Categoría: Peliculas

Luis (Luis Bermejo), un profesor de literatura en paro, trata de hacer realidad el último deseo de su hija Alicia (Lucía Pollán), una niña de 12 años, que padece un cáncer terminal: tener el vestido oficial de la serie japonesa de dibujos animados «Mágical Girl Yukiko». El elevado precio del vestido llevará a Luis a poner en marcha una insólita y oscura cadena de chantajes. En estas circunstancias, conoce a Bárbara (Bárbara Lennie), una atractiva joven que sufre trastornos mentales, y a Damián (José Sacristán), un profesor retirado con un tormentoso pasado. Los tres quedarán atrapados en una oscura red, en la que instinto y razón entran en conflicto.

Hay un dicho que dice que realizar una segunda película después de haber hecho una prometedora opera prima es mucho más difícil de materializar dado las expectativas generadas, o dicho de otro modo, viene a ser un trabajo de graduación en donde a partir de aquí el nombre del director pasará a engrosar su nombre en según qué listas, todo dependiendo del resultado final. El madrileño Carlos Vermut, ilustrador e historietista, se dio a conocer con «Diamond Flash«, paradigma del cine Low Cost (con un presupuesto de 20.000 euros autofinanciados por el mismo) a partir de ahí empezó a ser considerada en según qué círculos como un título emblemático y por tanto con una cierta aureola de culto. Con «Magical Girl» repite formula aunque con medios ya más holgados en donde varias historias entrelazadas y planteadas por capítulos se nos es presentado mediante diálogos largos e inesperados; todo con un estilo de forma que recuerda en algo a Tarantino. Posiblemente con una factura menos guerrillera que su opera prima, pero a la vez resulta menos críptica en su narrativa, la trama va desvelándose poco a poco, por caminos insospechados, debido a la originalidad de la propuesta, al igual que la determinación del autor al apoyarse en un guión brillante en donde la mezcla de géneros  va desde el drama neo noir pasando por la comedia y con alguna que otra pincelada del fantástico.

La película propone en definitiva, un viaje a las profundidades del patetismo humano, tan trágico como desmoralizante, una versión en negativo de «Cadena de Favores» en donde tu mal hace que me beneficie de alguna manera, donde el pesimismo existencial que no es mostrado solamente es soportable gracias a la fuerza de la narrativa con que nos obsequia Carlos Vermut y a la singularidad de su propuesta, y en donde los personajes se nos muestra como fiel reflejo de una España en plena crisis en la que algo hace que la cosa este a años luz de funcionar de forma normal (notable trabajo por parte de Luis Bermejo, Bárbara Lennie y José Sacristán),el film plantea en cierta manera al espectador un ejercicio de inmersión moral en un mundo tan sobrio como sórdido, donde todo se corrompe dentro de la cruda realidad existente. «Magical Girl» es un duro golpe en el estómago que merece la pena ser sufrido y disfrutado a partes iguales por su grado de atrevimiento y personalidad por parte de un director que ve como sus señas de identidad son reforzadas y son claramente reconocibles con esta su segunda película, y por presentar al mismo tiempo un valiente discurso alternativo dentro del maltrecho cine español.

«Magical Girl» es una película dura, arriesgada, un salto al vacío sin paracaídas  que busca y encuentra la complicidad del espectador. No todas las subtramas funcionan de igual manera pero la forma original en que se nos narrar la historia y su notable puesta en escena va creciendo en positivo dentro de nuestra psique conforme pasan las horas después del visionado.

Carlos Vermut apuesta por él riesgo y se corona con «Magical Girl» como uno de los directores más interesantes del actual panorama del cine español  y al mismo tiempo nos muestra el camino a seguir dentro de este nuevo cine que intenta abrir nuevas vías autorales alejadas del anacronismo imperante desde hace años en el cine patrio.

Valoración 0/5:4

La necesidad de dinero, lleva a una actriz (Robin Wright) a firmar un contrato según el cual los estudios harán una copia de ella y la utilizarán como les plazca. Tras volver a la escena, será invitada a un congreso, que se desarrolla en un mundo que ha cambiado completamente. Basada en una novela de Stanislaw Lem, se trata del retrato de un mundo que se dirige inevitablemente hacia la irrealidad.

Ari Folman es un director hebreo experto en el arte de mezclar el documental y la animación. Su película «Vals con Bahir» del 2008, aún sigue siendo considerada una obra maestra por muchos, de esa nueva oleada de “dibujos dirigido para adultos” que han logrado calar en según que círculos después del nuevo milenio. Ari Folman es un director astuto e inteligente a la hora de relatarnos una historia donde los sueños, las pesadillas y el horror humano se conjugan en una fantasía animada (en aquella ocasión para hablarnos de la guerra en los países árabes) y esta vez para llevarnos a un mundo fantástico tejido en un argumento mitad película mitad documental, «The Congress» es  un viaje sorprendente que se puede amar u odiar, pero que no acepta términos medios.

El precio, para todos los actores, es desaparecer, retirarse de la vida pública, a cambio de la inmortalidad, y de la promesa de la eterna juventud. El film se maneja de esta manera durante los primeros 40 minutos, cuando vemos a una Robin Wright atravesada por sus problemáticas familiares (un hijo menor con sordera y ceguera crecientes), una carrera que dejo ser exitosa hace ya algunos años y una racha de malas elecciones amorosas. Su actuación es potente y desgarradora alcanzando su punto máximo en el momento de la “clonación” y captura de movimientos cuando su agente Al, recurre al pasado para generarle lágrimas, llanto y emoción.

«The Congress» se inicia como una propuesta crítica al mundo del famoseo y las celebrities, e innovadora en cuanto a la forma de contar la historia de decadencia, con un acompañamiento musical ultra poderoso y sensible, quizás a medida que pasa el tiempo, la poca conexión de escenas, hacen perder algo de fuerza al entramado inicial, pero igualmente merece ser visto en varias ocasiones, el film lo vale, aparte de ser un puro entretenimiento audiovisual, propone una profunda reflexión personal sobre la soledad, el necesario narcisismo y la pérdida corporal. El discurso de Ari Folman es muy crítico también con el rumbo que está tomando la tecnología del ocio: tablets, móviles, foros de internet y demás, en los que nos damos a conocer mediante avatares y redes sociales que nos acompañan prácticamente todo el día, con el peligro de aislamiento que comporta. También cuestiona los derechos de imagen, la propiedad intelectual y el papel de los estudios y los productores. El debate moral es superior: individualidad, ausencia de tabús y egocentrismo sin límites frente a la interacción social y el amor desinteresado, plasmado en el que siente una madre por su hijo, que es superior a todos los demás. Y precisamente, para comprender la última escena de «The Congress«, una contundente, larga y emocionante escena muda resaltada con una música muy adecuada por parte de Max Richter, os conminamos a estar atento a ese emocionante reflejo que vemos al final, porque este reflejo nos cuenta la manera en la que el personaje de Robin Wright ha conseguido encontrar a su hijo.

«The Congress» son dos películas en una, son dos historias en una sola, son dos reflexiones llevadas a cabo a través de narrativas contrapuestas; es un documental, es una cinta de animación, es una película y al mismo tiempo no es nada de eso… por todo ello «The Congress» es esencialmente genial, única y mágica, una rara avis como pocas veces  vemos en la gran pantalla.

Valoración 0/5:4

Johansson da vida a una mujer obligada a ejercer de mula (de drogas) y que adquiere poderes sobrenaturales cuando la bolsa de la droga se rompe y los narcóticos entran en contacto con su cuerpo. Entonces, se convierte en una máquina de matar que adquiere una memoria prodigiosa y la velocidad del rayo.

No se le puede negar a Luc Besson una peculiar y en más de una ocasión acertada visión acerca comercialidad de sus films, con «Lucy» el director francés se adentra en un alocado viaje tan psicotrónico como divertido consiguiendo al mismo tiempo el ser tan personal como identificable con el resto de su filmografía pues «Lucy» no deja de ser un mix pasado de vuelta de  «Nikita» y «Léon«.

Hay que reconocer que esta mixtura delirante y bastante disparatada con toques de serie B que van desde el thriller a la ciencia ficción pasando por la action movie más desprejuiciada funcionan de manera algo errática en función de la predisposición del espectador a entrar en el juego que nos ofrece el director galo.

En el aspecto argumental, el film parte de la curiosa teoría de que el ser humano sólo usa el 10% del cerebro y nos muestra qué pasaría si una droga consigue que aprovechemos el 100% de él, lo cual daría explicación a la telequinesis, la telepatía, al control mental y demás supuestos súper poderes, siempre desde un punto de vista que esquiva con más o menos habilidad una explicación científica sólida, aquí  Besson enarbola en su trama la bandera de la ciencia como explicación o sustento argumental a su disparatado guion haciendo de ella un símbolo en el que intenta equilibrar la parte narrativa de la ciencia ficción con la más pura película de acción, ante todo esto se puede llevar a la errónea conclusión por parte del según que espectadores de enjuiciar que esta falsa premisa científica es en teoría el apoyo o excusa para tal muestrario de espectacularidad cinematográfica, nada más lejos de la realidad, «Lucy» solo es en parte disfrutable desde una mirada “palomitera” todo lo demás seria atribuirle algo que no posee, claramente, Besson se interesa más o se siente más preparado por el impacto visual que por la pobre opción intelectual mostrada, a la que podría haber prestado mayor atención o credibilidad teniendo en cuenta las infinitas posibilidades que la historia le permitía.

Pese a que Luc Besson suele manejar muy bien el ritmo y los tiempos de la acción «Lucy» adolece de una cohesión narrativa bastante evidente, da la impresión de querer ser muchas películas en una, mezcla, agita y demás  llevándonos al lógica batiburrillo genérico que hace que por momentos nos descoloquemos en su trama argumental tanto en ritmo como en narración.

Como anecdotario positivo destacar la vuelta al ruedo de un Eric Serra tan auto paródico como desenvuelto y una pequeña satisfacción para los amantes del cine asiático el poder ver fuera de las fronteras de su país y esperando que de una manera más generalista sea reconocido al gran Choi Min-Sik, un auténtico placer interpretativo al alcance de muy pocos.

Valoración 0/5:2’5

El temerario aventurero Peter Quill es objeto de un implacable cazarrecompensas después de robar una misteriosa esfera codiciada por Ronan, un poderoso villano cuya ambición amenaza todo el universo. Para poder escapar del incansable Ronan, Quill se ve obligado a pactar una complicada tregua con un cuartero de disparatados inadaptados: Rocket, un mapache armado con un rifle, Groot, un humanoide con forma de árbol, la letal y enigmática Gamora y el vengativo Drax the Destroyer. Pero cuando Quill descubre el verdadero poder de la esfera, deberá hacer todo lo posible para derrotar a sus extravagantes rivales en un intento desesperado de salvar el destino de la galaxia.

El director James Gunn, anteriormente guionista en la célebre factoría de cine Z Troma y director de claros productos de vertiente fadom como son «Slither» y «Super» consigue con «Guardians of the Galaxy«, su primer trabajo para un gran estudio, en este caso Marvel Studios, un acertado equilibrio entre lo comercial y lo personal, Gunn sabe que teclas tocar para ofrecer un producto que complazca a la gran masa, todo ello bajo la apariencia de  un blockbuster veraniego que se inspira tanto en «Indiana Jones» y «Star Wars» como en  esos productos ochenteros tipo  «Battle Beyond the Stars» o «Spacehunter«, todo ello plagado de referencias tanto musicales como culturales.

Para dar en la diana es necesario que a la audiencia le acaben gustando todos los personajes, Gunn logra un buen balance entre todos los personajes siendo bastante  curioso cómo posiblemente los dos mejores personajes de la película están generados con CGI,  el director da rienda suelta a unos diálogos veloces y divertidos huyendo de la superficialidad que suele generar este tipo de personajes, apoyándose y no dejando de lado en un espíritu subversivo que cuadra adecuadamente con dichos protagonistas en una historia que fusiona a la perfección el humor con las aventuras.

«Guardians of the Galaxy»  toma el siguiente paso de que el universo de Marvel es más grande de lo que creíamos, posiblemente sea la película más arriesgada de la Marvel, los personajes de «Guardianes de la Galaxia» son unos ilustres desconocidos para el gran público y le da un toque diferente a lo que nos tenía acostumbrando y ofreciendo hasta ahora, oxigenando en parte el extenso catálogo que dispone el estudio a la hora de trasladarlo a la gran pantalla.

El aspecto visual que nos ofrece «Guardians of the Galaxy»  es por otro lado bastante satisfactorio, es posiblemente la película de Marvel más bonita a nivel visual que hemos tenido hasta el momento. La paleta de colores, los escenarios, relieves y demás brillan de manera clara, todo bajo una apariencia de un dinamismo  y colorido repleto de una esencia de la que es difícil no sentirse atraído hacia lo que tienes delante, hacia un sentimiento de exploración que  te invade y que te hace sentir que lo que estás viendo en la gran pantalla es parte de un universo mucho más grande del que hemos visto hasta ahora y que necesariamente tienes la sensación de conocerlo.

«Guardians of the Galaxy» es  a todas luces una película disfrutable, con una identidad propia mientras que, al mismo tiempo, es sin duda un homenaje a lo mejor del cine de fantasía/ciencia ficción de las últimas décadas, en definitiva una película que sabe jugar con sus propias dinámicas, con los propios esquemas y reglas genéricas, Gunn acierta al mismo tiempo de pleno en la diana geek y en el entretenimiento total cinematográfico con apariencia de blockbuster, todo un mérito a tener muy en cuenta.

Valoración 0/5:4

Adaptación de la novela homónima de Boris Vian, que narra la historia de una mujer que padece una extraña enfermedad. El matrimonio entre el creativo y entusiasta Colin (Romain Duris) y su amada Chloe (Audrey Tautou) sufre un duro revés cuando a ella le empieza a crecer un nenúfar en un pulmón. Para costear el tratamiento de la enfermedad, Colin deberá trabajar en condiciones cada vez más absurdas.

Michel Gondry adapta la novela de Boris Vian del mismo título aunque no es la primera versión cinematográfica de la novela, en 1968 Charles Belmont ya la llevó a la gran pantalla, desconozco tanto la novela  como el film de Belmont por lo tanto me limitare a reseñar la película de Gondry evitando los consabidos paralelismos diferenciales.

Poseedor de una libertad e inquietud creativa casi única,  Michel Gondry  consigue contarnos una historia sobre el amor llevado al límite, donde tanto los sentimientos como la amistad son llevados y mostrados desde la libertad de los protagonistas que les da el suprimir en su vida todo lo que no se cree necesario, lo que produce hastío y  cierto aburrimiento, la pesadez de la existencia en definitiva, trasladándonos  a un mundo idílico, mágico, donde todos son felices y sonríen las 24 horas del día apoyado en el exceso visual con dos partes bastantes diferenciadas, una primera parte más alegre y romántica y una segunda parte oscura y dramática y por consiguiente más sobria y centrada.

Posiblemente se puede terminar apabullando con semejante y vasta propuesta visual al espectador no habituado al cine de Michel Gondry  (la utilización del stop- motion le da ese toque especial y original a la historia), aunque parece ser toda esa parafernalia y surrealismo mostrado es prácticamente igual que en el libro de Boris Vian, ese exceso permanente en este caso se convierte en un mundo de sueños a medida que avanza la película y que va evolucionando hacía otro mundo que no es lo que evidentemente desean sus protagonistas al principio de la narración, y es que como muy bien se dice durante la película las personas no cambian lo hacen las cosas que suceden a su alrededor.

«L’Écume des jours»  navega entre lo poético, lo fantástico, lo estrafalario y lo absurdo siendo tan grande el peso de la dirección artística y el imaginario de Michel Gondry  que se hace difícil por momentos el centrarnos en la narración de esta historia de amor llena de alegría y vitalidad al principio y gris y mortecina al final.

Pero hacer del arte cinematográfico un surrealismo puro en los tiempos que corren es una apuesta muy arriesgada y lo difícil es conseguir que una historia así atrape al espectador  de principio a fin, «L’Écume des jours» lo consigue de sobras, un viaje rebosante de imaginación y originalidad, y es que Gondry a través de su especial mirada fantástica siempre consigue sorprendernos para bien, siendo de aquellas películas que te hacen creer que al cine aún le queda algún que otro camino por explorar, algo que realmente tendría que ser valorado en su justa medida y más dado los tiempos en que nos toca vivir en lo referente a la imaginación fílmica.

Valoración 0/5:4

Tras un brutal asesinato en la Francia rural, un mendigo es detenido y acusado del crimen. Creyendo en la inocencia de su cliente, la abogada Kate Moore decide enfocar todo desde un punto de vista científico para echar por tierra la acusación. Pero tras indagar en el pasado familiar de su defendido todo sugiere que están ante el renacimiento de una leyenda ya olvidada…

«Wer» supone una nueva aproximación al mito del hombre lobo desde una perspectiva  realista y algo moderna, su director William Brent Bell con la que fue anterior película «Devil Inside» ya abordaba con otra historia una premisa bastante parecida en su concepto, contándonos  una serie de  casos de exorcismos realizados  a cargo de la iglesia católica, el resultado sin embargo era más bien pobre, «Devil Inside» representaba todo lo malo de ese subgénero denominado mockumentary,  una película en definitiva contada de manera algo pobre y carente de cualquier atisbo de originalidad en el planteamiento de su argumento.

«Wer» sin ser ninguna maravilla es bastante superior al film antes citado,  William Brent Bell no se apoya en el mockumentary o el found footage, pero como si lo hiciera, utiliza en gran parte este estilo narrativo de corte documental para resaltar ese supuesto realismo con que nos quiere contar dicha historia, apoyándose en grabaciones de cámaras de seguridad, fragmentos de noticiarios televisivos, películas caseras, etc, un poco el mismo estilo que ya utilizó Eduardo Sánchez con su magnífica «Lovely Molly» (la mejor película de su director hasta la fecha para un servidor), consiguiendo con este método al menos ser un film consecuente en su premisa, apoyándose en ese supuesto efectismo (que la acción trascurra en Lyon ayuda a acrecentar esa sensación de no convencionalidad argumental) para imprimirle a la película un tono perturbador bastante apropiado en su ejecución final.

Posiblemente ese tono al que antes eludía hace que los elementos más propios del cine de terror del film queden en un segundo plano, algo diluidos,  acercándolo más al thriller de investigación con toques de misterio, de echo da la sensación de que su director en un intento de acercarla al género de terror abusa en parte de los consabidos y contundentes golpes de sonido, triste recurso este que señalan en cierta manera  una falta de recursos por parte de William Brent Bell a la hora de desarrollar dicha historia.

Al final «Wer» queda como una resultona serie B moderna hecha con algunos puntos de originalidad en su entramado narrativo, algo que de alguna manera hoy en día y visto el panorama en que nos movemos no es poco.

Valoración 0/5:2’5

Basado en unos hechos reales que sacudieron Filipinas. Dos reclusos gozan de los beneficios que unos policías corruptos les han otorgado: pueden salir de vez en cuando de prisión a cambio de trabajar como asesinos a sueldo. Los agentes de la ley encargados del caso no sospecharán que los criminales que buscan ya están entre rejas.

En los últimos años hemos asistido al despertar  artístico de la cinematografía Filipina en forma de cintas así como la inevitable  aparición de cineastas como Lav Diaz, Brillante Mendoza o Raya Martin en el panorama autorial, otro director de estas latitudes como  es el  veterano cineasta Erik Matti (donde la mayoría de su filmografía por no decir toda es completamente desconocida en Occidente) ha tenido un reconocimiento internacional  con su último trabajo «On the Job«, un brillante ejercicio de estilo en forma de thriller criminal basado en supuestos  hechos reales.

Film de cuidada ambientación pese a los pocos recursos económicos con que cuenta la película pero  bastante por encima de la media de films realizados en Filipinas,  especialmente destacable es el diseño de producción a cargo de Richard Somes  así como el desarrollo de la trama narrativa dividida en dos líneas argumentales, la correspondiente a los reclusos que trabajan como asesinos a sueldo (haciendo especialmente hincapié en la relación maestro-alumno) y la de los policías encargados de investigar el caso, aquí es posiblemente donde  Erik Matti sabe sacar el máximo rendimiento , sabiéndole dar una  profundidad emocional a los personajes y  ensamblando de manera acertada la difícil tarea de aunar las escenas de acción (acertado manejo del recurso del travelling en varias ocasiones) junto a los momentos dramáticos donde los personajes se debaten en la moralidad-conveniencia de sus actos.

También es verdad que «On the Job» posiblemente  esté muy atada a los códigos del género en los que se mueve y que esto en cierta manera la derive  a simplificar en cierta manera la dimensión de unos personajes que un principio prometían bastante más en su desarrollo, lastrando en algo su resultado final, de la misma manera que su duración, unos 120 minutos, que no por lo larga que puede parecer llegar a ser, sino por crear una cierta  descompensación en su conjunto, pues hacia la mitad del film aparece un notable bajón narrativo bastante palpable.

Al final nos quedamos con la visión que nos ofrece Erik Matti de una  sociedad Filipina decadente y corrupta, un oscuro retrato camuflado en forma  de un vibrante thriller de acción en donde no hay lugar para ningunos de los personajes que transitan por «On the Job«.

Valoración 0/5:3’5

Nick (Elijah Wood) es un chico con suerte. Esta noche va a conocer a Jill Goddard (Sasha Grey), la actriz más excitante del momento. Jill está promocionando su última película, y Nick ha ganado una cena con ella, en un concurso por la web. Sin embargo, recibe una llamada de un tipo, Chord (Neil Maskell), que le informa de que la cena ha sido cancelada y le confiesa que es culpa de la caprichosa actriz. Chord, en compensación, y demostrando unas increíbles habilidades como hacker, le ofrece a Nick el acceso para poder espiar a Jill durante el resto de la noche, desde su propio portátil, de formas que ningún otro fan podría soñar jamás. Pero una terrible verdad comienza a revelarse. Todo parece ser un montaje ideado por Chord, en el que Nick es la pieza de un plan mucho mayor.

«Open Windows» el tercer largometraje rodado por Nacho Vigalondo tiene más de una similitud (y no solo porque ambas estén protagonizadas por Elijah Wood) con «Grand Piano» de su compañero Eugenio Mira, los dos films suponen una  novedosa reinterpretación de la narrativa en que se basan las películas de Alfred Hitchcock y ambas son propuestas arriesgadas y novedosas dentro del actual panorama de género patrio que la llevan a ser productos de una imperfección bastante perceptible que hay que juzgar con cierta benevolencia dada su valentia conceptual.

Lo primero que hay que destacar de «Open Windows«, primero rodado en inglés por su director, es la buena mano con que se desenvuelve este a la hora de plasmar en imágenes este thriller tecnológico de enorme complejidad logística (100 minutos de duración sobre siete horas totales de metraje que obligaron a que la postproducción se prolongase durante más un año), la película esta vivida y relatada en tiempo real mediante el uso de portátiles, cámaras de seguridad, móviles etc,cualquier dispositivo es válido a la hora de que Vigalondo cree un ritmo muy rápido mediante el uso de estos mimbres logrando un ejercicio de estilo de lo más notable, algo que ya se intuía en «Los Cronocrímenes» pero no tanto en la simpática «Extraterrestre«.

Un ritmo frenético que engancha al principio pero que debido a la naturaleza del producto hace que el espectador llegue a un grado considerable de cansancio mental a la media hora de duración debido en parte a la propia estructura narrativa del film, sufriendo aquí un bache algo considerable y llevándonos en su acabado a un final con varios giros argumentales tan inverosímiles como lo fueron en «Grand Piano» y en donde no estaría de más ponerle algún límite a la credibilidad de la historia, pero que no tendría que suponer ninguna insatisfacción en términos generales a la hora de juzgarla pues el propósito de «Open Windows» está en un primer lugar el destacar el efectismo técnico al narrativo.

«Open Windows» también nos ofrece por momentos un meritorio ejercicio de voyeurismo por parte del director cántabro llegando a plantear varias ideas que lamentablemente no tienen el desarrollo deseado, el derecho a la intimidad o privacidad por parte de personajes famosos o el concepto inverso del enunciado..hasta donde tiene que satisfacer estos personajes a un publico quizás demasiado incondicional.

Pensar que el futuro del género de nuestro país pasa por gente como Nacho Vigalondo solo puede ser motivo de satisfacción, propuestas tan ingeniosas e inteligentes como «Open Windows» así lo atestigua, un tipo de cine tan ávido tanto en ideas como en estructuras.

Valoración 0/5:3’5

Tiempo atrás, un asesinato dejó dos niños huérfanos. Las autoridades culparon al hermano, mientras que la hermana creció creyendo que el verdadero culpable fue un antiguo espejo maldito. Ahora, completamente rehabilitado y con veinte años, el hermano está listo para empezar de nuevo, pero la hermana está decidida a demostrar que fue el espejo lo que destrozó a su familia.

El género de terror a lo largo de su historia ha ido reformulando y oxigenando sus propuestas basándose en pautas que anteriormente le habían funcionado, se ha reinventado de algún modo apoyándose en aquello que le ha dado resultado con anterioridad y que por tiempos o modas cinematográficas han quedado algo enterradas. Un género que en los últimos años se ha visto saturado por remakes (la mayoría de ellos innecesarios), estilos de dudoso valor fílmicos (torture porn) o formatos provenientes en su mayoría de la falta de medios pero que suele convertirse en falta de ingenio a la hora de valorarlo ( found footage o mockumentary ). Así no era de extrañar que ciertos directores dieran un paso atrás en la reformulación de ciertos conceptos, y se ampararán en las pautas del cine de terror de los 80 y principios de los 90, directores como James Wan (Insidious, The Conjuring) o Ti West (The House of the Devil, The Innkeepers) no inventan nada nuevo solo nos recuerdan las virtudes de un tipo de cine no tan lejano pero que está algo olvidado.»Oculus» entra de pleno en esa categoría de películas,¿pero es justo que sea destacada sólo por estos conceptos?

Mike Flanagan debutó con la interesante «Absentia«, ya con algo más de medios «Oculus» le ha supuesto un primer paso algo más mediático de cara a la galería, cogiendo la base de un mediometraje suyo realizado en el 2006 ,»Oculus: Chapter 3 – The Man with the Plan» donde se nos explicaba de modo ejemplar y en un único escenario como un hombre se enfrentaba a un misterioso espejo, Flanagan coge está idea pero la diversifica de manera inteligente en varios conceptos, especialmente en lo narrativo donde vertebra dicha historia en dos..pasado y presente, no se trata de flashbacks sino la de narrar una historia en paralelo a modo de estructura temporal donde vemos la infancia de nuestros protagonistas y el no menos aterrador presente de estos ya adultos y donde el hábil uso del montaje tiene su peso de manera positiva.

Todo esto apoyado por una fotografía de lo más inquietante por parte de Michael Fimognari, los actores cumplen, curiosamente más los niños que los adultos (Karen Gillan algo sobreactuada) y por supuesto el placer de ver en pantalla a la gran Katee Sackhoff (Battlestar Galactica). Pero pese a que «Oculus» sea un film áspero y sin cortapisas de terror en su concepto, su mayor virtud la encuentro en la dramatización de su historia y devenir de sus dos personajes, trastornados e incapaces de proseguir con sus vidas, mostrándonos como una obsesión desmesurada no puede traer nada bueno y más si te enfrentas a un poder maligno en el que todo vale, ese espejo que altera la realidad a placer (ejemplarizado de manera brillante en la escena de la manzana-bombilla) y al que no puedes hacerle frente de manera real.

Habrá que seguirle la pista de cerca a Mike Flanagan, todo parece indicar que va a formar parte de una serie de directores norteamericanos como Ti West, Adam Wingard, Simon Barrett o Eduardo Sánchez entre otros, capaces de ofrecer una mirada renovada y dispuestos a reinventar un género que pide a gritos una renovación de conceptos en su formulario de manera urgente.

Valoración 0/5:3’5

Mark Fisher, es un hombre que dos años atrás desapareció de su casa absorbido por un brillante haz de luz. Su amigo Seth fue la última persona que le vio con vida. Ahora, una serie de extraños y macabros asesinatos que están ocurriendo en la ciudad, hacen pensar a Seth que su amigo Mark ha vuelto… pero con algo diabólico en su interior.

En el pasado festival de Sitges hubo un par de películas que de alguna manera reivindicaban el género de terror ochentero, si «The Demon´s Rock» ofrecía un catálogo algo radical que glorificaba el uso del látex en sus efectos especiales de forma exagerada «Almost Human» por su parte presentaba ser una monster movie que homenajeaba sin ningún tipo de pudor el cine independiente norteamericano de bajo presupuesto de la época antes citada.

«Almost Human» es la ópera prima del jovencísimo Joe Begos, que recrea las pautas de ese cine sin pretensión alguna, de trama bastante digerible y duración generosa (apenas ochenta minutos de duración), su historia nos lleva por la senda de la abducción extraterrestre con claras referencias a otro título estrella en estas líderes de la época mencionada, «Xtro«, aunque su narrativa se inclina de forma meridiana hacia el típico Slasher con una más que generosa dosis de gore artesanal y con una total ausencia digital en ellos, como no podía ser de otra manera. Posiblemente si el film de Joe Begos hubiera visto la luz en los ochenta seria uno de tantos de aquella época loca en contenidos y desarrollos, la película posee muchas carencias, desde unas interpretaciones bastantes justitas lo que hace que no logremos empatizar con ninguno de sus personajes ( la ausencia de cualquier atisbo en lo referente al humor juega en su contra) o un guión torpón y carente de cualquier tipo de frescura, «Almost Human» es lo que es y no engaña a nadie y es en ese ejercicio de nostalgia cinéfila construido adrede cuando gana enteros a la hora de valorarla en su justa medida.

La sensación final que tuvo un servidor viendo el film es el de una extraña añoranza, extraña más que nada por comprobar lo rápido que pasa el tiempo y como un cine qué crees que es relativamente reciente pasa a ser objeto de la típica reverencia-homenaje en la época actual, y es los años no pasan en balde.. la simpaticona «Almost Human» así lo atestigua.

Valoración 0/5:3

Una pareja en crisis tratará de salvar su relación pasando un fin de semana en una mansión abandonada en la que para dar algo mas de chispa a su noviazgo deciden grabar sus relaciones sexuales en vídeo doméstico, sin embargo pronto descubrirán que no están solos en la casa, mientras su apasionado fin de semana se convertirá en una descarnizada  lucha por su supervivencia.

No deja de ser curioso que el subgénero denominado found footage, que a día de hoy se expande de manera vertiginosa y algo repetitiva en su formulario temático dentro del fantástico contemporáneo, busqué algunas fórmulas no demasiada transitadas en su enunciado que atraigan de alguna manera al espectador de turno, en esta ocasión se trata de presentar el producto en cuestión bajo la dirección de algún que otro creador que tiempo atrás perteneció a esa primera división mediática, dirigiendo películas para los grandes estudios o films que llegaron a alcanzar algún tipo de estatus  fílmico, llegando estos a atesorar un cierto reconocimiento cinematográfico, Barry Levinson por poner un ejemplo presentó hace un par de años la nada desdeñable «The Bay«.

Posiblemente Bernard Rose director de «Sx_Tape» no tuviera un reconocimiento tan subrayado como el antes mencionado, «Immortal Beloved» y su «Anna Karenina» le acercaron de alguna manera a los grandes estudios, pero sí que tenía un bagaje dentro del fantástico bastante acentuado, especialmente en sus comienzos como director, él es el responsable de «Candyman» y de una de sus primeras películas que no me canso de recomendar, la extraordinaria «Paperhouse«.

Lamentablemente «Sx_Tape» no aporta nada nuevo ni a su carrera como director ni al subgénero found footage, la película sufre de los mismos males de este tipo de propuestas, es repetitiva en su narración llegando a aburrir sobremanera en su primera hora (el film apenas dura unos 80 minutos pero se hace harto evidente sus problemas para mantener una narración algo coherente llegando a estirar la trama de manera tediosa), los personajes son demasiados estúpidos como para crear cualquier tipo de empatía sobre ellos y el espacio donde transcurre la acción (en este caso una clínica abandonada para chicas con problemas psicológicos) no está bien aprovechada. Solo al final de la cinta se anima de manera relativa algo la cosa.

Seguramente si no supiéramos el nombre de su director «Sx_Tape» pasaría completamente desapercibida para el ávido seguidor del cine fantástico, pasando a engrosar una lista de películas cada vez más grande, aquellas de temática found footage qué aportan muy poquita cosa.

Valoración 0/5:1’5

Janek es un técnico en una estación de observación del clima en lo alto de los Alpes. Es un lobo solitario, los científicos que regularmente pasan por allí y que comparten el amor por aquel lugar rocoso justo llegan a tolerarlo. Para empeorar aun las cosas, se acerca la visita del ministro de medio ambiente, que trae rivalidades diversas a la estación. Y de repente, todos los implicados se sienten agradecidos cuando su rutina diaria es interrumpida por un extraño descubrimiento. Un líquido rojo que sale de un glaciar cercano que se funde debido al cambio climático. Esta “sangre” del glaciar resulta ser un líquido muy especial, con unos efectos inimaginables en la fauna local. Janek no tardará en tener que defender la estación de una horda en aumento de monstruosidades biológicas. Los humanos se resguardan dentro del refugio junto al ministro. Dentro el grupo del ministro está Tanja, que es la única que conoce la razón del auto infligido aislamiento de Janek…

«Blood Glacier» también conocida bajo el título de «The Station» o en su original «Blutgletscher» es un film que adquirió una relativa notoriedad en los círculos festivaleros tras su presencia en la Midnight Madness del ultimo festival de Toronto, más conocido popularmente como TIFF, la Midnight Madness es  una sección dedicada a presentar premieres mundiales de films de género, en su mayoría productos de medio y bajo presupuesto y que en los últimos años ha devenido como un perfecto escaparate de películas a descubrir durante la temporada, si «Oculus» o «Afflicted» por citar dos ejemplos del pasado año cuadran a la perfección con dicho cometido «Blood Glacier» pasa con estrecheces, quizás demasiadas, el enunciado antes descrito.

Dirigida por Marvin Kren autor de la irregular «Siege Of The Dead» este film austríaco parte de una premisa de lo más interesante, a causa del cambio climático un líquido rojo se  fusiona con un glaciar provocando que la fauna local que entra en contacto con dicha sustancia sufra mutaciones mil, a partir de aquí los aficionados a las monster movies se podrían frotar las manos antes las posibilidades del argumento, el problema viene cuando el film dado su naturaleza de serie b de pocos recursos presupuestarios no esta a la altura de su enunciado presentándonos a las criaturas mutantes de manera algo difusa y pobre dado los recursos disponibles, digamos que esa austeridad de medios que la lleva a sugerir más que ha mostrar no cuadra del todo con la naturaleza festivalera de serie b del producto.

Si hay algo que salve a «Blood Glacier» son las prestaciones que se le da al escenario donde transcurre la acción, rodada en escenarios naturales de Los Alpes la película nos remite de forma clara y poco disimulada a «The Thing» de John Carpenter, tanto en escenario, como en personajes (ese protagonista principal, prácticamente un clon de Kurt Russell ) y sobre todo un sentido de humor algo especial con la que está dotada la película, claramente visible en el personaje de la ministra Bodicek, interpretada por la madre del director, Brigitte Kren, un personaje con demasiadas similitudes y no sólo físicas a la cancillera Angela Merkel, y un final del todo delirante, aunque en esto tengo serias dudas sobre si realmente se pretendía que fuera  cómico.

Al final «Blood Glacier» se queda como una por momentos simpática serie b destinada a una serie bastante definida de aficionados, con el claro objetivo de no querer ir más allá de ser un simple y mero entretenimiento.

Valoración 0/5:2

Atraídos por la promesa de unas auténticas aventuras en Australia, tres mochileros visitan el legendario cráter de Wolf Creek. Sin embargo su aventura se convertirá en una pesadilla cuando se encuentren cara a cara con el último hombre que cualquier persona querría encontrar en un lugar como ese: Mick Taylor. Mientras los mochileros tratan de huír, el psicópata irá tras ellos a través de un territorio salaje. Sólo cuando los jóvenes acaben en la guarida de Taylor, se darán cuenta de la verdadera monstruosidad que hay en su interior…

A la hora de realizar una secuela de un éxito suele ser bastante significativo el resultado que se obtiene según sean sus responsables, normalmente las que van cambiando de director conforme avanzan dichas continuaciones van perdiendo los rasgos autorales del film en que se basan, son films en su mayoría desarrollados a nivel de estudio o productora con el único propósito de ser rentables a nivel económico, películas que normalmente se ven despojadas de sus rasgos iniciales, sin embargo aquellas continuaciones que son hechas por los responsables del film primogénito, en un número bastante elevado suelen tener una cierta coherencia e interés ya sea a nivel de desarrollo o bien como una ampliación o mejora de la anterior película,»Wolf Creek 2» es una buena prueba de ello.

Greg McLean debutó en el 2005 con un modesto psycho killer de apenas un millón de dólares de presupuesto obteniendo un éxito económico (mas de 60 millones recaudados) y crítico, la película en cierta manera es considerada como de culto en según que sitios pese a su corta longevidad. McLean no explicaba nada nuevo en «Wolf Creek«, era un psycho killer al uso pero revestido de unos mimbres que la hacían muy a tener en cuenta, la utilización un escenario como es el desierto australiano (brillantemente fotografiado por Will Gibson) donde en un principio se nos muestra como un reducto de paz y calma para convertirlo a medida que avanza la trama en un espacio peligroso desprovisto por completo de cualquier tipo de protección hacia las víctimas, o el acertado uso de un crudo hiperrealismo narrativo, sin llegar a abusar de los golpes de efectos pero puntualmente explícita cuando tenía que serlo, y sobre todo al presentarnos a un carismático y algo atípico psycho killer interpretado de manera brillante por John Jarratt.
En «Wolf Creek 2» Greg McLean da un golpe de timón de manera inteligente, que nadie espere una continuación a nivel narrativo o temático del film anterior, el director australiano hace un guiño a los fans de la primera película y en cierta manera glorifica al personaje interpretado por John Jarratt dotando al film de un humor negro y un cinismo que no aparecía para nada en el primer film, de hecho «Wolf Creek 2» no es ni siquiera una película de horror es más bien un entretenido ejercicio de estilo, gran parte del metraje no deja de ser un nada disimulado homenaje a films como «Duel» de Steven Spielberg  o «The Hitcher» de Robert Harmon. Greg McLean de manera coherente con esta premisa dota a la película de mucho más litros de sangre y gore que su predecesora y bastante mas acción, esto se ve de manera clara y meridiana en la secuencia inicial y en la divertidísima escena con los canguros.

 «Wolf Creek 2» entretiene y se disfruta a diferencia de la primera parte, donde básicamente se sufría en el buen sentido de la palabra y lo hace desde un prisma de inteligencia creativa (con ciertas semejanzas en su concepto a lo que hizo Tobe Hooper con The Texas Chainsaw Massacre 2) y es que no hay mayor elogio hacia los fans del género que tratarles de manera referencial, cambiando esquemas y ofreciendo algo distinto a lo anterior.

Valoración 0/5:3’5

Un fallido experimento para solucionar el problema del calentamiento global casi acabó destruyendo la vida sobre la Tierra. Los únicos supervivientes fueron los pasajeros del Snowpiercer, un tren que recorre el mundo impulsado por un motor de movimiento eterno. Adaptación de la novela gráfica «Le Trasperceneige», escrita por Jean-Marc Rochette y Jacques Loeb.

El pasado 2013 supuso de manera algo curiosa los primeros trabajos realizados fuera de su país de tres de los más importantes directores surcoreanos de hoy en día, con distinta suerte en su resultado final, sí Park Chan-Wook destacaba con la excelente «Stoker«, Kim Jee-woon nos dejaba un regusto algo amargo con la alimenticia «The Last Stand«, por su parte Bong Joon-ho se atrevía con «Snowpiercer«, adaptación de una novela gráfica francesa escrita en los ochenta por Jean-Marc Rochette y Jacques Loeb «Le Trasperceneige».

Bong Joon-ho ya había dado muestras de su buena mano a la hora de abordar diferentes géneros, desde el thriller policíaco de tintes oscuros, la magistral «Memories of Murder» hasta el drama intimista «Mother» o la monster movie «The Host«, de hecho proviene de una cinematografía como la surcoreana bastante habituada a la hora de mezclar géneros en un mismo film, por lo tanto el proyecto en sí ya tiene una cierta lógica en su concepción.

Coproducida entre Corea (con Park Chan-Wook ejerciendo de productor) y Estados Unidos y con un variopinto elenco interpretativo lo primero que convendría alertar sobre está brillante película es alertar en algo al despistado espectador sobre su visionado, quien espere ver en «Snowpiercer» el típico blockbuster  con vocación internacional saldrá algo defraudado, el film de  Bong Joon-ho contiene demasiadas capas narrativas, estéticas o escenográficas como para hacerla pasar por tal, tampoco deambula sobre un tratado reflexivo acerca de la condición humana, digamos que es una fábula de ciencia ficción de trayecto tan vertiginoso como entretenido, que conforme va avanzando en el recorrido del tren nos moveremos desde la distopía post-apocalíptica reflexiva a la crítica ácida de un sistema de valores poco justo, pasando por momentos de pura acción violenta o de un humor excéntrico y algo kitsch, aunque parezca mentira al final todo tiene una cierta coherencia, evidentemente buscar un equilibrio perfecto entre tantas texturas no es tarea fácil, se tiende de manera lógica a cierta irregularidad narrativa, algo que se hace evidente especialmente en su tramo final.

Mención aparte merece la puesta en escena orquestada por Bong Joon-ho, sencillamente brillante, el escenario cerrado que supone los vagones del tren,(y que a cualquier otro director le hubiera supuesto todo un hándicap) los maneja el director surcoreano con una soltura destacable. Destacar asimismo la brillantez del conjunto interpretativo, desde un sólido Chris Evans hasta una serie de secundarios donde destacan prácticamente todos, Tilda Swinton, Song Kang-ho, Ed Harris o John Hurt entre otros.

«Snowpiercer» es un triunfo artístico por lo complicado de la propuesta, una rareza atípica que hay que saber valorar en su justa medida, en donde Bong Joon-ho sale airoso ofreciéndonos un producto tan apabullante en su contenido como entretenido en su devenir, consiguiendo que sus más de dos horas de duración pasen en un suspiro y que al final uno tenga ganas de más, un blockbuster con vocación de autor que irá ganando adeptos con el paso del tiempo.

Valoración 0/5:4

Inglaterra se encuentra sumida en una Guerra Fría con China. Por esa razón, el Ministerio de Defensa encarga al científico Vincent McCarthy que desarrolle un súper-soldado cibernético. La investigación se ve alterada cuando un error informático da vida a su invención, llevando al científico a pedir ayuda a Ava, experta en Inteligencia Artificial. Sin embargo, el programador, no contó con sensibilidad humana que esta maquina iba a desarrollar, y que pondría todos los planes del gobierno en peligro.

«The Machine» es un film británico de ciencia ficción de claro tono distópico  que nos alerta de los posibles peligros de la manipulación y utilización de la llamada Inteligencia Artificial en un futuro de claro trasfondo bélico.

Esta propuesta independiente de ciencia ficción nos plantea preguntas del tipo ¿tiene conciencia un ser artificial, sentir amor o representar un peligro para los humanos?, lo malo es que el film dirigido por Caradog W. James se queda algo estancado entre dos corrientes, la de la ciencia ficción reflexiva con algún que otro toque melodramático y la más pura live-action futurista, conforme avanzan los minutos vamos pasando de un extremo a otro creado una cierta confusión narrativa en su conjunto y no llegando a profundizar de manera clara en ninguna de estas dos vertientes, posiblemente esta sea su mayor defecto.

En cuanto a la interpretación tanto Tony Stephens como una muy eficaz Caity Lotz en su doble papel logran dar cierta coherencia al conjunto, no así el rol que interpreta Denis Lawson que se vislumbra como un simple villano de tono bastante estereotipado, pero posiblemente el mayor logro del film sea su acertada ambientación, de claros tono new-age  y alguna que otra referencia que la emparenta al Métal Hurlant , con una más que acertada iluminación qué esconde de manera notable el pobre presupuesto en el que se mueve la película así como una buena utilización de unos ajustados efectos especiales.

«The Machine» contiene reminiscencias de clásicos imperecederos, ahí están las referencias nada disimuladas al «Blade Runner» de Ridley Scott o al «A.I. Artificial Intelligence» de Steven Spielberg, quedándonos con la sensación de haber visto una curiosa y por momentos entretenida muestra de ciencia ficción con un empaque visual bastante notable pero con la impresión de no haber sabido explotar y profundizar algo más su historia.

Valoración 0/5:2’5

Ficha

Película: The machine. Dirección y guion: Caradog W. James. País: Reino Unido. Año: 2013. Duración: 92 min. Género: Ciencia Ficción . Interpretación: Toby Stephens (Vincent McCarthy), Caity Lotz (Ava / The Machine), Denis Lawson (Thomson), Sam Hazeldine (James), Pooneh Hajimohammadi (Suri), John Paul McLeod (Paul Dawson), Helen Griffin (madre de Paul Dawson), Siwan Morris (Lucy), Nicola Reynolds (Joan), Jade Croot (Mary). Producción: John-Giwa-Amu. Música: Christian Henson. Fotografía: Nicolaj Bruel. Montaje: Matt Platts Mills. Diseño de producción: Erik Rehl. Vestuario: Chrissie Pegg. Distribuidora: Alimpro Films.

El sórdido propietario de un bar de mala muerte contrata a un misterioso asesino a sueldo croata para que elimine a un tipo que le debe dinero. Una inocente camarera se ve involucrada en el crimen. Ahora, prisionera en su propio hogar, la joven deberá tomar medidas desesperadas para mantenerse con vida.

«Crawl» supone el debut tras las cámaras de Paul China, siendo su hermano gemelo Benjamín el encargado de producir esta ópera prima orquestada desde la lejana Australia que remite de manera notoria al film noir moderno norteamericano y muy concretamente al cine de los hermanos Coen, plasmado especialmente en dos de sus películas, «Blood Simple» y «No Country for Old Men«.

«Crawl» pese a lo loable de su modesta propuesta es un film fallido, siendo básicamente un esbozo carente de cualquier tipo de profundidad y desarrollo en cuanto a personajes y recursos narrativos, quedándose como una suerte de especie de ejercicio de fin de curso donde predomina el método formal y estructural a cualquier tipo de rasgo autorial por parte de su creador. Paul China también queda nuevamente al descubierto al intenta reverenciar de manera algo torpe el suspense Hitchcockiano en base a alargar secuencias de manera excesiva que no llevan a ningún sitio (la protagonista deambula durante largas secuencias por su casa sintiéndose amenazada por ruidos y pomos de puertas que se mueven de manera sospechosa) ,volvemos a toparnos con un esquema donde prima lo formal en detrimento del contenido y que se vislumbra parcialmente vació, llevando a una película ya de por sí corta en su duración (83 minutos) a hacerse por momentos alargada de manera poco justificable, que se intente el homenaje y la reverencia a un estilo de cine no tiene porque ser algo negativo, siempre y cuando el fin justifique  los medios.

La escena final del film con su nada disimulada similitud con respecto a «Blood Simple» nos lleva al debate de dónde empieza el método referencial al mero plagio, la película de China báscula de manera peligrosa por ambos conceptos, a final «Crawl» se erige como un ejercicio de estilo elevado a la décima potencia, loable pero defectuoso, donde se salva su empaque visual, por momentos acertados, así como la notable banda sonora compuesta por Christopher Gordon y por supuesto la siempre reconfortable presencia de la hermosa Georgina Haig, actriz que pronto podremos ver en la contundente «The Mule«.

Valoración 0/5:2

Adam (Jake Gyllenhaal) es un inestable profesor universitario que lleva una vida bastante monótona. Un día, viendo una película, descubre a un actor que es idéntico a él, consumido por el deseo de conocer a su doble, Adam sigue la pista del actor, ambos se verán abocados a un obsesivo enfrentamiento que tendrá inesperadas consecuencias no sólo para ambos, sino también para sus respectivas parejas.

Denis Villeneuve ha sabido aprovechar y reivindicarse de manera inmejorable el pasado año con dos films, la notable «Prisoners» y la película que nos ocupa «Enemy«, ambas rodadas prácticamente al unísono, alejadas entre sí en cuando a conceptos y materialización pero con una mirada que en cierta manera las une en lo referente a la riqueza emocional sus personajes.

«Enemy» es una adaptación de la obra escrita por José Saramago «El hombre duplicado» (bastante libre a tenor de los comentarios de quienes han leído el texto), donde se analiza el fenómeno del doble fantasmagórico o doppelgänger, a modo de pesadilla Kafkiana revestida toda ella con la apariencia de un oscuro thriller psicológico. Dicho planteamiento da bastante juego en lo referente a la coyuntura en que se debate nuestro personaje (espléndidamente interpretado por Jake Gyllenhaal), en lo referente a  su propia existencia, Denis Villeneuve nos plantea un discurso que se mueve dentro del territorio de la psique humana, concerniente básicamente a la falta de identidad, el anhelo de lo prohibido y todo aquello que no nos pertenece o el desarrollo de una no perfecta personalidad que nos conduce a la desdicha, todo ello servido de manera brillante mediante un mensaje metafórico que no críptico. Evidentemente el espectador tiene que estar predispuesto a dicho juego, entrar todo lo virgen que se pueda en lo referente a la propuesta y aceptarlo e interpretarlo de manera individual una vez digerido todo el entramado orquestado por Villeneuve.

Esta ambigüedad de contornos pesadillescos en la que se apoya el director canadiense esta perfectamente integrado en lo visual gracias al extraordinario trabajo realizado por Nicolás Bolduc mediante una fantasmagórica fotografía de tonos pálidos ocres que dotan a la ciudad de Toronto de una apariencia irreal, igualmente brillante es la banda sonora compuesta por Danny Bensi y Saunder Jurriaans. desquiciada e inquietante por igual.

A la hora de comparar y encontrar fuentes de inspiración de esta perfecta alegoría cinematográfica se ha citado de manera bastante amplia el cine de Kubrick, David Lynch o incluso Roman Polanski, puestos a emparejarla yo personalmente la remitiría a unas cuantas película realizadas por su compatriota David Cronenberg, aquellas en la que nos trasladaba a un oscuro mundo y que nos habitúo durante un cierto tiempo a este tipo de atmosfericas incógnitas planteadas, «Dead Ringers«,»Crash» y muy especialmente «Spider» con la que comparte junto a «Enemy» esa fascinante virtud del constante y complejo diálogo con el espectador.

Valoración 0/5:4

Nick Di Santo (Luke Kleintank) vive atormentado por su habilidad de tocar a alguien y ver exactamente como morirá. En su 23º cumpleaños, Nick es convocado por su madre en el manicomio donde fue ingresado desde su niñez. Esperando que su petición para verle sea una mejora, Nick deberá asumir la increíble revelación de que su padre que suponía muerto está vivo. Él podría conocer el origen del terrible don de Nick…

Victor Salva ha sido uno de esos directores que pese a tener films más que destacables en su filmografía se ha quedado en el umbral, no ha llegado a incorporarse a esa nómina de directores claves y referentes del género fantástico de los últimos años, por un motivo u otro no ha conseguido dar ese paso definitivo para ser reconocido de una manera más amplia, su ultimo film «Dark House» antes conocido como Haunted es un fiel reflejo de este pensamiento que me produce la carrera del director californiano.

Salva se dio a conocer en el panorama cinéfilo con «Powder» curiosa cinta con algún que otro toque argumental que lo emparentaba de alguna manera con el cine de Steven Spielberg, pero fue el éxito de «Jeepers Creepers» y su notable secuela lo que le colocó en una  primera fila que no supo aprovechar, su anterior película a «Dark House«, la alimenticia y televisiva en el sentido más peyorativo del   término «Rosewood Lane» así lo atestigua.

Aunque «Dark House» sea bastante más superior que «Rosewood Lane» está se encuentra alejada del mejor Salva, lo único que puede salvar en algo de la película es un intento por parte de su director de realizar un producto algo digno con un cierto aroma al cine de terror ochentero de ambientación rural, en el film hay aspectos reconocibles de los anteriores películas de su director y eso en parte es de agradecer pues demuestra que Salva con mayor o menor acierto ha intentado incorporar a la historia parte de sus tendencia autorial. Para ello Salva se sirve de un rostro reconocible y en parte icónico del cine de terror como es Tobin Bell e intenta crear una mitología genérica de claro devenir popular que recuerda en algo a la saga «The Prophecy«.Al final el film funciona como un mero entretenimiento sin más, que pese a su total falta innovadora en cuanto a ideas y con un guion que  chirría por momentos, consigue producir una cierta añoranza sentimental hacia un tipo de cine sin ningún tipo de pretensiones pero con un claro intento por parte de sus responsable de crear un producto digno y que no sea un insulto para los aficionados.

Al parecer y por fortuna Victor Salva vuelve a estar ocupado y ya tiene anunciados nuevos proyectos como «Purgatory«, «The Old Hag Syndrome» y sobre todo el esperado final de la saga Jeepers Creepers, ambientada en el oeste y donde se nos explica el origen de la criatura «Jeepers Creepers 3: Catedral«.

Valoración 0/5:2’5

«The Sacrament» nos cuenta como tres reporteros viajan a una comuna situada en el exterior de los Estados Unidos con la intención de hacer un reportaje y poder visitar a la hermana de uno de ellos, que vive en el seno de este colectivo pseudo-religioso conocido como Eden Parish. Una vez allí, se verán cautivados por la figura del carismático líder de la secta.

Ti West  va mejorando conforme su filmografía avanza, si en sus primeros trabajos «The Roost» y «Trigger Man» la escasez de medios que atesoraban las propuestas dificultaban en cierta manera hacer una valoración precisa del material, con «The House of the Devil» y «The Innkeepers» nos poníamos alerta al darnos cuenta de su  talento, en esta ocasión a la hora de referenciar de manera notable el cine de terror de los setenta con la primera y homenajear ese híbrido genérico tan característico en los ochenta como era mezclar el horror con una pinceladas de comedia con la segunda.

Con «The Sacrament» Ti West  se sumerge en el terreno del found footage (metraje encontrado) para explicarnos la tenebrosas peripecias de un grupo de reporteros que se adentran en una comuna con claras sospechas de ser una secta (de hecho el argumento de «The Sacrament» no deja de ser una versión de lo más fidedigna punto por punto de los trágicos sucesos acaecidos en Guyana, más conocidos por La masacre de Jonestown).Posiblemente la primera parte del film sea el más  conseguido, esa normalidad que precede a la tormenta en forma de preparativos por parte del grupo de reporteros a la hora de ir a Eden Parish consigue llegar a inquietarnos  por momentos otorgándole un ligero matiz al subgénero en base a una utilización del climax más que correcta, asimismo la presentación y desarrollo del personaje del líder espiritual interpretado con una notable solvencia por Gene Jones nos adentra en ese horror tan palpable y real de alienación y control mental sobre personas debilitadas por cualquier tipo de circunstancias. Hasta aquí el método utilizado del found footage para contarnos la historia es casi perfecto, es en la segunda parte de la película cuando a Ti West se la va la mano lastrando en algo el resultado final que podría haber sido bastante más redondo, y no porque el film acabe convirtiéndose en una explícita montaña rusa de horrores, algo a lo que irremediablemente nos lleva la historia, sino porque se traiciona en cierta manera la lógica del found footage mediante tomas y secuencias imposibles alejándose de esa supuesta realidad mostrada hasta ahora, digamos que si la primera parte funciona es porque el método elegido para filmar esta a disposición de la historia y no al revés como ocurre en el tramo final.

Aún así digamos que Ti West alcanza su mayoría de edad artística con «The Sacrament» colocándose en la zona alta de un grupo de directores estadounidenses (Adam Wingard, Eduardo Sánchez o Jim Mickle entre otros) llamados en parte a oxigenar y renovar el cine de género moderno como en los setenta lo hicieron gente como George A Romero, John Carpenter o Tobe Hooper, si, ya se que las comparaciones son odiosas y esta más aún, sólo con la perspectiva del tiempo se puede hacer una justa valoración de los hechos, pero por algo se tiene que empezar, los tiempos y la manera de hacer cine van mutando en concepto y práctica, esperemos que el talento siga apareciendo, sino mal vamos.

Valoración 0/5:3’5

A un ejecutivo publicitario (Josh Brolin) lo secuestran y lo mantienen aislado durante veinte años. Cuando por fin lo liberan, sin darle ninguna explicación, se lanza a una búsqueda obsesiva para descubrir quién orquestó un castigo tan cruel y extraño, pero lo que acaba descubriendo es que sigue siendo víctima de una conspiración.

No deja de ser curioso pero hasta cierto punto algo lógico el catálogo de fracasos ya sean a nivel de taquilla o el meramente crítico de los remakes realizados en los Estados Unidos de películas asiáticas, la mayor parte de ellos con un intervalo de tiempo bastante corto en su realización entre el original y el remake y prácticamente todas ellas vinculadas de un modo u otro al género fantástico,»Oldboy» es la última en llegarnos, un film que desde que empezaron a llegarnos las primeras noticias de su realización causaron un considerable revuelo mediático, básicamente porque el original, la enorme y estratosférica obra del coreano Park Chan-wook, es una de las películas más referenciales y emblemáticas de los últimos años, y porque el encargado de esta nueva versión era nada menos que Spike Lee al que considero un más que notable director pese que haya gente empeñada en atribuirle todos los males del mundo, solo hace falta repasar la lista de films realizados por el director neoyorquino para darse cuenta de su valía artística, una carrera eso sí algo irregular, con algún que otro altibajo no deseado.

Lamentablemente el «Oldboy» de Spike Lee es un despropósito  bastante considerable, fracasando prácticamente en todas las facetas que abarcaba dicho proyecto, posiblemente no era un material muy adecuado para ser dirigido a una audiencia tan amplia y tan poco abierta a temas de difícil digestión como este, bastante apartado de los convencionalismos narrativos al que suelen estar habituados el público norteamericano, por esto sorprende un poco que se haya optado por versionar el film de Park Chan-wook y no el manga de Garon Tsuchiya y Nobuaki Minegishi en el que estaba inspirado, un material, el de la novela gráfica, que a mi modo de ver era más apto y natural para la versión yanqui, aparte de ofrecerle al producto una frescura temática que podía llegar ser más valorado por un cierto sector de aficionados, recordemos que el film de Park Chan-wook  ya era de por  sí una versión bastante libre del manga.

La película de Spike Lee adolece de una falta de cohesión interna en su narración bastante evidente, es como si diera la sensación de querer ser en demasía respetuoso con el original (en base a una serie de guiños y referencias que poco ayudan en su desarrollo) pero llegando finalmente a estar a años luz de la fidelidad estética del film coreano.

Poco a resaltar, si acaso esos primeros cinco minutos donde parece que Spike Lee vaya por su cuenta y riesgo, y el buen hacer tanto de Josh Brolin como de Elizabeth Olsen, en contrapunto al personaje interpretado por Sharlto Copley que roza peligrosamente el más completo ridículo.

La verdad es que se me ocurre bien pocas cosas que sirvan de utilidad en una película como esta, si acaso que sirviera como especie de guía informativa que consiga despertar cierta curiosidad para aquellos que aún no hayan visto el film original y poder así descubrir la grandiosa película de Park Chan-wook, algo que la verdad se me antoja algo difícil contemplando las pocas virtudes y la falta de estímulo que puede ofrecer el remake perpetrado por Spike Lee.

Valoración 0/5:1

Nao Omori da vida a un hombre excesivamente fisgón que descubre un misterioso club, en el que encuentra una puerta que conecta con un mundo donde se puede experimentar sensaciones insólitas, si bien no se puede abrir bajo ninguna circunstancia. Pese a la advertencia, el intrépido héroe traspasa la frontera para toparse con enigmáticas y bellas mujeres cuyos planes ignora.

Hitoshi Matsumoto es uno de esos directores que no deja indiferente a nadie, con sólo cuatro películas en su haber «Big Man Japan» (2007), «Symbol» (2009) por la que siento una especial debilidad y la que considero a fecha de hoy como su mejor película,»Saya Zamurai» (2011) y «R100«(2013) ha conseguido crear un discurso cinéfilo que se ama o se odia, moviéndose habitualmente por el género de la comedia más  irreverente en el que a veces se oculta una tendencia que se mueve entre lo bizarro y lo experimental, lejos de cualquier tipo de convencionalismo y con una narración cinematográfica a la que uno tiene que enfrentarse lo más virgen posible para poder ser disfrutada en su máximo esplendor.

De hecho «R100″ no deja de ser una clara declaración de intereses por parte de Hitoshi Matsumoto, es como si el director después de realizar la que posiblemente sea su película más convencional en cuanto a contenido (la igualmente notable «Saya-zamurai» 2010) necesitara de moverse por ese tipo de cine tan multigenérico de notorio tono marciano pero con un resultado final de lo mas fascinante. La película que en su parte inicial parece dirigirse hacia una complacencia argumental comprensible en torno a un discurso tragicómico sobre las consecuencias que puede conllevar hacia un ciudadano de a pie el recurrir al placer del sadismo como formula de escape, pero que va mutando conforme pasan los minutos en un ejercicio de locura exagerado en la que Matsumoto se apoya en el llamado metacine para expresarnos con su característico y peculiar estilo una oda hacia el poder y sobre todo el derecho de la libertad creativa por parte del autor.

El panorama cinematográfico actual necesita de creadores como Hitoshi Matsumoto, capaces de cruzar sin ningún tipo de pudor esas líneas de convencionalismo narrativo tan presentes en el cine de hoy en día en base a un imaginario rico en ideas y texturas, no se me ocurre otra mejor manera de alabar este tipo de propuestas tan necesarias como poco transitadas.

Valoración 0/5:4

“La casa del fin de los tiempos” nos narra la historia de Dulce, madre y esposa, que tiene encuentros con apariciones dentro de su vieja casa, lugar donde se desata una terrible tragedia. 30 años después, Dulce regresa para descifrar el enigmático misterio que le ha atormentado por tantos años.

El cine de género proveniente de Latinoamérica se ha ido abriendo paso recientemente con propuestas relativamente interesantes, algo que tiempo atrás parecía ciertamente utópico que en según que países se realizará cine fantástico, así en estos últimos años hemos podido visionar películas como «La Casa Muda» Uruguay,»Somos lo que hay» o «Ahí va el diablo» México (las dos primeras ya con el correspondiente remake norteamericano),»El Paramo» Colombia, «Juan de los Muertos» Cuba y el film que nos ocupa la Venezolana «La casa del fin de los tiempos» solo por citar las más conocidas pero que suponen un claro ejemplo de la pujanza con respecto a la producción de este tipo de cine en Latinoamérica.

«La casa del fin de los tiempos» considerada como la primera película de terror del cine venezolano supone el debut en la dirección de Alejandro Hidalgo responsable también del guión del cual tardó dos años y medio en tenerlo listo después de innumerables lecturas cruzadas según palabras del propio director. La película aunque en un principio nos pueda parecer que quede enmarcada en el subgénero de las casas encantadas se adentra más en el cine de terror con el drama humano como claro trasfondo aderezada con ciertos toques folletinescos que poco ayudan en lo positivo de su resultado final, de hecho la supuesta casa fantasma sirve básicamente como mera excusa para contarnos la trágica historia sobrenatural de una madre (interpretada con cierto rigor por Ruddy Rodríguez),la estructura narrativa contada a modo de flashback denota cierto estilo por parte de Hidalgo que también parece desenvolverse con algo de soltura en aplicar los habituales modismos más populares del cine de terror consiguiendo en cierta manera atraer la atención del espectador en base a un guión que si bien no es del todo original si que consigue alejarse de la habitual convencionalidad que a veces predomina en el cine de género.

En el apartado negativo resaltar, aparte de un final algo edulcorado que no termina de cuadrar del todo en el tratamiento inicialmente propuesto por su director, muy especialmente los intervalos aventurescos de los protagonistas infantiles al más puro estilo «Stand by Me«, algo que supongo esta planteado a modo de liberar la tensión propuesta por Hidalgo en su historia pero que sólo consigue cortar de cuajo el ritmo narrativo del film llevándola irremediablemente a un anticlímax que perjudica sobremanera la película.

De todas maneras hay que ser bastante condescendiente a la hora de juzgar esta ópera prima de Alejandro Hidalgo y sobre todo es de esperar que encuentre apoyos a la hora de dar una continuidad a su trayectoria cinematográfica,»La casa del fin de los tiempos» pese a sus imperfecciones contiene un conglomerado de ideas parcialmente bien resueltas, algo a tener en cuenta en el futuro.

Valoración 0/5:2

Emily, un espíritu atormentado, recorre cada día su propio hogar preguntándose por qué no puede abandonarlo. Emily se ve abocada a una relación “paciente/terapeuta” junto a Sylvia, una medium contratada inicialmente para liberar a la casa de malos espíritus. Juntas descubrirán inquietantes misterios acerca del pasado de Emily que quizás puedan ayudarla a dar “el siguiente paso”.

El género fantástico en el devenir de su periplo cinematográfico ha sido víctima de una curiosa contradicción ya sea en lo argumental o en la simplemente estilística, con bastante frecuencia siempre ha caído en la reiteración del formulario de sus propuestas cayendo frecuentemente en el reiteración de ideas y planteamientos temáticos, curiosamente cuando estamos hablando de un género armado con suficientes mimbres imaginarios, todo ello debido a su incuestionable condición intrínseca del fabulario artístico que lo compone y que lo invitan continuamente a reinventarse.

«I Am a Ghost» del joven director H.P. Mendoza es en cierta manera un islote dentro del vasto panorama  genérico actual, sin ser ni mucho menos una película redonda Mendoza consigue sorprender y de alguna manera llamar la atención con esta historia de fantasmas contada desde dentro, con una novedosa forma de acercarse al mundo de los espectros y que demuestra una potencia narrativa digna de mención, donde somos testigos del errático comportamiento de un fantasma atrapado en una mansión victoriana de la cual no puede salir, vemos como nuestra protagonista repite acciones cotidianas de su vida pasada una y otra vez en forma de bucle todas ella acabadas de forma abrupta, la irrupción de una médium que consigue contactar con el fantasma nos llevará a una serie de explicaciones tanto a los que estamos visionando el film como a nuestra infortunada y sufrida protagonista.

Es evidente que la propuesta formulado por  H.P. Mendoza en «I Am a Ghost» no es un plato para todos los gustos, la radicalidad que nos ofrece requiere de un esfuerzo por parte del espectador, asistimos en la primera parte de la película a un recorrido algo tedioso para luego recuperar el ritmo en su parte final, digamos que es un film que se aprecia más una vez visto y digerido, es de aquellas películas que con el paso del tiempo nos deja algo de poso en nuestro subconsciente que nos permite apreciarla en su justa medida al cabo del tiempo.

Pese a sus claras limitaciones presupuestarias (un equipo de solo siete personas en seis días de rodaje) H.P. Mendoza, auténtico hombre orquesta guión, dirección, edición, fotografía, sale relativamente airoso del apartado técnico destacando especialmente la aplicación de textura colores que cuadra adecuadamente en el decorado clasicista en que se mueve el film. 

Al final «I Am a Ghost» quedará como una especie de rara avis apreciada solo por los seguidores del fantástico más inquietos, aquellos que busquen algo que se salga de la norma y que sepan apreciar en su justa medida esta propuesta original y por que no decirlo algo simpática de H.P. Mendoza, en los tiempos que vivimos es la única manera que se me ocurre de descubrir y disfrutar de una película como «I Am a Ghost«.

Valoración 0/5:3’5

Antisocial empieza en la nochevieja de un futuro no muy distante. Cinco amigos de la universidad se reúnen para celebrar el nuevo año. Sin que lo sepan, una epidemia ha estallado, causando brotes en todo el mundo. Sin ningún sitio al que ir, levantan barricadas y se encierran con sus teléfonos, portátiles y otros dispositivos electrónicos. Los usan para intentar averiguar las causas de esta infección. La información empieza a llegar en forma de videos a sus ordenadores, a la vez que el miedo se va convirtiendo en paranoia ¿Quién está a salvo? ¿En quién pueden confiar? La realidad se empieza a enturbiar cuando poco a poco descubren el virus que causa esta enfermedad… y no hay vuelta atrás.

«Antisocial» parte de una premisa argumental que aunque no sea original en su concepto si que es de lo más atractiva, un virus que se va expandiendo de manera vertiginosa convierte a las personas en seres sedientos de sangre, una especie de híbrido entre el zombie y el infectado, el hecho de que el virus se propague a través de las redes sociales hace que  dicha premisa resulte actual e interesante, el debate del uso de las nuevas tecnologías y el modo de comunicarnos a través de ellas y como estas consiguen cambiar y trastornar nuestro hábitos invitan a la reflexión.

Al comienzo del film vemos como nuestra protagonista rompe con su actual pareja a través de una fría videoconferencia, más tarde ya en plena epidemia contemplamos como el grupo de jóvenes hacen uso de dichos instrumentos virtuales tabletas, smartphones o portátiles de una manera compulsiva-dependiente para estar sabiendo que está ocurriendo en el exterior.El tema de como el mundo virtual se puede convertir en una amenaza para el individuo ya ha sido llevado al cine en varias ocasiones «Kairo» de Kiyoshi Kurosawa o la más reciente «Pontypool» de Bruce McDonald ,incluso a nivel literato tenemos «La célula«de Stephen King, lo malo es que la  ópera prima del canadiense Cody Calahan productor de «Monster Brawl» y «Exit Humanity«,se desentiende y elude por completo  cualquier discurso  teórico sobre el tema, ofreciéndonos en el desarrollo del film el tan manido slasher de supervivencia de ritmo algo tedioso, con una clara influencia por el J-horror (terror japonés) consiguiendo solo animarse algo en su parte final.

Al final «Antisocial«, bastante inferior a otra producción canadiense de premisa parecida «The Signal» 2007,se reduce a un mero entretenimiento sin ningún tipo de pretensión en su mensaje, de personajes estereotipados, que básicamente es solo disfrutable por fans que enfatizan con este tipo de propuestas modestas de serie b, digerible en su visionado pero perfectamente olvidable una vez has terminado de verla.

Valoración 0/5:2

Una niña es secuestrada a la salida del colegio. Su madre denuncia la desaparición a la policía, pero las autoridades no mueven un dedo. Horas después la pequeña aparece en un callejón, violada. Entonces, la mujer decide buscar justicia por su cuenta, aplicando sus conocimientos de ortodoncia con fines poco ortodoxos.

«Azooma» es un film independiente que se mueve entre el thriller y el drama y que supone el debut tras las cámaras del productor Lee Ji-seung responsable de éxitos comerciales como por ejemplo «Haeundae«,donde se nos explica las dificultades de una madre soltera a la hora de verse respaldada ante la justicia al intentar localizar al violador de su hija de 10 años.

Exceptuando sus 10 minutos finales, la película funciona más como vehículo de denuncia sobre una sociedad machista y discriminatoria que como un thriller de venganza, y no es la primera vez que vemos en películas Surcoreanas este tipo de denuncias que no deja en un buen lugar a dicha sociedad, cargando las tintas especialmente sobre un débil sistema jurídico acompañado de una alarmante inoperancia policial.

«Azooma» no va, ni quiere, ir más allá de dicha propuesta, dejándose ver con cierto agrado pese a lo duro de su argumento en su ajustado metraje (unos escasos 70 minutos), donde cabe resaltar la manera en que esta estructurada su narración, fraccionada a base de saltos temporales en su historia, supongo que para disimular cierto estilo telefilmesco causado quizás por su redundancia dramática algo inherente en el cine Surcoreano.

Resaltar así mismo la fotografía (que la emparenta de algún modo a ciertas películas de Kim Ki- Duk), que le otorga una acertada frialdad y realismo sucio bastante acorde con la historia así como el notable rol de su protagonista principal la actriz Jang Yeong-nam, aquí en su primer papel protagonista.

Valoración 0/5:2’5

Termina el 2013 y es época de listas que destaquen lo mejor de la temporada, un 2013 marcado por una cada vez más notoria reinterpretación del fantástico autoral, donde aparte de las propuestas más clásicas y comerciales de siempre va creciendo una corriente de nuevo sello donde autores de nuevo cuño e incluso gente consagrada en el ámbito cinematográfico utilizan la temática fantástica en mayor o menor medida para presentar sus propuestas.

Posiblemente esta corriente cada vez más extendida hace que el género (no solo ya a nivel cinematográfico sino también en el ámbito de la televisión) se vaya abriendo hacia un público ya no tan minoritario, abriéndose hacia nuevas fronteras y espacios como por ejemplo el de los grandes festivales donde certámenes como Berlín, Cannes, Venecia o Toronto presentan en su sección oficial películas de género con total naturalidad, algo impensable hace algunos años.

A la hora de confeccionar la presente lista he utilizado un método tan particular como anárquico, guiarse por los títulos estrenados ya sea en cine como en el mercado doméstico en España es una tarea un tanto absurda dado la lamentable situación existente en la distribución de nuestro país, así me he guiado básicamente por los film que he podido ver durante el presente curso ya sea a nivel de estrenos, festivales o vistas en la red.

Por último puntualizar que posiblemente no sean las mejores 10 películas vistas por mi durante el 2013, es una lista concerniente básicamente al género fantástico desde mi particular punto de vista, seguramente a alguien le sorprenda que incluya en esta lista a un film por ejemplo como «Drug War«,el magnífico thriller a cargo de Johnnie To, pero me remito a lo comentado más arriba, la rotura de esquemas genéricos que se viene dando últimamente hacen que films como estos sobrepasen esas barreras convencionales y fundamentalistas en lo que refiere a catalogar si entran o no en una categoría genérica.

1-«Upstream Color». Shane Carruth

Kris se ve alejada de su vida cuando un ladrón de poca monta la droga. Pero no se trata de un simple robo, algo más está ocurriendo. Sin saberlo, se ve arrastrada hacia el ciclo de la vida de una presencia que se introduce en el mundo microscópico y pasa por nematodos, plantas y ganado, y así sucesivamente. Por el camino, ella encuentra a otro ser, uno que le resulta familiar y que también ha sido arrastrado por esa poderosa fuerza. Ambos buscan desesperadamente un lugar seguro entre ellos mismos, mientras luchan para conseguir encajar los fragmentos dispersos de sus destrozadas vidas.

2-«Drug War». Johnnie To

Zhang está a cargo de una brigada antidroga. Cuando por fin detiene al delincuente Timmy Choi, ambos llegan a un acuerdo: Choi podrá rehuir la pena de muerte a cambio de trabajar para la policía como infiltrado.

3-«Escape from Tomorrow». Randy Moore

Un viaje posmoderno, surrealista en las entrañas de la «familia» del entretenimiento, una batalla épica comienza cuando un padre desempleado de mediana edad pierde su cordura durante un encuentro cercano con dos chicas adolescentes en vacaciones.

4-«L’étrange couleur des larmes de ton corps». Hélène Cattet,  Bruno Forzani

Una mujer desaparece. Su marido decide investigar las extrañas circunstancias de su desaparición. ¿Acaso le ha abandonado? ¿O es que está muerta? A medida que va indagando en las respuestas, el marido se verá gradualmente inmerso en una serie de situaciones violentas.

5-«Gravity». Alfonso Cuarón

Durante un paseo espacial fuera de su nave reparando un satélite, dos astronautas sufren un grave accidente y quedan flotando en el espacio. Una es la doctora Ryan Stone, una brillante ingeniera que está en su primera misión espacial. Su acompañante es el veterano astronauta Matt Kowalsky. La misión exterior parecía rutinaria, pero una lluvia de basura espacial les alcanza y ocurre el desastre: el satélite y parte de la nave quedan destrozados, dejando a Ryan y Matt completamente solos, momento a partir del cual intentarán por todos los medios buscar una solución para volver a la Tierra.

6-«Stoker». Park Chan-wook

Cuando India Stoker (Mia Wasikowska), una adolescente, pierde a su padre (Dermot Mulroney) en un trágico accidente de coche el día en que cumple 18 años, su vida se hace añicos. Su impasible comportamiento oculta profundos sentimientos que sólo su padre comprendía. Cuando su tío Charlie (Matthew Goode), hermano de su padre del que desconocía su existencia, aparece por sorpresa en el funeral, éste decide quedarse una temporada en casa de India y de su inestable madre (Nicole Kidman). Aunque al principio desconfía de su encantador y misterioso tío, pronto se da cuenta de que tienen mucho en común..

7-«Jodorowsky’s Dune». Frank Pavich

En 1975, el polifacético artista y director de culto Alejandro Jodorowsky soñó con un proyecto: la adptación de la novela clásica de ciencia-ficción «Dune», de Frank Herbert’. Junto al guionista de Hollywood y maestro de efectos especiales Dan O’Bannon, el (futuro) diseñador de «Alien» H.R. Giger y el artista de cómics Jean “Moebius” Giraud, todos bajo la dirección de Jodorowsky, «Dune» sería una superproducción cuyas cotas de ambición sobrepasaban todos los límites. Un sueño que se derrumbó antes de poder alzarse. Al fin, tras cuatro décadas, un documental nos desvela el film que pudo ser el «Dune» de Alejandro Jodorowsky, documental que emplea un enfoque similar a «Lost In La Mancha» de Terry Gilliam, y que nos permite descubrir entrevistas con sus principales artífices y una inmersión en todo el trabajo de pre-producción creado para la cinta.

8-«Only God Forgives». Nicolas Winding Refn

En Bangkok, Julian, un fugitivo de la justicia estadounidense, dirige un club de boxeo tailandés que actúa como tapadera para su tráfico de estupefacientes. Su madre, jefe de una amplia organización criminal, desembarca procedente de Estados Unidos para repatriar el cuerpo de su hijo favorito, Billy: el hermano de Julian ha sido asesinado tras haber masacrado salvajemente a una joven prostituta. Llena de odio y venganza, exige a Julian la cabeza de los asesinos. Julian deberán entonces enfrentarse a Chang, un extraño policía jubilado, adulado por los demás policías.

9-«È stato il figlio». Daniele Cipri

Se mueve en lo grotesco y lo trágico en una Palermo cutre, surrealista y atemporal, reconstruida en el barrio Paradiso de Brindisi, en Apulia. El padre de la familia, Nicola Ciraulo es una especie de Homer Simpson siciliano, como ha dicho el propio autor del libro Alajmo. Para mantener a su familia vende el hierro que extrae de barcos abandonados. El resto de miembros de la familia son la madre Loredana, los abuelos Fonzio y Rosa y los hijos Tancredi y Serenella. La tragedia estalla tras un día en la playa. La pequeña Serenella, como si tuviese una corazonada, no quiere volver a casa. En un ajuste de cuentas mafioso, una bala perdida mata a la niña. Tras el luto, llueve el maná del cielo. Los familiares tienen derecho a una indemnización por parte del Estado de 113.000 euros…

10-.»Dupa dealuri» (Beyond the Hills). Cristian Mungiu

Después de haber vivido varios años en Alemania, Alina se reúne con una amiga en un aislado convento ortodoxo rumano. Su amistad se remonta a la época en que, siendo niñas, se conocieron en un orfanato. Alina pretende que su amiga vuelva con ella a Alemania, pero ésta se niega porque no sólo ha encontrado refugio en la fe, sino que las monjas constituyen su familia.

Completamente amnésico, John despierta en una tumba abierta y llena de cadáveres. Una mujer lo ayuda a salir y lo conduce hasta un pequeño grupo de personas en circunstancias parecidas. Las dudas comienzan a planear sobre los supervivientes: ¿y si el responsable de la masacre es uno de ellos?

Siempre he sentido una gran admiración y una notable condescendencia a la hora de juzgar los trabajos realizados por directores patrios fuera de nuestras fronteras, la lamentable situación existente a día de hoy en España a la hora de labrarse una carrera como director ha llevado a la consabida «fuga de cerebros», Jaume Collet-Serra o Juan Carlos Fresnadillo son algunos ejemplos, Gonzalo Lopéz-Gallego ha sido uno de los últimos en buscarse la vida en el extranjero.

Gonzalo Lopéz-Gallego ya había dado muestras de su buena mano con el destacable thriller survival  «El Rey de la Montaña» 2007, fue en el 2011 cuando decidió cruzar las fronteras debutando en Estados Unidos con el Found footage de terror espacial «Apollo 18» de la mano nada menos que de Lionsgate con los temibles hermanos Weinstein al frente, pelicula que mereció mejor suerte tanto en su distribución como las algo injustas valoraciones criticas que recibió en su  día.

«Open Grave«es su nueva incursión internacional, con una historia a modo de thriller de tensión con alguna pincelada de género fantástico en su interior, contada a través de los ojos un protagonista amnésico en un viaje compartido con el espectador en el que vamos recopilando información de quién es y el porqué de la situación en la que se encuentra. Pese a esta estructura argumental que nadie se espere ninguna historia a modo de puzzle críptico ni a la imprevistos giros finales a la hora de finalizar la película, es evidente que ese no es el propósito de Lopéz-Gallego, de hecho no hace falta ser ningún lince para ir averiguando lo que va ocurriendo en la trama que llega a ser incluso por momentos algo previsible.

El film empieza con una gran escena inicial realmente impactante y rodada de manera brillante que deja el listón demasiado alto con respecto al resto del metraje que sufre de un evidente bajón a la hora de continuar la historia especialmente al abordar argumentalmente el devenir de algunos personajes secundarios.

Posiblemente la mayor virtud de la película es que mantiene a la perfección la tensión y la acción a lo largo de casi todo el metraje, ayudado especialmente por el buen uso de los exteriores donde transcurre la acción dando lugar a un brillante trabajo de fotografía a cargo de José Montero gracias a los frondosos bosques húngaros donde fue rodado, escenario y apariencia que remiten directamente y de manera clara hacia la televisiva «Lost» con la que guarda más de una similitud argumental.

«Open Grave» demuestra la buena mano de Gonzalo Lopéz-Gallego como artesano de género a la hora de afrontar trabajos ajenos, productos consumibles y disfrutables, ahora sólo le falta  dar con el proyecto que le permita dar el consabido pelotazo y que le lleve ingresar en la primera división de realizadores de la maquinaria de los grandes estudios, es cuestión de tiempo, Gonzalo Lopéz-Gallego va sobrado de talento.

Valoración 0/5:3

Una joven estudiante a enfermería, Asuka, se traslada junto con sus padres y su nuevo hermano a un nuevo inmueble. Pero, ya la primera noche, Asuka se despertará al escuchar un extraño sonido, como de uñas escarbando, que viene del piso contiguo. Al investigar, descubrirá a un anciano muerto por malnutrición que aparentemente se encontraba escarbando la pared con sus uñas para invadir su dormitorio.

Corría el año 1999 cuando un desconocido Hideo Nakata presentaba en el festival de Sitges la película «The Ring» la que a la postre sería la película más emblemática del llamado j-horror, dando a conocer este subgénero a una gran parte del público  occidental,Nakata comentaba en un claro acto de modestia artística y conciente de lo que se avecinaba que antes de la moda del j-horror en Japón había existido una gran tradición del fantástico destacando por encima de todo el «Kaidan»,un género que ha persistido en Japón tanto tiempo como la historia conocida de la literatura japonesa.

Tuvo que esperar tres años para que fuera reconocida su labor de director en su justa medida por encima de cualquier modismo cinematográfico con la que a la postre ha sido su mejor película con diferencia hasta la fecha de hoy, la extraordinaria «Dark Water«,a partir de aquí la carrera del director nipón ha ido dando tumbos de manera bastante irregular, a medio camino entre su país de origen (con un gran numero de productos alimenticios de tv) y occidente con unos resultados más bien pobres en la que solo cabe resaltar su peculiar y algo fallido homenaje al subgénero antes citado «Kaidan» y la curiosa por momentos «Chatroom«.

«The Complex» supone el punto más bajo de la carrera de Nakata y la contratación del agotamiento del llamado j-horror como fórmula genérica novedosa,la película tiene todos los mimbres necesarios que requiere una propuesta de estas características pero la sensación de déjà vu da paso a una falta alarmante de originalidad ya sea argumental e incluso a nivel técnico.

Si bien al inicio Nakata imprime al film un recorrido algo sostenido y sugerido acorde con sus primeros trabajos conforme avanza la película la cosa se le va por completo de las manos con una historia de ritmo irregular,mal contada y peor ejecutada en su parte final recurriendo a la consabida casquería y artificialidad despojando así al producto de cualquier lógica estructural  y llegando por momentos a bordear lo risible de manera involuntaria(todas la escenas del los médiums).

No deja de ser curioso que haya tenido que ser uno de sus máximos exponentes, Hideo Nakata, el que haya abierto-cerrado en cierta manera el círculo creativo y vital del llamado j-horror, una manera algo triste de acabar por el momento con este aluvión de terror nipón.

Valoración 0/5:1

Alice es una niña de once años que atrae a mujeres de sesenta años. A través de engaños consigue hacerse amiga de ellas, hasta convertirse en la cura de su “síndrome de nido vacío”. Una vez ha llegado a ser parte de sus vidas, una vez que ellos no pueden vivir sin ella, se beneficia con pequeños regalos que acaban convirtiéndose en verdaderos honorarios. Un pequeño precio a pagar por volver a sentirse de nuevo madres… Pero un día, Alice encuentra a la señora equivocada, un día encuentra a Ann. Y desaparece. Ann es una mujer solitaria, vive con su colección de mariposas y los recuerdos del pasado, recuerdo de Alice también, a la que encuentra mucho a faltar. Cerca de la casa de Ann vive Claudia, recientemente divorciada, una atractiva madre soltera luchando por su nueva independencia. Claudia le pide a Ann que cuide a su hija, Julie, por un fin de semana. ¿Descubrirá Julie lo sucedido con Alice?

The Butterfly Room es una película atípica para los tiempos y tendencias cinematográficas que vivimos a día de hoy,esta cinta dirigida por el peculiar director y guionista italiano Jonathan (Gionata) Zarantonello nos cuenta en forma de thriller de terror con una cierta tendencia hacia el drama psicológico familiar las desviaciones del instinto materno que sufre nuestra protagonista la gran Barbara Steele cuya presencia en el film se asemeja a un cierto estilo de homenajes que eran bastantes frecuentes en los 70 de actrices ya algo mayores en películas de género (Bette Davis,Joan Crawford entre otras eran bastantes asiduas a este tipo de producciones) y que le confiere al film de Zarantonello un algo e inusual hoy en día aire retro.

Digamos que la película en términos generales ha sido bastante mal tratada por parte de la critica aunque un reducido grupo de esta la a elevado a film de referencia,bueno..ni una cosa ni otra..The Butterfly Room es un film que reverencia al género en cuanto a una cierta estructura argumental que la acerca de alguna manera a los guiallos de últimos de los setenta pero que curiosamente y a diferencia de estos elude lo explícito ( la película no contiene ninguna secuencia donde aparezca algo de sangre),por otra parte podemos ver un curioso y en parte agradable desfile de caras conocidas del género como Heather Langenkamp ( A Nightmare on Elm Street), Ray Wise (Twin Peaks), Adriennne King (Friday the 13th),Camille Keaton (I Spit on Your Grave) o Joe Dante.

El principal problema con The Butterfly Room es el torpe uso al aspecto narrativo que le da Zarantonello al film,la utilización del flashback es difuso llevando al espectador ha confundirse en diferenciar lo que es presente y pasado,al final todo cuadra por lógico pero esta imperfección lleva al visionante a un esfuerzo algo innecesario en una película cuya función no es esta, con momentos originales en su vertiente argumental pero algo tediosa en algunos momentos de su metraje y con alguna que otra tendencia hacia el desvarío (la secuencia del ascensor).

De todas maneras el hecho de poder disfrutar durante los escasos 87 minutos que dura la película de la imponente y carismática Barbara Steele cuya presencia esta prácticamente en todas las secuencias del film ya justifica de por  sí el visionado de un producto tan  atípico como The Butterfly Room que pese a todas las imperfecciones que contiene siempre preferiré y pondré por delante a films esclavos de modas imperantes y algo descafeinadas (el found footage de turno o las  típicas  seudo-secuelas) que no aporta ni un ápice de originalidad en el actual panorama de género.

Valoración 0/5:3

Mientras la nave que los relevará de sus operaciones se acerca, un grupo de astronautas exploradores se topan con un descubrimiento: un grupo de muestras rocosas revelan evidencias microscópicas de vida. Unas horas antes de abandonar el planeta, dos de los astronautas regresan al cavernoso valle donde hallaron las muestras para reunir más hallazgos. Pero uno de ellos sufre un accidente… y su cuerpo es ocupado por la misteriosa y terrorífica forma de vida que acaban de descubrir.

En este 2013 apunto de acabar los aficionados a la ciencia ficción espacial estamos en cierta manera de enhorabuena ya que dicho subgénero que no se viene prodigando en exceso en los últimos años ha visto como productos de un nivel medio-alto han visto la luz en el presente curso.»The Last Days on Mars» ha seguido la estela de otros films como «Gravity» o «Europa Report» si bien la película que nos ocupa se adentra mas al homenaje a la scifi de terror con un marcado carácter a serie B referenciando films como «Alien«,»Ghosts of Mars» y muy especialmente «Terror en el Espacio» de Mario Bava que a propuestas mas filosóficas o de contenido más técnico-científico como las dos propuestas arriba citadas.

El film dirigido por Ruairi Robinson ha tenido una curiosa  difusion comercial,se pudo ver de forma algo sorpresiva en la pasada edición del festival de Cannes en su quincena de realizadores sección no muy dada a incluir películas de género,cosechando buenas criticas,una vez adquirida por la Universal para su distribución está decidió sacarla en la modalidad de V.O.D estrenandola de manera limitada en salas comerciales en algunos países como Francia y Gran Bretaña.

Posiblemente «The Last Days on Mars» este un escalón por debajo de las dos notables películas comentadas antes, el film de Ruairi Robinson pese a no ser completamente conseguido en su resultado final si que llega a ser un producto más que disfrutable, especialmente para los amantes del género.

La película cumple en su faceta referencial de dicho subgénero pero no logra ir más allá de en su loable cometido,digamos que entretiene en cierta medida pero no sorprende,el estar basado en un relato corto («The Animators»,Sydney J. Bounds) es algo que le lastra pues en determinados momentos da la sensación que el argumento es algo esquemático y no da para más, al intentar mostrarnos algo más por ejemplo de los personajes (el trauma del personaje interpretado por Liev Schreiber) naufraga en cierta manera al no saber trabajar con acierto un apartado que no sea el más puramente fantástico.Tampoco se sabe aprovechar correctamente el escenario escogido,que la acción discurra en Marte es meramente anecdótico algo que no deja de ser una pena pues dicho escenario daba a priori bastante juego.

En el apartado positivo destacar un pulido diseño de producción,un casting acertado destacando a Elias Koteas y muy especialmente a una sorpresiva Olivia Williams y una por momentos brillante banda sonora a cargo de Max Richter.

Al final «The Last Days on Mars» quedará como un disfrutable y bienintencionado entretenimiento para amantes del «space horror» género por el que siento una cierta debilidad,pero con el lastre de dejar un cierto regusto a déjà vu para un publico no condescendiente con dicha propuesta.

Valoración 0/5:3

Nica (Fiona Dourif) está destrozada tras el terrible suicidio de su madre. Su hermana mayor Barb (Danielle Bisutti) regresa a su casa para ayudarle en este duro trance, trayéndose con ella a su hija pequeña, quien posee un muñeco parlante llamado Chucky que llegó misteriosamente por correo. A medida que una serie de brutales asesinatos comienzan a aterrorizar a la familia, Nica sospecha que Chucky puede ser la clave del derramamiento de sangre, pero lo que sabe es que éste está decidido a terminar un trabajo que comenzó hace más de 20 años, y esta vez lo va a llevar acabo hasta el final…

En 1988 «Child’s Play» aquí conocida como Muñeco Diabolico trasladaba la figura del muñeco asesino,un personaje bastante utilizado a lo largo de la historia del cine y la televisión fantástica (Dead of Night,Twilight Zone,The Devil Doll,Magic etc) al ámbito del terror ochentero de la mano de Tom Holland un artesano bastante competente de la época,la película tuvo el correspondiente éxito dando lugar a una serie de secuelas a lo largo de los años venideros.John Lafia (alguien hoy en dia recuerda su «The Blue Iguana») dirigió la segunda parte,al año siguiente apareció la tercera parte y la cosa se fue devaluando en exceso,tanto «Bride of Chucky» como «Seed of Chucky» supusieron un cambio de timón en lo que refiere al trancurrir de la saga introduciendo el elemento de la parodia gruesa y una caricaturización del personaje algo elevada en especial en «Seed of Chucky» algo que coloco a la franquicia en su punto mas bajo.

Si hay una persona que se le puede otorgar la paternidad del personaje ese es sin duda Don Mancini guionista de todos los títulos de la saga y director tanto de «Seed of Chucky» como de «Curse of Chucky«.

En «Curse of Chucky» Mancini ha hecho lo mas inteligente que es olvidarse temáticamente de las dos ultimas películas  de la saga y volver al primer titulo en lo que se refiere a personajes y desarrollo argumental basado en un terror funcional y referencial y hasta algo gótico.

La película pensada para el mercado del DVD&Bluray sin ser ninguna maravilla se ve con agrado y hasta con nostalgia y funciona en cierta medida como una especie de reboot a la saga,en donde se agradece el elevado uso del gore asi como no abusar en exceso de los efectos digitales.

Aunque quizás la alabanza más adecuado a la cinta venga en un plano claramente sentimental,volver a ver en escena a Brad Dourif(cuya hija es la protagonista del film) y el trato que otorga Don Mancini a la criatura que creo hace ya la friolera de 25 años es algo y más en los tiempos que corren hoy en dia digno de elogio.

Valoración 0/5:2’5

Jóvenes muchachas de los balcanes son obligadas a prostituirse con los militares. Una huérfana sordomuda es esclavizada para cuidarlas. Se mueve entre las paredes, planeando su huida. Maquinando su ingeniosa y brutal venganza.

Opera prima del británico Paul Hyett conocido por encargarse de un amplio numero de películas de los efectos especiales y de maquillaje (The Descent, Eden Lake,Attack the block o La Mujer de Negro entre otras),contandonos en esta su primera película las desdichadas peripecias de una chica sordomuda que es obligada a drogar y maquillar a las mujeres secuestradas y maniatadas que soldados y lugareños usan para desfogar sus instintos sexuales más primarios y salvajes todo ello con el marco de fondo de la guerra en la antigua Yugoslavia.

Hyett nunca intenta utilizar ningún tipo de metáfora en lo referente al conflicto belico,en su lugar utiliza dicho contexto de barbarie para contarnos una historia de terror crudo y survival en su parte final aprovechando dicho escenario,una crudeza algo explícita pero para nada gratuita,algo por otra parte que se agradece.

Aunque tenga una primera parte algo lenta en cuanto a desarrollo personalmente es la que mejor funciona a mi parecer,una parte sin apenas diálogos, bastante elíptica donde el protagonismo pasa por el manejo de las imágenes,la parte final es mas discutible en cuanto a su propósito final pues rompe en alguna medida con la propuesta que en un principio parece adquirir el film transportándonos en cierta manera a un algo burdo «survival» mas digerible en lo que al entretenimiento se refiere pero con la sensación de déjà vu tan característico en este tipo de propuestas donde los consabidos y arquetípicos villanos se apoderan de la función.

Posiblemente el apartado mas notable del film por inhabitual en este tipo de películas es su cuidado y brillante diseño de producción donde resalta muy espacialmente la fotografía de Adam Etherington adquiriendo el film una irrealidad cromática que consigue ensamblarse a la  perfección a la algo irregular pero estimable propuesta cinamatografica de Paul Hyett.

 Valoración 0/5.3