El festival, 100% presencial con entradas a 2,90€, rinde homenage a Charles Chaplin con el diseño del cartel oficial y una retrospectiva en la sección Imprescindibles.
El Festival Internacional de Cine de Barcelona-San Jorge (BCN FILM FEST), que este año se celebra del 15 al 23 de abril en los Cines Verdi de Barcelona como sede principal, ha presentado esta mañana el cartel oficial de su 5.ª edición y las primeras novedades confirmadas de su programación. El acto ha sido presentado por la directora del BCN FILM FEST, la periodista y crítica de cine Conxita Casanovas y el Director de RTVE en Cataluña, Pere Buhigas y Cristina Muñoz, Jefa de Documentales de TV3.
“Este año será una edición especialmente importante porque esperamos poder confirmar que el festival sigue creciendo de manera vigorosa, saludable y sólida”, ha comentado Conxita Casanovas a la presentación de la 5.ª edición del festival. “Creo que podemos contribuir a que la gente recupere la rutina de ir al cine y los espectadores recobren la confianza de ver cine en las salas”, ha añadido.
El BCN FILM FEST, fiel al espíritu cultural de San Jorge, vuelve a ofrecer películas que giran alrededor del eje temático Cine-Literatura-Historia dentro de la Sección Oficial, centrándose sobre todo en adaptaciones literarias, biopics de grandes personalidades y acontecimientos históricos de relevancia.
Cómo en ediciones anteriores, el Festival contará con 6 secciones: Sección Oficial, Cine con Gracia (dedicada a las comedias), Zona Abierta, Arte en Pantalla (dedicada a grandes documentales de arte), Imprescindibles (dedicada a clásicos del cine de autor, este año de Charles *Chaplin) y una sección dedicada al cine de un país invitado, en esta edición: Japan by CineAsia.
“Estamos haciendo un grandísimo esfuerzo para salir adelante el festival de manera presencial contando con talento internacional del nivel de Nicolas Winding Refn, que ha confirmado su asistencia. Y estamos muy agradecidos a los distribuidores que apuestan por el BCN FILM FEST en esta nueva edición, el que nos permite presentar una gran variedad de títulos muy atractivos en un año muy complicado para elaborar programaciones”, ha destacado Casanovas.
La directora también ha remarcado que “tener a Chaplin en el cartel con motivo de la celebración del centenario de Chico y dedicarle la retrospectiva nos da la oportunidad de recuperar un espíritu y una mirada llena de ternura y humor que pienso nos viene muy bien en el momento actual que estamos viviendo”.
CARTEL OFICIAL
El cartel oficial del BCN FILM FEST 2021 rinde homenaje al primer largometraje de Charles Chaplin, THE KID (El chico), en el centenario de su estreno. La imagen del pequeño Jackie Coogan del clásico de Chaplin, en una sala, como fascinado por la película que se proyecta en una pantalla que solo él puede ver, también pretende reivindicar el poder y la magia del cine en un momento como el actual, en el cual, como decimos en el spot del festival, parece que lo necesitamos más que nunca.
El centenario THE KID (El chico) es el motivo que nos ha llevado a dedicar nuestra sección Imprescindibles a Charles Chaplin, con una amplia retrospectiva de su filmografía que incluye 10 películas y 7 cortometrajes. El diseño del cartel es de Joel B. Garcia de VECTOR WHO.
ESPOT OFICIAL
El spot entabla un tipo de diálogo con el cartel del festival. Un diálogo cómplice entre pioneros del cine: el icono del personaje creado por Chaplin y el símbolo que representa el origen de todo, el cinematógrafo de los hermanos Lumière. Un spot que evoca y reafirma la necesidad del cine como arte popular por excelencia, tanto en la época en la cual fue inventado, hace ya más de 100 años, como en los tiempos complicados que hoy nos ha tocado vivir. El diseño del spot es de Paco Ruíz. Ver el spot
ADELANTO DE LOS PRIMEROS TÍTULOS DEL BCN FILM FEST 2021
La 5.ª edición del festival contará con una programación de más de 50 títulos entre sus diferentes secciones. A continuación un primer adelanto de la programación:
SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN
MAMÁ MARÍA (La Daronne)
De Jean-Paul Salomé / Con Isabelle Huppert, Hippolyte Girardot
Francia / Première española
PENGUIN BLOOM
De Glendyn Ivin / Con Naomi Watts, Andrew Lincoln, Jacki Weaver
Australia, Estados Unidos / Première española
PEQUEÑO PAÍS (Pequeño Pays)
De Eric Barbier / con Jean-Paul Rouve
Francia, Bélgica / Première española
SOMBRA De Bruno Gascon
Portugal / Première española
SUEÑOS DE UNA ESCRITORA EN NUEVA YORK (My Salinger Year)
De Philippe Falardeau / Con Margaret Qualley y Sigourney Weaver
Canadá, Irlanda / Première española
THE GOOD TRAITOR (Bordes mand y Amerika)
De Christina Rosendahl / Con Ulrich Thomsen
Dinamarca / Première española
YALDA, A NIGHT FOR FORGIVENESS
De Massoud Bakhshi
Irán, Francia / Première española
SECCIÓN OFICIAL (FUERA DE COMPETICIÓN)
LA MUJER DEL ESPÍA (Wife of a spy)
De Kiyoshi Kurosawa
Japón / Première catalana
PAOLO CONTE, VÍA CON ME
De Giorgio Verdelli
Italia/ Première catalana
CINEMA AMB GRÀCIA
BLITHE SPIRIT
De Edward Hall / Con Dan Stevens, Isla Fisher, Judi Dench
Reino Unido / Première española
EL TRIUNFO (Un triomphe)
De Emmanuel Courcol / Con Kad Merad
Francia / Première catalana
ZONA ABIERTA
VALHALLA RISING (2009)
De Nicolas Winding Refn / Con Mads Mikkelsen
Dinamarca, Reino Unido
IMPRESCINDIBLES –CENTENARIO EL CHICO RETROSPECTIVA CHARLES CHAPLIN
EL CHICO (1921)
UNA MUJER DE PARÍS (1923)
LA QUIMERA DE ORO (1925)
EL CIRCO (1928)
LUCES DE LA CIUDAD (1931)
TIEMPOS MODERNOS (1936)
EL GRAN DICTADOR (1940)
MONSIEUR VERDOUX (1947)
CANDILEJAS (1952)
UN REY EN NUEVA YORK (1957)
Cortometrajes:
VIDA DE PERRO (1918)
¡ARMAS AL HOMBRO! (1918)
AL SOL (1919)
UN DÍA DE JUERGA (1919)
VACACIONES (1921)
DÍA DE PAGA (1922)
EL PEREGRINO (1923)
EL JURADO
La 5.ª edición de el BCN FILM FEST contará con el polifacético director de cine y de teatro y actor Mario Gas en calidad de Presidente del Jurado. Galardonado el 1996 con el premio Nacional de Teatro de Cataluña y nombrado Director del Teatro Español el 2004, como actor de cine ha forjado una extensa carrera con más de 30 películas a su haber. Ha trabajado con grandes directores como Vicente Aranda, Bigas Luna, Berlanga o Ventura Pons, y recientemente lo hemos podido ver a “La Vampira de Barcelona”. Como actor de doblaje es la voz habitual de actores como Ben Kingsley, Geoffrey Rush, Bill Nighy o John Malkovich.
La actriz Laia Marull, con tres Goyas, Mejor Actriz Revelación por su papel a “Fugitivas”, Mejor Actriz por “Té doy mis ojos” y Mejor Actriz de Reparto por “Pan Negro” y el director Jaume Balagueró completan el jurado de esta quinta edición. *Balagueró es uno de los precursores del cine de terror español y responsable de títulos como “Los sin nombre”, la saga “Rec”, “Frágiles”, “Mientras duermes” y “Way Down”, último trabajo que está pendiente de estreno.
ACTIVIDADES PARALELAS DEL FESTIVAL
Como en las ediciones anteriores, el festival completará su programación con charlas y coloquios variados. Las actividades paralelas del festival serán gratuitas. Toda la información de las actividades paralelas se dará a conocer durante el mes de marzo. Un primer adelanto.
>> Coloquio presencial con el director Nicolas Winding Ref
>> Coloquio Charles Chaplin – Con motivo del Centenario EL CHICO se realizará un coloquio de especialistas con la participación de Carmen Chaplin, nieta de Charles Chaplin, quien presentará las primeras imágenes del documental: “Charlie Chaplin, A Man of the World”.
>> 4.ª Jornada de Guionistas e Industria con la colaboración de PROA.
>> Presentaciones de libros relacionados con el cine y la historia, con la colaboración de Penguin Random House y FNAC.
ENTRADAS A 2,90€ Y SESIONES GRATUITAS
El festival continuará con un precio de 2,90€ para la mayoría de las sesiones de los cines Verdi y con sesiones gratuitas Imprescindibles (retrospectiva Charles *Chaplin) en varios centros cívicos de la ciudad de Barcelona. Un festival popular y abierto en la ciudad.
En este LINK se puede recuperar el video resumen de la edición de 2020 de el BCN FILM FEST que contó con más de 8.000 espectadores (a pesar de las restricciones de aforo a causa de la Covid19).
El proceso de acreditación para prensa e industria para la quinta edición del BCN FILM FEST empezará el próximo 12 de febrero y acabará el 12 de marzo de 2021.
El BCN FILM FEST cumplirá con todas las medidas sanitarias y de seguridad, así como el máximo aforo previsto que marque la ley en el momento de la celebración del festival.
Anteriormente conocida con el título de Dreamland acaba de ver la luz un primer adelanto en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del thriller corporativo Crisis, película dirigida por Nicholas Jarecki (The Outsider 2005, Arbitrage 2015) que 
en un no lugar, representada en su ubicación a través de la inhóspita estepa kazaja, los dos relatos parte de premisas criminales, la primera de una forma más evidente y concisa, Yellow Cat lo hace sin embargo a través de una confusión genérica algo desconcertante, podríamos decir que la historia se ampara tras un primer vistazo en parámetros muy parecidos al True Romance de Tony Scott o si se me permite el símil al Wild at Heart de Davis Lynch, joven prostituta y joven delincuente emprenden una huida de connotaciones quiméricas, la pregunta viene dada en la medida de cuestionar si Yellow Cat es una comedia o es un drama, lo que se nos cuenta en cierta manera no da lugar para muchas sonrisas, el modo en que lo hace posiblemente sí, ese humor por momentos absurdo y desconcertante, parece mirar sin ningún tipo de pudor a imaginarios propios provenientes del cine de Jacques Tati por ejemplo, una mirada ya intuida a través de pequeñas pinceladas en la anterior A Dark-Dark Man, teniendo el añadido de comprobar como en su tramo final vira hacia tonos algo más serios y poéticos en base a una poderosa metáfora que aquí se adueña por completo de una función en donde encontraremos un sinfín de referencia cinéfilas que más que direccionados a la pleitesía del referente en si mismo dan la sensación de ser una especie de imitación de connotaciones casi paródicas.
en esta ocasión a aquella observación que no emite, ni siquiera lo intenta, ningún tipo de juicio de valor sobre lo que proyecta teniendo el mérito de saber trasmitir mediante la imagen y las pequeñas ramificaciones desprendidas a través de ellas, prodigiosa labor fotográfica a cargo de Hélène Louvart, la complejidad moral del asunto que expone, aquí mostrado en base a diversos dilemas supuestamente morales que quedan de alguna manera contrarrestados por la cotidianidad y afectos entre dos chicas a la hora de reinterpretar de alguna manera y desde la propia necesidad del relato ese concepto popular entendible como pasar un día “alegre” en Nueva York en relación al tránsito de dos chicas de pueblo por La Gran Manzana otorgando cierta sensación de estar ante una historia contada casi en tiempo real.
narrativa de un tono en apariencia bastante más sencillo que intenta evitar supuestamente dichos excesos alegóricos y en donde parece clarificar algo más su obra reduciendo la opulencia estética y narrativa empleados hasta entonces. Por momentos lindante con el cine clásico pero también atesorando texturas bastantes reconocibles en anteriores trabajos suyos que la direccionan hacia un tono algo comercial que aquí colinda de forma algo peligrosa con el concepto de publicitar por ejemplo la autoayuda en referencia a explayar una especie de oda acerca del concepto de ser madre. De alguna manera el film, en donde Naomi Kawase abandona ese escenario agreste prototípico en sus historias para ofrecernos un relato urbano, parte de una premisa que pese a sus ramificaciones argumentales termina siendo bien simple, contada en dos tiempos distintos y sendas tramas argumentales que terminan convergiendo a la hora de explorar dos, o tres, vertientes totalmente diferentes de la maternidad en lo relativo a preguntarnos qué significa ser madre y que incidencia puede tener en ello el hecho de ser biológica o adoptiva, para ello Kawase se toma todo el tiempo del mundo posible, quizás demasiado.
de hecho el film funciona a modo de un debate interno expuesto siempre por parte de la protagonista femenina del relato, difícil entender que una excepcional Laetitia Dosch no figurará en el palmarés del certamen como mejor actriz, esa dialéctica interna nos termina ofreciendo interesantes conflictos éticos, en este caso expuestos a través de una clara mirada de índole femenino que no feminista por fortuna, acerca de cómo derivas mentales terminan provocando adicciones y no al revés como suele pasar de forma algo más habitual. Será en el momento en que ese supuesto affaire se vuelve de alguna manera más perturbador a través de un deseo que en cierta manera invalida todo lo demás, aquel en donde nos daremos cuenta cómo las escenas de sexo rodadas hasta ese momento con una cierta elegancia pasan a convertirse en algo mas brusco y violento, cuando Passion simple encuentre sus momentos más logrados, aquellos en donde esa pérdida de control por parte de la protagonista en forma de deriva mental, escenas que otorgan al relato ocasionales toques perversos que parecen surgidos de imaginarios propios de Paul Verhoeven, la alejan de la realidad cotidiana del día a día en lo relativo a un colapso percibido como psicológico y direccionado única y exclusivamente a través de una fantasía creada por ella misma en donde transitara por unas zonas oscuras que su personalidad ha creado a raíz del deseo.
las maneras y en parte su fondo venían a ser casi idénticos salvo que en esta ocasión el tribunal de menores de aquí pasaba a ser otro tipo de audiencia, también judicial, en donde doctores y letrados determinaban el confinamiento o la salida al exterior de pacientes ingresados con problemas psiquiátricos, al igual que en Courtroom 3H la mirada devendrá como claramente neutra, cercana si se me permite el símil al imperecedero estilo de Frederick Wiseman, en referencia a este proceso de enjuiciamiento que parece indagar en base a la exposición final de fuertes emociones por parte de los implicaos, algo que termina siendo de un talante demoledor tanto en lo referente a familias irremediablemente desestructuradas, juzgadas aquí a través de la mirada de un inusual juez con más de 20 años en la judicatura que atesora buenas maneras y palabras y que da la sensación de parecer creer en el sistema, como a los pacientes que difícilmente volverán a integrarse a la sociedad debido a sus serios problemas mentales en lo relativo al trabajo de Raymond Depardon.
al film haya sido la de distopía futurista, el problema a la hora de intentar situarla temporal y geográficamente posiblemente venga dado en que el film de Michel Franco se acerca en mayor o menor medida a una concreta realidad actual por lo cual dicho termino como hemos indicado más arriba no deja de estar algo desvirtuado a la hora de referirse a ella, de hecho lo que nos explica la película no viene a representar ninguna novedad en lo referente a una posible anticipación social hasta ahora difícilmente intuida e inherente a una historia digamos futurista que nos adelanta lo que estar por venir, el relato que parte de una violenta revuelta nos es de alguna manera conocida y ya la hemos visto en más de una ocasión, el pobre como protesta invade el ecosistema del rico a través de la sempiterna metáfora sobre de la lucha de clases existentes entre privilegiados y despojados, el tercer estatus de poder, el ejército, tendrá un papel relevante a la hora de establecer desde la sombra ese nuevo orden indicado en el título.
relatos que parecen direccionados a otorgar desasosiego hacia el espectador, en tal sentido la notable cinta austriaca The Trouble with Being Born no es una excepción al ser esa clase de relatos que parecen estar poniendo en todo momento el dedo en la llaga, un film, que aparte de ser un demoledor y algo creepy relato de fantasmas interiores y utilizar el concepto de la Inteligencia Artificial casi como excusa argumental, en cierto modo pervierte a su manera dicho temario vistos en films como por ejemplo el A. I. Inteligencia Artificial de Steven Spielberg o la esplendida Air-Doll de Hirokazu Koreeda en la medida de exponer a través de la mirada de un androide a una sociedad que deviene como enferma. Como película que trasgrede el mito de Pinocho el tono expuesto por Sandra Wollner en este relato en donde la creación supuestamente es más perfecta que el creador por el simple hecho de carecer de las imperfecciones de este será tan oscuro y aséptico como gélido, una escenografía que si forzamos en algo las referencias por momentos parece colindar con los imaginarios propios surgidos por el gran Jonathan Glazer.
no defrauda y supone un nueva muestra de la agraciada amplitud de registros en la que se suele moverse el realizador japonés en base a una inequívoca riqueza de recursos, al igual que en su anterior Tokyo Sonata Kiyoshi Kurosawa dota a Wife of a Spy de una cierta extrañeza a una historia de apariencia simple y rígida, en cierta manera estamos ante un relato que se fundamenta principalmente en base a un continuo juego de apariencias plagado de un numerosas mentiras y simulacros varios como suele ser preceptico dentro de dicho subgénero, pero filmada de una forma prodigiosamente elegante e incluso ambigua en lo concerniente a una representación que en parte huye de la épica en base a una escenificación de aspecto apagado y tono casi minimalista, por poner un solo ejemplo de todo ello la escena del bombardeo vivido desde el sanatorio es ciertamente magnífica en relación a mostrarnos un melodrama que pasa a ser irremediablemente tragedia, el responsable de Cure nos muestra el final de la guerra a través del bombardeo de Kobe, visto por ejemplo entre otras muchas películas en las varias versiones de Grave of the Fireflies. Esa escena final situada en una playa desierta viene a ser tan audaz como enigmática a la hora de arrojar una serie de dudas acerca del amor, la confianza e incluso la ideología de los personajes.
