Autor: Administrador

Starry Eyes

Sarah Walker persigue el sueño de Hollywood: convertirse en una gran estrella; pero de momento lo hace desde un trabajo insatisfactorio y sin mucho éxito en las diferentes audiciones a las que acude. Hasta que va a dar con un misterioso anuncio, el cual le llevará paso a paso a través de una serie de extrañas entrevistas y pruebas que la catapultarán a la fama como protagonista de una nueva cinta de culto, nunca mejor dicho. Aunque todos sabemos que la gloria tiene un precio, y el cuerpo y la mente de Sarah serán los encargados de pagarlo.

«Starry Eyes» el segundo largometraje del dúo formado por  Kevin Kolsch y Dennis Widmyer es posiblemente una de las sorpresas más estimulantes en lo referente al género de este año, el film nos sitúa en el Hollywood actual pero ofreciéndonos un retrato totalmente opuesto al del glamour y las alfombras rojas, ofreciéndonos una visión de trastienda, oscura, una especie de tenebroso y malsano cuento de hadas  sobre el precio del éxito y la fama en un mundo tan duro como el de la interpretación y como alcanzar ese sueño dorado en forma de santo grial que supone el triunfar dentro de la meca del cine, cueste lo que cueste.

La película se nos presenta como una bajada al infierno por parte de nuestra protagonista (notable interpretación a cargo de Alex Essoe), dispuesta a no conformarse con el rol que parece otorgarle la vida, conforme avanza la trama la ilusión se va transformando en obsesión, es aquí  cuando el film bebe de un tono Polanskiano que la remite a cintas como «Repulsion» o «Rosemary’s Baby«, todo ello visualizado de manera tan acertada como sórdida en la transformación física y mental que sufre nuestra protagonista, todo ello mostrado en forma de pesadilla malsana y enfermiza. Pero posiblemente la mayor virtud de «Starry Eyes» es que no se conforma con su enunciado y desarrollo narrativo, en su tercio final muta y extiende su universo hacia una materialización (nunca mejor dicho) que la emparenta al cine que tan bien retrataba David Cronenberg en sus primeras película.

«Starry Eyes» es un brillante ejercicio de horror psicológico, una inmejorable muestra de ese talentoso cine independiente de generó  proveniente de los Estados Unidos, tan referencial como innovador en su propuestas, una pequeña joya que no tendría que pasar desapercibida entre los amantes del fantástico.

Valoración 0/5:4

 Asmodexia

Sigue los pasos del pastor Eloy de Palma y a su nieta Alba durante cuatro días, en una Barcelona asediada por lo diabólico. Su misión es ayudar a los poseídos por el mal, cuyas almas han sido infectadas. En cada nuevo enfrentamiento con el maligno se descubren pistas sobre el misterioso pasado de los protagonistas; un enigma que puede cambiar el mundo.

«Asmodexia» viene a ser un perfecto ejemplo de buenas intenciones canalizadas de manera errónea en esta road movie de horror satánico, película repleta de buenas intenciones que no logran salvar la función de un producto en donde la  pobre dirección llevada a cargo por parte de Marc Carreté  resulta un lastre insalvable a la hora de enjuiciarla de manera positiva, un film de guion irregular y de giro final algo previsible pero de una clara y nada disimulada naturaleza hacia la serie B más desprejuiciada que la emparentan ligeramente al cierto tipo de cine orquestado por parte de Lucio Fulci en los setenta y principios de los ochenta. Posiblemente su falta de pretensiones sea un punto que la beneficie en algo de manera positiva, en un film que dado su naturaleza (totalmente financiado con capital privado) hubiera merecido una mayor beligerancia por parte de un sector del público predispuesto a no perdonarle sus evidentes carencias desde un principio, una verdadera pena tanto en un sentido como en el otro.

Valoración 0/5:2’5

 Exists

Para cinco amigos, es la oportunidad de escaparse en verano: un fin de semana de camping en la reserva natural Big Thicket de Texas. Pero la idea que tenían de unas vacaciones sin preocupaciones se ensombrece con un accidente en una carretera desolada y oscura. Después del accidente, se libera una fuerza espeluznante de la naturaleza, algo no humano; una leyenda urbana cobra vida… y busca venganza matando.

Eduardo Sánchez recurre nuevamente al  found footage para contarnos su visión acerca del mito del bigfoot, unas de las  leyendas urbanas más populares de los Estado Unidos, personaje este que sigue sin tener una película emblemática, básicamente derivado a series B y últimamente al found footage como recurso, el pasado año vio la luz la algo irregular «Willow Creek«. El director norteamericano de origen cubano se ha erigido como un auténtico referente en la utilización de este formato,  «The Blair Witch Project«, «Seventh Moon» y la que posiblemente sea su mejor película hasta la fecha «Lovely Molly«  que pese a no estar rodada en esta modalidad utiliza los mimbres tan característicos de este formato de manera nada disimulada a la hora de dirigirla, el único film suyo hasta la fecha que no se inscribe en la modalidad es la curiosa y reivindicable «Altered«.

«Exists» sin ser la mejor película de su director se ve con cierto agrado, film de argumento básico, tiene la gran virtud de poseer un acertado ritmo narrativo aprovechando al máximo los recursos del formato, un formato dicho sea de paso que no cumple con sus supuestas reglas (hay varias tomas imposibles) pero más como una declaración de intenciones que por descuido, a Sánchez parece importarle más el recurso que la rigurosidad. Seguramente «Exists» sea excesivamente previsible en su desarrollo, excluyendo sus últimos quince minutos, en ese sentido, la película no aporta nada nuevo, ni siquiera lo pretende, la mayor virtud del film es su acertada dirección, explotando al máximo las posibilidades de un medio como el found footage que también conoce y practica Eduardo Sánchez.

Posiblemente la mayor virtud en la carrera de Eduardo Sánchez como director sea su adhesión al enunciado de artesano del género, esa palabra tan en desuso hoy en día pero que tiempo atrás suponía todo un elogio a la trayectoria de un director, no solo porque todas sus películas estén adscritas al fantástico sino también por sus numerosos trabajos en la televisión o en los films de episodios, una trayectoria tan eficiente como elogiable que no desentona en su cómputo global, algo hoy en día muy difícil de ver.

Valoración 0/5:2’5

Palmarés del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei 2014

 Mejor película: “Autumn Blood” de Markus Hunter

Mejor director: Markus Hunter por “Autumn Blood”

Mención especial: David Hunt por “Living Dark”

Mejor actor: Chris Cleveland por “Living Dark”

Mejor actriz Ashley C. Williams por “Julia”

Mención especial: Alexandra Essoe por “Starry Eyes”

Premio del Público: “Let Us Prey” de Brian O’Malley

PALMARES DE CORTOMETRAJES.

 Primer premio «Piano» de Cho Youn-Jun.

Segundo premio.»Ghost train» de Lee Cronin.

Mejores  FX.»Ghost train» de Lee Cronin.

Mejor interpretación.Kang Sun-Ku por «Piano».

Mención especial.

«Canis» de Anna Solanas y Marc Riba.

«The neighborhood» de Jerry Ochoa.

Melies d’ Argent.

«Ghost train» de Lee Cronin.

Video resumen

El MórbidoFest, el festival internacional de cine fantástico y de terror de Puebla (México), ha tenido este año un marcado acento de Sitges en su programación y, especialmente, entre los premios que se han concedido. El certamen se ha celebrado entre el 13 y el 16 de noviembre en un marco que va en aumento, tanto en sus sedes e infraestructuras como en su proyección.

Las míticas calaveras que ilustran los premios de MórbidoFest han premiado diversas cintas que se exhibieron en Sitges 2014. Es el caso de los dos galardones al mejor largometraje internacional: la Calavera de Madera (premio de la prensa) se la ha llevado REC4, de Jaume Balagueró, mientras que la Calavera Dorada (premio del público) la ha ganado Musarañas, de Juanfer Andrés y Esteban Roel. También los premios a las mejores películas latinoamericanas han pasado por Sitges este año: Relatos salvajes , de Damián Szifrón (premio del público) y El incidente, de Isaac Ezban (premio de la prensa).

El palmarés de MórbidoFest también ha dejado otros premios en producciones con la marca Sitges, como el caso de Capa caída, de Santiago Alvarado –que Sitges estrenó en el 2013 y que se incluyó en la programación Blood Window de Cannes 2014– ha sido galardonada con una Calavera de Bronce.

Closer to God

Un eminente científico genético a conseguido lo imposible, clonar a un ser humano, un bebe llamado Elizabeth. Pronto gran parte de la opinión pública se lanzara a la yugular del profesor, afirmando que su trabajo va en contra de la lógica humana y en contra de Dios. Lo que la gente no sabe, es que el buen doctor oculta un secreto mucho más terrible… Cuando el ser humano juega a ser Dios las cosas no siempre salen como uno espera.

Proveniente de Canadá nos vino esta sugerente ópera prima a cargo de Billy Senese también responsable de su guion, «Closer to God» versa y debate las consecuencias de la clonación humana bajo la apariencia de un thriller pseudo-científico con la alargada sombra del Frankenstein de Mary Shelley como factor fundamental en su enunciado narrativo, aquí desarrollada en clave de moderna sci-fi de tono dramático. El director norteamericano Billy Senese se apoya especialmente más en el discurso social de claro enfoque ético, ¿es bueno jugar a ser Dios?, que en el elemento más puramente fantástico, aunque este asoma en su parte final acercándola por momento a un horror-film, pero todo ello contado desde un punto de vista bastante personal y por momentos original, imprimiendo en su narración un acertado tono documental gracias en cierta manera a la notable fotografía de tonalidades apagadas a cargo de Evan Spencer Brace que dota al film de un aire triste y fatalista bastante acorde dentro su conjunto.

«Closer to God» termina por asemejarse estéticamente a  los primeros films de Cronenberg y forma parte de una serie de películas independientes en su mayoría ópera primas provenientes de Canadá como por ejemplo «Proxy» de Zack Parker, «Errors of the Human Body» de Eron Sheean o «Antisocial» de Cody Calahan tan rico en ideas como en resultados y que nos lleva a prestar atención en un futuro a la trayectoria de un cineasta tan interesante a priori como es Billy Senese .

Valoración 0/5:3

Suburban Gothic

Raymond es un canalizador, eso significa que puede ver cosas que la gente normal ni se imagina. En su día a día debe lidiar con fantasmas y otros seres poco agradables del más allá. Cuando vuelve a su pueblo natal, deberá enfrentarse no solo a sus antiguos compañeros de clase que siempre lo han marginado, sino que él y su amiga Becca serán los únicos capaces de enfrentarse a un fantasma que amenaza su pequeño y apacible pueblo.

Richard Bates Jr presento en el festival de Terror de Molins de Rei su segunda película después de la notable «Excision«, «Suburban Gothic» viene a ser una comedia con toques de terror, de tono surrealista y claramente desenfadado, pero con un resultado algo inferior a su ópera prima, se sustituye el cinismo furioso de aquella por un surrealismo cómico repleto de gags marca de la casa a cargo del mismo Richard Bates Jr. y Mark Bruner,  pero con la sensación final de estar ante un producto muy descompensado e irregular y bastante caótico en su desarrollo (algo en cierta manera lógico dado la naturaleza del producto), salvado en parte por el curioso muestrario del variopinto grupo de personajes que pueblan su trama en base a los ingeniosos diálogos antes comentados.

Posiblemente el listón de «Excision» estuviera demasiado alto y Richard Bates Jr recule algo ofreciéndonos un producto de tono más naif, distendido y en parte conformista, ese final algo edulcorado se sitúa en las antípodas de «Excision«, pero que atesora como gran virtud el preservar un estilo cinematográfico propio, un discurso del todo reconocible, unas características y rasgos autorales que gusten en mayor o menor medida suponen todo un logro y más hoy en día donde la globalización de estilos es algo bastante frecuente.

Valoración 0/5:2

Del 4 al 9 de noviembre se celebró la XXXIII Edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, un festival que va al alza tanto en intenciones como en resultados, este año con el añadido de una sugerente retrospectiva dedicada al erotismo en el cine de género, con una line up bastante agradecida, no limitándose a ser una simple repetición de títulos ya vistos en Sitges sino intentando recurrir a una originalidad en su selección digna de elogio, con una especial atención al cine autoral en sus vertientes más diversas. Un festival ya miembro de la European Fantastic Film Festivals Federation y en donde su clásica maratón final de doce horas sigue siendo su plato fuerte, la maratón más longeva del país.

Un certamen en definitiva con hambre a la hora de reivindicar el género pero sobre todo con un esfuerzo por partes de sus responsables que merece ser destacado y alabado a partes iguales, un festival en definitiva que va camino de convertirse en una cita ineludible en cuanto a los certámenes genéricos que se celebran en España durante el año.

Berkshire County

Kylie Winters es una chica que acaba de pasar un mal trago en el instituto, tras la difusión de un vídeo íntimo. Para liberar tensiones y olvidarse del tema, acude a hacer de canguro para unos niños. Sin embargo, lo que parecía una noche tranquila, se convertirá en una auténtica pesadilla, cuando unos desconocidos enmascarados irrumpen por la fuerza e invaden la casa.

«Berkshire County» fue el film encargado de dar el pistoletazo de salida a la sección oficial del certamen, la cinta de limitado presupuesto, debut a nivel de producción y dirección a cargo de Audrey Cummings,  es un slasher de manual, un film de terror al uso, que se adentra en el terreno tan socorrido hoy en día de la home invasión (killers ataviados con máscaras de animales incluidos), convirtiéndose en una película tan correcta y funcional como desprovista de cualquier tipo de innovación en su postulado argumental ,tampoco es su propósito, posiblemente  el punto más interesante de “Berkshire County”  sea una cierta perspicacia a la hora de utilizar los recursos típicos del subgénero por parte de su directora junto a la evolución de su protagonista principal, que empieza siendo una vulgar scream queen víctima del bullying por parte de sus compañeros para acabar convirtiéndose en la valerosa heroína de rigor que vemos al final.

Valoración 0/5:2

Autumn Blood

Cuenta la historia de dos jóvenes hermano y hermana que tienen que soportar las dificultades insondables en su lucha por permanecer juntos. Inicialmente, los hermanos viven una vida idílica con su madre en una cabaña rústica en una remota región montañosa. Pero cuando su madre muere, quedan a su suerte. Temiendo la posibilidad de ser separados, ya que ninguno de ellos es mayor de edad, deciden enterrar a su madre sin notificar a las autoridades quedando así a merced de la naturaleza y sus vecinos de la aldea. Cuando la hermana es asaltada violentamente, los hermanos se ven obligados a crecer rápidamente con el fin de sobrevivir y permanecer juntos.

«Autumn Blood» terminó siendo el film ganador como mejor película en el certamen de forma merecida aunque curiosamente no se trata de una película de terror sino más bien de un drama de ciertos tintes poéticos fusionado con el thriller rural y con alguna que otra semejanza al western contemplativo, en donde el escenario de las montañas tirolesas (acentuado con la excelente fotografía a cargo Reed Morano) se erige como principal protagonista en esta historia sin apenas diálogos, en donde el enfrentamiento y la redención de unos personajes arquetipo pero de tintes algo ambiguos son los detonantes de una violencia de claro tono generacional .

Si habría que ponerle algún pero a este estimable debut tras las cámaras de Markus Blunder  (veterano ayudante de cámara  de film como La joya del Nilo, La historia Interminable o Enemigo Mío) sea posiblemente una cierta tendencia de este a dejarse llevar por el recurso de la contemplatividad por tan bucólicos escenarios dejando en su segundo plano y de manera algo forzada la narración argumental más convencional,  algo que no ensombrece las virtudes de un film tan arriesgado en su postulado como estimulante en su resultado final.

Valoración 0/5:3’5

Un total de nueve largometrajes y cuatro cortometrajes conformarán los Géneros mutantes del 52 Festival Internacional de Cine de Gijón, la cuarta edición de una sección caracterizada por traer a Gijón las mejores producciones internacionales de terror, western, thriller y ciencia-ficción.

The Zero Theorem, el último filme del Premio de Honor del Festival Terry Gilliam, será el punto fuerte de la sección. La ciencia-ficción y el cyberpunk confluyen en esta película marcada con el inimitable sello de Gilliam, en la que un excéntrico genio de los ordenadores, interpretado por el oscarizado Christoph Waltz (Malditos bastardos, Django desencadenado), trabaja en la solución a un extraño teorema que podría descubrir la verdad sobre su alma y el significado de la existencia.

Este año destaca también la película Under the skin, dirigida por el escocés Jonathan Glazer y protagonizada por Scarlett Johansson. Ubicada dentro de la ciencia-ficción más autoral, Under the skin sigue los pasos de una alienígena que toma el cuerpo de una mujer fatal. Su misión en la Tierra es seducir a los hombres, asesinarlos y abastecerse de sus nutrientes internos para almacenar provisiones.

Otro de los grandes títulos de la sección es Cold in July, de Jim Mickle, que participó en el último Festival de Sundance. Cold in July está protagonizada por Michael C. Hall, conocido por interpretar al asesino Dexter en la pequeña pantalla. En su primer papel después de finalizar la famosa serie, Hall interpreta a un padre de familia arrastrado en una trama de violencia y corrupción. Gracias a esta película, Mickle caba de ganar el premio al Mejor Director en la Sección Oficial Fantàstic Òrbita del Fesival de Sitges.

También podremos ver The Dark Valley (Das finstere Tal), seleccionada por Austria para intentar entrar en la terna final a Mejor Película de Habla No Inglesa en los próximos Óscar. The Dark Valley es un western de Andreas Prochaska sobre una oscura venganza que se hizo con ocho galardones en los últimos premios del cine alemán.

El terror sobrenatural adolescente se podrá ver en Gijón con It Follows de David Robert Mitchell, en donde una chica de 19 años comienza a notar que alguien la persigue. También se proyectará The world of Kanako, el nuevo trabajo del director japonés Tetsuya Nakashima, en el que un expolicía alcohólico debe encontrar a su hija desaparecida. El protagonista del film, Koji Yakusho, se alzó con el premio al Mejor Actor en el último Festival de Cine de Sitges.

Como representación española en Géneros Mutantes estará Neuroworld, el debut en el largometraje del productor de cine e ilustrador Borja Crespo. Mezcla de thriller y comedia, Neuroworld adapta las historietas del dibujante Miguel Ángel Martín y trata de la tensa relación entre dos compañeras de piso y la manera de relacionarse en un mundo dominado por las redes sociales. Tanto Crespo como Martín estarán en Gijón para presentar la película.

Por otro lado, Faro sin isla es una coproducción entre Chile, Costa Rica y España escrita y dirigida por Cristóbal Arteaga, que ya presentó el año pasado en el FICXixón la impactante película rodada en plano secuencia El triste olor de la carne. Faro sin isla cuenta la historia de un fervoroso católico que se recluye como farero en una isla perdida en la que empiezan a suceder cosas extrañas.

Por último encontramos Aux yeux des vivants (Among the Living), dirigida por Alexandre Bustillo y Julien Maury, una cinta francesa que compitió en la Sección Oficial del pasado Festival de Sitges. El filme pertenece al subgénero del slasher, cuya principal característica es la presencia de un psicópata o asesino en serie. Bustillo y Maury son nombres familiares para el público del FICX, su filmografía completa fue proyectada en Gijón hace dos años dentro del ciclo de cine de la Crueldad Francesa.

Los cuatro cortometrajes que componen la sección son Reflections de Adam Randall, Ghost Train de Lee Cronin, Room 8 de James W. Griffiths y The Nostalgist de Giacomo Cimini.

The Signal

Mientras realizan un viaje por carretera, tres universitarios deciden seguir la pista de un célebre hacker y llegan a una localización remota. Inmediatamente, los jóvenes son capturados, sin comprender que se han visto atrapados en una conspiración a gran escala.

«The Signal» era una de las prometedoras cintas independiente (en este caso de ciencia ficción) provenientes del pasado festival de Sundance, su director William Eubank logro sorprender hace unos cuantos años de manera muy grata con «Love» otro film de ciencia-ficción de espíritu indie. Con «The Signal» continua con ese “espíritu” aunque con algo más de medios, no consigue defraudar con una historia posiblemente menos criptica que en su anterior film, dirigida a un abanico más amplio de público pero con unos resultados de calidad bastante constatada, logrando un ejercicio de intriga bien manufacturado (premio a los mejores efectos especiales) y consiguiendo uno de los thrillers de ciencia ficción más personales y estimulantes vistos últimamente en donde un final algo previsible no logra ensombrecer un producto tan digno y referencial en su loable propuesta.

William Eubank entra en esa categoría de nuevos y prometedores directores “mainstream” como Gareth Edwards, Matt Reeves o Colin Trevorrow llamados a realizar un cine genérico para los grandes estudios, algunos aparte de realizar block-busters logran mantener su interesante discurso mostrado en sus primeros film, otros no, esperemos que William Eubank no sea de esos que la gran maquinaria hollywoodiense suele engullir.

Valoración 0/5:3’5

Burying the Ex

Todos hemos tenido alguna antigua pareja que se resiste a aceptar que la relación ha terminado, pero lo que le ocurre a Max va un paso más allá: justo cuando empieza un romance con la encantadora Olivia, su difunta ex novia Evelyn vuelve de la tumba, dispuesta a pasar lo que le quede de “no vida” junto a él.

Difícil tesitura el valorar en su justa medida una película como «Burying the Ex«, último trabajo de Joe Dante, es evidente que se trata de un film menor dentro de su filmografía, o más bien demasiado sencillo en su postulado aunque terriblemente honesto en sus propósitos al  homenajear  a la serie B en base a un trabajo donde lo nostálgico y la cinéfila más pura campan de manera sobrada, Joe Dante nutre como en él es habitual a la película de constantes guiños y alusiones del cine de terror y la serie B, algo que se me antoja insuficiente a la hora de enjuiciarla de una manera adecuada, la comedia romántica en un marco zombi no es precisamente algo muy original hoy en día ( dentro del certamen pudimos ver otro film de las mismas características en cuanto a su argumento «Life after Beth«) no se trata solo de una cuestión de perdonarle la vida al bueno de Joe Dante, por mucha simpatía que sintamos por esta propuesta repleta de guiños al espectador.

Aun así uno no puede remediar sentir cierto desasosiego al ver como un director de la talla de Joe Dante, que años atrás era un auténtico referente dentro del género fantástico tenga que recurrir al crowdfunding a la hora de buscar financiación para poder realizar un pequeño film como «Burying the Ex«, todo un síntoma nada halagüeño de cómo funciona hoy en día esto del cine. 

Valoración 0/5:2’5

Monsters: Dark Continent

Han pasado siete años y las zonas infectadas se han extendido por todo el mundo. Los humanos han sido desplazados de la parte alta de la cadena alimenticia, y pequeños núcleos luchan por sobrevivir. Los soldados norteamericanos han sido enviados a proteger en el extranjero los intereses de Estados Unidos, pero la guerra está lejos de ser ganada. Noah, un soldado con muchos tiros a sus espaldas, es enviado en una misión de búsqueda de un soldado norteamericano que ha caído en una zona infectada y al que debe liquidar. Pero cuando la unidad de Noah y el transporte son destruidos, se encontrará solo con un joven cadete sin experiencia como única compañía, y que además es el hermano del hombre al que Noah debe matar.

Debut en el largometraje del realizador Tom Green en esta algo absurda secuela, más que nada por intentar darnos gato por liebre, si bien en el film original Gareth Edwards nos ofrecía de manera brillante y metafórica el elemento “fantástico” dentro de una historia dramática, aquí esa metáfora está metida con calzador y brocha gruesa acerca del conflicto bélico del  Oriente Medio. Aquí  los monstruos pasan a un segundo plano, dando lugar a una trama en donde se resalta el manido y previsible tema de la absurdez de la guerra.

Lo único que se salva en este film es una cierta brillantez visual en su ejecución, un buen uso de los paisajes desérticos y unos efectos especiales de cierta solvencia, unas alabanzas técnicas que son totalmente insuficientes a la hora de juzgar en positivo a esta pobre secuela de uno de los títulos más originales y estimulantes de la ciencia ficción de estos últimos años.

Valoración 0/5:1’5

The Rover

Diez años después de la caída de la economía occidental, las minas australianas continúan en actividad y atraen a los hombres más desesperados e incluso los más peligrosos. En medio de una sociedad moribunda, sobrevivir es una combata de cada día y no hay leyes. Eric abandonó todo. Ahora es un vagabundo, un hombre solo, un hombre amargado. Cuando una pandilla le roba lo único que le queda, su coche, decide perseguir a sus miembros. Para encontrarlos, sólo puede contar con Rey, un antiguo miembro de la banda, abandonado por sus amigos cuando recibió una herida. Los dos hombres están obligados a hacer equipo y emprenden un recorrido lleno de sorpresas…

En esta edición del festival de Sitges hubo dos películas provenientes de Austràlia  que exploraban de manera desigual el desmoronamiento de la sociedad en clave apocalíptica, por un lado estaba la facilona «These Final Hours» y por otro estaba la muy superior «The Rover» de David Michod responsable de la notable «Animal Kingdom«. En «The Rover» asistimos a un  tour de forcé interpretativo a cargo de Guy Pearce y Robert Pattison en este drama con apariencia de road movie de claro aroma nihilista, todo ello dentro de un escenario devastado por un colapso no explicado, en donde una maltrecha sociedad da sus últimos coletazos de vida.»The Rover» sobresale gracias a una narración tan minimalista y sobria como contundente, pero muy especialmente en el brillante uso del escenario que otorga David Michod al film (esos desiertos áridos australianos que se manifiestan como si de un personaje más se tratase).

Thriller conciso y sin concesiones de cara a la galería que remite de manera poco disimulada al primer «Mad Max» y cuya acción se rige bajo el signo de una supervivencia casi animal y en donde su discurso existencialista queda soterrado bajo la contundente apariencia de la nada como única forma de seguir hacia delante, y  en donde cualquier atisbo de humanidad se convierte en una quimera, en definitiva un brillante ejercicio acerca del auténtico fin del mundo. 

Valoración 0/5:3’5

The Tribe

Un adolescente sordo ingresa en un internado especial donde, para sobrevivir, tiene que formar parte de una organización salvaje, la Tribu. Su amor por una de las concubinas del Jefe lo llevará a romper todas las reglas no escritas en la jerarquía de la Tribu.

Amor y odio todo ello contado en el lenguaje universal de los signos, aquí no hace falta ningún tipo de subtítulos para entender lo que el ucraniano Myroslav Slaboshpytskiy nos quiere contar en su debut en el largometraje (ganadora del Gran Premio de la Semana de la Crítica en el último festival de Cannes), «The Tribe» es una por momentos desasosegante historia que se nutre de una capacidad narrativa poderosamente visual construida sobre extensos sobre planos secuencia y en donde no escatima recursos a la hora de caer en excesos, como tampoco se ahorra el mostrar en todo su esplendor cualquier escena dura, ya sea un terrible aborto, relaciones sexuales o una violencia totalmente descarnada.

«The Tribe» pone a prueba la capacidad de resistencia del espectador en momentos donde el nivel narrativo que se nos muestra  se sitúa en un grado cero, siendo de esas películas que sin ser de género cuadran a la perfección en Sitges, films capaces  de provocar en el espectador una incuestionable incomodidad, por mucho que ella se sustente en principio en un realismo donde lo fantasioso es sustituido por una incorreción política totalmente subversiva, convirtiéndose en una de las propuestas más sorprendentes de la presente temporada.

Valoración 0/5:4

Tokyo Tribe

Basado en el manga de Santa Inoue, se centra en la batalla entre varias pandillas de la ciudad de Tokio, en un conflicto que escala cada vez más hasta alcanzar dimensiones de verdadera guerra en las calles de la capital de Japón. Katanas, bates de béisbol, peleas masivas, sangre, patadas, balazos y hasta batallas de rap.

Fue el último cartucho por parte del festival, dentro de la maratón sorpresa del sábado 9 pudimos ver el «Tokyo Tribe» de Sion Sono, película basado en el manga de Santa Inoue, transformado aquí  en un film de acción musical en clave de hip hop y reconvertido al mismo tiempo en un auténtico prodigio visual, un artefacto donde la desmesura va cogido de la mano en compañia de una elogiable valentía autoral a la hora de realizar un trabajo tan arriesgado como marciano, pero claro hablamos de Sion Sono, el director más irreverente de la actualidad cogiendo el relevo de su compatriota Takashi Miike de una manera clara, una radicalidad y atrevimiento que se come en parte algo de la mirada de su autor, una mirada que era más visible en su anterior película «Why Don’t You Play in Hell?«, algo que no empaña un producto tan delirante y único como este, un megalómano espectáculo no apto para todos los paladares.

Valoración 0/5:3

Palmares

Sección Oficial Fantàstic Sitges 47

Premio a la mejor película: I ORIGINS, de Mike Cahill.

Premio especial del jurado: THE BABADOOK, de Jennifer Kent.

Premio a la mejor dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa): CUB, de Jonas Govaerts.

Premio al mejor actor (patrocinat por Autolica – Mercedes Benz): 

Nathan Phillips por THESE FINAL HOURS, de Zak Hilditch.

Koji Yakusho por THE WORLD OF KANAKO, de Tetsuya Nakashima.

Premio a la mejor actriz:

Essie Davis por THE BABADOOK, de Jennifer Kent.

Julianne Moore por MAPS TO THE STARS, de David Cronenberg.

Premio al mejor guión: YOUNG ONES, de Jake Paltrow.

Premio a la mejor fotografía: JAMIE MARKS IS DEAD, de Carter Smith.

Premio a los mejores efectos especiales: THE SIGNAL, de William Eubank.

Premio al mejor cortometraje (patrocinado por Fotogramas): OSCAR DESAFINADO, de Mikel Alvariño.

Gran Premio del Público (patrocinado por El Periódico de Catalunya) (Sección Oficial Fantàstic en Competició)

Premio a la mejor película (otorgado por votación popular de los espectadors del Festival): WHAT WE DO IN THE SHADOWS, de Taika Waititi y Jemaine Clement.

Premios Sección Oficial Fantàstic Òrbita

Premio a la mejor película: HYENA, de Gerard Johnson.

Premio al mejor director: COLD IN JULY, de Jim Mickle.

Mención especial: ’71, d’ Yann Demange.

Premios Sección Oficial Fantàstic Panorama

Premio al mejor largometraje: THE TREATMENT, de Hans Herbots.

Mención especial: CREEP, de Patrick Brice.

Premios Méliès d’Argent

Premio al mejor largometraje: GOODNIGHT MOMMY, de Veronika Franz y Severin Fiala.

Premio al mejor cortometraje: AUTUMM HARVEST, de Fredrik S. Hana.

Premios de la Crítica

Premio José Luis Guarner a la mejor película: RÉALITE, de Quentin Dupieux.

Mención Especial de la crítica: GOODNIGHT MOMMY, de Veronika Franz y Severin Fiala.

Premios Citizen Kane

Premio al mejor director novel: A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT, de Ana Lily Amirpour.

Mención especial: WHEN ANIMALS DREAM, de Jonas Alexander.

Premios Noves Visions

Premio a la mejor película de ficción: HAN GONG-JU, de Lee Su-jin.

Premio a la mejor película de no ficción: NON-FICTION DIARY, de Jung Yoon-suk.

Mención especial: THE DUKE OF BURGUNDY, de Peter Strickland.

Premios Focus Àsia

Premio a la mejor película: MAD SAD BAD, d’Han Ji-seung, Kim Tae-yong y Ryoo Seung-wan.

Mención especial: HWAYI: A MONSTER BOY, de Jang Joon-hwan.

Premios Anima’t

Premio al mejor llargmetratge de animació: THE SATELLITE GIRL AND MILK COW, de Chang Hyung-yun.

Premio al millor curtmetratge d’animación: PINEAPPLE CALAMARI, de Kasia Nalewajka.

Mención especial:DINNER FOR FEW, de Nassos Vakalis

Premio Brigadoon Paul Naschy

Premio al mejor cortometraje fantástico presentado en esta sección: LINE UP, de Àlex Julià.

Video resumen

The Duke of Burgundy

Cynthia es una coleccionista de mariposas que mantiene una relación sadomasoquista con su criada, Evelyn. Una pasión sujeta a toda clase de particularidades, en la que los roles de ama y esclava no están tan claros como parece.

Si tuviera que elegir una película que jugara en otra liga de todo lo visto este año en Sitges y destacará por encima del resto «The Duke of Burgundy» junto a  «Under the Skin» seria de forma incuestionable mis elegidas. Peter Strickland que ya deslumbro con su anterior «Berberian Sound Studio» consigue con «The Duke of Burgundy» no solo superarla sino además  afianzarse  como uno de los más interesantes y sofisticados autores del cine contemporáneo.

«The Duke of Burgundy» es un exquisito melodrama en forma de cuento de hadas oscuro  de estructura circular en su narración compuesta en base a una hermosa puesta en escena de delicioso toque vintage que la emparentan por momentos a films como «Belle de Jour» o «The Servant”»y en donde se nos explica una historia de amor sadomasoquista entre dos mujeres adineradas (soberbias Sidse Babett Knudsen y Chiara D’Anna) amparándose en la metáfora (larva y las mariposa) para contarnos un sugerente devenir acerca de dominios y sumisiones o inversión de poderes,  todo ello contado de forma simbólica acerca la psicología de sus dos protagonistas, transportándonos a otro tiempo y a otro lugar (este es uno de los grandes méritos de director británico, una habilidad innata que ya se apreciaba de forma clara en su anterior película). «The Duke of Burgundy» termina siendo una obra de un poderío hipnótico y visual apabullante en donde las texturas se mezclan de manera brillante en este melodrama tan amoroso y pasional como perturbador y por momentos surreal, una autentica gozada fílmica.

Valoración 0/5:4’5

It Follows

Después de una noche de sexo apasionado en el asiento trasero del coche entre Jay y su novio, la situación se pone algo tensa cuando este aplica cloroformo y deja totalmente KO a su apreciada novia. Al despertar, el amante novio, le explica que debía hacer todo esto para que una serie de espíritus acosadores le dejen en paz. A partir de ese momento es la pobre Jay quien sufrirá este particular acoso por parte de estos entes extraños.

Que un director tan prometedor como David Robert Mitchell (del que urge rescatar su ópera prima «The Myth of American Sleepover«, una peculiarísimo acercamiento acerca de la juventud norteamericana que la emparentaba de una manera brillante a «American Graffitti«) hiciera un film de género tan característico como «It Follows» venía a ser una estupenda noticia para los amantes del fantástico más inquietos.

«It Follows» inexplicablemente ausente en el palmarés del festival viene a ser un perfecto ejemplo del mejor cine indie de terror, tan rico en ideas como respetuoso a la hora de reverenciar a sus precedentes genéricos y evocar al pasado (muy especialmente al cine de John Carpenter), film que parece empezar como si de un slasher tradicional se tratara, en donde  el terror puede surgir de cualquier situación o localización y adoptar al mismo tiempo cualquier forma posible, pero que deviene de manera brillante en un apasionante discurso acerca de los horrores imperceptibles que nos persiguen durante la adolescencia, todo ello contado con una sutilidad de múltiples lecturas (ojo, un visionado superfluo de la cinta puede llevar a una conclusión errónea sobre ella).

«It Follows» posiblemente sea la propuesta de género más original del presente curso con un soberbio trabajo tras la cámara a cargo de David Robert Mitchell, un auténtico valor en auge al cual que no hay que perderle la pista.

Valoración 0/5:4

Tusk

“Tusk” nos cuenta cómo un hombre vive durante seis meses perdido en el mar con la única compañía de una morsa. Tras regresar a casa, pone un anuncio en un periódico en busca de un compañero de piso. En el anuncio únicamente se menciona una condición, y es que la persona que acepte vivir con él tendrá que ponerse un traje de morsa cada día durante unas dos horas…

Si bien con la notable «Red State» Kevin Smith ya dio un giro temático a su carrera con «Tusk» podemos decir con total certeza que estamos ante SU película de género, aunque claro si alguien esperaba un trabajo algo más convencional que se vaya olvidando pues el film aparte de conservar la idiosincrasia de un estilo propio se convierte en un hibrido genérico tan desconcertante por momentos como brillante en su arriesgada propuesta.

El director de New Jersey  nos sorprende con este peculiar y sorprendente film de horror con pinceladas que nos remiten por momentos a sus mejores comedias en base a unos diálogos tan sarcásticos como propios, de claro carácter desenfrenado, esta mixtura genérica acarrea una cierta irregularidad en su narración en un film donde el horror da paso a lo bizarro en esta historia acerca de hombres y monstruos que llegan a convertirla en una maravillosa rara avis y que bebe del amplio imaginario de Kevin Smith (para más información no perderos el extraordinario Comic Book Men, show televisivo en formato de podcast) y que la derivan de una forma lógica en una película de claro carácter reverencial, «Freaks«, «Misery» y muy especialmente la genial y enfermiza «Sssssss«, (Ssssilbido de Muerte 1973), todo un festín para el cinéfilo de género de carácter inquieto, que más se puede pedir. 

Valoración 0/5:4

When Animals Dream

Marie es una joven repudiada por la pequeña y cerrada comunidad costera en la que vive. Su madre está postrada en una silla de ruedas, víctima de una rara enfermedad, y su padre trata de mantener a las dos alejadas de las miradas del pueblo. Un día, Marie descubre que su cuerpo está empezando a transformarse y decide profundizar en los oscuros secretos de su familia.

«When Animals Dream«, ópera prima de Jonas Alexander se aleja en algo de la poesía visual de por ejemplo otra película a cuyo paisaje gélido sí que le sabia otorgar un mayor significado a la historia, la sueca «Le the right one in«, para decantarse aquí en un drama sobre la realidad con trasfondo fantástico, uno de los grandes lastres de bastante cine de género proveniente del norte de Europa, es una pena que esta historia de licantropía vista desde la óptica del drama familiar y  social no se atreva por un discurso más honesto por hacía lo fantástico y se decante por una narrativa con ciertas ínfulas de cine de autor europeo.

Al final nos quedamos con un film cuya cuidada estética y ritmo pausado no logran salvarla de una cierta decepción y cierta sensación de tedio al verla, hay buenas ideas pero no se concretan de manera satisfactoria, no sabe sacar el provecho adecuado del uso del paisaje como claro transmisor del estado de ánimo de sus protagonistas, algo en lo que acertaba de pleno  Thomas Alfredson en la magistral «Le the right one in«, evidentemente en esta ocasión el listón estaba demasiado alto.

Valoración 0/5:2

What We Do In The Shadows

Compartir piso puede ser un coñazo, pero Viago, Deacon, Vladislav y Peter tienen más problemas que discutir sobre quién lava los platos. Tampoco son jóvenes estudiantes. Son vampiros, comparten casa en Nueva Zelanda y nos cuentan sus vicisitudes diarias.

De los creadores de dos de las series cómicas más célebres de los últimos años como son «Eagle vs. Shark» y «Flight of The Conchords» nos llega este falso documental de tono irreverente e infatigable sentido del humor que se alzó de manera más que esperada con el premio del público. «What We Do In The Shadows» es tan disfrutable como previsible en su planteamiento, el film es atrevido y dinámico por momentos pero no llega a ser original, Vincent Lanoo ya hizo en el 2010 «Vampires» que venía a ser lo mismo aunque con algo menos de gracia. «What We Do In The Shadows» es un film posiblemente superior a la película antes citada pero que de manera clara va perdiendo fuelle conforme avanza llegando a aburrir ligeramente en su tramo final en base a una serie de reiteraciones a la hora de formular sus gags.

El trabajo Waititi y Clement está concebida con el único objetivo de entretener y hacer pasar un buen rato a los espectadores aprovechando al máximo el lenguaje de mockumentary como herramienta para arrancar la carcajada cómplice del público, tarea que cumple a la perfección, intentar buscarle otros atributos a esta cinta neozelandesa ya sería otra historia.

Valoración 0/5:2’5

 Alleluia

Gloria viene de sufrir a un marido celoso. Michel se aprovecha de las mujeres para conseguir dinero. Los dos se encuentran, se acuestan y ella se enamora perdidamente. Gloria decide ayudar a Michel con sus estafas, pero, cuando los celos afloren, Gloria se verá abocada a la violencia.

Fabrice du Welz versiona con «Alleluia» la historia real de los asesinos de la luna de miel: Martha Beck y Ray Fernández, llevada ya al cine en la estupenda «The Honeymoon Killers» de Leonard Kastle y la mejicana «Profundo carmesí» de Arturo Ripstein, una historia de amor fou  acerca de los límites del amor y de la locura que le viene como anillo al dedo al director belga para desplegar  en atmosféricas imágenes su particular y cada vez más desarrollado universo fílmico llegando a trasmitirnos con esta película una amalgama de sensaciones en donde lo nocivo y sobre todo lo físico se unen mediante una puesta en escena  tan o más radical y agresiva que en sus anteriores trabajos, convirtiendo el visionado de «Alleluia» en una experiencia tan mórbida y desasosegante como cautivadora y en donde el empleo visual de la fotografía granulada que baña cada fotograma del film le otorga a la película el tono adecuado, un tono que cuadra a la perfección con el notable trabajo de sus dos protagonistas, un sorprendente Stéphane Bissot y una contundente Lola Dueñas .

«Alleluia» termina formando parte de ese grupo selecto de films imprescindibles de género en donde la mirada y la personalidad que su autor le llega a otorga al producto una dimensión autoral de lo más reconfortante, una dosis de talento que hoy en día escasea de manera alarmante en el actual panorama cinematográfico.

 Valoración 0/5:3’5

Over Your Dead Body

Un grupo de teatro ensaya un clásico de misterio, en el que la traición y la venganza ocupan un lugar central. La vida entre bastidores se verá salpicada de sangre cuando lo fantasmagórico abandone la ficción e irrumpa con terribles consecuencias en la realidad.

Lo de Takashi Miike realmente es digno de elogio, no tengo la menor duda que en un futuro cuando ya no dirija su carrera será considerada como clave en el devenir de la historia del cine nipón, una trayectoria tan prolífica como conceptual, ahora en plena madurez artística no le hace asco prácticamente a nada, consiguiendo no defraudar casi nunca, en «Over Your Dead Body» se atreve a llevar a la pantalla una nueva versión del clásico «Yotsuya Kaidan», adaptado una multitud de veces al cine y teniendo  en  1959 el «Tôkaidô Yotsuya kaidan» de Nobuo Nakagawa como punta de iceberg, una autentica obra maestra del género, incluso el bueno de Hideo Nakata intento en el 2007 versionarla de manera  algo mixta, pues ahí también incluía «Ghost of Kasane», aunque todo ello de manera algo irregular.

En «Over Your Dead Body» Takashi Miike se sale por completo, consigue es más difícil todavía al ser respetuoso con el original e innovar al mismo tiempo de una manera brillante en lo narrativo, llevando la adaptación a un nuevo nivel en donde la alternancia de realidades sirven como juego de espejos a la hora de mostrar los oscuros recovecos que anidan en la naturaleza humana, mezclando ficción (la obra de teatro representada) y realidad (el devenir de sus protagonistas) en un ejercicio metacinematográfico rompedor  y con una puesta en escena en donde la elegancia (elaboradísima fotografía a cargo de Nobuyasu Kita) y el tempo narrativo sobresalen de manera perfecta. «Over Your Dead Body» representa de manera clara la madurez autoral de uno de los directores más influyentes del cine moderno.

Valoración 0/5:4

The Curse of Downers Grove

Downers Grove parece un suburbio cualquiera, pero sobre él planea un oscuro secreto: cada año, un estudiante muere en extrañas circunstancias justo el día antes de su graduación. En esta ocasión, es Chrissie Swanson quien tiene el presentimiento de que algo terrible va a sucederle.

«The Curse of Downers Grove» estuvo algo metida con pinzas dentro de la sección “Noves Visions” por mucho que Bret Easton Ellis sea su guionista y productor y se esperara algo más rompedor de ella, el film supone una especie de vuelta de tuerca del denominado cine de horror teen pero acaba cayendo en los tópicos mil veces visto dentro de este subgénero, llevándonos a una sencillez en su propuesta  poco propio por parte del escritor Bret Easton Ellis, posiblemente «The Curse of Downers Grove» no sea un mal film, es simplemente una pieza resultona pero carente totalmente de un espíritu original o transgresor en su propuesta, algo que estamos acostumbrados a ver en dentro del espacio de“Noves Visions” ,la que para un servidor es la sección preferida del festival.

Valoración 0/5:2

El Ardor

Un joven chamán vagabundo (García Bernal), que vive en la selva argentina, va a parar a una plantación de tabaco donde vive un hombre con su hija (Alicia Braga). Ese mismo día, unos mercenarios deforestadores, que llevan tiempo acosándoles, irrumpen en la granja y asesinan al padre ante los ojos de la joven, a la que secuestran.

Este año el festival  presentaba la nueva sección Blood Window dedicada al cine de género proveniente de Latinoamérica, un continente que parece abrirse últimamente de una manera evidente a la producción del género fantástico. «El Ardor» dirigida por Pablo Fredink nos presenta una suerte de western selvático y con alguna que otra semejanza  al cine de Sergio Leone en su tramo final, también vemos en ella pinceladas que la acercan al cine social de denuncia, el problema es que el ritmo que dota Pablo Fendrik al film es demasiado lento e inconexo acerca de los paralelismos entre la naturaleza y el ser humano que nos quiere hacer ver, una lentitud o minimalismo mal entendido o adecuado en su puesta en escena que lastran un film que oscurece en algo la inventiva propuesta por su director.

Valoración 0/5:2

The Darkside

Warwick Thornton quería hacer una película basada en historias reales de fantasmas, pero los testimonios que le llegaban no trataban sobre el miedo, sino sobre reencontrarse con seres queridos. Así, The Darkside acabó tomando una forma catártica, con mucha emoción (y algún escalofrío) y con diversos actores relatando estos contactos con el más allá.

«The Darkside» es un curioso pero por momentos monótono documental que recrea con actores reales testimonios de sucesos paranormales en el que diversas personas aseguran haber visto espíritus (entre los que se encuentran  antiguos aborígenes que habitaban Australia y fueron masacrados) de fallecidos que hablan con sus familiares o allegados, los testimonios no acaban de alcanzar sus supuestos objetivos..emocionar o asustar, produciendo una cierta frialdad en el espectador pero más que nada porque uno no termina de averiguar si realmente es cierto  lo que estamos viendo en la pantalla o nos están dando gato por liebre en cuanto a su supuesta veracidad, al final la película solo consigue salvarse en algo por lo exótico de su propuesta.

Valoración 0/5:2

Faults

Los padres de Claire están dispuestos a hacer lo que sea para desligar a su hija de la secta que la tiene abducida. Por eso contactan con Ansel Roth, reconocido experto en introducirse en los recovecos de la mente. Sin embargo, Claire resultará un hueso más duro de lo que Ansel preveía, propiciando un inigualable duelo de intelectos.

El debut en el largometraje de Riley Stearns con «Faults» viene a representar de manera inmejorable ese cine independiente norteamericano tan característico y lleno de ideas tan interesantes como mordaces en sus propuestas, encontrándonos ante un film disfrazado en un principio como si de una comedia negra se tratase desde el original punto de vista que rodea el mundo de las sectas y las personas que están involucradas de alguna manera en ellas, para dar paso a un apasionante discurso acerca del control que solemos ejercer hacia las personas,,o viceversa dentro de la sociedad actual.

Además tenemos la oportunidad de poder ver como principal protagonistas a uno de esos sempiternos secundarios visto mil veces en todo tipo de producciones, un extraordinario Leland Orser, en un papel que le viene como anillo al dedo. En definitiva «Faults» deviene toda una sorpresa, una de esas pequeñas joyas que pasan algo desapercibidas entre el gran público y que urgen ser descubiertas de una manera rápida.

Valoración 0/5:4

Filth

El detective Bruce Robertson (James McAvoy) es el detective de policía más maleducado, pervertido, misántropo y adicto a las drogas y al sexo de Edimburgo. A pesar de ello, Robertson quiere un ascenso. Claramente es la persona adecuada para el trabajo; el resto de sus colegas son idiotas. Desafortunadamente, ha habido un asesinato y el jefe de Bruce quiere resultados. No hay problema. Él está al mando y cuando resuelva el caso y consiga el ascenso su mujer volverá con él.

Este año Sitges abrió de manera acertada una ventana bastante generosa al thriller negro-policiaco dentro de la sección Oficial Fantàstic Òrbita, en donde «Filth» era a priori uno de sus platos fuertes, basada en la novela de Irvine Welsh, autor de Trainspoting, la película dirigida por Jon S. Baird e interpretada de forma notable y contundente por James McAvoy se mueve dentro de una amalgama genérica de manera algo difusa pues no acaba de situarse de manera clara ni por la comedia negra-sardónica ni por el thriller policiaco quedando un poco en tierra de nadie.

Puede que estemos ante una película algo desfasada a su tiempo, recordemos que la novela se escribió hace 16 años, posiblemente tampoco se le saca el suficiente jugo al escenario donde transcurre la acción, una por momentos grotesca Edimburgo, que también se describía en el libro de Irvine Welsh, al final nos encontramos ante un muestrario tan distraído como confuso acerca de la degradación humana en donde la comedia grosera da paso al drama trágico en su parte final, el «Filth» de Jon S. Baird se ve con agrado de una manera algo despreocupada, aunque posiblemente esta adaptación acerca de un viaje salvaje hacia lo sucio le hubiera venido mejor una mirada con algo más de personalidad.

 Valoración 0/5:2’5

Aux yeux des vivants

Una madre decide quitarse la vida antes que seguir viviendo con su monstruoso hijo. Años más tarde, tres amigos cometerán el error de adentrarse en el estudio de cine abandonado donde vive la bestia, que hará todo menos dejarlos tranquilos.

Julien Maury y Alexandre Bustillo volvían a Sitges con nueva película  “Aux yeux des vivants”, provocando cierto desencanto entre sus seguidores más acérrimos, más que nada porque su nuevo film supone un cambio de estilo alejándose de la visceralidad de “À l’intérieur” (una visceralidad que mantienen intacta como lo demuestra su explícito y perturbador segmento «X is for Xylophone» del díptico “ABCs of Death 2” protagonizado por su musa  Béatrice Dalle) y el barroquismo presente en “Livide” decantándose por un explícito y por momentos nostálgico homenaje al cine de terror los 80 (el film aparte de su estética podría llegar a ser perfectamente un primo hermano del  “The Funhouse” de Tobe Hooper dado sus semejanzas argumentales, con alguna que otra pincelada en su inicio que recuerda a “Los Goonies”) todo ello apoyándose en un ejercicio de estilo y cinefilia tan apasionada como transgresora pues al fin y al cabo Julien Maury y Alexandre Bustillo nos dan a entender que aunque utilicen unos reconocibles mimbres que nos evocan a tiempos pasados su mirada es diferente, más perversa y malsana como comprobamos en la media hora final de “Aux yeux des vivants” ofreciéndonos un slasher con clara vocación mainstream pero al mismo tiempo desde una mirada que evoca al horror violento más desmedido del cine de terror de hoy en día.

No deja de ser una pena que en Francia no triunfe y se apoyé más al cine de género, país donde triunfa por todo lo alto comedias intranscendentes  barnizadas de dudosa tendencia política, directores como Alexandre Aja, Pascal Laugier y otros han tenido que buscarse la vida en los Estados Unidos, Julien Maury y Alexandre Bustillo de momento se resisten a duras penas a emigrar y perder en algo su discurso cinematográfico, para poder realizar “Aux yeux des vivants” han tenido que recurrir al cowfunding, una autentica pena, y más dada la elevada y consistente cantera de autores surgidos del país vecino.

Valoración 0/5:3

La French

Pierre es un magistrado recién llegado a la conflictiva Marsella. Enérgico y ambicioso, su misión será acabar con la imbatible estructura del narcotráfico local, controlada por el peligroso e intocable Gaetan Zampa.

“La French” nos transporta a la Marsella de los 70 en donde  la mafia del narcotráfico estaba en pleno auge, todo ello contado bajo la apariencia del thriller policiaco y judicial, expuesto narrativamente y de manera nada disimulada a semejanza de cierto tipo de cine dirigido por Martin Scorsese (Goodfellas y Casino principalmente) una brillante y elegante  puesta en escena a cargo del director Cédric Jiménez logra hacer que la larga duración del film no sea un obstáculo a la hora de disfrutar de una película que rinde de manera notoria pleitesía a films dedicados a la misma temática pero que se pierde en algo al recrearse de manera algo caprichosa en un sinfín de clichés propios del  género en cuestión.

Teniendo al final uno la sensación final de haber presenciado un producto tan correcto como poco novedoso desprovisto de cierta  garra, en donde las formas se imponen al contenido, resultando redonda en su acabado final pero que poco aporta nuevo a dicho género. 

Valoración 0/5:2’5

Annabelle

John Form encuentra el regalo perfecto para su mujer embarazada, Mia: una preciosa e inusual muñeca vintage que lleva un vestido de novia blanco inmaculado. Sin embargo, la alegría de Mia al recibir a Annabelle no dura mucho. Durante una espantosa noche la pareja ve como miembros de una secta satánica invaden su hogar y los atacan brutalmente. No sólo dejan sangre derramada y terror tras su visita…los miembros de la secta conjuran a un ente de tal maldad que nada de lo que han hecho se compara al siniestro camino a la maldición que ahora es… Annabelle.

El pase de “Annabelle” en Sitges no estuvo exento de cierta polémica al ser vapuleada por un cierto sector de público y prensa al intentar compararla “The Conjuring” o el primer “Insidius” y encontrarse algo más convencional y funcional y poco dado a la sorpresa, abriendo al mismo tiempo un interesante debate acerca de enjuiciar y valorar de manera justa a un tipo de cine tan mainstream como este enfrente a otro cine más autoral que parece gozar en los últimos años de un mayor plebiscito por parte del público asistente a Sitges .

“Annabelle” no engaña a nadie ya que recurre a los mismos trucos y tópicos para provocar el susto fácil a la misma audiencia juvenil que asiste a la salas de cine durante los últimos treinta años buscando un producto de consumo rápido y fácil sin demasiadas aristas, siendo film que posee una carencia de ritmo alarmante y un final que roza lo ridículo en más de una situación, todo ello en base a una previsible trama de tono prefabricado y aburrida por momentos.

La fórmula del tipo de cine que representa “Annabelle” es tan viejo como previsible (la película está ganando millones a raudales), otra cosa es que la gente la intente valorarla al margen de su evidente convencionalidad, al final la culpa será de James Wan por hacer films tan estimulantes y esperar que sus spin-off estén a la altura.

Valoración 0/5:2

 A Hard Day

Volviendo del entierro de su madre, el agente Gun-Su atropella a alguien. Aturdido, decide esconder el cadáver en la tumba de su madre. Los problemas, sin embargo, no quedan enterrados: uno de sus compañeros investiga a la víctima y un testigo no tardará en aparecer.

El cine surcoreano de los últimos años se vertebra de manera evidente en dos tendencias de lo más reconocible, por un lado tenemos ese cine de autor, reconocido y asiduo a todo tipo de festivales formado por directores de la talla de Park Chan-wook, Bong Joon Ho, Kim Ki-duk, Na Hong-jin o Kim Ji-woon y en la otra parte tenemos un cine más genérico en número y de tendencia más comercial pero que curiosamente es más difícil de ver fuera de sus fronteras dado un cierto tipo de rasgos autóctonos que la hacen menos accesible en cuanto a gustos por parte del público occidental.

“A Hard Day” se sitúa en este último apartado aunque desde una posición elevada dada su incuestionable calidad, la película de Kim Seong-Hun consigue un equilibrio de géneros,  thriller con varias pinceladas de un humor negro que roza lo sarcástico y algo de drama, bastante admirable, aunar acción y humor no siempre es fácil y más en una cinematografía muy dada al exceso de la mezcla genérica, de echo podríamos hablar que dicho híbrido podría formar perfectamente en un subgénero propio. Nos encontramos pues ante un producto que aunque no invente nada nuevo dentro del género, sabe cómo jugar de forma perfecta todas sus cartas, ofrece todo lo que promete de forma solvente, cine comercial cuyo tono y estilo llegan a ser sus mayores bazas.

Destacar por otra parte la parte técnica del film, de factura impecable, algo nada nuevo en una cinematografía surcoreana sobrada de eficacia en este apartado, “A Hard Day” no es una excepción.

Valoración 0/5:3

Asmodexia

Sigue los pasos del pastor Eloy de Palma y a su nieta Alba durante cuatro días, en una Barcelona asediada por lo diabólico. Su misión es ayudar a los poseídos por el mal, cuyas almas han sido infectadas. En cada nuevo enfrentamiento con el maligno se descubren pistas sobre el misterioso pasado de los protagonistas; un enigma que puede cambiar el mundo.

“Asmodexia” viene a ser un perfecto ejemplo de buenas intenciones canalizadas de manera errónea en esta road movie de horror satánico, película repleta de buenas intenciones que no logran salvar la función de un producto en donde la  pobre dirección llevada a cargo por parte de Marc Carreté  resulta un lastre insalvable a la hora de enjuiciarla de manera positiva, un film de guion irregular y de giro final algo previsible pero de una clara y nada disimulada naturaleza hacia la serie B más desprejuiciada que la emparentan ligeramente al cierto tipo de cine orquestado por parte de Lucio Fulci en los setenta y principios de los ochenta. Posiblemente su falta de pretensiones sea un punto que la beneficie en algo de manera positiva, en un film que dado su naturaleza (totalmente financiado con capital privado) hubiera merecido una mayor beligerancia por parte de un público predispuesto a no perdonarle sus evidentes carencias desde un principio, una verdadera pena tanto en un sentido como en el otro.

Valoración 0/5:2

Colt 45

Vincent Miles es un supervisor de armas y un experto instructor de tiro de la Policía Nacional. Con solo 25 años recibe interesantes ofertas de todas partes, pero él rechaza entrar en los escuadrones de élite más prestigiosos. Sin embargo, cuando conoce al agente Milo Cardena, se dejará arrastrar a un infernal remolino de violencia: atracos, asesinatos y una despiadada guerra interna de la policía. Atrapado en esa situación, Vincent se verá obligado a matar en defensa propia.

Después de la extraordinaria “Vinyan” y tras seis años detrás de la palestra el realizador belga Fabrice du Welz volvía por partida doble a Sitges con “Colt 45” y “Alleluia”, films de texturas y objetivos completamente diferentes entre sí pero de un valor totalmente incuestionable.

Con “Colt 45” Fabrice du Welz se adentra en el polar francés de manera pulcra y contundente, con un dominio notable a la hora de filmar las secuencias de acción, en un film claramente de encargo que parece alejarle de su habitual discurso personal aunque en realidad no deja de ser un banco de pruebas que es aprovechado por momentos de manera inteligente por parte de un autor de miradas y objetivos de una amplitud inabarcables. Aun así al tratarse de un director de un universo tan característico y peculiar la coexistencia entre lo comercial y autoral está predestinado  a colisionar de manera inevitable, Fabrice du Welz declaro en Sitges no estar satisfecho del resultado final de la película alegando que no se le permitió por parte de los productores el rodar todo lo que él hubiera querido, trasformando en polar un film que estaba más cercano al cine noir como era la intención inicial del director belga, tal es su enfado que se negó a presentar el film en la proyección realizada en el cine retiro, un inconformismo propio de genios tan reconocibles como Fabrice du Welz.

Valoración 0/5:3’5

Goodnight Mommy

Es pleno verano, y dos hermanos gemelos esperan pacientemente a que su madre regrese a casa tras una operación de cirugía plástica. Esta llega con la cara completamente vendada y mostrándose fría, distante y obsesiva. El cambio en su personalidad hará que los niños se pregunten si la mujer es realmente su madre o se trata de una impostora.

De Austria nos vino una de las grandes descubrimientos y  sensaciones de este año presentes en el festival de Sitges,  «Goodnight Mommy» producido por el cada vez más referencial Ulrich Seidl y dirigido por su mujer Veronika Franz junto a Severin Fiala, el film supone una incursión en el horror más cotidiano y real a través de un drama familiar mostrado de forma tan sutil en su parte inicial como demoledora en su aterrador tramo final mostrándonos  todo ello en base a una violencia nunca gratuita cosa que siempre es de agradecer. La figura materna (unas vendas que cubren su rostros y que homenajean de forma explícita  a Los ojos sin rostro de Georges Franju) como detonante hacia el trauma y la destructuración familiar, una historia en la que la pérdida y su aceptación derivan en una desconfianza mostrada en una puesta en escena tan seca como austera y que da paso a una violencia en donde los impulsos más primarios del ser humanos salen a la luz independientemente de la edad del que la lleva a cabo. Película de factura técnica tan admirable como elegante cuya notable fotografía  de tono pálido dota al film de frialdad opresiva acorde a la ambientación asfixiante que nos es mostrada, «Goodnight Mommy» que bien podría ser una perfecta versión malsana y angustiosa del «The Other» de Robert Mulligan  se convierte por méritos propios en una joya del cine de género europeo muy a tener en cuenta.

Valoración 0/5:4

Maps to the Stars

Un cuento moderno sobre la obsesión por la popularidad. Stafford Weiss es terapeuta y escribe libros de autoayuda. Tiene una mujer sobreprotectora, un hijo antigua estrella de la TV en rehabilitación y una hija que acaba de salir del psiquiátrico. El principal cliente de Stafford es una famosa actriz, a punto de interpretar el papel que hizo su madre en los años 60.

Tan cierto es que David Cronenberg no volverá a transitar por el camino  con que se dio a conocer, el puramente fantástico (The Brood, Videodrome, etc) o el de una madurez cinematográfica excelsa acompañada de adaptaciones imposibles a la hora de llevarlas a la pantalla (Dead Ringers, Naked Lunch o Crash), como que en su nueva y evolutiva etapa el director canadiense este a años luz por delante de otros autores, por mucho que añoremos los trabajos antes citados.

Si en «Cosmopolis» Cronenberg nos ofrecía una crítica brutal al actual sistema económico en «Maps to the Stars» nos obsequia con una mirada ácida y sarcástica al entramado  hollywoodiense (posiblemente estemos ante el film en donde Cronenberg utiliza de forma  más evidente el tono cínico), película coral en donde sobresale una notable Julianne Moore, y en donde el tono visceral tan característico de su director es sustituido por un discurso en forma una mordaz sátira del Hollywood actual en donde se saca a relucir todos los delirios y locuras de esta gran «sociedad» que parece transitar sobre una realidad paralela a la que vivimos el resto de los mortales, y en donde los sueños rotos de estrellas consagradas o futuras promesas de Hollywood la llegan a emparentar con el «Mulholand Drive» de David Lynch, nunca dos directores de discursos tan radicalmente diferentes habían estado tan cerca a la hora de abordar aunque de manera completamente opuesta dicha temática.

Lo dicho en el primer enunciado, Cronenberg deslumbra de manera sobrada, pese a que no estemos ante uno de sus más destacables films.

Valoración 0/5:3’5

Jamie Marks is Dead

En una pequeña ciudad invernal, el cuerpo de un adolescente llamado Jamie Marks es encontrado junto al río. Adam, la estrella de su equipo de cross-country, se fascina con la historia de Jamie, un chico con del que nadie realmente sabía nada.

Proveniente del festival de Sundance nos vino «Jamie Marks is Dead» en donde su director Carter Smith  cambia completamente de tono y registro con respecto a su anterior «The Ruins» film fallido pero no tan desastroso en mi humilde opinión, «Jamie Marks is Dead» es cine independiente de vertiente y características claramente poéticas enmascarado todo ello en una historia de fantasmas que es utilizada para contarnos los problemas varios de la adolescencia, acoso escolar y la identidad sexual como trasfondo de por medio, película repleta de buenas intenciones y maneras pero algo lastrado en un desarrollo redundante y algo repetitivo en su propuesta que la terminan dirigiendo hacia un producto tan loable en su enunciado como insatisfactorio a la hora de sacar conclusiones sobre ella en su resultado final.

Valoración 0/5:2’5

These Final Hours

Apenas quedan 12 horas para el fin del mundo. James, un hombre poco amante de las responsabilidades, se dirige a una fiesta, pero el caos hará que sus planes cambien por completo, especialmente cuando por el camino encuentre a Rose, una niña que busca desesperadamente a su padre.

De Australia nos vino esta curiosa por momentos aportación al tema del fin del mundo, subgénero  bastante socorrido en el cine en estos últimos años, «These Final Hours» película de factura más que correcta que pese a verse con cierto y despreocupado agrado no logra aportar nada nuevo al subgénero de hecatombes, decantándose  más por mostrarnos un drama reflexivo y existencial (como y con quien pasar esas ultimas horas) que encaminarse hacia el consabido híper violento pre apocalíptico, una historia clásica de redención y como dirigirse hacia lo correcto, dejándonos al final con la sensación de haber visionado algo insustancial y de poca consistencia que se ve al mismo tiempo algo lastrado por el poco carisma de sus dos protagonistas (difícil deducir el por qué el premio al mejor actor para Nathan Phillips). Al final «These Final Hours» termina siendo un producto de agradable y ligero consumo pero de fácilmente olvidable.

Valoración 0/5:2’5

One on One

Una niña es brutalmente asesinada, pero esta no será la única víctima de este oscuro thriller que lleva la firma del infatigable Kim Ki-duk. Uno de los siete hombres responsables de este atroz crimen es raptado, torturado y obligado a escribir una confesión. Cuando por fin es liberado, descubre que otros compañeros han corrido la misma suerte. Decide así encontrar y rendir cuentas con los responsables.

Cuando parecía que el estimulante y controvertido director coreano Kim Ki-duk había logrado recuperar en algo el buen tono a partir de ese reset artístico denominado «Arirang«, que dio lugar a posteriori a films tan notables como «Pieta» y «Moebius» volvió a decepcionar ligeramente con esta  «One on One«, película que aunque mantiene las contantes autoriales de su director (la venganza y la redención bajo el prisma de la violencia como trasfondo de la actual sociedad) todo ello sin escatimar en detalles a la hora de plasmarlo en la pantalla, aunque en esta ocasión contado todo ello de una manera bastante deslavazada, subrayando de manera demasiado evidente su discurso crítico hacia el gobierno coreano y sus políticas sociales llegando a un final algo abrupto que no termina de contestar o resolver todas las interrogantes planteadas en su entonado inicio. De todas maneras siempre es de agradecer que aun existan autores de la talla de Kim Ki-duk, que más o menos acertados  han conseguido mantener una incorruptibilidad en su discurso cinematográfico, un discurso a prueba de toda duda, directo, sin ningún tipo de contemplaciones y carente de cualquier sutileza en lo narrativo o estético.

Valoración 0/5:3

Godsend

Seung-yeon no logra quedarse embarazada. Cuando conoce a una adolescente que quiere abortar, no duda en convencerla para que tenga el bebé para ella. Cuando la chica se instala en la casa de Seung-yeon, el marido se distancia definitivamente del hogar, lo que desencadena una serie de hechos imparables.

Uno de los peajes de contar en el festival con la última película dirigida por Kim Ki-duk «One on One» fue la proyección de este film, deduzco que impuesto de manera sutil por la productora de ambos films, no logro adivinar otra razón para la presencia de esta «Godsend» en el certamen, la película que cuenta con un guion del propio Kim Ki-duk transita en los pantanosos terrenos del melodrama folletinesco de tono insustancial, pero posiblemente lo peor del film sean sus personajes, carentes de cualquier tipo de lógica, no es normal ver a unos individuos violar a una de las protagonistas y al cabo de un rato asistir de manera samaritana en un parto, una carencia de credibilidad en cuanto a personajes bastante proclive dicho sea de paso en cierto tipo de cine proveniente de Corea del Sur.

Valoración 0/5:1

The World of Kanako

Cuando Kanako, hija pródiga y alumna intachable, desaparece, su madre no duda en llamar a su exmarido, un policía poco ortodoxo. A medida que la investigación avanza, la imagen idealizada de Kanako se va resquebrajando, dejando entrever que, bajo la excelencia, la chica esconde otra vida, más oscura y secreta.

Había mucha expectación por ver el nuevo film de Tetsuya Nakashima después de las extraordinarias «The Memories of Matsuko» y «Confessions«, «The World of Kanako» que provocó una palpable división de opiniones entre el público transita por esquemas que Nakashima ya había tratado en sus anteriores trabajos, un retrato agudo de la destructuración familiar bajo la apariencia de un thriller de venganza  contado todo ello en forma de un puzle narrativo con el flasback como recurso narrativo, algo bastante característico en su director y que da paso a un delirio visual que llega a aturdir por momentos al espectador pero que tiene la indudable virtud de no dejar indiferente a prácticamente nadie. Posiblemente la película este algo por debajo de sus anteriores trabajos pero Tetsuya Nakashima, un hombre de claros excesos cinematográficos atesora la suficiente brillantez como para volver a incidir de manera acertada en un universo tan particular como arrollador consiguiendo dar rienda suelta a un imaginario totalmente digno de elogio, llegando a ser una obra que aunque sobrada y pasada de vueltas tanto estéticamente como argumentalmente logra llegar a transformarse en una experiencia visual francamente única.

Mención aparte merece el tour de forcé interpretativo de Koji Yakusho, justo merecedor del premio al mejor actor, un personaje tan fascinante como desconcertante, con tantas aristas como contradicciones, algo que viene al dedo para definir las sensaciones que deja el visionado de un producto tan deslumbrante y desconcertante como es por momentos este «The World of Kanako«.

Valoración 0/5:3’5

’71

Belfast, 1971. El conflicto norirlandés pasa por uno de sus momentos más cruentos. La ciudad está dividida en dos áreas, donde católicos y protestantes tienen soldados, unidades paramilitares y bandas de agentes encubiertos. Un joven recluta inglés se pierde en territorio enemigo, emprendiendo entonces un periplo a lo largo de la noche en el que las zonas residenciales de Belfast se convierten en un violento campo de batalla.

Proveniente de la Berlinale la británica ’71 del director Yann Demange director de las series «Dead Set» y «Top Boy» vino a confirmar que en Sitges las buenas películas siempre tienen cabida de una manera u otra, aunque su afiliación al género fantástico o thriller este algo cogido con pinzas.

’71 vendría a ser un perfecto acompañamiento como programa doble del «Bloody Sunday» de Paul Greengrass, el film  viene a ser un survival  de tono realista  y dramático, que no bélico, situado en la Irlanda del Ira contada prácticamente en tiempo real llegando a aunando el thriller de acción y el realismo en un escenario urbano de manera admirable y precisa, evitando al mismo tiempo que la película se decante hacia la denuncia política.

Posiblemente lo mejor de’71 junto a la magnífica ambientación con que está dotado el film sea el dominio que Yann Demange  demuestra a la hora de plasmar los momentos de tensión en la puesta en escena y que lo convierten desde este momento en uno de los directores británicos más a tener en cuenta en futuro no muy lejano.

Valoración 0/5:4

Stereo

Eric solo piensa en hacerse cargo de su taller de motos y en pasar el rato con su nueva novia y con la hija de esta, pero de repente entra en escena Henry, un tipo raro que se pega a Eric como un parásito. Sin embargo, Henry podría ser de utilidad cuando un mafioso comience a amenazar a Eric y a los suyos.

El thriller alemán «Stereo» pese a partir de una idea que aunque no original es interesante y abre un sinfín de posibilidades argumentales (la bipolaridad del ser humano aplicado al noir) termina siendo un film fallido a todas luces, llegando a tener un desarrollo narrativo de lo más monótono prácticamente en la totalidad de su metraje, posiblemente tenga mucho que ver el tono melodramático con el que su director quiere dotar al film amen del algo absurdo juego de querer engañar al espectador de manera algo torpona, es algo que evidentemente sobra, solo en su tramo final cuando la acción pasa a un primer plano escénico se llega a contemplar algo de destreza por parte de su director a la hora de plasmar dichas secuencias, una ligera pulcritud que no llega a salvar a una película absolutamente prescindible que poco aporta al subgénero del thriller de venganzas.

Valoración 0/5:2

Réalité

Jason sueña con dirigir su primera película de terror. Bob Marshal, un productor adinerado, acepta financiar el proyecto, pero pone una condición: Jason tiene 48 horas para encontrar el grito más perfecto de la historia del cine. En esta extravagante búsqueda, el protagonista se verá inmerso en la peor de las pesadillas.

Posiblemente con «Réalité» Quentin Dupieux logre su película mas redonda o al menos la que mejor se adecua a su particular imaginario fílmico después de la fallida «Wrong Cops«, logrando una pequeña joya del absurdo metalingüístico en donde surrealismo y el sarcasmo se dan la mano de forma brillante y armoniosa en esta mirada irónica al mundo del cine que nos ofrece el director francés, una especie de hermana bastarda del «Inland Empire» de David Lynch, cine dentro del cine y cine dentro de los sueños y viceversa ( un tema que venía que ni pintado al leitmotiv del festival de este año), hasta lograr una coherencia narrativa en su conjunto por muy difícil que parezca, seguramente ese es el gran mérito de Quentin Dupieux, la coherencia del absurdo, un absurdo eso sí, no apto para todos los paladares.

Valoración 0/5:4

 2030

Año 2030. El calentamiento global ha dejado Vietnam bajo el mar. En este paisaje apocalíptico, una mujer tratará de encontrar a los responsables de la muerte de su marido, una investigación que se enturbiará cuando las sospechas recaigan sobre un antiguo amante de ella. Una naturaleza salvaje y seductora sirve de marco para este thriller de ciencia ficción en torno al amor y la muerte en una tierra sumergida.

Proveniente de la Berlinale nos llegó esta curiosa película vietnamita enmascarada de thriller de venganza de tono algo costumbrista con el trasfondo de un paisaje desolado como consecuencia del efecto invernadero a causa del calentamiento global, posiblemente su cuidada ambientación sea el punto más destacable del film de Minh Nguyen-Vo, lástima que no llegue a profundizar en un enunciado este que solo sirve como tal llegando a convertirse en un mero trasfondo escénico y poca cosa más ya que la película se decanta por contarnos un drama romántico de ritmo lento y algo confuso por utilizar de manera algo torpe el flashback como recurso narrativo, aun así «2030» es una interesante pieza a descubrir dentro de una cinematografía tan desconocida y exótica como la vietnamita.

Valoración 0/5:3

The Canal

Mientras clasifica material de archivo rodado a principios del siglo XX, David descubre que su casa fue el escenario de un terrible crimen. Un hecho luctuoso que amenaza con proyectar una sombra fantasmagórica sobre la vida del protagonista. Usando las imágenes de archivo como algo espeluznante, The Canal se convierte en una gran muestra de terror psicológico.

«The Canal» película irlandesa de oscuro terror psicológico desarrollada a partir de una historia en donde  celos e infidelidades van derivando hacia la locura del protagonista principal, una suerte de Jack Torrance, un film del que quizás se esperaba algo más quedándose a medio camino de lo que prometía en un principio viéndose  algo lastrada en base a una serie de tópicos en su realización (especialmente llega a ser algo irritante el consabido abuso de los golpes de sonidos de rigor)y que la dirigen a una previsibilidad que dan poco lugar a hacia la sorpresa, pero que pese a su evidente falta de originalidad consigue ser una correcta y por momentos entretenida cinta poseedora de una factura más que digna y con un buen manejo de todos los clichés habidos y por haber del actual cine de terror, un producto ideal para ser consumida sin muchos prejuicios por parte del cinéfilo más despreocupado.

Valoración 0/5:3

The Voices

Jerry vive en un piso con la única compañía de su perro Bosco y de su gato Mr. Whiskers. Hasta aquí todo parece normal, pero cuando conoce a la bella Fiona, nuestro protagonista llega a su casa y no duda en contarles a sus animales de compañía sobre el encuentro. Evidentemente, ellos contestan.

La aclamada dibujante de cómics Marjane Satrapi (Persépolis, Pollo con ciruelas) nos ofrece con «The Voices» un curioso retrato de un serial killer interpretado de forma modélica por Ryan Reynolds (que nos muestra que su mejor versión aparece siempre en films independientes alejados de los blockbusters), siendo una película multigenérica de acertado tono kitsch, ¿porque que es realmente «The Voices«? ..una comedia negra?..un film sanguinario de psicópatas? O un musical?..lo es todo pero no acaba de decantarse por ninguno en especial quedándose en tierra de nadie, resultando al final un producto tan original y arriesgado como algo irregular y desconcertante, colindando de manera algo peligrosa en el terreno de lo naif y con la sensación final de que se le acaba dando prioridad a la estética que al contenido de la historia, defectos de forma que no terminan de empañar un film con una clara vocación para convertirse en una película de culto en un futuro no muy lejano y cuya principal virtud viene dado por lo atípico de su propuesta.

Valoración 0/5:3’5

 Spring

Un joven estadounidense viaja a Italia, donde conoce a Louise, con la que inicia un intenso romance. Sin embargo, la chica oculta un secreto sobrenatural que podría destruir la relación.

Había cierta expectación por comprobar si las buenas maneras mostradas por el dúo de directores formado por Justin Benson y Aaron Moorhead en su opera prima «Resolution» tendrían continuación o confirmación con «Spring«, ya se sabe aquello de que un segundo film viene a confirmar o no el talento de sus autores. Con «Spring«, que sigue moviéndose por los terrenos del cine más indie, se reafirman solo a medias, aunque al film se le nota una factura técnica más lograda y pulida que en su anterior película  este denota un ritmo narrativo bastante irregular, la película se va desinflando conforme avanza, «Spring» se mueve con cierta originalidad en el terreno de la monster movie  de claro tono romántico,  aunque utilizando el elemento fantástico solo a un nivel simbólico, un planteamiento que aunque novedoso peca de una superficialidad que le resta bastantes puntos.

Valoración 0/5:3