Autor: Administrador
Grábalo todo. Historia del found footage
En 1998 se estrenó El proyecto de la Bruja de Blair y el cine de terror ya no volvió a ser lo mismo. A partir de entonces, toda una serie de nuevos talentos utilizaron el found footage para abrirse camino en la industria: Matt Reeves a través de Monstruoso u Oren Peli con la saga Paranormal Activity dieron sus primeros pasos en el género para convertirse en directores de éxito.
Grábalo todo: Historia del found footage , de Andrés R. Paredes, repasa cuáles fueron los orígenes de este estilo (el mondo, el cine de caníbales, las falsas snuff movies) y analiza tanto películas y franquicias que ya han pasado a la historia como otras más desconocidas por el gran público, además de identificar los nuevos talentos que han surgido en los últimos años y que mantienen vivo el subgénero.
Incluye entrevistas a Nacho Vigalondo, Sarah Appleton, Rodrigo Cortés y Koldo Serra.
Autor: Andrés R. Paredes. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas: 280
Tráiler para lo nuevo de André Téchiné «Les âmes soeurs»
Aprovechando su reciente estreno comercial en Francia nos detenemos brevemente en el último trabajo tras las cámaras del veterano André Téchiné Les âmes soeurs, película cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El responsable de Les roseaux sauvages, que este mismo año también presentará Dans le viseur interpretada por Isabelle Huppert, explora en Les âmes soeurs una relación bastante especial entre dos hermanos afectados por una amnesia emocional.
Les âmes soeurs nos cuenta como David, teniente de las fuerzas francesas en Malí, resulta gravemente herido en una explosión. Repatriado, sufre amnesia y comienza una larga convalecencia bajo el atento cuidado de su hermana Jeanne. En la casa familiar de los Pirineos, entre montañas y lagos, Jeanne intenta rememorar el pasado, pero David no parece estar por la labor de reconciliarse con quien una vez fue.
La película, con guion a cargo del propio André Téchiné junto a Cedric Anger, está protagonizada por Noémie Merlant, Benjamin Voisin, Audrey Dana, André Marcon, Sya Rachedi, Alexis Loret, Mama Prassinos, Jean Fornerod, Mirindra Ramaroson y Stéphane Bak.
Filmoteca Española celebra el Día del Libro con presentaciones, coloquios y una programación especial de películas
Los encuentros con autores y presentaciones de libros tendrán lugar los días 21 y 23 de abril por la tarde en el Palacio de Perales, sede central de Filmoteca Española, y en el cine Doré.
Filmoteca Española se suma a las celebraciones del Día Internacional del Libro durante los días 21 y 23 de abril, y propone la presentación de diferentes libros sobre cine publicados recientemente, algunas proyecciones asociadas a dichas publicaciones, encuentros con autores y conferencias.
21 de abril. Palacio de Perales. Sala de proyecciones del Palacio de Perales en la calle Magdalena, 10.
El día 21 de abril a las 18:00 h. en la sala de proyecciones del Palacio de Perales, en la sede central de Filmoteca Española, en la calle Magdalena, 10 (Palacio de Perales) tendrá lugar la conferencia “Doble traición. Las adaptaciones cinematográficas de Macbeth” por Asier Aranzubia, Profesor titular en el Departamento de Comunicación de la Universidad Carlos III de Madrid. En esta charla se analizan tres adaptaciones de Macbeth que llevan la firma de Orson Welles, Akira Kurosawa y Roman Polansky. El encuentro, cuya entrada es libre hasta completar aforo, forma parte del evento “La noche de los libros”Enlace externo, se abre en ventana nueva de la Comunidad de Madrid.
23 de abril. Presentaciones de libros en el vestíbulo del cine Doré. Entrada libre.
El domingo 23 de abril, con motivo de la celebración del Día del Libro, el Doré acogerá una serie de presentaciones y proyecciones especiales que sirven para destacar el importante y continuo flujo de ideas entre el cine y la literatura, ya sea en forma de adaptaciones o en el terreno del ensayo.
17:00 H – VESTÍBULO DEL DORÉ
Presentación de la nueva edición del libro Directores españoles malditos (Huerga y Fierro, 2022) a cargo del autor, Augusto M. Torres.
18:15 H – VESTÍBULO DEL DORÉ
Presentación del libro Basilio Martín Patino (Cátedra, 2023) a cargo del autor, Javier Tolentino.
19:30 H – VESTÍBULO DEL DORÉ
Presentación del libro Muy de la casa. Los actores de mi vida (João Bénard da Costa, Athenaica, 2023) a cargo de la autora del prólogo, Rita Azevedo Gomes y el editor, Alfonso Crespo.
23 de abril. Proyecciones en el cine Doré
Para acompañar las presentaciones de libros, Filmoteca Española ha diseñado un programa con las siguientes proyecciones:
18:00 H – SALA 1
Amor de Dios (Augusto M. Torres, 2023) + El gato montés (Rosario Pi, 1936) – Presentación a cargo de Augusto M. Torres.
19:30 H – SALA 2
El grito del sur. Casas Viejas (Basilio Martín Patino, 1997) – Presentación a cargo de Javier Tolentino.
21:00 H – SALA 1
Adaptation (El ladrón de orquídeas) (Spike Jonze, 2002).
Tráiler oficial para «La desconocida» de Pablo Maqueda
Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del segundo largometraje de Pablo Maqueda (Dear Werner. Walking on cinema, 2020) titulado La desconocida. La película estrenada en la Sección Oficial del Festival de Málaga se podrá ver próximamente en el BCN Film Fest. Basada en la exitosa obra de teatro Grooming, del Premio Nacional Paco Bezerra, la película cuenta con guion del propio Maqueda, Haizea G. Viana y Paco Bezerra y llegará a los cines de nuestro país el próximo 9 de junio de la mano de Filmax.
En La desconocida vemos como Carolina es una joven ingenua que conoce a Leo en un chat. Él es un hombre adulto que haciéndose pasar por un chico de 16 años ha quedado con ella en un apartado parque de la ciudad. Pero a medida que Leo conoce a Carolina, empieza a sospechar que quizá ella no es tan inocente como aparenta.
Protagonizada por Laia Manzanares (El reino), Manolo Solo (ganador del Goya al mejor actor de reparto por Tarde para la ira) y Eva Llorach (ganadora del Goya a la mejor actriz revelación por Quién te cantará), y cuenta con la colaboración especial de Blanca Parés (Julieta). Rodada entre Madrid y Albacete, el proyecto fue premiado en el Mercado Audiovisual de Cine Independiente Abycine Lanza del festival de cine Abycine 2019.
La desconocida es una producción de Fórmula Cine A.I.E. y Sideral en coproducción con La fragua audiovisual con la participación de Ministerio de Cultura/ICAA, Comunidad de Madrid, Ayuntamiento de Madrid, Junta de Castilla la Mancha, con la financiación de Telemadrid, Castilla la Mancha Media y con el patrocinio de Castilla la mancha impulsa, ganadora de Abycine Lanza. Filmax se encarga de la distribución nacional y las ventas internacionales.
Tráiler y póster para «Insidious: The Red Door»
Acaba de ver la luz de la mano de Sony Pictures un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Insidious: The Red Door, quinta entrega de la exitosa franquicia de terror creada por James Wan en 2010. La película, que se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 21 de julio, supone el debut como realizador de Patrick Wilson.
En Insidious: The Red Door vemos como para enterrar sus demonios de una vez por todas, Josh y un ya universitario Dalton, deberán profundizar en El Mas Allá más que nunca, enfrentándose al oscuro pasado familiar y a un huésped de nuevos horrores terroríficos que acechan tras la puerta roja.
La película, con guion a cargo de Scott Teems, está protagonizada por Patrick Wilson, Rose Byrne, Ty Simpkins, Lin Shaye, Sinclair Daniel, Peter Dager, Hiam Abbass, AJ Dyer, Victorya Danylko-Petrovskaya y Andrew Astor.
Proyecciones Xcèntric: Inteligencia sensorial. Cuando las cineastas tomaron la optical printer
Place Mattes (Barbara Hammer, 1987)
La optical printer (impresora o copiadora óptica), un dispositivo consistente en uno o varios proyectores mecánicamente enlazados a una cámara para copiar película o crear efectos especiales, estuvo históricamente vinculada con el cine industrial. En el cine experimental, una serie de mujeres cineastas se apropiaron de esta herramienta tradicionalmente masculina para explorar su relación con el cuerpo, la imaginación y la memoria. Esta sesión incluye una charla introductoria sobre el uso y la historia de la optical printer en el cine experimental a cargo de la investigadora Julia Cortegana.
Inventada en Hollywood en los años 20 y desarrollada en los 30, la optical printer fue utilizada por las unidades fotográficas estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial, así como en proyectos educativos o en la restauración fotoquímica. La película a copiar se controlaba con el proyector y la película copiada con la cámara. Mientras que en la industria quedarían sustituidas más adelante por las herramientas de composición digital, el cine experimental exploró distintas posibilidades creativas manipulándolas y reflexionando sobre la materialidad fílmica. En las películas de esta sesión la optical printer se emplea para realizar fundidos, encadenados, superposiciones, repeticiones, aceleraciones, ralentíes, detenciones, reencuadres, recortes o reescalados. Por su parte, algunas cineastas de diferentes generaciones orientaron estos recursos hacia las relaciones personales y políticas, pictóricas y táctiles, sensuales y oníricas con el dispositivo, como se aprecia claramente en el programa que presentamos.
En Loose Corner, Anita Thacher trabaja con las proporciones irreales de personas y objetos mediante encajonamientos y trampantojos. La percepción temporal se asocia con el juego y la infancia, cuestión también presente en Sea Travels, una meditación sobre la visión, los sueños y la memoria deformada. En Wind/Water/Wings, Barbara Klutinis establece una analogía entre la fragilidad del entorno interior y exterior: su incerteza frente a la menopausia y su inquietud ante la naturaleza amenazada. Si la sensibilidad táctil conduce al éxtasis en el trabajo de Barbara Hammer, en Place Mattes, fabricada con máscaras itinerantes del torso, las piernas o las manos de la cineasta, la naturaleza se ha vuelto intocable debido al aplanamiento de la figura y el fondo. Sharon Couzin dedicó Roseblood a la bailarina Carolyn Chave Kaplan. Realizada en un principio en 8 mm, aísla elementos y aplica una infinidad de técnicas propias del collage y la animación. También plantea una equivalencia entre una serie de motivos disonantes (flores, sangre, conchas, el sol, cristales, árboles) y la mitología cultural sobre la sexualidad femenina, así como las formas y los movimientos circulares, evocando todo ello los ciclos vitales y las estaciones. En Introspection, la primera película de danza abstracta de la historia, Sara Kathryn Arledge también utiliza el baile como expresión de un mundo interior tridimensional, etéreo y onírico. Empleando geles de colores o realizando exposiciones múltiples, es la cineasta –y no la bailarina– la que crea los ritmos musicales al unir los gestos y las formas con ayuda de la optical printer. Finalmente, en Grain Graphics las ondas visuales replican el sonido de un gamelán. Dana Plays usa las ampliaciones y las multiplicaciones de la imagen para magnificar los gestos. Al mismo tiempo, decenas de pequeños fotogramas refilmados se agolpan en la pantalla, como en un figurado zoom out.
Loose Corner, Anita Thacher, 1986, 16 mm, 12’; Sea Travels, Anita Thacher, 1978, 16 mm, 11’; Wind/Water/Wings, Barbara Klutinis, 1995, 16 mm, 22’; Place Mattes, Barbara Hammer, 1987, 16 mm, 9’; Roseblood, Sharon Couzin, 1974, 16 mm, 8’; Introspection, Sara Kathryn Arledge, 1941, 16 mm, 7’; Grain Graphics, Dana Plays, 1978, 16 mm, 6’
Proyección en 16 mm. Copias de Loose Corner, Sea Travels, Wind/Water/Wings y Place Mattes procedentes de Light Cone. Copias de Roseblood, Introspection y Grain Graphics procedentes de Canyon Cinema.
Fecha: 27 abril 2023
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
«Megalomaniac» review
Martha y Félix son hijos del Carnicero de Mons, un famoso asesino en serie belga de los años 90. Mientras Martha vive una vida complicada, su hermano, influenciado por el legado familiar, sigue con los asesinatos de su padre. Acosada y agredida en el trabajo, Martha cae en la locura y se adentra en el aterrador mundo de Félix.
Curiosa cuanto menos la mirada hacia conceptos pretéritos del fantástico contemporáneo del que hace acopio la cinta belga Megalomaniac de Karim Ouelhaj, relato malsano que parte de la premisa argumental de fantasear con la identidad de un asesino en serie real de los años 90, el conocido como descuartizador de Mons, criminal que nunca pudo llegar a ser localizado. Film de escenografía barroca que tiene la virtud de alejarse de nuevas vías líquidas del fantástico actual al intentar recuperar una serie de nociones hoy algo lejanas, una de ellas podría ser perfectamente esa estética oscura de tono sádico que vio la luz a inicios del 2000, que hoy puede ser considerada como retro, derivativas de aquella corriente proveniente del extremismo francés, el torture porn y películas europeas como, por ejemplo, Angst (Gerald Kargl 1983) o Antikörper (Christian Alvart 2005).
A través de una narrativa percibida como elíptica, Megalomaniac, situada a medio camino entre el realismo y la más pura fantasmagoría, puede ser interpretada a modo de relato visceral, en donde se puede llegar a intuir como el cuerpo de la mujer es el objetivo final de un depredador percibido en el relato de forma dual, mostrado tanto a nivel social, en su vertiente misógina, como sociópata. Sin embargo, a diferencia de gran parte de sus predecesoras, el film del belga Karim Ouelhaj, cuya filmografía parece dar la impresión de oscilar en lo concerniente a la violencia contra las mujeres, como se puede comprobar en sus anteriores Parábola (2005), Le repas du singe (2013) o Une Réalité Par Seconde (2015), no logra llegar a ser transgresora, tampoco logra ser provocativa, pues parece estar más preocupada en mostrar e indagar a través de una determinada estética que en intentar articular algún tipo de narrativa que al menos sea percibida como sólida. Sin embargo y como mal menor con relación a sus propósitos y posicionamiento respecto a las carencias del fantástico de hoy, a Megalomaniac le viene como anillo al dedo aquel dicho que dice que más vale malo conocido que bueno por conocer.
Valoración 0/5:2
Visiones del abismo. Pensar el cine desde Eugenio Trías
El libro Visiones del abismo. Pensar el cine desde Eugenio Trías nos propone el ejercicio audiovisual e intelectual de reflejar, advertir, ensayar y recorrer las ideas más cruciales de la filosofía de Eugenio Trías en las imágenes de cineastas como Ingmar Bergman, Andrei Tarkovski, Ridley Scott, David Lynch, Federico Fellini, Chris Marker, Wong Kar-Wai, Fritz Lang, Pawel Pawlikowski o, por supuesto, en films tan queridos por el propio Eugenio Trías, como Vértigo o Psicosis.
El filósofo Eugenio Trías nunca ocultó su pasión por el cine, que se tradujo en varios libros, bien con reflexiones generales sobre el cine de todos los tiempos, o bien con análisis monográficos de películas por las que sentía pasión, como Vértigo, de uno de sus cineastas favoritos, Alfred Hitchcock. Sea por esta o por otra razón, lo cierto es que hay en sus ideas y en su filosofía una tendencia natural a conectar con las imágenes del cine, con las mil y una formas del abismo, en los que acertaba a encontrar «los límites del mundo».
Armados con los pertrechos filosóficos del universo de Eugenio Trías, tales como la dialéctica de Lo bello y lo siniestro, los tres cercos del mundo, la condición fronteriza del ser, la música y la arquitectura como las artes fronterizas, la fenomenología del límite, el misterio del símbolo y su sentido en fuga hacia el cerco hermético, su concepción sobre la música, ¡y mucho más!, un elenco de autores, pensadores y analistas recorren imágenes de cine con las que pensar y ensanchar el pensamiento de Trías, y ponerlo en funcionamiento en uno de sus artes favoritos: el cine.
Contenidos
David Trías
El vértigo del cine
Vanessa Brasil
El Abismo en el corazón de la pesadilla. Encuentros entre Trías y Vértigo, de Hitchcock
Alberto Ruiz de Samaniego
Alien. La ordalía y su sombra
Aarón Rodríguez Serrano
En presencia del límite: música y muerte en Ingmar Bergman
Zacarías Marco
Lo inaccesible acontece… en tres fotogramas
Luis Martín Arias
Lo bello y lo sagrado en Psycho
Lorenzo J. Torres Hortelano
Elogio de la máscara en el cine. Un acercamiento desde la filosofía de Eugenio Trías
Alberto Sucasas
Trías y Tarkovski: afinidades entre un filósofo y un cineasta
Basilio Casanova Varela
El canto del cisne. Sacrificio de Andrei Tarkovsky
Félix Recio
El límite y la sombra
Eugenio Trías
Cerrar los ojos
Autor: Vanessa Brasil Campos RodríguezBasilio Casanova VarelaZacarías MarcoLuis Martín AriasFélix RecioAarón Rodríguez SerranoAlberto Ruiz de SamaniegoAlberto SucasasLorenzo J. Torres HortelanoDavid TríasEugenio Trías, Editorial: SOLARIS, Textos de cine, Colección ESPEJOS. Páginas: 220
Un juego siniestro, tráiler para «Sanctuary» de Zachary Wigon
Nueve años después de su debut en el largometraje con la notable The Heart Machine (2014) el norteamericano Zachary Wigon tiene listo su segundo trabajo tras las cámaras titulado Sanctuary, película cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Thriller con pinceladas de humor negro protagonizado por solo dos personajes en un solo escenario que puede recordar en algo el Piercing de Nicolas Pesce, ambas protagonizadas por Christopher Abbott. La película, aún sin fecha de estreno en España, verá la luz comercialmente en Estados Unidos próximo el 19 de mayo.
En Sanctuary vemos como una mujer llamada Rebecca y su cliente Hal, se enzarzan en un peligroso juego de rol por el poder y el control. Tras heredar la cadena hotelera de su padre, Hal intenta poner fin a su larga y secreta relación con Rebecca, una especie de dominatrix que lo ha preparado para el éxito. Pero en el transcurso de una intensa noche, se produce una batalla de voluntades en la que ambos lucharán por mantener su ventaja mientras la dinámica de poder oscila salvajemente por ambos lados.
La película, con guion a cargo de Micah Bloomberg, está protagonizada por Margaret Qualley y Christopher Abbott.
El origen vampírico, tráiler para «The Last Voyage of the Demeter de André Øvredal»
Uno de los mejores artesanos que ha dado el fantástico en estos últimos años es sin duda el noruego André Øvredal, tras trabajos tan competentes como Troll Hunter (2010), The Autopsy of Jane Doe (2016) o Scary Stories to Tell in the Dark (2019), nos llega la ambiciosa The Last Voyage of the Demeter, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
The Last Voyage of the Demeter, que se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 11 de agosto, está basado en un solo capítulo, el Captain’s Log, de la clásica novela Drácula de 1897 de Bram Stoker, la historia se desarrolla a bordo de la goleta rusa Demeter, que fue fletada para transportar carga privada (veinticuatro cajas de madera sin marcar) desde Carpatia a Londres. La historia detallará los extraños eventos que acontecieron a la tripulación condenada mientras intentan sobrevivir al viaje por el océano, acechados cada noche por una aterradora presencia a bordo del barco. Cuando finalmente llegó cerca del puerto de Whitby, estaba totalmente en ruinas. No había rastro de la tripulación.
La película, con guion adaptado a cargo de Bragi F. Schut y Zak Olkewicz, está protagonizada por Corey Hawkins, David Dastmalchian, Liam Cunningham, Aisling Franciosi, Jon Jon Briones, Javier Botet, Stefan Kapicic, Woody Norman, Nikolai Nikolaeff, Chris Walley, Nicolo Pasetti, Martin Furulund, Sally Reeve, Christopher York, Adam Shaw y Graham Turner.
Alberto Rodríguez y el modelo de trabajo cooperativo de Moriarti cierran ‘Diálogos de Cineastas’
El autor de ‘La isla mínima’ conversará este jueves con el guionista Rafael Cobos, mientras que la cita con Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga será el 26 de mayo.
La sesión de Belén Funes y Marçal Cebrián se aplaza al próximo año.
La segunda temporada de Diálogos de cineastas, organizada por Koldo Mitxelena Kulturunea, Z365, el festival de todo el año del Festival de San Sebastián, y Elías Querejeta Zine Eskola, se cerrará en abril y mayo con las sesiones protagonizadas por Alberto Rodríguez y Rafael Cobos, y los tres cineastas de Moriarti Produkzioak: Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga.
Una de las alianzas más largas y fructíferas del cine español reciente protagonizará la jornada del jueves, día 13: la del director Alberto Rodríguez y el guionista Rafael Cobos, que han colaborado en películas como 7 vírgenes / 7 Virgins (2005), Grupo 7 / Unit 7 (2012), La isla mínima / Marshland (2014), El hombre de las mil caras / Smoke and Mirrors (2016) o Modelo 77 / Prison 77 (2022), que inauguró el pasado Festival de San Sebastián.
Para cerrar la segunda edición, los cineastas vascos Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga, explicarán el 26 de mayo su modelo de trabajo cooperativo en Balenciaga, su primera serie para una plataforma, tras su experiencia en títulos como Loreak / Flowers (2014), Handia (2017) y La trinchera infinita / The Endless Trench (2019), todos estrenados en la Sección Oficial del Festival.
La conversación prevista para el 4 de mayo con la directora Belén Funes, que estrenó su ópera prima La hija de un ladrón / A Thief’s Daughter (Goya a la mejor dirección novel) en la Sección Oficial de San Sebastián, y el guionista Marçal Cebrián, ha quedado aplazada a la próxima temporada porque se encuentran inmersos en la preparación de su segundo largometraje.
Las dos sesiones se desarrollarán en Areto Nagusia de Koldo Mitxelena Kulturunea (19:00 horas, entrada libre hasta completar aforo) y se emitirán en abierto por la página web kmk.gipuzkoakultura.eus.
El curso, además de descentralizar la mirada única de una o un cineasta, tiene como objetivo dar a conocer los oficios más tradicionales que conforman el desarrollo de un proyecto y, en consecuencia, aprender a ver y leer cine de forma crítica, en un contexto cuyas circunstancias lo están haciendo mutar en todas las direcciones posibles. En esta segunda temporada, han participado cineastas como Estibaliz Urresola, Irati Gorostidi, Maider Fernández Iriarte, Albert Serra, Mikel Gurrea, Fernando Franco, Pilar Palomero, Alauda Ruiz de Azua y Carlota Pereda.
Una puerta al más allá, primer tráiler para «Talk to Me»
Después de las buenas críticas recibidas tras su paso por Sundance y SXSW acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del debut en el largometraje de los australianos Danny Philippou y Michael Philippou, conocidos en su faceta de YouTube con el sobrenombre de RackaRacka, de la cinta de terror sobrenatural Talk to Me. La película, que vendrá a nuestro país de la mano de Diamond Films, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 28 de julio.
En Talk to Me vemos como una solitaria adolescente llamada Mia se engancha a la emoción de conjurar espíritus a través de una mano de cerámica, pero cuando se enfrenta a un alma que dice ser su madre muerta, desata una plaga de fuerzas sobrenaturales teniendo que decidir en quién puede confiar, en los vivos o en los muertos.
La película, con guion a cuatro manos entre Michael H. Beck, Danny Philippou, Bill Hinzman y Daley Pearson, está protagonizada por Sophie Wilde, Alexandra Jensen, Joe Bird, Otis Dhanji, Miranda Otto, Zoe Terakes, Chris Alosio, Marcus Johnson, Alexandria Steffensen, Ari McCarthy, Cass Cumerford, Jett Gazley, Hamish Phillips, Sarah Brokensha, Jodie Dry, Robin Northover y Kit Erhart-Bruce.
El Ministerio de Cultura y Deporte recibe la donación del archivo de José Luis Cuerda
Comprende 31 cajas, tres bultos y una carpeta que contienen documentación personal y familiar, obra de creación, documentación laboral, correspondencia, objetos personales, documentación gráfica, libros, revistas y materiales especiales, recortes de prensa, obra de creación ajena y colecciones
Entre las piezas más destacadas se encuentran su Premio Goya por ‘Los Girasoles ciegos’, guiones de películas en las que participó como productor como ‘Los otros’ de Amenábar o un proyecto de colaboración con Miguel Delibes para adaptar ‘El hereje’
Filmoteca Española se encargará de la conservación, catalogación y digitalización de los fondos
El Ministerio de Cultura y Deporte ha recibido la donación del archivo de José Luis Cuerda por parte de las herederas del cineasta, sus hijas Elena e Irene Cuerda Barcáiztegui. La donación comprende 31 cajas, tres bultos y una carpeta que contienen documentación personal y familiar, obra de creación, documentación laboral, correspondencia, objetos personales, documentación gráfica, libros, revistas y materiales especiales, recortes de prensa, obra de creación ajena y colecciones. Filmoteca Española se encargará de la conservación, catalogación y digitalización de los fondos.
El archivo incluye, entre otros, los guiones de sus películas como ‘La lengua de las mariposas’, ‘La educación de las hadas’, ‘Los girasoles ciegos’ o ‘Tiempo después’. También cuenta con gran número de guiones y tratamientos inéditos de proyectos que nunca llegaron a realizarse, como por ejemplo, una colaboración con el escritor Miguel Delibes para llevar a la gran pantalla su novela ‘El hereje’; o el proyecto manuscrito de adaptación de la obra ‘Cinco horas con Mario’ de Miguel Delibes para una serie de cinco episodios para TVE, con dibujos realizados por el propio director.
Entre los objetos personales, destacan los 68 premios, entre los que se encuentra el Premio Goya a Mejor Guion Adaptado por la película ‘Los girasoles ciegos’ en el año 2009, único Premio Goya que se custodia en la Filmoteca Española.
El archivo también recoge algunos guiones de otros directores y creadores cinematográficos que colaboraron con José Luis Cuerda, relacionados con su faceta como productor, como son, entre otros, los guiones de ‘Abre los ojos’, ‘Ágora’ y ‘Los otros’ de Alejandro Amenábar; o el guion de ‘Mar Adentro’ de Amenábar y Mateo Gil.
Además de la documentación producida durante el ejercicio de su actividad profesional como director, guionista y productor de cine, conserva documentación privada y relativa a su faceta como bodeguero, lo que aumenta su valor al aportar una información más contextualizada.
El conjunto de la obra cinematográfica de José Luis Cuerda le ha otorgado un puesto relevante en la historia del cine español y ofrece un panorama extraordinariamente rico en argumentos y géneros que evocan su particular visión del mundo, con una mirada crítica a las desigualdades sociales. Su cine se caracteriza por un estilo naturalista, en donde la cámara retrata los hechos sin formar parte, sin iluminaciones artificiosas ni elementos distorsionantes. Esta forma de trabajar se refleja en sus notas y borradores.
Incremento de colecciones
El Archivo de José Luis Cuerda pasará a enriquecer los fondos de Filmoteca Española que, desde 2018, han incrementado sus colecciones con incorporaciones, tanto por adquisición como por donación, de especial relevancia, como los de Luis García Berlanga, Basilio Martín Patino, Félix Murcia, Cruz Delgado o Iván Zulueta.
Un vínculo entre la vida y la muerte, tráiler para «Nos Cérémonies» de Simon Rieth
Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del debut tras las cámaras del realizador francés Simon Rieth Nos Cérémonies. Tras su premier mundial en el pasado festival de Cannes dentro de la Semana de la crítica y pasar por Sitges la película, que se vale de una metáfora fantástica a la hora de mostrar un doloroso vínculo familiar sanguíneo situado en la adolescencia, se estrenará comercialmente en Francia el próximo 3 de mayo.
En Nos Cérémonies vemos como los hermanos Tony y Noé pasan los largos y sofocantes días de verano jugando al azar y a la muerte… hasta el accidente que cambiará sus vidas para el resto de sus vidas. Diez años después, ahora adultos y de regreso en Royan, se cruzan con Cassandra, su amor de la infancia. Pero incluso después de todo este tiempo, los hermanos siguen ocultando un terrible secreto…
La película, con guion a cargo del propio Simon Rieth junto a Léa Riche, está protagonizada por Raymond Baur, Simon Baur, Maïra Villena, Jade Freschard, Ymane Désert y Lilas Martin.
Zoom a Lazaga
La primera monografía sobre Pedro Lazaga, uno de los más prolíficos cineastas españoles, cuya obra ha quedado paradójicamente opacada por el éxito popular de sus comedias de los sesenta
Zoom a Lazaga de Santiago Aguilar, es un volumen monográfico editado de forma conjunta por La biblioteca de La Abadía & Vial of Delicatessens. Se trata del primer estudio biográfico y filmográfico sobre Pedro Lazaga (1918-1979), cuyo centenario en 2018 pasó completamente desapercibido pese a tratarse de uno de los cineastas más prolíficos y exitosos del cine español durante la segunda mitad del pasado siglo. Nos hicimos entonces el firme propósito de analizar su obra de un modo desprejuiciado, detallando las causas que le llevaron a pasar de la militancia vanguardista y cinéfila de sus primeros acercamientos al cine al estajanovismo en connivencia con dos de los productores-guionistas con más olfato para la taquilla: José Luis Dibildos y Pedro Masó. Aunque éramos conscientes de que había tocado todos los palos genéricos —del thriller al musical, de la parodia al drama de tesis—, salvo un puñado de títulos recuperados a caballo de la nostalgia y la sociología —La ciudad no es para mí, Los tramposos, El turismo es un gran invento o Sor Citroen—, su obra carecía hasta hoy de un estudio pormenorizado. Las películas de Lazaga constituyen una obra de urgencia, apegada a la realidad más inmediata y los anhelos de evasión del espectador de su tiempo. Ningún otro director español ha tratado con tanta tenacidad y consistencia los afanes cotidianos del ciudadano medio que constituye la base sociológica de su público. También la frustración inherente a los obstáculos que impiden alcanzar lo deseado.
Gracias al archivo familiar y a la consulta en archivos militares, este volumen ofrece además un relato completo de las vicisitudes bélicas por las que pasó antes de poder dedicarse sin reservas a su gran pasión: el cine. La investigación ha estado en manos de Santiago Aguilar, con el rigor y la amenidad que le caracterizan, y cuenta con un prólogo del también cineasta Pedro Lazaga Busto, hijo de nuestro protagonista.
La gran mayoría del casi centenar de películas que dirigió fueron sonados éxitos comerciales y algunas, además, obtuvieron recompensas oficiales.
Autor: Santiago Aguilar. Editorial: VIAL BOOKS. Páginas: 318
Misticismo y liberación, tráiler para «Foudre» de Carmen Jaquier
Fue una de las películas más destacadas de la sección New Directors del pasado festival de San Sebastián, tras su colaboración en la colectiva Heimatland (2015), Foudre, cuyo primer tráiler acaba ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el debut en solitario de la realizadora suiza Carmen Jaquier, cinta que nos plantea cómo algunos tabúes del pasado siguen estando de alguna manera vigentes hoy en día con respecto a pasiones emocionales y sexuales que no pueden expresarse de forma libre, pues en un principio van contra la norma dictada.
Foudre nos sitúa en el verano de 1900 en Suiza. La repentina muerte de su hermana mayor obliga a Elisabeth a regresar a casa. Asfixiada por las estrictas normas del pueblo, Elisabeth, cuando se reencuentre con sus tres amigos de la infancia, ahora hombres adultos, se verá poco a poco forzada a rebelarse por su derecho a vivir su vida.
La película, con guion a cargo de la propia Carmen Jaquier, está protagonizada por Sabine Timoteo, Lilith Grasmug, Mermoz Melchior, Barbara Tobola, Marco Calamandrei, Noah Watzlawick, Lou Iff, Diana Gervalla, François Revaclier y Benjamin Python.
El antes y después del ‘Fumando espero’, ciclo en FlixOlé a Sara Montiel
La plataforma estrenará el próximo miércoles, 5 de abril, una colección sobre Sara Montiel que recorre su carrera cinematográfica.
a vida de Sara Montiel bien daría para película. La natural de Campo de Criptana fue la primera estrella española en Hollywood; tumbada en un ‘chaise long’ protagonizó el gran éxito de taquilla, El último cuplé; se adelantó al movimiento feminista en la década de los 60 y su popularidad superó cualquier barrera generacional. El próximo 8 de abril se cumple una década del fallecimiento de esta diva a la que FlixOlé dedica un homenaje que permite acercar al espectador las emblemáticas escenas que legó.
A través de una colección compuesta por más de una decena de películas, disponible a partir del miércoles 5 de abril, la plataforma recorre las distintas etapas cinematográficas de ‘Saritísima’. El especial incluye sus primeras apariciones como secundaria, los personajes que contribuyeron a engrandecer su fama y los últimos trabajos en los que intervino en la gran pantalla.
Ya desde su infancia quiso ser artista. Un sueño que se convirtió en realidad al participar en el rodaje de títulos presentes en la colección de FlixOlé como Don quijote de la Mancha (Rafael Gil, 1947), Locura de amor (Juan de Orduña, 1948) y El capitán veneno (Luis Marquina, 1950). Sin embargo, los papeles en estos filmes se le hicieron pequeños. Sintiendo que su talento se estaba desaprovechando, decidió cruzar el Atlántico para darse a conocer. Los numerosos largometrajes que encabezó como actriz en el cine mexicano le abrieron las puertas en Hollywood y, compartiendo escena con Gary Cooper y Burt Lancaster, la manchega conquistó al público internacional.
Sara Montiel, en uno de sus primeros papeles: ‘Locura de amor’
El último cuplé, y los éxitos que siguieron
Su periplo por la meca del cine hizo que el nombre de Sara Montiel se escuchase por todo el mundo. Pero aún le quedaba triunfar en su país natal. Dicho reconocimiento llegó con El último cuplé (Juan de Orduña, 1957), un melodrama donde la artista representó el ascenso y caída de una cupletista mediante un repertorio musical con temas tan sonados como ‘Fumando espero’ y ‘El Relicario’. La película rompió todos los récords de taquilla y permaneció en cartelera durante casi un año. Asimismo, significó la consagración de la actriz en la industria española y descubrió al gran público su faceta como cantante.
A El último cuplé le siguieron numerosos proyectos durante las décadas de los 50 y 60. Las dotes interpretativas de Montiel, su carismática personalidad y sex appeal la llevaron a protagonizar otras populares producciones españolas. Entre éstas se encuentran películas realizadas a mayor gloria de la voz y presencia de la manchega como La violetera (Luis César Amadori, 1958), La reina del Chantecler (Rafael Gil, 1962), La dama de Beirut (Ladislao Vadja, 1965) y La mujer perdida (Tulio Demicheli, 1966).
La actriz Sara Montiel en otro de sus grandes éxitos: ‘La violetera’
El último cuplé, y los éxitos que siguieron
Directores como Mario Camus y Juan A. Bardem también decidieron introducir el registro de Montiel en sus musicales: Esa mujer (1969) y Varietés (1971). Y así hasta llegar a la última cinta que rodó la artista, esta vez bajo las órdenes de Pedro Lazaga: Cinco almohadas para una noche (1974).
Tráiler para lo nuevo de Nanni Moretti «Il sol dell’avvenire»
Dos años después de Tre Piani acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras cámaras del realizador italiano Nanni Moretti titulado Il sol dell’avvenire. Película que tiene previsto su estreno comercial en Italia para el próximo 20 de abril y que muy probablemente esté presente semanas después en el festival de Cannes.
Rodada en Cinecittà, Il sol dell’avvenire nos sitúa en la Roma de los años 50 en el mundo del circo y la industria del cine.
La película, con guion a cargo del propio Nanni Moretti junto a Francesca Marciano, Federica Pontremoli y Valia Santella, está protagonizada por Mathieu Amalric, Margherita Buy, Nanni Moretti, Silvio Orlando, Barbora Bobulova, Jerzy Stuhr, Benjamin Stender, Elena Lietti, Blu Yoshimi, Francesco Rossini, Flavio Furno, Beniamino Marcone, Rosario Lisma, Francesco Brandi, Laura Nardi y Enrico Cerretti.
https://youtu.be/sjneg5vIroY
Proyecciones Xcèntric: Fever Dreams
Las cinco cineastas de esta sesión conciben el cine como un medio total con el que despertar los sentidos. En este programa, la vida y los rituales domésticos o los periodos de gestación dejan progresivamente paso a la exploración de la sensualidad y la sexualidad, el inconsciente y el deseo o el delirio y el trance. Las experiencias sensoriales desembocan aquí en las fantasías más extáticas.
El retrato doméstico, a la vez familiar y alucinado de A Trojan House queda construido en la relación entre las estructuras arquitectónicas y emocionales. Sharon Couzin concibe la casa como un organismo vivo, espacio de orden, protección y clausura, pero también como un arma con la que conquistar un terreno creativo. Por su parte, a través de transiciones elusivas y ambiguas, Chick Strand compone no tanto el retrato lírico de una persona como el de su conciencia. En Mujer de Milfuegos las repetitivas tareas diarias, convertidas en obsesiones litúrgicas, se intercalan con el deseo y experiencias de éxtasis y locura. Los rituales de la naturaleza también están presentes en Trumpet Garden, donde se perfila un retrato ambiental en la superposición de texturas visuales y sonoras. Barbara Klutinis descubrió una analogía entre los misterios, las alegrías y los miedos en torno a un jardín y el diario emocional de su embarazo.
«Nos dejan solas, y somos nosotras solas quienes vemos cosas y completamos las visiones. Es con la imagen de la elasticidad, de la tenacidad y de la majestuosidad de la mente humana con la que tengo un verdadero romance», escribió Chick Strand. Sobre la piel y las caricias se apoya su retrato de la fantasía sexual de dos mujeres en Fever Dream. Por su lado, Coni Beeson, pionera en la filmación del sexo lésbico explícito, también realiza un retrato erótico activado por el tacto. A través de la acumulación de superposiciones realiza un collage de cuerpos fragmentados con el mar, las colinas y los bosques en el que fusiona los ritmos temporales en el acto sexual. Por último, Women I Love, un retrato sensorial de las amigas y amantes de las vidas pasadas de Barbara Hammer, está concebida como un collar: a la cualidad de cada mujer se atribuye una fruta, una flor o un vegetal para diferenciar en forma y contenido los diferentes tipos de relación. Hammer rompe la relación entre sujeto y objeto incluyéndose en esta celebración de la completitud, recordándonos en plena culminación tántrica de la sexualidad sostenida que, al nacer, tocamos antes de ver: sobre las imágenes de la masturbación se ha posado una mariposa.
A Trojan House, Sharon Couzin, 1981, 16 mm, 21′; Mujer de Milfuegos, Chick Strand, 1976, 16 mm, 15′ ; Trumpet Garden, Barbara Klutinis, 1983, 16 mm, 10′; Fever Dream, Chick Strand, 1979, 16 mm, 7’; Holding, Coni Beeson, 1971, 16 mm, 13′; Women I Love, Barbara Hammer, 1976, 16 mm, 22′
Proyección en 16 mm. Copias de Mujer de Milfuegos y Women I Love procedentes de Light Cone. Copias de A Trojan House, Trumpet Garden, Fever Dream y Holding procedentes de Canyon Cinema.
Fecha: 13 abril 2023
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
«Sala:B»: 10 años sin Jess Franco
La venganza del doctor Mabuse (Dr. M schlägt zu, Jesús Franco, 1972). Int.: Fred Williams, Ewa Strömberg, Jack Taylor, Robert Camardiel. RFA, España. 35 mm. VE. Color. 74’
El siniestro doctor Orloff (Jesús Franco, 1984). Int.: Howard Vernon, Antonio Mayans, Rocío Freixas, Tony Skios. España. 35 mm. Color. 87’
«En abril de 2013 fallecía el director Jesús Franco, uno de los autores de cabecera de «Sala:B». A él dedicamos este programa doble de doctores locos.
La venganza del doctor Mabuse es una coproducción hispano-italo-alemana que, a pesar del título, podríamos conectar con la saga de otro doctor: Orloff, el personaje franquiano por excelencia. Franco era un gran seguidor de Mabuse, en concreto de la trilogía de Fritz Lang, y también trató a menudo el tema del control mental. Mabuse fue además una de las fuentes de inspiración para crear al Orloff de Gritos en la noche (1961), que interpretaba Howard Vernon (presente a su vez en el último Mabuse de Lang). Orloff vendría a ser una especie de Mabuse enamorado, menos interesado en dominar el mundo y más en recuperar al amor de su vida, su hija Melissa. Aunque se habla mucho de cómo inaugura el género de terror en España, Gritos en la noche tiene más que ver con el krimi alemán y con la saga de Lang que con el terror. Oculto entre La Manga y Torremolinos, el doctor Mabuse de Jess Franco es Jack Taylor, tiene toques de Fu Manchú y funciona a la vez como remake de Miss Muerte, por lo que todo queda en casa. En un momento de la película, alguien recuerda a Mabuse que Orloff le lleva la delantera experimentando con el polimagnetismo; la reacción del primero es lo más cerca que estaremos de este increíble duelo de mad-doctors. Estamos ante otro pastiche pop en forma de tebeo expresionista, cruzado con una trama policial que parece sacada de una parodia de spaghetti western. Una explosiva mezcla de géneros que Jess Franco ya había experimentado antes, adelantándose décadas a los cineastas del exploit posmoderno.
Diez años y setenta películas más tarde, Jess Franco dirige El siniestro doctor Orloff, última secuela oficial de la saga, aunque el personaje y sucedáneos aparecerán en más ocasiones. En este caso vuelve el doctor original, un espectral Howard Vernon, pero cediendo el protagonismo a su hijo Alfred (Antonio Mayans), obsesionado también con Melissa. Lo curioso es que Melissa no es su hermana, sino su madre, ¿la madre de la Melissa de Gritos en la noche? No lo sabemos, pero queda claro que en casa de los Orloff el incesto es congénito. Para complicar más las cosas, la actriz que interpreta a Melissa, Rocío Freixas, sigue la tradición de hacer también el papel de la novia del inspector Tanner. El juego de espejos que tanto gusta al director se renueva cambiando el gótico tradicional de Gritos en la noche por un gótico mediterráneo y ochentero, saturado de color y sintetizadores». (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo del actor Antonio Mayans, el director Pedro Temboury y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 190’).
Cine Doré: Viernes 28/04/2023 19:30
La regeneración según Paul Schrader, primer tráiler para «Master Gardener»
Momento pletórico en el que parece encontrarse el veterano Paul Schrader, tras su premier mundial el pasado año en el Festival de Venecia Master Gardener, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, viene a ser el fin de esa trilogía redentora compuesta por las anteriores First Reformed (2017) y The Card Counter (2021). La película tiene previsto su estreno comercial en nuestro país de la mano de Youplanet Pictures y Caramel Films para el próximo 9 de junio.
Master Gardener nos cuenta como Narvel Roth es el meticuloso horticultor de Gracewood Gardens. Está tan dedicado a cuidar los jardines de esta maravillosa e histórica finca como a complacer a su jefa, la rica viuda Sra. Havernhill. Pero el caos se apodera de la ordenada existencia de Narvel cuando la Sra. Haverhill le exige que tome como aprendiz a su rebelde y problemática sobrina nieta Maya. Esta nueva situación va a sacar a la luz oscuros secretos de un pasado violento que también es una amenaza para todos.
La película, con guion a cargo del propio Paul Schrader, está protagonizada por Joel Edgerton, Sigourney Weaver, Quintessa Swindell, Esai Morales, Victoria Hill, Eduardo Losan, Rick Cosnett, Amy Le, Erika Ashley, Jared Bankens, Cade Burk, DJames Jones y Matt Mercurio.
L.A. Queer. El cine de Gregg Araki
Señalado por la crítica como provocador desde sus primeras películas amateurs, Gregg Araki siempre ha sido una figura controvertida que ha desarrollado su carrera al margen de la industria audiovisual comercial. Pionero del New Queer Cinema, su fiel retrato de las inquietudes y la angustia adolescente en la década de los noventa se convirtió en un fenómeno que llevó a las salas a miles de jóvenes que no encontraban representación en el cine. Con la siempre apocalíptica ciudad de Los Ángeles como telón de fondo, un mordaz humor negro y una selección musical que ilustra las tendencias alternativas de la época, el catálogo de películas de este irrepetible director es un explosivo cóctel no apto para todos los paladares.
A través de las páginas de “L.A. Queer: el cine de Gregg Araki”, Daniel Alcaide se sumerge en la filmografía del director para mostrar todas sus particularidades, referencias y códigos, que constituyen uno de los pilares fundamentales del cine independiente durante la década de los noventa y que ha influido a directores como Xavier Dolan o Yann Gonzalez, colecciones de innumerables firmas de moda y artistas de todas las disciplinas. Un adictivo viaje en el que descubrir el universo creado por una mente brillante en la que no pesa el paso del tiempo.
Incluye entrevistas exclusivas a la decoradora Jennifer M. Gentile y al actor Johnathon Schaech.
Autor: Daniel Alcaide. Editorial: Applehead Team Creaciones, Colección: Cineclub Applehead. Páginas: 244
Empieza el rodaje de «Anatema», tercera entrega del sello The Fear Collection
Después Veneciafrenia y Venus el sello liderado por Álex de la Iglesia The Fear Collection ha iniciado el rodaje de la que será su tercera película que tendrá como título Anatema, trabajo que supone el debut tras las cámaras de la escritora y guionista Jimina Sabadú, firmante también del guion junto a Elio Quiroga.
Leonor Watling, Pablo Derqui, Keren Hapuc, Jaime Ordoñez, Mauro Brussolo, Mariano Llorente, Manuel de Blas y Xoan Forneas encabezan el reparto de esta película. En palabras de la propia directora, el film «es una historia de terror gótico con las raíces hincadas en el Madrid más ancestral, el de los pasadizos y las arquitecturas perdidas. Y es que como yo bebo, como y respiro cine de miedo, es un sueño poder ambientar mi película en este submundo tan inquietante, siniestro y a la vez fascinante. Además, tener la confianza como productor del director de cine con quien más he disfrutado es todo un honor y, por supuesto, una gran responsabilidad«.
Anatema nos cuenta como Juana es una monja de fuerte carácter marcada por una experiencia paranormal. Un misterioso encargo del Arzobispado la llevará hasta una antigua iglesia del viejo Madrid, construida sobre un entramado de pasadizos de origen desconocido. Allí Juana descubrirá que en las entrañas del edificio hay algo anterior a las leyendas que se explican sobre aquel lugar. Y el Mal que allí habita ha empezado a infectar el exterior.
El rodaje de Anatema se extenderá a lo largo de seis semanas en localizaciones de Madrid y País Vasco. Se trata de una producción de Pokeepsie Films (Banijay Iberia) y Sony Pictures International Productions que cuenta con la participación de Amazon Prime Video. La película, aún sin fecha de estreno, será distribuida en cines por Sony Pictures Entertainment Iberia, y tras su paso por salas estará disponible en Prime Video.
Amenaza bajo el agua, tráiler de «The Black Demon»
Convertido casi en un subgénero propio, los tiburones agresivos y la serie B ha dado durante los últimos tiempos una ingente cantidad de títulos que indagaban en dicha materia, The Black Demon, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone una nueva vuelta de tuerca sobre la temática. La película, dirigida por Adrian Grunberg (Get the Gringo 2012) y (Rambo: Last Blood 2019), se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 28 de abril.
The Black Demon nos sitúa en unas aparentes idílicas vacaciones de una familia que se convierten de forma repentina en una pesadilla cuando se topan con un feroz tiburón gigante que no se detendrá ante nada para proteger su territorio. Paul, el padre de familia, es un trabajador de una petrolera que tiene que inspeccionar una plataforma y aprovecha para ir con la familia de vacaciones, pero una vez allí la encuentra abandonada. Varados y bajo constantes ataques por parte del tiburón, Paul y su familia deberán encontrar la manera de volver a la costa con vida.
La película, con guion a cargo de Boise Esquerra, está protagonizada por Josh Lucas, Fernanda Urrejola, Julio Cedillo, Héctor Jiménez, Raúl Méndez, Venus Ariel, Jorge A. Jimenez, Edgar Flores, Omar Patin, Arturo Duvergé y Luis del Valle.
«Cœur fidèle» de Jean Epstein, que cumple 100 años, inaugurará la 22ª edición del Festival de Cine de Las Palmas
La 22ª edición del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria arrancará el próximo 14 de abril, a las 21:00 horas, con la proyección de Cœur fidèle (The Faithful Heart, Francia, 1923, 87 min.), un buen ejemplo del cine de vanguardia francés que este 2023 cobrará especial protagonismo en el apartado «Camera Obscura».
El drama amoroso rodado por Jean Epstein llegará a la Sala Miller cien años después de su estreno y lo hará arropado por la música en directo del extraordinario bandoneonista argentino Santiago Cimadevilla quien, junto al Ensamble Camera Obscura, interpretará una pieza propia inspirada en el legado de Astor Piazzolla y Dino Saluzzi.
Por tercer año consecutivo, «Camera Obscura» invitará a recorrer la historia del cine y la música. Y es que, tal y como recuerda en el texto del catálogo el director del FICLPG, Luis Miranda, “aunque el cine fuera mudo en sus primeras tres décadas de desarrollo, en público muy rara vez fue silente. La música estuvo a su lado (casi) desde el principio. Antes de que nadie se atreviera a suponer que el cinematógrafo tuviera algún futuro como arte, la música ya estaba junto a las imágenes, aunque fuera de ellas”.
De este modo, diferentes artistas y formaciones volverán a acompañar el programa de la sección que, este año, contará con otros tres títulos que celebran su primer centenario o están a punto de hacerlo entre los que se encuentra El hombre mosca (Safety Last!). La comedia de Fred C. Newmeyer y Sam Taylor (EE.UU., 1923, 80 min.) protagonizada por Harold Lloyd recalará en el Festival junto a los acordes del compositor, contrabajista y bajista eléctrico Tana Santana.
La música del International Bach Festival Ensemble, un aliado del apartado de la cita cinematográfica desde su nacimiento, cerrará el ciclo de proyecciones acompañando a otros dos cortometrajes franceses de vanguardia: el surrealista Entr’acte de René Clair (1924, 25 min.) y el impresionista La souriante Madame Beudet (La sonriente Madame Beudet) de la cineasta Germaine Dulac (1923, 38 min.).
Al igual que en la pasada edición, «Camera Obscura» dará el pistoletazo de salida a una concurrida agenda con la reposición de una de las grandes obras maestras de principio del siglo pasado. Y es que, a pesar de no haber contado con el apoyo del público el año de su estreno, Cœur fidèle se ha consolidado como uno de los títulos de referencia del cine de vanguardia francés por su carácter innovador en cuanto al uso de los primeros planos.
La cinta fue una de las primeras en rodarse en Marsella, ciudad en cuyos fondos se adentró para narrar los entresijos de un triángulo amoroso formado por una huérfana de nombre Marie (Gina Manés), un trabajador portuario llamado Jean (Léon Mathot) y un matón apodado Petit Paul (Edmund Van Daële). Epstein tardó una noche en escribir el guion del que fue su tercer film y el primero de estilo dramático en solitario.
La copia restaurada por la Fundación Jérôme Seydoux-Pathé se proyectará la noche del 14 de abril con la música original compuesta para la ocasión por el bandoneonista argentino Santiago Cimadevilla, quien estará acompañado por el Ensamble Camera Obscura. La creación tomará como referencia la música de los compositores y bandoneonistas Astor Piazzolla y Dino Saluzzi.
Otras citas de «Camera Obscura»
«Camera Obscura» volverá a encender la pantalla de Miller tan solo un día después de la inauguración de la cita cinematográfica capitalina con una de las grandes comedias del cine mudo: El hombre mosca (Safety Last!). Dirigida por Fred C. Newmeyer y Sam Taylor, la película brindó una de las imágenes memorables de la historia del séptimo arte en la que se puede ver al protagonista, el icónico Harold Lloyd, colgado de las manecillas de un gran reloj de un rascacielos.
“Este ‘hombre mosca’, en principio, no es sino un empleado de grandes almacenes, sometido a una escalada de peripecias que ponen su integridad física en serio peligro, al tiempo que exaltan su respuesta positiva a lo que se espera del dinamismo americano: iniciativa, vigor juvenil y valentía -pese-a-todo”, explica el texto de Luis Miranda. La obra fue seleccionada en 1994 para su conservación en el Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos (National Film Registry).
Su reposición llegará a la capital grancanaria con una propuesta musical del compositor, contrabajista y bajista eléctrico Tana Santana, basada en la sonoridad de las primeras bandas de jazz y dixieland de los años 20. Para ello, se ha optado por una formación de quinteto que completarán Roberto Nieva al saxo alto David Xirgu a la batería, Xan Campos al piano y Jairo Cabrera a la trompeta, fliscornio, flauta y clarinete.
La última cita de «Camera Obscura» del 22º FICLPGC tendrá lugar el miércoles 19 de abril. La jornada volverá a pivotar en torno al cine de vanguardia francés a través de dos títulos de renombre: el cortometraje surrealista Entr’acte de René Clair y el mediometraje impresionista La souriante Madame Beudet de Germaine Dulac. El primero de estos celuloides de marcado carácter dadaísta y surrealista vio la luz en diciembre de 1924 en el Théâtre des Champs-Élysées de París, donde se proyectó durante el intermedio del ballet Relâche escrito por Francis Picabia con música de Erik Satie.
La composición del francés volverá a sonar en vivo en la capital gracias al IBF Ensemble, proyecto vinculado a «Camera Obscura» desde su nacimiento en 2021 y que, bajo la dirección de Humberto Armas, interpretará la obra durante el visionado de la copia restaurada por la Fundación Jérôme Seydoux-Pathé.
La agrupación grancanaria también acompañará la proyección de La souriante Madame Beudet, rodada por la directora considerada pionera del cine de vanguardia, Germaine Dulac. En esta ocasión, será una pieza con música de piano de Debussy, obras de Ravel, Gounod, Dora Pejačević y composiciones propias de Armas las que suenen mientras se reproduce el celuloide que cuenta la historia de una mujer inteligente atrapada en un matrimonio sin amor a quien da vida la actriz Germaine Dermoz. Una perspectiva rompedora y atrevida para la época que ha hecho que la película, que también cumple un siglo, sea considerada una de las primeras verdaderamente feministas.
Otros festivales
Tras inaugurar la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria con la proyección de Nosferatu, el apartado de cine mudo con música en directo revivió de nuevo el pasado septiembre al icónico vampiro en el Festival de Cine de Ourense (OUFF) con la proyección del gran éxito de Friedrich Wilhelm Murnau. Humberto Armas, director musical de la actividad, y la pianista Noemí Salomón, ambos del IBC Ensemble, fueron los encargados de coordinar para la cita el Ensemble OU Camera Obscura, formado para la ocasión con miembros de la Real Filarmónica de Galicia y la Orquesta Sinfónica de Galicia.
Selección Cámera Obscura
Cœur fidèle / The Faithful Heart, de Jean Epstein (Francia, 1923, 87 min.)
Safety Last! / El hombre mosca, de Fred C. Newmeyer y Sam Taylor (EE.UU., 1923, 80 min.)
Entr’acte, de René Clair (Francia, 1924, 25 min.)
La souriante Madame Beudet / La sonriente Madame Beudet, de Germaine Dulac (Francia, 1923, 38 min.)
«Godard Cinema»: El documental definitivo sobre el maestro de la Nouvelle Vague
Filmin homenajea al cineasta Jean-Luc Godard, fallecido el pasado mes de septiembre, con el estreno de esta película que tuvo su premiere mundial en el Festival de Venecia.
Filmin estrena el jueves 30 de marzo, «Godard Cinema«, el documental definitivo sobre el director emblema de la Nouvelle Vague: Jean-Luc Godard, que murió mediante suicidio asistido el pasado mes de septiembre. Estrenada mundialmente en el Festival de Venecia, la película está dividida por capítulos que condensan las distintas etapas creativas de la carrera de Godard y ahonda en las contradicciones y matices de su fascinante figura más allá de los clichés del mito.
Con más de 140 películas a sus espaldas, Godard hizo de su filmografía una incansable búsqueda de los límites del cine. Él era cine, su quintaesencia. «Al final de la escapada» (1960), «Vivir su vida» (1962) o «Pierrot el loco» (1965) son solo algunas de las películas que le convirtieron en el referente, por antonomasia, del cine contemporáneo.
El director del documental, Cyril Leuthy, explica: «Lo motivador de Godard es que lo permitía todo: hacía que otros cineastas fueran libres para atreverse, para probar, para desafiar las costumbres. Hacer este documental significaba explorar a un artista que, más que nadie, tenía una fe real en su arte. Para navegar en este océano de ideas, películas y material de archivo, decidí dar voz a quienes le conocieron». Y es que «Godard Cinema» recoge el legado del cineasta con los testimonios de biógrafos, historiadores, críticos y artistas que trabajaron con él (Julie Delpy, Thierry Jousse, Macha Meril, Alain Bergala, Nathalie Bae, Hanna Schygulla, Marina Vlady y Romain Goupil, entre otros). Sigue: «La película se centra más en el hombre que en su cine; aunque cuando se trata de Godard, cine y vida se fusionan… terminan siendo una misma cosa«.
Godard Cinema
Título original: Godard seul le cinéma.
País y año de producción: Francia, 2022.
Duración: 100 minutos.
Dirección y guion: Cyril Leuthy.
Fotografía: Gertrude Baillot.
Música: Thomas Dappelo.
Intervienen: Julie Delpy, Thierry Jousse, Macha Meril, Alain Bergala, Nathalie Bae, Hanna Schygulla, Marina Vlady, Romain Goupil.
«Nocebo» review
Una diseñadora de moda sufre una enfermedad misteriosa que desconcierta a sus médicos y frustra a su esposo, hasta que llega la ayuda de un cuidador filipino, que usa la curación popular tradicional para revelar una verdad horrible.
Varias fueron las propuestas presentes el pasado año en el festival de Sitges que de alguna manera siguieron una serie de pautas genéricas hoy en día percibidas como preestablecidas, en una época en que el género de terror está plagado de remakes y secuelas algunas de ellas intentaron buscar ciertos resquicios, y plantear una cierta originalidad, en relación a un material aparentemente ya transitado.
A tal respecto muchos fueron los relatos sobre brujería presentes en Sitges 2022, uno de ellos, Nocebo, parte de dichas coordenadas genéricas a la hora de indagar en una historia de venganza sobrenatural con reminiscencias al folk horror, narrada a modo de thriller psicológico con ciertos apuntes de denuncia social. Su director, Lorcan Finnegan, es un cineasta al que se le intuyen interesantes maneras a la hora de articular conceptos de género fantástico, algo visible tanto en su estimulante debut, el terror ecológico Without Name (2016), como en ese elaborado juguete distópico que era Vivarium (2019), película que bebía de fuentes tan reconocibles como The Twilight Zone, Tales of the Unexpected o Black Mirror.
Nocebo, trabajo menos satisfactorio que las dos películas anteriores, conserva algún que otro apunte sugerente, especialmente el que queda distante al género, con relación a la apropiación cultural que alberga una sociedad consumista, en ese sentido a través de un dialogo sociopolítico con elementos de suspense sobrenatural, posiblemente la mayor virtud de la película resida en la indagación, algo tímida, del fantástico a través de lo social, y lo más importante, sin difuminar, o dejar en un segundo lugar el primer concepto, algo bastante habitual en nichos genéricos de la actualidad.
Lástima que Lorcan Finnegan sea un autor que a veces dé la sensación de estar demasiado pendiente de un estilo, más atento al cómo que al qué; Nocebo, pese a que intenta ser algo compleja en ese sentido no es una excepción, pues la ausencia de una narrativa entendida como sólida, por culpa en gran parte de un flashback estructurado de la peor forma posible, un déficit paliado de forma algo puntual por su decidida adscripción al drama de terror que expone los complejos estados psicológicos por los que atraviesan sus tortuados personajes.
Valoración 0/5:2
Friccionar la realidad, tráiler de «Roleless»
Fue una de las sorpresas más estimulantes vistas en la sección Nuevos Directores del pasado Festival de San Sebastián. El debut tras las cámaras a tres manos, Masahiko Sato, Yutaro Seki y Hirase Kentaro, titulado Roleless (Miyamatsu to Yamashita), cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, nos presenta un relato pausado e inteligente en lo concerniente a su utilización de la elipsis, colocando al espectador en un continuo desconcierto a la hora de discernir qué es realidad y qué es ficción. Como actor principal nos encontramos con Teruyuki Kagawa, uno de los rostros más perturbadores que ha dado el cine nipón en estos últimos años, y del cual Kiyoshi Kurosawa ha sabido sacar un generoso provecho en algunas de sus películas.
Roleless nos cuenta como Miyamatsu, que trabaja como operario en un teleférico, es también extra de cine. A través de sus diversos personajes ha estado viviendo la vida de un extraño, interpretando solo ese papel. Finalmente, se encuentra cara a cara con su propia vida, aquella que había perdido.
La película, con guion a cargo de los propios Masahiko Sato, Yutaro Seki y Hirase Kentaro, está protagonizada por Teruyuki Kagawa, Noriko Nakagoshi y Kanji Tsuda.
Alain Resnais. Los entresijos de la memoria
La memoria, la guerra, el pasado, el amor y la muerte son los temas recurrentes en la filmografía de Alain Resnais. Aunque su nombre se asocia a la nueva ola del cine francés surgido a finales de la década de los años cincuenta, su trayectoria representa un tiempo y un espacio único que lo desmarcan de otros cineastas de ese movimiento como Jean-Luc Godard, François Truffaut, Agnès Varda, Éric Rohmer, Claude Chabrol, Chris Marker o Jacques Rivette. En él se dan a un tiempo la inquietud y la sensibilidad de un director de cine, un escritor, un escenógrafo, un músico y un pintor, conformando un corpus de películas en las que el montaje y la fotografía sugieren fascinantes asociaciones entre personajes y escenarios.
Noche y niebla, Hiroshima mon amour, El año pasado en Marienbad, Muriel, La guerra ha terminado, Providence, Asuntos privados en lugares públicos y Las malas hierbas son algunos de los títulos más destacados de una carrera que se prolongó durante seis décadas. Distinguido en varias ocasiones en los festivales de Cannes y Venecia, y asiduo ganador de los premios Cesar, Resnais gozó de un notable éxito de crítica y público que sin embargo no adocenó las formas experimentales de su cine. Desde territorios que lindan con el sueño y la irrealidad, sus películas nos hablan con pasión de las heridas que deja el tiempo, alfa y omega de la vida y el cine.
Alain Resnais. Los entresijos de la memoria celebra el centenario del nacimiento de este director irrepetible con una monografía, la primera de estas características publicada en español, que reivindica la vigencia de una figura esencial para entender no solo una época brillante del cine francés, sino también las claves estilísticas de un lenguaje narrativo que impregnó buena parte del cine de autor producido durante la segunda mitad del siglo XX. Y lo hace de la mano de un grupo de escritores que aprecian su legado desde una amplia comprensión del hecho cinematográfico; porque Resnais hay muchos, aunque todos se refugien en una sola mirada.
Contenidos
Prólogo. Alain Resnais en el presente, en movimiento
Jean-Michel Frodon
Capítulo 1. Cuando rodar es una aclaración
Quim Casas
Capítulo 2. Las claves de un estilo
Ignacio Pablo Rico
Capítulo 3. El cine y la memoria: escenas de la vida mental
Carlos Losilla
Capítulo 4. El orden de la realidad, el desorden de lo imaginario: Alain Resnais y la cultura popular
Elisa McCausland y Diego Salgado
Capítulo 5. La mirada del documentalista
Carlos Tejeda
Capítulo 6. La representación teatral: la realidad como escenario
Israel Paredes
Capítulo 7. Músicas, musicales y otras partituras
Carlos Tejeda
Capítulo 8. Las maniobras del amor
Raúl Álvarez
Capítulo 9. La guerra, la muerte y otras carambolas
José Ángel Barrueco
Capítulo 10. Enfoques, desenfoques y reenfoques: Las narrativas de las emociones y otras construcciones ilusorias
Alexander Zárate
Coordinado por: Raúl Álvarez, Israel Paredes y Carlos Tejeda.
Autor:Raúl Álvarez, José Ángel Barrueco, Quim Casas, Jean-Michel Frodon, Carlos Losilla, Elisa McCausland, Israel Paredes, Ignacio Pablo Rico, Diego Salgado, Carlos Tejeda, Alexander Zárate. Editorial: SOLARIS, Textos de cine. Páginas: 202
El relato especulativo, tráiler para «LOLA» de Andrew Legge
Aprovechando su estreno comercial en Reino Unido este próximo 7 de abril acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final, de página junto a su póster oficial, de la ópera prima del realizador irlandés Andrew Legge LOLA. Película, presente dentro de la sección Noves Visions en el pasado Festival de Sitges, que se adentra en la ciencia ficción especulativa a través de ligeros retazos de steampunk formulados mediante el found footage.
LOLA nos sitúa en la Inglaterra de 1941, las hermanas Thomasina y Martha han creado una máquina que puede interceptar transmisiones del futuro. Este delicioso aparato les permite explorar su punk interno una generación antes de que el movimiento surja. Pero con la Segunda Guerra Mundial intensificándose, las hermanas deciden usar la máquina como arma de inteligencia, con consecuencias que alteran el mundo.
La película, con guion a cargo del propio Andrew Legge junto a Angeli Macfarlane, está protagonizada por Emma Appleton, Stefanie Martini, Rory Fleck-Byrne, Hugh O’Conor, Aaron Monaghan, Ayvianna Snow, Philip Condron y Shaun Boylan.
El 22 Festival de Cine de Las Palmas, rinde tributo a El espíritu de la colmena de Víctor Erice y homenajea a Terence Davies
El espíritu de la colmena celebra en 2023 el 50 aniversario de su estreno y la recepción del máximo reconocimiento del Festival de Cine de San Sebastián, la Concha de Oro de 1973.
Las Palmas de Gran Canaria ha querido rendir tributo a esta efeméride y subrayar el valor de esta obra maestra del cine con un ciclo que gira en torno al clásico y que ha sido comisariado por el crítico y programador Jaime Pena y que, entre otras joyas, contempla la proyección de El largo día acaba con la presencia de su director Terence Davies.
Asimismo, el cartel de la vigésima segunda edición de la cita grancanaria celebra el aniversario y muestra, en una de sus versiones, a una de las protagonistas de la película, Ana, en la misma actitud que los tres monos sabios, así como al monstruo que la fascina, Frankenstein de James Whale, triplicado y en idéntica actitud en la otra adaptación de la imagen del Festival.
«Ecos de un espíritu. 50 años de El espíritu de la colmena» es el título bajo el que el gallego Jaime Pena presenta 10 obras conectadas, de una u otra manera, con la de Víctor Erice, “una película fundamental”, según el director del Festival, un referente en el cine como estado de arte que, en palabras de Luis Miranda, “tiene una gran capacidad de evocación, conecta con cualquier tipo de público en cualquier lugar del mundo y ha ejercido una influencia real sobre el cine de los últimos 50 años”.
La infancia, la poesía, el cine y la fascinación que provoca son algunos de los nexos de unión en la selección propuesta, una colección que contempla grandes joyas del cine, empezando por la propia película de Erice y la mencionada El largo día acaba (The Long Day Closes) de Terence Davies (Reino Unido, 1992, 85 min.), además de Le printemps de Marcel Hanoun (Francia, 1971, 82 min.); El viajero (Mossafer) de Abas Kiarostami (Irán, 1974, 84 min.); Cría Cuervos de Carlos Saura (España, 1976, 110 min.); Los motivos de Berta de José Luis Guerín (España, 1983, 85 min.); La sangre (O Sangue) de Pedro Costa (Portugal, 1989, 99 min.); Ponette de Jacques Doillon (Francia, 1996, 90 min.); Ya viene, aguanta, riégueme, mátame del Colectivo Los Hijos (España, 2009, 8 min.); Verano 1993 de Carla Simón (España, 2017, 96 min) y Train Again de Peter Tscherkassky (Austria, 2021, 20 min.).
Retrospectiva integral de la obra de Terence Davies
La confirmación de asistencia de Terence Davies, a propósito del tributo a la creación que considera “obra maestra del cine mundial”, será celebrada por el equipo de programación del Festival con una retrospectiva de la obra completa del cineasta británico.
En total una decena de títulos de un cine que, tal y como señaló Luis Miranda, tiene “un aliento clásico, lírico y muy personal. De una elegancia formal y narrativa que a penas tiene parangón en el cine contemporáneo”.