Categoría: Peliculas

Mark Fisher, es un hombre que dos años atrás desapareció de su casa absorbido por un brillante haz de luz. Su amigo Seth fue la última persona que le vio con vida. Ahora, una serie de extraños y macabros asesinatos que están ocurriendo en la ciudad, hacen pensar a Seth que su amigo Mark ha vuelto… pero con algo diabólico en su interior.

En el pasado festival de Sitges hubo un par de películas que de alguna manera reivindicaban el género de terror ochentero, si «The Demon´s Rock» ofrecía un catálogo algo radical que glorificaba el uso del látex en sus efectos especiales de forma exagerada «Almost Human» por su parte presentaba ser una monster movie que homenajeaba sin ningún tipo de pudor el cine independiente norteamericano de bajo presupuesto de la época antes citada.

«Almost Human» es la ópera prima del jovencísimo Joe Begos, que recrea las pautas de ese cine sin pretensión alguna, de trama bastante digerible y duración generosa (apenas ochenta minutos de duración), su historia nos lleva por la senda de la abducción extraterrestre con claras referencias a otro título estrella en estas líderes de la época mencionada, «Xtro«, aunque su narrativa se inclina de forma meridiana hacia el típico Slasher con una más que generosa dosis de gore artesanal y con una total ausencia digital en ellos, como no podía ser de otra manera. Posiblemente si el film de Joe Begos hubiera visto la luz en los ochenta seria uno de tantos de aquella época loca en contenidos y desarrollos, la película posee muchas carencias, desde unas interpretaciones bastantes justitas lo que hace que no logremos empatizar con ninguno de sus personajes ( la ausencia de cualquier atisbo en lo referente al humor juega en su contra) o un guión torpón y carente de cualquier tipo de frescura, «Almost Human» es lo que es y no engaña a nadie y es en ese ejercicio de nostalgia cinéfila construido adrede cuando gana enteros a la hora de valorarla en su justa medida.

La sensación final que tuvo un servidor viendo el film es el de una extraña añoranza, extraña más que nada por comprobar lo rápido que pasa el tiempo y como un cine qué crees que es relativamente reciente pasa a ser objeto de la típica reverencia-homenaje en la época actual, y es los años no pasan en balde.. la simpaticona «Almost Human» así lo atestigua.

Valoración 0/5:3

Una pareja en crisis tratará de salvar su relación pasando un fin de semana en una mansión abandonada en la que para dar algo mas de chispa a su noviazgo deciden grabar sus relaciones sexuales en vídeo doméstico, sin embargo pronto descubrirán que no están solos en la casa, mientras su apasionado fin de semana se convertirá en una descarnizada  lucha por su supervivencia.

No deja de ser curioso que el subgénero denominado found footage, que a día de hoy se expande de manera vertiginosa y algo repetitiva en su formulario temático dentro del fantástico contemporáneo, busqué algunas fórmulas no demasiada transitadas en su enunciado que atraigan de alguna manera al espectador de turno, en esta ocasión se trata de presentar el producto en cuestión bajo la dirección de algún que otro creador que tiempo atrás perteneció a esa primera división mediática, dirigiendo películas para los grandes estudios o films que llegaron a alcanzar algún tipo de estatus  fílmico, llegando estos a atesorar un cierto reconocimiento cinematográfico, Barry Levinson por poner un ejemplo presentó hace un par de años la nada desdeñable «The Bay«.

Posiblemente Bernard Rose director de «Sx_Tape» no tuviera un reconocimiento tan subrayado como el antes mencionado, «Immortal Beloved» y su «Anna Karenina» le acercaron de alguna manera a los grandes estudios, pero sí que tenía un bagaje dentro del fantástico bastante acentuado, especialmente en sus comienzos como director, él es el responsable de «Candyman» y de una de sus primeras películas que no me canso de recomendar, la extraordinaria «Paperhouse«.

Lamentablemente «Sx_Tape» no aporta nada nuevo ni a su carrera como director ni al subgénero found footage, la película sufre de los mismos males de este tipo de propuestas, es repetitiva en su narración llegando a aburrir sobremanera en su primera hora (el film apenas dura unos 80 minutos pero se hace harto evidente sus problemas para mantener una narración algo coherente llegando a estirar la trama de manera tediosa), los personajes son demasiados estúpidos como para crear cualquier tipo de empatía sobre ellos y el espacio donde transcurre la acción (en este caso una clínica abandonada para chicas con problemas psicológicos) no está bien aprovechada. Solo al final de la cinta se anima de manera relativa algo la cosa.

Seguramente si no supiéramos el nombre de su director «Sx_Tape» pasaría completamente desapercibida para el ávido seguidor del cine fantástico, pasando a engrosar una lista de películas cada vez más grande, aquellas de temática found footage qué aportan muy poquita cosa.

Valoración 0/5:1’5

Janek es un técnico en una estación de observación del clima en lo alto de los Alpes. Es un lobo solitario, los científicos que regularmente pasan por allí y que comparten el amor por aquel lugar rocoso justo llegan a tolerarlo. Para empeorar aun las cosas, se acerca la visita del ministro de medio ambiente, que trae rivalidades diversas a la estación. Y de repente, todos los implicados se sienten agradecidos cuando su rutina diaria es interrumpida por un extraño descubrimiento. Un líquido rojo que sale de un glaciar cercano que se funde debido al cambio climático. Esta “sangre” del glaciar resulta ser un líquido muy especial, con unos efectos inimaginables en la fauna local. Janek no tardará en tener que defender la estación de una horda en aumento de monstruosidades biológicas. Los humanos se resguardan dentro del refugio junto al ministro. Dentro el grupo del ministro está Tanja, que es la única que conoce la razón del auto infligido aislamiento de Janek…

«Blood Glacier» también conocida bajo el título de «The Station» o en su original «Blutgletscher» es un film que adquirió una relativa notoriedad en los círculos festivaleros tras su presencia en la Midnight Madness del ultimo festival de Toronto, más conocido popularmente como TIFF, la Midnight Madness es  una sección dedicada a presentar premieres mundiales de films de género, en su mayoría productos de medio y bajo presupuesto y que en los últimos años ha devenido como un perfecto escaparate de películas a descubrir durante la temporada, si «Oculus» o «Afflicted» por citar dos ejemplos del pasado año cuadran a la perfección con dicho cometido «Blood Glacier» pasa con estrecheces, quizás demasiadas, el enunciado antes descrito.

Dirigida por Marvin Kren autor de la irregular «Siege Of The Dead» este film austríaco parte de una premisa de lo más interesante, a causa del cambio climático un líquido rojo se  fusiona con un glaciar provocando que la fauna local que entra en contacto con dicha sustancia sufra mutaciones mil, a partir de aquí los aficionados a las monster movies se podrían frotar las manos antes las posibilidades del argumento, el problema viene cuando el film dado su naturaleza de serie b de pocos recursos presupuestarios no esta a la altura de su enunciado presentándonos a las criaturas mutantes de manera algo difusa y pobre dado los recursos disponibles, digamos que esa austeridad de medios que la lleva a sugerir más que ha mostrar no cuadra del todo con la naturaleza festivalera de serie b del producto.

Si hay algo que salve a «Blood Glacier» son las prestaciones que se le da al escenario donde transcurre la acción, rodada en escenarios naturales de Los Alpes la película nos remite de forma clara y poco disimulada a «The Thing» de John Carpenter, tanto en escenario, como en personajes (ese protagonista principal, prácticamente un clon de Kurt Russell ) y sobre todo un sentido de humor algo especial con la que está dotada la película, claramente visible en el personaje de la ministra Bodicek, interpretada por la madre del director, Brigitte Kren, un personaje con demasiadas similitudes y no sólo físicas a la cancillera Angela Merkel, y un final del todo delirante, aunque en esto tengo serias dudas sobre si realmente se pretendía que fuera  cómico.

Al final «Blood Glacier» se queda como una por momentos simpática serie b destinada a una serie bastante definida de aficionados, con el claro objetivo de no querer ir más allá de ser un simple y mero entretenimiento.

Valoración 0/5:2

Atraídos por la promesa de unas auténticas aventuras en Australia, tres mochileros visitan el legendario cráter de Wolf Creek. Sin embargo su aventura se convertirá en una pesadilla cuando se encuentren cara a cara con el último hombre que cualquier persona querría encontrar en un lugar como ese: Mick Taylor. Mientras los mochileros tratan de huír, el psicópata irá tras ellos a través de un territorio salaje. Sólo cuando los jóvenes acaben en la guarida de Taylor, se darán cuenta de la verdadera monstruosidad que hay en su interior…

A la hora de realizar una secuela de un éxito suele ser bastante significativo el resultado que se obtiene según sean sus responsables, normalmente las que van cambiando de director conforme avanzan dichas continuaciones van perdiendo los rasgos autorales del film en que se basan, son films en su mayoría desarrollados a nivel de estudio o productora con el único propósito de ser rentables a nivel económico, películas que normalmente se ven despojadas de sus rasgos iniciales, sin embargo aquellas continuaciones que son hechas por los responsables del film primogénito, en un número bastante elevado suelen tener una cierta coherencia e interés ya sea a nivel de desarrollo o bien como una ampliación o mejora de la anterior película,»Wolf Creek 2» es una buena prueba de ello.

Greg McLean debutó en el 2005 con un modesto psycho killer de apenas un millón de dólares de presupuesto obteniendo un éxito económico (mas de 60 millones recaudados) y crítico, la película en cierta manera es considerada como de culto en según que sitios pese a su corta longevidad. McLean no explicaba nada nuevo en «Wolf Creek«, era un psycho killer al uso pero revestido de unos mimbres que la hacían muy a tener en cuenta, la utilización un escenario como es el desierto australiano (brillantemente fotografiado por Will Gibson) donde en un principio se nos muestra como un reducto de paz y calma para convertirlo a medida que avanza la trama en un espacio peligroso desprovisto por completo de cualquier tipo de protección hacia las víctimas, o el acertado uso de un crudo hiperrealismo narrativo, sin llegar a abusar de los golpes de efectos pero puntualmente explícita cuando tenía que serlo, y sobre todo al presentarnos a un carismático y algo atípico psycho killer interpretado de manera brillante por John Jarratt.
En «Wolf Creek 2» Greg McLean da un golpe de timón de manera inteligente, que nadie espere una continuación a nivel narrativo o temático del film anterior, el director australiano hace un guiño a los fans de la primera película y en cierta manera glorifica al personaje interpretado por John Jarratt dotando al film de un humor negro y un cinismo que no aparecía para nada en el primer film, de hecho «Wolf Creek 2» no es ni siquiera una película de horror es más bien un entretenido ejercicio de estilo, gran parte del metraje no deja de ser un nada disimulado homenaje a films como «Duel» de Steven Spielberg  o «The Hitcher» de Robert Harmon. Greg McLean de manera coherente con esta premisa dota a la película de mucho más litros de sangre y gore que su predecesora y bastante mas acción, esto se ve de manera clara y meridiana en la secuencia inicial y en la divertidísima escena con los canguros.

 «Wolf Creek 2» entretiene y se disfruta a diferencia de la primera parte, donde básicamente se sufría en el buen sentido de la palabra y lo hace desde un prisma de inteligencia creativa (con ciertas semejanzas en su concepto a lo que hizo Tobe Hooper con The Texas Chainsaw Massacre 2) y es que no hay mayor elogio hacia los fans del género que tratarles de manera referencial, cambiando esquemas y ofreciendo algo distinto a lo anterior.

Valoración 0/5:3’5

Un fallido experimento para solucionar el problema del calentamiento global casi acabó destruyendo la vida sobre la Tierra. Los únicos supervivientes fueron los pasajeros del Snowpiercer, un tren que recorre el mundo impulsado por un motor de movimiento eterno. Adaptación de la novela gráfica «Le Trasperceneige», escrita por Jean-Marc Rochette y Jacques Loeb.

El pasado 2013 supuso de manera algo curiosa los primeros trabajos realizados fuera de su país de tres de los más importantes directores surcoreanos de hoy en día, con distinta suerte en su resultado final, sí Park Chan-Wook destacaba con la excelente «Stoker«, Kim Jee-woon nos dejaba un regusto algo amargo con la alimenticia «The Last Stand«, por su parte Bong Joon-ho se atrevía con «Snowpiercer«, adaptación de una novela gráfica francesa escrita en los ochenta por Jean-Marc Rochette y Jacques Loeb «Le Trasperceneige».

Bong Joon-ho ya había dado muestras de su buena mano a la hora de abordar diferentes géneros, desde el thriller policíaco de tintes oscuros, la magistral «Memories of Murder» hasta el drama intimista «Mother» o la monster movie «The Host«, de hecho proviene de una cinematografía como la surcoreana bastante habituada a la hora de mezclar géneros en un mismo film, por lo tanto el proyecto en sí ya tiene una cierta lógica en su concepción.

Coproducida entre Corea (con Park Chan-Wook ejerciendo de productor) y Estados Unidos y con un variopinto elenco interpretativo lo primero que convendría alertar sobre está brillante película es alertar en algo al despistado espectador sobre su visionado, quien espere ver en «Snowpiercer» el típico blockbuster  con vocación internacional saldrá algo defraudado, el film de  Bong Joon-ho contiene demasiadas capas narrativas, estéticas o escenográficas como para hacerla pasar por tal, tampoco deambula sobre un tratado reflexivo acerca de la condición humana, digamos que es una fábula de ciencia ficción de trayecto tan vertiginoso como entretenido, que conforme va avanzando en el recorrido del tren nos moveremos desde la distopía post-apocalíptica reflexiva a la crítica ácida de un sistema de valores poco justo, pasando por momentos de pura acción violenta o de un humor excéntrico y algo kitsch, aunque parezca mentira al final todo tiene una cierta coherencia, evidentemente buscar un equilibrio perfecto entre tantas texturas no es tarea fácil, se tiende de manera lógica a cierta irregularidad narrativa, algo que se hace evidente especialmente en su tramo final.

Mención aparte merece la puesta en escena orquestada por Bong Joon-ho, sencillamente brillante, el escenario cerrado que supone los vagones del tren,(y que a cualquier otro director le hubiera supuesto todo un hándicap) los maneja el director surcoreano con una soltura destacable. Destacar asimismo la brillantez del conjunto interpretativo, desde un sólido Chris Evans hasta una serie de secundarios donde destacan prácticamente todos, Tilda Swinton, Song Kang-ho, Ed Harris o John Hurt entre otros.

«Snowpiercer» es un triunfo artístico por lo complicado de la propuesta, una rareza atípica que hay que saber valorar en su justa medida, en donde Bong Joon-ho sale airoso ofreciéndonos un producto tan apabullante en su contenido como entretenido en su devenir, consiguiendo que sus más de dos horas de duración pasen en un suspiro y que al final uno tenga ganas de más, un blockbuster con vocación de autor que irá ganando adeptos con el paso del tiempo.

Valoración 0/5:4

Inglaterra se encuentra sumida en una Guerra Fría con China. Por esa razón, el Ministerio de Defensa encarga al científico Vincent McCarthy que desarrolle un súper-soldado cibernético. La investigación se ve alterada cuando un error informático da vida a su invención, llevando al científico a pedir ayuda a Ava, experta en Inteligencia Artificial. Sin embargo, el programador, no contó con sensibilidad humana que esta maquina iba a desarrollar, y que pondría todos los planes del gobierno en peligro.

«The Machine» es un film británico de ciencia ficción de claro tono distópico  que nos alerta de los posibles peligros de la manipulación y utilización de la llamada Inteligencia Artificial en un futuro de claro trasfondo bélico.

Esta propuesta independiente de ciencia ficción nos plantea preguntas del tipo ¿tiene conciencia un ser artificial, sentir amor o representar un peligro para los humanos?, lo malo es que el film dirigido por Caradog W. James se queda algo estancado entre dos corrientes, la de la ciencia ficción reflexiva con algún que otro toque melodramático y la más pura live-action futurista, conforme avanzan los minutos vamos pasando de un extremo a otro creado una cierta confusión narrativa en su conjunto y no llegando a profundizar de manera clara en ninguna de estas dos vertientes, posiblemente esta sea su mayor defecto.

En cuanto a la interpretación tanto Tony Stephens como una muy eficaz Caity Lotz en su doble papel logran dar cierta coherencia al conjunto, no así el rol que interpreta Denis Lawson que se vislumbra como un simple villano de tono bastante estereotipado, pero posiblemente el mayor logro del film sea su acertada ambientación, de claros tono new-age  y alguna que otra referencia que la emparenta al Métal Hurlant , con una más que acertada iluminación qué esconde de manera notable el pobre presupuesto en el que se mueve la película así como una buena utilización de unos ajustados efectos especiales.

«The Machine» contiene reminiscencias de clásicos imperecederos, ahí están las referencias nada disimuladas al «Blade Runner» de Ridley Scott o al «A.I. Artificial Intelligence» de Steven Spielberg, quedándonos con la sensación de haber visto una curiosa y por momentos entretenida muestra de ciencia ficción con un empaque visual bastante notable pero con la impresión de no haber sabido explotar y profundizar algo más su historia.

Valoración 0/5:2’5

Ficha

Película: The machine. Dirección y guion: Caradog W. James. País: Reino Unido. Año: 2013. Duración: 92 min. Género: Ciencia Ficción . Interpretación: Toby Stephens (Vincent McCarthy), Caity Lotz (Ava / The Machine), Denis Lawson (Thomson), Sam Hazeldine (James), Pooneh Hajimohammadi (Suri), John Paul McLeod (Paul Dawson), Helen Griffin (madre de Paul Dawson), Siwan Morris (Lucy), Nicola Reynolds (Joan), Jade Croot (Mary). Producción: John-Giwa-Amu. Música: Christian Henson. Fotografía: Nicolaj Bruel. Montaje: Matt Platts Mills. Diseño de producción: Erik Rehl. Vestuario: Chrissie Pegg. Distribuidora: Alimpro Films.

El sórdido propietario de un bar de mala muerte contrata a un misterioso asesino a sueldo croata para que elimine a un tipo que le debe dinero. Una inocente camarera se ve involucrada en el crimen. Ahora, prisionera en su propio hogar, la joven deberá tomar medidas desesperadas para mantenerse con vida.

«Crawl» supone el debut tras las cámaras de Paul China, siendo su hermano gemelo Benjamín el encargado de producir esta ópera prima orquestada desde la lejana Australia que remite de manera notoria al film noir moderno norteamericano y muy concretamente al cine de los hermanos Coen, plasmado especialmente en dos de sus películas, «Blood Simple» y «No Country for Old Men«.

«Crawl» pese a lo loable de su modesta propuesta es un film fallido, siendo básicamente un esbozo carente de cualquier tipo de profundidad y desarrollo en cuanto a personajes y recursos narrativos, quedándose como una suerte de especie de ejercicio de fin de curso donde predomina el método formal y estructural a cualquier tipo de rasgo autorial por parte de su creador. Paul China también queda nuevamente al descubierto al intenta reverenciar de manera algo torpe el suspense Hitchcockiano en base a alargar secuencias de manera excesiva que no llevan a ningún sitio (la protagonista deambula durante largas secuencias por su casa sintiéndose amenazada por ruidos y pomos de puertas que se mueven de manera sospechosa) ,volvemos a toparnos con un esquema donde prima lo formal en detrimento del contenido y que se vislumbra parcialmente vació, llevando a una película ya de por sí corta en su duración (83 minutos) a hacerse por momentos alargada de manera poco justificable, que se intente el homenaje y la reverencia a un estilo de cine no tiene porque ser algo negativo, siempre y cuando el fin justifique  los medios.

La escena final del film con su nada disimulada similitud con respecto a «Blood Simple» nos lleva al debate de dónde empieza el método referencial al mero plagio, la película de China báscula de manera peligrosa por ambos conceptos, a final «Crawl» se erige como un ejercicio de estilo elevado a la décima potencia, loable pero defectuoso, donde se salva su empaque visual, por momentos acertados, así como la notable banda sonora compuesta por Christopher Gordon y por supuesto la siempre reconfortable presencia de la hermosa Georgina Haig, actriz que pronto podremos ver en la contundente «The Mule«.

Valoración 0/5:2

Adam (Jake Gyllenhaal) es un inestable profesor universitario que lleva una vida bastante monótona. Un día, viendo una película, descubre a un actor que es idéntico a él, consumido por el deseo de conocer a su doble, Adam sigue la pista del actor, ambos se verán abocados a un obsesivo enfrentamiento que tendrá inesperadas consecuencias no sólo para ambos, sino también para sus respectivas parejas.

Denis Villeneuve ha sabido aprovechar y reivindicarse de manera inmejorable el pasado año con dos films, la notable «Prisoners» y la película que nos ocupa «Enemy«, ambas rodadas prácticamente al unísono, alejadas entre sí en cuando a conceptos y materialización pero con una mirada que en cierta manera las une en lo referente a la riqueza emocional sus personajes.

«Enemy» es una adaptación de la obra escrita por José Saramago «El hombre duplicado» (bastante libre a tenor de los comentarios de quienes han leído el texto), donde se analiza el fenómeno del doble fantasmagórico o doppelgänger, a modo de pesadilla Kafkiana revestida toda ella con la apariencia de un oscuro thriller psicológico. Dicho planteamiento da bastante juego en lo referente a la coyuntura en que se debate nuestro personaje (espléndidamente interpretado por Jake Gyllenhaal), en lo referente a  su propia existencia, Denis Villeneuve nos plantea un discurso que se mueve dentro del territorio de la psique humana, concerniente básicamente a la falta de identidad, el anhelo de lo prohibido y todo aquello que no nos pertenece o el desarrollo de una no perfecta personalidad que nos conduce a la desdicha, todo ello servido de manera brillante mediante un mensaje metafórico que no críptico. Evidentemente el espectador tiene que estar predispuesto a dicho juego, entrar todo lo virgen que se pueda en lo referente a la propuesta y aceptarlo e interpretarlo de manera individual una vez digerido todo el entramado orquestado por Villeneuve.

Esta ambigüedad de contornos pesadillescos en la que se apoya el director canadiense esta perfectamente integrado en lo visual gracias al extraordinario trabajo realizado por Nicolás Bolduc mediante una fantasmagórica fotografía de tonos pálidos ocres que dotan a la ciudad de Toronto de una apariencia irreal, igualmente brillante es la banda sonora compuesta por Danny Bensi y Saunder Jurriaans. desquiciada e inquietante por igual.

A la hora de comparar y encontrar fuentes de inspiración de esta perfecta alegoría cinematográfica se ha citado de manera bastante amplia el cine de Kubrick, David Lynch o incluso Roman Polanski, puestos a emparejarla yo personalmente la remitiría a unas cuantas película realizadas por su compatriota David Cronenberg, aquellas en la que nos trasladaba a un oscuro mundo y que nos habitúo durante un cierto tiempo a este tipo de atmosfericas incógnitas planteadas, «Dead Ringers«,»Crash» y muy especialmente «Spider» con la que comparte junto a «Enemy» esa fascinante virtud del constante y complejo diálogo con el espectador.

Valoración 0/5:4

Nick Di Santo (Luke Kleintank) vive atormentado por su habilidad de tocar a alguien y ver exactamente como morirá. En su 23º cumpleaños, Nick es convocado por su madre en el manicomio donde fue ingresado desde su niñez. Esperando que su petición para verle sea una mejora, Nick deberá asumir la increíble revelación de que su padre que suponía muerto está vivo. Él podría conocer el origen del terrible don de Nick…

Victor Salva ha sido uno de esos directores que pese a tener films más que destacables en su filmografía se ha quedado en el umbral, no ha llegado a incorporarse a esa nómina de directores claves y referentes del género fantástico de los últimos años, por un motivo u otro no ha conseguido dar ese paso definitivo para ser reconocido de una manera más amplia, su ultimo film «Dark House» antes conocido como Haunted es un fiel reflejo de este pensamiento que me produce la carrera del director californiano.

Salva se dio a conocer en el panorama cinéfilo con «Powder» curiosa cinta con algún que otro toque argumental que lo emparentaba de alguna manera con el cine de Steven Spielberg, pero fue el éxito de «Jeepers Creepers» y su notable secuela lo que le colocó en una  primera fila que no supo aprovechar, su anterior película a «Dark House«, la alimenticia y televisiva en el sentido más peyorativo del   término «Rosewood Lane» así lo atestigua.

Aunque «Dark House» sea bastante más superior que «Rosewood Lane» está se encuentra alejada del mejor Salva, lo único que puede salvar en algo de la película es un intento por parte de su director de realizar un producto algo digno con un cierto aroma al cine de terror ochentero de ambientación rural, en el film hay aspectos reconocibles de los anteriores películas de su director y eso en parte es de agradecer pues demuestra que Salva con mayor o menor acierto ha intentado incorporar a la historia parte de sus tendencia autorial. Para ello Salva se sirve de un rostro reconocible y en parte icónico del cine de terror como es Tobin Bell e intenta crear una mitología genérica de claro devenir popular que recuerda en algo a la saga «The Prophecy«.Al final el film funciona como un mero entretenimiento sin más, que pese a su total falta innovadora en cuanto a ideas y con un guion que  chirría por momentos, consigue producir una cierta añoranza sentimental hacia un tipo de cine sin ningún tipo de pretensiones pero con un claro intento por parte de sus responsable de crear un producto digno y que no sea un insulto para los aficionados.

Al parecer y por fortuna Victor Salva vuelve a estar ocupado y ya tiene anunciados nuevos proyectos como «Purgatory«, «The Old Hag Syndrome» y sobre todo el esperado final de la saga Jeepers Creepers, ambientada en el oeste y donde se nos explica el origen de la criatura «Jeepers Creepers 3: Catedral«.

Valoración 0/5:2’5

«The Sacrament» nos cuenta como tres reporteros viajan a una comuna situada en el exterior de los Estados Unidos con la intención de hacer un reportaje y poder visitar a la hermana de uno de ellos, que vive en el seno de este colectivo pseudo-religioso conocido como Eden Parish. Una vez allí, se verán cautivados por la figura del carismático líder de la secta.

Ti West  va mejorando conforme su filmografía avanza, si en sus primeros trabajos «The Roost» y «Trigger Man» la escasez de medios que atesoraban las propuestas dificultaban en cierta manera hacer una valoración precisa del material, con «The House of the Devil» y «The Innkeepers» nos poníamos alerta al darnos cuenta de su  talento, en esta ocasión a la hora de referenciar de manera notable el cine de terror de los setenta con la primera y homenajear ese híbrido genérico tan característico en los ochenta como era mezclar el horror con una pinceladas de comedia con la segunda.

Con «The Sacrament» Ti West  se sumerge en el terreno del found footage (metraje encontrado) para explicarnos la tenebrosas peripecias de un grupo de reporteros que se adentran en una comuna con claras sospechas de ser una secta (de hecho el argumento de «The Sacrament» no deja de ser una versión de lo más fidedigna punto por punto de los trágicos sucesos acaecidos en Guyana, más conocidos por La masacre de Jonestown).Posiblemente la primera parte del film sea el más  conseguido, esa normalidad que precede a la tormenta en forma de preparativos por parte del grupo de reporteros a la hora de ir a Eden Parish consigue llegar a inquietarnos  por momentos otorgándole un ligero matiz al subgénero en base a una utilización del climax más que correcta, asimismo la presentación y desarrollo del personaje del líder espiritual interpretado con una notable solvencia por Gene Jones nos adentra en ese horror tan palpable y real de alienación y control mental sobre personas debilitadas por cualquier tipo de circunstancias. Hasta aquí el método utilizado del found footage para contarnos la historia es casi perfecto, es en la segunda parte de la película cuando a Ti West se la va la mano lastrando en algo el resultado final que podría haber sido bastante más redondo, y no porque el film acabe convirtiéndose en una explícita montaña rusa de horrores, algo a lo que irremediablemente nos lleva la historia, sino porque se traiciona en cierta manera la lógica del found footage mediante tomas y secuencias imposibles alejándose de esa supuesta realidad mostrada hasta ahora, digamos que si la primera parte funciona es porque el método elegido para filmar esta a disposición de la historia y no al revés como ocurre en el tramo final.

Aún así digamos que Ti West alcanza su mayoría de edad artística con «The Sacrament» colocándose en la zona alta de un grupo de directores estadounidenses (Adam Wingard, Eduardo Sánchez o Jim Mickle entre otros) llamados en parte a oxigenar y renovar el cine de género moderno como en los setenta lo hicieron gente como George A Romero, John Carpenter o Tobe Hooper, si, ya se que las comparaciones son odiosas y esta más aún, sólo con la perspectiva del tiempo se puede hacer una justa valoración de los hechos, pero por algo se tiene que empezar, los tiempos y la manera de hacer cine van mutando en concepto y práctica, esperemos que el talento siga apareciendo, sino mal vamos.

Valoración 0/5:3’5

A un ejecutivo publicitario (Josh Brolin) lo secuestran y lo mantienen aislado durante veinte años. Cuando por fin lo liberan, sin darle ninguna explicación, se lanza a una búsqueda obsesiva para descubrir quién orquestó un castigo tan cruel y extraño, pero lo que acaba descubriendo es que sigue siendo víctima de una conspiración.

No deja de ser curioso pero hasta cierto punto algo lógico el catálogo de fracasos ya sean a nivel de taquilla o el meramente crítico de los remakes realizados en los Estados Unidos de películas asiáticas, la mayor parte de ellos con un intervalo de tiempo bastante corto en su realización entre el original y el remake y prácticamente todas ellas vinculadas de un modo u otro al género fantástico,»Oldboy» es la última en llegarnos, un film que desde que empezaron a llegarnos las primeras noticias de su realización causaron un considerable revuelo mediático, básicamente porque el original, la enorme y estratosférica obra del coreano Park Chan-wook, es una de las películas más referenciales y emblemáticas de los últimos años, y porque el encargado de esta nueva versión era nada menos que Spike Lee al que considero un más que notable director pese que haya gente empeñada en atribuirle todos los males del mundo, solo hace falta repasar la lista de films realizados por el director neoyorquino para darse cuenta de su valía artística, una carrera eso sí algo irregular, con algún que otro altibajo no deseado.

Lamentablemente el «Oldboy» de Spike Lee es un despropósito  bastante considerable, fracasando prácticamente en todas las facetas que abarcaba dicho proyecto, posiblemente no era un material muy adecuado para ser dirigido a una audiencia tan amplia y tan poco abierta a temas de difícil digestión como este, bastante apartado de los convencionalismos narrativos al que suelen estar habituados el público norteamericano, por esto sorprende un poco que se haya optado por versionar el film de Park Chan-wook y no el manga de Garon Tsuchiya y Nobuaki Minegishi en el que estaba inspirado, un material, el de la novela gráfica, que a mi modo de ver era más apto y natural para la versión yanqui, aparte de ofrecerle al producto una frescura temática que podía llegar ser más valorado por un cierto sector de aficionados, recordemos que el film de Park Chan-wook  ya era de por  sí una versión bastante libre del manga.

La película de Spike Lee adolece de una falta de cohesión interna en su narración bastante evidente, es como si diera la sensación de querer ser en demasía respetuoso con el original (en base a una serie de guiños y referencias que poco ayudan en su desarrollo) pero llegando finalmente a estar a años luz de la fidelidad estética del film coreano.

Poco a resaltar, si acaso esos primeros cinco minutos donde parece que Spike Lee vaya por su cuenta y riesgo, y el buen hacer tanto de Josh Brolin como de Elizabeth Olsen, en contrapunto al personaje interpretado por Sharlto Copley que roza peligrosamente el más completo ridículo.

La verdad es que se me ocurre bien pocas cosas que sirvan de utilidad en una película como esta, si acaso que sirviera como especie de guía informativa que consiga despertar cierta curiosidad para aquellos que aún no hayan visto el film original y poder así descubrir la grandiosa película de Park Chan-wook, algo que la verdad se me antoja algo difícil contemplando las pocas virtudes y la falta de estímulo que puede ofrecer el remake perpetrado por Spike Lee.

Valoración 0/5:1

Nao Omori da vida a un hombre excesivamente fisgón que descubre un misterioso club, en el que encuentra una puerta que conecta con un mundo donde se puede experimentar sensaciones insólitas, si bien no se puede abrir bajo ninguna circunstancia. Pese a la advertencia, el intrépido héroe traspasa la frontera para toparse con enigmáticas y bellas mujeres cuyos planes ignora.

Hitoshi Matsumoto es uno de esos directores que no deja indiferente a nadie, con sólo cuatro películas en su haber «Big Man Japan» (2007), «Symbol» (2009) por la que siento una especial debilidad y la que considero a fecha de hoy como su mejor película,»Saya Zamurai» (2011) y «R100«(2013) ha conseguido crear un discurso cinéfilo que se ama o se odia, moviéndose habitualmente por el género de la comedia más  irreverente en el que a veces se oculta una tendencia que se mueve entre lo bizarro y lo experimental, lejos de cualquier tipo de convencionalismo y con una narración cinematográfica a la que uno tiene que enfrentarse lo más virgen posible para poder ser disfrutada en su máximo esplendor.

De hecho «R100″ no deja de ser una clara declaración de intereses por parte de Hitoshi Matsumoto, es como si el director después de realizar la que posiblemente sea su película más convencional en cuanto a contenido (la igualmente notable «Saya-zamurai» 2010) necesitara de moverse por ese tipo de cine tan multigenérico de notorio tono marciano pero con un resultado final de lo mas fascinante. La película que en su parte inicial parece dirigirse hacia una complacencia argumental comprensible en torno a un discurso tragicómico sobre las consecuencias que puede conllevar hacia un ciudadano de a pie el recurrir al placer del sadismo como formula de escape, pero que va mutando conforme pasan los minutos en un ejercicio de locura exagerado en la que Matsumoto se apoya en el llamado metacine para expresarnos con su característico y peculiar estilo una oda hacia el poder y sobre todo el derecho de la libertad creativa por parte del autor.

El panorama cinematográfico actual necesita de creadores como Hitoshi Matsumoto, capaces de cruzar sin ningún tipo de pudor esas líneas de convencionalismo narrativo tan presentes en el cine de hoy en día en base a un imaginario rico en ideas y texturas, no se me ocurre otra mejor manera de alabar este tipo de propuestas tan necesarias como poco transitadas.

Valoración 0/5:4

“La casa del fin de los tiempos” nos narra la historia de Dulce, madre y esposa, que tiene encuentros con apariciones dentro de su vieja casa, lugar donde se desata una terrible tragedia. 30 años después, Dulce regresa para descifrar el enigmático misterio que le ha atormentado por tantos años.

El cine de género proveniente de Latinoamérica se ha ido abriendo paso recientemente con propuestas relativamente interesantes, algo que tiempo atrás parecía ciertamente utópico que en según que países se realizará cine fantástico, así en estos últimos años hemos podido visionar películas como «La Casa Muda» Uruguay,»Somos lo que hay» o «Ahí va el diablo» México (las dos primeras ya con el correspondiente remake norteamericano),»El Paramo» Colombia, «Juan de los Muertos» Cuba y el film que nos ocupa la Venezolana «La casa del fin de los tiempos» solo por citar las más conocidas pero que suponen un claro ejemplo de la pujanza con respecto a la producción de este tipo de cine en Latinoamérica.

«La casa del fin de los tiempos» considerada como la primera película de terror del cine venezolano supone el debut en la dirección de Alejandro Hidalgo responsable también del guión del cual tardó dos años y medio en tenerlo listo después de innumerables lecturas cruzadas según palabras del propio director. La película aunque en un principio nos pueda parecer que quede enmarcada en el subgénero de las casas encantadas se adentra más en el cine de terror con el drama humano como claro trasfondo aderezada con ciertos toques folletinescos que poco ayudan en lo positivo de su resultado final, de hecho la supuesta casa fantasma sirve básicamente como mera excusa para contarnos la trágica historia sobrenatural de una madre (interpretada con cierto rigor por Ruddy Rodríguez),la estructura narrativa contada a modo de flashback denota cierto estilo por parte de Hidalgo que también parece desenvolverse con algo de soltura en aplicar los habituales modismos más populares del cine de terror consiguiendo en cierta manera atraer la atención del espectador en base a un guión que si bien no es del todo original si que consigue alejarse de la habitual convencionalidad que a veces predomina en el cine de género.

En el apartado negativo resaltar, aparte de un final algo edulcorado que no termina de cuadrar del todo en el tratamiento inicialmente propuesto por su director, muy especialmente los intervalos aventurescos de los protagonistas infantiles al más puro estilo «Stand by Me«, algo que supongo esta planteado a modo de liberar la tensión propuesta por Hidalgo en su historia pero que sólo consigue cortar de cuajo el ritmo narrativo del film llevándola irremediablemente a un anticlímax que perjudica sobremanera la película.

De todas maneras hay que ser bastante condescendiente a la hora de juzgar esta ópera prima de Alejandro Hidalgo y sobre todo es de esperar que encuentre apoyos a la hora de dar una continuidad a su trayectoria cinematográfica,»La casa del fin de los tiempos» pese a sus imperfecciones contiene un conglomerado de ideas parcialmente bien resueltas, algo a tener en cuenta en el futuro.

Valoración 0/5:2

Emily, un espíritu atormentado, recorre cada día su propio hogar preguntándose por qué no puede abandonarlo. Emily se ve abocada a una relación “paciente/terapeuta” junto a Sylvia, una medium contratada inicialmente para liberar a la casa de malos espíritus. Juntas descubrirán inquietantes misterios acerca del pasado de Emily que quizás puedan ayudarla a dar “el siguiente paso”.

El género fantástico en el devenir de su periplo cinematográfico ha sido víctima de una curiosa contradicción ya sea en lo argumental o en la simplemente estilística, con bastante frecuencia siempre ha caído en la reiteración del formulario de sus propuestas cayendo frecuentemente en el reiteración de ideas y planteamientos temáticos, curiosamente cuando estamos hablando de un género armado con suficientes mimbres imaginarios, todo ello debido a su incuestionable condición intrínseca del fabulario artístico que lo compone y que lo invitan continuamente a reinventarse.

«I Am a Ghost» del joven director H.P. Mendoza es en cierta manera un islote dentro del vasto panorama  genérico actual, sin ser ni mucho menos una película redonda Mendoza consigue sorprender y de alguna manera llamar la atención con esta historia de fantasmas contada desde dentro, con una novedosa forma de acercarse al mundo de los espectros y que demuestra una potencia narrativa digna de mención, donde somos testigos del errático comportamiento de un fantasma atrapado en una mansión victoriana de la cual no puede salir, vemos como nuestra protagonista repite acciones cotidianas de su vida pasada una y otra vez en forma de bucle todas ella acabadas de forma abrupta, la irrupción de una médium que consigue contactar con el fantasma nos llevará a una serie de explicaciones tanto a los que estamos visionando el film como a nuestra infortunada y sufrida protagonista.

Es evidente que la propuesta formulado por  H.P. Mendoza en «I Am a Ghost» no es un plato para todos los gustos, la radicalidad que nos ofrece requiere de un esfuerzo por parte del espectador, asistimos en la primera parte de la película a un recorrido algo tedioso para luego recuperar el ritmo en su parte final, digamos que es un film que se aprecia más una vez visto y digerido, es de aquellas películas que con el paso del tiempo nos deja algo de poso en nuestro subconsciente que nos permite apreciarla en su justa medida al cabo del tiempo.

Pese a sus claras limitaciones presupuestarias (un equipo de solo siete personas en seis días de rodaje) H.P. Mendoza, auténtico hombre orquesta guión, dirección, edición, fotografía, sale relativamente airoso del apartado técnico destacando especialmente la aplicación de textura colores que cuadra adecuadamente en el decorado clasicista en que se mueve el film. 

Al final «I Am a Ghost» quedará como una especie de rara avis apreciada solo por los seguidores del fantástico más inquietos, aquellos que busquen algo que se salga de la norma y que sepan apreciar en su justa medida esta propuesta original y por que no decirlo algo simpática de H.P. Mendoza, en los tiempos que vivimos es la única manera que se me ocurre de descubrir y disfrutar de una película como «I Am a Ghost«.

Valoración 0/5:3’5

Antisocial empieza en la nochevieja de un futuro no muy distante. Cinco amigos de la universidad se reúnen para celebrar el nuevo año. Sin que lo sepan, una epidemia ha estallado, causando brotes en todo el mundo. Sin ningún sitio al que ir, levantan barricadas y se encierran con sus teléfonos, portátiles y otros dispositivos electrónicos. Los usan para intentar averiguar las causas de esta infección. La información empieza a llegar en forma de videos a sus ordenadores, a la vez que el miedo se va convirtiendo en paranoia ¿Quién está a salvo? ¿En quién pueden confiar? La realidad se empieza a enturbiar cuando poco a poco descubren el virus que causa esta enfermedad… y no hay vuelta atrás.

«Antisocial» parte de una premisa argumental que aunque no sea original en su concepto si que es de lo más atractiva, un virus que se va expandiendo de manera vertiginosa convierte a las personas en seres sedientos de sangre, una especie de híbrido entre el zombie y el infectado, el hecho de que el virus se propague a través de las redes sociales hace que  dicha premisa resulte actual e interesante, el debate del uso de las nuevas tecnologías y el modo de comunicarnos a través de ellas y como estas consiguen cambiar y trastornar nuestro hábitos invitan a la reflexión.

Al comienzo del film vemos como nuestra protagonista rompe con su actual pareja a través de una fría videoconferencia, más tarde ya en plena epidemia contemplamos como el grupo de jóvenes hacen uso de dichos instrumentos virtuales tabletas, smartphones o portátiles de una manera compulsiva-dependiente para estar sabiendo que está ocurriendo en el exterior.El tema de como el mundo virtual se puede convertir en una amenaza para el individuo ya ha sido llevado al cine en varias ocasiones «Kairo» de Kiyoshi Kurosawa o la más reciente «Pontypool» de Bruce McDonald ,incluso a nivel literato tenemos «La célula«de Stephen King, lo malo es que la  ópera prima del canadiense Cody Calahan productor de «Monster Brawl» y «Exit Humanity«,se desentiende y elude por completo  cualquier discurso  teórico sobre el tema, ofreciéndonos en el desarrollo del film el tan manido slasher de supervivencia de ritmo algo tedioso, con una clara influencia por el J-horror (terror japonés) consiguiendo solo animarse algo en su parte final.

Al final «Antisocial«, bastante inferior a otra producción canadiense de premisa parecida «The Signal» 2007,se reduce a un mero entretenimiento sin ningún tipo de pretensión en su mensaje, de personajes estereotipados, que básicamente es solo disfrutable por fans que enfatizan con este tipo de propuestas modestas de serie b, digerible en su visionado pero perfectamente olvidable una vez has terminado de verla.

Valoración 0/5:2

Una niña es secuestrada a la salida del colegio. Su madre denuncia la desaparición a la policía, pero las autoridades no mueven un dedo. Horas después la pequeña aparece en un callejón, violada. Entonces, la mujer decide buscar justicia por su cuenta, aplicando sus conocimientos de ortodoncia con fines poco ortodoxos.

«Azooma» es un film independiente que se mueve entre el thriller y el drama y que supone el debut tras las cámaras del productor Lee Ji-seung responsable de éxitos comerciales como por ejemplo «Haeundae«,donde se nos explica las dificultades de una madre soltera a la hora de verse respaldada ante la justicia al intentar localizar al violador de su hija de 10 años.

Exceptuando sus 10 minutos finales, la película funciona más como vehículo de denuncia sobre una sociedad machista y discriminatoria que como un thriller de venganza, y no es la primera vez que vemos en películas Surcoreanas este tipo de denuncias que no deja en un buen lugar a dicha sociedad, cargando las tintas especialmente sobre un débil sistema jurídico acompañado de una alarmante inoperancia policial.

«Azooma» no va, ni quiere, ir más allá de dicha propuesta, dejándose ver con cierto agrado pese a lo duro de su argumento en su ajustado metraje (unos escasos 70 minutos), donde cabe resaltar la manera en que esta estructurada su narración, fraccionada a base de saltos temporales en su historia, supongo que para disimular cierto estilo telefilmesco causado quizás por su redundancia dramática algo inherente en el cine Surcoreano.

Resaltar así mismo la fotografía (que la emparenta de algún modo a ciertas películas de Kim Ki- Duk), que le otorga una acertada frialdad y realismo sucio bastante acorde con la historia así como el notable rol de su protagonista principal la actriz Jang Yeong-nam, aquí en su primer papel protagonista.

Valoración 0/5:2’5

Termina el 2013 y es época de listas que destaquen lo mejor de la temporada, un 2013 marcado por una cada vez más notoria reinterpretación del fantástico autoral, donde aparte de las propuestas más clásicas y comerciales de siempre va creciendo una corriente de nuevo sello donde autores de nuevo cuño e incluso gente consagrada en el ámbito cinematográfico utilizan la temática fantástica en mayor o menor medida para presentar sus propuestas.

Posiblemente esta corriente cada vez más extendida hace que el género (no solo ya a nivel cinematográfico sino también en el ámbito de la televisión) se vaya abriendo hacia un público ya no tan minoritario, abriéndose hacia nuevas fronteras y espacios como por ejemplo el de los grandes festivales donde certámenes como Berlín, Cannes, Venecia o Toronto presentan en su sección oficial películas de género con total naturalidad, algo impensable hace algunos años.

A la hora de confeccionar la presente lista he utilizado un método tan particular como anárquico, guiarse por los títulos estrenados ya sea en cine como en el mercado doméstico en España es una tarea un tanto absurda dado la lamentable situación existente en la distribución de nuestro país, así me he guiado básicamente por los film que he podido ver durante el presente curso ya sea a nivel de estrenos, festivales o vistas en la red.

Por último puntualizar que posiblemente no sean las mejores 10 películas vistas por mi durante el 2013, es una lista concerniente básicamente al género fantástico desde mi particular punto de vista, seguramente a alguien le sorprenda que incluya en esta lista a un film por ejemplo como «Drug War«,el magnífico thriller a cargo de Johnnie To, pero me remito a lo comentado más arriba, la rotura de esquemas genéricos que se viene dando últimamente hacen que films como estos sobrepasen esas barreras convencionales y fundamentalistas en lo que refiere a catalogar si entran o no en una categoría genérica.

1-«Upstream Color». Shane Carruth

Kris se ve alejada de su vida cuando un ladrón de poca monta la droga. Pero no se trata de un simple robo, algo más está ocurriendo. Sin saberlo, se ve arrastrada hacia el ciclo de la vida de una presencia que se introduce en el mundo microscópico y pasa por nematodos, plantas y ganado, y así sucesivamente. Por el camino, ella encuentra a otro ser, uno que le resulta familiar y que también ha sido arrastrado por esa poderosa fuerza. Ambos buscan desesperadamente un lugar seguro entre ellos mismos, mientras luchan para conseguir encajar los fragmentos dispersos de sus destrozadas vidas.

2-«Drug War». Johnnie To

Zhang está a cargo de una brigada antidroga. Cuando por fin detiene al delincuente Timmy Choi, ambos llegan a un acuerdo: Choi podrá rehuir la pena de muerte a cambio de trabajar para la policía como infiltrado.

3-«Escape from Tomorrow». Randy Moore

Un viaje posmoderno, surrealista en las entrañas de la «familia» del entretenimiento, una batalla épica comienza cuando un padre desempleado de mediana edad pierde su cordura durante un encuentro cercano con dos chicas adolescentes en vacaciones.

4-«L’étrange couleur des larmes de ton corps». Hélène Cattet,  Bruno Forzani

Una mujer desaparece. Su marido decide investigar las extrañas circunstancias de su desaparición. ¿Acaso le ha abandonado? ¿O es que está muerta? A medida que va indagando en las respuestas, el marido se verá gradualmente inmerso en una serie de situaciones violentas.

5-«Gravity». Alfonso Cuarón

Durante un paseo espacial fuera de su nave reparando un satélite, dos astronautas sufren un grave accidente y quedan flotando en el espacio. Una es la doctora Ryan Stone, una brillante ingeniera que está en su primera misión espacial. Su acompañante es el veterano astronauta Matt Kowalsky. La misión exterior parecía rutinaria, pero una lluvia de basura espacial les alcanza y ocurre el desastre: el satélite y parte de la nave quedan destrozados, dejando a Ryan y Matt completamente solos, momento a partir del cual intentarán por todos los medios buscar una solución para volver a la Tierra.

6-«Stoker». Park Chan-wook

Cuando India Stoker (Mia Wasikowska), una adolescente, pierde a su padre (Dermot Mulroney) en un trágico accidente de coche el día en que cumple 18 años, su vida se hace añicos. Su impasible comportamiento oculta profundos sentimientos que sólo su padre comprendía. Cuando su tío Charlie (Matthew Goode), hermano de su padre del que desconocía su existencia, aparece por sorpresa en el funeral, éste decide quedarse una temporada en casa de India y de su inestable madre (Nicole Kidman). Aunque al principio desconfía de su encantador y misterioso tío, pronto se da cuenta de que tienen mucho en común..

7-«Jodorowsky’s Dune». Frank Pavich

En 1975, el polifacético artista y director de culto Alejandro Jodorowsky soñó con un proyecto: la adptación de la novela clásica de ciencia-ficción «Dune», de Frank Herbert’. Junto al guionista de Hollywood y maestro de efectos especiales Dan O’Bannon, el (futuro) diseñador de «Alien» H.R. Giger y el artista de cómics Jean “Moebius” Giraud, todos bajo la dirección de Jodorowsky, «Dune» sería una superproducción cuyas cotas de ambición sobrepasaban todos los límites. Un sueño que se derrumbó antes de poder alzarse. Al fin, tras cuatro décadas, un documental nos desvela el film que pudo ser el «Dune» de Alejandro Jodorowsky, documental que emplea un enfoque similar a «Lost In La Mancha» de Terry Gilliam, y que nos permite descubrir entrevistas con sus principales artífices y una inmersión en todo el trabajo de pre-producción creado para la cinta.

8-«Only God Forgives». Nicolas Winding Refn

En Bangkok, Julian, un fugitivo de la justicia estadounidense, dirige un club de boxeo tailandés que actúa como tapadera para su tráfico de estupefacientes. Su madre, jefe de una amplia organización criminal, desembarca procedente de Estados Unidos para repatriar el cuerpo de su hijo favorito, Billy: el hermano de Julian ha sido asesinado tras haber masacrado salvajemente a una joven prostituta. Llena de odio y venganza, exige a Julian la cabeza de los asesinos. Julian deberán entonces enfrentarse a Chang, un extraño policía jubilado, adulado por los demás policías.

9-«È stato il figlio». Daniele Cipri

Se mueve en lo grotesco y lo trágico en una Palermo cutre, surrealista y atemporal, reconstruida en el barrio Paradiso de Brindisi, en Apulia. El padre de la familia, Nicola Ciraulo es una especie de Homer Simpson siciliano, como ha dicho el propio autor del libro Alajmo. Para mantener a su familia vende el hierro que extrae de barcos abandonados. El resto de miembros de la familia son la madre Loredana, los abuelos Fonzio y Rosa y los hijos Tancredi y Serenella. La tragedia estalla tras un día en la playa. La pequeña Serenella, como si tuviese una corazonada, no quiere volver a casa. En un ajuste de cuentas mafioso, una bala perdida mata a la niña. Tras el luto, llueve el maná del cielo. Los familiares tienen derecho a una indemnización por parte del Estado de 113.000 euros…

10-.»Dupa dealuri» (Beyond the Hills). Cristian Mungiu

Después de haber vivido varios años en Alemania, Alina se reúne con una amiga en un aislado convento ortodoxo rumano. Su amistad se remonta a la época en que, siendo niñas, se conocieron en un orfanato. Alina pretende que su amiga vuelva con ella a Alemania, pero ésta se niega porque no sólo ha encontrado refugio en la fe, sino que las monjas constituyen su familia.

Completamente amnésico, John despierta en una tumba abierta y llena de cadáveres. Una mujer lo ayuda a salir y lo conduce hasta un pequeño grupo de personas en circunstancias parecidas. Las dudas comienzan a planear sobre los supervivientes: ¿y si el responsable de la masacre es uno de ellos?

Siempre he sentido una gran admiración y una notable condescendencia a la hora de juzgar los trabajos realizados por directores patrios fuera de nuestras fronteras, la lamentable situación existente a día de hoy en España a la hora de labrarse una carrera como director ha llevado a la consabida «fuga de cerebros», Jaume Collet-Serra o Juan Carlos Fresnadillo son algunos ejemplos, Gonzalo Lopéz-Gallego ha sido uno de los últimos en buscarse la vida en el extranjero.

Gonzalo Lopéz-Gallego ya había dado muestras de su buena mano con el destacable thriller survival  «El Rey de la Montaña» 2007, fue en el 2011 cuando decidió cruzar las fronteras debutando en Estados Unidos con el Found footage de terror espacial «Apollo 18» de la mano nada menos que de Lionsgate con los temibles hermanos Weinstein al frente, pelicula que mereció mejor suerte tanto en su distribución como las algo injustas valoraciones criticas que recibió en su  día.

«Open Grave«es su nueva incursión internacional, con una historia a modo de thriller de tensión con alguna pincelada de género fantástico en su interior, contada a través de los ojos un protagonista amnésico en un viaje compartido con el espectador en el que vamos recopilando información de quién es y el porqué de la situación en la que se encuentra. Pese a esta estructura argumental que nadie se espere ninguna historia a modo de puzzle críptico ni a la imprevistos giros finales a la hora de finalizar la película, es evidente que ese no es el propósito de Lopéz-Gallego, de hecho no hace falta ser ningún lince para ir averiguando lo que va ocurriendo en la trama que llega a ser incluso por momentos algo previsible.

El film empieza con una gran escena inicial realmente impactante y rodada de manera brillante que deja el listón demasiado alto con respecto al resto del metraje que sufre de un evidente bajón a la hora de continuar la historia especialmente al abordar argumentalmente el devenir de algunos personajes secundarios.

Posiblemente la mayor virtud de la película es que mantiene a la perfección la tensión y la acción a lo largo de casi todo el metraje, ayudado especialmente por el buen uso de los exteriores donde transcurre la acción dando lugar a un brillante trabajo de fotografía a cargo de José Montero gracias a los frondosos bosques húngaros donde fue rodado, escenario y apariencia que remiten directamente y de manera clara hacia la televisiva «Lost» con la que guarda más de una similitud argumental.

«Open Grave» demuestra la buena mano de Gonzalo Lopéz-Gallego como artesano de género a la hora de afrontar trabajos ajenos, productos consumibles y disfrutables, ahora sólo le falta  dar con el proyecto que le permita dar el consabido pelotazo y que le lleve ingresar en la primera división de realizadores de la maquinaria de los grandes estudios, es cuestión de tiempo, Gonzalo Lopéz-Gallego va sobrado de talento.

Valoración 0/5:3

Una joven estudiante a enfermería, Asuka, se traslada junto con sus padres y su nuevo hermano a un nuevo inmueble. Pero, ya la primera noche, Asuka se despertará al escuchar un extraño sonido, como de uñas escarbando, que viene del piso contiguo. Al investigar, descubrirá a un anciano muerto por malnutrición que aparentemente se encontraba escarbando la pared con sus uñas para invadir su dormitorio.

Corría el año 1999 cuando un desconocido Hideo Nakata presentaba en el festival de Sitges la película «The Ring» la que a la postre sería la película más emblemática del llamado j-horror, dando a conocer este subgénero a una gran parte del público  occidental,Nakata comentaba en un claro acto de modestia artística y conciente de lo que se avecinaba que antes de la moda del j-horror en Japón había existido una gran tradición del fantástico destacando por encima de todo el «Kaidan»,un género que ha persistido en Japón tanto tiempo como la historia conocida de la literatura japonesa.

Tuvo que esperar tres años para que fuera reconocida su labor de director en su justa medida por encima de cualquier modismo cinematográfico con la que a la postre ha sido su mejor película con diferencia hasta la fecha de hoy, la extraordinaria «Dark Water«,a partir de aquí la carrera del director nipón ha ido dando tumbos de manera bastante irregular, a medio camino entre su país de origen (con un gran numero de productos alimenticios de tv) y occidente con unos resultados más bien pobres en la que solo cabe resaltar su peculiar y algo fallido homenaje al subgénero antes citado «Kaidan» y la curiosa por momentos «Chatroom«.

«The Complex» supone el punto más bajo de la carrera de Nakata y la contratación del agotamiento del llamado j-horror como fórmula genérica novedosa,la película tiene todos los mimbres necesarios que requiere una propuesta de estas características pero la sensación de déjà vu da paso a una falta alarmante de originalidad ya sea argumental e incluso a nivel técnico.

Si bien al inicio Nakata imprime al film un recorrido algo sostenido y sugerido acorde con sus primeros trabajos conforme avanza la película la cosa se le va por completo de las manos con una historia de ritmo irregular,mal contada y peor ejecutada en su parte final recurriendo a la consabida casquería y artificialidad despojando así al producto de cualquier lógica estructural  y llegando por momentos a bordear lo risible de manera involuntaria(todas la escenas del los médiums).

No deja de ser curioso que haya tenido que ser uno de sus máximos exponentes, Hideo Nakata, el que haya abierto-cerrado en cierta manera el círculo creativo y vital del llamado j-horror, una manera algo triste de acabar por el momento con este aluvión de terror nipón.

Valoración 0/5:1

Alice es una niña de once años que atrae a mujeres de sesenta años. A través de engaños consigue hacerse amiga de ellas, hasta convertirse en la cura de su “síndrome de nido vacío”. Una vez ha llegado a ser parte de sus vidas, una vez que ellos no pueden vivir sin ella, se beneficia con pequeños regalos que acaban convirtiéndose en verdaderos honorarios. Un pequeño precio a pagar por volver a sentirse de nuevo madres… Pero un día, Alice encuentra a la señora equivocada, un día encuentra a Ann. Y desaparece. Ann es una mujer solitaria, vive con su colección de mariposas y los recuerdos del pasado, recuerdo de Alice también, a la que encuentra mucho a faltar. Cerca de la casa de Ann vive Claudia, recientemente divorciada, una atractiva madre soltera luchando por su nueva independencia. Claudia le pide a Ann que cuide a su hija, Julie, por un fin de semana. ¿Descubrirá Julie lo sucedido con Alice?

The Butterfly Room es una película atípica para los tiempos y tendencias cinematográficas que vivimos a día de hoy,esta cinta dirigida por el peculiar director y guionista italiano Jonathan (Gionata) Zarantonello nos cuenta en forma de thriller de terror con una cierta tendencia hacia el drama psicológico familiar las desviaciones del instinto materno que sufre nuestra protagonista la gran Barbara Steele cuya presencia en el film se asemeja a un cierto estilo de homenajes que eran bastantes frecuentes en los 70 de actrices ya algo mayores en películas de género (Bette Davis,Joan Crawford entre otras eran bastantes asiduas a este tipo de producciones) y que le confiere al film de Zarantonello un algo e inusual hoy en día aire retro.

Digamos que la película en términos generales ha sido bastante mal tratada por parte de la critica aunque un reducido grupo de esta la a elevado a film de referencia,bueno..ni una cosa ni otra..The Butterfly Room es un film que reverencia al género en cuanto a una cierta estructura argumental que la acerca de alguna manera a los guiallos de últimos de los setenta pero que curiosamente y a diferencia de estos elude lo explícito ( la película no contiene ninguna secuencia donde aparezca algo de sangre),por otra parte podemos ver un curioso y en parte agradable desfile de caras conocidas del género como Heather Langenkamp ( A Nightmare on Elm Street), Ray Wise (Twin Peaks), Adriennne King (Friday the 13th),Camille Keaton (I Spit on Your Grave) o Joe Dante.

El principal problema con The Butterfly Room es el torpe uso al aspecto narrativo que le da Zarantonello al film,la utilización del flashback es difuso llevando al espectador ha confundirse en diferenciar lo que es presente y pasado,al final todo cuadra por lógico pero esta imperfección lleva al visionante a un esfuerzo algo innecesario en una película cuya función no es esta, con momentos originales en su vertiente argumental pero algo tediosa en algunos momentos de su metraje y con alguna que otra tendencia hacia el desvarío (la secuencia del ascensor).

De todas maneras el hecho de poder disfrutar durante los escasos 87 minutos que dura la película de la imponente y carismática Barbara Steele cuya presencia esta prácticamente en todas las secuencias del film ya justifica de por  sí el visionado de un producto tan  atípico como The Butterfly Room que pese a todas las imperfecciones que contiene siempre preferiré y pondré por delante a films esclavos de modas imperantes y algo descafeinadas (el found footage de turno o las  típicas  seudo-secuelas) que no aporta ni un ápice de originalidad en el actual panorama de género.

Valoración 0/5:3

Mientras la nave que los relevará de sus operaciones se acerca, un grupo de astronautas exploradores se topan con un descubrimiento: un grupo de muestras rocosas revelan evidencias microscópicas de vida. Unas horas antes de abandonar el planeta, dos de los astronautas regresan al cavernoso valle donde hallaron las muestras para reunir más hallazgos. Pero uno de ellos sufre un accidente… y su cuerpo es ocupado por la misteriosa y terrorífica forma de vida que acaban de descubrir.

En este 2013 apunto de acabar los aficionados a la ciencia ficción espacial estamos en cierta manera de enhorabuena ya que dicho subgénero que no se viene prodigando en exceso en los últimos años ha visto como productos de un nivel medio-alto han visto la luz en el presente curso.»The Last Days on Mars» ha seguido la estela de otros films como «Gravity» o «Europa Report» si bien la película que nos ocupa se adentra mas al homenaje a la scifi de terror con un marcado carácter a serie B referenciando films como «Alien«,»Ghosts of Mars» y muy especialmente «Terror en el Espacio» de Mario Bava que a propuestas mas filosóficas o de contenido más técnico-científico como las dos propuestas arriba citadas.

El film dirigido por Ruairi Robinson ha tenido una curiosa  difusion comercial,se pudo ver de forma algo sorpresiva en la pasada edición del festival de Cannes en su quincena de realizadores sección no muy dada a incluir películas de género,cosechando buenas criticas,una vez adquirida por la Universal para su distribución está decidió sacarla en la modalidad de V.O.D estrenandola de manera limitada en salas comerciales en algunos países como Francia y Gran Bretaña.

Posiblemente «The Last Days on Mars» este un escalón por debajo de las dos notables películas comentadas antes, el film de Ruairi Robinson pese a no ser completamente conseguido en su resultado final si que llega a ser un producto más que disfrutable, especialmente para los amantes del género.

La película cumple en su faceta referencial de dicho subgénero pero no logra ir más allá de en su loable cometido,digamos que entretiene en cierta medida pero no sorprende,el estar basado en un relato corto («The Animators»,Sydney J. Bounds) es algo que le lastra pues en determinados momentos da la sensación que el argumento es algo esquemático y no da para más, al intentar mostrarnos algo más por ejemplo de los personajes (el trauma del personaje interpretado por Liev Schreiber) naufraga en cierta manera al no saber trabajar con acierto un apartado que no sea el más puramente fantástico.Tampoco se sabe aprovechar correctamente el escenario escogido,que la acción discurra en Marte es meramente anecdótico algo que no deja de ser una pena pues dicho escenario daba a priori bastante juego.

En el apartado positivo destacar un pulido diseño de producción,un casting acertado destacando a Elias Koteas y muy especialmente a una sorpresiva Olivia Williams y una por momentos brillante banda sonora a cargo de Max Richter.

Al final «The Last Days on Mars» quedará como un disfrutable y bienintencionado entretenimiento para amantes del «space horror» género por el que siento una cierta debilidad,pero con el lastre de dejar un cierto regusto a déjà vu para un publico no condescendiente con dicha propuesta.

Valoración 0/5:3

Nica (Fiona Dourif) está destrozada tras el terrible suicidio de su madre. Su hermana mayor Barb (Danielle Bisutti) regresa a su casa para ayudarle en este duro trance, trayéndose con ella a su hija pequeña, quien posee un muñeco parlante llamado Chucky que llegó misteriosamente por correo. A medida que una serie de brutales asesinatos comienzan a aterrorizar a la familia, Nica sospecha que Chucky puede ser la clave del derramamiento de sangre, pero lo que sabe es que éste está decidido a terminar un trabajo que comenzó hace más de 20 años, y esta vez lo va a llevar acabo hasta el final…

En 1988 «Child’s Play» aquí conocida como Muñeco Diabolico trasladaba la figura del muñeco asesino,un personaje bastante utilizado a lo largo de la historia del cine y la televisión fantástica (Dead of Night,Twilight Zone,The Devil Doll,Magic etc) al ámbito del terror ochentero de la mano de Tom Holland un artesano bastante competente de la época,la película tuvo el correspondiente éxito dando lugar a una serie de secuelas a lo largo de los años venideros.John Lafia (alguien hoy en dia recuerda su «The Blue Iguana») dirigió la segunda parte,al año siguiente apareció la tercera parte y la cosa se fue devaluando en exceso,tanto «Bride of Chucky» como «Seed of Chucky» supusieron un cambio de timón en lo que refiere al trancurrir de la saga introduciendo el elemento de la parodia gruesa y una caricaturización del personaje algo elevada en especial en «Seed of Chucky» algo que coloco a la franquicia en su punto mas bajo.

Si hay una persona que se le puede otorgar la paternidad del personaje ese es sin duda Don Mancini guionista de todos los títulos de la saga y director tanto de «Seed of Chucky» como de «Curse of Chucky«.

En «Curse of Chucky» Mancini ha hecho lo mas inteligente que es olvidarse temáticamente de las dos ultimas películas  de la saga y volver al primer titulo en lo que se refiere a personajes y desarrollo argumental basado en un terror funcional y referencial y hasta algo gótico.

La película pensada para el mercado del DVD&Bluray sin ser ninguna maravilla se ve con agrado y hasta con nostalgia y funciona en cierta medida como una especie de reboot a la saga,en donde se agradece el elevado uso del gore asi como no abusar en exceso de los efectos digitales.

Aunque quizás la alabanza más adecuado a la cinta venga en un plano claramente sentimental,volver a ver en escena a Brad Dourif(cuya hija es la protagonista del film) y el trato que otorga Don Mancini a la criatura que creo hace ya la friolera de 25 años es algo y más en los tiempos que corren hoy en dia digno de elogio.

Valoración 0/5:2’5

Jóvenes muchachas de los balcanes son obligadas a prostituirse con los militares. Una huérfana sordomuda es esclavizada para cuidarlas. Se mueve entre las paredes, planeando su huida. Maquinando su ingeniosa y brutal venganza.

Opera prima del británico Paul Hyett conocido por encargarse de un amplio numero de películas de los efectos especiales y de maquillaje (The Descent, Eden Lake,Attack the block o La Mujer de Negro entre otras),contandonos en esta su primera película las desdichadas peripecias de una chica sordomuda que es obligada a drogar y maquillar a las mujeres secuestradas y maniatadas que soldados y lugareños usan para desfogar sus instintos sexuales más primarios y salvajes todo ello con el marco de fondo de la guerra en la antigua Yugoslavia.

Hyett nunca intenta utilizar ningún tipo de metáfora en lo referente al conflicto belico,en su lugar utiliza dicho contexto de barbarie para contarnos una historia de terror crudo y survival en su parte final aprovechando dicho escenario,una crudeza algo explícita pero para nada gratuita,algo por otra parte que se agradece.

Aunque tenga una primera parte algo lenta en cuanto a desarrollo personalmente es la que mejor funciona a mi parecer,una parte sin apenas diálogos, bastante elíptica donde el protagonismo pasa por el manejo de las imágenes,la parte final es mas discutible en cuanto a su propósito final pues rompe en alguna medida con la propuesta que en un principio parece adquirir el film transportándonos en cierta manera a un algo burdo «survival» mas digerible en lo que al entretenimiento se refiere pero con la sensación de déjà vu tan característico en este tipo de propuestas donde los consabidos y arquetípicos villanos se apoderan de la función.

Posiblemente el apartado mas notable del film por inhabitual en este tipo de películas es su cuidado y brillante diseño de producción donde resalta muy espacialmente la fotografía de Adam Etherington adquiriendo el film una irrealidad cromática que consigue ensamblarse a la  perfección a la algo irregular pero estimable propuesta cinamatografica de Paul Hyett.

 Valoración 0/5.3

La familia Davison es atacada por un grupo de asesinos sádicos durante una escapada familiar. Atrincherados en la casa de vacaciones, hacen frente a los asaltantes. Los asesinos enmascarados no contaban con la presencia de Erin, la novia del hijo mayor de los Davison, cuyo misterioso pasado la ha hecho fuerte y muy difícil de matar.

Adam Wingard pertenece a un nuevo grupo generacional de directores norteamericanos en lo que se encuentra gente como Ti West,Jason Eisener,Simon Barrett o Simon Rumley entre otros, apadrinados todos ellos por nombres con un recorrido más amplio en el cine como  Eli Roth o Larry Fessenden y que parecen pertenecer a una nueva saga de directores dispuesta a reformular los códigos genéricos del cine fantástico (especialmente el del terror) con sus propuestas.

Posiblemente Adam Wingard  sea junto a Ti West los mas destacados por el momento,»You’re Next» es un claro ejemplo de esta cuanto menos loable tendencia,situada entre el slasher y el subgénero «home invasión» supone un soplo de aire nuevo al cine de terror que sin inventar nada nuevo consigue algo parecido a lo que ha hecho recientemente James Wan con su «The Conjuring» a base de respetar las directrices del género,ofrecer una buena dosis de sangre todo ello aderezado con un humor muy negro y lo que es mas importante que con todo esto no se llega desvirtuar en nada la historia que nos están contando.

Adam Wingard sabe perfectamente por que terrenos se mueve manejando los parámetros del género con una solvencia notable como el contundente prólogo con que arranca el film, «You’re Next» es intensa, sorprendente por momentos y bastante retorcida por esto y por mucho mas el film es unauténtico festín para el aficionado al género.

También cabría resaltar el acertado aspecto estético del film y el elogiable casting orquestado por Adam Wingard recuperando en su mejor versión a la heroína  icónica  que en tantos films hemos podido ver amén de una retorcida critica a la clásica familia burguesa adinerada donde no todo es un color de rosas en cuanto a su integrantes se refiere.

«You’re Next» tenia el lastre de las altas expectativas que había ido generando entre los aficionados durante los dos últimos años después de su triunfal paso por los festivales de Toronto y Austin todo ello gracias a la ridícula política de Lionsgate de secuestrar el film durante este tiempo,algo que supongo que se solucionara con el paso del tiempo poniendo a «You’re Next» en su justo lugar.

Una de las pocas pegas que se le pueden buscar al estimulante film de Adam Wingard es el camino que decide coger el guionista Simon Barrett a mitad de película explicándonos parte del porque se produce dicho ataque hacia la familia protagonista,mas que nada porque así se elimina el factor sorpresa entorpeciendo en cierta medida la narrativa del film.

Habrá que seguirle desde muy cerca la pista en un futuro al cine de Adam Wingard,de momento no estaría de mas rescatar su anterior film,la estimulante «A Horrible Way to Die» con la que guarda mas de una conexión temática con «You’re Next«.

Valoración 0/5:4

Frankenstein Army nos sitúa hacia el final de la segunda guerra Mundial, donde en un laboratorio secreto nazi se ha empezado a experimentar con el diario de un tal Dr. Victor Frankenstein. Los científicos han utilizado el trabajo de Frankenstein para reunir un ejército de supersoldados formados por partes cosidas de los camaradas caídos, en una última táctica desesperada de horror de Hitler para escapar de la derrota.

La fusión de géneros tan dispares como pueden ser el belico y el fantástico no ha dado unos resultados excesivamente positivos a lo largo de los últimos años,digamos que la vertiente  más  seria de dicha fusión con títulos como «The Keep (1983),»The Bunker (2001)»,»Deathwatch (2002)»,»The Objective (2008)» o la reciente «El páramo (2011)» que pese a sus algunas virtudes no han terminado de cuajar en su propuesta dando la sensación de ser una serie de productos algo «paria» en su resultado final,quedandose en tierra de nadie.Sin embargo propuestas con un punto de mira algo mas bajo si han encontrado un camino más acorde con sus ambiciones (pocas) llegando a conectar con un publico que ya saber a lo que se enfrenta «Dog Soldiers (2002)» por poner un ejemplo.

«Frankensteins Army» entra de lleno en la segunda categoría,llegando a ser una simpática serie B incorporando la novedad a este tipo de subgenero de estar rodado en formato Found footage».

Opera prima del director holandés Richard Raaphorst (encargado del diseño artístico de muchas de las películas de la Fantastic Factory) mezcla con total desparpajo el subgénero del mad doctor y el splatter, con una clara cierta tendencia e inclinación al cine trash.

A la película en su parte inicial le cuesta arrancar pues su narrativa es algo mecánica llegando a poder aburrir en ciertos tramos del film y llegando asimismo a producirse situaciones y personajes estereotipos ya vistos en multitud de películas,es en la ultima media hora donde la cinta encuentra su razón de ser,y donde Raaphorst despliega su particular atracción de feria a modo de un carrusel de criaturas a cual distinta,donde su cuidado despliegue artístico brilla al ser bastante novedoso en este tipo de producciones.

Habra que seguirle la pista a este joven director holandés que con esta su opera prima ha conseguido llamárnosla atención algo hoy en día nada fácil.

Valoración 0/5:3

Cuando el mundo comienza a ser invadido por una pandemia de muertos vivientes, el experto investigador de las Naciones Unidas Gerry Lane (Brad Pitt) intentará evitar lo que podría ser el fin de la civilización en una carrera contra el tiempo y el destino. La destrucción a la que se ve sometida la raza humana le hace recorrer el mundo entero buscando respuestas sobre cómo parar la horrible epidemia que amenaza a toda la humanidad, intentando salvar las vidas de millones de desconocidos así como la de su propia familia.

Hubo mucha expectación el día que la Paramount  oficializó  la adaptación de la notable novela de Max Brooks «World War Z: An Oral History of the Zombie War» a la gran pantalla,poco tiempo  tardó  la major norteamericana en digamos anunciar la no adaptación del libro,la intención de estos era hacer un blockbuster veraniego con un gran presupuesto con Brad Pitt a la cabeza y con una sipnosis que poco o nada tenia que ver con la novela,al menos en eso fueron francos en sus intenciones amén de estar perfectamente  legitimados en hacer el producto que ellos crean mas convenientes para sus propios intereses.

Dejando lado esta cuestión y analizando la película el resultado no puede ser mas desalentador,no deja de resultar algo gracioso que la mayoría de publico una vez visto el film validen su apreciación final con el consabido..esta entretenida..no se hasta que punto una película con tal presupuesto ese entretenimiento antes nombrado se puede considerar una virtud o una obligación.

Guerra Mundial Z o el primer film de zombies sin una gota de sangre en la historia tuvo una gestación problemática a más no poder tuviendo que rodarse casi un cuarto de film al año de haber acabado el rodaje principal amén de los consabidos problemas creativos entre Marc Forster y Brad Pitt,viendo la película todo este desbarajuste se nota con meridiana claridad,el film de Marc Forster adolece de tensión narrativa por los cuatro costados,dividida en cuatro segmentos,inicio del virus-Corea del sur-Jerusalem-final en el laboratorio (este ultimo tramo es el rodado a posteriori y donde se puede apreciar un cambio de ritmo bastante evidente amén de contemplar a Brad Pitt algo mas obeso),el desarrollo de los personajes brilla por su ausencia,solo tenemos a Brad Pitt ,todo lo demás son pinceladas de estereotipos totalmente desaprovechados,los personajes interpretados por David Morse,Matthew Fox o Mireille Enos deambulan por la pantalla sin pena ni gloria dándonos la sensación de estar viendo un producto hecho a trompicones y sin ningún tipo de linealidad argumental.

Al final solo nos queda pequeñas pinceladas de originalidad como esos zombies-horda que vemos en Jerusalem pero inclusos estos son deudores en demasía del efecto digital y es que volviendo la negatividad del producto la caracterización de los zombies en la mayor parte del film es fallida,el efecto túrmix que por ejemplo tan bien supo emplear Danny Boyle en su «28 Days Later» aquí denota una insuficiencia de creatividad alarmante por parte de sus creadores.

La sensación final que le queda a uno es la ineptitud y falta de virtudes de Marc Forster a la hora de encargarse de realizar productos de esta índole y es que la adaptación de «World War Z» a la gran pantalla era esperada por un servidor como algo más que un mero entretenimiento.

Valoración 0/5:1

La película esta basada en la historia real de la familia Perron y sus encuentros sobrenaturales en su casa de Rhode Island. Ed y Lorraine Warren, investigadores de renombre en el mundo de los fenómenos paranormales, son llamados por una familia aterrorizada por una presencia oscura en una granja aislada. Obligados a enfrentarse a una poderosa entidad demoníaca, los Warren se encontraron atrapados en el caso más terrorífico de sus vidas…

James Wan ha sabido aprovecharse de la actualmente pobre coyuntura que atraviesa el cine de terror de hoy en día,su mérito reside en combinar de manera efectiva clichés y manierismos propios del género y hacerlos suyo,no inventa nada nuevo,coge un poco de aquí «The Exorcist «un poco de allá «Poltergeist» lo mezcla con algo de gracia y obtiene un resultado de lo mas eficaz algo que hoy en día ya es un logro de por si.

Antes de visionar «The Conjuring» uno tiene que acudir al cine con una mirada algo virgen, sin que las expectativas sea muy grandes ya que la película de James Wan no es ningún prodigio de originalidad,todo lo contrario no deja de ser un remix de muchos films de terror,eso si muy bien orquestado por el director norteamericano de origen Malayo que sabe aprovechar al máximo los espacios donde filma (en este caso la casa donde trascurre la acción) planos secuencia invertidos o diagonales,coreografía visual magnética mas una acertada utilizacion del zoom logrando asi inquietar de manera eficaz a la audiencia,es asi cuando se puede disfrutar al máximo esta cinta desprovista de cualquier tipo arrogancia fílmica.

«The Conjuring» no deja de ser una versión mejorada de su anterior film «Insidious«,Wan se toma su tiempo para desarrollar los personajes de forma adecuada,una película dominada claramente por las féminas donde relucen de manera destacada tanto Lily Taylor como Vera Farmiga haciendo que enfatizemos con las dos familias protagonistas para luego sumergirnos en su habitual montaña rusa de efectismos que tan bien sabe manejar el bueno de Wan consiguiendo una película notable, y además realmente disfrutable . James Wan sabe sacar provecho y de que manera de dos simples objetos «inanimados»,la muñeca y la caja de música(magnífica secuencia la de Vera Farmiga mirando a través del espejo de dicha caja),amén de una acertada puesta en escena y diseño de producción en lo referido a la ambientación temporal en que trascurre la acción.

Que «The Conjuring«este haciendo mas dinero en la taquilla USA que Blockbusters del tamaño de «Pacific Rim«o «The Lone Ranger» no tendría que ser motivo de extrañeza,al público en general siempre le ha tirado mas lo malo conocido (no es el caso) que lo bueno por conocer,James Wan es conciente de ello y ha sabido aprovecharse de ello de la manera mas inteligente posible,haciendo lo que mejor se le da, un cine de terror efectivo y directo sin cortapisas,a veces elegante, que bebe de manera nada disimulada y en positivo de clásicos de los 70 y 80 habiendo creando una trilogía de terror(de la que se tendría que rescatar y valorar en su justa medida la notable «Dead Silence«) que lo convierten en un director clave en el moderno cine de género.

A «The Conjuring» le viene que ni pintado aquel dicho de que «a falta de pan buenas son tortas» y es que en la actual época de hambruna creativa que impera en el género de terror,las tortas cocinadas a fuego lento por Wan nos saben a gloria,algo hoy en día y visto el panorama reinante verdaderamente digno de elogio.

Valoración 0/5:3’5

Una joven embarazada que lleva en su vientre al hijo de su propio hermano, intentará escapar de una comunidad que le exige sacrificarse lanzándose a un pozo en el que habita una misteriosa criatura.

«Jug face» tenía a priori elementos bastante atractivos como para esperar de ella un resultado mas acorde con lo que prometía. Por un lado teníamos una historia lo suficientemente original y cuidada y que bebe directamente de clásicos británicos como «The Wicker Man» o mas recientemente «The Wake Wood» trasladándola a una América rural y profunda donde se nos presenta una comunidad cerrada de cara al exterior esclavos de algún tipo de rito sobrenatural,teniamos al bueno de Lucky McKee apadrinando el proyecto amén de un reparto donde destacaba otro gurú del fantastico moderno como es Larry Fessenden y al presencia de una irreconocible Sean Young.

El principal problema de la opera prima de Chad Crawford Kinkle es su alarmante escasez de presupuesto a la vez de una notoria falta de experiencia por parte de su director a la hora de plasmar en imágenes su propio guión,algo que pesa como una losa en el resultado final del film.

A sí mismo la presencia de la supuesta deidad salida del agujero en busca de sacrificios humanos resulta algo fallida,y no porque nunca se nos muestre sino porque esta ausencia física se debe mas a la dichosa falta presupuestaria y no a una apuesta por lo sutil chocando de manera aparatosa por una apuesta algo chusca por el gore.

Uno de los elementos positivos de la película es su protagonista la sufrida Lauren Ashley Carter en un tour de forcé interpretativo notable en el que intenta salvarse del supuesto sacrificio que está predestinada al igual que tener que lidiar con un embarazo incestuoso no deseado (cosa que ya padecía en «The Woman» de Lucky McKee),también destaca otro protagonista de la perturbadora película de McKee,Sean Bridgers aquí como el alfarero de la comunidad.

No deja de ser curioso que al final nos resulte más inquietante los integrantes de dicha comunidad que el elemento sobrenatural que nos propone Chad Crawford Kinkle,algo que no sabemos a ciencia cierta si esta hecho adrede o no,no importa al final resulta poco bagaje positivo para un film cuyo principal hándicap es su falta de medios algo que es demasiado palpable a la hora de  poder visionarla.

Valoración 0/5:2

Una empresa contratista privada se encargada de proteger a las grandes corporaciones de los ataques de grupos ecologistas radicales y extremistas. Una agente tendrá que infiltrarse en un misteriosa organización anarquista conocida como «The East» que conviven agrupados formando una comunidad sectaria en una casa en lo más profundo del bosque.

Poco ha necesitado Brit Marling para convertirse en la musa indie que es ahora,primero fue la estimable «Another Earth» colaborando en el guion junto a su director Mike Cahill,el pasado año repitió el formato actriz-guionista con «Sound Of My Voice» de Zal Batmanglij con el que vuelve ha repetir con la película que comentamos.

«The East«, es un thriller ecopolitico barnizado con algún que otro tinte dramático que guarda bastantes similitudes contextuales y narrativas con la anterior «Sound Of My Voice» aunque aquí se nota la mano de Fox Searchlight y los hermanos Scott en la producción con un resultado en su acabado final mas pulido amén de un reparto mas generoso.

Ahora viene la pregunta de marras ¿la inclusión de la major ha supuesto una perdida de creatividad por parte del dúo Batmanglij-Marling?,en mi opinión no, aunque eso no quiere decir que «The East» este a la altura de «Sound Of My Voice«.

El acierto mas notable del film de Zal Batmanglij es la forma en que se escabulle del lastre de película-panfletaria ya que un film de esta índole era bastante proclive a ello,en cambio se nos ofrece un retrato de claroscuros morales en lo que se refiere a sus personajes en donde ni las grandes corporaciones son los autenticos ogros,ni la empresa contratista para la que trabaja nuestra protagonista es tan neutral o como algunos miembros del grupo anarquista se mueven mas por rencores personales que por convicción moral.

Posiblemente la película se decante mas con mayor o menos fortuna por el retrato caledoscopico de sus personajes y fracase algo cuando apuesta por el suspense mas tradicional,algo que sin embargo no es obstáculo para que sus cerca de dos horas de metraje llegen a ser un hándicap para el visionado del espectador.

«The East» termina siendo un entretenido e intrigante thriller de espionaje que aporta frescura al género y que tiene la virtud de evitar caer en moralismos solo viendose algo lastrado en su resultado por su abrupto final algo que también empañaba la notable «Sound Of My Voice«nada importante a la hora de seguir la futura trayectoria de este estimualnte dúo creativo formado por Brit Marling y Zal Batmanglij.

 Valoración 05:3’5

La cinta nos sitúa en una misión espacial que lleva a una serie de astronautas hasta una de las lunas de Júpiter, concretamente la llamada ‘Europa‘, para investigar la posible existencia de vida extraterrestre en nuestro sistema solar. Cuando las sondas no tripuladas sugieren que hay un océano oculto debajo de la superficie helada de ‘Europa’ los investigadores creen que pueden encontrar vida unicelular bajo la corteza superficial.

Los amantes de la sci-fi espacial estamos de enorabuena en este 2013,aparte de la película que os comento tendremos mas aportaciones a dicho subgénero,en octubre veremos «Gravity» del siempre interesante Alfonso Cuarón y posiblemente a finales de año tengamos la oportunidad de echarle un vistazo a «Last Days on Mars» que causo furor en la Quincena de Realizadores del ultimo festival de Cannes.

«Europa Report» podría clasificarse de triunfo,no solo por hacer que una película rodada en tan solo 19 días y con un presupuesto bastante pobre luzca de la manera que lo hace si no por la decidida apuesta genérica por parte de su director el ecuatoriano Sebastián Cordero amén de mostrarnos una tecnología realista y convincente en el que tiene mucho que ver el brillante guion que orquesta Philip Gelatt responsable de»The Bleeding» .

Lejos de explotar su vena mas fantasiosa el film se adentra de manera clara en el genero de la sci-fi espacial en su vertiente mas seria y rigurosa y utiliza de manera acertada el estilo found footage (metraje encontrado) que le viene que ni pintado en el escenario que se nos cuenta la trama,basicamente esa nave espacial repleta de televisores y cámaras consiguiendo asi no hacer un uso desmesurado del movimiento-vaivén tan típico en productos de esta índole y que suele ser un obstáculo para una gran parte de publico.

En cierta manera «Europa Report» se asemeja salvando las distancias tematicamente a la obra maestra de Stanley Kubrick «2001: A Space Odyssey» sobre todo en su primera parte,no solo por tener la semejanza de ese viaje sin retorno a modo de destino inalcanzable por el hombre que es Júpiter sino también por el acertado uso del climax donde predomina una claustrofóbica atmósfera por el que se mueven nuestros sufridos protagonistas.

Mención aparte merece el ajustado trabajo de casting (en este caso plenamente internacional) donde brillan desde Sharlto Copley (que pronto veremos como el villano del «Oldboy» de Sike Lee) hasta Michael Nyqvist pasando por el asiático Daniel Wu.Por intentar poner alguna pega a esta notable película solo resaltaria el erróneo a mi modo de ver uso de los testimonios por parte de científicos y demás vinculados a la misión y donde podemos encontrarnos a una Embeth Davidtz lejos de sus tiempos como heroína en las películas de Sam Raimi,mas que nada por que cortan de manera notoria el ritmo del film,frenetico en todo lo que concierne a la trama del viaje en si.

El resultado final de esta película validan de manera bastante notoria el amplio abanico genérico por el que se mueve como pez en el agua el director Sebastián Cordero,»Europa Report» es una buena muestra de ello.

 Valoración 0/5:4

La nueva América del 2022 en la que, después de años de agitación social, la tasa de desempleo es inferior al 1% y la pobreza no supera el 5% de la población. El gobierno tal como lo conocemos ya no existe; ha sido sustituido por otro régimen, los Nuevos Fundadores de América (NFA), que han solucionado el problema de los violentos, el gobierno decide que una noche al año, durante doce horas, cualquier actividad criminal, incluso el asesinato, será legal. No se puede llamar a la policía, los hospitales no admiten pacientes, los ciudadanos deben arreglárselas solos porque cometer un delito no está castigado. Durante esa noche plagada de violencia, una familia debe decidir qué dirección seguir cuando un extraño les pide ayuda.

The Purge es un producto nacido y claramente dirigido para convertirse en un sleeper en las carteleras cinematográficas,sus productores,responsables entre otros de la saga «Actividad Paranormal» ya dan buena prueba de ello,digamos que estamos ante una «película envoltorio»,la operación consiste en hacer un producto con un presupuesto pobre y vendernos el leitmotiv o eje narrativo por el que se sustenta el film hasta la saciedad,todo ello profundamente difundido en tráilers,marketing, etc,a raíz de todo esto si dicha propuesta es atractiva y hace que el publico se sienta atraído por dicho envoltorio se puede recuperar lo invertido y dar bastante mas dinero del puesto según como funcione en taquilla,aunque claro una vez sacamos dicho envoltorio lo que nos podemos encontrar dentro puede no estar a la altura de lo prometido.

Este es el principal problema de «The Purge«,que tiene una buena premisa pero que no esta trabajada correctamente y una vez que echa a andar se convierte en un producto mil veces visto en pantalla sin ningún ápice de originalidad convirtiéndose en una versión pueril mas del subgénero de «la casa invadida» que ha dado productos bastantes mas superiores como «The Strangers»,»Funny Games«,»Secuestrados» y mil mas.

Pero aquí no acaban los achaques a la cinta de James DeMonaco,por muy original que sea la premisa(esa purga para soltar las frustraciones y demás que se se nos va almacenado día a día en nuestra psique en forma de frustración o violencia y que en la vida real apenas podemos liberar yendo al fútbol para gritar al equipo contrario o al árbitro o acudiendo al gimnasio a sudar de mala manera por ejemplo) hay que hacerla creíble y aquí también es donde fracasa DeMonaco pues en ningún momento no creemos tal premisa,¿realmente un acto así funcionaria en la sociedad como no lo quieren hacer ver en la película,no seria echarle gasolina al fuego,la violencia no llama a la violencia? ya sabéis aquello del ojo por ojo,amen de simples cuestiones de logística,¿quien controla el tiempo de dicha purga,si alguien comete un acto de violencia diez minutos después del plazo,quien lo atestigua? en fin una falta de credibilidad que afecta sobremanera en resultado final del film.

La cosa también se ve lastrada con el giro argumental final,es en los últimos quince minutos donde al director se le va la mano y que aparte de ser nuevamente poco creíble(queda claro que dicha falta de credibilidad es el principal lastre de la película no…) da la sensación como que DeMonaco no haya creído hasta ese momento en lo que no ha estado contando generando un nuevo fuego de artificio final del todo innecesario

Por eso «The Purge» solo se puede ver y entender sin ningún tipo de pretensiones en ver un producto novedoso y original como nos lo quieren vender,es simple cine de entretenimiento y poca cosa mas si acaso se puede destacar la buena labor de Ethan Hawke y la siempre estimulante Lena Headey,al final poca cosa para salvar semejante despropósito.

 Valoración 0/5:1’5

Catorce estudiantes aparecen brutalmente asesinados, y la escena del crimen no ofrece ninguna pista del paradero de la que podría ser la única superviviente, una joven llamada Emma. Meses después, unos bandidos asaltan el coche de una joven pareja, y en él descubren a la asustada Emma. Frotándose las manos ante la perspectiva de la cuantiosa recompensa por el “rescate”, no tendrán en cuenta que aquellos que parecían su presa son, en realidad, mucho menos indefensos de lo que parecen.

La carrera de Ryûhei Kitamura tiene algún que otro punto de semejanza con la de Sam Raimi,básicamente en su inicios,Kitamura debuto en el 2000 con «Versus«que pese a tratarse de una película hecha con cuatro duros consiguió al igual que «Evil Dead» que fuera casi instantáneamente una obra reverenciada por una multitud de fans, «Versus» pese a su precariedad económica no era sino una versión mejorada de un mediometraje suyo titulado «Down to Hell«,al igual que el director norteamericano que se baso «Within the Woods» para realizar su opera prima.A partir de aquí Kitamura fue un asiduo del genero fantástico de manera algo irregular en lo que se refiere al resultado final,destacaría principalmente «Alive«(2002),»Aragami«(2003) y especialmente el chambara «Azumi» (2003) que le abrió las puertas a productos de mayor envergadura.En el 2008 hizo su debut en tierras norteamericanas con la adaptación de un relato corto de Clive Barker «The Midnight Meat Train» con un resultado notable a mi modo de ver pese al inmerecido varapalo critico que obtuvo en su día.

«No One Lives» es su segunda incursión en suelo yanqui,fue incluida a ultima hora en el pasado festival de Sitges,circunstancia que la relego a un escueto pase de medianoche pasando prácticamente desapercibida entre el publico asistente,aunque los pocos que consiguieron verla la destacaron como una agradable sorpresa.Vista ahora «No One Lives» cae en mi manera de ver en una contradicción a la hora de enfrentarse a ella,este no es un film agradecido si se va a ver con grandes expectativas,todo lo contrario es una película mucho mas disfrutable si no se espera gran cosa de ella,exactamente como quienes pudieron verla en Sitges.

Moviéndose entre el survival y el thriller «No One Lives» situada por un escalón de mas con respecto a la serie B mas tradicional consigue entretener y verse con cierto agrado dado su acentuada falta de pretensión y su acertado trabajo en desarrollar los códigos genéricos de rigor donde resaltan el abundante gore con que nos obsequia el bueno de Kitamura ,aunque con un resultado mas pobre que su «The Midnight Meat Train» dado su falta de compenetración entre el survival y el slasher y el caer en el retrato algo estereotipados de según que personajes.

«No One Lives» es un entretenido film falto de cualquier tipo de pretensión que consigue un aceptable uso del suspense y en cuyo reparto destacan Luke Evans bastante mas acertado que en la horrenda «The Raven» y la sugerente Adelaide Clemens vista últimamente en películas como «Vampire» y «Silent Hill 2: Revelación 3D«.

Ahora solo cabe esperar que Ryûhei Kitamura no se acabe diluyendo en la maquinaria yanqui como el caso del compatriota suyo Hideo Nakata por poner un solo ejemplo,aunque parece ser que en su próximo film volverá a rodar en Japón concretamente será la secuela de su opera prima»Versus«todo un regalo para sus fans mas acérrimos.

 Valoración 0/5:3