Sitges visita el South by Southwest de Texas

El Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya participará en dos sesiones del popular festival de Austin. El prestigioso festival South by Southwest (SXSW) de Austin (Texas) abre la puerta a Sitges. El Festival de Sitges participará en dos paneles profesionales, el próximo 13 de marzo, donde podrá exponer su modelo y la condición de primer certamen de cine fantástico del mundo.

La presencia de Sitges se concreta en dos sesiones, ambas incorporadas en las populares Mentor Sessions de SXSW. Por un lado, la subdirectora de la Fundación organizadora del Festival, Mònica Garcia Massagué, participará en una mesa redonda con otros representantes de festivales internacionales, como el American Film Festival, el Melbourne International Film Festival y el Doqumenta de México. La mesa tendrá una orientación profesional y pondrá el foco de atención en la participación de la industria audiovisual en los festivales. En los últimos años, Sitges ha abierto varias líneas de presencia y participación de la industria en sus actos paralelos, que le han permitido ser destinatario y canalizador de varios proyectos audiovisuales.

La otra sesión tendrá como protagonista a Diego López, miembro del comité de programación del Festival, y expondrá los criterios en la selección de películas de un festival como el de Sitges y los procesos y estrategias a seguir por un director una vez seleccionados en la programación oficial.

En los últimos años, el Festival de Sitges ha intensificado su presencia en las citas cinematográficas más relevantes del planeta. El año pasado –con motivo de la celebración de la cincuenta edición–, Sitges estuvo presente en el Festival de Cannes, donde organizó dos actos de presentación en sociedad, uno dirigido a la industria audiovisual y el otro orientado a directores y programadores. También el año pasado, la marca Sitges estuvo presente en el Bucheon International Fantastic Film Festival de Corea del Sur –donde se reconoció su trayectoria con motivo de sus 50 años–, el festival L’Étrange de París –donde se proyectan películas programadas en Sitges con motivo de un foco de cine fantástico catalán–, y el de Málaga –donde también se abrieron unas sesiones con sello Sitges.

Un ente en la pradera, teaser tráiler de «Mis demonios nunca juraron soledad»

El cine de género proveniente de México está dando últimamente muchas alegrías al aficionado al fantástico más inquieto, películas como la magnífica La región salvaje de Amat Escalante o la polémica Tenemos la carne de Emiliano Rocha Minter son solo algunas muestra de ello, ahora el joven realizador Jorge Leyva tras su opera prima Más amaneceres nos propone un sugerente hibrido genérico situado entre en fantástico y el western en su segundo trabajo tras las cámaras titulado Mis demonios nunca juraron soledad, film cuyo primer teaser tráiler y póster oficial podéis ver a final de página. La película según palabras del propio director «surgió de la idea de intentar hacer un western, pero marcado por un estilo que fuera muy mexicano, siempre me gustó mucho las leyendas de mi tierra Sonora sobre chamanes, brujos y hechiceros que viven en la sierra, así que traté de unirlos para poder crear una historia y este fue el resultado»

Mis demonios nunca juraron soledad nos sitúa México 1854, en una cabaña cerca de la frontera de Arizona, un buscador de oro y su mujer son acechados por una misteriosa presencia. Ella presiente algo sobrenatural, pero él, alucinado y convencido de que su joven esposa lo engaña con otro colono, decide ir tras él y capturarlo. En su caza terminará descubriendo un terrible secreto guardado en el interior de la montaña.

La película con guion del propio Jorge Leyva y música a cargo de Alejandro Karo está protagonizada por Manuel Uriza, Javier Godino, Paulette Hernandez, Noé Hernández, Sergio Galindo y Osvaldo Sanchez.

La 66 edición del Festival de San Sebastián dedicará una retrospectiva a la directora y guionista británica Muriel Box

Filmoteca Española y el Festival de San Sebastián organizan, en colaboración con Filmoteca Vasca, Filmoteca del Institut Valencià de Cultura y el Museo San Telmo, una retrospectiva dedicada a Muriel Box.

Muriel Box (1905-1991) se caracterizó a lo largo de toda su obra como escritora y directora, desarrollada entre 1945 y 1964, por tratar temas complejos y prohibidos –como la prostitución, el abuso de menores, el aborto, los hijos ilegítimos o el sexo en la edad adolescente–, de manera muy clarividente y valiente teniendo en cuenta el contexto social y político en el que se produjeron aquellas películas. Su aportación en relación a estas temáticas es fundamental en el cine inglés de los años cincuenta y la primera mitad de los sesenta.

Como ocurre con las estadounidenses Dorothy Arzner –objeto de una retrospectiva en el Festival de San Sebastián de 2014– e Ida Lupino, la revisión actual de su filmografía parece esencial para establecer un discurso feminista y una reivindicación del importante papel de las realizadoras en distintos contextos y cinematografías. Pese a gozar de un cierto prestigio cinéfilo, son pocos los estudios sobre su obra y apenas aparece reseñada en las historias generales del cine.

Muriel Box responde además al canon del cine independiente a pesar de trabajar con temáticas propias de los géneros clásicos y populares, como el melodrama, la comedia, el policíaco o el cine de época. Su obra como directora queda inscrita en un periodo de cambios en el cine británico, el de las comedias de la productora Ealing, la obra de otros independientes como Michael Powell y Emeric Pressburger y el nacimiento de la práctica documental crítica que derivaría en el Free Cinema.

Nacida el 22 de septiembre de 1905 en New Malden (Surrey), con el nombre de Violette Muriel Baker, comenzó en el cine como script. En 1935 contrajo matrimonio con el escritor Sydney Box, con quien crearía cinco años después Verity Films, una productora destinada a financiar cortos de propaganda bélica durante la segunda guerra mundial. La hermana de Sydney, Betty Box –una de las productoras inglesas más influyentes de los cincuenta–, colaboró con ellos. Muriel realizó para Verity el corto The English Inn (1941).

Escribió varias obras de teatro con su marido destinadas a compañías amateurs. Cuando después de la guerra Sydney se convirtió en el director de Gainsborough Pictures, Muriel pasó a ser la responsable del departamento de guiones y codirigió The Lost People (1949), un drama de posguerra iniciado por Bernard Knowles y que ella completó en el sesenta por ciento de metraje, cuya acción se desarrolla en un teatro alemán donde dos soldados británicos custodian a varios refugiados.

En 1951, Sydney creó la compañía London Independent Producers, en la que Muriel pudo acometer argumentos que entonces no estaban bien vistos ni en el cine ni en la sociedad británica, casi siempre con guiones escritos por ella y su esposo. Lo hizo a partir de una mezcla entre mirada autoral y cine de género, y ese resulta uno de sus rasgos principales. Aunque gozó de ciertos privilegios, tuvo que enfrentarse a los prejuicios masculinos e incluso femeninos de la industria cinematográfica: un año antes, la actriz Jean Simmons presionó para que no fuera la directora de So Long at the Fair (Extraño suceso, 1950), dirigida finalmente por Terence Fisher y Anthony Darnborough. Muriel Box ha sido definida como una directora que se desanimaba fácilmente pero que era, a la vez, tenazmente ambiciosa.

Dirigió 14 largometrajes entre 1949 y 1964 –además de un cortometraje–, de entre los que destacan sus peculiares comedias románticas en torno a la guerra de sexos: To Dorothy a Son (Herencia contra reloj, 1954), interpretada por Shelley Winters y centrada en las tribulaciones de varios personajes para cobrar una herencia; Simon and Laura (1955), con Peter Finch y Kay Kendall en los papeles de una pareja de actores de la vida real que se convierten en protagonistas de un programa de la BBC; The Passionate Stranger (1957), con Ralph Richardson como el chófer que tiene una idea equivocada de su jefa, Margaret Leighton, después de leer la novela erótica que ha escrito ella; The Truth About Women (1957), en la que el personaje encarnado por Laurence Harvey revive sus coloristas y exóticas historias de amor en distintos continentes, y Rattle of a Simple Man (1964), el último film de la directora, en el que narra la relación entre un hincha de fútbol muy introvertido y una prostituta.

Brilló igualmente en el drama, con títulos como The Beachcomber (El vagabundo de las islas, 1954), adaptación de una obra clásica de W. Somerset Maugham sobre alcohol, religión, puritanismo y epidemias; This Other Eden (1959), en el que afrontó el tema irlandés al relatar las tensiones en una pequeña ciudad donde se quiere erigir una estatua a un miembro del IRA, y Too Young to Love (1960), una historia de prostitución de menores y aborto ambientada en un juzgado estadounidense y con Thomas Mitchell como el veterano juez. También rodó curiosos relatos criminales: Street Corner (1953), de estilo semi-documental y sobre el trabajo diario de una mujer policía; Eyewitness (Testigo en peligro, 1956), centrado en una mujer que presencia un asesinato en un cine, es atropellada por un autobús y acosada después en el hospital por los criminales, y Subway in the Sky (1959), ambientado en el Berlín de posguerra y protagonizado por Van Johnson y Hildegarde Knef.

En 1946, Muriel ganó el Oscar al mejor guión original por The Seventh Veil (El séptimo velo), filme realizado por Compton Bennett y escrito en colaboración con su esposo. Fue la segunda mujer en obtener un Oscar al mejor guión después de Frances Marion, que lo había ganado dos veces, en 1930 y 1932. Antes de pasar a la realización participó como guionista o productora en películas de Terence Fisher, Compton Bennett y David MacDonald, entre otros directores británicos ilustres de los años cuarenta y cincuenta.

Después de su proyección en el Festival de San Sebastián, la retrospectiva podrá verse en Filmoteca Española, en Madrid, y en la Filmoteca del Institut Valencià de Cultura durante los meses de octubre y noviembre.

Pecado, catarsis y renacimiento, tráiler de «Genesis»

Buenos tiempos para el cine proveniente de Hungría especialmente en lo relacionado a su buena incidencia dentro del circuito de certámenes cinematográficos, el pasado año películas como On Body and Soul de Ildikó Enyedi, ganadora del Oso de Oro en la última edición del festival de Berlín o Jupiter’s Moon de Kornél Mundruczó presente en Cannes y mejor film en Sitges 2017 son solo algunos ejemplos de ello, el joven realizador Árpád Bogdán con su segundo trabajo tras las cámaras parece seguir dicha línea, Genesis cuyo tráiler subtitulado al inglés y póster oficial podéis ver a final de página estará presente en la inminente edición del festival de Berlín dentro de la sección Panorama, certamen al que vuelve tras presentar en 2007 su notable opera prima Happy New Life.

Genesis nos sitúa en el trasfondo de tres personajes y sus correspondientes historias alrededor de los ataques ocurridos en los años 2008/2009 por parte de grupos de neonazis húngaros contra aldeas romaníes durante los cuales murieron seis personas. Un niño gitano, cuya infancia alcanza un final repentino y drástico cuando pierde a su familia en uno de esos ataques, un joven abogado que bajo la presión de sus superiores se tiene que hacer cargo de la defensa de uno de los hombres que se enfrenta a juicio por su presunta participación en esta serie de asesinatos racistas, mientras investiga el caso entra en contacto con el niño, llamado como testigo, esta reunión casual cambia su perspectiva para siempre. Por otra parte una adolescente también se involucra en el caso cuando salen a la luz los oscuros secretos de su actual novio.

La película con guion del propio Árpád Bogdán con esta protagonizada por Milán Csordás, Anna Marie Cseh, Eniko Anna Illesi, Lídia Danis, Zsolt Kovács, Levente Molnár, Tamás Ravasz, István Szilvási, Szofi Berki y Roland Tzafetás.

La guerra de los clones (Más allá de Star Wars)

El estreno de La guerra de las galaxias en 1977 provocó una onda cultural expansiva que ha acabado llegando hasta nuestros días, en la que se ha convertido en una franquicia millonaria que inunda nuestras vidas con toneladas de merchandising. Pero este libro no trata de la conocida saga galáctica, sino de sus consecuencias cinematográficas a lo largo de las décadas. Su éxito sin precedentes volvió a colocar las aventuras espaciales de moda y generó montones de imitaciones y derivados. Desde productos rápidos, baratos o poco inspirados a grandes epopeyas de animación, pasando por reinterpretaciones locales facturadas por países como Japón, Turquía o Italia.

En este libro, el equipo de la web El Pájaro Burlón (Javier J. Valencia, Dani Morell, Óscar Sueiro López, Xavier Torrents Valdeiglesias y Víctor Castillo Rodríguez) se dedican a analizar y documentar cuarenta películas surgidas de toda esa fascinación por las naves espaciales, los rayos láser, los robots respondones y los estilismos cósmicos. De las galaxias más resultonas a los agujeros negros más ponzoñosos de la exploitation mundial.

La guerra de los clones: un loco viaje por más de tres décadas de fascinación por las aventuras galácticas, indispensable para todo aquél que, como sus autores, quiera ir más allá de Star Wars.

Autor; Dani Morell, Xavier Torrents Valdeiglesias, Javier J. Valencia, Óscar Sueiro López, Víctor Castillo Rodríguez, Prólogo: Luigi Cozzi, Epílogo: Paco Fox, Editorial; Applehead Team Creaciones, Colección: La Generación del Videoclub; Páginas; 288

La Filmoteca de Cataluña presenta un ciclo dedicado a Pere Portabella como complemento a la exposición que le dedica la Fundación Vila Casas

La sesión inaugural, con la proyección  L’Umbracle, servirá de homenaje al músico Carles Santos, estrecho colaborador del cineasta, muerto el pasado mes de diciembre.
La exposición «Pere Portabella. Cinema, art i política«, que presenta La Fundació Vila Casas en el museo Can Framis de Barcelona del 12 de febrero al 23 de junio, tendrá un complemento imprescindible en el ciclo que presenta la Filmoteca de Catalunya. La selección de títulos, a cargo del mismo Portabella, servirá para perfilar una figura fundamental de un cine conceptual que, en los años setenta se enfrentaba a la dirección cultural del franquismo. Por otra banda, los jueves del mes de febrero, los cines Texas de Barcelona acogerán la proyección del documental de Pere Portabella El sopar, centrado en una reunión de ex presos políticos celebrada el día de la ejecución de Salvador Puig Antich, en 1974.
Exposición en Can Framis
La muestra sobre Portabella en Can Framis se estructura en cinco ámbitos que exploran las diversas caras de alguien tan polifacético: su trayectoria política se refleja en el retorno del presidente Tarradellas, que él va organizar, el cineasta está presente en los sectores dedicados a Viridiana, coproducida por Portabella, que supuso la vuelta de Buñuel a España y que provoco un escándalo mayúsculo después de ganar la Palma de Oro en Cannes, o en el que se centra en los films que él ha dirigido, Portabella cineasta, que repasa parte de la cinematografía del realizador. Por otra parte la exposición analiza la relación entre Portabella y su entorno artístico, como director de cine, productor y activista político y cultural que ha colaborado con relevantes creadores de vanguardia. El ultimo ámbito de la exposición es Portabella y Miro, se adentra en el vínculo establecido con el pintor mallorquín, con el que colaboro en diversas ocasiones. La obra de Portabella ha entrado en grandes instituciones de arte contemporáneo como el el MoMA, la Tate Modern, el Centre Georges Pompidou, la Documenta de Kassel, el Museu Reina Sofia o el MACBA.
El ciclo de la Filmoteca
El mismo Portabella ha seleccionado el contenido de las cinco secciones programadas por la Filmoteca, entidad que actualmente conserva la totalidad de los materiales que integran su obra. El director presentara personalmente la inauguración del ciclo, el miércoles 14 de febrero, con la proyección d’Umbracle, a partir de un guion de Joan Brossa, que será al mismo tiempo un homenaje al músico desaparecido el pasado 4 de diciembre  Carles Santos, creador inseparable de la filmografía de Portabella, con el cual colaboro repetidamente en la banda sonora e incluso en el guion, con títulos como Die Stille vor Bach o Pont de Varsòvia, también presentes en el ciclo. Esta visión panorámica del universo de Portabella, Premio Nacional de Cinema el 2009 y Gaudí de honor en 2012, se completa con Vampir-Cuadecuc y se cerrara el 28 de febrero con una tabla redonda y la proyección de tres piezas cortas: Art a Catalunya y No al No, de nuevo con la complicidad de Carles Santos, y Mudanza, particularísimo homenaje al poeta Lorca rodado en su casa museo de la Huerta de San Vicente en Granada. A la tabla redonda intervendrán el cineasta Albert Serra, el catedrático Josep M. Català, el director de fotografía Tomàs Pladevall y Esteve Riambau, actual director de la Filmoteca de Catalunya.

 

Secciones del ciclo “Pere Portabella. Cinema, art i política” en la Filmoteca de Cataluña:
Umbracle, Pere Portabella, 1971: Miércoles 14 de febrero / 18.30 h
Homenaje a Carles Santos.
Presentación a cargo de Pere Portabella.
Vampir-Cuadecuc, Pere Portabella, 1970: Miércoles 21 de febrero / 18.30 h
Pont de Varsòvia, Pere Portabella, 1989: Viernes 23 de febrero / 19.00 h
Die Stille vor Bach El silenci abans de Bach Pere Portabella, 2007: Domingo 25 de febrero / 19.00 h

 

Sesión triple de piezas cortas:
Art a Catalunya Pere Portabella, 1992
No al No Pere Portabella, 2006
Mudanza Pere Portabella, 2008: Miercoles 28 de febrero / 18.30 h
Tabla redonda con Albert Serra, Josep M. Català, Tomàs Pladevall y Esteve Riambau
Podéis descargaros documentación y material gráfico AQUÍ

La venganza indígena, tráiler de «Mohawk» de Ted Geoghegan

Hace un par de años el joven Ted Geoghegan sorprendía a los fans del género de terror con una muy digna serie B titulada We are still here (reseña aquí), una vuelta de tuerca al subgénero de las casas encantadas que desprendía un inconfundible aroma a las películas italianas de los años ochenta como por ejemplo The Beyond o The House by the Cemetery de Lucio Fulci además de contar en su casting con la siempre agradecida presencia de Barbara Crampton, en su segundo trabajo tras las cámaras titulado Mohawk, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, Ted Geoghegan se adentra en una historia a medio camino entre el survival y el film de venganza con la mujer como brazo ejecutor. Posiblemente lo más llamativo de este modesto proyecto sea su ambientación de época, una América colonial que sirve como escenario para unas disputas nada amigables. Mohawk tendrá un estreno simultáneo en cines y VOD en Estados Unidos el próximo 2 de marzo.

Mohawk nos narra como en plena guerra entre británicos y los colonos americanos en el año 1814 una joven mohawk es perseguida por un grupo de implacables soldados renegados después de que alguien de su tribu prendiera fuego al campamento de un soldado estadounidense, lo que les llevará a una batalla en las profundidades del bosque en donde la joven indígena tendrá que utilizar todo lo laberíntico que dicho terreno pueda ofrecer a su favor.

La película con guion del propio Ted Geoghegan junto a Grady Hendrix y música compuesta por Wojciech Golczewski está protagonizada por Kaniehtiio Horn, Ezra Buzzington, Eamon Farren, Justin Rain, Jon Huber, Robert Longstreet, Noah Segan, Ian Colletti, Sheri Foster, Jack Gwaltney, Guy Gane, David La Haye y Wayne W. Johnson.

«Day of the Dead: Bloodline» review

Day of the Dead: Bloodline nos cuenta como el mundo se encuentra diezmado por unos muertos vivientes que han arrasado prácticamente todo resto de vida existente en el planeta. Un pequeño grupo de personas, formado por científicos y militares se refugian en una antigua instalación subterránea del gobierno. Allí intentan contactar sin éxito con otros grupos supervivientes. Mientras, los doctores investigan el origen del fenómeno, y de su posible cura, a la vez que intentan “domesticar” a un muerto viviente al que mantienen encadenado. A medida que pasa el tiempo, las tensiones entre los científicos y los soldados irán creciendo dentro del grupo.

No deja de ser algo curioso como un director de las características del tristemente recientemente desaparecido George A. Romero ha visto a lo largo de estos últimos años como su primera trilogía zombie ha sido posiblemente la saga cinematográfica más revisionada en forma de remakes en la historia del cine, más sorprendente aún resulta el comprobar el muy irregular bagaje que con que se han saldado estas reinterpretaciones de su obra, si en las dos primeras acometidas realizadas surgieron dos piezas ciertamente inusuales y muy a tener en cuenta como fueron las notables Night of the Living Dead (1990) a cargo de Tom Savini y la adrenalítica Dawn of the Dead (2004) de un primerizo Zack Snyder en lo referente a la ya de culto Day of the Dead (se tendría que revisar y poner como ejemplo de poca ecuanimidad y limitada contextualización critica la desmesurada negatividad con que fue recibida en su estreno comercial), tanto el ignomioso film perpetrado por el otrora notable artesano de genero Steve Miner en 2008 como el film que nos ocupa a continuación son claros ejemplos de lo que podríamos denominar como pobres y por momentos injustificadas injerencias con respecto al material original.

No voy a entrar nuevamente en el sempiterno debate acerca de la necesidad o no de realizar nuevas versiones de films ya existentes, siempre he encontrado un poco absurdo ese posicionamiento de génesis casi fundamentalista e incluso de un cariz casi obtuso en sus postulados en donde se niega sistemáticamente la validez o la mera opción de reinventar la obra original, algo que si se para a pensar un poco detenidamente nunca afectara negativamente a ella, posiblemente todo lo contrario, haciendo enaltecer sus virtudes a la hora de equipararla con su nueva némesis, nunca al revés pues una obra primigenia mejor o peor que su nueva versión es inamovible en lo referente a su status estructural, mi cierta aversión e incluso reticencia a este tipo de films viene dado simplemente a un nivel puramente estadístico, solo hace falta repasar muy por encima las tentativas habidas en estos últimos veinte años para cerciorarse de que en su gran mayoría estas películas han devenido como torpes o fallidas, y lo más preocupante como innecesarias (y aquí entra otra vez en escena la consabida comparativa con el original), Day of the Dead: Bloodline termina siendo una muestra más de la infructuosidad del cometido al que hago referencia.

Lo bueno de Day of the Dead: Bloodline es que difícilmente era hacer una película peor que la realizada por Steve Miner en su día, en este aspecto el film del mallorquín Hèctor Hernández Vicens supera a su más reciente predecesora, aun así el film no logra superar unos mínimos que la conviertan en un producto que eleve la calidad media de los remakes, con las innumerables y muy visibles deficiencias que posee, ese personaje clave en el original que era Bud aquí trasfigurado en un poco creíble y por momentos involuntariamente cómica figura por el que orbita prácticamente toda la narrativa de la película, una pobre y algo limitada puesta en escena, generosa cantidad de personajes de cartón piedra, ese complejo militar que lejos de ser claustrofóbica parece dar una cierta sensación de amplitud y bienestar y un final demasiado abrupto posiblemente debido a la prematura liquidación de su muy evidente exiguo presupuesto, Day of the Dead: Bloodline intenta al menos tímidos escarceos a modo de referencia con respecto al film de Romero, son acercamiento a un nivel casi de atrezo, ese calendario colgado en la pared o las caravanas estacionadas en el interior de la base entre otras referencias, existe como mal menor en el producto una intención que aunque no logra satisfacer de forma clara al fan al menos denotan un esfuerzo y una ligera tentativa de proximidad.

Dejando de lado el análisis de un film que por otra parte no requiere de mucha complejidad no estaría de más resaltar el loable mérito de Hèctor Hernández Vicens, joven realizador que con tan solo un film low cost en su haber (la curiosa El cadáver de Anna Fritz) ha conseguido abrirse por sí mismo camino en el farragoso y complicado mundo de las actuales producciones USA de bajo presupuesto. El gran inconveniente que atesora Day of the Dead: Bloodline subyace en su propia naturaleza de derivado de una obra ya existente, esa condición no favorecen a un film que por otra parte no engaña a nadie en lo referente a su cometido, no deja de ser un producto destinado especialmente al streaming como tantos otros que surgen durante el año, el problema viene dado en como la alargada sombra que proyecta George A. Romero sobre ella logra desvirtualizar por completo una faceta que un principio no deja de ser tan funcional como alimenticia.

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https://youtu.be/TKc65We4Yhs

Isabelle Huppert en modo dual, tráiler de «Madame Hyde»

Puede decirse que el realizador galo Serge Bozon con excepción de La France (2007) se ha movido con hasta el momento con bastante solvencia a través de un tono de comedia más bien poco complaciente, películas como Mods (2002) y Tip Top (2013) así lo atestiguan, ahora con su último trabajo tras las cámaras, Madame Hyde, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, vuelve a incidir en dicho género. Madame Hyde es una libre adaptación por parte de Serge Bozon de la novela de Robert Louis Stevenson en donde se nos plantea modo de fábula los conflictos existentes dentro de la educación pública. El film que tuvimos la ocasión de ver en el festival de Sevilla obtuvo el premio a Mejor Actriz para una inconmensurable Isabelle Huppert en el pasado Festival de Locarno, certamen este en donde tuvo su premier mundial.

En Madame Hyde somos testigos de cómo la señora Géquil es una excéntrica profesora que es despreciada tanto por sus compañeros de trabajo como por sus alumnos. Una noche de tormenta, un rayo la alcanza y pierde el conocimiento, cuando recobra el sentido, Madame Géquil se siente completamente cambiada… Pero, ¿podrá controlar a la poderosa y amenazadora Madame Hyde que habita en su interior?

La película con guion del propio Serge Bozon está protagonizada por Isabelle Huppert, José Garcia, Romain Duris, Adda Senani, Guillaume Verdier, Patricia Barzyk, Pierre Léon, Roxane Arnal, Angèle Metzger, Belkacem Lalaoui, Jamel Barbouche, Gernina Mombili, Sanaa El Morsali, Youssouf Diagouraga, Charlotte Véry y Tristan Pagès.

Ciclo en la Filmoteca de Cataluña: Centenario de Ida Lupino, una pionera tras la cámara

El ciclo, presentado conjuntamente con la Mostra de Films de Dones, incluye sus seis incursiones tras las cámaras junto a grandes interpretaciones como El último refugio y Mientras Nueva York duerme.

En estos tiempos de firmes y justificadas reivindicaciones feministas en el mundo del cine, resulta muy conveniente recordar la trayectoria de Ida Lupino, una actriz que rompió el tabú de ponerse al otro lado de la cámara cuando entonces eran muchos más los prejuicios que dificultaban tal tarea.

Solo hace falta recordar que el Oscar tardo 82 años en ser ganado por una mujer directora: Kathryn Bigelow por The Hurt Locker en el año 2010. El ciclo Ida Lupino, davant i darrera la càmera, que se organiza conjuntamente con la Mostra de Films de Dones, permite acercarse al perfil de toda una pionera. La retrospectiva se inaugurará el 9 de febrero a las 20.15 horas con The Hitch-Hiker (El autoestopista), precedida de un debate y presentación a cargo de Violeta Kovacsis, Maria Adell y Marta Nieto.

Ida Lupino nació en Londres el 4 de febrero de 1918 en el seno de una familia de artistas de origen italiano. A mediados de la década de los 30 desembarca en Hollywood, en donde consigue un puesto de trabajo a las órdenes de directores como Henry Hathaway, William Wellman, Michael Curtiz y sobre todo, Raoul Walsh, dando la réplica a grades actores de la época como Humphrey Bogart, Ronald Colman, John Garfield o Edward G. Robinson. Sin embargo nunca llego a acceder al estatus de estrella de primera fila, la creciente competencia de actrices emergentes y consagradas la llevan a diversificar su carrera dando el salto al otro lado de la cámara. Con una gran dosis de auto ironía, Lupino decía que como actriz era la Bette Davis de los pobres y como directora el Don Siegel de los mismos pobres.

La oportunidad de convertirse en realizadora llega cuando el director de Not Wanted, Elmer Clifton padece un ataque de corazón y es ella quien termina el rodaje. Era una producción de Filmakers, compañía independiente que había fundado con su marido Collier Young con la cual dirigió los seis films que la convirtieron en la única mujer directora en el Hollywood de la década de los cincuenta. Eran films de bajo presupuesto, con temas que reivindicaban a las mujeres y su consideración social, atreviéndose con temas tabú como la bigamia en The Bigamist o la violación en The Outrage. Con la notable The Hitch-Hiker se ganó el honor de ser la primera mujer en dirigir un thriller, a partir de los años cincuenta su trayectoria como directora se traslada a la televisión donde dirige episodios de series tan populares como Alfred Hitchcock Presents, The Untouchables, The Fugitive o The Twilight Zone.

 

Sesiones del ciclo Ida Lupino en la Filmoteca durante el mes de febrero

The Hitch-Hiker/ El autoestopista. Ida Lupino 1953

Viernes 9 de febrero 20.15 h. debate a cargo de Violeta Kovacsis, Maria Adell y Marta Nieto.

Sábado 17 de febrero 22.00h.

 

High Sierra /El último refugio. Raoul Walsh, 1941

Sábado 10 de febrero 22.00h

Domingo 11 de febrero 19.30h.

 

Never Fear/Young lovers/ Nunca tengas miedo. Ida Lupino 1949.

Martes 13 de febrero 21.30h.

Domingo 18 de febrero 19.30h.

 

The Bigamist/El Bigamo. Ida Lupino 1953

Viernes 16 de febrero 19.30h.

Jueves 22 de febrero 21.30h.

 

While the City Sleeps/Mientras Nueva York duerme. Fritz Lang 1956.

Sábado 24 de febrero 19.00h.

 

Private Hell 36. Don Siegel 1954.

Domingo 25 de febrero 21.30h.

Martes 27 de febrero 21.30h.

 

El musical según Lav Diaz, tráiler de «Season of the Devil»

Después de un muy prolífico 2016 en donde Lav Diaz presentó en sociedad A Lullaby to the Sorrowful Mystery y su extraordinaria The Woman Who Left el realizador de origen filipino vuelve a tener listo el que es su nuevo trabajo tras las cámaras, el film titulado Season of the Devil (Ang panahon ng halimaw) cuyo primer tráiler subtitulado al inglés podéis ver a final de página nos sitúa en una perdida aldea filipina durante el periodo de la ley marcial, película rodada en blanco y negro que cuenta con una duración de 230 minutos (algo que parece ya habitual en el cine de Lav Diaz). Season of the Devil según palabras de su productora Bianca Balbuena podría definirse como un musical o más bien anti musical en clave mitológica que deriva en ópera rock.

Season of the Devil tendrá su premier mundial formando parte de la sección oficial a concurso en el próximo festival de Berlín que se celebrará del 15 al 24 del mes de febrero, certamen en donde Lav Diaz hace un par de años se alzó con el premio Alfred Bauer por su A Lullaby to the Sorrowful Mystery.

La película con guion del propio Lav Diaz está protagonizada por Piolo Pascual, Shaina Magdayao, Pinky Amador, Bituin Escalante, Hazel Orencio, Joel Saracho, Bart Guingona, Angel Aquino, Lilit Reyes y Don Melvin Boongaling.

Pensamientos del cine. Las películas que acompañamos. El cine que intentamos recuperar

Brigadoon, esa pequeña aldea en la altas tierras escocesas imaginada por Vincente Minnelli, despierta y vive un día cada cien años. Es el precio del hechizo que preserva su armonía de fábula, a salvo del terror del mundo. Brigadoon no está en el tiempo ni en los mapas. Jacques Tourneur filmó una noche del demonio hacia la que conduce el jirón de un pergamino, que se pasa de un elegido a otro, como un anillo envenenado. Anuncia un final con forma de luz metafísica en el bosque, que avanza a la velocidad de un tren. “Está en los árboles. Es él, está llegando”. Un viento de tormenta electrifica el bosque fatal. “Es él. Aquí viene”. Podría ser el amor. Podría ser el cine. Si amas a alguien que habita Brigadoon, podrás entrar en ella. Si la abandonas, Brigadoon desaparecerá. El pergamino, insignia metafórica, es lo que no cesa de moverse en la imagen. Pertenece a un libro inhallable, como Brigadoon, un cuerpo virtual de imágenes y signos. Podría ser una película. Para ir hacia lo fantástico, hay que creer. Como creen los niños en sus amigos invisibles. Para entrar al cine, como quien entra a Brigadoon, hay que rendirse a su parpadeo químico, a esa espectacular intermitencia entre la luz desnuda y la ceguera. Y luego, sentir su sedimentación en la memoria, sus minúsculos picos y sus palas, su trepidación subterránea en nuestra psiquis.
Raymond Bellour escribe el cine para recordarlo. Se hace arqueólogo. O porque lo asedia y se anuda en su interior. Se hace exorcista. De Robert Wise a Ritwik Ghatak, de Rossellini a Philippe Grandrieux, de John Ford a Chantal Akerman, de Ingmar Bergman a Gus Van Sant, del rostro inmóvil de Lillian Gish atravesado por minúsculas olas sensibles al rostro de Cary Grant como ojo del montaje y geómetra del plano: todo está allí para ser recuperado, para pujar y ser una memoria imposible, entre la percepción alucinada de la imagen que adviene (como un cataclismo, como una plegaria) y el recuerdo definitivamente incierto que la fija, que la ancla a nuestra vida como un fósil, radioactivo y estremecedor.
El autor
Escritor, crítico y teórico de cine y literatura. Fue uno de los fundadores de la revista Trafic. Ha escrito, entre otros textos, Henri Michaux (1965, 1986), L’analyse du film (1979), Mademoiselle Guillotine (1989), L’Entre Images: Photo. Cinéma.Vidéo (1990), L’Entre Images 2: Mots. Images (1999), Partages de l’ombre (2002) y La querelle des dispositifs: Cinéma – expositions, installations (2012).
Con Pensées du cinéma. Les filmes qu’on accompagne. Le cinéma qu’on cherche à ressaisir (2016), último libro publicado por Raymond Bellour aquí presentado en español, Shangrila continúa la labor de difusión de su obra, iniciada con la publicación, en 2013, de El cuerpo del cine. Hipnosis, emociones, animalidades (Le corps du cinéma: hypnoses, émotions, animalités, 2009).
Autor; Raymond Bellour, Editorial; Shangrila- Contracampo libros. Páginas; 508

Primer tráiler de la nueva sensación del terror indie «Hereditary»

Parece ser que este 2018 vendrá cargado de un buen número de películas de terror que prometen a priori trascender más allá de ser simple artificios genéricos, una de las primeras que empiezan a sonar a nivel de una fuerte repercusión mediática tras su reciente paso por el festival de Sundance es Hereditary, cuyo primer avance en forma de tráiler oficial y poster podéis ver a final de página, opera prima del joven neoyorkino Ari Aster que en algunos círculos ha sido denominada como la película de terror más inquietante y perturbadora de estos últimos años, tras ella nos encontramos con la productora A24 que en estos últimos tiempos parece especializada en obsequiarnos con productos de género tan estimulantes como por ejemplo The Witch, Green Room o la reciente It Comes at Night. Aún sin fecha de estreno en España Hereditary verá la luz en los cines de Estados Unidos el próximo 8 de junio.

Hereditary nos cuenta como cosas extrañas comienzan a suceder en casa de los Graham tras la muerte de la abuela y matriarca, que deja a su hija Annie en herencia su casa. Annie Graham, una galerista casada y con dos hijos, no tuvo una infancia demasiado feliz junto a su madre, y cree que la muerte de ésta puede hacer que pase página. Pero todo se complica cuando su hija menor comienza a ver figuras fantasmales, que también empiezan a aparecer ante su hermano.

La película con guion del propio Ari Aster y música compuesta por Colin Stetson está protagonizada por Toni Collette, Gabriel Byrne, Alex Wolff, Ann Dowd, Milly Shapiro, Mallory Bechtel y Zachary Arth.

Ciclo Phenomena-Experience Clint Eastwood, maestro del western

Después de pasarse años luciendo poncho, cigarrillo y pistolas a las órdenes de directores como Sergio Leone, con quien trabajo en la fundamental Trilogía del Dólar, el actor Clint Eastwood tomó buena nota de todo lo había que hacer para conseguir rodar un western con carácter.

Durante el mes de febrero Phenomena-Experience dedica un ciclo especial  en donde podrán verse los cuatro westerns dirigidos por esta leyenda del celuloide.

 

El jinete pálido (Pale Rider)

Int.Clint Eastwood, Sydney Penny, Michael Moriarty

Dir.Clint Eastwood, 1985 · USA · 115′ · 35 mm · VOSE

Las tensiones entre los colonos buscadores de oro y el propietario de unas minas cercanas son cada vez más violentas. Los hombres del cacique local roban y atacan a los recién llegados, tratando de expulsarles de los terrenos en lso que se instalado. Un misterioso predicador, que acaba de llegar al pueblo, intentará que paren los ataques y robos.

Miércoles, 07/02/2018, 19:40h

Lunes, 12/02/2018, 15:30h

 

Sin perdón (Unforgiven)

Int.Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman, Richard Harris

Dir.Clint Eastwood, 1992 · USA · 131′ · DCP · VOSE

El viejo Munny es un pistolero retirado, viudo y padre de dos hijos, con graves dificultades económicas para no perder sus propiedades. Para conseguir algún ingreso, debe aceptar un último trabajo junto a un buen amigo: matar a dos hombres que le desfiguraron la cara a una prostituta.

Domingo, 11/02/2018, 19:20h

 

 

Infierno de cobardes (High Plains Drifter)

Int.Clint Eastwood, Verna Bloom, Marianna Hill

Dir.Clint Eastwood, 1972 · USA · 105′ · DCP · VOSE

Los propietarios de una compañía minera contratan los servicios de un pistolero, que pasaba por la ciudad, para que les defienda de unos bandidos que les han amenazado y que ya se dirigen hacia el lugar. El pistolero aceptará el trato con la condición de que le dejen trabajar a su manera.

Sábado, 17/02/2018, 17:10h

 

 

 

 

El fuera de la ley (4K) (Outlaw Josey Wales)

Int.Clint Eastwood, Chief Dan George, Sondra Locke

Dir.Clint Eastwood, 1976 · USA · 135′ · DCP · VOSE · 4K

Aunque en el pasado fue un soldado confederado, ahora Josey se ha retirado del servicio para trabajar en su granja al lado de su esposa y su hijo. Pero su vida cambia trágicamente cuando los miembros de una guerrilla del ejército de la Unión matan a su familia. Desde ese momento, su único pensamiento será vengarse de los asesinos.

Sábado, 10/02/2018, 15:25h

 

 

 

La historia de un gigante, tráiler del documental de la HBO «Andre the Giant»

El francés André René Roussimoff conocido popularmente con el nombre de André El Gigante fue un personaje ciertamente peculiar en la década de los 80 y 90, durante esos años fue una de las figuras más importantes que dio la historia de lucha libre además de participar de forma esporádica en películas como Conan the Destroyer, Micki y Maude o en su especialmente recordada presencia en el film de Rob Reiner The Princess Bride amen de varias series de televisión. Ahora la cadena HBO nos presenta un documental, cuyo tráiler final podéis ver a final de página, en donde se nos relata la trayectoria de tan peculiar personaje. Andre the Giant aún sin fecha de emisión en España se podrá ver en Estados Unidos a partir del próximo 10 de abril.

André René Roussimoff, hijo de padres búlgaros y polacos nació en 1946 en la ciudad de Grenoble, Francia, en una adolescencia ya muy temprana empezó a presentar evidentes  signos de gigantismo, aunque no fue diagnosticado de acromegalia hasta que cumplió los veinte años de edad. Comenzando su preparación como deportista de lucha libre en París a los 17 años se hizo conocido en los circuitos de lucha en todo el mundo a partir del año 1973, con el paso del tiempo Andre se convirtió en uno de los miembros más destacados de la World Wrestling Entertainment, competición en donde fue una auténtica estrella llegando a ser rival en multitud de ocasiones de otra de las leyendas de la WWE que termino convirtiéndose en un icono popular, Hulk Hogan, el All Japan Pro Wrestling de 1992 fue el último combate de Andre the Giant.

«Kelvin’s Book» será el nuevo proyecto televisivo de Michael Haneke

Acaba de darse a conocer cuál será el nuevo trabajo tras las cámaras del premiado director austriaco Michael Haneke, Kelvin’s Book supondrá su primera incursión en el ámbito de las series televisivas y en el género de la ciencia ficción, grabada en inglés y compuesta inicialmente por diez episodios la historia de Kelvin’s Book nos sitúa en un futuro distópico y nos cuenta la historia de un grupo de jóvenes habitantes de un futuro próximo que tras sufrir un aterrizaje forzoso en el avión donde viajaban y lejos de su país se verán obligados a realizar un viaje de regreso en donde contemplarán la que se supone que es la verdadera cara de su nación de puertas para afuera.
Según declaraciones recogidas del propio director este ha comentado que “Tras realizar diez telefilms y doce largometrajes para cine ya tenía ganas de contar por primera vez una historia algo más larga». Kelvin’s Book cuya fecha de inicio de rodaje aún no ha sido dada a conocer supondrá la asociación de Michael Haneke con Freemantle Media’s (responsable de series tales como The Young Pope, Hard Sun o American Gods) y la alemana UFA Fiction (Deutschland 83, Danni Lowinski). Por su parte Nico Hofmann y Benjamin Benedict productores ejecutivos de esta distopia futurista han declarado «No creemos que exista otro director contemporáneo que nos haya emocionado e inspirado tanto como Michael Haneke. La historia que nos cuenta Kelvin’s Book es tan fascinante como ambiciosa. Su reflexión acerca de la era digital en la que vivimos hoy en día hace de este proyecto especialmente idóneo para el momento actual en que nos encontramos».

La oscura experimentación psicológica de Steven Soderbergh, primer tráiler de «Unsane»

Lejos de parecer cumplir sus supuestas intenciones de abandonar el mundo del cine el realizador estadounidense Steven Soderbergh da la impresión de estar más inquieto, en el buen sentido de la palabra, que nunca, después de su algo decepcionante Logan Lucky estrenada el pasado mes de octubre ya tiene lista la que será su nueva película, en Unsane, cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, Soderbergh vuelve a experimentar en el medio cinematográfico (algo que si os paráis a repasar su filmografía no tendría que ser motivo de extrañeza) en una película rodada con un iPhone durante una semana. Unsane que vistas sus primeras imágenes nos remiten ligeramente al Shock Corridor de Samuel Fuller supondrá la primera incursión por parte de Soderbergh en el género del terror psicológico. La película previo paso por el festival de Berlín se estrenará en salas comerciales de Estados Unidos el próximo 23 de marzo de 2018.

Bajo el eslogan oficial del film, Is she… or isn’t she? en Unsane vemos como una joven es  recluida contra su voluntad en una institución mental para someterse a un tratamiento psiquiátrico, una vez allí tendrá que enfrentarse a las dudas y a lo que parece ser su mayor temor, ¿es real o es un producto de sus delirios las consecuencias que acarrean sus propios actos?

La película con guion de Jonathan Bernstein y del novelista James Greer está protagonizada por  Claire Foy, Juno Temple, Aimee Mullins, Amy Irving, Jay Pharoah, Joshua Leonard, Colin Woodell, Sarah Stiles, Polly McKie, Ursula Triplett, Laura Rothschild y Lance Coughlin.

La tragedia del romanticismo según Wim Wenders, tráiler en castellano de «Submergence»

Acaba de ver la luz un primer tráiler en castellano, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Submergence (Inmersión) la nueva película del veterano cineasta alemán Wim Wenders, coproducción rodada en Berlín, Madrid, Toledo, así como en distintas localizaciones francesas y Djibuti. El film que ha sido escrito por Erin Dignam (The Yellow Handkerchief, The Last Face) a partir de la celebrada novela homónima del corresponsal de The Economist J.M. Ledgard (Giraffe) inauguró la pasada edición del festival de San Sebastián (reseña aquí) teniendo previsto su estreno comercial en España de la mano de eOne Films el próximo 6 de abril de 2018.

En Submergence vemos como James More (James McAvoy) es un ingeniero hidráulico que ha sido tomado como rehén en Somalia por los terroristas yihadistas, que sospechan que es un espía británico. Danielle ‘Danny’ Flinders (Alicia Vikander) es una biomatemática que trabaja en un proyecto de inmersión en las aguas más profundas de los océanos para demostrar su teoría sobre el origen de la vida en el planeta. Un año antes James y Danny se conocieron en un hotel de la costa atlántica francesa y se enamoraron. Ahora, separados, Danny inicia su peligrosa inmersión al fondo del océano en Groenlandia sin saber si James sigue vivo.

La película con guion adaptado de Erin Dignam y música compuesta por Fernando Velázquez está protagonizada por James McAvoy, Alicia Vikander, Alexander Siddig, Celyn Jones, Reda Kateb, Mohamed Hakeemshady, Clémentine Baert, Julien Bouanich, Loïc Corbery, Thibaut Evrard, Harvey Friedman, Matthew Gallagher, Godehard Giese, Andrea Guasch, Alex Hafner, Jess Liaudin, Jean-Pierre Lorit, Adam Quintero y Jannik Schümann.

https://youtu.be/AAaogmGdWfk

Méliès

Georges Méliès (1861-1938), uno de los pioneros del cine, tal vez el pionero de los pioneros. Gracias a su perseverancia, personalidad y condición de ilusionista imprimió a sus películas un estilo característico, heredero de la fantasmagoría y el teatro de lo increíble. La magia, el misterio, la ilusión se fundía en unas escenografías sorprendentes, que él mismo diseñaba, y que transportaban al espectador a la irrealidad, al sueño, a parajes que recorren desde el cielo con sus astros hasta el mundo subterráneo con sus diablos y esencias. Si bien Méliès se dedicó a otros géneros, como la comedia o el drama, sus películas de viajes fantásticos permanecen en la memoria del espectador para siempre. Se tiene a Le voyage dans la Lune (Viaje a la luna, 1902) por su obra más recordada. Con este volumen Libros del Innombrable rinde homenaje al artista que tanto nos cautiva. Para tal fin hemos recabado una solvente y principal tripulación. Juan Luis Borra ha iluminado las páginas del libro con sus dibujos y el diseño de portada. Por otro lado, contribuyen los actores: Raúl Herrero, Bruno Marcos, Alberto Ruiz de Samaniego, Jesús F. Pascual Molina, Silvia Rins, Carlos Barbarito, Aldo Alcota, Laia López Manrique, Antonio Fernández Molina, Iván Humanes, Alfredo Moreno, Tomás Fernández Valentí y Diego Civilotti García.

Cada nauta ha glosado, recreado, analizado, expuesto o profundizado en aspectos de la obra y la vida de Méliès. Georges Méliès, (8 de diciembre de 1861-21 de enero de 1938). Toda la biografía de Méliès es deliciosa y parece ya una película de Méliès. Bruno Marcos *** La maquinaria prodigiosa de lo extraordinario se convierte, pues, en una pasión que, efectivamente, organiza y ocupa toda la vida del incansable Méliès. Alberto Ruiz de Samaniego *** … sus películas causaron un gran impacto en el Surrealismo, que en muchos aspectos reconocía a Méliès como uno de sus precursores. Jesús F. Pascual Molina *** Lo único que sabemos es que Méliès, como verdadero creador, no dejó de ser jamás un niño. Silvia Rins *** Allí me asomé a nombres y lugares, y entre esos lugares, París, entre esos nombres, el de Méliès. Carlos Barbarito *** … las bellas alucinaciones del séptimo arte no se perdieron en el quiosco de juguetes de Montparnasse. Méliès las resguardó, confiando que algunos cómplices más jóvenes, partidarios de la recuperación de sueños, llegaran un día a su recinto y así poder transmitirles el secreto de la luna. Aldo Alcota *** Lo que preocupa a los cuerdos es el tránsito de la razón a la fiebre… Laia López Manrique *** Más allá de ironías, Méliès es el ilusionista universal. Iván Humanes *** La figura de Méliès emergió, como el héroe de un antiguo serial de aventuras, en el instante justo, en el momento crucial para salvar al cine de una muerte prematura. Alfredo Moreno *** El cine como magia y la magia del cine. Tomás Fernández Valentí *** La mirada de Méliès es artística y extraordinaria porque trabaja directamente con ideas. Diego Civilotti García.

Autor; VV.AA (Incluye textos de Raúl Herrero, Bruno Marcos, Alberto Ruiz de Samaniego, Jesús F. Pascual Molina, Silvia Rins, Carlos Barbarito, Aldo Alcota, Laia López Manrique, Antonio Fernández Molina, Iván Humanes, Alfredo Moreno, Tomás Fernández Valentí y Diego Civilotti García) Ator; Antonio José Navarro, Editorial; Libros del Innombrable. Páginas; 312

Ellen Page y la reinserción social de los infectados, primer tráiler de «The Cured»

Tras tener su premier mundial el pasado mes de septiembre en el TIFF y pasar un poco desapercibida por el festival de Sitges en octubre (reseña aquí) acaba de ver la luz un primer tráiler oficial que podéis ver a final de página del film Irlandés The Cured. Opera prima del joven realizador David Freyne que nos ofrece una nueva vuelta de tuerca del subgénero zombie o de infectados como se suelen denominar últimamente a algunas películas que abordan dicha temática. El film está contado, conservando elementos propios del cine de terror, a través de una perspectiva social con un claros paralelismos políticos teniendo algún que otro punto argumental en común con la serie también británica In the Flesh aunque sin los esporádicos toques de humor que nos ofrecía esta. The Cured tendrá en EE.UU un estreno simultáneo en cines y VOD el próximo 23 de febrero.

The Cured nos cuenta como hace unos años, el continente europeo se vio asolado por un virus que convirtió a la población en monstruosos caníbales. Se logró hallar un antídoto, pero incluso después de curadas, las personas infectadas recuerdan todo lo que hicieron durante su enajenación. Hoy, la última tanda de convalecientes se prepara para reintegrarse en sociedad.

La película con guion del propio David Freyne está protagonizada por Ellen Page, Sam Keeley, Tom Vaughan-Lawlor, Stuart Graham, Amy De Bhrún, Patrick Murphy, Frank Cannon, Peter Campion y Natalia Kostrzewa.

 

 

«Brigsby Bear» review

Brigsby Bear Adventures es un programa de televisión infantil que tiene un solo espectador: James. Cuando el programa termina de golpe, la vida de James cambia para siempre, y éste se propone terminar la historia él mismo.

La sensación de antaño que ha tenido un servidor en lo referente a que una película presentada en un festival de cine te pueda llegar sorprender (en lo positivo o negativo) sin apenas tener conocimiento previo de su existencia, no solo ya a un nivel individual sino colectivo, era a mi modo de ver uno de los activos más importantes que atesoraban los certámenes cinematográficos del pasado, es algo que ha ido desapareciendo con el tiempo, era el pan de cada día en los ochenta e incluso noventa para ir difuminándose a partir de la década del 2000, no dejaba de ser una puesta de largo, un juicio el enfrentarte a una película en donde tenías la certeza de emitir tu parecer sin ningún tipo de intoxicación proveniente del exterior, entrar en una sala con la mente totalmente virgen y descubrir una película o un director y no porque uno mismo se autoimpusiera dicha actitud sino por la total ausencia de información previa del producto en cuestión, sería muy difícil enumerar la cantidad de esos descubrimientos que han tenido lugar a lo largo de los años en un sitio como Sitges durante las primeras décadas de su existencia, hoy esto como he comentado más arriba es prácticamente imposible debido a la gran cantidad de información disponible al abasto del espectador más inquieto, el que suele frecuentar dichos certámenes, un colectivo este que suele ir suficientemente preparado para enfrentarse a películas que recién terminado su rodaje ya nos ofrecen una ingente cantidad de imágenes, artículos y demás tipo de información sobre ellas mismas a través de las redes sociales.

Todo este baturrillo previo que espero que me disculpéis viene a colación a propósito de la entusiasta y a mi entender muy desmesurada recepción que tuvo Brigsby Bear en el pasado Sitges, su muy concurrido pase de prensa un día laborable al mediodía me indican que dicha actitud previa a su visionado por parte de esta parte de la audiencia venia de alguna manera preparada o lo que es peor preconcebida, en cierta manera es como intentar revisitar un comportamiento de antaño de forma algo artificial, que la ópera prima de Dave McCary se llevara la coletilla de descubrimiento del festival antes incluso de que comenzara el certamen en bastante debatible, no solo porque ya venía de festivales como Sundance o Cannes y se sabía de ella con antelación sino porque en realidad Brigsby Bear es realidad muy poquita cosa algo que en mi opinión pone de manifiesto que dicha burbuja festivalera tiende al equívoco en lo referente a una primera apreciación, una desmesurada alabanza que al final deviene como liquida, Brigsby Bear, historia edulcorada del eterno adolecente es un perfecto ejemplo de todo ello.

Un film que parte de claros ecos estéticos y narrativos del cine de Wes Anderson, en cierta manera Brigsby Bear parece estar estructurado a partir de una impostura en lo referente a sus propios postulados, básicamente es un film destinado a complacer a un cierto tipo de espectador muy determinado, como supuesta fantasía infantil poco importa que su línea narrativa sea predecible y no se salga de una estructura ya vista en demasiadas ocasiones, una historia que gira a través del proceso de madurez de una persona adulta aniñada marcada por una atipicidad en lo relativo a lo que tendría que haber sido su desarrollo, es ese tipo de cine independiente norteamericano de contornos buenistas en exposición e intención que rehúye conscientemente indagar en lo no amable por mucho que esta esté soterrada en la historia, una especie de cruce excesivamente adocenado del Room de Lenny Abrahamson y el Be Kind Rewind de Michel Gondry, tan claro es el posicionamiento de Dave McCary (ciertamente muy inteligente en sus propósitos) que ni se molesta en indagar aspectos de la trama más peliagudos, lo mejor del film lo vemos en sus primeros veinte minutos pues la historia parte de una premisa cuyo posterior abarcamiento daba para mucho más de lo que finalmente logramos ver, es ahí en donde a través de la ambigüedad narrativa percibimos en la distancia interesantes disquisiciones que más tarde no son ni tienen visos de ser exploradas, una historia en definitiva que conmoverá a algunos pero que no inquietara a nadie, un principio ciertamente original que da paso a lo convencional e incluso a lo preconcebido, si a la formula le añadimos la nostalgia ochentera de rigor (poco importa en esta líderes que el receptor haya nacido a mitad de los noventa, el hype manda en este tipo de disquisiciones) Brigsby Bear logra con su inconfundible humor blanco complacer a un determinado público, de hecho la fórmula es bien antigua por mucho que algunos de forma momentánea la quieran revestir de una presunta y novedosa modernidad, algo que si escarbamos de forma superficial deviene como una impostura poco favorable con respecto al film en un futuro.

Valoración 0/5: 2’5

Segundo tráiler y póster español para «Pacific Rim: Insurrección»

Tras una producción plagada de varios retrasos y cancelaciones con respecto a su estreno Universal Pictures y Legendary Pictures acaban de lanzar un segundo tráiler en castellano, que junto a su póster oficial podéis ver a final de página, de Pacific Rim: Insurrección, la esperada continuación del film dirigido en 2013 por Guillermo del Toro que en esta ocasión ejercerá como productor ejecutivo estando tras las cámaras Steven S. DeKnight, un habitual del medio catódico con trabajos en series tales como Ángel, Spartacus o Daredevil entre otras. Pacific Rim: Insurrección se estrenará en cines estadounidenses el próximo 23 de marzo, en España lo hará dos semanas después, el 6 de abril.

Pacific Rim: Insurrección nos vuelve a situar en un futuro cercano. Han pasado 10 años tras la primera invasión que sufrió la humanidad, pero los océanos lejos de recobrar la tranquilidad se muestran inquietos. El planeta volverá a ser asediado por los Kaiju, una raza de alienígenas gigantes que vuelven a emerger a través de un portal interdimensional con el objetivo de destruir a la raza humana. Ante esta nueva amenaza, los Jaegers, robots gigantes de guerra pilotados por dos personas para sobrellevar la inmensa carga neuronal que conlleva manipularlos, ya no están a la altura de lo que se les viene encima. Será entonces cuando los supervivientes de la primera invasión, además de nuevos personajes como el hijo de Pentecost, cuyo padre dio su vida para asegurar la victoria de la humanidad contra los Kaijus, tendrán que idear la manera de sorprender nuevamente al temible enemigo apostando por nuevas estrategias defensivas y de ataque. Con la Tierra en ruinas e intentando reconstruirse, esta nueva batalla puede ser decisiva para el futuro de la humanidad.

La película con guion a cargo del propio Steven S. DeKnight junto a Emily Carmichael, T.S. Nowlin y Kira Snyder está protagonizado por John Boyega, Scott Eastwood, Cailee Spaeny, Jing Tian, Adria Arjona, Levi Meaden, Charlie Day, Rinko Kikuchi, Burn Gorman, Ivanna Sakhno, Nick E. Tarabay, Dustin Clare, Karan Brar, Daniel Feuerriegel, Madeleine McGraw, Shyrley Rodriguez, Rahart Adams, Jin Zhang, Jaime Slater, Lily Ji y Luke Judy, Mackenyu.

Tráiler de la nueva vuelta de tuerca a las antologías de terror británicas «Ghost Stories»

Hablar de películas episódicas que abordan el terror es dirigir la mirada de forma casi forzosa al Reino Unido, no solo por haber salido de allí la que es posiblemente a día de hoy la mejor muestra de tal temática, Dead of Night 1945 (reseña aquí) sino también al referirnos a la productora Amicus como principal emblema de las llamadas antologías de terror (artículo aquí). Ghost Stories cuyo tráiler oficial y poster podéis ver a final de página parte a priori de la idea de reverenciar a sus predecesores mirando sin disimulo a producciones británicas de los años 70 que abordaban el terror con algún que otro elemento de humor negro a través de la narración de segmentos. La película parte de la peculiaridad de ser una adaptación de una obra de teatro cuyos mismos autores Jeremy Dyson y Andy Nyman han sido los responsables de llevar al cine.

Ghost Stories nos cuenta como Phillip Goodman es un escéptico profesor cuya racionalidad es puesta a prueba cuando recibe la petición de un moribundo de investigar un archivo perdido de hace años que contiene detalles de tres sucesos paranormales no aclarados. Se embarcará así en la misión de intentar encontrar una explicación racional para estos casos que se aparta de lo habitual, unas investigaciones que terminarán relevando más sobre el propio Goodman que sobre los propios misterios.

La película con guion de los propios Jeremy Dyson y Andy Nyman y música compuesta por Haim Frank Ilfman está protagonizada por Martin Freeman, Alex Lawther, Jill Halfpenny, Andy Nyman, Paul Whitehouse, Nicholas Burns, Daniel Hill, Kobna Holdbrook-Smith, Jake Davies, Ryan Oliva, Derren Brown, Samuel Bottomley, Lesley Harcourt, Oliver Woollford, Maggie McCarthy, Paul Warren, Emily Carding, Amy Doyle, Ramzan Miah, Louise Atkins, Billy Sneddon, Callum Goulden, Christine Dalby, Benji Ming, Deborah Wastell, Elaine Dyson, Joe Osborne, Maria Major, Macie Allen, Leonard Byrne, Anthony Davis, Mike Aarons, Julie Waring y Richard Waring.

Convidados y horarios de Rècord, primera muestra del libro deportivo de Barcelona

El próximo sábado 27 de enero, desde las 11h y hasta las 21h con entrada gratuita, l’Antiga Fàbrica d’Estrella Damm de Barcelona acogerá la primera edición de Rècord, la mostra del llibre esportiu.

Espacio para la interrelación del mundo de la cultura y el deporte, la jornada de presentaciones, conferencias, charlas, firmas de libros y talleres, tienes como principales protagonistas a nombres tan relevantes de la literatura y el periodismo deportivo del ámbito catalán como Sergi Pàmies, Jordi Puntí, Ramón Besa y Jordi Robirosa. Compartiendo cartel con figuras no menos relevantes como Galder Reguera, Carles Viñas, Ramon Usall, Jordi Costa, Lluís Lainz, Frederic Porta y Guillem Balagué. Finalizado el evento la conferencia «El periodisme com experiència literària» que tendrá como ponentes a los jefes de redacción de las revistas Panenka, H (publicación dedicada al mundo del rugby), Volata (ciclismo) y el polideportivo en catalán Fosbury.

La muestra del libro deportivo de Barcelona también tendrá una zona de venta en donde los asistentes podrán adquirir títulos de editoriales tales como Random House, Ara Llibres, Contra, Corner, Grupo Anaya y Libros del KO.

Organizado por los responsables del Offside Fest, festival que desde hace cinco años presenta en Barcelona los mejores documentales de futbol, Rècord nace como un aparador de la cada vez más prolífica y literalmente relevante colección de títulos, tanto de ficción como de no ficción, comic, infantil..en catalán y castellano, relacionados con el mundo del deporte.

Horarios

11h Apertura de puertas.

12h Charla con Ramon Besa (moderada per Aitor Lagunas, editor de Panenka), (posterior firma de libros).

13h Charla «L’esport d’escriure» Sergi Pàmies i Galder Reguera (posterior firma de libros).

14h Charla «Futbol i política» Carles Viñas + Ramon Usall (moderado por Marcel Beltran) (posterior firma de libros).

16h Charla «Barça. Un club amb molt per escriure» Jordi Costa + Frederic Porta + Lluis Lainz (posterior firma de libros).

17h Charla «Apostoflant! La molt llarga i sempre única trajectòria de Jordi Robirosa en el periodisme esportiu«, Jordi Robirosa (moderado por Dani Senabre) (posterior firma de libros).

18h Charla «L’art de la biografia» Guillem Balagué (posterior firma de libros).

19h Charla «Els meus favorits» Jordi Puntí  (moderado por el también escritor Miguel Ángel Ortiz) (posterior firma de libros).

20h Charla «El periodisme com experiència literària«. Revistas deportivas Panenka, Volata, H y Fosbury  (posterior firma de libros).

Tráiler extendido para la adaptación televisiva de «The Terror» de Dan Simmons

Tras un breve teaser visto hace ya unos meses acaba de ver la luz un primer tráiler oficial que podéis ver a final de página de uno de los acontecimientos más esperados de este 2018 recién estrenado en lo referente al ámbito televisivo, The Terror adaptación de la conocida novela de Dan Simmons se estrenará en el canal AMC el 26 de marzo, en nuestro país lo hará el próximo 3 de abril. La serie que constará de 10 episodios cuenta entre sus varios productores con  el cineasta Ridley Scott a través de su compañía Scott Free productions.

The Terror nos sitúa en el año 1847, un equipo de expedición de la Marina Real británica es enviado al Ártico en busca del Paso del Noroeste, acechados por las condiciones extremas, los recursos limitados, la falta de esperanza y el miedo a lo desconocido, la tripulación se encontrará constantemente al borde de la muerte. Una vez llegados al destino son atacados por un misterioso depredador que acecha a los barcos y a sus tripulaciones.

La serie con guion adaptado a cargo de David Kajganich está protagonizada por Jared Harris, Ciarán Hinds, Edward Ashley, Caroline Boulton, Mikey Collins, Chris Corrigan, Anthony Flanagan, Kevin Guthrie, Declan Hannigan, Roderick Hill, Christos Lawton, Matthew McNulty, Tobias Menzies, Paul Leonard Murray, Adam Nagaitis y Alistair Petrie.

Rodada en Budapest, The Terror está producida por Scott Free, Emjag Productions y Entertainment 360, con AMC Studios. Además de Kajganich y Hugh, la serie también está producida por Ridley Scott, David W. Zucker, Alexandra Milchan, Scott Lambert y Guymon Casady.

https://youtu.be/d5Z_pAK7How

Choque de titanes. 50 películas fundamentales sobre la Guerra Fría

La expresión Guerra Fría, popularizada en 1947 por el periodista Walter Lippmann, alude al prolongado conflicto que enfrentó a la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas y a Estados Unidos por la hegemonía mundial. Una pugna que se libró en los frentes político, económico, científico, militar y cultural, donde el cine desempeñó un gran papel. Las películas, de los más variados géneros y estilos fueron el mejor medio de persuasión para inculcar al espectador un orden simbólico que justificase la ideología de cada superpotencia. Pero, también, desafiando a la censura, y gracias a sus sofisticadas formas narrativas e iconográficas, el cine plasmó de manera certera las tensiones sociales y políticas de toda una época, proporcionándonos un documento histórico de primer orden protagonizado por personajes tan diversos como Iósif Stalin, Ronald Reagan, Lev Kuleshov, Sylvester Stallone, Nikita Jruschov, Billy Wilder, Grigoriy Chukhray, John Wayne, Alfred Hitchcock, John Le Carré o Steven Spielberg.

 

 Índice

Choque de Titanes (p. 11)

 

LAS PELÍCULAS (pp. 33-212)

Las extraordinarias aventuras de Mr. West en el país de los bolcheviques (1924

Tchapaief, el guerrillero rojo (1934)

Ninotchka (1939)

Mission to Moscow (1943)

El telón de acero (1948)

Vstrecha na Elbe (Meeting on the Elbe) (1949)

Zagovor Obrechyonnykh (Conspiracy of the Dammed) (1950)

Ultimátum a la Tierra (1951)

I Was a Communist for the FBI (1951)

My Son John (1952)

La guerra de los mundos (1953)

Fugitivos del terror rojo (1953)

Prisoner of War (1954)

Murió hace 15 años (1954)

La invasión de los ladrones de cuerpos (1956)

En el ojo del huracán (1956)

Kommunist (Communist) (1958)

La balada del soldado (1959)

Una bala sin nombre (1959)

Rojo atardecer (1959)

Uno, dos, tres (1961)

El mensajero del miedo (1962

Escape from East Berlin (1962)

Desde Rusia con amor (1963

Su excelencia el embajador (1963)

Siete días de mayo (1964

Punto límite (1964

El espía que surgió del frío (1965)

Estado de alarma (1965)

¡Que vienen los rusos! (1966)

Boinas verdes (1968)

La sombra del zar amarillo (1969

Topaz (1969

Atrapados en el espacio (1969)La carta del Kremlin (1970)

Hearts and Minds (1974)

Meteoro (1979

Salvador (1982)

The Atomic Cafe (1982)

Amanecer rojo (1984)

Rambo: Acorralado parte II (1985

Koordinaty smerti (Coordinates of Death) (1985)

Soviet, la respuesta (1987)

Danko: Calor rojo (1988)

La bestia de la guerra (1988)

La caza del Octubre Rojo (1990)

Matinee (1993)

Trece días (2000)

Silmido (2003

El puente de los espías (2015)

 

Bibliografía (pp. 213-217

Índice de películas (pp. 219-220)

 

Autor; Antonio José Navarro, Editorial; UOC, Colección: Filmografías Esenciales. Páginas; 222

Primer tráiler para «Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot» de Gus Van Sant

Será indiscutiblemente uno de los platos fuertes tanto del inminente festival de Sundance como de la próxima Berlinale, el nuevo trabajo tras las cámaras de Gus Van Sant Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot, cuyo primer tráiler junto a su póster oficial podéis ver a final de página, vuelve a reunir a Gus Van Sant y Joaquin Phoenix tras colaborar en To Die For hace ya 23 años, el film supone una nueva incursión por parte del realizador en el drama de tintes biográficos tras Last Days y Mi nombre es Harvey Milk. Aún sin fecha de estreno en España la película verá la luz en cines estadounidenses el próximo 11 de mayo de la mano de Amazon.

Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot nos narra la historia del dibujante John Callahan que en los años 70 sufrió un accidente de coche cuando tenía 21 años que lo dejó paralítico después de un día de copas, a raíz de dicho evento comenzará a dibujar como parte de su terapia, a partir de ese momento Callahan descubrirá el don de dibujar a través de atrevidas e irreverentes viñetas que le supondrán un reconocimiento nacional y le otorgará un nuevo impulso a su vida.

La película con guion del propio Gus Van Sant junto a John Callahan según sus propias memorias está protagonizada por Joaquin Phoenix, Rooney Mara, Jonah Hill, Jack Black, Mark Webber, Peter Banifaz, Udo Kier, Nolan Gross, Connor Skific y Karen Nitsche.

Póster y tráiler de «Ghostland» de Pascal Laugie

No deja de ser una certeza que con tan solo tres trabajos en su haber el francés Pascal Laugie ha conseguido labrarse un nombre dentro del panorama de género fantástico contemporáneo, posiblemente la polémica Martyrs fue el título que le dio a conocer de forma mayoritaria aunque tanto su opera prima Saint Ange (2004) como su primer trabajo en lengua inglesa The Tall Man (2012) son dos películas ciertamente a tener muy en cuenta. Cuatro años después de su último trabajo tras las cámaras el realizador galo vuelve a incidir en el horror con Ghostland, film cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, la película anteriormente conocida con el título de Incident in a Ghost Land se estrenará en territorio francés el próximo 14 de marzo previo paso por el festival de Gérardmer.

Ghostland nos cuenta como una madre, Colleen, y sus dos hijas, Beth, una chica tímida y encerrada en sí misma que inventa historias para abstraerse de la realidad y Vera, más abierta y segura de sí misma, tras el fallecimiento de su tía heredan una lujosa casa, durante la primera noche en su nuevo hogar unos psicópatas entran en la residencia obligando a la madre a luchar para intentar salvar la vida de sus dos hijas. Dieciséis años más tarde, Beth se ha convertido en una famosa escritora de novelas de terror teniendo una perfecta vida familiar en Chicago, mientras que Vera a duras penas puede arreglárselas sola teniendo graves trastornos mentales con una continua sensación de paranoia. Hijas y madre se vuelven a reunir de nuevo en la antigua casa donde todavía residen Colleen y Vera. A partir de ese momento empezaran a suceder cosas extrañas.

La película con guion del propio Pascal Laugie está protagonizada por Crystal Reed, Anastasia Phillips, Mylène Farmer, Taylor Hickson, Emilia Jones, Rob Archer, Suzanne Pringle, Adam Hurtig, Alicia Johnston, Ernesto Griffith, Erik Athavale, Kevin Power, Paul Titley y Terry Ray.

«Zama» review

En una remota colonia sudamericana a finales del siglo XVIII, Zama, oficial de la corona española, espera en vano ser reconocido por sus méritos y trasladado a un destino más prestigioso. Mientras sufre humillaciones y artimañas políticas, sucumbe a la lujuria y a la paranoia. Cuando decide atrapar a un peligroso bandido y recuperar su nombre, en el fracaso se libera de la espera. Basada en la novela existencial de Antonio Di Benedetto escrita en 1956.

Han tenido que pasar cerca de diez años desde el estreno de La mujer sin cabeza para que Lucrecia Martel volviera a situarse detrás de una cámara, una espera que vistos los resultados ciertamente ha valido la pena, de alguna manera las vicisitudes que han rodeado la producción de una película de las características de Zama podrían ser equiparables salvando las evidentes distancias coyunturales y acercando otras perfectamente reconocibles incluso a su propia temática a un particular Apocalypse Now en referencia a la accidentada gestación y posterior desarrollo en el que se vio implicada la realizadora argentina, casi una década en donde se vislumbraron algunos proyectos nonatos entre los que destaca la adaptación de El Eternauta de Oesterheld, dada dichas dificultades y lejos de ampararse en trabajos de miras y concepción menores  Martel se muestra ambiciosa con un nuevo film de una naturaleza y posterior desarrollo ciertamente complicado, basado en la novela homónima de Antonio Di Benedetto escrita en 1956, Zama, que de forma algo caprichosa y en referencia a esa fatalidad antes comentada tampoco ha tenido un periplo festivalero muy apropiado (condición casi sine qua non a día de hoy para que ciertas películas de claro índole autoral tengan un respaldo adecuado que ayuden a su difusión) forma parte de esas adaptaciones que a priori parecen inadaptables, solo realizadores capacitados de una visión en donde artilugios como en este caso una sensorialidad que se sitúan de pleno al servicio del lenguaje cinematográfico pueden revertir y en parte apropiarse de un material en principio complicado para direccionarlo a un imaginario propio, evidentemente Lucrecia Martel es uno de ellos y Zama un perfecto ejemplo de dicha ecuación.

Zama película se aparta conscientemente del literato de Di Benedetto y abraza a ese imaginario antes comentado que solemos percibir en la obra pretérita de Lucrecia Martel, si hasta ahora habíamos contemplado en sus películas unos pliegues que anidaban a través de atmosferas de tono asfixiante, cerradas y malsanas, tanto a nivel personal como escénico, en Zama dado su salto equitativo en lo referente a su producción y pese a la obligada obertura de una puesta en escena mucho más amplia y ampulosa sigue a pies puntillas unas directrices que nos son plenamente reconocibles en anteriores obras suyas, todo el cine de Lucrecia Martel se fundamente básicamente en lo más estrictamente sensorial (imprescindible en esta cuestión el trabajo de sonido en su función distorsionadora a cargo del habitual Guido Beremblum), un posicionamiento que termina derivando en corporalidad por encima de lo más puramente cerebral, es por eso que todas sus películas requieren de un esfuerzo por parte del espectador a la hora de descifrar unas claves que se apartan de lo que muchos entienden como narración convencional. El cine de la responsable de La niña santa fluctúa básicamente a través del trauma y de una visión del mundo ciertamente desesperante, en Zama somos testigos de una angustiosa dilatación, una espera física pero sobre todo mental, la voz interior de un personaje que no parece, ni quiere pertenecer, a un entorno del que es prisionero, una historia en la que somos testigos de cómo percibir una angustia, o mejor dicho la continua obstrucción de un deseo o un posible anhelo, en este sentido esa narrativa interior no solo anida en ver o percibir como Diego de Zama es víctima y esclavo de una espera, de hecho estamos ante una historia en donde todos por protagonistas, incluidos los indígenas, de alguna u otra manera son víctimas de dicho mal, sin embargo el personaje interpretado con pulcritud por parte de Daniel Giménez Cacho también lo es en lo referente a la derivación que se nos plantea de una insatisfacción y frustración tanto sexual como burocrática, una primera hora y media la del film que fluctúa a través de lo más estrictamente existencial para dar paso a continuación a lo que podríamos definir como una experiencia de claros contornos  alucinatorios.

La parte final de Zama continua con esa conciencia febril pero desde una óptica que podíamos describir como liberadora o incluso redentora, es en este preciso tramo en donde Martel parece mirar fijamente a un oscuro misticismo que puede recordarnos puntualmente el cine pretérito de Werner Herzog. Si todo el cine de la realizadora argentina ha precisado de una atención especial Zama de alguna manera podría convertirse perfectamente en el paradigma de una supuesta postura que atañe directamente al espectador, un film que posiblemente necesite de más de un visionado para poder ser plenamente consciente de toda la ambigüedad que atesora, en este aspecto es primordial la función de los recursos técnicos utilizados para la ocasión, los fuera de campo o los sonido que al igual que el protagonista, y que llegan a ser sinérgicos con los diálogos lanzados al vacío, no llegamos a saber a ciencia cierta de donde proviene juegan un papel de primordial a la hora de retratar una visión de la prisión interna que alberga cada ser humano, como argumentación de lo más puramente traumático el descifrar Zama no es tarea fácil, en referencia a este tratado Lucrecia Martel no manipula ningún eje, simplemente nos orienta y conduce a una de las experiencias más dolorosas y cautivantes que nos ha proporcionado el cine en estos últimos años.

Valoración 0/5.4

La afiliación del genocidio, primer tráiler de «The Captain»

Fue una de las sorpresas vistas en la última edición del festival de San Sebastián (crítica aquí), pese a solo conseguir un muy merecido premio a la mejor fotografía The Captain, Der Hauptmann en original, dejo muy buenas sensaciones en el pasado certamen donostiarra, en la dirección nos encontramos con Robert Schwentke que con este trabajo vuelve a su país natal después de su exilio a los Estados Unidos en donde realizo trabajos de claro índole comercial como por ejemplo Tatto, Flightplan, Red o la saga Divergente. The Captain que se estrenará en Alemania el próximo 15 de marzo y cuyo primer tráiler oficial y póster podéis ver a final de página nos cuenta la historia real del joven soldado Willi Herold, una historia que nos sitúa durante los últimos suspiros de la II Guerra Mundial, en el veremos como un joven soldado por cuestiones del azar terminara teniendo la potestad de decidir el destino de los demás.
La película con guion del propio Robert Schwentke, música compuesta por Martin Todsharow y fotografía en blanco y negro a cargo de Florian Ballhaus está protagonizada por Max Hubacher, Milan Peschel, Frederick Lau, Bernd Hölscher, Waldemar Kobus, Alexander Fehling y Samuel Finzi.
The Captain nos cuenta como en los últimos momentos de la II Guerra Mundial, un soldado de 19 años, andrajoso y hambriento, roba el uniforme de un capitán. Haciéndose pasar por un oficial, reúne a un grupo de desertores y comienza a matar y saquear a su paso a través de la golpeada Alemania nazi.

El verano del serial killer y de la nostalgia, teaser tráiler de «Summer of ’84»

Summer of ’84 cuyo primer avance en forma de un primer teaser tráiler y póster oficial podéis ver a final de página es otra de las películas que se podrán ver estos próximos días en el festival de Sundance, el film es una nueva incursión en el ejercicio nostálgico de índole fantástico de los años 80 que en estos últimos tiempos se han vuelto tan de moda gracias especialmente a la serie Stranger Things o a la reciente versión cinematográfica de It, una práctica que en algunos casos es llevada a una cierta impostura si nos paramos de forma detenida en lo que pueden ser sus supuestas intenciones, de hecho los responsables de Summer of ’84 los francocanadienses François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell conocidos bajo las siglas RKSS ya habían incidido anteriormente en esos tiempos pretéritos con bastante repercusión mediática con su corto Le Bagman y su posterior opera prima Turbo Kid.

En Summer of ’84 vemos como Davey, un joven de 15 años está desesperado por intentar creer que hay algo más en la vida que lo que ve desde la ventana de su propio dormitorio, el solo pensar que pueda tener un asesino en serie en el pueblo donde habita es una aterradora y excitante premisa en el inicio de lo que se prevé un aburrido verano. Con las hormonas a flor de piel, Davey y sus amigos sueñan con conquistas sexuales de rigor hasta que llegan las noticias de la existencia de un asesino que parece actuar en el vecindario. Davey convence a sus amigos para iniciar una investigación y descubren que su vecino de al lado, un simple policía sin pretensiones, podría ser según ellos el principal sospechoso.

La película con guion de  Matt Leslie y Stephen J. Smith y música compuesta por Le Matos está protagonizada por Graham Verchere, Judah Lewis, Caleb Emery, Cory Gruter-Andrew, Tiera Skovbye y Rich Sommer.

Jon Hamm en modo negociador, tráiler de «Beirut» lo nuevo de Brad Anderson

Hacía tiempo que no teníamos noticias del siempre interesante Brad Anderson, su último trabajo tras las cámaras data del año 2014 con su algo fallida Stonehearst Asylum, desde entonces se ha movido en el ámbito televisivo con incursiones en series tales como Frequency, The Man in the High Castle, The Brave o la reciente The Sinner entre otras, su vuelta a la gran pantalla viene de la mano del thriller político Beirut, film cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página. La película anteriormente conocida con el título de High Wire Act cuenta al frente de su reparto con el eficiente Jon Hamm, recientemente visto en la notable fantasía sci-fi intimista Marjorie Prime de Michael Almereyda. El film que tendrá su premier mundial en el inminente festival de Sundance se estrenará en los cines estadounidenses el próximo 13 de abril de 2018.

Beirut nos cuenta como Mason Skiles un antiguo diplomático norteamericano se ve envuelto en una operación de espionaje en el Líbano que le hará enfrentarse a un traumático pasado. Deberá regresar a la capital libanesa diez años después para poder rescatar a un viejo amigo, agente de la CIA, secuestrado por unos terroristas cuyo líder pide a cambio la liberación de su hermano, un peligroso criminal. En el camino se enfrentará a una trama de engaños y traiciones con implicaciones de alto nivel político.

La película con guion de Tony Gilroy (saga Bourne) está protagonizada por Jon Hamm, Rosamund Pike, Mark Pellegrino, Dean Norris, Shea Whigham, Alon Aboutboul, Jonny Coyne, Larry Pine, Jay Potter, Ben Affan, Mohamed Zouaoui y Mohamed Attougui.