Categoría: Peliculas

A un poderoso millonario, enfermo de cáncer, le ofrecen la posibilidad de someterse a un procedimiento médico radical para transferir su conciencia al cuerpo de un hombre más joven. Al principio la operación va bien y el hombre disfruta de su renovada juventud, pero todo se complica cuando empieza a descubrir los detalles en torno a la procedencia de su nuevo cuerpo.

Tarsem Singh se presentó en sociedad con la carta de ser uno de los alumnos más prometedores y aventajados proveniente de la generación del videoclip a finales de los noventa, su opera prima «The Cell» 2000 venía a ser un perfecto compendio de lo que se le espera de un autor en donde la imagen y el estilismo es primordial a la hora de ejecutar cualquier tipo de historias, su excelente barroquismo visual hacia presagiar una carrera de lo más prometedora algo que se vio confirmado en parte con su siguiente trabajo, la notable «The Fall» 2006, un paso hacia delante por parte de Tarsem Singh que aquí además lograba potenciaba un imaginario que desvelaba complejas inquietudes conceptuales y hasta filosóficas, y que conseguía al mismo tiempo amoldarse por difícil que pueda parecer en un principio a las referencias visuales tan características del director, logrando un producto tan atípico como estimulante. Con «Immortals» y «Mirror Mirror» más tarde supo sobrevivir con cierto tino al producto major conservando en algo su propia autoría.

Lo peor que le puede pasar a un director de esta índole es caer dentro de un producto rutinario en su ejecución, «Eternal» se desvela como un trabajo sin alma, bien manufacturado, con buenos actores y competente diseño de producción, pero poseedora de un inconfundible halo de déjà vu en el desarrollo tanto de su historia (el film acaba por inundarse de personajes y situaciones mil veces vistas con anterioridad, de la misma forma hace gala de unas reiteraciones formales que no solo llegan a cansar al espectador curtido en estas lideres sino que llega a rozar sin atisbo de equivocación la saturación mas desacomplejada) como en el empleo que se hace en como mostrárnoslo, es aquí cuando se hace harto evidente que Tarsem Singh se limita a tirar de manual despojándose de cualquier percepción en lo referente a su trazo autoral, el no presentar ningún rasgo propio es una de las connotaciones más negativas que le pueden ocurrir a un director de estas características.

Más doloroso aun es el comprobar las posibilidades desaprovechadas en el guión escrito por los hermanos Pastor, directores de «Infectados» (2009) y «Los últimos días» (2013), una historia repleta a priori de reflexiones y matices de interés que no se llegan a desarrollar y que oscila entre el thriller y la ciencia ficción, dejando sobre el tapete cuestiones tan atrayentes a priori como la inmortalidad, segundas oportunidades o la posibilidad de comprar el tiempo, un argumento que remite de forma inequívoca a la magna «Seconds» (1966) de John Frankenheimer, sin embargo no hay atisbo de las reflexiones existencialistas entre otras de las muchas cosas que poseía esta obra maestra, de echo «Eternal» no logra tener una pertinencia clara y definitoria hacia la ciencia ficción, decantándose más hacia el thriller al uso, relegándola a un sinfín de secuencias de acción y manidos golpes de efecto en la mayor parte de su metraje logrando que el espectador se llegue a desentender mucho antes de su final y emparejándola de algún modo más a productos tipo «Freejack» 1992 Geoff Murphy, ¿alguien se acuerda de este film, Emilio Estévez,  Anthony Hopkins,  Mick Jagger?.

En definitiva, «Eternal» no pasa de ser un inocuo entretenimiento con etiqueta de encargo, tan ligeramente correcto como convencional en su confección, quedando a años luz del estilismo e inventiva  visual que tiempo atrás nos llegó a obsequiar el bueno de Tarsem Singh, una verdadera lastima.

Valoración 0/5:2

«Blind» nos sumerge en la historia de Ingrid, quien tras haber perdido recientemente la vista se retirará a la seguridad de su hogar, sitio en el que poder sentir que está todo controlado, a solas con su marido y sus pensamientos  pronto empezará a sospechar que su marido oculta algún secreto pero, ¿será fruto de su paranoia o habrá alguna amenaza real a la que temer? sin embargo, los problemas reales de Ingrid se hallan precisamente ahí, entre esas cuatro paredes del apartamento en el que se refugia y reside, empezando a aflorar sus profundos temores y sus fantasías más reprimidas.

«Blind» supone la ópera prima tras las cámaras de Eskil Vogt (guionista de «Reprise» 2006 y «Oslo, 31 de Agosto» 2011), ofreciéndonos una interesante aproximación en donde la percepción y la imaginación de su personaje principal basculan a lo largo de todo el metraje del film en forma de un acertado discurso metafórico sobre ceguera física y pasional y como esta puede llegar a desgranar la complejidad de las relaciones personales y el vacío existencial inherente del mundo adulto y sus supuestos vínculos de pareja, estamos pues ante un original estudio sobre esa ceguera emocional antes comentada que sabe alejarse de manera inteligente del prototipo de film confuso argumentalmente hablando, una primera impresión puede conducir a esta apreciación, nada más lejos de la realidad, el objetivo de Eskil Vogt es otro bien distinto que el mero hecho de despistar al espectador a la hora de narrar.

En «Blind» todo llega ha estar conjugado de una manera intencionada y condicional en lo que respeta a las fantasías ficcionadas de su protagonista, el reto de la película consiste (y ahí radica su principal virtud) en lograr situar al espectador en la piel de una persona ciega que no se preocupa en absoluto por lo real más que en la medida de lo que ella misma quiere conseguir visualizar en su subconsciente, por consiguiente cada nueva escena constituye una nueva ocasión o posibilidad de dar con un hallazgo cambiante de manera inesperada en su puesta en escena o de guion, consiguiendo dirigirla de una forma clara hacia una narración que podría calificarse como totalmente sensorial, lanzando al mismo tiempo un lucida reflexión que versa sobre la insatisfacción de una persona. Eskil Vogt da muestras de mucho humor (ese humor nórdico tan característico e inusual) e imaginación en este sentido, su lado más lúdico logra aligerar el peso de lo que ante todo es un drama sobre la desintegración de una pareja y el aislamiento de una mujer por causa de un aflicción física y moral. El director nórdico embarca al espectador hacia una experiencia que sutilmente se termina transformando en algo alejado completamente de lo que se supone que es una narración clásica.

Aunque en ocasiones la película puede llegar a resultar algo cruda y directa en su puesta en escena, esta puede llegar a estar por momentos provista de una abundancia de escenas pornográficas que puede pillar por sorpresa a más de uno, en «Blind» no llegan a faltar ni la inteligencia ni las citas, Eskil Vogt termina haciendo una perfecta metáfora con el propio título del film al jugar dentro de su propia narración de una manera inteligente, alejándose conscientemente de ser caprichoso de forma gratuita y aportando ricos matices intercalados dentro de sus escenas. «Blind» posee también esa frialdad escandinava tan característica, llegando a estar representada en este aspecto y de manera inmejorable en la fisionomía de su actriz principal, hermosa pero extraña, una excelente elección de casting que corrobora todo el potencial interpretativo de la bella Ellen Dorrit Petersen.

De la misma manera se tendría que destacar varios aspectos técnicos del film, por ejemplo su apartado visual es contundente, cuidado y pulcro, también resaltar su extraordinario sonido, impresionante en su afán por recrear notablemente las texturas sonoras captadas por la protagonista, algo que lamentablemente hace que su BSO no llegue a estar a la altura al equipararla, esta cumple sin más dando cierta sensación poco equilibrada en su conjunto con respecto a este apartado. «Blind» termina siendo una película original y muy recomendable de ver que nos habla y nos hace reflexionar al mismo tiempo de que lo que vivimos rara vez coincide con lo que deseamos, Eskil Vogt pues se sitúa como uno de los directores más interesantes del actual panorama cinematográfico europeo, cuya futura trayectoria habrá que seguir muy de cerca a partir de ya.

Valoración 0/5:3`5

«The Nightmare» explora el fenómeno de la parálisis del sueño a través de los ojos de ocho personas. Ellos a menudo se encuentran atrapados entre el sueño y la vigilia, incapaces de moverse, pero conscientes de su entorno, mientras quedan sujetos a lugares de lo más inquietantes.

Hace pocos años Rodney Ascher nos sorprendía con el excelente documental «Room 237«, una fascinante reflexión que exploraba y proponía una serie de alucinógenas teorías ocultas sobre los posibles significados de la mítica «The Shining» de Stanley Kubrick, hablándonos acerca de las obsesiones de un variopinto grupo de personas en busca de simbolismos utópicos dentro del film, un trabajo sin embargo que siempre he tenido la sensación que no llego a ser entendido en toda la plenitud de su estimulante propuesta pues la película de Ascher no dejaba de ser una brillante disección que lindaba casi en una broma dirigida al público geek, estando camuflada de formato de falso documental, y que servía al mismo tiempo como una reflexión hacia esa nueva crítica inmersiva, una nueva forma de experimentar y analizar las películas y series que cada vez está más en boga. Ahora Rodney Ascher vuelve a incidir en el formato documental con «The Nightmare«, un trabajo que visto el precedente y el tema que trata prometía bastante más de lo que finalmente nos da.

«The Nightmare» recopila información detallada en forma de testimonios de ocho entrevistados que relatan sus experiencias sobre la denominada “parálisis del sueño”, un trastorno que se sufre entre el estado de sueño y de vigilia y que provoca una parálisis transitoria en la que la persona es incapaz de cualquier tipo de movimiento voluntario, un documental que recurre en parte al modo ficcionado a la hora de representar en pantalla parte de esas experiencias de las que nos hablan los sufridos testimonios, el problema del film de Rodney Ascher viene dado en que a la media hora del film este agota casi por completo la fórmula que nos propone, se reincide una y otra vez de manera algo torpe sobre lo ya explicado y uno tiene la sensación de que llegados a este prematuro punto todo lo que se tenía que contar ya está de sobra expuesto, de la misma manera hay una evidente irregularidad en los testimonios, si exceptuamos a tres de los entrevistados los demás son casi anecdóticos, esto provoca evidentes socavones de ritmo pues asistimos a un vaivén narrativo algo desestructurado dando cierta sensación de que todas las piezas del puzle no estén calibradas de una manera acorde y lineal.

Tampoco ayuda en exceso la forma en que Rodney Ascher estructura el documental para que este discurra de una forma liviana, no hay prácticamente un solo momento dentro del film en se abandone la dinámica del testimonio-recreación, aunque si tuviera que destacar la principal falla de «The Nightmare» este sería su no posicionamiento entre lo documental y la ficción, la película se queda de una forma clara en tierra de nadie, se puede llegar a entender en lo referente a la parte ficcionada dada la propia naturaleza del producto pero en la parte documental se nota de forma clara una carencia explicativa hacia lo científico, apenas hay referencia informativas medicas sobre los casos, posiblemente si se hubiera recurrido a este aspecto aunque fuera de manera leve se habría paliado en algo esa sensación repetitiva que prácticamente inunda todo el metraje del film.

De todas maneras tampoco quiero el resaltar a «The Nightmare» como una mala película documental, de echo está por encima de la media de productos de una naturaleza similar, tiene un empaque visual potente, al mismo tiempo poseedora de un openning bastante sugerente y un trabajo en lo referente al sonido bastante acertado, simplemente estamos ante un film fallido que no cumple con las expectativas depositadas en el en un principio, no estando a la altura de su interesante propuesta. Posiblemente Rodney Ascher tendría que proponerse en el futuro dar el salto a la ficción, pues estamos ante un director que al igual que Mark Hartley ha demostrado en el pasado dentro del género del documental una innegable soltura y habilidad a la hora de manejar los recursos con los que dispone, unas habilidades estas que bien utilizadas dentro de la ficción podrían dar unos resultados a priori bastante prometedores.

Valoración 0/5:2’5

En 1781, Henry Fuseli pintó su cuadro La pesadilla, en el que el sueño de una joven era atormentado por un incubo y por un aterrador caballo blanco, estas visiones parecen inspirar a Jessica que ha comenzado a estudiar la psico-fisiología de los sueños en un intento de entender su significado. Cuando su abuela muere, Jessica vuelve a su casa familiar en la campiña francesa, donde recibe un frío desdén por parte de su madre. Después de una difícil primera noche, Jessica usa su estado postrada en cama para practicar el arte del sueño lúcido. Jessica pronto descubre que su abuela había estado obsesionada con la misma aparición que ahora persigue sus propias pesadillas. Cuanto más bucea en sus sueños, más aprende sobre los oscuros secretos profundamente arraigados en su línea de sangre. Secretos que la llevan a una monstruosa cabeza de caballo.

He de confesar que siempre he sentido una cierta predilección poco racional hacia las películas poseedoras de una narrativa criptica o aquellas que se sustentan casi por completo en base en el arte visual a través de sus imágenes, evidentemente siempre que el conjunto tenga un sentido y sobre todo una coherencia en sí mismo, pues estamos ante una categoría de films en que las fronteras de la genialidad y pretenciosidad son algo difusas, penden de un hilo demasiado frágil. Romain Basset debuta tras las cámaras con «Horsehead«, una clara muestra de ese cine figurativo antes mencionado en donde más que mostrarnos una narrativa criptica estamos ante un amplio y extenso muestrario onírico donde simbología e imágenes efectistas campan a sus anchas durante gran parte de su metraje.

El principal problema de «Horsehead» radica es su evidente irregularidad a la hora de cohesionar la realidad y el mundo onírico, si bien ese surrealismo es la parte de la película más conseguida, excelente trabajo en su fotografía a cargo de Vincent Vieillard-Baron, consiguiendo  una lograda estética de tono gótico-bizarro en su atmósfera que la emparenta de algún modo al cine de un Dario Argento en su mejor etapa «Suspiria» e «Inferno» muy especialmente, y prescindiendo por completo de uso digital a la hora de rodar estas escenas algo que le confiere al film un halo de artesanilidad bastante sugerente, el problema del film vine  cuando  Romain Basset nos muestra esos momentos de supuesta tregua, momentos familiares de aparente realidad que rompen casi por completo su ritmo narrativo, deviniendo estos como lastre algo tedioso al conjunto, como impuesto de una manera poco inteligente. En este sentido es cuando se aprecia de una manera meridiana que Romain Basset no se ha atrevido a poner toda la carne en el asador, como sí que suelen hacerlo por ejemplo Hélène Cattet y Bruno Forzani («Amer«, «L’étrange couleur des larmes de ton corps«) pese a las consecuencias que ello pueda acarrear, ese juego a dos bandas impuesto por Basset es evidente que no favorece a una propuesta en principio destinada a ser una especie de referencias en forma de puzle psicológico acerca de diversos traumas de tintes casi freudianos.

No creo que «Horsehead» sea un film hueco o pretensioso, simplemente es un producto que no termina de cuajar en su totalidad, en su idea de fusionar esos intervalos entre la realidad con los sueños, algo descompensado en su conjunto pero poseedor de un notable sentido a la hora de plasmar ese imaginario psicoonirico, una muestra de cómo experimentar un tipo cine de terror plagado de simbologías algo distinto a lo acostumbrado por el espectador, si además tenemos el placer de volver a ver en pantalla a la antigua chica Fulci  Catriona MacColl y a la esplendorosa Lilly-Fleur Pointeaux como su principal protagonista, igual el visionado de «Horsehead» puede llegarse a convertir en un pequeño placer no confesado para el fiel seguidor del fantástico menos convencional.

Valoración 0/5:3

«Hungry Hearts» nos cuenta la relación de una pareja de recién casados residentes en Nueva York, tras el nacimiento de su primer hijo, Mina quiere preservar la pureza del niño y protegerlo de la contaminación del mundo externo. Por amor, Jude la apoya hasta que un día descubre que su hijo no crece y que su vida corre peligro por culpa de la obsesión de su pareja, desesperado lo lleva a un médico, que le diagnostica malnutrición. El niño corre un grave peligro. Así es como empieza una escalada de la tensión entre los dos progenitores que acaba convirtiéndose en un enfrentamiento abierto cuando Jude, después de haber consultado a un abogado, decide «secuestrar» al niño y llevárselo a casa de su madre.

Presentada en la pasada edición de la Mostra de Venecia  «Hungry Hearts» supone el cuarto largometraje del director italiano Saverio Costanzo («Private«, «In memoria di me» y la notable  «La solitudine dei numeri primi«), en este su último trabajo Costanzo basándose en la novela de Franco Franzoso Il bambino indaco aborda la problemática del enfrentamiento conyugal dentro de un concepto en donde las relaciones familiares se llegan a desmitificar, una situación relativamente cotidiana en los tiempos actuales que nos es expuesta aquí desde una mirada claramente neutral, en este aspecto es donde reside una de las virtudes más notorias de esta estimulante película, el director no se decanta ni se posiciona por ningún de los personaje, matiza y expone las vicisitudes y psicología de sus dos protagonistas, porque en el fondo lo que nos quiere contar Saverio Costanzo en «Hungry Hearts«, desde una perspectiva que se inclina claramente en el drama psicológico, es la incomunicación de una pareja, una reflexión pesimista de como personas pueden llegar a formar vínculos familiares sin apenas conocerse entre sí y las consecuencias trágicas que ello puede acarrear.

Otra de las virtudes de «Hungry Hearts» es el hábil cambio genérico que vamos viendo en el trascurso del film, Saverio Costanzo sabe adecuar de manera notable el espacio escénico y el uso adecuado de su planificación a los cambios de tono a los que vamos asistiendo, un plano secuencia inicial que sirve para presentar a nuestros protagonistas al mismo tiempo que se conocen desde una visión de distendida comedia, pasamos enseguida a una breve parcela romántica, enamoramiento-boda, abundancia de primeros planos para resaltar el estado anímico y sentimental, enseguida hace acto de aparición el drama psicológico, se reducen espacios todo ello dentro dela perspectiva de una atmósfera hermética y malsana para terminar deviniendo en su tramo final en un angustioso pasaje hacia el terror, aquí es cuando se emparenta de una manera clara y concisa a una cierta aura Polanskiana, muy especialmente en su trilogía de espacios cerrados y tonos claustrofóbicos («Repulsion«, «Rosemary’s Baby» y «Le locataire«).

Mención aparte merece el destacar a sus dos esplendidos actores principales, por una parte Alba Rohrwacher (su semejanza física a la Mia Farrow de «Rosemary’s Baby» no es causal en la película), una de las mejores actrices actuales en el panorama cinematográfico europeo, y un sorprendente y efectivo Adam Driver (Girls), ambos consiguieron con total justicia el premio Volpi de la 71ª edición del certamen de Venecia al mejor actriz y mejor actor por su trabajo en el mismo film.

«Hungry Hearts» termina siendo una notable crónica acerca básicamente de la inestabilidad humana, una desasosegante y pesimista reflexión acerca del carácter y la naturaleza distante de las personas y como ello puede derivar en un abrir y cerrar de ojos del amor a la desconfianza y el odio, todo ello contado y  mostrado través de una demoledora y  maniquea love story.

Valoración 0/5:4

Desesperado por conseguir dinero, Aaron acepta un trabajo que promete 1.000 dólares al día por participar en un rodaje. En una cabaña perdida en el bosque conocerá a Josef, el sujeto de la película que debe filmar. A medida que avance el día, las cosas se complicarán.

No resulta nada fácil a estas alturas intentar presentar un producto que sea algo original en su propuesta dentro del género de terror, y más si te apoyas en el recurso narrativo del found footage, un subgénero ya limitado de por sí y que se ha convertido de manera algo preocupante en una especie de paradigma de la reiteración y la falta de ideas nuevas en infinidad de producciones de serie B que nos han llegado durante estos últimos años. Posiblemente «Creep» no sea un desecho se originalidad, de echo tampoco creo que sea una magnífica película, hay varios lastres bastantes reconocibles en su propuesta, pero al menos es un producto que sabe aprovechar al máximo tanto las virtudes del formato en que esta rodado como en la hábil ambigüedad genérica en la que se mueve.

«Creep» parece un film rodado durante los fines de semana dada su más que visible modestia, supone el debut en la dirección de Patrick Brice también guionista junto a Mark Duplass, ambos son los dos únicos actores de la función aunque prácticamente todo el peso de la función recae sobre el personaje de Mark Duplass, cara reconocible del actual nuevo cine indie norteamericano con bastantes apariciones dentro del género fantástico («Safety Not Guaranteed«, «The Lazarus Effect«) y que acapara prácticamente toda la estructura del film y eleva en lo positivo la calidad de una propuesta de estas características convirtiéndose en la auténtica alma de la película.

La principal virtud que nos ofrece «Creep» radica en como a partir de una historia mínima, casi anecdótica, se busca retorcer los consabidos mecanismos del género de terror balanceándolos hacia territorios en donde asoman por momentos la parodia o la comedia incómoda sin que por ello se llegue a desequilibrar su conjunto, para volver en su tramo final a su punto de origen, un juego genérico que hace que el espectador se distraiga en sus ajustados ochenta minutos de duración, de la misma manera el trabajo tras la cámara a cargo de Patrick Brice es apreciable al saber este desarrollar con cierta pulcritud tanto el uso del escenario (muy especialmente en su primera parte) como la de su propia interactuación actoral con respecto al espectador a cargo del personaje que caracteriza, la cámara en este sentido se convierte una extensión del propio protagonista, asistimos pues de esta manera a un juego en directo y primera persona en donde van apareciendo sensaciones tales como la curiosidad, confianza, desconfianza y temor con respecto al personaje interpretado por Mark Duplass, un juego de espejos que se llega a adecuar con cierta soltura al recurso narrativo aquí presentado.

Finalmente «Creep» deviene como una propuesta tan modesta como entretenida, un puro entretenimiento que no pretende llegar a ser pretenciosa dentro del cine de terror, convirtiéndose de esta manera en un paradigma de lo que tendría que ser el cine independiente de género, ese que aunque con sus evidentes limitaciones tanto en recurso como en resultados consigue al menos llegar a ser algo disfrutable, convirtiéndola en una propuesta a tener en cuenta, y es que un poco de originalidad aunque sea a cuentagotas dentro del terreno del terror actual y muy especialmente del found footage siempre es de agradecer.   

Valoración 0/5.3’5

«As the Gods Will» se centra en el estudiante de segundo año Shun Takawata, el cual lleva una vida aburrida y sin alicientes hasta que un día se ve obligado a participar en una serie de macabros juegos infantiles con la muerte como castigo por perder. Sin saber quién se oculta detrás de estos juegos, no queda otra opción que seguir ganando como único medio de sobrevivir y poder seguir adelante. Mientras tanto, un misterioso compañero de curso llamado Takeru parece disfrutar viendo como otros estudiantes van pereciendo poco a poco.

Nueva adaptación en imagen real por parte del prolífico Takashi Miike (difícil tarea la de cuantificar el número de films ya rodados por el director japonés) de un manga, en esta ocasión se trata de Kami-sama no Iu Toori obra de Muneyuki Kaneshiro (escritor) y Akeji Fujimura (ilustrador), una saga de cinco tomos publicado entre el 2011 y 2012.

Podríamos decir sin riesgo a equivocarnos que esta «As the Gods Will» es un nuevo y claro ejemplo de la evolución artística que la carrera de Takashi Miike ha ido experimentando en estos últimos años, posiblemente los fieles seguidores de sus primeros y radicales films estén algo defraudados con el camino seguido por el director nipón en estos últimos tiempos, no se trata de un aburguesamiento de estilo el suyo sino una evolución artística de lo más lógica, un paso hacia adelante, una en cierta manera reinvención artistica que le ha convertido de un enfant terrible del cine oriental a un aventajado artesano que sabe manejar el medio y su material correspondiente de una manera concisa y efectiva, por ejemplo, sale airoso en nuevas adaptaciones de clásicos del chambara como «13 assassins» y «Harakiri/Seppuku«, de la misma manera triunfa al versionar de forma original otro clásico, en esta ocasión del kwaidan como es «Yotsuya Kaidan» en su notable «Over Your Dead Body«, al mismo tiempo hace gala de una pulcritud estética y visual brillante en thrillers tan efectivos y entretenidos como «Shield of Straw«.

Si algo ha perdurado de aquel estilo irreverente y salvaje de sus inicios lo podemos comprobar en parte en sus live action movie, «Lesson of the Evil«, «Ace Attorney» o la inminente «Yakuza Apocalypse: The Great War Of The Underworld» por citar solo algunas últimas contienen suficientes estándares de violencia, sexo y locura que la emparentan de algún modo a ese cine primigenio con que se dio a conocer a nivel mundial.

«As the Gods Will» forma parte de esta última categoría señalada, el film no deja de ser un simple y mero vehículo destinado a entretener de una manera liviana al espectador, de estética cuidada y notable puesta en escena (algo que sabe manejar a la perfección el bueno de Takashi Miike), y poseedora  al mismo tiempo de unos excelentes efectos digitales la película se sustenta en un principio en base a una mitología local y folclórica en su argumento, algo que no deja de ser un simple enunciado en sí mismo, estamos ante un producto que va directo al grano, como si de un videojuego se tratase, se obvio cualquier tipo connotación profunda en su historia o en sus personajes, enseguida nos encontramos ante el consabido juego mortal de supervivencia que la emparenta argumentalmente en algo a por ejemplo «Battle Royale«, el problema de «As the Gods Will» es su agotamiento formal, hasta cierto punto lógico dado su naturaleza, estamos ante una película que va claramente de más a menos porque ante tal reiteración de pruebas a los que son sometidos los protagonistas se echa en falta algo de contrapeso en forma de desarrollo en su historia, los flashbacks de alguno de sus personajes devienen totalmente insuficientes a la hora de potenciar su propio conjunto.

«As the Gods Will» termina siendo un film intermedio entre el Takashi Miike más severo y agresivo y el más funcional y estilista, una película en definitiva tan multigenèrica en su forma como son los diversos e interminables registros que tiene la virtud de poseer y manejar su genial e irrepetible director.

Valoración 0/5.3  

Cuando Kanako, hija pródiga y alumna intachable, desaparece, su madre no duda en llamar a su exmarido, un policía poco ortodoxo. A medida que la investigación avanza, la imagen idealizada de Kanako se va resquebrajando, dejando entrever que, bajo la excelencia, la chica esconde otra vida, más oscura y secreta.

Mucha expectación había generado el nuevo film de Tetsuya Nakashima después de las extraordinarias «The Memories of Matsuko» y «Confessions«, podríamos decir que el director nipón es un autor que no deja de evolucionar y sorprender al mismo tiempo, siendo uno de los más destacados y aventajados autores de la nueva generación de realizadores japoneses,  «The World of Kanako» es un film desatinado a provocar una palpable e innegable división de opiniones entre el público no conocedor de sus obras anteriores, la película transita por esquemas que Nakashima ya había tratado en sus anteriores trabajos, un retrato agudo de una destructuración familiar bajo la apariencia de un thriller violento de venganza, contado todo ello bajo la apariencia de un puzle narrativo desarticulado y sincopado, con el flasback como principal recurso pero utilizando al mismo tiempo flashforwards, visiones del pasado, presente, futuro como herramientas en donde el caos sensitivo se pone por delante lo más puramente formal,  algo bastante característico en la obra del director y que da paso a un delirio e impacto visual digno de aplaudir (puesta en escena en donde predomina claroscuros y un abusivo y consciente uso de luces de neón en su puesta en escena) pero que puede llegar a aturdir por momentos al espectador, una mixtura genérica al mismo tiempo (noir, comedia, drama, musical, explotation) que la dirigen irremediablemente hacia el exceso  pero que tiene la indudable virtud y valía de no dejar indiferente prácticamente a nadie.

Posiblemente la película este algo por debajo de sus anteriores trabajos, a decir verdad el listón estaba bastante alto, pero Tetsuya Nakashima sale airoso de forma incuestionable, un autor de claros excesos cinematográficos en su obra, pero que atesora una más que suficiente brillantez creativa como para volver a incidir de una manera acertada en un universo tan particular como arrollador, un aventajado cronista que retrata de manera impecable a esa sociedad japonesa defectuosa y casi esperpéntica, algo que lleva explorando en prácticamente toda su obra, consiguiendo así dar rienda suelta a un imaginario totalmente digno de ser apreciado, llegando a ser una obra que aunque sobrada y algo pasada de vueltas tanto estéticamente como argumentalmente logra llegar a transformarse en una experiencia visual francamente única.

Mención aparte merece destacarse el tour de forcé interpretativo que compone el veterano actor Koji Yakusho, un némesis nipón de Choi Min Sik, justo merecedor del premio al mejor actor en el pasado festival de Sitges, un personaje el suyo tan fascinante como desconcertante, con tantas aristas como contradicciones, algo que viene como anillo al dedo para definir las sensaciones que deja el visionado de un producto tan deslumbrante, desconcertante y atípico en su forma como es por momentos este «The World of Kanako«, un film que merece ser apreciado y disfrutado por un público ávido en productos algo diferentes, atrevidos y únicos, films que se alejan conscientemente de esa cotidianidad formal que cada vez abunda más en el cine de hoy en día, ya solo por esta premisa y declaración de intereses el film de Tetsuya Nakashima merece una oportunidad.

Valoración 0/5:3’5

Compartir piso puede ser un coñazo, pero Viago, Deacon, Vladislav y Peter tienen más problemas que discutir sobre quién lava los platos. Tampoco son jóvenes estudiantes. Son vampiros, comparten casa en Nueva Zelanda y nos cuentan sus vicisitudes diarias.

De los creadores de dos de las series cómicas más célebres de los últimos años como son «Eagle vs. Shark» y sobretodo la comedia televisiva de culto «Flight of The Conchords» nos llega este falso documental de tono irreverente e infatigable sentido del humor que se alzó de manera más que esperada con el premio del público en el pasado festival de Sitges, tesitura esta que merecería una pequeña reflexión acerca de los premios que dan el público en los festivales de cine y muy especialmente en los de genero fantástico. El trabajo Waititi y Clement está concebida con el único objetivo de entretener y hacer pasar un buen rato a los espectadores aprovechando al máximo el lenguaje de mockumentary como herramienta para arrancar la carcajada cómplice del público, una nueva aproximación a la parodia vampírica con el  falso documental como herramienta narrativa, tarea está que cumple a la perfección pues es un producto destinado al disfrute instantáneo por parte del espectador, un film más dado a la sonrisa cómplice que a la carcajada, ahora bien una vez pasado su efecto efervescente el intentar buscarle unos atributos originales a esta cinta neozelandesa ya sería otra historia.

 «What We Do In The Shadows» es tan disfrutable como previsible en su planteamiento, el film es atrevido y dinámico por momentos pero no llega a ser novedoso, el mockumentary que utiliza la comedia desinhibida y sobre todo irreverente frente a un elemento fantástico es algo que se ha ido viendo con relativa frecuencia en estos últimos años, aunque anteriormente ya hubo muestras en las que se podía vislumbrar un tono y temática parecida fue en 1992 o al menos no me viene a la memoria ningún film anterior cuando se inauguró dicho subgénero, la belga «C’est arrivé près de chez vous» dirigida a la limón por Rémy Belvaux, André Bonzel y Benoît Poelvoorde nos presentaba a un grupo de periodistas que seguía la rutina diaria de un asesino despiadado, una película esta que posiblemente no ha tenido el reconocimiento que se merecía, seguramente debido a un humor demasiado negro y no apto para todos los paladares, con demasiado énfasis hacia lo políticamente incorrecto, a partir de aquí han sido muchas las muestras que han ido apareciendo con el tiempo sobre la temática y subgénero aquí mencionado.

Posiblemente el mayor defecto de «What We Do In The Shadows» es que Vincent Lanoo ya hizo en el 2010 «Vampires» que venía a ser muy parecida (sustituyendo al grupo de vampiros que aquí vemos por una familia) aunque ligeramente con algo menos de gracia, con un humor algo más sutil. La película que aquí nos ocupa es posiblemente superior al film antes citado pero que de manera clara carece de un elemento de originalidad pues los precedentes le han ido allanado el camino de alguna manera, aunque claro esto puede ser perfectamente cuestionable pues al parecer «What We do in the Shadows» es un remake de un propio mediometraje que en 2006 dirigieron Taika Waititi y Jemaine Clement, trabajo que no he tenido la oportunidad de visionar.

«What We Do In The Shadows» es una película que genera simpatía al momento, algo que en cierta manera es hasta del todo razonable dada su naturaleza y condición, un film que es consiente de estar exprimiendo al máximo sus posibilidades narrativas pero que va perdiendo fuelle conforme avanza llegando a aburrir ligeramente en su tramo final en base a una serie de reiteraciones a la hora de formular sus gags, una acumulación de gags que hacen que los personajes estén algo descuidados, no lleguen a estar lo suficientemente bien desarrollados, no hay mucha historia posiblemente por decisión intencionada de sus directores, dando la impresión de estar ante un material que era más adecuado para un corto-medio metraje que para un largo. De la misma manera es de justicia comentar que estamos ante una película en la que se requiere entrar en su juego, esto es esencial, despojase de ciertas reticencias formales a la hora de disfrutarla como un mero y liviano entretenimiento, es entonces cuando se convierte en un producto disfrutable por completo, yo he de reconocer que en este apartado tuve bastantes dificultades para entrar.

Valoración 0/5:2

Una maldición hace que, cada 30 años, un horror oculto tenga que asesinar a la familia residente en una antigua mansión. De lo contrario, el terror se cernirá sobre todo el pueblo. Ahora, una familia se acaba de mudar desde la ciudad, pues acaba de perder a su único hijo y trata de comenzar una nueva vida.

El género de terror de manera continua ha sufrido una cierta saturación formal en sus conceptos a lo largo de su historia, si un producto ha funcionado se ha exprimido su formula hasta agotarla, en los últimos años de una manera más evidente, se intensifican las secuelas y van apareciendo en exceso los remakes, precuelas o reboots como una forma poco original de continuar o alargar un éxito, por eso no es tan extraño que en estos últimos años hayan ido aparecido una serie de autores que reformulan viejos conceptos, unas coordenadas que en un pasado fueron fructíferas dentro del género, una mirada hacia atrás en busca de una frescura autoral que bien puede servir como un simple homenaje o como una forma de refrescar un panorama anclado en un inmovilismo y una falta de ideas nuevas bastante preocupante, Ti West, Joe Begos o Adam Wingard son solo algunos nombres que han intentado poner en práctica esta fórmula, Ted Geoghegan con su opera prima «We Are Still Here» es el último en añadirse a la citada lista.

«We Are Still Here» se mueve dentro del subgénero de las casas encantadas, poseedora de un tono y unas coordenadas que recuerda mucho a cierto tipo de películas de los setenta y principios de los ochenta, muy especialmente bebe de aquella serie B italiana rodada por Lucio Fulci por dicha época, films como «The Beyond» o «The House by the Cemetery» nos vienen al instante a nuestra memoria, también coge elementos de ciertas películas producidas por Charles Band y su Empire Pictures en los ochenta, la elección de la icónica Barbara Crampton como protagonista no es pues una casualidad, un tipo de cine que se sustentaba especialmente en intentar, aunque pocas veces lo conseguía, crear de algún modo una atmosfera acorde con el género que trataba,intentando estar por encima del manido efectismo, una influencias que se ven de manera clara en «We Are Still Here» aunque esto no la salven de ser un producto algo irregular.

Ted Geoghegan nos ofrece un producto algo atípico, en cierta manera desestructurado básicamente dada su imperfección, da la apariencia de moverse entre el homenaje y la referencia facilona, con unos resultados que no acaban de funcionar del todo bien, dando la sensación de ser un trabajo en donde sus intenciones acaban presentándose como un simple y mero enunciado, una narración que no llega a fluir de manera correcta y unos personajes poco creíbles la dirigen hacia un tono de cierta intranscendencia en su conjunto, de producto televisivo al uso a lo largo de su metraje, solo en su parte final el film mejora algo, cuando entra en escena el gore explicito, una casquería que en parte ayuda a despojarse de cierto encorsetamiento en su estructura.

«We Are Still Here» es de una manera clara un film modesto en donde sus loables intenciones en recuperar –homenajear un tipo de cine extinto no llegan a estar a la altura de su resultado final, aun así es una película que esta varios escalones por encima de la típica serie B actual del cine de terror norteamericano, aunque solo sea por sus intenciones, y es que no ver en pantalla como protagonistas a adolecentes de dudoso coeficiente mental, o una trama en donde la alta tecnología no llega a ser un elemento primordial en su historia o simplemente obviar el found footage como recurso narrativo es algo digno de ser elogiado a día de hoy.

Valoración 0/5:2’5

Un joven de 13 años, algo tímido, decide pasar un día y una noche en el desierto para demostrar su valor, en mitad de la nada y en plena noche, descubrirá la cápsula de salvamento del Air Force One con el presidente de los Estados Unidos en su interior, quien ha conseguido escapar de un ataque terrorista que ha derribado el avión presidencial, su avión. Ahora juntos tendrán que sobrevivir al asedio de dichos terroristas empeñados, cómo no, en terminar el trabajo.

He de reconocer que no fui muy fan en su día de «Rare Exports: A Christmas tale«, la opera prima del finlandés Jalmari Helander, una comedia negra con toques de terror que desmitificaba la figura de Santa Claus en base a leyendas locales que convertían al personaje en un ser monstruoso y feroz, un film en donde su original enunciado iba por delante de su contenido, consiguiendo un desarrollo bastante pueril y convencional, rozando en muchos momentos un infantilismo algo molesto, teniendo su mayor hándicap en no profundizar en absoluto en ese imaginario local nórdico con que lo que parecía sustentar en un principio su argumento.

Cinco años más tarde Jalmari Helander sigue sin abandonar su Finlandia natal aunque lo hace desde una óptica algo diferente a su anterior film, «Big Game» mantiene una localización local pero es un producto claramente destinado a un mercado más amplio e internacional, hablada en inglés e interpretada por actores tan reconocibles para el gran público como por ejemplo Samuel L. Jackson, de echo la película es una suerte de revisión de los films de acción norteamericanos de los ochenta y principios de los noventa, films como los que dirigía por ejemplo Renny Harlin, el problema de «Big Game» es que no se llega a dilucidad del todo si lo que quiere Jalmari Helander es homenajearlos o en parte satirizarlos, posiblemente ninguna de estas dos cosas pues «Big Game» deviene como una película completamente fallida, se apoya en unas coordenadas totalmente reconocibles pero sin llegar a desarrollarlas de manera convincente, cuando un film de esta naturaleza llega a aburrir por momentos en sus escasos 70 minutos de duración es que algo no acaba de funciona.

Son varios elementos los que no terminan de cuajar en el film de Jalmari Helander, por ejemplo la representación de sus dos personajes principales, una de las virtudes de las buddy movies de antaño (subgénero este no reconocido y algo infravalorado pero del todo efectivo) era el trabajar a los personajes y lograr llegar a empatizar con ellos, normalmente solían ser antítesis entre sí que pese a las diferencias existentes entre ellos terminaban por cohesionarse de alguna manera para lograr sus objetivos, aquí Helander parece que tira de manual pero con la sensación de no haber leído bien todas las instrucciones, el director parece estar más interesado en mostrarnos el impresionante escenario donde acontece la acción que en hacer algo creíble la relación del presidente de los EEUU y el niño, otra cosa que chirria es un cierto infantilismo (algo que ya se veía en «Rare Exports»), muy especialmente a la hora de ejecutar algunas escenas de acción, en donde se exagera al máximo en busca de una espectacularidad (la secuencia de la nevera y el helicóptero es un buen ejemplo) que termina por ser algo no creíble llegando incluso a rozar en ciertos momentos el ridículo.

Al final «Big Game» se nos presenta como un simple entretenimiento sin demasiadas pretensiones, algo vacuo, disfrutable básicamente para un público que no exija ir un paso más allá de la mera diversión sin reparar en demasía en lo fallido e insustancial del producto en sí, algo que seguramente decepcionará por completo y sabrá a bien poco a todos aquellos que vieron en la opera prima de Jalmari Helander a uno de los directores más prometedores del panorama de género en Europa.

Valoración 0/5.1’5

Una familia americana de clase media se traslada a vivir a un idílico barrio, pero dentro de la casa empiezan a suceder cosas extrañas, fenómenos paranormales para los que no hay explicación posible, el foco del ataque sobrenatural se centra en la hija más pequeña del matrimonio.

La necesidad de los remakes es algo que en estos últimos tiempos se ha debatido con bastante frecuencia, quizás demasiada, es evidente que el veredicto en lo que respecta a su calidad o necesidad de ser está ligado al resultado final del producto, el problema viene cuando estas nuevas películas solo están destinadas a servir como simples y meras versiones actualizadas, dirigidas básicamente a las nuevas generaciones de espectadores, un colectivo este en general demasiado perezoso a la hora de mirar hacia atrás y revisionar lo antiguo, suelen ser films que poco aporta de novedoso al original, son más bien revisiones abreviadas, que actualiza ciertos conceptos pero algo lánguidas en su estructura y destinadas principalmente al sector de público antes comentado, con bastante frecuencia el espectador fiel admirador del original suele enfrentarse al visionado de este tipo de remakes con cierto escepticismo dado la poca calidad de la mayoría de películas de esta índole, el «Poltergeist» de Gil Kenan no es una excepción en este aspecto, dejando una sensación del todo agridulce, algo lamentablemente bastante habitual en la mayoría de remakes que se producen hoy en día en Hollywood.

El «Poltergeist» de 1982 fue un film que de manera poco corriente sirvió como una película referencial en los años ochenta dentro del subgénero de casas encantadas, una suma de talentos algo accidentada en su concepción, el imaginario fantástico de propio de Steven Spielberg, producción y guión, junto al feroz sentido del horror de un Tobe Hooper en su cima creativa, una colisión de talento de diferente índole que causo más de un problema en la producción del film pero que curiosamente doto a este de una naturaleza hibrida bastante particular, convirtiéndola al instante en un merecido y revconocido título clásico del fantástico popular pese a que ha envejecido de manera algo irregular.

La película de Gil Kenan deviene como un film de empaque y factura visual correcta, especialmente gracias a la fotografía de Javier Aguirresarobe y no los dudosos CGI que se ven en pantalla, y poco más, al final nos encontramos ante una película carente de alma, poco original o novedosa en lo que es su historia (la única novedad con respecto al original es la importancia que adquiere el hijo, un personaje que en el film de Tobe Hooper apenas tenía un peso específico y ciertos apuntes esbozados con respecto a la crisis económica actual que sirven como dato sociocultural de una época actual en concreto pero que poco aporta a la historia en sí), fallando especialmente en su propia concepción, no funciona como drama familiar, se utiliza en demasía a personajes estereotipos produciendo poca empatía sobre ellos, y tampoco funciona a la hora de materializarse en una película de terror, pues naufraga de manera ostensible al percibirse cierto atropello e incoherencia en su desarrollo, recurriendo de manera algo torpe y mecánica a la típica pirotécnica tan habitual en este tipo de películas que hoy en día se facturan, de la misma manera no se trabaja ni se consigue crear un clímax acorde, se prescinde por completo del apartado psicológico del relato original.

Al final este «Poltergeist» formara parte con toda justicia del club de remakes innecesarios que hoy en día se hacen, y que nos recuerda al mismo tiempo y de manera algo alarmante el poco riesgo que asumen las grandes productoras actuales a la hora de reformular antiguos conceptos, una falta de riesgo y una ausencia de nuevas ideas que imperan de forma y de manera cada vez más notoria en el Hollywood actual.

Valoración 0/5:2

Una nueva ley da preferencia a los perros de raza e impone un tributo considerable por las razas cruzadas. Rápidamente, los refugios caninos se llenan con perros abandonados. Lili, de 13 años, lucha por proteger a su perro, Hagen, pero su padre lo suelta en la calle. Hagen y su ama se buscan por todos los medios, hasta que un día Lili baja los brazos. Por su parte, Hagen lucha por sobrevivir y rápidamente se da cuenta de que no todo el mundo es el mejor amigo del perro. Se une a un grupo de perros errantes, es capturado y enviado a la perrera. Entonces, los perros aprovechan para escapar y hacer una revolución contra los seres humanos. Su venganza será despiadada. La única que podría terminar con la guerra entre el hombre y el perro sería Lili.

Ganadora a la mejor película en la sección un certain regard del Festival de Cannes del pasado año el sexto film del director húngaro Kornel Mundruczo nos presenta en «White God» una especie de perversión del clásico cuento de hadas, un reverso de una aventura de Disney al uso para ofrecernos una por momentos brillante metáfora o alegoría acerca de varios temas, principalmente el básico podría ser el trasfondo de la crisis europea contemporánea presente hoy en día, en donde los perros que vemos en el film vienen a representar las minorías más oprimidas, o una más evidente y en parte algo superficial, la supuesta identidad misma del individuo, su comportamiento, abuso de poder, sus consecuencias, redención etc.

En «White God«, los humanos parecen tener un rol secundario a primera vista, pues son básicamente presentados como generadores del mal en la historia que se nos cuenta, aunque de hecho son de manera clara los principales protagonistas del film, todo es acerca de nosotros, aquí los perros son utilizados como una mera herramienta alegórica por parte del director, a partir de este hecho vamos asistiendo a un conseguido recorrido del filme por diferentes géneros, un hibrido genérico que va desde el drama infantil y animal con la consiguiente dificultad de por medio por parte de los mayores reflejado en el conflicto paterno-filial aquí representado, a la evidente denuncia social, terminando por un final del  todo contundente, en donde el terror apocalíptico se adueña de su más que conseguida puesta en escena.

Una violencia explícita que asistimos principalmente en su parte final y que consigue impregnar por completo y de una manera acertada el recorrido de un relato en donde el salvajismo derivado de los actos por parte del ser humano, la pérdida de la inocencia y la propia exploración del mal en sí mismo consiguen trazar una acertada parábola narrativa, reflejado especialmente en el autoritarismo y sus posteriores consecuencias, la explotación de los sectores marginados por parte de la sociedad moderna y la venganza de los excluidos.

El discurso de «White God» no es nuevo ni novedoso, lo que sí es válido y a resaltar es el notable trabajo por parte de Kornel Mundruczo en la manera que utiliza para contarlo, se aleja de una manera consciente del típico relato de denuncia tan habitual en el cine europeo actual de temática social, para ofrecernos una conseguida y entretenida fábula sobre la naturaleza humana en donde el esforzado y buen resultado obtenido por el trabajo técnico funciona a las mil maravillas al servicio de su historia, un trabajo encomiable en esta faceta, especialmente por la dificultad que supone rodar con más de 200 perros y haber conseguido varias escenas de una gran complejidad. Finalmente «White God» deviene como la hermana gemela de un título similar en su enunciado y contenido, una respuesta europea de otro notable film que se apoyaba en una excusa similar para explicarnos nuevamente y en forma de metáfora una historia acerca del sentido distorsionado y de superioridad que solemos poseer los humanos, la capital «White Dog» de Samuel Fuller.

Valoración 0/5:3’5

Perseguido por su turbulento pasado, Mad Max cree que la mejor forma de sobrevivir es ir solo por el mundo. Sin embargo, se ve arrastrado a formar parte de un grupo que huye a través del desierto en un War Rig conducido por Furiosa, una mujer también de acción que cree que logrará sobrevivir si cruza el desierto y llega a la tierra en la que se crió.. Escapan de una Ciudadela tiranizada por Immortan Joe, a quien han arrebatado algo irreemplazable. Enfurecido, el Señor de la Guerra moviliza a todas sus bandas y persigue implacablemente a los rebeldes en una «guerra de la carretera» de altas revoluciones..

Hay muchas razones que se podrían enumerar a la hora de intentar de desgranar con profundidad el por qué «Mad Max: Fury Road» es un rotundo triunfo en sí mismo y en el sentido más amplio de la palabra, ahora mismo no recuerdo un blockbuster que haya tenido de una manera merecida una unanimidad en positivo tan claramente aplastante ya sea de crítica o público, entre otras cosas podríamos empezar por la propia gestación del producto, una gestación tan milagrosa como atípica en el actual panorama cinematográfico a cargo de gran estudio, que Warner Bross proveyera con 150 millones de dólares de presupuesto  a un señor de 71 años para retomar una franquicia postapocalíptica que llevaba enterraba más de treinta años no es algo que se vea con relativa frecuencia, todo ello elaborado en base a un rodaje nada fácil de siete meses en el desierto de Namibia y un posterior rodaje complementario en Australia, rodada fuera de los plazos habituales en este tipo de producciones después de sufrir varios aplazamientos en lo concerniente a fechas, unas dificultades que suele ser sinónimo de producto no bien ejecutado, que tiende a ser defectuoso, nada más lejos de la realidad, «Mad Max: Fury Road» logra sobrevivir a la propia locura de su naturaleza.  

De la misma manera también es evidente que  George Miller es un director algo peculiar y atípico, un autor de innegable talento no reconocido posiblemente dada por su dispersa trayectoria artística, de naturaleza y tono que tiende a una cierta irregularidad formal, «Mad Max”, «The Witches of Eastwick«, «Lorenzo’s Oil«, «Babe: Pig in the City» o «Happy Feet» son trabajos que forman parte de un fabulario tan rico, extenso y lleno de matices como variopinto y algo distante en su conjunto a la hora de globalizarlo y valorarlo en su justa medida, es ahora con esta «Mad Max: Fury Road» cuando George Miller ha sabido esperar su momento justo y poner el punto y aparte en su carrera, realizando la película por la que será recordado, logrando en definitiva una absoluta obra cumbre en el cine de acción.

«Mad Max: Fury Road» viene a ser un compendio de intenciones que ha gozado de una inusual y plena libertad creativa y eso se nota en el resultado final, una película más de director que de estudio por increíble que parezca, una brillante suma de ideas con respecto al universo de la trilogía original, en donde George Miller no se deja nada en el camino, lo da todo, coge lo mejor, todas las virtudes de la saga (y en este aspecto se lleva la palma muy especialmente «Mad Max 2: The Road Warrior») para moldearlas a su antojo, las homenajes, potencia y amplia de manera tan exagerada como acertada para ofrecer un espectáculo visual sin parangón en donde la imagen en su concepto más puro se adueña de la función de una manera rotunda con respecto al dialogo, a veces el éxito o reconocimiento de un producto no está superar o magnificar lo que supuestamente ya funciona, conviene dar un paso hacia atrás y reformulas antiguos conceptos, en este aspecto «Mad Max: Fury Road» brilla pues logra revisitar el método de la vieja escuela a la hora de hacer cine espectáculo para curiosamente manifestarse como un soplo de aire refrescante con respecto a lo que vemos hoy en día en pantalla.

Normalmente cuando estamos ante un film que posee una lectura narrativa criptica solemos necesitar de varios visionados para poder asimilar y entender todo lo que se nos cuenta, en «Mad Max: Fury Road» ocurre igual pero desde una perspectiva completamente visual,  estamos ante un film en el que el 90% son escenas de pura acción, en cada una de ellas hay una multitud de detalles que necesitan más de un visionado para poder apreciarlos y disfrutarlos de manera satisfactoria, es una película física, hecha con vehículos reales, personas reales, en un desierto real que solo utiliza lo digital cuando realmente lo requiere, dejando en clara evidencia en este aspecto a la mayoría de blockbusters que se producen a día de hoy en Hollywood. Estamos pues ante una orquestada suma imágenes perturbadoras, dentro de un mundo distorsionado, poblado de una interminable lista de variopintos personajes, enemigos mutilados, enfermos, deformados o drogados que se sacrifican por un prometido Valhalla, imposibles camiones orquesta con el cometido de atemorizar sonoramente al perseguido, malvados inmortales enfrentados a unos personajes en busca de la redención, todo ello remitiéndonos al género de western dentro de un escenario de desiertos, desfiladeros y jinetes moteros, etc.

En la película de George Miller funciona prácticamente todo a la perfección, desde la adrenalítica música compuesta por Junkie XL en base un trabajo atronador de tambores y guitarras conjuntada de manera acertada con la majestuosa banda sonora de Tom Holkenborg, hasta la fotografía del veterano John Seale, pasando el alucinante montaje a cargo de Margaret Sixel (2.700 cambios de plano que equivale a una media de plano cada tres segundos) o el carisma que derrochan ante la pantalla tanto Charlize Theron como Tom Hardy.

Al final «Mad Max: Fury Road» nos viene a recordar, seguramente no de manera intencionada, que desde el nacimiento del séptimo arte y antes de aparecer en escena el propiamente denominado cine de autor, existían las películas creadas como un simple y mero deleite visual en donde la imagen funcionaba únicamente al servicio del espectáculo, posiblemente «Mad Max: Fury Road» no sea la película perfecta si hablamos en el sentido literal del término, básicamente porque su apuesta es demasiado radical para conseguir una unanimidad, lo que si sentara cátedra serán sus innegables intenciones a la hora de ofrecer un espectáculo puro sin ningún altibajo, y esto si es intencionado, toda una declaración de principios partiendo desde lo clásico para terminar como un producto de tono hipermoderno y que al mismo tiempo nos muestra una forma de hacer y entender el cine desde una perspectiva diferente, desde una mirada que hoy en día ya no solemos ver en la gran pantalla.

Valoración 0/5:5

Una chica de 16 años de un pueblo de América es infectada por un zombi. La joven tardará 6 meses en convertirse en zombi, y la transformación afectará la situación en su familia, en concreto a su padre, que continúa manteniendo su amor incondicional por su hija.

Desde luego no puede negarse que en la carrera de Arnold Schwarzenegger ha existido en muchas ocasiones un leve intento de ofrecer algo que se saliera un poco de la norma, al mismo tiempo en la que podríamos llamar su época dorada como actor también ha sabido inteligentemente rodearse de autores válidos y competentes tales como John Milius, James Cameron, John McTiernan, Walter Hill o Paul Verhoeven entre otros, que han otorgado a los productos en que participaba una innegable calidad tanto artística como comercial, en definitiva una especie de inquietud artística del que carecían otros parteners suyos en la época antes mencionada, por esto y algún que otro matiz mas no es tan extraño e inusual que una película como «Maggie» figure en la carrera como actor de Arnold Schwarzenegger, aunque claro al espectador poco precavido en estas aseveraciones si le hubieran comentado años atrás que Arnold Schwarzenegger protagonizaría un film de temática zombie seguramente esperaría un resultado bastante diferente del que nos ofrece «Maggie«.

En unos tiempos en donde la temática zombie se ha globalizado y extendido de una manera inimaginable, en donde tenemos desde producciones mainstream de gran estudio, comedias, falsos documentales, infinidad de series de televisión, etc,  «Maggie» del debutante Henry Hobson otorga al subgénero la temática del duro melodrama familiar, de hecho su director obvia casi por completo el elemento fantástico, apenas hay explicación del brote, no hay gore ni excesos, tampoco se indaga en la vía postapocalíptica, de hecho la situación se utiliza como una simple excusa para explicarnos el drama de un padre que ha de hacerle frente a la “enfermedad” terminal que sufre su hija, todo ello mostrado a través de un tono que enfatiza lo gris y triste, de narración demasiado pausada, al film le cuesta llega al final, su hora y media de duración termina haciéndose evidentemente larga, priorizando en exceso la estampita melodramática.

Curiosamente ese supuesto realismo que otorga  Henry Hobson al film choca en ocasiones con ciertas incongruencias en algunos de sus personajes, haciéndolos inverosímiles, situaciones en el escenario mostrado que quedan lejos de ser creíbles (la reunión y comportamiento de los jóvenes por ejemplo), algo que juega muy en contra de la película pues las intenciones del tono que se le quiere imprimir al film y los resultados en momentos llegan a carecen de la coherencia que el relato pide.

De hecho ni siquiera «Maggie» podría catalogarse como algo fresco o innovador dentro del subgénero, la vía que explora ya la habíamos intuidos en otros productos que indagaban en una temática parecida, «The Returned» de Manuel Carballo era una más que correcta serie B de argumento bastante similar, o la liviana y disfrutable serie británica «In the Flesh«, en donde se nos explicaba la difícil reinserción del infectado. Posiblemente «Maggie» si hubiera visto la luz unos años atrás tendría un beneplácito algo mayor ya solo con respecto a su originalidad en lo concerniente a un subgénero hoy bastante saturado. Al final la opera prima de Henry Hobson se queda como una película de intenciones algo loable pero de resultado pobre, en donde su poco o nulo riesgo formal la definen como producto fácilmente olvidable, bastante alejado de la trascendentalidad que supuestamente se nos quieren mostrar.

Valoración 0/5:2

Una pareja de excursionistas se pierde en uno de los rincones más remotos de Canadá. Sin comida ni agua con la que subsistir, no tardan en descubrir horrorizados que se encuentran en una área poblada por osos salvajes.

El survival de tono realista ambientado en plena naturaleza y con la consabida coletilla basado en hechos reales ha devenido en estos últimos años como un subgénero propio, un tipo de películas bastante digerible y en parte disfrutable aunque poco originales, pues lejos de renovar sus conceptos sigue una línea inmovilismos en unos postulados que prácticamente se suelen repetir de forma sistemática.

«Backcountry» debut en la dirección del actor Adam MacDonald sigue a raja tabla lo antes mencionado con algunos pequeños matices, básicamente porque la película se toma su tiempo en presentarnos a la pareja protagonista, de echo más de la mitad de su metraje, relación, dificultad, mentiras, celos y demás situaciones de tono común que rodea la relación de pareja nos es mostrada bajo un ritmo algo tedioso, nos movemos dentro de un ámbito que nos remite más al drama sentimental con una bella región geográfica como escenario que al survival propiamente dicho , supongo que la intención de su director era la de mostrarnos una cotidianeidad previa al suceso que es enunciado como principal reclamo del film, algo que bien mirado tiene su lógica como luego vemos en su desarrollo, el problema es que al espectador poco o nada le importa esa larga cotidianeidad que se nos muestra.

El punto positivo del film viene dado a la hora de mostrarnos al suceso antes mencionado (el ataque del oso), básicamente porque lo hace de una perspectiva hasta cierto punto coherente con respecto a lo antes expuesto, lo hace de una manera directa, realista y sin muchas concesiones de cara a la galería, se aparta de forma consiente de una gratuidad que es de agradecer, pues esta suele ser un recurso bastante utilizado en negativo en esta clase de películas, para entendernos no veremos al animal resucitar varias veces y atacar cual inteligente asesino en serie, así vemos su aparición y el consiguiente ataque del oso de una manera real, igual de real y en cierta manera natural como a la hora de desaparecer de escena, es aquí donde la ficción se vuelve realidad y el film fluye de forma algo convincente.

Sin embargo es una pena que Adam MacDonald en esta «Backcountry» se muestre poco valiente en dar un paso más hacia adelante, parece conformarse con lo expuesto y poco más, deviniendo ser un producto tan entretenido como olvidable, hay una vía que vislumbramos de una manera muy de pasada y que prácticamente no se desarrolla, aquella cuando entra en escena un tercer personaje (el oso no) y entramos en un atisbo de violencia e incomodidad no escrita, una situación en donde los personajes se ve desprovistos de la seguridad que poseen dentro de las reglas de la sociedad en la que viven y de la que son desprovistos al entrar en un ámbito de naturaleza salvaje y carente de las normas o códigos de comportamiento en el que suelen subsistir en el día a día, y en donde se podría decir perfectamente que impera la ley del más fuerte, algo que años atrás ya mostro de una manera perfecta y aun no superada John Boorman en la inolvidable «Deliverance«.

Valoración 0/5:2’5  

Cynthia es una coleccionista de mariposas que mantiene una relación sadomasoquista con su criada, Evelyn. Una pasión sujeta a toda clase de particularidades, en la que los roles de ama y esclava no están tan claros como parece.

El británico Peter Strickland  ya dio buenas muestras  con sus  anteriores «Katalin Varga» y «Berberian Sound Studio» que su cine se apoya de una manera clara y rotunda respecto a múltiples referencias cinéfilas que asimila y diversifica para ofrecernos un universo tan arriesgado como inusual en el actual panorama cinematográfico de hoy en día, poblado de múltiples capas, matices y lecturas, ahora con «The Duke of Burgundy» no solo supera las expectativas creadas en sus anteriores trabajos sino que consigue acrecentar ese discurso como un mero ejercicio de estilo ejecutado de manera brillante, logrando afianzarse  como uno de los más interesantes y sofisticados autores del cine europeo contemporáneo.

En «The Duke of Burgundy» Peter Strickland  nos introduce en un universo completamente femenino ( sin ninguna aparición masculina en la película) para contarnos un exquisito melodrama en forma de un cuento de hadas, de estructura circular en su narración y compuesto en base a una hermosa puesta en escena de delicioso toque vintage que la emparentan por momentos en estética y contenido a films como «Belle de Jour«de Luis Buñuel o «The Servant» de Joseph Losey, y de igual manera a cierto cine realizado por Jess Franco, y en donde se nos explica una historia de amor erótico- lésbico mostrado como suntuoso cuento sexual que llega a bordear de una manera tímida el tono soft porn europeo tan habitual en los años setenta, una relación entre dos mujeres adineradas (soberbias actuaciones de Sidse Babett Knudsen y Chiara D’Anna, con un notable lenguaje gestual, especialmente la primera) amparándose parcialmente en la metáfora (larva y las mariposa) para contarnos un sugerente devenir acerca de dominios y sumisiones o inversión de roles y poderes, una relación de dominación/sumisión, no sadomasoquista como muchos señalan de manera errónea, que lejos de parecer clara como podemos creer en un principio sirve de entramado narrativo a la hora de contarnos el desarrollo de las relaciones de una pareja, utilizado como herramienta en una historia de amor entre dos mujeres que han llegado a un momento dentro de su relación en donde la cotidianeidad amenaza con aparecer, en el que las cosas ya no pueden sostenerse con la misma pasión o frescura que al principio y que recurren a esa fantasía sexual de raíz prohibida y oculta como sustento emocional de este complejo romance.

Peter Strickland  deja claramente definido ese sutil universo mostrado de una manera básicamente sensorial, todo ello contado de forma simbólica acerca la psicología y voluntad de sus dos protagonistas, transportándonos a un tiempo y espacio casi indefinidos,  en una puesta en escena en donde lo onírico y lo cotidiano se entrelazan (este es uno de los grandes méritos de director británico, una habilidad innata que ya se apreciaba de forma clara en su anteriores películas) todo esto acompañado de manera armoniosa con la extraordinaria banda sonora compuesta por Cat’s Eyes.

«The Duke of Burgundy» termina siendo una obra de un poderío hipnótico y visual apabullante en donde las texturas se mezclan de manera brillante dando lugar a una experiencia sensorial que logra traspasar la gran pantalla, consiguiendo que este melodrama tan amoroso y pasional como perturbador y por momentos algo surreal logre llevarnos al igual que las dos protagonistas del film a una especie de limbo emocional, en definitiva una autentica gozada fílmica para aquellos que sepan apreciar ese otro tipo de cine que comparte por ejemplo autores como Hélène Cattet, Bruno Forzani, un tipo de cine que choca violentamente con el espectador y en donde la sutileza no suele estar reñida con la estética.

Valoración 0/5:4

Es pleno verano, y dos hermanos gemelos esperan pacientemente a que su madre regrese a casa tras una operación de cirugía plástica. Esta llega con la cara completamente vendada y mostrándose fría, distante y obsesiva. El cambio en su personalidad hará que los niños se pregunten si la mujer es realmente su madre o se trata de una impostora.

Se podría hablar de una escuela de cine tan perturbador como enfermizo intrínsicamente austríaco, posiblemente no dada la corta lista de autores que llegarían a etiquetarse dentro de esta tendencia, irremediablemente el nombre de Michael Haneke sale de inmediato a la palestra, Ulrich Seidl (productor del film que nos ocupa y marido de una de sus directoras) es otro poco amante del mundo Disney, claramente pocos mimbres numéricos como para catalogarlo como una tendencia o corriente de cine, poca pero contundente y brillante pues hablamos de un estilo que nos remite hacia la expresión máxima del horror cotidiano partiendo desde la normalidad más absoluta, un tipo de cine desprovisto por completo empatía o misericordia hacia sus personajes o incluso hacia los propios espectadores, un cine de autor tan contundente como inteligente, «Goodnight Mommy» entra por méritos propios y de una manera clara en esta etiquetación.   

«Goodnight Mommy» como mencionábamos más arriba está producido por el cada vez más referencial Ulrich Seidl y dirigido por su mujer Veronika Franz junto a Severin Fiala, estamos ante un film de horror disfrazado de thriller psicológico de claro empaque minimalista (en la puesta en escena y sus personajes, la acción entera descansa en los hombros de solo tres actores) donde se nos cuenta la historia de un drama familiar desde la perspectiva de la violencia emocional de múltiples lecturas, mostrado de una forma sutil en su parte inicial, partiendo el relato desde una turbia sugerencia a través de un hecho anecdótico, pero de devenir completamente demoledor como resulta ser su aterrador tramo final, llegando a rozar incluso el torture-porn aunque sin llegar nunca a lo gratuito.

Múltiples lecturas de las que está plagado este notable film como indicaba más arriba, que van desde esos lazos de dependencia familiar ejecutados de forma errónea, lo que nos conduce de manera ineludible a una pérdida de control materno que nos remite a cuestionar dicha figura que aquí resulta clave en la destructuración familiar a la que asistimos, una figura materna (unas vendas que cubren su rostros y que homenajean de forma explícita  a «Los ojos sin rostro» de Georges Franju) como detonante hacia el trauma en la familia, en una historia la de «Goodnight Mommy» en la que la pérdida y su aceptación derivan en una desconfianza de consecuencias funestas, aquí es donde entra ese juego de espejos claramente contrapuestas de sus protagonistas desde dos ópticas completamente diferentes, llegando a estar expuestos de una manera brillante, aunque desde un principio nos decantemos hacia la racionalidad (la madre intentando demostrar su cuestionada identidad) esa ambivalencia planteada en la película hace que se nos llegue a confundir y nos introduzcamos en el traumático imaginario de los niños, todo ello mostrado en base a una factura técnica tan admirable como elegante, consiguiendo una puesta en escena seca y austera (extraordinaria fotografía a cargo de Martin Gschlacht compuesta de tonos oscuros y pálidos que saben dotar al film de una frialdad opresiva acorde con su ambientación asfixiante) y que da paso a una violencia en donde los impulsos más primarios del ser humanos salen a la luz independientemente de la edad del que las lleva a cabo.

«Goodnight Mommy» deviene como un notable ejercicio en forma de cuento de terror doméstico que se aleja de forma consiente de un tipo de terror al uso al que solemos estar acostumbrados, para adentrarnos en la parcela de un terror psicológico que se nutre de lo metafórico y lo explícito a partes iguales y que bien podría ser una perfecta versión malsana y angustiosa del «The Other» de Robert Mulligan, «Goodnight Mommy» se convierte por méritos propios en una joya del cine de género europeo muy a tener en cuenta
Valoración 0/5:4

En los decadentes suburbios de Detroit, Billy lucha por sacar adelante a sus dos hijos y no perder su casa. Cuando su tiempo se agota, Billy, acompañada de Cat, decide aceptar un nuevo trabajo que le ofrece Dave en un misterioso y extraño lugar en el que nada es lo que parece. Al mismo tiempo, su hijo Bones intenta sobrevivir, con la ayuda de Rat, al acoso del violento y peligroso Bully. En sus intentos de huir de los “monstruos” que les acechan, Billy y Bones se adentran en un mundo mágico e irreal que les llevará a lugares que nunca hubiesen imaginado.

Recuerdo hace un par de años una tensa rueda de prensa en el festival de Sitges a propósito del debut en la dirección de Brandon Cronenberg con su estimulante primer trabajo «Antiviral«, en dicho acto se le cuestionaba y en parte se le achacaba al director (al igual que unos meses antes ya ocurrió en el festival de Cannes) que su opera prima bebía en demasía de las influencias del cine y estética de su padre David, algo claramente evidente viendo la película, la anécdota en si viene dada hacia la cuanto menos curiosa legitimidad y aceptación que pueda tener con respecto a cierto sector de prensa el que un director novel pueda mostrar sin ningún tipo de tapujos de una manera acertada o no sus influencias o referentes a la hora de plasmar en imágenes su obra, independientemente de su verdadera valía, «Lost River«, debut en la dirección y el guión del actor Ryan Gosling tuvo una tesitura parecida a la que comento en el festival de Cannes durante su premier el pasado año, un certamen que en cierta manera marco al film en negativo, quizás de manera algo injusta.

«Lost River» está lejos de ser una obra sobresaliente, el desequilibrio narrativo del que hace gala es meridiano, pero tampoco es tan pésima como se ha ido comentando, Ryan Gosling nos obsequia con un simple cuento de hadas, una fábula de príncipes y princesas de un claro tono surrealista teñido sobre una continua ensoñación, con la metáfora de la caída del sueño americano como eje argumental, un producto que como muchas operas primas peca de primar más el envoltorio que el contenido, una brillantez visual donde sobresale el trabajo de Benoît Debie en base a una fotografía tan hipnótica como sugerente que sabe resaltar de manera adecuada el ambiente lúgubre y fantasmagórico de esa ciudad perdida en la que intentan sobrevivir nuestros protagonistas, una subsistencia en continua lucha dentro un entorno hostil, también destacar su omnipresente y ochentera banda sonora.

El film es un claro ejercicio de estilo que bebe de fuentes bastantes reconocibles, desde el universo cinematográfico de David Lynch, con multitud de referencias especialmente de «Blue Velvet«( el personaje de Dennis Hooper) y «Mulholland Drive» (Club Silencio), hasta el cine de Nicolas Winding Refn en donde Ryan Gosling da buena cuenta en la dirección, referentes estos que lejos de entorpecer o diluir el producto como muchos se empeñan en subrayar consigue resaltarlo y en parte salvarlo, otra cuestión es su endeble guion, que aunque se agradece que no recurra a lo críptico su narrativa claramente alegórica no consigue adecuarse a sus imágenes de una manera satisfactoria.

Una narrativa que hace que el debut de Ryan Gosling  pueda llegar a ser tan presuntuoso en algunos tramos como fascinante en diversas ocasiones de su metraje, plagado de imperfecciones en su discurso pero de sugerentes aciertos en lo visual, un autor con muchas ganas de contar algo, aunque esta claro que todavía necesita perfeccionar y desarrollar de manera adecuada su lenguaje, habrá que ver lo que el futuro depara a Ryan Gosling en su faceta de director.

Valoración 0/5:3

«En la ciudad iraní de Bad City puede pasar cualquier cosa. En medio de un abanico de personajes marginales, un vampiro vaga en busca de sangre. Al western vampírico se le suma un romance teñido de sangre. A Girl Walks Home Alone at Night combina géneros y estilos: invoca el western, la fascinación propia de Lynch, el terror y las novelas gráficas.

La visión del vampirismo desde una perspectiva no tradicional e incluso impregnada de cierto tono vanguardista es una tendencia algo recurrente y vista en estos últimos años, muy especialmente dentro del cine independiente norteamericano, a bote pronto me viene a la mente trabajos como «Nadja» de Michael Almereyda, «The Addiction» de Abel Ferrara o la extraordinaria «Only Lovers Left Alive» de Jim Jarmusch vista el pasado año, ahora nos llega «A Girl Walks Home Alone at Night» que tiene la peculiaridad aparte de estar rodada en blanco y negro de ser la opera prima de la joven directora y guionista estadounidense de origen iraní Ana Lily Amirpour, que aquí también se reserva el papel principal, un film hablado en persa pero de capital y rodaje norteamericano.

«A Girl Walks Home Alone at Night» viene a ser un exótico western vampírico de ligero tono postmoderno con claras referencias al cine de David Lynch (muy especialmente «Wild at Heart«) y que reparte por igual aciertos notorios provenientes de una libertad creativa incuestionable con déficits propios de una debutante, unos déficits que se manifiestan especialmente en las supuesta metáforas expuestas por Lily Amirpour (esa lectura soterrada sobre la libertad de la mujer en la sociedad árabe, o el amor que logra vencer finalmente a la oscura necesidad) está algo cogido con pinzas, bordeando en algunos momentos lo pretencioso, llegando a crear una cierta superficialidad en su discurso, unas metáforas mal desarrolladas que dificultan sobremanera su narración, aparte los largos silencios que pueblan la cinta y su carácter de tono onírico en muchas de sus secuencias pueden llegar a hacerla poco accesible para el espectador.

Todo esto no quiere decir que «A Girl Walks Home Alone at Night» sea una mala película, estamos ante un producto nada sencillo, no destinado a todo el público, algo irregular en su formulario y que rehúsa voluntariamente el encasillarse en los rígidos formatos del cine comercial y que posee al mismo tiempo una coherencia estética digna de resaltar, un diseño de producción notable donde destaca especialmente la excepcional fotografía obra de Lyle Vincent, una visualización esta que la emparenta de forma acertada a cierta estética de novela gráfica vanguardista, destacar a sí mismo una banda sonora impecable en gusto, totalmente acorde con sus imágenes y que logran definir a los personajes de una manera acertada.

«A Girl Walks Home Alone at Night» termina siendo tan atractiva como inusual, como he resaltado anteriormente de resultado irregular a causa de la falta de algunos de sus principales flecos como por ejemplo la lentitud en su ritmo, algo que hace que por momentos se quede a medio gas, pero que gracias a un excelente trabajo visual e intensidad en su fotografía además de una banda sonora portentosa consigue que el cóctel de géneros propuesto por  Lily Amirpour sea por momentos interesante y hacen que el seguimiento de la futura carrera cinematográfica de esta joven directora sea un ejercicio del todo obligado.

Valoración 0/5:3

Gira en torno a un matrimonio con un hijo enfermo. Todo cambia cuando una joven se muda al apartamento de al lado y ofrece al muchacho la oportunidad de una vida mejor; desde ese momento, el mundo de fantasía que la madre del chico había elaborado para aliviar a su hijo comienza a descontrolarse…

Pocos directores tienen el privilegio de estar considerados de culto en referencia a una sola película, John McNaughton es uno de ellos y la película en cuestión es la imprescindible y fundamental «Henry: Portrait of a Serial Killer«, a partir de aquí la carrera del director nacido en Chicago ha sido bastante irregular, mezclando divertimentos genéricos de lo más disfrutable como «The Borrower» con productos de tono más amplio y comercial, «Mad Dog and Glory» o «Wild Things«, todo ello junto a un variado trabajo hecho en televisión, lo dicho una trayectoria del todo irregular en su contenido pero en cierta manera coherente en resultados pues ha sabido mantener unas cuotas de calidad propias de un buen artesano. Después de trece años desde su último trabajo para la gran pantalla John McNaughton vuelve y lo hace dentro del género en donde tuvo un mayor reconocimiento.

Con «The Harvest» John McNaughton reafirma su condición de artesano, alejándose del tono grotesco de «Henry: Portrait of a Serial Killer» para adentrarse en el thriller psicológico de claros matices dramáticos, en una película independiente que tuvo problemas en su producción, de echo el film esta rodado en el 2013, y que explora el lado oscuro y algo enfermizo de la paternidad logrando unos resultados algo irregulares, es evidente que estamos ante un trabajo meramente alimenticio y que McNaughton no posee la fuerza y determinación de sus primeros trabajos, la película da la impresión de discurrir a trompicones, con una primera parte bastante plana, de claro tono televisivo dada su languidez argumental, llegados a la mitad del film el golpe de efecto que nos proporciona su guion cortesía del novel Stephen Lancellotti (algo inverosímil y tramposo por cierto) hace que la función se anime algo, aunque siempre con la sensación de que el elemento terrorífico del relato no queda suficientemente desarrollado de una manera acertada quedando ese tono enfermizo al que hacíamos referencia como entre bastidores, como mero un esbozo sin llegar a aparecer del todo.

Posiblemente el punto más a destacar de «The Harvest» sean las interpretaciones a cargo de Samantha Morton y Michael Shannon, que aquí curiosamente intercambian sus habituales roles, unos roles inversos a los que solemos estar acostumbrados a verlos en cine, la primera con una actuación claramente deudora de la Kathy Bates de «Misery«, voluntariamente histriónica, exagerada e incluso paródica y un Michael Shannon bastante sostenido, algo sumiso pero igualmente inquietante, porque Michael Shannon siempre nos parecerá como alguien que no suele  transmitir precisamente buenas sensaciones.

«The Harvest» viene a ser un perfecto ejemplo de lo que ha sido la trayectoria de John McNaughton en estos últimos años, un film competente en su conjunto, de factura pulcra pero de resultado inocuo, una tendencia hacia una falta de riesgo en su propuesta que hace que nos olvidemos de su visionado de manera algo acelerada.

Valoración 0/5:2’5

En un pequeño pueblo de la región de Calabria, los hermanos Carbone llevan años viviendo del lucrativo negocio familiar: el tráfico de drogas. Eran hijos de pastores, pero ahora forman parte de la familia criminal calabresa del entorno de la ‘Ndrangheta. Luciano, el mayor, alejado voluntariamente del resto de la familia, intenta mantenerse al margen hasta que su conflictivo hijo Leo empieza a acercarse a su carismático tío Luigi y sus turbios negocios. Cuando Leo pierde el control una noche, los tres hermanos se ven forzados a unirse de nuevo para defender el honor y las vidas de la familia.

En «Calabria«, adaptación libre de la novela homónima Anime nere de Gioacchino Criaco y primera película estrenada en nuestro país del director y guionista Francesco Munzi , «Saimir» (2004) y «Il resto de la notte» (2008) son sus anteriores trabajos, se nos sitúa en pleno epicentro de la ‘Ndrangheta’, la más hermética y brutal de las organizaciones criminales existente hoy en día en Italia, muy por encima en cuanto actividad en lo que refiere a la densidad criminal por habitante que la propia Sicilia.

Una visión intimista de la mafia la que nos ofrece Francesco Munzi que se aparta de una manera voluntaria del simple muestrario estereotipado del género al que se inscribe este tipo de films, de esa grandilocuencia y pomposidad mostradas en muchas películas norteamericanas, «Calabria» nos ofrece un retrato tan intimista como contundente en su resolución, una radiografía a una familia completamente desestructurada en lo emocional, la película comienza en la ciudad, vemos tratos y posteriores acuerdos con narcotraficantes internacionales, parece que vamos a presenciar otro film al uso dela mafia, pero nada de lo que vamos a ver más adelante transitará sobre situaciones ya vistas posiblemente con demasiada asiduidad en muchos de los films que versan sobre la mafia, poco a poco la trama se va cerrando sobre sí misma, viajando cada vez más al origen de todo, una especie de genealogía del mal, vista desde una hiperrealidad y ubicada en la auténtica raíz del entorno rural de Calabria y la familia en sí mismo, una herencia del pasado de la que es muy difícil escapar, todo ello se nos muestra en base a un excelente uso de la luz que vemos en un pueblo que parece estar constantemente sumergido sobre sí mismo, camuflado sobre una falsa naturalidad, dentro de una penumbra que refleja la tensión subyacente entre sus propios habitantes, a partir de aquí presenciamos un film de claro tono fatalista, con retazos a tragedia griega, en donde el drama ya predestinado se desata a partir de un conflicto totalmente nimio, en este aspecto es fundamental la acertada y notable ambientación que se nos muestra, totalmente clave a la hora para que funcione el tipo de historia que estamos viendo, y resaltar de la misma manera la notable utilización en la mezcla de actores profesionales con lugareños, en este aspecto especialmente es fundamental recurrir a la versión original para apreciarlo en su justa medida, y que el visionado de «Calabria« se convierta así en un ejercicio de reminiscencias de tono verite.

«Calabria« como hemos dicho con anterioridad no es una historia más de mafiosos, al igual que «The Funeral» de Abel Ferrara es una historia claramente íntima sobre un asunto de familia dentro de un contexto rural, una familia que no se puede escoger, está ahí y hay que aceptarla con todo lo que conlleva, y ahí justamente es donde reside la grandeza del film de  Francesco Munzi, la película se aproxima de esta manera a los personajes desde un hiperrealismo tan angustioso como ennegrecido, unas almas oscuras en definitiva (título original bastante más acorde que el utilizado en España) sin visos de salvación.

«Calabria« termina siendo una película de tono muy clásico y ritmo algo pausado pero para nada lento, se nos mantiene pendientes en todo momento de lo que va a suceder a continuación, sin prisas se nos va dirigiendo a contemplar una desdicha con rasgos de tragedia, un fatalismo víctima de su propia estirpe.

Valoración 0/5:4

Después de una noche de sexo apasionado en el asiento trasero del coche entre Jay y su novio, la situación se pone algo tensa cuando este aplica cloroformo y deja totalmente KO a su apreciada novia. Al despertar, el amante novio, le explica que debía hacer todo esto para que una serie de espíritus acosadores le dejen en paz. A partir de ese momento es la pobre Jay quien sufrirá este particular acoso por parte de estos entes extraños.

Que un director tan prometedor como David Robert Mitchell (del que urge rescatar de manera inmediata su ópera prima «The Myth of American Sleepover«, un peculiarísimo acercamiento acerca de la juventud norteamericana que la emparentaba de una manera brillante al «American Graffitti» de George Lucas) hiciera un film de género tan característico como «It Follows» viene a ser una estupenda noticia para los amantes del fantástico más inquietos y más visto el resultado que se nos ofrece, logrando de alguna manera innovar, refrescar y por qué no, reinventar en algo un género como el del terror tan proclive a la repetición de clichés y la falta de originalidad.

«It Follows» inexplicablemente ausente en el palmarés del pasado festival de Sitges viene a ser un perfecto ejemplo del mejor cine indie de terror, tan rico en ideas como respetuoso a la hora de reverenciar a sus precedentes genéricos y evocar un pasado (muy especialmente al cine de John Carpenter de los setenta y principios de los ochenta), film que parece empezar como si de un slasher tradicional se tratara en base  a un punto de partida del todo abstracto, y poseedora de una introducción tan magistral como sobrecogedora, un travelling circular tan sencillo en su desarrollo como desconcertante en su planificación, en donde  el terror puede surgir de cualquier situación o localización y adoptar al mismo tiempo cualquier forma posible, una amenaza completamente omnipresente que no atiende a razones, pero que deviene de manera brillante en un apasionante discurso de tintes metafóricos acerca de los horrores imperceptibles que nos persiguen durante la adolescencia (la completa ausencia de adultos en el largometraje es una clara muestra de la exposición a cargo de David Robert Mitchell) todo ello contado con una sutilidad de múltiples lecturas y representaciones (ojo, un visionado superfluo de la cinta puede llevar a una conclusión errónea sobre ella).

La sencillez de la propuesta expuesta en «It Follows» es admirable, una regresión total al cine de los años 70 y 80 desde una mirada inteligente, un film que con muy pocos elementos consigue crear escenas realmente aterradoras, centrándose no en buscar explicaciones al hecho en sí, sino en explotar el miedo y la psicosis que produce en el individuo que alguien te persiga constantemente, una representación de la muerte que fundamenta su angustia en la anómala cotidianidad en la que se nos presenta, si a más la propuesta se ve fortalecida en el apartado técnico pues mejor que mejor, excelente banda sonora a cargo de Rich Vreeland, compuesta básicamente en base a melodías eléctricas y una no menos portentosa fotografía que ayuda a crear una conseguida atmósfera asfixiante.

«It Follows» posiblemente sea la propuesta de género de terror más original del pasado año, con un soberbio trabajo tras la cámara a cargo de David Robert Mitchell, poseedor de una habilidad innata a la hora de generar una solvente inquietud a través de sus perturbadoras imágenes (innegablemente la mayor virtud del film), todo ello utilizado en base a unos claros referentes vistos en el género a lo largo de los años pero expuestos de una manera novedosa, «It Follows» convierte sin lugar a dudas a su director en un auténtico valor en auge al cual que no hay que perderle la pista en el futuro.

Valoración 0/5:4

Tras ser liberado de una cárcel africana, Jim Powell tiene un nuevo trabajo. Deberá dirigir un equipo durante una incursión en una ex-república soviética, donde tendrán que infiltrarse en una base de la milicia para llegar a unos túneles secretos que se encuentran debajo y conducen a un antiguo bunker. Allí hay un laboratorio bio-tecnológico dirigido por una revolucionaria investigadora, Powell y su equipo dispondrán de tan sólo seis horas para robar su investigación y volver a la superficie.

El Irlandés Billy O’Brien tuvo un debut más que notable en 2005 con «Isolation«, una por momentos bastante sugerente variación en plano genético del «Alien» de Ridley Scott, en donde se nos ofrecía una interesante revisión temática de la amenaza exterior (en esta ocasión se trataba de experimentos genéticos fallidos), situando la trama en un escenario campestre y sabiendo aprovechar al máximo el espacio claustrofóbico en donde transcurría la acción, la película estaba filmada en base a una conseguida estética oscura poseyendo al mismo tiempo la virtud y los atributos de una conseguida y brillante contundencia tanto visual como técnica dignos de cualquier tipo de elogio y que hacían presagiar la carrera de O’Brien como algo muy a tener en cuenta en el futuro. Han tenido que pasar cerca de diez años para que Billy O’Brien volviera a dirigir un film, «The Hybrid» anteriormente conocida bajo el título de Scintilla es su esperado nuevo trabajo aunque lamentablemente supone un paso atrás con respecto a su calidad si la comparamos con su opera prima.

«The Hybrid» es una clara muestra de ciencia ficción low cost en donde predominan las buenas intenciones a los resultados, el film se mueve dentro de unas convenciones genéricas más que reconocibles, posiblemente el defecto más notorio de la película es que tarda mucho en arrancar, hasta llegar a su ecuador nos movemos por clichés mil vistos dentro del cine de acción, el grupo de mercenarios intentando llegar a su objetivo no deja de ser un refrito de ideas y modismos de dudosa originalidad, llevándonos al consiguiente tedio, una vez llegados al laboratorio el film gana algo de interés, la introducción del elemento fantástico llega a ser por momentos entretenido y disfrutable pero poco cosa más, se detecta una cierta sensibilidad hacia lo ciberpunk en su puesta en escena, así como varios guiños al género expuestos por Billy O’Brien, de echo el film no deja de ser un hibrido genérico de resultados algo dudosos, cierto realismo documental de película bélica, terror, ciencia ficción, experimentos genéticos, etc. Tampoco es que su guion sea algo a destacar en su originalidad, moviéndose básicamente en el terreno de lo convencional y optando su director por la omisión a la hora de ir más allá en los detalles y preguntas que pueden llegar a hacerse el espectador.

Este segundo trabajo de Billy O’Brien solo llega a ser disfrutable desde una mirada completamente desacomplejada y poco exigente, un film de presupuesto extremadamente bajo que no logra, ni tampoco lo intenta, inventar nada nuevo dentro del género, una pieza algo tosca en su construcción pero entretenida en ciertos momentos, destinada básicamente hacia al fan más desprejuiciado, solo esperar que en su próximo trabajo «I Am Not a Serial Killer» el director británico sea algo más ambicioso y apunte más alto.

Valoración 0/5:2

Un equipo de arqueólogos estadounidenses descubren una antigua pirámide en medio del desierto egipcio. Se adentran en ella y al poco tiempo se encontrarán perdidos en sus oscuras catacumbas que parecen no tener fin. Mientras tratan de encontrar una salida, poco a poco comienzan a desesperarse pensando que no volverán a ver la luz del día. Además, no tardarán en darse cuenta que también están siendo perseguidos por algo.

«The Pyramid» supone una nueva incursión en el denominado found footage, un casi ya subgénero en si mismo que en los últimos años ha vivido de una saturación bastante notoria en cuanto a propuestas, fue en 1999 cuando la efectiva «The Blair Witch Project» volvió a poner de moda dicho formato, una temática cinematográfica que al mismo tiempo se adecuaba al género fantástico casi a la perfección, de una manera algo simbiótica, el bajo presupuesto con que cuenta la mayoría de estas propuestas también han ido ayudando a una masificación de películas en dicho formato, aunque principalmente lo malo de un estilo como el found footage son sus evidentes limitaciones o carencias a la hora de llevarlo a la práctica, hay poco margen para la novedad o la improvisación, la abundancia ha llevado a la proliferación de una series de ideas en este tipo de propuestas del todo agotadas y faltas de un sentido de originalidad, remitiendo a una continua repetición de lo referente a sus esquemas.

Curiosamente podríamos decir que «The Pyramid« es un found footage a medias, pues a los veinte minutos (una vez dentro de la pirámide) abandona las reglas de dicho formato, lo que presenciamos ya no es a través de los ojos de los protagonistas o de sus dispositivos, sino desde un punto de visto claramente subjetivo, se prescinde del tan habitual metraje en malas condiciones y todo lo que presenciamos esta expuesto en un claro HD, aunque curiosamente el film éste rodado al más puro estilo cámara en mano, el escenario tampoco da para ofrecer algo diferente en su puesta en escena, es como si los responsables de la película hayan querido obviar el consabido examen impuesto por el espectador fan hacia dichas normas fílmicas a la par de darse cuenta de las limitaciones del formato en sí mismo, liberándose en cierta manera de dichas ataduras genéricas, una liberación esta que sin embargo no consigue salvar al producto en lo que a su calidad final se refiere.

Apadrinado por Alexandre Aja y dirigido por un habitual colaborador suyo, Grégory Levasseur, «The Pyramid« partía a priori desde un escenario bastante sugerente, ambientada en el interior de una pirámide y explorando parte de la mitología egipcia y todos los misterios que la rodean, temática esta que curiosamente no ha proliferado en demasía dentro del género de terror lo largo de  los años, decantándose más hacia las propuestas del cine de aventuras, sin embargo aquí esta idea esta pobremente aprovechada, remitiendo todo hacia un refrito de referentes y modismos ya vistos con anterioridad y que no llegan a convencer prácticamente a nadie, del mismo modo el director se decanta hacia un estilo en su formato en donde lo explicito está por delante de lo sugerido, aquí se nos enseña prácticamente casi todo en base a unos efectos digitales en donde vemos a unas criaturas generadas por ordenador bastante pobres en su ejecución.

«The Pyramid« no es mucho peor que varias propuestas de temática similar vistas con anterioridad y que han sido tratadas con mayor benevolencia por parte de público y crítica, simplemente es un claro reflejo de un formato saturado y falto de originalidad en su postulado, un producto que llega claramente tarde y que posee al mismo tiempo una fecha de caducidad impresa en su formulario.

Valoración 0/5:1’5

Caleb es un programador de 24 años que trabaja en una de las mayores empresas de Internet del mundo, un día gana un concurso cuyo premio es una semana de vacaciones en la mansión privada del presidente ejecutivo de la compañía. Cuando Caleb llega a la estupenda casa en medio de la nada, descubre que deberá participar en un experimento tan extraño como fascinante en el que interactuará con la primera inteligencia artificial auténtica del mundo que habita en el cuerpo de una preciosa mujer robot.

«Ex Machina» supone el estimulante debut tras las cámaras del hasta ahora escritor y guionista Alex Garland, que anteriormente ya había dado buena muestra de su buen hacer dentro del fantástico encargándose de los libretos de «28 Days Later» y  «Sunshine» ambos films dirigidos por Danny Boyle, para más adelante adecentar de manera notable el personaje de «Dredd» (Pete Travis, 2012). «Ex Machina« está principalmente construida en forma de relato de ciencia-ficción de clara facturación técnica de tono minimalista pero modelado narrativamente como si de un thriller psicológico se tratase y ahondando primordialmente en el debate concerniente al conflicto entre humanos y robots y muy especialmente a todo lo que rodea al concepto de la inteligencia artificial, su supuesta interacción con los humanos y las posibles consecuencias que ello puede acarrear.

Alex Garland como decíamos más arriba ya había demostrado que sabía desenvolverse con bastante soltura dentro del género, pero con esta su primera película como director se adentra en un terreno algo más complejos y arriesgado que el que había utilizado hasta el momento, una parcela que no había explorado todavía, el de la citada inteligencia artificial (posiblemente lo más cercano que haya tocado en dicha temática sea su guión en «Nunca me abandones» de Mark Romanek). «Ex Machina« comienza con un joven programador llamado Caleb que es elegido a través de un sorteo por un acaudalado inventor, Nathan, para participar en un innovador experimento acerca de un robot femenino de nombre, la labor de Caleb se centrará en comprobar mediante el test de Turing hasta qué punto esa creación puede evolucionar e interactuar mediante las emociones humanas que supuestamente va adquiriendo, a partir de aquí vemos como la relación entre Caleb y Ava se irá haciendo cada vez más compleja. El personaje de Caleb es el que nos sirve de guía a través del film en primera persona, un personaje éste que posiblemente sea al que menos partido se le consigue sacar, preséntanoslo básicamente como una suerte de títere que de vez en cuando tiene un aislado destello de personalidad propia, pero que queda atrapado con demasiada facilidad en una trama que juega bastante con las dudas, la manipulación y los secretos, algo que se va intuyendo claramente conforme avanza la película y que a pesar de estar planteado desde un enfoque hasta cierto punto original no acaba de estar bien plasmado del todo en su conjunto, pues a diferencia de Caleb, el espectador siempre va un paso por delante de este provocando una cierta desunión en el conjunto de su narración.  

«Ex Machina« sin embargo si sabe jugar al máximo la baza de utilizar un escenario claustrofóbico, a partir de una puesta en escena voluntariamente fría, donde se prima básicamente la interacción de sus tres protagonistas (los tres excelentemente interpretados, especialmente la actriz sueca Alicia Vikander), y poseyendo a su vez una factura técnica y puesta en escena que bien podría definirse como la simbiosis casi perfecta entre la elegancia y la claustrofobia, la naturaleza y el artificio, todo ello gracias a un diseño de producción que ayuda sobremanera a componer una preciosista estampa imaginaria de tono algo aséptico dentro de ese ambiente cerrado que es ese hogar donde transcurre toda la acción del film, una especie de jaula de cristal para ratones, tanto para los humanos como para los robots, un carácter claustrofóbico en su conjunto que otorga a «Ex Machina«su principal punto de sustento en lo que es su estructura argumental, que sin embargo se ve algo empañada en su resolución, al huir de una narrativa explicativa el final que nos plantea Alex Garland aunque coherente esta algo desprovisto de la brillantez e interés anteriormente expueso por su director, que sin embargo hasta llegar a ese punto si sabe desenvolverse con bastante soltura al contarnos una historia bastante sencilla, pero lo suficientemente bien desarrollada como para saber mantener al espectador atento a la pantalla.

La opera prima de Alex Garland aunque no sea una película perfecta en su totalidad no deja de ser un pequeño triunfo dada su propia naturaleza, principalmente porque hoy en día escasean este tipo de propuestas en donde la ciencia ficción reflexiva y de cuidada estética prima sobre el gran espectáculo CGI mainstream, «Ex Machina» se sitúa a medio camino entre la súper producción de gran estudio y el producto de claro calado independiente, derivando en una especie de sci-fi de tono casi intimista, convirtiéndose al final en un film tan estimulante en resultados como algo atípico en lo que nos propone, una película que hay que saber valorar en su justa medida y más dado los tiempos actuales en donde cada vez escasean más este tipo de propuestas.

Valoración 0/5:3’5

Huyendo de los horrores de la Segunda Guerra Mundial ocho escolares, acompañados por la directora del colegio (Helen McCrory) y una profesora (Phoebe Fox), son evacuados de Londres y trasladados a una aldea. Allí conocen a Harry Burnstow (Jeremy Irvine), un piloto de la RAF que, al igual que ellos, se alojará en una ruinosa casa situada en una isla que sólo se comunica con tierra firme por la carretera de las Nueve Vidas, una calzada que desaparece con las mareas. Su presencia no tarda en despertar una fuerza malévola que surge de la oscuridad y lleva décadas rondando esa mansión en ruinas: se trata de «La mujer de negro».

La nueva Hammer no parece estar teniendo un retorno afortunada con respecto a la calidad de sus propuestas, si «The Resident» o «The Quiet Ones» representaban un nivel cualitativo más que cuestionable, el remake «Let Me In» pese a ser un pulcro trabajo por parte de Matt Reeves evidenciaba su misma necesidad de ser, algo inherente en este tipo de propuestas, su éxito más destacable tanto critico como económico fue su hasta cierto punto conseguida nueva adaptación de la novela de terror gótico escrita por Susan Hill «The Woman in Black» en donde su director James Watkins sabia sacar el máximo provecho de los mimbres más característicos del genero aparte de ser una inteligente operación de marketing por parte de la productora al poner al frente del reparto al conocido Daniel Radcliffe, recién salido de la saga Harry Potter, aunque no me cansare de recomendar la que para mí es la mejor versión con diferencia de la citada novela, la notable tv movie de 1989 dirigida por Herbert Wise con guion de la propia Susan Hill y el legendario Nigel Kneale.

Así no era difícil adivinar que se planteará una continuación de su film más exitoso, «The Woman in Black 2: Angel Of Death» sin embargo se sitúa bastante lejos en cuanto a resultados con respecto a su sucesora, la trama propuesta aquí por parte del guionista Jon Croker aparte de estar repleta de demasiados clichés es poseedora de una creatividad que brilla por su ausencia, no se aporta prácticamente nada nuevo a la historia al no tener la más mínima originalidad en su estructura narrativa, todo es un continuo déjà vu de imperfecciones mil veces vistas en pantalla, con un abuso de los consabidos golpes de efecto, mala señal esta pues indica una evidente falta de ideas en su conjunto, por momentos tenemos la sensación de estar presenciando un envoltorio sin nada dentro, su acertado diseño de producción no está para nada al servicio de la historia, al mismo tiempo se abusa de una cierta rigidez formal en su puesta en escena deviniendo a todas luces como un producto que surgió como un simple encargo para aprovechar la buena taquilla de su antecesora , para más inri el sosísimo trabajo tras las cámaras de Tom Harper ayuda bien poco, se nota que es un director no afín al género, por momentos parece estar más interesado en mostrarnos los endebles dramas personales de los protagonistas, obviado en algo el elemento fantástico en una dirección que invita al tedio, una lentitud más que palpable a la hora de filmar las escenas, todo ello a la espera de consabido golpe de efecto a base de subir el volumen, que lejos de generar inquietud o desasosiego consigue situarse como un producto totalmente vacuo en su enunciado.

No deja de ser una pena que propuestas tan representativas y reconocibles dentro de la historia del género como la de una productora dedicada en exclusiva al fantástico no lleguen a establecerse de una manera consolidada, no le hubiera ido nada mal tanto a Tom Harper como a Jon Croker  revisionar propuestas que sí lograron plasmar varias de las ideas propuestas en  «The Woman in Black 2: Angel Of Death«, niños-orfanato, contexto histórico más elemento fantástico, a bote pronto y de un cine reciente me viene a la memoria la notable «El espinazo del diablo» (2001) de Guillermo del Toro o incluso la resultona película tailandesa «Dorm» (2006), lamentablemente la secuela que nos ocupa se sitúa en las antípodas en cuanto a resultados con respecto a estos trabajos.

Valoración 0/5: 1’5

Mientras realizan un viaje por carretera, tres universitarios deciden seguir la pista de un célebre hacker y llegan a una localización remota. Inmediatamente, los jóvenes son capturados, sin comprender que se han visto atrapados en una conspiración a gran escala.

«The Signal» fue una de las prometedoras cintas independiente, en este caso de ciencia ficción, provenientes del festival de Sundance de 2014 (certamen cada vez más proclive al género fantástico en donde han ido saliendo pequeñas joyas de sci-fi independiente en estos últimos años, «Upstream Color«, «Coherence» o «Another Earth» son solo algunos ejemplos) y que pudimos ver en el pasado Sitges, su director William Eubank ya logró sorprender hace unos cuantos años de manera muy grata con «Love» otro film de ciencia-ficción de espíritu indie y claro trazo experimental en la que un astronauta vagaba solitario por una estación espacial, con producción y banda sonora por parte del grupo  AvA (Angels and Airwaves) y con un rodaje de más de cuatro años, lo que en principio iba a ser un documental sobre el primer disco del grupo musical acabo convirtiéndose en un producto tan atípico como estimulante.

Ahora con «The Signal» continua con ese “espíritu” aunque con algo más de medios, William Eubank  da un paso hacia delante, no consigue defraudar con una historia dirigida a un abanico más amplio de público, posiblemente menos críptica que en su anterior trabajo pese que su narración pueda confundir al espectador en este aspecto, mostrándonos un producto que no minusvalora en ningún momento la inteligencia de un público conocedor  del género, logrando unos resultados de calidad bastante constatada, un ejercicio de intriga bien manufacturado (premio en Sitges a los mejores efectos especiales, perfecto ejemplo de como las limitaciones presupuestarias no están reñida con los buenos resultados en este ámbito, lográndose aquí un apartado visual impecable) y consiguiendo uno de los thrillers de ciencia ficción más personales y estimulantes vistos últimamente en donde un final algo previsible (el espectador versado en estas lideres lo notara con antelación), estamos pues ante una película que juega en un terreno complicado, en donde limitaciones  pueden llegar a estar en continuo conflicto con ciertos rasgos referenciales propuestos por su director, que aquí parte de una interesante premisa, consiguiendo centrar la narración en unos protagonistas que debe descubrir los interrogantes que se esconde en la trama al mismo tiempo que el espectador, este camino recorrido en paralelo genera un claro vínculo empático por parte del espectador, algo que es sin duda un punto a favor de la película.

En un género como el de la ciencia ficción en el que cuesta mucho innovar «The Signal» posee al menos la extraña virtud de intentar cohesionar diferentes subgéneros tales como la road movie juvenil en su parte inicial, pasando por el found footage, llegando más adelante en su núcleo central a la más pura ciencia ficción de tono biológico para llegar a un final casi de tono fabulario digno de cualquier episodio de la serie  «The Twilight Zone», digamos que navega entre diferentes clichés de géneros sin llegar a decantarse por ninguno de ellos, evidentemente esta mixtura genérica conlleva cierta irregularidad en el desarrollo de su historia, llevándonos a un deliberado ritmo cansino en su narración para poder así poder enseñar sus cartas en su parte final, algo que puede conducir al espectador poco paciente a cierto cansancio, un peaje hasta cierto punto lógico, algo que no logra ensombrecer un producto tan digno y referencial, bastante loable de su propuesta.  

William Eubank entra de lleno en esa categoría de nuevos y prometedores directores de clara tonalidad “mainstream”, gente como Gareth Edwards, Matt Reeves o Colin Trevorrow llamados a realizar un cine genérico de alta calidad para los grandes estudios, algunos aparte de realizar block-busters lograran mantener el interesante discurso mostrado en sus primeros film, otros no, quedaran engullidos en la gran maquinaria hollywoodiense, despojados por completo de sus rasgos autorales, crucemos los dedos y esperemos que William Eubank no sea de estos y que sepa llegar a evolucionar su innegable talento en su futura y prometedora carrera.

Valoración 0/5:3’5

Jupiter Jones nació bajo el cielo de la noche, y las señales apuntaban a que estaba llamada a grandes cosas. Aunque sigue soñando con las estrellas, su vida se reduce a la dura realidad de su trabajo como limpiadora de casas y a un sinfín de rupturas problemáticas. Y no es consciente del destino que la está aguardando hasta que Caine, un ex militar genéticamente modificado, llega a la Tierra para encontrarla; la razón es que Júpiter forma parte de una cadena genética extraordinaria que podría alterar el equilibrio de todo el Universo.

Después de revolucionar el concepto de la ciencia-ficción hace ya 15 años con «Matrix«, uno de los bastiones capitales de dicho género, compendio perfecto de influencias y conceptos tales como el cyberpunk, anime o artes marciales y muestra imperecedera al menos a día de hoy pues el film lejos de envejecer se mantiene fresco,  Andy y Lana Wachowski  vuelven al género que les encumbró con “Jupiter Ascending”, una vuelta un tanto obligada después del inmerecido fracaso económico de su última película, la extraordinaria «Cloud Atlas«, posiblemente su mejor film hasta la fecha, un retorno marcado tanto por las exigencias personales como por lo arriesgado de la propuesta, pues el listón comparativo respecto a la obra que les dio la fama estaba suficientemente alto como para ser superado. Y no será porque no hayan puesto el suficiente empeño en crear todo un imaginario personal alrededor de “Jupiter Ascending”, una historia seguramente extremadamente sencilla, revestida de manera incuestionable con encajes de oro en su larga postproducción, en donde el notable poderío de su barroquismo visual sea lamentablemente y posiblemente su único elemento a tener en cuenta.

En «Jupiter Ascending« se nos cuenta una historia demasiado simple en su concepto pero que no difiere en exceso de los cientos de trabajos que se hacen al año en la industria de Hollywood, una despreocupada space opera de clara tradición fabularía e incuestionable tono pulp, pero con un resultado final en donde todo resulta tan previsible y conocido que siempre iremos un paso por delante de la historia que se nos cuenta, acercándonos de manera peligrosa al tedio, todo ello a causa de un guion bastante pobre, poseedora al mismo tiempo  de personajes con los que nunca llegamos a empatizar, por momentos y salvando las distancias parece que estamos asistiendo a una versión fallida de «Guardians of the Galaxy«, un borrador defectuoso en donde todo lo que en aquella funcionaba aquí más bien no lo consigue, cosa que no ocurría en los anteriores trabajos de los Wachowski en donde además  la mixtura genérica aplicada funcionaba, aquí más bien desconcierta y crea confusión, un claro ejemplo son las escenas burocráticas en tono de comedia, que por mucho que nos remitan a «Brazil» y nos haga especial ilusión ver en una aparición al gran Terry Gilliam, lo único que aquí se consigue es romper el ritmo narrativo de una manera evidentemente notoria, además se intuye una clara deficiencia al no saber equilibrar las escenas de acción de manera adecuada, por momentos  se hacen largas e incluso aburridas y sobre todo confusas, algo inherente en el abusivo manejo de los pixeles. No obstante, y como he comentado más arriba su apartado técnico vuelve a ser una vez más su mayor baza y posiblemente la única, los efectos especiales, los fondos y la fotografía son impecables, regalándonos una muestra visual exquisita para contemplar en la gran pantalla, una space opera de tono hiperbarroco que lamentablemente carece de cualquier tipo de estructura sólida y coherente en su historia.

«Jupiter Ascending»  termina siendo la crónica de un fracaso anunciado, que aunque de manera loable y en parte personal fue concebida como un relato original que no es un remake ni adapta ningún cómic o novela juvenil best seller, al final se muestra del todo insuficiente en sus propósitos, aunque como suele ocurrir en los últimos años la película tendrá un pequeño grupo de defensores en un público adicto a este tipo de parafernalia visual y conceptual, amantes del fandom que agradecen propuestas tan despreocupadas y honestas como esta, por muy imperfectas que lleguen a ser, seguramente cuando los responsables de  Warner Bros echen un vistazo a los números de recaudación que consiga «Jupiter Ascending« no opinarán de la misma manera.   

Valoración 0/5:2

Nils, de 45 años, conduce una barredora de nieve por un remoto paraíso nevado. Un día recibe una llamada telefónica: su hijo, que acaba de empezar su carrera universitaria en Oslo, ha muerto por una sobredosis de droga. De repente, Nils se verá envuelto en una guerra entre bandas de narcotraficantes.

El film noruego «In Order of Disappearance» visto dentro de la sección Òrbita, apartado este dedicado a los films pertenecientes a ese género tan colindante últimamente con el fantástico como es el thriller en todas sus posibles ramificaciones, fue una de las pequeñas sorpresas que pudimos descubrir en el pasado festival de Sitges, la película vino proveniente del festival de Berlín del pasado año en donde fue recibido de una manera bastante positiva dado su carácter genérico, viniendo a ser un soplo de aire fresco entre tanta película de compromiso social y tono trascendental,  propuestas recargadas de una solemnidad en exceso, y que suele anidar con demasiada frecuencia dentro de su sección oficial.

El cineasta Hans Petter Moland  sitúa de forma clara a «In Order of Disappearance» en el reconocible territorio del género negro de reminiscencias noir, con un indudable acercamiento temático y nada disimulado al western postmoderno, creando de una manera acertada y en paralelo un vínculo escénico tan reconocible como sustitutivo en la presentación de sus áridos parajes nevados, esa nieve de Oslo, que sirven a modo señas de identidad genéricas a la acción en la que nos sitúa el director noruego, con un aprovechamiento del espacio bastante logrado, todo ello potenciado por la notable fotografía a cargo de Philip Øgaard. Aunque el punto más a destacar del film sea su hibridación genérica, tan sutil como efectiva, sobre todo en el apartado del humor negro que contemplamos durante su metraje, un humor irónico servido a base de pequeñas pinceladas, especialmente en personajes secundarios, algo que dota al conjunto de un sentido coherente a la propuesta y que la asemejan y emparentan de una forma clara a un reconocible cine creado por los hermanos Coen, «Blood Simple», «The Man Who Wasn’t There» y muy especialmente «Fargo» film con el que además comparte un escenario bastante similar, y alejándola al mismo tiempo de esa tendencia Tarantiniana tan dado al exceso nada disimulado y que tiene como máximo exponente el cine de por ejemplo Guy Ritchie.

Esta comedia negra criminal de disfrute liviano, contada y estructurada de modo episódico deviene de forma clara en una apuesta sobradamente sólida y disfrutable, un film sobre una venganza cálida en un escenario frío, que tiene su principal baza en su acertada y antes comentada mixtura genérica, cuyo indudable potencial visual y narrativo queda algo ensombrecido en el pobre desarrollo de sus personaje principales, dando cierta sensación esquemática en sus formas,  poco sabemos del personaje interpretado por Stellan Skarsgård, solo que ha sido recientemente nombrado ciudadano ejemplar del año en la pequeña localidad en donde reside y que se mueve en un ámbito de una exagerada por momentos normalidad, lo mismo se podría decir de los gángsters, tanto el noruego como de serbio, en este aspecto da la sensación de un predominio en la presentación de roles que la indagación personal más propiamente dicha.

Un film sin embargo que reafirma la inequívoca contemporaneidad y buena salud del cine de género negro nórdico y que confirma al mismo tiempo el talento de un cineasta como Hans Petter Moland,  cuya acertada continuidad autoral demuestra no ser para nada casual y del que urge rescatar de una manera apresurada su anterior y brillante «Zero Kelvin». Una propuesta la de «In Order of Disappearance» que se ve al mismo tiempo apoyada por intérpretes cuya sola presencia engrandecen el producto de una forma incuestionable, Stellan Skarsgård y sobre todo un extraordinario Bruno Ganz, dando este un auténtico recital interpretativo en base a ligerísimos matices, algo que parece simple pero que solo está al alcance muy pocos, de genios en definitiva de la talla del actor suizo.

Valoración 0/5:3

Un grupo de teatro ensaya un clásico de misterio, en el que la traición y la venganza ocupan un lugar central. La vida entre bastidores se verá salpicada de sangre cuando lo fantasmagórico abandone la ficción e irrumpa con terribles consecuencias en la realidad.

Lo del prolífico director japonés Takashi Miike es realmente es digno de elogio, no me cabe la menor duda que en un futuro cuando deje de dirigir su carrera será considerada como clave en el devenir de la historia del cine nipón, una trayectoria tan abundante como conceptual, ahora en plena madurez artística no le hace asco prácticamente a nada, consiguiendo no defraudar casi nunca, en «Over Your Dead Body» se atreve a llevar a la pantalla una nueva versión del clásico «Yotsuya Kaidan», relato escrito en 1825 por Tsuruya Nanboku IV como una representación para el teatro kabuki,  una historia de traición, asesinato y venganza fantasmal, en cierta manera se puede llegar a considerar la más famosa de las historias japonesas de fantasmas de todos los tiempos, se ha adaptado para el cine más de 30 veces, teniendo la versión de  1959 «Tôkaidô Yotsuya kaidan» de Nobuo Nakagawa como autentica punta de iceberg, una autentica obra maestra del género, incluso para las nuevas generaciones el bueno de Hideo Nakata intento en el 2007 versionarla de manera  algo mixta en «Kaidan» pues ahí también incluía «Ghost of Kasane» (otra ghost story clásica del folclore japonés), aunque de resultado algo irregular a la hora de plasmar todo ello en la gran pantalla.

Takashi Miike ya ha demostrado no hacerle asco a la hora de versionar películas clásicas de una manera tan pulcra como acertada, ahí están «13 Assassins» (2010) y  «Hara-kiri» (2011) para demostrarlo, en esa alternancia de cierta energía cinética que nos viene acostumbrado en los últimos tiempos, una tendencia bipolar a la hora de cambiar de registros en sus films, algo de alguna manera lo convierten en un creador total, en «Over Your Dead Body» Takashi Miike se sale por completo, consigue es más difícil todavía al ser respetuoso con el original e innovar al mismo tiempo de una manera brillante en lo narrativo, llevando la adaptación a un nuevo nivel, utilizando escenario y decorado para convertirlo en un espacio vital en donde la alternancia de realidades sirven como un perfecto juego de espejos a la hora de mostrar los oscuros recovecos que anidan en la naturaleza humana, mezclando ficción (la obra de teatro representada) y realidad (el devenir de sus protagonistas) en un ejercicio metacinematográfico rompedor, llevando el recurso del plano/contraplano prácticamente hacia la perfección y posibilitando de una manera lógica el diálogo entre lo real y lo ficticio, todo ello plasmado en una puesta en escena en donde la elegancia (elaboradísima fotografía a cargo de Nobuyasu Kita) y un tempo narrativo acorde con la propuesta sobresalen al unísono.

En «Over Your Dead Body»  Takashi Miike se explaya en una puesta en escena acorde con el desarrollo del film, sin rastro de excesos, sobria, impoluta y de un reconocible carácter críptico en este cuento malsano de historias solapadas en donde celos y venganza campan a sus anchas ayudado por la casi ausencia de elipsis algo que se agradece en cierta manera a la hora de hacer una lectura de su narrativa, cuadrando adecuadamente y al mismo tiempo de una manera armoniosa con su faceta técnica en base a unos elegantes movimientos de cámara y un montaje acorde con lo expuesto anteriormente, llegando a ofrecernos momentos bastantes inspirados en cuanto a la construcción de situaciones e imágenes de un poderío incuestionable y de un claro tono perturbador. «Over Your Dead Body» representa de manera perfectamente clara la madurez autoral de uno de los directores más influyentes del cine contemporáneo, en donde consigue modernizar y pervertir en positivo conceptos casi universales y al mismo tiempo llevarlos más allá de lo visto hasta la fecha.

Valoración 0/5:4

Unos jóvenes recién casados, Paul y Bea, viajan en su luna de miel a un lago remoto. Al poco tiempo de llegar, Paul encuentra a Bea desorientada y errante en mitad de la noche. Ella se va mostrando cada vez más distante y su comportamiento más peculiar. Paul comienza a sospechar que lo que le sucede a su esposa es algo más que sonambulismo.

Intentar hacer una selección adecuada de que ver durante el festival de Sitges de estos últimos años es una tarea tan complicada como difícil, una de las mayores virtudes del festival aunque haya personas que aún no se hayan dado cuenta de ello es su interminable e inabarcable oferta de películas, algo que lleva de manera inevitable a tener que hacer una selección de que ver (siempre llegará a ser más estimulante la oportunidad elegir que no tener no tener que hacerlo) aunque claro esto también conlleva el inconveniente o la incomodidad de llegar a perderte algún que otro descubrimiento programado de manera discutible (únicos pases, horarios difíciles, etc.), paso con la extraordinaria «Starry Eyes» y con la película que aquí nos ocupa, la interesante «Honeymoon«.

El debut en la dirección de la directora Leigh Janiak viene a ser una clara muestra de ese cine de género independiente que intenta abrir algunas nuevas fórmulas de narrativa cinematográfica dentro del fantástico, todo ello a través de una historia casi minimalista, dos únicos personajes, un espacio cerrado, con un innegable acercamiento en lo formal a la explotación del últimamente tan socorrido found footage, logrando la creación de una atmosfera bastante lograda, este es sin lugar a dudas uno de los punto más fuertes de la opera prima de Leigh Janiak, al igual que la utilización del espacio como un personaje clave más en la puesta en escena, ese escenario de naturaleza casi salvaje que se presenta como un claro factor desencadenante  que deriva hacia la propuesta de tono fantástico.

El elemento alegórico que nos presenta  Leigh Janiak en «Honeymoon» es harto evidente, esa representación metafórica que nos hace preguntarnos el cómo intentar convivir a diario con una persona que creías que conocías pero que de repente se destapa como casi un auténtico extraño, un desconocido con el que jamás te habrías llegado a casar, ofreciéndonos una notable producto en forma de thriller de terror psicológico acerca de la oscuridad y degradación tanto física como psicológica como inequívoco símbolo de la crisis en la relación de pareja, todo ello a través de un elementos fantásticos sugeridos y para nada explicativos  y deudora al mismo tiempo de claros y nada disimulados referentes cinéfilos, pérdida de identidad  «Invasion of the Body Snatchers«, o un ligero acercamiento al género redneck «Straw Dogs«, «Deliverance«, e incluso un explícito homenaje a una escena clave del «Shivers» de David Cronenberg.

«Honeymoon» termina siendo al mismo tiempo una clara muestra de cómo este recién acabado año ha supuesto la irrupción en positivo de una visión femenina del género, tan estimulante como atrevida, viendo la luz propuestas dirigidas por féminas en su mayoría operas primas de una indudable valía formal tales como «A Girl Walks Home Alone at Night«, «Goodnight Mommy«, «The Babadook» o «The Voices«, una tendencia está muy a tener en cuenta a partir de ya.                       

Valoración 0/5:3’5