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D’A 2020: Nocturnal/Oleg
Otras de las cintas con presencia en el palmarés del D’A 2020 fue Nocturnal, debut en el largometraje de la realizadora Nathalie Biancheri en donde se nos expone un drama intergeneracional de evidentes texturas urbanas contada a través de una relación entre dos personas de apariencia completamente antagónicas. En Nocturnal vemos como Lauren, una cínica y joven estudiante, alimenta una amistad en un principio secreta con Pete, un hombre algo más mayor que está aparentemente obsesionada con ella. Entre ambos surgirá una extraña relación amorosa que dará lugar a diversas salidas nocturnas bañadas de alcohol, éxtasis y varias estancias en la playa o en paisajes de extrarradio.
De alguna forma la opera prima de Nathalie Biancheri transita a través de conceptos muy reconocibles dentro de ese amplio subgénero denominado coming of age que en esta ocasión terminara derivando en una suerte de redención, en cierta manera no deja de ser un reverso de dicho tratado destinado normalmente al personaje adolecente que aquí es trasladada al personaje adulto, a tal respecto en Nocturnal conviven dos películas en una, una primera parte en donde el espectador, al igual que el personaje adolecente, no sabe a ciencia cierta la intención o la finalidad de una relación cuyo único punto en común entre sus dos integrantes es la condición de outsiders de ambos y el déficit de atesorar serias dificultades a la hora de poder abrirse a los demás, un tramo el inicial que 
coquetea en ocasiones con el tabú del acoso sexual a menores y en donde impera una especie de tensión que es remitida a los espectadores para que puedan hacer sus propias suposiciones y cábalas acerca de lo que realmente pretende un personaje adulto que hasta ese momento ha permanecido anclado en una especie de limbo adolescente que se percibe como autoimpuesto, por fortuna Nocturnal tiene la virtud de ser una película que no juega al engaño para con el espectador, llegados a un punto intermedio del relato se nos revelara un secreto que en parte reconducirá la historia y hará que nos replanteemos toda esa primera parte desde un prisma totalmente diferente.
Nocturnal como muchas películas de las vistas en esta edición del D’A 2020 recurre a formatos cercanos al documental provistos de atmósferas predominantemente realistas a la hora de hablarnos de la complejidad existente en según que las relaciones humanas, reconduciendo en cierta manera la mirada de un espectador que elige, y se posiciona, en relación a la mirada neutra de un tercero que solo logra vislumbrar los hechos desde la lejanía y que supuestamente viene a estar representado a través de ese sector conservador de la sociedad británica, será en este apartado en donde encontremos los elementos más interesantes de esta modesta pero interesante opera prima de habilidosa puesta en escena, aquella en donde se nos plantea un rechazo percibido por el espectador que en la película está expuesto a través de una lectura predominantemente socioeconómica. Nocturnal termina siendo un relato que transita de forma algo escurridiza a través de la indecisión y el involuntario encubrimiento, el querer llegar a un punto determinado a través del camino más largo a cargo de unos personajes en apariencia a la deriva pero que de alguna manera logran encontrar un pequeño resquicio por el cual redimirse a través de la honestidad de sus actos.
Con el paso de estos últimos años han surgido dentro del panorama cinematográfico europeo diversas autorías que de alguna manera han recogido el testigo de cineastas contemporáneos como Ken Loach o los hermanos Darden a la hora de plantearnos situaciones que suelen indagar a través de la denuncia social, tantos unos como otros atesoran una narrativa colindante con el hiperrealismo que nos muestran relatos de desigualdad e injusticia, por fortuna este nuevo tipo de corriente en cierta forma ha evolucionado hacia un subrayado algo menos evidente aunque igual de contundente en relación a ese estigma de desigualdad social cada vez más imperante en la actual Europa. La historia nos presenta a Oleg, un carnicero letón que decide mudarse de Letonia a Bruselas en busca de un salario decente. Traicionado por un colega, su experiencia resulta muy corta. Oleg es entonces recogido por un delincuente polaco, que le involucra en sus actividades mafiosas.
El segundo trabajo tras las cámaras del realizador letón Juris Kursietis, tras aquella opera prima titulada Modris en donde ya era más que evidente esa cruda indagación en el realismo social, atesora muchos elementos en común con otra cinta reciente como es la notable The Charmer de Milad Alami, ambos relatos siguen casi cámara en mano a un inocente que es víctima de la coyuntura de la inmigración en Europa, ambas historias a su manera no dejan de ser una carrera contrarreloj con la amenaza de deportación de trasfondo, si en la película de Milad Alami el protagonista principal intenta arraigarse de una forma legal en Copenhague mediante una boda de conveniencia Juris Kursietis en Oleg baja un peldaño más aún si cabe en esta crónica de precariedad social que inevitablemente termina derivando en mental para con el protagonista, para ello el responsable de Modris recurre a diversas fugas oníricas del protagonista, este recurso en parte no deja de tener una función liberadora tanto para el personaje principal como
para el relato en cuestión, dichos interludios otorgan un descanso a un nervio y una tensión narrativa omnipresente en toda la historia, sin embargo ambas tonalidades aparte de antagónicas en referencia a su tonalidad colisionan de una forma bastante abrupta en lo concerniente a unas imágenes tan primaria como rudimentarias que pasan a ser en ocasiones pretendidamente liricas e incluso aderezadas en base a una muy evidente alegoría religiosa. Esta irregularidad, posiblemente nacida del propósito de no caer en ese subrayado tan característico en este tipo de películas, hacen que en el relato no se llegue a victimizar o verbalizar en exceso la precariedad expuesta, de hecho Oleg transita a través de un descenso más personal que colectivo en donde su metáfora es percibida como muy evidente, aquella que nos equipara al cordero sacrificado con la del desdichado inmigrante, personaje cuya actitud a la hora de poner la otra mejilla de una forma continua y repetida ante las desgracias y los abusos a los que es sometido resulta por momentos tan forzados como poco creíble y que nos remite a un final en donde seremos testigos de cómo la religiosidad, y la creencia incondicional hacia esta, derivan en el regreso al hogar como la única vía posible a la hora de poder mirar de frente y recuperar unos principios éticos y morales que en ese vasto territorio capitalista en donde impera el lucro económico y favorece la desigualdad que es la Unión Europea cada vez es más difícil de llevar a cabo.
https://youtu.be/dBk3B8TfpWI
Tráiler de «Tesla», lo nuevo de Michael Almereyda
Lejos de acomodarse si algo destaca en la ya larga trayectoria del realizador estadounidense Michael Almereyda es una inquietud autoral que ha día de hoy parece seguir estando intacta, con películas tan dispares pero interesantes como por ejemplo Nadja, Hamlet o la más reciente Marjorie Prime Almereyda se adentra en su nuevo trabajo tras las cámaras en un drama biográfico, como ya lo hiciera con el personaje de Stanley Milgram en Experimenter, con Tesla, film cuyo primer tráiler a través de IFC Films acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. Tesla que tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Sundance y que tendrá un estreno limitado en salas y VOD de Estados Unidos previsto para el próximo 21 de agosto se podrá ver dentro de unas semanas en la 10ª edición del Atlàntida Film Fest.
La película indaga en los esfuerzos que tuvo que realizar Nikola Tesla a la hora de presentar al mundo una revolución energética que cambiaría para siempre el curso de la humanidad. Una dura batalla cuesta arriba para llevar a buen término el que será un revolucionario sistema eléctrico
Tesla con guion del propio Michael Almereyda y música a cargo de John Paesano está protagonizada por Ethan Hawke, Kyle MacLachlan, Eve Hewson, Jim Gaffigan, Hannah Gross, Josh Hamilton, Ebon Moss-Bachrach, Lucy Walters, James Urbaniak, Rebecca Dayan, David Kallaway, Vincent De Paul, Blake DeLong, Tom Farrell, Emma O’Connor, Ava Loren Tropeano, Gary Ayash, Christian Hicks, Rick Zahn, Megan Elizabeth Gaber, Robert John Gallagher, Joshuah Melnick, George Aloi, Charles Baran, Jameal Ali, Luna Jokic y Mike Dobbins.
Programación completa de la 10ª edición del Atlàntida Film Fest
El cineasta británico Stephen Frears apadrina la 10a edición del Atlàntida Film Fest. 113 títulos se podrán ver en esta nueva edición; 53 de ellos son estrenos absolutos en España. Ethan Hawke, Tilda Swinton, Anya Taylor-Joy, Ben Wishaw, Angela Merkel o la periodista Ana Pastor son algunos de los nombres propios que definen esta edición.
Atlàntida Film Fest ha presentado la programación completa de su 10ª edición, que arranca el próximo 27 de julio.
Jaume Ripoll, director del festival y cofundador de Filmin, ha sido el encargado de desvelar el cartel completo desde el centro cultural La Misericòrdia, uno de los enclaves del festival.
En Palma, sede física por quinto año consecutivo, el festival se celebrará del 27 de julio al 2 de agosto mientras que en la plataforma Filmin la programación se podrá ver de forma online desde el 27 de julio hasta el 27 de agosto.
A pesar de las dificultades generadas por la crisis sanitaria del Covid-19, la edición de este año cuenta con la programación más ambiciosa y estimulante de las celebradas hasta el momento. En la versión online del festival se podrán ver 113 títulos de 25 países: 53 estrenos absolutos en España, 37 óperas primas, 30 documentales, 5 series y 30 títulos dirigidos por mujeres.
En Palma se podrá disfrutar de una cuidada selección compuesta por 42 títulos: 16 documentales, 10 conciertos, 8 conferencias y 5 series. Además se celebrará por tercer año consecutivo el proyecto Mallorca Talents Lab, un taller dirigido a jóvenes guionistas.
La décima edición del festival continúa girando en torno a Europa y analiza la realidad, los problemas y los retos del Viejo Continente y de sus habitantes. Europa dividida en 6 bloques temáticos: Memoria histórica (obras centradas en los errores del pasado), Política y controversia (historias hacia las que está prohibida la indiferencia), Muros y fronteras (las barreras reales o imaginadas de la UE), Generación (películas que analizan el comportamiento de las jóvenes generaciones europeas), Identidad (cine de temática LGBTI) y Domestik (la intimidad del ciudadano dinamitada por la política y la economía).
PREMIO MASTERS OF CINEMA: STEPHEN FREARS
Sumergiéndonos ya en el apartado cinematográfico, el director británico Stephen Frears apadrina la edición de este año y recibirá en Mallorca el premio Masters of Cinema en reconocimiento a su trayectoria. Además ofrecerá una clase magistral y se podrá ver su película “The Hit”, rodada en España en 1984 y protagonizada por John Hurt, Terence Stamp y Tim Roth. En años anteriores recibieron este reconocimiento Ken Loach, Guy Hamilton (póstumamente), Vanessa Redgrave y Roland Joffé. El actor británico Joseph Fiennes será el encargado de entregar este premio.
STEPHEN FREARS estudió Derecho en la Universidad de Cambridge pero su contacto con el grupo cómico Monty Python le hizo sentirse atraído primero por el teatro y después por el cine. Comenzó en el mundo del espectáculo como ayudante de dirección. Dirigió su primer cortometraje en 1967, «The Thirty Minute Long Burning» y su primer largometraje en 1971, «Detective sin licencia».
En 1985 dirige «Mi hermosa lavandería», película que le daría a conocer internacionalmente y que fue nominada a los premios Oscar y también a los BAFTA.
Lo consagrarían títulos como «Ábrete de orejas», «Los timadores», o «Las amistades peligrosas», película con la que debuta en Hollywood. Por ella fue nominado al Oscar a Mejor Director, recibió dos premios BAFTA a la Mejor Película y Mejor Director y también el premio César a la Mejor Película Extranjera.
En España recibió dos premios Goya a la Mejor Película Europea por «Café irlandés» (1995) y «The Queen» (2007), por la que fue nuevamente nominado al Oscar al Mejor Director. Otros títulos elogiados son «Mary Reilly», «Negocios ocultos», “Alta Fidelidad”, o «Héroe por accidente».
En televisión, alguno de sus últimos éxitos han sido «A Very English Scandal» o «State of the Union».
INAUGURACIÓN Y CLAUSURA
La inauguración tendrá lugar en el patio del centro cultural La Misericòrdia. La película inaugural será “Destrucció creativa d’una ciutat”, un documental dirigido por Carles Bover (ganador del Goya al Mejor Cortometraje Documental por «Gaza»).
Bover disecciona la realidad de una ciudad como Palma que, hasta hace poco, estaba abocada al turismo. Los problemas de gentrificación e identidad urbana analizados por quienes los sufren y por quienes los deberían solucionar.
La clausura del festival en Palma se celebrará en Ses Voltes y correrá a cargo de la película “Sempre dijous”, de Joan Porcel. El evento será muy singular ya que los espectadores serán testigos del rodaje del tercer acto de la película. “Sempre dijous“ es un retrato de una de las artistas baleares emergentes con más talento de los últimos años, Júlia Colom. La historia de una veinteañera que busca su voz entre las tonadas populares y la nueva música electrónica. La de un viaje de ida y vuelta entre Mallorca y Barcelona. Al término de la proyección, la cantante ofrecerá el primero de los conciertos en la isla.
PROGRAMACIÓN*
Stephen Frears, Ethan Hawke, Ben Wishaw, Anya Taylor-Joy, Ane Dahl-Torp, Tilda Swinton, Adèle Exarchopoulos, Charlotte Gainsbourg, Banksy, Gerard Depardieu, Michel Houllebecq, Vanessa Paradis, Joanna Hogg, Jóhann Jóhannsson, Tom Cullen, Angela Merkel, Robert Fisk, Alex Brendemühl, Ana Pastor i Óscar Camps son algunos de los nombres propios de esta edición. A algunos los recibiremos físicamente en la isla. A otros los veremos en sus últimos trabajos.
En un primer comunicado avanzamos algunos de los títulos que forman parte de la programación de este año. A continuación podéis encontrar otros títulos destacados:
-“Surge”, de Aneil Karia. Fenómeno absoluto en los festivales de Sundance (Premio Especial del Jurado) y Berlín este mismo año. Protagonizada por Ben Wishaw, es el «Joker» que rodarían los hermanos Safdie.
-“Here are the Young Men”, de Eoin Macken. Rebelde drama juvenil, suerte de «Trainspotting» bañado de «Euphoria», en el que tres amigos abandonan el instituto para introducirse en un mundo de autodestrucción donde el consumo desmedido de alcohol y drogas les lleva a verse inmersos una serie de actos violentos y de transgresión social. Con Dean-Charles Chapman («Juego de Tronos», «1917»), Finn Cole («Peaky Blinders»), Ferdia Walsh-Peelo («Sing Street») y Anya Taylor-Joy («The Witch«). Se basa en la novela debut de Rob Doyle, un joven talento de las letras irlandesas, que fue escogido entre los 20 mejores novelistas de Irlanda en el pasado siglo (1916-2016)
-“La pintora y el ladrón”, de Benjamin Ree. Es una película documental. Una de las películas más polémicas y sorprendentes del último Festival de Sundance (Premio Especial del Jurado). Una historia increíble, pero ante todo, real, protagonizada por un ladrón de cuadros.
-“Pink Wall”, de Tom Cullen. Es el debut tras la cámara del protagonista de «Weekend». Seis escenas. Seis años. Seis momentos que definieron la relación entre Jenna y Leon. Un apasionado retrato del fin del amor al que dan vida (y muerte) dos actores de primera línea en sus mejores versiones: Jay Duplass y Tatiana Maslany.
-“Merkel”, de Stephan Wagner, un intenso y realista biopic de ficción sobre Angela Merkel que adapta «The Driven Ones» (2017), un best-seller escrito por el periodista Robin Alexander.
-“Tesla”, de Michael Almereyda. Ethan Hawke y Kyle MacLachlan protagonizan este soberbio biopic que indaga en los esfuerzos que tuvo que realizar un genio inimitable como Nikola Tesla a la hora de presentar al mundo una revolución energética que cambiaría nuestra vida para siempre.
– “Play”, Anthony Marciano.
En 1993, a los 13 años, Max recibe su primera cámara de vídeo. Desde los 90 y hasta el presente, Max lo graba todo: sus amigos, sus éxitos, sus desilusiones, sus primeras veces… Lo esencial y lo superfluo. En vísperas de tomar la decisión más importante de su existencia, edita la película de su vida. La película de la vida de todos. Desde los años 90 hasta 2010; el retrato de toda una generación que emerge a través de su objetivo.
-“The Souvenir”, de Johanna Hogg
«The Souvenir» es una sesgada mirada nostálgica a la Inglaterra de los 80 a través de sus objetos, casas, ropas y colores, y de la música de The Fall, Robert Wyatt, Joe Jackson, The Specials, Gary Numan y Bauhaus. Pero también un bello, profundo y desolado retrato de la creación, del arte mismo.
-“Just Don’t Think I’ll Scream”, de Frank Beauvois
Un hombre de 45 años se recluye en un pueblo alsaciano de montaña. Solo, tras la ruptura de la relación que un día le llevó hasta allí, su única salida es el visionado continuado de películas de todas las épocas. Frank Beauvais compone un impresionante collage de imágenes, un catálogo imperdible para quienes hayan conocido de cerca la soledad y hayan huido de ella a través del Cine. Más de 400 extractos de películas de todo tipo de procedencias y estilos conforman una de las propuestas más salvajes, lúcidas e intensas que disfrutamos en el circuito festivalero del presente año.
-“Thalasso”, de Guillaume Nicloux. Cinco años después de «El secuestro de Michel Houllebecq», Michel Houllebecq y Gérard Depardieu coinciden en una cura de talasoterapia en Cabourg. Juntos tratan de sobrevivir al régimen saludable que el establecimiento intenta imponerles.
-“The Exception”, de Jesper W. Nielsen. Un elegante thriller empresarial y feminista que adapta la exitosa novela homónima de Christian Jungersen y que presenta un reparto de lujo encabezado por Sidse Babett Knudsen.
-“Banksy: Most Wanted”, de Aurélia Rouvier y Seamus Haley. Un retrato en profundidad de este Robin Hood enmascarado.
-“Adoration”, de Fabrice du Welz. Repleta de exquisitas escenas y con dos sólidas interpretaciones centrales, «Adoration» es un hechizante cuento de terror.
-“System Crasher”, de Nora Fingscheidt. Fue seleccionada por Alemania para representar al país en los Oscar y recibió múltiples premios de la Academia del Cine Alemán. Cuenta la historia de la indomable Benni, una niña de 9 años abandonada por su madre que vive en una familia de acogida y lleva a todos a su alrededor a la desesperación.
-“Adolescentes”, de Sebastian Lifshitz, es uno de los documentalistas más prolíficos y aclamados del cine europeo contemporáneo. El cineasta francés se embarca en la aventura que supone acompañar durante 5 años a las amigas Emma y Anaïs, concretamente desde los 13 hasta que cumplen 18 años en 2019 y pueden votar.
-“Back Home”, de Jessica Palaud, está protagonizada por Adéle Exarchopoulus y Niels Schneider. Un fábula íntima, rural y atmosférica que ante todo destaca por sus excelentes interpretaciones y su honestidad emocional.
-“Origen”, de Ana Pastor, es un mediometraje creado por Newtral con la ayuda de Open Arms y la Fundación Barça. «Origen» cuenta la historia de varios jóvenes que decidieron no irse a Europa, que desarrollan su actividad profesional o han emprendido un negocio.
-“Lovecut”, de Iliana Estañol y Johanna Lietha. Tinder, mentiras, pornografía y seis adolescentes rebeldes que intentan encontrar el significado a sus vidas en la agitación del día a día. Merecedora del prestigioso Premio Max Ophüls al Mejor Guión, la ópera prima de Iliana Estañol y Johanna Lietha es una intento audaz de comprender mejor a la juventud de nuestro tiempo, así como a la sociedad en la que vivimos.
-“Savage State”, de David Perrault. Estreno en España de una película muy singular que se aventura en el western jugando con sus códigos para crear una película casi gótica, novelesca, fantasmal y por encima de todo, feminista.
-“Truth and Justice”, de Tanel Toom. Esta adaptación de un clásico seminal de la literatura estonia es una superproducción merecedora del Satellite Award a la Mejor Película internacional que ha roto todos los records de su país, superando incluso a “Avatar” en número de espectadores y situándose como la obra más taquillera en la historia de Estonia.
“Pelican Blood”, de Katrin Gebbe. Inauguró la sección Orizzonti en el Festival de Venecia y se pudo ver en la Sección Oficial del Festival de Sitges. Una película de terror doméstico y repleta de perturbadores elementos que recuerdan a las novelas de Cormac McCarthy: susurradores de caballos, drama psicológico y un universo traumático.
-“Eastern”, de Piotr Adamski. Siguiendo la senda abierta por el nuevo cine griego y concretamente por «Canino», el Atlàntida Film Fest acoge el estreno internacional de este distópico y violento alegato feminista que, denlo por seguro, haría las delicias de Yorgos Lanthimos.
-“Water Lilies” es el debut en el cine de Celine Sciamma una de las cineastas europeas más importantes y reivindicables de nuestro tiempo. Protagonizada por Adèle Haenel, relata el despertar sexual de un triángulo formado por tres chicas adolescentes.
PROPUESTAS BALEARES
Además de la inauguración y clausura, el festival dedica una programación especial al cine que dialoga con las islas:
-Cortos confinados.
Cortos finalistas del concurso del Consell de Mallorca. Una sesión en la que se podrán ver y votar los 10 cortometrajes finalistas en el concurso organizado por el Consell de Mallorca. He aquí el presente y el futuro del cine balear.
-El Buzo, de Günter Schwaiger
Protagonizada por Àlex Brendemühl, «El Buzo» se inspira en «La Maleta de Marta», el reconocido documental previo del propio director, el controvertido Günter Schwaiger.
-“Bocca Chiusa”, de Joan Martí Mir, es la historia de un silencio. El silencio de Bernat Xamena. Un músico, virtuoso de la trompeta, que un día empezó a sentir fobia hacia su propia herramienta de trabajo, hasta alcanzar límites insospechados. Hablamos de la distonía focal de embocadura, una afección neurológica que afecta al 1% de músicos de todo el mundo.
-“Je te tiens”, de Sergio Caballero. Cortometraje seleccionado también en Cannes, protagonizado por Ángela Molina y Virginia Rousse. Sergio Caballero es también el autor del cartel de la edición actual de Atlàntida Film Fest.
-“Ardara”, de Raimon Fransoy y Xavier Puig. Ficción con maneras de documental que reconstruye el viaje de tres jóvenes a Ardara, un pueblo costero irlandés del que jamás volvieron. A través de los ojos de quienes les conocieron, así como del rastro que dejaron tras de sí en forma de grabaciones de vídeo, la película quiere entender por qué no volvieron a casa. Bruna Cusí protagoniza la cinta en la que también participa Elisabet Casanovas.
-“Constel·lació Comelade”, de Luis Ortas.
Documental musical sobre Pascal Comelade. Artesano de la melodía, clásico postmoderno, compositor experimental, miniaturista del rock… Pascal Comelade no tiene una sola definición. Su música tampoco.
-“Formentor: el mar de las palabras, de López Li. Un documental sobre el hotel más carismático y legendario de la isla de Mallorca: el hotel Formentor, conocido como “el hotel de las estrellas” ya que desde su fundación hace 90 años ha sido punto de encuentro de los personajes más relevantes del siglo XX: Audrey Hepburn, Dalai Lama, Winston Churchill, Grace Kelly, Rainiero de Mónaco…
-“Estudi Thomas Harris”, de Emili Manzano.
La historia de una casa frente al mar habitada a lo largo del último siglo por tres figuras históricas: el pintor Cecil Aldin, el espía y pintor Tomás Harris y el político fusilado por el franquismo, Alexandre Jaume. Una obra imprescindible para entender la historia de Baleares del último siglo.
-“Dona”, de Marga Melià. La mallorquina nos propone en este cortometraje un drama intimista con elementos de thriller sobre tres generaciones de mujeres marcadas por el destino en un entorno opresivo y asfixiante.
LOS FOTÓGRAFOS DE LA GUERRA
Este año Atlàntida Film Fest dedica una sección a los fotógrafos que cubren las guerras sin más armas que sus cámaras; un espacio especial destinado a analizar los motivos que impulsan a estos profesionales a retratar los conflictos armados.
Algunos títulos que encontraremos en esta sección son:
-“This is not a movie: Robert Fisk”, de Yung Chang. Este documental sigue los pasos del legendario periodista británico Robert Fisk, uno de los principales cronistas de los conflictos globales en los últimos 40 años.
-“Sympathy for the devil”, de Guillaume de Fontenay. Protagonizada por Niels Schneider, recrea con gran poderío formal y absoluto rigor histórico la guerra de los Balcanes, uno de los episodios más desoladores y conflictivos de la reciente historia europea.
-“Camille”, de Boris Lojkine. Camille Lepage, una joven e idealista fotorreportera, viaja hasta la República Centroafricana para cubrir la inminente guerra civil. Boris Lojkine recrea con gran precisión la brillante, conmovedora y trágica historia real de la joven fotógrafa francesa.
-“Photographer of war”, de Boris Bertram. Jan Grarup (ganador de múltiples World Photo Awards) vive una vida en estado de emergencia: como fotógrafo de guerra, a menudo arriesga su vida, mientras que en Copenhague es padre de cuatro hijos. De repente, la urgencia cambia en el momento que su ex esposa cae gravemente enferma de cáncer. Un retrato psicológico de un hombre que ha documentado los horrores de la guerra durante 25 años, pero que de repente tiene que enfrentarse a una nueva lucha interna.
SERIES
Las series, cada vez más en auge y presentes en nuestras vidas, no podían faltar en Atlàntida Film Fest. Estas son algunas propuestas:
-“Sex”, de Amalie Næsby Fick
Mundialmente estrenada en la reciente Berlinale, en episodios de apenas un cuarto de hora, la directora danesa Amalie Næsby Fick y la creadora-escritora Clara Mendes utilizan imágenes intensas y una partitura imponente para desarrollar una historia de amor contemporánea y adolescente, muy influenciada por las redes sociales.
-“Gender Derby”, de Camille Ducellier
El roller derby no es un deporte más. Es un juego por equipos creado y practicado por mujeres que se caracteriza por promover la diversidad corporal y ser transinclusivo. «Gender Derby» es una webserie en formato vertical como las stories de Instagram, en un reflejo de la intimidad del móvil, y que sirve para retratar a Jasmin, adolescente queer en transición de género y “jammer” de un equipo de roller derby.
-“Force of Habit”, de varias directoras
“Force of Habit” deconstruye el uso invisible del poder hacia las mujeres tanto en la vida privada como en la sociedad. Siguiendo a 11 mujeres, experimentamos su punto de vista y nos sumergimos en la mirada femenina.
-“Vernon Subutex”, de Cathy Verney. Estreno en España de los primeros episodios de una de las series más exitosas del momento en Francia. Romain Duris da vida a Vernon Subutex, el propietario de la mítica tienda de discos ‘Revolver’, centro neurálgico de reunión de la escena parisina de los años noventa. En plena crisis discográfica, se ve obligado a cerrar, lo que le sume en una enorme depresión que le mantiene confinado en su casa sin apenas salir.
-“Stieg Larsson: el hombre que jugaba con fuego”, de Henrik Georgsson. Es una serie documental sobre Stieg Larsson y su lucha contra la extrema derecha y los neonazis.
*Todas las películas que se proyectan físicamente en Palma se pueden ver también de forma online, exceptuando “Sempre dijous”, de Joan Porcel, “Dona”, de Marga Melià, “Vernon Subutex», de Cathy Verney y la selección de cortometrajes del Consell de Mallorca.
RETROSPECTIVA COMPLETA DE ALEKSEI BALABÀNOV (1959-2013)
A la cuidada selección que compone la programación de esta 10ª edición, hay que sumarle además la filmografía completa de Aleksei Balabànov, nombre de referencia y enfant terrible del cine ruso. En total se podrán ver los 13 largometrajes del añorado director, muerto prematuramente a los 54 años tras de sufrir un infarto.
COLOQUIOS
Los coloquios y las charlas son otro de los platos fuertes de la versión física del festival en Palma. Todos los encuentros tendrán lugar en el Museu de Mallorca y además se podrán ver también en streaming a través de Instagram.
Este año contaremos con los siguientes invitados:
-“Reflexión sobre la relación entre África y Europa”. Con la periodista Ana Pastor, el activista y fundador de Open Arms, Óscar Camps, la directora de la Fundació Barça, María Vallés y el director del documental “El escritor de un país sin librerías”, Marc Serena.
-“El futuro de Europa en tiempo de pandemias”. Con el director Stephan Wagner.
-“Feminismo, cine y cuotas después del #MeToo”. Con Patricia Arquette.
-“El periodismo vs la extrema derecha”. Con la periodista Maria Llull y el politólogo Pablo Simón
-“Los retos de la España vacía en el mundo actual”. Con el escritor y periodista, Sergio del Molino
-“Europa verde, Europa utópica”. Con el escritor y periodista, Sergio del Molino
-“Descifrando el enigma del Estudio Harris”. Coloquio entre el periodista Emili Manzano y el editor y crítico, Andreu Jaume.
-“Recordando el hotel de las estrellas”. Coloquio entre la escritora Carme Riera y el director de “Formentor”, José Luis López Linares.
INVITADOS
Además de los participantes en las charlas mencionados anteriormente, contaremos con la presencia de los siguientes invitados:
Stephen Frears, Premio Masters of cinema
Aneil Karia, director de “Surge”
Stephan Wagner, director de “Merkel”
Imogen Kogge, protagonista de “Merkel”
Tom Cullen, director de “Pink Wall”
Carles Bover, director de “Destrucció d’una ciutat”
Joan Porcel, director de “Sempre Dijous”
Sergio Caballero, director de “Je te tiens”
Alex Brendemühl, protagonista de “El Buzo”
Marc Serena, director de “El escritor de un país sin librerías”
Concha Buika, cantante más internacional de Guinea Ecuatorial que pone música a “El escritor de un país sin librerías”
Oriol Puig, director de “El sitio de Otto”
Iñaki Mur, protagonista de “El sitio de Otto”
Elisabet Casanovas, actriz de “Ardara”
Emili Manzano, director de “Estudi Harris”
Joan Martí Mir, director de “Bocca Chiusa”
Bernat Xamena, protagonista de “Bocca Chiusa”
Marga Meliá, directora de “Dona”
Juan Palacio, director de “Meseta”
Luis Ortas, director de “Constel·lació Comelade”
Pascal Comelade, protagonista de “Constel·lació Comelade”
ARTISTAS MUSICALES INVITADOS*
Cecilio G
Vic Mirallas
Confeti de odio
Bearoid
María José Llergo
Ferran Palau
Pavvla
Marc Seguí
Júlia Colom
Mary Paxanga
(*el cartel musical lo avanzamos en una nota de prensa anterior).
MALLORCA TALENTS LAB
Por tercer año consecutivo Atlàntida Film Fest acogerá el proyecto Mallorca Talents Lab, un espacio que permitirá a 6 guionistas desarrollar su proyecto cinematográfico bajo la tutela de grandes expertos del sector. Se celebrará del 27 al 30 de julio en Can Oleo.
Todos los eventos en Palma, incluidas las proyecciones de películas y los conciertos, son gratuitos previa reserva de entrada. AFF es el único festival multidisciplinar europeo de estas características.
Todo el festival está incluído dentro de la suscripción de Filmin, exceptuando las películas “Tesla” y “The souvenir”. Los no suscriptores podrán disfrutar de toda la programación del festival por 15€.
Atlàntida Film Fest cuenta con el patrocinio de: Fundació Mallorca Turisme – Mallorca Film Commission; y el apoyo del Institut d’Estudis Baleàrics – Govern de les Illes Balears; Ajuntament de Palma, Consell Insular de Mallorca: Departament de Cultura; Creative Europe del Programa Media, ICAA Ministerio de Cultura, ICEC Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya; UNED- Illes Balears (Universidad Nacional de Educación a Distancia) y Centre Balears Europa.
Obsesión por la mortalidad, tráiler de «She Dies Tomorrow»
A Amy Seimetz posiblemente muchos la tendrán presente por ser un rostro bastante habitual en producciones independientes norteamericanas, sin ir muy lejos dentro del fantástico la pudimos ver en películas como Upstream Color o The Sacrament por ejemplo, She Dies Tomorrow, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone su segundo trabajo como directora tras Sun Don’t Shine (2012). La película, un oscuro thriller con algún que otro elemento de comedia negra tendrá un estreno limitado en salas comerciales de Estados Unidos previsto para el próximo 31 de julio, una semanas más tarde, el 7 de agosto, estará disponible en VOD.
En She Dies Tomorrow vemos como Amy empieza a desmoronarse psicológicamente por la idea de que va a morir mañana, una tesitura que la lleva a una vertiginosa espiral emocional. Su amiga Jane descubrirá que ese extraño sentimiento de muerte inminente de Amy es contagioso, algo que hará que ambas comiencen extraños viajes mentales a través de lo que podría ser el último día de sus vidas.
La película con guion de la propia Amy Seimetz está protagonizada por Kate Lyn Sheil, Jane Adams, Kentucker Audley, Chris Messina, Katie Aselton, Tunde Adebimpe, Jennifer Kim, Josh Lucas, Olivia Taylor Dudley, Michelle Rodriguez, Adam Wingard y Madison Calderon.
El dilema del astronauta, primer tráiler de la serie de ciencia ficción «Away»
En estos últimos días se empieza a aclarar un poco el que será el calendario de series que podremos ver una vez finalizado este verano, Away, drama espacial cuyo primer avance en forma de tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, supone una de las apuestas más fuerte por parte de Netflix para el próximo otoño. La serie que cuenta con Jessica Goldberg (Refuge, The Path) como guionista y showrunner y que consta de 10 episodios estará disponible en el canal de streaming a partir del próximo 4 de septiembre.
En Away vemos como la astronauta norteamericana Emma Green se prepara para liderar una tripulación internacional en la primera misión a Marte. Esta gran hazaña en su trayectoria profesional va unida a la difícil decisión de tener que separarse de su marido y su hija adolescente cuando más la necesitan, y al hecho de que quizá no vuelva a verles.
La serie con guion a tres manos por parte de Jessica Goldberg, Andrew Hinderaker y Jason Katims está protagonizada por Hilary Swank, Josh Charles, Ato Essandoh, Talitha Bateman, Mark Ivanir, Ray Panthaki, Vivian Wu, Monique Gabriela Curnen, Gabrielle Rose, Felicia Patti, Jessica Garcie, Fiona Fu, Veena Sood, Quynh Mi y Brian Markinson.
Una exposición en Artium rememorará la crucial edición de 1977 del Festival de San Sebastián
Cartas, fotografías, documentos y material audiovisual reconstruirán una edición que supuso un cambio radical. La muestra permanecerá abierta del 9 de septiembre al 8 de diciembre.
El Festival de San Sebastián, Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE) y Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz, presentarán el 9 de septiembre la exposición El Festival ha tenido 24 ediciones: No nos gusta. La muestra se centrará en el Festival de San Sebastián de 1977, el primero celebrado tras la transferencia de la gestión del festival a la ciudad de San Sebastián. La exposición, que está vinculada a la muestra de la Colección del Museo Artium Zeru bat, hamaika bide. Prácticas artísticas en el País Vasco entre 1977 y 2002, forma parte del proyecto Zinemaldia 70: todas las historias posibles, promovido por el Festival y EQZE, y permanecerá abierta hasta el 8 de diciembre.
En los primeros años de la Transición, la 25ª edición significó el punto de partida de la transformación del Festival de San Sebastián, convertido en un laboratorio de experimentación cinematográfica y política en un contexto de intensas luchas sociales. La muestra incluirá materiales del archivo del Festival, muchos de ellos inéditos, como cartas, documentos, fotografías y revistas.
Como explica el comisario de la exposición, Pablo La Parra Pérez, responsable del departamento de investigación de Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), “en 1977, el Festival de San Sebastián cumplía 25 años, pero, más que un aniversario, la edición de 1977 fue un espacio de lucha: el primer festival gestionado desde la ciudad se convirtió en una plataforma de reivindicación política desde la que imaginar un nuevo festival democrático”. “A partir de materiales de archivo localizados en el marco del proyecto de investigación Zinemaldia 70: todas las historias posibles, esta exposición se detiene en este año de cambio radical”, apostilla.
La exposición profundiza en el programa público que, bajo la dirección del propio La Parra y con idéntico título, tuvo lugar el 7 de diciembre de 2019 en Tabakalera, donde la cineasta estadounidense Vivian Ostrovsky y antiguas integrantes de la Asamblea de Mujeres de Donostia recordaron el ciclo de cine realizado por mujeres que el Festival acogió en 1978. También hubo una proyección performativa a cargo de Luis López Carrasco y Raúl Liarte, y se proyectó Expediente, un trabajo experimental que en 1977 ganó la Concha de Oro al Mejor cortometraje -en la exposición de Vitoria se podrá ver una nueva copia digital del filme realizada al efecto por EQZE-.
El archivo del Festival de San Sebastián
Esta exposición es un nuevo fruto de Zinemaldia 70: todas las historias posibles, el proyecto que el Festival de San Sebastián ha creado junto a Elías Querejeta Zine Eskola con el fin de generar un archivo vivo del Festival. La primera fase del proyecto, que cuenta con el patrocinio de Loterías y Apuestas del Estado y la colaboración de Kutxa Fundazioa, culminará en 2022, coincidiendo con el 70º aniversario del Festival.
El proyecto Z70 pone de relieve la importancia de los fondos documentales del Festival (cartas, fotografías, críticas y reseñas en periódicos y revistas, libros…) conservados en su archivo desde 1953. Su principal objetivo es generar reflexión y discusión en torno al pasado, el presente y el futuro del Festival, así como diálogos críticos con la creación cinematográfica y el pensamiento contemporáneo.
El proyecto comprende el traslado de todos los materiales del archivo del Festival al edificio de Tabakalera, donde son examinados, acondicionados y catalogados para garantizar su conservación en las naves de Filmoteca Vasca. En 2022, el archivo estará disponible para su consulta pública, tanto presencialmente como online, a través de una selección de contenidos digitalizados. La consulta de los fondos incorporará focos temáticos basados en las investigaciones desarrolladas por un equipo de estudiantes de postgrado de EQZE dirigido por el investigador Pablo La Parra Pérez en colaboración con los diferentes departamentos del Festival.
Los focos de investigación pondrán el énfasis en aspectos poco conocidos o inéditos de la historia del Festival. Para dar a conocer sus resultados hasta 2022, se plantean dos líneas de trabajo simultáneas y conectadas entre sí. Por un lado, generará material de investigación especializado (artículos académicos, presentaciones en congresos, proyectos editoriales propios, seminarios…) orientados a generar un diálogo crítico con los últimos desarrollos en el campo académico de los estudios cinematográficos. Por otro lado, se llevarán a cabo programas públicos (conferencias, exposiciones, cursos) dirigidos a públicos más amplios, como la muestra en Artium, que recoge varios de los resultados de la investigación desarrollada en el curso académico 2018-2019 por el equipo de investigación de EQZE.
Poética del cinematógrafo
Eugène Green escribió este libro como un libro de horas. Para contar cómo se cuenta el cine si uno quiere que le devuelva la mirada. Fuera del cine, te miro pero no te veo. Miro tu superficie, palpo tu contorno, rozo la forma de una exterioridad. Fuera del cine miro lo visible, como un ciego que ausculta el mundo material, recorre un tiempo cronológico, se desplaza en espacios mensurables. Fuera del cine gobierna la razón, se encienden todavía las viejas luces del Siglo de las Luces, el intelecto gobierna y administra los días y las noches, los códigos fulminan los misterios y el oído se aturde en la ciudad, o se despeña en un silencio sin vacío. Eugène Green adora caer en el vacío del sagrado presente continuo. Ese vacío que muestra el revés de todas las cosas de este mundo: árboles y rostros, peñascos y cascadas, piedras y pies. Pura disolución del cálculo, desvanecimiento de la geometría. Lugar donde caer hasta ver por fin y disolverse en ese espacio donde todo es Uno, singular y semejante, donde criaturas y cosas tiemblan atravesadas por el hilo de la misma energía espiritual.
El asno Balthazar filmado por Bresson es la criatura perfecta de esta poética de la exhumación y de la epifanía: no intenta colaborar, no se esfuerza en actuar, carece de estrategias. Se entrega porque es, su mera existencia es un acto de entrega. Balthazar con su corona de flores silvestres, como espinas; Balthazar con sus ojos inocentes, como remansos y termómetros de la fragilidad. Green recorre el espinel del cine, desde que la película es idea hasta que se proyecta en la pantalla, y despliega sus máximas, que son las mínimas pistas de quien ve-a-través, como quien abre una caja de herramientas. Pañuelos y palomas, varitas y naipes de un juego de magia.
Este libro hubiera podido llamarse “Cómo se hace una película”, es decir, cómo se filman, según un puñado de teorías, la tradición del género y los instrumentos disponibles, ciertos fragmentos del mundo, ciertos movimientos de los cuerpos. Pero se llama “Poética del cinematógrafo”. Lo que equivale a decir: cómo extraer, de cada uno de esos fragmentos de materia, esa presencia real que es la expresión del alma, la manifestación de la gracia en una modestísima cinta de celuloide.
EUGÈNE GREEN
Nueva York, 1947.
Licenciado en letras y en historia del arte. Director teatral amante del barroco (fundador del Théâtre de la Sapience), entrenador de actores, cineasta de culto inclasificable y escritor en el cruce y en los márgenes. Nacido en Estados Unidos, peregrinó por Europa y finalmente se instaló en Francia, donde fundó su compañía teatral, filmó su primer largometraje (Toutes les nuits), aclamado por la crítica, e inició su trayectoria como ensayista, novelista y poeta.
Con Poética del cinematógrafo, Shangrila continúa la difusión en español de la obra de este autor fuera de cuadro, iniciada ya con Presencias. Ensayo sobre la naturaleza del cine (Shangrila, 2018).
Autor: Eugène Green, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 128
La noche del shomer, primer tráiler para «The Vigil»
Después de tener el pasado año su premier mundial en el Midnight Madness del Festival de Toronto y clausurar pocas semanas después el Sitges 2019 (crítica aquí) la opera prima del joven realizador Keith Thomas titulada The Vigil acaba de lanzar un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, adquirida a finales del año pasado por parte de Blumhouse para su distribución, supone una curiosa aunque algo fallida indagación fantástica en relación a la comunidad judía ortodoxa a través de un terror expuesto en esta ocasión en torno a la figura del shomer.
En The Vigil vemos como tras aceptar convertirse en shomer nocturno, una práctica judía en la que una persona vigila el cadáver de un miembro de la comunidad a la que pertenece recientemente fallecido, un joven que acaba de perder su fe descubre que la casa en donde ejerce de vigía esconde un terrorífico secreto.
La película con guion del propio Keith Thomas y música compuesta por Michael Yezersk está protagonizada por Fred Melamed, Dave Randolph-Mayhem Davis, Menashe Lustig, Malky Goldman, Nati Rabinowitz, Moshe Lobel, Spencer Zender, Dun Laskey y Hershy Fishman.
«The Juniper Tree» review
A finales de la Edad Media, la joven Margit (Björk) y su hermana mayor Katla huyen a las montañas después de la muerte de su madre, quemada por brujería. Ambas encuentran refugio con Jóhann, un viudo que vive con su hijo pequeño Jónas. Mientras Katla trata de seducir al campesino, Margit y Jónas se hacen buenos amigos. Pero el pequeño está convencido de que Katla es una bruja y la odia profundamente.
En ese delicioso cajón de sastre en que parece que se ha convertido la actual sección Seven Chances dicho apartado sigue dando la oportunidad de recuperar un tipo de cine que en parte es desconocido para la gran mayoría de público que suele asistir al festival de Sitges, un material que merece un rescate en este caso a modo de un único visionado en pantalla grande, a tal respecto no hace falta remontarse 50 años atrás para encontrar rarezas cinematográficas por descubrir, las hay bastante más recientes como por ejemplo resulta ser The Juniper Tree, película filmada en el año 1990 y que posiblemente mucha gente tendrá una ligera noción sobre ella en la medida de estar interpretada por una joven Björk, la restauración en tecnología 4K, por parte de la Wisconsin Center for Film & Theater Research y The Film Foundation que en esta ocasión conto con la estimable ayuda de la George Lucas Family Fundation, de la opera prima de una prematuramente fallecida Nietzchka Keene, realizadora que solo pudo dirigir dos películas más, la televisiva Heroine of hell (1996) y Barefoot to Jerusalem (2008), y que tuvo un estreno limitado en cines a finales de 2019 gracias a Capricci Cine, devino en el pasado Sitges una oportunidad única de poder descubrir una sorprendente y fascinante obra que nos sitúa a medio camino entre la brujería medieval y el estudio a través de dicho parámetro genérico de lo que vendría a ser la emancipación femenina de aquella época.
Bajo un atemporal, imponente y exquisito blanco y negro expuesto en base a un portentosa fotografía a cargo de Randy Sellars The Juniper Tree entra en esa tan especial catalogación de films hasta ahora casi inencontrables que han sido condenados a un inexplicable y en parte caprichoso aislamiento cultural hasta día de hoy, rodada en los agrestes paisajes islandeses y ambientada en el final de la cruenta Edad Media el film de Nietzchka Keene parte de unos postulados autorales muy propios que aquí adapta muy libremente un oscuro relato de los hermanos Grimm titulado El enebro, a tal respecto la película indaga en conceptos tan atrayentes como es ese paganismo ubicado dentro del folclore nórdico que da la impresión de estar en una continua colisión respecto a lo considerado humano e esotérico. Definida por muchos como un cuento de hadas de índole feminista The Juniper Tree es de esas películas que hayan su principal referencia a través de unas imágenes que son percibidas como muy primarias, en ellas atisbaremos diferentes imaginarios que nos pueden hacer recordar al cine de Bergman, Tarkovski y evidentemente Dreyer,
por fortuna esto no deja de ser una mirada de connotaciones básicamente estéticas y en parte algo fugaces, en The Juniper Tree se intuye para bien un discurso autoral ciertamente interesante, de alguna manera adelantado a su época, aquel que indaga a través de las líricas provenientes de las sagas nórdicas ubicadas en un universo en donde el estigma actúa a modo de poético aquelarre, también existe una segunda lectura algo más soterrada si se quiere, provista de consonancias más demoledoras aun si cabe que iría más allá de una cruda y mística medieval por la cual el relato da la sensación de vertebrarse, aquella que lejos de mucho cine contemporáneo que se autoproclama feminista en base a continuos subrayados a cual más evidente está relacionado con el concepto de la superstición pagana, será en base a dicha mirada en donde se atisba una atroz misoginia de connotaciones atávicas de la que seremos testigos a través de la tesitura de cómo las protagonistas femeninas han de sobrevivir de alguna manera u otra a modo de acompañantes de hombres legitimados socialmente para proveer el que es su sustento básico.
A través de su atmosfera y de sus poderosas imágenes The Juniper Tree como obra sin un tiempo determinado que es vuelve a poner de manifiesto que lo insondable aplicado al fantástico no calibra de códigos o coordenadas actuales o pasadas que anidan en lo obvio o lo evidente, en cierta manera en este poético aquelarre islandés lo suyo es más bien crear turbulentos a la vez que sutiles imaginarios a partir de la simple sugestión visual en relación a una caligrafía que treinta años después de su realización continua siendo tan arriesgada como fascinante, todo un logro digno de resaltar y más viendo las nuevas autorías surgidas del fantástico actual.
Valoración 0/5: 4
Una oscura fantasmagoría femenina, primer tráiler de «Amulet»
Viene siendo una constante como en estos últimos años cineastas femeninas se han adentrado en el fantástico ofreciéndonos en ocasiones estimulantes relatos que indagan en malévolos vínculos maternos como por ejemplo Jennifer Kent y su Babadook entre otras muchas, Amulet, cuyo primer tráiler vía Magnolia Pictures acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto su póster oficial, supone el debut como realizadora de la hasta ahora actriz británica Romola Garai. Amulet que tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Sundance dentro de la sección Midnight tendrán un estreno simultáneo en cines y VOD de Estados Unidos previsto para el próximo 24 de julio.
En Amulet vemos como Tomaz es un soldado refugiado que ha escapado de la guerra que sufre su país natal. Perseguido por su traumático pasado, encuentra cobijo en una casa claustrofóbica y medio en ruinas en la que habita una joven mujer y su madre enferma. A medida que comienza a enamorarse de su nueva compañera de piso, Tomaz siente que una presencia maligna podría estar viviendo con ellos y poniendo su vida en peligro.
La película con guion de la propia Romola Garai está protagonizada por Imelda Staunton, Carla Juri, Alec Secareanu, Paul O’Kelly, Louis Jay Jordan y Anah Ruddin.
François Ozon y Thomas Vinterberg competirán en la Sección Oficial del próximo Festival de San Sebastián
Cineastas consagrados como Sharunas Bartas, Naomi Kawase, François Ozon o Thomas Vinterberg competirán en la Sección Oficial de la 68 edición del Festival de San Sebastián, que también mostrará las obras de nuevos realizadores como Dea Kulumbegashvili o Takuma Sato.
Sharunas Bartas (Siauliai, Lituania, 1964), autor con experiencia en los festivales de Cannes, Berlín, Venecia o Locarno, ha dirigido títulos como Frost (2017) y Eurazijos aborigenas / Eastern Drift (2010), que fue seleccionado en la retrospectiva Eastern Promises. Retrato de Europa del Este en 50 películas (2014). En septiembre regresará a San Sebastián con el estreno mundial de In The Dusk, un drama de trasfondo bélico sobre la lucha del movimiento partisano contra la ocupación soviética de Lituania después de la II Guerra Mundial.
Naomi Kawase (Nara, Japón, 1969), asidua al Festival de San Sebastián, volverá a optar a la Concha de Oro con el estreno europeo de Asa Ga Kuru / True Mothers, una nueva exploración del microcosmos familiar que enfrenta a dos madres: una biológica y otra adoptiva. La realizadora nipona ya concursó en la Sección Oficial con Genpin (Premio Fipresci, 2010) y Vision (Viaje a Nara, 2018), y sus películas también han podido verse en Perlak y en las retrospectivas temáticas .doc – Nuevos caminos de la no ficción (2010) y Nuevo cine independiente japonés 2000-2015 (2015).
La joven georgiana Dea Kulumbegashvili (1986), que estrenó sus cortos en el Festival de Cannes y en la Quincena de Realizadores, debutará en el largometraje con Dasatskisi / Beginning. El filme, que tendrá su premiere mundial en San Sebastián, narra el acoso que sufren una testigo de Jehová y su familia por parte de un grupo extremista y de la policía del remoto pueblo georgiano en el que viven.
François Ozon (París, 1967) es otro de los cineastas que este año regresará a la Sección Oficial después de obtener la Concha de Oro y el Premio del Jurado al mejor guión por Dans la maison (En la casa, 2012) y concursar con títulos como Sous le sable (Bajo la arena, 2000), Le refuge (Mi refugio, Premio Especial del Jurado, 2009) y Une nouvelle amie (Una nueva amiga, 2014). El realizador, que mostró su ópera prima en Zabaltegi (Regarde la mer, 1997), competirá con Été 85 / Summer of 85 (Verano del 85), un relato de amores adolescentes impregnado de nostalgia ochentera.
El Festival también acogerá la premiere mundial del segundo largometraje del japonés Takuma Sato (Akita, 1989) tras Don’t Say That Word! (2014), que obtuvo distintos reconocimientos en el Pia Film Festival de Tokio y en el Festival Internacional de Busan. Su nuevo trabajo, Nakuko wa ineega / Any Crybabies Around?, narra el vuelco en la vida de un hombre al que la televisión graba corriendo por la calle desnudo y borracho en Nochevieja.
Finalmente, Thomas Vinterberg (Copenhague, 1969), uno de los mayores exponentes del cine danés de las últimas décadas, participará con el estreno europeo de Druk / Another Round, en la que repite con Mads Mikkelsen, actor a quien ya dirigió en Jagten (La caza, 2012). El autor de filmes como Festen (Celebración, 1998), que fue programado en la retrospectiva Fiebre helada (2007), retrata a varios profesores embarcados en un excéntrico experimento: creen que si logran mantener un grado constante de intoxicación etílica durante la jornada laboral, podrán abrir sus mentes y aumentarán su creatividad.
In The Dusk, Asa Ga Kuru / True Mothers, Dasatskisi / Beginning, Été 85 / Summer of 85 (Verano del 85) y Druk / Another Round forman parte de la lista de películas que el Festival de Cannes ha seleccionado en este año en el que no ha podido celebrar su 73 edición debido a la pandemia del COVID-19.
En las próximas semanas, el Festival continuará desvelando el resto de títulos que integrarán la Sección Oficial de la 68 edición, que el 18 de septiembre será inaugurada, fuera de concurso, por Rifkin’s Festival, una comedia romántica dirigida por Woody Allen.
AVANCE SECCIÓN OFICIAL
Asa Ga Kuru / True Mothers
Naomi Kawase (Japón)
Intérpretes: Hiromi Nagasaku, Arata Iura, Aju Makita
Tras una larga e insatisfactoria lucha por quedarse embarazada y convencida por una asociación de adopción, Satoko y su marido deciden adoptar a un niño. Años después, su familia se tambalea con la amenaza de Hitari, una chica desconocida que dice ser la madre biológica. Satoko opta por confrontar a Hitari directamente.
Dasatskisi / Beginning
Dea Kulumbegashvili (Francia – Georgia)
Intérpretes: Ia Sukhitashvili, Rati Oneli, Kakha Kintsurashvili, Saba Gogichaishvil
En un tranquilo pueblo de provincias, una comunidad de Testigos de Jehová es atacada por un grupo extremista. En pleno conflicto, el mundo de Yana, la esposa del líder de la comunidad, se desmorona lentamente. La insatisfacción interior de Yana crece mientras lucha por encontrar sentido a sus deseos.
Druk / Another Round
Thomas Vinterberg (Dinamarca)
Intérpretes: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Lars Ranthe, Magnus Millang
Existe la teoría de que deberíamos nacer con una pequeña cantidad de alcohol en nuestra sangre, y que una ligera embriaguez abre nuestras mentes al mundo que nos rodea, disminuyendo nuestros problemas y aumentando nuestra creatividad. Animados por esa teoría, Martin y tres de sus amigos, todos cansados profesores de secundaria, se embarcan en un experimento para mantener un nivel constante de intoxicación etílica a lo largo de su jornada laboral. Si Churchill ganó la II Guerra Mundial aturdido por el alcohol, ¿quién sabe lo que unos pocos tragos podrían hacer por ellos y sus alumnos?
Eté 85 / Summer of 85 (VERANO DEL 85)
FRANÇOIS OZON (Francia)
Intérpretes: Félix Lefebvre, Benjamin Voisin, Philippine Velge
Alexis, a punto de cumplir 16 años, casi se ahoga cuando vuelca su barco en la costa de Normandía. Por suerte, David, de 18 años, le salva heroicamente. Alexis acaba de conocer al amigo de sus sueños. Pero, ¿durará ese sueño más de un verano? El verano del 85.
In the Dusk
Sharunas Bartas (Lituania)
Intérpretes: Arvydas Dapsys, Marius Povilas Elijas Martinenko
Lituania, 1948. La guerra ha terminado, pero el país está en ruinas. Untė, de 19 años, es miembro del movimiento partisano que resiste a la ocupación soviética. No combaten en igualdad de condiciones, pero esta lucha desigual determinará el futuro de toda la población. A la edad en que se descubre la vida, Untė descubre la violencia y la traición. Las líneas se desdibujan entre su ardiente pasión juvenil y la causa por la que está luchando. Se entregará en cuerpo y alma, aunque eso signifique perder la inocencia…
NAKUKO WA INEEGA / Any Crybabies Around?
Takuma Sato (Japón)
Intérpretes: Taiga Nakano
Un hombre desnudo y ebrio aparece en directo en una televisión japonesa en plena celebración de la festividad de Namahage, en la que hombres disfrazados de ogros irrumpen en las casas para asustar a los niños y que se porten bien todo el año. Tasuku, un joven padre, es condenado al ostracismo por avergonzar al pueblo y su tradición y huye a Tokio solo. Dos años después regresa al pueblo para intentar arreglar las cosas con su exmujer y su hija pero se encontrará con una situación muy dura.
Ante la crisis del COVID-19
Tras el final del estado de alarma, y con la esperanza de que la pandemia continúe remitiendo, el Festival de San Sebastián descarta la no celebración del certamen pero, también, la organización de una edición estándar en continuidad con la línea de los últimos años.
Siempre con la prioridad de atender los requerimientos sanitarios establecidos por las autoridades en la fecha de su celebración, el equipo del Festival trabaja para organizar una 68 edición en las fechas previstas, del 18 al 26 de septiembre. El objetivo es conformar un Festival reconocible y seguro para el público, la industria cinematográfica y los medios de comunicación.
La dirección del Festival ha adoptado ya algunas decisiones: reducción del número de proyecciones (un 30% menos), celebración online de algunas de sus actividades (el Foro de Coproducción, Zinemaldia & Technology, las mesas redondas y las clases magistrales) y el formato mixto (presencial y virtual) para los nuevos WIP Latam y Europa, así como para Ikusmira Berriak. El Festival prescindirá de alguna de sus sedes habituales, como el Velódromo -donde tenían lugar las proyecciones para centros escolares por las mañanas, coorganizadas con el Donostia International Physics Center (que este año, de manera excepcional, se organizarán online), el concierto de música de cine de la Orquesta Sinfónica de Euskadi y la proyección de estrenos de películas populares para el gran público-, y el Museo San Telmo, sede del Foro de Coproducción. También se ha retrasado a 2021 la retrospectiva anunciada sobre el cine coreano de los años 50 y 60 (Flores en el infierno: la era dorada del cine coreano) y este año no habrá sección de Klasikoak.
La evolución de la pandemia determinará su aspecto final, pero el Festival mantendrá en formato presencial el resto de su programación: la competición de la Sección Oficial, New Directors, Horizontes Latinos, Zabaltegi-Tabakalera, Perlak y Nest; la muestra de películas acompañadas de cenas temáticas de Culinary Zinema; así como Zinemira, Made in Spain y las proyecciones de Cine Infantil los fines de semana.
Los apartamentos malditos de Hideo Nakata y Tanishi Matsubara, tráiler de «Stigmatized Properties»
Es ciertamente curiosa la trayectoria de Hideo Nakata dentro del fantástico, referente indiscutible por obras como las dos primeras entregas de la saga Ring o la notable Dark Water tras un corto periplo internacional volvió a su Japón natal con trabajos dentro del género de apariencia alimenticia pero que conservan una mirada algo peculiar con respecto a una manera algo desprejuiciada de adentrarse en el fantástico como se puede comprobar en obras como Kaidan, The Complex o la reciente Sadako. Su nuevo trabajo tras las cámaras parece seguir unas mismas directrices con respecto a anteriores películas suyas, Stigmatized Properties, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se adentra en la historia real de Tanishi Matsubara, cómico japonés que ha hecho carrera a través del terror llevando años viviendo en diferentes apartamentos con un pasado sórdido en donde recopila supuestamente experiencias paranormales. Stigmatized Properties, que parte del concepto argumental del falso documental y de la referencial Ghostwatch (1992), tiene previsto su estreno en salas comerciales de Japón para el próximo 28 de agosto.
En Stigmatized Properties vemos como Yamame Yamano (Kazuya Kamenashi) es un comediante poco conocido al que su superior le propone un programa televisivo propio si se queda a vivir en propiedades estigmatizadas donde ocurrió un asesinato. Así es como Yamame Yamano comienza a quedarse en casas con un pasado tenebroso. Será en esas propiedades estigmatizadas donde empezará a experimentar varios fenómenos sobrenaturales.
La película con guion a cargo del propio Tanishi Matsubara está protagonizada por Kazuya Kamenashi, Nao, Koji Seto, Houka Kinoshita, Noriko Eguchi, Megumi, Mao, Eiji Takigawa, Ryo Kato, Ryotaro Sakaguchi, Kurumi Nakada, Babi, Shohei Uno, Junji Takada, Shinya Kote, Shinya Arino, Masaru Hamaguchi y Yasuda Dancho.
D’A 2020: Dwelling in the Fuchun Mountains/ Homeward
Hablando de óperas potentes vistas este año en el D’A Gu Xiaogang con su generacional Dwelling in the Fuchun Mountains supuso una de las cimas autorales más interesantes de las presentes en esta edición, una historia que toma su título, y en parte su espíritu, de una pintura en pergamino chino de Huang Gongwang que data del siglo XIV. Este retrato de una comunidad que coexiste entre la modernidad y la tradición utiliza el enfoque de varias generaciones de una familia como eje principal de un relato en donde somos testigos de la vida de una familia durante el periodo exacto de un año en Fuyang, ciudad del sudeste del país situado entre las dos riberas de un río, lugar de nacimiento del cineasta, centrándose en problemas cotidianos de cuatro hermanos como por ejemplo hacerse cargo de su madre, que sufre demencia o el noviazgo una de las nietas, decidida a casarse con un hombre al que la familia paterna de la chica no ve con muy buenos ojos.
Es interesante ver como una película de las características de Dwelling in the Fuchun Mountains no renuncia a conceptos estilísticos y narrativos muy presentes en el llamado nuevo cine chino sin que esto suponga algo peyorativo en su haber, en el film de Gu Xiaogang, fiel heredero de la estética y narrativa del cine de Edward Yang y Hou Hsiao-hsien, evidentemente está muy presente el milagro económico del país y claro por consiguiente el social, sin embargo pese a que el trayecto pueda parecer algo transitado a primera vista las sensaciones de autenticidad del relato, por momentos cercana al documental, hacen que la película se aleje en parte de esa suerte de retórica visual algo manida en ese tipo de cine para ofrecernos un estilo que es percibido como propio, un recorrido, o mejor trasformación, intuida en la historia como dual,
el de la familia a través de su épica y el escénico, cada uno a su manera a través de las cuatro estaciones del año van mutando progresivamente, quizás por eso Dwelling in the Fuchun Mountains nos ofrece su tesis principal en lo relacionado con el paso del tiempo y la mella que puede causar tal efecto en los personajes y en el espacio por el que suelen orbitar, en este caso no hace falta remontarse a décadas, solo hace falta un año para comprobar que estamos viviendo en un ecosistema que lejos de pararse acelera cada vez más rápido el ritmo, el transito urbanístico va a la limón que el social, en este apartado como ejemplo somos testigos de cómo el concepto familiar tradicional del respeto por los mayores y su correspondiente cuidado va poco a poco desintegrándose a causa de esa especie de virus del capitalismo percibido como ciertamente salvaje en referencia a su atropellada asimilación por parte de la actual sociedad china.
Para trasladar esa sensación de reinvención forzosa a través del tiempo Gu Xiaogang recurre a un esteticismo que da la impresión de quedar algo alejado de la sofisticación técnica que vemos por ejemplo en el cine perpetrado por Bi Gan y otros compatriotas suyos, en cierta manera esto queda muy presente en el de alguna manera ya su famoso y largo plano secuencia en donde vemos el recorrido por separado de la pareja de novios a través del omnipresente rio del relato, la mirada al entorno natural devendrá casi como una antítesis de lo entendible como enfático. Una obra de texturas sosegadas sorprendentemente hermosa en relación a ofrecernos cosas y actitudes aparentemente mundanas pero desarrollados en base a detalles tan meticulosos y minuciosos que convierten esos momentos en algo de una importancia real a través de una historia en donde esa colisión entre pasado y futuro mantienen un continuo dialogo que parece beber en relación a su narrativa de esas influencias clásicas que terminan remitiéndonos hacia un relato provisto de una genuina empatía humana en base a un lienzo cinematográfico que parece emular a una pintura y que da la sensación de transitar de forma contemplativa a través de un paisaje social y emocional. Un inspirado debut tras las cámaras de carácter inmersivo para con el espectador que posiciona a Gu Xiaogang como un talento del cual habrá que estar muy atento en el futuro en relación a ese apartado cinematográfico que curiosamente también parece encontrarse en una continua evolución como es el denominado nuevo cine chino.
Otras de las óperas primas presentes en esta edición on line del D’A 2020 fue la cinta ucraniana Homeward de Nariman Aliev, un drama familiar de índole fatalista que mira a la historia reciente del país contado a modo de una road movie de connotaciones fúnebres, tanto en lo referido a lo representado en la pantalla como en lo concerniente a lo que es su nada disimulada y austera alegoría social y política. Homeward nos cuenta como un padre y su hijo, miembros de una familia de Crimea, transportan el cadáver de su hijo y hermano respectivamente desde Kiev a Crimea para así poder enterrarlo en casa, un viaje que cambiará completamente la relación entre ambos.
La película de Nariman Aliev nos ofrece un tránsito que en todo momento es percibido como doloroso y que parte de la premisa argumental del traslado de un familiar muerto, para más inri fallecido en la guerra entre Rusia y Ucrania, a la hora de traerlo a su tierra natal para poder enterrarlo. Homeward podría clasificarse como ese tipo de película que indagan en una problemática territorial, o mejor dicho regional, aquella que nos habla del intento de preservación de una serie de tradiciones que ha sido de alguna manera debilitadas, en algunos casos borrados del mapa literalmente, a causa de conflictos bélicos pasados y presentes, en este caso se nos habla de un pueblo que parece predestinado a lo largo de su historia a la errancia como resulta ser Crimea, expuesto en el relato tanto en lo concerniente a las relaciones familiares como las socio-políticas, en ambas facetas percibiremos al poder imperial ruso como ese villano que acecha en la trastienda de la historia contada, esto ayuda a explicar en parte por qué el hijo muerto se ofreció como voluntario para luchar y por qué su padre, 
que ahora traslada su cadáver, está continuamente obsesionado con amargas quejas y un resentimiento que se remonta a generaciones pasadas, pero muy especialmente en lo referido a una problemática generacional bastante latente en todo el relato retratadas en base a actitudes enfrentadas en relación a la religión, la tradición, la identidad y la patria, por un lado la correspondiente al padre, resentido y extremadamente tradicionalista, quintaesencia de aquellas personas que en realidad nunca han estado en Crimea a causa de la deportación pero que subyacen en ellos un apego emocional extremadamente fuerte a lo que ellos mismos consideran como su tierra natal, en la otra vertiente encontramos la visión más cosmopolita del hijo menor, perteneciente a una generación con una visión fronteriza bastante más abierta, dicha confrontación de polos opuestos expuesta a través de una dialéctica orquestada bajo patrones muy prototípicos de cualquier road movie al uso estará muy presentes en una historia que conforme avanza se vuelve cada vez más frenética y abocada a un callejón sin salida y que al final pasa a ser en cierta manera circular en referencia a darle la vuelta a los pensamientos de los personajes como bien se puede comprobar en esa secuencia final que da la impresión de transitar a través de lo poético y muy especialmente de lo simbólico y en donde hace acto de aparición un reconocimiento ya mutuo entre dos generaciones apátridas hasta ese momento inexistente en la historia.
¡Más fuerte, muchachos! El cine de Bud Spencer y Terrence Hill
Carlo Pedersoli y Mario Girotti son dos nombres que nada dicen a casi nadie. Pero si les llamamos por su nombre artístico, Bud Spencer y Terence Hill, tendremos al menos a tres generaciones de espectadores que asentirán encantados.
¿Sabías que el nombre de Terence Hill siempre aparecía antes que el de Bud Spencer en los créditos de sus películas porque este consideraba que Hill era el único de los dos que realmente era actor? ¿O que Terence Hill protagonizó una de las primeras producciones de Jerry Bruckheimer? ¿Conocías las múltiples facetas de Bud Spencer además de actor: político, compositor musical, cantante, doctor en derecho, constructor de la carretera Panamericana San Cristóbal entre Venezuela y Colombia, fundador de una compañía aérea y el primer italiano en bajar del minuto en los cien metros de natación? ¿Sabías que Le llamaban Trinidad tuvo más espectadores en España que Vengadores: Endgame?
El lector encontrará estos datos y muchos más en ¡Más fuerte, muchachos! El cine de Bud Spencer y Terrence Hill, de Daniel Lorenzo, el primer ensayo en castellano sobre la vida y la obra de los intérpretes más taquilleros del cine europeo durante dos décadas consecutivas y unos verdaderos héroes del cine de barrio y los videoclubes (donde muchos descubrimos su obra y donde se convirtieron en un verdadero fenómeno). El western cómico y la buddy movie contemporánea probablemente no existirían, tal y como los conocemos, sin su trabajo conjunto. Este repaso a su filmografía también es un recorrido por todos los géneros y las tendencias cinematográficas a las que estos intérpretes supieron adaptarse en cada momento. Un viaje que no renuncia a la nostalgia, pero que pone de manifiesto los valores artísticos que atesoran muchas de sus películas.
Autor; Daniel Lorenzo, apéndice de ‘Los clones de Bud Spencer y Terence Hill” escrito por Ismael Rubio, Ilustraciones interiores de Alberto Peral. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas: 268
Curso de verano CineAsia Korea 100: Cien años de cine coreano
Tras dos experiencias este mismo año, y ante la demanda que ha tenido el curso, CineAsia presenta la 3ª edición de ‘Korea 100 by CineAsia’ En esta ocasión en formato intensivo (aunque con el mismo número de horas), como curso de verano, del 13 al 31 de julio. Un repaso a los cien años de historia de una cinematografía que con Parásitos de Bong Joon-ho ha conseguido consagrarse como una de las más importantes del mundo.
Además, los quince primeros alumnos inscritos al curso, tendrá acceso libre a Filmin durante una semana, incluyendo toda la colección de cine coreano que se encuentra en el catálogo de la plataforma online.
Ficha técnica:
Fecha
13/07/2020 al 31/07/2020 (lunes, miércoles y viernes)
Horario
10 sesiones de 2 horas a través de la plataforma Zoom: tres días a la semana, lunes, miércoles y viernes de 19:00h a 21:00h. Excepto la última semana de julio: lunes, miércoles, jueves y viernes.
Duración total del curso y sesiones: 20 horas, 10 sesiones de 2 horas (las 10 sesiones en Zoom) + acceso gratuito a Filmin para las 15 primeras inscripciones al curso.
Lugar
Online. 48 horas antes de la primera sesión las personas inscritas recibirán la información necesaria para acceder al curso.
Precio:
85 euros por las 10 sesiones de 2 horas en Zoom (20 horas en total). Se entregará por correo electrónico un certificado de asistencia al curso para quien lo solicite y que haya asistido al 80% de las clases.
Contenido del curso
SESIÓN 1
Lunes 13 de julio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
Presentación. Estructura del curso. Diez claves para ver cine coreano: Introducción a Corea y cine coreano: evolución de la sociedad, de la política y de la economía coreana. Visión general, cómo ha evolucionado, qué influencias tiene, qué géneros, su posición en el mundo, su importancia en la economía coreana
SESIÓN 2
Miércoles 15 de julio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
El cine de coreano antes y después de la Guerra: del nacimiento del cine a la Edad de Oro del cine coreano. ¿Cómo llega el cine a la península coreana? La ocupación japonesa. Los primeros films. La llegada del sonoro. La Guerra de Corea. Uno de los fundamentos para el conocimiento del pueblo coreano es profundizar en el análisis de la guerra que separó a Corea en dos: Corea del Norte y Corea del Sur. Nos acercaremos a los rasgos característicos del cine coreano antes y después de la guerra. La edad de oro del cine coreano
SESIÓN 3
Viernes 17 de julio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
El declive, la censura y el cine comercial coreano: (1970-1980-1990). Desde la censura y el cine comercial predominante en los años 70 y 80 pasamos a un nuevo salto económico. Apertura política (1993 primeras elecciones democráticas). Apertura de salas de exhibición. Desarrollo de los chaebols. Cuota de pantalla. Creación del Festival de Pusán (1996). En general: establecimiento de una “industria del cine coreano”.
SESIÓN 4
Lunes 20 de julio de 19.00 h a 21.00 h
Grandes nombres del cine coreano. Parte I (1950-1998). El cine coreano antes del cambio de siglo ha permanecido oculto debido a los avatares políticos y militares que ha tenido que enfrentar la península coreana. Analizaremos la obra de 5 nombres claves para entender el cine coreano clásico: Kim Ki-young, Shin Sang-ok, Lee Man-hee, Im Kwok-taek, Park Kwang-soo
SESIÓN 5
Miércoles 22 de julio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
La Nueva Ola de cine coreano (1999-2018). El cine de Corea del Sur ha permanecido invisible a lo largo de la historia por conflictos y guerras. ¿Qué ha pasado con el cine coreano a partir de 1999?
SESIÓN 6 y 7
Viernes 24 de julio y Lunes 27 de julio de 19.00 h a 21.00 h
Grandes nombres del cine coreano. Parte II (1999-2020). Tras la proyección de la película La isla de Kim Ki-duk en el Festival de cine de Venecia, el cine coreano empieza a penetrar en Occidente. Desde entonces, sus directores se han paseado por los festivales internacionales de todo el mundo visibilizando su cine. Analizaremos la obra de 5 de ellos: Kim Ki-duk, Bong Joon-ho, Park Chan-wook, Lee Chang-dong, y Kim Ji-woon.
SESIÓN 8
Miércoles 29 de julio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
Los géneros en el cine coreano. Comercialidad vs cine de autor. Los géneros en general: introducción. El melodrama coreano: comedia romántica y drama los géneros por excelencia. Acción, thriller, terror, artes marciales, cine bélico. La mezcla de géneros en el cine coreano, como la mezcla en la propia sociedad (por ejemplo, en su gastronomía).
SESIÓN 9
Jueves 30 de julio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
Series coreanas: la fórmula del éxito que triunfa en todo el mundo. Los K-dramas o series coreanas conforman una industria de igual o mayor nivel que la del cine coreano. Directores noveles o consagrados y actores y actrices simultanean su aparición en producciones cinematográficas y en el mercado de las series. Un mercado que no sólo se limita a Corea, sino que se exporta a todo el mundo.
SESIÓN 10
Viernes 31 de julio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
Situación actual y futuro del cine coreano. El cine coreano tiene en la actualidad una cuota de pantalla que supera el 50%. Una cuota que ha mantenido desde principios de siglo. ¿Cuál es el futuro del cine coreano? Nuevos mercados de expansión. Box Office y cine independiente.
Colaboración con la plataforma Filmin
Filmin es la plataforma de cine y series que opera en España desde 2008 (hace ahora 14 años). Una oportunidad para conectar con el cine asiático de primera línea ya que cuentan entre su catálogo más de 250 cintas asiáticas. Los quince primeros alumnos que se apunten al curso, recibirán un código para poder ver a lo largo de una semana toda la oferta de títulos de la plataforma, incluida la selección de títulos coreanos presentes en la plataforma.
Profesorado (consultar equipo)
Curso de verano online. Un travelling por el cine asiático
Tras la experiencia de 2018 y 2019, el curso ‘Un travelling por el cine asiático’ regresa este verano en formato online, para todas aquellas personas que quieran tener una visión global de las diferentes cinematografías asiáticas.
El curso, que se realiza de manera intensiva a lo largo de una semana, abarca desde los clásicos japoneses (con Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi y Yasujiro Ozu a la cabeza), hasta el cine japonés contemporáneo de Hirokazu Koreeda y el anime; pasando por la cinematografía coreana, oculta a lo largo de los años de dictadura, pero que hoy se ha hecho universal gracias a la Nueva Ola de directores; el cine chino, el producido en Hong Kong y Taiwan, además de ofrecer un repaso a una de los cines más coloridos del mundo: el cine indio.
Ficha técnica:
Fechas: 6-10 de julio de 2020
Sesiones: 5 sesiones de 2 horas a través de Zoom: del lunes 6 de julio de 2020 al viernes 10 de julio de 2020, los 5 días de la semana de 19.00 h a 21.00 h.
Duración total del curso y número y duración de las sesiones: 10 horas, 5 sesiones de 2 horas (las 10 sesiones online a través de la plataforma Zoom)
Inscripciones abiertas.
Online. 24 horas antes del acto las personas inscritas recibirán la información necesaria para acceder.
Precio: 65 euros por las 5 sesiones de 2 horas en Casa Asia.
Se entregará por correo electrónico un certificado de asistencia al curso para quien lo solicite y que haya asistido al 80% de las clases.
Sesiones:
SESIÓN 1: Lunes 6 de julio de 2020 de 19.00 h a 21.30 h
Presentación del curso: A través de un recorrido por las cinematografías asiáticas que desarrollaremos en las diferentes sesiones.
El cine de Japón: del clasicismo de Kurosawa al cine japonés contemporáneo. Desde los años 50, en el que la cinematografía japonesa se hace presente en Occidente a través de los films de Akira Kurosawa o Yasujiro Ozu, esta cinematografía se ha diversificado a lo largo del tiempo, tanto en géneros como en cineastas: desde el terror de The Ring, a la justicia poética de Takeshi Kitano, desde los clásicos, a las nuevas propuestas procedentes del manga.
SESIÓN 2: Martes 7 de julio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
De la edad del oro del cine coreano a la Nueva Ola. El cine de Corea del Sur ha permanecido invisible a lo largo de la historia: ya sea por la ocupación de su territorio, tanto por China como por Japón, la guerra civil que separó a la Península coreana en el Norte y el Sur y los años de dictadura. ¿Qué ha pasado con el cine coreano a partir de 1999? El éxito internacional de la Nueva Ola de cine coreano
SESIÓN 3: Miércoles 8 de julio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
El despertar del cine chino. La inauguración de 20 salas de cine al día en China es un fenómeno que nos da una dimensión de lo que está suponiendo en la actualidad la industria de cine chino. Repasaremos todas las generaciones en las que se divide la cinematografía de China, hablando de los grandes nombres que ha dado cada una de ellas desde Fei Mu a Zhang Yimou o Jia Zhangke.
SESIÓN 4: Jueves 9 de julio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
El cine de Hong Kong y Taiwán: El cine de China continental se diferencia del cine que se ha producido de forma paralela en Hong Kong y en Taiwán. Analizaremos la industria de Hong Kong y la de Taiwán. Los nuevos tiempos de expansión global nos traen trabajos en las que no es extraño ver a las tres cinematografías uniendo sus fuerzas en superproducciones de explotación internacional.
SESIONES 5: Viernes 10 de julio de 2020 de 19.00 h a 21.00 h
Más allá de Bollywood: descubriendo las industrias del cine indio. India con sus 1.200 millones de habitantes, y sus 22 lenguas oficiales, supone un entramado cultural multilingüístico que propicia la presencia de diferentes cinematografías, todas ellas unidas por la luz, el color y la música. Desde Bollywood a Kollywood, el cine indio fagocita a cualquier otra expresión cinematográfica internacional en su país.
Perfil del profesorado
Puedes consultar el equipo de profesionales que impartirá el curso.
La reina del Soul, tráiler de «Respect»
Si a finales del pasado año tuvimos la oportunidad de poder disfrutar de la notable Amazing Grace, documental que nos mostró casi en tiempo real el concierto del año 1972 en el cual Aretha Franklin decidió volver a sus raíces y dedicar un álbum en vivo a la música con la que se crió, el góspel ahora es turno para el que será su biopic cinematográfico en donde se nos relata la trayectoria de la legendaria cantante estadounidense. Respect, cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el debut en el largometraje de Liesl Tommy, realizadora hasta ahora habitual en el ámbito televisivo con trabajos en series tales como Insecure, Jessica Jones o Mrs. Fletcher entre otras. Respect aún sin fecha de estreno en España verá la luz en salas comerciales de Estados Unidos el próximo 25 de diciembre.
La película con guion de Tracey Scott Wilson está protagonizada por Jennifer Hudson, Leroy McClain, Forest Whitaker, Tate Donovan, Marlon Wayans, Marc Maron, Tituss Burgess, Audra McDonald, Mary J. Blige, Victoria Paige Watkins, Kimberly Scott, Joshua Mikel, Lodric D. Collins, Jamaal Burcher, Saycon Sengbloh, Heather Headley, Olaolu Winfunke, Gilbert Glenn Brown, Brandon Gilpin, Skye Dakota Turner, Maurice Johnson, Audrey Williams, Damani Sease, Hailey Kilgore, Brenda Nicole Moorer, Peyton Jackson, Aba Arthur, Henry Riggs, William J. Simmons, David Simpson, Chase Burgess y Alec Barnes.
El noir artístico, tráiler español de «Una obra maestra»
Tras clausurar el pasado Festival Internacional de Cine de Venecia y presentarse en nuestro país en el Festival de San Sebastián (critica aquí) en donde Donald Sutherland recibió el Premio Donostia Filmax acaba de lanzar el tráiler y póster español, que podéis ver a final de página, de Una obra maestra (The Burnt Orange Heresy), film dirigido por el cineasta italiano Giuseppe Capotondi (La doppia ora, Berlin Station) que llegará a las salas comerciales de España el próximo 17 de julio. Basada en la novela de Charles Willeford, que RBA reeditará el 16 de julio bajo el sello Serie Negra coincidiendo con el estreno del film en España, Una obra maestra se asoma a los entresijos del mundo del arte a través de una historia que cuestiona hasta dónde estamos dispuestos a llegar para cumplir nuestra ambición y las mentiras que fabricamos a la hora de perseguir nuestros objetivos.
Una obra maestra nos cuenta como el crítico de arte James Figueras se siente atraído por una turista estadounidense llamada Berenice Hollis. En pleno idilio ambos viajan al paradisíaco lago de Como para visitar a un poderoso coleccionista de arte llamado Cassidy. Este les revela que es el mecenas del famoso pintor Jerome Debney proponiéndoles indagar y recabar información en su oculta y misteriosa obra.
La película con guion adaptado a cargo de Scott B. Smith (Siberia, Un plan sencillo) está protagonizada por Claes Bang, Elizabeth Debicki, Donald Sutherland, Mick Jagger, Rosalind Halstead y Alessandro Fabrizi.
Proyecciones Xcèntric: Retracted Cinema
Este programa de retracted cinema contrasta con la lógica expansionista y anexionista del cine expandido al presentar obras que doblan sobre sí mismo el material encontrado o archivado a la manera de un origami conceptual. Los artistas utilizan algoritmos para realizar estas reediciones, que encarnan una política y una estética de la superficie no orientable.
Este programa de una hora presenta diez cortometrajes de películas experimentales centrados en la recontextualización de metraje encontrado o de archivo mediante la intervención algorítmica. Estos trabajos de retracted cinema se apartan de las prácticas consagradas del «cine expandido» por las que los materiales de la película se recontextualizan mediante la complementación y la colisión con materiales adicionales y medios extrínsecos, como la performance en vivo. En cambio, los trabajos presentados en el programa «Retracted Cinema» utilizan el propio material fílmico apropiado como lugar y medio de autorecontextualización. Los resultados se logran aplicando un conjunto de reglas o restricciones (un algoritmo) que rigen un conjunto repetible (iterativo) de transformaciones. De este modo, la concepción artística forja un puente que vincula los impulsos algorítmicos dentro de las tradiciones del cine de vanguardia, la literatura y las artes visuales, más concretamente, el détournement del metraje encontrado (cine reciclado) y un cine expandido «invertido», OuLiPo (Ouvroir de littérature potentielle) y el arte conceptual (de Duchamp a Sol Lewitt, Hanne Darboven y otros).
17-17, Gonzalo Egurza, Argentina, 2017, 5 min 10, Home Movie Holes, Albert Alcoz, España, 2009, 3 min; Psycho 60/98, Blanca Rego, España, 2016, 6 min 30 s; Happy Again, Gregg Biermann, Estados Unidos, 2006, 5 min 10 s;Naturalezas muertas (en seis movimientos), Vitor Magalhães, Portugal, 2019-20, (versión 2), sin sonido, 8 min 39 s; ¿Qué es lo que ves, YOLO9000?, Estampa, España, 2019, 4 min 50 s; Optical De-dramatization Engine, Barbara Lattanzi, Estados Unidos, 2015, 5 min; Floating Point, Peter Freund, Estados Unidos, 2020, 6 min; Torvix, Eloi Puig, España, 2011-presente, 5 min; Lost Footage, Kuku Sabzi, Estados Unidos, 2020, 2 min 11 s.
Proyección en digital. Copias y software cortesía de los artistas.
Un programa de Peter Freund.
Fecha: 29 septiembre 2020
Horario: 19:30
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Tráiler y póster español de «Ip Man 4: El final»
La culminación de la famosa tetralogía del personaje de Ip Man protagonizada por Donnie Yen llega con esta cuarta parte a su final como bien indica su título, Ip Man 4: El final, cuyo tráiler y póster español podéis ver a final de página, será la película encargada de clausurar la 17º edición del Festival Nits de cinema oriental que se celebrará del 23 al 26 de julio. Ip Man 4: El final distribuida por Cinemaran y Garbomedia verá la luz en nuestro país el próximo 23 de agosto a través de Movistar+.
En Ip Man 4: El final Donnie Yen vuelve a ponerse en la piel del respetado maestro de artes marciales Wing Chun. Con cerca de 60 años de edad recién diagnosticado con cáncer y tras la muerte de su mujer, Ip Man viaja con su hijo a Estados Unidos invitado por su famoso discípulo Bruce Lee. Pronto descubrirá que la relación entre chinos y estadounidenses y las distintas maneras de interpretar las artistas marciales son tan complejas como llena de actitudes racistas.
La película con guion de Hiroshi Fukazawa y Edmond Wong y música a cargo de Kenji Kawai está protagonizada por Donnie Yen, Scott Adkins, Danny Chan, Vanness Wu, Nathan Head, Jim Liu, Kent Cheng, Mark Strange, Nicola Stuart-Hill, David Johnson Wood, Linda-Jean Barry, Jason Redshaw, Wu Yue, Steven Dasz, Grace Englert, Chris Collins, Adrian Wheeler, Ka-nin Ngo, Mark Hugh-Williams, David Charles-Cully, Debra Tennant, Archibald C. McColl IV, Khariis Ubiaro, John F. Cruz, T. Mark Owens, Dale Grant, Troy Sandford, Diego Dati, Darren Leung, Janine Bromhead, Maksim Garbuzov, Awale Abdillahi, Winson Ting, Vicky Crooke, Hannah Templeton-Cox, Zachary Ladkin, Harley Anderson, Bethan Talbot, Amin Jaafoura, Sue Foxcroft, Letizia De’Nai, Jamie Vee, Christy Louise Cormack, Ianthe Shirley, Omar Kalik, Nico Amedeo, Jacqui Rowen y Stacey Fox.
«Rifkin’s Festival» de Woody Allen inaugurará la 68 edición del Festival de San Sebastián
La comedia romántica, rodada en la capital guipuzcoana, está protagonizada por Elena Anaya, Louis Garrel, Gina Gershon, Sergi López, Wallace Shawn y Christoph Waltz.
El estreno mundial de la nueva película de Woody Allen, Rifkin’s Festival, inaugurará, fuera de concurso, la 68 edición del Festival de San Sebastián el próximo 18 de septiembre en el Auditorio Kursaal.
El filme, producido por The Mediapro Studio, Gravier Productions y Wildside, fue rodado el pasado verano en San Sebastián y otras localidades de Gipuzkoa. Narra la historia de un matrimonio estadounidense que acude al Festival de San Sebastián y queda prendado del festival, de la belleza y encanto de la ciudad y de la fantasía del mundo del cine. Ella tiene un affaire con un director de cine francés y él se enamora de una española residente en la ciudad.
Esta comedia romántica escrita y dirigida por Woody Allen cuenta en su reparto con Elena Anaya –Wonder Woman, La piel que habito–, Louis Garrel –J’accuse (El oficial y el espía), L’homme fidèle (Un hombre fiel)–, Gina Gershon –The Insider (El Dilema)–, Sergi López –A Perfect Day (Un día perfecto), El laberinto del fauno–, Wallace Shawn –Radio Days (Días de radio), Princess Bride (La princesa prometida), Marriage Story (Historia de un matrimonio)–, y Christoph Waltz –Spetcre, Django Unchained (Django desencadenado) e Inglourious Basterds (Malditos bastardos), filmes por los que ha logrado dos Oscar.
Es la segunda vez que Allen inaugura el Festival de San Sebastián, tras la apertura en 2004 con Melinda and Melinda (Melinda y Melinda). Ese año el Festival le entregó el Premio Donostia y dedicó una retrospectiva a su obra, Conocer a Woody Allen. La relación con el cineasta neoyorquino se remonta a finales de los 70, cuando películas como Manhattan (1979), Zelig (1983) o Manhattan Murder Mystery (Misterioso asesinato en Manhattan, 1993) se proyectaron tanto en la Sección Oficial fuera de competición como en secciones paralelas. En 1985 la recién nacida Zabaltegi se inauguró con The Purple Rose of Cairo (La rosa púrpura de El Cairo). En los últimos años, varios de sus filmes han sido programados en Perlak: Match Point (2005), Vicky Cristina Barcelona (2008, con la que volvió a visitar el Festival, acompañado de Javier Bardem y Penélope Cruz), Whatever Works (Si la cosa funciona, 2009) e Irrational Man (2015).
Rifkin’s Festival es la cuarta colaboración entre Mediapro y el director y guionista después de que la compañía española produjera Midnight in Paris (2011), You Will Meet a Tall Dark Stranger (Conocerás al hombre de tus sueños, 2010) y Vicky Cristina Barcelona (2008), filmes que lograron dos Premios Oscar®, entre otros muchos reconocimientos y galardones. La película será distribuida en España por TriPictures, y The Mediapro Studio Distribution se ocupará de las ventas internacionales.
Rifkin’s Festival
Woody Allen (España – EEUU – Italia)
Intérpretes: Elena Anaya, Louis Garrel, Gina Gershon, Sergi López, Wallace Shawn, Christoph Waltz
Rifkin’s Festival narra la historia de un matrimonio estadounidense que acude al Festival de San Sebastián. La pareja queda prendada del festival, así como de la belleza y encanto de España y la fantasía del mundo del cine. Ella tiene un affaire con un brillante director de cine francés y él se enamora de una bella española residente en la ciudad. Una comedia romántica que se resuelve de un modo divertido.
Los espíritus de Fellini
«No puedo evitar pensar en el esfuerzo desesperado que hace el hombre para organizar su propia vida. Porque el circo es, ante todo, el espectáculo de la
vida. Todos los elementos de ésta se encuentran en él, arrojados de cualquier manera, tan violentos, tan trágicos, tan tiernos. Todos, sin excepción. La vida
colectiva, por ejemplo. La más difícil que existe. Hecha de trabajo en equipo, de éxitos personales, de fracasos, de celos, de fealdad y de belleza, de amor,
de vergüenza, de rencores. Y la casa provisional, como sabemos que lo son de ahí nuestra angustia eterna la mayoría de los verdaderos hogares. También se encuentra allí la gracia, puesto que hay niños. Y el ritmo, puesto que hay animales. Y el Miedo, puesto que está el hombre. Y no olvidemos a la Muerte, siempre presente como en todos los ritos, en todas las religiones, a la espera paciente de sus víctimas, inocentes o culpables.» Federico Fellini
El autor
José Luis de Vilallonga (Madrid, 1920 – Andratx, 2007) Marqués de Castellvell y Grande de España. Desde los 18 años, colaboró en diversas publicaciones españolas. En 1951 se instaló en París. En esa misma ciudad fue portavoz de la Junta Democrática de España. De regreso a Madrid, colaboró regularmente en Interviú, El Periódico, El País, La Vanguardia, ABC, Panorama y Vogue. Asimismo, ha escrito guiones de cine y televisión. En 1994, el gobierno francés le concedió el rango de Oficial de la Legión de Honor por su obra escrita en francés.
Autor: José Luis de Vilallonga, Editorial: EDITORIAL ELBA, Páginas: 120
J.M. Coetzee a la gran pantalla, tráiler de «Waiting for the Barbarians»
Mucha expectación había suscitado la adaptación al cine de Waiting for the Barbarians, una de las novelas más conocidas del premio Nobel de Literatura J.M. Coetzee, la película, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el debut del realizador colombiano Ciro Guerra (Los viajes del viento, El abrazo de la serpiente) en una producción de índole internacional. Waiting for the Barbarians tras su recorrido el pasado año por los festivales como Venecia y San Sebastián (critica aquí) verá la luz en Estados Unidos vía VOD el próximo 7 de agosto.
En Waiting for the Barbarians vemos como el administrador de un asentamiento aislado en la frontera de un imperio sin nombre anhela una jubilación tranquila que se verá en serio peligro con la llegada del Coronel Joll, cuya misión es informar de las actividades de unos supuestos bárbaros y de los problemas de seguridad en la frontera. Joll lleva a cabo una serie de implacables interrogatorios. La forma de tratar a los bárbaros del Coronel y la tortura de una joven indígena se combinan para llevar al administrador a una crisis de conciencia que derivara en un acto de rebelión.
La película con guion del propio J.M. Coetzee y música compuesta por Giampiero Ambrosi está protagonizada por Mark Rylance, Johnny Depp, Robert Pattinson, Harry Melling, Gana Bayarsaikhan, Greta Scacchi, Sam Reid, David Dencik, Bill Milner, Gursed Dalkhsuren y Tserendagva Purevdorj.
https://youtu.be/ZwH-uSCuDdg
«Il signor Diavolo» review
Carlo es un chico de 14 años que ha matado a otro llamado Emilio, a quien cuidaba el párroco local. El Ministro del Interior italiano quiere saber qué es exactamente lo que ha sucedido, ya que la relación entre la Iglesia y las instituciones políticas no pasa precisamente por su mejor momento. Carlo acusa al diablo de ser el responsable de lo sucedido y comenta la influencia que ha tenido sobre él una monja. El adolescente está convencido de que Emilio fue el responsable de la muerte de Paolino, su mejor amigo, dos años antes.
Uno de los puntos álgidos de la pasada edición del Festival de Sitges fue el reconocimiento en forma de un merecido homenaje otorgado al veterano realizador italiano Pupi Avati, en su extensa carrera como director, en donde ha transitado por casi todos los géneros cinematográficos habidos y por haber, comedia, cine histórico, drama etc, encontraremos algunas indagaciones dentro del fantástico ciertamente interesantes como por ejemplo Balsamus l’uomo di Satana o Le strelle nel fosso pasando por ya reconocidos clásicos dentro del mismo como La casa dalle finestre che ridono, Zeder o la magnífica L’arcano incantatore, curiosamente y pese a una alternancia genérica en su filmografía muy visible Avati siempre ha regresado de una forma relativamente cíclica al género de terror, Il nascondiglio del año 2007 no dejaba de ser una interesante re visitación de temarios ya transitados con anterioridad, a sus 80 años de edad el realizador italiano continua ampliando un legado cinematográfico ciertamente notable, Il signor Diavolo basada en una novela escrita por el propio Avati y publicada el pasado año supone un nuevo acercamiento por parte del realizador de origen boloñés a ese género fantástico rural tan presente en su filmografía siendo una de las propuestas más coherentes y lucidas dentro del ámbito autoral de las vistas este año en Sitges.
Sin embargo no deja de tener un regusto algo amargo por lo que respecta a un servidor el paso del gran Pupi Avati, un autor ajeno a cualquier tipo de modas y coyunturas, por el Festival de Sitges, las dos proyecciones en pantalla grande de sus películas, Zeder y la que nos ocupa no tuvieron el beneplácito ni mucho menos del lleno en el cine Prado por parte del público del certamen, una pena que estas oportunidades, en cierta manera únicas, de descubrir en primera persona una trayectoria pretérita de un autor tan fundamental y aquí no tan conocido en según que círculos como resulta ser Avati no figure como una opción primordial por parte de un tipo de espectador que el propio festival a lo largo de estos últimos años ha ido direccionando de forma casi forzada al evento y las inmediatez cinematográfica, en tal sentido no basta con programar puntualmente según que cosas, se tiene que publicitar adecuadamente ese esfuerzo en apariencia realizado, de alguna manera obligar y empujar al espectador virgen al descubrimiento como tal. Sea como fuere la notable Il signor Diavolo, fiel a ese dictado tan característico en el cine de Avati en donde el peso del pasado deviene un lastre para sus personajes y en donde el concepto
de la premonición deviene como un activo esencial en su narrativa viene a significar la certificación de una militancia percibida como irrenunciable en base a una manera de entender hacer cine. Ambientado en el denominado Padano gótico el film indaga a modo de supersticiones atávicas, una temática que ya estaba más o menos presente en sus anteriores L’arcano incantatore y Il nascondiglio, en Il signor Diavolo esa diversidad genérica y por consiguiente su equilibrio está aún más presente si cabe que en los films antes citados, desde el thriller policíaco de investigación pasando por componentes políticos, religiosos y evidentemente demoniacos, también encontramos en el relato algún que otro apunte autobiográfico en relación a esa sempiterna confrontación que anida en la fe existente y creencia, o no, del ser humano al igual que resulta especialmente visible esa otra marca de la casa por parte del responsable de Le strelle nel fosso en donde esa cultura campesina y regional que parece anclada en el tiempo es utilizada para otros discursos de un índole digamos más universal.
Il signor Diavolo termina siendo como no podía ser de otra manera una película de connotaciones atemporales, expuesto principalmente a través de un esteticismo que parece proveniente de otro tiempo y que seguramente más de uno tildara de anacrónico, nada más lejos de la realidad pues que puede haber más actual que una irrenunciable constancia de tratados que no se detienen en echar mano a modernidades liquidas, en parte este nuevo film de Pupi Avati y su manera en general de percibir el medio cinematográfico deviene como una especie en extinción, casi en desuso, un cine tan artesanal en su definición escénica como incluso familiar, su hermano Antonio y su hijo Alvise han estado presentes a la hora de dar forma a esta producción, en relación a un proyecto que da la impresión de ir continuamente a contracorriente. Il signor Diavolo supone un regreso al inicio que un servidor percibe que no tendrá continuidad, un retorno a ese clasicismo gótico que curiosamente nos advierte de la proximidad del final de una carrera claramente reflejada en una de las cintas más libres de espíritu y sinceras con respecto a su adscripción genérica de las surgidas el pasado año dentro del ámbito del fantástico, un realizador en definitiva que nunca ha querido ser cautivo de ningún género en concreto, o al menos de ese que suele ser tan prominente que de alguna manera hace desaparecer los rasgos del autor a favor de ese otro en donde la caligrafía y el tono si llegan a ser plenamente reconocibles.
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Tráiler y póster de Antidisturbios, lo nuevo de Rodrigo Sorogoyen
Movistar+ acaba de lanzar un primer tráiler y póster oficial que podéis ver a final de página del nuevo trabajo creado por Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña titulado Antidisturbios, una serie policiaca contemporánea que constará de 6 episodios de 50 minutos de duración que estrenará Movistar+ después del verano.
Con una mirada en crudo el nominado al Oscar Rodrigo Sorogoyen, cocreador, coguionista y director de la serie, y uno de los autores más premiados del cine español, dirige un relato que gira en torno a la figura del policía antidisturbios en nuestra sociedad.
En palabras de su director se trata de “una serie pegada a la realidad y a la época en la que vivimos, pero no juzga, no alimenta estereotipos, no caricaturiza ningún colectivo ni se posiciona políticamente”.
Vicky Luengo interpreta a una agente de Asuntos Internos que investiga a los seis policías antidisturbios del “Puma 93”, un personaje poliédrico que completa el juego entre perseguidora y perseguidos en un entorno hostil. Con una complicidad que traspasa la pantalla, Raúl Arévalo, Álex García, Hovik Keuchkerian, Roberto Álamo, Raúl Prieto y Patrick Criado dan vida al grupo de policías investigados para los que componen unos personajes complejos y contradictorios.
Escrita por Eduardo Villanueva, Isabel Peña y el propio Sorogoyen, la apuesta se traduce en pantalla en una producción rodada en más de 100 localizaciones naturales, más de 200 sets, un furgón policial protagonista (acondicionado) y cientos de figurantes. Se ha rodado en las localizaciones naturales que han inspirado la trama como comisarías de policía, una corrala madrileña, casas, bares, juzgados o una playa. La búsqueda del ambiente realista de calles, túneles, barrios, despachos o pasillos ha construido un paisaje dramático inmersivo para los espectadores.
Rodeado de su equipo técnico habitual, Sorogoyen propone una puesta en escena hiperrealista que se extiende al diseño de personajes, tramas y al trabajo técnico detrás de las cámaras y que ha supuesto grandes retos en todos los departamentos: desde la música de Olivier Arson, pasando por el vestuario de Alberto Valcárcel, el sonido de Aitor Berenguer, el montaje de Alberto del Campo, hasta la fotografía de Alex de Pablo.
En Antidisturbios vemos como seis antidisturbios ejecutan un desahucio en el centro de Madrid que se complica y un hombre acaba muriendo. Un equipo de Asuntos Internos será el encargado de investigar los hechos y los seis antidisturbios se enfrentan a una acusación de homicidio imprudente. El grupo de agentes busca una salida por su cuenta que acaba separándolos y, finalmente, complicando aún más la situación. Laia, una de las agentes de Asuntos Internos, se obsesiona con el caso y acaba descubriendo que, tras ese desahucio malogrado, hay mucho más.
‘Antidisturbios’ es una producción original de Movistar+ en colaboración con The Lab y Caballo Films.
Viggo Mortensen Premio Donostia 2020 en reconocimiento a su trayectoria
El actor y cineasta Viggo Mortensen recibirá un Premio Donostia en reconocimiento a su carrera durante la 68 edición del Festival de San Sebastián, donde la estrella estadounidense presentará la película Falling, su debut como director.
El filme, que clausuró el Festival de Sundance y forma parte de las películas seleccionadas por el Festival de Cannes, tendrá su premiere europea en San Sebastián. Falling está protagonizado por el veterano Lance Henriksen y por el propio Mortensen, que también firma el guión. Interpretan a un padre y a un hijo cuyos diferentes mundos colisionan en este drama familiar producido por el sello del actor, Perceval Pictures, junto a Ingenious, Hanway Films, Scythia Films y Zephyr Films. Su estreno está previsto el 2 de octubre en España, donde la película será distribuida por Caramel Films y Youplanet Pictures.
En los últimos 35 años, Viggo Mortensen ha participado en medio centenar de películas –de cineastas como David Cronenberg, Peter Weir, Jane Campion, Peter Jackson, Gus Van Sant, Brian de Palma, Agustín Díaz Yanes, Ana Piterbarg, Lisandro Alonso, David Oelhoffen, Peter Farrelly o Matt Ross– en las que ha estampado su sello de calidad sin importar el género cinematográfico. No sólo formó parte del elenco de la trilogía fantástica The Lord of the Rings (El señor de los anillos), en la que interpretó al inmortal Aragorn, sino que también ha optado al Oscar en tres ocasiones por Eastern Promises (Promesas del Este, David Cronenberg, 2007), Captain Fantastic (Matt Ross, 2016) y Green Book (Peter Farrelly, 2018).
BIOFILMOGRAFÍA
Nacido en Nueva York en 1958 de padre danés y madre estadounidense, Viggo Mortensen vivió gran parte de su infancia en Argentina, donde entre otras cosas aprendió a hablar español, uno de los muchos idiomas en los que puede expresarse. Tras regresar a su país natal, estudió arte dramático y trabajó en el teatro. Su primer papel en el cine fue junto a Harrison Ford en Witness (Único testigo, Peter Weir, 1985), intriga policíaca en la que encarnó a un granjero amish.
En sus inicios cultivó el cine de género y apareció en secuelas como Leatherface: Texas Chainsaw Massacre III (La matanza de Texas III, Jeff Burr, 1989), en la que fue hermano del legendario Cara de Cuero, o en el western Young Guns II (Intrépidos forajidos, Geoff Murphy, 1990). No tardó en lograr sus primeros papeles protagonistas como el de misterioso recluso de Prison (Presidio, Renny Harlin, 1987), el de hermano mayor en el inquietante film de culto The Reflecting Skin (La piel que brilla, Philip Ridley, 1990) o el de veterano de Vietnam en The Indian Runner (Extraño vínculo de sangre, 1991), debut en la dirección de Sean Penn.
En la década de los 90 trabajó para cineastas como Brian de Palma (Carlito’s Way / Atrapado por su pasado, 1993), Tony Scott (Crimson Tide / Marea roja, 1995), Jane Campion (The Portrait of a Lady / Retrato de una dama, 1996) y Ridley Scott (G.I. Jane / La teniente O’Neil, 1997). Poco después de realizar sus primeras apariciones en producciones españolas como Gimlet (José Luis Acosta, Zabaltegi-Nuevos Directores, 1995) o La pistola de mi hermano (Ray Loriga, 1996), actuó en dos remakes de Alfred Hitchcock a cargo de Andrew Davis (A Perfect Murder / Un crimen perfecto, 1998) y Gus Van Sant (Psycho / Psicosis, 1998).
Fue en el cambio de milenio cuando Mortensen vio su figura catapultada al estrellato gracias a la adaptación de la trilogía fantástica El señor de los anillos, dirigida por Peter Jackson a partir de la obra literaria de J.R.R. Tolkien. Con gran éxito de público, el actor dio vida al personaje de Aragorn en The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring (El señor de los anillos: La comunidad del anillo, 2001), The Lord of the Rings: The Two Towers (El señor de los anillos: Las dos torres, 2002) y The Lord of the Rings: The Return of the King (El señor de los anillos: El retorno del rey, 2003). Después siguió blandiendo la espada, esta vez como intrépido capitán del Siglo de Oro español, en Alatriste (2006), la superproducción dirigida por Agustín Díaz Yanes.
También fue hombre corriente asaltado por un oscuro pasado en A History of Violence (Una historia de violencia, 2005), la primera de sus tres colaboraciones con David Cronenberg, a cuyas órdenes volvió a ponerse como empleado de la mafia rusa en Eastern Promises (Promesas del Este, 2007), que inauguró con su presencia la Sección Oficial del Festival de San Sebastián y le procuró su primera nominación al Óscar, y como el mismísimo Sigmund Freud en A Dangerous Method (Un método peligroso, 2011).
En la última década ha participado en otras adaptaciones literarias como The Road (La carretera, John Hillcoat, 2008) y On The Road (En el camino, Walter Salles, 2011), basadas en libros de Cormac McCarthy y Jack Kerouac, respectivamente. En su doble faceta de actor y productor ha brindado su talento a filmes argentinos como Todos tenemos un plan (Ana Piterbarg, 2012) o Jauja (Lisandro Alonso, Horizontes Latinos, 2014), con el que regresó a San Sebastián. Sus dos últimas nominaciones a los premios de la Academia de Hollywood fueron por Captain Fantastic (Matt Ross, 2016), en la que interpretó a un padre a cargo de seis hijos, y por su trabajo en la ganadora del Oscar a la mejor película Green Book (Peter Farrelly, 2018), en la que fue el chófer del pianista afroamericano Don Shirley.
Además de la interpretación, la escritura, producción y dirección de películas, Mortensen cultiva también otras artes como la pintura, la música, la fotografía y la literatura. También es fundador de Perceval Press, una editorial independiente especializada en arte, escritura crítica y poesía.
Falling
Viggo Mortensen (Canadá – Reino Unido)
Intérpretes: Lance Henriksen, Viggo Mortensen, Terry Chen, Sverrir Gudnason, Hannah Gross, Laura Linney
John Peterson vive con su marido Eric y su hija adoptiva, Monica, en California. Willis, su padre, un granjero solitario y conservador, accede a viajar a Los Ángeles y quedarse en casa de John mientras busca el lugar idóneo para jubilarse. Durante su estancia, los mundos de padre e hijo chocan violentamente, hurgando en viejas heridas y abriendo nuevas en el viaje mutuo a la aceptación y el perdón.
Teaser tráiler de «Wife of a Spy», lo nuevo de Kiyoshi Kurosawa
Después del buen sabor cosechado por su notable To the Ends of the Earth (crítica aquí) el incombustible Kiyoshi Kurosawa ya tiene listo el que es su nuevo trabajo tras las cámaras, Wife of a Spy, un ambicioso drama de espionaje de época cuyo primer avance en forma de un breve teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film supone una muy interesante colaboración en el guion entre el responsable de Cure y uno de los nombres más en alza del actual panorama cinematográfico nipón como es Ryusuke Hamaguchi responsable entre otros de títulos tan interesantes como Happy Hour o la reciente Asako I & II. Wife of a Spy que estará presente en el mercado virtual de Cannes que comienza esta misma semana se estrenará en salas comerciales de Japón el próximo 16 de octubre previo paso muy posiblemente a principios del mes de septiembre por el Festival de Venecia.
Wife of a Spy nos sitúa en el año 1940, Yusaku felizmente casado con Satoko dirige una prospera empresa comercial en Kobe, Japón. Durante un viaje de negocios a Manchuria, Yusaku es testigo de un horrible secreto de índole nacional. Por el bien de la justicia, decide dejar que todo el mundo sepa su descubrimiento. Satoko cree ciegamente en Yusaku, quien ahora está acusado de ser un traidor jurando estar con él hasta el final sin importar las consecuencias que pueda acarrear tal acto.
La película con guion a tres manos por parte del propio Kiyoshi Kurosawa junto a Ryusuke Hamaguchi y Tadashi Nohara está protagonizada por Yû Aoi, Issey Takahashi, Chuck Johnson, Ryota Bando, Yuri Tsunematsu, Minosuke, Hyunri, Masahiro Higashide y Takashi Sasano.
D’A 2020: Adam/Disco
Adam, un adolescente difícil, llega para pasar su último verano de secundaria con su hermana mayor, quien se ha involucrado en movimientos activistas de lesbianas y transexuales de Nueva York.
Fue una de las pocas, pensándolo bien a un servidor le asalta la duda de que en realidad fuera la única, presencias norteamericanas en este D’A 2020 online, la opera prima de Rhys Ernst nos sitúa a diferencia del film más abajo comentado bajo unas reconocibles coordenadas del denominado coming of age, evidentemente es verano y el joven protagonista del relato sufre de una indecisión en este caso de índole sexual en una historia expuesta a través de códigos que nos remiten a una trama cosmopolita independiente de apariencia supuestamente subversiva en donde se nos expone la problemática de la transexualidad mediante clichés que nos remiten a comedias sexuales para adolescentes en donde identidades en apariencia erróneas actúan como motor a la hora de cuestionar o no lo que será la aceptación final de una ya por fortuna normalidad.
Basada en la novela de Ariel Schrag en Adam película queda muy claro que pese a ser una historia claramente fundamentada a través del activismo prioriza su desarrollo a favor de la comedia de enredos, aun sin rehuir los elementos incómodos los ingredientes aparte de clásicos son muy habituales dentro de ese tipo de comedia de errores, la identidad equivocada, la inversión de género y un engaño tan torpe como involuntario que va creciendo adquiriendo vida propia conforme se desarrolla una historia aquí ubicada en una comunidad de inconformistas de Brooklyn a principios de la década del 2000. También podría ser digno de elogio el que no ofrezca un discurso que anide a través de la verdad absoluta, de alguna manera la película de Rhys Ernst más que detenerse en la complejidad de los abundantes personajes trans o homosexuales del relato lo fundamente prácticamente todo a través de la mirada de un personaje neutral como es el joven protagonista, virgen de prejuicios pero terriblemente despistado en lo relativo a las complejas reglas que parecen regir hoy en día las identidades y los roles de género. La impresión final 
que puede otorgar un producto de las características de Adam es la de ser una especie de curso acelerado expuesto de forma algo liviana para aquellos que en teoría aceptan pero no tienen un conocimiento particular de lo que significa la cultura trans, así pues el recorrido de la historia se percibirá como dual en donde por fortuna no encontraremos atisbo de ninguna autoafirmación sexual, el protagonista en parte representa al colectivo de espectadores antes citados a modo de curva de aprendizaje en lo concerniente a aceptar o no a aquellas personas que supuestamente traspasan los umbrales de lo que algunos aun entienden con cierta dificultad como culturalmente y socialmente aceptable. El resultado final estará pues bastante alejado del militarismo pues a fin de cuentas Adam no va más allá de ser una comedia romántica indie cuya misión parece ser la de generar empatía pero que en ocasiones da la sensación de ser algo intranscendente a la hora de eludir controversias a favor de trivializar ciertas cuestiones hoy percibidas en munchos ámbitos como trascendentales, algo que en parte y según como se mire no deja de ser una virtud en unos tiempos actuales en donde una exacerbada corrección política aliada supuestamente con la igualdad de géneros resulta contraproducente en lo relativo al credo que supuestamente ellos mismos intentan pregonan.
En Disco vemos como aparentemente, la vida de Mirjam, de 19 años, hijastra de un carismático pastor, es perfecta. Es campeona mundial de baile disco en estilo libre y el orgullo de su moderna iglesia evangélica. Sin embargo, su cuerpo pide ayuda. En el campeonato mundial en el que defiende su título, se desploma sobre el escenario. La solución de su familia es que ella se concentre más en su fe, en busca de respuestas terminara recurriendo a una iglesia más estricta y conservadora.
Existe una reflexión bastante interesante en la película de Jorunn Myklebust Syversen ya no tanto acerca de lo entendible como la problemática de las sectas religiosas expuestas a través de sus ambivalentes enseñanzas de Jesús y el mal que suele ocasionar a según qué personas sino más bien a través de una mirada que deviene como contemplativa en relación a lo que es su entorno. Si una cosa deja claro esta modesta película es que por fortuna no navega a través de códigos hoy en día demasiados desgastados en relación al consabido coming of age, evidentemente en la historia veremos a una joven en un momento crucial de la vida que emocionalmente se encuentra perdida víctima de un problema soterrado que le impide ya no solo mantener una relación normal con los que son sus allegados 
sino cumplir con unos objetivos deportivos en los que parece estar destinada a sobresalir y lo más grave, un bloqueo mental que le imposibilita el alejarse de esos ambientes tan poco recomendables. Mas contemplativa que explicativa si algo es destacable en la opera prima de la noruega Jorunn Myklebust Syversen, que empieza con un tono ambiental de claras connotaciones kitsch para ir volviéndose poco a poca cada vez más oscura y aséptica, es en no caer en un camino digamos ya trillado con anterioridad, esto podría ser interpretable a modo de relato de denuncia y el peligro que ocasiona las nuevas formas de religiosidad y por consiguiente la acción de juzgar desde una mirada privilegiada todo ello.
Disco en base a supuestos ambientes en apariencia poco compatibles de lo entendible tradicionalmente como fe evangélica nos muestra como la desviación de credos de cultos cristianos extremos se mantienen hoy en día firmes, sin embargo sus formas se van reinventando de alguna manera en la medida por ejemplo de ver a jóvenes pastores reivindicar la libertad y la modernidad a través de la religiosidad en base a ideas y opiniones expuestas sin embargo a través de un discurso que continúa siendo conservador, en tal sentido en Disco vemos un entorno percibido como hostil por la protagonista que ocasiona una incapacidad de incomunicación que viene a ser ciertamente preocupante pues las supuestas víctimas de esta especie de extremismo religioso ya no provienen solo de ambientes degradados sino subyace en el seno de familias acomodadas del norte de Europa, de alguna manera es como si se nos mostrara un espacio familiar que parece subsistir dentro de una burbuja, dicho lugar no deja de ser un territorio en donde se ejercen mecanismos de relación desequilibrados tales como la manipulación y sobre todo relaciones de fuerza dominante para con el prójimo. Disco termina siendo esa clase de películas que parece atreverse a contemplar una realidad en base a un tono colindante con el documental que mantiene junto a la mayoría de los espectadores una mirada bastante escéptica en lo relativo a una constatación percibida desde una lejanía, que en realidad no lo es tanto, como ciertamente perturbadora.
Notas a Apocalyse Now: Crónica de un rodaje maldito
El rodaje de ‘Apocalypse Now’ es recordado como uno de los más duros de la historia del cine, por los innumerables problemas a los que tuvo que hacer frente para ver la luz. Planificado para unos pocos meses, acabó convirtiéndose en una odisea de varios años que a punto estuvo de arruinar a su director, Francis Ford Coppola, minando su salud tanto física como mental.
Un tifón arrasó por completo parte de los decorados; los helicópteros negros prestados por el ejército filipino para filmar una de las escenas más memorables eran periódicamente reclamados para combatir a la guerrilla en otros puntos del país; el protagonista de la cinta, Martin Sheen, sufrió un ataque al corazón en medio de la filmación; Marlon Brando ―el Coronel Kurtz―, se presentó en el rodaje con sobrepeso y sin haberse leído el guion.
La cineasta y escritora Eleanor Coppola, inmersa en el proceso junto a su marido y sus hijos, escribió este diario de rodaje en el que se recogen desde dentro y al detalle todas estas adversidades. Aunque no solo eso, ya que ‘Notas a Apocalypse Now’ es también un testimonio íntimo y revelador de la relación entre dos grandes creadores atrapados en el mismo corazón de las tinieblas. Un viaje que, tal y como sucediese en la famosa novela de Conrad en la que se inspiró el film, o en la propia película en sí, supuso un camino de aprendizaje que, en ocasiones, incluso, a punto estuvo de costarles el matrimonio.
Autor: Eleanor Coppola, Editorial: Eleanor Coppola, Páginas: 264
Proyecciones Xcèntric: Pantalla Interior, «Asparagus» de Suzan Pitt
Pantalla Interior es un programa de proyecciones en el hall del CCCB dedicado a cineastas que emplean el cine como un instrumento para expresar el mundo de los sueños o la imaginación. Este mes de agosto presentamos la obra de Suzan Pitt Asparagus.
Tras cuatro años de trabajo, la animadora y pintora estadounidense Suzan Pitt terminó en 1978 esta película pintada a mano, un hito en su carrera y en la historia de la animación. Se trata de una experiencia audiovisual única en la que Pitt nos conduce hacia un viaje alucinógeno por su psique, por la intrincada flora de la sexualidad femenina y la selva frondosa del impulso creativo. La razón se desarma ante el poder de las perturbadoras imágenes, embebidas en la sensualidad del subconsciente. Una película descrita por el crítico Jim Hoberman como “Meshes of the Afternoon, de Maya Deren, al estilo de Yellow Submarine”.
Asparagus, Suzan Pitt, EEUU, 1979, 35 mm, 18 minutos [proyección en digital y en loop]
Suzan Pitt (1943-2019) nació y creció en Kansas City (EEUU). En 1965 se graduó en Cranbrook Academy of Art con especialidad en pintura, y desde entonces vivió y trabajó en Europa, México, Nueva York, Los Angeles y Nuevo México.
En 1968 comenzó a realizar películas de animación inspiradas en sus cuadros. Su película «ASPARAGUS«‘, estrenada como instalación en el Whitney Museum en 1979, se proyectó durante dos años junto con Cabeza borradora (Eraserhead, 1977) de David Lynch en varios cines de LA.
Sus obras pictóricas y fílmicas forman parte de las colecciones permanentes de museos como el Walker Art Center, el MoMa, el Stedeliik Museum de Amsterdam o la Academy of Motion Picture Arts and Sciences de Los Angeles. Sus películas de animación se han mostrado en festivales como el de Sundance, el New York Film Festival, el London Film Festival, el Ottawa International Animated Film Festival o el Image Forum Film Festival de Tokyo. En 2017, el MoMa de Nueva York le dedicó una retrospectiva.
Fuente: www.suzanpitt.com
Fecha: 4 – 30 agosto 2020
Horario: De martes a domingo y festivos: 16.00 – 20.00. Lunes no festivos cerrado
Espacio: Hall
Precio: Entrada libre
Primer teaser tráiler de «Éte 85» de François Ozon
Tendría que ser una de las películas presentes en la sección oficial del cancelado Festival de Cannes, tras su drama de denuncia Grâce à Dieu el nuevo trabajo tras las cámaras del francés François Ozon titulado Éte 85, cuyo primer avance en forma de teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, parece ser uno de esos film que se mueven dentro de los parámetros del verano y la iniciación adolescente muy a la manera por ejemplo de la exitosa Call Me by Your Name de Luca Guadagnino. Éte 85 que vendrá a España de la mano de Golem Distribución y que muy posiblemente esté presente en el Festival de San Sebastián el próximo mes de septiembre se estrenará en salas comerciales de Francia el próximo 14 de julio.
Éte 85 nos sitúa en el verano de 1985. En la costa de Normandía, veremos como un joven de 16 años llamado Alexis se encuentra pasando sus vacaciones en un resort de lujos. Pese a que lo normal para su edad sería tener aventuras y disfrutar de los deportes acuáticos disponibles en el lugar, Alexis ha hecho un extraño pacto de amistad con su nuevo amigo David. Lejos de disfrutar de sus deseos de pubertad, el joven fantasea con la muerte. Así será a lo largo de estos días estivales hasta la llegada de Kate, una joven británica que se entrometerá en la relación entre ambos, será a partir de este hecho cuando Alexis comenzará a crecer emocionalmente teniendo tiempo incluso para encontrar el primer amor.
La película con guion del propio François Ozon y música compuesta por Jean-Benoît Dunckel está protagonizada por Benjamin Voisin, Félix Lefebvre, Philippine Velge, Melvil Poupaud, Valeria Bruni Tedeschi, Samuel Brafman-Moutier, Isabelle Nanty, Aurore Broutin y Philippine Veerman.
Ciclo conmemorativo de la Seminci para los 65 años del Free Cinema inglés
El festival programará diez largos y dos sesiones de cortos de autores como Lindsay Anderson, Tony Richardson, John Schlesinger, Karel Reisz y Lorenza Mazzetti, representantes del nuevo cine británico.
El Free Cinema inglés será protagonista del ciclo que SEMINCI celebrará en su próxima 65 edición del 24 al 31 de octubre. Este movimiento cinematográfico surge en la década de los 50, concretamente en el año 1956, de tal forma que se cumplen 65 años de aquel primer ‘Manifiesto de los jóvenes airados’, los mismos que celebra nuestro festival.
Considerado como un ‘nuevo cine’, al igual que lo fueron entonces la nouvelle vague francesa o el nuevo cine alemán, su objetivo fue renovar el panorama cinematográfico británico, reivindicando el cine como arte e industria, a través de una estética realista, con historias inspiradas en lo cotidiano y comprometidas con la realidad social de aquel momento.
Los Angry Young Men (los jóvenes airados) englobaban, junto a escritores y dramaturgos, a cineastas que se mostraban contrarios al cine de los grandes estudios y planteaban formas muy distintas de producción, abogando por un cine de bajo presupuesto y con técnicas de rodaje muy próximas al cine documental. Sin duda, lo distintivo del Free Cinema es su aproximación a la realidad.
El término Free Cinema fue acuñado por un grupo de jóvenes cineastas –Lindsay Anderson, Tony Richardson, John Schlesinger, Karel Reisz y Lorenza Mazzetti– cuando deciden mostrar sus cortometrajes en el National Film Theatre de Londres un 5 de febrero de 1956. La primera fase del Free Cinema estuvo constituida por cinco programas de cortometrajes y mediometrajes que se fueron presentando hasta 1959.
El movimiento se prolongó a lo largo de toda la década de los 60 y, aunque con el tiempo sus integrantes se dispersaron, sus ideas nunca desaparecieron del todo, dando paso años más tarde a una nueva ola del realismo social británico, encabezada por directores como Ken Loach, Stephen Frears o Mike Leigh, entre otros.
Dos sesiones de cortos y diez largometrajes
El ciclo, organizado en colaboración con la revista Caimán Cuadernos de Cine, programará dos de los programas de cortometrajes presentados en el National Film Theater de Londres y una decena de largometrajes.
Un primer programa que incluía un documental sobre el aprendizaje de los niños sordomudos, O Dreamland (1953), de Lindsay Anderson; también Momma Don’t Allow (1956), de Karel Reisz y Tony Richardson, que sigue a un grupo de adolescentes trabajadores en su noche de ocio en el Wood Green Jazz Club del norte de Londres, y Together (1956), de la estudiante de arte Lorenza Mazzetti.
El segundo programa lo componen los cortometrajes The Singing Street (1951), de Nigel McIsaac, James T. Ritchie y Raymond Townsend; Wakefield Express (1952) y Every Day Except Christmas (1957), de Lindsay Anderson; y Nice Time (1957), de Alain Tanner y Claude Goretta.
El ciclo reunirá también algunos largometrajes de los directores más representativos del movimiento, como Look Back in Anger (Mirando hacia atrás con ira, 1958), basada en la obra del mismo nombre de John Osborne y que sirve para bautizar al grupo de cineastas; The Entertainer (El animador, 1960), A Taste of Honey (Un sabor a miel, 1961) y The Loneliness of the Long Distance Runner (La soledad del corredor de fondo, 1962), todos ellos dirigidos por Tony Richardson.
También se podrán reviser títulos como Saturday Nigth and Sunday Morning (Sábado noche, domingo mañana, 1960), de Karel Reisz; A Kind of Loving (Esa clase de amor, 1962) y Billy Liar (Billy, el embustero,1963), ambas de John Schlesinger; The L-Shaped Room (La habitación en forma de L, 1962), de Bryan Forbes; y This Sporting Life (El ingenuo salvaje, 1963), -Espiga de Oro de la 9ª Seminci-, e If… (1968), de Lindsay Anderson.