Categoría: Festivales

Los conceptos de corte y montaje protagonizan la imagen de la 65 edición. El autor del cartel es el estudio donostiarra de diseño gráfico Husmee.

El patio del Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera ha acogido esta mañana, por primera vez, el acto de presentación de la imagen de la 65 edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará entre el 22 y el 30 de septiembre. El estudio donostiarra de diseño gráfico Husmee, que este año cumple una década y estrena sede en Londres, ha diseñado la propuesta seleccionada para la Sección Oficial. Su cartel está compuesto por una retícula de 24 fotogramas, que cuenta la historia del número 65. El cartel juega con los conceptos de corte y montaje y sugiere en todos sus soportes la idea de ritmo y movimiento.

El cartel a cargo de Husmee ha sido seleccionado entre las ocho propuestas de estudios y diseñadores de prestigio invitados a elaborar la imagen del Festival. En la rueda de prensa se han presentado también las imágenes ganadoras del concurso de carteles convocado por el Festival para las secciones de Nuev@s Director@s, Horizontes Latinos, Perlas, Zabaltegi-Tabakalera y Culinary Zinema. El jurado, compuesto por el diseñador Jorge Primo, autor de la imagen de la 64 edición, Miren Arzalluz, directora del Instituto Etxepare, y Lur Olaizola, coordinadora de la Programación de Cine y Audiovisual de Tabakalera, junto a dos miembros de comité de dirección de Festival, ha escogido en cada categoría entre veinte propuestas: diez seleccionadas por los 61.592 votos de público y diez elegidas por el equipo del Festival entre las 1.620 propuestas presentadas.

En la sección de Nuev@s Director@s se ha impuesto Primer vuelo, un avión “audaz” que busca “una nueva dirección”, diseñado por Angel Aldarondo, que también ha creado la propuesta ganadora de Horizontes Latinos, Muros, donde un pintor proyecta su “deseo de libertad”. La diseñadora Maite Rosende reflexiona sobre el cristal en su creación para Perlas, mientras que Sara Zamarro retoma la metáfora del vuelo en la sección Zabaltegi-Tabakalera, aunque en esta ocasión el destino sea más “imprevisible”. Por último, el estudio TGA ha apostado por la austeridad para combinar los conceptos de gastronomía y cine en la imagen de Culinary Zinema.

Además, se han mostrado los carteles de la retrospectiva de la 65 edición, dedicada al director estadounidense establecido en Inglaterra Joseph Losey, que ha diseñado Eurosíntesis junto al Festival, y de Savage Cinema, que, como el año pasado, ha creado Maurix, quien hace un guiño a las postales de parques naturales de los años 50 y 60.

En la rueda de prensa, el director de Festival, José Luis Rebordinos, avanzó algunas claves de la edición, en la que el descubrimiento de nuevos talentos volverá a ser uno de los ejes, y recordó la puesta en marcha de la nueva actividad de industria, Glocal in Progress, dirigida a producciones europeas en lenguas no hegemónicas.

SECCIÓN OFICIAL: FOTOGRAMAS

Autor: HUSMEE STUDIO GRAPHIQUE!

BIOGRAFÍA

Especializados en identidad corporativa y diseño editorial, la base de su trabajo es la forma, el color y la tipografía. El estudio nace en 2007 de la mano de Alain Villastrigo y Ernesto Arnáez como una inquietud alrededor de la escena del diseño gráfico. En paralelo a la actividad diaria del estudio surgen diferentes acciones como la revista cultural del mismo nombre, eventos, intervenciones, exposiciones, etc.

DESCRIPCIÓN

El cartel está dividido en una retícula que genera 24 ‘fotogramas’, en los cuáles se narra una historia cuyo protagonista es el número 65, con diferentes cortes y encuadres que variarán a lo largo de la gráfica. Las composiciones no siguen un ritmo temporal sino que se juega con el concepto de corte y montaje. El uso de este elemento permite generar ritmo y diversidad de composiciones para todos los soportes.

Nuev@s Director@s: PRIMER VUELO

Autor: Angel Aldarondo

BIOGRAFÍA

Polifacético profesional del sector audiovisual, escribe, dirige y edita proyectos para publicidad, cine y televisión. Además de colaborar en distintos medios escritos, está especializado en postproducción y motion-graphics. Realizador de videoclips, spots, trailers o cortometrajes, su corto Ondar Ahoak fue seleccionado en el catálogo Kimuak, y obtuvo diferentes galardones como el premio al mejor corto experimental en el Festival de San Diego.

DESCRIPCIÓN

Aunque pueda parecer bisoño y frágil, en su primer vuelo este avión de papel (que bien podría tratarse de un guion) se dirige audaz en busca de una nueva dirección. El cartel representa «el vértigo de las primeras veces».

Horizontes latinos: MUROS

Autor: Angel Aldarondo

BIOGRAFÍA

Polifacético profesional del sector audiovisual, escribe, dirige y edita proyectos para publicidad, cine y televisión. Además de colaborar en distintos medios escritos, está especializado en postproducción y motion-graphics. Realizador de videoclips, spots, trailers o cortometrajes, su corto Ondar Ahoak fue seleccionado en el catálogo Kimuak, y obtuvo diferentes galardones como el premio al mejor corto experimental en el Festival de San Diego.

DESCRIPCIÓN

Una manera de enfrentarse y salvar un muro, proyectando en el obstáculo un deseo de libertad.

Perlas: OJO DE PERLA

Autora: Maite Rosende

BIOGRAFÍA

San Sebastián, 1991. Se mudó a Barcelona a realizar un grado superior de Pintura Mural y decidió estudiar ilustración, un mundo por el que, desde muy pequeña, se había sentido atraída. Completó su formación con estudios de diseño gráfico, fotografía y edición de video. Actualmente trabaja como freelance, principalmente enfocada a la ilustración infantil.

DESCRIPCIÓN

Dicen que nada es verdad o mentira, nada es bello o feo, todo depende del cristal con que se mire. Perlas es la sección que recoge las producciones cinematográficas más destacadas del año. Dichas ‘perlas’ son el cristal que el Zinemaldia coloca delante de cada espectador para que a través de su propia mirada alcance a contemplar toda la belleza del séptimo arte.

Zabaltegi-Tabakalera: VUELOS

Autora: Sara Zamarro

BIOGRAFÍA

San Sebastián, 1990. Diseñadora formada en gráfica publicitaria en el Centro de Artes Plásticas y Diseño Kunsthal y en producción y postproducción audiovisual en la escuela Centa. Sus trabajos más recientes son la imagen del proyecto de la Fundación Donostia / San Sebastián 2016 Karta Zuriak / Cartas Blancas, dirigido por el escritor Anjel Lertxundi; la adaptación de láminas del comic-book Patria (Fatherland) de la dibujante canadiense Nina Bunjevac; y la identidad gráfica y su aplicación en el espacio expositivo para Ahotsak / Voces, una exposición de la Fundación Real Sociedad.

DESCRIPCIÓN

Vuelos con un destino imprevisible que sin normas se cruzan por necesidad de explorar, crear y enfrentarse a nuevos retos en un espacio enigmático e inmenso.

Culinary Zinema: Cz

Autor: TGA

BIOGRAFÍA

Estudio de diseño de San Sebastián. “Nos gusta ser funcionales. Proponemos soluciones de diseño gráfico, interactivo e interiorismo que son útiles, sencillas, duraderas y que responden con eficacia a las necesidades de los clientes. Ser un estudio pequeño nos permite más implicación, flexibilidad, cercanía y responsabilidad directa en todo el proceso creativo y productivo”.

DESCRIPCIÓN

Austero en composición, de tipos y colores, tiene elementos iconográficos propios del mundo de la gastronomía, pero que, por su simplicidad formal, también aluden a elementos del mundo cinematográfico. Este diseño, visualmente sencillo y minimalista, posibilita una lectura fácil y la comprensión rápida y directa del mensaje.

SAVAGE CINEMA: Greetings from the savage cinema natural park

Autor: Carlos Mauricio Maurix

BIOGRAFÍA

Maurix, director de arte y diseñador gráfico gallego (1979). Ha trabajado para Zara, David Delfín y Bambú Producciones, entre otros. Desde hace varios años vive en Madrid, donde dirige su propio estudio.

DESCRIPCIÓN

Guiño a las postales de parques naturales de los años 50 y 60. Maurix ha pintado un valle imaginario, con sus montañas vírgenes, cascadas, bosques, con tonos ajados que juegan con la melancolía y recuerdos infantiles. Y un mensaje simpático, una invitación directa para aquellos curiosos que aún no conocen la naturaleza de la sección Savage Cinema: Greetings from the Savage Cinema Natural Park.

RETROSPECTIVA: JOSEPH LOSEY

Autor: Festival de San Sebastián y Eurosíntesis

DESCRIPCIÓN

El cartel de la retrospectiva dedicada al cineasta estadounidense afincado en Inglaterra Joseph Losey está extraído de una escena emblemática de una de sus películas más conocidas, The Servant (El sirviente). El clip de la retrospectiva ha sido elaborado por Carlos Rodríguez, del estudio MorganCrea.

https://youtu.be/sPv7yzEFBJ4

El D’A Film Festival de Barcelona 2017 ha anunciado los premios de la séptima edición del festival. El jurado oficial del D’A 2017, formado por Nuria Vidal, crítica de cine, Jan Cornet, actor, y Mercedes Martínez-Abarca, miembro del comité de selección del Festival de Rotterdam, han concedido el premio Talents D’A 2017 al film People That Are Not Me (Israel, 2016) de la directora Hadas Ben Aroya. El jurado ha declarado que la película ganadora es merecedora del premio por “la capacidad de la directora de estar delante y detrás de la cámara, con una frescura y libertad que se transmite a los espectadores”. El premio Talents se concede dentro de la sección del mismo nombre, con obras de directores con menos de tres largometrajes en su filmografía y está dotado con 6.000 euros que recibe el director del film ganador. La directora Hadas Ben Aroya ha visitado Barcelona para presentar su película y recibió el galardón personalmente en la ceremonia de clausura.

El Premio de la Crítica a la mejor película de la sección Talents concedido con la colaboración de la ACCEC (Asociación Catalana de Críticos y Escritores Cinematográficos) se otorgó a la película El futuro perfecto (Argentina, 2016) de la directora alemana y residente en Buenos Aires, Nele Wohlatz. El jurado, formado por los críticos Carlota Moseguí, Paula Arantzazu Ruiz y Javier Osuna, ha concedido el premio a El futuro perfecto porque “mediante una sencilla puesta en escena despliega una serie de cuestiones de difícil articulación, desde la incomunicación del que acaba de llegar a un país nuevo al uso del lenguaje como herramienta de autoconocimiento”.

Igualmente, el jurado de la crítica ha hecho una mención a la película de Enrique Baró, La película de nuestra vida, por “cómo establece un discurso del recuerdo que más que ser un relato de la nostalgia es una celebración de la vida”. La película de nuestra vida, protagonizada por Teodoro Barón Rey, Francesc Garrido y Nao Albet, es el debut en el cine de Enrique Baró.

El Premio del Público, concedido a partir de las votaciones de los espectadores a todas las películas del festival, se ha concedido al film filipino The Woman who Left de Lav Diaz, ganador en Venecia 2016 del León de Oro.

Esta mañana se ha dado a conocer la programación oficial de la próxima edición del festival de Cannes que se celebrará del 17 al 28 del próximo mes de mayo, certamen en donde no habrá ningún film español dentro de su programación pero que al menos se verá representado de alguna manera con la presencia de Pedro Almodóvar como presidente del jurado de la sección oficial. Un festival que tendrá a competición trabajos de nombres tan importantes a día de hoy como Michael Haneke, Todd Haynes, Yorgos Lanthimos, François Ozon, Bong Joon-Ho, Hong Sangsoo o Naomi Kawase entre otros muchos, el francés Arnaud Desplechin será el encargado de inaugurar el certamen con la película Les fantômës d’Ismaël protagonizado por Marion Cotillard, Louis Garrel y Charlotte Gaingsbourg. En otro orden de cosas destacar la cada vez más creciente ausencia de blockbusters dentro del festival, una cuota de atención mediática que este año puede verse direccionada con la proyección de los dos primeros episodios de la nueva temporada de la serie televisiva Twin Peaks a cargo de un viejo conocido en el certamen como es David Lynch, un medio el de las plataformas tipo Amazon y Netflix que parecen irrumpir con fuerza dentro del festival como bien ha indicado hoy Thierry Frémaux en la rueda de prensa. Más adelante y con más detenimiento iremos desgranado los títulos más destacados que se podrán ver este año en Cannes, a continuación el listado completo.

INAUGURACIÓN

– ‘Les fantômes d’Ismaël’, de Arnaud Desplechin.

COMPETICIÓN OFICIAL

– ‘In the Fade‘, de Fatih Akin.

– ‘The Meyerowitz stories‘, de Noah Baumbach.

– ‘Okja‘ de Bong Joon-Ho.

– ‘120 battements par minute‘, de Robin Campillo.

– ‘The Beguiled‘, de Sofia Coppola.

– ‘Rodin‘, de Jacques Doillon.

– ‘Happy end‘, de Michael Haneke.

– ‘Wonderstruck‘, de Todd Haynes.

– ‘Le redotable‘, de Michel Hazanavicius.

– ‘The day after‘, de Hong Sangsoo.

– ‘Radiance‘, de Naomi Kawase.

– ‘The killing of a sacred deer‘, de Yorgos Lanthimos.

– ‘A gentle creature‘, de Sergei Loznitsa.

– ‘Jupiter’s Moon, de Kórnel Mandruczó.

– ‘L’amant double‘, de François Ozon.

– ‘You Were Never Really Here‘, de Lynne Ramsay.

– ‘Good Time‘, de Benny Safdie y Josh Safdie.

– ‘Loveless‘, de Andrey Zvyahintsev.

UN CERTAIN REGARD

– ‘Barbara‘, de Mathieu Amalric.

– ‘La novia del desierto‘, de Cecilia Atan y Valeria Pivato.

– ‘Closeness‘, de Kantemir Balagov.

– ‘Beauty and the dogs‘, de Kaouther Ben Hania.

– ‘L’atelier’, de Laurent Cantet.

– ‘Fortunata‘, de Sergio Castellito.

– ‘Las hijas de abril’, de Michel Franco.

– ‘Western‘, de Valeska Grisebach.

– ‘Directions‘, de Stephan Komandarev.

– ‘Out‘, de Gyorgy Kristof.

– ‘Before we vanish‘, de Kiyoshi Kurosawa.

– ‘The nature of time‘, de Karim Moussaoui.

– ‘Dregs’, de Mohammad Rasoulof.

– ‘Jeune Femme‘, de Léonor Serraille.

– ‘Wind River‘, de Taylor Sheridan.

– ‘After the war‘, de Annarita Zambrano.

FUERA DE COMPETICIÓN

– ‘Blade of the inmortal‘, de Takashi Miike.

– ‘How to talk to girls at parties’, de John Cameron Mitchell.

– ‘Visages, villages‘, de Agnès Varda.

PASES ESPECIALES

– ‘An inconvenient sequel‘, de Bonni Cohen y Jon Shenk.

– ‘12 Jours’, de Raymond Depardon.

– ‘They‘, de Anahita Ghazvinizadeh.

– ‘Clair’s Camera‘, de Hong Sangsoo.

– ‘Promised Land‘, de Eugene Jarecki.

– ‘Napalm‘, de Ckaude Lanzmann.

– ‘Demons in paradise‘, de Jude Ratman.

– ‘Sea Sorrow‘, de Vanessa Redgrave.

EVENTOS

– ‘Top of the Lake: China Girl’, de Jane Campion y Ariel Kleiman.

– ‘Come Swim‘, de Kristen Stewart.

– ‘24 Frames’, de Abbas Kiorastami.

– ‘Twin Peaks‘, de David Lynch (dos primeros episodios)

En el año del 50º aniversario del Festival, estos nuevos estudios refuerzan la importancia del género dentro del panorama cultural actual. El género fantástico vive un momento de esplendor en todas sus expresiones. En este contexto, la Universitat Oberta de Catalunya (UOC) estrenará el próximo mes de octubre el máster Cine fantástico y ficción contemporánea, que nace de la colaboración con el Festival de Sitges.

Uno de los motores del sector audiovisual de hoy en día es el género fantástico. Muchos de los títulos vinculados al género forman parte del imaginario cultural colectivo. Además, son películas que mueven un volumen de negocio muy importante: Avatar recaudó 2.788 millones de dólares a nivel mundial, Star Wars: El despertar de la fuerza 2.068 y Jurassic World llegó casi a los 1.700 millones. Además de un buen guión, la clave del éxito es la innovación constante del género y la capacidad de los profesionales de generar nuevas ideas y proyectos. Este es el principal motivo de la puesta en marcha del máster Cine fantástico y ficción contemporánea que lanzan conjuntamente la UOC con el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.

Para Jordi Sánchez-Navarro, director de los Estudios de Ciencias de la Información y de la Comunicación de la UOC y de este nuevo máster, es clave que los profesionales se reciclen y reinventen constantemente para que hagan películas que “sorprendan, asusten, emocionen y entusiasmen” a los espectadores. Así mismo, tienen que ser capaces de plantear buenos guiones y diseñar la preproducción de un producto cinematográfico. También, añade el académico, “deben conocer bien el mercado de este género y ser capaces de  detectar formas alternativas de exhibición”.

El máster nace para formar profesionales en “el análisis y desarrollo de proyectos audiovisuales de género fantástico y otros géneros de la ficción contemporánea”, explica Daniel Aranda, co-director académico de esta titulación universitaria.

Los nuevos estudios se dirigen a perfiles profesionales de los medios audiovisuales o graduados en comunicación audiovisual, cine o titulaciones relacionadas que deseen desarrollar una carrera profesional en los ámbitos del análisis, la gestión, el desarrollo o la comercialización de proyectos de cine o televisión de género.

Profesorado vinculado al Festival de Sitges

El máster está dirigido por el profesor Jordi Sánchez-Navarro, que fue subdirector del Festival de Sitges (2001-2004) y desde 2005 colabora como programador de la sección Anima’t. Cuenta con la co-dirección ejecutiva de Mònica Garcia Massagué, subdirectora de la Fundación del Festival. En el equipo docente destacan Ángel Sala, director del Festival de Sitges, y Mike Hostench, subdirector, entre otros nombres vinculados al certamen.

La UOC considera esta iniciativa conjunta como una gran oportunidad de ofrecer formación de primer nivel en cine y creatividad. Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya es uno de los eventos cinematográficos más importantes de Europa y cuenta con “un claro prestigio internacional”, explica Sánchez-Navarro, tal y como lo certifica la FIAPF (Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos) y la Academia de las Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood, que lo ha designado festival calificado para sus premios Oscar.

La firma del acuerdo que ha hecho posible la creación del máster ha tenido lugar esta mañana en la Fábrica Moritz de Barcelona y la han firmado el alcalde de Sitges, Miquel Forns, y el rector de la UOC, Josep A. Planell.

Las personas interesadas en cursar el máster encontrarán más información, el programa académico y las instrucciones de matriculación en la web de la Universitat Oberta de Catalunya: www.uoc.edu

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT, organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, inaugurará el próximo día 5 de mayo su 23ª edición, con la presentación del largometraje “Pieles”, ópera prima del actor y director Eduardo Casanova, popular rostro televisivo gracias a su participación en la serie ‘Aída’. La proyección tendrá lugar en el transcurso de la gala inaugural del festival, que comenzará a las 20:00 horas, en el teatro Campos, y a la que asistirá el realizador madrileño y parte del equipo de la película.

“Pieles” cuenta la historia de un grupo de personas físicamente diferentes que, por ese motivo, se han visto obligadas a esconderse, recluirse o unirse entre ellas. Nadie elige cómo nace, pero la apariencia física nos condiciona para con la sociedad, aunque no la hayamos elegido nosotros. Se trata de una idea que ya trató Casanova en su celebrado cortometraje “Eat My Shit” del que recupera al personaje que dio vida Ana Polvorosa, una joven con un ano por boca.

La diferencia física del personaje de Polvorosa es un ejemplo de las excentricidades y situaciones fuera de lo común que pueden verse en la cinta, que quiere ser una oda a la diferencia y una reflexión sobre en qué medida afecta la apariencia física a nuestra vida en sociedad.

Junto a Ana Polvorosa, completan el elenco Carmen Machi, el bilbaíno Jon Kortajarena, Candela Peña, Secun de la Rosa, Joaquín Climent,  Itziar Castro o Macarena Gómez, que ha visitado en dos ocasiones el festival bilbaíno donde recogió en 2007 el Premio Fantrobia, que reconoce a figuras emergentes dentro del género fantástico y de terror. “Pieles” ha sido coproducida, junto a la empresa Nadie es perfecto, por Carolina Bang –que también aparece en la película– y Álex de la Iglesia, a través de su empresa Pokeepsie Films y Netflix.

La cinta está rodada en colores pastel, con el rosa como gran protagonista, un color que ya utilizó Casanova en su cortometraje “La hora del baño”, que también se proyectó en FANT. En esta ocasión, deformaciones físicas, historias de amor y desespero, un joven con cola de sirena, otro con el rostro quemado o una chica sin ojos son algunos de los elementos de una cinta que ha pasado por el festival de Berlín y de Málaga, logrando en este último el Premio Jurado Joven a la Mejor Película de la Sección Oficial.

Premio FANTROBIA a Sean Brosnan

Su primer largometraje My Father Die (2016), se proyectará en la próxima edición de FANT, el martes 9 de mayo, a las 20:00 horas, en los Cines Golem – Alhóndiga.

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT, entregará el Premio FANTROBIA, que reconoce a una figura emergente dentro del género fantástico, al realizador estadounidense Sean Brosnan (EEUU, 1983) –hijo del actor Pierce Brosnan–, que presentará dentro del festival su primer largometraje My Father Die (2016). La proyección tendrá lugar, el día 9 de mayo, a las 20:00 horas, en los Cines Golem – Alhóndiga, y la entrega del galardón será en la gala de clausura.

Sean Brosnan estudió Teatro y Poesía y ha estado profundamente inmerso en el mundo de las artes desde edad muy temprana. Al acabar sus estudios universitarios consiguió el papel de Romeo en la producción de Romeo y Julieta de la British Shakespeare Company. Poco después, formó parte del reparto de la miniserie de HBO Generation Kill. Ha formado parte del reparto de películas como My Horizon, Don Peyote, What Dreams Will Travel, y UFO.

Habiendo crecido en Hollywood entre platós, Sean Brosnan mantiene buenas relaciones con la industria y decidió fundar una productora junto con su esposa, la escritora y productora Sanja Banic. Knightmarcher se fundó en 2012 cuando Brosnan hizo su debut como guionista y director con el premiado mediometraje The Kid. Ha escrito y dirigido 63 Lbs, The Face of C, y ha producido ocho cortometrajes en tres años. My Father Die es su primer largometraje, una sangrienta propuesta que ha recibido buenas críticas en EEUU.

JURADO

Por otro lado, el Festival de Cine Fantástico de Bilbao, ha dado a conocer a su jurado para esta próxima edición, que estará integrado por la actriz Melina Matthews, el escritor, director y guionista de cine, Elio Quiroga, y el director, guionista y periodista sevillano, Miguel Ángel Vivas.

Melina Matthew es nacida en Barcelona de padre británico y madre francesa. Se licenció en Periodismo por la Universidad de Westminster (Londres) y compaginó sus estudios con cursos de teatro en la escuela londinense Central School of Speech of Drama. En cine, ha aparecido en películas como Retornados (2013), de Manuel Carballo, protagonizó Panzer Chocolate (2013) junto a Geraldine Chaplin y Negociador (2014) de Borja Cobeaga. Además, el público ha podido escucharla en la exitosa Mama (2013), de Andrés Muschietti, poniendo su voz al monstruo que da nombre a la película.

Miguel Ángel Vivas (Sevilla 1974) es licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad Europea de Madrid y está diplomado en Dirección Cinematográfica por la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual Madrid (ECAM). En cine ha estado detrás de películas como ‘Secuestrados’ (2010),”Extinction’ (2015) e ‘Inside’ (2016), ésta última su ‘remake’ de la cinta francesa de culto Al interior (2007) de Alexandre Bustillo y Julien Maury, que abrió la última edición del festival de Sitges.

Elio Quiroga nacido en Las Palmas, escritor, director y guionista de cine, que ha publicado varias novelas, entre ellas, El despertar, Los códices del Apocalipsis, Ydill y Los que sueñan, Premio Minotauro 2015 a la mejor novela de ciencia ficción. También ha dirigido cuatro largometrajes: Fotos (premio al mejor guión y Premio Especial del Jurado de Sitges 1997), La Hora Fría, No-Do, y The Mystery of the King of Kinema, además de numerosos cortometrajes.

En esta edición se entregará también dos premios honoríficos sin dotación económica, al Mejor Largometraje y Mejor Cortometraje de género de la sección Panorama Fantástico. El jurado encargado de decidir estos galardones estará integrado por el guionista e investigador del cine de género fantástico, Ángel Agudo – en el 2011 participó en FANT con El hombre que vio llorar a Frankenstein, un documental sobre la vida de Paul Naschy–, la periodista y crítica cinematográfica, Iratxe Fresneda, y el también periodista y crítico de cine fantástico, Javier Donate.

Del 16 al 26 de marzo se celebró la cuarta edición del Offside Fest, un certamen que a través de 17 documentales y 10 cortos proyectados nos ofreció una interesante y muy variada visión del futbol como fenómeno social haciendo especial hincapié en su relevancia tanto a nivel cultural, político e incluso histórico, un certamen que aparte de su valiosa especialización tiene la gran virtud de dar a conocer trabajos de una muy difícil difusión fuera de eventos como el que nos ocupa. Durante los ocho días hábiles de un festival que va creciendo con paso lento pero firme (mas días de festival, una mayor difusión de cortos o la incorporación de una nueva sección oficial con tres largometrajes producidos en España fueron algunas de sus principales novedades) fueron desfilando diversos retratos e historias que nos hablaron y nos dieron a conocer esa otra cara del deporte rey que no llega a ser tan conocida por el gran público. A continuación y dividido en tres diferentes bloques la crónica de todo lo que dio de sí el Offside Fest 2017.

Reflejos Sociales

Dentro del Offside Fest suele ser muy frecuente ver trabajos en donde la dura realidad social se ve en parte paliada por sueños e ilusiones con el futbol como claro trasfondo de la acción, The Other Kids (mejor largometraje documental nacional) del español Pablo de la Chica utiliza dicha máxima para contarnos la historia de Mubiru Reagan, un niño africano que ha sufrido en sus propias carnes los horrores de la guerra, The Other Kids se posiciona a través de la esperanza dentro de un contexto y un escenario poblado por nubes de vapor tóxico, montañas de basura y multitud de pájaros carroñeros a las puertas del Estadio Nacional Nelson Mandela, en el particular imaginario de Mubiru este sueña con poder emular algún día a su ídolo Fernando Torres, no deja de ser una evidente alegoría el mostrar de tal modo la vida de un niño que, de por si no quiere más que tener la oportunidad de obtener una beca a través de la que es su verdadera pasión, el futbol, una historia en definitiva que intenta dejar en un segundo plano el dolor y la oscuridad que subyace en el relato. Les Bleus : une autre histoire de France, 1996-2016 (ganador como mejor largometraje documental de la sección oficial) como bien indica su título nos hace un completo repaso del papel de la selección francesa en los últimos veinte años, una trayectoria en donde veneración y odio se dan la mano según resultados obtenidos sirviendo del mismo modo como un perfecto termómetro del sentir de la convulsa sociedad francesa actual, otra vez el futbol como trasfondo de una realidad en un documental que incide y reflexiona especialmente en lo social, a lo largo de la crónica de estos años vemos como la expresión Black-Blanc-Beur en referencia a los integrantes de la selección francesa se convierte en una especie de símbolo de dirección unilateral a los males de un país en donde la identidad se erige como principal motivo de controversia, todo ello narrado a través de un catálogo de testimonios ciertamente abundante.

Por su parte WIN! The Birth of the New York City FC nos ofrece una peculiar visión acerca del nacimiento de un club en pleno siglo XXI, la creación de New York City FC, la franquicia que el Manchester City tiene en la MLS, contada desde dentro por Justin Webster (ojo a su reciente y extraordinaria miniserie documental Muerte en León) utilizando un formato similar a su opera prima FC Barcelona Confidencial, es decir un relato en modo behind-the-scenes, que si bien en aquella ocasión nos contaba los primeros meses de mandato por parte de la junta liderada por Joan Laporta en el F.C. Barcelona aquí se nos introduce en la primera temporada de un club en donde rostros conocidos como David Villa, Ferran Soriano o el técnico Jason Kreis entre otros nos muestran los entresijos y desafíos personales de tal aventura, un documental que posiblemente encuentre su mejor virtud en su dinámico y hábil formato narrativo. Soccer Millionaire from East de Carin Goeijers se aparta del relato futbolístico al uso como tal para contarnos una historia particular que refleja una de las muchas situaciones que podemos ver hoy en día en el futbol actual y como la globalización de contornos casi mercantiles incide de alguna manera en todo ello, Mbark Boussoufa estrella marroquí formado en el futbol holandés juega en la liga rusa (aunque bien podría ser en la de Qatar o en la de China), primero en el Anzhi Makhachkala y más tarde en el Lokomotiv Moscow, durante este periplo vemos como Boussoufa no socializa con el que es su nuevo entorno, rodeado por todo tipo de lujos pasan los días entre entrenos y hablar con su familia y amigos a través del móvil o Skype sin apenas salir de la adinerada casa en donde se hospeda, en Soccer Millionaire from East no hay una narración en off y tampoco testimonios, simplemente somos testigos de esta especie de “sacrificio” en un relato que intenta encontrar su positiva dualidad en ver como su humilde familia residente en Marruecos en parte se beneficia de tal situación a un nivel meramente monetario, en el documental rara vez vemos sonreír a Boussoufa pues asistimos a un relato en cierta manera amargo o eso es lo que las imágenes nos dan a entender, una historia en donde el concepto económico parece eclipsar de alguna manera esa naturalidad que solemos encontrar en cualquier tipo de historia a cerca de la trayectoria de un futbolista.

Pedagogía Futbolística

Varios fueron las muestras vistas este año dentro del Offside Fest 2017 que nos llegaron a ofrecer una mirada direccionada hacia atrás, en la muy interesante Get Shirty somos testigos de cómo los ingleses no solo fueron pioneros en la creación del futbol sino que también lo fueron en lo referente a la innovación de la ropa futbolística, la historia de la fundamental Admiral Sportswear, una empresa textil de Leicester que en los años setenta irrumpió con inusitada fuerza tanto a un nivel empresarial como estilístico en el futbol británico, a medio camino entre la nostalgia y el testimonio histórico Get Shirty solo tiene el único inconveniente de dejarnos con querer saber más detalles de tan apasionante historia. Por su parte Miller & Fried podría catalogarse como un trabajo de pura arqueología sobre los orígenes del futbol, en esta ocasión sobre los primeros pasos de tal deporte en Brasil a través del riguroso seguimiento e investigación de dos personajes determinantes en tal tarea, Charles Miller figura clave en la introducción del futbol en el país y Arthur Friedenreich, el que podríamos denominar como el primer ídolo de masas surgido en Brasil, Miller & Fried es un documental que no solo se limita a hablarnos del nacimiento del futbol como tal sino que también nos sitúa dentro de un contexto social muy determinado acontecido a principios de siglo, la inmigración masiva, el crecimiento de una ciudad como Sao Paulo o los intercambios culturales son algunos de los factores claves que van desfilando en este valioso relato a la hora de definir las claves primigenias del futbol de un país. Uno de los grandes platos fuertes del festival fue la premier Europea de Black & White Stripes: The Juventus Story a cargo de Marco y Mauro La Villa ambos presentes en el certamen, posiblemente el documento visual definitivo sobre la Juventus de Turín, film que tiene la virtud de no ser un catálogo al uso sobre la histórica Vecchia Signora sino de situarse a modo de retrato paralelo y sinérgico en cierta manera de la familia Agnelli y la Juventus a través de la extensa historia del club y la tragedia personal de sus mandatarios, Black & White Stripes tiene el indudable añadido de tener una factura técnica ciertamente apabullante (producción norteamericana) en donde destaca por encima de todo el uso que hace del collage fotográfico aparte de conservar en lo referente a su narrativa esa idiosincrasia de naturaleza tan italiana muy omnipresente en el documental tanto a través de la voz en off a cargo de Giancarlo Giannini como por la música supervisada por el gran Ennio Morricone.

Si ya en la pasada edición del Offside Fest se tuvo para bien el intentar rescatar a modo retrospectiva documentales pioneros en lo futbolístico como fueron El profeta del Gol o Profis este año y aprovechando su presencia en el cartel oficial a modo de homenaje se proyectó  George Best: Football As Never Before, film que se anticipa en muchos años al Zidane: A 21st Century Portrait, un documento que ya en 1971 ofreció por primera vez la visión de un futbolista en directo como nunca antes se había visto a través de una pantalla, el alemán Hellmuth Costard utilizo ocho cámaras de 16 mm para realizar un seguimiento exclusivo de cada uno de los movimientos realizados por parte del futbolista del Manchester United durante el partido de liga que le enfrenta al Coventry City. Una pieza que encuentra su razón de ser en su condición de documento pionero, de un ineludible corte experimental, algo que hace de su visionado una experiencia ciertamente dura para quien no este lo suficientemente informado de lo que va a presenciar, aunque posiblemente su verdadera valía a día de hoy la encontremos en una reflexión hecha a posteriori, el preguntarnos en cómo un documento puro como el que nos ocupa ha ido evolucionando hasta hoy de día convirtiéndose en muchas ocasiones en una distorsión de la verdadera imagen del futbol como tal. Si hablamos de la divulgación de documentales que abordan lo futbolístico el Reino Unido posiblemente ha sido uno de los territorios más fecundo en dicha labor, es por eso que extrañaba en parte que aún no se hubiera realizado un trabajo que reflejada la trayectoria de alguien como Stanley Matthews, Ryan Scott Warren palía en parte esta carencia documentada con Matthews, un largometraje que nos narra la carrera deportiva y personal del primer ganador del prestigioso Balón de Oro, la que es considerada como la primera gran estrella del fútbol británico que en cierta manera lo fue sin llegar a serlo pues hablamos de un personaje cuyo talante personal no se ajusta a los cánones de lo que antes y sobre todo hoy en día entendemos como una estrella del futbol como tal, jugador de inusitada longevidad futbolística al estar en activo hasta los 50 años su carrera transcurrió entre el Stoke City y el Blackpool, dos clubes relativamente modestos, Matthews nos revela una historia que posiblemente este vertebrada de manera algo abrupta dentro del documental, dos partes demasiadas diferencias entre sí en lo referente a su tono, la que nos relata su trayectoria como jugador en activo (provisto de un incalculable y valioso material de archivo) y la posterior en donde vemos como ya retirado acaba siendo embajador de la FIFA trabajando en numerosos proyectos para fomentar el fútbol en un África en pleno apartheid, parte está algo más direccionada al testimonio y la entrevista de varios de los implicados en dicha etapa. Black & White Stripes: The Juventus Story no fue el único fresco histórico que retrataba desde dentro la historia de un club, 90 Años de Paok como bien indica su título es un minucioso repaso a los noventa años de existencia de uno de los clubes más importantes de Grecia, y como no podía ser de otra manera estamos ante una entidad que posee una identidad muy propia y algo diferenciada con respecto al resto como bien nos muestra el documental dirigido por Nicholas Triandafyllidis. El PAOK de Salónica club que siempre ha permanecido a la sombra de los dos gigantes de Atenas, el Olympiakos y el Panathinaikos, es visto a través de sus propias raíces, a medio camino entre el fatalismo deportivo como identidad propia y su importante papel como forzado implicado a un nivel territorial en el drama de la inmigración, una problemática esta en donde el club siempre ha mostrado una postura a favor de la ayuda humanitaria apoyado incluso desde los sectores más ultras de su masa social, una afición esta que curiosamente es considerada por algunos sectores como una de las más violentas de toda Europa.

Retratos y Personajes

En el apartado de retratos y personajes que nos intentaron explicar su periplo vital dentro del futbol destacó el testimonio del gallego Santiago Formoso que en Alén Do Cosmos dirigido por el periodista Pedro Pablo Alonso nos llega a narrar la muy desconocida historia de un vigués y su aventura por los Estados Unidos de los años setenta en donde consiguió dos anillos de la Major League con el mítico Cosmos mucho antes de los conseguidos por Pau Gasol, hecho este que sirve para reflexionar acerca de la escasa repercusión de las gestas amparadas a través y desde el anonimato, un documental modesto amparado en el crowdfunding y que sirve a la perfección como complemento intimo al imprescindible Once In A Lifetime (The Extraordinary Story of The New York Cosmos). Por su parte Inside a Volcano de Sævar Guðmundsson nos retrata en esta ocasión una actualidad, la irrupción de la generación dorada del fútbol islandés a través de un relato del día a día de la participación de dicha selección en la fase clasificatoria de la Eurocopa 2016, una cotidianidad expuesta en el documental de forma algo errática en un trabajo de resultado algo superficial pues obvia casi por completo el análisis social y posterior repercusión del hecho en cuestión para terminar dándonos una cierta sensación de esbozo inacabado o coitus interruptus si se prefiere pues solo somos testigos del digamos preparatorio a lo que fue la posterior y verdadera hazaña deportiva, Sævar Guðmundsson explico en el coloquio posterior a la proyección como se le denegó al equipo de filmación el acceso a los jugadores y cuerpo técnico durante la fase final del torneo. Fins Al Final fue uno de los tres títulos que se pudieron ver en la nueva sección Oficial Nacional, modesto documental que nos narra a modo de un making off al uso la crónica del play-off de ascenso a Segunda A por parte del Gimnàstic de Tarragona en 2015, una gesta deportiva que en cierta manera parte de un fracaso acontecido el año anterior en la 3ª eliminatoria de ascenso que disputo frente al UE Llagostera, algo que otorga al relato un atractivo punto de épica por aquello de las segundas oportunidades que casi siempre suele otorgar el futbol, Fins Al Final refleja los sentimiento de una afición y una ciudad. A parte de la cercanía y empatía que uno puede sentir hacia un club modesto pero histórico como es el Nàstic estamos ante uno de esos documentos que encuentran su principal razón de ser al estar especialmente direccionado hacia los propios socios y aficionados del club implicado en el evento que se nos relata.

Celtic Soul fue posiblemente una de las propuestas más lúdicas y despreocupada vistas este año dentro del Offside Fest, documental que nos narra en modo buddy movie el viaje de dos atípicos e incondicionales seguidores del Celtic de Glasgow, vemos como el actor canadiense Jay Baruchel y el periodista deportivo Eoin O’Callaghan inician un periplo a Irlanda y Escocia con la excusa de descubrir las raíces familiares del primero para terminar por rendir pleitesía al club por el que ambos sienten una inusitada pasión. Celtic Soul no tiene como principal objetivo el profundizar a conciencia acerca del germen de las pasiones futbolísticas digamos atípicas, más bien se limita a analizar muy por encima y a través del subgénero de la road movie de tono cómico ciertos matices religiosos, políticos y sociales de un club tan singular como es el Celtic, una entidad deportiva que en cierta manera llega a transcender algo más allá de lo que entendemos como lo puramente futbolístico siendo capaz de aglutinar pasiones de origen y naturaleza tan diferenciadas como en el que vemos en el documental dirigido por el veterano Michael McNamara. Un retrato que atesoró mucho más interés del que en un principio podía parecer fue Becoming Zlatan de Fredrik y Magnus Gertten pues no nos encontramos ante una visión al uso de un futbolista de elite actual sino más bien ante un documento acerca de los años formativos y en parte decisivos del que posiblemente es considerado como mejor futbolista sueco de todos los tiempos, en Becoming Zlatan vemos a través de una narrativa intercalada a un adolescente Zlatan Ibrahimović empezar a destacar en su etapa en el Malmö para más tarde ser testigos de su venta y posterior trayectoria en el Ajax de Ámsterdam en base a un interesantísimo e inédito hasta la fecha material de archivo que es intercalado con entrevistas actuales a personalidades que estuvieron implicados en mayor o menor medida en una etapa en donde vemos como ese carácter desafiante, difícil y en parte algo arrogante del jugador no surgió a raíz de la fama conseguida años más tarde sino que ya la atesoraba de origen, no deja de sorprender en cierta manera como un personaje de las características de Zlatan Ibrahimović haya accedido a que se difunda un material de naturaleza tan íntimo como el que vemos en el documental, es hay en donde posiblemente encontremos parte de las razones de como tal temperamento, provisto de abundantes claroscuros, le han ido definiendo como persona  especialmente de cara a la opinión pública. Otro retrato de una personalidad futbolística en pleno candelero actualmente fue El Zurdo Sampaoli, la revancha del ninguneado a cargo del joven realizador Roberto Cox, documental eso sí y a diferencia del anterior no autorizado por el propio implicado (como bien indico su director al término de la proyección Jorge Sampaoli prometió que jamás lo vería o bendeciría de alguna manera sino retiraba la palabra ninguneado del título). El Zurdo Sampaoli no deja de ser un documental de clara estructura dual pues no solo somos testigos del origen futbolístico y posteriores pasos de Jorge Sampaoli como jugador y más tarde entrenador en las humildes ligas amateurs de la provincia argentina de Santa Fe sino también en lo referente a la descripción y en parte estudio de la pasión desbordante y por momentos algo desmesurada vista desde nuestra mirada con que las hinchadas locales suelen asumir estos torneos, es en referencia a este extracto social de excesiva efervescencia en donde vemos a través de imágenes inéditas y diversos testimonios de quienes lo vieron crecer futbolísticamente como Jorge Sampaoli va forjando unos conocimientos y una personalidad que muy posiblemente no sería la misma si hubiera salido de otro ámbito socio cultural.

“Algunos creen que el fútbol es solo una cuestión de vida o muerte, pero es algo mucho más importante que eso”. Bill Shankly

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT 22, que se celebrará entre el 5 y el 12 de mayo, ofrecerá también esta edición, diferentes actividades previas, –en su mayoría con entrada gratuita–, entre el 24 y el 28 de abril, en la Sala BBK de Gran Vía, la Biblioteca de Bidebarrieta y el Museo Guggenheim. PRE-FANT vuelve a programar esta edición la experiencia Sitges Tour a Contracorriente, con una selección de cinco películas presentes en la última edición del festival catalán y se cerrará con una sesión con el DJ Carlos Bayona, en el marco de Art After Dark.

La programación de Sala BBK, para los días 24, 25 y 27 de abril, incluye dos sesiones a las 18:00 y 20:00 horas, con entrada libre, que incluyen cinco producciones de Sitges Tour AContracorriente. Esta iniciativa puesta en marcha por AContracorriente Films, consiste en proyectar películas que se presentaron en el pasado festival, de forma itinerante, en diferentes cines del Estado.

Las cinco películas producidas en 2016, que se podrán disfrutar en pantalla grande dentro de PRE-FANT son “The Autopsy of Jane Doe” de Andre Øvredal (subtitulada en euskera y castellano), “Shin Godzilla” de Hideaki Anno y Shinji Higuchi, “Before I Wake” de Kike Flanagan (subtitulada en euskera y castellano), “Train to Busan” de Sang-ho Yeon y “Melanie. The Girl with All The Gifts” de Colm McCarthy. La programación de la Sala BBK se completará con el pre-estreno gracias a Sony Pictures de la película estadounidense “Always Shine” de Sophia Takal. Todas las proyecciones serán con entrada libre hasta completar aforo.

Las actividades de PRE-FANT incluyen además, una conferencia el día  26 de abril sobre “Robocop”, cuando se cumplen 30 años del estreno de primera película de la mítica saga. La charla correrá a cargo del bilbaíno Toni Garzón Abad. Titulado en Producción y Dirección Cinematográfica ha dirigido numerosos cortometrajes y spots publicitarios y el largometraje “Lo mejor de cada casa (Una semana en el parque)”. Ha trabajado como creativo de publicidad, crítico cinematográfico y en la actualidad imparte cursos de guión y ayudante de dirección para distintos organismos y escuelas audiovisuales. La conferencia comenzará a las 19:30 horas en la Biblioteca de Bidebarrieta con entrada libre.

PRE-FANT tendrá este año un cierre de lujo, el 28 de abril, con el estreno en Bilbao, en el auditorio del Museo Guggenheim, de la película “Girl Asleep”, de Rosemary Myers, precisamente el día en que la distribuidora La Aventura estrena en salas comerciales de Madrid y Barcelona. La proyección será a las 20:00 horas, y a partir de las 22:00 dentro de la programación Art After Dark, ofrecerá una sesión especial para FANT Carlos Bayona DJ. Esta actividad se enmarca en el programa TopARTE, que conmemora el XX Aniversario del Museo Guggenheim Bilbao. La entrada para esta última actividad tendrá un precio de 13 euros, 9 euros para amigos del museo y con el bono FANT.

MÁS FANT

Ya en el marco del festival propiamente dicho, FANT ofrecerá también este año una exposición, que se podrá visitar del 5 al 12 de mayo en la sala polivalente de Azkuna Zentroa. La muestra “The Vault of Rob Zombie. A Cómic Tribute”, es una recopilación de carteles de 16 ilustradores vinculados al cine, que han realizado sus propuestas creativas apoyándose en la imaginería de Rob Zombie. Amante del cómic, también dibujante, la muestra coordinada por Borja Crespo es un homenaje gráfico a su ecléctica trayectoria, que reúne el arte de artistas consagrados y nuevos talentos como M. A. Martín, David Rubín, Manuel Bartual, Koldo Serra, Luis Bustos o Mamen Moreu.

Por otro lado, el pasado martes, 15 de marzo, se cerró el plazo para la presentación de películas a concurso para esta edición 2017. Este año FANT ha recibido 931 películas, procedentes de 53 países diferentes de todo el mundo, entre ellos: Austria, Timor Oriental, Filipinas, Alemania, Georgia, Irak, México, Turquía, Serbia, Venezuela, Francia, Alemania, Noruega, Dinamarca, Brasil, Irlanda, Bélgica, Rumanía, Chipre, Rusia, Irán, Portugal, Taiwán, Polonia, Argentina, Nepal, Italia, India, Eslovenia, Reino Unido..

La organización del festival seleccionará las que puedan programarse como largometrajes de la Sección Oficial u otros ciclos y los cortometrajes que concursarán dentro de la sección FANT en corto y que optarán a dos galardones, dotados con una cuantía económica de 3.000 euros cada uno, al Mejor Cortometraje según el criterio del público y del jurado, así como un premio de 2.000 euros para, a criterio del jurado, el Mejor Cortometraje Vasco, que este año también tendrá nuevamente una sesión propia.

El Offside Fest 2017 inaugurará con la presencia de Santiago Formoso, el ex jugador del New York Cosmos, protagonista del documental Alén do Cosmos. También contará con la visita de Arnór Gudjohnsen, primer mito del fútbol islandés.

Después de tres ediciones y casi 40 largometrajes documentales futbolísticos ya proyectados, Offside Fest 2017 está a punto de comenzar. 17 serán los largometrajes documentales (y 10 los cortometrajes) que se proyectarán esta vez, destacando los filmes sobre la trayectoria de un club icónico como la Juventus (Black & White Stripes), la revolución del fútbol islandés (Inside a Volcano), un incunable sobre George Best (George Best: Football As Never Before), el retrato de los pioneros de equipaciones deportivas Admiral Sportswear (Get Shirty), la historia de los últimos 20 años de la selección francesa a través de su implicación social y política (Les Bleus), y la increíble vida del gallego Santiago Formoso, que llegó a jugar junto a Pelé, Beckenbauer y Cruyff durante su etapa en el New York Cosmos (Alén do Cosmos).

El propio Santiago Formoso será uno de los invitados del festival, y estará presente en la proyección del documental, el jueves 16 de marzo a las 18:30h en el Cine Maldà. Al día siguiente, la proyección de Inside A Volcano, que explica el milagroso ascenso de la selección de fútbol islandesa, también contará con la visita de Arnór Gudjohnsen, el primer mito del fútbol islandés y padre del ex futbolista del FC Barcelona.

Todos invitados de Offside Fest 2017 se pueden consultar aquí.

Aparte de los documentales mencionados, las figuras de Zlatan Ibrahimovic, Jorge «El Zurdo» Sampaoli, Mbark Boussoufa y el primer ganador del Balón de Oro Stanley Matthews serán protagonistas a través de sus propios filmes, al igual que clubes inimitables como el Celtic de Glasgow, el PAOK de Salónica, el joven New York City FC y el Nàstic de Tarragona. Pero en Offside Fest también tienen lugar las historias especiales, como la que recoge el nacimiento del fútbol en Brasil (Miller & Fried. Brasil: As Orígenes do País do Futebol) o Match Day, que relata cómo unos niños viven la final la Champions League en un pequeño pueblo de Marruecos. La programación completa y los horarios se pueden consultar aquí.

El Cine Maldà acogerá todas las proyecciones: del jueves 16 al domingo 19 de marzo, y también del jueves 23 al domingo 26 de marzo, con la excepción del viernes 24 de marzo, cuando tendrá lugar la fiesta en la Antigua Fábrica Estrella Damm (con invitaciones que se pueden descargar aquí).

OFFSIDE FEST 2017

Programación

Horarios

Entradas

Un nuevo avance del programa del D’A Film Festival Barcelona en su séptima edición se acaba de dar a conocer aprovechando el anuncio de la puesta a la venta de sus abonos, 20th Century Women (EE UU, 2016) dirigida por Mike Mills (director entre otras de Beginners y Thumbsucker), protagonizada por un reparto maravilloso encabezado por Annette Bening, acompañada de Greta Gerwig, Elle Fanning y Billy Crudup. 20th Century Women ha recibido nominaciones por su guion en los Oscar y los Independiente Spirit Awards y una nominación para su actriz principal a los Globos de Oro.

También se estrena dentro del D’A 2017 Free Fire tráiler aquí del director de culto Ben Wheatley (director de High Rise, Turistas o Kill List). Protagonizada por un reparto de lujo que incluye a Brie Larson, Cillian Murphy, Armie Hammer y su habitual Michael Smiley, la película se estrenó mundialmente en el Festival de Toronto y ha pasado por los festivales de Londres, Rotterdam o el SXSW de Austin. Quizás su película más accesible pero que no deja de lado sus sellos de marca: la violencia absurda, el humor negro y el estudio de personajes al límite. Todo esto con unos toques tarantinianos que encajan de fábula en una trama que mezcla el IRA y la mafia en una operación de compra de armas.

Más incorporaciones: la ganadora del León de Oro en Venecia 2016, The Woman Who Left del maestro del cine filipino Lav Diaz, O Ornitólogo critica aquí del portugués João Pedro Rodrigues, que con esta película ganó el premio al mejor director en Locarno 2016, y Júlia ist, dirigida y protagonizada por Elena Martín, a quien conocimos como protagonista de Las amigas de Àgata hace dos años.

Clausura del D’A 2017: Estiu 1993 de Carla Simón

El D’A 2017 cerrará sus diez días de programación con una de las películas catalanas que apuntan a estar entre las mejores del año. Estiu 1993, tráiler aquí es el debut en el largometraje -después de unos cuantos cortos- de la directora Carla Simón y parte de un hecho autobiográfico: relata su propia historia, cuando a los seis años se quedó huérfana y se  fue a vivir con sus tíos y su prima, que a partir de aquel momento serán sus padres y su hermana. Protagonizada por dos niñas de seis y cuatro años, las luminosas Laia Artigas y Paula Robles, muy bien acompañadas por Bruna Cusí (de actualidad estos días por el estreno de Incerta glòria) y el carismático David Verdaguer, Estiu 1993 tuvo su estreno mundial en la Berlinale 2017 de donde se fue con dos premios: el de mejor ópera prima y el Gran Premio del Jurado Internacional de Generation KPlus. Una película que la crítica ya ve con admiración y que señala como una obra marcada por la sensibilidad e inteligencia emocional de su directora.

My Entire High School Skinking Into The Sea

En My Entire High School Skinking Into The Sea vemos como Dash y Assaf trabajan en el periódico del instituto Tides High editado por una amiga de ambos llamada Verti, cuando esta empieza a ofrecer asignaciones en solitario, Dash, llevado por los celos, publica un reportaje ficticio sobre la supuesta disfunción eréctil de Assaf, algo que empezará a amenazar con destruir la amistad de los dos chicos. Tras ser castigado en el almacén de la escuela, Dash descubre registros que indican que el edificio no cumple la normativa y que en cualquier momento se puede desmoronar.

En esta edición del Americana 2017 también hubo un pequeño espacio para la animación de trazo más independiente norteamericana con la cinta My Entire High School Skinking Into The Sea (Premio del Jurado Joven La casa del cine) film recién presentado en el pasado festival de Berlín y que supone el debut en la dirección del aclamado novelista grafico Dash Shaw (Bottomless Belly Button). Película atrevida e inclasificable no solo en referencia a lo que es una historia que transita a través de la comedia irreverente y la crítica de tono conflictivo sino también y sobre todo en lo concerniente a lo que es su estructura formal a la hora de aplicar en sus escasos  y muy bien aprovechados 75 minutos un estilo de animación 2D tan artesanal como innovador en donde se llegan a mezclar diversas texturas tanto de colores como de imágenes superpuestas que son adheridas en el film casi en modo psicodélico o incluso expresionista. My entire high school sinking into the sea tiene la particularidad de trasladar los típicos y diversos conflictos universitarios al ámbito del cine de catástrofes con bastante frescura sin llegar a abandonar en ningún momento ese discurso high school tan característico de dicho subgénero, un ejercicio que termina siendo no apto para aquella personas que les cueste salirse de unas coordenadas preestablecidas dentro del cine de animación, una propuesta en definitiva provista de una modesta pero incuestionable libertad creativa, ahí es donde posiblemente resida la principal baza de esta inclasificable y atípica pero muy meritoria My Entire High School Skinking Into The Sea.

Valoración 0/5: 3

Kicks

Brandon tiene quince años y vive en una situación de pobreza que le avergüenza. Además, en la escuela, su harapienta vestimenta es motivo de burla. Sueña con comprarse unas bambas Air Jordan con la inocente esperanza de que una vez las luzca en sus pies, su reputación cambiará. Un día, con todos sus ahorros se compra unas. Pero al instante se las robará un peligroso ladrón conocido como “Flaco”. Brandon, junto a sus dos únicos amigos, emprenderá un peligroso viaje cruzando Oakland con el fin de encontrarlo y recuperarlas. Su orgullo herido le llevará por ambientes oscuros y le hará acercarse a delincuentes de la peor categoría. Pero esta vez está seguro de uno cosa. Encontrará al “Flaco” y recuperará sus Air Jordan. Cueste lo que cueste. Incluso la vida.

Otra de las óperas primas presentes este año en el Americana en la sección Next fue Kicks de Justin Tipping, un film que al igual que The 4th vista también en el festival parte de un hecho argumental casi anecdótico ubicado en la periferia de una gran ciudad (en este caso Oakland) aunque en seguida nos daremos cuenta que las dos miradas y posterior desarrollo son completamente diferentes entre sí, si el film de Andre Hyland no llegaba a traspasar la línea de la cotidianidad de un hecho y una acciones concretas en Kicks se intenta ir un paso más allá en lo referente a su discurso y supuesta trascendencia de todo lo que se nos cuenta. A medio camino entre el drama social adolescente y el relato de aprendizaje marcado con un registro conceptual muy omnipresente el film de Justin Tipping llega a recordar por momentos a los primeros trabajos de John Singleton y no tanto a la oscarizada recientemente  Moonlight como se ha mencionado en repetidas ocasiones, posiblemente lo más interesante del film sea su narrativa expuesta a modo de ritmo in crescendo, partir de una cotidianidad y presentación del universo personal (abordados por toques oníricos) y social que rodea al protagonista para a continuación ver como la narrativa se intensifica de forma paulatina hasta llegar a un final con ribetes de western y thriller urbano, será en ese preciso momento de la acción cuando nuestro protagonista tendrá que tomar una determinación en referencia a las consecuencias de sus propios actos. Kicks termina sobresaliendo a base de su buen pulso narrativo, algo que en cintas como las que nos ocupa cargadas por un muy visible esteticismo visual (con las que no llega a entrar en conflicto en ningún momento) no deja de ser motivo de una cierta admiración.

Valoración 0/5: 3

Joshy

Tras la repentina ruptura de su compromiso, Joshy y unos amigos deciden aprovechar la que iba a ser su despedida de soltero en Ojai, California, para intentar ayudar a Joshy a superar lo ocurrido. Los chicos convierten la escapada en un fin de semana escandaloso lleno de drogas, alcohol, desenfreno y jacuzzis.

El director de la algo irregular comedia zombie Life After Beth Jeff Baena cambia completamente de registro en este su segundo trabajo tras las cámaras con Joshy, versión independiente que bebe del concepto argumental del The Big Chill de Lawrence Kasdan pero trasladado (llevado a cabo eso si con cierta sensación de piloto automático en todo su desarrollo) a un prototipo bastante reconocible dentro del actual cine independiente proveniente de Estados Unidos. Comedia generacional de tono amargo acerca de reencuentros, pérdidas,  redención y nuevos comienzos en donde los pequeños detalles de expuestos en una historia de naturaleza bien simple intentan dar paso en base a pequeñas pinceladas a cuestiones en apariencia mucho más trascendentales. Todo lo expuesto en Joshy, desde su narrativa mumblecore hasta sus personajes (bastante estereotipados) es bastante reconocible, quizás demasiado, algo que no tiene que significar por obligación que la formula expuesta aquí no llegue a funcionar ocasionalmente en lo relativo a lo que son sus intenciones, solo que uno termina teniendo la sensación de estar ante un producto ya visto en demasiadas ocasiones con anterioridad, en este aspecto formal posiblemente solo se separe de esta dinámica su contundente inicio. Soy de los que opinan que una de las grandes bazas de este tipo de cine ha de radicar siempre en la frescura pero sobre todo en la novedad de la propuesta en cuestión, el reincidir sistemáticamente en una coordenadas temáticas que aunque funcionales ya han sido expuestas con demasiada reincidencia en otras ocasiones no deja de ser desde mi punto de vista una especie de estancamiento de fórmulas, o sea dar lugar a una especie de prefabricación de ciertos conceptos, una tesitura esta en donde paradójicamente el cine independiente  ha intentado casi siempre posicionarse desde un punto de vista completamente contrario.

Valoración 0/5: 2

Closet Monster

Óscar es un adolescente que arrastra dos traumas desde la infancia: haber visto una brutal agresión a un chico por el solo hecho de ser homosexual y la separación poco amistosa de sus padres. Creativo y solitario hace pruebas de maquillaje con una amiga, con la que mantiene una incierta relación, con la aspiración de estudiar cine en una escuela de Nueva York y su mejor amigo es un hámster que le acompaña desde su infancia (a quien pone voz Isabella Rossellini). Un día, intentando adaptarse a un nuevo trabajo que detesta conoce a Wilder, un chico enigmático del que duda si se ha enamorado. A partir de entonces su vida pasa a ser más complicada y Óscar mirará de encontrar su identidad y su destino, mientras la relación con sus padres entra en una fase de extrema complicación.

La primera incursión de una producción canadiense dentro del festival fue Closet Monster (premio a la mejor producción Canadiense en el Festival de Toronto de 2015), irregular opera prima a cargo de Stephen Dunn acerca de la búsqueda de la identidad sexual de un joven relatada a medio camino entre el cuento surrealista a modo de fábula mágica (lo mejor del film con diferencia) y el retrato costumbrista de trazado algo convencional. Closet Monster nos retrata una infancia-adolescencia muy áspera en donde vemos como el joven protagonista emprende el consabido coming-of-age, un proceso emprendido a partir de un momento clave, lástima que pese a pequeñas e interesantes fluctuaciones oníricas y fantasiosas introducidas en el relato el film termine dando un repertorio de clichés temáticos bastante visibles que llegan a lastrar sobremanera el conjunto final, la sensación esta acrecentada al ver el tono de estética algo impostada que Stephen Dunn otorga al film (muy emparentada al cine perpetrado por Xavier Dolan). Al final somos testigos de cómo la consabida metáfora del monstruo de debemos liberar de nuestro interior para poder despojarnos de traumas con el trasfondo de la homosexualidad reprimida con posterior catarsis se le queda pequeño a la película de Stephen Dunn, un film que termina poseyendo una estructura y superficie atrayente pero desprovista de cualquier tipo de trascendencia en su interior, algo que lastimosamente queda muy presente a lo largo de toda la película.

Valoración 0/5: 2

Weiner

Un análisis del caso del ex congresista estadounidense Anthony Weiner, que en 2011 abandonó su cargo después de que fuera involucrado en un escándalo sexual. Weiner era un prometedor miembro del Partido Demócrata, casado con Huma Abedin, la mano derecha de Hillary Clinton durante su época de Secretaria de Estado, pero su carrera política terminó precipitadamente cuando salieron a la luz fotos eróticas que el político había enviado por Internet.

Dentro de la sección Movistar+ se sumó a los ya interesantes trabajos vistos en la sección Docs un quinto y muy interesante documental titulado Weiner, debut en la dirección de Josh Kriegman y Elyse Steinberg y galardonado como mejor documental en el festival de Sundance de 2016, un estimulante análisis que versa sobre una posible redención política y familiar que termino no siendo.

De hecho estamos ante un documento que atesora la gran virtud de reinventarse sobre su propia marcha, lo que en un principio iba a ser un relato al uso contado desde dentro sobre una prometedora campaña política se convierte a mitad de trayecto en un otra cosa bien distinta, lo que empieza como una afable y por momentos divertida, dada la naturaleza del personaje, perspectiva interna de un resurgir trasmuta en algo mucho más oscuro e incluso reflexivo, es aquí precisamente donde Josh Kriegman y Elyse Steinberg (al igual que en su día hicieron Keith Fulton y Louis Pepe en Lost in La Mancha, un work in progress acerca del film nonato de Terry Gilliam)muestran un discurso en imágenes realmente fascinante, una caída al vacío a mitad de trayecto por parte de un futurible a la alcaldía de Nueva York en donde ese fango político y social tan característico en campañas electorales aflora con una intensidad de difícil control, es aquí cuando se expone cuestiones tales como el  impacto del moderno circo mediático sobre la vida privada en un primer lugar y publica posteriormente (en este aspecto convendría aclarar como el personaje de Anthony Weiner no deja de ser una especie de némesis demócrata de Donald Trump), o los tejemanejes sucios de la política actual, por momentos expuestos casi a semejanza de House of Cards, sensación reforzada por pasajes musicales de la serie casi clonados por parte de Jeff Beals en el documental. Weiner termina siendo un relato demoledor acerca de una caída en desgracia contada en riguroso directo, un trabajo que aparte de tener la gran virtud de no juzgar ni a uno ni a otros deja en el aire fascinantes cuestiones morales o sociales que el espectador tiene que discernir por sí mismo.

Valoración 0/5: 3’5

Goat

Una noche, al salir de una fiesta, Brad recibe una fuerte paliza por parte de unos ladrones. Con secuelas físicas pero sobre todo psicológicas, pronto deberá enfrentarse a otro reto. Empieza la universidad y querrá entrar en la fraternidad a la que pertenece su hermano Brett, que se caracteriza por unas pruebas de ingreso muy salvajes y humillantes. Pero Brad se quiere demostrar a sí mismo que es un chico duro y además, quiere pertenecer a un grupo que lo pueda defender de futuros actos de violencia contra él. La presión que recibirán los dos hermanos, uno como parte de las víctimas y otro como parte de los verdugos, pondrá a prueba su relación y su dignidad.

Si este año hemos tenido la oportunidad de ver un excelente tratado del horror adolescente como es la francesa Raw de Julia Ducournau en donde las fraternidades de las universidades a modo de principal escenario jugaban un papel fundamental en la trama, Goat de Andrew Neel también pone su mirada en dicho conclave social pero desde una perspectiva totalmente diferente al film galo. Goat (film supuestamente basado en hechos reales) versa acerca de despiadados códigos de masculinidad y toda la violencia física y psicológica que llega a implicar dicho tratado.

De alguna manera podríamos definir la película de Andrew Neel (cineasta forjado en el documental) como un film denuncia, vemos como el joven protagonista principal busca después de un suceso traumático un lugar identitario en donde encajar dentro de un sistema cuyas reglas se basan en unos códigos preestablecidos de naturaleza muy poco sutil, y en donde parece ser que la única forma de comunicación conceptual posible radica en dicha masculinidad y violencia. Hay una parte en Goat que funciona  bastante bien, aquella en donde acompañamos al protagonista a modo de trayecto casi sensorial  narrada en primera persona, sus dudas, temores y quebradiza predisposición nos sirven  tanto a él como a nosotros casi a modo de viaje iniciático hacia la edad adulta y como confrontar los miedos interiores a la hora de posicionar las bases de tu propia determinación social, lastima sin embargo que gran parte del film opte por un recurso algo más convencional en lo referente a lo que es su exposición, la del  drama narrativo de clara escenificación provocadora, es ahí en donde somos testigos de cómo Andrew Neel ( demasiado descriptivo y repetitivo en los actos narrados)seguramente de forma algo involuntaria posiciona una tesis con posterior solución, algo que en cierta manera resta de sutileza a un relato de bucea de forma algo irregular acerca de cómo la educación y condicionamiento moral del hombre determina una posterior e inequívoca identidad propia.

Valoración 0/5: 2’5

The 4th

Aprovechando que su compañero de piso está fuera de la ciudad, Jamie, un ilustrador de 20 y tantos que vive en Los Ángeles planea una gran fiesta para celebrar el 4 de julio. El problema es que tiene un presupuesto limitado (está en la ruina). Cuando se da cuenta que se ha dejado parte de la compra en el súper, decide coger la bicicleta de su compañero para acercarse en un momento. Ésta será la primera de muchas decisiones equivocadas que pueden convertir el día de la independencia en un infierno de situaciones incómodas. Los Ángeles se convertirá en un territorio hostil para un hombre que sólo quiere una buena hamburguesa en buena compañía.

La sección Next presento la opera prima de Andre Hyland, autentico hombre orquesta (actor, guionista, director, productor) The 4th, una amena y cotidiana por momentos comedia urbana en torno a los curiosos obstáculos y desventuras que tiene que hacer frente un joven durante 24 accidentadas horas pre 4 de julio. The 4th fluctúa a modo de entretenido film-anécdota sin ir más allá (ni pretenderlo, sus 81 minutos de duración llegan a ser algo justitos) de lo que es en realidad la propuesta, un film que funciona a modo de una suerte replica indie low cost del After Hours de Martin Scorsese en donde Andre Hyland consigue hace acoplo de una fluida dirección, esa cámara distante de la acción otorga al relato el punto de ironía necesario en la historia, al igual que una curiosa utilización de exteriores (ese Los Ángeles de contornos grises e incluso fantasmales). Al fin y al cabo estamos ante un relato que busca desesperadamente una mirada cómplice, básicamente da la impresión que el principal cometido de director es en buscar inmediatamente la empatía del espectador ante las situaciones que tiene que hacer frente su protagonista (quien no ha tenido alguna vez la obligación de interactuar con cualquiera de los odiosos personajes que van apareciendo esporádicamente durante la trama). The 4th termina convirtiéndose y sirviendo a la vez como una simpática y valida carta de presentación por parte de Andre Hyland de cara al futuro, un futuro en donde está por ver como se desenvuelve al desarrollar narrativas mucho más complejas que las que nos ofrece esta entretenida pero algo inocua The 4th.

Valoración 0/5: 2’5

Author: The JT LeRoy Story

JT Leroy apareció en la escena literaria norteamericana como un huracán. Su primera novela, “Sarah”, despertó elogios unánimes de la crítica y se convirtió en un súper ventas. JT Leroy explicaba su historia, la de un ser andrógino, fruto de una relación esporádica de una prostituta, drogadicta y, ante todo, una superviviente. Decenas de grandes estrellas del pop cayeron deslumbradas por la fuerza de su literatura y su vida. Todo el mundo quería ser amigo de JT Leroy y le llovían las ofertas. Pero quizás detrás de JT Leroy se escondía una historia muy diferente. Una historia que nadie podía sospechar.

Uno de los platos fuertes dentro de la sección Docs fue indiscutiblemente Author: The JT LeRoy Story de Jeff Feuerzeig, una crónica narrada desde dentro de una de las denominadas mayores estafas literarias de todos los tiempos, un documental que termina dejando un regusto más bien amargo, más que nada por ver como las posibilidades que ofrecía el relato en cuestión quedan algo diluidas por el hecho de ofrecernos una solo versión de lo acontecido, evidentemente el más clave, pero uno termina teniendo la sensación de que el temario expuesto  requería de una visión algo más global por la cantidad de valiosos matices que atesora la historia. Author: The JT LeRoy Story se sitúa a medio camino de otros dos trabajos documentales con el que guarda grandes paralelismos, con Exit Through the Gift Shop de Banksy a la hora de exponer ese mundo casi sinérgico de celebridades que buscan apararse en la novedad cultural a cualquier precio, otro paralelismo (este mucho más interesante) lo encontramos en el Catfish de Ariel Schulman y Henry Joost a modo de juego de espejo acerca de la identidad física en este caso del autor y su supuesta legitimidad a la hora de elegirla en lo referente a abordar una obra en concreto. Author: The JT LeRoy Story empieza con una cita Fellini “Una cosa creada nunca es inventada y nunca es cierta: es siempre y para siempre ella misma”, no deja de ser una declaración de intereses por parte de una protagonista que parece más interesada en defender dicha legitimidad autoral al mismo tiempo que desvela los trapos sucios de ciertos famosos, no deja de ser una pena que ese apasionante estudio sobre máscaras y avatares que uno se autoimpone termine quedando en un segundo plano.

Valoración 0/5: 3

Kate Plays Christine

Pocas veces hemos sido testimonios del trabajo que hay tras una interpretación. Son mundialmente conocidas la barbaridades que han tenido que llevar a cabo actores y actrices reconocidas para transformar su cuerpo en el personaje en cuestión. Sin embargo, más allá de estas transformaciones, hemos podido ver como la exploración mental y psicológica de algunos personajes, acaba siendo mucho más fatídica que las exigentes dietas.

En esta edición del Americana 2017 hemos tenido la oportunidad de poder visionar dos miradas totalmente diferente en lo concerniente a un lúgubre relato, el caso real de la periodista Christine Chubbuck que en 1974 se suicidó disparándose un tiro en la cabeza en una emisión en directo por televisión, si en Christine Antonio Campos fricciona a modo de biopic más o menos convencional la historia amparándose especialmente en la portentosa interpretación a cargo de Rebecca Hall en Kate Plays Christine Robert Greene (Fake It So Real, Actress) nos introduce en la historia desde una perspectiva tan opuesta en referencia al anterior trabajo citado como peculiar en lo que es la estructura en la que se sustenta.

Kate Plays Christine bascula a modo de documento de introspección personal, lo que empieza siendo un día a día en la preparación e investigación de una actriz para un supuesto papel cinematográfico termina convirtiéndose en algo mucho más ambiguo, en una reflexión echa en imágenes, principalmente el llegar a interrogarnos acerca de una supuesta ética moral por parte tanto del espectador como por los encargados de materializar dicho trabajo, el preguntarse en definitiva acerca de una supuesta legitimización a la hora de representar una vida real en la gran pantalla, en cierta manera en la historia de Christine Chubbuck por mucho que se intente buscar no hay mucho más trasfondo del que realmente existe, no deja de ser un triste relato de una persona enferma, para más inri podríamos afirmar que el echo del suicidio en directo no deja de ser anecdótico en referencia a la historia, el verdadero debate acerca de esta vicisitud ya estaba presente en la fundamental Network de Sidney Lumet, Robert Greene al igual que en la notable Actress nos hace participes de una reflexión en primera persona, las habidas en las fronteras existentes entre actores que se interpretan a sí mismos y a personajes ficticios frente a una cámara, algo que en cierta manera es lo que llega a validar una propuesta tan sugerente y atípica como Kate Plays Christine, el ver como un proceso de transformación se convierte en la historia en sí mismo, una historia que termina perteneciendo solo a la propia artista.

Valoración 0/5: 4

Another Evil

Dan y su mujer, Mary, tienen una segunda residencia en la montaña. La aprovechan para desconectar, pintar y pasar el rato en familia. El problema llega cuando Dan empieza a ver seres malignos que le despiertan de noche. Desesperado, decide ponerse en manos de un profesional y finalmente encuentra a Os, un exorcista “graduado”. Aunque Mary no lo ve del mismo modo, Dan se encierra un fin de semana con Os para intentar exorcizar la casa. Pero poco a poco descubrirá que Os es un personaje tan peculiar como los fantasmas que habitan la casa.

El Americana film festival al igual que en la pasada edición con la en mi opinión algo decepcionante They Look Like People tuvo para bien este año volver a incluir en su programación un film que anide de alguna manera dentro del género fantástico, Another Evil opera prima de Carson D. Mell que al igual que el título anteriormente citado no solo transita a través de un trazo claramente independiente sino que lo hace desde un posicionamiento (evidentemente no forzado) muy low cost o mumblecore, como mucho prefieren definirlo hoy en día. Ante estas vicisitudes a un producto de las características de Another Evil no le queda otra que intentar abrazar con esmero una supuesta originalidad y frescura en lo referente a lo que es su propuesta, el film de Carson D. Mell solo lo consigue a medias.

Podríamos definir a Another Evil como una película de claras connotaciones duales, no solo en lo referente a un film que emplea una hibridación genérica que empieza a modo de comedia incomoda (la mejor parte del film) para ir transformándose en un relato de oscuras derivas psicológicas, todo ello expuesto a través de un trasfondo fantástico que da la impresión que solo sirve como mera excusa narrativa y en donde el director se muestra muy poco sutil a la hora de intentar plasmarlo en la pantalla, sino también en lo referente a un curioso juego de espejos a modo de empleo de interactuación de sus dos protagonistas principales, muy al estilo de la estimable Creep de Patrick Brice, o sea posicionarnos en la piel de uno y desconfiar o no de las intenciones del otro. Another Evil termina convirtiéndose en una estimable propuesta que sin llegar a trascender en lo más mínimo, uno se queda con la sensación final de un muy evidente no posicionamiento en lo referente a su hilaridad y dramatismo, si consigue sortear con cierta soltura un vaivén genérico y narrativo que nos habla de las diversas plagas (no solo sobrenaturales) que suelen asolar la mente humana.

Valoración 0/5: 2’5

LoveTrue

Alaska: Blake y Joel viven su particular romance a pesar de las limitaciones físicas y de la vida nocturna de ella. Hawai: Coconut Willie siempre se ha considerado un espíritu libre. Ahora tiene que enfrentarse a otro lado del amor verdadero tras descubrir que su hijo no es biológicamente suyo. Nueva York: la cantante y compositora Victory reflexiona sobre la fe y la fidelidad mientras deambula con sus hermanos por las calles de Nueva York con su padre John. Desde la no ficción, LoveTrue ofrece una exploración única de los desafíos que el amor puede transmitir y de cómo las experiencias pasadas y presentes moldean las decisiones que tomamos cuando la fantasía del “amor verdadero” de disipa.

Precedida del premio al mejor documental en el pasado festival de Karlovy Vary Alma Har’el presento dentro de la sección Docs el film LoveTrue, un sorprendente trabajo que mezcla documental y dramatización para hablarnos del amor humano a través de tres historias, o más bien tres personajes y como estos hacen frente a dicho termino emocional, la primera relación sentimental de una stripper de Alaska, la crisis de paternidad de un surfero de Hawai y el posicionamiento emocional de una joven música ante la ruptura matrimonial de sus padres, tres historias en donde prima más el modo de como se exponen que lo que realmente hay dentro de ellas.

Al igual que en la extraordinaria primera parte del documental  The Other Side de Roberto Minervini  Alma Har’el a modo casi de experimento visual (al igual que su anterior y notable Bombay Beach) se mueve  a través de la imaginación, quimera en este caso por parte de sus protagonistas, vemos como estos circunvalan los límites de lo que ellos entienden como amor, la directora emplea un trazo nada convencional para tal tarea, algo que puede provocar alguna que otra dificultad a la hora de enfrentarse a una propuesta que se apoya básicamente en la ensoñación visual (acertada utilización de la música evocadora a cargo de Flying Lotus). El inteligente uso de la voz en off, insertos oníricos o no del futuro, especialmente en lo referente a la historia de la joven de Alaska, son solo algunos de los recursos que utiliza Alma Har’el para exponernos de una forma digamos poética los muchos significados que pueden abarcar el termino amor, lástima sin embargo que la interesante estructura que emplea la directora ya sea a nivel visual o narrativo termine dando la sensación de ir muy por delante de lo que es finalmente es la historia en si misma y los personajes (muy poco empáticos) que terminamos viendo en LoveTrue.

Valoración 0/5: 3

TerrorMolins 2017 ya tiene fechas, será del 10 al 19 de Noviembre manteniendo los diez días de duración tras la ampliación de la pasada edición. Si el año pasado se dedicó el certamen a las mutaciones, tras haberlo dedicado a las fobias en 2015, este año el nuevo leitmotiv lleva por título “Haneke or the edge of horror”. Una clara intención de explorar los límites del cine de terror que año tras año expande y reformula las normas del género.

Poco hay más personal que valorar la sensación de miedo que sufre, o disfruta, cada espectador al ver una u otra película. Ya sean filmes oficialmente etiquetados como thriller, suspense, intriga, policíacos o puramente de terror, cada espectador los vive de forma única por su personalidad, estado de ánimo y receptividad del momento, y sólo él mismo puede decidir si ha sentido miedo en algún momento, plano o escena. De ahí que sea tan difícil establecer un criterio general que consiga delimitar lo que es el terror.

También las propias experiencias personales pueden provocarnos sensaciones de auténtico terror al evocarnos una película el recuerdo de un momento, vivencia o situación concretos. Por eso todo fanático del género que nos entusiasma, el terror, habrá sin duda alguna vez reflexionado sobre qué está considerado terror y qué no, es decir, sobre los límites del género.

HANEKE OR THE EDGE OF HORROR

“Debemos agradecer a Michael Haneke la capacidad malsana para reinventar el género de terror, por haber cruzado las fronteras de la moralidad, por explorar los territorios más oscuros que genera esta sociedad enfermiza y sin esperanzas a partir de unas propuestas que combinan cine de calidad extrema y las más profundes reflexiones sobre el comportamiento desequilibrado y monstruoso del ser humano. Este año, el director franco-austríaco de las dos versiones de “Funny Games”, “El vídeo de Benny”, “Caché” o “Amor” celebra el 75º aniversario, una efeméride que no podíamos dejar de lado desde el TerrorMolins, el festival que, en esta edición se preguntará, más que nunca, dónde está el límite del terror y hasta dónde puede llegar el comportamiento cotidiano de las personas cuando la perturbación se apodera de su alma. Bienvenidos al mundo trastornado e irresistible del gran Michael Haneke.”

Albert Galera. Director Artístico Festival de Cine de Terror de Molins de Rei.

Del 1 al 5 del próximo mes de marzo tendrá lugar la cuarta edición del Americana Film Festival, un certamen que tan solo con tres ediciones en su haber se va consolidando a paso vertiginoso. Bien es cierto que estamos en una época muy prolífica en lo referente a festivales pequeños, la oferta cinematográfica a día de hoy es bastante amplia, aunque esto no garantiza el éxito del evento en cuestión, para ello hay que esgrimir entre otra cosas unas señas de identidad que den solidez a la oferta, el Americana aparte de esta premisa tiene a parte la virtud de no abarcar más allá de lo que son sus posibilidades, una selección cuidada y rigurosa, entusiasmo de los integrantes de su organización y sobre todo un público que responde a la oferta dan viabilidad a este pequeño certamen que empieza a ser considerado poco a poco como una cita ineludible para el buen cinéfilo.

Este año el festival volverá a contar con una inauguración de altura, la galardonada Donald Cried de Kristopher Avedisdian sera la encargada de abrir la presente edición, en la sección Americana TOPS nombres ya consagrados como el irreverente Todd Solondz con la espléndida Wiener-Dog (tráiler), otro nombre que estará presente en el certamen es el de la directora Kelly Reichardt responsable de la extraordinaria “Old Joy” y de trabajos tan notables como son “Night Moves” o «Meek’s Cutoff «que presentará Certain Women (tráiler) un nuevo drama que retrata las vivencias de cuatro mujeres en la América rural de hoy en día y que está basado en las historias cortas de la escritora estadounidense Malie Meloy, también estará presente la ganadora de la pasada edición del festival de Sitges, la inclasificable Swiss Army Man (crítica) dirigida a cuatro manos por Dan Kwan y Daniel Scheinert, James White (crítica), ópera prima de Josh Mond, productor de “Martha Marcy May Marlene“, “Simon Killer” y “Afterschool“ será otro de los platos fuertes presentes en el festival.

Por su parte la sección Americana NEXT dedicada a un cine independiente más desconocido destacar entre otras Creative Control (tráiler), segundo film del director Benjamin Dickinson (First Winter 2012) que también se ocupa del  guion e interpreta el papel principal en esta cinta futurista rodada en blanco y negro con tono de comedia que siguiendo la estela de “Her” nos aproxima al impacto que puede tener la realidad virtual en el individuo, por otra parte la cuota de cine fantástico estará representada por Another Evil, una cita de muy bajo presupuesto en donde comedia y terror se dan la mano en un original y atrevido trabajo. Para finalizar resaltar la ya consagrada sección Americana DOCS  en donde podrán verse cuatro documentales a priori de lo más interesantes, Kate Plays Christine, Author: The JT Leroy Story, la nominada al Oscar Life, Animated y Love True. Todo esto y mucho más cosas en lo relativo al cine independiente americano de hoy en día se podrán ver en los cine Girona a partir del primer fin de semana de marzo en esta cuarta edición del Americana, un festival que a cada año va consolidándose de manera firme.

El Festival de Cine Independiente Norteamericano de Barcelona Americana, ya tiene fechas y programación completa para esta cuarta edición. Se celebrará del 1 al 5 de marzo, inaugurando el miércoles 1 en la Sala Phenomena y proyectando el resto de películas entre el jueves 2 y el domingo 5 de marzo en los Cinemes Girona. Además, un día antes de la inauguración, el martes 28 de febrero, habrá una triple sesión, también en los Cinemes Girona, con tres películas que se podrán ver de forma totalmente gratuita. Un total de 19 películas divididas en tres secciones completan la programación de este año del Americana.

Americana TOPS con las cintas más galardonadas y los directores más reconocidos del indie actual está compuesta por ocho títulos. Ya anunciada la semana atrás Certain Women, la nueva y aclamada película de Kelly Reichardt (directora que ya pudimos ver hace un par de años en el festival con Night Moves), que nos ofrece un conjunto de relatos feministas y minimalistas con el imponente estado de Montana como telón de fondo. Certain Women tiene un reparto estelar en que destacan Michelle Williams, Kristen Stewart, Laura Dern o la premiada Lilly Gladstone. Uno de los directores indies americanos por excelencia de los últimos años, Todd Solondz, nos mostrará su última crónica del reverso del sueño americano en Wiener Dog, haciendo gala de su habitual y brutal sentido del humor y con un reparto de primera con nombres como Danny DeVito, Ellen Burstyn, Greta Gerwig, Kieran Culkin o Julie Delpy. Flamante ganadora del último festival de Sitges y tras llevarse el premio a la mejor dirección en Sundance, aterriza en Americana la cinta indie de la que todo el mundo habla, Swiss Army Man, el primer largometraje de dos directores muy innovadores que firman como Daniels (y que ya nos sorprendieron el año pasado en el festival con el cortometraje Interesting Ball). Protagonizada por el zombie erecto y pedorro Daniel Radcliffe, el suicida Paul Dano y Mary Elizabeth Winstead, Swiss Army Man tiene la virtud de no dejar a nadie indiferente. De sorprender y emocionar. De ir mucho más allá de lo que su planteamiento sugiere. Otra cinta que está dando mucho de qué hablar en los últimos meses es Christine, una dura historia basada en hechos reales, interpretada de forma contundente por Rebecca Hall. Un descenso a los infiernos abrumador, melancólico, brutal. Como brutal es también a ratos Goat, una película sobre jóvenes que buscan su camino, a veces de forma equivocada. Fraternidades universitarias, jóvenes promesas en los papeles principales y un James Franco productor que se reserva un pequeño pero intenso papel como actor. También de jóvenes (un poco más creciditos, alrededor de los treinta) perdidos y confundidos trata Joshy, una evolución del mumblecore en que sí, hay reunión de amigos y temas trascendentes tratados como si nada, pero ahora todo muy bien rodado e interpretado. Aparecen algunos de los sospechosos habituales como Joe Swanberg, Alex Ross Perry (aquí de actor con un personaje muy jugoso) o Aubrey Plaza. Por primera vez en Americana, entre las películas seleccionadas tendremos una canadiense (que obviamente cumple con el requisito de cine independiente norteamericano y que empieza un camino que podría tener continuidad en próximas ediciones) con el título Closet Monster. Una historia de iniciación y despertar de orientación sexual que ha ganado premios por doquier destacando el de mejor película canadiense en Toronto. Con la participación un tanto peculiar de Isabella Rossellini. Y finalmente TOPS se cierra con James White, una incómoda y brutal cinta sobre la pérdida, la soledad y la superación, con una espectacular interpretación del joven Christopher Abbot y de Cynthia Nixon. Con una cosecha de premios extensa destacando los conseguidos en festivales como Locarno o Sundance y diversas nominaciones a los Independent Spirit Awrads del 2016.

Americana NEXT, por su lado, contiene seis películas mucho más desconocidas por las que el festival apuesta como muestra de talentos del presente que intuimos consagraciones de futuro. La cinta inaugural del festival será Donald Cried, una sorprendente ópera prima levantada con micromecenazgo, estrafalaria, que transita entre la comedia y el drama y que ha conseguido nominaciones y galardones en festivales como el AFI, Locarno o SXSW. Le acompañará Kicks, una aventura con toques de thriller y drama protagonizada por adolescentes negros que deberán jugarse la vida, entre delincuentes y bandas, mientras atraviesan el estado de Oakland para recuperar su orgullo y unas valiosas bambas. Cine fresco con la imponente presencia de Mahersala Ali, nominado al Oscar de este año por la película Moonlight. The 4th es una comedia pura que presentaremos tras su paso por el festival de Sundance. Una cinta sobre las malas decisiones que toma un joven egoísta, que quiere celebrar el 4 de julio en buena compañía, en un Los Ángeles implacable y hostil que lo cruzará con un grupito de personajes poco empáticos y que le darán el día. También podremos ver Creative Control, una cinta sobre tecnología y vidas desbordadas rodada en blanco y negro y que no podemos evitar que nos recuerde a la serie Black Mirror. Elegante y moderna, con claros homenajes a Kubrick y decenas de influencias (incluso alguno críticos hablan de Antonioni) que sin embargo, no le restan una imponente personalidad. Entre el terror y la comedia está Another Evil, una cinta muy indie sobre una pareja que contrata a un experto para que exorcice los fantasmas que se han instalado en su casa de veraneo. Pequeñita, con muy pocos medios pero mucha ilusión, los resultados son evidentes.  Finalmente en NEXT tendremos el placer de presentar una cinta de animación justo después de su paso por la Berlinale. Se trata de My Entire High School Sinking Into the Sea, en que el novelista gráfico Dash Shaw traslada a la gran pantalla el hundimiento surrealista de un instituto a través de la creatividad cromática de sus dibujos y de las voces de Jason Schwartzman, Lena Dunham, o Susan Sarandon, entre otros.

Americana DOCS se consagra como sección tras su debut el año pasado. Una ventana a las realidades del mundo compuesta en esta edición por cinco películas y recomendada por Moritz. Haciendo pareja con Christine, de TOPS, proyectaremos Kate Plays Christine, un documental premiado en Sundance sobre la actriz que debía interpretar el papel de Christine antes de Rebecca Hall. Kate Lyn Sheil se somete a una exhaustiva investigación sobre el personaje al que deberá dar vida. Pero ha de pararse a medio camino. Es demasiado para ella. El documental analiza los porqués de su deserción y nos acerca a la realidad más dura del trabajo interpretativo. Author: The JT Leroy Story nos habla de la escritora JT Leroy, una de las más influyentes de los últimos años en EUA. Sus libros explicaban su vida al límite y sedujo a gente de la élite artística de todo el mundo. El documental, sorprendente y pop, nos muestra como quizás detrás de la escritora se escondía una historia muy diferente a la todos sospechaban. Una que nadie podía imaginar. Life, Animated está nominada a los Oscar de este año como mejor película documental y fue premiada en Sundance. Trata de un niño autista que consigue integrarse en el mundo con el lenguaje propio que crea a partir de las películas de dibujos de la Disney, que mira sin descanso. Una historia de superación sorprendente y emotiva que proyectaremos durante el festival y también en una sesión matinal para institutos con la colaboración del U.S Consulate. El premio a mejor documental en Karlovy Vary fue para la preciosista LoveTrue, una hipnótica propuesta sobre tres parejas de Alaska, Hawaii y Nueva York y como han de afrontar sus relaciones una vez entienden que el amor auténtico se desvanece. Una película reflexiva y poética absolutamente original y a contracorriente. Finalmente cierra la sección DOCS After Spring, una película que proyectaremos este viernes 17 de febrero, por lo tanto fuera de las fechas del festival, en nuestra sesión benéfica habitual de Americana LOVE. Una sesión que realizaremos en colaboración con Casa Nostra, Casa Vostra y en la que todos los beneficios serán destinados a la causa. After Spring nos muestra el día a día de dos familias y algunos trabajadores del campo de refugiados sirio más grande que existe, el de Zaatari. Con un conflicto de fondo que no solo continua si no que se agrava, las personas tendrán que intentar rehacer sus vidas en un espacio que debía ser de paso, no para quedarse.

La programación de Americana se completa con las cuatro películas gratuitas de las sesiones Movistar +. Tres de ellas (A Birder’s Guide to Everything, Alex of Venice y Mississipi Grind) se proyectarán el martes 28 de febrero en los Cinemes Girona y la última (Weiner) el sábado 4 de marzo a las 20:15h. También podréis asistir a una última sesión gratuita de Americana SHORTS el jueves 23 de febrero en La Casa del Cine o verla durante el festival a un precio de 3 euros. Se podrá disfrutar de películas como la canadiense Her Friend Adam, ganadora en SXSW, Thunder Road, ganadora en Sundance o Memory Box, con un viejo conocido de Americana, Shane Carruth, como actor. El listado completo de cortometrajes se puede consultar en la web del festival.

Finalmente, habra una sesión de nuestro habitual Americana Kids, donde los pequeños podrán hacer talleres de cine que les permitan acercarse al medio como creadores, con creatividad. En esta edición el taller será sobre el doblaje. La sesión será el sábado 4 de marzo a las 16:00h y debido a las plazas muy limitadas se recomienda comprar las entradas con la máxima antelación.

PRIMEROS NOMBRES DE LA PROGRAMACIÓN DEL D’A 2017

Entre los nombres que avanzan la programación del D’A 2017 hay que destacar los estrenos en España de Bitter Money del director chino Wang Bing, premio en Venecia 2016 al mejor guion; la nueva película del canadiense Denis Côté, Boris sans Beatrice, estrenada en la Berlinale 2016 y que cuenta con la presencia de Denis Lavant; o The Fixer del director rumano Adrian Sitaru, una impactante película sobre la prostitución.

Otros títulos destacados del festival vendrán de la mano de Bertrand Bonello con Nocturama, penetrante retrato de la juventud actual, entre política, revolución y consumo de masas, y, como siempre en su autor, un uso magistral de la banda sonora. También contaremos con los estrenos en Cataluña de la nueva película de uno de los directores preferidos del D’A, Matías Piñeiro (que dirigió el anuncio de la edición del 2016) con Hermia & Helena, presentada en el último festival de Locarno; The Student del director Kirill Serebrennikov, una nueva muestra de la potencia del cine ruso; y Personal Shopper de Olivier Assayas, una historia de fantasmas protagonizada por Kristen Stewart, que ganó ex aequo el premio al mejor director en Cannes 2016.

Uno de los emblemas del D’A es la sección Talents dedicada a los autores debutantes con menos de tres películas en su filmografía y única sección competitiva del festival. Por ella pasarán óperas primas como Godless de la directora búlgara Ralitza Petrova (ganadora de más de 20 premios en festivales internacionales, incluyendo el Leopardo de Oro a Locarno) o El futuro perfecto de la argentina Nele Wohlatz (mejor ópera prima en Locarno); In Bed with Victoria, la nueva película de Justine Triet, protagonizada por Virginie Efira, el emergente Vincent Lacoste (Hipócrates) y Melvil Poupaud; y la japonesa Harmonium de Koji Fukada (Premio del Jurado en la sección Un Certain Regard en Cannes 2016).

EL D’A 2017 SE INAUGURA CON ‘LADY MACBETH’ DE WILLIAM OLDROYD

El D’A 2017 empezará el 27 de abril con el estreno en Cataluña de Lady Macbeth dirigida por William Oldroyd y protagonizada por Florence Pugh. Adaptación del relato Lady Macbeth de Mtsensk del escritor ruso Nikolái Leskov, Lady Macbeth ganó el premio FIPRESCI en el Festival de San Sebastián y en el de Tesalónica.

RETROSPECTIVA: AMAT ESCALANTE

La Retrospectiva de este año está dedicada a Amat Escalante (1979), director mexicano nacido en Barcelona y presencia fija en los festivales internacionales desde que su film de debut, Sangre (2005), se presentó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes donde ganó el premio FIPRESCI. Desde ese momento no ha parado de recibir premios como el de mejor director en Cannes por Heli (2013), el premio Noves Visions en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges por Los Bastardos (2008) y el León de Plata en la última edición de la Bienale de Venecia por La región salvaje (2016). Con la excepción de Heli, ninguna de sus películas -de una filmografía formada por cuatro largos, dos cortometrajes y el film colectivo Revolución– se ha estrenado comercialmente en España, así que su presencia en el D’A 2017 será una buena oportunidad para hablar con el director de una obra que a menudo ha despertado controversia y que siempre ha jugado con el género para tratar temas sociales. La retrospectiva dedicada a Amat Escalante se realiza con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya.

RENOVACIÓN EN LA AUTORÍA ESPAÑOLA

Hace tres años se presentó dentro del D’A una sección que nos cambió para siempre: Un impulso colectivo, dedicada a la nueva generación de directores españoles que circulaban por el margen de la industria, que producían sus películas de forma totalmente independiente y que suponían una renovación indiscutible del cine hecho aquí. Este año queremos comprobar de nuevo cuál es el estado de la cuestión y, siguiendo la misma línea de investigación, el D’A 2017 presentará una panorámica amplia -tanto en géneros como en autores- del nuevo y mejor cine que se está haciendo en España. Este es el caso, por ejemplo, de Demonios tus ojos de Pedro Aguilera, cuyo estreno mundial ha sido en Rotterdam 2017; La película de nuestra vida de Enrique Baró, protagonizada por Nao Albet y Francesc Garrido; o Sipo Phantasma de Koldo Almandoz, presentada también en Rotterdam. Sección comisariada por Carlos Losilla.

TOUR D’A 2017

Después de una primera experiencia con el nombre de Seus D’A destinada a favorecer la descentralización del festival y a ampliar la difusión de algunas películas presentadas en el D’A más allá de la ciudad de Barcelona, este año se amplía la extensión y alcance de la propuesta. El Tour D’A 2017 viajará una semana después de la edición celebrada en Barcelona a diferentes ciudades de Cataluña, ampliando las seis de la primera edición: Vilafranca, Vic, Berga, El Prat de Llobregat, Figueres, Igualada, Sitges, Sabadell y Manresa, a las cuales se sumarán otras ciudades españolas. El Tour D’A se realiza con la colaboración de la Diputación de Barcelona.

Joseph Losey representó en los años sesenta la máxima expresión del denominado cine de autor (o de arte y ensayo) con obras como The Servant (El sirviente, 1963), King and Country (Rey y patria, 1964), Accident (Accidente, 1967) y The Go-Between (El mensajero, 1971), todas, menos la segunda, escritas por el dramaturgo Harold Pinter. Pero antes de convertirse en una figura preeminente del cine de autor europeo, vivió la compleja situación que afectó a tantos represaliados en la caza de brujas emprendida en Hollywood a partir de 1947. Su obra se divide en tres periodos, el inicial en el cine estadounidense hasta principios de los años cincuenta, el prestigio alcanzado en Inglaterra en los sesenta y setenta y una última etapa más itinerante que le llevó a trabajar bajo producción italiana, francesa y española.

Nacido en La Crosse, Wisconsin, en 1909, Losey orientó sus pasos hacia el periodismo escrito y radiofónico, para pasar después al medio teatral. Su abierta orientación de izquierdas le llevó a poner en pie montajes de obras de Bertold Brecht y a residir una temporada en la antigua Unión Soviética para estudiar nuevos conceptos teatrales. A finales de los treinta empezó a dirigir cortometrajes en el seno de la Metro Goldwyn Mayer y debutó en formato largo en 1948 con The Boy with Green Hair (El niño de los cabellos verdes), una alegoría contra las guerras, los totalitarismos y la intransigencia ante la diferencia, producida por RKO. Aunque pudo realizar varias películas de cine negro de bajo coste y con un indisimulado componente social –The Lawless (El forajido, 1950), The Prowler (El merodeador, 1951) y The Big Night (1951), las tres escritas por guionistas represaliados por el Comité de Actividades Antiamericanas, Daniel Mainwaring, Dalton Trumbo y Ring Lardner Jr.–, e incluso un ‘remake’ de la célebre M de Fritz Lang en 1951, su nombre apareció en las listas negras debido a la orientación de sus primeros filmes y fue acusado de pertenecer al Partido Comunista norteamericano.

Cuando es llamado a declarar, se encuentra en Italia rodando Imbarco a mezzanotte / Stranger on the Prowl (1952). Decide no regresar a los Estados Unidos e instalarse en Inglaterra. Estrena este filme con el seudónimo de Andrea Forzano y los dos primeros que realiza en su país de adopción no llevan su nombre por cuestiones sindicales: The Sleeping Tiger (El tigre dormido, 1954), primera colaboración con uno de sus actores fetiche, Dirk Bogarde, aparece acreditada a Victor Hanbury, y The Intimate Stranger (Intimidad con un extraño, 1956), la firma como Joseph Walton.

Losey se asienta en el cine británico en un momento de transformación. Es el auge del Free Cinema, tendencia de la que no participa aunque algunas de sus primeras películas de los sesenta tengan un cierto aire realista y social, pero también de la productora de cine fantástico Hammer Film, para la que Losey empezó X The Unknown (1956), de cuyo rodaje sería apartado y substituido por Leslie Norman, y dirigió después The Damned (Estos son los condenados, 1962); ambas son las únicas incursiones de Losey en los dominios de la ciencia ficción.

Tras un amago de integración en la gran industria cinematográfica británica con The Gypsy and the Gentleman (1958), producción de la compañía Rank protagonizada por Melina Mercouri, su obra alcanza un notable interés a partir del filme de intriga Blind Date (La clave del enigma, 1959) y el drama carcelario The Criminal (El criminal, 1961), en el que inicia su colaboración con el otro actor con el que mejor se entendería, Stanley Baker. Hasta mediados de los setenta, Losey combina películas muy personales en las que reflexiona sobre las relaciones de poder (entre hombres y entre instituciones) a partir de una puesta en escena repleta de símbolos (su particular utilización de las imágenes especulares), con títulos de apariencia en principio más comercial servidos por las grandes estrellas del momento e inspirados en obras muy populares o de indudable prestigio literario.

Al primer grupo pertenecen la película que mejor define su obra, The Servant, con la incisiva escritura de Pinter y el duelo actoral entre Bogarde y James Fox, además de Accident (Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes), The Go-Between (Palma de Oro en Cannes) y el alegato antibélico King and Country, cuya acción acontece en las trincheras británicas durante la celebración de un juicio sumarísimo por deserción, en la Primera Guerra Mundial. En el segundo grupo se integran obras como Eve (Eva, 1962), adaptación de una novela de James Hadley Chase, protagonizada por Jeanne Moreau y primera de las muchas películas que Losey consagrará a personajes femeninos que irradian una extraña fascinación; Modesty Blaise (Modesty Blaise, 1966), iconoclasta versión del cómic de espionaje de Peter O’Donnell y Jim Holdaway interpretada por Monica Vitti; Boom (La mujer maldita, 1968), una pieza de Tennessee Williams servida por la explosiva pareja Elizabeth Taylor-Richard Burton; Secret Ceremony (Ceremonia secreta, 1968), drama sicológico y claustrofóbico interpretado de nuevo por Elizabeth Taylor, junto a Robert Mitchum y Mia Farrow; A Doll’s House (Chantaje contra una esposa, 1973), según la pieza de Henrik Ibsen y con Jane Fonda, David Warner y Trevor Howard, y A Romantic Englishwoman (Una inglesa romántica, 1975), otro de sus filmes definitorios, un juego triangular intenso y malévolo escrito por Tom Stoppard e interpretado por Glenda Jackson, Michael Caine y Helmut Berger.

En este fecundo periodo, Losey realizará obras muy abstractas como Figures in a Landscape (Caza humana, 1970), en la que narra la huida de dos presos perseguidos por un misterioso helicóptero –el guion está escrito por el actor Robert Shaw, protagonista junto a Malcolm McDowell, y el filme compitió en San Sebastián–, y Mr. Klein (El otro señor Klein, 1976), con Alain Delon en el papel de un hombre sin principios durante la ocupación nazi en Francia que es acusado de ser judío (ganadora del César a la mejor película). Pero rodaría también filmes de transparente acento político como L’assassinio di Trotsky / The Assassination of Trotsky (El asesinato de Trotsky, 1972), con Delon como Ramón Mercader y Burton en el papel de León Trotsky, y Les Routes du sud (Las rutas del sur, 1978), continuación de La guerre est finie (La guerra ha terminado, 1966) de Alain Resnais, escrita nuevamente por Jorge Semprún y con Yves Montand repitiendo su papel de exiliado español en permanente conflicto ideológico.

Losey volvió a Brecht muchos años después con una adaptación al cine de Galileo (1974), según la traducción al inglés que había realizado Charles Laughton y con Topol, muy popular entonces gracias a Fiddler on the Roof (El violinista en el tejado, 1971), en el papel principal. Hizo también ópera filmada –Don Giovanni (Don Juan, 1979), con Ruggero Raimondi– y realizó en Francia La Truite (1982), con Isabelle Huppert en otro de los complejos personajes femeninos del cine del director. Su última película es Steaming (1985), inédita en España como la anterior. Se trata de una obra de raíz teatral protagonizada por Vanessa Redgrave y Sarah Miles y ambientada en un baño turco londinense el día de su cierre, reservado solo a clientes femeninas. Losey no pudo ver el montaje definitivo de la película, ya que falleció en junio de 1984, casi un año antes de que se presentara en Cannes.

La relación de Losey con el Festival de San Sebastián resultó siempre complicada a causa del régimen franquista. Además de Figures in a Landscape, se presentaron en el certamen The Sleeping Tiger, Boom y, en sección informativa, The Go-Between. The Romantic Englishwoman también estuvo seleccionada, pero el director y Glenda Jackson no acudieron al Festival en señal de protesta por las últimas sentencias de muerte firmadas por Franco.

Tras su proyección en San Sebastián, la retrospectiva se programará en la Filmoteca Española, en Madrid, en octubre y noviembre.

Del próximo 16 al 26 de marzo en el Cinema Maldà de Barcelona se celebrara la cuarta edición del Offside Fest, una cita ineludible para los amantes del futbol y el documental, 17 (aún uno por anunciar) largometrajes en formato documental más 10 cortometrajes estarán presentes este año en el Offside Fest, a las habituales Sección Oficial Internacional Estrella (a concurso), Fora de Joc (fuera de concurso) y Passada en Curt (cortometrajes) se une en esta edición la Sección Oficial Nacional que contara con tres trabajos producidos en España. Zlatan Ibrahimovic, la Juventus, Stanley Matthews o la revolución del fútbol islandés entre otros muchos serán algunos de los documentales que se podrán ver este año dentro del festival, a continuación y a falta de anunciarse los horarios el programa completo del Offside Fest 2017.

Sección Oficial Internacional

90 AÑOS DE PAOK DE SALÓNICA. NOSTALGIA DEL FUTURO (Nicholas Triandafyllidis, Grècia, 102 min)

Este no es un simple documental sobre los 90 años de uno de los clubes más importantes de Grecia. Es un diario, la narración cinemática de los hitos deportivos del equipo pero también del sustrato histórico, cultural y social de la entidad.

BLACK AND WHITE STRIPES. THE JUVENTUS STORY (Marco y Mauro La Villa, EE.UU./Italia, 129 min.)

Uno de los clubes más icónicos en la historia del fútbol. Un recorrido por la historia de la Vecchia Signora, pero también la crónica del devenir la familia de los Agnelli, saga propietaria del club, en un caso único en el actual mundo balompédico, desde hace casi un siglo.

CELTIC SOUL (Michael McNamara, Canadà, 86 min.)

El actor, guionista y director canadiense Jay Baruchel tiene una pasión, el fútbol, y una obsesión, el Celtic. Un amor por el club católico de Glasgow que le llevó a contactar con el periodista de fútbol irlandés Eoin O’Callaghan. Y la que empezó siendo una amistad cibernética acabó por convertirse en una aventura.

EL ZURDO SAMPAOLI. LA REVANCHA DEL NINGUNEADO (Roberto Cox, Argentina, 90 min.)

En una localidad donde las ambiciones son efímeras, un hombre se atrevió a desafiar a quienes siempre le auguraron un negro futuro en el fútbol. “No triunfarás jamás”, solían repetirle a este esforzado y entusiasta empleado bancario que dedicaba su tiempo libre a su pasión.

GET SHIRTY (Andy Wells, Inglaterra, 60 min.)

La historia de cómo una pequeña empresa de ropa interior cambió el fútbol para siempre. A mediados de la década de los 70 una pequeña fábrica textil de Leicester sorprendió a todo el mundo adjudicándose el contrato como proveedor oficial de las equipaciones de la selección inglesa.

INSIDE A VOLCANO. THE RISE OF THE ICELANDIC FOOTBALL (Sævar Guðmundsson, Islàndia, 85 min.)

La generación dorada del fútbol islandés. Una visión cercana y personal del equipo que hizo que el mundo tomara nota de cómo una de las naciones más pequeñas del mundo se convertía en un gran equipo.

LES BLEUS. UN AUTRE HISTOIRE DE FRANCE 1996-2016 (David Dietz / Sonia Dauger / Pascal Blanchard, França, 90 min.)

Pocas cosas hay capaces de generar momentos de mayor comunión colectiva que las grandes epopeyas de las selecciones nacionales de fútbol. El combinado francés ha llevado a su país a la mayor de las alegrías.

MATCH DAY (Guilherme Cabral, Nuno Duarte, 78 min.)

El día de la final de la Champions League, uno de los eventos más vistos del mundo del deporte. Mohammed, un niño de 12 años que vive en Marruecos, y sus amigos. Gracias a ellos aprenderemos grandes lecciones sobre el trabajo en equipo, la solidaridad y la persecución de los sueños.

MILLER & FRIED. BRASIL: AS ORIGENS DO PAÍS DO FUTEBOL (Luiz Ferraz, Brasil, 70 min.)

Brasil no es la cuna del fútbol, pero sí el país que convirtió el más bello de los deportes en arte. Miller & Fried. Brasil, nos descubre la historia detrás de sus orígenes en territorio carioca y de Charles Miller y Arthur Friedenrich.

STANLEY MATTHEWS (Ryan Scott Warren, Anglaterra, 80 min.)

La vida de la que fue la primera gran estrella del fútbol, a través de filmaciones que hasta ahora habían restado inéditas y de entrevistas con personajes de la dimensión de Sir Richard Branson y Gary Lineker. El primer ganador del prestigioso Premio Balón de Oro.

SOCCER MILLIONAIRE FROM EAST (Carin Goeijers, Holanda, 85 min.)

Mbark Boussoufa, estrella holandesa de fútbol de origen marroquí se enfrenta a un dilema cuando Suleyman Kerimov, el multimillonario dueño de su actual club, el Anzhi Makhachkala, deja de invertir en el equipo del Daguestán. Sin tener muy claro cuál será su futuro.

WIN! THE BIRTH OF NEW YORK CITY FOOTBALL CLUB (Justin Webster, EE.UU., 90 min.)

Fascinante retrato de los desafíos que debe afrontar un club en su año de fundación. Win! es la historia de la temporada inaugural del New York City FC. Aventura compartida entre el Manchester City de la Premier League inglesa y los Yankees de Nueva York.

Sección Fora de Joc

BECOMING ZLATAN (Fredrik Gertten / Magnus Gertten, Suècia, 100 min.)

Los años decisivos del mejor futbolista sueco de todos los tiempos contados a través de imágenes inéditas de archivo donde un aún jovencísimo Zlatan habla abiertamente sobre su vida y desafíos. La película prosigue de cerca a Ibrahimovic desde su debut.

Secció Oficial Nacional

ALÉN DO COSMOS (Pedro Pablo Alonso, Espanya, 70 min.)

Poca gente conoce la historia de Santiago Formoso, sin embargo su trayecto vital bien merece ser proyectado sobre una gran pantalla plateada. A finales de la década de los 60, Santiago abandonó junto a su familia su Galicia natal rumbo a Nueva York.

FINS AL FINAL (Ricard Cabayol, Xavier Menal, Espanya, 40 min.)

El 21 de junio del 2014, el Nàstic se enfrenta al partido de vuelta de la 3ª eliminatoria del play-off de ascenso a la 2ª División A. Pierde la eliminatoria de forma inesperada, en una de las tardes más amargas por la historia del Nàstic.

THE OTHER KIDS (Pablo de la Chica, Espanya, 85 min.)

Papira Anthony sufrió el horror de la Guerra en Gulu, pero logró salvar su vida gracias a una beca de fútbol que le permitió tener acceso a una educación. Viaja a Kampala para formar parte de un joven equipo de fútbol en los suburbios. Allí conocerá a Mubiru Rigan.

Secció Passada en Curt

A WOMAN’S GOAL (Lela Ahmadzai)

EL MUNDO DE MAO (Pablo de la Chica)

INSIDE THE LIFE OF DOUGLAS COSTA (Nepomuk V. Fischer)

LEBANON WINS THE WORLD CUP (Tony Khoury / Anthony Lappé)

OMNIPRESENCE (Anderson Rodrigues)

SOCCER GRANNIES (Lara-Ann de Wet)

SOCCER, MY SAVIOUR (Kyri Evangelou)

TEHRAN DERBY (Simon Ostermann)

TRUE FUTBOL (Ines Vogelfang)

WAR WORLD CUP (Simon Ellis)

YouYou es el nombre del protagonista de la imagen del Festival Nits de cinema oriental de Vic 2017. Un gallo que, en lugar de levantarse bien pronto, se acostará muy tarde. Aunque, de momento, es él quien nos ha obliga a madrugar y ponernos en marcha desde este mes de enero. El Gallo simboliza el esfuerzo. El éxito solo puede conseguirse a base de trabajo y paciencia y eso es algo que haremos desde la organización del festival, instituciones, patrocinadores y colaboradores: trabajar mucho para ofreceros una buena 14a edición, que tendrá lugar entre el 18 y el 23 de julio.

¿Y por qué un gallo? 2017 es el año de este animal en el calendario chino, país que abrirá el certamen y contará con mucha presencia en su programación. Los años del Gallo son tiempos de justicia, de dedicación y logística eficiente. El gallo es seguro de sí mismo y le gusta ser abierto y sincero. Es un poco orgulloso (claro, es el amo del corral), pero tienen un corazón grande y generoso. Busca el respeto, la admiración y es un animal romántico y soñador. Adjetivos que van muy bien al festival.

Mujeres en acción

El cine de acción raramente está protagonizado por mujeres, ellas son las grandes olvidadas de un género con demasiada testosterona. Pero en China y Hong Kong siempre han producido películas de artes marciales con mujeres en los roles principales y desde el Festival Nits queremos reivindicarlas. Lo haremos con la publicación del libro Kungfu Girls! Las actrices del cine de acción de Hong Kong y China y dedicando la retrospectiva a estas mujeres de acción. Nombres como Moon Lee, Sharon Yeung Pan-Pan, Michelle Yeoh, Kara Hui, Maggie Q, Cheng Pei-Pei, Angela Mao o Mandy Ho se han convertido en grandes estrellas del cine de acción asiático y han contribuido a convertir este género en el más popular de la industria, haciendo que sus filmes se hayan editado y reeditado en el mercado internacional.

Así pues, la Biblioteca FesNits se ampliará con un cuarto libro que hará un repaso exhaustivo del protagonismo femenino en el género de acción, con un contexto histórico, una galería con las actrices más destacadas, entrevistas y una guía de películas. Un ensayo cinematográfico único porque será el primero dedicado íntegramente a las mujeres en el cine de artes marciales de Hong Kong y China. Los encargados de escribirlo serán Domingo López y Jorge Endrino.

El Festival también está trabajando para invitar alguna de las actrices citadas para hacerles entrega de un premio conmemorativo en homenaje a todas las mujeres del cine de acción.

Después de tres ediciones y casi 40 largometrajes documentales futbolísticos ya proyectados, Offside Fest 2017 anuncia hoy el grueso de su programación a falta todavía de alguna sorpresa final. La cuarta edición del festival tendrá lugar del 16 al 26 de marzo en el Cinema Maldà de Barcelona, y presenta el mejor plantel de películas hasta la fecha, destacando los documentales sobre la trayectoria de un club icónico como la Juventus, la revolución del fútbol islandès durante los últimos años, un retrato de Admiral Sportswear (pioneros en la fabricación de equipaciones para los clubes británicos en los años 70), la historia de los últimos 20 años de la selección francesa a través de su implicación social y política, y la increíble vida del gallego Santiago Formoso, que llegó a jugar al lado de Pelé, Beckenbauer y Cruyff durante su etapa en el New York Cosmos.

17 serán los largometrajes documentales (y 10 los cortometrajes) que se proyectarán en Offside Fest 2017, la cifra más elevada de todas las ediciones. Este año el festival ampliará los días de proyecciones, pasando a ocupar dos fines de semana: el Cinema Maldà acogerá las sesiones del jueves 16 al domingo 19 de marzo, y también del jueves 23 al domingo 26 de marzo, con la excepción del viernes 24 de marzo, cuando se celebrará la fiesta en la Antiga Fàbrica Estrella Damm.

NOMBRES PROPIOS E HISTORIAS ANÓNIMAS

Al margen de los documentales mencionados, las figuras de Zlatan Ibrahimovic, Jorge “El Zurdo” Sampaoli, Mbark Boussoufa y el primer ganador del Balón de Oro Stanley Matthews serán protagonistas a través de sus propios documentales, del mismo modo que clubes inimitables como el Celtic de Glasgow, el PAOK de Salónica, y el joven New York City FC. Pero en Offside Fest también hay lugar para las historias anónimas, como la que recoge el nacimiento del fútbol en Brasil (Miller & Fried. Brasil: As Origens do País do Futebol), o Match Day, que relata cómo viven unos niños la final de la Champions League en un pequeño pueblo de Marruecos.

NUEVA SECCIÓN OFICIAL NACIONAL

Además de las tradicionales Secciones Oficial Internacional Estrella (a concurso), Fora de Joc (fuera de concurso) y Passada en Curt (cortometrajes), Offside Fest 2017 incorporará también una Sección Oficial Nacional por primera vez, con 3 largometrajes producidos en España que certifican que la fiebre por el documental futbolístico también llega a nuestras fronteras. Se trata de Alén Do Cosmos, el trayecto vital del gallego Santiago Formoso que en los años 60 se marchó a Estados Unidos y llegó a jugar con Pelé, Beckenbauer y Cruyff; The Other Kids, sobre el sueño de un niño ugandés de ser como Fernando Torres; y Fins al Final, un emocionante seguimiento del partido decisivo del Nàstic de Tarragona por el ascenso a Segunda División A en 2015.

PRIMEROS ABONOS YA A LA VENTA

Los primeros abonos para Offside Fest 2017, que permiten acceder a todas las sesiones del Cinema Maldà además de la fiesta en la Antiga Fàbrica Estrella Damm, ya se pueden comprar a un precio promocional de 35€ (más gastos de gestión) durante una semana en la web del festival. Después pasarán a costar 40€ (más gastos de gestión), precio que se mantendrá hasta la llegada del festival.

Próximamente os iremos informando con más detenimiento de todos los documentales que se podrán ver este año en el Offside Fest 2017.

El 28 de enero llega el nuevo año chino, el año del Gallo, y para celebrarlo, el Festival Nits de cinema oriental de Vic ha preparado una sesión especial donde se proyectará uno de los films chinos más espectaculares de la temporada, Call of Heroes, y se presentará el grupo Zao formado por la cantante de Vic de origen chino JinJin Chen y los músicos Marc Vernis (piano), Franco Molinari (bajo) y Joan Carles Aguerri (batería). También se aprovechará esta sesión especial para presentar el cartel y dar a conocer el país invitado de la 14a edición del Festival, que se celebrará del 18 al 23 de julio de 2017.

La jornada empezará a las 20h, en el Cinema Vigatà, con la proyección del flim Call of Heroes. El festival ofrece la premiere europea de esa espectacular cinta de acción marcial.

Después de la película, a partir de las 23h, nos desplazaremos al Casino de Vic para vivir el concierto de año nuevo chino con la presentación de Zâo. Esta formación chino-catalana ofrecerá una selección de canciones populares chinas.

Al día siguiente, como epílogo de la celebración, tendrá lugar en Cineclub Xic, una nueva sesión del film Monster House, uno de los éxitos del Festival Nits 2016.

Año nuevo chino. Sábado, 28 de enero

20.00 h – Proyección de Call of Heroes

Cinema Vigatà – c/ Jacint Verdaguer, 22. Vic

Preció sesión: 5 euros

Reserva de entradas a nits@cinemaoriental.com. Las podréis recoger una hora antes de la proyección en las taquillas del Cinema Vigatà.

23.00 hores – Concierto de presentación del grupo Zâo

Casino de Vic – C/Jacint Verdaguer, 5

Precio: 5 euros

Venta de entradas en el mismo local desde una hora antes del concierto.

Domingo, 29 de enero

17:00 h – Proyección de Monster Hunt

Espai ETC. Passeig de la Generalitat, 46. Vic

Aportación: 5 euros

Call of Heroes

Sesión especial

Sábado, 28 de enero de 2017, 20.00 h.

Cinema Vigatà

5 euros

FICHA

China-Hong Kong, 2016

Dirección: Benny Chan

Reparto: Peng Yuyan, Louis Koo, Sean Lau, Wu Jing, Jiang Shuying

Duración: 2 h

SINOPSIS

Un pueblo llamado Pucheng, que hasta el momento no ha sido atacado por las tropas enemigas, recibe la visita del sanguinario comandante Cao, quien impone al pueblo un ultimatun de 24 horas antes de ser arrasado. Benny Chan, el exitoso director de cine de género de Hong Kong, y el mítico Sammo Hung, coreógrafo de las inventivas escenas de acción, unen fuerzas y talento en esta historia de un grupo de milicianos que defenderá una villa ante un malvado terrateniente. Una película con los mejores elementos del cine de artes marciales, con reminiscencias de la spaghetti western y un reparto excepcional.

Zǎo en concierto 早

Sábado, 28 de enero de 2017, 23.00 h.

Casino de Vic. C/Jacint Verdaguer, 5

5 euros

Concierto de año nuevo chino con la presentación de ZAO. Esta formación china-catalana ofrecerá una selección de canciones populares para dar la bienvenida al año del gallo.

Voz: Jinjin Chen

Piano: Marc Vernis

Bajo: Franco Molinari

Batería: Joan Carles Agueri

En el bar del Casino habrá servicio de tapas chinas (dian xin) y cervesa Tsingtao.

MONSTER HUNT

Sesión especial | Sesión infantil

Domingo, 29 de enero de 2017, 17.00 h.

Espai ETC. Passeig de la Generalitat, 46 de Vic

3 euros

FICHA

China / Hong Kong, 2015

Dirección: Raman Hui

Reparto: Boran Jing, Bai Baihe, Tang Wei, Eric Tsang, Sandra Ng

Idioma: VOSC / Duración: 115 min

Distribuidora: Edko Films

SINOPSIS

El heredero del mundo de los monstruos está a punto de nacer. Con el fin de protegerlo de sus enemigos, su madre viaja al mundo de los humanos para buscar a un guerrero que les proteja.

Mezcla de wuxia y espectáculo familiar con mucho humor, Monster Hunt ha conquistado al público de medio mundo. Su apabullante apuesta visual mezcla imagen real y una animación excelente, obra del estudio que fabricó Shrek.

Guillermo del Toro será el padrino de un festival que ampliará un día de programación. El Festival de Sitges celebrará en 2017 su 50 aniversario. Y lo hará con un programa especial en el que ya ha empezado a trabajar y que permitirá revivir algunos de los momentos más mágicos de su historia.

La 50ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya contará con una larga lista de nombres de primer nivel asociados al cine fantástico. Entre todos, destacará Guillermo del Toro, que ejercerá de padrino de Sitges 2017. El director mexicano ha aceptado la invitación que le ha formulado el director del Festival, Ángel Sala. Del Toro inauguró el Festival en 2006 con El laberinto del fauno y visitó Sitges por primera vez en 1993, donde obtuvo el primer premio al Mejor guión con Cronos, su ópera prima.

Sitges en 2017 ganará un día más de festival y volverá a inaugurarse en jueves, cómo hizo en ediciones anteriores. La 50ª edición del Festival se celebrará entre los días de 5 y 15 de octubre y tendrá como a leitmotiv  una de la referencias del cine de género: la figura de Drácula. En 2017 se conmemorará, así mismo, al 25º aniversario con la emblemática versión que rodó Francis Ford Coppola.

Para conmemorar sus 50 primeras ediciones, el Festival trabaja en un programa que presentará en los próximos meses y que recorrerá su historia, desde sus orígenes hasta nuestros días y, así mismo, supondrá un homenaje al cine de género. Entre las actividades ya programadas se incluye un ciclo de la Filmoteca de Catalunya, que se celebrará entre junio y septiembre y que será una antesala a Sitges 2017. El Festival y la Filmoteca producirán también una exposición, que se podrá ver durante el verano en Barcelona y a partir de septiembre en Sitges. Entre las acciones programadas habrá un homenaje a los impulsores de Festival, entre muchas otras actividades e iniciativas en las que ya está trabajando el equipo.

En 1968 nació la primera Semana de Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Sitges, en un momento en el que la localidad se posicionaba como una destinación turística y cultural. Desde la primera edición, el Festival ejerció de escaparate y escenario del cine de género más popular del momento, con sesiones en los cines de las sociedades centenarias de Sitges: el Retiro y el Prado. Cuando el Festival celebró su 25 aniversario (en 1992) protagonizó un significativo paso adelante gracias a la apertura del Auditorio, que, con 1.384 butacas, era en aquel momento el más grande del Mediterráneo. El año pasado, el Festival sumó una cuarta sala, la Tramuntana, situada en el mismo Hotel Meliá Sitges.

El Festival convoca una muestra dentro del Ventana Sur de la capital argentina. Sitges deja el Mediterráneo durante unos días para traspasar el Atlántico y hacerse presente a Buenos Aires, con motivo del Ventana Sur, el reconocido y emergente mercado de cinema latinoamericano que reúne cada año más de 2.000 profesionales de la industria audiovisual. La primera Muestra del Festival de Sitges en Buenos Aires se celebrará el próximo fin de semana con la programación de tres proyecciones que llevan el sello de Sitges y una presencia propia del Festival. Sitges es el segundo festival después de Cannes que abre un espacio en el Ventana Sur de la capital argentina.

La muestra de Sitges en Buenos Aires ha programado tres proyecciones de títulos exhibidos en Sitges 2016: Swiss Army Man (de Dan Kwan y Daniel Scheinert) que obtuvo el Premio a la Mejor Película; Que Dios nos perdone (de Rodrigo Sorogoyen), y Herederos de la Bestia (de Diego López y David Pizarro). Las proyecciones están abiertas al público y se realizan en el Cine Gaumont de Buenos Aires. Paralelamente, el Festival de Sitges dispone de una presencia propia en el espacio del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina (INCAA), con el objetivo de acercar el certamen al público argentino y a los profesionales latinoamericanos asistentes al Ventana Sur.

La Muestra del Festival de Sitges en Buenos Aires es una iniciativa conjunta del mismo Festival, el INCAA y Blood Window, la plataforma de promoción de talento latinoamericano de género fantástico en la que participa el Festival de Sitges desde hace tres años. La Muestra nace después de que la alianza trazada entre Sitges y Blood Window haya adquirido cada vez más cuerpo y presencia y haya permitido visualizar el papel creciente del cine fantástico latinoamericano. Blood Window actúa en Sitges como un sello transversal, que acompaña las producciones latinoamericanas de género que programa el Festival. Desde hace tres años, el Festival ha incorporado en su catálogo de premios el Premio Blood Window, que este año ha ganado 1974 (de Víctor Dryere) y en las dos ediciones anteriores Los parecidos (de Isaac Ezban, el 2015) y The Stranger (de Guillermo Amoedo, el 2014).

La alianza entre Blood Window y el Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya ya se hizo presente en el Festival de Cannes el 2014, cuando Sitges apadrinó una de las cinco sesiones del Blood Window Midnight Galas celebradas en el emblemático festival francés. En aquella ocasión, el film que exhibió Sitges fue Capa caída, de Santiago Alvarado, que había ganado el Premio Nuevas Visiones Experimenta en Sitges 2013.

Darling

Carter es una solitaria joven que es contratada como cuidadora de una antigua y misteriosa mansión en Manhattan. Pasa la inmensa mayoría de sus horas en soledad y desde ese momento seremos testigos de su descenso al infierno de la locura.

Mickey Keating en poco más de tres años se ha establecido como un cineasta bastante afín y activo en lo referente al género de terror actual, no solo en lo relativo a su vertiente como director sino también en la de guionista e incluso en la de productor de sus propios trabajos, si sus anteriores Ritual y Pod no dejaban de ser leves esbozos de naturaleza poco convincente en lo concerniente a sus postulados, en Darling da un ligero golpe de timón en estilo y temática y nos ofrece un thriller psicológico con elementos de terror con la premisa del aislamiento expuesto tanto a nivel psíquico como físico, algo que la direcciona inequívocamente y de manera poco disimulada a films referencia en dichas líderes como pueden llegar a ser el Repulsión de Roman Polanski o el The Shining de Stranley Kubrick, todo ello barnizado con un estilo de características algo arty y marcado tono alucinatorio, de connotaciones casi experimentales, su fotografía en blanco y negro y un ligero trazo críptico en lo concerniente a su narración así lo atestigua. El riesgo formal asumido por Mickey Keating en Darling es indudable aunque esto no siempre es garantía de éxito, podríamos aseverar sin riego a equivocarnos que nos encontramos ante un producto en donde prima más los que son sus loables y valientes intenciones que lo que termina siendo su resultado final.

Uno de los mayores problemas a la hora de enfrentarnos a un film de las características de Darling reside en su muy endeble guion, no hay una narración argumental valida en lo referente a su desarrollo, estamos ante esa clase de productos en donde cualquier excusa vale para un propósito final, en este caso dado tanto por su inverosimilitud en lo concerniente a varios aspectos de su historia (realmente hay una necesidad real de una cuidadora en la casa) como por la poca profundidad en lo referente a su historia y personajes, tampoco la ambivalencia que quiere dotar Mickey Keating al conjunto llega a ser de un nivel satisfactorio, para crear o sugerir una duda (en este caso lo referente a si realmente la protagonista llega a estar desequilibrada por ella misma o por causa de la casa) se requiere de una consistencia evolutiva por parte del personaje principal (uno de los puntos positivos de Darling es la esforzada interpretación de Lauren Ashley Carter, rostro muy reconocible dentro del género actual) algo que no ocurre principalmente por el tono casi episódico que llega a emplear Mickey Keating a la historia, un irregular lienzo estilístico en donde se llega a abusar en algo del fotograma abrupto como mero vehículo gratuito a la hora de intentar perturbar al espectador.

Darling termina convirtiéndose de una manera clara en un producto fallido por su no posicionamiento estructural, aun así tiene la ligera virtud de pertenecer a esa clase de películas de muy bajo presupuesto que se apartan del consabido trazo convencional genérico en lo referente a lo que son sus propuestas, films como I Am a Ghost o The House on Pine Street (bastantes más superiores al film de nos ocupa) nos recuerdan que aún existen  sendas a explorar dentro del género de terror, del talento de su director depende que el riego final asumido sea reconocido para bien, Mickey Keating y su Darling de una forma evidente se queda a medio camino, aun así estamos ante un director inquieto y de naturaleza evolutiva, la relativa buena acogida de su último film en los pasado festivales de Sundance y Sitges de Carnage Park (un nuevo cambio de registro) parece confirmar un nuevo paso adelante por parte de un autor que no convendría perder de vista en un futuro.

Valoración 0/5:2’5

The Eyes of my Mother

Un forastero llega a una apacible granja. Ahí viven Francisca y su madre, una cirujana de origen portugués que enseña a su hija los secretos de la anatomía. La inesperada visita terminará en tragedia y traumatizará, a la par que despertará la curiosidad, de la pequeña Francisca.

El director neoyorkino Nicolas Pesce presento en MolinsTerror una de las películas más esperadas después de las buenas sensaciones y criticas de las que venía precedida tras su premiere en el pasado festival de Sundance y poder verse hace bien poco en Sitges, la estilizada The Eyes of my Mother nos ofrece una particular y muy estimulante visión de horror gótico a través de una mirada autoral tan fascinante como atípica.

Rodada en portugués e inglés y provista de una imponente fotografía en blanco y negro The Eyes of My Mother transita básicamente a través de una pesadilla de contornos minimalistas, su apuesta es tan clara en este sentido que puede jugarle alguna que otra mala pasada como por ejemplo ejercer una cierta sensación de estar más ante un cuidado mediometraje que voluntariamente obvia el profundizar en lo referente de los personajes secundarios, sin embargo la opera prima de Nicolas Pesce (27 años) no llega a desperdiciar ni una sola de sus imágenes, cuidando al máximo todas sus costuras, una pequeña y cuidada pieza de orfebrería de síntesis genérica muy ambivalente, su supuesta catalogación podría ser la de una piece arty de horror de tono malsano, de hecho la historia que nos es contada no es nueva, si lo es en la manera que lo hace, a raíz de un hecho traumático la pequeña Francisca queda marcada en lo psicológico, a partir de ese momento su dañado imaginario anidara a través de una locura de la que ella no parece ser plenamente consciente. The Eyes of my Mother es una de las propuestas más interesantes del presente curso, una apuesta atípica que basa su principal potencial en que su incuestionable buen gusto a un nivel estrictamente técnico y audiovisual no entra en ningún momento en conflicto en lo concerniente al tono retorcido y enfermizo que nos llega a exponer.

Valoración 0/5: 4

K-Shop

Salah regenta una tienda de kebabs junto a su padre, en medio de una transitada calle donde por las noches se reúnen los jóvenes para beber. El padre de Salah se verá envuelto en un fatídico accidente y él solo deberá a tirar hacia adelante con el negocio. Noche tras noche deberá aguantar un desfile de xenófobos, borrachos y especímenes de lo más variopintos, finalmente Salah deberá decidir si poner fin a esta situación o aguantar todo tipo de vejaciones.

La 35 edición del festival de cine de terror de Molins de Rei volvió a proyectar una ópera prima (un denominador común bastante frecuente en el certamen que hay que agradecer) dentro de su sección oficial, K-Shop puesta de largo en la dirección del británico Dan Pringle nos sitúa dentro del subgénero de justicieros con un claro trasfondo de crítica social partiendo como detonante esa Inglaterra de clase moral baja en donde todo tipo de borrachos, racistas y celebridades surgidos de los reality televisivos parecen erigirse como un nuevo status dentro de la actual sociedad. En K-Shop, una especie de versión british del Falling Down de Joel Schumacher con claras reminiscencias al imaginario de Sweeney Todd, hay poco lugar para la ironía o el humor negro a modo de comedia de horror (una lástima, esa tienda de kebabs que de alguna manera absorbe ese extracto de la sociedad para devolverlo en forma de comida podría haber funcionado bien en lo referente a tal concepto), posiblemente Dan Pringle se tome demasiado en serio el discurso moral de una película en donde sus dos horas de duración resultan algo largas, un déficit este especialmente visible en lo referente a varias sub tramas que son expuestas pero ni siquiera desarrolladas, también hay un abuso y reiteración de escenas documentales en donde vemos el desvarió moral que acontece en las calles de la urbe. Aun así K-Shop parte de una premisa al menos interesante, intenta esgrimir apuntes curiosos (esa referencia a  Henry Kissinger, o ese retrato de indefensión del inmigrante dentro de una sociedad que lo rechaza), lástima que finalmente solo sean ligeros retazos expuestos en un film al que le cuesta sobre manera encontrar un timing adecuado tanto en lo referente a su narrativa como a la hora de plasmar un discurso.

Valoración 0/5: 2

Under the Shadow

“Under the Shadow” nos sitúa en el Tehrán de 1988, cuando la guerra entre Irán e Iraq llega a su octavo año, una madre y su hija son lentamente separadas por las campañas de bombardeos a la ciudad. Mientras intentan sobrevivir juntas al terror un misterioso espíritu maligno las empieza a acechar en su apartamento..

Uno de los films que más expectación ha ido generando tras su paso por el circuito de festivales de genero durante este año fue la iraní Under the Shadow, la opera prima a cargo Babak Anvari coproducida entre Reino Unido, Qatar y Jordania tiene la virtud de exponer un compendio hacia el terror que queda equilibrado de manera notable a medio camino entre la clara alegoría socio-política y el relato folclórico tradicional de tono sobrenatural.

A la hora de hablar de Under the Shadow se le ha remitido de forma constante al Babadook de Jennifer Kent, lo cierto de que aparte de partir de una premisa bastante parecida, una joven madre e hijo-a aislados ante una amenaza sobrenatural la mirada de ambas es bastante diferente, si la cinta australiana se direccionaba más hacia el trauma psicológico aquí nos encontramos ante un drama doméstico de contornos casi intimistas revestido de cuento de terror que contextualiza su acción durante la guerra Irán-Irak. Babak Anvari indudablemente sabe cómo generar atmósferas opresivas, ya sea a través del uso depurado de las claves del género o como espejo de las asfixias sociales representadas en el film en base a fracturas de las sociedad iraní de la época, sin embargo hay momentos en que uno tiene la clara sensación de que Under the Shadow entra en un claro conflicto a la hora de asimilar o conjugar ambas percepciones, se agradece que ese denominado tren de la bruja funcione a modo de vehículo hacia la inquietud como funcional elemento genérico, por el contrario uno echa en falta un mayor grado de sutileza en lo referente a exponer su supuesta metáfora ideológica, hay tramos en el film en donde quizás no hacía falta poner con tanto énfasis el acento, aun así Under the Shadow por su condición de relato de puro terror de clara naturaleza bicéfala deviene como una de las óperas primas más vigorosa y estimulante del presente año.

Valoración 0/5: 3’5

Tear Me Apart

Abandonados por la sociedad surgida del colapso de la civilización tal y como la conocemos, dos hermanos (Frazer Alexander i Alfie Stewart) es ver forzados a vivir por su cuenta y riesgo en medio de un Cronwall desierto y salvaje. A pesar de que el mayor (Alexander) intenta mantener un cierto grado de humanidad en su supervivencia, el menos (Stewart) cae en el canibalismo atacando a los viajeros solitarios y devorándolos para sobrevivir. Hasta que Molly (Jennie Eggleton) apareció en sus vidas, no habían conocido a ninguna mujer, cosa que lleva sus instintos masculinos básicos y sus emociones afectivas al límite.

La ópera prima del realizador Alex Lightman Tear Me Apart nos sitúa en un escenario post-apocalíptico para ofrecernos un producto que se aleja del survival de acción al uso bastante habitual en este tipo de films para adentrarse en un drama de tono minimalista provisto de un trazado narrativo algo lento que aborda básicamente una serie de cuestiones éticas que han de afrontar una serie de personajes ubicados dentro de un escenario extremo, en cierta manera la premisa de la que parte Tear Me Apart no es muy diferente a la de Z for Zachariah de Craig Zobel o de The Survivalist de Stephen Fingleton, tres únicos personajes que se debaten  entre luchar por intentar conservar la poca humanidad que parece quedarles o dejarse llevar por sus instintos más básicos (en este caso representado en el film por la necesidad de recurrir al canibalismo), todo ello aderezado con algún que otro toque filosofal en su argumento que remiten a claros ecos de Adán y Eva en lo concerniente su conclusión, eso sí desarrollado a un nivel bastante más modesto en lo referente a lo que son sus recursos económicos y en donde las por momentos loables y esforzadas intenciones que denota a la hora de intentar crear un discurso propio a cargo de  de Alex Lightman sirven para salvar en parte la extrema modestia en la que se fundamenta un producto de las características de Tear Me Apart.

Valoración 0/5: 2

Lake Bodom

La peor pesadilla de un campista se hizo realidad en el lago Bodom en 1960, cuando cuatro adolescentes fueron apuñalados hasta la muerte mientras dormían en su tienda de campaña. Ahora, cincuenta años más tarde, otro grupo de campistas revivirán aquellos hechos…

El finlandés Taneli Mustonen presento en TerrorMolins el slasher Lake Bodom, un film con y en cierta manera para adolescentes que se adentra en dicho subgénero con esa peculiar visión del concepto tan característica en este tipo de películas proveniente de los países nórdicos, una transmutación territorial de la temática que no deja de ser algo curiosa a la hora de compararla al partir de una génesis con unos claros fundamentos y denominación de origen norteamericano. Lamentablemente esa mirada solo conseguimos apreciarla parcialmente en lo referente a sus formas y no en su contenido, paradójicamente Taneli Mustonen en Lake Bodom parece querer salirse de la tangente de esa previsibilidad ofreciéndonos un par de vueltas de tuerca en su argumento a la hora de intentar dentro de lo posible sorprender a la audiencia, sin embargo estos giros en su trama aparte de llegar algo tarde se acercan más a una cierta incredulidad especialmente visible por su falta de credibilidad que al efecto sorpresa en sí mismo, dando la sensación de estar ante un producto que en líneas generales denota ser muy errático y en donde para más inri cuando intenta abordar de manera muy breve y mediante unos repetitivos flashbacks algún que otro elemento dramático en su historia como el bullying lo hace de forma muy desacertada en lo concernientes a lo que son sus formas.

Valoración 0/5: 1’5

We Go On

Miles Grissom tiene un pánico irracional a la muerte. Por ello ofrece una recompensa monetaria bastante suculenta para quien le dé una prueba irrefutable de si tras la muerte hay algo más, o si de lo contrario una vez se acaba nuestra vida no hay un siguiente paso.

Segundo trabajo tras las cámaras del dueto formado por Jesse Holland y Andy Mitton responsables hace unos años del muy curioso y nada despreciable found footage YellowBrickRoad, en We Go On nos ofrecen una por momentos muy peculiar ghost story narrada de forma poco convencional. We Go On es puro cine independiente low cost en toda su esencia, un film que en cierta manera funciona como dos películas dentro de una, tenemos una primera parte que nos es expuesta casi a modo de thriller psicológico de tono obsesivo en donde vemos como traumas y fobias de varias índole transitan a modo de eje argumental en lo referente a su historia, y una segunda parte de tono mucho más genérico y por lo tanto más explícita en lo referente a su contenido, que bebe de forma nada disimulada del concepto argumental visto en The Sixth Sense de M. Night Shyamalan. We Go On tiene la particular virtud de intentar explicar una historia que aunque ya vista en multitud de ocasiones en la gran pantalla no es contada aquí desde una perspectiva algo original, una virtud esta que al mismo tiempo consigue que sus evidentes carencias (presupuestarias o interpretativas principalmente) queden situadas en un segundo término.

https://youtu.be/VURXPtrH7aA

Valoración 0/5: 3

The Unseen

Bob sufre una extraña enfermedad por la cual escoge alejarse de su mujer e hija. Pero cuando su hija se vea envuelta en un secuestro, Bob deberá volver a su pueblo y hacer frente la cruda verdad, pues es portador de una enfermedad que lo está haciendo desaparecer lentamente. Para salvar a su hija será capaz de todo y nada ni nadie podrán detenerlo.

La ópera prima del realizador Geoff Redknap revisita el personaje clásico del hombre invisible pero otorgándole aquí un cariz genérico que puede llegar a confundir por momentos al aficionado del fantástico predispuesto a una visión algo diferente de la que finalmente vemos en el film. Básicamente porque en The Unseen nos encontramos ante drama familiar en donde se incide mucho en una traumática relación paterno filiar, de hecho el elemento fantástico de la invisibilidad (abordada aquí casi a modo de enfermedad degenerativa y principal causa de dicha ruptura familiar) no deja de ser una mera excusa argumental a la hora de abordar un drama de relaciones con alguna que otra endeble deriva que la direcciona ocasionalmente hacia el thriller. The Unseen termina siendo una esforzada película con cierto aroma al cine de los ochenta, poseedora de un acabado técnico bastante pulido y aceptable dado su bajo presupuesto pero que por momentos se ve claramente afectada en su narrativamente por una indecisión genérica a la hora de abordar según que tramos de su historia, una carencia esta que por momentos llega a ser bastante visible.

https://youtu.be/HDJT8sQfF0E

Valoración 0/5: 2

Let Her Out

Tras sufrir un accidente, Helen comenzara a sufrir pesadillas, pequeñas pérdidas de memoria y alucinaciones. Después de una visita al doctor, este le detecta que tienen un tumor benigno que no es otra cosa que restos de su gemela. Este descubrimiento no hará sino que volver más paranoica a Helen que cada vez estará más convencida que su gemela nonata esta junto a ella.

De la mano de la productora  canadiense Black Fawn Films (Bite, Antisocial, The Drownsman) nos llegó  la muy explícita Let Her Out, otro modesto film que se adentra de lleno en el subgénero del denominado body horror movie de la mano del realizador Cody Calahan (Antisocial 1 y 2), una película que aborda la premisa del desdoblamiento de la personalidad (muy a la manera de La Mitad Oscura de Stephen King) a través de ese supuesto e infernal gemelo onírico expuesto en el film desde una perspectiva de claro tono feminista y dotada de una generosa dosis de gore, algo que en cierta manera hacen que el producto sea relativamente disfrutable en lo referente a su total carencia de sutileza en su historia o en no llegar a caer en una posible concesión a la hora de intentar ironizar de alguna manera con su argumento, en Let Her Out no hay lugar para dobles lectura o posibles metáforas, la película no deja de ser una serie B de trayecto muy directo y agresivo, dotada de una saturada visualización provista de una gran cantidad de luz de neón en su puesta en escena, pero también y por muchos momentos muy deslavazada narrativamente y poco compacta en lo que es su conjunto, paradójicamente es ahí en esa deriva cuando de alguna forma la película llega a funcionar como un mero y simple disfrute fan a modo y consonancia con el desvarió mental que sufre la protagonista.

Valoración 0/5: 2

Del 11 al 20 de noviembre está teniendo lugar la 35 edición del festival de Cine de Terror de Molins de Rei, uno de los certámenes de género fantástico más veteranos del país que ha fundamentado sus señas de identidad durante todos estos años en su conocido maratón de 12 horas. En estos últimos años ha habido una voluntad muy palpable por parte del festival de intentar crecer dentro de sus limitadas posibilidades (continua, seguramente para bien, siendo un pequeño evento que funciona en base al entusiasmo casi desinteresado de quienes lo organizan). Entre otras cosas TerrrorMolins ha pasado en estos últimos años a ser miembro de la Federación Europea de Festivales de Cine Fantástico o de tener una sección de largometrajes a competición, del mismo modo en la presente edición se han incrementado los días de duración del certamen a nueve y aprovechando el leitmotiv (mutaciones) de este año y acompañado con las proyecciones de las películas The Fly de David Cronenberg coincidiendo con su 30 aniversario y The Man with the X-ray Eyes de Roger Corman el festival ha tenido para bien el editar su primer libro oficial Puede ser contagioso. Las mutaciones en el cine de género. Una edición la de este año también tiene la novedad de contar con una inauguración y clausura propias, si el próximo viernes 18 se proyectara a modo de cierre el The Neon Demon de Nicolas Winding Refn la apertura de este año corrió a cargo del debut en la dirección de Kurro González La madriguera.

Debido a un suceso trágico, Carlos, un escritor de éxito, pierde las ganas de escribir y se encierra en casa, pero la editorial insiste en que cumpla su contrato. Al verse incapaz de salir de esa situación, su editor decide enviarle a Caterina, una joven ayudante que admira su trabajo. Su presencia hace que Carlos recupere cierto orden, y le empuja a realizar verdaderos esfuerzos para superar los miedos que le paralizan. Carlos ve en Caterina la oportunidad de concluir su novela, y no está dispuesto a dejarla marchar… Nunca.

Hace bien poco hablábamos de Pet segundo trabajo tras las cámaras de Carles Torrens a propósito de su reciente pase por el festival de Sitges, en la presentación previa a la proyección este a modo de curiosa advertencia alertaba al público de no tomarse excesivamente en serio la historia de iban presenciar, posiblemente debido a su muy juguetón guion, La madriguera al igual que el film de Torrens parte de una premisa bastante parecida, el secuestro o rapto expuesto a modo de thriller psicológico bajo una escenificación de claro trazado minimalista, una premisa llevada a cabo en multitud de ocasiones a la gran pantalla y cuya piedra angular seguramente sea la magnífica The Collector de William Wyler. La referencia antes citada al film de Carles Torrens con respecto a La madriguera viene dada en base al posicionamiento diametralmente opuesto entre ambas pese a partir de una premisa casi idéntica, si Pet incidía en el consabido juego entre el gato y el ratón aderezado con un curioso cambio de roles en lo referente a sus personajes la opera prima de Kurro González se decanta más hacia la exposición del retrato de un perfil psicológico en su vertiente más puramente dramática.

No deja de ser meritoria la muy modesta en medios apuesta llevada a cabo por Kurro González y Francisco Conde (actor principal, guionista y productor) en La madriguera un film en donde se apuesta por un retrato de personajes que transitan a través del miedo heredado a través de un hecho traumático y como este actúa como percutor de conductas desviadas, sin embargo es algo visible que en la película hay un conflicto evidente entre su clara apuesta por la dramatización de sus personajes y el generar tensión a través de sus actos, ese posicionamiento en tierra de nadie entre el drama y el thriller en donde se sitúa por momentos La madriguera es muy visible en una narración algo irregular que le cuesta encontrar el ritmo adecuado especialmente en su primera parte. Aun así y pese alguna que otra deriva más La madriguera tiene la particularidad y la ligera virtud y en cierta manera su propia razón de ser en no ser una película al uso de secuestros que incida en lo manido de su trama, algo que la direcciona en la actualidad en ser casi un producto de naturaleza algo atípica, hay una voluntad muy manifiesta en sus responsables en retratar perfiles y comportamientos psicológicos y situarlos en base al uso de un acertado espacio escénico de tono opresivo en detrimento de caer en la tentación de adentrarse en lo gratuito del golpe de efecto argumental , algo muy característico en este tipo de películas, de hecho en las escasas escenas en donde aparece una inevitable violencia se huye conscientemente de visualizar lo explicito, toda una declaración de intereses que de alguna manera e independientemente de su resultado final siempre es un posicionamiento que se llega a agradecer.

Valoración 0/5:2

The Limehouse Golem

Londres, 1880. Una serie de asesinatos sacuden el ya de por sí peligroso distrito de Limehouse, y los vecinos comienzan a conjeturar que tan monstruosos crímenes solo pueden ser obra del Golem. Desesperada, la policía pone al experimentado detective Kildare al frente de la investigación.

Juan Carlos Medina fue el encargado de clausurar la presente edición del festival de Sitges, después de su muy válida opera prima Insensibles 2012 (otra estimulante revisitación en clave fantástica de la guerra civil española) presento la película The Limehouse Golem, su primer trabajo en lengua inglesa que adapta la prestigiosa novela de Peter Ayckroyd Dan Leno and the Limehouse Golem, un film que fundamenta prácticamente sus únicas virtudes en un esforzado diseño de producción a la hora de recrear una lúgubre atmosfera ubicada en el Londres de finales del siglo XIX.

The Limehouse Golem tiene básicamente su razón de ser como un producto de naturaleza algo atípica dado los tiempos que corren, un thriller de época victoriana con ciertas reminiscencias góticas que bebe de la trama detectivesca y que incorpora en su narrativa conceptos genéricos y reverenciales tales como Jack el destripador, el golem, el mítico monstruo surgido de la mitología judía o que su protagonista se llame Lizzie Borden, una premisa en definitiva que no es algo muy habitual de ver hoy en día en el cine, sin embargo este envoltorio ciertamente atractivo expuesto a medio camino entre lo romántico y lo barroco se queda solo en eso, un enunciado provisto de una factura y una puesta en escena ciertamente impecables que no llega a disimular un muy torpe guion a cargo de Jane Goldman que denota una previsibilidad bastante manifiesta a la hora de abordar su conclusión, una película que en definitiva se sitúa en unos barómetros en lo referente a su valía artística bastante limitada, un ejercicio correcto pero desprovisto de esa substancia necesaria a la hora de llegar a trascender.

Valoración 0/5: 2

Voyage of Time

“Voyage of Time” es un documental existencialista sobre la naturaleza, un apasionante recorrido por la historia de la vida, desde su creación hasta día de hoy, con imágenes entre otra muchas cosas más de medusas, embriones de cocodrilo, nebulosas, un enorme cañón en Utah y Ganímedes, la luna de Júpiter.

Terrence Malick dirige su mirada al inicio de los tiempos con el documental Voyage of Time, una exploración de connotaciones más estéticas que informativas y en donde la visión de clara naturaleza poética y cósmica por parte del director norteamericano nos sitúa en una especie de tratado por momentos algo pretencioso acerca de la historia de la vida, que en cierta manera incluso se puede ver como un apéndice documentado y onírico de sus The Tree of Life, To the Wonder y Knight of Cups.

Posiblemente el mayor problema de Voyage of Time radique en la decisión de guiarnos a través de unas palabras que no llegan a estar en a la supuesta altura y trascendencia de sus imágenes ni tampoco del poder hipnótico de sus sonidos dando cierta sensación de que dicho texto hablado existe como un mero anexo o adorno más dentro un hiperbólico decorado, pero también hay un grave problema de fondo en el documental que llega a ser por momentos muy visible a lo largo de todo su metraje, en el podemos apreciar como Terrence Malick lejos de conformarse con ofrecernos un documental de naturaleza sugerente aspira a abarcar todo el concepto de la existencia como tal, con todo lo que ello implica a la hora de situarse en las antípodas de ese sostén narrativo que explora el cine como síntesis de la emoción, es quizás por esta cuestión por lo que los seguidores incondicionales al cine de Terrence Malick se puedan sentir algo decepcionados ante un producto de las características de Voyage of Time, situándose de alguna forma como película- antítesis de la propia inventiva de su autor, ofreciéndonos en esta ocasión un film más diseñado para un público de naturaleza más contemplativo que asociativa, posiblemente desde otra mirada autoral Voyage of Time encontraría de alguna manera su razón de ser, sin embargo proviniendo de alguien como Malick esta denota una falta y una pérdida de ambigüedad en favor de generar un vacío conceptual ciertamente decepcionante por tratarse de quien se trata.

Valoración 0/5: 2’5

Dearest Sister

Nok abandona su aldea en dirección a la gran ciudad. Allí se instala en casa de su prima Ana, recluida a causa de una extraña enfermedad que la está dejando ciega y que también la enfrenta a violentos encuentros sobrenaturales, tras los cuales farfulla una serie de números que anticipan los boletos ganadores de la lotería. ¿Será capaz Nok de enriquecerse a costa del tormento de su prima?

Toda una estimulante sorpresa resulto ser la película Dearest Sister vista en la sección Noves Visions, un film proveniente de una cinematografía prácticamente inexistente como es la de Laos, y que para más inri está dirigido por una mujer, Mattie Do, la primera fémina en dirigir una película en dicho país con su anterior opera prima Chanthaly (2013).

Dearest Sister transita a través del drama mundano de connotaciones realistas en donde nos adentramos en una especie de terror de claro trazado psicológico a través de un hecho fantástico que nos es expuesto en el film casi a modo de MacGuffin. Mattie Do parece más interesada en mostrarnos ese devenir dramático en sus personajes ubicados y reflejados dentro de un significado cultural especifico que en desarrollar ese elemento de género de una forma convencional, y es aquí en donde Dearest Sister valiéndose de una mirada de claro tono femenino gana enteros y en cierta manera su propia razón de ser en lo referente a su condición de producto que nos da una visión genérica un tanto inusual a través de una inquietante narrativa que conjuga historias de fantasmas clásicos fusionados con el folklore local de Laos para ofrecernos un cuento de naturaleza impredecible y por lo tanto especialmente espeluznante en lo referente a sus expectativas,  debajo de esta ghost story nos encontramos ante una interesante exploración de esa intersección entre la cultura occidental y la de Laos, en la películas podemos ver diversos apuntes tales como por ejemplo la complejidad social existente en el hecho de como los hombres blancos se casan con mujeres de Laos o los efectos de la participación empresarial europea en el país. Un terror el expuesto en Dearest Sister plagado de múltiples capas a la hora de abordar y plantearnos una inquietud o un suspense expuestos en el film de una forma tan original como inusual dentro del actual panorama de cine de género.

Valoración 0/5: 3

Arrival

Cuando misteriosas naves espaciales aterrizan en diferentes lugares del planeta, un equipo de élite liderado por la experta lingüista Louise Banks (Amy Adams) es reclutado para investigar. Mientras la especie humana se encuentra al borde de una guerra global, Banks y su equipo buscan respuestas a contrarreloj, y para encontrarlas, Banks correrá un riesgo que podría amenazar su vida y posiblemente a la humanidad.

Había la sensación (algo infundada) de que la primera incursión de Denis Villeneuve en el cine de ciencia ficción podía servirle a modo de preparatoria con vistas al rodaje de la muy ambiciosa Blade Runner 2 como una primera toma de contacto dentro del género fantástico, Arrival, drama adulto de ciencia ficción y adaptación algo libre del relato corto “The Story of Your Life” del escritor Ted Chiang que se pudo ver con anterioridad en los festivales de Venecia y San Sebastián no solo es posiblemente la mejor película vista este año por lo que respecta a un servidor sino que además pone el listón muy alto, quizás demasiado, en lo referente a los futuros trabajos del director franco-canadiense.

Arrival protagonizada por una incuestionable Amy Adams no deja de ser un rotundo triunfo como concepto genérico, ciencia ficción de primer nivel provista de ambiciosas y múltiples tesis, una película fascinante que no nos habla de invasiones extraterrestres sino de reflexiones transcendentales a través de ellas, a medio camino entre el drama psicológico y la ciencia ficción de tono minimalista y tesis existencialista plagado al mismo tiempo de un variado catálogo de ecos al cine de  Kubrick el film nos plantea la celebración de la comunicación como herramienta de claro sostén político-social, indagando de la misma manera en su repercusión a través de la moral y la futura existencial de la humanidad. Denis Villeneuve (maestro a la hora de crear ambientes perturbadores a través del sonido, ojo a esa resolución musical a cargo de Johan Jóhannsson en la primera incursión en la nave extraterrestre) tiene aparte la virtud de no llegar a perder la noción de verosimilitud del relato en ningún momento de la narración, basando su poderosa solidez en la fuerza que otorga las imágenes en relación a los sentidos. Más adelante y con vistas a su futuro estreno comercial el próximo mes de noviembre hablaremos con más detenimiento de esta fascinante obra destinada no solo a ser la mejor película de vista en este 2016 sino a ser una pieza clave y referencial a la hora de entender la evolución de la ciencia ficción en el cine en un futuro.

Valoración 0/5: 4’5

Yoga Hosers

“Yoga Hosers” se centra en dos jóvenes de 15 años de edad, Colleen Collete y Colleen McKenzie que tienen como principales pasiones el yoga y sus móviles y que suelen trabajar después de la escuela en una tienda llamada EH-2-Zed. Las dos chicas despiertan de manera accidental un antiguo mal enterrado bajo la tienda en que trabajan y libera un ejército de monstruos, las Colleen tendrán que unir sus fuerzas con un legendario hombre cazador de Montreal llamado Guy Lapointe para acabar con el enemigo.

Kevin Smith, el antiguo niño mimado del cine independiente norteamericano presento su última película Yoga Hosers, segunda parte de la llamada True North Trilogy, una inclasificable y descontrolada comedia particular y familiar, concepto este entendido no en lo referente al público que va destinado la película sino en el hecho de estar hecho en familia, muy al estilo del inefable Robert Rodriguez con su saga Spy Kids, Yoga Hosers  entra de lleno en ese tipo de cine que da la sensación de que los únicos que se divirtieron con ella fueron los que la hicieron.

Reconozco que nunca he sido un entusiasta del cine de Kevin Smith, ese globo que se desinflo a partir de Dogma ¿alguien se acuerda de ese film?, aunque he de decir que sus anteriores Red State y Tusk me parecieron muy defendibles, dos films que guste o no de esa mirada autoral expuesta por su director reflejaban un interesante intento a la hora de explorar nuevos territorios genéricos. Yoga Hosers se sitúa a medio camino entre un descalabro artístico de difícil justificación y un lúdico y despreocupado paréntesis a modo de atrevida broma tontorrona por parte de Kevin Smith, es harto complicado el tomarse con un mínimo de rigor el intentar desgranar una película de estas características, puede llegar a entenderse parcialmente como una especie de mirada ácida que ridiculiza en parte a la generación snapchat, o una mastodóntica hibridación de conceptos levada su máxima expresión, sea como sea el resultado final que nos ofrece la película está más cerca de la charlotada infantiloide que de cualquier tipo de crítica social en forma de comedia bizarra. Si finalmente uno quiere adentrarse en el imaginario reverencial y underground de Kevin Smith es mucho mejor ver su show televisivo Comic Book Men, mucho más accesible y sobre todo interesante que el despropósito que supone Yoga Hosers como película.

 Valoración 0/5: 1

Prevenge

Ruth está embarazada de siete meses y, como todas las madres, siente una conexión total con su bebé. Pero en su caso hallamos una particularidad: el niño nonato insta a la mujer a matar a todo aquel que se interpone en su camino.

Prevenge, opera prima como directora de la actriz británica Alice Lowe, conocida por esto lares por protagonizar Sightseers de Ben Wheatley, que también se encarga del guion y de la interpretación fue la encargada de clausurar este año la sección Noves Visions (Mencion especial del jurado), una película que transita a modo de versión algo corrosiva del Baby Blood de Alain Robak, una conjugación entre el humor negro y el terror que por momentos funciona de forma liviana en base a un humor algo extraño (que nadie espere ver una versión nonata en clave de terror de Look Who’s Talking) en donde conforme avanza su argumento deviene como algo mucho más oscuro y amargo de lo que en un principio pueda parecer. Prevenge, película modesta donde las haya (11 escasos días de rodaje) posiblemente y en contra de la opinión de muchos que la pudieron ver en Sitges tiene como concepto valido su firme apuesta por lo políticamente corrosivo pero con la habilidad de no llegar a excederse en dicha materia en ningún momento, una película en donde el humor intenta tener algo de trasfondo, esa desmitificación acerca de la maternidad que en su conclusión queda de alguna manera justificada argumentalmente sirve de perfecto ejemplo de todo ello en un film que dada su propia modestia de claro producto de espíritu independiente cumple a la perfección en lo referente a lo que son sus intenciones.

Valoración 0/5: 2’5

Palmares

Sección Oficial Fantàstic Sitges 49ª

Premio Mejor Película: SWISS ARMY MAN, de Daniels

Premio Especial del Jurado: LA AUTOPSIA DE JANE DOE (THE AUTOPSY OF JANE DOE), de André Øvredal

Premio Mejor Dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa): Yeong Sang-ho, por TRAIN TO BUSAN

Premio Mejor Interpretación Femenina: Sennia Nanua, por MELANIE. THE GIRL WITH ALL THE GIFTS

Premio Mejor Interpretación Masculina (patrocinado por Autolica – Mercedes Benz): Daniel Radcliffe, por SWISS ARMY MAN

Premio Mejor Guión: Jeremy Slater, por PET

Premio Mejores Efectos Especiales: Jung Hwang-su, por TRAIN TO BUSAN

Premio Mejor Fotografía: Hong Kyung-pyo, por EL EXTRAÑO (THE WAILING)

Gran Premio del Público (patrocinado por La Vanguardia): THE HANDMAIDEN, de Park Chan-wook

Premio Mejor Cortometraje Sección Oficial Fantàstic

CURVE, de Tim Egan

Mención especial a LIMBO, de Konstantina Kotzamani

Premio José Luis Guarner (Jurado de la Crítica)

THE NEON DEMON, de Nicolas Winding-Refn

Premio Citizen Kane a la Mejor Dirección Novel

Julia Ducournau, por GRAVE (CRUDO)

Premio Jurado Carnet Jove a la Mejor Película

GRAVE (CRUDO), de Julia Ducournau

Menciones especiales a THE LURE, d’Agnieszka Smoczynska y SWISS ARMY MAN, de Daniels

Noves Visions ONE

UNDER THE SHADOW, de Babak Anvari

Mención especial a PREVENGE, de Alice Lowe

Noves Visions PLUS

A DRAGON ARRIVES, de Mani Haghighi

Mención especial a ARE WE NOT CATS, de Xander Robin

Premio Mejor Cortometraje Noves Visions Pequeño Formato: LA FEMME ET LE TGV, de Timo Von Gunten

 Panorama Fantàstic

I AM NOT A SERIAL KILLER, de Billy O’Brien

Òrbita

LO CHIAMAVANO JEEG ROBOT, de Gabriele Mainetti

Focus Àsia

EL EXTRAÑO (THE WAILING), de Na Hong-jin

Mención especial a DEAREST SISTER, de Mattie Do

Anima’t

Premio Mejor Película: YOUR NAME, de Makoto Shinkai

Premio Mejor Cortometraje: DARREL, de Marc Briones y Alan Carabantes

Midnight X-Treme

IT STAINS THE SANDS RED, de Colin Minihan

Brigadoon

ARCANA, de Jerónimo Rocha

Méliès d’Argent

Premio Mejor Película Europea SOFC 49: GRAVE (CRUDO), de Julia Ducournau

Premio Mejor Cortometraje Europeo SOFC 49: DAWN OF THE DEAF, de Rob Savage

Blood Window

1974, de Victor Dryere

Premis SGAE Nova Autoria

Premio Mejor Guión: EN LA AZOTEA, de Miguel Casanova y Damià Serra

Premio Mejor Direcció-Realització: CABEZA DE ORQUÍDEA, de Violeta Blasco, Germán Andrés López, Carlotta Napolitano, Angélica Sánchez y Claudia Zegarra

Premio Mejor Música Original: ROGER, de Jan Fité

Premio IV Laboratorio de Escritura de Guión Cinematográfico: LOS INVITADOS, de Carla Guimarães

The Neon Demon

Jesse es una chica que llega a Los Angeles, California, para hacer su sueño realidad: convertirse en supermodelo. Pero su juventud y belleza despertará al demonio, y se verá atrapada en un peligroso mundo de envidias y celos en el que las modelos están dispuestas a todo para triunfar.

Posiblemente si ha habido una película este año que haya  generado un mayor debate acerca de su supuesta valía artística esta ha sido sin lugar a dudas The Neon Demon, el nuevo film de Nicolas Winding Refn que al igual que su anterior y por lo respecta a un servidor su mejor película hasta la fecha Only God Forgives fue vilipendiada en la pasado edición del festival de Cannes por parte de la prensa, algo que en parte se veía venir si uno conoce mínimamente los parámetros críticos que suele haber en el festival francés, un colectivo que parece seguir empeñado en direccionar la carrera de Nicolas Winding Refn en base a un film como Drive, incapaces de darse cuenta que este trabajo no deja de ser una anomalía (muy comprensible) en la trayectoria del director danés.

En cierta manera Sitges si que supo apreciar de algún modo los paramentos visuales y estéticos en los que se fundamenta la creatividad cinematográfica de Nicolas Winding Refn muy presentes en The Neon Demon (premio de la crítica), pedir algo más dentro del palmarés oficial con Mick Garris y Brian Yuzna como jurado quizás hubiese sido algo excesivo aunque para nada extraño, no hace falta ser ningún genio para darse cuenta de que el cine de Nicolas Winding Refn es mucho más afín en concepto a un certamen como el de Sitges que a cualquier otro festival de categoría A. The Neon Demon es un muy perverso y macabro cuento de hadas adulto, expuesto en forma de deslumbrante viaje visual acerca de la corrupción de la inocencia en base a los cánones actuales de la belleza y que sirve al mismo tiempo como una clara metáfora a modo de reflexión sobre el carácter efímero de tal concepto, un  viaje pausado y de clara espiral onírica hacia lo más oscuro que anida dentro del ser humano y en donde como viene siendo habitual en su director la metáfora y estética van cogidas de la mano en una película en donde se acrecienta la sensación por parte de Nicolas Winding Refn de un alejamiento cada vez más palpable con respecto a un naturalismo estructural, un posicionamiento que aquí vuelve a apostar por una estilización radical de la narración visual y sonora en clara contraposición a cualquier otra forma de elaboración con respecto a la construcción del relato, The Neon Demon sublima la realidad y posee al mismo tiempo un catálogo de imágenes crudas, estilizadas e hipnóticas que se regodean y devoran entre ellas mismas, muy a semejanza de esas modelos completamente obsesionadas por ser las más bellas del lugar. The Neon Demon no es un producto de estética vacua y mensaje superficial como sistemáticamente sus detractores se empeñan en afirmar de forma muy repetitiva, todo lo contrario, estamos ante un film que termina siendo un inmejorable vehículo por parte de un director que en esta ocasión ha podido modelar a su pleno antojo para poder dar rienda suelta a sus mejores habilidades como autor, un autor en donde la imagen como primigenia expresión artística deviene como totalmente primordial.

Valoración 0/5: 4

Operation Avalanche

Estamos en 1967, y la Guerra Fría está caliente, caliente, con la carrera espacial como punta de lanza. La CIA cree que un espía ruso se ha infiltrado en la NASA para sabotear el programa Apollo, y tienen la “brillante” idea de mandar a unos agentes del departamento de audiovisual para que se hagan pasar por documentalistas y desenmascaren al topo. Lo que descubrirán, sin embargo, será algo mucho peor.

Segunda película como director del norteamericano Matt Johnson tras su muy estimable The Dirties, un film en donde se exponía una muy curiosa perspectiva alrededor del bullying aplicado al cine como herramienta disociativa, en  Operation Avalanche vuelve a incidir en el  falso documental o en el supuesto metraje encontrado denominado found footage aunque posiblemente la catalogación de mockumentary sea más acorde con el film, en esta ocasión en base a una interesante por momentos premisa acerca de la hipótesis desarrollada según la cual el hombre nunca llegó a la Luna.

Hablando hace bien poco a propósito de Blair Witch señalábamos el claro agotamiento formal del recurso del found footage aplicado a un cierto tipo de cine de terror, un género que en estos últimos años se ido agotando hasta límites insospechados dicho recurso cinematográfico, afortunadamente hay otros géneros aun no explotados de forma tan masiva como el antes citado, Matt Johnson al igual que en su anterior The Dirties utiliza tal recurso en esta ocasión para adentrarse en la fabulación de un hecho real a través de un tono conspirativo y en base a un concepto casi de leyenda urbana a medio camino entre el thriller, el cine de espías  y unos apuntes de comedia intermitentemente incrustados, curiosamente lo mejor que funciona en Operation Avalanche es ese ensamblaje genérico que en ningún momento da la sensación de chirriar, aparte hay un trabajo de referencias (plasmando perfectamente en el clima social y de paranoia reinante a finales de los 60 e incidiendo en la mitología con una curiosa e impagable aparición de Stanley Kubrick )y un manejo de recursos por parte de Matt Johnson muy a tener en cuenta (alternando notablemente el formato de grabación de tono granulado con imágenes de archivo), lástima que a la película le falte un paso, esa sensación de producto de lujoso e interesante envoltorio pero cuyo estructura interior no acaba de funcionar en toda su plenitud, aquí muy visible en lo referente un argumento que llegados a un punto se agota incapaz de mantener el ritmo narrativo aplicado hasta ese momento. Aun con estas evidentes derivas Operation Avalanche es un producto de lo más disfrutable, pero sobre todo nos encontramos ante un autor de talento inquieto y lo que es más importante dotado de un ingenio que a falta de pulir otras facetas se muestra a día de hoy de lo más prometedor en un futuro esperemos que no muy lejano.

 Valoración 0/5: 3’5

Without Name

Eric es un topógrafo que no está pasando por el mejor de los momentos: su matrimonio está fracturado, y su hijo apenas le reconoce. Quizá por eso, no duda en aceptar el encargo de un misterioso cliente. En medio del bosque, Eric está a punto de descubrir un secreto que nadie quiere reconocer.

La arriesgada cinta irlandesa Without Name, opera prima de realizador Lorcan Finnegan presentada en Noves Visions volvió a ser (como viene siendo costumbre dentro de dicha sección) una perfecta muestra de ese tipo de películas de costuras genéricas visiblemente ambivalentes, en donde su puesta en escena a través de la creación de una atmosfera y ambiente de raíz densa y su utilización del sonido devienen como herramientas claves a la hora de construir un relato de claro tono metafísico.

Without Name nos habla básicamente de una metamorfosis, o de cómo intentar generar tensión a través de ella, una cinta que transita en los parámetros de un supuesto terror ecológico aquí representado bajo la apariencia de un bosque en donde  vemos como este se alimenta de la ansiedad vital del protagonista, un hombre de mediana edad que está atravesando una crisis familiar y social bastante aguda, es en su contacto con la naturaleza cuando esta devenga como un ente de connotaciones evolutivas.  Without Name termina siendo una película muy poco dada a racionalizar una narración digamos convencional, de ritmo extremadamente plausible Lorcan Finnegan nos propone un discurso de naturaleza muy ambigua, quizás demasiada, un tipo de cine en donde lo estrictamente sensorial cobra una vital importancia a la hora de desgranar las bases en las que supuestamente se sustenta. Uno tiene la sensación final de estar ante una película atractiva pero que no acaba de posicionarse de una manera clara con respecto a lo que son sus intenciones, evidentemente no es un film de terror al uso, más bien todo lo contrario, Lorcan Finnegan parece querer explicarnos una historia contada de algún modo al revés en donde el elemento fantástico actúa a modo de resolución ante los problemas reales ya desde un principio, lástima que en su trayecto Without Name opte por una narrativa de tono demasiado ambiguo, algo difusa y de muy difícil digestión para según qué públicos, algo que en cierta manera la lastra a un conclave excesivamente minoritario e incluso excluyente a la hora de poder abordarla de una forma más direccionada a la racionalidad.

Valoración 0/5: 3

Three

Durante una noche confluyen diversas historias en un hospital: un sospechoso detenido que se niega a declarar ante la policía, un hombre que afronta una operación crucial, un hombre que ha quedado malparado tras una operación, un jubilado con ganas de escapar por el hospital, etc. Una doctora es testigo y partícipe de todas estas historias.

Esta edición del festival de Sitges ha tenido para bien el volver a contar con dos películas de la mítica Milkyway, por un lado la estimable Trivisa dirigida a tres bandas por Jevons Au, Vicky Wong, Frank Hui, y por otro el film que aquí nos ocupa, Three, la vuelta del maestro Johnnie To al thriller de acción, aunque en este caso una acción muy estilizada y algo esporádica (de echo solo visible en una única escena, eso sí, majestuosa) todo ello adornado con un peculiar y esporádico tono de tragicomedia que impregna todo el relato.

No deja de ser curioso el hype festivalero (en Sitges siempre muy presente) que a según qué realizadores se les suele otorgar de manera algo caprichosa, hará unos diez años había una necesidad casi perentoria de colocar a Johnnie To en un primerísimo plano, films como Breaking news, Election, Exiled o Mad Detective entre otras lo justificaban de una forma muy lógica, sin embargo en los últimos años esta corriente crítica de reivindicación y elogio se ha ido misteriosamente apagando, también es verdad que el director hongkonés no ha incidido mucho en el thriller en estos últimos tiempos pero no deja de ser curioso que sus magníficas Vengeance y Drug War no hayan tenido un mayor eco, todo esto viene a colación con la escasa repercusión (prácticamente ha pasado desapercibida) que ha tenido en Sitges una película como Three, quien lo hubiera dicho hace diez años.., evidentemente un autor de la talla de Johnnie To está muy por encima de estas estúpidas corrientes hype de festivales, Three posiblemente sea un título algo menor en la carrera de To, aunque claro una obra menor dentro de su filmografía, algo que no impide que seguramente estemos ante el mejor film hongkonés del año.

Three no deja de ser una laboriosa pieza de orfebrería cinematográfica, Johnnie To nos propone un juego en el que se van colocando todas sus fichas de forma parsimoniosa hasta llegar a ese instante final en el que todas ellas quedan perfectamente alineadas, en un film ubicado en un único escenario (al igual que en su anterior y magnifica Office), planteándonos una virtuosa construcción del espacio casi a semejanza de una obra teatral, y utilizando el exterior casi como un concepto de abstracción no presente dentro de la acción propiamente dicha. Three es una película hecha con oficio por parte de un maestro que en esta ocasión parece sustentarse en un argumento algo clásico en donde la tensión es el combustible de una narrativa que busca de ese instante tan característico en las películas de su director,  visible en Three en la majestuosa escena del tiroteo final rodada con una maestría al alcance de muy pocos realizadores.

Valoración 0/5: 4

Le complexe de Frankenstein

Desde sus orígenes a la revolución digital, el cine siempre ha creado monstruos. Le Complexe de Frankenstein es un viaje a lo largo de un siglo de imaginación. Con suculentas entrevistas y con material exclusivo de películas como Gremlins o Parque Jurásico, el documental explora el inquebrantable vínculo entre las criaturas y sus creadores, auténticos doctores Frankenstein del séptimo arte.

Otro de los documentales que se pudieron ver este año en Sitges fue Le complexe de Frankenstein a cargo de Gilles Penso y Alexandre Poncet que anteriormente ya habían incidido en el documental cinematográfico con su reverencial y en mi opinión más conseguida Ray Harryhausen: Special Effects Titan. Le complexe de Frankenstein es un ameno trabajo de manual explicativo, relativamente disfrutable, en donde nos narra la creación cronológica de los monstruos más representativos en la historia del cine y por ende la evolución del maquillaje y del efecto especial dentro del fantástico, desde sus inicios hasta día de hoy con la irrupción y asentamiento del efecto digital dentro de la industria. Posiblemente el mayor problema de un documental de estas características sea que aborda un temario tan extenso que a uno le queda la sensación de haber asistido a solo una parte de dicho tratado, como ejemplo demostrativo me remito a la nómina de entrevistados que aparecen en Le complexe de Frankenstein, aunque algo generosa en número insuficiente pues evidentemente faltan nombre importantes (sin ir más lejos no vemos en ningún momento a Tom Savini entre otras muchas ausencias), teniendo uno al final una cierta impresión de estar más antes una especie de esbozo convencional de tono algo liviano en lo referente a su exposición más que ante un trabajo de estructura concluyente.

Valoración 0/5: 2

La región salvaje

El sexo y el amor pueden resultar frágiles en ciertas regiones donde existen fuertes valores familiares, hipocresía, homofobia y machismo. Una misteriosa joven está convencida de que algo sobrenatural podría ser la respuesta a todos sus problemas…

Tras su merecido premio como Mejor Director en el reciente festival de Venecia y su pase por el festival de San Sebastián el mejicano Amat Escalante presentaba la esperada La región salvaje, una rompedora y muy particular incursión en el género fantástico que transita a través de la realidad mexicana por parte de uno de los principales talentos del llamado nuevo cine latinoamericano.

La región salvaje utiliza al igual que lo hacia Possession de Andrzej Zulawski (con la que guarda unos inequívocos y muy interesantes puntos de conexión) la metáfora social dentro del género fantástico para incidir el devenir en esta ocasión del relato de un país en pleno proceso de autodestrucción moral, un conclave territorial plagado de carencias afectivas y sexuales, en el film todo esto llega a ser expuesto de una manera alienante, como casi de una autoral sci-fi sexual se tratase Amat Escalante prescinde en esta ocasión del hiperrealismo tan característico visto en anteriores trabajos suyos para exponer en modo genérico las pulsaciones más primarias del ser humano dentro de un contexto determinado, un monstruo de tentáculos fálicos venido del espacio es utilizado como ente liberador y al mismo tiempo castigador de los males de una sociedad visiblemente enferma, la hipocresía, homofobia, misoginia o machismo son síntomas inequívocos de la oscura realidad mexicana de hoy en día, aquí vistos a través de un doble juego de espejos en donde el realismo social de la urbe choca frontalmente con el elemento fantástico e incluso fabulario del bosque, más adelante y con más tiempo volveremos a hablar con más detenimiento de esta arriesgada y fascinante obra, para el que suscribe esto una de las películas más ambiguas y rompedoras del presente curso.

Valoración 0/5: 4

The Stakelander

La pesadilla de Stake Land sigue en esta secuela, escrita por el mismo guionista que la original. Tras la desaparición de su mentor, Martin debe seguir su lucha por la supervivencia en una América salvaje y llena de vampiros. Nada detendrá al protagonista, decidido a encontrar al único hombre que puede ayudarle a obtener la venganza que tanto desea.

Desangelada continuación del título vampírico de cierto culto titulado Stake Land (2010) a cargo de Jim Mickle, un curioso film en donde se abordaba la temática del vampiro como concepto de plaga desde una visión post-apocalíptica de curioso tono contemplativo poseedor de unos atípicos apuntes sociales –religiosos poco habituales en este tipo de películas, The Stakelander sigue en parte el enunciado de esta premisa aunque sin la misma que frescura y soltura que su predecesora, de echo uno tiene la sensación de estar ante una película que solo tiene su principal razón de ser como un concepto continuista no desarrollado de forma convincente de su original, y poco más, no basta con aplicar una fórmula que en parte funciono (solo a un nivel meramente minoritario dicho sea de paso), se requiere de algo más, la sensación de estar ante un producto rutinario, por momentos aburrido (lo peor que le puede pasar a un producto de estas características) e incluso de naturaleza inesperada está presente a lo largo de todo el metraje de una película que deviene como algo completamente innecesario.

Valoración 0/5: 1’5

Daguerrotype

Jean empieza a trabajar como ayudante de un fotógrafo obsesionado con el arte arcaico de los daguerrotipos y atormentado por la muerte de su esposa, cuya presencia aún se nota entre las sombras.

El gran Kiyoshi Kurosawa que en la sección oficial presentaba la extraordinaria Creepy estuvo por partida doble en el certamen con otro trabajo, su no menos excepcional Le Secret de la Chambre Noir (Daguerrotype) vista en la sección Noves Visions, el primer trabajo a cargo del director nipón que realiza fuera de su Japón natal (de alguna manera su mediometraje Seventh Code le sirvió de toma de control ante esta inmigración autoral) y en donde nos ofrece su trabajo posiblemente más clasista, de claro componente melodramático y poseedor de un sutil y comedido elemento fantástico expuestas a través de unas coordenadas de claras influencias Hitchcockorianas en especial de la fundamental Vertigo.

En la exquisita Daguerrotype (uno de los mejores films vistos este año en Sitges) no hay rastro de cualquier tipo de pérdida de identidad propia en el discurso autoral que nos suele proponer Kiyoshi Kurosawa, más bien da la sensación de todo lo contrario, pocas veces en los últimos años se ha podido ver en cine una ghost story de un estilo tan sutil, elegante y comedido como el que se muestra Daguerrotype, un film plagado de innumerables matices a la hora de abordar un relato en donde lo gótico y el romanticismo de connotaciones obsesivas se funden a través de un tratado narrativo que termina derivando acerca de la alienación contemporánea que sufre el ser humano expuesto en la película a modo de esa confrontación tan habitual en el cine de Kiyoshi Kurosawa que bascula entre lo fantasmagórico y lo real, aquí alcanzando cuotas tan hipnóticas como indivisibles en lo referente a la textura de ambos conceptos. Daguerrotype cobra una dimensión ciertamente turbadora a través  de escenarios en apariencia comunes (un suburbio francés en la actualidad) y a la hora de plantear diversas y muy variadas dicotomías cinematográficas, en definitiva una nueva exquisitez por parte de un autor único que a cada nuevo trabajo suyo consigue sorprender en base a la exposición de estimulantes y sofisticados contrastes genéricos solo al alcance de un genio como Kiyoshi Kurosawa.

 Valoración 0/5: 4   

Swiss Army Man

“Swiss Army Man” nos cuenta la historia de Hank, un náufrago atrapado en una isla desierta que justo cuando ha perdido cualquier esperanza de volver a casa y encontrarse al borde del suicidio encuentra en la orilla de la playa el cadáver de Manny, un cuerpo sin vida con el que inesperadamente entabla una fuerte relación de amistad. Juntos inician una extraña aventura con la que Hank espera reencontrarse con la mujer de sus sueños.

Swiss Army Man, opera prima de Dan Kwan y Daniel Scheinert se alzó con el premio a la Mejor película y a la Mejor Interpretación Masculina para Daniel Radcliffe (aunque si dicho galardón hubiera recaído en Paul Dano a nadie le sorprendería en lo más mínimo) en la presente edición del festival de Sitges, una comedia indie con elementos anómalos en donde la anécdota escatológica de su premisa sirve como mera excusa a la hora de plantear mediante un ingenioso trazado narrativo un trasfondo emocional mucho más profundo de lo que en apariencia pueda parecer.

Es evidente que en estos últimos años ha habido una clara factura con respecto a seguidores y detractores de ese nuevo cine fantástico cada vez más presente en Sitges, en su mayoría cine independiente norteamericano muy característico del festival de Sundance que indaga en el género de manera algo conceptual, un tipo de cine tachado por algunos como hipster de manera algo despectiva, una tendencia que en parte choca de frente con respecto a ese otro tipo de cine más diáfano en lo concerniente a sus propuestas, nunca he sido partidario de la catalogación genérica, es mas siempre he sido favorable a la apertura de nuevos horizontes y nuevas formas de expresión cinematográficas dentro del fantástico, en cierta manera nunca he llegado a entender del todo el por qué no puede gustar de la misma manera tanto la última película de Rob Zombie como el cine Shane Carruth por ejemplo.

Swiss Army Man no es una historia de necrofilia, más bien transita a medio camino entre el lirismo y la ambigüedad a través de un viaje de autodescubrimiento plagado de elementos absurdos y poco convencionales, deviniendo de forma clara como claro exponente de ese tipo de cine al que me refiero más arriba, una película que incide en la aceptación y la realización personal a la que se llega a través de una relación casi fraternal, en este caso expuesto en forma de la peculiar interrelación del protagonista con un cadáver, un tratado acerca de la importancia de la vida como tal y el por qué merece la pena el seguir luchando por ella. Swiss Army Man tiene entre otros atributos un excelente empleo musical que queda fusionado de forma adecuada a una narrativa por momentos impredecible, algo que confirman a la opera prima de Dan Kwan y Daniel Scheinert como ese tipo de notables films impregnados de un realismo mágico direccionado a la reflexión social y moral de sus protagonistas, una singular y por momentos brillante propuesta en donde importa mucho más el trayecto que su propio destino.

Valoración 0/5: 3’5

Shelley

“Shelley” nos cuenta como Louise y Kasper son una pareja danesa que viven en una casa de campo en medio del bosque, lejos de la vida moderna, la tecnología e incluso la electricidad. El mayor sueño de Louise es ser madre, pero ella no tiene la capacidad de tener hijos. En su desesperación, finalmente decide hacer un pacto con su sirvienta Elena, que acepta llevar al hijo de Louise como madre de alquiler a cambio de una gran suma de dinero. Pero la vida que crece en su interior toma forma demasiado rápido y de una manera extraña, a partir de ese momento la paranoia y el horror rondarán el inminente nacimiento.

Shelley, producción danesa y opera prima Ali Abbasi es una nueva muestra del variado y muy sugerente muestrario del actual fantástico autoral proveniente de Europa, un film que se sitúa en las antípodas de lo que mucha gente pueda llegar a entender que representa el género de terror en la actualidad, es por eso que convendría (no tendría que ser así ni mucho menos) avisar al espectador despistado que no estamos ni de lejos ante una simple variante del Rosemary’s Baby de Roman Polanski, ni siquiera ante una película de terror al uso con embarazo-parto maléfico como principal premisa argumental (Baby Blood de Alain Robak, Grace de Paul Solet o la más famosa en dicha temática It’s Alive de Larry Cohen por poner solo algunos ejemplos que me viene a la cabeza a bote pronto), Shelley opta por una senda totalmente diferente, una vía rica en matices, y lejos de cualquier tipo de convencionalismos genéricos, una naturaleza arquetípica la nos muestra Ali Abbasi en su primer trabajo tras las cámaras que llegan a situar al film como una de las sorpresas más agradables del presente año.

Las principales virtudes que encontramos en Shelley podemos encontrarlas en dos apartados que aunque muy diferenciados entre sí en lo que es su percepción final se complementan casi a la perfección, por un lado asistimos al laborioso y notable trabajo técnico por parte de Ali Abbasi, haciendo especial hincapié en una dirección artística que prioriza una enrarecida atmósfera por encima de cualquier otro aspecto en el film, pues estamos ante una película que perturba e insinúa más que asusta en el sentido más chabacano de la palabra, teniendo la virtud añadida de sustentarse sobre un guion o una premisa principal muy poco sutil en su enunciado, en este aspecto es digno de alabar la notable utilización de espacios como ente opresor de sus protagonistas (esplendidas tanto Ellen Dorrit Petersen que ya habíamos visto en la excelente Blind como Cosmina Stratan), su gélida fotografía y la utilización del sonido, o la falta de él, son solo algunos de los acertados mimbres que se utilizan para incomodar al espectador dejando lo supuestamente explícito en la vertiente onírica del film, apartado este quizás utilizado de manera algo repetitiva, y por otro lado tenemos esa dualidad genérica de contornos conscientemente ambiguos que se nos plantea muy hábilmente durante la película, ¿hay realmente un elemento de índole fantástica en la historia o todo es fruto de la imaginación de algunos de los protagonistas?, en este aspecto es digno de albar la dirección que toma el film, pues aunque se sustenta sobre unas normas genéricas bastantes reconocibles la capacidad que hace gala Ali Abbasi a la hora de reinventar la historia de manera constante es del todo admirable.

El resolutivo plano final a modo de perverso cuento de horror que vemos en Shelley sirve como un inmejorable y aterrador broche de oro final al film, lejos de un posible mensaje críptico lo que nos cuenta Ali Abbasi es la doble vertiente perversa de la historia, de forma muy llana, por una parte la fantástica que ya habíamos podido intuir-sospechado en prácticamente todo el metraje del film, y por otro lado y no menos terrorífica la meramente humana, más retorcida si cabe y que se nos muestra de forma concluyente en esa última escena (aquí y salvando las lógicas distancias habidas y por haber toma como modelo referencial en su concepto esa obra maestra de Jack Clayton que es The Innocents). Shelley al igual que esa maravilla que pudimos ver el pasado año como es el Demon del malogrado Marcin Wrona pertenece por derecho propio a ese tipo de cine fantástico autoral proveniente de Europa, rico en múltiples y ambivalentes matices, tanto a un nivel metafórico como conceptual, en definitiva toda una sorpresa que nos remite a seguir con sumo interés la futura carrera como director de Ali Abbasi.

Valoración 0/5: 4

Dragon Girls! Les amazones pop asiatiques/ Plan B

Tigre y dragón presentaba una nueva imagen de la mujer asiática, guerrera e insumisa. Estas nuevas amazonas ocuparon otros territorios de la cultura pop, como el rock, los videojuegos o la moda, armadas con espadas o con guitarras eléctricas. De Pekín a Taipéi, pasando por Tokio, el realizador Yves Montmayeur ha entrevistado a algunas de las “dragon girls” más icónicas.

Muy irregular este año ha resultado el nivel medio de documentales vistos en Sitges, aunque ha habido trabajos notables como han sido De Palma, David Lynch: The Art Life, Tickled o The Sion Sono uno ha echado en falta trabajos que estaban ahí, dentro de una producción cada vez más fecunda e interesante a día de hoy y que por algún que otro motivo no se han podido verse este año en el festival. Si en la pasada edición Yves Montmayeur presento la muy estimulante The 1000 Eyes of Dr Maddin este año patino sobremanera con Dragon Girls! Les amazones pop asiatiques, insuficiente trabajo que tiene más condición de anexo que de documental como tal, un producto que apenas llega a la hora de duración en donde se nos intenta explicar el papel actual y pasado de la mujer asiática dentro de la cultura pop con especial incidencia en el cine. A Yves Montmayeur le viene grande un temario a priori tan extenso y que da para tanto, hay una falta de profundidad muy evidente pero sobre todo una errónea exposición a la hora de intentar diseccionar dicha evolución. Mucha entrevista y muy poco material de archivo, pero sobre todo una ausencia muy evidente en lo referente a los orígenes del concepto que se quiere desgranar, para más inri toda la primera parte del documental da la sensación de estar provisto de descartes del dvd de Crouching Tiger, Hidden Dragon de Ang Lee en base a las entrevistas Michelle Yeoh y Zhang Ziyi.

Valoración 0/5: 1’5

En plan B vemos como tres expertos en artes marciales se embarcan en la búsqueda de un tesoro que les permita salvar a un amigo de las garras de un gángster sin escrúpulos. Pronto se verán inmersos en una compleja conspiración que tiene como objetivo acabar con el capo de los bajos fondos berlineses.

A modo de necesario complemento al fallido documental de Yves Montmayeur se proyectó la desinhibida película alemana Plan B realizado a cuatro manos por parte de Ufuk Genç y Michael Popescu, una serie B de esforzadas artes marciales y comedia de claro tono intrascendente, un film que entra de lleno en esa especie de vorágine de revival del cine y concepto de los ochenta, en esta ocasión un modesto intento de homenajear al cine de acción de aquellos tiempos, especialmente el hongkonés, bordeando la  autoparodia aunque no sabemos si de forma voluntaria o no, en un producto que solo puede llegar a ser disfrutable en cierta manera a partir de una concreta mirada bastante pusilánime con respecto a lo que se nos llega a ofrecer.

Valoración 0/5: 2

O Ornitólogo

Fernando decide enfrentarse a la naturaleza contaminada de Tras-os-Montes en busca de cigüeñas negras, una especie en vías de extinción. Mientras observa a estos animales salvajes a bordo de su canoa, vuelca debido a los rápidos.

La sección Seven Chance dio la oportunidad de poder ver el nuevo y extraordinario trabajo (su más ambicioso hasta la fecha) del realizador portugués João Pedro Rodrigues O Ornitólogo, premio al mejor director en el pasado Festival de Locarno, un film inspirado libremente en la vida de San Antonio de Padua (figura fundamental y omnipresente dentro de la sociedad y la cultura portuguesa), una de las propuestas más brillantes y radicales de las vistas este año en Sitges, todo ello bajo la apariencia de un catálogo de clara naturaleza  contemplativa que transita a partes iguales entre lo inclasificable y lo fascinante a través de un viaje en donde la realidad y la espiritualidad mutan de forma insólita.

João Pedro Rodrigues, figura destacada de la hornada del nuevo cine portugués nos remite con O Ornitólogo a ese tipo de cine impregnado de belleza y sencillez de la que se suelen fundamentar las fabulas, vemos como el protagonista sufre un accidente de canoa, a partir de ese momento los contornos de civilización se irán desdibujando hasta encontrándose con la presencia de una serie de personajes a cual más extraños visiblemente entregados a un comportamiento plenamente selvático en donde tienen cabida desde peligrosos rituales paganos, animales sagrados, turistas chinas de comportamiento sectario haciendo el Camino de Santiago y otros seres de naturaleza mitológica que irán cuestionando poco a poco su propio sentido de la religiosidad. Un viaje iniciático el expuesto por parte de João Pedro Rodrigues que bascula principalmente mediante la metamorfosis y la propia necesidad de una imperiosa búsqueda de la espiritualidad, pero seguramente la mayor virtud entre otras de O Ornitólogo sea esa confusión y surrealismo notablemente impregnada de fantasía y sentido del humor con que nos es contada una historia que termina derivando al final en una lúcida reflexión acerca de nuestra propia identidad.

Valoración 0/5: 4

Terraformars

Basada en el manga homónimo creado en 2011 por la pareja creativa Yu Sasuga (guionista) y Kenichi Tachibana (dibujante). En pleno siglo XXI, la humanidad decidió empezar el proceso de terraformación de Marte, y para ello se envió una nave con musgo y cucarachas para que poblaran el planeta y generasen una atmósfera respirable por los seres humanos. Pasados 500 años, 15 personas seleccionadas entre lo peor de lo peor de la sociedad son enviadas al planeta rojo con un objetivo: eliminar a todas las cucarachas, las cuales han evolucionado hasta convertirse en humanoides con una fuerza y agilidad extrema, además de un odio visceral hacia los seres humanos. Para poder llevar a cabo la misión los 15 exterminadores recibirán una pequeña ayuda: su ADN es modificado, ganando cada uno de ellos el poder especial de un insecto determinado que les ayudará en su lucha contra las cucarachas marcianas.

La ración anual tan característica de Takashi Miike en Sitges (que presento la película aprovechando su estancia en la localidad en donde rueda su nueva película JoJo’s Bizarre Adventure: Diamond is Unbreakable) vino de la mano de Terraformars, un lujoso live action en donde adapta el manga obra de Yu Sasuga y Kenichi Tachibana.

En parte el gran problema de Terraformars es la fuerte apuesta por parte del directo nipón a la hora de adaptar un texto que a los no conocedores del manga les puede despistar sobremanera e incluso derivar en una posible saturación de contenidos, aquí no hay puentes posibles en intentar occidentalizar de alguna manera el producto, Terraformars es pura sci-fi de acción dotada de gran cantidad de CGI, a medio camino entre el Starship Troopers de Paul Verhoeven y una versión barroca y excesiva de Power rangers  Terraformars convierte en parte sus nada disimulados excesos y su imposible hibridación de géneros en su principal virtud y por consiguiente en su propia razón de ser. Hace tiempo que Takashi Miike dejo esa extrema vena autoral de pocos recursos económicos con la que se dio a conocer, sigue siendo un autor que está abierto a cualquier tipo de propuestas aunque desde una perspectiva algo diferente en lo referente a sus formas, no deja de ser una evolución de estilo conceptual ahora más dirigido a otro tipo de productos, adaptando todo tipo de mangas y animes e incluso adentrándose en la reinterpretaciones de clásicos del cine japoneses ( ahí están sus muy notables 13 assassins, Harakiri y Over Your Dead Body), unos trabajos que de alguna manera siguen siendo plurales en concepto por parte de un autor tan inclasificable para lo bueno y lo no tan bueno como es Takashi Miike.

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