Autor: Administrador

Le sens de la fête

Para la novia y el novio es la noche más importante de sus vidas. Pero es como cualquier otra noche para Max, de la empresa de cátering, Guy el fotógrafo, James el cantante, y todos los demás que trabajan en el evento. Pierre y Helena han decidido celebrar su unión en un castillo precioso del siglo XVIII a las afueras de París. Seguimos la fiesta desde la preparación hasta la salida del sol, casi a tiempo real, pero solo a través de los ojos de los que trabajan en la boda. Y será una noche llena de sorpresas.

La que diríamos concesión este año dentro de la sección oficial del festival  (decisión ciertamente discutible en lo concerniente a su selección) recayó en la comedia francesa Le sens de la fête de Olivier Nakache y Eric Toledano, dueto responsable de ese muy discutido éxito comercial de hace unos años que fue Intocable, en esta ocasión los directores galos han optado por un camino algo más fácil, permitiéndoles en cierta manera el enmascarar carencias que en caso de anteriores trabajos suyos llegaban a ser ciertamente escandalosas, una postura la de aquí tomada que sin embargo sigue evidenciando de forma muy clara un riesgo 0 en lo referente a una propuesta  que parece más destinada a un pase televisivo de domingo tarde que a una inclusión en la sección oficial de un festival de clase A.

Soy de los que opinan que una buena comedia no se mide por el nivel proporcional de sus carcajadas y si en la comicidad por parte del espectador con respecto a ella, en Le sens de la fête asistimos a un catálogo muy atropellado de gags sin ningún atisbo de desarrollo narrativo, ni en lo concerniente a su insulsa historia ni mucho menos al interés que nos puede proporcionar su coral reparto, no hay lugar al engaño por mucha predisposición que el espectador muestre por lo que esta viendo, al final todo el entramado resulta estar estructurado por medio de un aparatoso cartón-piedra fácilmente adivinable. Posiblemente lo más duro que un servidor tuvo la sensación de percibir tras el visionado de Le sens de la fête fue oír como algunas personas supuestamente influenciados por un timing escénico en donde parecen que encontraron ciertas similitudes al compararla con el The Party de Blake Edwards, un apunte este tan lamentable y poco acertado como lo suelen ser en su práctica totalidad las propuestas naif perpetradas por Olivier Nakache y Eric Toledano.

Valoración 0/5: 1’5

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Después de meses sin que aparezca el culpable de la muerte de su hija, Mildred Hayes da un paso valiente al pintar tres señales que conducen a su pueblo con un polémico mensaje dirigido a William Willoughby, el venerado jefe de policía del pueblo. Cuando su segundo al mando, Dixon, un inmaduro niño de mamá aficionado a la violencia, entra en acción, la guerra entre Mildred y las fuerzas policiales de Ebbing no hace más que empeorar.

Tras su triunfal paso por los festivales de Venecia y Toronto y conseguir en San Sebastián un merecido Premio del Público la nueva película de Martin McDonagh (Escondidos en Brujas, Siete psicópatas) Three Billboards Outside Ebbing, Missouri no solo supone el mejor trabajo realizado hasta la fecha por parte de McDonagh sino que se desvela como la perfecta plasmación fílmica por parte de unos personajes que cohabitan dentro un escenario tan reconocible como es esa América white trash que parece estar situada a medio camino entre la referencia tarantiniana y el explícito homenaje al cine de los hermanos Coen a través de un argumento en donde se nos ofrece una enloquecida  espiral de violencia, humor negro, drama y melancolía recuperando la mejor tradición de un reparto coral capitaneado por una inconmensurable Frances McDormand, una interpretación con claro marchamo de Oscar.

La gran virtud del cine de Martin McDonagh a parte de su hábil manejo del humor negro es la soltura con que utiliza el ensamblaje genérico en sus películas, en Three Billboards Outside Ebbing, Missouri esa máxima esta llevada de manera casi perfecta al extremo, en la película vemos como las continuas transiciones entre drama y comedia se extienden a lo largo de prácticamente todo el metraje, pero el gran triunfo de dicho posicionamiento lo encontraremos en como lejos de contrarrestarse dichos conceptos estos se retroalimentan de alguna manera, es ahí a través de su narrativa y en especial en lo referente a sus muy agudos diálogos en donde se logra enfatizar con la evolución de unos personajes, McDonagh tiene la habilidad de convertir en adorables a unos seres que normalmente y en cualquier otra situación serían tildados de despreciables,  momentos de comedia desmedida que dan paso inmediatamente a temas de índole mucho más complejos sin que el relato se resienta de dicho vaivén genérico en ningún momento, más bien al contrario pues asistimos a un lienzo dotado de muchos claroscuros, lo políticamente correcto y lo que no es separado por una línea que apena podemos percibir, acciones y personajes diversos transitan a través de un retrato que se aleja del trazo redentor para situarnos en el núcleo esa América profunda y criminal como bien nos muestra ese final tan poco amable y de moral tan discutible.

Valoración 0/5: 4

Princesita

Una película inspirada en hechos reales sucedidos en el sur de Chile. Tamara, de once años, vive en una secta que está regida por las reglas y creencias de Miguel, su líder, quien le impone un destino a la niña: procrear junto a él a su sucesor. Pero ella se enamora de un compañero y esa relación estará reñida con el propósito de Miguel.

Dentro de la sección Nuev@s Director@s se pudo ver el segundo trabajo como realizadora de la chilena Marialy Rivas, Princesita al igual que su opera prima Joven y alocada transita a través del peliagudo mundo de las sectas y el abuso a menores, la película se presenta a modo de una introspectiva pesadilla interior contada desde la temerosa psique de una niña de doce años que contra viento y marea se verá en la obligación de luchar por una liberación tanto física como emocional.

Princesita más que una denuncia en lo relativo a las sectas es una defensa de la feminidad como tal o al menos así parece desprenderse de unas imágenes que por momentos abusa de una reiteración formal que termina desvirtuando en parte un relato construido a modo de cuento de hadas que va mutando conforme avanza el metraje en algo mucho más siniestro, hay un énfasis muy evidente por parte de la realizadora en lo concerniente a la fabricación de un imaginario propio (el de la joven protagonista) que intenta contrarrestar la amenaza de todo lo masculino que le rodea de una forma no natural, y que sirve al mismo tiempo como metáfora de como las mujeres siempre han estado supeditadas de alguna manera a los deseos y a los sueños masculinos. El posicionamiento de Princesita con respecto a un tema tan sórdido es algo distante, en cierta manera rehúye de lo escabrosa jugándoselo todo a una carta al presentar dos visiones que son estructuradas a través de una doble voz en off, la de la niña protagonista y la del Miguel, el líder de la secta presentado bajo los rasgos siempre inquietantes de un solvente Marcelo Alonso, dicha dualidad tiene la intención de crear una cierta ambigüedad en el espectador en lo concerniente al relato, lo consigue solo a medias pues uno termina teniendo la ligera sensación de estar ante una película que quizás se ampare demasiado en lo preconcebido a la hora de desvelar sus propios recursos narrativos.

Valoración 0/5: 3

Ni juge, ni soumise

La extraordinaria y nada convencional jueza Anne Gruwez nos lleva a la trastienda de investigaciones criminales reales. Durante tres años el equipo satírico que está detrás de la serie televisiva de culto Strip-Tease capturó lo que nadie hasta entonces se había atrevido a filmar. Sin concesiones y de un modo políticamente incorrecto. No daréis crédito a vuestros ojos. No es cine: ¡es peor!

Posiblemente lo mejor de un film de las características de Ni juge, ni soumise sea su inclusión en la sección oficial a competición como perfecto ejemplo del cambio realizado por el certamen a la hora de seleccionar formatos como el documental o la animación, algo impensable años atrás, Ni juge, ni soumise supone el salto al medio cinematográfico por parte de Jean Libon e Yves Hinant, reconocidos autores a través del medio catódico belga por su programa de culto Strip-Tease, Ni juge, ni soumise no deja de ser una continuación del mismo esquema televisivo, un trabajo tan sorprendente en lo referente a sus formas como algo cuestionable con respecto a la utilización de ciertos trazados morales con respecto a la supuesta incorrección política que quiere exhibir.

A la hora de intentar evaluar Ni juge, ni soumise no estaría de más retroceder algo en el tiempo y acercarnos a otro film belga como C’est arrivé près de chez vous, un trabajo que de alguna manera reactivo hace ya 25 años lo que se dio a entender como el falso mockumentary, entre las evidentes diferencias entre ambas películas convendría detenerse en una muy particular, la supuesta veracidad por la que transitan ambas, el problema viene dado cuando ese realidad que parece pregonar Ni juge, ni soumise cuando menos se nos presenta cuestionable, no en referencia a los hechos de los que somos testigos y si en la representación que nos ofrece la jueza de instrucción Anne Gruwez, aquí habría que detenerse y preguntarnos si realmente no estamos asistiendo a una interpretación por parte de tan peculiar personaje, hay un énfasis muy evidente por parte de la letrada en subrayar en todo momento su perfil irónico y su supuesta libertad de expresión especialmente en situaciones digámosla de naturaleza complicada, en este aspecto parece claro que los realizadores toman la determinación de seguirle el juego aplicando formalismos muy cuestionables ¿realmente era necesario el ofrecer explícitos planos de la exhumación de un cadáver reciente para ser testigos de la incorreción política de la señora en la que posiblemente fue la escena más desagradable vista durante todo el festival?. En cierta manera la validez de Ni juge, ni soumise viene dada por la frescura de la propuesta como tal y la oportunidad de ver un lado muy poco conocido de la burocracia jurídica, en contra la película apuesta fuerte en referencia  la supuesta empatía por parte del espectador hacia una protagonista con un ego difícilmente asimilable para según quien. Al igual que C’est arrivé près de chez vous  Ni juge, ni soumise se cierra utilizando esquemas y conceptos similares, un testimonio aterrador sirve en parte para borrar la sonrisa cómplice que se había tenido de ella hasta ese momento, una escena por cierto que curiosamente serviría como un inmejorable preámbulo a la notable 12 jours.

Valoración 0/5: 2’5

12 jours

Cada año en Francia 92.000 personas son ingresadas en centros psiquiátricos sin su consentimiento. Según la ley, el hospital tiene 12 días para llevar a cada paciente ante un juez. Sobre la base de los historiales médicos y las recomendaciones de un doctor, hay que tomar una decisión crucial: ¿El paciente debe irse o quedarse? Son doce días después de los cuales una vida puede cambiar para siempre. El prestigioso director y fotógrafo Raymond Depardon, que ha tenido acceso por primera vez a esas audiencias, recoge estos extraordinarios encuentros entre la justicia y la psiquiatría. Se trata de un film sorprendente y esclarecedor que da voz a aquellos que hasta ahora no la tenían.

Dentro de ese estimulante cajón de sastre genérico que es la sección Zabaltegi – Tabakalera uno tuvo la suerte de poder perderse por él y descubrir trabajos tan interesantes y fascinantes como 12 jours, documental a cargo del veterano Raymond Depardon en donde asistimos a un demoledor tratado acerca de la locura. Bajo la premisa argumental de esos 12 días en donde un juez a tiene que determinar la salida o el internamiento psiquiátrico del paciente asistimos a unas escenas elaboradas a través de la máxima austeridad formal del testimonio-entrevista de diez hospitalizados que tendrán que exponer su aparente verdad ante el letrado en base a un continuo plano-contra plano más un tercero dispositivo visual de composición neutra.

12 jours pese a su enunciado evita el justificar o adentrarse en el discurso social como tal aunque inevitablemente veamos en el film dos discursos irreconciliables y totalmente antagónicos, ahí sí que podríamos encontrar alguna rendija acerca de la potestad de un clase social a la hora de determinar o legitimidad el destino del paciente, sin embargo este aparente conflicto queda reducido a la nada prácticamente pues al final y al cabo las decisiones que toma el juez encargado no dan lugar en ningún momento al debate. 12 jours por el contrario si constituye un fascinante y por momentos demoledora verbalización del desequilibrado mental, el dar la palabra a individuos que van desde la esquizofrenia más peligrosa hasta la paranoia, pasando por los impulsos suicidas o por un conmovedor sentimiento de persecución, todo una exposición que se desvirtúa de la realidad y en donde se atisba de trasfondo una triste fragilidad humana que en ocasiones intenta ser enmascarada por los propios protagonistas, la extraordinaria cámara fría y neutra de Raymond Depardon terminará desvelándonos toda la cruda realidad.

 Valoración 0/5: 4

Wonders of the Sea 3D

Filmada en 3D a lo largo de tres años en localizaciones que van de las islas Fiyi a las Bahamas, la película nos sumerge en un viaje apasionante bajo el agua de los océanos que cubren el 71 por ciento de la superficie de nuestro planeta. Espectacular documental producido y narrado por Arnold Schwarzenegger, el mítico protagonista de Terminator y Desafío total. Una película que busca concienciar sobre los tesoros del mar y la necesidad de preservarlos. Codirigida por el hijo del emblemático pionero de la divulgación científica Jacques-Yves Cousteau.

La cuota de concienciación este año dentro del Zinemaldia vino curiosamente de la mano de Arnold Schwarzenegger que estuvo presente en el certamen presentando el documental Wonders of the Sea 3D, el film parte de la idea de presentar un lujoso y colorido alegato (destinado a ser exhibido en las mejores condiciones técnicas posibles) a favor del medio ambiente marino, una exposición de los océanos marinos que curiosamente ve la luz en un momento adecuado dada el actual posicionamiento del que podríamos considerar como el principal adversario en las redes sociales de Arnold Schwarzenegger, Donald Trump, quien parece mirar con demasiado escepticismo y negación todo lo referente al cambio climático. Wonders of the Sea 3D hace referencia ocasional a tales peligros, pero en líneas generales su discurso se sitúa en el neutral terreno  de lo más estrictamente apolítico, en su lugar y de forma acertada se centra a celebrar la biodiversidad del mundo marino en todas sus posibles formas que dan lugar a un universo tan colorido como extrañamente psicodélico, la apuesta del documental es claramente visual sin ningún lugar a dudas, unas imágenes por cierto que se sitúan muy por encima de su algo infantil dialecto, en especial a todo lo relacionado en la interactuación verbal entre los miembros de la familia Cousteau.

Valoración 0/5: 2

La douleur

Al encontrar dos viejos cuadernos en una caja olvidada, Marguerite Duras recuerda su pasado y el insoportable dolor de la espera. En la Francia ocupada por los nazis de 1944, la joven y brillante escritora participa activamente en la Resistencia junto con su marido, Robert Antelme. Cuando Robert es deportado por la Gestapo, Marguerite se embarca en una lucha desesperada para conseguir que regrese. Entabla una inquietante relación con el colaboracionista Rabier y corre grandes riesgos para salvar a Robert, en un juego del ratón y el gato con impredecibles encuentros por todo París. ¿Rabier quiere realmente ayudarla? ¿O está tratando de obtener información sobre los grupos clandestinos anti nazis? Finalmente la guerra termina y las víctimas regresan de los campos, un periodo insoportable para ella, una larga y silenciosa agonía tras el caos de la liberación de París. Pero ella continúa esperando, encadenada al tormento de la ausencia, incluso más allá de la esperanza.

La adaptación cinematográfica de la novela de homónima de Margarita Duras a cargo del irregular Emmanuel Finkiel en el que es su cuarto largometraje era a priori otro de los platos fuertes dentro de la sección oficial a concurso este año en el Zinemaldia, La douleur parte de hándicap de la dificultad de poder adaptar un texto en extremo literario, un relato en donde la voz y el silencio han de tener que mostrarse y posteriormente asimilarse de una manera coherente, o al menos intentarlo, lo que nos cuenta la escritora francesa en su escrito transita a través de un catálogo en donde la espera, el ansía o la angustia ubicados en una época claustrofóbica y demoledora han de transitar en lo relativo a una sola voz y mirada (extraordinaria interpretación a cargo de Mélanie Thierry e incomprensiblemente no presente en el palmarés del certamen).

En La douleur hay un esfuerzo que en algunos momentos llega a bordear lo extenuante por parte del director Emmanuel Finkiel en equiparar texto e imagen, el resultado termina siendo tan irregular como por momentos muy aislados inspirados, en cierta manera esta fricción fílmica queda muy de manifiesto en como la película queda vertebrada en dos partes visiblemente diferenciadas, una primera de tono narrativo más convencional y clasicista en términos de un film de época al uso, en ella vemos las reuniones clandestinas de la resistencia o el intento de Marguerite por intentar indagar a través de sus encuentros con un colaboracionista de la Gestapo, personaje interpretado por Benoît Magimel que sirve como soporte narrativo a dichos postulados, y una segunda bien distinta en donde Finkiel parece intentar equipararse a la novela de una manera algo forzada en base a una serie de dictados reflexivos que intentan profundizar en la lírica de la desesperación de la protagonista, es en este momento cuando La douleur parece evidenciar sus propias carencias, el no tomar distancia en referencia al texto hace que entre en aparición un trazo que parece coquetear con poco disimulo con lo impostado, algo que termina derivando al producto a una especie de academicismo que pese a los esfuerzos de Finkiel  no consigue llegar a estar a la altura de un estado mental tan interior y profundo que por momentos parece que tan solo tenga cabida a través de las letras.

Valoración 0/5: 2’5

The Third Murder

El conocido abogado Shigemori defiende a Misumi, acusado de robo con homicidio, que ya cumplió pena de cárcel por otro asesinato hace treinta años. Las posibilidades de que Shigemori gane el caso son escasas, ya que su cliente reconoce ser culpable, aunque esto probablemente signifique la pena de muerte. Pero a medida que desentraña el caso y escucha los testimonios del propio Misumi y de su familia, Shigemori empieza a dudar de la culpabilidad de su cliente.

No podía faltar a la cita donostiarra un habitual del certamen como es Hirokazu Kore-eda, The Third Murder presentada en la sección Perlas tras su paso por Venecia y Toronto significa un aparatoso cambio de registro genérico en lo referente a su filmografía, algo que provocó cierto desconciertos entre los seguidores del director nipón. Discípulo declarado del cine de Yasujiro Ozu y acostumbrados al drama costumbrista tan característico en sus películas, The Third Murder siendo un film algo menor si lo comparamos con otros trabajos suyos no es tampoco la fallida y convencional película que parece que muchos terminaron viendo.

Posiblemente el gran error de enfrentarse a The Third Murder sea el hacerlo desde una perspectiva que abarque solo el thriller judicial, Hirokazu Kore-eda como buen autor de anchuras clásicas nos propones un camuflado subtexto solo visible si apartamos de forma momentánea  la mirada genérica de lo que estamos presenciando, ese subrayado hace referencia a la moralidad existente dentro de la sociedad japonesa, de hecho el film camuflado bajo la apariencia de oscuro caso criminal nos habla básicamente de eso, un tratado del concepto de la verdad como elemento incognoscible, aquel que nos da varias versiones de un hecho en donde todos y ninguno parecen tener la potestad de ampararse en lo estrictamente verídico o en la necesidad de llegar a ella o no según conveniencias y determinación moral, aquí es donde Kore-eda  parece mirar directamente al Rashomon de Akira Kurosawa, en esa mutación de estilos y referencias es donde intuimos el trazo reconocible del autor de Nadie Sabe. Evidentemente en The Third Murder no encontraremos ningún rastro de violencia implícita en el relato como no podía ser de otra manera en el cine de Hirokazu Kore-eda, lo suyo es más bien exponer una complejidad formal adherida a una historia que pide al espectador que ejerza algún tipo de reflexión en relación a todo lo que se nos esta contando.

Valoración 0/5: 3’5

On Body and Soul

María comienza a trabajar como supervisora en un matadero de Budapest, pero pronto comienzan a surgir cotilleos y rumores sobre ella. Durante el almuerzo opta siempre por sentarse sola, y es consciente de sus deberes y obligaciones, con un estricto apego a las normas. Su mundo se compone de cifras y datos impresos en su memoria desde la primera infancia. Endre, su jefe, es un tipo tranquilo. Ambos empezarán a conocerse lentamente. Almas gemelas, se sorprenderán de compartir los mismos sueños. Con cautela, tratarán de convertir esos sueños en realidad.

La ganadora del Oso de Oro en la pasada edición del festival de Berlín también estuvo presente en San Sebastián dentro de la sección Perlas, en On Body and Soul la realizadora de origen húngaro Ildikó Enyedi nos plantea una sugerente metáfora a través de unas relaciones sentimentales deliberadamente excéntricas en donde las conexiones solo parecen posible materializarse en lo concerniente a la ensoñación dada la dificultad que ambos seres de conectar en la vida real, esta premisa de claras connotaciones fantásticas son representadas en imágenes a través de unos planos en donde vemos a dos ciervos acariciarse en un bosque nevado, dicho enunciado onírico parece querer mirar a la magnífica Upstream Color de Shane Carruth pero a diferencia de esta en donde todo se sustentaba a través de lo críptico Ildikó Enyedi tiende a recurrir en demasiadas ocasiones a un trazo deliberadamente explicito ubicado en un escenario que parece remitirnos a La sangre de las bestias de Georges Franju con la particularidad de que por momentos se logra equilibrar de forma admirable esa contundente puesta en escena con un exquisito gusto por el detalle (ojo al maravilloso plano final de los dos protagonistas desayunando  plagado de acotaciones).

On Body and Soul versa en relación a cómo pueden hermanarse dos almas refugiadas en su propia realidad, un encuentro que en el film veremos a través de una subtrama delictiva que acontece en la empresa donde ambos trabajan, treta de guion no muy afortunada por lo forzado y poco creíble de la situación, es un peaje a modo de escusa que sin embargo sirve para abordar preguntas sobre las conexiones humanas a través del enfoque alternativamente elegante y abstracto que nos propone Ildikó Enyedi y que sólo desvela de forma parcial mediante continuos contrastes en una historia que sin embargo es bien simple, no así su ejecución que trasferida a su condición de fábula que se adentra con soltura en universos altamente difusos logra otorgar al producto de un empaque ciertamente sugerente.

Valoración 0/5: 4

Handia

Tras haber luchado en la Primera Guerra Carlista, Martín vuelve a su caserío familiar en Gipuzkoa y allí descubre con sorpresa que su hermano menor, Joaquín, es mucho más alto de lo normal. Convencido de que todo el mundo querrá pagar por ver al hombre más grande sobre la Tierra, ambos hermanos se embarcan en un largo viaje por Europa en el que la ambición, el dinero y la fama cambiarán para siempre el destino de la familia. Una historia inspirada en hechos reales.

La nueva propuesta del equipo creativo que hace unos años deslumbro con Loreak fue otro de los platos fuertes  del cine patrio dentro de la sección oficial, Handia fue posiblemente la cinta española más destacada de esta edición de San Sebastián como bien refleja su presencia en el palmarés oficial, una película que para más inri no se corresponde a esa cuota de cine local que en algunas ocasiones parece justificar su presencia en certámenes sin llegar a evaluarse su supuesta calidad artística.

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El film dividido en seis capítulos y bajo unas aristas que parecen mirar al The Elephant Man de David Lynch bascula a través del biopic de época que termina mutando en una fábula que nos habla del infructuoso intento de adaptación abordado desde la marginalidad física de uno de sus protagonistas.

En cierta manera Handia es un film de ideas sumamente interesantes, tan sugerentes en sus formas como algo extraña en su composición cinematográfica, quedándose lejos de transitar en el pantanoso terreno del biopic convencional pero sin llegar a profundizar a conciencia en el estudio psicológico de sus personajes más allá de retratar con bastante esmero una historia que se sustenta especialmente en el clasicismo subyacente en el antiguo relato de época gracias a un diseño de producción de resolución impoluta que dado su escaso presupuesto está especialmente bien utilizado. Posiblemente el casting del film no sea el más acertado, tampoco ayuda que el film se centre en exclusiva en solo dos personajes dejando como simples figurantes algunos personajes que habrían dotado al relato de más riqueza narrativa como por ejemplo hubiera podido ser las mujeres de la familia retratadas en la película de una forma muy anecdótica. Aun con esto pequeños lastres Handia termina siendo una gran muestra del actual cine vasco que aborda con acierto y desde la perspectiva de la road movie una epopeya de connotaciones tristes y de claro tono marginal en donde el contexto histórico termina estando bien cohesionado al servicio de la propia historia.

Valoración 0/5: 3

Visages, villages

Agnès Varda, es una despedida profundamente conmovedora y absolutamente esencial (…) Su visión creativa nunca ha sido tan clara La veterana cineasta Agnès Varda y el joven fotógrafo y artista gráfico urbano JR recorren en una furgoneta las calles y paisajes de diferentes lugares de la Francia rural. El objetivo es muy sencillo: conocer gente con la que intercambiar ideas, fotografiar a estas personas y mostrar luego las imágenes a gran escala en plena calle, para ver qué reacciones provocan.

Agnès Varda premiada en San Sebastián con un merecido premio Donostia presento en la sección Perlas Visages, villages, película que firma junto al artista galo JR, el film parte de una idea bien sencilla, recorrer distintas localidades de Francia conociendo a los desconocidos habitantes de esas regiones periféricas que parecen estar situadas en una especie de olvido territorial para luego poder inmortalizarlos a través de enormes murales que son expuestos  a la vista de todos sus conciudadanos.

Una idea simple retratada de forma liviana pero de claro carácter autorreferencial, Visages, villages transita a través de un tono claramente vitalista, los diálogos entre los dos autores responsables del film no deja de ser un intercambio generacional de visiones acerca del arte y su correspondiente repercusión en nuestras vidas, de hecho podríamos considerar que el enunciado de road movie cultural que parece preceder al film no deja de ser una mera excusa a la hora de conocer gente y sitios y exponerlos de alguna manera. Esta simpática película termina curiosamente de una manera un tanto amarga, es cuando vemos como una de las últimas supervivientes de la generación de la Nouvelle Vague intenta visitar la casa de su antiguo compañero generacional Godard encontrando no solo un rechazo a su visita sino una nota bastante dolorosa destinada a la propia Varda, los sollozas de esta terminan convirtiéndose en irónicos reproches. Una vez terminado el visionado de Visages, villages  uno tiene la sensación de que estamos seguramente  ante la despedida de Agnès Varda, en este sentido la película cumple con creces tal cometido pues a través de ella somos testigos de cómo la visión creativa de la artista nunca había sido tan diáfana y conmovedora a la vez.

Valoración 0/5:3’5

El Festival presenta su programación más completa: 255 largometrajes, series y realidad virtual. Seis exposiciones encabezan la lista de actividades paralelas, que complementan una edición de récord. Sitges 2017 está preparado para celebrar su 50 aniversario. Para ello, el Festival ha preparado un menú que promete hacer historia. Entre el 5 y el 15 de octubre, Sitges se convertirá en el universo del fantástico que apuesta por potenciar su condición de punto encuentro para los profesionales de la industria del cine de género y de oportunidades para las propuestas de los jóvenes realizadores.

Ha pasado casi medio siglo desde que Sitges subió el telón a un festival que acabaría siendo el más importante del planeta en cine fantástico. Tuvo lugar en el cine del Casino Prado el 28 de septiembre de 1968 con la proyección de Aelita (Yakov Protazanov, 1924), un clásico soviético de ciencia ficción. A lo largo de estos cincuenta años han desfilado por Sitges innumerables películas, algunas de ellas clásicos ya cuando llegaron –como La mujer pantera–; otras, que lo han llegado a ser con el paso del tiempo –como Darkman o Reservoir Dogs–; y una infinita lista, auténticas obras de arte aclamadas por un público fiel que es la base de este festival. En estos 50 años han acudido a Sitges realizadores que iniciaban su carrera –como Sam Raimi o Quentin Tarantino–, pero también reconocidos maestros de la dirección como David Cronenberg. Por las calles de una población en que octubre aún es verano, se han codeado actores en busca de su primer papel, con estrellas como Anthony Hopkins, Jodie Foster, Fay Wray o Max von Sydow. Ésta ha sido la historia de Sitges. 50 años de amor por el fantástico.

Aelita

Sitges 2017 está preparado para conmemorar su 50 aniversario. Con nueva imagen, pero conservando como emblema el clásico gorila y la esencia que lo hace único en el mundo, el certamen quiere compartir la celebración del 50 aniversario con su público fiel y con todos aquellos espectadores interesados en el fantástico y en el cine en un sentido amplio.

En la primera línea de esta edición se encuentra uno de los invitados más entrañables del Festival: el realizador Guillermo del Toro, que ejercerá de padrino de la conmemoración. La del director mexicano con el Festival es una relación que arrancó cuando acudió a Sitges en 1993 para presentar su opera prima, Cronos. Sitges sólo tiene palabras de agradecimiento para el que será su gran maestro de ceremonias, y que inaugurará el Festival el próximo jueves 5 de octubre con la única La forma de agua, recientemente ganadora del León de Oro de Venecia. Guillermo del Toro será el gran anfitrión de un Festival por el que desfilarán figuras de la talla de Susan Sarandon, Frank Langella, William Friendkin, Vince Vaughn, Udo Kier, Dario Argento o Robert Englund. Desde Asia a Europ a, pasando por Estados Unidos y Latinoamérica, el nuevo talento del fantástico visitará Sitges, pero sin olvidar a los grandes clásicos, como The Rocky Picture Show –una sesión que promete ser memorable con la entrega del Gran Premio Honrífico a la actriz Susan Sarandon–.

La forma del agua

El Festival proyectará 255 películas, la gran mayoría integradas en sus secciones oficiales, que se proyectarán en las cinco salas: Auditori Meliá Sitges, El Retiro, Prado, Brigadoon, y Sala Tramuntana. Pero también se podrán ver algunas de ellas en las otras salas del certamen, con entrada gratuita, como el Espai Movistar +, el Hort de Can Falç o el Centre Cultural Miramar, donde se verá la realidad virtual asentada en el Festival de la mano de Samsung, en Sitges 2017 el público también podrá disfrutar de un sinfín de actividades para todos los gustos.

Seis exposiciones fantásticas

Seis son las exposiciones que podrán verse este año en Sitges. A las dos dedicadas a conmemorar el 50 aniversario del Festival –que estarán ubicadas en el Centre Cultural Miramar, y que previamente pudieron verse en la Filmoteca de Catalunya y en el Cercle Artístic de Barcelona–, se les unirá la exposición Ink of Dracula-A Comic Tribute: un homenaje al leit motiv de Sitges 2017, comisariada por Borja Crespo y coordinada por Marta Andreu y Diego López, y ubicada a la salida del Auditori del Hotel Meliá Sitges. Junto a Drácula, la figura de Lovecraft también recibirá un homenaje con las ilustraciones de Joseph Díaz y Guillem H. Pongiluppi. Una exposición que podrá verse en el Palau de Maricel. Además, los artistas locales también rinden homenaje al 50 aniversario del Festival con sus trabajos que se podrán visitar tanto en el Estudi Vidal como en la galería de arte Àgora3. Y por último, Casa Bacardí junto a la veterana revista Fotogramas, unen esfuerzos para realizar Fotogramas Fantàstic, una exposición en la que 16 artistas revisan en clave fantástica siete portadas míticas de la revista de cine.

El 50 aniversario estará presente a diario y en cada latido en un Festival que ya en el mes de febrero se presentó en sociedad en Los Ángeles (EE.UU) y en mayo en Cannes. El homenaje a sus fundadores (hoy jueves en el Prado) y la gala de clausura que protagonizará La Fura dels Baus son otros de los momentos en que el Festival recordará su trayectoria. La conmemoración del Festival quedará reflejada también en un cupón de la ONCE dedicado al certamen el próximo jueves 5 de octubre.

Conferencias, mesas redondas, presentaciones, encuentros y clases magistrales

En la habitual Carpa FNAC, este Sitges poliédrico se dotará de presentaciones de libros, cómics, ediciones de películas en dvd y blu-ray. Allí se presentará, entre otras publicaciones, el libro ganador del Premio Minotauro de este año, Nieve en Marte, de Pablo Tébar, y el libro del Festival de Sitges de este año: Sitges 50 años celebrando la oscuridad, un libro conmemorativo del 50 aniversario del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, resumen de memorias, invitados y vivencias de las primeras cinco décadas del festival. El libro hace, en paralelo, un repaso a la historia del cine fantástico que tenido un especial protagonismo en el certamen. Además, la Carpa FNAC será el espacio donde se presentará el libro Algo en la Sangre, de David J.Skal. Biografía sob re Bram Stoker, autor de Drácula, y creador de uno de los mitos con más adaptaciones cinematográficas.

La Carpa Noray del Hotel Meliá Sitges será el lugar donde se ubicarán las clases magistrales de este año. Tanto los acreditados como el público en general podrán asistir a los encuentros programados con los invitados del Festival, entre ellos Susan Sarandon, William Friedkin o Frank Langella. Estas sesiones constituyen una nueva oportunidad del Festival para aproximar las estrellas a sus fans. También en el Hotel Meliá Sitges –en la zona situada en el Atri– se podrá acceder a algunas de las actividades de la industria audiovisual, que también se trasladan a otros espacios, como el Brigadoon o el Palau Maricel.

William Friedkin

El Festival de Sitges potencia su relación con la industria: Sitges Film Hub

El Festival aumenta de nuevo su contribución a la profesión y el sector, a través de presentaciones, fórums, debates y –de lo más aplaudido– encuentros que constituyen oportunidades para financiar proyectos audiovisuales.

La plataforma online Filmarket Hub y el Festival de Sitges, han seleccionado entre los más de 150 candidatos, los siete proyectos de largometraje para participar en el Sitges Pitchbox 2017, el evento internacional de pitching que tendrá lugar en la quincuagésima edición del Festival. Los siete proyectos que forman la selección oficial son: Biopunk de Liam Garvo (Reino Unido), Conexo de Carlos García (España), Matilda Corksrew de Victor Jaquier (Francia), Pochinok de Daniel M. Caneiro (España), Restore Point de Robert Hloz (República Checa), Teo de Víctor Manuel Checa (Perú), y The Monster Within de Rodrigo Susarte (Chile).

Por otro lado, la Federación de Gremios de Editores de España (FGEE) y el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya han alcanzado un acuerdo de colaboración para que autores y representantes del sector audiovisual estudien la posible adaptación de obras literarias a películas de género fantástico. A través de esta iniciativa, Taboo’ks, se pretende generar oportunidades a ambos sectores y, paralelamente, potenciar Sitges como plataforma para la promoción no sólo de las obras de la industria cinematográfica, sino también para otras industrias culturales afines.

Entre las actividades que destacan en el Sitges Film Hub se encuentra la mesa redonda sobre El fantástico español, que contará con la presencia de Jaume Balagueró o Carlos Vermut; presentaciones, como el Màster de Cinema Fantàstic i Ficció Contemporània que ha desarrollado el Festival junto con al Universitat Oberta de Catalunya; y, en este caso relacionado con la gastronomía, la Sitges Bacanal: un acto singular de degustación gastronómica de la mano del reconocido chef Nando Jubany, relacionado con el leit motivde Drácula.

Para más información, está disponible el dossier de actividades de Sitges Film Hub.

La realidad virtual se consolida como una sección competitiva de la mano de Samsung Sitges Cocoon

La evolución exponencial que está teniendo la realidad virtual como flamante narrativa audiovisual ha hecho posible que en la edición de este año el Festival –en su acuerdo con la tecnológica Samsung– habilite dos espacios totalmente gratuitos con la tecnología Samsung Gear VR: la carpa Samsung VR Experience, situada en el exterior del Hotel Meliá Sitges y el Samsung VR Cinema, en el Centre Cultural Miramar. Si en la carpa el público podrá disfrutar de forma ininterrumpida de diversos contenidos de temática fantástica, en el espacio Samsung VR Cinema podrá asistir a la proyección de más de 25 trabajos procedentes de todo el mundo en una innovadora sala de cine VR sincronizada. Estos trabajos integran la sección Samsung Sitges Cocoon, que competirán por el premio a la mejor experiencia VR al ser valorados por un prestigioso jurado. El público, además, también podrá ejercer de jurado gracias a su voto virtual, eligiendo su experiencia inmersiva preferida.

El talento catalán, presente en Sitges 2017

El Festival de Sitges cuenta para esta edición con una de las indiscutibles figuras del fantástico catalán, el realizador Jaume Balagueró. La obra del director forma parte de la historia de Sitges, desde que presentó su cortometraje Alicia en 1994, donde debutó como realizador. Este año, el director presenta en la Sección Oficial Fuera de competición su última obra, el drama de misterio, Musa. También en la Sección Oficial, podrá verse la nueva película de Sadrac González-Perellón Black Hollow Cage. Junto a ellos, destaca la presencia de tres producciones catalanas que han entrado entre los cortometrajes seleccionados a competición –recordemos que el año pasado el cortometraje ganador en Sitges 2016 fue nominado a los Oscar en su categoría.

Black Hollow Cage

Por decimoctavo año consecutivo, la SGAE, la Fundación SGAE y el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya celebran los Premios SGAE Nueva Autoría, —dentro de la sección Noves Visions—, que ofrecen a los autores emergentes de las escuelas de cinematografía de Catalunya la posibilidad de exhibir sus trabajos y darlos a conocer al gran público en el marco de un acontecimiento audiovisual de proyección internacional. Este año cuenta con la participación de 17 escuelas, que han presentado un total de 41 trabajos audiovisuales. Según el género, se han presentado 28 trabajos de ficción, 7 de animación y 6 documentales

Otro de los aspectos a destacar en la presente edición ha sido el incremento en la subtitulación de películas en lengua catalana, que han pasado de los 95 títulos a los 107, lo que representa un 60% del total de los films proyectados en el Festival.

Jurados de la 50ª edición

Cinco personalidades del universo fantástico, tanto en su vertiente literaria como cinematográfica, conforman el Jurado Oficial Fantàstic de la 50 edición del Festival de Sitges. Por un lado, se encuentra el realizador estadounidense Gary Sherman, también guionista y productor, autor de una de las películas de culto del género fantástico, Muertos y enterrados, que él mismo junto al director William Lustig presentará el domingo 8 de octubre en la sección Brigadoon. El segundo miembro del jurado es el escritor y crítico cinematográfico David J. Skal, conocido por sus análisis e investigación tanto de películas como de la literatura de terror, y que este año presenta el libro, Algo en la Sangre, biografía de Bram Stoker. El guionista y escritor estadounidense Nick Antosca, creador de la serie de horror t elevisiva Channel Zero –que se presenta dentro de la programación Serial Sitges en esta edición-, junto con el guionista y director de cine Alberto Marini, y la productora independiente Hattie Yu, completan un Jurado Oficial, muy vinculado con las actividades paralelas que tendrán lugar a lo largo del Festival en su 50 aniversario.

Invitados de Sitges 2017

PREMIATS:

Gran Premi Honorífic

William Friedkin (director)

Susan Sarandon (actriu)

Frank Langella (actor)

Premi Màquina del Temps

Kornél Mundruczó (director)

Vincent Price (actor), recull Victoria Price

Santiago Segura (director)

Premi Maria Honorífica

Udo Kier (actor)

Juan Mariné (director de fotografia)

Fred Tsui (productor)

Sergio Martino (director)

Denise O’Dell (productora)

Juan Martínez (dibuixant de còmic)

Premi Nosferatu

Tony Isbert (actor)

Premi Bacardí Sitges al Esperit Indomable

Leticia Dolera

JURADOS:

Jurat Oficial Fantàstic

Gary Sherman (director)

David J. Skal (escritor)

Hattie Yu (productora)

Nick Antosca (escritor)

Alberto Marini (director)

Jurat Noves Visions

Guillerm Clua (guionista)

Ivan Guyot (Canal+)

Carlota Moseguí (crítica)

Jurat Blood Window / Méliès

Nicolás Ronchi (director càsting)

Eduardo Trías (director)

Pedro Usabiaga (comissari d’art)

Jurat Focus Àsia – Anima’t

Annete Trumel (directora de càsting)

JR Youyng (productor)

Mirito Torreiro (programador)

Jurat Cocoon

Javier Olivares (director)

Jaume Balagueró (director)

Miguel Ángel Ruiz (programador)

Jurat Carnet Jove

Xavier Mogrovejo Acosta

Laia Puig Fontrodona

Maria Montserrat Morales Sanchez

Tanit Fernandez Ciria

Alejandro Hinojosa Moscoso

Jurat Brigadoon

Paco Plaza (director)

Àlex Blasco (programador)

Anna Bogutskaya (productora)

Jurat de la crítica

Mercè Coll (crítica)

José Luis Llosa (crític)

Guillem F. Marí (crític)

OTROS INVITADOS:

Dario Argento (director)

Lamberto Bava (director)

William Lustig (director)

Carlos Vermut (director)

EQUIPOS DE LLARGOMETRAJES Y CORTOMETRAJES:

The Shape of Water (La forma del agua) / La cumbre escarlata (Inauguración)

Guillermo del Toro (director)

The Lodger (Clausura)

Brian O’Malley (director), Charlotte Vega (actriu)

Proyecto Tiempo: Part II (Cinergia)

Hiba Abouk (actriu), Pablo Rivero (actor)

OFICIAL FANTÀSTIC

78/52

Alexandre Philipe (director), Robert Muratore (productor), Kerry Deignan Roy (productor)

Before We Vanish

Kiyoshi Kurosawa (director), Hiromi Kurosawa (acompanyant), Yuki Arakawa (productor)

Black Hollow Cage

Sadrac González (director), Lowena McDonell (actriu), Javier Aguayo (productor)

Blade  of the Immortal / Jojojo’s / Mole Song

Takashi Miike (director), Misako Saka (productor), Shinjiro Nishimura (productor), Shigeji Maeda (productor)

As boas maneiras

Marco Dutra (director), Juliana Rojas (directora)

Brawl in Cell Block 99

S, Craig Zahler (director), Dallas Sonnier (productor), Jack Heller (productor), Vince Vaughn (actor), Udo Kier (actor)

Brimstone

Martin Koolhoven (director), Els Vandervorst (productor)

Bushwick

Nate Bolotin (productor)

Caniba

Lucien Castaing-Taylor (director), Verena Paravel (director)

Dhogs

Andrés Goteira (director), Suso López (productor), Melania Cruz (actriu), Carlos Blanco (actor), María Costas (actriu), Xosé López (actor), Adrián Folgueira (productor executiu), Iván Marcos (actor), Laura Doval (productora executiva), Sara Horta (productora executiva), Javi Lopa (productor)

The Endless

Justin Benson (director), Aaron Moorhead (director)

Errementari (El herrero y el diablo)

Paul Urkijo Alijo (director), Álex de la Igesia (productor), Carolina Bang (co-productora), Kandido Uranga (actor), Uma Bracaglia (actriu), Luis Oza (productor), Rodolphe Sanzé (productor), Araceki Pérez Rastrilla (productor), Kiko Martínez (productor), Mar Álvarez (productora)

El habitante

Guillermo Amoedo (director), Vanesa Restrepo (actriu), Gabriela de la Garza (actriu), Rodrigo Bello (productor), Rodrigo Trujillo (productor)

Jupiter’s Moon

Kornél Munduczó (director)

Laissez bronzer les cadavres

Brono Forzani (director), Helène Cattet (directora)

Les affamés

Robin Aubert (director)

Marlina the Murder in Four Acts

Mouly Surya (directora)

Matar a Dios

Caye Casas (director), Albert Pintó (director), Itziar Castro (actriu), Emilio Gavira (actor), Eduardo Antuña (actor), David Pareja (actor), Boris Ruis (actor), Francesc Orella (actor), Rosa Solé (productora), Norbert Llarás (productor), Josep María Riera (actor)

The Maus

Yayo Herrero (director), Sanin Milavic (actor), Enrique López-Lavigne (productor)

My Friend Dahmer

Marc Meyers (director), Adam Goldworm (productor)

 Revenge

Coralie Fargeat (directora)

Salyut-7

Klim Shipenko (director)

Sword Master 3D

Nansu Shi (productora)

Tragedy Girls

Tyler McIntrye (director)

The Villainess (La villana)

Jung Byun-gil (director)

OFICIAL FANTÀSTIC DISCOVERY

Rabbit

Luke Shanahan (director), David Ngo (productor)

The Cured

David Freine (director)

OFICIAL FANTÀSTIC FORA DE COMPETICIÓ

A Single Raider

Lee Zoo-young (director)

Gloves Off

Steven Nesbit (director), Brad Moore (guionista), Robert Muston (productor)

Leatherface

Alexandre Bustillo (director), Julien Maury (director)

Muse

Jaume Balagueró (director), Franka Potente (actriu), Manuela Vellés (actriu), Carlos Rojano (productor), John McDonell (productor)

La piel fría

Xavier Gens (director), Denise O’Dell (productora), Félix Berges (VFX), Aura Garrido (actriu), Mark Albela (productor), Denis Pedregosa (productor ejecutivo), Orlando Pedregosa (productor ejecutivo)

NOVES VISIONS ONE

O animal cordial

Gabriela Almeida (directora)

Dave Maze a Maze

Bill Waterson (director)

The Crescent

Seth A. Smith (director), Woodrow Graves Urichsmith (actor)

Fiesta Nibiru

Sebastián Aloi (productor)

Hagazussa

Manuel Baqueiro (director de fotografia)

Infllame

Ceylan Ozgun Ozcelik (director)

Kuso

Flying Lotus (director)

Marjorie Prime

Isen Robbins (productor), Uri Singer (productor ejcutivo)

M.F.A

Natalia Leite (directora), Leah McKendrick (guionista)

Most Beautiful Island

Ana Asensio (directora), Craig William McNeill (productor)

Strangled

Árpád Sopsits (director)

NOVES VISIONS PLUS

Arder

David González Ridiez (director), Ángela Vigil Martínez (productora)

The Biggest Thing That Ever Hit Broadway – Redux

Marcus Thompson (director)

The Book of Birdie

Elisabeth Schuch (directora)

Boys in the Trees

Nicholas Verso (director)

Dawson City: Frozen Time

Bill Morrison (director), Madeleine Molyneaux (productora)

Indiana

Charlie Williams (escritor), Andrés Torres (productor jecutivo), Toni Comas (director)

Love and Other Cults

Eiji Uchida (director), Adam Torel (productor), Moei Miura (productora)

Stray Nightingale

Takanobu Kanazawa (director)

ÓRBITA

The Battleship Island: Director’s Cut

Ryoo Seung-wan (director), Cho Sung-min (productor)

Jailbreak

Céline Tran

The Last Rampage

Shaked Berenson (productor)

Madraza

Hernán Aguilar (director)

Le sepent aux mille coupures

Eric Valette (director)

PANORAMA

Beyond Skyline

Liam O’Donell (director), Matthew Chausse (productor)

The Bride

Vladislav Severstev (productor)

Creep 2

Patick Brice (director)

Curvature

Diego Hallivis (director Curvature), Julio Hallivis (productor)

Fashionista

Simon Rumey (director)

The Heretics

Chad Archibald (director)

Hostile

Mathieu Turi (director), Thomas Lubeau (productor), Eric Gendarme (productor), Olivier Chateau (productor), Brittany Ashworth (actriu), Grégory Fitoussy (actor)

Housewife

Can Evrenol (director), Elif Domanic (disenyador de vestuari), Muge Buyuktalas (productor), Anton Maiovvi (compositor)

Mal nosso

Samuel Galli (director), Tato Siansi (productor), Laura Pepita (actriu), Gabriela Grecco (actriu), Brett Walker (productor), Miguel Govea (productor executiu)

Replace

Barbara Crampton (actriu)

Secret Santa

Adam Marcus (director), Brian Sexton (productor)

PANORAMA DOCUMENTAL

Drácula Barcelona

Carles Prats (director), Pere Portabella (director), Serena Vergamo (actriu), Annie Settimo (actriu), Teresa Gimpera (actriu)

The Farthest

Emer Reynolds (director)

World of Darkness

Kevin Lee (guionista), Shanee Defreest (actor), Dhaunae De Vir (actriu)

 ANIMA’T

Ancien y el mundo mágico

Kenji Kamiyama (director), Maoki Iwasa (productor), Asuka Kimura (vendes internacionals)

MIDNIGHT X-TREME

Belzebuth

Emilio Portes (director), Rodrigo Herranz (productor)

Dead Shack

Peter Ricq (director), Amber Ripley (productora), Shayne Putzlocher (productor)

Game of Death

Sebastian Landry (director), Laurence Morais-Lagace (director)

Meatball Machine Kodoku

Yoshihiro Nishimura (director)

Mexico Bárbaro II

Lex Ortega (director), Ricardo Farias (director), Michelle Garza (director), Abraham Sánchez (director), Aura González (director de fotografia), Luis Flores (productor), Laura Rojas (productor), Abigail Bonilla (productor)

The Night Watchmen

Jeff Allard (productor)

 Los olvidados

Nicolás Onetti (director), Victoria Maurette (actriu), Victorio D’Alessandro (actor), Mirta Busnelli (actriu), Agustín Pardella (actor), Martin Gerding (productor)

 Vampire Clay

Soichi Umezawa (director), Yukuhiko Yamaguchi (productor)

SESIONES ESPECIALES

The Bad Bath

Ana Lily Amirpour (directora)

El secreto de Marrowbone

Sergio G. Sánchez (director), Sandra Hermida (productora), Belén Atienza (productora), Ghislain Barrois (productor), J.A.Bayona (productor), Paolo Vasile (productor), Álvaro Agustín (productor)

Sólo se vive una vez

Federico Cuevas (director), Santiago Segura (actor), Arancha Martí-Marín (actriu), Hugo Silva (actor), Maria Luisa Gutiérrez (productora)

The Super

Stephan Rick (director), Brett Forbes (productor), Patrick Rizzotti (compositor), Stepfan Schulzki (compositor), Jens Grotzschel (compositor), Felix Cramer (director de fotografia), Richard Tintelnot (VFX), Alexander Shkolnikov (VFX)

SEVEN CHANCES

Mansfield 66/67

David Ebersome (director), Tood Hughes (director)

La telenovela errante

Galut Alarcón (muntador)

SITGES CLASSICS – DRÁCULA DESSENCADENAT

El vampiro (1957)

Daniel Birman Ripstein, Rosario Soto

SITGES CLASSICS – HONG KONG MOVIE EXPERIENCE

The Mission

Johnnie To (director), Kei-chi To (productor)

SERIAL SITGES

Stranger Things

Millie Bobby Brown (actriu), Noah Schnapp (actor)

La Zona

Jorge Sánchez-Cabezudo (director), Alberto Sánchez-Cabezudo (director), Eduard Fernández (actor), Carlos Bardem (actor), Alexandra Jiménez (actriu), Emma Suarez (actriu), Alba Galocha (actriu)

BRIGADOON

Rebobinado

José F. Rivero (director)

Científicamente perfectos

Francesc Xavier Capell (director)

Los resucitados

Arturo de Boadilla (director)

Paco Pérez

Jordi Marcos (director)

In the Interticies of reality

Joa Monteiro (director)

Sherborg

Daniel Amstrong (director)

Video Bizarro Local 63

Dolores Montaño (directora), Marian Juárez (director)

Tax Shelter

Xavier Mendik (director)

Bloodlands

Steven Kastrissios (director)

 Omega Rising

Philp Scott (director)

The Terror of Hallow’s Eve

Todd Tucker (director)

Culto al terror

Gustavo Leonel Mendoza (director), Maro Villamarín (productor)

The Song of Salomon

Stephen Biro (director)

Y abrázame

Javier Rao (director)

Bad Black

Alan Hoffmans (productor)

Sumario Sangriento de la pequeña Estefanía

Mónica Randall (actriu)

The Silent Scream

Ariff Khan (director), Natalie Kabenjian (actor)

 Born Again

Jason Tostevin (director)

 I am Doorway

Robin Kaspariik (director)

Servicio de habitaciones

Saúl Gallego Mateo (director)

Ivy

Rubén Abarca (director)

Rewind

Rubén Pérez-Barrena (director)

Alicia

Daniel M. Caneiro (director)

Cuerno de hueso

Adrián López (director)

Del 22 al 30 de septiembre tuvo lugar la 65 edición del Festival de San Sebastián, a la hora de hacer un balance general de todo lo que ha dado de sí este año el Zinemaldia destacar en un primer lugar que posiblemente esta edición haya sido la de la plena consolidación del modelo implantado por el equipo liderado por José Luis Rebordinos, San Sebastián siempre ha tenido el eterno problema de su equiparación con respecto a los otros tres certámenes de categoría A, ese sempiterno cuarto lugar que ha ocupado durante tantos años siempre ha quedado dolorosamente reflejada en su sección oficial a concurso, es ahí en donde las diferencias entre los otros festivales ha supuesto una losa difícil de levantar en lo referente a la comparación, el apostar en estos últimos años por una selección de films con mucha más personalidad, de autores emergentes y de claro tono de riesgo en el buen sentido de la palabra (todo esto ayudado por la  fuerte irrupción del festival de Toronto, certamen del cual se abastece al no ser de carácter competitivo) en detrimento de ir a por ese título gordo que seguramente acabe proyectándose en Venecia, mucho de estas películas podrían haber estado perfectamente en la sección Nuev@s Director@s, una selección oficial en definitiva de naturaleza eclíptica por el diferente tono genérico de los trabajos presentados cumpliéndose aquella máxima de que cada espectador encontrará en ella su película, lo importante es que dicho posicionamiento dota al certamen de una coherencia, autores desconocidos pero de sobrado talento en detrimento del nombre parece ser que serán las acertadas líneas a seguir en un futuro.

Posiblemente todo esto no sería posible sin ser San Sebastián el festival de festivales de clase A, es ahí donde solventa esa supuesta carencia secciones como la potentísima este año Perlas o la remodelada Zabaltegi-Tabakalera, una rica variante a modo de cajón de sastre de la primera pero de un tono más de riego y  autoral, sección esta en donde seguramente se vieron los trabajos más interesantes de la presente edición. En lo concerniente retrospectivas también fue una decisión acertada el prescindir este año de la contemporánea a favor de una retrospectiva clásica tan extensa y rica como la dedicada a Joseph Losey rubricada como suele ser habitual con una espléndida y necesaria publicación. Cambios que también se vieron reflejados en los Premios Donostia, otorgados ya no solo a rostros consagrados y plenamente reconocibles como fueron Monica Bellucci o Ricardo Darín sino también a cineastas de las características de Agnès Varda presente en el certamen con la simpática Visages, Villages.

Que la Concha de Oro fuera a parar a la notable The Disaster Artist de James Franco, un premio que en relación a pasados galardones beneficia al festival de una forma incuestionable de puertas afuera, cumplimenta de una  manera algo caprichosa ese cambio de rumbo antes mencionado, a continuación las crónicas diarias de todo lo que dio de sí la presente edición del Zinemaldia 2017.

Submergence

James More (James McAvoy) es un ingeniero hidráulico que ha sido tomado como rehén en Somalia por los terroristas yihadistas, que sospechan que es un espía británico. Danielle ‘Danny’ Flinders (Alicia Vikander) es una biomatemática que trabaja en un proyecto de inmersión en las aguas más profundas de los océanos para demostrar su teoría sobre el origen de la vida en el planeta. Un año antes James y Danny se conocieron en un hotel de la costa atlántica francesa y se enamoraron. Ahora, separados, Danny inicia su peligrosa inmersión al fondo del océano en Groenlandia sin saber si James sigue vivo.

No suele ser tarea fácil el inaugurar de forma oficial un certamen de las características de San Sebastián, en cierta manera este primer film suele ser mirado con demasiado énfasis y detalle por parte prensa y público, tampoco ayuda que las cintas que han inaugurado en estos últimos años el festival no han tenido un nivel digámoslo suavemente aceptable en referencia a su calidad global. Submergence, la nueva película del alemán Wim Wenders no logra cambiar dicha dinámica con esta muy fallida adaptación de la novela homónima de J.M. Ledgard.

Posiblemente lo que más duela de una película de las características de Submergence es que un servidor hace pocos días volvió a ver Paris-Texas aprovechando el reciente fallecimiento de Harry Dean Stanton, es en dicha comparativa entre ambos films cuando uno de se da cuenta de la dolorosa involución que nos ofrece la filmografía de Wim Wenders, solo algo salvable por sus últimas aportaciones al documental,  Submergence por desgracia es ficción, un film que pretende ser una ambiciosa historia romántica con mucho trasfondo, quizás demasiado, desconozco la novela en que se basa pero uno intuye que el amplio catálogo de reflexiones de tono humanístico acerca de la vida, el miedo a la muerte  o el capricho del destino entre otras disquisiciones trascendentales terminan convirtiéndose aquí en una especie de baturrillo sin mucho sentido ya sea aplicado a lo que es su narrativa o a su insulsa puesta en escena, todo ello provoca una desconexión brutal entre espectador y relato hasta tal punto que solo llega por interesar de forma muy relativa y puntual esa suerte de segmento correspondiente al thriller yihadista al más puro estilo Homeland, un muy triste bagaje final para una empresa que aspiraba en un principio a algo mucho más complejo, demostrando lo lejos que quedan los tiempos en donde Wim Wenders deslumbraba con trabajos como El amigo americano o Paris-Texas .

Valoración 0/5: 1’5

Charmøren

Como emigrante a Copenhague y residente en la ciudad durante ya dos años, Esmail, un joven iraní encantador, lleva una doble vida: por la mañana, trabaja en una empresa de mudanza para poder mandar dinero a sus familiares en Irán; por la noche, busca desesperadamente a mujeres. Su intención no es dinero sino un hogar, una relación duradera que le asegure su presencia en Dinamarca, dado que pende sobre su cabeza una amenaza de deportación. Todo cambiará cuando conozca a una joven de 26 años de edad llamada Sara, estudiante de derecho descendiente de iraníes, y a su madre, Leila. Al mismo tiempo, su pasado empezará a asaltarlo bajo la forma de un extraño.

El cineasta sueco de origen iraní Milad Alami fue el encargado de inaugurar este año la en mi opinión fundamental sección Nuev@s Director@s con el estreno mundial de Charmøren, una película que desde un principio nos introduce en el drama social de la inmigración visto en primera persona, a través de una ansiedad de un solo personaje, de hecho la historia que se nos cuenta parece bascular básicamente en lo concerniente a una desesperada lucha contrarreloj, la del protagonista principal con intentar arraigarse de una forma legal en Copenhague. La ansiedad de Esmail conforme avanza el metraje dota a la historia de oscuros tintes psicológicos en detrimento del  inicial conflicto social expuesto, algo que deriva al producto por momentos en el pantanoso terreno del psicodrama paranoico, en la narrativa impuesta por Milad Alami vemos como el protagonista principal trata de conseguir por todos los medios posibles lo que cada vez parece más difícil, para más inri tendrá que lidiar internamente con un sentimiento de culpa ocasionado por los supuestos daños colaterales de sus acciones como nos muestra la contundente escena inicial con que Milad Alami abre el film.

Charmøren no solo se conforma con representar una radiografía social sobre un problema tan candente a día de hoy, a parte Alami nos ofrece una estimulante visión por momentos perspicaz y detallada en lo concerniente a la creciente comunidad iraní asentada en Escandinavia, indagando en las sutiles divisiones internas que imperan en dicho colectivo, todo ello expuesto a medio camino entre la asimilación y la orgullosa preservación cultural. El final de claras connotaciones circulares por el que transita Charmøren con ese traje convertido en vehículo metafórico hacia lo imposible deja bien claro el mensaje que expone Milad Alami en esta muy digna opera prima.

Valoración 0/5: 3

Call Me by Your Name

Una historia de amor de verano entre Elio Perlman (Timothée Chalamet), un joven adolescente de 17 años, y Oliver (Armie Hammer), un estudiante de 24 invitado a la casa familiar de la Riviera italiana.

Otra inauguración en este primer día de festival fue la espléndida Call Me by Your Name dentro de la potente sección Perlas, basada libremente en la novela homónima de André Aciman la nueva película del italiano Luca Guadagnino apoyado en esta ocasión por el veterano cineasta James Ivory en calidad de guionista figurará a final de año como una de las mejores películas de este 2017 con toda justicia, Call Me by Your Name anida a través de una historia iniciática sobre el primer amor, personajes y escenario complementan un tono ciertamente exquisito y en las antípodas del habitual manierismo existente en la mayoría de cine que aborda la temática del enamoramiento gay, todo ello expuesto a través de una máxima sencillez narrativa que se invierte en un depurado ejercicio que aborda cuestiones tan trascendentales que van mucho más lejos de lo que es una simple representación de unas primeras relaciones amorosas entre dos individuos.

En Call Me by Your Name vemos durante su metraje como los dos personajes principales se atraen, enamoran, se rechazan y terminan abrazándose con todas las consecuencias que se derivan no solo de sus actos sino también de las conexiones emocionales existentes entre ambos, de hecho estamos ante una película que no pretende transitar exclusivamente a través de la homosexualidad,  Guadagnino descarta de este modo la opción sexual como tal en el relato a favor de una sincera exposición del propio acto del deseo y el amor subyacente en cualquier ser humano, en este sentido Call Me by Your Name logra sustentarse en la sutileza de un ejercicio cinematográfico repleto de pequeños detalles que devienen finalmente como grandes, en donde las miradas y las pequeñas cotaciones expuestas elevan un sólido relato acerca del enamoramiento y el vacío que éste deja en el corazón cuando acaba aquí sustentado y representado por un maravilloso plano final. Call Me by Your Name supone la consagración definitiva de Luca Guadagnino como uno de los directores europeos más intereses del momento, su próxima reinterpretación del Suspiria de Dario Argento supondrá un apasionante nuevo reto en una carrera como director tan ecléctica como interesante.

Valoración 0/5: 4

El autor

Álvaro quiere ser escritor, pero todo lo que escribe es falso, pretencioso, insípido. Trabaja como escribiente en una notaría de Sevilla y su vida es gris, coloreada sólo por sus sueños. Su mujer, Amanda, es todo lo contrario. Siempre ha tenido los pies en la tierra y nunca ha soñado con ser escritora. Sin embargo, es ella la que se pone a escribir y le sale un best-seller. Ironías de la vida. La separación es inevitable. Y en ese momento, Álvaro decide afrontar su sueño: escribir una gran novela. Pero es incapaz; no tiene talento ni imaginación. Guiado por Juan, su profesor de escritura, indaga en los fundamentos de la novela, hasta que un día descubre que la ficción se escribe con la realidad. Álvaro comienza a manipular a sus vecinos y amistades para crear una historia, una historia real que supera a la ficción.

Había mucha expectación por ver la nueva película de Manuel Martín Cuenca, sus últimas y muy estimables La mitad de Óscar y Caníbal sumado al reciente Premio FIPRESCI del Festival de Toronto hacían presagiar que posiblemente estaríamos ante la película española del certamen, sin embargo el resultado final pese a lo interesante de la propuesta deja un poso algo amargo  y una ligera sensación de oportunidad desaprovechada pese a  poseer apuntes ciertamente muy válidos.

Basada en una novela corta de Javier Cercas titulada El móvil el principal problema que parece atesorar El autor es su indecisión genérica, la muy interesante premisa que aborda acerca de la reflexión sobre el oficio de crear, o ese tratamiento de lo que supone la verdad como fundamento vital del individuo, son conceptos que en el film devienen como intermitentes y que requería en mi opinión un desarrollo algo más sobrio y lineal, el tratamiento de comedia, en ocasiones burda, en referencia por ejemplo a la interactuación dos personajes importantes en la trama (la esposa del protagonista y la portera donde se aloja) actúan a modo de anticlímax narrativo pues lo que nos cuenta El autor linda con cuestiones a medio camino entre lo perverso y lo irónico, un personaje (excelente interpretación de Javier Gutiérrez) frustrado y engañado que ante su imposibilidad a la hora de crear por carecer de talento decide manipular lo que le rodea, la base de dicha idea incluso parece remitirnos a la brillante Following de Christopher Nolan, sin embargo Manuel Martín Cuenca parece querer romper la austeridad que si imperaba por ejemplo en su anterior y estupenda Caníbal, el resultado es un curioso mix genérico que va desde la comedia de claro tono español hacia una suerte de thriller de connotaciones psicológicas que derivan en oscuras sin perder nunca de vista la naturaleza lúdica del producto, en su haber y pese a su irregularidad sí que podemos encontrar en cambio como un gran logro el saber crear desde la más absoluta disparidad antes mencionada una por momentos apasionante fábula punzante acerca la creación y el talento.

Valoración 0/5: 3

The Square

Christian, mánager de un museo de arte contemporáneo, se encarga de una exhibición titulada «The Square» en la que hay una instalación que fomenta valores humanos y altruistas. Cuando contrata a una agencia de relaciones públicas para difundir el evento, la publicidad produce malestar en el público.

La ganadora de la pasada Palma de Oro fue la encargada de inaugurar  la cada vez más pujante e interesante sección Zabaltegi-Tabakalera, en The Square prima lo complejo en relación a su exacerbación, el sueco Ruben Östlund parece querer contarnos la decadencia moral e identitaria de la civilización occidental en base a un catálogo en donde situaciones y personajes que interactúan a modo de contrastes irónicos y punzantes dentro de la historia. En The Square bajo el anecdotario de llevar el arte al límite vemos como la clase social es diseccionada (de forma algo deslavazada) en un film en donde parece primar de forma más soluble el mensaje que la propia representación de dicho acto, expresado de otra manera, se incide en demasía en lo relativo al supuesto trazo que articula lo escandaloso en base a acciones puntuales dejando en un segundo término la en teoría efectividad subyacente en la propia historia.

En The Square vemos como imperan las set pieces de múltiples capas, definirla como una especie metáfora satírica acerca de la ausencia de confianza dentro de una sociedad que parece moverse solo por un interés individual seria quedarse muy en la superficie de todo lo que parece proponernos Ruben Östlund, sin ser especialmente agraciada en referencia a sus muy cuestionables formulismos cinematográficos The Square sí que queda validada como valioso objeto de debate artístico, una de las máximas del séptimo arte por muy olvidado concepto este que nos parezca hoy en día.

Valoración 0/5: 3’5

TerrorMolins acoger la Premiere Mundial de la película Framed, cinta dirigida por Marc Martínez Jordán que tendrá su estreno el viernes 10 de Noviembre en el Teatre de La Peni de Molins de Rei. Framed mezcla los componentes más clásicos del cine de terror (y en especial las denominadas “home invasión movies”) con el imparable auge de las nuevas tecnologías de la comunicación (facebook, instagram, twitter, etc:.). Un fenómeno tecnológico que está cambiando la sociedad en la que vivimos y sobretodo la forma en la que nos comunicamos. Framed es un ensayo terrorífico, crítico, y con pinceladas de humor, del uso desmedido y sin filtro por parte de una sociedad cada vez más entregada al fenómeno de la viralidad.

La cinta está dirigida por Marc Martínez Jordán, graduado por la ESCAC en 2012 en la especialidad de Dirección. Su proyecto final de carrera, el cortometraje de terror “Timothy” (2014) estuvo incluido en la Sección oficial del Sitges Film Festival. Tras dos años de exhibición, acumuló 36 premios y cerca de 200 selecciones nacionales e Internacionales.

En 2013 también codirigió la película “Los inocentes”, slasher adolescente producido por Escandalo films y realizado íntegramente por alumnos de la Escac. Un film presente en la sección panorama del Festival de Sitges, no solamente cosechando selecciones en diversos festivales si no también varias vendas internacionales.

Su último trabajo, el cortometraje “Caradecaballo” en blanco y negro, con un presupuesto de 20 euros y protagonizado por su abuela y él mismo, le ha reportado más de 60 premios nacionales e internacionales y 250 selecciones. Algunos premios en festivales tan importantes como en Milano Film Festival, Brussels short film festival, Sitges film festival o las Vegas film festival.

El guión está firmado por el propio Marc Martínez Jordán y por Jaume Cuspinera, actual tutor de guión de los proyectos finales de carrera de la ESCAC y uno de los responsables del desarrollo de guiones como “Eva” (Kike Maíllo, 2011) y “Animals” (Marçal Forés, 2012).

El debut con este largometraje de Martínez Jordan está apadrinado por el director y productor, Marc Carreté director de títulos como Asmodexia y Afther The Legacy y creador del sello indie Creatures Of The Dark.

El reparto principal está formado por Àlex Maruny (Promoción Fantasma, El Club de los incomprendidos, Barcelona noche de invierno, Pulseras Vermelles), Clàudia Pons (Asmodexia, Elisa K, Desclasificats ) y Joe Manjon (Risen, Megan Leavey, Según Mateo).

Completan el reparto Julia Molins (Hooked Up, La Riera, Sé quién eres), Enric Auquer (Los Inocentes, Ebre del bressol a la batalla), Biel Montoro (Black Snow, L’altra Frontera) , Daniel Horvath (Encouter with a Mirror,Kamikaze, Buscando el Norte), Carlus Fábrega (Los Ojos de Julia, Nit i Dia), Ramon Canals (Asmodexia),Santos Adrián (Rotten Train,The Glorious Seven), Adriana Feito (La Revolución de los Angeles,Mis Ex novias), José García (El Crack, Losers), Marina Durán (Asmodexia, El Dibuix) i Mar Serra (Nit i Dia, Asmodexia).

Además Framed cuenta con la colaboración especial de Pep Sais(Ocho apellidos catalanes, Los Últimos días), Mercè Montalà(Secuestro, Camille) y Ann Perelló (Amor tóxico,Otel.lo).

Sinopsis

Framed es una aplicación que permite emitir video en streaming desde cualquier dispositivo móvil conectado a internet. Al no existir censura muchos de sus usuarios hacen cualquier cosa con tal de cosechar el mayor número de audiencia posible: palizas y violaciones se suceden en los streamings, no existe el límite. Alex se reúne con sus amigos una noche antes de marcharse a Berlín a trabajar. La noche transcurrirá con relativa normalidad hasta que él y sus amigos serán atacados por tres individuos que les obligarán a participar en macabros y crueles juegos mortales. Todo ello será retransmitido en streaming con un solo objetivo: conseguir una audiencia récord en Framed.  

Los proyectos se presentarán a la industria cinematográfica durante el Festival de Sitges 2017. La plataforma online Filmarket Hub y el Festival de Sitges han dado a conocer los proyectos de largometraje seleccionados para participar en Sitges Pitchbox 2017, el evento internacional de pitching que tendrá lugar en la quincuagésima edición del Festival.

La convocatoria ha sido de nuevo un éxito contando con más de 150 proyectos candidatos. Una gran variedad de propuestas de género procedentes de toda Europa y Latinoamérica, y de países como Estados Unidos o Nueva Zelanda. Todos ellos están inscritos y disponibles en el mercado online de proyectos de Filmarket Hub. Los siete proyectos que forman la selección oficial son: Biopunk de Andrew Harmer (Reino Unido), Conexo de Carlos García (España), Matilda Corksrew de Victor Jaquier (Francia), Pochinok de Daniel M. Caneiro (España), Restore Point de Robert Hloz (República Checa), Teo de Víctor Manuel Checa (Perú), y The Monster Within de Rodrigo Susarte (Chile).

El viernes 6 de octubre en el Hotel Meliá, y dentro de las actividades de industria que programa el Festival, los directores de los siete proyectos tendrán la oportunidad de hacer un pitch de venta ante reconocidos productores y empresas del sector. Una vez presentados, tendrá lugar una sesión de networking con todos los asistentes y se procederá a la entrega de premios.

Premios para desarrollo y viajes a otros festivales internacionales

Además, Sitges Pitchbox entregará tres premios económicos destinados a gastos de desarrollo y viajes para presentar los proyectos de películas en otros festivales. El ganador del premio Sitges Pitchbox recibirá una ayuda de 6.000 euros para el desarrollo de su proyecto. La película de mayor proyección internacional o referencias asiáticas será galardonada con el premio NAFF, que consta de 5.000 euros destinados a mentoring y una bolsa de viaje para asistir y realizar una presentación en el Bucheon International Film Festival (Corea del Sur). También se entregará el premio FICG, valorado en 4.000 euros para que otro de los proyectos pueda asistir y presentarse en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (México).

El jurado de expertos internacionales que se encargará de conceder estos tres premios estará compuesto por: Iván Guyot (Canal+ Francia), Oriol Sala-Patau (TVC), Jongsuk Thomas Nam (BIFAN), Estrella Araiza (FICG) y Javier Porta (BAFICI).

Por otro lado, el International Film Festival & Awards – Macao seleccionará uno de los proyectos para que participe en The Crouching Tigers Project Lab, su encuentro de coproducción y cofinanciación.

Por último, Catalan Films & TV y Blood Window seleccionarán los dos mejores proyectos catalanes de la convocatoria para que participen en una sesión de pitching en la sección de género fantástico del mercado cinematográfico Ventana Sur.

Menciones especiales

Ante la dificultad de seleccionar únicamente siete proyectos, Sitges Pitchbox también concede diez menciones especiales para destacar la alta calidad de otros proyectos que se han quedado a las puertas de la selección oficial: Armada de Dios de Fernando Urdapilleta (México), Car-Y de Olivier Guerpillon (Suecia), Freshblood de Tom Holland, Juan de Dios Garduño y Fernando Samper (EEUU & España), Hum de Stefano Nurra (Reino Unido), Iceberg de Pelayo Muñiz (España), La bestia de David Casademunt (España), La ira de Roberto San Sebastián (España), Simient y reja de Roberto Ruiz (España), The Eternal White de Christoph Behl (Argentina), y The Van de Jesús Hernández (España).

Estos proyectos no se presentarán en el evento de Sitges Pitchbox, pero estarán incluidos en el programa y serán recomendados a toda la red de empresas de Filmarket Hub a través de su mercado online.

El sábado 28 de octubre se inaugurará en el Teatro Principal la 28ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián con la proyección de Errementari (2017), dirigida por el cineasta vitoriano Paul Urkijo Alijo. El pase supondrá el estreno del film en Euskadi tras su paso por el Festival de Sitges.

La película, primer largometraje de Urkijo, está producida por Álex de la Iglesia, Luis de Oza, Carolina Bang y Kiko Martínez con las productoras Kinoskopik, Pokeepsie, Gariza, Nadie es Perfecto, Ikusgarri Films y la francesa The Project. Protagonizada por Kandido Uranga, Uma Bracaglia, Eneko Sagardoy y Ramón Agirre es un cuento gótico rodado en euskera que se inspira en el mítico personaje del folclore vasco Patxi Errementaria.

Han pasado 10 años desde la Primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.

Paul Urkijo debuta en el largo tras haber dirigido diversos cortos, como Ohe azpiko zera (2011), Monsters Do Not Exist (2012) o El bosque negro (2015), el primero y el tercero proyectados en anteriores ediciones de la Semana.

Avance de programación de la Semana de Terror

A continuación se avanzan algunos de los largometrajes que participarán en la Sección Oficial de la 28ª Semana de Cine Fantástico y de Terror, que tendrá lugar entre el 28 de octubre y el 3 de noviembre.

Les Affamés (2017). Robin Aubert. Canadá

En una pequeña localidad quebequesa las cosas han cambiado. Algunos de sus habitantes, cada vez más, no son lo que solían ser. Sus cuerpos se están descomponiendo y manifiestan una gran atracción hacia la carne. Les llaman los affamés, los hambrientos. Unos pocos supervivientes tratan de escapar de ellos. Los zombis han llegado hasta Quebec en esta producción de look realista con escenas sangrientas, momentos de humor absurdo y antihéroes convertidos en última esperanza.

Bad Black (2016). Nabwana I.G.G. Uganda

Bienvenidos a Wakaliwood, donde se producen «da best of da best movies». Desde hace unos años, a las afueras de Kampala, Uganda, un grupo de aficionados al cine y a las artes marciales, encabezados por Nabwana Isaac Godfrey Geoffrey, se dedica a rodar de forma artesanal, con presupuestos irrisorios, películas de acción, kung-fu, fantasía, mucho humor y ninguna vergüenza. En esta película, que obtuvo el pasado año el premio del público en el Fantastic Fest de Austin, Texas, un apocado médico es entrenado por un joven del gueto llamado Wesley Snipes para salvar a su familia.

Before We Vanish (2017). Kiyoshi Kurosawa. Japón

Después de estar unos días desaparecido, Shinji vuelve a casa completamente cambiado. Cuando se fue su relación con Narumi, su mujer, atravesaba una grave crisis; ahora Shinji es cariñoso y atento con ella y con todo el mundo con el que se encuentra en sus paseos. Al mismo tiempo una familia es brutalmente asesinada en la ciudad. Un periodista empieza a investigar. Fábula de ciencia ficción que se adentra en los entresijos del alma humana a cargo de uno de los directores más importantes del cine japonés de las dos últimas décadas, responsable de títulos como Viaje hacia la orilla (2014), Creepy (2016) o Le Secret de la chambre noire (2016).

Black Hollow Cage (2017). Sadrac González-Perellón. España

Alice, una niña de trece años, vive con su padre, Adam, en una enorme casa en medio del bosque, tras un accidente de tráfico en el cual la niña perdió a su madre y parte de su brazo derecho. Alice está encerrada en sí misma. Odia a su padre, al que culpa del accidente, odia la rehabilitación y odia el nuevo brazo electrónico que tiene que llevar y apenas sabe manejar. La niña tiene un fuerte vínculo con Beatrice, un perro lobo hembra que habla a través de un dispositivo electrónico de traducción que lleva colgado al cuello, a quien llama «mamá».

The Crucifixion (2017). Xavier Gens. EEUU

Basada en hechos reales, The Crucifixion cuenta la historia de un sacerdote que es encarcelado en Rumanía por el asesinato de una monja a la que realizaba un exorcismo. La periodista Nicole Rawlins investiga si el asesinato fue a una persona mentalmente enferma o, por el contrario, las acusaciones son falsas y simplemente perdió la batalla contra una presencia demoniaca. Una presencia que ahora podría estar experimentando ella misma… Dirige el francés Xavier Gens, uno de los clásicos del género de la última década con títulos como Frontière(s) (2007), The Divide (2011) o este mismo año La piel fría (2017).

The Endless (2017). Justin Benson, Aaron Moorhead. EEUU

Los hermanos Justin y Aaron se escaparon de niños de la secta donde habían sido criados. Años después reciben una cinta de video procedente de la que fue su «familia». Tras muchas discusiones entre ellos, ya que llevan media vida intentando olvidar aquel lugar, deciden volver para averiguar qué está sucediendo. Una vez allí comienzan a sucederse diversos fenómenos inexplicables que les hacen replanteárselo todo de nuevo. Justin Benson y Aaron Moorhead vuelven a la Semana, donde se han proyectado sus anteriores largometrajes, Resolution (2012) y Spring (2014).

Jupiter’s Moon (2017). Kornél Mundruczó. Hungría-Alemania

Aryan es un refugiado sirio que junto a su padre y otros migrantes trata de cruzar la frontera húngara. Son disparados por la policía y Aryan recibe varios disparos. Pero las heridas no le matan, sino que sorprendentemente le otorgan el poder de levitar. Encerrado en un campo de refugiados, escapa con la ayuda del doctor Stern, que trata de aprovecharse en beneficio propio de los milagrosos nuevos poderes de Aryan. Thriller en el que lo sobrenatural se mezcla con una de las grandes tragedias contemporáneas dirigido por el responsable de la poderosa White God (2014).

Meatball Machine Kodoku (2017). Yoshihiro Nishimura. Japón

Unos sanguinarios extraterrestres que quieren conquistar el planeta invaden un barrio de Tokio. Convierten a sus habitantes en cyborgs asesinos que se lanzan a acabar con todo aquel que se ponga por delante. Un apocado cobrador de deudas a quien los poderes de los necroborgs no afectan debido a su enfermedad terminal se convierte en la última esperanza de la raza humana en este remake del original de 2005 que dirige el maestro de los efectos especiales Yoshihiro Nishimura, que ha trabajado con los cineastas nipones más importantes del género y ha dirigido filmes como Tokyo Gore Police (2008) o Vampire Girl vs Frankenstein Girl (2009), proyectadas en la Semana.

Rescate en Osiris (2016). Shane Abbess. Australia

Cuando una inminente crisis amenaza con acabar con la vida de todos los residentes en el planeta Osiris, el teniente Sommerville, que trabaja para Exor, la compañía que gestiona la colonia y que está a punto de acabar con ella, emprende una carrera contrarreloj para salvar a su hija, que está esos días de visita. Junto al presidiario recién fugado Lombrock y a otros socios que van recogiendo por el camino deberán enfrentrarse a unas criaturas monstruosas para conseguir su objetivo: salvar a la niña. Producción australiana protagonizada por Kellan Lutz, Daniel MacPherson, Rachel Griffiths y Temuera Morrison.

Los resucitados (2017). Arturo de Bobadilla. España

Madrid, 1994. Comienza el rodaje del largometraje Los resucitados, de Arturo de Bobadilla, inspirado en leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer, un proyecto plagado de misterios que cuenta con la participación, entre otros muchos, de Santiago Segura y Paul Naschy. La película se rueda en varios formatos y se edita en 1997. Algunas personas dicen que la vieron en un pase privado realizado en el marco de la Semana de Terror de aquel año. Poco después la primera copia desaparece y los materiales originales parecen inencontrables. Dos décadas después el material de rodaje aparece y se edita de nuevo partiendo del guion original.

Revenge (2017). Coralie Fargeat. Francia

Tres hombres ricos se reúnen para su juego de caza anual en mitad del desierto. Esta vez uno de ellos viene acompañado por su amante, que despierta rápidamente el interés de los otros dos. Las cosas se complican de una forma dramática para ella… Dada por muerta y abandonada en medio de la nada, la joven vuelve a la vida y el juego de caza se convierte en una venganza implacable. Ópera prima de la realizadora francesa Coralie Fargeat protagonizada por la actriz italiana Matilda Lutz.

La obra de la pareja de cineastas portugueses Margarida Cordeiro (1939) y António Reis (1927-1991), podrá verse en el marco del Festival de Sevilla. Por primera vez en España, y gracias a la colaboración con la Cinemateca Portuguesa, se programa una retrospectiva que recupera la totalidad de sus largometrajes y los pone a dialogar con otras obras relacionadas con su cine.

El Festival de Sevilla a menudo ha dado muestras de la eclosión de autores de distintas generaciones que crean su propio lenguaje cinematográfico en Portugal. En 2013 el Festival dedicó una sección especial a su cinematografía, y edición tras edición, en diversas secciones de su programación, se han incorporado obras de Manoel de Oliveira, Paulo Rocha, Pedro Costa, João César Monteiro, João Pedro Rodrigues o Miguel Gomes. El peso cinematográfico de estas figuras, demasiado a menudo, ha eclipsado el trabajo visionario y apasionado de Margarida Cordeiro  y António Reis. Admirados por cineastas de la talla de Joris Ivens, Marguerite Duras, Jean-Marie Straub y Danièle Huillet o Jean Rouch, y por los críticos más prestigiosos, como el francés Serge Daney, su corta pero legendaria filmografía merece una página propia en la historia del cine no solo portugués sino universal.

Las películas de Margarida Cordeiro y António Reis se realizaron entre los años 70 y 80 y son cintas inusuales en su forma y contenido, de estilo hipnótico y profunda sensibilidad, a medio camino entre el documental poético y el cine etnográfico, donde los paisajes naturales y humanos son los protagonistas y donde el tiempo es un continuo suspendido. Se trata de obras precursoras que explican el devenir posterior del cine europeo.

Nacido en Oporto y reconocido como poeta antes que como cineasta, António Reis tuvo una gran influencia en el desarrollo del cine portugués tras la Revolución de los Claveles así como en la joven generación de cineastas que surgió a continuación. Fue guionista y ayudante de dirección de dos filmes claves de los sesenta que marcaron el inicio del cine radical moderno en Portugal como Mudar de vida (Paulo Rocha, 1966), y Acto de primavera (Manoel de Oliveira, 1963), dos obras pioneras que ya cabalgaban entre la ficción y la no ficción, y que trasladaban la mirada del espectador al universo rural como es habitual en la obra de Cordeiro y Reis. Reis fue también profesor en la Escola Superior de Teatro e Cinema de Lisboa, donde marcó a toda una generación de cineastas portugueses contemporáneos, entre los que se encuentran sus admiradores Pedro Costa y João Pedro Rodrigues, perfecta encarnación de su legado.

Este ciclo recupera la obra de Cordeiro y Reis comenzando con ‘Jaime‘ (1974), su primer trabajo en colaboración; una obra de culto y un cortometraje fundamental para comprender la trascendencia del trabajo de estos cineastas. Podrá verse también  la monumental ‘Trás-os-Montes‘ (1976), un profundo y certero estudio de las profundidades geográficas, históricas e identitarias de Portugal, de su alma reflejada en los mitos y el folklore campesino,  reconocida como una de las cimas del cine documental. A continuación se programa ‘Ana‘ (1985), su primer largometraje de ficción, un retrato intergeneracional cargado de una poética insólita. Fundiendo símbolos del pasado con la realidad del mundo moderno, Ana es una poderosa meditación sobre la historia de la civilización humana. Algo similar puede afirmarse de ‘Rosa de Areia‘ (1989), filme de clara inspiración literaria en el que se aprecian las huellas de Kafka o Montaigne.

Rosa de Areia

Además de los trabajos realizados por la pareja, esta retrospectiva incluye algunas de las películas en las que colaboraron -como las anteriormente citadas de Oliveira y Rocha- o para las que supusieron una influencia, como ‘O Sangue’ de su discípulo Pedro Costa, dando una visión esférica del universo creativo y conceptual de Cordeiro y Reis. El ciclo se completa con la proyección del cortometraje ‘Farpões Baldios’ de Marta Mateus, obra estrenada en el pasado Festival de Cannes que supone la recuperación del espíritu de Reis y Cordeiro aportando una perspectiva insólita y una mirada audaz.

Todas las películas se proyectarán en su formato original, 35 milímetros en la mayoría de los casos, a excepción de ‘Mudar de vida’ y ‘Trás-os-Montes’, de las que disfrutaremos sus recientes copias restauradas en formato digital.  De esta manera la retrospectiva renvindica la importancia de Reis y Cordeiro en el presente y el futuro del cine portugués.

Tras su paso por el Festival de Sevilla, la obra de Cordeiro y Reis será revisada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) en Madrid, en el Centro Galego de Artes da Imaxe-Filmoteca de Galicia (CGAI) en A Coruña y en La Filmoteca del Instituto Valencià de Cultura (IVC), haciendo posible que otros públicos tengan la ocasión de acceder a al trabajo de estos cineastas únicos.

António Reis y Margarida Cordeiro se unen a la lista de autores ya programados en la XIV edición del Festival de Sevilla y que, a la espera de confirmar otras incorporaciones, cuenta con Manuel Muñoz Rivas, Pedro Pinho, Valeska Grisebach, Carlo Padial, Adrián Orr, Romuald Karmakar, Ayse Toprak, Francis Lee, Roberto de Paolis, Valérie Massadian, Velasco Broca, David Gutiérrez Camps, Laurent Cantet, Claire Denis, Teresa Villaverde, Serge Bozon, Mathieu Amalric y Jean-Charles Fitoussi.

El Festival, que se inaugura con ‘La forma del agua’, reciente ganadora del León de Oro de Venecia, se clausurará con la cinta de terror gótico ‘The Lodgers’

El Festival de Sitges llega a su 50ª edición rindiendo homenaje a los clásicos, y lo hace de la mano de cuatro grandes invitados: Guillermo del Toro, Susan Sarandon, Dario Argento y William Friedkin, que son claves para entender la evolución que el fantástico ha experimentado en las últimas décadas. Para ello, su programación se nutre de realizadores, hombres y mujeres, destinados a convertirse en los líderes del fantástico del nuevo milenio. Además, el Festival entra de lleno en el futuro del universo de la exhibición de la realidad virtual, de la mano de la Samsung Sitges Cocoon, y de las nuevas fronteras de la distribución y las producciones de series, en las que las nuevas plataformas tienen mucho que decir. Este es el relato de Sitges 2017.

Sitges alcanza el medio siglo de vida, y lo hace fiel a sus raíces: recordando a los clásicos del cine fantástico que han pasado por sus salas desde aquella primera proyección que tuvo lugar en el Prado en 1968. Para recordar esta efeméride, el cine de esta centenaria entidad local acogerá el próximo jueves 28 de septiembre la proyección de Aelita (Yakov Protazanov, 1924), un clásico soviético de la ciencia ficción con la que se inauguró la primera edición del Festival. Pero habrá más. De la mano de Guillermo del Toro, Dario Argento y William Friedkin, Sitges recuperará films como El exorcista (1973), Suspiria (1977) o La cumbre escarlata (2015), claves para entender la evolución del fantástico desde finales del siglo XX hasta llegar al nuevo milenio. Además, el Festival rendirá homenaje a la actriz Susan Sarandon, protagonista de la película de culto, The Rocky Horror Picture Show (1975), que luego llegaría a convertirse en una de las grandes damas de Hollywood.

El director irlandés Brian O’Malley clausurará la 50 edición de Sitges con The Lodgers, un cuento gótico de horror situado en la Irlanda rural de principios del siglo XX, que acaba de presentarse en el Festival de Toronto.

The Lodgers

El esqueleto que sustenta la programación que podrá verse en el Festival, del 5 al 15 de octubre, está conformada por la obra de jóvenes realizadores procedentes de Estados Unidos, Latinoamérica, Asia y Europa, que están llamados a convertirse en los líderes del fantástico de los próximos años. Brian Taylor, Hélène Cattet, Bruno Forzani, Emilio Portes, Cho Sun-ho, Andrés Goteira, entre otros, van a dejar su huella en un Festival que, lejos de acomodarse, busca nuevo talento capaz de reinventar el género tanto en su lenguaje, como en sus argumentos. El escritor y director Brian Taylor dirige Mom and Dad, su primera película en solitario tras la imprescindible Crank: veneno en la sangre. Mom and Dad con un argumento delirante, una extraña epidemia que provoca ataques de violencia l etal de padres contra hijos. Está protagonizada por Nicolas Cage y Selma Blair en una fiesta para el fan del género. Por su parte S. Craig Zahler –que deslumbró con su ópera prima, Bone Tomahawk– regresa a Sitges con la brutal Brawl in Cell Block 99, en la que un exboxeador reconvertido en traficante de drogas aterriza en una prisión que se convertirá en un auténtico campo de batalla. Procedente de Estados Unidos también podrá verse Happy Death Day, una divertida comedia de terror firmada por Christopher Landon, que mezcla los argumentos de Scream y Atrapado en el tiempo, hasta enloquecer a Jessica Rothe (La La Land), que ve como un enmascarado la mata, una y otra vez.

Brawl in Cell Block 99

Un argumento, el del tiempo, que también será el protagonista de la película coreana A Day, del debutante Cho Sun-ho, en la que un famoso cirujano es testigo de un accidente en el que ve morir a su hija. Una escena que se repetirá en un bucle sin fin, y en la que el padre intentará cambiar el destino de su hija. Después de un año 2016 en el que los grandes autores asiáticos coparon la programación del Festival de Sitges, en la presente edición, el espectador podrá comprobar que hay vida más allá de grandes títulos como La doncella, con películas como por ejemplo la taiwanesa mon mon mon Monsters, de Giddens Ko, que combina el bullying escolar con el terror sobrenatural en un film que desborda talento, ingenio y que se encuentra entre las sorpresas que el Festival presenta cada año. Otros debuts destacados de la selección asiática son el de Jonathan Li (asistente de dirección en la trilogía de Infernal Affairs) que presenta The Brink, un thriller 100% hongkonés, protagonizado por Shawn Yue, que va a sorprender; y el de Lee Sa-Rang que consigue con Real, un cruce entre Nicolas Winding Refn y el mejor thriller coreano.

mon mon mon Monsters

La canadiense Les affamés, de Robin Aubert –conocido por la inquietante Saints-Martyrs-des-Damnés–, reinventa el género de zombis, con una visión intelectualizada y casi ya de culto tras su pase por los festivales de Toronto y Austin. Otro de los grandes debuts del año, que consolida el papel de las mujeres realizadoras dentro del cine de género, es el de la directora francesa Coralie Fargeat. Su ópera prima, Revenge, destila una violencia con guiños a los clásicos de los años 70, y contiene un clímax final que será un sueño para los amantes del fantástico. De Hungría llegará Jupiter’s Moon, de Kornél Mundruczó –autor de la extraordinaria White God–, director que siempre ha intro ducido el elemento fantástico de manera inteligente en sus películas, convirtiéndolo en un mecanismo visual perfecto. Por su parte, el británico David Bruckner, juega en The Ritual con texturas que van más allá de La bruja de Blair o La bruja, para conseguir una película de horror, que ha gozado de una excelente recepción en Toronto. Más talento europeo este año en Sitges con Thelma, del noruego Joachim Trier, que desde un punto de vista autoral, presenta un thriller sobrenatural que ahonda en la existencia humana; con la superproducción rusa Salyut-7, film que narra el rescate de la estación espacial Salyut 7 en 1985; o con el espectacular western holandés Brimstone, protagonizado por Dakota Fanning y Guy Pearce.

Salyut-7

Latinoamérica sigue su apuesta por el fantástico con la película brasileña As boas maneiras, un relato ente lo real y lo onírico sobre el poder del amor materno, dirigido por Marco Dutra y Juliana Rojas; El habitante, del uruguayo Guillermo Amoedo, ganador del Premio a la Mejor Película Iberoamericana con The Stranger en 2014; o la terrorífica Belzebuth, del mexicano Emilio Portes. El talento catalán estará presente, una vez más, en el Festival, con diversas producciones, entre ellas el último trabajo de Jaume Balagueró: Muse. Sitges tambien contará con el debut de Sergio G. Sánchez, con Marrowbone, y programará films como Dhogs de Andrés Goteira, una producción independiente que narra el encuentro casual entre un hombre de negocios y una misteriosa mujer, que nos conduce a una aventura furtiva, a un desierto y a un crimen; y Black Hollow Cage, de Sadrac González-Perellón, un film que mezcla el género del terror con el de ciencia ficción. Completan el panorama español Errementari, la última producción de Álex de la Iglesia y Carolina Bang, dirigida por Paul Urkijo; Most Beautiful Island, dirigida por la realizadora Ana Asensio, que abrirá la sección de Noves Visions One, y Arder, Compulsión y The Biggest Thing That Ever Hit Broadway, tres títulos del más actual cine independiente español.

El documental, presente siempre en la programación del Festival, tendrá su representación con títulos como 78/52, de Alexandre O. Philippe –que ha presentado varios documentales en ediciones pasadas del Festival–, que estará en la Sección Oficial a competición. La pieza analiza minuciosamente la escena de la ducha de Psicosis, de Alfred Hitchcock. Junto a este, podrá verse Caniba, tras su paso por la Mostra de Venecia, un film dirigido por Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel, que refleja la desconcertante importancia del deseo caníbal en la existencia humana.

Caniba

Samsung Sitges Cocoon, series, animación…

En su 50 aniversario, el Festival de Sitges da un paso adelante y refuerza la presencia de la realidad virtual a través de Samsung Sitges Cocoon, que este año amplía su programación con dos nuevos espacios, y que cuenta con una sección oficial a competición que será valorada por un jurado oficial, compuesto por Jaume Balagueró y Javier Olivares. Dentro de la programación podrá verse el estreno mundial de Campfire Creepers, la primera serie de terror en realidad virtual y con una visión de 360º, dirigida por el realizador francés Alexandre Aja (Alta tensión), además de Night, Night, una experiencia terrorífica sobre los miedos infantiles, realizada por Guy Shelmerdine, director de Catatonic, pieza impactante que se vio en Samsung Sitge s Cocoon en la edición pasada.

Las producciones de series de género tambén protagonizan este año un papel destacado con proyecciones en el mismo Auditori. Movistar+ estrena La Zona; y también podrá verse la presentación de la segunda temporada de Stranger Things –con las presencias de Millie Bobby Brown y Noah Schnapp, dos de sus protagonistas– o la proyección de la coreana Okja, y What Happened to Monday?, dirigida por un director muy conocido en el Festival, el noruego Tommy Wirkola.

Desde 1995, Sitges ha dedicado un espacio a la animación. En la presente edición, rendirá homenaje a los cien años de animación japonesa, y lo hará con la programación de cinco películas de animación procedentes de Japón en la sección Anima’t, entre las que destacan la multipremiada Lu Over the Wall, o A Silent Voice, que ha tenido un recorrido espectacular por las pantallas asiáticas. Sin descuidar la animación europea, con joyas como la francesa Loving Vincent.

Loving Vincent

El próximo lunes 18 de septiembre (a las 13 horas), se iniciará la preventa de entradas –para poseedores de packs de entradas–, y el martes 19 (a las 13 horas), la venta de entradas general.

María Cañas despliega el “espíritu incandescente del cine en resistencia” en el cartel del XIV Festival de Cine Europeo de Sevilla.

La premier mundial de ‘Bajo la piel de Lobo’ de Samu Fuentes, protagonizada por Mario Casas, Irene Escolar y Ruth Díaz; y ‘El autor’ de Manuel Martín Cuenca, con Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre y María León, podrán verse en sendos pases especiales. Mathieu Amalric, Jean-Charles Fitoussi, Francis Lee, Roberto de Paolis, Valérie Massadian, Velasco Broca y David Gutiérrez Camps amplían con nuevas propuestas las secciones competitivas del festival.

“Esto es cine europeo”. El Festival de Sevilla afronta su décimo cuarta edición lanzando un mensaje claro y contundente que acompaña a la obra “El ojo que lloraba mujeres” de la iconoclasta audiovisual María Cañas. La artista se alinea con el espíritu del festival en su apelación “a la constante reformulación y evolución del cine europeo como vehículo cultural”; rasgo esencial, definitorio y determinante de las obras de los autores que participan en la cita sevillana. El cartel del festival, como toda la obra de esta creadora, es un compromiso con la recuperación del archivo audiovisual como herramienta de desarrollo cultural y con la necesidad de educar en la agitación y el reciclaje de nuestros imaginarios, para así alimentar espectadores más libres, críticos y creativos, que no es otra cosa que lo que persigue el Festival de Sevilla cada año con su programación.

“El cartel del Festival de Sevilla simboliza el espíritu incandescente del cine en resistencia. Es un parto ocular donde una heroína resurge del fuego y de las cenizas del celuloide como el ave fénix. Es el cine-ojo que siempre se está reinventando, el celuloide en llamas en un bucle eterno que está renovándose constantemente” ha dicho Cañas, una de las artistas sevillanas más reconocidas internacionalmente por su amplia creación multidisciplinar que va desde la instalación hasta la expresión pictórica, pasando de forma fundamental por su especial y única concepción de la obra audiovisual.

Con una biografía llena de términos acuñados para su autodefinición, María Cañas es una salvaje mediática, una pirómana de mentes, una videópata que practica la videoguerrilla introduciéndose en los tópicos y los géneros para dinamitarlos. Su amplia creación artística y audiovisual ha sido exhibida en multitud de festivales como el MIRA, Brasil. Muta, Perú. Mar del Plata, Argentina. Cali, Colombia. Film Society of Lincoln Center, Nueva York. Museos y galerías nacionales e internacionales de prestigio como el C.A.A.C, SCAN, Londres. Centre D´Art Contemporain Genéve, Suiza o el MAMBA, Buenos Aires. El propio Festival de Cine Europeo de Sevilla le dedicó una retrospectiva en 2013.

María Cañas no solo ha mostrado su trabajo en el festival, sino que también ha sido una fiel espectadora edición tras edición: “Son muchos los directores que he descubierto, me han sorprendido y he disfrutado en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, como Agnès Varda, Rita Azevedo, Vivienne Dick,  Gustav Deutsch, Kurdwin Ayub, Kikol Grau, Ben Rivers, Peter Tsherkassky, Juan Sebastián Bollaín, Yorgos Lanthimos, Leos Carax, Ulrich Seidl, Miguel Gomes, José Luis Guerin… la lista es interminable”. En la imagen de esta edición del festival, llena de color y estilo retrofuturista, la archivera de Sevilla ha buscado inspiración precisamente en el género experimental. Desde la transgresión de la ficción pulp de los años 20 con su énfasis por la aventura, la intriga, las historias fantásticas y los seres mitológicos de naturaleza paranormal o mágica, hasta sus hallazgos y descubrimientos en el propio Festival de Sevilla.

Estreno absoluto de Bajo la piel del Lobo y pase especial de El Autor

Insistiendo en su papel como espacio para la difusión y el apoyo al cine español el Festival de Cine Europeo de Sevilla acogerá en 2017 la proyección de títulos de nuestra cinematografía con inminente estreno comercial. En este contexto el festival acogerá la premier mundial, dentro de la Sección Oficial fuera de competición de Bajo la piel de lobo, debut en la ficción de Samu Fuentes en la que Mario Casas interpreta a un trampero que escoge alejarse de la civilización para adentrarse en la soledad del monte. Casas, acompañado en el reparto por Irene Escolar, Ruth Diaz y Ramón Barea, comparte protagonismo con el entorno natural que le rodea, el impactante Pirineo Oscense y el Occidente asturiano. La película, cuyo equipo al completo acudirá a Sevilla para su estreno, está producida por Joseba Garmendia (Orreaga Filmak) y Javier Pruaño (NASA Producciones), cuenta con la participación del ICAA y TVE.

Bajo la piel de lobo

Tras su paso por San Sebastián, también será en Sevilla, la ciudad que enmarcó su rodaje y que tiñe su espíritu, donde podremos ver antes de llegar a salas El autor del andaluz Manuel Martín Cuenca. Basada en ‘El Móvil‘, la primera novela de Javier Cercas, la película recrea los conflictos personales de un novelista novel que, en busca de inspiración y experiencias que llevar al papel, moldeará y ficcionará su realidad más próxima. Quinto largometraje de ficción del director de Caníbal o La flaqueza del Bolchevique, está producido por Icónica, Lazona y La Loma Blanca PC., cuenta con el apoyo del ICAA, la Junta de Andalucía, TVE y Canal Sur, y está protagonizada por Javier Gutiérrez, María León  y Antonio de la Torre a quienes acompaña un amplio elenco de actores andaluces entre los que destacan la malagueña Adelfa Calvo y el sevillano Rafael Téllez.

El autor

Las secciones a concurso del festival siguen creciendo con la incorporación de obras de referencia del cine europeo reciente

La Sección Oficial del Festival Europeo de Sevilla incorpora en su programación Bárbara, filme que firma el director y actor francés Mathieu Amalric, uno de los nombres más destacados de la cinematografía francesa. Este biopic musical da a conocer al gran público la figura de Bárbara, intérprete de la canción gala y musa de la intelectualidad parisina de los años sesenta, con un discurso que rompe los moldes del género a través del metacine y que cosechó el elogio de prensa y público en el pasado Festival de Cannes. El filme está rotundamente protagonizado por Jeanne Balibar quien aporta a su interpretación todo el carácter y todo el temperamento por el que Bárbara se hizo una artista de culto.

Bárbara

Junto a trayectorias tan reconocidas como las de Amalric y Balibar, la sección oficial del Festival de Sevilla incorpora a nuevos valores del cine como Francis Lee y Roberto de Paolis, dos jóvenes directores que debutan en el largometraje con dos historias de iniciación, de aprendizaje y búsqueda de identidad. En Tierra de Dios (God’s Own Country) el británico Francis Lee sitúa a sus jóvenes protagonistas, un granjero y un emigrante rumano, en los inmensos paisajes de la campiña de Yorkshire, universo rural que será el contexto donde surja el amor entre ambos. Premio a la Dirección en la sección World Cinema del Festival de Sundance, Premio Michel Powell a la Mejor Película en el Festival de Edimburgo y a la Mejor Película del Galway Film Flead, entre otras distinciones, la cinta destila sencillez y emoción en un entorno natural donde superar los prejuicios sociales.

En Tierra de Dios (God’s Own Country)

Por su parte el italiano Roberto de Paolis presta atención en Corazón Puro (Pure Hearts / Cuori Puri) a los jóvenes de la periferia romana firmando con realismo una historia de crecimiento personal y pasiones al límite seleccionada en la Quincena de los Realizadores del 70º Festival de Cannes. Los distintos entornos sociales que conviven en las zonas periurbanas chocan con la energía que desprenden sus protagonistas, una adolescente de familia católica que desafía los códigos tradicionales en los que ha sido educada para dar rienda suelta a su lado más salvaje y caer en brazos de un chico que no goza de la aprobación de su entorno.

Corazón Puro  (Pure Hearts / Cuori Puri)

Estos títulos vienen a sumarse en la Sección Oficial a los ya anunciados El mar nos mira de lejos, de Manuel Muñoz Rivas con producción de Azhar Media, CTM Docs, El Viaje, 59 en Conserva, y Canal Sur TV;  Un sol interior (Let the sunshine in / Un Beau Soleil Interieur) de Claire Denis, El taller de escritura (The Workshop / L’Atelier) de Laurent Cantet, Western de Valeska Grisebach, y A Fábrica de Nada (‘The Nothing Factory’) de Pedro Pinho.

En la sección Las Nuevas Olas se incorporan cuatro títulos a engrosar la lista de los nuevos discursos del cine europeo. Ampliando más que ninguna edición anterior  la nómina española, se incorporan dos obras de nuevos talentos nacionales: Ayudar al Ojo Humano de Velasco-Broca y el colectivo Canódromo Abandonado y Sotobosque de David Gutiérrez Camps.

Con la expectación de quienes han aplaudido su trabajo en festivales de prestigio internacional (Cannes, Locarno, Bafici), Velasco Broca junto al Colectivo Canódromo Abandonado presentan Ayudar al Ojo Humano, su primer y esperado largometraje. Esta obra modular se compone de cuatro piezas cortas de tono y formato diferentes (el telefilm, el giallo, la telecomedia, el cine mudo) por las que transita la figura espectral de un sacerdote solitario sacudido por sus pasiones: el gnosticismo, el cine y las mujeres. Broca y sus compañeros han jugado a intercambiarse los roles en el set asumiendo alternativamente las funciones de dirección, guion o interpretación. Esta propuesta provocadora cuenta con Julián Génisson como protagonista al que acompañan Andrés Gertrúdix, Nacho Vigalondo, Joe Crepúsculo y Lorena Iglesias.

Ayudar al Ojo Humano

David Gutiérrez Camps en Sotobosque utiliza el entorno rural de Gerona para contextualizar el día a día de un emigrante africano en su esfuerzo por superar las barreras de la diferencia y subsistir. Alejado del melodrama, la película consigue la identificación con el personaje gracias a su sinceridad, a sus silencios, y a su tono elegante y equilibrado.

Sotobosque

Es en Las Nuevas Olas donde Valérie Massadian (Premio a la Mejor Ópera Prima de Locarno con Nana) presenta Milla, su segunda incursión en el largometraje, para proponer un acercamiento al despertar de la madurez a través de una vitalista adolescente que debe afrontar el inevitable cambio de vida que conlleva su prematura maternidad. Así como en Nana, Massadian retrata con intimidad y profunda emoción el mundo de la mujer, logrando una obra atmosférica y estilizada.

Milla

Jean-Charles Fitoussi, cineasta de culto que ha fraguado su propio estilo tras colaborar con Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, llega a Las Nuevas Olas para mostrar Vitalium, Valentine!, una delirante revisión del mito de Frankestein en la que el legado del famoso doctor se perpetúa en el seno de la familia que pasa a ocupar el castillo donde está su laboratorio. Esta comedia de enredos protagonizada por Guillaume Gallienne (director y protagonista del éxito del cine francés Guillaume y los chicos ¡a la mesa!) muestra, a modo de virtuoso cuento de hadas, la complejidad del alma humana, tema filosófico recurrente en el cine siempre onírico de Fitoussi.

Vitalium, Valentine!

Estas películas se añaden al estreno absoluto de Algo muy gordo de Carlo Padial, con guión e interpretación de Berto Romero y producción de Paco Ramos por parte de Zeta Zinema, que inaugurará la sección; Niñato de Adrián Orr, Mrs Hyde (Madame Hyde) de Serge Bozon, y Colo de Teresa Villaverde, ya confirmadas.

Además, Javier Bardem, Bérénice Bejo, Steve Coogan, Glenn Close, Penélope Cruz, James Franco, Jean-Pierre Léaud, Benoît Magimel, Arnold Schwarzenegger, el Premio Jaeger-LeCoultre al Cine Latino Paz Vega y Alicia Vikander, entre otros, han confirmado su presencia en San Sebastián. El actor John Malkovich presidirá el jurado de la Sección Oficial, en el que le acompañarán las actrices Dolores Fonzi y Emma Suárez, el cineasta William Oldroyd, la productora y guionista Paula Vaccaro y el director de fotografía Fabio Cianchetti.

Darren Aronofsky, Raymond Depardon, Ildikó Enyedi, Robert Guédiguian, Todd Haynes, Aki Kaurismäki, Hirokazu Koreeda, Ruben Östlund, Lynne Ramsay, Carlos Saura, Wim Wenders, Michael Winterbottom y Frederick Wiseman presentarán sus películas en San Sebastián.

En la 65 edición del Festival de San Sebastián se entregarán tres Premios Donostia. Además de distinguir al actor argentino Ricardo Darín, el Festival reconocerá las trayectorias de la actriz italiana Monica Bellucci y la cineasta de origen belga Agnès Varda. En su recorrido como intérprete durante más de 25 años, Bellucci ha trabajado con algunos de los cineastas referentes tanto en Europa como en Estados Unidos, entre ellos Francis Ford Coppola, Gaspar Noé, las hermanas Wachowski, Mel Gibson, Terry Gilliam, Spike Lee, Paolo Virzì, Philippe Garrel, Sam Mendes o Emir Kusturika. Agnès Varda, por su parte, es una leyenda del cine europeo, cuya carrera ha sido reconocida con los premios más importantes de Cannes, Berlín, Venecia, Locarno y la Academia de cine francesa.

Además de los tres Premios Donostia, una larga lista de intérpretes y directores han confirmado su presencia en San Sebastián. Para presentar sus películas en la Sección Oficial, visitarán el Festival el actor James Franco, que competirá por la Concha de Oro con su película The Disaster Artist, Glenn Close, que clausurará la sección con The Wife, Jean-Pierre Léaud -el inolvidable Antoine Doinel de Les quatre cents coups-, que protagoniza la película de Nobuhiro Suwa (Le lion est mort ce soir); Arnold Schwarzenegger, la voz de la proyección especial Wonders of the Sea 3D; y Alicia Vikander, que protagoniza la película de inauguración, dirigida por Wim Wenders (Submergence).

Además, algunos de los directores más importantes del panorama actual acudirán a San Sebastián para presentar sus películas en las secciones de Perlas,  Zabaltegi-Tabakalera y Horizontes Latinos: Darren Aronofsky, Kantemir Balagov, Robin Campillo, Raymond Depardon, Ildikó Enyedi Michel Franco, Robert Guédiguian, Todd Haynes, Hirokazu Koreeda, Sebastián Lelio, Martin McDonagh, Janus Metz, Ruben Östlund, Lynne Ramsay, Carlos Saura (en su caso, una película de Félix Viscarret sobre él) y Frederick Wiseman, entre otros. Además, el cineasta Michael Winterbottom y el actor Steve Coogan pondrán el broche a la sección Culinary Cinema y Aki Kaurismäki recogerá en la gala de inauguración del Festival el Gran Premio FIPRESCI 2017 (Toivon tuolla puolen / The Other Side of Hope).

Javier Bardem y Penélope Cruz, que asistirán a la clausura de Perlas en el Velódromo (Loving Pablo) y la Premio Jaeger-LeCoultre al Cine Latino Paz Vega encabezan la representación de cine español, compuesta por el reparto de El autor, en el que figuran Javier Gutiérrez (que presentará también Vergüenza), María León y Antonio de la Torre; la delegación de La peste, liderada por Alberto Rodríguez y Paco León; la protagonista de la coproducción Una especie de familia, Bárbara Lennie; la pareja de Morir, formada por Marian Álvarez y Andrés Gertrúdix; Elena Anaya, que participa en la proyección especial Premio Donostia La cordillera; los equipos de los dos estrenos del Velódromo,  Jordi Mollà, Karra Elejalde y Unax Ugalde (Operación Concha) y Javier Cámara, Miren Ibarguren, Gorka Otxoa y Julián López (Fe de etarras), entre muchos otros.

También el cine francés contará con una nutrida representación. En la Sección Oficial, con La douleur viajarán el director Emmanuel Finkiel y los intérpretes Benoît Magimel (La Haine), y Gregoire Leprince-Ringuet (La belle personne), y para presentar Le lion est mort ce soir, a Jean Pierre Léaud estará acompañado por la actriz que le da la réplica en la película, Pauline Etienne (Eden). En la sección Perlas, Léa Drucker (La chambre bleue) y Denis Ménochet (Inglourious Basterds) encarnan a los progenitores de Jusqu’à la garde, y Jean-Pierre Darrousin, uno de los tres hermanos de La villa de Guèdiguian. Y la actriz Bérénice Bejo presentará en Savage la película Tout là-haut, acompañada del director, Serge Hazanavicius, y las productoras Julie Gayet y Nadia Turincev.

Además, los nuevos talentos cinematográficos estarán presentes en el Festival no solo a través de las óperas primas presentes en todas las secciones y especialmente en Nuev@s Director@s, sino también a través de la visita de intérpretes que se encuentran en los inicios de su carrera como los protagonistas de Marrowbone, Charlie Heaton (Stranger Things, As You Are) y George MacKay (Captain Fantastic); de Sollers Point McCaul Lombardi (American Honey);  Esther Garrel, que participa en el Festival por partida doble en L’amant d’un jour y Call Me By Your Name; Nahuel Pérez Biscayart (Je suis à toi), de 120 battements par minute; y el joven protagonista de Jusqu’à la garde, Thomas Gioria.

MONICA BELLUCCI

El gran talento de la actriz italiana Monica Bellucci es reconocido y apreciado en todo el mundo.

Después de pasar por la escuela de Derecho y de una carrera como modelo para los más importantes diseñadores de moda, tomó clases de interpretación e inició su carrera como actriz en 1990 con Vita coi Fligi, dirigida por Dino Risi. En 1991 consiguió su primer papel en una película importante en La riffa, de Francesco Laudadio. Un año después, Francis Ford Coppola se fijó en ella, e hizo una de sus primeras apariciones en su película Dracula (Drácula de Bram Stoker), en la que interpretaba a una de las mujeres del vampiro.

Después de varios papeles en Italia, Monica Bellucci se trasladó a Francia y se hizo conocida en 1996 por su papel de Lisa en L’Appartement (Flash-Back [El Apartamento]), dirigida por Gilles Mimouni, por la que fue nominada al premio a la Mejor Actriz Joven en los Césars de 1997. A finales de los 90 y principios de 2000 protagonizó varias producciones importantes en Francia, en las que ofreció interpretaciones particularmente memorables, entre las que se incluyen la de Nathalie en Dobermann (1997), dirigida por Jan Kounen, la de Cleopatra en Asterix & Obelix: Mission Cleopatra (Astérix y Obélix: Misión Cleopatra), y la de Alex en la controvertida Irreversible (2002), de Gaspar Noé, un film en el que compartía protagonismo con Vincent Cassel y Albert Dupontel.

Al tiempo que desarrollaba su carrera en Francia, Monica Bellucci, que habla italiano, francés e inglés, continuó con su carrera internacional. En Estados Unidos trabajó, entre otros, para Stephen Hopkins en Under Suspicion (Bajo sospecha, 2000), para Antoine Fuqua en Tears of the Sun (Lágrimas del sol, 2003) y para las hermanas Wachowski en la popular saga Matrix (Matrix Reloaded y Matrix Revolutions, 2003). En 2004 Mel Gibson la dirigió en su papel de María Magdalena en The Passion of the Christ (La pasión de Cristo).

En los años siguientes participó en más de veinte producciones alrededor del mundo y colaboró con cineastas de primera fila, como Bertrand Blier, Gabriele Muccino, Terry Gilliam, Spike Lee, Paolo Virzì, Rebecca Miller, Alain Corneau, Marina de Van, Philippe Garrel y muchos otros. En 2014 interpretó el personaje de Milly Catena en Le meraviglie (El país de las maravillas), de Alice Rohrwacher, que fue aclamada en el Festival de Cannes, donde ganó el Gran Premio del Jurado.

En 2015 fue chica Bond junto al actor inglés Daniel Craig en el nuevo film de James Bond, Spectre, dirigido por Sam Mendes. El año pasado participó en la serie de televisión norteamericana Mozart in the Jungle, con Gael García Bernal como compañero de reparto. En 2017 la hemos visto en una aparición especial en la serie de David Lynch Twin Peaks y fue la bella novia de Emir Kusturica en su película On the Milky Road (En la vía láctea).

Malèna / Malena

Giuseppe Tornatore (Italia – EEUU)

Malena es la belleza más encantadora e irresistible de Castelcutò, un tranquilo pueblo de la soleada costa siciliana. Es nueva en el pueblo y, estando su marido en la guerra, cada paseo que da se convierte en un espectáculo que va acompañado de las lujuriosas miradas de los hombres y de los resentidos cotilleos de sus envidiosas esposas. Un ejército de flacos adolescentes en bicicleta la sigue allí donde vaya, con la única intención de observar su exquisita y arquetípica belleza. Pero entre ellos se encuentra Renato, un chico de trece años con mucha imaginación que lleva su deseo a unos límites de obsesiva fantasía.

Under Suspicion (Bajo sospecha)

Stephen Hopkins (EEUU – Francia)

En San Juan (Puerto Rico), el abogado Henry Hearst, una de las personalidades más importantes de la isla, es citado por el capitán de la policía para que complete su declaración sobre el rapto y la muerte de una niña que ha sido asesinada en las mismas circunstancias que otras dos en el plazo de un mes. Sin embargo, lo que parecía una visita rutinaria se convertirá en un duro interrogatorio de consecuencias impredecibles.

ÀGNES VARDA

Nacida en Ixelles, Bruselas, en 1928, Agnès Varda pasó su infancia en Bélgica con sus cuatro hermanos. En 1940 la guerra hizo que la familia se mudase al sur de Francia. Agnès pasó su adolescencia en Sète y después en París, donde cursó el bachillerato, para después estudiar en el Louvre y en la escuela nocturna Vaugirard, donde cursó fotografía. Ha vivido en la rue Daguerre de París, en el distrito 14, desde 1951.

Varda se convirtió en fotógrafa para Jean Vilar, fundador del Festival de Avignon, en 1948, y después para el Théâtre National Populaire (TNP) (donde brillaba, entre otras, la estrella del cine Gerard Philipe).

En 1954 realizó su primera exposición en solitario en su patio, a la que siguieron varios reportajes en China y Cuba. A lo largo de sus viajes y a través de las personas a las que conoció, realizó varios retratos de personas tanto desconocidas como famosas.

Sin tener ninguna clase de formación, Agnès Varda se pasó al mundo del cine. Creó su propia pequeña compañía, Ciné-Tamaris, para producir su primer largometraje, La Pointe-Courte (1955), que escribió y dirigió. Más adelante le valdría el título de “Abuela de la Nouvelle Vague”.

Casada con el director de cine Jacques Demy (fallecido en 1990), la hija de ambos, Rosalie Varda-Demy, es diseñadora de moda, y su hijo Mathieu Demy es actor y director. Pasaron varios años en Los Ángeles, donde Agnès filmó Lions Love (…and Lies) (1960), Black Panthers (1969), Mur Murs (1981) y Documenteur (1980).

Entre sus películas más conocidas se incluyen: Cléo de 5 à 7 (Cleo de 5 a 7, 1962), Le bonheur (La felicidad, 1965, Oso de Plata en el Festival de Berlín), Sans toit ni loi (Sin techo ni ley, 1985, León de Oro en el Festival de Venecia), Jacquot de Nantes (1991), Les glaneurs et la glaneuse (Los espigadores y la espigadora, 2000, premio Gold Hugo en el Festival de Chicago).

En 2008 Les plages d’Agnès, un poético y juguetón autorretrato fílmico, encontró eco entre el público y ganó en Francia el premio César al Mejor Documental. Entre 2010 y 2011 escribió y dirigió la serie documental Agnès de ci de là Varda (compuesta por 5 episodios de 45 minutos), en la que registraba un viaje abierto y encuentros con artistas contemporáneos en diveros países.

Su trabajo cinematográfico más reciente, Visages, Villages (Caras y lugares), codirigido con el artista JR, fue presentado fuera de concurso en la Sección Oficial del Festival de Cannes de 2017 y será estrenado en España en el marco de esta edición del Festival de San Sebastián.

En 2003 Agnès Varda emprendió su tercera carrera, la de artista visual. Sus instalaciones se han mostrado en foros como la Biennale de Venecia y la Biennale d’art contemporain de Lyon, el SMAK de Gante, Art 41 Basel, la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, la Galerie Martine Abouacaya de París, el Musée Paul Valéry de Sète… Su serie Broken portraits fue exhibida en la Galerie Nathalie Obadia de Bruselas. En marzo de 2012 el CAFA Art Museum de Beijing y el Hubei Museum of Art de Wuhan exhibieron muchas de sus instalaciones contemporáneas y fotografías tomadas en China en 1957. En junio de 2012 formó parte de la exposición colectiva “Le voyage à Nantes” con dos nuevas vídeo-instalaciones, «Des chambres en ville» y «Paroles de squatters«. En julio de 2012 el Festival de Cine de La Rochelle albergó una retrospectiva de sus películas y la instalación “Patatutopia”. En noviembre de 2012 el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla exhibió “Las dos orillas de Agnès Varda”, que incluía instalaciones y películas. En febrero de 2014 “Triptyques atypiques” se exhibió en la Galerie Nathalie Obadia de París. En los últimos años han tenido lugar otras exhibiciones de su obra: “Photographs Get Moving (potatoes and shells, too)” (Logan Center for the Arts, University of Chicago, 2015); “Varda / Cuba” (Centre Georges Pompidou, París, 2015); “Agnès Varda. Patates & compagnie” (Ixelles Museum, Bruselas, 2016); «Une barrière ouverte» (Galerie Lumière, Lyon, 2016); “solo show” (Blum & Poe Gallery, Nueva York, 2017).

Entre los galardones concedidos a su carrera, destacan el Leopardo de Honor del Festival de Locarno (2014) y la Palma de Oro de Honor del Festival de Cannes (2015).

El próximo mes de noviembre, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le entregará un Oscar honorífico por el conjunto de su carrera.

Visages, villages / Faces, places (Caras y lugares)

Agnès Varda, JR (Francia)

La veterana cineasta Agnès Varda y el joven fotógrafo y artista gráfico urbano JR recorren en una furgoneta las calles y paisajes de diferentes lugares de la Francia rural. El objetivo es muy sencillo: conocer gente con la que intercambiar ideas, fotografiar a estas personas y mostrar luego las imágenes a gran escala en plena calle, para ver qué reacciones provocan.

Jurados

El jurado de la Sección Oficial estará presidido por el actor, director, productor y escritor estadounidense John Malkovich. Estará acompañado en las deliberaciones para otorgar la Concha de Oro por la actriz argentina Dolores Fonzi, el director británico William Oldroyd, que el año pasado presentó Lady Macbeth en el Festival, la actriz española Emma Suárez, la productora y guionista italiana Paula Vaccaro, el director de fotografía italiano Fabio Cianchetti y un jurado aún por confirmar.

Jurado Sección Oficial

Jurado Premio Kutxabank-Nuev@s Director@s

Jurado Premio Horizontes

Jurado Premio Premio Zabaltegi-Tabakalera

Jurado Premio Premio Irizar al Cine Vasco

Jurado Premios Foro de Coproducción Europa-América Latina

Jurado Premio Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine

El actor Tony Isbert recibirá el Premi Nosferatu, y la sección proyectará algunos títulos de su carrera, entre los que se encuentra la inédita El espectro de Justine. El estreno de The Song of Solomon, uno de los films de terror más extremos de los últimos años; un homenaje a dos grandes figuras del fantástico que nos han dejado durante este año, la actriz Terele Pávez y el director George A. Romero; un focus documental del fantástico realizado en Panamá, y una retrospectiva de la obra del actor Tony Isbert, Premi Nosferatu 2017, conforman las líneas maestras de la programación del espacio Brigadoon.

Hijo de María Isbert, y nieto de Pepe Isbert, Tony Isbert entra en contacto con el mundo de la interpretación desde una temprana edad. Sus primeros créditos los encontramos en la serie de televisión Historias para no dormir, y desde entonces, su relación con el fantástico se mantiene a lo largo de toda su carrera en films como La saga de los Drácula de León Klimovsky (1973), Nadie oyó gritar de Eloy de la Iglesia (1972) o La grieta de Juan Piquer Simón (1990). Además del Premio Nosferatu, Tony Isbert estará presente con varios films en la programación de la sección Brigadoon. Entre otros títulos podrán verse Tres días de noviembre, de León Klimovsky (1971) y El espectro de Justine, de Jordi Gigó (1986), película inédita en nuestro país, tanto en cines como en formato doméstico.

Otra de las secciones destacadas en la presente edición del espacio Brigadoon es la dedicada a los estrenos. En ella podrán verse cintas como The Song of Salomon, de Stephen Biro, director y alma mater de la mítica Unearthed Films y que ahora dirige uno de los films más extremos de terror de los últimos tiempos; Los resucitados, la película  que Arturo de Bobadilla empezó a rodar a mediados de los noventa y que, después de dos décadas, ve finalmente la luz. Los resucitados cuenta con un reparto estelar en el que destacan Santiago Segura, Antonio Mayans y Paul Naschy, entre otros. Paul Naschy, además, será protagonista por partida doble en Brigadoon, donde se presentará el libro Paul Naschy/Jacinto Molina: la dualidad de un mito, editado por Vial Books.

The Song of Salomon

Siguiendo con los estrenos también podrán verse la primera película de terror de origen albanés en coproducción con Australia, Bloodlands, de Steven Kastrissios; The Terror of Hallow’s Eve, dirigida por Todd Tucker, responsable de los efectos de maquillaje de cintas como El hombre sin rostro o El curioso caso de Benjamin Button; el documental Culto al terror de Gustavo Leonel Mendoza; y Confession of Murder (2012), la primera película del coreano Jeong Byeong-gil, que presenta La villana (2017) en la Sección Oficial del Festival.

Bloodlands

Brigadoon rendirá homenaje a dos figuras destacadas del fantástico nacional e internacional que nos han dejado a lo largo del presente año: por un lado se proyectará Las brujas de Zugarramurdi, que rendirá homenaje a la gran Terele Pávez (Premio Nosferatu 2016), en una proyección que contará con la presencia de Álex de la Iglesia y Carolina Bang; y por otro lado, podrá verse Los ojos del diablo, película dirigida por Dario Argento y George A. Romero. Una proyección donde se rendirá homenaje al realizador estadounidense y que contará con la presencia del mítico director italiano Dario Argento.

Los ojos del diablo

Los cortometrajes también serán protagonistas de la sección. En la presente edición destacan el Focus Cortometrajes Fantástico Panamá, una selección de diversos trabajos en formato corto que van desde la década de los ochenta hasta la actualidad; y The Final Girls Present: We Are the Weirdos, selección de cortometrajes del colectivo inglés The Final Girls: agrupación cinematográfica con sede en Reino Unido dedicado a explorar las intersecciones del cine de género y el feminismo.

Para finalizar, como ya es habitual, la tradicional Sitges Zombie Walk tendrá lugar el primer sábado del Festival, que será el 7 de octubre y que volverá a llenar la ciudad de zombis llegados de todas partes.

La proyección comentada tendrá lugar el día 23 en la sala de cine de Tabakalera. Thierry Frémaux (Tullins-Fures, France) es el director del Festival de Cannes desde 2001, del Instituto Lumière de Lyon, institución académica francesa dedicada a promover y divulgar la cinematografía francesa y honrar la contribución al cine de los hermanos Auguste y Louis Lumière, y del Lumière Festival. Además, entre sus notas biografícas destaca que es maestro de judo cinturón negro 4e dan, especialista en Bruce Springsteen y aficionado del club de fútbol Olympique de Lyon. Vive entre Lyon y París, pero en París vive en la ‘rue de Lyon’, puntualiza.

Lumière! L’aventure commence (¡Lumière! La aventura comienza, 2016) es una colección de copias restauradas de los hermanos Lumière, en la que Frémaux es el director, el montador junto a Thomas Valette, el productor, acompañado de Bertrand Tavernier, y la voz de la película, en la que además de los hermanos Auguste y Louis, aparece Martin Scorsese. El filme se proyectó en Cannes Classics y en la sección oficial de Toronto.

El día 23 Frémaux presentará y comentará la película en la sala de cine de Tabakalera en el marco del Festival de San Sebastián. “Estoy muy feliz y orgulloso de enseñar mi película Lumière! en el Festival de San Sebastián, que es uno de mis festivales de cine favoritos en el mundo y no solo porque es, con Lyon, el mejor lugar para comer en el planeta”, señala.

“Como embajador de los hermanos Lumière, seguiré el camino de Alexandre Promio, el famoso camarógrafo de los hermanos Lumière que vino por primera vez a España en 1896. Llevo conmigo un largometraje de los Lumière, que es un programa que he compuesto para mostrar cuán rico, fascinante y poderoso era el cine. Louis Lumière no era solo un inventor, era un auténtico artista, el último inventor y el primer director. Él tenía 30 años, era joven y estaba lleno de alegría, exactamente lo que este programa de 90 minutos brinda. El mundo mostrado por los Lumière estaba hecho de generosidad, sensibilidad y calidad artística. Estaré en el escenario para explicarlo y será un maravilloso viaje para todos”, concluye Fremaux.

Caramel Films estrenará la película en las salas de cine españolas próximamente.

Lumière!

Thierry Frémaux (Francia)

Viaje por el universo de los fundadores del cine, narrado por Frémaux con pasión y humor, Lumière! brinda imágenes inolvidables y una visión única de Francia y del mundo en los albores de la era moderna; películas verdaderamente esenciales que iluminan el mundo de la cinematografía contemporánea.

Las premieres con los hallazgos internacionales del año y el cine español más esperado del 3 al 11 de noviembre en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Sevilla será el escenario del estreno absoluto de Algo muy gordo de Carlo Padial y Berto Romero que inaugurará la Sección Las Nuevas Olas. El mar nos mira de lejos del sevillano Manuel Muñoz Rivas en la Sección Oficial y Niñato de Adrián Orr en Las Nuevas Olas reafirman el compromiso del festival con las nuevas voces del cine español. Cineastas consagrados como Claire Denis, Laurent Cantet, Teresa Villaverde o Serge Bozon sumarán sus discursos a otros que surgen con fuerza y voluntad transformadora como el de Pedro Pinho en A Fábrica de Nada o el de Valeska Grisebach en Western.

A Fábrica de Nada

El Festival de Sevilla escribe de nuevo un discurso propio que va más allá de procedencias, géneros y lenguajes, pero que apuesta claramente por autores con miradas no convencionales capaces de sorprender a público y crítica. En esta edición, Sevilla será el punto de encuentro donde conocer qué está sucediendo en el cine europeo, un lugar para disfrutar de los descubrimientos de este 2017 y donde, sin duda, se producirán nuevos hallazgos.

Así, una propuesta novedosa y una película que rompe esquemas será la que inaugurará con su estreno absoluto la sección Las Nuevas Olas: Algo muy gordo, proyecto cinematográfico que han desarrollado Carlo Padial (autor del éxito editorial ‘Dinero gratis’ y director de ‘Mi loco Erasmus’ o ‘Taller Capuchoc’) como director y Berto Romero (habitual colaborador de Andreu Buenafuente y protagonista de ‘Tres bodas de más‘, ‘Ocho apellidos catalanes‘ o ‘El pregón‘) como guionista y protagonista. Ambos se unen a un casting que completan Carlos Areces, Carolina Bang, Miguel Noguera y Didac Alcaraz para el trazado de una comedia deconstruida que se apoya en el posthumor para huir del discurso convencional.

Algo muy gordo

Siguiendo en esta línea, en su edición número catorce el festival se reafirma en su compromiso de visibilizar y acercar a los espectadores el cine español, incorporándolo de forma transversal en distintas secciones del Festival. Muestra de ello es la programación dentro de la Sección Oficial a concurso de El mar nos mira de lejos, ópera prima del sevillano Manuel Muñoz Rivas que tuvo su estreno mundial en la sección Forum de la pasada Berlinale y que se verá en España por primera vez en Sevilla. Con esta obra de no ficción Muñoz Rivas se estrena como director tras haber firmado el montaje de películas tan celebradas por el público de esta cita con la cinematografía europea como ‘Arraianos’ de Eloy Enciso o ‘Dead Slow Ahead’ de Mauro Herce, director de fotografía para Muñoz Rivas en esta ocasión. Como ocurre con otras obras de esta nueva hornada del cine español, El mar nos mira de lejos es un filme que se vincula con las raíces culturales y el entorno de su autor. Muñoz Rivas se alimenta de la naturaleza, la historia y los mitos para establecer una conexión profunda con su identidad andaluza.

El mar nos mira de lejos

Ya en Las Nuevas Olas, , apartado que reúne a realizadores que discurren con nuevos lenguajes en el cine contemporáneo europeo, se confirma la presencia de Niñato del debutante Adrián Orr que tras su premiado corto documental ‘Buenos días resistencia’ retoma aquellos personajes para componer éste largo entorno a un personaje con dificultades para asumir la responsabilidad de su paternidad . Orr rompe los límites entre ficción y no ficción en este relato repleto de sutiles revelaciones cotidianas, de humanidad y de agridulce desencanto, y que se ha alzado con el Premio del Jurado en la Sección Nuevas Miradas del Festival Visions du Reel, y con el Premio a la Mejor Película en el Bafici (Festival de Cine de Buenos Aires).

Niñato

En el ámbito internacional, las voces más veteranas que no languidecen y continúan mostrando constante renovación, se conjugan en el SEFF con nuevos discursos que han irrumpido en el escenario de las cinematografías europeas. Así, el cine francés en 2017 tendrá una sólida representación con la incorporación de cineastas de la talla de Claire Denis, Laurent Cantet o Serge Bozon.

En la Sección Oficial a concurso Claire Denis rompe con la gravedad de su cine para presentar Un sol interior (Let the sunshine in / Un Beau Soleil Interieur), filme aplaudido en la Quincena de Realizadores del pasado Festival de Cannes y preseleccionado para las nominaciones a los Premios de la EFA. Acompañada por un elenco integrado por Gérard Depardieu, Valeria Bruni Tedeschi, Nicolas Duvauchelle, Josiane Balasko o Xavier Beauvois, una luminosa Juliette Binoche protagoniza esta comedia anti-romántica que desmonta los clichés de género y que discurre hacia la búsqueda de la identidad, la verdad, la realización y la liberación de la mujer madura en base a las relaciones que mantiene con los hombres que la rodean.

Un sol interior

Atraído también por los personajes femeninos con fuerza, autonomía y madurez, Laurent Cantet, estará en la Sección Ofical del festival con El taller literario (The Workshop / L’Atelier). Protagonizada por Marina Foïs, la película cuenta la intensa relación de una escritora con los alumnos de su taller literario, siete jóvenes que, de alguna forma, representan y sintetizan la diversidad étnica y religiosa de la Francia actual. El realizador de ‘Recursos humanos’ y ‘El empleo del tiempo’ recupera en El taller literario el espíritu de ‘Entre los muros’, película con la que ganó la Palma de Oro de Cannes en 2008.

The Workshop

Por su parte Serge Bozon revisa en la irreverente Mrs Hyde (Madame Hyde) el clásico de la literatura fantástica creado por Robert Louis Stevenson. En esta comedia que llega a Las Nuevas Olas, Bozon vuelve a hacer tándem en el guión con Axelle Ropert, y emplea a Isabelle Huppert, una de sus actrices fetiches, para encarnar el doble personaje de una profesora que en el enfrentamiento con sus alumnos adolescentes hace brotar su fuego interior. Este personaje le valió a Huppert el Premio a la Mejor Actriz en el pasado Festival de Locarno.

Mrs Hyde

Diez años después de ganar el Festival de Cine de Gijón con ‘Sehnsucht’, la alemana Valeska Grisebach retoma su trayectoria cinematográfica con Western, aclamado tercer largometraje de esta realizadora que, tras pasar por Cannes tendrá en Sevilla su estreno nacional. Las claves del western son el vehículo para hablar de la masculinidad en el marco de los desplazamientos sociales. Las dos Europas, la colonizadora y la colonizada, se confrontan en esta historia que opta al Premio Lux y a los Premios de la EFA y que nos invita a repensar el continente, a recuperar las raíces culturales y naturales enterradas bajo décadas de lucha económica y a mantener la esperanza en la reconciliación.

Western

El trasfondo de la crisis económica en Portugal teñirá este año las historias del festival sevillano, de la mano del debutante Pedro Pinho y de la veterana Teresa Villaverde, representantes de excepción de la cinematografía del país vecino. El documentalista Pedro Pinho, al abrigo del colectivo de cineastas Terratreme, ha hecho de su primer largometraje de ficción la película europea revelación del año. A Fábrica de Nada (‘The Nothing Factory’) es una referencia desde que se presentó en la Quincena de Realizadores de Cannes, opta a las nominaciones de los Premios de la EFA y tendrá en Sevilla su premier nacional. La más política de las películas que competirán en la Sección Oficial propone la acción artística como herramienta de intervención en el mundo, construyendo un cine social reivindicativo y atrincherado en la solidaridad y la conciencia de clases. Por su parte Colo, la última película de Teresa Villaverde, formará parte de la sección Las Nuevas Olas. La reconocida cineasta portuguesa realiza en este filme, que compitió en la Sección Oficial de la pasada Berlinale, un retrato familiar inteligente, seco e introspectivo que describe con la saudade portuguesa la pérdida de la razón y la confrontación generacional.

Colo

En la competición de no ficción, esta nueva edición también asociará discursos maduros como el del cineasta alemán Romuald Karmakar con la pasión descriptiva de jóvenes cineastas como la turca Ayse Toprak. Así Karmakar, de la mano de Djs de referencia como  Ricardo Villalobos, ATA, Roman Flügel, Sonja Moonear o Move D, nos mostrará a modo de recorrido envolvente la incombustible potencia de la escena de la música electrónica alemana en If I Think of Germany at Night, filme que podrá verse en Sevilla en colaboración con el Festival Internacional de Cine Documental Musical In-Edit de Barcelona. Muestra de implicación, respeto y compromiso, Toprak presenta en Sevilla Mr Gay Syria, ejemplo de la amalgama de culturas, identidades y realidades fronterizas que es la Europa de hoy. De nacionalidad turca esta película sacude las conciencias analizando la dificultad de ser refugiado y musulmán en un país europeo, a la que debe sumarse la de ser gay en la sociedad islámica actual.

If I Think of Germany at Night

Organizado por el Ayuntamiento de Sevilla, el XIV Festival de Cine Europeo de Sevilla, que se celebrará del 3 al 11 de noviembre de 2017, volverá a convertirse en un encuentro entre directores de todo el continente y el público para participar de la historia del cine europeo más reciente.