es ese ensamblaje genérico que en ningún momento da la sensación de chirriar, aparte hay un trabajo de referencias (plasmando perfectamente en el clima social y de paranoia reinante a finales de los 60 e incidiendo en la mitología con una curiosa e impagable aparición de Stanley Kubrick )y un manejo de recursos por parte de Matt Johnson muy a tener en cuenta (alternando notablemente el formato de grabación de tono granulado con imágenes de archivo), lástima que a la película le falte un paso, esa sensación de producto de lujoso e interesante envoltorio pero cuyo estructura interior no acaba de funcionar en toda su plenitud, aquí muy visible en lo referente un argumento que llegados a un punto se agota incapaz de mantener el ritmo narrativo aplicado hasta ese momento. Aun con estas evidentes derivas Operation Avalanche es un producto de lo más disfrutable, pero sobre todo nos encontramos ante un autor de talento inquieto y lo que es más importante dotado de un ingenio que a falta de pulir otras facetas se muestra a día de hoy de lo más prometedor en un futuro esperemos que no muy lejano.

 Valoración 0/5: 3’5

Without Name

Eric es un topógrafo que no está pasando por el mejor de los momentos: su matrimonio está fracturado, y su hijo apenas le reconoce. Quizá por eso, no duda en aceptar el encargo de un misterioso cliente. En medio del bosque, Eric está a punto de descubrir un secreto que nadie quiere reconocer.

La arriesgada cinta irlandesa Without Name, opera prima de realizador Lorcan Finnegan presentada en Noves Visions volvió a ser (como viene siendo costumbre dentro de dicha sección) una perfecta muestra de ese tipo de películas de costuras genéricas visiblemente ambivalentes, en donde su puesta en escena a través de la creación de una atmosfera y ambiente de raíz densa y su utilización del sonido devienen como herramientas claves a la hora de construir un relato de claro tono metafísico.

Without Name nos habla básicamente de una metamorfosis, o de cómo intentar generar tensión a través de ella, una cinta que transita en los parámetros de un supuesto terror ecológico aquí representado bajo la apariencia de un bosque en donde  vemos como este se alimenta de la ansiedad vital del protagonista, un hombre de mediana edad que está atravesando una crisis familiar y social bastante aguda, es en su contacto con la naturaleza cuando esta devenga como un ente de connotaciones evolutivas.  Without Name termina siendo una película muy poco dada a racionalizar una narración digamos convencional, de ritmo extremadamente plausible Lorcan Finnegan nos propone un discurso de naturaleza muy ambigua, quizás demasiada, un tipo de cine en donde lo estrictamente sensorial cobra una vital importancia a la hora de desgranar las bases en las que supuestamente se sustenta. Uno tiene la sensación final de estar ante una película atractiva pero que no acaba de posicionarse de una manera clara con respecto a lo que son sus intenciones, evidentemente no es un film de terror al uso, más bien todo lo contrario, Lorcan Finnegan parece querer explicarnos una historia contada de algún modo al revés en donde el elemento fantástico actúa a modo de resolución ante los problemas reales ya desde un principio, lástima que en su trayecto Without Name opte por una narrativa de tono demasiado ambiguo, algo difusa y de muy difícil digestión para según qué públicos, algo que en cierta manera la lastra a un conclave excesivamente minoritario e incluso excluyente a la hora de poder abordarla de una forma más direccionada a la racionalidad.

Valoración 0/5: 3

Three

Durante una noche confluyen diversas historias en un hospital: un sospechoso detenido que se niega a declarar ante la policía, un hombre que afronta una operación crucial, un hombre que ha quedado malparado tras una operación, un jubilado con ganas de escapar por el hospital, etc. Una doctora es testigo y partícipe de todas estas historias.

Esta edición del festival de Sitges ha tenido para bien el volver a contar con dos películas de la mítica Milkyway, por un lado la estimable Trivisa dirigida a tres bandas por Jevons Au, Vicky Wong, Frank Hui, y por otro el film que aquí nos ocupa, Three, la vuelta del maestro Johnnie To al thriller de acción, aunque en este caso una acción muy estilizada y algo esporádica (de echo solo visible en una única escena, eso sí, majestuosa) todo ello adornado con un peculiar y esporádico tono de tragicomedia que impregna todo el relato.

No deja de ser curioso el hype festivalero (en Sitges siempre muy presente) que a según qué realizadores se les suele otorgar de manera algo caprichosa, hará unos diez años había una necesidad casi perentoria de colocar a Johnnie To en un primerísimo plano, films como Breaking news, Election, Exiled o Mad Detective entre otras lo justificaban de una forma muy lógica, sin embargo en los últimos años esta corriente crítica de reivindicación y elogio se ha ido misteriosamente apagando, también es verdad que el director hongkonés no ha incidido mucho en el thriller en estos últimos tiempos pero no deja de ser curioso que sus magníficas Vengeance y Drug War no hayan tenido un mayor eco, todo esto viene a colación con la escasa repercusión (prácticamente ha pasado desapercibida) que ha tenido en Sitges una película como Three, quien lo hubiera dicho hace diez años.., evidentemente un autor de la talla de Johnnie To está muy por encima de estas estúpidas corrientes hype de festivales, Three posiblemente sea un título algo menor en la carrera de To, aunque claro una obra menor dentro de su filmografía, algo que no impide que seguramente estemos ante el mejor film hongkonés del año.

Three no deja de ser una laboriosa pieza de orfebrería cinematográfica, Johnnie To nos propone un juego en el que se van colocando todas sus fichas de forma parsimoniosa hasta llegar a ese instante final en el que todas ellas quedan perfectamente alineadas, en un film ubicado en un único escenario (al igual que en su anterior y magnifica Office), planteándonos una virtuosa construcción del espacio casi a semejanza de una obra teatral, y utilizando el exterior casi como un concepto de abstracción no presente dentro de la acción propiamente dicha. Three es una película hecha con oficio por parte de un maestro que en esta ocasión parece sustentarse en un argumento algo clásico en donde la tensión es el combustible de una narrativa que busca de ese instante tan característico en las películas de su director,  visible en Three en la majestuosa escena del tiroteo final rodada con una maestría al alcance de muy pocos realizadores.

Valoración 0/5: 4

Le complexe de Frankenstein

Desde sus orígenes a la revolución digital, el cine siempre ha creado monstruos. Le Complexe de Frankenstein es un viaje a lo largo de un siglo de imaginación. Con suculentas entrevistas y con material exclusivo de películas como Gremlins o Parque Jurásico, el documental explora el inquebrantable vínculo entre las criaturas y sus creadores, auténticos doctores Frankenstein del séptimo arte.

Otro de los documentales que se pudieron ver este año en Sitges fue Le complexe de Frankenstein a cargo de Gilles Penso y Alexandre Poncet que anteriormente ya habían incidido en el documental cinematográfico con su reverencial y en mi opinión más conseguida Ray Harryhausen: Special Effects Titan. Le complexe de Frankenstein es un ameno trabajo de manual explicativo, relativamente disfrutable, en donde nos narra la creación cronológica de los monstruos más representativos en la historia del cine y por ende la evolución del maquillaje y del efecto especial dentro del fantástico, desde sus inicios hasta día de hoy con la irrupción y asentamiento del efecto digital dentro de la industria. Posiblemente el mayor problema de un documental de estas características sea que aborda un temario tan extenso que a uno le queda la sensación de haber asistido a solo una parte de dicho tratado, como ejemplo demostrativo me remito a la nómina de entrevistados que aparecen en Le complexe de Frankenstein, aunque algo generosa en número insuficiente pues evidentemente faltan nombre importantes (sin ir más lejos no vemos en ningún momento a Tom Savini entre otras muchas ausencias), teniendo uno al final una cierta impresión de estar más antes una especie de esbozo convencional de tono algo liviano en lo referente a su exposición más que ante un trabajo de estructura concluyente.

Valoración 0/5: 2

La región salvaje

El sexo y el amor pueden resultar frágiles en ciertas regiones donde existen fuertes valores familiares, hipocresía, homofobia y machismo. Una misteriosa joven está convencida de que algo sobrenatural podría ser la respuesta a todos sus problemas…

Tras su merecido premio como Mejor Director en el reciente festival de Venecia y su pase por el festival de San Sebastián el mejicano Amat Escalante presentaba la esperada La región salvaje, una rompedora y muy particular incursión en el género fantástico que transita a través de la realidad mexicana por parte de uno de los principales talentos del llamado nuevo cine latinoamericano.

La región salvaje utiliza al igual que lo hacia Possession de Andrzej Zulawski (con la que guarda unos inequívocos y muy interesantes puntos de conexión) la metáfora social dentro del género fantástico para incidir el devenir en esta ocasión del relato de un país en pleno proceso de autodestrucción moral, un conclave territorial plagado de carencias afectivas y sexuales, en el film todo esto llega a ser expuesto de una manera alienante, como casi de una autoral sci-fi sexual se tratase Amat Escalante prescinde en esta ocasión del hiperrealismo tan característico visto en anteriores trabajos suyos para exponer en modo genérico las pulsaciones más primarias del ser humano dentro de un contexto determinado, un monstruo de tentáculos fálicos venido del espacio es utilizado como ente liberador y al mismo tiempo castigador de los males de una sociedad visiblemente enferma, la hipocresía, homofobia, misoginia o machismo son síntomas inequívocos de la oscura realidad mexicana de hoy en día, aquí vistos a través de un doble juego de espejos en donde el realismo social de la urbe choca frontalmente con el elemento fantástico e incluso fabulario del bosque, más adelante y con más tiempo volveremos a hablar con más detenimiento de esta arriesgada y fascinante obra, para el que suscribe esto una de las películas más ambiguas y rompedoras del presente curso.

Valoración 0/5: 4

The Stakelander

La pesadilla de Stake Land sigue en esta secuela, escrita por el mismo guionista que la original. Tras la desaparición de su mentor, Martin debe seguir su lucha por la supervivencia en una América salvaje y llena de vampiros. Nada detendrá al protagonista, decidido a encontrar al único hombre que puede ayudarle a obtener la venganza que tanto desea.

Desangelada continuación del título vampírico de cierto culto titulado Stake Land (2010) a cargo de Jim Mickle, un curioso film en donde se abordaba la temática del vampiro como concepto de plaga desde una visión post-apocalíptica de curioso tono contemplativo poseedor de unos atípicos apuntes sociales –religiosos poco habituales en este tipo de películas, The Stakelander sigue en parte el enunciado de esta premisa aunque sin la misma que frescura y soltura que su predecesora, de echo uno tiene la sensación de estar ante una película que solo tiene su principal razón de ser como un concepto continuista no desarrollado de forma convincente de su original, y poco más, no basta con aplicar una fórmula que en parte funciono (solo a un nivel meramente minoritario dicho sea de paso), se requiere de algo más, la sensación de estar ante un producto rutinario, por momentos aburrido (lo peor que le puede pasar a un producto de estas características) e incluso de naturaleza inesperada está presente a lo largo de todo el metraje de una película que deviene como algo completamente innecesario.

Valoración 0/5: 1’5

Daguerrotype

Jean empieza a trabajar como ayudante de un fotógrafo obsesionado con el arte arcaico de los daguerrotipos y atormentado por la muerte de su esposa, cuya presencia aún se nota entre las sombras.

El gran Kiyoshi Kurosawa que en la sección oficial presentaba la extraordinaria Creepy estuvo por partida doble en el certamen con otro trabajo, su no menos excepcional Le Secret de la Chambre Noir (Daguerrotype) vista en la sección Noves Visions, el primer trabajo a cargo del director nipón que realiza fuera de su Japón natal (de alguna manera su mediometraje Seventh Code le sirvió de toma de control ante esta inmigración autoral) y en donde nos ofrece su trabajo posiblemente más clasista, de claro componente melodramático y poseedor de un sutil y comedido elemento fantástico expuestas a través de unas coordenadas de claras influencias Hitchcockorianas en especial de la fundamental Vertigo.

En la exquisita Daguerrotype (uno de los mejores films vistos este año en Sitges) no hay rastro de cualquier tipo de pérdida de identidad propia en el discurso autoral que nos suele proponer Kiyoshi Kurosawa, más bien da la sensación de todo lo contrario, pocas veces en los últimos años se ha podido ver en cine una ghost story de un estilo tan sutil, elegante y comedido como el que se muestra Daguerrotype, un film plagado de innumerables matices a la hora de abordar un relato en donde lo gótico y el romanticismo de connotaciones obsesivas se funden a través de un tratado narrativo que termina derivando acerca de la alienación contemporánea que sufre el ser humano expuesto en la película a modo de esa confrontación tan habitual en el cine de Kiyoshi Kurosawa que bascula entre lo fantasmagórico y lo real, aquí alcanzando cuotas tan hipnóticas como indivisibles en lo referente a la textura de ambos conceptos. Daguerrotype cobra una dimensión ciertamente turbadora a través  de escenarios en apariencia comunes (un suburbio francés en la actualidad) y a la hora de plantear diversas y muy variadas dicotomías cinematográficas, en definitiva una nueva exquisitez por parte de un autor único que a cada nuevo trabajo suyo consigue sorprender en base a la exposición de estimulantes y sofisticados contrastes genéricos solo al alcance de un genio como Kiyoshi Kurosawa.

 Valoración 0/5: 4   

Swiss Army Man

“Swiss Army Man” nos cuenta la historia de Hank, un náufrago atrapado en una isla desierta que justo cuando ha perdido cualquier esperanza de volver a casa y encontrarse al borde del suicidio encuentra en la orilla de la playa el cadáver de Manny, un cuerpo sin vida con el que inesperadamente entabla una fuerte relación de amistad. Juntos inician una extraña aventura con la que Hank espera reencontrarse con la mujer de sus sueños.

Swiss Army Man, opera prima de Dan Kwan y Daniel Scheinert se alzó con el premio a la Mejor película y a la Mejor Interpretación Masculina para Daniel Radcliffe (aunque si dicho galardón hubiera recaído en Paul Dano a nadie le sorprendería en lo más mínimo) en la presente edición del festival de Sitges, una comedia indie con elementos anómalos en donde la anécdota escatológica de su premisa sirve como mera excusa a la hora de plantear mediante un ingenioso trazado narrativo un trasfondo emocional mucho más profundo de lo que en apariencia pueda parecer.

Es evidente que en estos últimos años ha habido una clara factura con respecto a seguidores y detractores de ese nuevo cine fantástico cada vez más presente en Sitges, en su mayoría cine independiente norteamericano muy característico del festival de Sundance que indaga en el género de manera algo conceptual, un tipo de cine tachado por algunos como hipster de manera algo despectiva, una tendencia que en parte choca de frente con respecto a ese otro tipo de cine más diáfano en lo concerniente a sus propuestas, nunca he sido partidario de la catalogación genérica, es mas siempre he sido favorable a la apertura de nuevos horizontes y nuevas formas de expresión cinematográficas dentro del fantástico, en cierta manera nunca he llegado a entender del todo el por qué no puede gustar de la misma manera tanto la última película de Rob Zombie como el cine Shane Carruth por ejemplo.

Swiss Army Man no es una historia de necrofilia, más bien transita a medio camino entre el lirismo y la ambigüedad a través de un viaje de autodescubrimiento plagado de elementos absurdos y poco convencionales, deviniendo de forma clara como claro exponente de ese tipo de cine al que me refiero más arriba, una película que incide en la aceptación y la realización personal a la que se llega a través de una relación casi fraternal, en este caso expuesto en forma de la peculiar interrelación del protagonista con un cadáver, un tratado acerca de la importancia de la vida como tal y el por qué merece la pena el seguir luchando por ella. Swiss Army Man tiene entre otros atributos un excelente empleo musical que queda fusionado de forma adecuada a una narrativa por momentos impredecible, algo que confirman a la opera prima de Dan Kwan y Daniel Scheinert como ese tipo de notables films impregnados de un realismo mágico direccionado a la reflexión social y moral de sus protagonistas, una singular y por momentos brillante propuesta en donde importa mucho más el trayecto que su propio destino.

Valoración 0/5: 3’5

Shelley

“Shelley” nos cuenta como Louise y Kasper son una pareja danesa que viven en una casa de campo en medio del bosque, lejos de la vida moderna, la tecnología e incluso la electricidad. El mayor sueño de Louise es ser madre, pero ella no tiene la capacidad de tener hijos. En su desesperación, finalmente decide hacer un pacto con su sirvienta Elena, que acepta llevar al hijo de Louise como madre de alquiler a cambio de una gran suma de dinero. Pero la vida que crece en su interior toma forma demasiado rápido y de una manera extraña, a partir de ese momento la paranoia y el horror rondarán el inminente nacimiento.

Shelley, producción danesa y opera prima Ali Abbasi es una nueva muestra del variado y muy sugerente muestrario del actual fantástico autoral proveniente de Europa, un film que se sitúa en las antípodas de lo que mucha gente pueda llegar a entender que representa el género de terror en la actualidad, es por eso que convendría (no tendría que ser así ni mucho menos) avisar al espectador despistado que no estamos ni de lejos ante una simple variante del Rosemary’s Baby de Roman Polanski, ni siquiera ante una película de terror al uso con embarazo-parto maléfico como principal premisa argumental (Baby Blood de Alain Robak, Grace de Paul Solet o la más famosa en dicha temática It’s Alive de Larry Cohen por poner solo algunos ejemplos que me viene a la cabeza a bote pronto), Shelley opta por una senda totalmente diferente, una vía rica en matices, y lejos de cualquier tipo de convencionalismos genéricos, una naturaleza arquetípica la nos muestra Ali Abbasi en su primer trabajo tras las cámaras que llegan a situar al film como una de las sorpresas más agradables del presente año.

Las principales virtudes que encontramos en Shelley podemos encontrarlas en dos apartados que aunque muy diferenciados entre sí en lo que es su percepción final se complementan casi a la perfección, por un lado asistimos al laborioso y notable trabajo técnico por parte de Ali Abbasi, haciendo especial hincapié en una dirección artística que prioriza una enrarecida atmósfera por encima de cualquier otro aspecto en el film, pues estamos ante una película que perturba e insinúa más que asusta en el sentido más chabacano de la palabra, teniendo la virtud añadida de sustentarse sobre un guion o una premisa principal muy poco sutil en su enunciado, en este aspecto es digno de alabar la notable utilización de espacios como ente opresor de sus protagonistas (esplendidas tanto Ellen Dorrit Petersen que ya habíamos visto en la excelente Blind como Cosmina Stratan), su gélida fotografía y la utilización del sonido, o la falta de él, son solo algunos de los acertados mimbres que se utilizan para incomodar al espectador dejando lo supuestamente explícito en la vertiente onírica del film, apartado este quizás utilizado de manera algo repetitiva, y por otro lado tenemos esa dualidad genérica de contornos conscientemente ambiguos que se nos plantea muy hábilmente durante la película, ¿hay realmente un elemento de índole fantástica en la historia o todo es fruto de la imaginación de algunos de los protagonistas?, en este aspecto es digno de albar la dirección que toma el film, pues aunque se sustenta sobre unas normas genéricas bastantes reconocibles la capacidad que hace gala Ali Abbasi a la hora de reinventar la historia de manera constante es del todo admirable.

El resolutivo plano final a modo de perverso cuento de horror que vemos en Shelley sirve como un inmejorable y aterrador broche de oro final al film, lejos de un posible mensaje críptico lo que nos cuenta Ali Abbasi es la doble vertiente perversa de la historia, de forma muy llana, por una parte la fantástica que ya habíamos podido intuir-sospechado en prácticamente todo el metraje del film, y por otro lado y no menos terrorífica la meramente humana, más retorcida si cabe y que se nos muestra de forma concluyente en esa última escena (aquí y salvando las lógicas distancias habidas y por haber toma como modelo referencial en su concepto esa obra maestra de Jack Clayton que es The Innocents). Shelley al igual que esa maravilla que pudimos ver el pasado año como es el Demon del malogrado Marcin Wrona pertenece por derecho propio a ese tipo de cine fantástico autoral proveniente de Europa, rico en múltiples y ambivalentes matices, tanto a un nivel metafórico como conceptual, en definitiva toda una sorpresa que nos remite a seguir con sumo interés la futura carrera como director de Ali Abbasi.

Valoración 0/5: 4

Dragon Girls! Les amazones pop asiatiques/ Plan B

Tigre y dragón presentaba una nueva imagen de la mujer asiática, guerrera e insumisa. Estas nuevas amazonas ocuparon otros territorios de la cultura pop, como el rock, los videojuegos o la moda, armadas con espadas o con guitarras eléctricas. De Pekín a Taipéi, pasando por Tokio, el realizador Yves Montmayeur ha entrevistado a algunas de las “dragon girls” más icónicas.

Muy irregular este año ha resultado el nivel medio de documentales vistos en Sitges, aunque ha habido trabajos notables como han sido De Palma, David Lynch: The Art Life, Tickled o The Sion Sono uno ha echado en falta trabajos que estaban ahí, dentro de una producción cada vez más fecunda e interesante a día de hoy y que por algún que otro motivo no se han podido verse este año en el festival. Si en la pasada edición Yves Montmayeur presento la muy estimulante The 1000 Eyes of Dr Maddin este año patino sobremanera con Dragon Girls! Les amazones pop asiatiques, insuficiente trabajo que tiene más condición de anexo que de documental como tal, un producto que apenas llega a la hora de duración en donde se nos intenta explicar el papel actual y pasado de la mujer asiática dentro de la cultura pop con especial incidencia en el cine. A Yves Montmayeur le viene grande un temario a priori tan extenso y que da para tanto, hay una falta de profundidad muy evidente pero sobre todo una errónea exposición a la hora de intentar diseccionar dicha evolución. Mucha entrevista y muy poco material de archivo, pero sobre todo una ausencia muy evidente en lo referente a los orígenes del concepto que se quiere desgranar, para más inri toda la primera parte del documental da la sensación de estar provisto de descartes del dvd de Crouching Tiger, Hidden Dragon de Ang Lee en base a las entrevistas Michelle Yeoh y Zhang Ziyi.

Valoración 0/5: 1’5

En plan B vemos como tres expertos en artes marciales se embarcan en la búsqueda de un tesoro que les permita salvar a un amigo de las garras de un gángster sin escrúpulos. Pronto se verán inmersos en una compleja conspiración que tiene como objetivo acabar con el capo de los bajos fondos berlineses.

A modo de necesario complemento al fallido documental de Yves Montmayeur se proyectó la desinhibida película alemana Plan B realizado a cuatro manos por parte de Ufuk Genç y Michael Popescu, una serie B de esforzadas artes marciales y comedia de claro tono intrascendente, un film que entra de lleno en esa especie de vorágine de revival del cine y concepto de los ochenta, en esta ocasión un modesto intento de homenajear al cine de acción de aquellos tiempos, especialmente el hongkonés, bordeando la  autoparodia aunque no sabemos si de forma voluntaria o no, en un producto que solo puede llegar a ser disfrutable en cierta manera a partir de una concreta mirada bastante pusilánime con respecto a lo que se nos llega a ofrecer.

Valoración 0/5: 2

O Ornitólogo

Fernando decide enfrentarse a la naturaleza contaminada de Tras-os-Montes en busca de cigüeñas negras, una especie en vías de extinción. Mientras observa a estos animales salvajes a bordo de su canoa, vuelca debido a los rápidos.

La sección Seven Chance dio la oportunidad de poder ver el nuevo y extraordinario trabajo (su más ambicioso hasta la fecha) del realizador portugués João Pedro Rodrigues O Ornitólogo, premio al mejor director en el pasado Festival de Locarno, un film inspirado libremente en la vida de San Antonio de Padua (figura fundamental y omnipresente dentro de la sociedad y la cultura portuguesa), una de las propuestas más brillantes y radicales de las vistas este año en Sitges, todo ello bajo la apariencia de un catálogo de clara naturaleza  contemplativa que transita a partes iguales entre lo inclasificable y lo fascinante a través de un viaje en donde la realidad y la espiritualidad mutan de forma insólita.

João Pedro Rodrigues, figura destacada de la hornada del nuevo cine portugués nos remite con O Ornitólogo a ese tipo de cine impregnado de belleza y sencillez de la que se suelen fundamentar las fabulas, vemos como el protagonista sufre un accidente de canoa, a partir de ese momento los contornos de civilización se irán desdibujando hasta encontrándose con la presencia de una serie de personajes a cual más extraños visiblemente entregados a un comportamiento plenamente selvático en donde tienen cabida desde peligrosos rituales paganos, animales sagrados, turistas chinas de comportamiento sectario haciendo el Camino de Santiago y otros seres de naturaleza mitológica que irán cuestionando poco a poco su propio sentido de la religiosidad. Un viaje iniciático el expuesto por parte de João Pedro Rodrigues que bascula principalmente mediante la metamorfosis y la propia necesidad de una imperiosa búsqueda de la espiritualidad, pero seguramente la mayor virtud entre otras de O Ornitólogo sea esa confusión y surrealismo notablemente impregnada de fantasía y sentido del humor con que nos es contada una historia que termina derivando al final en una lúcida reflexión acerca de nuestra propia identidad.

Valoración 0/5: 4

Terraformars

Basada en el manga homónimo creado en 2011 por la pareja creativa Yu Sasuga (guionista) y Kenichi Tachibana (dibujante). En pleno siglo XXI, la humanidad decidió empezar el proceso de terraformación de Marte, y para ello se envió una nave con musgo y cucarachas para que poblaran el planeta y generasen una atmósfera respirable por los seres humanos. Pasados 500 años, 15 personas seleccionadas entre lo peor de lo peor de la sociedad son enviadas al planeta rojo con un objetivo: eliminar a todas las cucarachas, las cuales han evolucionado hasta convertirse en humanoides con una fuerza y agilidad extrema, además de un odio visceral hacia los seres humanos. Para poder llevar a cabo la misión los 15 exterminadores recibirán una pequeña ayuda: su ADN es modificado, ganando cada uno de ellos el poder especial de un insecto determinado que les ayudará en su lucha contra las cucarachas marcianas.

La ración anual tan característica de Takashi Miike en Sitges (que presento la película aprovechando su estancia en la localidad en donde rueda su nueva película JoJo’s Bizarre Adventure: Diamond is Unbreakable) vino de la mano de Terraformars, un lujoso live action en donde adapta el manga obra de Yu Sasuga y Kenichi Tachibana.

En parte el gran problema de Terraformars es la fuerte apuesta por parte del directo nipón a la hora de adaptar un texto que a los no conocedores del manga les puede despistar sobremanera e incluso derivar en una posible saturación de contenidos, aquí no hay puentes posibles en intentar occidentalizar de alguna manera el producto, Terraformars es pura sci-fi de acción dotada de gran cantidad de CGI, a medio camino entre el Starship Troopers de Paul Verhoeven y una versión barroca y excesiva de Power rangers  Terraformars convierte en parte sus nada disimulados excesos y su imposible hibridación de géneros en su principal virtud y por consiguiente en su propia razón de ser. Hace tiempo que Takashi Miike dejo esa extrema vena autoral de pocos recursos económicos con la que se dio a conocer, sigue siendo un autor que está abierto a cualquier tipo de propuestas aunque desde una perspectiva algo diferente en lo referente a sus formas, no deja de ser una evolución de estilo conceptual ahora más dirigido a otro tipo de productos, adaptando todo tipo de mangas y animes e incluso adentrándose en la reinterpretaciones de clásicos del cine japoneses ( ahí están sus muy notables 13 assassins, Harakiri y Over Your Dead Body), unos trabajos que de alguna manera siguen siendo plurales en concepto por parte de un autor tan inclasificable para lo bueno y lo no tan bueno como es Takashi Miike.

Valoración 0/5: 2’5

Grave

Justine, una joven de 16 años, vive en una familia donde todo el mundo es veterinario y vegetariano. Desde su primer día en la escuela de veterinaria, Justine se desvía radicalmente de sus principios familiares y come carne. Las consecuencias no tardan en llegar y Justine empieza a desvelar su verdadera naturaleza.

El debut en la dirección de la francesa Julia Ducournau venía precedida por una muy buena acogida en la Semana de la Crítica del pasado festival de Cannes y por una campaña algo mediática por lo explícito de algunas de sus imágenes tras su reciente paso por Toronto, al final Grave deviene como una de las óperas primas más interesantes que ha dado el prolífico cine fantástico francés, algo aletargado en estos últimos tiempos, una versión cruda y algo más realista del Ginger Snaps de John Fawcett y al mismo tiempo una especie de revival de tono creativo del horror galo aunque en esta ocasión fundamentándose en una clara deriva alegórica.

Grave inquieta más que horroriza, quienes estén esperando un catálogo de escenas explicitas al uso y semejanza de por ejemplo de A l’interieur seguramente Grave le decepcionará, Julia Ducournau opta un camino muy diferente aunque igualmente intenso, y no inpidiendo de la misma manera que en la película podamos presenciar un par de escenas subidas de tono por lo que respecta a su crudeza, Grave transita principalmente a través de la metáfora, direccionado en dos vías que confluyen irremediablemente, asistimos en paralelo al despertar sexual de la protagonista, pero sobre todo a una inherente rebelión contra las pautas de comportamiento a las que nos vemos obligados a acatar por parte de la sociedad (expuestos en el film en base a las continuas y retorcidas novatadas a la que se ve sometida la protagonista en la facultad de veterinaria en la que acaba de ingresar) es ahí en donde hace acto de aparición el desorden alimentario que sufre la adolecente dando paso a un canibalismo hereditario como pulsación primigenia a la hora de exponer una especie de mecanismo de defensa de claro tono contestatario, una naturaleza carnívora que torpedea al mismo tiempo la moral de la joven Justine. En esta su opera prima de horror reflexivo Julia Ducournau pone el listón muy alto con respecto a futuros trabajos suyos, habrá que estar atentos a una expectativas que son indudablemente inmejorables.

Valoración 0/5: 3’5

I tempi felici verranno presto

Tommaso y Arturo se han escapado, buscando refugio en el bosque. Décadas más tarde, el bosque parece estar infestado de lobos, pero justo en ese lugar, Ariana descubre un extraño agujero. ¿Podrá Ariane ser la joven mencionada en la leyenda local que se cuenta en el valle? La razón por la que Ariane entró al agujero sigue siendo un misterio. Todos le añaden algo de su propia cosecha a la historia, pero concuerdan en una cosa: Ariane se encontró con el lobo.

El italiano Alessandro Comodin en I tempi felici verranno presto presento en Sitges la película posiblemente más críptica de las vistas este año dentro del certamen, aunque no por ello estemos ante un film en parte fascinante dado su propia naturaleza, evidentemente no es un tipo de cine direccionado a todos los paladares, al contrario, a semejanza del tailandés Apichatpong Weerasethakul Alessandro Comodin rompe con una narrativa convencional para adentrarse en una amalgama en donde predomina como denominador común la sensaciones más primarias como pueden ser, los gestos, la iluminación o el sonido, por el contrario el intentar encontrar un significado entre tanto entresijos argumental no es tarea fácil, la frontera entre la ficción contemplativa y el documental por la que se mueve el realizador italiano deriva en base a dos subtramas, por un lado el de dos jóvenes fugados, ubicados en medio de la naturaleza en donde van aflorando en ellos los instintos más primarios, por otra parte tenemos otra historia de un claro tono más fabulario, que intercala por momentos con el anterior, y en donde vemos a la joven Ariane, una chica residente en un pueblo que nos es introducida en el relato mediante un cuento con la figura de un lobo como ente metafórico del peligro y una abstracción que abre al mismo tiempo diversas conexiones alegóricas entre ambas historias.

En I tempi felici verranno presto subyace un impresionante trabajo de imagen, narrativa sincopada y sonido, que requiriere de un claro posicionamiento en lo referente a mantener la mente abierta lo máximo posible por parte del espectador, en esta labor esta la función de poder el apreciar en su justa medida un trabajo poseedor de un ensamblaje conceptual poco dado a la explicación teórica.

Valoración 0/5: 3

Antiporno

Kyoko es una artista de prestigio, joven y bella, que mantiene una sádica relación con su asistente… hasta que alguien grita “¡corten!”, y la personalidad de la protagonista se escinde en varias capas de delirio.

Sion Sono al igual que en la pasada edición (Tag, Love & Peace y The Virgin Psychics) y con permiso del gran Kiyoshi Kurosawa fue otro de los nombre clave de este año en Sitges, junto a The Whispering Star y el documental sobre su persona The Sion Sono pudimos ver Antiporno, una particular reinterpretación del roman porno en clara clave metalingüística.

En Antiporno Sion Sono vuelve a jugar según sus propias reglas, exponiendo un equidistante y transgresor (como no podía ser de otra manera) manifiesto artístico a modo de ensayo sobre la opresión de las mujeres en Japón a través de una velada crítica dirigida a la pornografía como concepto y a la hipocresía existente a día de hoy en la sociedad japonesas y la actual posición de la mujer con respecto a ello, discurso en el que ya incidió el director nipón aunque desde otra perspectiva completamente diferente en su anterior Tag. Una pesadilla feminista de tono onírico plagada de monólogos y vivida en primera persona a cargo de una ceñida Ami Tomite, todo ello expuesto en base a un inteligente uso del espacio escénico (al igual que en su magnífica The Whispering Star), Sion Sono vuelve a dinamitar como en él es habitual otra vez las posibles expectativas de las que parte el espectador incorporando nuevas capas narrativas conforme avanza la película de forma completamente inesperada, un imaginario tan extravagante como rico en matices ya sea a través de un onirismo extremo o de su propia y particular estética, un universo en definitiva el de Sion Sono que hacen de él un autor único que en base al exceso siempre encuentra de alguna manera una compleja lucidez, una virtud al alcance de muy pocos directores.

Valoración 0/5: 4

Tenemos la carne

Dos hermanos andan sin rumbo por una ciudad en ruinas en busca de algo de refugio y comida. Cuando entran por casualidad en uno de los pocos edificios que quedan en pie, se encuentran con un hombre muy singular. Este extraño individuo les hará una propuesta de lo más extraña y siniestra para sobrevivir al mundo exterior.

Tenemos la carne, el incendiario debut del joven Emiliano Rocha Minter (26 años) es un perfecto ejemplo del pujante nuevo cine mexicano, nombres como Carlos Reygadas, Jorge Michel Grau o Amat Escalante (no os perdáis su notable La Región Salvaje), o el beneplácito de directores ya consagrados como Alejandro González Iñárritu y Alfonso Cuarón ha servido de alguna manera para que esta nueva corriente de interesante y arriesgado cine autoral empiece a sonar con bastante fuerza, Tenemos la carne aparte de ser una extrema ópera prima nos ofrece una sugerente premisa en donde una grotesca performance hereditaria del arte y ensayo incide más sobre lo ambiguo que en lo preciso de la propuesta.

Posiblemente una gran mayoría de público y prensa que asiste con regularidad a Sitges hubiera preferido que la película que más le hubiera incomodado este año a través de lo explícito de sus imágenes hubiera sido Grave o el último film de Rob Zombie, sin embargo fue Tenemos la carne, un producto que sigue siendo de difícil digestión para un colectivo determinado como el de Sitges, más conservador y mainstream de lo que se puede pensar en un principio y no tan comprensivo con según qué tipo de cine, un producto que la organización del festival intento sacar de esa especie de bendito gueto que es la sección Noves Visiones. Tenemos la carne parte a través de una poética enfermiza en donde vemos como dos hermanos buscan cobijo en un supuesto escenario postapocalíptico, la irrupción de un tercer personaje servirá para dar entrada a todo tipo de parafilias sexuales, incesto, necrofilia y el canibalismo tendrán cabida progresivamente en un escenario en donde la naturaleza social del ser humano parece volver a unos orígenes de instintos primarios. Emiliano Rocha Minter posiciona un producto de voluntario contenido grotesco y enfermizo pero de clara y fascinante expresión evolutiva situándolo en las antípodas de la indiferencia del espectador,  exponiendo una ambivalencia formal que parece incidir en el análisis alegórico de un México actual alienado en donde el director se permite a través de una cuidadísima puesta en escena el lujo de mezclar con acierto la narración más caustica con insertos experimentales. Tenemos la carne parte del objetivo de intentar remover conciencias y conceptos en el buen sentido de la palabra, esto último no es ironía, cine de riesgo y valiente que necesita de más de un visionado, a ser posible lejos de la intoxicación de ese estancado colectivo que se levanta de las butacas a media proyección incapaz de poder asimilar nuevas coordenadas cinematográficas.

 Valoración 0/5: 4

El ataúd de cristal

Vestida para la ocasión con un elegante traje de noche, Amanda entra en la enorme y lujosa limusina que espera aparcada frente a su casa para llevarla a la gala en la que recogerá un premio a su trayectoria como actriz. De pronto los cristales de las ventanillas se tintan de negro, el móvil de Amanda queda deshabilitado y no puede abrir ninguna de las puertas. Y una voz, distorsionada por un filtro metalizado, le pide por favor que deje de intentar romper cualquiera de las ventanillas, va a ser imposible, eso también lo había previsto. Será mejor que asuma cuanto antes que está atrapada ahí dentro. A partir de ahora, si Amanda no quiere que pasen cosas más desagradables de lo estrictamente necesario, será mejor que durante el resto de la noche cumpla con todo lo que la voz le vaya ordenando.

Decepcionante debut por parte del director de origen vasco Haritz Zubillaga, El ataúd de cristal que se pudo ver en Sitges en rigurosa premiere mundial es un film en donde sus muy dilatados 75 minutos de duración se hacen por increíble que parezca demasiado largos. Una película que podría definirse como un cruce estilístico entre el thriller de supervivencia minimalista de un único escenario, muy al estilo del Buried de Rodrigo Cortés pero cambiando como escenario el ataúd por una lujosa limusina. El gran problema de la película es que en ningún momento llega a ser creíble la situación que nos es expuesta, lo único que podría salvar en parte un producto de las características de El ataúd de cristal es su valiente intento de hacer un tour de forcé de género arriesgado o la esforzada performance la actriz Paola Bontempi, lamentablemente sus resultados son diametralmente opuestos a sus supuestas intenciones, Haritz Zubillaga abusa de una sobre explicación en lo referente a sus diálogos, no trabaja la intriga en base a una posible sutileza, más bien todo lo contrario, El ataúd de cristal se mueve a través del pantanoso terreno de una planificación convencional cuando en teoría se partía de una base supuestamente original, para más inri en su final hay una escena fusilada del Cape Fear de Martin Scorsese, señal tan inequívoca como dolorosa de la diferencia existente entre el saqueo y la referencia.

Valoración 0/5: 1’5

Detour

Harper está convencido de que su padrastro causó el accidente que dejó a su madre en coma. Una noche de borrachera, le cuenta sus penas a Johnny, un golfo que le ofrece una solución a sus problemas: liquidar al tipo a cambio de veinte mil dólares.

El británico Christopher Smith un habitual del festival presento dentro de la sección Òrbita su último trabajo como director, Detour, film del que dijo sentirse más contento y que consideraba como el mejor de su carrera, por lo que respecta a este servidor aunque Detour tenga alguno que otro atributo a destacar está claramente un peldaño por debajo tanto de la notable Triangle como de su algo olvidada epopeya medieval Black Death o incluso de su efectiva Creep.

Detour parte desde el claro homenaje al neo-noir (de alguna manera no deja de ser una reinterpretación a modo de serie B y en clave de teen movie del clásico del mismo título dirigido por Edgar G. Ulmer en 1945), Christopher Smith utiliza una serie de estratagemas narrativas (división de tramas paralelas, pantalla partida) algo cuestionables en lo referente a su utilización y que terminan irremediablemente yendo en claro detrimento con respecto a los pobres recursos cinematográficos en los que se sustenta, agravados en esta ocasión por una elección de casting a mi modo de ver bastante errónea. Detour es un thriller que por momentos da la sensación  de ser una especie de versión ramplona y algo manida del Brick de Rian Johnson, funcionando muy esporádicamente a modo de road movie criminal ligeramente entretenida en base a sus trampas narrativas pero a todas luces insuficiente en su propósito de intentar transcender de alguna manera.

Valoración 0/5: 2l

31

Cinco personas son secuestradas en los días previos a Halloween y mantenidos como rehenes en un lugar llamado Murder World. Mientras están atrapados, deben jugar un juego violento llamado 31, donde la misión es sobrevivir 12 horas contra una pandilla de payasos malvados.

La nueva película de  Rob Zombie venía precedida de una cierta polémica desde su premiere el pasado mes de enero en el festival de Sundance, las mala recepción que tuvo en el certamen norteamericano ha ido creciendo cual bola de nieve hasta llegar a Sitges, es harto evidente que Rob Zombie suele dividir opiniones de forma bastante drástica, su cine no es un plato para todos los paladares, incluyendo a los supuestos expertos del género, que 31 tuviera una mala acogida en Sundance no deja de ser algo normal, que en parte también la tuviera en Sitges ya no lo es tanto, algo que obliga a una cierta reflexión en lo concerniente a la reivindicación y defenestración casi instantánea de tendencias genéricas que a día de hoy son cada vez más visibles.

Esta caro que 31 (subvencionada a través de un crowdfunding) dista mucho de ser lo mejor de Rob Zombie, posiblemente sea su trabajo más liviano en concepto hasta la fecha, aquí no hay personajes como tales, tampoco una historia, 31 es puro y duro art concept made in Zombie, de clara naturaleza ecléctica, esa fijación a la hora de recrear los 70 es muy visible en un film que transita a través de lo grotesco y el slow motion, una especie de regreso al cine de terror de iconografía perfectamente intacta y que funciona al mismo tiempo como una suerte de versión sanguinaria del The Running Man de Arnold Schwarzenegger, el problema viene a la hora de querer equipararla con The Lords of Salem (título clave del terror contemporáneo a mi entender), en 31 Zombie retrocede en conceptos y coordenadas a sus inicios como director, una película que a mi entender y pese a las carencias y derivas (casi autoimpuestas) de las que hace gala es el mejor  slasher como tal del año, aparte de contar con uno de los mejores villanos vistos últimamente en una pantalla de cine (Doom-Head genialmente interpretado por Richard Brake), para otro día y con más tiempo sería conveniente reflexionar sobre lo arriba expuesto, esa manía que querer reivindicar por ejemplo cualquier slasher justito de los ochenta y renegar actualmente de un concepto tan diáfano y honesto en lo genérico como es 31 es algo que el tiempo pondrá en su justo lugar, como casi siempre suele ocurrir en estos casos.

Valoración 0/5: 3’5

The Handmaiden

Corea, década de 1930, durante la colonización japonesa. Una joven (Sookee) es contratada como mucama de una rica mujer japonesa (Hideko), que vive recluida en una gran mansión bajo la influencia de un tirano. Sookee guarda un secreto y con la ayuda de un estafador que se hace pasar por un conde japonés, planea algo para Hideko.

Fue indiscutiblemente uno de los platos fuertes de la presente edición del festival de Sitges, aunque The Handmaiden no sea propiamente una película de género como tal de alguna manera el cine de Park Chan-wook sí que lo es a su propia manera, un género en sí mismo bastante afín al imaginario que rodea Sitges.

Basada en la novela de Sarah Waters titulada Fingersmith y situada en la época victoriana el nuevo film del coreano Park Chan-wook cambia de ubicación y nos traslada a la colonización japonesa de Corea en los años 30 para contarnos un elegante y sofisticado cuento gótico de falsas apariencias y tono perverso, The Handmaiden, primera película de época de Park Chan-wook bascula a través de un virtuosísimo narrativo al alcance de muy pocos, en donde al igual que ya vimos en Stoker de forma visible hay un mayor grado de sutileza en contraposición a la amoralidad y la brutalidad vistos en anteriores trabajos suyos, en una historia formulada de manera equidistante desde diferentes puntos de vista y que nos es reinventada hasta en tres ocasiones por parte de sus personaje,  The Handmaiden aparte de entretener como pocas películas lo hacen tiene la maestría y virtud de que en ningún momento uno tiene la sensación de estar ante un pastiche genérico pues en el film vemos como Park Chan-wook deriva constantemente la trama en base a referentes y contrastes narrativos tan dispares como el drama de época de claro trasfondo político-social, una incursión en el sexo soft lésbico o el relato negro de misterio, todo ello en base a la virtud de ofrecer una deslumbrante puesta en escena tan elegante como sensual, toda esta dispar amalgama de texturas en manos de cualquier otro director se hubiera convertido seguramente en un compendio de irregularidades, sin embargo Park Chan-wook consigue dotarla de un sentido propio muy característico, una apasionante lectura de los universos sadianos desde una visión completamente personal, en donde ese elegante maniqueísmo visual tan habitual en su cine se erige como su principal activo, un trabajo en definitiva que no hace más que confirmar al director coreano como uno de los grandes autores cinematográficos de la actualidad.

Valoración 0/5: 4

Trash Fire

Para desgracia de todos, Owen e Isabel esperan un hijo. Aún peor: ella quiere conocer a la familia de él. Así que los dos se plantan en el pequeño pueblo donde viven la abuela y la hermana de Owen, herida tanto física como emocionalmente por un incendio, con la intención de enterrar el hacha de guerra. Sin embargo, hay cosas que deberían permanecer bajo tierra.

Es evidente que Richard Bates Jr es un autor muy particular, con un imaginario muy reconocible tanto en la película que nos ocupa como en sus anteriores Excision (a día de hoy su mejor película) y su algo más alocada e irregular Suburban Gothic, Trash Fire se sitúa de alguna manera a medio camino de ambas.

En Trash Fire vemos nuevamente un claro intento por satirizar y criticar el puritanismo existente en la Norteamérica profunda especialmente ubicado dentro del núcleo familiar, al igual que en su notable opera prima Excision el film empieza a modo de comedia negra de claro tono irreverente en donde hay un discurso que anida en lo políticamente incorrecto, para terminar en algo mucho más trágico, oscuro e incluso en el territorio de un terror de claro índole religioso. Esa particularidad a la hora de exponer un discurso que casi siempre se sustenta en un principio en lo irónico de su mensaje validan en cierta manera las propuestas realizadas por parte de Richard Bates Jr, estas siempre giran alrededor de personajes al límite que terminan curiosamente logrando una empatía por parte del espectador que no llegan a merecerla dada su propia naturaleza,  todos ellos ubicados en torno al drama y la disfuncionalidad familiar ya sea a través de un hecho trágico del pasado o por la propia y atípica naturaleza de la que son participes. Trash Fire termina convirtiéndose en un perfecto ejemplo de cómo películas inicialmente inclasificables a un nivel estrictamente genérico son mostradas en cierta manera de forma coherente, siempre y cuando uno este habituado al particular imaginario de su director.

Valoración 0/5: 2’5

Your name

Taki despierta de lo que parece haber sido un sueño muy importante. Pero en una habitación desconocida y no en su cuerpo… sino en el de una chica. Por otro lado, Mitsuha es una adolescente aburrida de vivir en un pueblo en las montañas, que ruega a Dios poder ser un apuesto chico de Tokio en su próxima vida. A la mañana siguiente, Mitsuha despierta convertida en un estudiante de bachillerato. Gracias a la información que va recopilando a su alrededor, descubre a quién pertenece el cuerpo que está habitando. Se llama Taki. Sus cuerpos se han intercambiado. Cuando vuelven a despertar, descubren que han regresado a su yo anterior. Pero el sueño trae consigo el intercambio de cuerpos una y otra vez. Misteriosamente, se repite el mismo patrón todos los días. Los dos actúan dando palos de ciego en esos cuerpos que les resultan tan poco familiares, pero comienzan a dejarse notas para comunicarse. Torpemente, consiguen ir superando un reto tras otro y se va creando entre ellos un vínculo que poco a poco se convierte en algo más. Sin embargo, hay algo que todavía no saben… Algo inesperado está a punto de ser revelado.

Makoto Shinkai en Your Name vuelve a incidir en el amor en la distancia como principal eje narrativo, a partir de esta premisa asistimos como es habitual en los trabajos del director nipón a una serie de códigos genéricos que pueden llegar a resultar un tanto ajenos en lo referente a su conocimiento para el público occidental, esto no significa que estemos ante una película de clara naturaleza localista, eso sí los personajes responden a un patrón muy concreto y determinado por eso sería conveniente el tener un mínimo de conocimiento con respecto a según qué tipo de animación japonesa como para emitir según qué análisis, independientemente de que pueda gustar más o menos a estas alturas resulta algo incomprensible que se llegue a apelar a una cierta extrañeza a la hora de subrayar un marcado e inherente romanticismo exacerbado muy presente en el imaginario pop juvenil en el que se sustentan muchas de estas propuestas. Your Name para el que esto suscribe posiblemente sea la mejor película de Makoto Shinkai, el empaque visual del que está dotado el film resulta por momentos impactante dada su mastodóntica variedad en los detalles, un film rotundamente hermoso, certeramente construido a través de una narrativa que logra funcionar a la perfección en base a todos los elementos de los que parte desde su inicio, una verdadera maravilla.

Valoración 0/5: 4

Pet

Seth y Holly, son dos personas aisladas que tienen mucho más en común de lo que creen. Una oscura historia de amor que examina cuánto estamos dispuestos a hacer en nombre del amor.

Segundo trabajo como director del catalán Carles Torrens ya en territorio norteamericano tras su aproximación al falso documental de terror con la curiosa Emergo, el responsable  del celebrado corto Sequence presento Pet, un film en donde cambia de registro por completo para explicarnos una peculiar y enfermiza historia de amor de naturaleza poco convencional.

A la hora de preguntarle a Carles Torrens las principales referencias cinematográficas en las que se sustenta Pet este indico al momento Átame de Almodóvar y Lunas de hiel de Roman Polanski, se podría incluir perfectamente a la ecuación la también la genial The Collector de William Wyler, evidentemente ante estas conexiones está bastante claro que Pet transita a través de las relaciones antinatura de claro tono enfermizo aquí expuesta con algún esporádico y tímido acercamiento al torture porn, un thriller de suspense con unos giros muy pronunciados, quizás demasiados, en lo referente a los roles de sus dos protagonistas. Pet escrita por Jeremy Salter (premio al mejor guion) es un producto visiblemente austero en lo económico, de clara naturaleza lowcost que lanza al aire varias preguntas que quizás no logre desarrollarlas de una forma del todo convincente, el descubrimiento de una propia identidad, la soledad y como esta puede llegar a influenciar en la psique de una persona, el enfrentamiento de dos mentes dañadas, llegados a un momento en concreto da la impresión de que Carles Torrens se decante de alguna manera a una cierta tendencia hacia lo truculento y el contundente golpe de efecto narrativo en vez de continuar y estructurar el relato psicológico del que parte, aun así Pet desprende un cierto aroma a cine honesto, aquel que desde la más estricta base se le detecta un intento por alejarse de lo convencional, algo que bien mirado ya es digno de elogio dado los tiempos que corren.

Valoración 0/5: 2

In a Valley of Violence

Paul, un cowboy solitario siempre en compañía de su perro, llega a un pequeño pueblo en un intento por acortar su camino hacia México. Un acto de violencia desencadena una ola de violencia que arrastra a toda la ciudad en una batalla sangrienta.

Había una cierta expectación por ver la incursión de Ti West en el western, In a Valley of Violence es un trabajo que se muestra en base a claros contornos minimalistas, un único espacio escenificado en un pequeño pueblo de naturaleza casi fantasmagórica en un ejercicio que se sostiene principalmente en el homenaje al euro-western, es ahí donde bebe de forma nada disimulada de autores como por ejemplo Don Siegel o Sergio Corbucci con el añadido por parte del director de llevar en parte a territorio propio tal concepto.

La primera pregunta que a uno le puede venir a la cabeza es si Ti West ha logrado llevar a su terreno un producto de las características de In a Valley of Violence, la respuesta es un sí con ciertos reparos, con todo lo bueno y malo que ello puede conllevar, especialmente a los no habituados al cine de Ti West, estamos ante un autor que dados los tiempos que corren podríamos denominarlo como peculiar en el buen sentido de la palabra, siempre alejado de una forma voluntaria de la maquinaria hollywoodiense, su carrera ha incidido principalmente en una relectura o reinterpretación de ciertos engranajes claves dentro del género de terror, aunque ya en su último trabajo The Sacrament mostraba un intento por traspasar ciertas barreras genéricas. In a Valley of Violence deviene casi como una rara avis en sí misma, un producto de naturaleza atípica completamente alejado del sentido de la convencionalidad, aun apoyarse en una estructura clásica es una película de personajes más que de historia (perfectamente escenificada en la escena inicial), aunque posiblemente sea en lo referente a esos personajes en donde ese juego de tensiones que deriva en violencia ubicado en un escenario cerrado es cuando de una manera más notoria vemos la particular personalidad de un cineasta aun en claro crecimiento, que basa gran parte de su imaginario cinematográfico en una referencialidad bastante bien definida a un nivel creativo, pues al fin y al cabo In a Valley of Violence pese a sus evidentes derivas es pura y dura referencia genérica .

Valoración 0/5: 3

The Greasy strangler

En “The Greasy strangler” vemos como Ronnie, un hombre que realiza un tour por las discotecas de Los Ángeles junto con su hijo Brayden conoce a una mujer sexy y seductora llamada Janet, enseguida entra en competencia con su hijo por sus atenciones. Al mismo tiempo un grasiento e inhumano maníaco toma las calles en plena noche asesinando a inocentes. Es conocido como The Greasy Strangler.

The Greasy Strangler se erigió como la propuesta más provocativa e irreverente de las presentadas este año en el festival de Sitges, evidentemente incluida como no podía ser de otra manera dentro de la sección Noves Visions, un ejercicio podríamos denominarlo de un claro tono anti-narrativo.

Más que lo que nos muestra una película de las características de The Greasy Strangler cabria el preguntarse la razón de ser del producto en sí mismo, ejercicio de provocación al uso?, el detallarnos a través de lo bizarro y lo escatológico la singular relación de amor-odio-dependencia entre un padre y su hijo?, puede que sea en esta segunda pregunta en donde el director Jim Hosking abraza como no podía ser de otra manera el sentido más abstracto del surrealismo freak del que parte el relato, especialmente visible en su inenarrable tramo final. También puede darse el caso de que The Greasy Strangler no tenga una función de comedia subjetiva como tal, un inicio prometedor con algún que otro gag resultón pero que al poco que va transcurriendo su metraje se agota dicha fórmula por una muy manifiesta reincidencia temática para a continuación verse dirigido hacia en ese tono de absurdez postmoderna que podía quedar perfectamente emparentado al cine Quentin Dupieux. Personalmente creo que The Greasy Strangler no se atiene a ninguna directriz en concreto, lo suyo es un puro ejercicio de subversión cinematográfica, y en cierta manera cumple con tal cometido, como prueba de ello a día de hoy una gran mayoría de público que visiono el film (entre los que me incluyo) sería incapaz de discernir si les gusto o no la propuesta de Jim Hosking, pues básicamente lo que intenta y logra de alguna manera The Greasy Strangler es anular cualquier posible intento de catalogar tan atípica propuesta.

Valoración 0/5: 2’5

Under the Shadow

“Under the Shadow” nos sitúa en el Tehrán de 1988, cuando la guerra entre Irán e Iraq llega a su octavo año, una madre y su hija son lentamente separadas por las campañas de bombardeos a la ciudad. Mientras intentan sobrevivir juntas al terror un misterioso espíritu maligno las empieza a acechar en su apartamento..

Otro de los films más esperados de la presente edición de Sitges fue la iraní Under the Shadow (premio a la mejor película de la sección Noves Visions ONE), la opera prima a cargo Babak Anvari coproducida entre Reino Unido, Qatar y Jordania tiene la virtud de exponer un compendio hacia el terror que queda equilibrado de manera notable a medio camino entre la clara alegoría socio-política y el relato folclórico tradicional de tono sobrenatural.

A la hora de hablar de Under the Shadow se le ha remitido de forma constante al Babadook de Jennifer Kent, lo cierto de que aparte de partir de una premisa bastante parecida, una joven madre e hijo-a aislados ante una amenaza sobrenatural la mirada de ambas es bastante diferente, si la cinta australiana se direccionaba más hacia el trauma psicológico aquí nos encontramos ante un drama doméstico de contornos casi intimistas revestido de cuento de terror que contextualiza su acción durante la guerra Irán-Irak. Babak Anvari indudablemente sabe cómo generar atmósferas opresivas, ya sea a través del uso depurado de las claves del género o como espejo de las asfixias sociales representadas en el film en base a fracturas de las sociedad iraní de la época, sin embargo hay momentos en que uno tiene la clara sensación de que Under the Shadow entra en un claro conflicto a la hora de asimilar o conjugar ambas percepciones, se agradece que ese denominado tren de la bruja funcione a modo de vehículo hacia la inquietud como funcional elemento genérico, por el contrario uno echa en falta un mayor grado de sutileza en lo referente a exponer su supuesta metáfora ideológica, hay tramos en el film en donde quizás no hacía falta poner con tanto énfasis el acento, aun así Under the Shadow por su condición de relato de puro terror de clara naturaleza bicéfala deviene como una de las óperas primas más vigorosa y estimulante del presente año.

Valoración 0/5: 3’5

Dog Eat Dog

Cuenta la historia de tres ex convictos contratados para llevar a cabo un secuestro en la ciudad de Los Ángeles. Tras el intento fallido de cumplir esta misión, el trío se verá envuelto en una huida que provoca que sus vidas estén fuera de control, lo que les compromete a echarse a la carretera e intentar no volver a la cárcel cueste lo que cueste.

Presentada en la pasada edición del festival de Cannes dentro de la Quincena de realizadores el nuevo trabajo como director del incombustible Paul Schrader Dog Eat Dog es una muy particular adaptación de la novela de Edward Bunker, bajo la apariencia de un ejercicio de neo noir muy al estilo de los años 80 Paul Schrader construye una película de claro tono psicodélico provisto de un tratamiento sincopado en lo referente a sus imágenes, plagado de múltiples derivas oníricas y poseedor de una muy manifiesta tendencia hacia la incorreción ya sea a través de lo formal o de lo meramente narrativo.

Una propuesta que no acabo de ser lo suficientemente aceptada o comprendida en Cannes, como tampoco lo fue en Sitges de una manera generalizada, tachada de un cierto anacronismo a medio camino entre el sinsentido y la socarronería, un servidor viendo la película tuvo la continua sensación de estar ante un trabajo ciertamente menor por parte de su autor, pero también ante la perspectiva de estar frente al resultado de alguien que seguramente ya le ha dado al cine todo lo que tenía que ofrecerle, posiblemente desde este punto de vista Dog Eat Dog puede llegar a ser disfrutada a partir de su innegable referencialidad expuesta en esta ocasión a través de su característica inclinación hacia lo tortuoso en lo referente a sus personajes, una de esas películas que en definitiva navegan a partes iguales entre el despropósito y la genialidad, una libertad creativa que con gustos afines o no merece la pena el ser alabada en su justa medida.

Valoración 0/5: 3

Blair Witch

Black Hills de Maryland para intentar descubrir qué pasó en la desaparición de la hermana de James, relacionada con la leyenda de la bruja de Blair. Pronto una pareja de lugareños se ofrece a ser sus guías en los bosques.

Una nueva secuela (seguimos olvidándonos conscientemente de la curiosa Book of Shadows: Blair Witch Project 2 de Joe Berlinger) del fundamental y seminal found-footage The Blair Witch Project, Blair Witch eso sí podría considerarse una secuela argumental como tal, un film que posiblemente tuvo una equivocada contextualización por los que esperaban algo novedoso dentro de un formato cinematográfico a día de hoy ya muy viciado en lo referente a su creatividad, pero también un equivocado recibimiento de una gran parte del respetable, pues Blair Witch no fue ni mucho menos la peor película vista este año en Sitges como muchos se apresuraron en indicar.

Blair Witch evidentemente defraudara a quienes consideran a Adam Wingard y a su habitual guionista Simon Barrett como a unos genios, siempre he sido de la opinión de que el subgénero del found-footage suele funcionar adecuadamente a la hora de intuir, insinuar, alejarse en definitiva de lo explicito, eso funcionaba a las mil maravillas en The Blair Witch Project, Adam Wingard sin embargo opta de manera forzada por algo más palpable y tangible y por consiguiente algo mucho más obvio, ampliando e incluso diversificando la mitología e imaginario del concepto genérico que no es narrado, siempre dentro de unos límites pues como ya he comentado el formato cinematográfico en el que se sustenta es bastante limitado en sí mismo, hay un acople ligeramente interesante a la hora de ubicar y utilizar las nuevas tecnologías a la trama sin embargo Blair Witch da la impresión de estar más influenciadas por todo lo que provoco a posteriori el concepto moderno del  found-footage que por la fuente original de la que parte. Como anécdota no deja de ser curioso y en parte sintomático de como Blair Witch funciono a modo de hype a la hora de desvelarse el proyecto de cara al público (hasta hace poco más de cuatro meses titulada por aquel entonces como The Woods no se tenía constancia de su auténtica naturaleza argumental), unas expectativas que sin embargo desaparecen por completo ante su visionado, lo dicho más arriba, solo era cuestión de contextualizar mínimamente la propuesta a la hora de valorarla de una forma coherente.

Valoración 0/5: 2

Creepy

“Creepy” nos cuenta como el ex detective Takakura recibe la petición de un antiguo colega suyo de investigar el caso de una familia desaparecida seis años atrás. Takakura empieza a indagar en la memoria de Saki, el único miembro de la familia que ha quedado con vida. Mientras tanto, Takakura y su esposa Yasuko se acaban de mudar recientemente a una nueva casa, su nuevo vecino, Nishino tiene a su esposa enferma y una hija adolescente joven llamada Mio, un día esta salta a la casa de Takakura y le dice que el hombre que aparenta ser su padre no es tal y que ella no lo conoce en absoluto.

Kiyoshi Kurosawa fue indiscutiblemente el nombre propio de la presente edición del festival de Sitges, mientras otros autores solo consiguen escarbar de manera muy superficial en el fantástico el director nipón a cada nuevo trabajo suyo consigue reescribir y ampliar nuevos conceptos genéricos de forma tan inusual en lo creativo como brillante en lo referente a sus formas, por momentos uno tiene la impresión de que Kiyoshi Kurosawa juega en otra división, dos excelentes trabajos suyos tuvimos la suerte de ver este año en Sitges, curiosamente ambos emparentados de alguna manera u otra al universo Hitchcockoriano, Daguerreotype vista en Noves Visions y Creepy la película que nos ocupa vista en la sección oficial a competición, un film que inexplicablemente se quedó fuera del palmarés, a priori un thriller al uso que esconde una tremenda reflexión acerca de la desestructuración familiar.

Creepy puede que sea la película que más se acerque en lo más puramente genérico a la extraordinaria Cure, sin embargo bajo su algo engañosa apariencia de thriller transita al igual que lo hacia el Borgman de Alex van Warmerdam aunque desde perspectivas diametralmente opuestas a través de lo más estrictamente psicológico, o mejor dicho desde la dominación psicológica, y como está sustentándose en las relaciones cotidianas dentro y alrededor del núcleo familiar llegan a reinterpretarse en forma de cambio de roles bajo un acercamiento que lo remite y colinda hacia lo más puramente terrorífico, pues lo que nos explica Kurosawa es básicamente cómo un hombre logra invadir como si de un virus se tratase la vida de otro hasta tomar por completo el control de ella, una síntesis argumental que Kurosawa ya había abordado en anteriores trabajos suyos como Cure o la menos conocida Doppelganger en donde incidía en la suplantación de roles a través de la figura del doble. Creepy  vertebrada en dos tramas que acaban confluyendo en su final nos habla de la ambigüedad moral y como esta anida como ente maléfico a través de la más estricta cercanía, casi sin darnos cuenta, todo ello posiblemente a consecuencia de la alienación emotiva al que el ser humano parece estar abocado en la actualidad, el ultimo, extraordinario y desgarrador plano que vemos en Creepy detalla a la perfección tan doloroso despertar.

Valoración 0/5: 4

Desierto

Moisés (Gael García Bernal) junto con otros indocumentados están cruzando a pie un estrecho camino de la frontera entre México y Estados Unidos buscando tener nuevas oportunidades del otro lado y reencontrarse con sus seres queridos. Este grupo es descubierto por Sam (Jeffrey Dean Morgan) un «vigilante» demente que disfruta eliminando a los migrantes. Ante la inclemencia del desierto, Moisés y Sam se enrolan en una persecución en la que el más fuerte sobrevivirá.

Desierto, segundo trabajo tras las cámaras de Jonás Cuarón (Año uña) traslada la premisa del The Most Dangerous Game al desierto ubicado en la frontera entre México y EE.UU, aunque en un principio la trama del film nos pueda emplazar hacia una disección del drama migratorio en ningún momento se analiza o profundiza sobre el tema, Desierto funciona a modo de un simple thriller encuadrable dentro del subgénero survival, bastante tradicional y por momentos incluso convencional en lo referente a su desarrollo, una película provista de muy poco dialogo y mucha acción que expone y se ubica en un escenario de claro trasfondo político-social pero que no llega a recurrir a un discurso propio, lo suyo es intentar mantener la tensión casi desde el inicio de un relato con un argumento que transita a través de lo sencillo y lo minimalista. Tampoco se indaga en las motivaciones del personaje de Jeffrey Dean Morgan, hay ligeras pinceladas expuestas de forma muy evidente (esa amistad-compasión hacia su perro en contraposición a su total falta de remordimientos a la hora de matar a un ser humano) y poco más. Desierto termina convirtiéndose en una película de persecuciones al uso, con ritmo y secuencias muy bien logradas pero con personajes representados de forma muy unidimensional, no hubiera estado de más ampliar esa paleta de matices, prácticamente inexistentes en un film necesitado de forma muy evidente de mucha más sutileza.

Valoración 0/5: 2

Arès

París, futuro próximo. El orden mundial ha cambiado, siempre ha habido países ricos y pobres pero con 10 millones de desempleados Francia está ahora entre los pobres. La población oscila entre la rebelión y la resignación y encuentra una salida en peleas televisadas ultra violentas, donde los combatientes se dopan legalmente y todo es permitido.

Otras de las cintas que se pudieron ver en esta edición como rigurosa primicia mundial fue la francesa Arès, el director Jean-Patrick Benes nos propone una cinta tan inocua en lo relativo a sus pretensiones como ligeramente disfrutable a modo de claro producto de serie B destinado al más llano y simple entretenimiento.

Ubicada en un futuro utópico la película transita de manera algo torpe en lo narrativo (como suele ser inherente en este tipo de productos) entre la ciencia ficción y el cine de acción, matizada a través de un trasfondo de revuelta social que no deja de ser un simple apunte o excusa argumental ante un producto que para poder encontrar su propia razón de ser hay que contextualizarlo de forma ecuánime, una película que salvando las distancias bien pudiera entrar en el catálogo de la añorada Cannon, ese tipo de films en definitiva que en Sitges siempre han tenido cabida de una manera bastante natural, Arès encuentra su propia razón de ser en su clara función evasiva como vehículo de entretenimiento, y más si en el mismo día has podido visionar trabajos de Werner Herzog o Kiyoshi Kurosawa, de hecho a uno no se le ocurre mejor manera de acabar una jornada festivalera de estas características.

Valoración 0/5: 1’5

The Wailing

La vida de un pueblo coreano es trastornada por una serie de asesinatos, salvajes y misteriosos, que azota por casualidad a la pequeña comunidad rural. Los rumores y las supersticiones se propagan a causa de la presencia, desde hace poco tiempo, de un anciano extranjero que vive como un ermita. Ante la incompetencia de la policía para encontrar al asesino y sin tener una explicación racional, algunos habitantes del pueblo buscan a un chamán. Jong-Gu, un policía cuya familia está directamente amenazada, también cree que se trata de crímenes sobrenaturales…

Había mucha expectación por ver el nuevo trabajo del director Na Hong-jin, tras sus dos pulcras y muy interesantes en lo formal incursiones en el género negro con The Chaser (2008) The Yellow Sea (2010), en esta su tercera película cambia completamente de registro, The Wailing (Gokseong) nos ofrece una tremenda y por momentos apasionante reformulación del horror cultural dentro de la sociedad (en el caso que nos ocupa de un ámbito escénico rural) a través de la fatalidad final del individuo que forma parte de dicho enclave territorial, un film que del mismo modo se permite el lujo de reflexionar de un modo acertado acerca de la maldad como concepto intrínseco del ser humano apoyándose argumentalmente en el folklore y en la misma mitología oriental como propio eje percutor del mal representado en el film a modo de concepto de un tono casi abstracto, posiblemente este sea uno de los principales activos de The Wailing pero hay mucho más matices a tener muy en cuenta en una película de estas características, por todo esto la nueva película de Na Hong-jin se convierte por méritos propios en la que en mi opinión es la mejor película de terror, o mejor dicho de horror del presente año, una de esas piezas que se atreven mediante a unos mecanismos y referencias genéricas bastantes identificables a formular mediante diversas metáforas reflexiones que van mucho más lejos de simples apuntes no desarrollados convenientemente como nos suele ser bastante habitual en la mayoría de films de una naturaleza en apariencia equidistante a la película que aquí nos ocupa.

Al mismo tiempo The Wailing funciona como simple y puro deleite fan del fantástico, la genérica apuesta de Na Hong-jin es ciertamente tan indiscutible como arriesgada teniendo al mismo tiempo la virtud de desmarcarse del algo desangelado cine de género de su país visto en estas últimas décadas, para ello se sustenta en múltiples referencias a otras cinematografías como por ejemplo el cine de horror de la Shaw Brothers perfectamente escenificada en el film en esa impagable escena como es el duelo entre los dos chamanes, The Wailing termina convirtiendo el exceso de su propuesta en una de sus principales virtudes ya sea por su duración (más de dos horas y media) o por sus inacabables y variadas referencias.

Siempre he tenido la sensación de que en el cine actual cine proveniente de Corea del sur ha habido y hay una divisoria muy acentuada en lo concerniente a lo que son sus principales artífices, entre los grandes nombres como pueden ser Chan-wook Park, Kim Ji-Woon, Bong Joon-ho o los que han imprimido una mirada de un tono más autoral como pueden ser por ejemplo Ki-duk Kim, Hong Sang-soo o Lee Chang-dong, unos nombres estos que con respecto a prácticamente todo el resto han sabido construido una barrera bastante infranqueable en lo referente a conceptos y resultados, es por eso que no deja de ser una digamos agradable novedad la incursión por derecho propio en dicha lista de un director como Na Hong-jin, The Wailing su tercera y mejor película hasta la fecha sirve como un inmejorable billete de acceso a tan selecto grupo de creadores.

Valoración 0/5:4

The Eyes of my Mother

Un forastero llega a una apacible granja. Ahí viven Francisca y su madre, una cirujana de origen portugués que enseña a su hija los secretos de la anatomía. La inesperada visita terminará en tragedia y traumatizará, a la par que despertará la curiosidad, de la pequeña Francisca.

El director neoyorkino Nicolas Pesce presento dentro de la sección Noves Visions una de las películas más esperadas después de las buenas sensaciones y criticas de las que venía precedida tras su premiere en el pasado festival de Sundance, la estilizada The Eyes of my Mother nos ofrece una particular y muy estimulante visión de horror gótico a través de una mirada autoral tan fascinante como atípica.

Rodada en portugués e inglés y provista de una imponente fotografía en blanco y negro The Eyes of My Mother transita básicamente a través de una pesadilla de contornos minimalistas, su apuesta es tan clara en este sentido que puede jugarle alguna que otra mala pasada como por ejemplo ejercer una cierta sensación de estar más ante un cuidado mediometraje que voluntariamente obvia el profundizar en lo referente de los personajes secundarios, sin embargo la opera prima de Nicolas Pesce (27 años) no llega a desperdiciar ni una sola de sus imágenes, cuidando al máximo todas sus costuras, una pequeña y cuidada pieza de orfebrería de síntesis genérica muy ambivalente, su supuesta catalogación podría ser la de una piece arty de horror de tono malsano, de hecho la historia que nos es contada no es nueva, si lo es en la manera que lo hace, a raíz de un hecho traumático la pequeña Francisca queda marcada en lo psicológico, a partir de ese momento su dañado imaginario anidara a través de una locura de la que ella no parece ser plenamente consciente. The Eyes of my Mother es una de las propuestas más interesantes del presente curso, una apuesta atípica que basa su principal potencial en que su incuestionable buen gusto a un nivel estrictamente técnico y audiovisual no entra en ningún momento en conflicto en lo concerniente al tono retorcido y enfermizo que nos llega a exponer.

Valoración 0/5: 4

The Transfiguration

Queens, Nueva York. Milo tiene 14 años, es huérfano y su único refugio en el apartamento que comparte con su hermano mayor. El chico es solitario y pasa su tiempo mirando películas de vampiros. La llegada de una vecina despertará sentimientos desconocidos…

La cinta independiente The Transfiguration del debutante Michael O’Shea nos ofrece una visión del vampirismo a través de una óptica claramente urbana y realista, un realismo expuesto a modo de contrapunto de la fantasía en que el protagonista se acomoda y sustenta de alguna manera a modo de refugio emocional ante el panorama devastador en lo emotivo y social que le rodea en su día a día. La película no deja de ser una suerte de actualización o variante temática del Martin de George A Romero, a diferencia de aquella su apuesta por un supuesto elemento fantástico es prácticamente nulo, de una forma clara no hay lugar a la sutileza o ambivalencia genérica pero si en lo que respecta a su función de metáfora del desarrollo psicológico de un inadaptado en la sociedad.

The Transfiguration, moderna fabula de vampiros adolescentes que no lo son termina teniendo una narración y estructura tan previsible como honesta, de marcado ritmo sosegado la película plenamente consiente de su pequeño envergadura no parece querer ir más allá de lo que es su propio enunciado, aun así el debut en la dirección del norteamericano Michael O’Shea cumple el expediente en lo referente a su sentido referencial pese a que su manifiesta y nada disimulada apuesta por la veracidad evidencie una falta de riesgo en la propuesta bastante palpable.

Valoración 0/5: 2’5

Museum

Un asesino en serie que luce una máscara en forma de rana tiene aterrorizada la ciudad de Tokio con sus crímenes, a la vez crueles y elaborados. El inspector Sawamura, encargado del caso, tratará de descifrar qué mueve al psicópata, sin sospechar que este le tiene preparada una desagradable sorpresa.

Si en la pasada edición de festival se pudo ver y disfrutar en rigurosa premier mundial (algo cada vez más difícil de ver en un certamen de las características de Sitges) la entretenida epopeya zombie I am a hero este año fue el turno para Museum, adaptación del manga de Ryousuke Tomoe que tuvo el honor de ser visionada por primera vez en el festival, aunque eso sí, los resultados y las sensaciones de ambos films fueron diametralmente opuestos.

Museum del japonés Keishi Otomo (responsable de la trilogía samurái Kenshin) se traslada en esta ocasión a la temática del psycothriller, a medio camino ente las catalogaciones de Se7en y la saga Saw la película discurre entre la previsibilidad y el descontrol más absoluto (especialmente visible en su tramo final), hay tantas situaciones forzadas y comportamientos totalmente inverosímiles que no merece mucho la pena en detenerse en un producto tan deficitario como finalmente llega a ser Museum, una película visiblemente carente a la hora de exponer adecuadamente una contención formal o una síntesis argumental, para más inri su epilogo final roza el ridículo de la forma más escandalosa, un auténtico desastre y una de las propuesta más fallidas vistas este año en Sitges.

 Valoración 0/5: 1’5

David Lynch: The Art Life

¿De dónde le vendrán esas ideas a David Lynch? Cualquier persona que haya visto una película del director de Terciopelo azul se ha hecho esta pregunta. Lynch, The Art Life ofrece algunas respuestas a esta cuestión, entrevistando en profundidad al cineasta mientras trabaja en sus cuadros. El resultado es una reveladora mirada a la intimidad de uno de los grandes genios de nuestro tiempo.

Adentrarse en modo documental en el amplio universo de un artista de las características de David Lynch no es tarea fácil, hay tanto en lo que detenerse dentro de ese particular imaginario que irremediablemente uno puede acabar teniendo la sensación de quedarse a medias. Vista en la siempre ecuánime sección Seven Chances David Lynch: The Art Life tiene la virtud de no ser un documental al uso, más bien transita a través de la voz y reflexión del propio autore lo referente a lo íntimo y lo personal, narrado por el mismo en base a episodios que le marcaron de alguna manera en su infancia y adolescencia y como a partir de ahí empezó sus años formativos como artista haciendo especial énfasis en lo concerniente a su obra pictórica, un inicio, desarrollo y posterior formación que termina en 1977 con la plasmación del rodaje de la icónico Eraserhead. Aunque posiblemente el mayor beneplácito del trabajo documentado por parte de Jon Nguyen, Olivia Neergaard-Holm y Rick Barnes sea su rico y propio debate y posterior reflexión, a partir de aquí las posibilidades que se entrevén son tan ilimitadas como creativamente insondables, muy  a semejanza con el imaginario de tan genial artista.

Valoración 0/5: 3’5

Always Shine

Las dos son actrices. Y amigas. O, al menos, lo eran. De hecho, han decidido tomarse unos días de asueto en el Big Sur para reconectar después de un periodo de envidias mutuas. Allí, no solo comienza a aflorar la auténtica naturaleza de su amistad, sino que también se pone en entredicho la identidad de cada una.

La sección Noves Visions volvió a demostrar un año más ser una inmejorable plataforma genérica a la hora de presentar propuestas que indagan de una forma clara en un atrevimiento de tono formal y original bastante visible, Always Shine segundo trabajo de la directora Sophia Talak (Green) es un perfecto ejemplo de todo ello.

Hay varias vías y múltiples matices que llega a explorar Always Shine, calificarla como una simple actualización de un film como Single White Female es quedarse muy en la superficie, sin embargo la aseveración de versión perversa de la extraordinaria Queen of Earth de Alex Ross Perry sí que sería algo más adecuado, y si me apuran incluso podemos encontrar claras y definidas reminiscencias al Mulholland Drive de David Lynch. Always Shine es un retrato y estudio profundo de la mujer, un film que anida a través del terror psicológico en base a la relación de dos personajes femeninos completamente antagónicos que ven y encuentran totalmente supeditado su día a día tanto en lo laboral como en lo cotidiano de su propia explotación ya sea a través de su imagen o de su sexualidad, el film expone de forma brillante en su trama la perversidad de los roles femeninos dentro de la sociedad actual, ese juego de espejos e identidades cambiantes a cargo de las dos protagonistas que sirven de igual manera a modo de oscuro juego de identidades en lo relativo a la sumisión y dominación, todo ello expuesto desde un punto de vista eminentemente feminista.  Pese a alguna bajada de ritmo narrativo bastante evidente Always Shine supone una de las propuestas más definidas y personales vistas este año en Sitges, habrá que seguir muy de cerca la carrera como directora de Sophia Talak, en este su segundo trabajo tras las cámaras percibimos una voz autoral muy a tener en cuenta en un futuro.

Valoración 0/5: 3’5

L’Odyssée

El legendario explorador Jacques Cousteau y su hijo Philippe, que mantienen una relación distanciada, se embarcan en su mayor aventura. A bordo del Calipso, se encontrarán el uno al otro, antes de que la tragedia les golpee.

El biopic del famoso oceanógrafo Jacques Cousteau fue la encargada de clausurar la 64 edición del festival de San Sebastián, la difícil tarea de condensar en poco menos de dos horas la vida, obra y milagros de un personaje como  Cousteau corrió a cargo del francés  Jerôme Salle (Largo Winch, Zulu).

L’Odyssée poseedora de una factura impecable (35 millones de presupuesto) termina convirtiéndose en un minucioso, por momentos incluso ameno y liviano compendio vital del personaje aunque claramente desprovisto de un discurso que le otorgué al producto una identidad que sea definida y marcada, por otra parte resulta muy visible ese conflicto de intereses a la hora de dramatizar y documentar la historia, uno tiene la impresión viendo L’Odyssée de que aunque se intenta alejar del retrato de características amables en ningún momento se consigue profundizar adecuadamente en lo referente al personaje, Jerôme Salle intenta equilibrar el retrato del legendario explorador partiendo como eje principal de su visión desde el ángulo esencial de la familia, también indaga en el  hombre de negocios, su defensa del medio ambiente o su algo complicada vida sentimental, aunque posiblemente sea esa relación con su hijo Philippe en donde vemos más claramente un intento de abordar un discurso que pueda resultar coherente o al menos interesante, una relación marcada por dos visiones antagónicas que sirven como clara metáfora del cambio que debe producirse en la mirada de la sociedad con respecto a la conservación y mejora del medio ambiente, lástima que prácticamente todo lo demás que vemos en L’Odyssée deambule a través de una muy manifiesta falta de una personalidad propia.

Valoración 0/5: 2

Palmarés de la 64 edición del Festival de Cine de San Sebastián

Concha de Oro a la Mejor Película: «I am not Madame Bovary«, de Xiaogang Feng

Premio Especial del Jurado: «El invierno» de Emiliano Torres ex aequo «The giant» de Johannes Nyholm

Concha de Plata al Mejor Director: Hong Sang-soo por «Yourself and yours«

Concha de Plata al Mejor Actor: Eduard Fernández por «El hombre de las mil caras»

Concha de Plata a la Mejor Actriz: Fan Bingbing por «I am not Madame Bovary»

Premio a la Mejor Fotografía: «El invierno«

Premio al Mejor Guión: Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña por «Que Dios nos perdone«

Premio Kutxa-Nuevos Directores: «Park«, de Sofia Exarchou

Premio del Público: «I, Daniel Blake«, de Ken Loach

Premio Horizontes Latinos: «Rara«, de Pepa San Martín

Premio Eroski de la Juventud: «Bar Bahar«, Maysaloun Hamoud

Premio Fipresci: «Lady Macbeth«, de William Oldroy

Premio Cine en Construcción: «La educación del rey«, de Santiago Esteves

Premio Zabaltegi Tabakalera (nuevo): «Eat that question: Frank Zappa in his own words«

Premio «Otra mirada», de TVE: «Bar Bahar«, Maysaloun Hamoud

Premio Irízar del Cine Vasco: «Pedaló«, de Juan Palacios

Premio del Público a la Mejor Película Europea: «Ma vie de courgette«, de Claude Barras

Premio Feroz Zinemaldia: «El hombre de las mil caras«, de Alberto Rodríguez

Premio Cooperación Española: «Oscuro animal«, de Felipe Guerrero

Premio Sebastiane: «Rara«, de Pepa er Sollett.

Ikari

En una de las paredes de una habitación donde encuentran unos cuerpos brutalmente asesinados, aparece la palabra “ira” escrita con la sangre de las víctimas. Un año después, todavía no han encontrado al asesino. El caso erosiona la capacidad de la gente para confiar en los demás, especialmente la de tres parejas en una pequeña población pesquera, en Tokio y en Okinawa, que acaban de hacer amistad con una persona de misterioso pasado. Más allá de la confianza está la ira, una emoción que tiende a convertirse en violenta y a revelar de un modo imprevisible el misterio que se esconde tras un asesinato.

IKari del coreano afincado en Japón Lee Sang-il venía a cerrar la sección oficial a competición de este año en el festival de San Sebastián, un film coral basado en la novela homónima de Shuichi Yoshida que empieza a modo de thriller con un asesino sin rostro, a continuación vemos como la película se vertebra narrativamente en tres tramas diferenciadas pero con un denominador común, en cada una de ellas un desconocido aparece ya sea en un núcleo familiar, sentimental o de amistad respectivamente, uno de esos estos tres extraños será supuestamente el asesino.

IKari deja muy claro a las primeras de cambio que funciona más y mejor a modo de drama intimista (quizás dilatado en exceso) que como thriller de investigación policial al uso, la película mediante un ritmo y pulso bastante irregular, acrecentado por su excesiva duración, indaga en el concepto de la desconfianza y la aceptación, una radiografía que parece dirigida hacia la actual sociedad japonesa, poco dada a confiar en los desconocidos, y como se llega a erosionar la capacidad de la gente para confiar en los demás, sin embargo Lee Sang-il termina acentuando en demasía el componente dramáticodentro de la trama, exagerando para más inri las expresiones de sus actores especialmente en su tramo final, curiosamente una tendencia bastante inherente en cierto tipo de cine surcoreano, una lástima que debido en parte a estos manierismos IKari acabe diluyéndose y no termine de estar a la altura de una premisa que en principio resultaba bastante interesante.

Valoración 0/5: 3

Fuocoammare

Samuele tiene 12 años y vive en una isla en medio del mar. Va al colegio, le gusta lanzar su tirachinas e ir de caza. Le gustan los juegos en tierra firme, a pesar de que vive en un lugar en el que todo gira alrededor del mar y de los hombres, mujeres y niños que intentan atravesarlo para llegar a su isla. Pero la suya no es una isla cualquiera. Es Lampedusa y es la frontera más simbólica de Europa, que en los últimos 20 años atraviesan miles de inmigrantes en busca de la libertad.

Dentro de la sección Perlas se pudo ver la ganadora del Oso de Oro a la mejor película en el pasado festival de Berlín Fuocoammare, film que transita a través del drama humanitario de los refugiados en la isla de Lampedusa, retratándonos con una austeridad conmovedora  tanto la tragedia como la vida cotidiana de un pueblo en base a muy diversas pinceladas que conforman un reflexivo retrato de la isla como enclave territorial, el documental de Gianfranco Rosi anida básicamente a través de la contemplación, se nos muestra una realidad desprovista de un juicio moral, una postura que nos puede derivar hacia una exposición que parece reflejar una clara indiferencia con respecto a la problemática a la que asistimos, repetidos y angustiosos rescates en embarcaciones, recuperación de cuerpos sin vida de emigrantes que han huido de países de África y el Medio Oriente. Fuocoammare se sirve de la mirada de Samuele, un niño que convive con su familia de pescadores, de esta manera asistimos a una doble visión de lo que ocurre en la isla, el de la vida cotidiana y el del drama humanitario, vida y muerte, sin embargo observaremos a medida que avanza la trama documental como dentro de la tragedia que rodea a la isla la visión que vemos a través de los ojos del protagonista nos dejará alguna que otra sonrisa, su  inherente inocencia nos ofrecerá una especie de contrapunto ante tanto dolor, una dicotomía persistente en la que solemos vivir dentro de la más absoluta indiferencia.

Valoración 0/5: 3

Arrival

Cuando misteriosas naves espaciales aterrizan en diferentes lugares del planeta, un equipo de élite liderado por la experta lingüista Louise Banks (Amy Adams) es reclutado para investigar. Mientras la especie humana se encuentra al borde de una guerra global, Banks y su equipo buscan respuestas a contrarreloj, y para encontrarlas, Banks correrá un riesgo que podría amenazar su vida y posiblemente a la humanidad.

Había la sensación (algo infundada) de que la primera incursión de Denis Villeneuve en la ciencia ficción podía servirle a modo de preparatoria con vistas al rodaje de la muy ambiciosa Blade Runner 2 como una primera toma de contacto dentro del género fantástico, Arrival, drama adulto de ciencia ficción y adaptación algo libre del relato corto «The Story of Your Life» del escritor Ted Chiang que clausuraba la sección Perlas no solo fue la mejor película vista este año en San Sebastián por lo que respecta a un servidor sino que además pone el listón muy alto, quizás demasiado en lo referente a los futuros trabajos del director franco-canadiense.

Arrival protagonizada por una incuestionable Amy Adams no deja de ser un rotundo triunfo como concepto genérico, ciencia ficción de primer nivel provista de ambiciosas y múltiples tesis, una película fascinante que no nos habla de invasiones extraterrestres sino de reflexiones transcendentales, a medio camino entre el drama psicológico y la ciencia ficción de tono minimalista y tesis existencialista y plagado de un variado catálogo de ecos al cine de  Kubrick el film nos plantea la celebración de la comunicación como herramienta de claro sostén político-social, indagando de la misma manera en su repercusión a través de la moral y la futura existencial de la humanidad. Denis Villeneuve (maestro a la hora de crear ambientes perturbadores a través del sonido, ojo a esa resolución musical a cargo de Johan Jóhannsson en la primera incursión en la nave extraterrestre) tiene aparte la virtud de no llegar a perder la noción de verosimilitud del relato en ningún momento de la narración, basando su poderosa solidez en la fuerza que otorga las imágenes en relación a los sentidos. Más adelante y con vistas a su estreno comercial el próximo mes de noviembre hablaremos con más detenimiento de esta fascinante obra destinada no solo a ser la mejor película de vista en este 2016 sino a ser una pieza clave y referencial a la hora de entender la evolución de la ciencia ficción en el cine en un futuro.

Valoración 0/5: 4’5

El rey del Once

Ariel cree haber dejado atrás su pasado tras construir una nueva y exitosa vida como economista en Nueva York. Convocado por su padre, cuya misión en la vida es dirigir una fundación judía de ayuda en el barrio del Once, vuelve a Buenos Aires. Allí conoce a Eva, una mujer muda e intrigante que trabaja en la fundación. La visita coincide con la fiesta judía del Purim, una ocasión para celebrar que forma el subtexto de una comedia de errores, encuentros, y reflexión en la medida en que no siempre podemos dejar atrás nuestro pasado.

Daniel Burman (El abrazo partido, El misterio de la felicidad, La suerte en sus manos) presento dentro de la sección Horizontes Latinos su último trabajo tras las cámaras, El rey del Once, una cinta que anida a través de la comedia costumbrita y que representa de algún modo una especie de retorno a las raíces del director, posiblemente estemos ante el trabajo más personal de Daniel Burman, pero también el menos definido pues la película indaga de forma algo abstracta e incluso por momentos de manera errática en un submundo muy propio, recurriendo a personajes y símbolos que entran y salen dentro de un escenario común, Burman utiliza de la misma forma mucho apéndices, quizás demasiados, todos ellos enclavados dentro de la comunidad judía de Buenos Aires.

El rey del Once logra en parte interpretar el caos dentro de una determinada comunidad y de cómo sin tu saberlo perteneces a ella, en este aspecto la película da la sensación de que el propósito del director está en la función de ponernos a la altura y semejanza de su protagonista, un hijo que no termina de asimilar del todo bien cómo se puede vivir en ese mundo caótico de la fundación benefactora que lidera su ausente padre y administra su tía. El rey del Once es prisionera y al mismo tiempo benefactora de una narración algo oblicua, de esas que parece no conducir a ninguna parte en concreto pero que en el fondo te hablan de la vida misma como concepto principal.

Valoración 0/5: 2’5

The End

Un cazador va con su perro a dar una vuelta por el bosque y se pierde por completo, experimentando al cabo de unas horas extraños encuentros con enigmáticas criaturas.

The End fue una de las más interesantes propuestas vistas este año dentro de la siempre rica en matices genéricos sección Noves Visions, el francés Guillaume Nicloux (L’enlèvement de Michel Houellebecq, Valley of Love) nos propone una fábula forestal de tono pesadillesco en donde somos testigos de los pensamientos y divagaciones de un hombre perdido y completamente desorientado en mitad del bosque, un personaje bajo los rasgos físicos de Gerard Depardieu (voluntariamente o no pocos actores en la actualidad como el francés representan tan ceñidamente su interpretación mediante la gesticulación de su físico como bien pudimos comprobar no hace tanto en el Welcome to New York de Abel Ferrara).

The End como bien indica su titulo transita a través de un final de recorrido vital en donde la soledad convive de forma inherente con el protagonista, una expiación expuesta a modo de introspección personal , un trayecto escenificado en la oscuridad de un bosque de contornos hostiles, en donde realidad y ensoñación transitan a través de una delgada línea que las delimita de forma muy difusa, todo ello expuesto mediante un muy definido estilo experimental, Guillaume Nicloux lanza diversas metáforas al espectador, de el en parte depende el intentar desgranarlas tras su más que sugerente visionado.

 Valoración 0/5: 3’5

Hell or High Water

“Hell or High Water” nos cuenta como tras la muerte de su madre, dos hermanos organizan una serie de rodos, limitándose a las agencias de un mismo banco. Tienen pocos días para evitar que la propiedad familiar sea incautada y ven como única opción de poder pagar perpetrar dichos atracos. Les perseguirá un ranger que está a punto de jubilarse que junto a su asistente están decididos a arrestarlos cueste lo que cueste.

Hell or High Water es de esos films que sin abordar la temática fantástica por ningún lado suelen estar presente durante en estos últimos años dentro del certamen sin que nadie alce la voz de una manera airada, en esencia no hay motivo para ello, da la impresión de que exista una especie de consenso aceptado entre el público y este tipo de programación alternativa, pues a fin de cuentas estamos ante una película que si bien no es fantástica si es claramente de un genero (un árido western crepuscular con un marcado carácter de denuncia económica) que parece cohabitar sin excesivos problemas con ese marcado abanico genérico que suele estar presente últimamente en Sitges.

De hecho el británico David Mackenzie hace un par de años ya había estado presente en Sitges con otra película que tampoco incidía en el fantástico, el notable drama carcelario Starred Up, Hell or High Water da la impresión de funcionar casi a la perfección a la manera de un reloj suizo, no parece de necesitar de ningún añadido a la ecuación, ese sencillez y aparente seguridad en lo referente a su propuesta también deviene como su principal obstáculo a la hora de dar un paso más hacia adelante, hay unos personajes visiblemente arquetípicos enclavados dentro de un escenario bastante reconocible, el hoy denominado Nearwest,  una sustentación del western clásico en donde se suele incidir en una feroz dosis de realismo socio-cultural, dando la impresión de que esa referencialidad (que bebe de forma muy clara de por ejemplo el No Country for Old Men de los hermanos Coen) le reste algo de originalidad a la propuesta, pues Hell or High Water pese a una manifiesta y correcta funcionalidad esta no llega a impedir que el producto transite de una forma clara hacia una convencionalidad bastante palpable pese a la indudable austeridad de la que hace gala a lo largo de todo su metraje.

Valoración 0/5: 2’5

Melanie. The Girl With All the Gifts

En un futuro distópico la humanidad se ha visto asolada casi en su totalidad por un tipo de hongo que contiene un virus «zombie». En medio de este apocalipsis total un grupo de científicos están investigando sobre una segunda generación de nacidos bajo estas circunstancias los cuales son mitad «hambrientos» mitad humanos.

Melanie. The girl with all the gifts adaptación del best-seller homónimo de Mike Carey (quien también se ocupa del guion) era uno de los platos fuertes presentes este año en la edición del festival, el film del escoces Colm McCarthy aplica una por momentos inteligente vuelta de tuerca a la temática zombie dentro de un futuro distópico (de hecho esta no deja de ser una mera excusa argumental) para ofrecernos algo diferente a través del género de presupuesto medio-alto que solemos ver hoy en día.

Melanie. The girl with all the gifts aporta conceptos interesantes a partir de un tono parecido al visto años atrás tanto en el 28 días después de Danny Boyle como en el Children of Men de Alfonso Cuarón  pero subrayando más los elementos de la ciencia ficción discursiva y otorgando al producto un inconfundible y agradecido aroma british (el impecable diseño de producción en la recreación de un Londres post apocalíptico y continuos guiños argumentales que remiten al universo Quatermass entre otros apuntes), la película explora a si mismo cuestiones tales como los límites de la humanidad y su posible y hasta utópico relevo generacional o la ética científica expuesta en situaciones límites, todo ello sin embargo en un producto que termina siendo de clara condición híbrida (poe ejemplo las referencias al videojuego The Last of Us son muy visibles), una hibridez que por momentos le llega a pasar factura al film en lo referente a una narración que en algún momento puntual se llega a desvirtuar hacia tierra de nadie, su moralista y algo arrítmico epilogo final no deja de ser una clara muestra de esa irregularidad antes referida.

Valoración 0/5: 3

Sweet, Sweet Lonely Girl

Adele debe cuidar de su rica tía Dora, víctima de una enfermedad que la recluye en su mansión. Pero la joven empieza a descuidar sus obligaciones cuando conoce a Beth, una chica de magnetismo irresistible y quizá peligroso. Esta situación precipitará a la protagonista hacia una espiral insana, que acaba tomando una forma a medio camino entre el thriller psicológico y el horror gótico.

El muy prolífico director de origen argentino A.D Calvo presento dentro de la sección Panorama Fantàstic Sweet, Sweet Lonely Girl, thriller psicológico de terror con ciertas reminiscencias góticas que bebe sin disimulo tanto de cierto tipo del cine de Mario Bava como de producciones de los 70 como por ejemplo el Symptoms de José Ramón Larraz (film cuyo edición en Blu-ray a cargo de Mondo Macabro recomiendo encarecidamente).

El mayor problema de Sweet, Sweet Lonely Girl es que las referencias en las que intenta sustentarse están muy por encima de los resultados ofrecidos, A.D Calvo a diferencia de por ejemplo Ti West en su revisitación del terror USA  de los ochenta con The House of the Devil no logra adecuar su discurso a la fuente en cuestión, no hay una narrativa adecuada en lo referente a sus personajes, en cambio la película si denota un claro esfuerzo a la hora de recrear un escenario en donde la atmósfera de tono inquietante deviene como algo primordial. Pero posiblemente lo peor de Sweet, Sweet Lonely Girl sea que en momentos puntuales no sepa diferenciar lo que es la referencia al saqueo más simple, una parte muy notoria de su argumento bascula bajo un concepto narrativo muy notorio que ya veíamos en la extraordinaria Burnt Offerings, expuesta en el film de Dan Curtis a diferencia de la película que nos ocupa de manera tan sutil como perturbadora.

Valoración 0/5: 2

The Age of Shadows

Sigue las actividades de una organización independiente contra el Japón que existía en el marco del periodo colonial japonés en Corea del Sur. El grupo se hizo mundialmente conocido por el excesivo uso de la violencia para lograr la independencia de Corea.

Muy bien le ha sentado la vuelta a su país de origen a Kim Jee-woon después de su algo decepcionante incursión en territorio norteamericano con la descafeinada The Last Stand. En The Age of Shadows, superproducción en forma de thriller de espías dentro de un contexto histórico, aparte de recobrar pulsaciones autorales que parecían en parte olvidadas asistimos a lo que debería de ser una clase magistral de planificación técnica y talento visual al alcance de muy pocos directores en la actualidad (conceptos escenificados a la perfección en la mastodóntica escena del tren), en la que posiblemente sea su película más clásica y elegante Kim Jee-woon no se limita al sentido del espectáculo tan característico suyo visto en anteriores películas suyas, en The Age of Shadows asistimos a la representación de un discurso muy particular, el de unos personajes de conducta ambivalente o el de un variado catalogo de tratados político-sociales, todo ello haciendo que de cada escenario o situación a la que asistimos se presente como un complemento muy adecuado para acompañar un relato ya de por sí bastante consistente en lo referente a su estructura. Ni siquiera un mal al parecer endémico en el actual cine surcoreano como suelen ser las largas duraciones de metraje llega a ser un impedimento para una película de las características de The Age of Shadows pues da la impresión de que no hay un solo minuto de sus 140 que le sobren.

Valoración 0/5: 4

La autopsia de Jane Doe

The Autopsy of Jane Doe  nos cuenta como Tommy y Austin Tilden regentan una pequeña morgue y un crematorio en Virginia. Un día, el sheriff local les entrega un cadáver, al que han apodado Jane Doe y que fue encontrado en un sótano. Pronto, padre e hijo descubrirán que el nuevo encargo no es mera rutina y que, aunque por fuera el cuerpo está intacto, el interior de Jane Doe ha sido violentamente trasteado, víctima, quizá, de una terrible fuerza ritual.

El noruego André Ovredal tras su simpático mockumentary Trollhunter presente en Sitges hace ya algunos años debuta en los Estados Unidos con The Autopsy of Jane Doe, film de terror mortuorio ubicado en un único escenario e interpretado por unos acertados Brian Cox y Emile Hirsch, una película que logra funcionar como un inmejorable ejercicio de estilo en lo concerniente a la gestación y utilización de unos reconocibles engranajes prototípicos del género de terror, seguramente por ello  fuese la película más honesta en lo referente a su intencionalidad vista este año en el festival de Sitges.

Hoy en día cualquier película de terror que se precie con alguna que otra aspiración parece situarse en la obligación de sorprender por todos los medios al espectador ya sea a un nivel técnico o narrativo, es por eso que no deja de sorprender positivamente la naturaleza de un producto de las características de The Autopsy of Jane Doe, un film que se mueve más por su trayecto que por su finalidad, aquella máxima de intentar generar terror a través de una mirada o de una percepción expuesta desde una perspectiva casi primigenia, André Ovredal maneja a la perfección dichos mecanismos genéricos, sabe cuándo mostrar y cuando ocultar, manejando muy bien todos los tiempos y desvelándolos con ingenio. Sería una lástima juzgar The Autopsy of Jane Doe por un final algo precipitado que puede decepcionar a más de uno, estamos principalmente ante un tipo de cine que intenta recuperar su capacidad a la hora de perturbar y hacer del terror algo más que un conjunto de manierismos de genero e imágenes conceptuadas esclavas dentro de un tiempo concreto, todo ello sitúa a André Øvredal como un nombre a seguir con atención y detenimiento a partir de este momento.

Valoración 0/5: 3’5

One Hundred and Fifty Years of Life

Han, de 90 años, vive con su hijo de 60 años con discapacidad mental en el sur de Beijing. Mientras que sus dos hijas codician su apartamento y se apropian de su pensión, la mayor preocupación de Han es qué le ocurrirá a su hijo después de su muerte. Un día, el yerno abandona al hijo de Han en los suburbios, alegando que ha desaparecido.

One Hundred and Fifty Years of Life primer film de ficción a cargo del realizador Liu Yu (tras su documental  The Blinding Sunlight también presente en su día en la sección Nuevos Directores) nos presenta un retrato de contornos realistas, poseedora al mismo tiempo de una puesta en escena que llega a incidir en un tono minimalista sin atisbo de ningún tipo de adorno estilístico, más bien todo lo contrario, se opta de una forma evidente por una sobriedad de naturaleza casi documental en base a su estructura narrativa, nos habla principalmente de lo complicada que puede resultar a día de hoy la vida en el entorno de una urbe como el actual Pekín para gente mayor de escasos recursos económicos, un nuevo enclave urbano como implacable ente devorador hacia los menos favorecidos.

La película adopta el estandarte de cine económico-social de denuncia muy característico últimamente en un tipo de cine proveniente de China. One Hundred and Fifty Years of Life no inventa nada nuevo en lo referente a sus postulados pero tiene al menos la virtud de aposentarse en un aceptable tono de características claramente contemplativas, plagados de espacios llenos de silencios, que le llegan a otorgar en determinados momentos al producto una corrección formal que le aleja para bien de ese cine social tan manido que solemos ver con demasiada frecuencia en los últimos tiempos.

Valoración 0/5: 2’5

La reconquista

Manuela y Olmo se reencuentran en un futuro que se habían prometido quince años antes, cuando eran adolescentes y vivieron su primer amor. A partir de esta premisa romántica, La reconquista es, en realidad, una película en busca del tiempo; o sobre la conciencia del tiempo: del tiempo perdido y del tiempo recuperado; sobre lo que recordamos de nosotros mismos y sobre lo que no recordamos; sobre las palabras, los gestos y los sentimientos a los que seguimos guardando fidelidad, porque nos definen y nos interpelan en el presente, el pasado y el futuro.

La reconquista, cuarto trabajo como director de Jonás Trueba nos habla a través de un discurso de connotaciones claramente “rohmerianas” del discurrir del tiempo y sus consecuencias en una relación sentimental pasada y como esta es rememorada en el presente en una primera parte del film (la más interesante) en base a  largos diálogos y acciones que transcurren en un limitado y corto espacio de tiempo.

Posiblemente una de las mayores virtudes de un film de las características de La reconquista sea su propia particularidad como producto de clara raíz emotivo, tan sencilla en sus postulados como efectiva en todo lo que se nos cuenta, una exposición que a sin prevista puede parecer poco pero llega a ser mucho, Jonás Trueba  nos habla de cómo nos relacionamos con los demás en una historia contada a través de finales, dotada de finas capas de comedia asistimos a ese concepto de sentir pasar el tiempo en donde cobra una vital importancia tanto lo que se dice, como lo que no se llega a decir. Pese a una manifiesta irregularidad narrativa y alguna que otra excesiva reincidencia musical todo resulta especial en esta notable película, uno termina con la sensación de que ojala hubiera más gente como Jonás Trueba en el actual panorama cinematográfico patrio, un tipo de propuestas como las que expone La reconquista que son muy necesarias en el cine español.

Valoración 0/5: 3

Your name

Taki despierta de lo que parece haber sido un sueño muy importante. Pero en una habitación desconocida y no en su cuerpo… sino en el de una chica. Por otro lado, Mitsuha es una adolescente aburrida de vivir en un pueblo en las montañas, que ruega a Dios poder ser un apuesto chico de Tokio en su próxima vida. A la mañana siguiente, Mitsuha despierta convertida en un estudiante de bachillerato. Gracias a la información que va recopilando a su alrededor, descubre a quién pertenece el cuerpo que está habitando. Se llama Taki. Sus cuerpos se han intercambiado. Cuando vuelven a despertar, descubren que han regresado a su yo anterior. Pero el sueño trae consigo el intercambio de cuerpos una y otra vez. Misteriosamente, se repite el mismo patrón todos los días. Los dos actúan dando palos de ciego en esos cuerpos que les resultan tan poco familiares, pero comienzan a dejarse notas para comunicarse. Torpemente, consiguen ir superando un reto tras otro y se va creando entre ellos un vínculo que poco a poco se convierte en algo más. Sin embargo, hay algo que todavía no saben… Algo inesperado está a punto de ser revelado.

Sin en la pasada edición del festival de San Sebastián se contó con un peso pesado de la animación dentro de su sección oficial (Mamoru Hosoda y su The Boy and The Beast) este año le tocó el turno Makoto Shinkai que presento la extraordinaria fábula romántica Your Name (Kimi No Na Wa).

Makoto Shinkai en Your Name vuelve a incidir en el amor en la distancia como principal eje narrativo, a partir de esta premisa asistimos como es habitual en los trabajos del director nipón a una serie de códigos genéricos que pueden llegar a resultar un tanto ajenos en lo referente a su conocimiento para el público occidental, esto no significa que estemos ante una película de clara naturaleza localista, eso sí los personajes responden a un patrón muy concreto y determinado por eso sería conveniente el tener un mínimo de conocimiento con respecto a según qué tipo de animación japonesa como para emitir según que análisis, independientemente de que pueda gustar más o menos a estas alturas resulta algo incomprensible que se llegue a apelar a una cierta extrañeza a la hora de subrayar un marcado e inherente romanticismo exacerbado muy presente en el imaginario pop juvenil en el que se sustentan muchas de estas propuestas. Your Name para el que esto suscribe posiblemente sea la mejor película de Makoto Shinkai, el empaque visual del que está dotado el film resulta por momentos impactante dada su mastodóntica variedad en los detalles, un film rotundamente hermoso, certeramente construido a través de una narrativa que logra funcionar a la perfección en base a todos los elementos de los que parte desde su inicio, una verdadera maravilla.

Valoración 0/5: 4

After the Storm

Ryota vive en el pasado, en sus momentos de gloria como premiado autor. Tras divorciarse, gasta en las carreras todo el dinero que gana como detective privado y no puede pagar la pensión alimenticia de su hijo. Tras la muerte de su padre, trata de retomar las riendas de su vida y hacerse un hueco en la de su hijo. Un inesperado tifón obligará a toda la familia a pasar la noche juntos en casa de la abuela y les dará la oportunidad de reencontrarse.

La nueva película de Hirokazu Kore-eda, un habitual del festival, volvió a estar presente un año más dentro de la sección Perlas tras su paso por el festival de Cannes de hace unos meses, After the Storm vuelve a incidir en el temario costumbrista tan característico del director nipón, en esta ocasión a través de una particular reflexión sobre la felicidad por parte de una familia desestructurada, todo ello expuesto mediante el choque cultural entre el viejo y el nuevo Japón con todo lo que ello puede conllevar.

Aquí el tratado que nos propone  Kore-eda vuelve a funcionar en base a una serie de simpáticos y amenos diálogos, la premisa sigue siendo la misma, transitar en base a una sencillez y sutileza en lo referente a su narración que nos deriva finalmente hacia lo emotivo casi sin darnos cuenta, esa profundidad emocional de la que está dotada la película adquiere una importancia muy a tener en cuenta, básicamente porque After the Storm no es de lo mejor de Hirokazu Kore-eda, en el film vemos claramente cómo se alargan innecesariamente algunas subtramas que no llevan a ninguna parte, sin embargo pese a tener uno la sensación de estar ante un trabajo algo menor por parte de su director el film a la hora de argumentar su historia denota sobradamente el talento de un autor que posee una capacidad innata a la hora de crear momentos íntimos, una incuestionable habilidad que ya quisieran muchos directores que sustentan sus trabajos a través de las pautas más comunes de la comedia dramática.

Valoración 0/5: 3’5

American Pastoral

Seymour Levov, el «Sueco”, un atleta legendario en el instituto se ha convertido en un exitoso hombre de negocios casado con Dawn, una ex reina de la belleza. Pero, tras la apariencia impecable de la vida del “Sueco”, se fragua la tormenta. Cuando su hija Merry desaparece tras ser acusada de cometer un acto violento, el «Sueco” se dedica a buscarla y a reunir a su familia. Lo que descubre remueve sus cimientos, obligándole a mirar más allá de la superficie y afrontar el mundo caótico que le rodea: Ninguna familia americana volverá a ser la misma.

Mucha expectación dentro de la Sección Oficial había levantado el ambicioso proyecto de la adaptación a la gran pantalla de la novela homónima de Philip Roth a cargo de un primerizo Ewan McGregor en su primer trabajo tras las cámaras. American Pastoral como película no consigue ni mucho menos estar a la altura de la ambiciosa novela en la que se basa deviniendo como un film ligeramente correcto pero pesimamente adaptado si nos atenemos a su base. Hay una evidente corrección en sus formar a la hora de exponer situaciones y personajes que sin embargo quedan totalmente desprovistos de la profundidad requerida, pero sobre todo se atisba una imposibilidad y por momentos una negación en mostrar un contexto histórico-social definido, esa otra cara del sueño americano expuesta a modo de fresco histórico en el film carece por completo de una visión y unos matices que requería la historia. La apuesta de American Pastoral era arriesgada en un principio, el resultado final no puede ser más decepcionante, la sensación de oportunidad perdida que uno tiene durante el visionado de todo el metraje del film llega a ser continuo, una verdadera pena, posiblemente Ewan McGregor haya apuntado demasiado alto en su debut como director.

Valoración 0/5: 1’5

La región salvaje

El sexo y el amor pueden resultar frágiles en ciertas regiones donde existen fuertes valores familiares, hipocresía, homofobia y machismo. Una misteriosa joven está convencida de que algo sobrenatural podría ser la respuesta a todos sus problemas…

Era uno de los platos fuertes presentes este año dentro de la sección Horizontes Latinos, tras su merecido premio como Mejor Director en el reciente festival de Venecia, el mejicano Amat Escalante presentaba la esperada La región salvaje, una rompedora y muy particular incursión en el género fantástico que transita a través de la realidad mexicana por parte de uno de los principales talentos del llamado nuevo cine latinoamericano.

La región salvaje utiliza al igual que lo hacia Possession de Andrzej Zulawski (con la que guarda unos inequívocos y muy interesantes puntos de conexión) la metáfora social dentro del género fantástico para incidir el devenir en esta ocasión del relato de un país en pleno proceso de autodestrucción moral, un conclave plagado de carencias afectivas y sexuales, en el film todo esto llega a ser expuesto de una manera alienante, como casi de una autoral sci-fi sexual se tratase Amat Escalante prescinde en esta ocasión del hiperrealismo tan característico visto en anteriores trabajos suyos para exponer en modo genérico las pulsaciones más primarias del ser humano dentro de un contexto determinado, un monstruo de tentáculos fálicos venido del espacio es utilizado como ente liberador y al mismo tiempo castigador de los males de una sociedad visiblemente enferma, la hipocresía, homofobia, misoginia o machismo son síntomas inequívocos de la oscura realidad mexicana de hoy en día, aquí vistos a través de un doble juego de espejos en donde el realismo social de la urbe choca frontalmente con el elemento fantástico e incluso fabulario del bosque, más adelante y con más tiempo volveremos a hablar con más detenimiento de esta arriesgada y fascinante obra, para el que suscribe esto una de las películas más ambiguas y rompedoras del presente curso.

Valoración 0/5: 4

Del 7 al 16 de octubre se celebró la 49 edición del festival de Sitges, una edición que estuvo marcada por el homenaje a la saga de culto creada por Gene Roddenberry en 1966 Star Trek, un certamen que en líneas generales tuvo un nivel en lo referente a la calidad de las películas proyectadas bastante elevado, nuevamente esa fórmula a modo de amplio cajón de sastre genérico de la abundante producción fantástica expuesta desde diferentes vertientes que ha dado este 2016 sirvió como inmejorable termómetro del actual estado de salud del género. A la hora de señalas las pautas de la presente edición subrayar el inmejorable momento que goza el cine asiático (una parcela que domina a la perfección el festival pues prácticamente todo la producción disponible que encaja dentro de ese imaginario tan propio del festival volvió a estar presente en año en Sitges), nombres consagrados como los coreanos Kim Jee-woon, Park Chan-wook o Na Hong-jin y muy especialmente los japoneses Sion Sono y Kiyoshi Kurosawa (ambos con dos extraordinarias propuestas cada uno presentes dentro del certamen) demostraron estar a un nivel de creatividad muy superior al resto.

Una edición que conto con grandes homenajeados, una coexistencia de pesos pesados de la interpretación de alto calibre como Max von Sydow y Christopher Walken, autores de pedigrí como el gran Paul Schrader o personalidades varias para puro disfrute fan como Barbara Crampton, Dolph Lundgren o Bruce Campbell, algo que sirvió como perfecto reflejo de esa coexistencia de perspectivas y miradas genéricas cada vez más amoldadas dentro de un festival en cuyo palmares se premió y condiciono el riesgo y la originalidad (Swiss Army Man) en contraposición a una mayor calidad (The Wailing, The Handmaiden, Creepy).

A modo de reflexión señalar la difícil coyuntura a que la que se enfrentan los festivales de serie B como el de Sitges en un presente y futuro, este año se proyectaros un elevado números de films ya disponibles en plataformas de consumo doméstico (VOD), la mayoría de ellas disponibles de forma ilegal por estos lares, esa añorada exclusividad a la hora de proyectar en la que anteriormente se sustentaban los festivales parece cada vez parece más diluida y lo que es más preocupante de una difícil solución sino habituamos una renovada mirada a la hora de consumir cine ya no solo en lo referente a certámenes como Sitges sino a un nivel mucho más generalizado, el desangelado pase de prensa matinal de The Neon Demon no hizo sino subrayar esta problemática por increíble que parezca.

Señalar del mismo modo el buen nivel exhibido este año dentro de la sección Noves Visions, con muchas propuestas de un mayor nivel de las vistas en algunas películas vistas en la sección oficial, por otra parte la estimulante selección ofrecida este año en Seven Chances, seguramente la más puramente genérica desde su  puesta de largo en el ya lejano 1993, algo que siempre es de agradecer y más en Sitges, en contraposición detectar en Panorama Fantàstic una sensación muy palpable de films no aceptados dentro de la sección oficial por su calidad, algo que la deriva en una especie de gueto poco agraciado con respecto a sus propuestas. Resaltar a sí mismo la necesaria tarea de rescatar clásicos restaurados como las esenciales Dawn of the Dead, Phantasm, Terrore nello spazio o la seminal Solaris proyectada esta última dentro de la muy interesante retrospectiva Red Planet Marx.

El próximo año Sitges celebrara su cincuenta aniversario y lo hará por todo lo alto, una serie de actividades servirán como preámbulo de la edición, el primero de ellos el concierto de Fabio Frizzi previsto el próximo 1 de noviembre en la sala Phenomena de Barcelona. El festival contara como padrino de este aniversario con Guillermo del Toro,un director muy afín al festival,  además el personaje literario y cinematográfico Drácula, de la novela de Bram Stoker y adaptado en numerosas ocasiones al cine será homenajeado en un certamen que con casi toda seguridad contara como película inaugural con el Blade Runner 2 de Denis Villeneuve el próximo 4 de octubre de 2017. A continuación y como viene siendo habitual y a modo de crónica diaria desgranaremos todo lo que dio de sí la presente edición del festival, más adelante y aprovechando en muchos de sus casos su futuro estreno comercial nos detendremos más detenidamente en las propuestas más interesantes vistas este año en Sitges.

Inside

Una joven viuda, embarazada y deprimida, intenta reconstruir su vida después del fatídico accidente de tráfico en el que perdió a su pareja y su oído de manera parcial. Ahora, a punto de dar a luz, vive en una casa aislada de un suburbio cuando, una noche de Navidad, recibe la visita inesperada de otra mujer con siniestras intenciones…

Muy diluida resulto la inauguración de la presente edición del festival de Sitges, Inside, producción catalana rodada en inglés y tercer trabajo del sevillano Miguel Ángel Vivas tras sus más que aceptables Secuestrados y Extinction, en esta ocasión adentrándose en el pantanoso terreno de los remakes de producciones recientes, una nueva versión de À l’intérieur, opera prima de los franceses Alexandre Bustillo y Julien Maury que dirigieron en el 2007 y que con el paso de los años ha adquirido un pequeño estatus de culto entre los aficionados al género de terror.

Nunca he sido muy partidario de esa militancia extrema por parte del aficionado en la no aceptación de nuevas versiones ya de antemano, siempre he sido de la opinión de la legitimidad de rehacer desde una mirada renovada y diferente trabajos ya expuestos con anterioridad, lamentablemente Inside pese a esa legitimidad antes mencionada e incluso una supuesta validez como adecuado producto para su comercialización internacional fracasa en su cometido de una forma muy evidente, Inside es diferente a  À l’intérieur pero para peor, pues despoja de las principales virtudes del original, esa contundencia y truculencia de contornos hiperrealistas enclavado en una historia muy minimalista desaparece por completo para ofrecernos un producto de naturaleza light, incidiendo más en un torpe uso del thriller en forma casi de drama que en aplicar e incidir en la perversión de tono pesadillesco de su predecesora, un peaje inherente en los remakes es el de hacer comparaciones con el original, y en este aspecto Inside sale bastante mal parada.

Valoración 0/5: 1

Proyecto Lázaro

Año 2084. Un grupo de médicos logra resucitar por primera vez a un hombre que fue criogenizado 60 años atrás. Marc (Tom Hughes) fue diagnosticado con una enfermedad cuyo pronóstico era de un año de vida. Incapaz de aceptar su final, decide congelar su cuerpo. Seis décadas después Marc se convierte en el primer hombre resucitado de la Historia. Entonces descubrirá que el gran amor de su vida, Naomi (Oona Chaplin), le ha acompañado durante todo ese tiempo de una forma que él no esperaba.

Mucha expectación había por ver el nuevo trabajo tras las cámaras del director canario Mateo Gil, Proyecto Lázaro pilla su concepto a modo de spin-off ya expuesto en su guion para Abre los ojos, definiéndose como un drama futurista de ligera estética new age e incluso heredera de la poética evanescente al estilo Malick acerca del desaparecer de tu momento y entorno para renacer en un ámbito al que ya no perteneces, un ritmo que curiosamente se trunca de manera algo abrupta con un giro final más propio de un fabulario en modo Twilight Zone.

Proyecto Lázaro no deja de ser un producto atípico, a contracorriente en el prácticamente inexistente género de la ciencia ficción intimista patria, una película de amor disfrazada en un entorno de género distópico, algo que en cierta manera le da una validez y una razón de ser a la propuesta pese a sus evidentes fallas, por citar solo algunas hay un abuso algo exagerado de la narración en off para subrayar cosas que las imágenes ya explican sobradamente, esa redundancia visual e incluso discursiva choca frontalmente con posibles reflexiones de mucha mayor relevancia que nos intenta lanzar la película, como por ejemplo los dilemas morales que expone Mateo Gil en la trama. Proyecto Lázaro termina siendo un producto ambicioso en sus postulados, no pedante como algunos llegaron a aseverar, aunque muy irregular en lo referente a sus resultados, aun así no deja de ser una película muy a tener en cuenta dada su valentía al adentrarse en un género inexistente en España, algo que dado los tiempos actuales en los que vivimos es digno de aplauso.

Valoración 0/5: 2’5

Train to Busan

Un desastroso virus se me expande por Corea del Sur, provocando importantes altercados. Los pasajeros de uno de los trenes KTX que viaja de Seúl a Busan tendrán que luchar por su supervivencia.

Si en la pasado edición del festival de Sitges la película “zombie” fue la muy disfrutable cinta japonesa I Am a Hero este año otra producción asiática tuvo tal merecido honor, Train to Busan (Premio a la mejor dirección y a los mejores efectos especiales) supone el debut en imagen real del surcoreano Yeon Sang-ho que junto a su animada Seoul Station también presente en el festival forman parte de una particular e interesante franquicia zombie, ambas funcionando como una moneda de doble cara. Vista Train to Busan puede llegar a sorprender en algo si lo comparamos a los anteriores trabajos de su directos, las animadas y claramente sustentadas dentro de unas coordenadas de lectura social The King of Pigs (2011) y The Fake (2013).

Train to Busan se aparta de dicho concepto para adentrarse en un pulcro blockbuster de terror-acción que funciona como un perfecto y disfrutable vehículo de entretenimiento, teniendo como principal virtud el que las ligeras pinceladas de crítica social expuestas en el film (deteriorada relación paterno filiar, ese apunte de que la unión de los individuos hace la fuerza ante las adversidades o la crítica velada ante la total ausencia gubernamental responsables del desaguisado en el conflicto) no logran diluir lo que es de una forma evidente una diversión genérica sin complejos de aplicado ritmo narrativo, y que utilizando al mismo tiempo y de manera inteligente una coordenadas modernas dentro del género de terror se posiciona en resultados muy por encima de productos yanquis de parecida naturaleza como por ejemplo la  muy decepcionante World War Z.

Valoración 0/5: 3’5

Tickled

El periodista David Farrier, especializado en buscar en Internet cosas raras y bizarras, se topó con una misteriosa competición de cosquillas online. A medida que se sumergió más en ella, se encontró cada vez una resistencia más feroz a investigar, incluyendo insultos, pero nada le detuvo para intentar llegar al fondo de una historia más extraña que la ficción.

Se echó en falta en la presente edición del festival trabajos de la índole de Tickled, interesante documental de la HBO a cargo de los debutantes David Farrier y Dylan Reeve que se aleja de dicho concepto genérico que suele analizar o homenajear  algún aspecto relativo al séptimo arte como la gran mayoría de documentales presentados en el certamen de este año.

Tickled se adentra en la realidad a través de una premisa fundamentada en la anécdota, siguiendo unas pautas narrativas muy parecidas a las de Catfish partimos de una premisa curiosa (competiciones de cosquillas online) en donde lo atípico de ella nos direcciona en primer lugar en una travesía  hacia lo inverosímil para a continuación adentrarse en algo mucho más oscuro y perturbador, para terminar descubriendo patologías de desviación sexual y sobre todo ese conclave social que es internet y que deviene como campo abonado a la hora de suplantaciones de identidad y acoso psicológico por parte de sociópatas. Tickled funciona más en lo relativo a su trayecto (aunque este aspecto requiere el ir lo más virgen posible por parte del espectador dado la naturaleza del producto) que en lo referente a su supuesta finalidad, esa investigación periodística que termina enseñándonos que la más simple realidad siempre supera la ficción logra una mayor solidez en contraposición con su exposición de los peligros que puede conllevar contactar con monstruos ocultos tras una aparente y engañosa inocencia.

Valoración 0/5: 3’5

The Sion Sono

No hace falta presentarle: es nuestro provocador favorito. Lo que sí se antoja necesario es ver este documental para descubrir más sobre el poeta, el pintor, el guionista, el cineasta, el niño, el esposo… Arata Oshima (hijo de otro gran irreverente, Nagisa Oshima) se adentra en el complejo e inabarcable universo de Sion Sono mientras este rueda The Whispering Star.

Se suele decir que los documentales que desgranan el día a día de un artista suelen funcionar en lo referente al interés que la persona retratada pueda infundir al espectador en cuestión, Sion Sono (autor clave en estos últimos años dentro del certamen) es un artista muy particular, lleno de matices, unos matices ambivalentes que quedan perfectamente retratados en este interesante trabajo a cargo de Arata Oshima acerca de uno de los autores más validos e interesantes del actual panorama cinematográfico. El Sion Sono poeta, pintor y finalmente director de cine quedan perfectamente definidos en un documental en donde el proceso creativo del artista queda equilibrado en base a un ameno anecdotario bañado en alcohol y tabaco, un magnífico retrato de la vida y obra del misterioso mundo que habita Sion Sono, un genio en cuyo imaginario puedes llegar el aceptar entrar en el o rechazarlo (perfectamente plasmado en el documental en la confección de su mujer y musa Megumi Kagurazaka) pero un genio al fin y al cabo como bien nos muestra The Sion Sono.

Valoración 0/5: 4

The Whispering Star

Yoko (Megumi Kagurazaka), es una especie de repartidor interestelar de UPS . Su trabajo es simple: debe hacer entrega de paquetes y correspondencia a los seres humanos esparcidos por diversos planetas. Pero con tanto tiempo libre entre las entregas, Yoko comienza a preguntarse qué hay en esos paquetes.

En The Whispering Star encontramos al Sion Sono más autoral, aquel que se lanza al vacío sin red, un posicionamiento artístico en donde solemos encontrar casi siempre los mejores trabajos por parte del director nipón, The Whispering Star (film que nace de un guión que escribió hace más deveinte años) no es una excepción en lo referente a semejante aseveración, presentándose como una de las propuestas más validas e interesantes vistas este año en el festival de Sitges.

Sion Sono reviste la tragedia del 11 de marzo de 2011 en Fukushima en una inusual dramatización minimalista de ciencia ficción para hablar de los recuerdos, la perdida y la memoria, aunque no lo parezca a primera vista estamos ante una película dotada de una gran trascendencia en lo referente a su estética y narración, expuestas mediante un maravilloso juegos de lentes, luces y sonidos que la derivan directamente hacia una dramatización casi fantasmagórico. El extraordinario final que vemos en The Whispering Star sirve casi a la perfección para dicha reflexión, un final en donde vemos a un serie de personas viviendo sus cotidianas vidas bajo una aparente y absoluta normalidad detrás de una especie de paneles blancos, a semejanza de unas sombras chinas, una existencia reflejada como si la realidad les fuera tan insoportable de llevar que sólo pueden enfrentarse a ella a través de un futuro inicuo, completamente alejado de cualquier resquicio que muestren la dolorosa realidad.

Valoración 0/5: 4

Our love story

Yoon-ju es una estudiante de posgrado de Bellas Artes, que tiene trabajos a tiempo parcial para llegar a fin de mes, y vive en la casa de su amiga Young-eun por un pequeño alquiler. A diferencia de Young-eun, que disfruta de sus relaciones sin compromiso, Yoon-ju busca algo más serio. Un día, mientras está buscando materiales para su proyecto, se encuentra con Ji-soo en una tienda de segunda mano. Al ver a Ji-soo en un lugar extraño, Yoon-ju se siente atraída por ella.

Our love story debut en el largo  de la directora Lee Hyun-ju vino a escenificar de manera muy palpable el nivel visto en esta edición dentro de la sección Nuev@s Director@s, films sobradamente correctos en lo referente a su estructura en mayor o menor medida pero algo desprovisto de una originalidad o riego dentro de la temática expuesta. Our love story nos cuenta el descubrimiento sexual de una joven estudiante dentro de una relación homosexual en una sociedad como es la surcoreana en donde a día de hoy dichas relaciones siguen siendo un tabú dentro de un sector muy específico de habitantes. Lee Hyun-ju realiza un trabajo en lo referente a la construcción dramática de ambos personajes bastante notorio, su puesta en escena resulta solvente con algún que otro detalle a tener en cuenta, lástima que estas diversas virtudes no sean lo suficientemente validas a la hora de estar ante un producto que destila una evidente falta de originalidad en lo concerniente a su propuesta.

Valoración 0/5: 2’5

Jesús

Santiago, Chile. Jesús, de 18 años, vive con su padre Héctor en un apartamento donde la televisión compensa su incapacidad para comunicarse. El resto del tiempo baila en un grupo de K-pop, sale con sus amigos y toma drogas, mira clips cutres y practica sexo en lugares públicos, buscando emociones fuertes. Una noche, las encuentra con sus amigos, cuando se ve envuelto en un incidente irreversible. Este acontecimiento unirá más que nunca a Jesús y a Héctor, pero también los separará para siempre.

El chileno Fernando Guzzoni que ya ofreció buenas maneras con su anterior y contundente Carne de Perro, ahora nos ofrece una nueva crítica social y coyuntural en Jesús, un crudo retrato acerca de las inseguridades de una juventud a la deriva, una desorientación generacional (confusión sexual incluida) expuesta mediante el retrato de una herencia violenta y machista que se hereda de padres a hijos y las consecuencias que todo ello finalmente acarrea.

Fernando Guzzoni se aparta conscientemente de la sutileza o el tan socorrido fuera de campo a la hora de visualizar mediante un verismo cinematográfico muy palpable en su puesta en escena el errante día a día del joven protagonista, un hecho violento servirá como definitorio punto de inflexión en lo concerniente a mostrar ese vínculo paterno-filial ubicado en el centro de una crisis a partir de este hecho radical y extremo, a partir de aquí ambos personajes tendrán que enfrentarse en una relación antes de ese hecho prácticamente inexistente y es ahí en donde la película revela que las bases de los supuestos vínculos familiares no son tan sólidos, todo lo contrario, es a partir de esta idea final en donde Fernando Guzzoni parece encontrar un sentido valido a todo lo antes expuesto ¿cómo poder asumir la culpa de un acto terrible a raíz de un estirpe hereditaria que no llegas a reconocer del todo?, una síntesis perfecta direccionado al apocalipsis adolescente que Jesús nos llega a mostrar.

Valoración 0/5: 3

Something In Blue

Cuatro jóvenes, una ciudad. Por amor o idealismo, divertidos y algo desconcertados. A medida que cambian las estaciones, ellos entran en la película desde la vida; después vuelven a sus vidas desde la película. Se interpretan a sí mismos en la película, sus papeles transforman sus vidas. Una improvisación original en el cine chino, una nueva forma de narrar la vida urbana.

Something in blue primer largo de Yunbo Li presentada en la sección Nuev@s Director@s transita en base a una frustración generacional bastante definida, cine documentado dentro de cine supuestamente friccionado mediante el retrato fragmentado en la vida de varios jóvenes a través de los vaivenes económicos, laborales y emocionales, en cierta manera las dudas existenciales de los jóvenes retratados en Something In Blues acaban siendo muy semejantes a los de cualquier otro lugar del mundo a día de hoy, el mayor problema de Something In Blue viene dado en que la fórmula empleada por Yunbo Li se llega a agotar demasiado pronto, el acercamiento al día a día en el retrato de esta juventud contemporánea llega a ser por momentos algo tedioso, la eterna quimera a la que se tiene que enfrentar la juventud moderna ofrecida en modo de catálogo con ciertas improvisaciones tampoco es que llegue a ser precisamente novedoso, quedando finalmente como una suerte de reflexión de los ideales no perpetrados que marcan una parte de la sociedad actual.

Valoración 0/5: 2

I, Daniel Blake

Por primera vez en su vida, y víctima de problemas cardíacos, Daniel Blake, carpintero inglés de 59 años, se ve obligado a acudir a las ayudas sociales. Sin embargo, a pesar de que el médico le ha prohibido trabajar, la administración le obliga a buscar un empleo si no desea recibir una sanción. En el transcurso de sus citas en el centro de trabajo, Daniel se cruza con Katie, una madre soltera de dos niños que tuvo que aceptar un alojamiento a 450 kilómetros de su ciudad para evitar que la envíen a un hogar de acogida. Prisioneros de la maraña de aberraciones administrativas actuales de Gran Bretaña, Daniel y Katie intentarán ayudarse mutuamente.

Ken Loach presento en la sección Perlas una de las películas más esperadas en la presente edición del festival, I, Daniel Blake flamante Palma de oro en el pasado Cannes, el cineasta británico vuelve a incidir una vez más en la crónica social y humana, en esta ocasión ubicada en la región de Newcastle, podríamos aseverar sin riesgo a equivocarnos que la película es la quintaescencia de Loach, con todo lo que ello conlleva, para arrastrarnos a través de ese choque emocional tan característico suyo, aquí nos habla de la precariedad laboral actual, pero sobre todo del carácter deshumanizado hacia la clase obrera por parte de leyes, estamentos y actual sistema de prestaciones sociales británico que tratan a este colectivo de forma humillante como simples números y no como en lo que realidad son.

En I Daniel Blake la cámara de Loach sabe encontrar el modo casi perfecto a la hora de resaltar a base de la sencillez costumbrista un suave tono de tragicomedia, el saber contar historias sencillas de gente ordinaria pero sin retratarlos como tales. No deja de ser algo sorprendente que tras su merecida Palma de oro un grupo bastante amplio de críticos pusieran el grito en el cielo señalando al director británico de autor maniqueo y en basarse en un tipo de cine militante en exceso repetitivo, puede que estas aseveraciones tengan algo de verdad, como también lo es que por muy manido que sea el repertorio de Ken Loach (80 años, no nos olvidemos) este y más en la película que nos ocupa llega a ser eficaz y fluido, el cine como forma de protesta contra un mundo cada vez menos tolerante, en definitiva un maestro del realismo social aplicado a la cinematografía pese a quien le pese.

 Valoración 0/5: 4

Snowden

Cuando Edward J. Snowden desveló los documentos del programa de vigilancia mundial secreto de la NSA, abrió los ojos del mundo y cerró las puertas de su propio futuro, renunciando a su carrera, a su novia de toda la vida y a su patria. ¿Qué le llevo a perpetrar el mayor caso de divulgación de documentos clasificados de la historia?

Desde que en 1986 Oliver Stone dirigiera Salvador el director norteamericano se ha convertido en un aventajado cronista de las miserias que han acontecido en mayor o menor medida en los Estados Unidos, por tanto que se responsabilizara de llevar a la gran pantalla la historia de Edward Snowden no solo no cogió a nadie por sorpresa sino que en cierta manera se vio hasta algo lógico.

Snowden es una película correcta pero desprovista de garra, e incluso por momentos bordeando el tono más puramente naif en su narrativa, da la impresión de que Oliver Stone con el paso de los años ha ido perdiendo fuelle como cineasta político, uno de los mayores problemas del film es su muy escaso debate político, Stone se centra más en el personaje, no parece interesarle tanto el glorificarlo pero si el exculparlo de sus actos, el otorgarle una legitimidad según su propia moral. En Snowden hay pequeños detalles, demasiado leves, del buen cine que en su día ofreció Oliver Stone, esos momentos de tono conspirativo-paranoide que sufre el protagonista (un competente Joseph Gordon- Levitt) son de largo lo mejor de la cinta, si uno busca una información más detallada del caso lo mejor que puede hacer es visionar el documental Citizen Four (2014), en este aspecto Oliver Stone da la sensación de querer equilibrar el producto dando paso a la vertiente (poco interesante) más familiar- romántica del personaje en la historia, todo resulta demasiado correcto y previsible en su exposición, una trayectoria la expuesta en Snowden muy alejada de la naturaleza reivindicativa de los primeros trabajos de su director.

Valoración 0/5: 2’5

Pinamar

Dos hermanos vuelven a Pinamar después de la muerte de su madre para darle su último adiós y vender el apartamento familiar. Mientras que Pablo quiere terminar lo antes posible, Miguel quiere disfrutar de la visita. Durante su estancia en Pinamar el pasado vuelve a la vida a través de Laura, una vieja amiga de Miguel que les gusta a los dos, y mientras tratan de conquistarla, redescubren su relación y se dan cuenta de que cada final es siempre el comienzo de algo nuevo.

Segundo film del realizador argentino Federico Godfrid tras La Tigra, Chaco codirigido junto a Juan Sasaín, en Pinamar presentado en la sección Nuev@s Director@s asistimos a una premisa en principio nada novedosa, dos jóvenes hermanos (Juan Grandinetti y Agustín Pardella)  regresan a la casa materna tras la muerte de esta con la intención de venderla y no regresar al lugar, una venta que supondría decir adiós a un enclave importante en la vida de ambos jóvenes. Un relato en donde lo que a priori puede parecer sencillo se diversifica a nivel casi extrasensorial, aquella premisa en donde lo supuestamente menor significa más, dando paso a una honestidad en su narrativa de tono melancólico que llega a funcionar en base a su propia naturalidad, Pinamar se toma su tiempo a la hora de hacernos artífices de un pensamiento direccionado a un dilema básico, el pasar página o el aferrarse a unos recuerdos y vivencias, Federico Godfrid lo hace uso mediante continuos silencios y abundantes planos fijos en un film honesto en lo referente una tesis de sobrada de empatía en lo que es su exposición.

Valoración 0/5: 3

As You Are

Jack es un estudiante de instituto que vive con su madre soltera, Karen, en una ciudad anodina. Considerado un marginado social y un solitario, Jack no tiene amigos hasta que el nuevo novio de Karen, Tom, se muda a vivir con ellos e introduce en sus vidas a su hijo Mark. Los dos outsiders no tardan en hacerse buenos amigos y, tras un encuentro casual en un restaurante, incluyen a su compañera Sarah en el grupo. Los tres encuentran su salvación en el grupo, hasta que ciertos cambios en las relaciones y la aparición de algunos secretos les obligan a pararse a pensar y ver hasta dónde están dispuestos a llegar para vivir las vidas que han elegido.

En la presente edición del festival varias fueros las propuestas de óperas primas vistas dentro de la sección oficial a competición, una iniciativa valiente pero algo arriesgada por razones bastantes obvias, As You Are (Premio Especial del Jurado en el pasado Festival de Sundance) del estadounidense  Miles Joris-Peyrafitte incide en ese tipo de cine independiente norteamericano que refleja la desorientación y el desarraigo de un sector de la adolescencia yanqui dentro de un ambiente poco afín, As You Are alterna tramos interesantes con otros que la derivan hacia una argumentación bastante previsible y manida, apoyada en una premisa muy socorrida en los últimos años dentro de este tipo de cine.

El film tiene la ligera virtud de un comienzo al menos algo novedoso en su concepto, ese arranque insertado con interrogatorios a modo de thriller funciona como preámbulo a la presentación de los personajes otorgando al relato un aura de connotaciones trágicas, sin embargo su utilización resulta baldía por completo, lo que veremos a continuación conforme avanza su argumento no da razón de una forma coherente a ello, la película cae en una reiteración de situaciones y sucesión de clichés que hacen que esos flashbacks antes mencionados sean completamente innecesarios. As You Are termina siendo una película fallida, con un montaje muy disperso y una sensación de pastiche generacional que hacen que sus ligeros y bienintencionados aciertos sean de muy difícil apreciación.

Valoración 0/5: 2’5

Summer Lights

Akihiro, un cineasta japonés que vive en París, vuelve a Japón a entrevistar a supervivientes para un documental conmemorativo del 70 aniversario de la bomba atómica de Hiroshima. Profundamente conmovido por las entrevistas, decide tomarse un descanso, y deambulando por la ciudad, conoce a Michiko, una joven alegre y enigmática. Michiko se lo lleva en un improvisado y alegre recorrido desde la ciudad hacia el mar, donde los horrores del pasado se mezclan con la simplicidad del presente.

Lumières d’été del francés Jean-Gabriel Périot (la mejor película vista por un servidor dentro de esa abigarrada sección que es Nuev@s Director@s) aborda desde una perspectiva que transita a medio camino entre el documental y el tradicional relato oral japonés el fatídico bombardeo de Hiroshima vista a través de la sociedad nipona tanto desde una prespectiva de presente como de pasado. Lumières d’été nos ofrece una mirada hacia atrás plagada de melancólica, dotada de una narrativa muy localista, una fábula de contornos casi fantasmagóricos que sirve al mismo tiempo como clara fricción entre diferentes culturas (Francia y Japón), ese choque generacional y cómo afrontar el recuerdo de una ciudad que pese al paso de los años sigue estando conectada con el pasado de una manera irrefutable, un trayecto el del film que sirve como perfecto viaje iniciático a Akihiro, por otra parte Michiko (genialmente interpretada por Akane Tatsukawa) será su particular guía, personificada a modo de ancestro cuya misión es el mostrarnos el peso del pasado de un lugar, de una mirada. Lumières d’été es una pequeña joya a degustar de forma muy plausible, un film en donde llegados a un preciso momento el documental y la ficción se hacen casi imperceptibles, pues al fin y al cabo la memoria histórica y los sueños que lo acompañan tendrían que sustentarse de ambos conceptos.

Valoración 0/5: 4

A Monster Calls

Conor sólo tiene trece años, pero sabe perfectamente qué va a pasar poco después de la medianoche. Va a tener la misma pesadilla otra vez, esa «pesadilla llena de oscuridad, de viento y de gritos». Ha sido así desde que su madre cayó enferma. Aunque esa noche parece diferente. Conor escucha una voz que le llama desde el jardín. Frente a la casa hay una antigua iglesia, con su cementerio… y un viejo árbol, un tejo que se ha transformado en un monstruo ante los ojos de Conor. De la mano de esa criatura, Conor emprende noche tras noche una nueva aventura para huir de sus propios miedos… hasta que reúna el valor suficiente para enfrentarse a su peor pesadilla, a su propia historia: la verdad.

Vaya por delante que nunca he sido muy partidario de los trabajos perpetrado por Juan Antonio Bayona, un servidor siempre ha tenido la sensación de estar ante un tipo de cine manufacturado hacia una globalidad en concreto, no fundamentado desde unos cimientos autorales sino apoyado de una forma muy visible (y este sería entrar en otro debate que daría mucho que hablar) en base a referentes y estamentos de diferente índole. A Monster Calls es con diferencia el peor trabajo de Bayona, de echo si miramos con detenimiento las tres películas dirigidas por él estas han ido en una clara regresión en lo referente a su calidad. A Monster Calls tiene la dolorosa particularidad de estar apoyada en un prestigioso texto guionizado por el propio autor.

A Monster Calls es una fábula fantástica de cómo debemos aceptar la muerte de un ser querido y como saber enfrentarnos a ella, el principal problema entre otros muchos de la cinta dirigida por Bayona es que nos es presentada como una quintaescencia del maniqueísmo dirigido hacia una emocionalidad artificial enormemente torpe, todo en la película parece haber estado trazado a golpe de mazo, no hay una lógica construcción argumental en lo referente a sus personajes, para más inri el empleo de los efectos especiales no llegan a estar conceptuado de una manera lógica a su narrativa, todo parece una sucesión de segmentos sin ningún tipo de fluidez ni unión entre ellos, un auténtico desastre fílmico que con toda seguridad batirá records de taquilla en España, otro cantar será ver como es recibida fuera de nuestras fronteras esta lastimosa película que nos es vendida como el mejor film de la historia del cine patrio por parte de Mediaset por increíble que parezca.

Valoración 0/5: 1

Frantz

En una pequeña ciudad alemana después de la I Guerra Mundial, Anna va cada día al cementerio a lamentar la pérdida de su novio Frantz, que murió en una batalla en Francia. Un día se encuentra con Adrien, un joven francés que ha ido a depositar flores en la tumba de Frantz y cuya presencia en un país que acaba de perder la guerra encenderá pasiones encontradas.

François Ozon presento dentro de la sección Perlas su último trabajo visto en el pasado festival de Venecia, en Frantz (nueva versión extendida en su tercer acto del Broken Lullaby de Ernst Lubitsch con una espléndida y matizada interpretación por parte de la actriz alemana Paula Beer, de asombroso parecido físico a la icónica Sylvia Kristel) nos encontramos ante la película más clasista y académica del director francés y posiblemente su trabajo más maduro relatado a través de un muy sutil melodrama ejecutado de forma concisa y a modo de manual, una mesurada reflexión atemporal sobre las consecuencias morales acontecidas después de un conflicto bélico en la sociedad de ambos bandos.

François Ozon demuestra un tacto exquisito a la hora de contar la historia, tan exquisito como acertado podríamos definir también un uso cromático para nada gratuito, el blanco y negro para reflejar la tristeza y añoranza de los protagonistas, el color para resaltar momentos puntuales de exaltación emocional. Frantz despliega toda la elegancia del melodrama académico establecido dentro de un contexto temporal determinado, aquel en donde la soledad, la culpa y el desarraigo son las consecuencias más directas de un enfrentamiento bélico, especialmente para los que les toca quedarse y convivir con el recuerdo de lo perdido. François Ozon parece haber llegado a una madurez narrativa y de puesta en escena bastante palpable, el cineasta francés en Frantz parece haber encontrado en la represión emocional de una sociedad histórica un altavoz ideal para difundir su peculiar y notabilísimo discurso cinematográfico.

Valoración 0/5: 3’5

Lady Macbeth

La Inglaterra rural de 1865. Katherine vive angustiada por culpa de su matrimonio con un hombre amargado al que no quiere y que le dobla la edad y de su fría y despiadada familia. Cuando se embarca en un apasionado idilio con un joven trabajador de la finca de su marido, en su interior se desata una fuerza tan poderosa que nada le impedirá conseguir lo que desea.

Pulcra adaptación de la novela rusa “Lady Macbeth en Mtsensk” escrita por Nikolái Leskov en 1865 a cargo del realizador británico William Oldroyd, siendo uno de los films que en determinados círculos más se lamentó que no estuviera presente en el palmarés de la presente edición, Lady Macbeth tiene la gran virtud de alejarse de forma consiente de preciosismo y el academismo escénico tan habitual en las adaptaciones de época llevadas al cine, William Oldroyd en cambio hace valer un dominio en la composición del plano muy calculado, casi de contornos minimalistas, de tono oscuro y crudo, sin embargo la plasmación visual otorgada muy reforzada con el acertado uso de los elementos de vestuario va muy por delante de la narrativa utilizada en el desarrollo de sus personajes.

Lady Macbeth nos habla de transformaciones, no acontecidas de forma natural sino más bien forzadas dadas las circunstancias, la de un personaje que empieza sufriendo una opresión y que termina convirtiéndose en una opresora o más bien dicho en una especie de femme fatale de época, derivado todo a través de una tensión dramática de contornos casi hitchockianos que termina manifestándose como un ejercicio feminista en donde la monstruosidad adquirida da paso a la supervivencia y la cuestionable moral de los hechos queda omitida para dar paso a un estado de rebelión y liberación con la particularidad de huir de la ambigüedad de los actos acometidos.

Valoración 0/5: 3

Playground

Último día de colegio en una pequeña ciudad polaca. Es la última oportunidad para Gabrysia, de 12 años, de declararse a un compañero de clase. Gabrysia organiza una cita secreta y chantajea al objeto de su amor para que se presente. Pero lo que se esperaba que fuera una charla íntima se descontrola y conduce a un final inesperado. La película, más allá de plantear una pregunta obvia —¿qué se esconde tras los crímenes cometidos por niños?—, cuestiona si somos realmente capaces de encontrar una respuesta.

Playground opera prima del polaco Bartosz M. Kowalski cubrió la cuota de polémica en esta edición del festival, un film que transita acerca de la violencia en nuestra sociedad, ubicado más concretamente en el inicio de la adolescencia, una polémica que vino dada por la crudeza de una última escena de cerca de diez minuto duración rodada en un plano fijo desde la distancia, algo que provoco que durante dicha secuencia se produjera una huida bastante importante por parte del público en su pase en el Kursaal, produciéndose incluso algún que otro improperio hacia a los responsables de la película, una apuesta valiente y coherente por parte del festival el programarla en contraposición con una actitud por parte de ese sector de público ciertamente lamentable, algo retrograda e incluso gratuita, curiosamente algo que independientemente de la calidad del film este no posee.

Bartosz M. Kowalski en Playground intenta indagar sin conseguirlo en los motivos de la crueldad en los niños en el retrato de tres personajes adolescentes, expone dicha tesis en base a un enfoque extremadamente frío que bebe sin disimulo de una atmósfera realista de tono malsano muy al estilo de Michael Haneke pero expuesta sin ninguna posible reflexión sobre el trasfondo real de la problemática, no creo como se comentó de forma bastante generalizada que Playground anide en lo referente a la provocación o la gratuidad sobre lo que expone, simplemente estamos ante un producto bastante torpe, incapaz de articular sobre su propia argumentación e imposibilitado al mismo tiempo en poder actuar supuestamente como un golpe seco dirigido hacia nuestra propia conciencia.

Valoración 0/5: 2

A Taste of Ink

Vincent no ha vivido ni un tercio de su vida, pero ya se ha tatuado la mitad de su cuerpo y ha enronquecido su voz con su banda post-hardcore. Desde que murió su madre, divide su tiempo entre su trabajo haciendo piercings, con el que no es feliz, y su padre pescadero, que está intentando empezar una nueva vida con una mujer más joven. Y eso le está volviendo loco.

A Taste of Ink ópera prima del francés Morgan Simon presentada en la sección  Nuev@s Director@s (mención especial del jurado) nos cuenta el devenir de unas relaciones paternas filiar y como la aparición de un tercer personaje en la ecuación sirve como detonante clave  a la hora de exponer la necesidad o la imposibilidad de una carencia afectiva requerida por parte de uno de los protagonista, una afectividad que solo encuentra a modo de liberación y de manera casi catártica en los conciertos de música rock en los que actúa. Morgan Simon pese alguna que otra carencia narrativa expuestas en A Taste of Ink maneja con cierta solvencia un retrato actual de una juventud rebelde y sobre todo desorientada dentro de un entorno determinado, una frustración generacional que busca de forma irremediable una figura paterna en la que confiar contada en la película en forma de paradoja costumbrista, aquella en donde vemos como el protagonista es capaz de realizarse plenamente delante de un micrófono ante una gran audiencia, pero que no puede ni siquiera expresarse de manera normal delante de su propio padre.

Valoración 0/5: 2’5

Porto

Jake (Anton Yelchin) y Mati (Lucie Lucas) son dos extraños en la ciudad portuguesa de Porto que una vez tuvieron una breve conexión. El misterio en torno a los momentos que compartieron permanece, y en la búsqueda a través de sus recuerdos, reviven las profundidades de una noche sin inhibiciones.

Porto de Gabe Klinger y con Jim Jarmusch en calidad de productor ejecutivo fue una de las propuestas más interesantes que se pudieron ver este año dentro de la sección Nuev@s Realizador@s, film que bebe en conceptos del Antes del amanecer de Richard Linklater, una melancólica y triste historia de amor acerca de un breve romance furtivo fundido en tiempos y espacios a través de la percepción de dos miradas, Porto es uno de esos film en donde la atemporalidad está plenamente presente a lo largo de todo su metraje, estando estructurada no solo en lo concerniente a una narrativa no convencional sino también a través de distintos formatos cinematográficos, hay un evidente trabajo de experimentación por parte de Gabe Klinger a la hora de exponer esa fractura emocional a partir de un romance que nace por casualidad y que aunque breve deja un poso en el inconsciente de los protagonistas difícil de disipar, Porto termina funcionando como una experiencia sentimental vital vivida por parte de los protagonistas a modo casi de ensoñación, un posicionamiento formal que no deja de ser toda una declaración de intereses por parte de un director del que habrá que estar muy atento en todo lo que nos depare en un futuro próximo.

Valoración 0/5: 3’5

Colossal

Una chica que se pasa todo el día de juerga en juerga (Anne Hathaway) descubre que tiene una misteriosa conexión con un monstruo gigantesco que está provocando el caos en el otro extremo del globo.

Dentro de la sección oficial pero fuera de concurso se pudo ver el nuevo trabajo de Nacho Vigalondo Colossal, película por momentos inclasificable a nivel genérico pero plenamente consecuente con el imaginario que el director español que ya había plasmado en anteriores trabajos suyos, posiblemente una película en donde de una manera más clara quedan reflejadas sus principales virtudes pero también sus evidentes carencias. Si en Extraterrestre Vigalondo utilizaba una invasión extraterrestre como excusa a la hora de transitar a través de una comedia de tono romántico-absurdo en Colossal tampoco veremos los monstruos que uno espera ver en un film de esta supuesta premisa, aquí se utiliza el Kaiju-eiga como una simple lectura de género acerca del posicionamiento de la mujer dentro de la sociedad, lo que ocurre cuando las cosas se tuercen y que derivan en la crisis existencial de una treintañera o la dificultad de esta a la hora de crecer emocionalmente a través de un catálogo anómalo, bizarro, extravagante  e incuestionablemente original.

Pese a sus evidentes imperfecciones, especialmente en lo referente a su descompensada y algo errática narrativa Colossal posee la virtud de abordar sin ningún tipo de complejos y de una forma original temas supuestamente complejos, Nacho Vigalondo no deja de ser un «rara avis» dentro del actual panorama cinematográfico, capaz de asumir de manera consiente un riego en lo referente a sus propuestas, Colossal es puro funambulismo creativo no apto para todo los paladares pero en mi opinión infinitamente superior en muchos conceptos a productos supuestamente mainstream dirigidos por directores españoles sin ningún ápice de talento y encumbrados de forma generalizada por campañas invasivas televisivas.

Valoración 0/5: 3

Bigas X Bigas

Bigas Luna era, por encima de todas las cosas, un narrador de imágenes, tanto cinematográficas como pictóricas. Este voyerismo tan intrínseco en él cultivó un inmenso deseo por hacer una película verista: rodar a alguien sin guión y sin ningún tipo de parafernalia, mostrando al personaje en toda su pureza. Probablemente esto fue lo que le impulsó a captar la realidad que le rodeaba mediante un vídeo-diario. Un cuadro formado por diferentes escenas únicas de su vida. Más de 500 cintas, diversos vídeos, textos pictóricos y archivos de audio por los que desfilan escenas familiares, reflexiones íntimas y charlas cómplices con actores y amigos. Bigas x Bigas es una película verista experimental que pretende abrirnos una ventana a esos momentos. Un viaje a través de sus vivencias y reflexiones en el que Bigas se desmonta a sí mismo mostrando su yo más íntimo y personal no sólo como artista, sino como ser humano.

Decepción podría ser la palabra adecuada por parte de un servidor ante el visionado del documental Bigas X Bigas, posiblemente la causa principal fue debido a las erróneas características que uno creía otorgarle al producto en cuestión, pues no estamos ante un trabajo que analice con detenimiento la trayectoria de Bigas Luna sino más bien nos encontramos ante una suerte de anecdotario acerca de sus gustos, ideas, recuerdos o vivencias, una especie de diario personal interesante en su supuesta tesis pero totalmente descoordinada y muy dispersa en lo referente a su exposición. Uno personalmente piensa que el resumen de las más de 600 horas recogidas en esta especie de videodiario de los últimos años en la vida del artista catalán podían haber dado para mucho más, evidentemente encontramos referencias básicas a esas obsesiones que hacían tan particular a Bigas Luna, el sexo, la leche materna, el ajo..pero poco más, un retrato en definitiva que anida a través de lo más cercano y familiar pero que al mismo tiempo pone de manifiesto la imperiosa necesidad de que algún día se llegue a realizar un trabajo que indague con más detenimiento en la vida y obra de un autor ciertamente irrepetible.

Valoración 0/5: 1’5

Nocturama

Una mañana en París. Un puñado de adolescentes de diversa procedencia. Cada uno de ellos comienza a ejecutar una extraña danza en el laberinto del metro y las calles de la capital. Parecen seguir un plan. Sus gestos son precisos, casi peligrosos. Se reúnen en el mismo lugar, unos grandes almacenes, a la hora del cierre. París entra en erupción. La noche comienza…

Nocturama del francés Bertrand Bonello  fue uno de los platos fuertes del festival, rebotada por su no inclusión en el festival de Cannes debido a lo incomodo de su premisa, el film anida en el análisis más puramente abstracto del terrorismo o más bien en el de la revolución a un nivel puramente sociológico, poco sabemos de las motivaciones del acto, lo suponemos..hastió y negación global frente a la sociedad que vive a través de un capitalismo voraz, Bertrand Bonello transita a través de la ambigüedad del mundo en el que viven los protagonistas, muy visible en su segunda parte, ese encierro en el centro comercial que sirve como clara metáfora acerca de un lugar destinado al lujo que deseamos pero que no estamos a su alcance.

Nocturama a falta de un mensaje o un juicio claro transmite básicamente un sentimiento generalizado, más direccionado en el cómo que en el porqué, hay una primera parte en la película rodada de forma prodigiosa, aquella en donde los jóvenes protagonistas recorren la ciudad de Paris, ese ritmo físico define a la perfección el estado de indefensión del escenario. Nocturama es un portentoso ejercicio de valentía creativa, tan reflexivo como perturbador, una de esas películas en donde se expone a través de lo explícito pero también de lo sutil, de los contrastes y de la ambigüedad, de una actualidad en definitiva en donde la juventud de hoy en día puede anhelar el mismo deseo de consumismo como de terrorismo por muy estremecedor que nos pueda parecer.

Valoración 0/5: 4

Jätten / The Giant

Rikard es un autista con deformidades graves que fue separado de su madre al nacer. Treinta años después, está convencido de que su madre volverá con él si gana el campeonato de petanca de Escandinavia. Su frágil físico y un entorno hostil y criticón no van a conseguir pararlo. Además, cuenta con la ayuda de un gigante de 60 metros…

El sueco Johannes Nyholm reconocido cortometrajista presento su opera prima Jätten (Premio Especial del Jurado), un hibrido de comedia excéntrica y drama intimo con momentos curiosos,  poblado de personajes marginados y humor ridículo, en donde se nos presenta a un individuo con notorias deformidades físicas y mentales y como este intenta a través de la ensoñación llegar un confort emocional que le es imposible vivir en su cruda realidad del día a día. Esa devastadora realidad y fantasía preciosista expuestas en Jätten denotan una irregularidad bastante evidente y por ende su principal hándicap, la primera bajo un tono de docudrama transita por derroteros de la superación personal bastantes convencionales, el otro concepto opta por la ensoñación de contornos kitsch, curiosos y por momentos hasta originales, lástima que al final todo devenga en un producto demasiado distante, muy poblada de altibajos narrativos, lejos de esa corriente de emocionalidad requerida en el enunciado de su premisa.

Valoración 0/5: 2’5

I Am Not Madame Bovary

Li Xuelian y su marido Qin Yuhe montan un falso divorcio para obtener un segundo apartamento. Seis meses después, Qin se vuelve a casar con otra mujer. Llena de ira, Li presenta una demanda que pierde, porque el divorcio cumplía con los procedimientos legales. Y además Qin la acusa de haber sido impura en su noche de bodas. Una década después, sin que el matrimonio ni su reputación se haya restaurado, Li viaja a la capital durante el Congreso Nacional del Pueblo para completar su absurdo periplo de diez años por el hijo que no tuvo.

Cinta dirigida por el veterano Feng Xiaogang ganadora de la Concha de Oro (premio justo y más si nos atenemos en comparativa con otras ganadoras en pasadas ediciones) y Concha de Plata a la mejor actriz para Fan Bingbing, una por momentos curiosa fábula que nos habla de la lucha de una campesina contra la burocracia del sistema chino, a medio camino entre el humor negro y el drama de tono surrealista con el concepto de la imposibilidad de luchar contra el sistema expuesto bajo una coordenadas casi kafkianas. I Am Not Madame Bovary pese a una evidente reiteración bastante visible en lo referente a las temáticas que va abordando durante su metraje consigue sus mejores momentos cuando nos muestra esa fina ironía o parábola cómica con la que ridiculiza a la clase política y funcionarial de la China actual, dejando de manifiesto un mejor manejo de la sátira que del drama pese a la acertada reflexión ya personal que se nos relata al final del film.

Por otra parte no deja de ser curioso que un director como Feng Xiaogang llegue a experimentar con los formatos imprimiendo un uso del circular para los episodios rurales y uno cuadrado para las escenas que acontecen en Pekín, unas composiciones visuales que pese a anidar en algunos momentos en la gratuidad no deja de ser un claro ejemplo de la inquietud artística y formal de un autor que desea liberarse de conceptos y costumbres.

Valoración 0/5: 3’5 

Que Dios nos perdone

Madrid, verano de 2011. Crisis económica, movimiento 15-M y un millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa conviven en un Madrid más caluroso y caótico que nunca. En este contexto, los inspectores Velarde y Alfaro deben encontrar a lo que parece ser un asesino en serie. Esta caza contra reloj les hará darse cuenta de algo que nunca habían pensado: ninguno de los dos es tan diferente del asesino.

Rodrigo Sorogoyen (Stokholm, 8 Citas) presento a concurso Que Dios nos perdone, nueva y pulcra muestra del nuevo thriller a la española (aquel que españoliza el concepto genérico), un género que sirve a la perfección para digamos retratar los disfuncionamientos de una sociedad actual o pasada y por consiguiente  las miserias que suelen llegar a generar, en el film muy bien retratado con el trasfondo de la visita del Papa Benedicto XVI y las manifestaciones del 15M ubicadas en un caluroso verano en el Madrid de 2011. Del mismo modo nuevamente nos encontramos con personajes extremos (notables Antonio de la Torre y Roberto Álamo) apoyados estos en base a unos diálogos muy naturales (con especial énfasis en sus matizados toques de humor) y enclavados como no podía ser de otra manera en una lúgubre recreación de ambientes.

Después de La isla mínima hay una corriente de opinión en creer que cada nueva muestra del thriller patrio ha de suponer un nuevo paso adelante hacia una supuesta excelencia, por fortuna Que Dios nos perdone no parece interesarle dicha tesis, lo suyo va encaminado a ofrecer un producto en primer lugar entretenido, que fluya en su narrativa y que no huya de lo referencial (David  Fincher y su Zodiac están muy presentes) y que al mismo tiempo sirva de base con sobrada solvencia hacia un realismo descarnado, según como se mire y viendo los resultados un auténtico logo el conseguido por parte de Rodrigo Sorogoyen.

Valoración 0/5: 3

Elle

Michèle es una de esas mujeres que parece no sentirse afectada por nada. Dirige una gran empresa de videojuegos y maneja los negocios y su vida sentimental con mano de hierro. Un día es atacada en su casa por un misterioso desconocido y su vida da un vuelco. Decidida, Michèle busca a su agresor y entonces comienza una especie de juego entre ellos, un juego que en cualquier momento puede degenerar.

Qué pena que un director de las características y virtudes de Paul Verhoeven le haya costado tanto sacar adelante proyectos en estos últimos tiempos, más diez años para tan solo dos films en su haber no deja de ser doloroso para quienes hemos seguido de bien cerca la carrera profesional del director holandés, todo lo que nos cuenta un film de las características de Elle, basado en la novela de David Birke, se adecua casi a la perfección al imaginario artístico de Verhoeven, aunque parezca que algunos acaben de descubrirlo hoy, y no solo en lo referente a su fructífera etapa en Estados Unidos sino muy especialmente a su primera etapa europea.

Elle, es indiscutiblemente una de las películas del año y posiblemente uno de los mejores trabajos de Verhoeven, un film que transita en base a una amalgama genérica realmente excepcional, una llegada a una cumbre expresiva totalmente afín al gusto por la provocación tan característica en el imaginario del realizador holandés que aquí encuentra su manifestación más retorcida posible en base a las múltiples lecturas semi escondidas que atesora su enrevesada trama, poniendo el dedo en la llaga acerca de la gestión personal que cada persona pueda tener acerca de su propia monstruosidad y como esta se adecua a unos nuevos tiempos de dudosa moral. Paul Verhoeven y una monumental Isabelle Huppert (uno de esos casos en donde sin una determinada presencia actoral sería prácticamente imposible la razón de ser del producto en cuestión) exploran territorios del ser humano en los que no se puede anidar en base a conceptos narrativos convencionales, hipocresía, venganza, instintos básicos y muy especialmente un devastador juego sexual con el rol de poder como arma equidistante.

Valoración 0/5: 4

El hombre de las mil caras

El hombre de las mil caras es la historia del hombre que engañó a todo un país. Una historia de tramposos e impostores inspirada en hechos reales. Francisco Paesa, uno de los personajes más intrigantes de las últimas décadas, ha sido hombre de negocios, banquero en Suiza, traficante internacional de armas, gigoló, playboy, diplomático, aventurero, estafador y agente secreto: un espía. En 1995 Luis Roldán y su mujer le contratan para ocultar 1.500 millones de pesetas sustraídos de las arcas públicas. Con la ayuda de Jesús Camoes, su inseparable socio, organizará una brillante operación donde la verdad y la mentira tienen límites difusos.

Había mucha expectación por ver la nueva película del sevillano Alberto Rodríguez, en El hombre de las mil caras cambia parcialmente de tercio para mostrarnos con sobrada solvencia uno de los capítulos más oscuro del espionaje patrio, una crónica negra camuflada con finas capas de ironía, y un reflejo al mismo tiempo de una pasada sociedad que hoy en día un cobra un relieve más que preocupante, Alberto Rodríguez despoja el thriller de cualquier tipo de glamour posible como no podía ser de otra manera dadas las coordenadas en que se sustenta, aquí no se trata de encontrar quien de los protagonistas llega a ser más noble sino el discernir cual es el menos malo o sinvergüenza.

Un peldaño por debajo del anterior trabajo de su director El hombre de las mil caras pese a su brioso ritmo adolece de una cierta homogeneidad en lo referente a su narrativa, hay momentos en que ese juego entre realidad y supuesta ficción no acaba de ser del todo consecuente, esa  voz en off que pone freno a la tensión también resulta un escollo importante de solventar. No estamos ante un retrato al uso pues al fin y al cabo no llegamos a conocer nunca del todo a Francisco Paesa, nos encontramos más bien ante la representación en forma de thriller de un mal endémico ubicado en la sociedad española en el pasado y presente, un estatus moral muy propio, una en definitiva muy entretenida cinta (repleta de situaciones, información y datos), a nosotros nos corresponderá una vez acabada la película la inevitable reflexión.

Valoración 0/5: 3

Little Men

Verano en Brooklyn. Los padres de Jake acaban de mudarse a la casa de su abuelo. Hace años que la madre de Tony alquila la tienda de abajo. Los dos chicos, Jake y Tony, de trece años, descubren que tienen muchos intereses: el arte, los videojuegos, las chicas. Muy pronto se convierten en aliados, no solo contra los chicos del barrio, sino también contra la disputa por el alquiler que ha surgido entre sus padres. En un intento de detener el inexorable efecto que la discusión tiene en su amistad, se les ocurre una forma de protestar.

Presentada en la sección perlas, Little Men tercer film de la realizadora Ira Sachs es de esos trabajos ubicados dentro del ámbito del cine independiente estadounidense que hay que degustar a largo plazo dado sus muchos y sutiles matices, esa consabida premisa de que menos es más está muy presente en el film, todo bajo una aparente convencionalidad en la propuesta de una trama que llega a converger a través de un conflicto doméstico que deriva en un ceñido estudio sobre modernidad, aquí ubicada en pleno Brooklyn, la inevitable gentrificación urbana en base a unos personajes que habitan en la nueva Norteamérica, la película transita mediante varias dosis de posicionamientos que van exponiendo a sus personajes, pero lejos de juzgar o decantarse por alguno de ellos Ira Sachs lo que hace es presentar unos hechos que derivan en el comportamiento de los dos niños protagonistas para relatarnos con una hábil sutileza lo que representa para ambos y para su entorno más íntimo los sucesos que nos van siendo narrados. Ambos encuentran en esa cotidianidad el elemento unificador que necesitan para seguir dando un sentido a su amistad, y es a partir de esa idea en donde emerge el relato iniciático a la madurez, un lúcido en definitiva retrato de la infancia que suele acontecer en nuestro presente.

Valoración 0/5: 3

Vivir y otras ficciones

Pepe ha salido del psiquiátrico tras cumplir condena por robar para trabajar. Su necesidad de encajar en un mundo sin sentido se convierte en una tarea desesperada. Antonio, escritor tetrapléjico, lucha por el derecho al acceso al propio cuerpo y por la sexualidad de las personas con diversidad funcional, despertando los prejuicios de su entorno más cercano. La amistad entre Antonio y Pepe interpela nuestra mirada sobre la vida y nos invita a reconocernos como anomalía.

Dentro de las proyecciones especiales en la sección oficial se pudo ver Vivir y otras ficciones del barcelonés Jo Sol, al igual que sus anteriores El taxista ful y Fake orgasm estamos ante un trabajo hibrido, de naturaleza casi alternativa dado su casi anecdótico presupuesto realizado en gran parte a través de crowdfunding (355 mecenas), en cierta manera una película casi de guerrillas que transita entre la realidad del día a día y una exposición peculiar de la ficción.

Uno tiene la sensación después de presenciar Vivir y otras ficciones que más que a una causa en concreto el documental nos habla acerca de dos personas, sus mundos, sus limitaciones emocionales y todo lo que lo rodea, expuesto de forma tan equidistante como antagónica, Antonio Centeno,  un escritor tetrapléjico que lucha por la sexualidad de las personas con diversidad funcional y Pepe Rovira un enfermo psíquico que acaba de salir del hospital, personaje rescatado del El taxista ful el anterior film de Jo Sol, y que en cierta manera se sitúa como una suerte de elipsis fílmica cuatro años después de dicho trabajo, las connotaciones son interesante pero su resultado termina siendo muy disperso, no hay una cohesión palpable entre ese cine de tono militante presentado a modo de conflicto y la reflexiones que ello corvella a posteriori, tampoco la dispersa ficción documental a la que recurre ayuda ante esa sensación de estar ante algo que vaya más allá de lo más puramente anecdótico.

Valoración 0/5: 2

The Oath

Finnur es un cardiocirujano de éxito y tiene dos hijos. Su vida familiar empieza a complicarse cuando su hija Anna inicia una relación con un traficante de drogas muy manipulador. Como el control del novio sobre Anna y sobre toda la familia es cada vez más estrecho, Finnur se ve obligado a tomar medidas drásticas.

La islandesa The Oath protagonizada, dirigida y coescrita por Baltasar Kormákur fue la apuesta genérica por parte del festival este año en lo referente a su sección oficial a competición, valiente decisión en lo referente a su forma pero no en su fondo, la película transita en un principio dentro de los límites del drama familiar para desembocar en los territorios del thriller nórdico al uso con supuesta cuestión moral de trasfondo, poco a destacar en un trabajo que bascula entre una realización muy plana y una narración demasiado previsible. The Oath habla acerca de la paternidad y las consecuencias que pueden derivar de sus actos, lástima que esta premisa quede algo diluida a favor de una orquestación de lo explícito muy básica a la hora de plasmarlo en imágenes, es ahí en donde Baltasar Kormákur demuestra que es incapaz de salirse de unas coordenadas demasiado convencionales. Una cinta correcta en el tono de su ejecución pero carente completamente de poseer ese plus cinematográfico que se le tendría que exigir a los trabajos que conforman la sección competitiva del festival.

Valoración 0/5: 2

María (y los demás)

Desde que murió su madre cuando ella tenía quince años, María ha cuidado de su padre y de sus hermanos. Responsable y controladora, siempre ha sido el pilar de la familia y se siente orgullosa de ello. Por eso, cuando su padre se enamora repentinamente de su enfermera y anuncia su inminente compromiso, María siente que su vida se desmorona. Con 35 años e incapaz de encontrar una pareja estable, deberá atreverse a cambiar su destino.

En la presente edición podríamos aseverar que el nivel de las películas españolas presentes en el certamen donostiarra ha sido bastante aceptable, no solo en lo referente a su sección oficial sino también en las paralelas, en Nuev@s Director@s se pudo ver la opera prima de Nely Reguera María (y los demás), liviana comedia dramática protagonizada por una excelente Bárbara Lennie que versa sobre los compromisos que uno tiene que asumir de forma obligada llegado a los treinta, planteándonos de forma sutil, elegante y sin estridencias cuestiones acerca de la evolución de índole generacional,  María (y los demás) es de esos films que nos ofrece a través de su reflexión existencial y su fino sentido del humor una síntesis narrativa en donde prácticamente todos de algún modo u otro terminamos identificándonos de manera casi obligada.

Nely Reguera tiene la virtud de no recrearse en exceso en el dramatismo de la situación expuesta, en esa presión social de la vida que acompaña de forma continuada a nuestra protagonista, todo lo contrario, sabe dotar al conjunto de una naturalidad fluida que no incide en lo más meramente burdo o cursi, es ese equilibrio y su acertado tratamiento coral lo que otorga al film su verdadera razón de ser, el hablarnos de qué estamos haciendo con nuestra existencia a través de la más pura cotidianidad.

Valoración 0/5: 3’5

Del 16 al 24 de septiembre se celebró la 64 edición del festival de San Sebastián, una nueva edición del certamen donostiarra en donde a la hora de hacer un balance general cabria apuntar un nivel general ligeramente superior al exhibido el pasado año, adentrándonos en lo que han sido las pautas que han marcado la presente edición en lo referente a su sección oficial subrayar como ya paso el pasado año con propuestas como High-Rise, Evolution o incluso la incursión por primera vez a competición de un film animado como The Boy and the Beast una apuesta valida y arriesgada por parte de la organización hacia nuevos conceptos cinematográficos no muy  habituales en la historia del Zinemaldia en lo concerniente a su sección oficial, no se trata de crear una polémica pueril o gratuita con estos trabajos sino la de crear una labor a la hora de reformular un debate acerca de situaciones o corrientes actuales en la sociedad actual a través del cine, aunque están sean algo incomodas de asumir, trabajos como Nocturama (terrorismo), Jesús (disfuncionalidad paterno-filiar), Playground (violencia de y en menores) o incluso desde otros ámbitos diferentes podríamos incluir The Oath (clara apuesta genérica) o La reconquista de Jonás Trueba, films estos que independientemente de su mayor o menor grado de calidad llegan a enriquecer una diversidad formal a la hora de crear un estado de opinión, una labor esta que tendría que ser inherente a cualquier certamen cinematográfico que se precie, en este aspecto es digno de elogiar la valiente apuesta del festival por dicha pauta y concepto y por ende por un claro posicionamiento en firme por su no estancamiento en lo referente a la selección de su programación, lástima que el jurado a la hora de conceder los premios no valoraran dicho atrevimiento, aunque claro esto siempre será algo muy discutible pues sería entrar en el sempiterno debate de la función de un jurado dentro de un certamen, si premiar lo que ellos piensan que es simplemente lo mejor (en dicha tesis poco que reprochar pues tanto I Am Not Madame Bovary como Yourself and Yours son propuestas también a mi entender más redondas que las antes citadas) o ir un paso más allá y valorar en el palmarés un tipo de cine de tono más conceptual y arriesgado.

En lo referente a las seccione paralelas Perlas se volvió a constatar otra vez el doloroso posicionamiento del festival San Sebastián con respecto a los otros certámenes de clase A, películas de un nivel como viene siendo habitual muy superior al resto y que tuvo como colofón final la extraordinaria Arrival, el mejor film del festival con diferencia, un trabajo que coloca a Denis Villeneuve como un autor clave para los próximos años. En la segunda sección en importancia del Zinemaldia, Nuevos Directores se constató una ligera y algo preocupante tendencia a la corrección en claro detrimento a la originalidad y riesgo, algo que sin embargo sí que se vio en Zabaltegi-Tabakalera, una sección esta reestructurada en competitiva en donde se pudieron ver propuesta de lo más interesante aunque con la ligera sensación final de estar estructurada como una especie de cajón de sastre en lo referente a su selección. Por ultimo alabar la incansable labor del festival en lo referente a sus retrospectivas, la clásica dedicada al realizador francés Jacques Becker y la temática The Act of Killing, dedicada al cine y la violencia global, ambas acompañadas por dos pulcras y notorias publicaciones, un cometido el de apostar firmemente por las retrospectivas tan necesario como obligado para cualquier certamen cinematográfico que se precie.

A continuación y a modo de crónica diaria analizaremos la larga lista de films que pudimos presenciar en la presente edición del festival, más adelante y aprovechando en mucho de sus casos su futuro estreno comercial nos detendremos más detenidamente acerca de ellos.

La fille de Brest / 150 Milligrams

Basada en el libro Mediator 150 mg., de Irène Frachon. En el hospital donde trabaja, en Brest (Francia), una especialista en pulmón descubre una conexión directa entre una serie de muertes sospechosas y un medicamento aprobado por el estado. La especialista lucha por su cuenta para que la verdad salga a la luz. Es la historia de Irène Frachon, que destapó el escándalo Mediator.

La inauguración vino a cargo de la actriz y cineasta francesa Emmanuelle Bercot con La fille de Brest, una nueva muestra de retórica acerca de la sempiterna batalla entre David contra Goliat, aquí representada en una fallida propuesta de denuncia erróneamente ejecutada en lo referente a su tesis, más direccionada en esta ocasión en las peripecias del personaje principal (tampoco profundizadas convenientemente y excesivamente explícito en su plasmación, salvado en parte la papeleta por la competente interpretación de la actriz danesa Sidse Babett Knudsen, Borgen, The duke of Burgundy) que en profundizar o indagar en la problemática aquí expuesta de una manera muy convencional algo que la deriva a una carencia absoluta de sutileza en lo referente a su narrativa, con una continua sensación de déjà vu, aquella máxima que se basa en que el espectador siempre va un paso por delante de todo lo expuesto, Emmanuelle Bercot para más inri patina  sobremanera al querer dotar al conjunto un supuesto efecto vérité, aquí representado entre otras cosas por unas imágenes explicitas de quirófano de difícil justificación.

Valoración 0/5: 1’5

Toni Erdmann

Ines trabaja en una importante empresa alemana con sede en Bucarest. Tiene una vida perfectamente ordenada hasta que Winfried, su padre, llega de improviso y le hace una pregunta inesperada: «¿Eres feliz?». Incapaz de contestarle, su existencia se ve conmocionada por la presencia de ese padre del que se avergüenza un poco, pero que le va a ayudar a dar nuevamente sentido a su vida gracias a un personaje imaginario: el divertido Toni Erdmann.

Toni Erdmann el flamante premio Fipresci de la crítica de este año y tercer largometraje de la directora y guionista alemana Maren Ade inauguró la sección Perlas, una peculiar comedia de tono amargo en donde predomina más la forma que el fondo, anunciado como uno de los films del año tras su triunfal paso por el pasado festival de Cannes. Toni Erdmann tiene la principal virtud de alejarse de ese ensamblaje naif y complaciente que suele presidir su enunciado en muchas películas de temática parecida, un padre que intenta demostrar a su hija, de férrea moral y alienada emocionalmente, mediante un comportamiento entre lo excéntrico y burlesco que la vida no es solamente el trabajo, Maren Ade nos regala una atípica fabula acerca de la liberación padre-hija o viceversa con lo excéntrico e incómodo como vehículo a la hora de liquidar las distancias emotivas.

Toni Erdmann reflexiona de manera acertada en como la sociedad actual puede llegar a crear insatisfacciones de difícil solución, su pulcro final completamente alejado del concepto de lo amable así lo indica, por otra parte sus 162 minutos de duración por increíble que parezca no llegan a cansar también en parte por la ceñida labor de sus dos intérpretes principales Peter Simonischek y Sandra Hüller, para el recuerdo dos escenas hilarantes de difícil olvido, la interpretación del Greatest Love of All de Whitney Houston y sobre todo una impagable y divertida escena de un cumpleaños celebrada entre desnudos y Kukeris búlgaros.

Valoración 0/5: 3’5

A Quiet Passion

¿Quién fue Emily Dickinson? ¿Quién se escondía detrás de la poetisa que paso la mayor parte de su vida en casa de sus padres en Amherst, Massachusetts? La mansión en la que vivió sirve de telón de fondo al retrato de una mujer nada convencional de la que se sabe muy poco. Nacida en 1830, fue considerada una niña con talento, pero un trauma emocional la obligó a dejar los estudios. A partir de ese momento, se retiró de la sociedad y empezó a escribir poemas. A pesar de su vida solitaria, la obra de la escritora transporta al lector a un apasionante viaje por el mundo.

Dentro de ese cajón de sastre de conceptos arriesgados que es la sección Zabaltegi-Tabakalera tuvimos la ocasión de poder ver una de las mejores películas vista este año dentro del certamen, A Quiet Passion, el último trabajo del realizador británico Terence Davies, un meticuloso biopic acerca de la poeta americana Emily Dickinson. Con una portentosa interpretación a cargo de la actriz Cynthia Nixon A Quiet Passion bascula sobre temas bastante transitados dentro de la filmografía de Terence Davies, la familia, religión, la enfermedad o violencia institucional, todo ello expuesto a través de un deliberado distanciamiento escénico, a partir de ese posicionamiento Terence Davies no se conforma con contarnos una travesía vital al uso, sino que intentar de dotar de sentido el relato, de exteriorizar los demonios internos del personaje, o de llegar a indagar desde la precisión autora a cada uno de sus versos a través de un omnipresente y fluido verbo florido expuesto hábilmente en el film.

Terence Davies sigue demostrando  a día de hoy ser uno de los autores más particulares del actual panorama cinematográfico, desde mi punto de vista no reconocido como debiera, alguien que sigue haciendo películas fuera de toda tendencia y modismos actuales, un autor en definitiva para quien el cine transita de forma muy clara a través de la poesía y el arte.

Valoración 0/5: 4’5

Neruda

Es 1948 y la Guerra Fría llega a Chile. En el Congreso, el senador Pablo Neruda acusa al gobierno de traicionar al Partido Comunista y es desaforado por el presidente González Videla. Se le ordena al prefecto de la policía de investigaciones, Óscar Peluchonneau, que aprese al poeta. Neruda intenta huir del país con su esposa, la pintora Delia del Carril, pero se ven forzados a pasar a la clandestinidad. Inspirado en los dramáticos eventos de su nueva vida como fugitivo, Neruda escribe su épico Canto General. Mientras tanto, en Europa la leyenda del poeta perseguido por el policía crece y los artistas, liderados por Pablo Picasso, claman por su libertad.

Pablo Larraín suma y sigue como uno de los valores más importantes del actual cine latinoamericano, después de la notable El Club y a la espera de la alabada en el reciente festival de Venecia Jackie nos llega este Neruda, casi un falso biopic en sí mismo pues el film se adentra en un universo de valientes y abundantes amalgamas genéricas poco habituales a la hora de ser representada como retrato de una personalidad real en la gran pantalla, una película que funciona como una suerte de efusiva carta de amor al exponente de la metaficción (especialmente visible en ese juego de espejos escenificado en el némesis casi imaginario de su perseguidor) y en todas las maneras de las que puede llegar a liberarte de ese abstracto concepto, incidiendo en un montaje fragmentado en base a unos diálogos y un uso del metalenguaje representados de manera eficiente.

Neruda termina exponiendo un retrato de luces y sombras, humanizado y desmitificado al mismo tiempo un acercamiento al artista chileno interpretado bajo los rasgos de un excelente Luis Gneco, un compendio que abarca una profunda reflexión sobre la propia identidad del autor, expuesto a través del compromiso social o el desvarió creativo, una en definitiva perfecta y ceñida metáfora sobre las heridas sociales de un país entero.

Valoración 0/5: 3

La tortue rouge

Un hombre abandonado en una isla desierta trata desesperadamente de escapar, hasta que un día encuentra una extraña tortuga que cambiará su vida.

La sección Perlas tuvo para bien rescatar esta pequeña joya de la animación artesanal que fue presentada en la pasada edición del festival de Cannes dentro de la sección Un Certain Regard, La tortue rouge supone la opera prima del director neerlandés Michael Dudok de Wit, conocido por sus notables cortos Father and Daughter y The Aroma of Tea, aquí bajo el amparo en la producción del estudio Studio Ghibli, primera producción extranjera del mítico estudio japonés. La tortue rouge destaca por su fuerte componente poético y existencial potenciada por una laboriosa banda sonora a cargo de Laurent Pérez del Mar, un trabajo que curiosamente queda alejado de la exuberancia habitual de la Ghibli convirtiéndose en una fábula de contornos minimalistas y pictóricos, asistimos a una representación circular de como los ritmos vitales del ser humano siguen su curso, la vida, el crecimiento, la maduración y la muerte expuestos a través de unas imágenes que remiten claramente a El príncipe rana de los hermanos Grimm.

La tortue rouge tiene la virtud al mismo tiempo de transitar por territorios que se prestan a múltiples interpretaciones, todo ello sin llegar a decir una sola palabra, escenificando la naturaleza como clara fuente de inspiración, todo un logro dentro de la animación contemporánea.

Valoración 0/5: 4

Swiss Army Man, la última sensación del Festival de Sundance 2016, competirá en la Sección Oficial. La sección Sitges Classics completa su line up y se complementará con dos libros oficiales del Festival.

El fantástico es uno de los campos en los que la figura de Christopher Walken ha brillado siempre. Con más de veinte premios y cuarenta nominaciones a sus espaldas, la historia le recordará por el personaje de Nick en El cazador, de Michael Cimino, por el que recibió el Oscar al mejor actor secundario en 1978.  A estos premios, este año Christopher Walken sumará uno más: el Gran Premio Honorífico de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Un honor que compartirá con el ya anunciado Gran Premio Honorífico a Max von Sydow.

Hijo de una inmigrante escocesa y de un inmigrante alemán, el actor Christopher Walken, nacido en Astoria, Queens (Nueva York) en 1943, ha dado vida a lo largo de más de sesenta años de carrera a inolvidables personajes en todos los géneros cinematográficos. Su grandeza le ha hecho destacar en todas y cada una de sus caracterizaciones, dando vida tanto a creíbles personajes de reparto, como en La puerta del cielo, como a protagonistas principales (El funeral).

Desde Proyecto Brainstorm, última película del director y pionero de los efectos especiales Douglas Trumbull, donde Walken da vida al doctor Michael Brace, a la adaptación cinematográfica de la novela de Stephen King, La zona muerta. Ha trabajado a las órdenes de Tim Burton en Sleepy Hollow, o en la cinta de culto Ángeles y Demonios. Otros films como Batman vuelve, Communion, El placer de los extraños o Seven Psychopaths, por nombrar solo algunos, forman parte del imaginario fantástico en el que la figura de Christopher Walken siempre estará presente.

La última sensación proveniente del Festival de Sundance de este año, la norteamericana Swiss Army Man, se incorpora a la Sección Oficial a competición de Sitges 2016. Dirigida a cuatro manos por Dan Kwan y Daniel Scheinert, la película relata la historia de amistad entre un náufrago y un cadáver un tanto flatulento, protagonizados respectivamente por Paul Dano y Daniel Radcliffe. Swiss Army Man ha causado polémica por su excepcional valentía desde un punto de vista estilístico y conceptual.

Swiss Army Man

La 49ª edición del Festival de Sitges rendirá homenaje en su sección Sitges Classics al universo ‘trekkie’, en conmemoración del 50 aniversario de la saga, además de presentar una pequeña muestra retrospectiva del cine fantástico soviético entre las décadas de los 50 a los 70. Sobre Star Trek, además de dos exposiciones, la proyección de films relacionados con la saga (el documental For the Love of Spock y la película Star Trek: The Motion Picture), el 12 de octubre tendrá lugar la Star Trek Walk y un premio Màquina del Temps recaerá en las manos de Walter Koenig (intérprete del personaje de Chekov). El Festival presentará el libro escrito para la ocasión: Donde nadie ha llegado antes (Star Trek). En el libro, autores como el propio Ángel S ala, Jordi Sánchez Navarro, Cels Piñol o Nieves Navarro, hablan de la saga cinematográfica, las series de imagen real y animación, de sus orígenes o de su creador, Gene Roddenberry, entre otras cuestiones. Todo esto de forma amena y con un punto de vista nuevo, no solo para el disfrute de los ‘trekkies’ sino también para todos aquellos neófitos que quieran descubrir las aventuras que encierra Star Trek.

Red Planet Marx: la conquista soviética del espacio es el título con el que se denomina la retrospectiva sobre el cine de ciencia-ficción soviético que el Festival de Sitges albergará este año en dos de sus sedes. Tanto en el cine Prado como en el espacio Brigadoon, podrán verse cerca de una decena de films que permitirán desarrollar el concepto de la space opera, los viajes espaciales y la conquista del universo en las cinematografías del este. Películas como Planeta Bur, Solaris, o Test Pilota Pirxa entre otras, vendrán precedidas de presentaciones y posteriores post-screenings. Con el mismo título, Sitges 2016 presentará otro de sus libros oficiales: una panorámica del cine de ciencia ficción del llamado » bloque de países de Europa del este» después de la 2ª Guerra Mundial, prestando atención a la importancia del género fantástico desde los llamados «nuevos cines» hasta nuestros días. Autores como Jesús Palacios, Fausto Fernández o Jordi Ojeda, entre otros, han participado en el libro.

Como clausura del Festival se proyectará la première europea de ‘The Limehouse Golem’, dirigida por Juan Carlos Medina. Lo más esperado del cine de terror americano reciente llegará a la Sección Oficial de la mano de ‘Blair Witch’, de Adam Wingard.

La 49ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ya tiene a punto su programación completa. Una amplia y valiente mirada al fantástico compuesta por más de 200 títulos, que incluyen las propuestas más rompedoras del año. Además de seguir sumando títulos a las secciones Oficial y Noves Visions, también les llega el turno del resto de secciones, que completan el line up definitivo del Festival.

The Limehouse Golem, producción británica basada en la novela de Peter Ackroyd titulada Dan Leno and the Limehouse Golem, clausurará Sitges 2016. Juan Carlos Medina presentará, en première europea, este film situado en el Londres de la época victoriana, que se centra en una serie de asesinatos que tienen aterrorizada a la población, hasta el punto de creer que la mítica criatura llamada Golem es la causante de los mismos. El casting de The Limehouse Golem cuenta con la actriz española María Valverde. Insensibles, el anterior trabajo de Juan Carlos Medina ganador de varios premios en distintos festivales, compitió en la Sección Oficial de Sitges 2012.

Tras su paso por el Festival de Toronto, llegará a Sitges la esperadísima Blair Witch, que devuelve al espectador al terror que hace 17 años, en 1999, pasó por el Festival de la mano de The Blair Witch Project. Esta vez dirige Adam Wingard a quien todos recordarán por You’re Next o The Guest. De Latinoamérica podrá verse en la sección Noves Visions La región salvaje del mejicano Amat Escalante, que acaba de recibir el premio al mejor director en el Festival de Venecia. Como mejicana también es Las tinieblas (The Darkness) de Daniel Castro Zimbrón, thriller psicológico y fantástico protagonizado por Brontis Jodorowsky que se verá en una sesión especial en première española. En primicia mundial, pero esta vez provenientes de Europa, cabe destacar la película belga Mon ange, de Harry Cleven, una historia de amor entre un joven invisible y una chica ciega, y la francesa Arès, film de ciencia-ficción de Jean-Patrick Benes, en el que un París distópico está sumido en la pobreza y la población sale adelante participando en peleas ilegales en las que todo es válido. También en sesión especial, al igual que Arès, se proyectará Que Dios nos perdone, de Rodrigo Sorogoyen, cinta española protagonizada por Antonio de la Torre y Roberto Álamo que remite al Madrid de la crisis en 2011, en el que dos inspectores de la policía emprenderán una carrera contrarreloj para dar con el paradero de un asesino en serie. La japonesa Gantz: 0 podrá verse también en una sesión especial: un prodigio de la animación digital de los creadores de Capitán Harlock (vista en Sitges 2013). La película Are We Not Cats de Xander Robin, que acaba de pasar por Venecia con éxito de crítica y público, podrá verse en la sección Noves Visions.

Blair Witch

La Sección Panorama, en la que se dan cita las propuestas de género más independientes, reunirá en Sitges 2016 a directores tan conocidos por el público como Don Coscarelli, realizador de culto desde 1979 cuando presentó Phantasma; Bryan Bertino, que en 2008 sorprendió y aterrorizó con Los extraños, o el director Marcus Dustan, guionista de algunos títulos de la saga Saw y The Collector. Phantasm Ravager (2016), guionizada por el propio Coscarelli y dirigida por David Hartman, supone el regreso al cementerio de Morningside y a un mundo paralelo poblado por extrañas criaturas, además de una ‘famosa’ bola de acero. La jornada inaugural de la sección estará protagonizada por Dans la forêt (Into the Forest), el regreso del director Guilles Marchand, guionista de Harry, un amigo que os quiere. Para la clausura de la sección, Sitges 2016 se reserva una monster movie, la americana The Monster de Bryan Bertino.

Dans la forêt

Documenta- se unen al anunciado film sobre la figura de Leonard Nimoy, For the Love of Spoke (Adam Nimoy, 2016), el excelente retrato de Brian de Palma en el documental De Palma, un recorrido por los monstruos en el cine y sus creadores en Le complexe de Frankestein (Gilles Penso, Alexandre Poncet, 2016), y Dragon Girls! Les amazones pop asiatiques, documental que hace un recorrido por las féminas guerreras de las cintas de acción asiáticas, dirigido por el francés Yves Montmayeur. Dentro de esta sección, en una sesión especial, se proyectará el documental Herederos de la bestia, dirigido por Diego López y David Pizarro. El film se centra en la creación, el rodaje y el posterior estreno y éxito de la película de Álex de la Iglesia, El día de la bestia, a la vez que se analiza su influencia en toda una generación de realizadores.

Dragon Girls! Les amazones pop asiatiques

El cine asiático tiene una presencia relevante en Sitges 2016. Realizadores consagrados y otros emergentes firman propuestas recogidas en la mayor parte de las secciones, entre las cuales destacan el último thriller del director hongkonés Johnnie To, Three, y Trivisa, film producido por To, de quien también podrá verse el documental The Weaving of a Dream: Johnnie To’s Vision & Craft, cinta que examina el proceso de creación y de trabajo del realizador durante el rodaje de Three. Otro realizador regular en la programación de Sitges es Dante Lam, que presentará en el Festival Operation Mekong, un thriller de alto voltaje inspirado en hechos reales sobre la mafia de la droga en pleno río Mekong. Por último, hay que res altar la proyección de la película más taquillera de la historia del cine chino: The Mermaid, del director y cómico Stephen Chow. Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya cuenta, una vez más, con el apoyo del The Hong Kong Economic and Trade Office de Bruselas, la representación oficial de la región administrativa especial de Hong Kong en la Unión Europea, que promueve enlaces económicos y comerciales entre Hong Kong y Europa, y organiza seminarios de promoción de negocios e inversiones, eventos culturales, festivales de cine y las celebraciones del año nuevo chino.

Operation Mekong

En la sección Midnight X-Treme, se reúnen las propuestas más transgresoras de la programación. En ‘La noche más zombi’ podrán verse, entre otras, la première mundial de la sorprendente It Stains the Sands Red, de los Vicious Brothers, o la que dicen es la primera película india tamil de zombis, Miruthan de Shakti Soundar Rajan, un blockbuster en toda regla lleno de infectados y crítica medioambiental. En ‘La noche de acción’, cabe destacar el film de serie B Don’t Kill It, de Mike Mendez, en el que Dolph Lundgren –que recibirá en el Festival el premio Màquina del Temps- interpreta a un cazador de demonios, y la película llamada a convertirse en la cinta de acción del año, Headshot (de los Mo Brothe rs, directores de Killers, vista en Sitges 2014), con los actores de culto Iko Uwais y Julie Stelle. Siguiendo con ‘La noche más freak’, además de ver extraños anfibios mutantes gigantes en Bad Blood: The Movie (Tim Reis), los espectadores podrán reencontrarse con dos de los personajes más famosos del J-Horror: en Sadako vs. Kayako, las aterradoras The Ring y La maldición se dan la mano. Estrenos destacados como la americana Hidden in the Woods (Patricio Valladares) protagonizada por William Forsythe, o Viral de los directores de la estrenada en España Nerve, Henry Joost y Ariel Schulman, son algunos de los protagonistas de ‘La noche más killer» y ‘La noche del terror’, respectivamente.

Sadako vs. Kayako

Trece son las producciones que podrán verse en la Sección Òrbita del Festival, dedicada exclusivamente a los thrillers más esperados. Entre ellos destaca el debut de los directores Corey Asraf y John Swab, Let Me Make You a Martyr, visto en Fantasia, un thriller de venganza de dos hermanos gemelos que planean el asesinato de su abusivo padre, protagonizado por Marilyn Manson. También el esperado regreso del director coreano Kim Jee-won (I Saw the Devil), The Age of Shadows, que se ha visto en la Sección Oficial del recién finalizado Festival de Venecia y que sitúa la acción en una Corea en el periodo de la invasión japonesa.

The Age of Shadows

Completa el recorrido por Sitges 2016 la sección Seven Chances, programada por la ACCEC, la Associació Catalana de Crítics y Escriptors Cinematogràfics de Catalunya. Entre los siete títulos, destaca la presencia del documental que recorre la infancia, adolescencia y primeros trabajos del realizador David Lynch, David Lynch: The Art Life, que acaba de ser presentado en Venecia, y el regreso de uno de los directores más queridos por el Festival, Ti West, que presenta In a Valley of Violence, un western de venganza, no exento de humor, protagonizado por Ethan Hawke, John Travolta y Taissa Farmiga. También podrá verse el último trabajo de una de las figuras más fascinantes de la cinematografía japonesa, Masao Adachi. Guionista de Koji Wakamatsu y Nagisa Oshima y director de algunos de los títulos más radicales del cine nipón de los años 60, en Sitges 2016 se presentará su último trabajo, Artist of Fasting, que además de ser la provocadora adaptación de un famoso relato de Franz Kafka, es toda una radiografía, delirante y despiadada, de la sociedad japonesa de la actualidad.

In a Valley of Violence

La programación completa i horarios de Sitges 2016, que se celebrará del 7 al 16 de octubre, puede consultarse a partir de hoy mismo en la web del Festival: www.sitgesfilmfestival.com.

La sección también contará con la terrorífica cinta iraní ‘Under the Shadow’, premiada internacionalmente. A lo largo de nueve días desfilarán por Sitges una treintena de nuevas y diferentes visiones del fantástico que demuestran el buen momento que vive el género. Sorprendente fue el paso de Prevenge por el Festival de Venecia de este año, película que pondrá el cierre a la sección Noves Visions en Sitges 2016.

Prevenge supone el debut en la dirección de la actriz y guionista Alice Lowe (a la que muchos conocerán por trabajar junto al director Ben Wheatley en Turistas, vista en Sitges 2012). La película, una comedia negra al estilo del director inglés, se grabó durante el séptimo mes de embarazo de la propia Lowe, que da vida a una lunática mujer en avanzado estado de gestación que quiere vengar la muerte de su marido. Brutalmente divertida y salvajemente vengativa, la propuesta de embarazo “alternativo” que propone Prevenge va a dejar a más de un espectador clavado en la butaca.

Dentro de la Sección Noves Visions One, que incluye películas de género desde un punto de vista de autor, destacan dos producciones provenientes del Festival de Sundance: la americana The Greasy Strangler y la iraní Under the Shadow. Dirigida por Jim Hosking (que participara en ABCs of Death 2), The Greasy Strangler fue una de las películas más discutidas en Sundance por las deserciones que se produjeron en el cine. La extraña relación entre un padre y su hijo -y su “grasienta” apariencia- darán que hablar a muchos en Sitges. Como también se hablará de una de las mejores propuestas de terror del año, comparada por muchos con Babadook (2014): la iraní Under the Shadow, del debutante Babak Anvari, que nos traslada al Teherán de los años 80, en plena guerra Irán-Irak. Allí una madre y su hija sobreviven al régimen de terror de los ayatolás en un edificio de apartamentos semivacío, cuando la pequeña comienza a comunicarse con agresivas presencias. Una propuesta “fantasmal” que provocará algún que otro susto en la platea. Y sin abandonar Irán, se presentará A Dragon Arrives!, esta vez en la sección Noves Visions Plus (propuestas más transgresoras y cercanas al cine experimental) de Mani Haghighi. Según palabras del propio Ángel Sala, director del Festival: «es una de las propuesta visuales más alucinantes de este año, sorprendente y difícil a la vez pues juega con el espectador en todo momento».

Under the Shadow

Noves Visions este año también realiza un pequeño foco de atención sobre el japonés Sion Sono proyectando sus dos últimos trabajos y un documental sobre el realizador que se ha convertido ya en figura de culto. En una sesión especial podrá verse The Sion Sono, de Arata Oshima, documental que trata de revelar los métodos creativos del artista y acercar al espectador a su vida dentro y fuera de las cámaras durante el rodaje de The Whispering Star, penúltimo trabajo de Sono cuyo guión escribió hace cerca de 20 años y que por fin ha visto la luz en un proyecto muy personal del director. Precisamente The Whispering Star también podrá verse en esta sección de Sitges 2016 en otra sesión especial. Y siguiendo con la figura de Sion Sono, en Noves Visions One, también estará su última película Antiporno, una sátira y homenaje a la vez sobre el mundo del cine erótico (o ‘pinku eiga’ en japonés) y de las ‘roman porno’.

The Whispering Star

Tal como ya se anunció, la película inaugural de la sección es la nueva propuesta de Wayne Wang. Basada en el relato homónimo del periodista y escritor Javier Marías, Mientras ellas duermen, While the Women Are Sleeping supone el regreso al largometraje del realizador hongkonés, cinco años después de su último proyecto, además de ser su primera película rodada con un estudio japonés. El film se presentó en el pasado Festival de Berlín y está protagonizado por Hidetoshi Nishijima (Dolls) y Takeshi Kitano (El verano de Kikujiro), en una de sus escasas apariciones como actor en una película no dirigida por él mismo. La cinta se abre como un drama al uso y acaba por desembocar en una espiral de misterio a la que se ve arrastrado un escritor que pasa con su mujer unos días en un hotel de la costa.

A las presencias catalanas en Noves Visions que ya se anunciaron anteriormente  (La propera pell de Isa Campo e Isaki Lacuesta, Salvación de Denis Castro y Vestigis de Iván Morillo), se añade a Noves Visions Plus el film El cor del pi negre. Dirigido por Jaume Pujadas, El cor del pi negre es un documental sobre la figura del cineasta de Sabadell -ya desaparecido- Llorenç Llobet-Gràcia, director que, aunque solo se le reconoce una película en su carrera profesional, tiene una abundante obra como cineasta amateur.

El cor del pi negre

El sorprendente film francés ‘Grave (Raw)’, ganador del Premio Fipresci en Cannes de este año, y la salvaje ‘Hardcore Henry’, Premio del Público en Toronto, también en Sitges 2016.Entre las producciones presentes en la Sección Oficial también destacan las premières internacionales de las producciones catalanas ‘Mine’ y ‘El ataúd de cristal’. Terrence Malick y Werner Herzog. Dos pesos pesados del cine contemporáneo se añaden a una Sección Oficial del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que este año ya ha confirmado a Rob Zombie, con su slasher 31; Nicolas Winding Refn, con el radical thriller The Neon Demon, o Paul Schrader (que recibirá la Máquina del Tiempo) con su film de alto voltaje Dog Eat Dog.

Voyage of Time, el primer documental de Terrence Malick, que podrá verse en una sesión especial en Sitges 2016, es probablemente el proyecto más ambicioso del director norteamericano. Altamente experimental, Voyage of Time es un intento, a modo de film collage, de ilustrar la historia del universo con poderosas imágenes y con las voces de Cate Blanchett y Brad Pitt como narradores. En sesión especial también podrá verse Salt and Fire, el último film del director alemán Werner Herzog. En este thriller Michael Shannon y Gael García Bernal dan vida a un científico y a un ejecutivo de una gran compañía, respectivamente, que deberán limar sus diferencias para evitar un posible desastre provocado por la erupción de un volcán.

Más títulos potentes, además de regresos destacados, se siguen sumando a la Sección Oficial de este Sitges 2016. De Francia proviene uno de los estrenos más importantes: en Grave (Raw) de Julia Ducournau, una de las películas de horror más sorprendentes de la temporada, la adolescente Justine deberá averiguar cuál es su verdadera naturaleza. Sin irnos de Francia, Sitges 2016 contará con la première mundial de la epopeya de ciencia-ficción Arès, de Jean-Patrick Benes, en la que se plantea un París distópico, con el país galo sumido en la pobreza, en el que la única salida para la población son las violentas peleas televisadas en las que todo está permitido. Sin dejar la ciencia-ficción, el director Matt Johnson (quien presentó The Dirties en Sitges 2013) regresa con Operation Avalanche, en la que cuatro agentes de incógnito de la CIA se infiltran en la NASA para destapar una de las mayores conspiraciones de la historia de América. Videojuegos y ciencia-ficción también se dan la mano en la première española de la salvaje Hardcore Henry, de Ilya Naishuller, film ruso de acción rodado en primera persona que recibió el Premio del Público en la sección Midnight Madness del Festival de Toronto. Siguiendo en Europa, desde Bélgica llegará a la sección competitiva de Sitges 2016 Mon ange del director Harry Cleven, romance en clave fantástica entre un chico invisible y una joven ciega. Una de las últimas locuras de Kevin Smith también estará presente en una sesión especial. La comedia fantástica Yoga Hosers, con Johnny Depp, promete delirio, humor y monstruos a partes iguales.

Grave

Sitges 2016 sigue con su afán de apoyar el cine fantástico catalán. Después de que el Festival anunciara Proyecto Lázaro, film futurista de Mateo Gil, Pet de Carles Torrens, y la película inaugural Inside de Miguel Ángel Vivas, tres son las producciones autóctonas que se suman a estos títulos. En una sesión especial podrá verse Mine, co-producción entre España, Italia y EEUU, dirigida por Fabio Guaglione y Fabio Resinaro. En este thriller, un soldado (Armie Hammer) se ve expuesto, tanto física como psicológicamente, a las inclemencias del desierto, después de una misión fallida. Otro film que podrá verse dentro de la Sección Oficial será El ataúd de cristal de Haritz Zubillaga. En el film, Paola Bontempi interpreta a Amanda, una actriz que se verá atrapada dentro de una limusina a merced de una voz metalizada que le irá ordenando lo que deberá hacer. En una sesión especial, Sitges 2016 contará también con el nuevo y esperado trabajo del director catalán J. A. Bayona, Un monstruo viene a verme, en la que Connor, de doce años, deberá superar la enfermedad de su madre con la ayuda de un monstruo.

El ataúd de cristal

Y en sesión especial también, el Festival de Sitges proyectará la nueva película de Nacho Vigalondo, Colossal, protagonizada por Anne Hathaway, que relata la extraña conexión entre una joven con problemas psicológicos y el ataque de un monstruo que está aterrorizando la ciudad de Seúl.

Al ya anunciado film de Emiliano Rocha Tenemos la carne, incluido en el sello Blood Window, se añaden dos nuevas producciones provenientes ambas de México. En la Sección Oficial a competición del Festival se proyectará el western/thriller Desierto de Jonás Cuarón, protagonizado por Gael García Bernal y Jeffrey Dean Morgan. Y también en Sección Oficial pero en una sesión especial podrá verse la première mundial de Las tinieblas de Daniel Castro Zimbrón, en la que un padre mantiene a sus hijos encerrados en el sótano de una cabaña en mitad del bosque, con la excusa de que una bestia acecha en los alrededores.

Y de Latinoamérica al otro lado del mundo, a Asia. A las ya anunciadas superproducciones como Train to Busan, The Handmaiden o The Wailing entre otras, en la Sección Oficial también se contará con dos de los films más esperados provenientes de Japón. El kaiju eiga japonés, o cine de monstruos, estará presente con la última producción protagonizada por su monstruo más querido: Shin Godzilla (Hideaki Anno y Shinji Higuchi), que se ha estrenado hace apenas un mes en el país nipón con éxito total de taquilla, competirá en Sitges 2016. Como también lo hará Museum de Keishi Ohtomo. Basada en un famoso manga publicado entre 2013 y 2014 en Japón, la película se centra en la investigación de una serie de grotescos asesinatos que siempre tienen lugar en días lluviosos.

Museum

El autor de la música de la trilogía de “El Señor de los Anillos” y compositor indispensable para cineastas como David Cronenberg o Martin Scorsese, recibirá el premio FIMUCITÉ – Antón García Abril en la Gala de Clausura del X Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife.

El compositor canadiense ganador de tres premios de la Academia de Hollywood Howard Shore será uno de los principales invitados de la décima edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), que se celebrará entre el 23 de septiembre y 1 de octubre de 2016 con el patrocinio del Cabildo Insular, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz. El aclamado autor de las bandas sonoras de las trilogías de “El Señor de los Anillos” y “El Hobbit” recibirá el Premio FIMUCITÉ – Antón García Abril y una selección de su música sonará en la gala de clausura del festival, que se celebrará como cada año en el Auditorio de Tenerife “Adán Martín”, dependiente del Cabildo.

El programa previsto para el concierto del sábado 1 de octubre ofrecerá una amplia muestra de las grandes colaboraciones de Howard Shore con cineastas de máximo prestigio como David Cronenberg, Martin Scorsese y Peter Jackson, cuyas películas ambientadas en la mitología de la Tierra Media ideada por J. R. R. Tolkien tendrán notable protagonismo. También se incluirán piezas de sus grandiosos trabajos para «Ed Wood» de Tim Burton, «Se7en» de David Fincher y «El Silencio de los Corderos» de Jonathan Demme, entre otros.

Otro de los galardones FIMUCITÉ – Antón García Abril que se otorgarán en el décimo aniversario del festival ya ha sido anunciado y se otorgará a título póstumo a la compositora Shirley Walker, fallecida en 2006. Ganadora de dos premios Emmy, en el año 1992 se convirtió en la primera mujer compositora en trabajar en una producción de Hollywood, “Memorias de un hombre invisible”, de John Carpenter.

Más información: http://fimucite.com/f10/

Biografía de Howard Shore:

Howard Shore es uno de los más importantes compositores de hoy en día, cuya música es interpretada en salas de concierto de todo el mundo por las más importantes orquestas y escuchada también en los cines de todo el planeta.

La interpretación musical del imaginativo mundo de “El Señor de los Anillos” y “El Hobbit” de J.R.R. Tolkien llevada a cabo por Shore para las películas dirigidas por Peter Jackson han entusiasmado a generaciones durante años. Este trabajo sigue siendo su composición más aclamada hasta la fecha, reconocida con tres Oscars, cuatro Grammys, dos Globos de Oro, además de numerosos premios de la crítica y en festivales.

Es Officier de l’ordre des Arts et des Lettres de la France y ha sido condecorado también en Canadá con el premio Governor General de las artes interpretativas. El National Board of Review of Motion Pictures le otorgó el premio a toda una carrera en composición musical y la Ciudad de Viena le galardonó con el premio Max Steiner. A estos se suman numerosos premios por los logros de su carrera.

De los principios de su carrera podemos destacar que fue uno de los creadores de Saturday Night Live, donde fue el director musical entre 1975 y 1980. Al mismo tiempo, empezó a colaborar con David Cronenberg, para el que ha compuesto 15 de sus películas, incluyendo “La Mosca”, “Crash” y “El Almuerzo Desnudo”. Ha sido premiado con el premio Canadian Screen por su partitura para “Maps to the Stars” y por la partitura y la canción de “Cosmopolis”. Sus composiciones para “Un Método Peligroso”, “Promesas del Este” e “Inseparables” también fueron galardonadas con el premio Genie. Shore también se ha distinguido por un amplio abanico de proyectos, desde las películas de Martin Scorsese “La Invención de Hugo”, “Infiltrados”, “El Aviador” (con la que consiguió su tercera nominación a los Globos de Oro) y “Gangs of New York” hasta “Ed Wood”, “Se7en”, “El Silencio de los Corderos”, “Philadelphia”, Sra. Doubtfire y su más reciente partitura para la oscarizada película de Tom MacCarthy “Spotlight”.

Otros trabajos recientes incluyen el concierto para piano “Ruin and Memory” para “Lang Lang” (2010), el ciclo de canciones “A Palace Upon the Ruins” con la interpretación de la mezzo-soprano Jennifer Johnson Cano (2014), el concierto para violonchelo “Mythic Gardens” con Sophie Shao (2012), y “Fanfare” para Wanamaker Organ en Filadelfia (2008).

Su ópera, “La Mosca” (2008), se estrenó en el Teatro del Châtelet de París y en la Ópera de Los Ángeles, y recientemente ha completado una exitosa representación en el Teatro Trier en Alemania.

Además de los Premios Donostia Sigourney Weaver y Ethan Hawke y el nuevo Premio Jaeger-LeCoultre al Cine Latino, Gael García Bernal, una larga lista de actores han confirmado su presencia en San Sebastián: Monica Bellucci, Fan Bingbing, Jennifer Connelly, Javier Bardem, Richard Gere, Joseph Gordon-Levitt, Hugh Grant, Isabelle Huppert, Ewan McGregor, Cynthia Nixon, Ken Watanabe, Lambert Wilson, Shailene Woodley y Lee Yoo-young. También acompañarán sus películas los cineastas Maren Ade, Emmanuelle Bercot, Bertrand Bonello, Terence Davies, Hirokazu Koreeda, Pablo Larraín, François Ozon, Gianfranco Rosi, Oliver Stone, Bertrand Tavernier y Paul Verhoeven, entre muchos otros. El jurado de la Sección Oficial estará presidido por el cineasta danés Bille August.

Una impresionante lista de actores y directores visitará San Sebastián con motivo de la 64 edición de Festival. Entre muchos otros, presentarán sus películas y sus proyectos Sidse Babett-Knudsen, Monica Bellucci, Fan Bingbing, Jennifer Connelly, Javier Bardem, Richard Gere, Joseph Gordon-Levitt, Hugh Grant, Isabelle Huppert, Pablo Larraín, Mary Stuart Masterson, Ewan McGregor, Cynthia Nixon, François Ozon, Gianfranco Rosi, Oliver Stone, Paul Verhoeven, Ken Watanabe, Lambert Wilson y Shailene Woodley, además de los Premios Donostia Sigourney Weaver y Ethan Hawke y el nuevo Premio Jaeger-LeCoultre al Cine Latino, Gael García Bernal.

La película de inauguración contará con la presencia de su directora,  la también actriz Emmanuelle Bercot, su protagonista, la intérprete danesa, Sidse Babett Knudsen, y la médica Irène Frachon, cuya historia inspira La fille de Brest (La doctora de Brest). En la Sección Oficial a competición también presentarán sus películas Ewan McGregor y Jennifer Connelly (American Pastoral / Pastoral americana); el equipo de El hombre de las mil caras, con Alberto Rodríguez al frente y los actores José Coronado, Eduard Fernández, Carlos Santos, Marta Etura y Alba Galocha; Bertrand Bonello (Nocturama) y Baltasar Kormákur y los protagonistas de Eiðurinn / The Oath, Hera Hilmar y Gísli Órn Gardarsson. Asimismo, acudirá a San Sebastián el director de Ikari / Rage Lee Sang-il, acompañado del actor japonés Ken Watanabe; el director de Jätten / The Giant, Johannes Nyholm, junto a los actores Christian Andrén, Johan Kylén y Anna Bjelkerud; y el director y el reparto de La reconquista: Jonás Trueba, Itsaso Arana, Francesc Carril, Rafa Berrio y Aura Garrido y los niños Candela Recio y Pablo Hoyos. Defenderán Lady Macbeth su director, William Oldroyd, y la actriz Naomi Ackie. Arnaud des Pallières presentará Orpheline / Orphan junto a los intérpretes Adèle Haenel, Solène Rigot y Sergi López. Rodrigo Sorogoyen presentará Que Dios nos perdone junto a los actores Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Javier Pereira y María Ballesteros y la coguionista Isabel Peña, Hong Sang-soo lo hará acompañado de los protagonistas de Yourself and Yours, Kim Joo-hyuk y Lee Yoo-young, y el cineasta chino Feng Xiaogang (I am not Madame Bovary) viajará con la actriz Fan Bingbing y el escritor Liu Zhenyun. El joven director Miles Joris-Peyrafitte acudirá con los actores de As You Are, Mary Stuart Masterson, Owen Campbell y Charlie Heaton; Fernando Guzzoni defenderá Jesús junto a los intérpretes Nicolás Durán y Alejandro Goïc; se desplazarán también a San Sebastián el director y el actor de El invierno, Emiliano Torres y Cristian Salguero; y Bartosz M. Kowalski presentará la película polaca Plac Zabaw / Playground, acompañado de los tres niños protagonistas, Michalina Swistun, Nicolas Przygoda y Przemysław Balinski.

En las películas de la Sección Oficial fuera de concurso, Oliver Stone se hará acompañar de la pareja protagonista de Snowden, Joseph Gordon-Levitt y Shailene Woodley; el director de A Monster Calls (Un monstruo viene a verme), J.A. Bayona, asistirá al Festival con la Premio Donostia Sigourney Weaver y el escritor y guionista Patrick Ness; Nacho Vigalondo presentará Colossal; y estarán en la clausura el director de L’Odyssée / The Odyssey, Jérôme Salle, y los actores Lambert Wilson y Pierre Niney.

Visitará San Sebastián asimismo el Premio Donostia Ethan Hawke, que presentará su última película, The Magnificent Seven (Los siete magníficos).

Por las películas de proyecciones especiales de la Sección Oficial acudirá una amplia representación del cine español, encabezada por Javier Bardem, Jordi Moya, Aitana Sánchez-Gijón, Leonor Watling y el codirector Santiago Garrido (Bigas x Bigas); Diego Galán y Carmen Machi (Manda huevos); Carmen Chaves; Jo Sol, Pepe Rovira, Antonio Centeno, Arantzazu Ruiz, Ann Perelló y el Niño de Elche (Vivir y otras ficciones), así como el director de Kimo no na wa / Your Name, Makoto Shinkai.

La sección Perlas brinda también una nutrida nómina de visitas: Paul Verhoeven y Isabelle Huppert (Elle y en el caso de Huppert también L’avenir / Things to Come / El Porvenir), Hugh Grant (Florence Foster Jenkins), François Ozon (Frantz), Gianfranco Rosi y el niño Samuele Pucillo (Fuocoammare / Fire at Sea / Fuego en el mar), el guionista Paul Laverty y los actores Dave Johns y Hayley Squires (I, Daniel Blake / Yo, Daniel Blake), el realizador Michael Dudok de Wit (La tortue rouge / The Red Turtle), Joachim Lafosse (L’economie du couple / After Love / Después de nosotros), Ira Sachs (Little Men), Céline Sciamma (guionista de Ma Vie de Courgette / My Life as a Courgette), Pablo Larraín, Gael García Bernal, Mercedes Morán, Pablo Derqui y Emilio Gutiérrez Caba (Neruda), Monica Bellucci (Na Mlijecnom putu / On the Milky Road), Maren Ade y Peter Simonischek (el Gran Premio FIPRESCI Toni Erdmann) e Hirokazu Koreeda y la actriz Kirin Kiki (Umi yorimo nada fukaku / After the Storm).

Y entre muchos otros, visitarán asimismo San Sebastián los cineastas Bertrand Tavernier y Terence Davies, éste último acompañado de la actriz Cynthia Nixon, cuyas películas han sido seleccionadas en Zabaltegi-Tabakalera.

Además, otro Premio Donostia regresará a San Sebastián. El actor Richard Gere viajará para presentar en una proyección especial Time Out of Mind (Invisibles), acompañado del director Oren Moverman, cuya película Rampart compitió en la Sección Oficial en 2011. La película, en la que Gere encarna a una persona sin hogar, cuenta cómo alguien puede convertirse en invisible. La proyección de la película forma parte de un programa más amplio, que incluye una rueda de prensa con la participación del propio Gere, Alejandra Silva, madrina de RAIS Fundación, Jordi Albareda, en representación de RAIS Euskadi, asociación dedicada a las personas sin hogar, y el alcalde de San Sebastián, Eneko Goia.

El jurado de la Sección Oficial estará presidido por el cineasta danés Bille August. El autor de Pelle erobreren (Pelle el Conquistador), ganador de dos Palmas de Oro en Cannes y un Oscar, estará acompañado en las deliberaciones para escoger a la Concha de Oro por la directora argentina Anahí Berneri, la productora española Esther García, el realizador chino Jia Zhang-ke, la diseñadora de vestuario alemana Bina Daigeler, el director de fotografía estadounidense Matthew Libatique y un último jurado aún por confirmar.

El jurado de la sección Kutxabank-Nuev@s Director@s estará compuesto por el escritor y programador italiano Carlo Chatrian, director del Festival de Locarno, (presidente), la crítica española Eulàlia Iglesias Huix, el realizador chileno Pablo Álvarez, la periodista y comisaria de arte británica Isabel Stevens y la actriz portuguesa Victória Guerra.

La presidenta del jurado de Horizontes Latinos, la actriz española Inma Cuesta, acordará la concesión del Premio Horizontes con el cineasta argentino Andrés Di Tella y la programadora del Festival de Sundance Shari Frilot.

En su primera edición competitiva, Zabaltegi-Tabakalera contará con un jurado compuesto por la realizadora española Virgina García del Pino (presidenta), el cineasta uruguayo Federico Veiroj y un tercer miembro pendiente de confirmación.

El escritor Anjel Lertxundi presidirá el jurado del Premio Irizar al Cine Vasco. Le ayudarán a dirimir la mejor película de Zinemira la intérprete y compositora Maite Arroitajauregi (Mursego) y el cineasta Jon Garaño.

La directora de Programas de Industria del Marché du Film de Cannes, Julie Bergeron, la coordinadora general del Festival de Los Cabos (México), Alejandra Paulín, y el productor español Simón de Santiago componen el jurado del Premio Foro de Coproducción Europa-América Latina.

Terele Pávez recibirá el Premio Nosferatu de la sección, que además rendirá homenajes al director italiano Corrado Farina y a la actriz catalana Emma Cohen. «Brigadoon es también el nombre con que bautizamos a un recién nacido muy particular, a quien deseamos larga vida. Un complejo en los jardines de El Retiro, con salas de vídeo, librería, bar, exposiciones, etc.» Así se describía en el catálogo del Festival de Sitges de 1986 la nueva sección que se inauguraba ese año a cargo de José Antonio Atanes. En Sitges 2016, Brigadoon (en referencia a la extraordinaria película de Vincente Minnelli de 1954, que podrá además recordarse y verse este año dentro de la programación) celebra su 30 aniversario. Una sala interior con entrada gratuita ubicada en el recinto de L’Escorxador donde se puede gozar de una programación fantástica alternativa. Un espacio que ha ido creciendo a lo largo de los años y por el que han pasado nombres tan importantes para el Festival como el propio Ángel Sala, Hernán Migoya, Juanma Pastor o Diego López, este último responsable del Brigadoon desde el año 2010.

La actriz Terele Pávez, nacida en Bilbao en 1939, recibirá este año el Premio Nosferatu de la sección Brigadoon del Festival de Sitges, donde se proyectarán algunos títulos de su filmografía, como 99.9 de Agustí Villaronga. Actriz de tradición familiar, con cerca de cien títulos en su filmografía entre sus papeles en TV y cine, consiguió su primer papel en la película Novio a la vista (1954) de Luis García Berlanga, gracias a la mediación de Jesús Franco, amigo de la familia. Terele Pávez participó en títulos tan importantes para el cine español como Los santos inocentes (Mario Camus, 1984) o El aire de un crimen (Antonio Isasi-Isasmendi, 1988); el aficionado al fantástico la recordará por su vinculación con el director Álex de la Iglesia en trabajos como El día de la bestia (1995), La comunidad (2000), 800 balas (2002) o Balada triste de trompeta (2010), culminando en 2013 con su extraordinaria actuación en Las brujas de Zugarramurdi.

En Brigadoon también se rendirá homenaje al realizador, novelista, documentalista y publicista italiano Corrado Farina, fallecido el pasado mes de julio, director de dos films de culto dentro del cine de género proveniente de Italia de los años 70. Baba Yaga (1973), la segunda película de Farina basada en una de las más populares series de cómic adulto italiano (Valentina), podrá disfrutarse en Brigadoon. Y cómo no, el Festival de Sitges no podía olvidarse de la actriz catalana Emma Cohen, fallecida también este mes de julio. Nacida en Barcelona en 1946, en Brigadoon podrán verse dos de sus películas más aclamadas: Al otro lado del espejo (Jesús Franco, 1973) y ¡Bruja más que bruja! (Fernando Fernán Góme z, 1977). Estos dos tributos se unen al ya anunciado el pasado mes de julio en rueda de prensa: el homenaje al realizador Joan Bosch, que murió el pasado mes de noviembre, con la proyección de sus films A sangre fría y La muerte llama a las diez.

Entre los estrenos que este año presenta la programación de Brigadoon, destaca Ibiza Undead del director británico Andy Edwards, en el que un grupo de veraneantes en la isla de Ibiza se encontrarán con unos anfitriones de lo más ‘interesantes’: zombis. Humor y gore están asegurados. También resalta otro estreno: la nueva película del director italiano Luigi Cozzi (Premio Nosferatu 2012) que estará en Sitges para presentar Blood on Méliès’ Moon,un thriller de ciencia ficción que cuenta con la presencia de Dario Argento y Lamberto Bava interpretándose a sí mismos. Junto a la película podrá verse el documental FantastiCozzi, dirigido por Felipe M. Guerra y centrado en la figura del realizador. Siguiendo con el género documental, dos son los títulos que también podrán verse en Brigadoon: el documental SPUTNIK!, dirigido por Asier Abio, que analiza, a través de directores y festivales, la situación del cine fantástico independiente y de bajo presupuesto realizado en Catalunya, y The Unauthorized Hagiography of Vincent Price, documental dirigido por Michael Lane, una biografía no autorizada del icono del cine de género, Vincent Price, un curioso mediometraje narrado con la propia voz y los personajes del llamado Maestro de lo Macabro. Tres documentales más a sumar a los ya adelantados por el Festival: Joe D’Amato Totally Uncut: the Horror Experience, dirigido por Manlio Gomarasca y Davide Pulici; el documental Me Me Lai Bites Back: Resurrection of the Cannibal Queen, dirigido por Naomi Holwill, y Satan’s Blood. Memorias de Escalofrío, de Luis Esquinas, centrado en la película Escalofrío (Carlos Puerto, 1978).

Además de los largometrajes de ficción ya desvelados de la programación del Brigadoon de este año como son Peelers, de Sevé Schelenz, o Therapy, found footage dirigido por Nathan Ambrosioni, otro estreno en este espacio será el film catalán de ficción y muertos vivientes, Infección Zombi, opera prima del director Jacint Espuny producida por Kutrefacto Films: una historia post-apocalíptica de zombis con acción y gore hasta hartar.

La Sección Oficial acogerá cuatro proyecciones especiales en la 64 edición del Festival de San Sebastián. A las anunciadas Vivir y otras ficciones, de Jo Sol, y Manda huevos, de Diego Galán, se suman la película de animación japonesa Kimi no Na wa / Your Name y el autorretrato del cineasta Bigas Luna (Bigas x Bigas). Además, Colossal, la última propuesta de Nacho Vigalondo, participará fuera de concurso.

Makoto Shinkai (Nagano, Japón, 1973), autor de The Place Promised in Our Early Days (2004), Children Who Chase Lost Voices, seleccionado en Annecy (2011), o The Garden of Words (2013), es uno de los nombres importantes de la animación japonesa, considerado heredero de los Miyazaki, Takahata y Hosoda. El Festival acogerá el estreno europeo de Kimi no Na wa / Your name, que será distribuido en Japón por Toho y por SelectaVision en España, donde se estrenará en enero de 2017.

Contador en imágenes de las historias de los demás, Bigas Luna (Barcelona 1946-La Riera, Tarragona, 2013) también quiso capturar la realidad que le rodeaba. Hasta su muerte, el autor de Jamón, jamón (León de Plata en Venecia) y Huevos de oro (Premio del Jurado en San Sebastián) grabó más de 500 cintas con vídeos, textos pictóricos y archivos de audio que mezclan la escena familiar con la reflexión íntima y las charlas cómplices con amigos y colegas de profesión. En la dirección de Bigas x Bigas figuran el propio cineasta y el videoartista Santiago Garrido Rúa. Javier Bardem es uno de los productores de la película.

Además, en la Sección Oficial fuera de concurso, Nacho Vigalondo (Cabezón de la Sal, España, 1977), el director de Los Cronocrímenes y Open Windows, presenta su última película, Colossal. Rodado en Vancouver, el cuarto largometraje del realizador español está protagonizado por Anne Hathaway (Les Misérables / Los Miserables) y un monstruo gigantesco, con el que siente una misteriosa conexión.

Con el anuncio de estas tres películas, se completa la lista de la Sección Oficial, compuesta por 25 títulos. Diecisiete películas competirán por la Concha de Oro, cuatro participarán fuera de concurso –Snowden, A Monster Calls (Un monstruo viene a verme), la mencionada Colossal y L’Odyssée / The Odyssey (clausura)- y habrá cuatro proyecciones especiales.

Bigas X Bigas

Bigas Luna, Santiago Garrido Rua  (España). Proyecciones especiales

Bigas Luna era, por encima de todas las cosas, un narrador de imágenes, tanto cinematográficas como pictóricas. Este voyerismo tan intrínseco en él cultivó un inmenso deseo por hacer una película verista: rodar a alguien sin guión y sin ningún tipo de parafernalia, mostrando al personaje en toda su pureza. Probablemente esto fue lo que le impulsó a captar la realidad que le rodeaba mediante un vídeo-diario. Un cuadro formado por diferentes escenas únicas de su vida. Más de 500 cintas, diversos vídeos, textos pictóricos y archivos de audio por los que desfilan escenas familiares, reflexiones íntimas y charlas cómplices con actores y amigos. Bigas x Bigas es una película verista experimental que pretende abrirnos una ventana a esos momentos. Un viaje a través de sus vivencias y reflexiones en el que Bigas se desmonta a sí mismo mostrando su yo más íntimo y personal no sólo como artista, sino como ser humano.

Kimi no Na wa / Your name

Makoto Shinkai  (Japón). Proyecciones especiales

Taki y Mitsuha descubren un día que durante el sueño sus cuerpos se intercambian, y comienzan a comunicarse por medio de notas. A medida que consiguen superar torpemente un reto tras otro, se va creando entre los dos un vínculo que poco a poco se convierte en algo más romántico.

Colossal

Nacho Vigalondo  (Canadá). Fuera de concurso

Una chica que se pasa todo el día de juerga en juerga (Anne Hathaway) descubre que tiene una misteriosa conexión con un monstruo gigantesco que está provocando el caos en el otro extremo del globo.

Ethan Hawke recibirá un Premio Donostia en la 64 edición del Festival de San Sebastián. El actor, cuatro veces nominado a los Oscar, recibirá el premio en reconocimiento a su ilustre trayectoria profesional el sábado, 17 de septiembre, antes de la proyección de su última película The Magnificent Seven (Los siete magníficos).

La trayectoria de Hawke, que abarca tres décadas y cuatro nominaciones a los Oscar, ha consolidado su reputación como artista verdaderamente polifacético, que ha asumido retos como guionista, director, novelista y actor tanto en teatro como en cine.

Hawke dirigió en el 2015 su primer documental, Seymour: An introduction, un retrato intimista sobre la vida del legendario pianista y profesor Seymour Bernstein. Boyhood (Boyhood. Momentos de una vida, 2014) fue su octava colaboración con el director Richard Linklater. Por su interpretación, Ethan fue nominado como mejor actor de reparto en los Oscar, los Premios del Gremio de Actores, los Globos de Oro, los BAFTA, los Premios Independent Spirit, los Premios de la Crítica Cinematográfica y los Premios Gotham.

En otro de sus memorables proyectos con Linklater, Hawke coprotagonizó junto con Julie Delpy la alabada película Before Sunrise (Antes del amanecer) y sus dos secuelas, Before Sunset (Antes del atardecer) y Before Midnight (Antes del anochecer). El trío escribió conjuntamente los guiones de Before Sunset y Before Midnight y recibió sendas nominaciones a los Oscar y a los Premios Independent Spirit por ambos guiones. Hawke, Linklater y Delpy recibieron como reconocimiento el Louis XIII Genius Award por sus logros cinematográficos con la trilogía «Before» en los Premios de la Crítica Cinematográfica de la BFCA.

En el 2002, Hawke recibió su primera nominación al Oscar como mejor actor de reparto por su labor en la oscarizada película de Antoine Fuqua, Training Day (Día de entrenamiento), en la que actúa junto a Denzel Washington. Sus trabajos incluyen, además: Dead Poets Society (El club de los poetas muertos), Good Kill, Reality Bites (Bocados de realidad), Great Expectations (Grandes esperanzas), Hamlet, Gattaca, Brooklyn’s finest (Los amos de Brooklyn), The Purge (The Purge: la noche de las bestias) y Before the Devil Knows You’re Dead (Antes que el diablo sepa que has muerto).

Hawke siempre ha compaginado su trabajo de actor con su afición por escribir y contar historias. Es el autor de cuatro novelas: «The Hottest State» (1996), «Ash Wednesday» (2002), «Rules for a Knight» (2015), y la novela gráfica «Indeh» (2016), que alcanzó la primera posición de la lista de bestsellers del «New York Times».

The Magnificent Seven (Los siete magníficos) es su última colaboración con Antoine Fuqua. La película, que se proyectará en San Sebastián tras clausurar el festival de Venecia, es un remake del filme de John Sturges de 1960, basado en la obra de Akira Kurosawa Shichinin no Samurai / Seven Samurai (Los siete samuráis), con guión de John Lee Hancock (The Blind Side) y Nic Pizzolato (True Detective). Hawke protagoniza la película junto a Denzel Washington, Chris Pratt y Vincent D’Onofrio.

Este año Hawke ha realizado una de sus actuaciones más notables y aclamadas por la crítica: la del difunto Chet Baker en la película de Robert Budreau Born to Be Blue, una actuación que, según la revista Rolling Stone, contiene «todo aquello que convierte a Ethan Hawke en un actor extraordinario: su energía, su empatía, su osadía, y su entusiasmo sin vanidad de ningún tipo por explorar los recovecos más profundos de un personaje». Por su parte, Variety la describió como “una de las mejores actuaciones de su vida». Además de Born to Be Blue y The Magnificent Seven (Los siete magníficos), este año verán la luz una serie de trabajos diversos y apasionantes de Hawke, entre los que destacan The Phenom, Maggie’s Plan y In a Valley of Violence.

El año pasado el Festival se inauguró con Regression (Regresión) de Alejandro Amenábar, protagonizada por Hawke. Lamentablemente, no pudo asistir por estar rodando The Magnificent Seven (Los siete magníficos). El Festival está encantado de poder homenajear a Hawke en persona con el Premio Donostia de este año, ahora que el repertorio cinematográfico en continua expansión del actor permite cerrar el círculo.

Biografía

«Coged las rosas mientras podáis» es una frase que caló hondo en el joven Ethan Hawke durante el rodaje de Dead Poets Society (El club de los poetas muertos), el oscarizado drama que catapultó su carrera como actor. Treinta años y varias nominaciones a los Premios Tony y Oscar después, ha emergido un artista polifacético que ha asumido retos como novelista, guionista y director.

Su última aparición ha sido en la película Born to Be Blue de Robert Budreau, donde su interpretación del legendario trompetista de jazz Chet Baker tuvo una excelente acogida en el Festival de Cine de Toronto. IFC estrenó la película el 25 de marzo de 2016. Su película Maggie’s Plan, comedia que protagoniza junto con Greta Gerwig y Julianne Moore, se estrenó asimismo en el Festival de Cine de Toronto, el año pasado, y Sony Pictures Classic la llevó a los cines el 20 de mayo de 2016. También se le ha podido ver en The Phenom de Noah Buschel, estrenada en junio de 2016.

Además, Grand Central Publishing publicó su novela gráfica «Indeh«, realizada en colaboración con el ilustrador Greg Ruth, el 7 de junio de 2016. «Indeh» narra la historia de dos naciones en guerra que se esfuerzan por hallar paz y perdón en una época turbulenta. La novela irrumpió en el primer puesto de la Bestseller List for Hardcover Graphic Novels del «New York Times».

Próximamente Hawke aparecerá en The Magnificent Seven (Los siete magníficos), dirigida por Antoine Fuqua. En el remake de MGM de la icónica película homónima también actúan Denzel Washington, Chris Pratt y Peter Sarsgaard. Su estreno mundial será en el Festival de Cine de Toronto 2016, donde será la película que inaugure el festival.  Sony la llevará a las salas el 23 de septiembre de 2016.  Después se le podrá ver en In a Valley of Violence de Blumhouse y Ti West, estrenada en el SXSW Film Festival de 2016, que debutará en las salas el 21 de octubre de 2016.

Recientemente Hawke dirigió su primer documental, Seymour: An introduction, estrenado en el Festival de Cine de Telluride 2014 y proyectado posteriormente en el Festival de Cine de Toronto.  El proyecto sigue la vida del legendario pianista y profesor Seymour Bernstein. IFC lanzó la película el 13 de marzo de 2015.

Hawke ha colaborado con el cineasta Richard Linklater en varias ocasiones, incluyendo Fast Food Nation, Waking Life, The Newton Boys y Tape (La cinta). Su última colaboración juntos, Boyhood (Boyhood. Momentos de una vida), debutó en el Festival de Cine de Sundance 2014. IFC la estrenó el 11 de julio de ese mismo año. Hawke protagonizó junto con Patricia Arquette y Ellar Coltrane la aclamada película, rodada a intervalos durante 12 años mientras es testigo de la vida de un niño, desde los 6 hasta los 18 años. Por su interpretación, Ethan fue nominado como mejor actor de reparto en los Oscar, los Premios del Gremio de Actores, los Globos de Oro, los BAFTA, los Premios Independent Spirit, los Premios de la Crítica Cinematográfica y los Premios Gotham.

En otro de sus proyectos más conocidos, Hawke coprotagonizó junto con Julie Delpy Before Sunrise y sus dos secuelas Before Sunset y Before Midnight. El trío escribió conjuntamente los guiones de Before Sunset y Before Midnight y recibió sendas nominaciones a los Oscar y a los Premios Independent Spirit por ambos guiones. Hawke, Linklater y Delpy recibieron además el Louis XIII Genius Award en los Premios de la Crítica Cinematográfica de la BFCA, en reconocimiento por sus logros cinematográficos con la serie «Before».

En 1994 Hawke hizo una incursión en el espíritu pop de aquel entonces con la comedia de Ben Stiller Reality Bites (Bocados de realidad). Hawke ha protagonizado más de cincuenta películas, incluyendo: Good Kill, Predestination, The Purge (The Purge: La noche de las bestias), Explorers (Exploradores), White Fang (Colmillo Blanco), Gattaca, Great Expectations (Grandes esperanzas), Hamlet, What Doesn’t Kill You, Brooklyn’s Finest (Los amos de Brooklyn), Sinister y Before the Devil Knows You’re Dead (Antes que el diablo sepa que has muerto). Hawke recibió sendas nominaciones como mejor actor de reparto en los Oscar y en los Premios del Gremio de Actores por su trabajo en Training Day (Día de entrenamiento), de Antoine Fuqua, actuando junto a Denzel Washington.

Tras la cámara, Hawke debutó como director en el año 2011 con su drama Chelsea Walls. La película narra cinco historias que se desarrollan el mismo día en el Hotel Chelsea. Está protagonizada por Uma Thurman, Kris Kristofferson, Rosario Dawson, Natasha Richardson y Steve Zahn. Dirigió asimismo a Josh Hamilton en el corto Straight to One, una historia sobre una joven pareja enamorada que vive en el Hotel Chelsea.

A finales de 2015, Hawke publicó su primer libro infantil, «Rules for a Knight«, en la editorial Knopf. El libro está ilustrado por su mujer, Ryan Hawke. «Rules for a Knight», que alcanzó la lista de bestsellers del «New York Times», gira alrededor del hallazgo de un documento perdido desde hace tiempo y republicado por Hawke, que resulta ser un pariente lejano del caballero Thomas Lemuel Hawke. Además de su trabajo como novelista, en abril de 2009 Hawke escribió un exhaustivo perfil sobre Kris Kristofferson para la revista «Rolling Stone». En 2002 Knopf publicó su segunda novela, «Ash Wednesday«, elegida por la editorial Bloomsbury para su serie de clásicos contemporáneos. Hawke escribió su primera novela, «The Hottest State«, en 1996. Fue publicada por Little Brown, y actualmente se encuentra en su decimonovena edición. En su segunda incursión como director, Hawke adaptó y dirigió la versión para pantalla grande de «The Hottest State«, además de dirigir un vídeo musical para la película con la actuación de Lisa Loeb.

Con veintiún años Hawke fundó la compañía teatral Malaparte Theater Co., que permaneció en activo durante más de cinco años, dando oportunidades a jóvenes artistas. El año siguiente, en 1992, Hawke hizo su debut en Broadway con The Seagull. También ha aparecido en Henry IV junto con Richard Easton en Broadway; Buried Child (Steppenwolf); Hurlyburly, que le valió una nominación al mejor actor principal en los Premios Lucille Lortel y una nominación por su interpretación en los Drama League Awards (The New Group); The Coast of Utopia de Tom Stoppard, por la que recibió una nominación al mejor actor en una obra de teatro en los Premios Tony y otra nominación a la mejor interpretación en los Drama League (Lincoln Center); la temporada inaugural de las dos obras de The Bridge project, The Cherry Orchard y A Winter’s Tale, por la cual obtuvo una nominación al mejor actor en una obra de teatro en los Drama Desk Award  (Brooklyn Academy of Music y The Old Vic); y Blood From A Stone (The New Group), con la cual ganó en 2011 un Premio Obie a la mejor interpretación. En 2007, Hawke debutó como director en el circuito Off-Broadway con el estreno mundial de la comedia negra de Jonathan Marc Sherman, Things We Want. En 2010, dirigió A Lie of the Mind, de Sam Shepard, obra que le valió una nominación al mejor director de una obra de teatro en los Drama Desk. El «New York Times» y el «New Yorker» la reconocieron como una de las 10 mejores producciones teatrales del 2010. En el 2012, protagonizó Ivanov de Chejov para la compañía Classic Stage Company. En el 2013 dirigió y protagonizó Clive, adaptación teatral de la obra Baal de Bertolt Brecht realizada por Jonathan Marc Sherman (The New Group), e interpretó a Macbeth en una exitosa temporada en el Lincoln Center Theatre.

El estreno europeo de »La fille de Brest / 150 Milligrams (La doctora de Brest)» inaugurará la 64 edición del Festival de San Sebastián.

Emmanuelle Bercot dirige la película, protagonizada por Sidse Babett Knudsen y Benoît Magimel, que competirá por la Concha de Oro. El estreno europeo de La fille de Brest / 150 Milligrams (La doctora de Brest) inaugurará la 64 edición del Festival de San Sebastián. El quinto largometraje de la directora francesa Emmanuelle Bercot, que competirá por la Concha de Oro, está protagonizado por la actriz danesa Sidse Babett Knudsen (Borgen) y el actor galo Benoît Magimel (La Haine / El odio, La pianiste / La pianista y La Tête haute / La cabeza alta).

La fille de Brest / 150 Milligrams (La doctora de Brest) está basado en el libro “Mediator 150 mg” de Irène Frachon, una médica que descubrió en un hospital de Brest una relación directa entre el consumo de un fármaco y una serie de muertes sospechosas. Frachon emprendió en solitario una lucha para que se conociera la verdad.

Emmanuelle Bercot (París, 1967), realizadora, actriz y guionista, ha trabajado como intérprete a las órdenes de cineastas como Olivier Assayas o Bertrand Tavernier, y obtuvo el premio a la mejor actriz en Cannes el año pasado por Mon roi (Mi amor), de Maïwenn. Como directora, el año pasado inauguró el Festival de Cannes con su cuarto largometraje, La Tête haute (La cabeza alta), donde también auscultaba el sistema social francés. La tercera película de la cineasta, Elle s’en va (El viaje de Bettie), fue estrenada en la Berlinale. Bercot es la primera mujer directora que inaugura el Festival de San Sebastián.

La actriz Sidse Babett Knudsen (Copenhague, 1968), que encarna a Irène Frachon, ha actuado a las órdenes de Susanne Bier, que ha competido en tres ocasiones en la Sección Oficial en San Sebastián. El año pasado ganó el César a la mejor actriz de reparto por su papel en L’Hermine (El juez), dirigida por Christian Vincent, que se estrenó en Venecia. Su papel en la serie Borgen, que muestra los dilemas a los que se enfrenta la primera ministra danesa Birgitte Nyborg, la ha convertido en una intérprete muy popular.

La carrera del actor francés Benoît Magimel incluye películas dirigidas por cineastas como Claude Chabrol, Jean Becker, Michael Haneke, Xavier Beauvois, Andre Téchiné o Mathieu Kassovitz. Por La pianiste (La pianista) obtuvo el premio al mejor actor en Cannes y por la anterior película de Bercot, La Tête haute, el premio César al mejor actor secundario.

La fille de Brest / 150 Milligrams (La doctora de Brest) es una producción de Haut et Court, cuya distribución mundial corresponde a Wild Bunch. En España, donde será distribuida por Caramel, se estrenará en diciembre.

La fille de Brest / 150 Milligrams (La doctora de Brest)

Emmanuelle Bercot  (Francia)

Basada en el libro Mediator 150 mg, de Irène Frachon. En el hospital donde trabaja, en Brest (Francia), una especialista en pulmón descubre una conexión directa entre una serie de muertes sospechosas y un medicamento aprobado por el estado. La especialista lucha por su cuenta para que la verdad salga a la luz. Es la historia de Irène Frachon, que destapó el escándalo Mediator.

El Velódromo acogerá la proyección del thriller de ciencia ficción de Denis Villeneuve. La Llegada (Arrival), la nueva propuesta de Denis Villeneuve (Trois-Rivières, Quebec, 1967), clausurará la sección Perlas en la 64 edición de Festival de San Sebastián.

Este thriller de ciencia ficción, que competirá por el León de Oro en Venecia, está basado en el relato “Story of your life” de Ted Chiang. La Llegada (Arrival) está protagonizado por una lingüista, interpretada por Amy Adams, que debe averiguar las intenciones de un grupo de extraterrestres que acaban de aterrizar en la Tierra.

Villeneuve, que estrenará el año que viene la secuela de Blade Runner, visitó San Sebastián en 2013 para competir en la Sección Oficial con Enemy y presentar fuera de concurso Prisoners (Prisioneros), y el año pasado participó también en Perlas con Sicario.

El pase de La Llegada (Arrival), que no formará parte de la competición por el Premio del Público, tendrá lugar en el Velódromo, antes de la retransmisión de la gala de clausura.

El cineasta canadiense pondrá el broche a una sección que presentará los últimos trabajos de Maren Ade, Claude Barras, Michael Dudok de Wit, Stephen Frears, Mia Hansen-Løve, Hirokazu Koreeda, Emir Kusturica, Joachim Lafosse, Pablo Larraín, Ken Loach, François Ozon, Cristi Puiu, Gianfranco Rosi, Ira Sachs y Paul Verhoeven.

Arrival (La llegada)

Denis Villeneuve  (EEUU)

Clausura

Cuando misteriosas naves espaciales aterrizan en diferentes lugares del planeta, un equipo de élite liderado por la experta lingüista Louise Banks (Amy Adams) es reclutado para investigar. Mientras la especie humana se encuentra al borde de una guerra global, Banks y su equipo buscan respuestas a contrarreloj, y para encontrarlas, Banks correrá un riesgo que podría amenazar su vida y posiblemente a la humanidad.