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Un total de 11 producciones competirán por el Premio Kutxabank-New Directors del Festival de San Sebastián

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Entre los trabajos seleccionados hay varias películas procedentes de los ‘work in progress’ del Festival.

Un total de once producciones de Brasil, China, Corea del Sur, España, Francia, Holanda, Irlanda, Japón, Polonia, Reino Unido, Rusia y Vietnam competirán por el Premio Kutxabank-New Directors del Festival de San Sebastián, que celebrará su 68 edición del 18 al 26 de septiembre. Del total de trabajos seleccionados, siete son óperas primas y el resto son segundas películas de sus autores, según han explicado hoy en rueda de prensa el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, y la directora de la Red Gipuzkoa de Kutxabank, Ainhoa Arruabarrena.

Entre quienes presentan su debut en el largometraje hay cuatro cineastas con proyectos gestados, premiados o programados anteriormente en el Festival de San Sebastián. Es el caso de Isabel Lamberti (Bühl, 1987), cineasta nacida en Alemania y criada en España y Holanda que tras lograr con el corto Volando voy (2015) el Torino Award de Nest, el encuentro internacional de estudiantes de cine del Festival de San Sebastián, ahora concursará con La última primavera / Last Days of Spring, largometraje ambientado en el barrio de chabolas de la Cañada Real de Madrid. Asimismo, David Pérez Sañudo (Bilbao, 1987), que en  2017 participó en Zinemira-Kimuak con el corto Aprieta pero raramente ahoga (2017), presentará Ane, un largometraje sobre una madre embarcada en la búsqueda de su hija desaparecida.

Por su parte, el brasileño Joâo Paulo Miranda Maria (Porto Feliz, Sâo Paulo, 1982), que obtuvo el Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos en Cine en Construcción 37 Toulouse, mostrará Casa de antiguidades / Memory House, una espiritual y fantástica historia que capta las tensiones sociales y raciales del Brasil de hoy en día, mientras que el ruso Grigory Kolomytsev (Krasnodar, 1990), que participó en las residencias de Ikusmira Berriak en 2018, narra en Chupacabra el hallazgo de una criatura mística por parte de un niño.

También figura entre los primerizos la coreana Kim Mi-jo (Jeonju, 1989), que recientemente ha obtenido el Gran Premio de la competición coreana del Festival de Jeonju 2020 con Gal-mae-gi / Gull, historia de una mujer madura que sufre una violación. El realizador chino Xingyi Dong (Anyang, 1986) debuta con Gē shēng yuán hé màn bàn pāi / Slow Singing (Las notas del tiempo), cuyo personaje principal es un hombre que vuelve a su pueblo natal tras salir de la cárcel, y Suzanne Lindon (París, 2000), dirige y protagoniza 16 printemps / Spring Blossom, acerca de una joven que se debate entre el amor por un hombre mayor que ella y el disfrute de su vida adolescente.
Segundas películas

Por otra parte, cuatro cineastas concursarán en New Directors con su segundo largometraje. Limbo, la nueva participación de Ben Sharrock (Edimburgo, 1988) en New Directors tras debutar con Pikadero (2015), se presenta como una sátira intercultural sobre las dificultades y la esperanza de los refugiados. También regresará a San Sebastián Imanol Rayo (Pamplona, 1984), ganador del Premio Zinemira con Bi anai (2011) que en Hil kanpaiak / Death Knell (Campanadas a muerto) lleva al cine la novela de Miren Gorrotxategi 33 ezkil.

Finalmente, después de obtener eco internacional con Silent Night (2017), su ópera prima, el polaco Piotr Domalewski (Lomza, 1983)  acudirá por primera vez a San Sebastián con Jak Najdalej Stąd / I Never Cry, un filme acerca de una joven que viaja a Irlanda para recuperar el cuerpo de su padre, muerto en un accidente laboral. Lo mismo hará el japonés Akio Fujimoto (Osaka, 1988), que con Boku no kaeru basho / Passage of Life (2017) ganó dos premios en la sección Asian Future del Festival Internacional de Tokio, y en su segundo filme, Umibe no kanojotachi / Along the Sea, sigue a una mujer vietnamita que escapa de su puesto de aprendiz técnica y empieza a trabajar ilegalmente en Japón para mantener a su familia.

Todas las películas seleccionadas para New Directors se proyectarán en premiere mundial salvo Gal-mae-gi / Gull, que será estreno internacional, y Limbo y 16 printemps, que serán estrenos europeos.Además, estas dos últimas y Casa de antiguidades forman parte del listado de filmes que el Festival de Cannes ha seleccionado en este año en el que la pandemia del COVID-19 ha impedido la celebración de su 73 edición. Por su parte, La última primavera había sido incluida en la programación paralela que realiza en Cannes ACID, la Asociación de Cine Independiente para su Difusión.

16 Printemps / Spring Blossom

Suzanne Lindon (Francia)

Intérpretes: Suzanne Lindon, Arnaud Valois, Frédéric Pierrot

Suzanne tiene 16 años. La gente de su edad le aburre. Todos los días en su camino al instituto pasa por delante de un teatro. Allí conoce a un hombre de más edad que se obsesiona con ella. A pesar de la diferencia de edad, ambos encuentran en el otro una respuesta a su hastío y se enamoran. Sin embargo, Suzanne teme perderse cosas en la vida, esa vida de una joven de 16 años que tanto le ha costado disfrutar del mismo modo que sus amistades. Ópera prima.

Ane

David Pérez Sañudo (España)

Intérpretes: Patricia López Arnáiz, Jone Laspiur, Mikel Losada, Luis Callejo, Nagore Aramburu, Fernando Albizu, Gorka Aguinagalde, David Blanka

Euskadi, 2009. Lide trabaja como guardia de seguridad en las obras del tren de alta velocidad, un proyecto que genera protestas sociales en las calles. Cuando vuelve a casa después de trabajar y pasar la noche de fiesta, prepara el desayuno para dos, pero su hija adolescente, Ane, no está. Al día siguiente, ésta sigue sin aparecer. Lide mantiene la calma, seguramente su desaparición está causada por la fuerte discusión que tuvieron el día anterior. Buscando entre las cosas de Ane, se irá dando cuenta de que su hija es una persona a la que no conoce. Ópera prima.

Casa de Antiguidades / Memory House

João Paulo Miranda Maria (Brasil – Francia)

Intérpretes: Antonio Pitanga, Ana Flavia Cavalcanti, Sam Louwyck

El Brasil de hoy en día, pero perdido en el tiempo. Cristovam, un nativo negro del norte rural, se muda a una antigua colonia austriaca del sur para trabajar en una fábrica de leche. Obligado a lidiar con personas conservadoras y xenófobas, se siente aislado y alejado del mundo de los blancos. Descubre una casa abandonada, llena de objetos y recuerdos que le evocan sus orígenes, y se instala en ella volviendo a conectar con sus raíces. Como si esa casa de recuerdos estuviera viva, comienzan a aparecer más objetos. Lentamente, Cristovam comienza una metamorfosis. Ópera prima y Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos en Cine en Construcción 37 Toulouse.

Chupacabra

Grigory Kolomytsev (Rusia)

Intérpretes: Platon Kuzmich, Said Gamzatov, Karina Alexandrova, Serafim Cherkinsky, Tatiana Knyazeva

Andrey, de nueve años, vive en las afueras de un pueblecito cerca del mar. Su madre quiere llevarle a un orfanato. A Andrey le aterra esa posibilidad porque sabe que su vida cambiará drásticamente. Un día de tormenta encuentra un perro en la playa y decide que es la criatura mística conocida como Chupacabra, un vampiro cabra que obrará el milagro. Ópera prima desarrollada en el programa de residencias Ikusmira Berriak.

Gal-mae-gi / Gull

Kim Mi-jo (Corea del Sur)

Intérpretes: Jeong Ae-hwa

O-bok, una mujer de 61 años, ha regentado una tienda de mariscos en un mercado de pescado durante décadas. Un día tiene su primer encuentro con los futuros suegros de su hija In-ae. Esa noche, O-bok es violada por Gi-taek. Al principio, finge que no ha pasado nada y trata de seguir con su vida como siempre. Poco después, le confiesa la violación a In-ae. La policía llama a Gi-taek para investigar y la historia del incidente comienza a difundirse por el mercado. Ópera prima.

Gē shēng yuán hé màn bàn pāi / Slow Singing (Las notas del tiempo)

Xingyi Dong (China)

Intérpretes: Lu Sheng Jun Sheng

Junsheng regresa a casa poco después de salir de prisión y descubre que se siente distanciado de su ciudad natal. No ha estado allí en años, pero aún cree que sigue siendo el joven más duro del pueblo. Después de atravesar diversos padecimientos, se percata de que esa aparente corta ausencia es una brecha insalvable. Ópera prima.

Hil kanpaiak / Death Knell (Campanadas a muerto)

Imanol Rayo (España)

Intérpretes: Itziar Ituño, Eneko Sagardoy, Yon González, Asier Hernández, Iñigo Aranburu, Dorleta Urretabizkaia, Josean Bengoetxea, Kandido Uranga, Patricia López Arnaiz, Andrés Gertrúdix, Itxaso Arana

En el caserío Garizmendi aparecen huesos humanos y los caseros, Fermín y Karmen, llaman a su hijo Néstor, quien decide avisar a la policía. Pero cuando llegan los agentes, los huesos han desaparecido. Acto seguido, suenan las campanas de la ermita cercana. Esta señal de mal augurio anuncia la llegada de hechos trágicos y reabre viejas heridas en la familia y personas cercanas. Segunda película de su director.

Jak Najdalej Stąd / I Never Cry

Piotr Domalewski (Polonia – Irlanda)

Intérpretes: Zofia Stafiej, Kinga Preis, Arkadiusz Jakubik, Dawid Tulej

Ola debe viajar a Irlanda para trasladar a Polonia el cuerpo de su padre, muerto en un accidente en la construcción. Lejos de interesarse por él, Ola quiere saber si su padre ahorró el dinero necesario para el coche que le había prometido. Mientras se las apaña para lidiar con la burocracia extranjera utilizando su picardía, comienza a conocer a su padre. Segunda película de su director.

La última primavera / Last Days of Spring

I

sabel Lamberti (Holanda – España)

Intérpretes: David Gabarre Jiménez, Agustina Mendoza Gabarre, David Gabarre Mendoza, Ángelo Gabarre Mendoza, María Duro Rego, David Gabarre Duro, Isabel Gabarre Mendoza, Angelines Gabarre Mendoza, Alejandro Gabarre Mendoza

La familia Gabarre-Mendoza celebra el cumpleaños de su nieto cuando una inspección policial interrumpe el festejo. En la Cañada Real, un barrio de chabolas a las afueras de Madrid, surgen tensiones entre las autoridades y los vecinos, ya que los terrenos han sido vendidos y las familias son obligadas a abandonar las casas que ellos mismos han construido. Mientras, la madre, Agustina, pasa de ser una mujer muy alegre a vivir atormentada por el miedo; el padre, David, un chatarrero muy trabajador, intenta encontrar una solución, pero la burocracia del sistema les falla. Entretanto, los miembros más jóvenes de la familia -David hijo, la nuera y madre adolescente María y el joven Alejandro- luchan a su manera con sus vidas en la cuerda floja. Ópera prima. 

Limbo

Ben Sharrock (Reino Unido)

Intérpretes: Amir El-Masry, Vikash Bhai, Ola Orebiyi, Kwabena Ansah, Sidse Babett Knudsen, Kais Nashif

Omar es un joven y prometedor músico. Separado de su familia siria, se encuentra atrapado en una remota isla escocesa esperando el destino de su solicitud de asilo. Debido a la escayola que lleva en el brazo, no puede tocar su laúd y se dedica a vagar por paisajes épicos en busca de respuestas a un pasado complejo y a un futuro desalentador. Quizá esté atrapado, pero no está solo. Omar y sus nuevos compañeros de piso asisten a clases de conciencia cultural terriblemente malintepretadas, hacen una maratón de la serie Friends, debaten sobre si Ross y Rachel se han dado un tiempo y Farhad, obsesionado con Freddie Mercury, intenta convencer a Omar de que participe en la noche de micrófono

Umibe no Kanojotachi / Along the Sea

Akio Fujimoto (Japón – Vietnam)

Intérpretes: Hoang Phuong, Anh Huynh Tuyet, Nhu Quynh

Phuong, An, y Nhu son vietnamitas veinteañeras. Las tres se convierten en residentes ilegales en Japón tras escapar de su lugar de trabajo como aprendices técnicas. An se pone en contacto con un intermediario para que les ayude a encontrar un empleo. Éste las lleva a la cabaña cubierta de hielo de un pescador donde pueden alojarse a cambio de trabajo. Están contentas porque, además, ven duplicado su salario. Cuando empiezan a trabajar, Phuong cae repentinamente entre fuertes dolores. Preocupadas, An y Nhu llevan a Phuong a un hospital, pero rechazan su ingreso por no tener una tarjeta de identificación. Segundo largometraje de su director.

https://youtu.be/wvgXSFdJxF0

Brujas en el oeste, primer tráiler para «The Pale Door»

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Cada vez viene siendo más habitual la mezcla de géneros que en apariencia no han sido muy dados a fusionarse con anterioridad, The Pale Door, cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, une sin demasiados tapujos el fantástico y el western con un argumento que recuerda bastante al From Dusk Till Dawn de Robert Rodriguez. La película que tendrá un estreno limitado en cines y VOD el próximo 21 de agosto en Estados Unidos cuenta tras las cámaras con Aaron B. Koontz, realizador con algo de experiencia en el fantástico de serie B con trabajos como Camera Obscura o Scare Package.

The Pale Door nos cuenta como después de un fallido robo a un tren, dos hermanos que lideran una banda de vaqueros deberán sobrevivir durante una noche en un pueblo fantasma habitado por un grupo de brujas.

La película con guion del propio Aaron B. Koontz junto a Cameron Burns y Keith Lansdale está protagonizada por Stan Shaw, Melora Walters, Natasha Bassett, Zachary Knighton, James Landry Hébert, Devin Druid, Bill Sage, Noah Segan, Pat Healy, Tina Parker, Alexandra Harris, Darryl Cox, Jake Ryan Scott, Jonny Mars, Holt Boggs, Peggy Schott, Mark Adam Goff, Danielle Evon Ploeger, Collin Place, Jennifer Rader, Kent Shelton, Jeremy King, James Whitecloud, Debbi Tucker, Doug Van Liew, Caroline Kelly, Miranda Poteet, Seth Stuart, Emily Bertels, William Tate y Greg Williams.

«Pelican Blood» review

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Wiebke vive con su hija adoptiva Nicolina y acaba de adoptar a Raya. Las dos hermanas parecen llevarse bien, pero la pequeña empieza a mostrarse agresiva y a ser un peligro para los demás. Ante la situación, Wiebke tendrá que enfrentarse a una serie de extremas decisiones para proteger a sus pequeñas.

En estos últimos años el festival de Sitges ha sido un perfecto campo abonado y correspondiente escaparate a la hora de mostrar nuevas autorías genéricas surgidas a través de una mirada femenina, una vicisitud que a día de hoy se percibe como normalizada, en parte esto no dejaba de ser un déficit histórico que afortunadamente en la actualidad parece ya superado en referencia a su excepcionalidad, la indagación de realizadoras dentro del fantástico empieza pues a ser un denominador común como bien podemos comprobar en trabajos de autoras como Jennifer Kent, Julia Ducournau, Anna Biller o Ana Lily Amirpour por ejemplo, posiblemente la alemana Katrin Gebbe al contrario que las compañeras arriba citadas se ha ido acercando al género fantástico de una forma algo más sutil y menos expeditiva, algunos lo contemplaran como una aproximación en cierta manera no fundamentada en referencia a su auténtica adscripción genérica, Gebbe con su opera prima Nothing Bad Can Happen transitaba en un oscuro drama familiar ubicado a través de una crónica real, tras formar parte de la colectiva The Field Guide to Evil Pelican Blood se presenta como su trabajo más ambicioso realizado hasta la fecha, también el más ambiguo y difuso genéricamente.

En las pasadas crónicas del festival de Sitges hemos ido incidiendo, posiblemente de una forma bastante reiterada, en esa difusa adscripción arriba citada en el género fantástico de muchas de las películas presentes en el certamen, en un buen número de ellas impera en mayor o menor medida una indagación que se percibe como parcial o inacabada, a tal respecto las hibridaciones genéricas están a la orden del día casi a modo de un nuevo estatus autoral que años atrás era ciertamente complicado de ver pero que en la actualidad están a la orden del día, Pelican Blood, presente estas semanas en el Atlàntida Film Fest tras su paso por Sitges el pasado mes de octubre podría ser un buen ejemplo de todo ello, el film de la alemana Katrin Gebbe parte y se desarrolla a lo largo de una gran parte de su metraje a través de una premisa de claro índole dramático, su narrativa también da la sensación de no salirse de una tangente reconocible y preestablecida a la hora de abordar un complejo estudio psicológico acerca de las diferentes divergencias adyacentes en un estudio algo oscuro acerca de la maternidad, será en el tramo final de la película, en su resolución, cuando se recurra a un fantástico aderezado con algún que otro apunte direccionado al folk horror o al cine de posesiones ubicado en esta ocasión dentro del gótico estadounidense.

La pregunta vendrá dada en la medida de averiguar si dicha deriva o divergencia genérica desvirtúa o por el contrario llena de matices el relato en cuestión, digamos que ni una cosa u otra, Pelican Blood se sitúa en un punto indeterminada siendo todo una particularidad, imperfecta a todas luces, a tener en cuenta dada su atípica naturaleza, el film de Katrin Gebbe nos habla básicamente de una abnegación materna que continuamente está siendo torpedeada en lo concerniente al trauma, el proveniente de la nueva adopción y el ya adyacente con anterioridad por parte de la protagonista, en esta relación, y en parte confrontación, materno-filial percibida como resquebrajada una omnipresente Nina Hoss, que este año repite papel como madre en la encrucijada tras la notable La audición de Ina Weisse, deviene como un activo importante a la hora de contarnos una historia delimitada territorial y moralmente en los márgenes de la sociedad que aquí es percibida en su estética en base a un clima gélido gracias especialmente a una notable fotografía a cargo de Moritz Schultheiß, la trama animalista en esta ocasión actuara a modo dual, el personaje principal se niega a renunciar, tanto a la complicada enseñanza de un caballo como a la niña recién adoptada de la cual cree que sin importar lo que haya sufrido en el pasado puede ser redimida a través del amor puro que una nueva madre le puede otorgar, su conclusión, pese a una cierto falta de verisimilitud argumental, por otra parte lógica dada la dirección tomada, añadirá varios matices a una cinta que tiene al menos la virtud de no transitar en la complacencia en lo relativo a una función reflexiva que profundiza básicamente a través del concepto del adiestramiento emocional.

Valoración 0/5: 3

Teaser de lo nuevo de Quentin Dupieux «Mandibules»

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Por lo visto la pandemia de estos últimos meses no ha sido afortunadamente ningún obstáculo para que el músico y realizador francés Quentin Dupieux siga finiquitando proyectos de una trayectoria que pese a su irreverencia, tanto temática como genérica, se percibe a día de hoy como plenamente coherente en referencia a un estilo de hacer cine. Después de su notable Le Daim Mandibules supone su nuevo trabajo detrás de las cámaras, la película que acaba de lanzar un primer y breve teaser de poco más de 15 segundos que podéis ver a final de página tendrá su premier mundial el próximo mes de septiembre en el marco del Festival de Venecia teniendo previsto su estreno comercial en Francia para el 2 de diciembre.

La breve sinopsis de Mandibules nos cuenta como dos amigos no muy inteligentes encuentran de forma casual una mosca gigante viva atrapada dentro de un coche, ambos deciden entrenarla para poder ganar dinero con ella.

La película con guion y fotografía a cargo del propio Quentin Dupieux como viene siendo habitual está protagonizada por Grégoire Ludig, David Marsais, Adèle Exarchopoulos, India Hair, Dave Chapman, Anaïs Demoustier, Coralie Russier, Bruno Lochet, Raphaël Quenard y Roméo Elvis.

Space Fiction. Visiones de lo cósmico en la ciencia-ficción

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Desde las remotas galaxias, hasta la tierra incógnita que se despliega más allá las partículas subatómicas, la ciencia-ficción nos ha abierto las puertas a los más grandes de los relatos, y a un fabuloso número de contextos cosmológicos donde especular con lo desconocido. Un género para reflexionar acerca de nosotros mismos y de nuestro lugar en el universo, pero también para evadirnos entre los cúmulos de «materia oscura», sin más pretexto que la diversión.
En Space Fiction, acudimos a los referentes actualizados que nos ofrece la cinematografía (Alien, Lifeforce, Ad Astra, Arrival, etc.), las series (Rick y Morty, Love, Death & Robots, Black Mirror, etc.), la literatura (La guerra de los mundos, 2001: Una odisea espacial, La trilogía de los tres cuerpos, etc.), los videojuegos (Persona 3, Detroit: Become Human, etc.), o los cómics (Silver Surfer), entre otros, para llevar a cabo nuestra propia «exploración espacial» en una selecta colección de textos de autores y autoras internacionales. En sus páginas, el lector encontrará nuevas perspectivas sobre las cuestiones estéticas, filosóficas, históricas y políticas que, hoy, rodean al género.
Autor: Varios, coordinado por Mario-Paul Martínez Fabre y Fran Mateu, Editorial: Cinestesia, Páginas: 252

Primer tráiler para «30 Monedas» de Álex de la Iglesia

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HBO acaba de publicar un primer tráiler oficial que podéis ver a final de página del nuevo trabajo tras las cámaras de Álex de la Iglesia titulado 30 Monedas. Serie televisiva de terror y acción de 8 episodios aún sin fecha de estreno que tendrá su premier mundial en el próximo Festival de Venecia que se celebrará entre el 2 y el 12 de septiembre.

30 Monedas nos sitúa en un pueblo remoto de España en donde se desencadenan una serie de fenomenos sobrenaturales que amenazan con destapar secretos del Vaticano y aniquilar a la raza humana. En medio de todo estará el padre Vergara, un exorcista, boxeador y ex convicto exiliado en una parroquia del pequeño pueblo donde aparece la moneda. Vergara quiere olvidar y ser olvidado, pero sus enemigos lo encontrarán muy pronto. Cuando Vergara es relacionado con una serie de fenómenos paranormales ocurridos en el pueblo, Paco, el ingenuo alcalde y Elena, una inquieta veterinaria, tratarán de desvelar los secretos de su pasado y el significado de la antigua moneda que Vergara mantiene oculta.

La serie con guion a cargo del propio Álex de la Iglesia junto a Jorge Guerricaechevarría está protagonizada por Eduard Fernández, Macarena Gómez, Miguel Ángel Silvestre, Megan Montaner, Pepón Nieto, Manolo Solo, Carmen Machi, Jaime Ordóñez, Francisco Reyes II y Mafalda Carbonell.

30 monedas es una producción de Pokeepsie Films para HBO Europe que cuenta con la participación de HBO Latin America. Los productores ejecutivos por parte de HBO Europe son Miguel Salvat, Steve Matthews y Antony Root, mientras que Álex de la Iglesia y Carolina Bang lo son por parte de Pokeepsie Films.

https://youtu.be/aq-WomVOus8

«Akelarre» y «Courtroom 3H» competirán por la Concha Oro en la 68 edición del Festival de San Sebastián

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Rodrigo Sorogoyen participará fuera de concurso en la Sección Oficial con el pase completo de la serie Antidisturbios. La serie Patria, creada por Aitor Gabilondo, se podrá ver como proyección especial.

Akelarre, de Pablo Agüero, y Courtoom 3H (Sala del Juzgado 3H), de Antonio Méndez Esparza, competirán por la Concha de Oro de la 68 edición del Festival, cuya Sección Oficial acogerá el pase de dos series españolas: Antidisturbios, de Rodrigo Sorogoyen, se programará fuera de concurso, mientras que Patria, creada por Aitor Gabilondo, será una proyección especial.

Pablo Agüero (Mendoza, 1977), que participó en New Directors con 77 Doronship (2009) y en la Sección Oficial con Eva no duerme (2015), regresará para concursar con Akelarre, proyecto ganador del Arte Kino International Prize del VI Foro de Coproducción Europa-América Latina en 2017. Rodada en euskera y castellano con Amaia Aberasturi y Alex Brendemühl como protagonistas, la quinta película del realizador argentino es una coproducción entre España, Francia y Argentina filmada en tierras vascas y presentada como un drama histórico inspirado en un proceso judicial por brujería que tuvo lugar en el País Vasco en el siglo XVII.

Fiel a su preocupación por las cuestiones sociales, Antonio Méndez Esparza (Madrid, 1976) volverá a pugnar por la Concha de Oro con su tercer largometraje, Courtroom 3H (Sala del Juzgado 3H), una historia de no ficción que transcurre en un tribunal especial de Florida que dirime asuntos relacionados con los menores de edad. El cineasta afincado en EEUU regresa con esta coproducción hispano-estadounidense al Festival donde ya presentó sus anteriores obras: Aquí y allá (2012), que ganó el Gran Premio de la Semana de la Crítica en Cannes y después se proyectó en Horizontes Latinos, y Life and Nothing More (La vida y nada más, Sección Oficial, 2017), con la que recibió el Premio Fipresci y el Premio John Cassavetes en los Spirit Awards.

Rodrigo Sorogoyen (Madrid, 1981) participará por tercera vez en la Sección Oficial tras Que Dios nos perdone (Premio del Jurado al mejor guión, 2016) y El reino (2018). En esta ocasión, el director mostrará fuera de concurso Antidisturbios, una serie de Movistar+ de seis capítulos sobre un grupo de policías antidisturbios que se enfrenta a una acusación de homicidio tras ejecutar un desahucio que se complica. En el reparto figuran Vicky Luengo, Raúl Arévalo, Álex García, Hovik Keuchkerian, Roberto Álamo, Raúl Prieto y Patrick Criado.

La Sección Oficial contará también con la proyección especial de Patria, serie de ocho episodios creada por Aitor Gabilondo para HBO Europe a partir de la exitosa novela de Fernando Aramburu, que aborda tres décadas de la historia del País Vasco a través de los ojos de dos familias divididas por la violencia.

Además, la Sección Oficial se inaugurará, fuera de concurso, con un título ya anunciado, Rifkin’s Festival, la nueva comedia romántica de Woody Allen, que cuenta con producción estadounidense, española e italiana.

OTRAS PRODUCCIONES ESPAÑOLAS DE LA 68 EDICIÓN

La sección New Directors, que incluye primeras y segundas películas, acogerá el debut en el largometraje de dos cineastas con amplia experiencia previa en el ámbito del corto. Es el caso de David Pérez Sañudo (Bilbao, 1987), que tras recorrer festivales de todo el mundo y presentar en Zinemira-Kimuak Aprieta pero raramente ahoga (2017), concursará con Ane, un debut largo rodado en euskera que habla de fronteras y comunicación entre una madre y su hija desaparecida. Por otra parte, la coproducción hispano-holandesa La última primavera, ambientada en el barrio de chabolas de la madrileña Cañada Real, está dirigida por Isabel Lamberti (Bühl, 1987), nacida en Alemania y criada en España y Holanda –su cortometraje Volando voy (2015) logró el Torino Award de Nest, actividad entonces celebrada bajo el nombre de Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine–. Además, Imanol Rayo (Pamplona, 1984), que ganó el Premio Zinemira con su debut Bi anai (2011), presentará su segundo largometraje Hil kanpaiak / Campanadas a muerto, una historia basada en la novela 33 ezkil, de Miren Gorrotxategi, que comienza con la aparición de un cráneo en los terrenos de un caserío.

Zabaltegi-Tabakalera, la sección más abierta del Festival, albergará el regreso de Juan Cavestany (Madrid, 1967), quien tras filmes como Gente en sitios (Made in Spain, 2013) y series como Vergüenza (Zabaltegi-Tabakalera, 2017), emplea Un efecto óptico para enredar a Pepón Nieto y a Carmen Machi en un fantástico bucle temporal. Además, Zabaltegi-Tabakalera programará tres cortometrajes: Correspondencia plasmará el intercambio de misivas audiovisuales entre las cineastas Carla Simón (Barcelona, 1986), que debutó con Estiu 1993 (Verano 1993, Made in Spain, 2017), y Dominga Sotomayor (Santiago de Chile, 1985); Ya no duermo, seleccionado en el programa Kimuak del Gobierno Vasco, supondrá el estreno de la joven Marina Palacio (San Sebastián, 1996) tras graduarse en Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), y Laida Lertxundi (Bilbao, 1981), que fue responsable del grado de Creación de este centro educativo, participará con Autoficción, una obra de corte experimental coproducida en EEUU, España y Nueva Zelanda.

La sección Perlak incluirá El agente topo, un trabajo de la chilena Maite Alberdi (Santiago, 1983) sobre un viudo de 83 años que se infiltra como espía en una residencia de ancianos. Tras ganar el Premio EFADs-CAACI en el Foro de Coproducción Europa-América Latina de 2017, este proyecto coproducido por Chile, EEUU, Alemania, Holanda y España tuvo su estreno mundial en la competición oficial para documentales internacionales del pasado Festival de Sundance.

Por último, Warner España y el Festival de San Sebastián ofrecerán un pase benéfico de El verano que vivimos, un drama romántico dirigido por Carlos Sedes (A Coruña, 1973) y protagonizado por Blanca Suárez, Javier Rey y Pablo Molinero. Completan el reparto Carlos Cuevas, Guiomar Puerta y María Pedraza.

SECCIÓN OFICIAL – A competición

Akelarre

Pablo Agüero (España – Francia – Argentina)

Intérpretes: Álex Brendemühl, Amaia Aberasturi, Garazi Urkola, Irati Saez de Urabain, Jone Laspiur, Lorea Ibarra, Yune Nogueiras, Daniel Fanego, Asier Oruesagasti, Iñigo de la Iglesia, Elena Úriz , Daniel Chamorro, Jeanne Insausti

País Vasco, 1609. Los hombres de la región se han ido a la mar. Ana participa en una fiesta en el bosque con otras chicas de la aldea. El juez Rostegui, encomendado por el Rey para purificar la región, las arresta y acusa de brujería. Decide hacer lo necesario para que confiesen lo que saben sobre el akelarre, ceremonia mágica durante la cual supuestamente el Diablo inicia a sus servidoras y se aparea con ellas. Proyecto ganador del Arte Kino International Prize del VI Foro de Coproducción Europa-América Latina en 2017.

Courtroom 3H (Sala del Juzgado 3H)

Antonio Méndez Esparza (España – EEUU)

El Tribunal de Familia Unificado de Tallahasee (Florida) es un juzgado especializado en casos en los que hay menores implicados. Es una corte única en EEUU que se ocupa de asuntos relativos a padres e hijos. Las familias entran en esta corte cuando han sido acusadas de abuso, abandono o negligencia con los menores. El objetivo de este juzgado declarado por la Ley es reunificar a las familias lo antes posible y del modo más seguro. La cinta se inspira en las palabras de James Baldwin: «Si uno realmente desea saber cómo se administra la justicia en un país se acerca al desprotegido y escucha su testimonio».

SECCIÓN OFICIAL – Fuera de concurso

Rifkin’s Festival

Woody Allen (España – EEUU – Italia)

Intérpretes: Elena Anaya, Louis Garrel, Gina Gershon, Sergi López, Wallace Shawn, Christoph Waltz

Inauguración

Fuera de concurso

Rifkin’s Festival narra la historia de un matrimonio estadounidense que acude al Festival de San Sebastián. La pareja queda prendada del festival, así como de la belleza y encanto de España y la fantasía del mundo del cine. Ella tiene un affaire con un brillante director de cine francés y él se enamora de una bella española residente en la ciudad. Una comedia romántica que se resuelve de un modo divertido.

Antidisturbios / Riot Police

Serie de televisión

Rodrigo Sorogoyen (España)

Intérpretes: Vicky Luengo , Raúl Arévalo, Álex García, Hovik Keuchkerian, Roberto Álamo, Raúl Prieto

Fuera de concurso

Seis antidisturbios ejecutan un desahucio en el centro de Madrid que se complica y un hombre acaba muriendo. Un equipo de Asuntos Internos será el encargado de investigar los hechos y los seis antidisturbios se enfrentan a una acusación de homicidio imprudente. El grupo de agentes busca una salida por su cuenta que acaba separándolos y, finalmente, complicando aún más la situación. Laia, una de las agentes de Asuntos Internos, se obsesiona con el caso y acaba descubriendo que, tras ese desahucio malogrado, hay mucho más. Serie de seis episodios de 50 minutos de duración.

SECCIÓN OFICIAL – Proyecciones especiales

Patria

Serie de televisión

Aitor Gabilondo (España)

Intérpretes: Elena Irureta, Ane Gabarain, Jose Ramón Soroiz, Mikel Laskurain, Jon Olivares, Susana Abaitua, Loreto Mauleón, Iñigo Aranbarri, Eneko Sagardoy

Proyecciones especiales

El día en que ETA anuncia el abandono de las armas, Bittori se dirige al cementerio para contarle a la tumba de su marido, el Txato, asesinado por los terroristas, que ha decidido volver al pueblo donde vivieron toda su vida. ¿Podrá convivir con quienes la acosaron antes y después del atentado que trastocó su vida y la de su familia? ¿Podrá saber quién fue el encapuchado que mató a su marido cuando se dirigía a su empresa de transportes? La presencia de Bittori altera la falsa tranquilidad del pueblo, sobre todo la de su vecina Miren, amiga íntima en otro tiempo, y madre de Joxe Mari, un terrorista encarcelado. ¿Qué pasó entre esas dos mujeres? ¿Qué ha envenenado la vida de sus hijos y sus maridos, tan unidos en el pasado? Con sus desgarros disimulados y sus convicciones inquebrantables, con sus heridas y sus valentías, la historia incandescente de sus vidas antes y después del cráter provocado por el asesinato del Txato, nos habla de la imposibilidad de olvidar y de la necesidad de perdón. Serie de ocho episodios basada en la novela homónima de Fernando Aramburu.

NEW DIRECTORS

Ane

David Pérez Sañudo (España)

Intérpretes: Patricia López Arnáiz, Jone Laspiur, Mikel Losada, Luis Callejo, Nagore Aramburu, Fernando Albizu, Gorka Aguinagalde, David Blanka

Euskadi, 2009. Lide trabaja como guardia de seguridad en las obras del tren de alta velocidad, un proyecto que genera protestas sociales en las calles. Cuando vuelve a casa después de trabajar y pasar la noche de fiesta, prepara el desayuno para dos, pero su hija adolescente, Ane, no está. Al día siguiente, ésta sigue sin aparecer. Lide mantiene la calma, seguramente su desaparición está causada por la fuerte discusión que tuvieron el día anterior. Buscando entre las cosas de Ane, se irá dando cuenta de que su hija es una persona a la que no conoce. Junto con su exmarido Fernando, investigarán el paradero de su hija. Ambos se sumergirán en el mundo de Ane, un espacio activista, inestable y adolescente. Ane es una historia de búsqueda, de comunicación y falta de ella, de cuidados y descuidos, de obras y reconstrucciones, porque todas las relaciones tienen un poco de cada una. Ópera prima.

Hil kanpaiak / Death Knell (Campanadas a muerto)

Imanol Rayo (España)

Intérpretes: Itziar Ituño, Eneko Sagardoy, Yon González, Asier Hernández, Iñigo Aranburu, Dorleta Urretabizkaia, Josean Bengoetxea, Kandido Uranga, Patricia López Arnaiz, Andrés Gertrúdix, Itxaso Arana

En el caserío Garizmendi aparecen huesos humanos y los caseros, Fermín y Karmen, llaman a su hijo Néstor, quien decide avisar a la policía. Pero, cuando llegan los agentes, los huesos han desaparecido. Acto seguido, suenan las campanas de la ermita cercana. Esta señal de mal augurio anuncia la llegada de hechos trágicos y reabre viejas heridas en la familia y personas cercanas, en especial la de la muerte de Aitor, hermano gemelo de Néstor. Ahora, como entonces, Karmen culpa de todo a su cuñado Estanis y trata de convencer a Néstor de que ellos serán los próximos y deben hacer algo. Segunda película de su director.

La última primavera / Last Days of Spring

Isabel Lamberti (Holanda – España)

Intérpretes: David Gabarre Jiménez, Agustina Mendoza Gabarre, David Gabarre Mendoza, Ángelo Gabarre Mendoza, María Duro Rego, David Gabarre Duro , Isabel Gabarre Mendoza, Angelines Gabarre Mendoza, Alejandro Gabarre Mendoza

La familia Gabarre-Mendoza celebra el cumpleaños de su nieto cuando una inspección policial interrumpe el festejo. En la Cañada Real, un barrio de chabolas a las afueras de Madrid, surgen tensiones entre las autoridades y los vecinos, ya que los terrenos han sido vendidos y las familias son obligadas a abandonar las casas que ellos mismos han construido. Mientras la madre, Agustina, pasa de ser una mujer muy alegre a vivir atormentada por el miedo; el padre, David, un chatarrero muy trabajador, intenta encontrar una solución, pero la burocracia del sistema les falla. Entretanto, los miembros más jóvenes de la familia -David hijo, la nuera y madre adolescente María y el joven Alejandro- luchan a su manera con sus vidas en la cuerda floja. Ópera prima. 

ZABALTEGI-TABAKALERA

Autoficción / Autofiction

Cortometraje

Laida Lertxundi (EEUU – España – Nueva Zelanda)

Tomando prestado su título de un género literario, la película reconoce la indeterminación tanto de la ficción como del ser. Elementos de film noir se reducen a gestos inexpresivos bajo la brillante luz del sol de California. Grabaciones de campo realizadas en Nueva Zelanda se escuchan mientras las mujeres hablan entre ellas sobre la maternidad, el aborto, las rupturas y la ansiedad. Un desfile en favor de los derechos civiles se mueve lentamente por una calle. Los cuerpos aparecen en estados de cansancio, heridos o en reposo, mientras que las canciones de Irma Thomas y Goldberg evocan el paso del tiempo y un futuro incierto.

Correspondencia / Correspondence

Cortometraje

Carla Simón, Dominga Sotomayor (España – Chile)

Correspondencia visual entre Carla Simón y Dominga Sotomayor en la que comparten cachitos de su vida y lo que las ha llevado a contar las historias que cuentan en la gran pantalla y a convertirse en las creadoras que son hoy en día. Reflexiones acerca del cine, la família, la herencia y la maternidad que se cruzan con realidades que modifican por momentos la percepción que tienen del mundo las cineastas.

Un efecto óptico / An optical illusion / Interval

Juan Cavestany (España)

Intérpretes: Carmen Machi, Pepón Nieto

Alfredo y Teresa son un matrimonio de Burgos que viaja a Nueva York con la intención de «desconectar» y hacer todos los planes que vienen en la guía. Pero nada más aterrizar empiezan a percibir señales, sutiles y no tanto, de que en realidad no están en la ciudad que les vendieron en la agencia. ¿Dónde están entonces?

YA NO DUERMO

Cortometraje

Marina Palacio Burgueño (España)

Intérpretes: Jesús Palacio Erauskin, Miguel Burgueño Herrero

Ya no duermo es una película realizada en familia que nos muestra a Miguel y a su tío Kechus, quienes quieren rodar una película de vampiros. En ese intento por crear algo juntos se alternan realidad y ficción, en un juego que muestra además la particular relación que se establece entre niño y adulto.

PERLAK

El agente topo / The Mole Agent

Maite Alberdi (Chile – EEUU – Alemania – Holanda – España)

Intérpretes: Sergio Chamy, Rómulo Aitken, Marta Olivares, Berta Ureta, Zoila González

Rómulo es un detective privado. Cuando una clienta le encarga investigar la residencia de ancianos donde vive su madre, Rómulo decide entrenar a Sergio, un hombre de 83 años que jamás ha trabajado como detective, para vivir una temporada como agente encubierto en el hogar. Ya infiltrado, con serias dificultades para asumir su rol de topo y ocultar su adorable y cariñosa personalidad, se acaba convirtiendo, más que en un espía, en un aliado de sus entrañables compañeras. Premio EFADs-CAACI en el Foro de Coproducción Europa-América Latina de 2017.

OTRAS ACTIVIDADES

El verano que vivimos

Carlos Sedes (España)

Intérpretes: Blanca Suárez, Javier Rey, Pablo Molinero, Carlos Cuevas, Guiomar Puerta, María Pedraza

Proyección benéfica

Unas misteriosas esquelas llegan a manos de una joven periodista. Siempre sin firmar. Siempre dedicadas a una tal Lucía. En ellas, se adivina una historia de amor, amistad y traición que sucedió en las viñas de Jerez durante el verano de 1958. Un amor inmortal cuyos protagonistas, a pesar de que han pasado cuarenta años, no quieren olvidar. Hay momentos que duran toda una vida.

Tráiler de «Archenemy», lo nuevo de Adam Egypt Mortimer

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Adam Egypt Mortimer lleva ya un tiempo en el radar de los seguidores del fantástico independiente con cintas como Some Kind of Hate o su participación en la colectiva Holidays, seguramente el éxito crítico el pasado año de Daniel Isn’t Real le haya servido de alguna manera para abrirle las puertas a empresas algo más ambiciosas. En su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Archenemy, cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, Adam Egypt Mortimer vuelve a indagar en el fantástico aunque en esta ocasión emparentado con elementos propios del thriller de acción en una película que tiene previsto su estreno comercial de la mano de Voltage Pictures para el 2021.

En Archenemy vemos como Max Fist asegura ser un héroe de otra dimensión que cayó por accidente en la Tierra, donde no puede emplear sus poderes, a través de una brecha en el espacio-tiempo. Sólo un adolescente local a quien todos conocen por el sobrenombre de Hamster cree en él. Juntos tendrán que luchar contra unos traficantes de drogas para poder liberar la ciudad de delincuencia.

La película con guion del propio Adam Egypt Mortimer junto a Lucas Passmore está protagonizada por Joe Manganiello, Glenn Howerton, Joseph D. Reitman, Mac Brandt, Kieran Gallagher, Christopher Guyton y Luis Kelly-Duarte.

Póster y tráiler para «Crónica de una tormenta»

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Sera una de las películas presentes en la próxima edición del Festival de Málaga, la opera prima de la realizadora Mariana Barassi titulada Crónica de una tormenta, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, en una adaptación de la obra teatral Testosterona, de Sabina Berman. La película se estrenará en los cines de nuestro país de la mano de Syldavia Cinema el próximo 23 de octubre.

En Crónica de una tormenta vemos como Antonio, el director de un importante periódico, debe elegir a su sucesor, Maca, una mujer que apuesta por la cooperación entre los miembros de la empresa y no por la verticalidad en el trabajo, competirá contra el otro subdirector, Vargas, un periodista manipulador que se las sabe todas. Maca ha sido la discípula predilecta de Antonio desde la universidad, y también los une un amor platónico, pero si bien parece la candidata idónea para el puesto, Antonio duda sobre su capacidad para manejar el poder. La noche en la que Antonio le cuenta a Maca el proceso de selección, ambos se quedan encerrados en el periódico por una fuerte tormenta y, en el curso de esa noche, hablarán a fondo, discutirán y revelarán cuestiones trascendentales de la vida, el periodismo, el amor, el sexo y la muerte.

La película producida por Tornasol, Urkulu Producciones Cinematográficas A.I.E. y Hernández y Fernández Producciones Cinematográficas A.I.E., en co-producción con Haddock Films y Aleph Media y el apoyo del ICAA cuenta con un guion adaptado de la propia Mariana Barassi y música a cargo de Paula Olaz estando protagonizada por Clara Lago, Ernesto Alterio y Quique Fernández.

El alíen infiltrado, tráiler de «Sputnik»

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El género fantástico proveniente de Rusia está proporcionando estos últimos años un amplio catálogo de producciones que de alguna manera están emparentadas al mainstream proveniente de Norteamérica, dentro de la ciencia ficción de tono realista pudimos ver hace un par de años la entretenida Salyut-7 de Klim Shipenko, Sputnik, cuyo tráiler internacional con subtítulos en inglés podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se adentra  en un territorio más cercano a películas referenciales como por ejemplo Alien o The Thing. La película que supone el debut en la dirección de Egor Abramenko y cuyo estreno en VOD en Estados Unidos está previsto para el 14 de agosto estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges.
Sputnik nos cuenta como el único superviviente de un enigmático incidente de una nave espacial no ha regresado solo a casa, escondiéndose dentro de su cuerpo una criatura peligrosa. Su única esperanza será una doctora que estará dispuesta a todo lo que sea necesario para poder salvarlo.
La película con guion a cuatro manos por parte de  Oleg Malovichko y Andrei Zolotarev está protagonizada por Oksana Akinshina, Fedor Bondarchuk, Pyotr Fyodorov, Anna Nazarova, Anton Vasilev y Vasiliy Zotov.

«Leap of Faith: William Friedkin on The Exorcist» review

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Ensayo fílmico lírico y espiritual sobre El exorcista, la ultimísima película de Alexandre O. Philippe explora las profundidades inexploradas de la mente de William Friedkin, los matices de su proceso creativo y los misterios de la fe y del destino que han modelado su vida y su filmografía.

Como hemos venido comentado anteriormente en otras reseñas con respecto a la notable Memory: The Origins of Alien Alexandre O. Philippe fue indiscutiblemente uno de los nombres propios de la pasada edición del Festival de Sitges, un realizador cuyo trabajos dentro del documental han ido mejorando visiblemente conforme se ha desarrollado su trayectoria como bien lo demuestra el cómo de trabajos de índole casi anecdótico como por ejemplo The People vs. George Lucas o The Life and Times of Paul the Psychic Octopus ha pasado a otros de un mayor empaque como su notable 78/52, Leap of Faith: William Friedkin on The Exorcist, bastante diferente en su estructura al título que analiza la película de Ridley Scott, fue su segundo trabajo tras las cámaras que se pudo ver en el certamen el pasado mes de octubre, un documental que sin embargo huye de ser prototípico en relación a una función que sigue siendo inequívocamente didáctica para con el espectador pero que aquí sustituye el consabido desgrane y análisis global de un autor o una obra por parte de terceros, en el caso que nos ocupa la seminal The Exorcist, para ofrecernos desde dentro una apasionante reflexión acerca del proceso creativo que termina bifurcándose hacia toda una obra expuesta y diseccionada a cargo de una sola voz, la del propio creador, William Friedkin.

La fórmula aquí expuesta por evidente que resulte no deja de ser exitosa en el caso que nos ocupa, tan solo seis días de rodaje y una exposición a modo de testimonio desnudo y lujoso audio-comentario resultante de una extensa entrevista en donde William Friedkin analiza un proceso de construcción que deviene como muy personal, el quid de la cuestión en referencia a dicho formato queda en manos exclusivamente de su interlocutor, si por ejemplo este hubiera sido por poner un ejemplo John Carpenter el resultado sería bastante diferente, es en dicha síntesis narrativa en donde Leap of Faith: William Friedkin on The Exorcist resulta ciertamente interesante pues a fin de cuentas la clarividencia aquí va bastante más allá que una simple disección de anécdotas ocurridas en relación a un rodaje en concreto. Siempre es interesante escuchar lo que dice William Friedkin, pero especialmente resulta interesante en como lo dice, la información a tal respecto deviene como valiosísima, siendo ciertamente encomiable la pasión con que el responsable de To Live and Die in L. A recuerda cada mínimo detalle de una cinta que en el año 1973 cambió de alguna manera lo que sería a partir de entonces la historia del género de terror, a tal respecto ni que decir tiene que para los fanáticos de la película constituirá un auténtico tesoro que difícilmente verán en cualquier edición extra del film en formato doméstico, poco importara que el responsable de The French Connection en su continuo y muy profundo monologo se pueda percibir una cierta sensación de superioridad cultural con respecto a sus interlocutores, algunos lo llamaran pedantería, lo importante es que esta mirada no sea impostada pues a fin de cuentas el testimonio como tal deviene como inabarcable en referencia a sus numerosos matices.

Como documento excepcional y brillante acercamiento a una obra que es Leap of Faith: William Friedkin on The Exorcist, proyecto que curiosamente se gestó hace un par de años en un Sitges en donde coincidieron y se conocieron por primera vez un homenajeado William Friedkin y un Alexandre O. Philippe que presentaba en el certamen su 78/52, este queda finalmente expuesto a modo de un interesante making of de lujo que cuenta con el añadido del acierto de un Alexandre O. Philippe que opta por apartarse en referencia al autor, aquí expuesto desde su primer plano a través de una abrumadora confesión que extrapola el concepto de la puntual descripción de una supuesta obra maestra del género que curiosamente acabo siendo concebida a modo de un acto de fe autoral.

Valoración 0/5: 4

Contra la cinefilia

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A partir de su propia experiencia cinéfila desbordada, Vicente Monroy desarrolla en este ensayo una apasionante historia de los mitos de la cinefilia y de sus argumentos fundamentales, de las múltiples formas en que el cine, ese arte joven pero siempre en crisis, ha llegado a enfermar a sus amantes. De Orson Welles a Martin Scorsese, pasando por los Cahiers du Cinéma o Serge Daney, pero también dialogando con la historia de la filosofía y de la literatura, Monroy consigue construir en estas páginas una elegante síntesis de las ideas y polémicas más profundas que se han dado sobre el cine y su significado histórico. Una historia del cine articulada a partir de los cinéfilos, grandes amantes del cine que en ocasiones desarrollan una relación patológica con el objeto de su deseo.
El autor
Vicente Monroy nació en Toledo en 1989. Escribe teoría literaria y sobre cine. Es autor de varios poemarios, entre ellos ‘El gran error del siglo 21’ (2015) y ‘Las estaciones trágicas’ (2018). Ha trabajado como profesor de cine, como guionista y como arquitecto.
Autor: Vicente Monroy, Editorial: CLAVE INTELECTUAL Colección: URGENTES, Páginas: 152

La violenta noche de Mario Casas, tráiler oficial de «No matarás»

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Acaba de ver la luz de la mano de Filmax un nuevo adelanto del segundo trabajo tras las cámaras de David Victori titulado No matarás. Después del thriller sobrenatural El pacto Victori se adentra en esta ocasión en un relato de suspense que tiene previsto su estreno en cines de nuestro país para el próximo otoño previo paso por el Festival de Sitges. El tema principal de la película está compuesto e interpretado por Macaco y cuenta con la colaboración de Babi. Se trata de una pieza original escrita especialmente para la película y producida con sonidos retro-actuales, esta canción es la base musical del tráiler oficial, ya disponible, que podéis ver a final de página.

En No matarás vemos como Dani, un buen chico que durante los últimos años de su vida se ha dedicado exclusivamente a cuidar de su padre enfermo, decide retomar su vida tras la muerte de éste. Justo cuando ha decidido emprender un largo viaje, conoce a Mila, una chica tan inquietante y sensual como inestable, que convertirá esa noche en una auténtica pesadilla. Las consecuencias de este encuentro llevarán a Dani hasta tal extremo, que se planteará cosas que jamás habría podido imaginar.

La película producida y distribuida por Filmax y con la participación de RTVE, Televisió de Catalunya y Movistar+ cuenta con un guion a tres manos por parte de Jordi Vallejo, David Victori y Clara Viola estando protagonizada por Mario Casas, Joaquín Caserza, Victor Solé, Milena Smit y Elisabeth Larena.

La oscura guerra psíquica de Brandon Cronenberg, tráiler de «Possessor»

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Se ha hecho esperar más de lo previsto el segundo trabajo tras las cámaras de Brandon Cronenberg tras su prometedora opera prima Antiviral, ocho años después con Possessor, cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se vuelve a adentrar en temáticas e imaginarios que nos pueden remitir ocasionalmente a trabajos ya transitados por su padre David como por ejemplo Videodrome o eXistenZ. La película que tuvo muy buena acogida en el pasado Festival de Sundance se podrá ver muy posiblemente después del verano por el circuito de certámenes de género de nuestro país.

En Possessor vemos como Tasya Vos es una agente de una organización secreta que utiliza implantes cerebrales para controlar el movimiento corporal de otras personas, obligándolas a cometer asesinatos que benefician a toda clase de peces gordos del mundo corporativo. Un día, durante una misión rutinaria, algo sale mal. La agente Vos se ve atrapada dentro de la mente de uno de los sujetos que trataba de controlar, cuyo apetito por la violencia se acaba convirtiendo en su peor aliado, superando incluso el suyo propio.

La película con guion del propio Brandon Cronenberg y música compuesta por Jim Williams está protagonizada por Andrea Riseborough, Christopher Abbott, Sean Bean, Jennifer Jason Leigh, Tuppence Middleton, Kaniehtiio Horn, Hanneke Talbot, Rossif Sutherland, Christopher Jacot, Raoul Bhaneja, Gage Graham-Arbuthnot, Deragh Campbell, Ayesha Mansur Gonsalves, Kelsey Klippenstein, Megan Vincent, Kathy Maloney, Daniel Park, Danny Waugh, Dorren Lee y Matthew Garlick.

Willem Dafoe protagoniza el cartel de la 68 edición del Festival de San Sebastián

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El cartel es obra del estudio donostiarra Patio a partir de una imagen del fotógrafo Martin Schoeller.

El actor estadounidense Willem Dafoe (Appleton, Wisconsin, 1955) protagonizará la imagen del cartel de la 68 edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre. El Festival comenzó en 2018 una nueva línea de carteles, cuya composición aúna fotografía e ilustración y que preside una figura de la cinematografía contemporánea. La actriz Isabelle Huppert inauguró la serie en la 66 edición y el año pasado lo hizo Penélope Cruz. El cartel ha sido realizado por el estudio donostiarra Patio a partir de una imagen del fotógrafo Martin Schoeller.

Nominado cuatro veces al Oscar y tres a los Globos de Oro, Dafoe recibió en 2005 el Premio Donostia en reconocimiento a una trayectoria que incluye colaboraciones con los cineastas Michael Cimino, Martin Scorsese, Oliver Stone, John Waters, Paul Schrader, David Lynch, Alan Parker, Abel Ferrara, Lars Von Trier, Wes Anderson, Sam Raimi, Sean Baker y Robert Eggers, entre muchos otros.

Dafoe visitó San Sebastián por primera vez en 1988 para presentar The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo, Martin Scorsese). Regresó en 1997 para acompañar la película Victory (Mark Peploe), que compitió en la Sección Oficial, y en 2005 volvió para recoger el galardón honorífico más importante del Festival, el Premio Donostia, en una ceremonia en la que se proyectó Before it Had a Name (Giada Colagrande). Su última visita tuvo lugar en 2014 junto a Pasolini (Perlak), dirigida por Abel Ferrara.

“Es un honor para el Festival que uno de los mejores actores del mundo, con el que nos une una afectuosa relación desde hace muchos años, haya aceptado ser la imagen de la 68 edición del Festival de San Sebastián”, ha apuntado el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos.

“Lugar de encuentro del pasado, presente y futuro del cine”

Los carteles de esta edición pertenecen a la serie Huele de cine, elaborada por el estudio donostiarra Patio, que ya diseñó el cartel de la retrospectiva dedicada a Ernst Lubitsch en 2006, en la 54 edición. El director creativo de Patio, Patxi Zapirain, ha partido de un concepto que agrupase la cartelería y la dotase de una identidad compartida, con el objetivo de “contribuir al posicionamiento del Festival como lugar de encuentro del pasado, presente y futuro del cine”. Los motivos orgánicos y vegetales y el color dominan las imágenes a través de las que Zapirain representa al Festival “como un gran jardín donde puedes encontrar todo tipo de flores, de sensaciones y olores, un jardín que está muy vivo, con grandes flores, grandes películas, pero también con pequeñas películas que pueden hacerse grandes”.

Patio ofrece desde 2004 servicios de comunicación integrales, es decir, publicidad estratégica, marketing directo, diseño, imagen, identidad corporativa, social media, acciones no convencionales, diseño y programación de páginas web, editorial o comunicación aplicada a espacios.

El Festival ya ha dado a conocer el filme que inaugurará fuera de concurso la 68 edición, Rifkin’s Festival, dirigido por Woody Allen y rodado en la ciudad, la entrega del Premio Donostia al actor y director estadounidense Viggo Mortensen, acompañada de la proyección de Falling, su debut como cineasta y seis películas que competirán por la Concha de Oro: In the Dusk (Sharunas Bartas), Asa Ga Kuru / True Mothers (Naomi Kawase), Dasatskisi / Beginning (Dea Kulumbegashvili), Été 85 / Summer of 85 (Verano del 85, François Ozon), Nakuko wa ineega / Any Crybabies Around? (Takuma Sato) y Druk / Another Round (Thomas Vinterberg).

Tráiler y póster del drama criminal «Calm with Horses»

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Tras participar en series como Cuffs o Hard Sun el debut en el largometraje de Nick Rowland nos trasporta a una trama criminal situada en la Irlanda rural, el film titulado Calm with Horses, cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, cuenta en su reparto con figuras emergentes como Barry Keoghan o Cosmo Jarvis, este último visto recientemente en la notable Nocturnal. La película bajo el título de The Shadow of Violence se estrenará en las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 31 de julio.

En Calm with Horses vemos como en la zona rural más oscura de Irlanda, un ex-boxeador llamado Douglas ‘Arm’ Armstrong se ha convertido en el brazo fuerte de la familia Devers, un clan dedicado al negocio de la venta de droga. Mientras tanto, también trata de ser un buen padre para Jack, un niño autista de cinco años. Dividido entre sus dos familias, la lealtad de Arm se pone a prueba cuando los Devers le piden por primera vez que asesine a un hombre.

La película con guion de Joseph Murtagh está protagonizada por Barry Keoghan, Niamh Algar, Ned Dennehy, Cosmo Jarvis, Anthony Welsh, Hazel Doupe, Simone Kirby, Toni O’Rourke, Roisin O’Neill, Ryan McParland, John Paul O’Driscoll, Lee Byford, Matt Tyzack, Stephen McDade, Ally Ni Chiarain, Stephen McGowan y Kiljan Moroney.

Sitges 2020 celebrará el centenario de «El gabinete del doctor Caligari»

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La 53ª edición, que se desarrollará en un formato híbrido entre presencial y virtual, presenta una selección de los mejores títulos del fantástico actual. Sitges 2020 se prepara para su encuentro anual con los fans del fantástico, la industria y la prensa en una edición única. El Festival combinará el mejor cine de género del momento con una mirada hacia filmes que han trazado la historia del fantástico, a través de diversos homenajes. Las películas dirigidas por mujeres tendrán un protagonismo evidente –una clara tendencia en los últimos años– y el papel del cine estatal también será preponderante. 

La primera gran película de género fantástico de la historia del cine, Das Cabinet Des Dr. Caligari (El gabinete del doctor Caligari) celebra 100 años de existencia y Sitges 2020 la adopta como motivo para su cartel, realizado por la agencia China. En palabras de sus creadores, “este año tenemos la suerte de celebrar el primer centenario en Sitges con los 100 años de El gabinete del doctor Caligari. Uno de los padres indiscutibles del cine fantástico y de terror con una mirada perturbadora que ha influenciado a tantos cineastas del género. Hemos querido homenajear su inolvidable estilo expresionista con una reinterpretación de Sitges que emula a Holstenwall, el pueblo imaginado por los artistas Hermann Warm, Walter Reimann y Walter Röhrig. Una visión angustiosa, que refleja la hipnosis colectiva de sus habitantes, y que durante unos días hipnotizará también a los fans del fantástico en Sitges”. El ilustrador del cartel es David de Ramón de The Mushroom Company.

La película de Robert Wiene también inspirará la retrospectiva Sombras de Caligari, formada por grandes clásicos como The Trial (El proceso), de Orson Welles, entre otros que se anunciarán próximamente. Esta retrospectiva irá acompañada de un libro, editado por Hermenaute, sobre la influencia de Caligari en el fantástico.

La 53ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se abrirá el próximo 8 de octubre con el estreno de Malnazidos, la película de acción zombi dirigida conjuntamente por Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro. El filme adapta la novela de Manuel Martín Ferreras, ambientada en la Guerra Civil Española. El reparto está integrado por Miki Esparbé, Aura Garrido, Luis Callejo, Álvaro Cervantes y María Botto, entre otros. La cinta sigue a un grupo de combatientes huidos de bandos rivales durante la Guerra Civil que tendrán que aliarse para hacer frente a un enemigo común, los zombis.

Los fans de los no-muertos también están de enhorabuena con el estreno de la película coreana Peninsula, la secuela de Train to Busan que en Sitges 2016 fue merecedora de los premios a la mejor dirección para Yeon Sang-ho y a los mejores efectos especiales.

Uno de los títulos más esperados de este año es Relic, el debut de la directora australiana Natalie Erika James, que sorprendió en Sundance y que se ha situado en primera posición en los cines norteamericanos post-pandemia. Producida por Jake Gyllenhaal y protagonizada por Emily Mortimer, la cinta se adentra en un espiral de terror turbio.

El terror independiente de diversas procedencias y dirigido, en una mayoría, por mujeres, disfrutará de una presencia destacada en el Festival con propuestas como la británica The Show, de Mitch Jenkins, escrita por el gurú del cómic Alan Moore; la francesa Jumbo, de Zoé Wittock; la norteamericana 12 Hour Shift, de Brea Grant, o la canadiense Slaxx, de Elza Kephart. Sitges 2020 contará con un buen puñado de ejemplos de terror festivo, dirigido a los fans del género, con títulos como Psycho Goreman, de Steven Kostanski; Benny Loves You, de Karl Holt, o The Queen of Black Magic, de Kimo Stamboel.

Otros títulos confirmados en esta 53ª edición ofrecerán un amplio abanico de tipologías del fantástico. Del terror pasando por la ciencia ficción y el thriller, filmes a descubrir que llenarán el Festival, como The Silencing, de Robin Pront, una cinta de venganza protagonizada por Nikolaj Coster-Waldau y Annabelle Wallis. Respecto a la ciencia ficción, se podrá ver The Sputnik, filme ruso dirigido por Egor Abramenko, una aventura espacial con alienígenas. También Come True, de Anthony Scott Burns, con un adolescente atormentado por terribles pesadillas. Archive, la ópera prima de Gavin Rothery, trata la temática de la inteligencia artificial, mientras que La nuée, de Just Philippot, plantea un peculiar drama de terror plaga do de saltamontes, y Fried Barry, de Ryan Kruger, presenta a un antihéroe drogadicto que es abducido por extraterrestres.

Los vampiros tampoco podían faltar a la cita anual y este año estarán representados por Comrade Drakulich, cinta húngara dirigida por Márk Bodzsár, una comedia negra con un héroe de la revolución cubana en formato vampiro. De Hungría también llegará Post Mortem, de Péter Bergendy, una historia de fantasmas ambientada en la Primera Guerra Mundial.

En este primer avance de programación, la animación tiene su espacio con Lupin III: The First, la continuación de la saga manga creada por Monkey Punch que se ha convertido en un icono en Japón, dirigida por Takashi Yamazaki.

 

Cine catalán

Además de la flamante inauguración con Malnazidos, el cine autóctono estará muy presente en Sitges 2020. El Festival contará con el estreno de No matarás, de David Victori, un thriller protagonizado por Mario Casas dando vida a un personaje que se encontrará contra las cuerdas.

La Barcelona de principios del siglo XX es el escenario de La vampira de Barcelona, un terrorífico drama basado en hechos reales que dirige Lluís Danés y cuenta con un amplio reparto de actores catalanes como Nora Navas, Sergi López, Francesc Orella, Pablo Derqui, Bruna Cusí, Roger Casamajor o Núria Prims.

Próximamente, se anunciarán más producciones catalanas seleccionadas.

 

Fantástico iberoamericano 

La cinematografía argentina pisará con fuerza la 53ª edición del Festival, presentando algunas de las películas de género más destacadas de la temporada. Como la inquietante Inmortal, de Fernando Spiner, un drama fantástico que explora los límites entre la vida y la muerte. También alrededor de esta temática se proyectará Los que vuelven, un thriller de gran potencia visual.

Historia de lo oculto, de Cristian Ponce, cierra este primer bloque de títulos iberoamericanos, con un filme de terror en blanco y negro que trata la corrupción política y la conspiración.

 

Grandes clásicos con la máxima calidad

Sitges 2020 es el marco idóneo para conmemorar los aniversarios de dos grandes mitos del cine fantástico de todos los tiempos. Elephant Man (El hombre elefante), la impactante obra maestra de David Lynch, celebra sus 40 años y el Festival revisitará en una remasterización en tecnología 4K la terrible historia de John Merrick –en una magnífica interpretación de John Hurt– que se ha mantenido intacta en las retinas de todos los cinéfilos.

Otro éxito del fantástico, Total Recall (Desafío total), de Paul Verhoeven, celebrará su 30º aniversario con los fans, también en resolución 4K. La cinta de ciencia ficción, que adaptó un relato de Philip K. Dick, forma parte del imaginario colectivo, con Arnold Schwarzenegger y Sharon Stone, y conecta también con la retrospectiva Sombras de Caligari, ya que es un título fuertemente influenciado por el clásico.

 

Revisión de grandes figuras 

Los documentales sobre grandes nombres del cine tampoco faltarán a la 53ª edición del Festival de Sitges. El director Gregory Monro recupera en Kubrick by Kubrick nuevas grabaciones exclusivas del cineasta, en las cuales reflexiona sobre su filosofía de vida, aportando un documento esencial y un tributo definitivo a la persona de Stanley Kubrick.

Bruce Lee recibirá también su homenaje con Be Water, el documental de Bao Nguyen que, a partir de material inédito, retrata al legendario actor y maestro de artes marciales, de vida fugaz pero intensa.

 

Brigadoon y Premio Nosferatu

La sección Brigadoon contará en Sitges 2020 con una fuerte presencia de cine latinoamericano. Al morir la matinée (Argentina, Uruguay), dirigida por Maximiliano Contenti, es una nueva aproximación al giallo con referencias al filme Angustia, de Bigas Luna.

Cabrito (Brasil), de Luciano de Azevedo, retoma la propuesta del cortometraje del mismo título, y confecciona un largo sofocante y malsano de terror puro. Por otro lado, Cuidado con lo que deseas (México), de Agustín Oso Tapia, presenta una historia protagonizada por niños y adultos donde los crímenes y las traiciones están bien presentes, con el telón de fondo del teatro de guiñol.

Respecto a documentales, en Brigadoon se presentarán Bava Puzzle, una pieza centrada en la figura del realizador italiano Lamberto Bava, director de clásicos como Demons o Macabro e hijo del mítico Mario Bava. Dirigen Paola Settimini y Daniele Ceccarini. The Quiet Revolution: State, Society and the Canadian Horror Film, de Xavier Mendik y Philip Escott, es un estudio cinematográfico del panorama del cine de terror canadiense. Un análisis con sus protagonistas donde se exploran influencias, historia y tradición dentro del género. Segrelles. Ilustrador universal, dirigido por Ignacio Estrela, resigue la vida y obra del pintor valenciano José Segrelles (1885-1969), uno de los ilustradores más influyentes en artistas contemporáneos. Una figura artística de reconocimiento internacional a valada por realizadores como Guillermo del Toro, uno de los invitados al documental.

El Premio Nosferatu de este año será para el actor Manuel de Blas, cara visible en el fantástico estatal desde la década de los sesenta y todavía en activo. De Blas ha trabajado en más de 200 producciones para cine, televisión y teatro, transitando por todos los géneros (western, comedia, drama…), con el fantástico como un puntal importante en su carrera, con títulos como El coleccionista de cadáveres (Santos Alcocer, 1970), donde compartió reparto con Boris Karloff, La orgía nocturna de los vampiros (León Klimovsky, 1973) o El jorobado de la morgue (Javier Aguirre, 1973).

 

Sitges Film Hub

La sección de industria del Festival vuelve con fuerza en una edición donde se complementarán las ya consagradas sesiones presenciales en el Industry Hub by Catalan Films&TV del Hotel Meliá Sitges, con una oferta virtual de las actividades y encuentros dirigidos a los profesionales del sector.

Bajo el paraguas del Sitges Film Hub, en la anterior edición del Festival se acogieron más de 40 actividades, entre mesas redondas, masterclasses, actividades de mentoring y encuentros con invitados del Festival. Más de 1.800 asistentes estuvieron presentes en las actividades donde también se presentaron 42 proyectos en diferentes sesiones de pitch.

Por sexto año consecutivo, el Festival y la plataforma Filmarket Hub se unen para organizar el esperado Sitges Pitchbox, un evento internacional de pitching enfocado a proyectos de género en desarrollo. La edición del año 2020 se realizará en formato virtual y, como novedad, incluirá también una sesión de pitch para series de televisión europes. La convocatoria de proyectos se inicia el próximo 23 de julio en https://www.filmarkethub.com/calls.

La iniciativa del Festival que busca acercar la literatura y el cine fantástico, el Sitges Taboo’ks, presentará de nuevo cuatro obras literarias (novela, teatro, relato corto y novela gráfica o cómic). El programa invita a productores interesados en los proyectos con la finalidad de promover acuerdos de adaptación. La actividad contará también con una masterclass impartida por una personalidad significativa en ambos sectores: el cinematográfico y el literario. El plazo de presentaciones de obras finalizará el 18 de agosto.

El Producers Meet Producers, programa de mentoring dirigido a jóvenes productores, también celebra su sexta edición. La actividad, organizada por la PAC (Productors Audiovisuals de Catalunya) y el Ayuntamiento de Sitges (Promoción Económica), en colaboración con el Sitges Film Hub, tiene como objetivo poner en valor y dar visibilidad a la figura del productor audiovisual, dentro y fuera del sector, generar industria y tejer una red con el talento emergente.

El Sitges Film Hub publicará su agenda completa de actividades en el mes de septiembre.

Los lazos maternos de Naomi Kawase, tráiler de «True Mothers»

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Iba a ser una de las películas presentes en la sección oficial del ya cancelado Festival de Cannes, el nuevo trabajo tras las cámaras de la realizadora Naomi Kawase titulado True Mothers, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, sí que estará presente sin embargo en la próxima edición del Festival de San Sebastián compitiendo por la Concha de Oro. Naomi Kawase, ya presente en el certamen donostiarra con su anterior Vision, vuelve con True Mothers a indagar en una temática como es la maternidad ya recorrida con bastante frecuencia dentro de su filmografía.

True Mothers nos cuenta como tras una larga e insatisfactoria lucha por quedarse embarazada y convencida por una asociación de adopción, Satoko y su marido deciden adoptar a un niño. Años después, su familia se tambalea con la amenaza de Hitari, una chica desconocida que dice ser la madre biológica. Satoko opta por confrontar a Hitari directamente.

La película que se ha estrenado en cines de Japón este pasado 5 de julio cuenta con un guion adaptado por parte de la propia Naomi Kawase junto a Izumi Takahashi está protagonizada por Hiromi Nagasaku, Arata Iura, Aju Makita, Miyoko Asada, Hiroko Nakajima, Tetsu Hirahara y Taketo Tanaka.

La imaginación intangible – Una historia esencial del cine de animación

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Estudiar las circunstancias históricas de la animación es viajar por una historia paralela del cine. Entrando y saliendo de la corriente principal de las formas fílmicas, la animación ha sido motor de poderosos avances técnicos, de osadas exploraciones formales y de radicales reformulaciones de la relación entre creadores y públicos. Por ello, estudiar la historia de la animación es adentrarse en una larga serie de transformaciones de las formas estéticas y de los usos sociales de la imagen, que marcan el pasado, el presente y el futuro de los medios audiovisuales más de lo que se suele contemplar desde la crítica académica. A través del análisis de cincuenta títulos esenciales, emprendemos un recorrido por los contextos geográficos y sociales, los autores y los desarrollos tecnológicos que han sido determinantes en la historia de la animación. Las películas analizadas en este libro constituyen un corpus esencial a través del cual se proponen al lector suficientes pistas para emprender un viaje apasionante por el universo de una de las formas expresivas más productivas de la historia de la imagen en movimiento, una forma de materializar la imaginación humana que goza de un pasado glorioso y de un futuro muy prometedor.
Autor: Jordi Sánchez Navarro, Editorial: Uoc, Filmografias esenciales, Páginas: 230

D’A 2020: Nocturnal/Oleg

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Otras de las cintas con presencia en el palmarés del D’A 2020 fue Nocturnal, debut en el largometraje de la realizadora Nathalie Biancheri en donde se nos expone un drama intergeneracional de evidentes texturas urbanas contada a través de una relación entre dos personas de apariencia completamente antagónicas. En Nocturnal vemos como Lauren, una cínica y joven estudiante, alimenta una amistad en un principio secreta con Pete, un hombre algo más mayor que está aparentemente obsesionada con ella. Entre ambos surgirá una extraña relación amorosa que dará lugar a diversas salidas nocturnas bañadas de alcohol, éxtasis y varias estancias en la playa o en paisajes de extrarradio.

De alguna forma la opera prima de Nathalie Biancheri transita a través de conceptos muy reconocibles dentro de ese amplio subgénero denominado coming of age que en esta ocasión terminara derivando en una suerte de redención, en cierta manera no deja de ser un reverso de dicho tratado destinado normalmente al personaje adolecente que aquí es trasladada al personaje adulto, a tal respecto en  Nocturnal conviven dos películas en una, una primera parte en donde el espectador, al igual que el personaje adolecente, no sabe a ciencia cierta la intención o la finalidad de una relación cuyo único punto en común entre sus dos integrantes es la condición de outsiders de ambos y el déficit de atesorar serias dificultades a la hora de poder abrirse a los demás, un tramo el inicial que coquetea en ocasiones con el tabú del acoso sexual a menores y en donde impera una especie de tensión que es remitida a los espectadores para que puedan hacer sus propias suposiciones y cábalas acerca de lo que realmente pretende un personaje adulto que hasta ese momento ha permanecido anclado en una especie de limbo adolescente que se percibe como autoimpuesto, por fortuna Nocturnal tiene la virtud de ser una película que no juega al engaño para con el espectador, llegados a un punto intermedio del relato se nos revelara un secreto que en parte reconducirá la historia y hará que nos replanteemos toda esa primera parte desde un prisma totalmente diferente.

Nocturnal como muchas películas de las vistas en esta edición del D’A 2020 recurre a formatos cercanos al documental provistos de atmósferas predominantemente realistas a la hora de hablarnos de la complejidad existente en según que las relaciones humanas, reconduciendo en cierta manera la mirada de un espectador que elige, y se posiciona, en relación a la mirada neutra de un tercero que solo logra vislumbrar los hechos desde la lejanía y que supuestamente viene a estar representado a través de ese sector conservador de la sociedad británica, será en este apartado en donde encontremos los elementos más interesantes de esta modesta pero interesante opera prima de habilidosa puesta en escena, aquella en donde se nos plantea un rechazo percibido por el espectador que en la película está expuesto a través de una lectura predominantemente socioeconómica. Nocturnal termina siendo un relato que transita de forma algo escurridiza a través de la indecisión y el involuntario encubrimiento, el querer llegar a un punto determinado a través del camino más largo a cargo de unos personajes en apariencia a la deriva pero que de alguna manera logran encontrar un pequeño resquicio por el cual redimirse a través de la honestidad de sus actos.

Con el paso de estos últimos años han surgido dentro del panorama cinematográfico europeo diversas autorías que de alguna manera han recogido el testigo de cineastas contemporáneos como Ken Loach o los hermanos Darden a la hora de plantearnos situaciones que suelen indagar a través de la denuncia social, tantos unos como otros atesoran una narrativa colindante con el hiperrealismo que nos muestran relatos de desigualdad e injusticia, por fortuna este nuevo tipo de corriente en cierta forma ha evolucionado hacia un subrayado algo menos evidente aunque igual de contundente en relación a ese estigma de desigualdad social cada vez más imperante en la actual Europa. La historia nos presenta a  Oleg, un carnicero letón que decide mudarse de Letonia a Bruselas en busca de un salario decente. Traicionado por un colega, su experiencia resulta muy corta. Oleg es entonces recogido por un delincuente polaco, que le involucra en sus actividades mafiosas.

El segundo trabajo tras las cámaras del realizador letón Juris Kursietis, tras aquella opera prima titulada Modris en donde ya era más que evidente esa cruda indagación en el realismo social, atesora muchos elementos en común con otra cinta reciente como es la notable The Charmer de Milad Alami, ambos relatos siguen casi cámara en mano a un inocente que es víctima de la coyuntura de la inmigración en Europa, ambas historias a su manera no dejan de ser una carrera contrarreloj con la amenaza de deportación de trasfondo, si en la película de Milad Alami el protagonista principal intenta arraigarse de una forma legal en Copenhague mediante una boda de conveniencia Juris Kursietis en Oleg baja un peldaño más aún si cabe en esta crónica de precariedad  social que inevitablemente termina derivando en mental para con el protagonista, para ello el responsable de Modris recurre a diversas fugas oníricas del protagonista, este recurso en parte no deja de tener una función liberadora tanto para el personaje principal como para el relato en cuestión, dichos interludios otorgan un descanso a un nervio y una tensión narrativa omnipresente en toda la historia, sin embargo ambas tonalidades aparte de antagónicas en referencia a su tonalidad colisionan de una forma bastante abrupta en lo concerniente a unas imágenes tan primaria como rudimentarias que pasan a ser en ocasiones pretendidamente liricas e incluso aderezadas en base a una muy evidente alegoría religiosa. Esta irregularidad, posiblemente nacida del propósito de no caer en ese subrayado tan característico en este tipo de películas, hacen que en el relato no se llegue a victimizar o verbalizar en exceso la precariedad expuesta,  de hecho Oleg transita a través de un descenso más personal que colectivo en donde su metáfora es percibida como muy evidente, aquella que nos equipara al cordero sacrificado con la del desdichado inmigrante, personaje cuya actitud a la hora de poner la otra mejilla de una forma continua y repetida ante las desgracias y los abusos  a los que es sometido resulta por momentos tan forzados como poco creíble y que nos remite a un final en donde seremos testigos de cómo la religiosidad, y la creencia incondicional hacia esta, derivan en el regreso al hogar como la única vía posible a la hora de poder mirar de frente y recuperar unos principios éticos y morales que en ese vasto territorio capitalista en donde impera el lucro económico y favorece la desigualdad que es la Unión Europea cada vez es más difícil de llevar a cabo.

https://youtu.be/dBk3B8TfpWI

Tráiler de «Tesla», lo nuevo de Michael Almereyda

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Lejos de acomodarse si algo destaca en la ya larga trayectoria del realizador estadounidense Michael Almereyda es una inquietud autoral que ha día de hoy parece seguir estando intacta, con películas tan dispares pero interesantes como por ejemplo Nadja, Hamlet o la más reciente Marjorie Prime Almereyda se adentra en su nuevo trabajo tras las cámaras en un drama biográfico, como ya lo hiciera con el personaje de Stanley Milgram en Experimenter, con Tesla, film cuyo primer tráiler a través de IFC Films acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. Tesla que tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Sundance y que tendrá un estreno limitado en salas y VOD de Estados Unidos previsto para el próximo 21 de agosto se podrá ver dentro de unas semanas en la 10ª edición del Atlàntida Film Fest.

La película indaga en los esfuerzos que tuvo que realizar Nikola Tesla a la hora de presentar al mundo una revolución energética que cambiaría para siempre el curso de la humanidad. Una dura batalla cuesta arriba para llevar a buen término el que será un revolucionario sistema eléctrico

Tesla con guion del propio Michael Almereyda y música a cargo de John Paesano está protagonizada por Ethan Hawke, Kyle MacLachlan, Eve Hewson, Jim Gaffigan, Hannah Gross, Josh Hamilton, Ebon Moss-Bachrach, Lucy Walters, James Urbaniak, Rebecca Dayan, David Kallaway, Vincent De Paul, Blake DeLong, Tom Farrell, Emma O’Connor, Ava Loren Tropeano, Gary Ayash, Christian Hicks, Rick Zahn, Megan Elizabeth Gaber, Robert John Gallagher, Joshuah Melnick, George Aloi, Charles Baran, Jameal Ali, Luna Jokic y Mike Dobbins.

Programación completa de la 10ª edición del Atlàntida Film Fest

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El cineasta británico Stephen Frears apadrina la 10a edición del Atlàntida Film Fest. 113 títulos se podrán ver en esta nueva edición; 53 de ellos son estrenos absolutos en España. Ethan Hawke, Tilda Swinton, Anya Taylor-Joy, Ben Wishaw, Angela Merkel o la periodista Ana Pastor son algunos de los nombres propios que definen esta edición.

Atlàntida Film Fest ha presentado la programación completa de su 10ª edición, que arranca el próximo 27 de julio.
Jaume Ripoll, director del festival y cofundador de Filmin, ha sido el encargado de desvelar el cartel completo desde el centro cultural La Misericòrdia, uno de los enclaves del festival.

En Palma, sede física por quinto año consecutivo, el festival se celebrará del 27 de julio al 2 de agosto mientras que en la plataforma Filmin la programación se podrá ver de forma online desde el 27 de julio hasta el 27 de agosto.

A pesar de las dificultades generadas por la crisis sanitaria del Covid-19, la edición de este año cuenta con la programación más ambiciosa y estimulante de las celebradas hasta el momento. En la versión online del festival se podrán ver 113 títulos de 25 países: 53 estrenos absolutos en España, 37 óperas primas, 30 documentales, 5 series y 30 títulos dirigidos por mujeres.
En Palma se podrá disfrutar de una cuidada selección compuesta por 42 títulos: 16 documentales, 10 conciertos, 8 conferencias y 5 series. Además se celebrará por tercer año consecutivo el proyecto Mallorca Talents Lab, un taller dirigido a jóvenes guionistas.

La décima edición del festival continúa girando en torno a Europa y analiza la realidad, los problemas y los retos del Viejo Continente y de sus habitantes. Europa dividida en 6 bloques temáticos: Memoria histórica (obras centradas en los errores del pasado), Política y controversia (historias hacia las que está prohibida la indiferencia), Muros y fronteras (las barreras reales o imaginadas de la UE), Generación (películas que analizan el comportamiento de las jóvenes generaciones europeas), Identidad (cine de temática LGBTI) y Domestik (la intimidad del ciudadano dinamitada por la política y la economía).

PREMIO MASTERS OF CINEMA: STEPHEN FREARS

Sumergiéndonos ya en el apartado cinematográfico, el director británico Stephen Frears apadrina la edición de este año y recibirá en Mallorca el premio Masters of Cinema en reconocimiento a su trayectoria. Además ofrecerá una clase magistral y se podrá ver su película “The Hit”, rodada en España en 1984 y protagonizada por John Hurt, Terence Stamp y Tim Roth. En años anteriores recibieron este reconocimiento Ken Loach, Guy Hamilton (póstumamente), Vanessa Redgrave y Roland Joffé. El actor británico Joseph Fiennes será el encargado de entregar este premio.

STEPHEN FREARS estudió Derecho en la Universidad de Cambridge pero su contacto con el grupo cómico Monty Python le hizo sentirse atraído primero por el teatro y después por el cine. Comenzó en el mundo del espectáculo como ayudante  de dirección. Dirigió su primer cortometraje en 1967, «The Thirty Minute Long Burning» y su primer largometraje en 1971, «Detective sin licencia».

En 1985 dirige «Mi hermosa lavandería», película que le daría a conocer internacionalmente y que fue nominada a los premios Oscar y también a los BAFTA.
Lo consagrarían títulos como «Ábrete de orejas», «Los timadores», o «Las amistades peligrosas», película con la que debuta en Hollywood. Por ella fue nominado al Oscar a Mejor Director, recibió dos premios BAFTA a la Mejor Película y Mejor Director y también el premio César a la Mejor Película Extranjera.

En España recibió dos premios Goya a la Mejor Película Europea por «Café irlandés» (1995) y «The Queen» (2007), por la que fue nuevamente nominado al Oscar al Mejor Director. Otros títulos elogiados son «Mary Reilly», «Negocios ocultos», “Alta Fidelidad”, o «Héroe por accidente».
En televisión, alguno de sus últimos éxitos han sido «A Very English Scandal» o «State of the Union».

INAUGURACIÓN Y CLAUSURA

La inauguración tendrá lugar en el patio del centro cultural La Misericòrdia. La película inaugural será “Destrucció creativa d’una ciutat”, un documental dirigido por Carles Bover (ganador del Goya al Mejor Cortometraje Documental por «Gaza»).
Bover disecciona la realidad de una ciudad como Palma que, hasta hace poco, estaba abocada al turismo. Los problemas de gentrificación e identidad urbana analizados por quienes los sufren y por quienes los deberían solucionar.

La clausura del festival en Palma se celebrará en Ses Voltes y correrá a cargo de la película “Sempre dijous”, de Joan Porcel.  El evento será muy singular ya que los espectadores serán testigos del rodaje del tercer acto de la película. “Sempre dijous“ es un retrato de una de las artistas baleares emergentes con más talento de los últimos años, Júlia Colom. La historia de una veinteañera que busca su voz entre las tonadas populares y la nueva música electrónica. La de un viaje de ida y vuelta entre Mallorca y Barcelona. Al término de la proyección, la cantante ofrecerá el primero de los conciertos en la isla.

PROGRAMACIÓN*

Stephen Frears, Ethan Hawke, Ben Wishaw, Anya Taylor-Joy, Ane Dahl-Torp, Tilda Swinton, Adèle Exarchopoulos, Charlotte Gainsbourg, Banksy, Gerard Depardieu, Michel Houllebecq, Vanessa Paradis, Joanna Hogg, Jóhann Jóhannsson, Tom Cullen, Angela Merkel, Robert Fisk, Alex Brendemühl, Ana Pastor i Óscar Camps son algunos de los nombres propios de esta edición. A algunos los recibiremos físicamente en la isla. A otros los veremos en sus últimos trabajos.

En un primer comunicado avanzamos algunos de los títulos que forman parte de la programación de este año.  A continuación podéis encontrar otros títulos destacados:

-“Surge”, de Aneil Karia. Fenómeno absoluto en los festivales de Sundance (Premio Especial del Jurado) y Berlín este mismo año. Protagonizada por Ben Wishaw, es el «Joker» que rodarían los hermanos Safdie.

-“Here are the Young Men”,  de Eoin Macken. Rebelde drama juvenil, suerte de «Trainspotting» bañado de «Euphoria», en el que tres amigos abandonan el instituto para introducirse en un mundo de autodestrucción donde el consumo desmedido de alcohol y drogas les lleva a verse inmersos una serie de actos violentos y de transgresión social. Con Dean-Charles Chapman («Juego de Tronos», «1917»), Finn Cole («Peaky Blinders»), Ferdia Walsh-Peelo («Sing Street») y Anya Taylor-Joy («The Witch«). Se basa en la novela debut de Rob Doyle, un joven talento de las letras  irlandesas, que fue escogido entre los 20 mejores novelistas de Irlanda en el pasado siglo (1916-2016)

-“La pintora y el ladrón”, de Benjamin Ree. Es una película documental. Una de las películas más polémicas y sorprendentes del último Festival de Sundance (Premio Especial del Jurado). Una historia increíble, pero ante todo, real, protagonizada por un ladrón de cuadros.

-“Pink Wall”, de Tom Cullen. Es el debut tras la cámara del protagonista de «Weekend». Seis escenas. Seis años. Seis momentos que definieron la relación entre Jenna y Leon. Un  apasionado retrato del fin del amor al que dan vida (y muerte) dos actores de primera línea en sus mejores versiones: Jay Duplass y Tatiana Maslany.

-“Merkel”, de Stephan Wagner, un intenso y realista biopic de ficción sobre Angela Merkel que adapta «The Driven Ones» (2017), un best-seller escrito por el periodista Robin Alexander.

-“Tesla”, de Michael Almereyda. Ethan Hawke y Kyle MacLachlan protagonizan este soberbio biopic que indaga en los esfuerzos que tuvo que realizar un genio inimitable como Nikola Tesla a la hora de presentar al mundo una revolución energética que cambiaría nuestra vida para siempre.

– “Play”, Anthony Marciano.
En 1993, a los 13 años, Max recibe su primera cámara de vídeo. Desde los 90 y hasta el presente, Max lo graba todo: sus amigos, sus éxitos, sus desilusiones, sus primeras veces… Lo esencial y lo superfluo. En vísperas de tomar la decisión más importante de su existencia, edita la película de su vida. La película de la vida de todos. Desde los años 90 hasta 2010; el retrato de toda una generación que emerge a través de su objetivo.

-“The Souvenir”, de Johanna Hogg
«The Souvenir» es una sesgada mirada nostálgica a la Inglaterra de los 80 a través de sus objetos, casas, ropas y colores, y de la música de The Fall, Robert Wyatt, Joe Jackson, The Specials, Gary Numan y Bauhaus. Pero también un bello, profundo y desolado retrato de la creación, del arte mismo.

-“Just Don’t Think I’ll Scream”, de Frank Beauvois
Un hombre de 45 años se recluye en un pueblo alsaciano de montaña. Solo, tras la ruptura de la relación que un día le llevó hasta allí, su única salida es el visionado continuado de películas de todas las épocas. Frank Beauvais compone un impresionante collage de imágenes, un catálogo imperdible para quienes hayan conocido de cerca la soledad y hayan huido de ella a través del Cine. Más de 400 extractos de películas de todo tipo de procedencias y estilos conforman una de las propuestas más salvajes, lúcidas e intensas que disfrutamos en el circuito festivalero del presente año.

-“Thalasso”, de Guillaume Nicloux. Cinco años después de «El secuestro de Michel Houllebecq», Michel Houllebecq y Gérard Depardieu coinciden en una cura de talasoterapia en Cabourg. Juntos tratan de sobrevivir al régimen saludable que el establecimiento intenta imponerles.

-“The Exception”, de Jesper W. Nielsen. Un elegante thriller empresarial y feminista que adapta la exitosa novela homónima de Christian Jungersen y que presenta un reparto de lujo encabezado por Sidse Babett Knudsen.

-“Banksy: Most Wanted”, de Aurélia Rouvier y Seamus Haley. Un retrato en profundidad de este Robin Hood enmascarado.

-“Adoration”, de Fabrice du Welz. Repleta de exquisitas escenas y con dos sólidas interpretaciones centrales, «Adoration» es un hechizante cuento de terror.

-“System Crasher”, de Nora Fingscheidt. Fue seleccionada por Alemania para representar al país en los Oscar y recibió múltiples premios de la Academia del Cine Alemán. Cuenta la historia de la indomable Benni, una niña de 9 años abandonada por su madre que vive en una familia de acogida y lleva a todos a su alrededor a la desesperación.

-“Adolescentes”, de Sebastian Lifshitz, es uno de los documentalistas más prolíficos y aclamados del cine europeo contemporáneo. El cineasta francés se embarca en la aventura que supone acompañar durante 5 años a las amigas Emma y Anaïs, concretamente desde los 13 hasta que cumplen 18 años en 2019 y pueden votar.

-“Back Home”, de Jessica Palaud, está protagonizada por Adéle Exarchopoulus y Niels Schneider. Un fábula íntima, rural y atmosférica que ante todo destaca por sus excelentes interpretaciones y su honestidad emocional.

-“Origen”, de Ana Pastor, es un mediometraje creado por Newtral con la ayuda de Open Arms y la Fundación Barça. «Origen» cuenta la historia de varios jóvenes que decidieron no irse a Europa, que desarrollan su actividad profesional o han emprendido un negocio.

-“Lovecut”, de Iliana Estañol y Johanna Lietha. Tinder, mentiras, pornografía y seis adolescentes rebeldes que intentan encontrar el significado a sus vidas en la agitación del día a día. Merecedora del prestigioso Premio Max Ophüls al Mejor Guión, la ópera prima de Iliana Estañol y Johanna Lietha es una intento audaz de comprender mejor a la juventud de nuestro tiempo, así como a la sociedad en la que vivimos.

-“Savage State”, de David Perrault. Estreno en España de una película muy singular que se aventura en el western jugando con sus códigos para crear una película casi gótica, novelesca, fantasmal y por encima de todo, feminista.

-“Truth and Justice”, de Tanel Toom. Esta adaptación de un clásico seminal de la literatura estonia es una superproducción merecedora del Satellite Award a la Mejor Película internacional que ha roto todos los records de su país, superando incluso a “Avatar” en número de espectadores y situándose como la obra más taquillera en la historia de Estonia.

“Pelican Blood”, de Katrin Gebbe. Inauguró la sección Orizzonti en el Festival de Venecia y se pudo ver en la Sección Oficial del Festival de Sitges. Una película de terror doméstico y repleta de perturbadores elementos que recuerdan a las novelas de Cormac McCarthy: susurradores de caballos, drama psicológico y un universo traumático.

-“Eastern”, de Piotr Adamski. Siguiendo la senda abierta por el nuevo cine griego y concretamente por «Canino», el Atlàntida Film Fest acoge el estreno internacional de este distópico y violento alegato feminista que, denlo por seguro, haría las delicias de Yorgos Lanthimos.

-“Water Lilies” es el debut en el cine de Celine Sciamma una de las cineastas europeas más importantes y reivindicables de nuestro tiempo. Protagonizada por Adèle Haenel, relata el despertar sexual de un triángulo formado por tres chicas adolescentes.

PROPUESTAS BALEARES

Además de la inauguración y clausura, el festival dedica una programación especial al cine que dialoga con las islas:

-Cortos  confinados.
Cortos finalistas del concurso del Consell de Mallorca. Una sesión en la que se podrán ver y votar los 10 cortometrajes finalistas en el concurso organizado por el Consell de Mallorca. He aquí el presente y el futuro del cine balear.

-El Buzo, de Günter Schwaiger
Protagonizada por Àlex Brendemühl, «El Buzo» se inspira en «La Maleta de Marta», el reconocido documental previo del propio director, el controvertido Günter Schwaiger.

-“Bocca Chiusa”, de Joan Martí Mir, es la historia de un silencio. El silencio de Bernat Xamena. Un músico, virtuoso de la trompeta, que un día empezó a sentir fobia hacia su propia herramienta de trabajo, hasta alcanzar límites insospechados. Hablamos de la distonía focal de embocadura, una afección neurológica que afecta al 1% de músicos de todo el mundo.

-“Je te tiens”, de Sergio Caballero. Cortometraje seleccionado también en Cannes, protagonizado por Ángela Molina y Virginia Rousse. Sergio Caballero es también el autor del cartel de la edición actual de Atlàntida Film Fest.

-“Ardara”, de Raimon Fransoy y Xavier Puig. Ficción con maneras de documental que reconstruye el viaje de tres jóvenes a Ardara, un pueblo costero irlandés del que jamás volvieron. A través de los ojos de quienes les conocieron, así como del rastro que dejaron tras de sí en forma de grabaciones de vídeo, la película quiere entender por qué no volvieron a casa. Bruna Cusí protagoniza la cinta en la que también participa Elisabet Casanovas.

-“Constel·lació Comelade”, de Luis Ortas. 
Documental musical sobre Pascal Comelade. Artesano de la melodía, clásico postmoderno, compositor experimental, miniaturista del rock… Pascal Comelade no tiene una sola definición. Su música tampoco.

-“Formentor: el mar de las palabras, de López Li. Un documental sobre el hotel más carismático y legendario de la isla de Mallorca: el hotel Formentor, conocido como “el hotel de las estrellas” ya que desde su fundación hace 90 años ha sido punto de encuentro de los personajes más relevantes del siglo XX: Audrey Hepburn, Dalai Lama, Winston Churchill, Grace Kelly, Rainiero de Mónaco…

-“Estudi Thomas Harris”, de Emili Manzano.
La historia de una casa frente al mar habitada a lo largo del último siglo por tres figuras históricas: el pintor Cecil Aldin, el espía y pintor Tomás Harris y el político fusilado por el franquismo, Alexandre Jaume. Una obra imprescindible para entender la historia de Baleares del último siglo.

-“Dona”, de Marga Melià. La mallorquina nos propone en este cortometraje un drama intimista con elementos de thriller sobre tres generaciones de mujeres marcadas por el destino en un entorno opresivo y asfixiante.

LOS FOTÓGRAFOS DE LA GUERRA

Este año Atlàntida Film Fest dedica una sección a los fotógrafos que cubren las guerras sin más armas que sus cámaras; un espacio especial destinado a analizar los motivos que impulsan a estos profesionales a retratar los conflictos armados.
Algunos títulos que encontraremos en esta sección son:

-“This is not a movie: Robert Fisk”, de Yung Chang. Este documental sigue los pasos del legendario periodista británico Robert Fisk, uno de los principales cronistas de los conflictos globales en los últimos 40 años.

-“Sympathy for the devil”, de Guillaume de Fontenay. Protagonizada por Niels Schneider, recrea con gran poderío formal y absoluto rigor histórico la guerra de los Balcanes, uno de los episodios más desoladores y conflictivos  de la reciente historia europea.

-“Camille”, de Boris Lojkine. Camille Lepage, una joven e idealista fotorreportera, viaja hasta la República Centroafricana para cubrir la inminente guerra civil. Boris Lojkine recrea con gran precisión la brillante, conmovedora y trágica historia real de la joven fotógrafa francesa.

-“Photographer of war”, de Boris Bertram. Jan Grarup (ganador de múltiples World Photo Awards) vive una vida en estado de emergencia: como fotógrafo de guerra, a menudo arriesga su vida, mientras que en Copenhague es padre de cuatro hijos. De repente, la urgencia cambia en el momento que su ex esposa cae gravemente enferma de cáncer. Un retrato psicológico de un hombre que ha documentado los horrores de la guerra durante 25 años, pero que de repente tiene que enfrentarse a una nueva lucha interna.

SERIES

Las series, cada vez más en auge y presentes en nuestras vidas, no podían faltar en Atlàntida Film Fest. Estas son algunas propuestas:

-“Sex”, de Amalie Næsby Fick
Mundialmente estrenada en la reciente Berlinale, en episodios de apenas un cuarto de hora, la directora danesa Amalie Næsby Fick y la creadora-escritora Clara Mendes utilizan imágenes intensas y una partitura imponente para desarrollar una historia de amor contemporánea y adolescente, muy influenciada por las redes sociales.

-“Gender Derby”, de Camille Ducellier
El roller derby no es un deporte más. Es un juego por equipos creado y practicado por mujeres que se caracteriza por promover la diversidad corporal y ser transinclusivo. «Gender Derby» es una webserie en formato vertical como las stories de Instagram, en un reflejo de la intimidad del móvil,  y que sirve para retratar a Jasmin, adolescente queer en transición de género y “jammer” de un equipo de roller derby.

-“Force of Habit”, de varias directoras
“Force of Habit” deconstruye el uso invisible del poder hacia las mujeres tanto en la vida privada como en la sociedad. Siguiendo a 11 mujeres, experimentamos su punto de vista y nos sumergimos en la mirada femenina.

-“Vernon Subutex”, de Cathy Verney. Estreno en España de los primeros episodios de una de las series más exitosas del momento en Francia. Romain Duris da vida a Vernon Subutex, el propietario de la mítica tienda de discos ‘Revolver’, centro neurálgico de reunión de la escena parisina de los años noventa. En plena crisis discográfica, se ve obligado a cerrar, lo que le sume en una enorme depresión que le mantiene confinado en su casa sin apenas salir.

-“Stieg Larsson: el hombre que jugaba con fuego”, de Henrik Georgsson. Es una serie documental sobre Stieg Larsson y su lucha contra la extrema derecha y los neonazis.

*Todas las películas que se proyectan físicamente en Palma se pueden ver también de forma online, exceptuando “Sempre dijous”, de Joan Porcel, “Dona”, de Marga Melià, “Vernon Subutex», de Cathy Verney y la selección de cortometrajes del Consell de Mallorca.

RETROSPECTIVA COMPLETA DE ALEKSEI BALABÀNOV (1959-2013)

A la cuidada selección que compone la programación de esta 10ª edición, hay que sumarle además la filmografía completa de Aleksei Balabànov, nombre de referencia y enfant terrible del cine ruso. En total se podrán ver los 13 largometrajes del añorado director, muerto prematuramente a los 54 años tras de sufrir un infarto.

COLOQUIOS

Los coloquios y las charlas son otro de los platos fuertes de la versión física del festival en Palma. Todos los encuentros tendrán lugar en el Museu de Mallorca y  además se podrán ver también en streaming a través de Instagram.

Este año contaremos con los siguientes invitados:

-“Reflexión sobre la relación entre África y Europa”. Con la periodista Ana Pastor, el activista y fundador de Open Arms, Óscar Camps, la directora de la Fundació Barça, María Vallés y el director del documental “El escritor de un país sin librerías”, Marc Serena.

-“El futuro de Europa en tiempo de pandemias”.  Con el director Stephan Wagner.

-“Feminismo, cine y cuotas después del #MeToo”. Con Patricia Arquette.

-“El periodismo vs la extrema derecha”. Con la periodista Maria Llull y el politólogo Pablo Simón

-“Los retos de la España vacía en el mundo actual”. Con  el escritor y periodista, Sergio del Molino

-“Europa verde, Europa utópica”. Con  el escritor y periodista, Sergio del Molino

-“Descifrando el enigma del Estudio Harris”. Coloquio entre el periodista Emili Manzano y  el editor y crítico, Andreu Jaume.

-“Recordando el hotel de las estrellas”. Coloquio entre la escritora Carme Riera y  el director de “Formentor”, José Luis López Linares.

INVITADOS

Además de los participantes en las charlas mencionados anteriormente, contaremos con la presencia de los siguientes invitados:

Stephen Frears, Premio Masters of cinema
Aneil Karia, director de “Surge”
Stephan Wagner, director de “Merkel”
Imogen Kogge, protagonista de “Merkel”
Tom Cullen, director de “Pink Wall”
Carles Bover, director de “Destrucció d’una ciutat”
Joan Porcel, director de “Sempre Dijous”
Sergio Caballero, director de “Je te tiens”
Alex Brendemühl, protagonista de “El Buzo”
Marc Serena, director de “El escritor de un país sin librerías”
Concha Buika, cantante más internacional de Guinea Ecuatorial que pone música a “El escritor de un país sin librerías”
Oriol Puig, director de “El sitio de Otto”
Iñaki Mur, protagonista de “El sitio de Otto”
Elisabet Casanovas, actriz de “Ardara”
Emili Manzano, director de “Estudi Harris”
Joan Martí Mir, director de “Bocca Chiusa”
Bernat Xamena, protagonista de “Bocca Chiusa”
Marga Meliá, directora de “Dona”
Juan Palacio, director de “Meseta”
Luis Ortas, director de “Constel·lació Comelade”
Pascal Comelade, protagonista de “Constel·lació Comelade”

ARTISTAS MUSICALES INVITADOS*

Cecilio G
Vic Mirallas
Confeti de odio
Bearoid
María José Llergo
Ferran Palau
Pavvla
Marc Seguí
Júlia Colom
Mary Paxanga

(*el cartel musical lo avanzamos en una nota de prensa anterior).

MALLORCA TALENTS LAB

Por tercer año consecutivo Atlàntida Film Fest acogerá el proyecto Mallorca Talents Lab, un espacio que permitirá a 6 guionistas desarrollar su proyecto cinematográfico bajo la tutela de grandes expertos del sector. Se celebrará del 27 al 30 de julio en Can Oleo.

Todos los eventos en Palma, incluidas las proyecciones de películas y los conciertos, son gratuitos previa reserva de entrada. AFF es el único festival multidisciplinar europeo de estas características.

Todo el festival está incluído dentro de la suscripción de Filmin, exceptuando las películas “Tesla” y “The souvenir”. Los no suscriptores podrán disfrutar de toda la programación del festival por 15€.

Atlàntida Film Fest cuenta con el patrocinio de: Fundació Mallorca Turisme – Mallorca Film Commission; y el apoyo del Institut d’Estudis Baleàrics – Govern de les Illes Balears; Ajuntament de Palma, Consell Insular de Mallorca: Departament de Cultura; Creative Europe del Programa Media, ICAA Ministerio de Cultura, ICEC Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya; UNED- Illes Balears (Universidad Nacional de Educación a Distancia) y Centre Balears Europa.

Obsesión por la mortalidad, tráiler de «She Dies Tomorrow»

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A Amy Seimetz posiblemente muchos la tendrán presente por ser un rostro bastante habitual en producciones independientes norteamericanas, sin ir muy lejos dentro del fantástico la pudimos ver en películas como Upstream Color o The Sacrament por ejemplo, She Dies Tomorrow, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone su segundo trabajo como directora tras Sun Don’t Shine (2012). La película, un oscuro thriller con algún que otro elemento de comedia negra tendrá un estreno limitado en salas comerciales de Estados Unidos previsto para el próximo 31 de julio, una semanas más tarde, el 7 de agosto, estará disponible en VOD.

En She Dies Tomorrow vemos como Amy empieza a desmoronarse psicológicamente por la idea de que va a morir mañana, una tesitura que la lleva a una vertiginosa espiral emocional. Su amiga Jane descubrirá que ese extraño sentimiento de muerte inminente de Amy es contagioso, algo que hará que ambas comiencen extraños viajes mentales a través de lo que podría ser el último día de sus vidas.

La película con guion de la propia Amy Seimetz está protagonizada por Kate Lyn Sheil, Jane Adams, Kentucker Audley, Chris Messina, Katie Aselton, Tunde Adebimpe, Jennifer Kim, Josh Lucas, Olivia Taylor Dudley, Michelle Rodriguez, Adam Wingard y Madison Calderon.

El dilema del astronauta, primer tráiler de la serie de ciencia ficción «Away»

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En estos últimos días se empieza a aclarar un poco el que será el calendario de series que podremos ver una vez finalizado este verano, Away, drama espacial cuyo primer avance en forma de tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, supone una de las apuestas más fuerte por parte de Netflix para el próximo otoño. La serie que cuenta con Jessica Goldberg (Refuge, The Path) como guionista y showrunner y que consta de 10 episodios estará disponible en el canal de streaming a partir del próximo 4 de septiembre.

En Away vemos como la astronauta norteamericana Emma Green se prepara para liderar una tripulación internacional en la primera misión a Marte. Esta gran hazaña en su trayectoria profesional va unida a la difícil decisión de tener que separarse de su marido y su hija adolescente cuando más la necesitan, y al hecho de que quizá no vuelva a verles.

La serie con guion a tres manos por parte de Jessica Goldberg, Andrew Hinderaker y Jason Katims está protagonizada por Hilary Swank, Josh Charles, Ato Essandoh, Talitha Bateman, Mark Ivanir, Ray Panthaki, Vivian Wu, Monique Gabriela Curnen, Gabrielle Rose, Felicia Patti, Jessica Garcie, Fiona Fu, Veena Sood, Quynh Mi y Brian Markinson.

Una exposición en Artium rememorará la crucial edición de 1977 del Festival de San Sebastián

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Cartas, fotografías, documentos y material audiovisual reconstruirán una edición que supuso un cambio radical. La muestra permanecerá abierta del 9 de septiembre al 8 de diciembre.

El Festival de San Sebastián, Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE) y Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz,  presentarán el 9 de septiembre la exposición El Festival ha tenido 24 ediciones: No nos gusta. La muestra se centrará en el Festival de San Sebastián de 1977, el primero celebrado tras la transferencia de la gestión del festival a la ciudad de San Sebastián. La exposición, que está vinculada a la muestra de la Colección del Museo Artium Zeru bat, hamaika bide. Prácticas artísticas en el País Vasco entre 1977 y 2002, forma parte del proyecto Zinemaldia 70: todas las historias posibles, promovido por el Festival y EQZE, y permanecerá abierta hasta el 8 de diciembre.

En los primeros años de la Transición, la 25ª edición significó el punto de partida de la transformación del Festival de San Sebastián, convertido en un laboratorio de experimentación cinematográfica y política en un contexto de intensas luchas sociales. La muestra incluirá materiales del archivo del Festival, muchos de ellos inéditos, como cartas, documentos, fotografías y revistas.

Como explica el comisario de la exposición, Pablo La Parra Pérez, responsable del departamento de investigación de Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), “en 1977, el Festival de San Sebastián cumplía 25 años, pero, más que un aniversario, la edición de 1977 fue un espacio de lucha: el primer festival gestionado desde la ciudad se convirtió en una plataforma de reivindicación política desde la que imaginar un nuevo festival democrático”. “A partir de materiales de archivo localizados en el marco del proyecto de investigación Zinemaldia 70: todas las historias posibles, esta exposición se detiene en este año de cambio radical”, apostilla.

La exposición profundiza en el programa público que, bajo la dirección del propio La Parra y con idéntico título, tuvo lugar el 7 de diciembre de 2019 en Tabakalera, donde la cineasta estadounidense Vivian Ostrovsky y antiguas integrantes de la Asamblea de Mujeres de Donostia recordaron el ciclo de cine realizado por mujeres que el Festival acogió en 1978. También hubo una proyección performativa a cargo de Luis López Carrasco y Raúl Liarte, y se proyectó Expediente, un trabajo experimental que en 1977 ganó la Concha de Oro al Mejor cortometraje -en la exposición de Vitoria se podrá ver una nueva copia digital del filme realizada al efecto por EQZE-.

El archivo del Festival de San Sebastián

Esta exposición es un nuevo fruto de Zinemaldia 70: todas las historias posibles, el proyecto que el Festival de San Sebastián ha creado junto a Elías Querejeta Zine Eskola con el fin de generar un archivo vivo del Festival. La primera fase del proyecto, que cuenta con el patrocinio de Loterías y Apuestas del Estado y la colaboración de Kutxa Fundazioa, culminará en 2022, coincidiendo con el 70º aniversario del Festival.

El proyecto Z70 pone de relieve la importancia de los fondos documentales del Festival (cartas, fotografías, críticas y reseñas en periódicos y revistas, libros…) conservados en su archivo desde 1953. Su principal objetivo es generar reflexión y discusión en torno al pasado, el presente y el futuro del Festival, así como diálogos críticos con la creación cinematográfica y el pensamiento contemporáneo.

El proyecto comprende el traslado de todos los materiales del archivo del Festival al edificio de Tabakalera, donde son examinados, acondicionados y catalogados para garantizar su conservación en las naves de Filmoteca Vasca. En 2022, el archivo estará disponible para su consulta pública, tanto presencialmente como online, a través de una selección de contenidos digitalizados. La consulta de los fondos incorporará focos temáticos basados en las investigaciones desarrolladas por un equipo de estudiantes de postgrado de EQZE dirigido por el investigador Pablo La Parra Pérez en colaboración con los diferentes departamentos del Festival.

Los focos de investigación pondrán el énfasis en aspectos poco conocidos o inéditos de la historia del Festival. Para dar a conocer sus resultados hasta 2022, se plantean dos líneas de trabajo simultáneas y conectadas entre sí. Por un lado, generará material de investigación especializado (artículos académicos, presentaciones en congresos, proyectos editoriales propios, seminarios…) orientados a generar un diálogo crítico con los últimos desarrollos en el campo académico de los estudios cinematográficos. Por otro lado, se llevarán a cabo programas públicos (conferencias, exposiciones, cursos) dirigidos a públicos más amplios, como la muestra en Artium, que recoge varios de los resultados de la investigación desarrollada en el curso académico 2018-2019 por el equipo de investigación de EQZE.

Poética del cinematógrafo

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Eugène Green escribió este libro como un libro de horas. Para contar cómo se cuenta el cine si uno quiere que le devuelva la mirada. Fuera del cine, te miro pero no te veo. Miro tu superficie, palpo tu contorno, rozo la forma de una exterioridad. Fuera del cine miro lo visible, como un ciego que ausculta el mundo material, recorre un tiempo cronológico, se desplaza en espacios mensurables. Fuera del cine gobierna la razón, se encienden todavía las viejas luces del Siglo de las Luces, el intelecto gobierna y administra los días y las noches, los códigos fulminan los misterios y el oído se aturde en la ciudad, o se despeña en un silencio sin vacío. Eugène Green adora caer en el vacío del sagrado presente continuo. Ese vacío que muestra el revés de todas las cosas de este mundo: árboles y rostros, peñascos y cascadas, piedras y pies. Pura disolución del cálculo, desvanecimiento de la geometría. Lugar donde caer hasta ver por fin y disolverse en ese espacio donde todo es Uno, singular y semejante, donde criaturas y cosas tiemblan atravesadas por el hilo de la misma energía espiritual.

El asno Balthazar filmado por Bresson es la criatura perfecta de esta poética de la exhumación y de la epifanía: no intenta colaborar, no se esfuerza en actuar, carece de estrategias. Se entrega porque es, su mera existencia es un acto de entrega. Balthazar con su corona de flores silvestres, como espinas; Balthazar con sus ojos inocentes, como remansos y termómetros de la fragilidad. Green recorre el espinel del cine, desde que la película es idea hasta que se proyecta en la pantalla, y despliega sus máximas, que son las mínimas pistas de quien ve-a-través, como quien abre una caja de herramientas. Pañuelos y palomas, varitas y naipes de un juego de magia.

Este libro hubiera podido llamarse “Cómo se hace una película”, es decir, cómo se filman, según un puñado de teorías, la tradición del género y los instrumentos disponibles, ciertos fragmentos del mundo, ciertos movimientos de los cuerpos. Pero se llama “Poética del cinematógrafo”. Lo que equivale a decir: cómo extraer, de cada uno de esos fragmentos de materia, esa presencia real que es la expresión del alma, la manifestación de la gracia en una modestísima cinta de celuloide.

EUGÈNE GREEN

Nueva York, 1947.

Licenciado en letras y en historia del arte. Director teatral amante del barroco (fundador del Théâtre de la Sapience), entrenador de actores, cineasta de culto inclasificable y escritor en el cruce y en los márgenes. Nacido en Estados Unidos, peregrinó por Europa y finalmente se instaló en Francia, donde fundó su compañía teatral, filmó su primer largometraje (Toutes les nuits), aclamado por la crítica, e inició su trayectoria como ensayista, novelista y poeta.

Con Poética del cinematógrafo, Shangrila continúa la difusión en español de la obra de este autor fuera de cuadro, iniciada ya con Presencias. Ensayo sobre la naturaleza del cine (Shangrila, 2018).

Autor: Eugène Green, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 128

La noche del shomer, primer tráiler para «The Vigil»

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Después de tener el pasado año su premier mundial en el Midnight Madness del Festival de Toronto y clausurar pocas semanas después el Sitges 2019 (crítica aquí) la opera prima del joven realizador Keith Thomas titulada The Vigil acaba de lanzar un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, adquirida a finales del año pasado por parte de Blumhouse para su distribución, supone una curiosa aunque algo fallida indagación fantástica en relación a la comunidad judía ortodoxa a través de un terror expuesto en esta ocasión en torno a la figura del shomer.
En The Vigil vemos como tras aceptar convertirse en shomer nocturno, una práctica judía en la que una persona vigila el cadáver de un miembro de la comunidad a la que pertenece recientemente fallecido, un joven que acaba de perder su fe descubre que la casa en donde ejerce de vigía esconde un terrorífico secreto.
La película con guion del propio Keith Thomas y música compuesta por Michael Yezersk está protagonizada por Fred Melamed, Dave Randolph-Mayhem Davis, Menashe Lustig, Malky Goldman, Nati Rabinowitz, Moshe Lobel, Spencer Zender, Dun Laskey y Hershy Fishman.

«The Juniper Tree» review

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A finales de la Edad Media, la joven Margit (Björk) y su hermana mayor Katla huyen a las montañas después de la muerte de su madre, quemada por brujería. Ambas encuentran refugio con Jóhann, un viudo que vive con su hijo pequeño Jónas. Mientras Katla trata de seducir al campesino, Margit y Jónas se hacen buenos amigos. Pero el pequeño está convencido de que Katla es una bruja y la odia profundamente.

En ese delicioso cajón de sastre en que parece que se ha convertido la actual sección Seven Chances dicho apartado sigue dando la oportunidad de recuperar un tipo de cine que en parte es desconocido para la gran mayoría de público que suele asistir al festival de Sitges, un material que merece un rescate en este caso a modo de un único visionado en pantalla grande, a tal respecto no hace falta remontarse 50 años atrás para encontrar rarezas cinematográficas por descubrir, las hay bastante más recientes como por ejemplo resulta ser The Juniper Tree, película filmada en el año 1990 y que posiblemente mucha gente tendrá una ligera noción sobre ella en la medida de estar interpretada por una joven Björk, la restauración en tecnología 4K, por parte de la Wisconsin Center for Film & Theater Research y The Film Foundation que en esta ocasión conto con la estimable ayuda de la George Lucas Family Fundation, de la opera prima de una prematuramente fallecida Nietzchka Keene, realizadora que solo pudo dirigir dos películas más, la televisiva Heroine of hell (1996) y Barefoot to Jerusalem (2008), y que tuvo un estreno limitado en cines a finales de 2019 gracias a Capricci Cine, devino en el pasado Sitges una oportunidad única de poder descubrir una sorprendente y fascinante obra que nos sitúa a medio camino entre la brujería medieval y el estudio a través de dicho parámetro genérico de lo que vendría a ser la emancipación femenina de aquella época.

Bajo un atemporal, imponente y exquisito blanco y negro expuesto en base a un portentosa fotografía a cargo de Randy Sellars The Juniper Tree entra en esa tan especial catalogación de films hasta ahora casi inencontrables que han sido condenados a un inexplicable y en parte caprichoso aislamiento cultural hasta día de hoy, rodada en los agrestes paisajes islandeses y ambientada en el final de la cruenta Edad Media el film de Nietzchka Keene parte de unos postulados autorales muy propios que aquí adapta muy libremente un oscuro relato de los hermanos Grimm titulado El enebro, a tal respecto la película indaga en conceptos tan atrayentes como es ese paganismo ubicado dentro del folclore nórdico que da la impresión de estar en una continua colisión respecto a lo considerado humano e esotérico. Definida por muchos como un cuento de hadas de índole feminista The Juniper Tree es de esas películas que hayan su principal referencia a través de unas imágenes que son percibidas como muy primarias, en ellas atisbaremos diferentes imaginarios que nos pueden hacer recordar al cine de Bergman,  Tarkovski y evidentemente Dreyer, por fortuna esto no deja de ser una mirada de connotaciones básicamente estéticas y en parte algo fugaces, en The Juniper Tree se intuye para bien un discurso autoral ciertamente interesante, de alguna manera adelantado a su época, aquel que indaga a través de las líricas provenientes de las sagas nórdicas ubicadas en un universo en donde el estigma actúa a modo de poético aquelarre, también existe una segunda lectura algo más soterrada si se quiere, provista de consonancias más demoledoras aun si cabe que iría más allá de una cruda y mística medieval por la cual el relato da la sensación de vertebrarse, aquella que lejos de mucho cine contemporáneo que se autoproclama feminista en base a continuos subrayados a cual más evidente está relacionado con el concepto de la superstición pagana, será en base a dicha mirada en donde se atisba una atroz misoginia de connotaciones atávicas de la que seremos testigos a través de la tesitura de cómo las protagonistas femeninas han de sobrevivir de alguna manera u otra a modo de acompañantes de hombres legitimados socialmente para proveer el que es su sustento básico.

A través de su atmosfera y de sus poderosas imágenes The Juniper Tree como obra sin un tiempo determinado que es vuelve a poner de manifiesto que lo insondable aplicado al fantástico no calibra de códigos o coordenadas actuales o pasadas que anidan en lo obvio o lo evidente, en cierta manera en este poético aquelarre islandés lo suyo es más bien crear turbulentos a la vez que sutiles imaginarios a partir de la simple sugestión visual en relación a una caligrafía que treinta años después de su realización continua siendo tan arriesgada como fascinante, todo un logro digno de resaltar y más viendo las nuevas autorías surgidas del fantástico actual.      

Valoración 0/5: 4

Una oscura fantasmagoría femenina, primer tráiler de «Amulet»

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Viene siendo una constante como en estos últimos años cineastas femeninas se han adentrado en el fantástico ofreciéndonos en ocasiones estimulantes relatos que indagan en malévolos vínculos maternos como por ejemplo Jennifer Kent y su Babadook entre otras muchas, Amulet, cuyo primer tráiler vía Magnolia Pictures acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto su póster oficial, supone el debut como realizadora de la hasta ahora actriz británica Romola Garai. Amulet que tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Sundance dentro de la  sección Midnight tendrán un estreno simultáneo en cines y VOD de Estados Unidos previsto para el próximo 24 de julio.

En Amulet vemos como Tomaz es un soldado refugiado que ha escapado de la guerra que sufre su país natal. Perseguido por su traumático pasado, encuentra cobijo en una casa claustrofóbica y medio en ruinas en la que habita una joven mujer y su madre enferma. A medida que comienza a enamorarse de su nueva compañera de piso, Tomaz siente que una presencia maligna podría estar viviendo con ellos y poniendo su vida en peligro.

La película con guion de la propia Romola Garai está protagonizada por Imelda Staunton, Carla Juri, Alec Secareanu, Paul O’Kelly, Louis Jay Jordan y Anah Ruddin.

François Ozon y Thomas Vinterberg competirán en la Sección Oficial del próximo Festival de San Sebastián

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Cineastas consagrados como Sharunas Bartas, Naomi Kawase, François Ozon o Thomas Vinterberg competirán en la Sección Oficial de la 68 edición del Festival de San Sebastián, que también mostrará las obras de nuevos realizadores como Dea Kulumbegashvili o Takuma Sato.

Sharunas Bartas (Siauliai, Lituania, 1964), autor con experiencia en los festivales de Cannes, Berlín, Venecia o Locarno, ha dirigido títulos como Frost (2017) y Eurazijos aborigenas / Eastern Drift (2010), que fue seleccionado en la retrospectiva Eastern Promises. Retrato de Europa del Este en 50 películas (2014). En septiembre regresará a San Sebastián con el estreno mundial de In The Dusk, un drama de trasfondo bélico sobre la lucha del movimiento partisano contra la ocupación soviética de Lituania después de la II Guerra Mundial.

Naomi Kawase (Nara, Japón, 1969), asidua al Festival de San Sebastián, volverá a optar a la Concha de Oro con el estreno europeo de Asa Ga Kuru / True Mothers, una nueva exploración del microcosmos familiar que enfrenta a dos madres: una biológica y otra adoptiva. La realizadora nipona ya concursó en la Sección Oficial con Genpin (Premio Fipresci, 2010) y Vision (Viaje a Nara, 2018), y sus películas también han podido verse en Perlak y en las retrospectivas temáticas .doc – Nuevos caminos de la no ficción (2010) y Nuevo cine independiente japonés 2000-2015 (2015).

La joven georgiana Dea Kulumbegashvili (1986), que estrenó sus cortos en el Festival de Cannes y en la Quincena de Realizadores, debutará en el largometraje con Dasatskisi / Beginning. El filme, que tendrá su premiere mundial en San Sebastián, narra el acoso que sufren una testigo de Jehová y su familia por parte de un grupo extremista y de la policía del remoto pueblo georgiano en el que viven.

François Ozon (París, 1967) es otro de los cineastas que este año regresará a la Sección Oficial después de obtener la Concha de Oro y el Premio del Jurado al mejor guión por Dans la maison (En la casa, 2012) y concursar con títulos como Sous le sable (Bajo la arena, 2000), Le refuge (Mi refugio, Premio Especial del Jurado, 2009) y Une nouvelle amie (Una nueva amiga, 2014). El realizador, que mostró su ópera prima en Zabaltegi (Regarde la mer, 1997), competirá con Été 85 / Summer of 85 (Verano del 85), un relato de amores adolescentes impregnado de nostalgia ochentera.

El Festival también acogerá la premiere mundial del segundo largometraje del japonés Takuma Sato (Akita, 1989) tras Don’t Say That Word! (2014), que obtuvo distintos reconocimientos en el Pia Film Festival de Tokio y en el Festival Internacional de Busan. Su nuevo trabajo, Nakuko wa ineega / Any Crybabies Around?, narra el vuelco en la vida de un hombre al que la televisión graba corriendo por la calle desnudo y borracho en Nochevieja.

Finalmente, Thomas Vinterberg (Copenhague, 1969), uno de los mayores exponentes del cine danés de las últimas décadas, participará con el estreno europeo de Druk / Another Round, en la que repite con Mads Mikkelsen, actor a quien ya dirigió en Jagten (La caza, 2012). El autor de filmes como Festen (Celebración, 1998), que fue programado en la retrospectiva Fiebre helada (2007), retrata a varios profesores embarcados en un excéntrico experimento: creen que si logran mantener un grado constante de intoxicación etílica durante la jornada laboral, podrán abrir sus mentes y aumentarán su creatividad.

In The Dusk, Asa Ga Kuru / True Mothers, Dasatskisi / Beginning, Été 85 / Summer of 85 (Verano del 85) y Druk / Another Round forman parte de la lista de películas que el Festival de Cannes ha seleccionado en este año en el que no ha podido celebrar su 73 edición debido a la pandemia del COVID-19.

En las próximas semanas, el Festival continuará desvelando el resto de títulos que integrarán la Sección Oficial de la 68 edición, que el 18 de septiembre será inaugurada, fuera de concurso, por Rifkin’s Festival, una comedia romántica dirigida por Woody Allen.

AVANCE SECCIÓN OFICIAL

Asa Ga Kuru / True Mothers

Naomi Kawase (Japón)

Intérpretes: Hiromi Nagasaku, Arata Iura, Aju Makita

Tras una larga e insatisfactoria lucha por quedarse embarazada y convencida por una asociación de adopción, Satoko y su marido deciden adoptar a un niño. Años después, su familia se tambalea con la amenaza de Hitari, una chica desconocida que dice ser la madre biológica. Satoko opta por confrontar a Hitari directamente.

Dasatskisi / Beginning

Dea Kulumbegashvili (Francia – Georgia)

Intérpretes: Ia Sukhitashvili, Rati Oneli, Kakha Kintsurashvili, Saba Gogichaishvil

En un tranquilo pueblo de provincias, una comunidad de Testigos de Jehová es atacada por un grupo extremista. En pleno conflicto, el mundo de Yana, la esposa del líder de la comunidad, se desmorona lentamente. La insatisfacción interior de Yana crece mientras lucha por encontrar sentido a sus deseos.

Druk / Another Round

Thomas Vinterberg (Dinamarca)

Intérpretes: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Lars Ranthe, Magnus Millang

Existe la teoría de que deberíamos nacer con una pequeña cantidad de alcohol en nuestra sangre, y que una ligera embriaguez abre nuestras mentes al mundo que nos rodea, disminuyendo nuestros problemas y aumentando nuestra creatividad. Animados por esa teoría, Martin y tres de sus amigos, todos cansados profesores de secundaria, se embarcan en un experimento para mantener un nivel constante de intoxicación etílica a lo largo de su jornada laboral. Si Churchill ganó la II Guerra Mundial aturdido por el alcohol, ¿quién sabe lo que unos pocos tragos podrían hacer por ellos y sus alumnos?

Eté 85 / Summer of 85 (VERANO DEL 85)

FRANÇOIS OZON (Francia)

Intérpretes: Félix Lefebvre, Benjamin Voisin, Philippine Velge

Alexis, a punto de cumplir 16 años, casi se ahoga cuando vuelca su barco en la costa de Normandía. Por suerte, David, de 18 años, le salva heroicamente. Alexis acaba de conocer al amigo de sus sueños. Pero, ¿durará ese sueño más de un verano? El verano del 85.

In the Dusk

Sharunas Bartas (Lituania)

Intérpretes: Arvydas Dapsys, Marius Povilas Elijas Martinenko

Lituania, 1948. La guerra ha terminado, pero el país está en ruinas.  Untė, de 19 años, es miembro del movimiento partisano que resiste a la ocupación soviética. No combaten en igualdad de condiciones, pero esta lucha desigual determinará el futuro de toda la población. A la edad en que se descubre la vida, Untė descubre la violencia y la traición. Las líneas se desdibujan entre su ardiente pasión juvenil y la causa por la que está luchando. Se entregará en cuerpo y alma, aunque eso signifique perder la inocencia…

NAKUKO WA INEEGA / Any Crybabies Around?

Takuma Sato (Japón)

Intérpretes: Taiga Nakano

Un hombre desnudo y ebrio aparece en directo en una televisión japonesa en plena celebración de la festividad de Namahage, en la que hombres disfrazados de ogros irrumpen en las casas para asustar a los niños y que se porten bien todo el año. Tasuku, un joven padre, es condenado al ostracismo por avergonzar al pueblo y su tradición y huye a Tokio solo. Dos años después regresa al pueblo para intentar arreglar las cosas con su exmujer y su hija pero se encontrará con una situación muy dura.

Ante la crisis del COVID-19

Tras el final del estado de alarma, y con la esperanza de que la pandemia continúe remitiendo, el Festival de San Sebastián descarta la no celebración del certamen pero, también, la organización de una edición estándar en continuidad con la línea de los últimos años.

Siempre con la prioridad de atender los requerimientos sanitarios establecidos por las autoridades en la fecha de su celebración, el equipo del Festival trabaja para organizar una 68 edición en las fechas previstas, del 18 al 26 de septiembre. El objetivo es conformar un Festival reconocible y seguro para el público, la industria cinematográfica y los medios de comunicación.

La dirección del Festival ha adoptado ya algunas decisiones: reducción del número de proyecciones (un 30% menos), celebración online de algunas de sus actividades (el Foro de Coproducción, Zinemaldia & Technology, las mesas redondas y las clases magistrales) y el formato mixto (presencial y virtual) para los nuevos WIP Latam y Europa, así como para Ikusmira Berriak. El Festival prescindirá de alguna de sus sedes habituales, como el Velódromo -donde tenían lugar las proyecciones para centros escolares por las mañanas, coorganizadas con el Donostia International Physics Center (que este año, de manera excepcional, se organizarán online), el concierto de música de cine de la Orquesta Sinfónica de Euskadi y la proyección de estrenos de películas populares para el gran público-, y el Museo San Telmo, sede del Foro de Coproducción. También se ha retrasado a 2021 la retrospectiva anunciada sobre el cine coreano de los años 50 y 60 (Flores en el infierno: la era dorada del cine coreano) y este año no habrá sección de Klasikoak.

La evolución de la pandemia determinará su aspecto final, pero el Festival mantendrá en formato presencial el resto de su programación: la competición de la Sección Oficial, New Directors, Horizontes Latinos, Zabaltegi-Tabakalera, Perlak y Nest; la muestra de películas acompañadas de cenas temáticas de Culinary Zinema; así como Zinemira, Made in Spain y las proyecciones de Cine Infantil los fines de semana.

Los apartamentos malditos de Hideo Nakata y Tanishi Matsubara, tráiler de «Stigmatized Properties»

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Es ciertamente curiosa la trayectoria de Hideo Nakata dentro del fantástico, referente indiscutible por obras como las dos primeras entregas de la saga Ring o la notable Dark Water tras un corto periplo internacional volvió a su Japón natal con trabajos dentro del género de apariencia alimenticia pero que conservan una mirada algo peculiar con respecto a una manera algo desprejuiciada de adentrarse en el fantástico como se puede comprobar en obras como Kaidan, The Complex o la reciente Sadako. Su nuevo trabajo tras las cámaras parece seguir unas mismas directrices con respecto a anteriores películas suyas, Stigmatized Properties, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se adentra en la historia real de Tanishi Matsubara, cómico japonés que ha hecho carrera a través del terror llevando años viviendo en diferentes apartamentos con un pasado sórdido en donde recopila supuestamente experiencias paranormales. Stigmatized Properties, que parte del concepto argumental del falso documental y de la referencial Ghostwatch (1992), tiene previsto su estreno en salas comerciales de Japón para el próximo 28 de agosto.

En Stigmatized Properties vemos como Yamame Yamano (Kazuya Kamenashi) es un comediante poco conocido al que su superior le propone un programa televisivo propio si se queda a vivir en propiedades estigmatizadas donde ocurrió un asesinato. Así es como Yamame Yamano comienza a quedarse en casas con un pasado tenebroso. Será en esas propiedades estigmatizadas donde empezará a experimentar varios fenómenos sobrenaturales.

La película con guion a cargo del propio Tanishi Matsubara está protagonizada por Kazuya Kamenashi, Nao, Koji Seto, Houka Kinoshita, Noriko Eguchi, Megumi, Mao, Eiji Takigawa, Ryo Kato, Ryotaro Sakaguchi, Kurumi Nakada, Babi, Shohei Uno, Junji Takada, Shinya Kote, Shinya Arino, Masaru Hamaguchi y Yasuda Dancho.

D’A 2020: Dwelling in the Fuchun Mountains/ Homeward

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Hablando de óperas potentes vistas este año en el D’A Gu Xiaogang con su generacional Dwelling in the Fuchun Mountains supuso una de las cimas autorales más interesantes de las presentes en esta edición, una historia que toma su título, y en parte su espíritu, de una pintura en pergamino chino de Huang Gongwang que data del siglo XIV. Este retrato de una comunidad que coexiste entre la modernidad y la tradición utiliza el enfoque de varias generaciones de una familia como eje principal de un relato en donde somos testigos de la vida de una familia durante el periodo exacto de un año en Fuyang, ciudad del sudeste del país situado entre las dos riberas de un río, lugar de nacimiento del cineasta, centrándose en problemas cotidianos de cuatro hermanos como por ejemplo hacerse cargo de su madre, que sufre demencia o el noviazgo una de las nietas, decidida a casarse con un hombre al que la familia paterna de la chica no ve con muy buenos ojos.

Es interesante ver como una película de las características de Dwelling in the Fuchun Mountains no renuncia a conceptos estilísticos y narrativos muy presentes en el llamado nuevo cine chino sin que esto suponga algo peyorativo en su haber, en el film de Gu Xiaogang, fiel heredero de la estética y narrativa del cine de Edward Yang y Hou Hsiao-hsien, evidentemente está muy presente el milagro económico del país y claro por consiguiente el social, sin embargo pese a que el trayecto pueda parecer algo transitado a primera vista las sensaciones de autenticidad del relato, por momentos cercana al documental, hacen que la película se aleje en parte de esa suerte de retórica visual algo manida en ese tipo de cine para ofrecernos un estilo que es percibido como propio, un recorrido, o mejor trasformación, intuida en la historia como dual, el de la familia a través de su épica y el escénico, cada uno a su manera a través de las cuatro estaciones del año van mutando progresivamente, quizás por eso Dwelling in the Fuchun Mountains nos ofrece su tesis principal en lo relacionado con el paso del tiempo y la mella que puede causar tal efecto en los personajes y en el espacio por el que suelen orbitar, en este caso no hace falta remontarse a décadas, solo hace falta un año para comprobar que estamos viviendo en un ecosistema que lejos de pararse acelera cada vez más rápido el ritmo, el transito urbanístico va a la limón que el social, en este apartado como ejemplo somos testigos de cómo el concepto familiar tradicional del respeto por los mayores y su correspondiente cuidado va poco a poco desintegrándose a causa de esa especie de virus del capitalismo percibido como ciertamente salvaje en referencia a su atropellada asimilación por parte de la actual sociedad china.

Para trasladar esa sensación de reinvención forzosa a través del tiempo Gu Xiaogang recurre a un esteticismo que da la impresión de quedar algo alejado de la sofisticación técnica que vemos por ejemplo en el cine perpetrado por Bi Gan y otros compatriotas suyos, en cierta manera esto queda muy presente en el de alguna manera ya su famoso y largo plano secuencia en donde vemos el recorrido por separado de la pareja de novios a través del omnipresente rio del relato, la mirada al entorno natural devendrá casi como una antítesis de lo entendible como enfático. Una obra de texturas sosegadas sorprendentemente hermosa en relación a ofrecernos cosas y actitudes aparentemente mundanas pero desarrollados en base a detalles tan meticulosos y minuciosos que convierten esos momentos en algo de una importancia real a través de una historia en donde esa colisión entre pasado y futuro mantienen un continuo dialogo que parece beber en relación a su narrativa de esas influencias clásicas que terminan remitiéndonos hacia un relato provisto de una genuina empatía humana en base a un lienzo cinematográfico que parece emular a una pintura y que da la sensación de transitar de forma contemplativa a través de un paisaje social y emocional. Un inspirado debut tras las cámaras de carácter inmersivo para con el espectador que posiciona a Gu Xiaogang como un talento del cual habrá que estar muy atento en el futuro en relación a ese apartado cinematográfico que curiosamente también parece encontrarse en una continua evolución como es el denominado nuevo cine chino.

Otras de las óperas primas presentes en esta edición on line del D’A 2020 fue la cinta ucraniana Homeward de Nariman Aliev, un drama familiar de índole fatalista que mira a la historia reciente del país contado a modo de una road movie de connotaciones fúnebres, tanto en lo referido a lo representado en la pantalla como en lo concerniente a lo que es su nada disimulada y austera alegoría social y política. Homeward nos cuenta como un padre y su hijo, miembros de una familia de Crimea, transportan el cadáver de su hijo y hermano respectivamente desde Kiev a Crimea para así poder enterrarlo en casa, un viaje que cambiará completamente la relación entre ambos.

La película de Nariman Aliev nos ofrece un tránsito que en todo momento es percibido como doloroso y que parte de la premisa argumental del traslado de un familiar muerto, para más inri fallecido en la guerra entre Rusia y Ucrania, a la hora de traerlo a su tierra natal para poder enterrarlo. Homeward podría clasificarse como ese tipo de película que indagan en una problemática territorial, o mejor dicho regional, aquella que nos habla del intento de preservación de una serie de tradiciones que ha sido de alguna manera debilitadas, en algunos casos borrados del mapa literalmente, a causa de conflictos bélicos pasados y presentes, en este caso se nos habla de un pueblo que parece predestinado a lo largo de su historia a la errancia como resulta ser Crimea, expuesto en el relato tanto en lo concerniente a las relaciones familiares como las socio-políticas, en ambas facetas percibiremos al poder imperial ruso como ese villano que acecha en la trastienda de la historia contada, esto ayuda a explicar en parte por qué el hijo muerto se ofreció como voluntario para luchar y por qué su padre, que ahora traslada su cadáver, está continuamente obsesionado con amargas quejas y un resentimiento que se remonta a generaciones pasadas, pero muy especialmente en lo referido a una problemática generacional bastante latente en todo el relato retratadas en base a actitudes enfrentadas en relación a la religión, la tradición, la identidad y la patria, por un lado la correspondiente al padre, resentido y extremadamente tradicionalista, quintaesencia de aquellas personas que en realidad nunca han estado en Crimea a causa de la deportación pero que subyacen en ellos un apego emocional extremadamente fuerte a lo que ellos mismos consideran como su tierra natal, en la otra vertiente encontramos la visión más cosmopolita del hijo menor, perteneciente a una generación con una visión fronteriza bastante más abierta, dicha confrontación de polos opuestos expuesta a través de una dialéctica orquestada bajo patrones muy prototípicos de cualquier road movie al uso estará muy presentes en una historia que conforme avanza se vuelve cada vez más frenética y abocada a un callejón sin salida y que al final pasa a ser en cierta manera circular en referencia a darle la vuelta a los pensamientos de los personajes como bien se puede comprobar en esa secuencia final que da la impresión de transitar a través de lo poético y muy especialmente de lo simbólico y en donde hace acto de aparición un reconocimiento ya mutuo entre dos generaciones apátridas hasta ese momento inexistente en la historia.