Categoría: Peliculas

Huyendo de los horrores de la Segunda Guerra Mundial ocho escolares, acompañados por la directora del colegio (Helen McCrory) y una profesora (Phoebe Fox), son evacuados de Londres y trasladados a una aldea. Allí conocen a Harry Burnstow (Jeremy Irvine), un piloto de la RAF que, al igual que ellos, se alojará en una ruinosa casa situada en una isla que sólo se comunica con tierra firme por la carretera de las Nueve Vidas, una calzada que desaparece con las mareas. Su presencia no tarda en despertar una fuerza malévola que surge de la oscuridad y lleva décadas rondando esa mansión en ruinas: se trata de «La mujer de negro».

La nueva Hammer no parece estar teniendo un retorno afortunada con respecto a la calidad de sus propuestas, si «The Resident» o «The Quiet Ones» representaban un nivel cualitativo más que cuestionable, el remake «Let Me In» pese a ser un pulcro trabajo por parte de Matt Reeves evidenciaba su misma necesidad de ser, algo inherente en este tipo de propuestas, su éxito más destacable tanto critico como económico fue su hasta cierto punto conseguida nueva adaptación de la novela de terror gótico escrita por Susan Hill «The Woman in Black» en donde su director James Watkins sabia sacar el máximo provecho de los mimbres más característicos del genero aparte de ser una inteligente operación de marketing por parte de la productora al poner al frente del reparto al conocido Daniel Radcliffe, recién salido de la saga Harry Potter, aunque no me cansare de recomendar la que para mí es la mejor versión con diferencia de la citada novela, la notable tv movie de 1989 dirigida por Herbert Wise con guion de la propia Susan Hill y el legendario Nigel Kneale.

Así no era difícil adivinar que se planteará una continuación de su film más exitoso, «The Woman in Black 2: Angel Of Death» sin embargo se sitúa bastante lejos en cuanto a resultados con respecto a su sucesora, la trama propuesta aquí por parte del guionista Jon Croker aparte de estar repleta de demasiados clichés es poseedora de una creatividad que brilla por su ausencia, no se aporta prácticamente nada nuevo a la historia al no tener la más mínima originalidad en su estructura narrativa, todo es un continuo déjà vu de imperfecciones mil veces vistas en pantalla, con un abuso de los consabidos golpes de efecto, mala señal esta pues indica una evidente falta de ideas en su conjunto, por momentos tenemos la sensación de estar presenciando un envoltorio sin nada dentro, su acertado diseño de producción no está para nada al servicio de la historia, al mismo tiempo se abusa de una cierta rigidez formal en su puesta en escena deviniendo a todas luces como un producto que surgió como un simple encargo para aprovechar la buena taquilla de su antecesora , para más inri el sosísimo trabajo tras las cámaras de Tom Harper ayuda bien poco, se nota que es un director no afín al género, por momentos parece estar más interesado en mostrarnos los endebles dramas personales de los protagonistas, obviado en algo el elemento fantástico en una dirección que invita al tedio, una lentitud más que palpable a la hora de filmar las escenas, todo ello a la espera de consabido golpe de efecto a base de subir el volumen, que lejos de generar inquietud o desasosiego consigue situarse como un producto totalmente vacuo en su enunciado.

No deja de ser una pena que propuestas tan representativas y reconocibles dentro de la historia del género como la de una productora dedicada en exclusiva al fantástico no lleguen a establecerse de una manera consolidada, no le hubiera ido nada mal tanto a Tom Harper como a Jon Croker  revisionar propuestas que sí lograron plasmar varias de las ideas propuestas en  «The Woman in Black 2: Angel Of Death«, niños-orfanato, contexto histórico más elemento fantástico, a bote pronto y de un cine reciente me viene a la memoria la notable «El espinazo del diablo» (2001) de Guillermo del Toro o incluso la resultona película tailandesa «Dorm» (2006), lamentablemente la secuela que nos ocupa se sitúa en las antípodas en cuanto a resultados con respecto a estos trabajos.

Valoración 0/5: 1’5

Mientras realizan un viaje por carretera, tres universitarios deciden seguir la pista de un célebre hacker y llegan a una localización remota. Inmediatamente, los jóvenes son capturados, sin comprender que se han visto atrapados en una conspiración a gran escala.

«The Signal» fue una de las prometedoras cintas independiente, en este caso de ciencia ficción, provenientes del festival de Sundance de 2014 (certamen cada vez más proclive al género fantástico en donde han ido saliendo pequeñas joyas de sci-fi independiente en estos últimos años, «Upstream Color«, «Coherence» o «Another Earth» son solo algunos ejemplos) y que pudimos ver en el pasado Sitges, su director William Eubank ya logró sorprender hace unos cuantos años de manera muy grata con «Love» otro film de ciencia-ficción de espíritu indie y claro trazo experimental en la que un astronauta vagaba solitario por una estación espacial, con producción y banda sonora por parte del grupo  AvA (Angels and Airwaves) y con un rodaje de más de cuatro años, lo que en principio iba a ser un documental sobre el primer disco del grupo musical acabo convirtiéndose en un producto tan atípico como estimulante.

Ahora con «The Signal» continua con ese “espíritu” aunque con algo más de medios, William Eubank  da un paso hacia delante, no consigue defraudar con una historia dirigida a un abanico más amplio de público, posiblemente menos críptica que en su anterior trabajo pese que su narración pueda confundir al espectador en este aspecto, mostrándonos un producto que no minusvalora en ningún momento la inteligencia de un público conocedor  del género, logrando unos resultados de calidad bastante constatada, un ejercicio de intriga bien manufacturado (premio en Sitges a los mejores efectos especiales, perfecto ejemplo de como las limitaciones presupuestarias no están reñida con los buenos resultados en este ámbito, lográndose aquí un apartado visual impecable) y consiguiendo uno de los thrillers de ciencia ficción más personales y estimulantes vistos últimamente en donde un final algo previsible (el espectador versado en estas lideres lo notara con antelación), estamos pues ante una película que juega en un terreno complicado, en donde limitaciones  pueden llegar a estar en continuo conflicto con ciertos rasgos referenciales propuestos por su director, que aquí parte de una interesante premisa, consiguiendo centrar la narración en unos protagonistas que debe descubrir los interrogantes que se esconde en la trama al mismo tiempo que el espectador, este camino recorrido en paralelo genera un claro vínculo empático por parte del espectador, algo que es sin duda un punto a favor de la película.

En un género como el de la ciencia ficción en el que cuesta mucho innovar «The Signal» posee al menos la extraña virtud de intentar cohesionar diferentes subgéneros tales como la road movie juvenil en su parte inicial, pasando por el found footage, llegando más adelante en su núcleo central a la más pura ciencia ficción de tono biológico para llegar a un final casi de tono fabulario digno de cualquier episodio de la serie  «The Twilight Zone», digamos que navega entre diferentes clichés de géneros sin llegar a decantarse por ninguno de ellos, evidentemente esta mixtura genérica conlleva cierta irregularidad en el desarrollo de su historia, llevándonos a un deliberado ritmo cansino en su narración para poder así poder enseñar sus cartas en su parte final, algo que puede conducir al espectador poco paciente a cierto cansancio, un peaje hasta cierto punto lógico, algo que no logra ensombrecer un producto tan digno y referencial, bastante loable de su propuesta.  

William Eubank entra de lleno en esa categoría de nuevos y prometedores directores de clara tonalidad “mainstream”, gente como Gareth Edwards, Matt Reeves o Colin Trevorrow llamados a realizar un cine genérico de alta calidad para los grandes estudios, algunos aparte de realizar block-busters lograran mantener el interesante discurso mostrado en sus primeros film, otros no, quedaran engullidos en la gran maquinaria hollywoodiense, despojados por completo de sus rasgos autorales, crucemos los dedos y esperemos que William Eubank no sea de estos y que sepa llegar a evolucionar su innegable talento en su futura y prometedora carrera.

Valoración 0/5:3’5

Jupiter Jones nació bajo el cielo de la noche, y las señales apuntaban a que estaba llamada a grandes cosas. Aunque sigue soñando con las estrellas, su vida se reduce a la dura realidad de su trabajo como limpiadora de casas y a un sinfín de rupturas problemáticas. Y no es consciente del destino que la está aguardando hasta que Caine, un ex militar genéticamente modificado, llega a la Tierra para encontrarla; la razón es que Júpiter forma parte de una cadena genética extraordinaria que podría alterar el equilibrio de todo el Universo.

Después de revolucionar el concepto de la ciencia-ficción hace ya 15 años con «Matrix«, uno de los bastiones capitales de dicho género, compendio perfecto de influencias y conceptos tales como el cyberpunk, anime o artes marciales y muestra imperecedera al menos a día de hoy pues el film lejos de envejecer se mantiene fresco,  Andy y Lana Wachowski  vuelven al género que les encumbró con “Jupiter Ascending”, una vuelta un tanto obligada después del inmerecido fracaso económico de su última película, la extraordinaria «Cloud Atlas«, posiblemente su mejor film hasta la fecha, un retorno marcado tanto por las exigencias personales como por lo arriesgado de la propuesta, pues el listón comparativo respecto a la obra que les dio la fama estaba suficientemente alto como para ser superado. Y no será porque no hayan puesto el suficiente empeño en crear todo un imaginario personal alrededor de “Jupiter Ascending”, una historia seguramente extremadamente sencilla, revestida de manera incuestionable con encajes de oro en su larga postproducción, en donde el notable poderío de su barroquismo visual sea lamentablemente y posiblemente su único elemento a tener en cuenta.

En «Jupiter Ascending« se nos cuenta una historia demasiado simple en su concepto pero que no difiere en exceso de los cientos de trabajos que se hacen al año en la industria de Hollywood, una despreocupada space opera de clara tradición fabularía e incuestionable tono pulp, pero con un resultado final en donde todo resulta tan previsible y conocido que siempre iremos un paso por delante de la historia que se nos cuenta, acercándonos de manera peligrosa al tedio, todo ello a causa de un guion bastante pobre, poseedora al mismo tiempo  de personajes con los que nunca llegamos a empatizar, por momentos y salvando las distancias parece que estamos asistiendo a una versión fallida de «Guardians of the Galaxy«, un borrador defectuoso en donde todo lo que en aquella funcionaba aquí más bien no lo consigue, cosa que no ocurría en los anteriores trabajos de los Wachowski en donde además  la mixtura genérica aplicada funcionaba, aquí más bien desconcierta y crea confusión, un claro ejemplo son las escenas burocráticas en tono de comedia, que por mucho que nos remitan a «Brazil» y nos haga especial ilusión ver en una aparición al gran Terry Gilliam, lo único que aquí se consigue es romper el ritmo narrativo de una manera evidentemente notoria, además se intuye una clara deficiencia al no saber equilibrar las escenas de acción de manera adecuada, por momentos  se hacen largas e incluso aburridas y sobre todo confusas, algo inherente en el abusivo manejo de los pixeles. No obstante, y como he comentado más arriba su apartado técnico vuelve a ser una vez más su mayor baza y posiblemente la única, los efectos especiales, los fondos y la fotografía son impecables, regalándonos una muestra visual exquisita para contemplar en la gran pantalla, una space opera de tono hiperbarroco que lamentablemente carece de cualquier tipo de estructura sólida y coherente en su historia.

«Jupiter Ascending»  termina siendo la crónica de un fracaso anunciado, que aunque de manera loable y en parte personal fue concebida como un relato original que no es un remake ni adapta ningún cómic o novela juvenil best seller, al final se muestra del todo insuficiente en sus propósitos, aunque como suele ocurrir en los últimos años la película tendrá un pequeño grupo de defensores en un público adicto a este tipo de parafernalia visual y conceptual, amantes del fandom que agradecen propuestas tan despreocupadas y honestas como esta, por muy imperfectas que lleguen a ser, seguramente cuando los responsables de  Warner Bros echen un vistazo a los números de recaudación que consiga «Jupiter Ascending« no opinarán de la misma manera.   

Valoración 0/5:2

Nils, de 45 años, conduce una barredora de nieve por un remoto paraíso nevado. Un día recibe una llamada telefónica: su hijo, que acaba de empezar su carrera universitaria en Oslo, ha muerto por una sobredosis de droga. De repente, Nils se verá envuelto en una guerra entre bandas de narcotraficantes.

El film noruego «In Order of Disappearance» visto dentro de la sección Òrbita, apartado este dedicado a los films pertenecientes a ese género tan colindante últimamente con el fantástico como es el thriller en todas sus posibles ramificaciones, fue una de las pequeñas sorpresas que pudimos descubrir en el pasado festival de Sitges, la película vino proveniente del festival de Berlín del pasado año en donde fue recibido de una manera bastante positiva dado su carácter genérico, viniendo a ser un soplo de aire fresco entre tanta película de compromiso social y tono trascendental,  propuestas recargadas de una solemnidad en exceso, y que suele anidar con demasiada frecuencia dentro de su sección oficial.

El cineasta Hans Petter Moland  sitúa de forma clara a «In Order of Disappearance» en el reconocible territorio del género negro de reminiscencias noir, con un indudable acercamiento temático y nada disimulado al western postmoderno, creando de una manera acertada y en paralelo un vínculo escénico tan reconocible como sustitutivo en la presentación de sus áridos parajes nevados, esa nieve de Oslo, que sirven a modo señas de identidad genéricas a la acción en la que nos sitúa el director noruego, con un aprovechamiento del espacio bastante logrado, todo ello potenciado por la notable fotografía a cargo de Philip Øgaard. Aunque el punto más a destacar del film sea su hibridación genérica, tan sutil como efectiva, sobre todo en el apartado del humor negro que contemplamos durante su metraje, un humor irónico servido a base de pequeñas pinceladas, especialmente en personajes secundarios, algo que dota al conjunto de un sentido coherente a la propuesta y que la asemejan y emparentan de una forma clara a un reconocible cine creado por los hermanos Coen, «Blood Simple», «The Man Who Wasn’t There» y muy especialmente «Fargo» film con el que además comparte un escenario bastante similar, y alejándola al mismo tiempo de esa tendencia Tarantiniana tan dado al exceso nada disimulado y que tiene como máximo exponente el cine de por ejemplo Guy Ritchie.

Esta comedia negra criminal de disfrute liviano, contada y estructurada de modo episódico deviene de forma clara en una apuesta sobradamente sólida y disfrutable, un film sobre una venganza cálida en un escenario frío, que tiene su principal baza en su acertada y antes comentada mixtura genérica, cuyo indudable potencial visual y narrativo queda algo ensombrecido en el pobre desarrollo de sus personaje principales, dando cierta sensación esquemática en sus formas,  poco sabemos del personaje interpretado por Stellan Skarsgård, solo que ha sido recientemente nombrado ciudadano ejemplar del año en la pequeña localidad en donde reside y que se mueve en un ámbito de una exagerada por momentos normalidad, lo mismo se podría decir de los gángsters, tanto el noruego como de serbio, en este aspecto da la sensación de un predominio en la presentación de roles que la indagación personal más propiamente dicha.

Un film sin embargo que reafirma la inequívoca contemporaneidad y buena salud del cine de género negro nórdico y que confirma al mismo tiempo el talento de un cineasta como Hans Petter Moland,  cuya acertada continuidad autoral demuestra no ser para nada casual y del que urge rescatar de una manera apresurada su anterior y brillante «Zero Kelvin». Una propuesta la de «In Order of Disappearance» que se ve al mismo tiempo apoyada por intérpretes cuya sola presencia engrandecen el producto de una forma incuestionable, Stellan Skarsgård y sobre todo un extraordinario Bruno Ganz, dando este un auténtico recital interpretativo en base a ligerísimos matices, algo que parece simple pero que solo está al alcance muy pocos, de genios en definitiva de la talla del actor suizo.

Valoración 0/5:3

Un grupo de teatro ensaya un clásico de misterio, en el que la traición y la venganza ocupan un lugar central. La vida entre bastidores se verá salpicada de sangre cuando lo fantasmagórico abandone la ficción e irrumpa con terribles consecuencias en la realidad.

Lo del prolífico director japonés Takashi Miike es realmente es digno de elogio, no me cabe la menor duda que en un futuro cuando deje de dirigir su carrera será considerada como clave en el devenir de la historia del cine nipón, una trayectoria tan abundante como conceptual, ahora en plena madurez artística no le hace asco prácticamente a nada, consiguiendo no defraudar casi nunca, en «Over Your Dead Body» se atreve a llevar a la pantalla una nueva versión del clásico «Yotsuya Kaidan», relato escrito en 1825 por Tsuruya Nanboku IV como una representación para el teatro kabuki,  una historia de traición, asesinato y venganza fantasmal, en cierta manera se puede llegar a considerar la más famosa de las historias japonesas de fantasmas de todos los tiempos, se ha adaptado para el cine más de 30 veces, teniendo la versión de  1959 «Tôkaidô Yotsuya kaidan» de Nobuo Nakagawa como autentica punta de iceberg, una autentica obra maestra del género, incluso para las nuevas generaciones el bueno de Hideo Nakata intento en el 2007 versionarla de manera  algo mixta en «Kaidan» pues ahí también incluía «Ghost of Kasane» (otra ghost story clásica del folclore japonés), aunque de resultado algo irregular a la hora de plasmar todo ello en la gran pantalla.

Takashi Miike ya ha demostrado no hacerle asco a la hora de versionar películas clásicas de una manera tan pulcra como acertada, ahí están «13 Assassins» (2010) y  «Hara-kiri» (2011) para demostrarlo, en esa alternancia de cierta energía cinética que nos viene acostumbrado en los últimos tiempos, una tendencia bipolar a la hora de cambiar de registros en sus films, algo de alguna manera lo convierten en un creador total, en «Over Your Dead Body» Takashi Miike se sale por completo, consigue es más difícil todavía al ser respetuoso con el original e innovar al mismo tiempo de una manera brillante en lo narrativo, llevando la adaptación a un nuevo nivel, utilizando escenario y decorado para convertirlo en un espacio vital en donde la alternancia de realidades sirven como un perfecto juego de espejos a la hora de mostrar los oscuros recovecos que anidan en la naturaleza humana, mezclando ficción (la obra de teatro representada) y realidad (el devenir de sus protagonistas) en un ejercicio metacinematográfico rompedor, llevando el recurso del plano/contraplano prácticamente hacia la perfección y posibilitando de una manera lógica el diálogo entre lo real y lo ficticio, todo ello plasmado en una puesta en escena en donde la elegancia (elaboradísima fotografía a cargo de Nobuyasu Kita) y un tempo narrativo acorde con la propuesta sobresalen al unísono.

En «Over Your Dead Body»  Takashi Miike se explaya en una puesta en escena acorde con el desarrollo del film, sin rastro de excesos, sobria, impoluta y de un reconocible carácter críptico en este cuento malsano de historias solapadas en donde celos y venganza campan a sus anchas ayudado por la casi ausencia de elipsis algo que se agradece en cierta manera a la hora de hacer una lectura de su narrativa, cuadrando adecuadamente y al mismo tiempo de una manera armoniosa con su faceta técnica en base a unos elegantes movimientos de cámara y un montaje acorde con lo expuesto anteriormente, llegando a ofrecernos momentos bastantes inspirados en cuanto a la construcción de situaciones e imágenes de un poderío incuestionable y de un claro tono perturbador. «Over Your Dead Body» representa de manera perfectamente clara la madurez autoral de uno de los directores más influyentes del cine contemporáneo, en donde consigue modernizar y pervertir en positivo conceptos casi universales y al mismo tiempo llevarlos más allá de lo visto hasta la fecha.

Valoración 0/5:4

Unos jóvenes recién casados, Paul y Bea, viajan en su luna de miel a un lago remoto. Al poco tiempo de llegar, Paul encuentra a Bea desorientada y errante en mitad de la noche. Ella se va mostrando cada vez más distante y su comportamiento más peculiar. Paul comienza a sospechar que lo que le sucede a su esposa es algo más que sonambulismo.

Intentar hacer una selección adecuada de que ver durante el festival de Sitges de estos últimos años es una tarea tan complicada como difícil, una de las mayores virtudes del festival aunque haya personas que aún no se hayan dado cuenta de ello es su interminable e inabarcable oferta de películas, algo que lleva de manera inevitable a tener que hacer una selección de que ver (siempre llegará a ser más estimulante la oportunidad elegir que no tener no tener que hacerlo) aunque claro esto también conlleva el inconveniente o la incomodidad de llegar a perderte algún que otro descubrimiento programado de manera discutible (únicos pases, horarios difíciles, etc.), paso con la extraordinaria «Starry Eyes» y con la película que aquí nos ocupa, la interesante «Honeymoon«.

El debut en la dirección de la directora Leigh Janiak viene a ser una clara muestra de ese cine de género independiente que intenta abrir algunas nuevas fórmulas de narrativa cinematográfica dentro del fantástico, todo ello a través de una historia casi minimalista, dos únicos personajes, un espacio cerrado, con un innegable acercamiento en lo formal a la explotación del últimamente tan socorrido found footage, logrando la creación de una atmosfera bastante lograda, este es sin lugar a dudas uno de los punto más fuertes de la opera prima de Leigh Janiak, al igual que la utilización del espacio como un personaje clave más en la puesta en escena, ese escenario de naturaleza casi salvaje que se presenta como un claro factor desencadenante  que deriva hacia la propuesta de tono fantástico.

El elemento alegórico que nos presenta  Leigh Janiak en «Honeymoon» es harto evidente, esa representación metafórica que nos hace preguntarnos el cómo intentar convivir a diario con una persona que creías que conocías pero que de repente se destapa como casi un auténtico extraño, un desconocido con el que jamás te habrías llegado a casar, ofreciéndonos una notable producto en forma de thriller de terror psicológico acerca de la oscuridad y degradación tanto física como psicológica como inequívoco símbolo de la crisis en la relación de pareja, todo ello a través de un elementos fantásticos sugeridos y para nada explicativos  y deudora al mismo tiempo de claros y nada disimulados referentes cinéfilos, pérdida de identidad  «Invasion of the Body Snatchers«, o un ligero acercamiento al género redneck «Straw Dogs«, «Deliverance«, e incluso un explícito homenaje a una escena clave del «Shivers» de David Cronenberg.

«Honeymoon» termina siendo al mismo tiempo una clara muestra de cómo este recién acabado año ha supuesto la irrupción en positivo de una visión femenina del género, tan estimulante como atrevida, viendo la luz propuestas dirigidas por féminas en su mayoría operas primas de una indudable valía formal tales como «A Girl Walks Home Alone at Night«, «Goodnight Mommy«, «The Babadook» o «The Voices«, una tendencia está muy a tener en cuenta a partir de ya.                       

Valoración 0/5:3’5

El objetivo de Andrew Neiman, un joven y ambicioso baterista de jazz, es triunfar en el elitista Conservatorio de Música de la Costa Este en el que estudia. Marcado por el fracaso de la carrera literaria de su padre, Andrew alberga sueños de grandeza. Terence Fletcher, un profesor conocido tanto por su talento como por sus rigurosos métodos de enseñanza, dirige el mejor conjunto de jazz del Conservatorio. Cuando Fletcher elige a Andrew y para formar parte del conjunto musical que dirige, cambia para siempre la vida del joven. La pasión de Andrew por alcanzar la perfección se convierte en obsesión, al tiempo que su despiadado profesor lo lleva al límite de su capacidad y de su salud mental.

La evolución vivida en los últimos años en lo referente a la difusión o distribución de films independientes, ese boca a boca festivalero que puede producir un cambio en la percepción que podamos tener de cierto tipo de peliculas, «Whiplash« podría ser un claro ejemplo…película que tras su exitoso paso por numerosos festivales internacionales de cine como Sundance,  ganadora del Gran Premio del Jurado y el Premio del Público, Cannes, Toronto y Nueva York, venía con las expectativas muy altas, algo peligroso para este tipo de films pues la percepción de origen se transmuta en algo diferente a consecuencia del ruido externo, afortunadamente no es el caso de «Whiplash«, al menos en lo que respecta a un servidor, convirtiendo la opera prima de Damien Chazelle en uno de los debuts más interesantes del pasado curso, y justa merecedora del notable recibimiento que el film se empezó a labrar ahora hace exactamente un año.

«Whiplash« es un brillante ejercicio acerca de la búsqueda de la perfección absoluta y de hasta dónde estamos dispuestos a llegar con tal de conseguirla, film de tono casi minimalista en lo referente a sus personajes, ya que ni siquiera se explaya de una manera consiente en la relación amorosa de su protagonista, personajes tales como su novia, padre o compañeros del conservatorio pasan como meros figurantes en el desarrollo de su argumento, en este aspecto Damien Chazelle va directo al grano y poco se le tiene que reprochar al respecto, mostrándonos de manera notable la relación entre maestro-alumno por parte de un soberbio J.K. Simmons y sobre todo un extraordinario Miles Teller (todo un descubrimiento), en una trama donde se nos muestra como las ambiciones y la presión que produce en el individuo el abusar de ellas, de intentar ir hasta al extremo para complacer a las personas y desafiar los niveles propios todo en base a una cierta obsesión, aspecto este que la emparenta con la notable «Black Swan» de Darren Aronofsky. Todo esto da lugar a una serie de comportamiento mostrados con soltura por parte de Damien Chazelle, obsesiones o un perfeccionamiento de claro tono enfermizo, alteraciones de conducta que remiten a cierto aislamiento social, el éxito a toda costa y cueste lo que cueste, haciendo hincapié en el exceso los retos personales de tonos desmedido, todo ello aderezado con la acertada visión mostrada aquí en la relación mentor-discípulo.

«Whiplash» termina siendo todo un descubrimiento que incluso ningún buen amante en mayor o menor medida del jazz se debería perder, sin embargo, a pesar de sus enormes y palparías virtudes, potenciadas en lo técnico en un notable tratamiento del sonido y en un acertado uso del montaje aparte de una acertada radicalidad en el desarrollo de sus personajes la cinta carece de esos pequeños aportes que la acercarían a la perfección. Unos pequeños errores que son visibles básicamente en la propuesta que arrastra el mismo guión, mostrándonos y abusando en cierta medida de clichés cinematográficos ya vistos en infinidad de veces (sobre todo ciertos manierismos en la relación del profesor duro y exigente y alumnado bueno y soñador), o el peaje de no desarrollar lo suficiente ciertos aspectos de la trama antes mencionados como la relación de pareja o la de padre-hijo, aspectos estos que pierden la importancia que parecen tener al comienzo del filme dando lugar a una algo extraña elipsis que apartando en cierta manera todas las tensiones mostradas ofrece una solución que no acaba de ser redonda del todo, dando la sensación de que todo esto existe para rellenar parte del metraje. Detalles que son obviados gracias a su indudable magnetismo, con una escena final inmejorable, más de veinte minutos de pura adrenalina sin apenas diálogos, con una perfecta sincronización imagen-sonido, una escena en la que el director junto a sus dos notables actores consigue transmitirnos de una manera tan áspera como sufrida la obsesión por alcanzar la maestría detrás de una simple batería.

Valoración 0/5:4

A continuación una lista de los diez films más esperados para este recién estrenado 2015, una lista que al final de año muy posiblemente no contara como las mejores pero que a día de hoy son los títulos que para un servidor más expectación en lo referente al género fantástico generan. Unos films que aúna desde los más esperados blockbuster hasta las nuevas películas de directores punteros del cine patrio, pasando por el debut del reconocido guionista Alex Garland o la vuelta y esperemos reset artístico del otrora grande M. Night Shyamalan, solo es una avanzadilla de lo que vendrá, muchos films de bajo presupuesto u operas primas esperan sorprender en positivo en este nuevo año, el próximo festival de Sundance será el punto de salida para esta clase de producciones en un año que a priori se presenta bastante ilusionante en lo referente a grandes propuestas de género fantástico. 

1. Mad Max: Fury Road. D: George Miller

En «Mad Max: Fury Road» la acción se desarrolla en un futuro postapocalíptico en el que la Humanidad se ha disgregado y cada uno lucha por su propia supervivencia. Dentro de este mundo de sangre y fuego, dos rebeldes son capaces de restablecer el orden: Max (Tom Hardy), hombre de acción y pocas palabras que busca la paz interior tras perder a su mujer e hijo, y Furiosa (Charlize Theron), mujer también de acción que cree que logrará sobrevivir si cruza el desierto y llega a la tierra en la que se crió.

Estreno USA y España: mayo de 2015

2. Crimson Peak. D: Guillermo del Toro

«Crimson Peak» nos cuenta como tras una tragedia familiar, una aspirante a escritora se encuentra dividida entre el amor de un amigo de la infancia y la tentación de un misterioso extraño. Intentando escapar de los fantasmas de su pasado, siendo arrastrada hacia una casa que respira, sangra… y recuerda.

Estreno en USA y España: octubre 2015.

3. Star Wars: The Force Awakens. D: J.J. Abrams

Séptima entrega de la saga Star Wars. Fue confirmada en octubre de 2012, cuando The Walt Disney Company compró LucasFilms por 4.000 millones de dólares. Se ambientará 30 años después de «El retorno del Jedi» y según Disney, presentará ‘un trío de nuevos personajes y algunos rostros conocidos.

Estreno mundial: 18 de diciembre de 2015.

4. Regression. D: Alejandro Amenábar

Minessota, años 80. Un hombre es arrestado y acusado de haber abusado de su hija. Aunque no recuerda nada, admite su culpabilidad. Con la ayuda de un psicólogo, revivirá esos momentos y acusará a un policía de haber participado en la agresión. Mientras, los medios locales sugieren la posibilidad de que todo pudo haber sido obra de una secta satánica.

Estreno previsto en USA: 28 agosto 2015.

5. The Avengers: Age of Ultron (The Avengers 2). D: Joss Whedon

Cuando Tony Stark intenta reactivar un programa sin uso que tiene como objetivo de mantener la paz, las cosas comienzan a torcerse y los héroes más poderosos de la Tierra, incluyendo a Iron Man, Capitán América, Thor, El Increíble Hulk, Viuda Negra y Ojo de Halcón, se verán ante su prueba definitiva cuando el destino del planeta se ponga en juego. Cuando el villano Ultron emerge, le corresponderá a Los Vengadores detener sus terribles planes, que junto a incómodas alianzas llevarán a una inesperada acción que allanará el camino para una épica y única aventura.

Estreno: 1 de mayo de 2015.

6. The Lobster. D: Giorgos Lanthimos

La cinta, un historia de amor en palabras de Lanthimos, estará ambientada en un futuro cercano y distópico en el que los solteros son detenidos para ser llevados a un hotel donde están obligados a buscar pareja en no más de 45 días… o si no serán convertidos en el animal de su elección y abandonados a su suerte en un bosque cercano.

7. Welcome to Harmony. D: Miguel Ángel Vivas

Nueve años después de que una infección convirtiese a gran parte de la humanidad en criaturas salvajes y sin intelecto, Patrick, Jack y Lu, una niña de nueve años, sobreviven en aparente tranquilidad en Harmony, un rincón olvidado, cubierto por nieves perennes. Sin embargo, algo terrible ocurrió entre Patrick y Jack y un odio profundo pervive entre ellos. Cuando las criaturas vuelven a aparecer, Patrick y Jack deberán dejar atrás el rencor para proteger lo que más quieren.

8. The Visit. D: M. Night Shyamalan

Una madre soltera lucha por sacar adelante a sus dos hijos. El mayor de ellos es muy sobreprotector con su hermana pequeña. Una noche viajan para ver a sus abuelos, a partir de ese momento sus vidas se convertirán en una pesadilla…

Estreno: septiembre de 2015.

9. Ex Machina. D: Alex Garland

«Ex Machina» nos cuenta como un programador multimillonario contrata a un joven empleado para que pase una semana en un lugar remoto para participar en un test en la que estará involucrada su última creación… un robot mujer donde la inteligencia artificial lo es todo.

Estreno: 27 de febrero de 2015.

10. The Boy and the Beast. D: Mamoru Hosoda

«The Boy and the Beast» nos cuenta una historia que se desarrolla a medio camino entre  el barrio de Shibuya, en Tokio, y un mundo de criaturas sobrenaturales, el “Shibutenmachi” y como un muchacho es separado de sus padres y convertido en el discípulo de un bakemono (una criatura sobrenatural), pasando a llamarse Kyuta.

Estreno en Japón julio del 2015.

Historia basada en la historia real de Margaret (Amy Adams) y Walter Keane (Christoph Waltz), sus trabajos tuvieron un éxito enorme de los años 50 y principios de los 60. Keane alcanzó una notoriedad asombrosa al revolucionar la comercialización y accesibilidad del arte popular con sus enigmáticas pinturas de niños abandonados con grandes ojos. Sin embargo, la verdad terminaría saliendo a la luz: la obra de Keane no fue creada por él, sino por su esposa, Margaret, al parecer, los Keane vivieron una mentira que fue creciendo hasta alcanzar proporciones gigantescas.

Había ciertas esperanzas depositadas en recuperar en cierta medida algo del mejor Tim Burton con «Big Eyes«, principalmente porque la historia aquí contada daba la impresión de adecuarse de alguna manera a ese imaginario fílmico que tan bien manejaba el director años atrás, detrás estaban los guionistas Scott Alexander y Larry Karaszewski, expertos a la hora de escribir biopics, «The People vs. Larry Flynt«, «Man on the Moon» y sobre todo el «Ed Wood» del propio Burton que veinte años atrás colocaban al director californiano con este magnífico trabajo en la que fue posiblemente su cima artística, una historia la de Ed Wood que además denota ciertos paralelismos con la contada en «Big Eyes«, una atípica y en cierto sentido desviada visión del arte desde una óptica de tono algo extraño.

Lamentablemente todos estos mimbres antes mencionados no consiguen salvar a «Big Eyes» de ser un film fallido en donde se certifica de una manera clara el estancamiento en la carrera de Tim Burton de estos últimos años, que aquí no consigue dar rienda suelta a su poderío imaginario, dando la sensación de estar ante un trabajo plano, un drama de pretendido tono culterano que la acerca por momentos a cualquier tv movie de sobremesa al uso, de trama narrativa excesivamente acelerada, algo que inequívocamente lleva a presentar a personajes no desarrollados de una manera convincente, también podríamos hablar de su dudosa elección de casting con una Amy Adams que da la sensación de que el personaje le viene algo grande y un histriónico y teatrero Christoph Waltz que con su performance crea cierta confusión, muy especialmente en el tramo final del juicio en donde parece que Tim Burton recure a esta supuesta teatralidad de claro tono humorístico y paródico para intentar cambiar en algo el ritmo hasta ese momento otorgado al film, acercándolo por momentos a una equivocada tendencia hacia la comedia burda.

Más que un film fallido o una mala película «Big Eyes» es sobre todo un trabajo de ideas desaprovechadas y no desarrolladas de manera adecuada, si la película empieza  con una cita de Andy Warhol sobre las pinturas de Walter Keane “Si sus obras fueran tan malas, a la gente no les gustaría”, el consiguiente debate sobre el discurso de las razones que conlleva el arte o la reflexión sobre lo que debería o no ser arte e incluso la fina frontera que separa el original de la copia, ideas o debate estos que solo quedan expuestos en el film de una manera muy superficial, como simples enunciados sin saber adecuar los matices, del mismo modo que no se aprovecha la presentación de algunos personajes secundarios como el crítico John Canaday (Terence Stamp), personaje éste máximo exponente sobre el debate antes mencionado.

Aun así y aunque sirva solo como mero consuelo hacia los admiradores de su obra, «Big Eyes«, si se escarba con algo de detenimiento en su interior contiene pequeños retazos o ligeros apuntes de ciertos y reconocibles rasgos autorales de Tim Burton pese al evidente estancamiento artístico que padece a día de hoy, muy especialmente el hábil retrato de una época de claros cambios culturales, esa américa burguesa de los años 50 y 60, con la contracultura estadounidense en pleno apogeo, época ya expuesta de manera brillante en otros trabajos suyos anteriores (muy especialmente en «Edward Scissorhands«), en verdad muy poca cosa a la hora de resaltar lo positivo de uno de los directores referentes en los años 80-90.

Valoración 0/5:2

Un adolescente sordo ingresa en un internado especial donde, para sobrevivir, tiene que formar parte de una organización salvaje, la Tribu. Su amor por una de las concubinas del Jefe lo llevará a romper todas las reglas no escritas en la jerarquía de la Tribu.

Amor, corrupción y odio, todo ello contado desde el lenguaje universal de los signos, posiblemente la primera película de la historia del cine interpretada en su totalidad por un reparto de personas sordomudas  y  por lo consiguiente narrada a lo largo de todo su metraje en el lenguaje de signos, aquí no hace falta ningún tipo de subtítulos para entender lo que el ucraniano Myroslav Slaboshpytskiy nos quiere contar en su debut en el largometraje, film ganador del Gran Premio de la Semana de la Crítica en el último festival de Cannes y presentada en el festival de San Sebastián dentro de la sección Perlas, «The Tribe» pone a prueba la capacidad de resistencia del espectador en momentos donde el nivel narrativo que se nos muestra  se sitúa en un grado cero, propuestas como estas que son capaces de provocar en el espectador una incuestionable incomodidad, de echo en el festival de San Sebastián el pase de prensa termino siendo un reguero de deserciones poco habitual, sin embargo por mucho que en «The Tribe» se sustente en un principio dentro de un realismo donde lo fantasioso es sustituido por una incorreción política de tono subversivo, el film acabar convirtiéndose en una de las propuestas más sorprendentes de la presente temporada al convertirse en una lúcida metáfora de la sociedad actual en la Europa occidental (ahora más presente que nunca) inmersa en un perpetuo estado de tensión, violencia o coacción, con una gran parte de su población explotada, vejada  y abandonada a su suerte, algo tan metafórico lo que se nos muestra como la representación de su escenario, el internado donde transcurre la trama, una suerte de navío abandonado en alta mar, con una total ausencia de adultos que manejen la situación.

 La ópera prima de Myroslav Slaboshpytskiy  es una por momentos desasosegante historia que se nutre muy especialmente de una capacidad narrativa poderosamente visual, algo atípica dada su condición, el director potencia el uso del sonido construida básicamente sobre extensos sobre planos secuencia, planos estos que siguen a los jóvenes del internado sin interrumpir sus acciones, este tipo de recurso dan un mayor realismo y favorece una tensión claramente in crescendo que se va remarcando según avanza la película, hasta terminar derivando en una cascada tortuosa, y en donde no se escatima recursos a la hora de caer en excesos, sobre todo en su parte final, como tampoco se ahorra el mostrar en todo su esplendor cualquier escena dura sin ningún ápice de conciencia equivocadamente moralista.

Podríamos decir que en el plano argumental más condescendiente el film de Myroslav Slaboshpytskiy podría llegar a ser interpretado en esencia como la historia de un duro aprendizaje de alguien dentro de una organización criminal, desde sus primeros pasos hasta llegar a las supuestas altas esferas, a partir de aquí el espectador asiste al igual que el protagonista a una serie de laceraciones de difícil aguante dentro de este difícil trayecto, la incomunicación, el aislamiento o la sensación de exclusión total por parte de una sociedad que abandona al protagonista a su suerte, algo que termina derivando hacia una escalada de violencia llevada hasta el límite de lo soportable, dando paso a situaciones donde el machismo, lo decadente, los celos o la propia corrupción en sí se apoderan de las acciones aquí representadas, asistimos pues a un periplo hacia la perdición, todo esto tiene cabida en una historia donde no importa tanto el cómo ni el por qué, sino el quién y el dónde, una historia que nos va mostrando a continuación la consecuencia (lógicas) de lo desagradable, hay un par de secuencias que se quedarán grabadas en nuestras retinas por algún tiempo (un aborto en plano fijo o la violencia mostrada en sus últimos diez minutos), en ese sentido el realizador ucraniano no presenta ninguna novedad con su propuesta en lo que a narración se refiere, no inventa nada nuevo aunque si lo parezca, pero llega a logra cultivar y desarrollar con gran acierto la evolución del personaje principal, algo que es lo que verdaderamente dota a la película de una fuerza narrativa de valor incuestionable, llegando a ser de esas historias que van de menos a más en cuestión de segundos, una crítica mordaz alejada de cualquier convencionalismos hacia una sociedad europea que va claramente en decadencia, aquí representada de forma admirable en el ambiente opresivo e insalubre de un centro escolar.

«The Tribe» termina siendo esa clase de películas que duelen, de difícil digestión, que puede dejar en estado de shock al espectador al uso no prevenido, una cinta tan dura como alegórica, que nos deja sin un atisbo de la más mínima esperanza en sus más de dos horas de por momentos tortuoso metraje, habrá gente que responderá  ante tal radicalidad mostrada con desprecio o indiferencia, incluso apartando su mirada de la pantalla, pero esa postura no deja de demostrar que Myroslav Slaboshpitsky acierta en su propuesta, que consigue lanzar un acertado discurso partiendo desde el silencio, para hablarnos de aquello que no nos gusta expresar o que somos incapaces de reconocer o aceptar, todo ello en base a una arriesgada ópera prima que logra realizar con notable acierto un radical y por momentos brillante ejercicio de en su dirección. «The Tribe» es en definitiva un viaje al verdadero epicentro del mal, un espacio alegórico donde nuestro protagonista termina siendo engullido en un submundo de difícil salvación.

Valoración 0/5:4

En la década de los 90, la música electrónica se desarrolla a gran velocidad. En la excitante vida nocturna parisina, Paul da sus primeros pasos como DJ. En compañía de su mejor amigo crea un dúo llamado Cheers y pronto encuentran su público. “Eden” sigue los pasos de la generación del «French Touch» desde 1992 hasta hoy, una generación que todavía disfruta de un destacado éxito internacional gracias a DJs como Daft Punk, Dimitri from Paris o Cassius.

Si hubo una película presente en la pasada edición del festival de San Sebastián que un servidor echo en falta en su palmarés final esta fue sin lugar a dudas «Eden«, último trabajo de la directora francesa Mia Hansen-Løve,  autora de «Le père de mes enfants» y «Un amour de jeunesse» que aquí presenta un monumental y por momentos apabullante electrofilm de tintes biográficos (concretamente su hermano Sven Løve, un en apariencia exitoso DJ de los años 90′, co-autor del guion junto a la propia Mia Hansen-Løve ).

Con «Eden« la directora francesa nos presenta su obra más madura, un apasionante mural calidoscópico sobre las vivencias y trayectoria de un DJ, un devenir de tono dramático en forma de retrato generacional que nos habla principalmente de la búsqueda de la felicidad, de la madurez, de los cambios vitales, pero sobre todo del paso del tiempo y como este nos puede llegar a afectar si no conseguimos aprovecharlo de manera adecuada, todo ello retratado bajo el lienzo de la escena electrónica francesa y su evolución, una evolución que abarca desde 1992 hasta hoy en día, un retrato de incuestionable tono amargo, una aproximación al individuo acerca del desencanto que precede a la madurez.

«Eden» no es una película fácil por varios motivos, la diversidad de adhesiones por parte de la crítica presente en el pasado festival de San Sebastián así lo atestigua, primero por su duración (son más de dos horas de metraje), una duración esta que va ligada de manera intrínseca a su temática, un tema el aquí tratado que requiere algo de empatía en mayor o menor grado por parte del espectador, el reflejo de la vida de un conjunto de jóvenes inmersos en el movimiento de música electrónica parisina a partir de la década de los 90 con la figura icónica de los Daft Punk orbitando en la mayor parte del metraje del film, y presentado en cierta manera como contrapunto al retrato del protagonista, sin embargo, la película logra recompensar este esfuerzo con creces, ya que Hansen-Løve retrata la vida de este grupo de jóvenes con su acostumbrada precisión y exactitud, consiguiendo integrar a la perfección el entorno en el que se mueven estos junto a una selección musical exquisita que en ningún caso entorpece el relato contado, esto supone en parte uno de los mayores logros de la cinta, esa simbiosis música-retrato generacional calzan por momentos a la perfección con una extraordinaria afinidad, sin forzar de una manera artificiosa el recurso, logrando contar el relato de forma muy sutil, de tono pausado y sin grandes aspavientos argumentales.  

El único problema ocasional que veo en el filme es su carácter episódico no desarrollado de manera compensada en su totalidad, la película cubre casi 20 años en la vida del protagonista (de 1992 a 2013), lo cual lleva a que determinadas situaciones y relaciones queden esbozadas de una manera no del todo aprovechada, no llegando a ser profundizadas lo suficiente, como las continuas idas y venidas de su relación con un par de mujeres, o la relación con su silencioso socio musical, situaciones sentimentales y de compañerismo que se quedan como retazos de mero trasfondo en la historia, dando la impresión de que la narrativa se mueve más de forma algo caprichosa hacia las sensaciones que hacia el puramente retrato personal, un retrato este marcado por cierto tono melancólico, pero no desde una visión decadente o patético, sino desde un prisma en donde Mia Hansen-Love huye del retrato biográfico al uso, de la consabida historia de rápidos ascensos y caídas crueles dentro del mundo musical, decide no recrearse ferozmente con su protagonista en ese vaivén existencial, ni tanto en las alegrías y efímeros triunfos musicales, ni en los excesos y sus adicciones con la droga, algo que dota al conjunto de una notable solidez en su recorrido argumental.

Finalmente «Eden» queda como una serena reflexión sobre el crecimiento personal, el paso del tiempo, las oportunidades perdidas y las puntualmente encontradas, un relato rodado con la delicadeza estilística propia de Mia Hansen-Løve, con una notable sensibilidad del tempo, de las pausas y elipsis bien ejecutados, y con una indiscutiblemente banda sonora ensamblada en el conjunto de manera acertada, tal vez la mayoría de nosotros sólo conozcamos a Daft Punk y poca cosa más de la música electrónica o estilo garage , pero resulta curioso e interesante ver esa continua lucha por el éxito de muchas más voces involucradas en ciertos estilos musicales, unas voces como la del protagonista de «Eden» cuya transición personal durante los 20 años contados en el film es casi nula, voces ocasionales que fueron escuchadas en su momento de forma muy breve para acabar perdidas en el limbo.

Valoración 0/5:4

España, años 50. Montse (Macarena Gómez) ya no es joven, ha perdido su juventud cuidando de su hermana pequeña, encerradas en un siniestro piso del centro de Madrid. Su madre murió en el parto de la pequeña (Nadia de Santiago), y el padre (Luis Tosar) no pudo soportarlo. Huyó cobardemente dejándolas solas. Obligada a ser padre, madre y hermana mayor, Montse se esconde de la vida, entre cuatro paredes, alimentando un temperamento obsesivo y desequilibrado: padece de agorafobia, y no puede dar un paso fuera de casa. Ella no entiende lo que le sucede, y el sufrimiento que esa extraña enfermedad le genera la obliga a refugiarse en un mundo de Padrenuestros y Avemarías. Montse trabaja de costurera y el único eslabón que la une con la realidad es la niña, una niña que está dejando de serlo. Un día, esa cadena se rompe: Carlos (Hugo Silva) un vecino joven e irresponsable, tiene la desgracia de caerse por las escaleras, buscando ayuda en la única puerta a la que ha sido capaz de arrastrarse. Montse le recoge. Alguien ha entrado en la madriguera de las musarañas….

«Musarañas«, el film apadrinado por Álex de la Iglesia y dirigido por los noveles  Juanfer Andrés y Esteban Roel, que llega a nuestros cines este 25 de diciembre, fue unos de los platos fuertes de la pasada edición del festival de Sitges, a medio camino entre el drama traumático y el humor negro, la cinta llega a colindar por momentos en su narración con el «Misery» de Rob Reiner, logrando llegar en sus últimos veinticinco minutos a una generosa espiral de dosis de gore algo extraña, de tono muy “granguiñolescas, que remiten de manera notoria y clara al cine de Álex de la Iglesia, consiguiendo que al final el producto se emparente más hacia lo visceral que lo psicológico.

De hecho esa parte final algo alocada de «Musarañas» rompe en algo la temática en la que se sustenta su principal tesis argumental, un costumbrismo oscuro, tema bastante recurrente en cierto tipo de cine patrio como por ejemplo «El Crimen de Cuenca» de Pilar Miró, la reivindicable «Una vela para el Diablo» de Eugenio Martín o el infravalorado último trabajo de Narciso Ibáñez Serrador, la tv movie «La Culpa«, por citar solo algunas, a partir de este enunciado  Juanfer Andrés y Esteban Roel logran manejar bien uso del espacio, un escenario reducido que contribuye a crear una atmósfera malsana y claustrofóbica, acercándola por momentos a cierta tendencia de cine Polanskiano, acrecentándola con el oscurantismo y afán religioso mal entendido y llevado al extremo, tema recurrente y propio que calza a la perfección con la españa profunda de la posguerra.

Lástima que la película no termine de aprovechar del todo la oportunidad de profundizar más en esa premisa, en ese ambiente claustrofóbico y opresivo en el que vive enclaustrada el personaje de Montse (magnifica Macarena Gómez,  personaje de gran profundidad psicológica, adecuadamente sobreactuada para el papel, posiblemente sea uno de los puntos más logrados de la película, actuación que transita siempre en el límite de lo grotesco pero sin perder la credibilidad, no así el personaje de la hermana, interpretado por Nadia de Santiago, poco creíble y poseedora de múltiples tics, algo propio de jóvenes actores provenientes de la televisión ). Sin embargo «Musarañas» adolece de una linealidad correcta en su propuesta, no siempre se nos presenta de una manera equilibrada esa línea argumental antes mencionada, derivándola hacia una cierta irregularidad, el mix genérico presenciado, drama algo costumbrista, retazos de comedia o gore en su tramo final, no termina de cohesionar de forma correcta.

Aun con sus defectos «Musarañas» es un elogiable ejercicio de estilo llevado por momentos con cierta pericia por parte de sus directores, pero sobre todo la película es un loable intento de generar un cierto tipo de cine de género que cada día escasea más en el actual y deteriorado panorama cinematográfico español, tan importante como que referentes del cine fantástico del país (Álex de la Iglesia a través de su productora Pokeepsie Films) apadrinen a nuevos directores y apoyen esta clase de proyectos que lamentablemente parecen encontrarse en vías de desaparición, ya solo por esta premisa merece la pena detenerse en propuestas de esta índole.

Valoración 0/5:3’5

Desde hace cuarenta años, el fotógrafo Sebastião Salgado recorre los continentes captando la mutación de la humanidad. Testigo de grandes acontecimientos que han marcado nuestra historia reciente: conflictos internacionales, hambruna, éxodos, etc., ahora emprende camino hacia territorios vírgenes con grandiosos paisajes, descubriendo una fauna y una flora silvestres en el marco de un proyecto fotográfico gigantesco, tributo a la belleza del planeta. Su hijo Juliano, quien le acompañó en sus últimas travesías, y Wim Wenders, también fotógrafo, comparten con nosotros su mirada acerca de su vida y su obra.

«The Salt of the Earth» ganadora en Cannes del premio Especial del Jurado en la sección “Un Certain Regard” y del Premio del Público en el 62 edición de Festival de San Sebastián nos relata los 40 años de la vida y obra del fotógrafo brasileño Sebastião Salgado, mostrados en forma de documental a través de la mirada de su hijo Juliano y el director alemán Wim Wenders, este último una de las figuras claves del nuevo cine proveniente de Alemania en los años 70, un formato documental del cual Wenders suele visitar con relativa asiduidad, enfocándose básicamente en tratar la vida y obra de artistas admirados por él mismo, en «Lightning over Water«(1980) nos relataba los últimos días del director de cine Nicholas Ray, «Tokyo-Ga» (1985) retrato de otro director, en este caso el japonés Yasujirō Ozu, un claro e idolatrado referente suyo , «Buena Vista Club Social» (1999), versaba sobre los músicos cubanos y «Pina«(2011) fue un sentido homenaje a la bailarina y coreógrafa alemana Pina Bausch.

Que el medio fotográfico sea una herramienta extraordinaria y recoja tantas experiencias y vivencias adquiridas durante medio siglo a cargo de una sola persona no tiene que llegar a sorprender, si sin embargo la manera en que se nos muestra, porque la materia prima ofrecida por Sebastião Salgado es de vital importancia, la secuencia de imágenes que vamos observando en el documental y su montaje nos hablan de una mirada discreta, comprensiva y en parte contemplativa, todo ello potenciado por la innegable capacidad de Wim Wenders para dotar a la imagen de cierto contenido. Detrás del documental descubrimos un alma rota y recompuesta, un espíritu desencantado y renacido… eso sí supone una notable guinda a dicho trabajo, un trabajo que habla al espectador para emocionarle y hacerle reflexionar sobre el mundo en el que vivimos y que construimos día a día. En «The Salt of the Earth» vemos como Sebastião Salgado entiende la fotografía como el dibujo realizado a través de la luz de la cámara, con esta máxima, Wenders y Salgado Jr.se encargan reflejar un cuadro plagado de esos claroscuros que suelen invadir la faz de la tierra y que concluyen con un mensaje que termina siendo una llamada hacia la responsabilidad, un mensaje del artista hacia el mundo.

Las imágenes captadas en «The Salt of the Earth» mayormente acompañadas con la voz en off del propio Sebastião Salgado a lo largo de esas décadas no solo se inscribe en el propio relato familiar autobiográfico del autor, sino especialmente en el  camino recorrido por el mismo durante todos estos años, contemplamos  su propia reinterpretación de la realidad en base a un ejercicio tan subjetivo como puede ser el de la fotografía, llevándonos hacia una inteligente reflexión sobre los que significa la captación fotográfica, el saber capturar lo efímero y convertirlo en eterno, el manejo del tempo, en saber esperar en definitiva, todo ello en base a  una conjugación de diversos factores que se mueven de manera caprichosamente aleatoria, a veces en direcciones completamente opuestas, esperando el preciso instante donde debes tenerlo todo bajo control para obtener ese resultado deseado.

Un viaje que nos va describiendo desde sucesos tales como éxodos, hambrunas, genocidios y conflictos armados, la mayor parte de ellos en África pero también en la civilizada Europa de finales del siglo XX como la terrible guerra de los Balcanes.. pasando también por el infierno de los garimpeiros trepando con el mineral acarreado por las resbaladizas pendientes de las minas con el cielo abierto del Amazonas como testigo o una visión de los pozos de petróleo de Kuwait durante el conflicto bélico. Pero hoy y en el ayer la injusticia, el hambre y la miseria están a la orden del día y eso inspira a Sebastião en una misión de ineludible crítica social. El autor de estas grandes fotografías nos abre los ojos ante la fría realidad, mostrándonos un mosaico de imágenes tan maravillosas de ver en algunas ocasiones como muy difícil de digerir en otras, el espectador asiste impávido a la muerte y a la destrucción, pero al mismo tiempo también contempla cómo la vida se va abriendo paso poco a poco, esa dualidad tan bien reflejada como curso inexorable de la vida en sí mismo y es entonces cuando se llega a la conclusión de entender el ciclo de la vida en laTierra como un habitad natural de cuantos la pueblan, abriendo una rendija de esperanza entre la oscuridad mostrada. Así mismo la película es un perfecto ejemplo de humanismo que mira a la persona desde una moralidad individual, un testimonio antagónico que debe ser visto y apreciado en su justa medida.

En su tramo final como decía más arriba «The Salt of the Earth» nos dirige hacia la senda de un optimismo tan ilusionante como creíble, contado a través de ese proyecto Instituto Terra, en el cual los Salgado han plantado más de dos millones de árboles y reconstruido todo un ecosistema, son esas segundas oportunidades que el hombre se suele dar a sí mismo, una reconstrucción dirigida aquí incluso hacia lo personal en base a esa creencia de que todo puede funcionar, al final «The Salt of the Earth» termina siendo un extraordinario viaje por la memoria de un hombre que ha llegado a ser uno de los mejores retratistas de nuestra era, un apabullante trabajo visual que no pretende juzgar si no simplemente evocar y reflexionar al mismo tiempo sobre las desigualdades y los interrogantes que pueblan sobre nuestro planeta.

Valoración 0/5:4

Ayan es un joven vendedor de productos farmacéuticos, aunque el chico piensa que con su trabajo está ayudando a mejorar el mundo, su vida dará un vuelco cuando descubra las terribles consecuencias de la toma de un medicamento para niños que está suministrando. Será entonces cuando, contra viento y marea, tome cartas en el asunto y se enfrente a la gigantesca empresa que lo ha creado.

«Tigers» fue una de las películas a competición del pasado festival de San Sebastián que a priori y por motivos varios se postulaba como una de las grandes favoritas para figurar en su palmarés final, por un lado la película representa ser un perfecto ejemplo de cine de denuncia partiendo desde un compromiso con la realidad social, un tipo de cine que siempre ha gustado y suele triunfar en San Sebastián, de echo el film se llevó una atronadora ovación por parte del público tras su proyección en el Kursaal, por otro lado tras la cámara encontramos a Danis Tanovic, director bosnio que se dio a conocer al ganar el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa por «No Man’s Land«, inteligente ejercicio de tono tragicómico acerca de la guerra de los Balcanes, aquí Tanovic vuelve a utilizar el medio cinematográfico como altavoz de denuncia, en este caso ante el mal uso de una famosa leche en polvo (Nestlé) y su erróneo uso en países en vía de desarrollo, los componentes de este producto, mezclado con aguas no potables, provocan una combinación letal para la población de corte edad, llevándonos al consabido mensaje de responsabilidad social en contra del beneficio empresarial, lamentablemente «Tigers» se convierte en un perfecto ejemplo de cine en donde el fin no logra justificar los medios.

En «Tigers» Tanovic se contenta con aportar una mirada demasiado suave, de tono ligero, rozando por momentos lo naif de un producto televisivo cualquiera al uso, que solo aspira a descubrir un problema, a exponerlo sin llegar al fondo de la cuestión, ofreciéndonos un trabajo tan correcto como obvio y de escaso riesgo dejando al final una indiscutible sensación de indiferencia, probablemente hubiese resultado más interesante y útil recurrir a la fórmula del documental en contra del de la ficción para reflejar y exponer con una mayor contundencia tales hechos, un recurso este que igual hubiera sido más adecuado a la narrativa aquí impuesta por Danis Tanovic.

De igual manera «Tigers» sale claramente perjudicada a la hora de compararla a trabajos anteriores de su director, films como «En Tierra de Nadie«, «Cirkus Columbia» o «El Infierno«,  aquí la falta de empatía y sentimiento que desprende la cinta y muy especialmente sus protagonistas es una losa demasiada pesada a la hora de valorar en positivo su bagaje final por más que las imágenes de tono duro de niños sufriendo penurias nos estén bombardeándonos durante el trascurso del film. A pesar de lo muy necesario que es conocer y denunciar tales hechos y la necesidad intrínseca de realizar este tipo de cine, en el caso particular de «Tigers» la cinta denota un claro defecto en su estilo, Tanovic termina convirtiendo la película en un panfleto con numerosas contradicciones entre sí, generando por momentos algún que otro fuego artificial de tono facilón en su discurso, pero poca cosa más,  generando por ello un notorio contorno negativo en su estructura, el problema es que le sobran referentes y se echa en falta una mayor profundidad en las razones de por ejemplo ciertas conductas, de esa población autóctona para actuar de según qué manera, que deja de amamantar a sus bebes para terminar alimentando a su prole con leche artificial, se nos llega a explicar que en parte es debido a un problema estructural en sí, que entronca directamente con la pobreza existente, pero nuevamente todo se queda en un enunciado no desarrollado, no llegando al final de un discurso o debate de forma convincente.

«Tigers» al mismo tiempo termina teniendo un problema principal de difícil solución, este reside en la forma con la que el cineasta bosnio nos describe a su principal protagonista, un idealista ex vendedor de productos farmacéuticos que intenta derrumbar a un gigante multinacional de forma torpe y confusamente explicada,  a partir de dicha situación nada de que lo cuenta el narrador nos va a resultar creíble, no por inverosímil sino por la ineficacia utilizada en su fondo de armario, Tanovic va saltando de tópico en tópico para mostrarnos bondadosos personajes y malvados capitalistas sin matizar los claroscuros existentes que nos va enseñando, todo ello contado de manera bastante evidente, y, claro, tantas evidencias y reiteraciones en su discurso llegan a convertir al film en un producto carente de originalidad, cayendo en una palpable obviedad y recurriendo a cierto tipo de populismo mal desarrollado, todo esto convierten este trabajo en el más fallido de la filmografía del director bosnio, aunque posiblemente el listón ya estaba demasiado alto y algún día había que morder el polvo.

Valoración 0/5:2

Apunto de terminar el año toca hacer balance de lo que ha dado de sí el presente curso en lo referente al fantástico y todo lo que lo rodea. Siguiendo la tendencia del pasado año observamos que el género tiende a expandirse por varias vías, vemos como autores por decirlo de alguna manera generalistas pincelan sus obras en mayor o menor medida con retazos de género, en cuanto a festivales seguimos observando como los grandes certámenes tipo Sundance, Cannes o Toronto apuestan de manera cada vez más decidida en sus secciones oficiales por el fantástico, algo impensable hace solo algunos años, es algo evidente que hoy en día se hace mucho cine de género, no recuerdo ninguna época anterior con un número tan elevado de producciones, posiblemente debido en parte a esa globalización genérica antes comentada, solo con la perspectiva del tiempo se podrá evaluar con un criterio más certero si esta época aparte de prolífica es también brillante en lo concerniente a su calidad.

En lo que respecta a la evolución autoral nombres como Spike Jonze, Jonathan Glazer o Wes Anderson alcanzan ya una mayoría de edad y pasan a convertirse en claros referentes del género dejando el testigo a una serie de nuevas promesas como William Eubank, Adam Wingard, Jim Mickle, Colin Trevorrow o Matt Reeves entre otros, una generación está formada desde una vocación más cinéfila de serie B, de claro tono referencial, muchos de ellos a punto de dar ya el paso hacia producciones de gran estudio.

En lo referente a la parcela territorial observamos como Europa despunta de manera notoria por un tipo de cine de autor, confirmando y consagrando nombres como Peter Strickland, Fabrice Du Welz o Quentin Dupieux, o descubriendo nuevas promesas muchas de ellas enfocados desde trabajos que parten desde el thriller como por ejemplo los británicos Gerard Johnson o Brian O’Malley. Por lo que respecta al cine proveniente de Asia se percibe un cierto estancamiento genérico, una tendencia hacia la falta de nuevas y renovadas ideas en donde parece que solo autores consagrados como tipoTakashi Miike, Tetsuya Nakashima, Hitoshi Matsumoto o Bong Joon-ho  consiguen mantener la cuota de calidad en dicho continente con sus últimos trabajos.

En España se sigue teniendo el grave problema de la crisis con respecto a la asistencia de público a los cines, unos cines que siguen siendo cerrados de forma alarmante ante la falta de espectadores, algo tan preocupante como la falta de alternativas a este problema, alternativas como por ejemplo el VOD (video por demanda), una evolución en cierta manera lógica en el visionado de cine, algo que en otros países funcionan pero aquí es harto difícil que logre asentarse, principalmente por un problema de educación por parte del consumidor patrio, es por eso que es digno de elogio el trabajo de distribuidoras independientes que estrenan aunque tarde y de forma limitada películas de género ,o eventos ya consolidados como Phenomena, dispuesto a recuperar o reivindicar un tipo de cine anterior, así como la importancia que adquiere ante tal tesitura los festivales de cine, espacios estos donde se pueden visionar trabajos que difícilmente se podrían ver por otros medios ante la precaria situación por parte de la distribución que sufre el país.

A continuación una lista de lo que un servidor cree que ha sido lo mejor de este 2014 en lo referente al género fantástico, una lista en la que no he intentado seguir ninguna regla temporal en cuanto a su estreno en España se refiere, simplemente son los film que he podido ver durante este año ya sea a través del cine, en festivales o plataformas digitales, todo ello desde un punto de vista claramente particular y con un evidente alejamiento en lo concerniente a las barreras fundamentalistas de índole genérico.

1. Under the Skin

Un alíen asume la forma de una atractiva mujer (Scarlett Johansson) y deambula por las calles de Escocia, llevando a hombres solitarios y confiados a su destino fatal en la adaptación surrealista de la novela homónima de Michel Faber.

2. The Congress

La necesidad de dinero, lleva a una actriz (Robin Wright) a firmar un contrato según el cual los estudios harán una copia de ella y la utilizarán como les plazca. Tras volver a la escena, será invitada a un congreso, que se desarrolla en un mundo que ha cambiado completamente. Basada en una novela de Stanislaw Lem, se trata del retrato de un mundo que se dirige inevitablemente hacia la irrealidad.

3. Enemy

Adam (Jake Gyllenhaal) es un inestable profesor universitario que lleva una vida bastante monótona. Un día, viendo una película, descubre a un actor que es idéntico a él, consumido por el deseo de conocer a su doble, Adam sigue la pista del actor, ambos se verán abocados a un obsesivo enfrentamiento que tendrá inesperadas consecuencias no sólo para ambos, sino también para sus respectivas parejas.

4. The Duke of Burgundy

Cynthia es una coleccionista de mariposas que mantiene una relación sadomasoquista con su criada, Evelyn. Una pasión sujeta a toda clase de particularidades, en la que los roles de ama y esclava no están tan claros como parece.

5. Her

«Her» nos cuenta como en un futuro cercano, Theodore, un escritor solitario, consigue un nuevo sistema operativo basado en el modelo de Inteligencia Artificial y diseñado para satisfacer todas las necesidades del usuario. Para sorpresa de Theodore, se crea una relación romántica entre él y la voz femenina de este sistema operativo.

6. Interstellar

 Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores liderados por el piloto Cooper (McConaughey) y la científica Amelia (Hathaway) se embarca en la que puede ser la misión más importante de la historia de la humanidad y emprender un viaje más allá de nuestra galaxia en el que descubrirán si las estrellas pueden albergar el futuro de la raza humana.

7. Magical Girl

Luis (Luis Bermejo), un profesor de literatura en paro, trata de hacer realidad el último deseo de su hija Alicia (Lucía Pollán), una niña de 12 años, que padece un cáncer terminal: tener el vestido oficial de la serie japonesa de dibujos animados «Mágical Girl Yukiko». El elevado precio del vestido llevará a Luis a poner en marcha una insólita y oscura cadena de chantajes. En estas circunstancias, conoce a Bárbara (Bárbara Lennie), una atractiva joven que sufre trastornos mentales, y a Damián (José Sacristán), un profesor retirado con un tormentoso pasado. Los tres quedarán atrapados en una oscura red, en la que instinto y razón entran en conflicto.

8. Nightcrawler

Lou Bloom (Jake Gyllenhaal) es un apasionado joven sin mucha suerte en la búsqueda de trabajo que, tras ser testigo de un accidente, descubre el mundo del periodismo criminalista en la peligrosa ciudad de Los Ángeles. La vida del joven va a cambiar mucho debido a este descubrimiento, rozando incluso el débil límite existente entre el riesgo y la peligrosidad.

9. It Follows

«It Follows» nos contará la historia de Jay, una muchacha de 19 años que se acuesta con el chico equivocado, de repente se encuentra a sí misma plagada de visiones y pesadilla no tardando en empezar a sentir la sensación de que alguien la está siguiendo a todas partes.

10. Stray Dogs

Un padre y sus dos hijos deambulan por los márgenes de la moderna Taipei, de los bosques y los ríos de las afueras a la lluvia cayendo en las calles de la ciudad. Durante el día, su hijo y su hija recorren supermercados y centros comerciales en busca de muestras gratuitas de alimentos. Cada noche, la familia se refugia en un edificio abandonado. El padre, extrañamente afectado por un mural que adorna la hipnótica pared de esa improvisada casa.

Un día, una vida. En Roma, la noche del 2 de noviembre de 1975, Pier Paolo Pasolini es asesinado. Pasolini es el símbolo del arte que lucha contra el poder. Sus escritos son escandalosos, sus películas son perseguidas por los censores, muchas personas lo aman y muchas lo odian. El día de su muerte, Pasolini pasa sus últimas horas con su querida madre y después con sus queridos amigos, y finalmente se lanza a la noche en busca de aventuras en la Ciudad Eterna. Al amanecer, Pasolini es hallado muerto en una playa de Ostia, en las afueras de la ciudad.

Abel Ferrara volvía al festival de San Sebastián para presentar su último trabajo «Pasolini«, film que se pudo ver dentro de la sección perlas, el director neoyorquino ofrece una aproximación personal (como no podía ser de otra manera), y de estética bastante potente de las últimas 48 horas de vida de polémico autor de «Salo y los 120 días de Sodoma«, construyendo en torno a ello una por momentos brillante reflexión sobre la propia creación artística, introduciéndose en la mente del director y apuntando detalles de su pensamiento y su obra, tales como su dura crítica tanto a la política como al sistema educativo, así como presentarnos una radiografía de dicha situación social existente por aquella época y la postura que adopta el personaje de Pasolini en enfrente a todo ello a través de entrevistas, cartas, flashbacks o momentos de cotidianidad familiar, una reflexión en sí que es del todo aplicable a la obra y a la personalidad del director italiano, un retrato a medio camino entre la creatividad y la reivindicación como manera de pensar y actuar, en base a una narrativa que alterna momentos de la vida real del director y las recreaciones imaginarias de sus últimos escritos para ofrecernos un retrato personalísimo de un personaje bastante complejo de por sí, plagado de ciertas aristas y lleno de demasiados matices psicológicos a lo que es muy difícil dar una forma de coherencia globalizante en  apenas solo hora y media, y es que estamos hablando de un director que consideraba que el escandalizar a través del arte al público era un derecho inherente del artista en sí, del cual había que intentar sacar el máximo provecho. Además  las entrevistas que se incluyen en la película dejan entrever qué tipo de persona era en realidad Pasolini, ayudando al espectador a hacerse una idea de las inquietudes y del tipo de cosas que inspiraban al personaje a la hora de plasmar su particular ideario en las varias facetas artísticas que solía manejar.

«Pasolini» posee al mismo tiempo un elogiable trabajo en su proceso de documentación artística, logrando reflejar una fiel y acertada ambientación de los años 70 y todo lo que lo rodeaba, de fotografía suave y tono algo tenue, todo ello engrandecido por una ajustada interpretación a cargo de Willem Dafoe (de asombroso parecido físico a Pasolini), mostrándonos al personaje tal y como era tanto en la cotidianidad como fuera de ella, para que seamos nosotros mismos los que saquemos las conclusiones e interpretaciones debidas, estamos pues ante un trabajo de connotaciones tan reflexivas como contemplativas llegando a su parte final con un claro tono onírico, conjugándose varios elementos que hacen que la película sea merecedora del apelativo de rara avis, algo que no termina siendo tan extraño dada la naturaleza de Ferrara, y huyendo de igual manera del uso de cierto sensacionalismo, rehusando el manejo de ningún juicio de valor (aquí el director estadounidense pasa de puntillas y no opta por arrojar ninguna teoría conspirativa sobre el asesinato de Pasolini), alejándose de manera inteligente de la mitificación del personaje en sí, a pesar de la propia naturaleza mítica que este posee.

No se puede negar a la película de Ferrara una incuestionable elegancia visual, y un interés por el auto homenaje nada disimulado, es bastante evidente al mismo tiempo la lógica admiración que Ferrara siente hacia Pasolini, posiblemente muchos esperaban con esta película un producto con algo más de riesgo, pasión o furor en su propuesta, un mayor compromiso en forma de ideario con el material que se manejaba, pudiendo al final dar la errónea sensación de estar ante un trabajo de quien parece haber optado por el camino más cómodo, fácil y menos rupturista, quedándose a medio camino entre el ensayo y la biografía, nada más lejos de la realidad, aquí y a diferencia de su penúltimo film, la algo marciana e irregular «Welcome to New York«, Ferrara opta por el relato no lineal y ligeramente onírico, caminando entre la realidad y la imaginación, distanciado enormemente de las convenciones del socorrido subgénero del biopic, consiguiendo hacer bien un trabajo de difícil tesitura cinematográfica, siendo al final una película cien por cien Ferrara, poblada de varias capas y de múltiples lecturas narrativas y lleno al mismo tiempo de planteamientos de índole metacinematográficos que la llegan a emparentan por momentos con otro anterior film suyo de características similares en su estructura, la reivindicable «Snake Eyes«, y es que Abel Ferrara de una manera u otra siempre consigue reinventarse artísticamente cuando uno menos se lo espera, este «Pasolini» es una buena muestra de ello.

Valoración 0/5:4

Lou Bloom (Jake Gyllenhaal) es un apasionado joven sin mucha suerte en la búsqueda de trabajo que, tras ser testigo de un accidente, descubre el mundo del periodismo criminalista en la peligrosa ciudad de Los Angeles. La vida del joven va a cambiar mucho debido a este descubrimiento, rozando incluso el débil límite existente entre el riesgo y la peligrosidad.

Dan Gilroy reconocido guionista debuta en la dirección con «Nightcrawler«una retorcida y subversiva crítica a ciertos medios de comunicación en donde todo vale a la hora de triunfar en un mundo desprovisto de cualquier tipo de escrúpulos, todo ello retratado de manera brillante en lo que es la exposición de su escenario, pocas veces se ha visto en pantalla grande la ciudad de Los Ángeles tan bien retratada de manera oscura, una urbe de predominante tono nocturno y desolado, posiblemente uno de los puntos más interesantes de esta «Nightcrawler» sea su adscripción genérica, disfrazada en apariencia de thriller al uso de claros elementos de cine “noir” pero desarrollada de manera algo metafórica como si de un film de horror se tratase en base a la presentación y su consecuente evolución de su protagonista principal (notable interpretación a cargo de Jake Gyllenhaal, uno de los puntos más fuertes del film sin duda, cuya carrera cada vez apunta más alto, ahí están trabajos como «Source Code«, «Prisoners» o «Enemy» para atestiguarlo) un Lou Bloom que nos es presentado lejos de ser un individuo corriente, dado que se nota en el cierto desapego emocional y una clara carencia de moral,  algo que se hacen más evidentes conforme avance en el metraje, un comportamiento que va derivando hacia la sociopatía en donde la manipulación y la mentira terminan convirtiéndose en malicia, no deja de ser sintomático que el principio del film remita en su postulado a una película tan emblemática como «Network» para terminar convirtiéndose en una especie de «Peeping Tom» adherida a la actualidad.

Uno de los aciertos por parte de Dan Gilroy es no caer en lo previsible y obvio, en el mensaje gratuito por decirlo de alguna manera, la película no cae solo en la mera crítica hacia los noticieros y su deleitado placer por lo sangriento y crudo en base a conseguir una mayor audiencia, o en la manida discusión sobre la manipulación por parte de estos, sino en el cómo una persona que ingresa y forma parte de este cuestionable universo, un personaje de tintes  oscuros, que hará lo que sea por conseguir las mejores imágenes, y sacar provecho de todo ello, cueste lo que cueste.

«Nightcrawler» también se nos presenta al mismo tiempo aunque en menor medida como un relato sobre el submundo del periodismo más deshumanizado y de su visión y posicionamiento frente a la violencia cotidiana, todo ello desde posturas varias, en donde ningún personaje que vemos sale bien librado, a cual más desagradable y manipulador, de la misma manera en sus buenos momentos el film también se acerca de forma acertada al thriller referencial, aunque posiblemente se pierde en algo al no terminar siendo un apasionante y siniestro retrato de ese submundo al que hace referencia, por momentos da cierta sensación  de quedarse a medio camino en su narrativa, a Dan Gilroy posiblemente le falte de arrogo y valentía en la exposición de los hechos, el terminar de echar toda la carne en el asador por decirlo de alguna manera, probablemente debido a su falta de experiencia tras las cámaras, para imprimir al conjunto una mayor bravura, más bilis y oscuridad al relato, y buscar un tono final más ajustado. Aun así «Nightcrawler» en su conjunto no desentona, y su visionado nunca aburre, es más si se quiere logra conseguir entretener como simple vehículo de thriller de acción al uso.

Es importante prestarle la atención adecuada a productos como «Nightcrawler» y valóralos en su justa medida, films que cada vez son más difíciles de encontrar: una película producida por un gran estudio, de presupuesto decente y destinado hacia un público adulto. Está bien que existan grandes superproducciones de tipo mainstream que representen millones de dólares de ganancias para los grandes estudios, pero no puede dejarse abandonado el mercado de este tipo de productos, de una valía incuestionable, en donde la reflexión adulta y el mero entretenimiento van cogidos de la mano de manera notable.

Valoración 0/5:4

La película trata de describir la relación que los austríacos mantienen en y con sus sótanos, y de definir las peculiaridades de dichos sótanos… o si es cierto que tales peculiaridades existen. La película trata sobre las obsesiones de un variopinto grupo de individuos, sobre bandas de música y arias de ópera, sobre mobiliario caro y baratos chistes machistas, sexualidad y ejercicios de tiro, fitness y racismo, fustas y muñecas.

Dentro de ese gran abanico genérico que compone la sección Zabaltegi en el pasado festival de San Sebastián se pudo ver el último trabajo del director Urich Seidl autor de la famosa y algo controvertida trilogía «Paradies«: Amor, Fe y Esperanza, ahora Seidl presenta la no menos incómoda «Im Keller» en donde el director austríaco vuelve a la narrativa documental que también conoce de sus anteriores trabajos para presentarnos una serie de personajes cuanto menos peculiares y como estos son grabados dentro de sus sótanos en donde dan rienda suelta tanto a sus hobbies, que nos pueden llegar a parecer más o menos graciosos, como a una serie de comportamientos que se salen en algo de la funcionalidad cotidiana del individuo de a pie para entrar de lleno en la obsesión de un comportamiento anómalo.

Dentro de esta amalgama de variopintos personajes podemos ver desde una mujer  que cada día desciende al sótano del edificio en el que vive para sacar sus muñecas de varias cajas, dichas muñecas llegan a ser tan sorprendentes como reales (y por qué no decirlo aterradoras) reproducciones exactas de recién nacidos, con toda serie de detalles, finas arrugas en sus caras etc, la mujer las acurruca y las mima en sus brazos, como si de auténticos bebes se tratasen. . también contemplamos a un individuo que toca el trombón e invita a sus compañeros de banda a ir y emborracharse juntos en su enorme sótano, un espacio decorado con todo lujo de detalles como un museo de recuerdos nazis, con retratos de Hitler y maniquíes en uniformes de la SS, después vemos a un señor que tenía como sueño el convertirse en un gran tenor, pero que se tiene que contentar ahora con enseñar a sus amigos a disparar en el campo de tiro que ha montado dentro de su garaje, a continuación vemos al matrimonio formado por Manfred e Inge, y como estos viven en un sótano repleto de armas de caza y miles de trofeos de caza de animales atrapados en África a su lado, desde impalas a facóqueros, asistimos al día a día en ese ambiente en donde  la pareja vive en una cotidianidad como menos sorprendente.

Conforme avanza el film van entrando en escena personajes con una sexualidad desviada en la que incluyen comportamientos sexuales tanto perversos como exhibicionistas y por tanto a una escabrosidad nada amable de cara al espectador. Por ejemplo, vemos a un hombre de tez pálida que satisface a mujeres con sus actuaciones de una singularidad que se aleja por completo de lo cuerdo, o a una ex cajera de supermercado que se ha lanzado a la prostitución subterránea, también contemplamos  a los Ducheks, una mujer en la que ella es una dominatrix y él un masoquista que limpia el baño con su lengua y se cuelga del techo del sótano por sus genitales entre otras lindeces por el estilo, por último asistimos al relato de Sabine, una sadomasoquista que a través de su confección invita al espectador a cierta  reflexión cuando cuenta sus experiencias con varios hombres y explica al mismo tiempo cómo trabaja para Caritas ayudando a las mujeres que han sufrido violencia de genero.

«Im Keller» retrata lo sórdido y anómalo dentro de un espacio como son los sótanos, un perfecto escenario este que da lugar a patologías nada beligerantes, unos comportamientos (el nazismo, BDSM o la desviación maternal entre otros) mostrados de manera poco sutil por parte de su director pues se contradice en algo tanto en su postulado como en sus intenciones, por un lado vemos una feroz crítica a un país cuya mentalidad se acerca de manera peligrosa hacia una ideología retrógrada que en algunos sectores es considerada de difícil defensa, pero por otro lado tenemos una visión expuesta por parte de Urich Seidl que entra de lleno en la auto parodia, en una visión burlesca y algo chabacana de dichos personajes rozando en algunos momentos la comicidad en base a su esperpento, por tanto el espectador llega a preguntarse la cuestión ¿dónde termina ese grotesco humor negro y comienza el horror o la sensación de desazón que produce ver tales imágenes?, posiblemente «Im Keller» sea válida en su función de producto destinado a la reflexión desde un punto de vista en cierta manera algo irreverente, que utiliza la risa fácil como antídoto hacia el pánico que produce esos comportamientos de patología tan extravagante, una cinta en definitiva no apta para todos los estómagos, que nos ofrece una visión tan sarcástica como al mismo tiempo incómoda acerca de los sótanos de los hogares austríacos y de lo que se esconde en ellos.

Valoración 0/5:2’5

Ambrose es obligado por su hijo a ingresar en Crescent Bay, un lugar aparentemente idílico donde vivir la tercera edad. La promesa de tranquilidad desaparece cuando unas criaturas atacan el lugar. Veterano de guerra, Ambrose les plantará cara a pesar de su ceguera, y de la suspicacia de los lugareños.

Con «Late Phases» el director de origen Español Adrián García Bogliano debuta en los Estados Unidos en esta cuando menos curiosa y por momentos entretenida cinta de licántropos, la trayectoria anterior de Bogliano incluye títulos como «Sudor frío«, «Penumbra» o  «Ahí va el diablo» entre otros, una filmografía algo irregular en su cómputo global pero que denota una elogiable fidelidad al recurso del fantástico en el  siempre difícil panorama genérico latinoamericano.

«Late Phases» no deja de ser un remake no confeso de «Silver Bullet» (traducida aquí como «Miedo azul«), novela corta de Stephen King titulada «The Cycle of the Werewolf” y adaptada en 1985 por parte de Daniel Attias, film que en su día paso algo desapercibido (la época en que se estrenó el film vivió una autentica vorágine de adaptaciones de las obras de Stephen King) pero que hoy en día empieza a estar justamente reivindicada. Hay varios nexos de unión en la estructura argumental  de ambos films expuestos de manera nada disimulada, por una parte sus protagonistas principales poseen alguna discapacidad física, un veterano de la guerra de Vietnam ciego (interpretado con solvencia por Nick Damici, actor fetiche del cada vez más en alza Jim Mickle) y un joven parapléjico interpretado por el malogrado Corey Haim en «Silver Bullet«, y sobre todo una similitud de conceptos bastante evidente tanto en la ubicación de su escenario como en la utilización de la religión católica como un personaje más, de latente importancia en todo el desarrollo de la trama.

Posiblemente el rasgo más destacable o notorio de «Late Phases«, película entretenida pero algo carente de originalidad sea su función de homenaje-revival, no ya del film antes comentado sino de un tipo de cine de terror ochentero bastante reconocible, desde su banda sonora a cargo de Wojciech Golczewski , hasta su utilización con respecto a sus efectos especiales (el film carece de cualquier toque digital), las trasformaciones de los hombres lobos son presentadas a modo y semejanza de films de principios de los 80 (autentica segunda edad de oro del subgénero licántropo) tales como  «Wolfen«, «An American Werewolf in London«, «The Howling» o «The Company of Wolves» entre otras.

Curiosamente «Late Phases» no abusa del exceso de la historia fantástica, tampoco de los golpes de efectos tan característicos en este tipo de películas, estamos ante un film que se toma su tiempo a la hora de presentar personajes  y desarrollo dramático, posiblemente aquí es cuando Adrián García Bogliano se atasque algo, pues intenta abrir varios frentes discursivos que no puede cerrar, relación padre-hijo, protagonista-religión, todo se queda en un enunciado desarrollado de manera algo torpe y tediosa, solo en el clímax final cuando se prescinde de estos lastres el film gana enteros en su propósito de ser un producto de clara vocación mainstream.

Habrá que esperar el próximo trabajo de Adrián García Bogliano para poder valorar su trayectoria cinematográfica de una manera más clara, de momento con esta simpática «Late Phases» consigue crear un producto de bajas pretensiones pero claramente deudor de un tipo de cine genérico hecho tiempo atrás, al igual que otros directores como Ti West o Adam Wingard, dirige su mirada al pasado en clave de referencia cinéfila, algo loable como ejercicio de estilo pero que requiere de un paso al frente en el futuro a la hora de poder valorar en su justa medida su supuesta valía autoral. 

Valoración 0/5:2’5

En un futuro no lejano, en el que el planeta Tierra sufre una creciente desertización, Jacq Vaucan (Antonio Banderas), un agente de seguros de una compañía de robótica, investiga un caso en apariencia rutinario cuando descubre algo que podría tener consecuencias decisivas para el futuro de la humanidad. Banderas produce y protagoniza este thriller futurista, que especula sobre lo que ocurriría si la inteligencia artificial superase a la humana.

Gabe Ibáñez debutó hace cinco años con una pequeña película, la estimable «Hierro«, un más que interesante drama atmosférico que lindaba de manera acertada y convincente con el terror psicológico, film cuyo mérito más destacable radicaba en el extraordinario uso del escenario donde transcurría la acción (la isla que hace referencia el título) sobresaliendo además la notable interpretación de Elena Anaya en el papel protagonista, la película solo flojeaba en cierta manera en su conclusión final, algo previsible y estándar, bastante alejada del tono restante del film, ahora Ibáñez presenta su segundo trabajo tras las cámaras  «Autómata«, una película que se sitúa en las antípodas tanto en intenciones como en resultados con respecto a su opera prima.

Con «Autómata» Gabe Ibáñez se adentra en la ciencia ficción de tintes filosóficos, un género nada proclive en España, de manera algo fallida, un film donde prima más las intenciones (un proyecto que ha costado sangre, sudor y lágrimas, según Antonio Banderas, productor y protagonista principal del film) que los resultados obtenidos en ella, por mucha empatía que se le conceda  y se le llegue a apreciar un indudable esfuerzo en su realización el film denota una irregularidad narrativa bastante evidente, una primera parte que bebe en estilo y forma de manera nada disimulada del clásico «Blade Runner» y una segunda menos interesante aun, por errática y algo incongruente en su desarrollo, que le acerca temáticamente al western futurista de tono noir, el guión por momentos se hace pesado por sus incontables momentos de lentitud en busca de una respuesta dramática que nunca llega a aparece, pero sobre todo por un intento de mensaje de claro tono transcendental que no consigue adecuarse con el supuesto propósito del film, llegando a estar mal estructurado y tanto en personajes (nada creíble el personaje de Melanie Griffith y desconcertante el protagonizado por Dylan McDermott, por confuso e incongruente) teniendo la sensación de ser en esencia muy básicos y simples, tanto como su trama, poseedora de una evidente falta de sorpresas o giros narrativos originales en su argumento, viendo la película uno tiene la sensación de que esta presenta dilemas y conflictos que nunca jamás soluciona, no queda claro si por deficiencias en su guión, problemas de rodaje o un deficiente uso de su montaje.

Posiblemente «Autómata» se salve en algo el ser una apuesta arriesgada y nada complaciente dirigida para los seguidores del género, un proyecto de naturaleza algo kamikaze, poseedora de unos primeros quince minutos que enganchan en algo al espectador, con ideas bastante interesantes en su enunciado pero poco desarrolladas, de loable y notable factura técnica, llegando a convertirse en una rara avis dentro del panorama del género patrio.

No puedo evitar hacer una reflexión en voz alta algo dolorosa acerca del recibimiento que se le ha otorgado a «Autómata»  por parte de un cierto sector de crítica de este país, posiblemente el festival de San Sebastián no era el marco idóneo para su premier mundial, aun así una cosa es resaltar sus evidentes carencias y otra muy distinta es el linchamiento critico que obtuvo, «Autómata«  pese a sus limitaciones no es mucho peor película que algunas producciones de índole parecida que vienen de fuera de nuestras fronteras y que vemos durante al año, films a los que no se les pone tanto el acento por parte de una crítica que no tiene inconveniente alguno en aceptar el enésimo chiste garrulo por parte de Santiago Segura o en aplaudir comedias que baten records de taquilla que resultan ser tan intrascendentes como anacrónicas y carentes de cualquier atisbo de riesgo en su propuesta, algo esto último que al menos si posee «Autómata» .

Valoración 0/5.2’5

Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores liderados por el piloto Cooper (McConaughey) y la científica Amelia (Hathaway) se embarca en la que puede ser la misión más importante de la historia de la humanidad y emprender un viaje más allá de nuestra galaxia en el que descubrirán si las estrellas pueden albergar el futuro de la raza humana.

Es indudable que a día de hoy  Christopher Nolan es el niño mimado de Hollywood (estatus este conseguido de manera justa, dicho sea de paso), Warner Bross le da cancha libre a la hora de desarrollar y realizar sus proyectos, como tiempo atrás permitía a Stanley Kubrick tener una total libertad creativa cuando este dirigía, algo totalmente inusual dentro de los grandes estudios y al alcance de muy pocos privilegiados tanto en el pasado como en el presente.

Con «Interstellar»  Christopher Nolan se embarca en esta mastodóntica odisea espacial de enorme envergadura, un proyecto tan apasionante y arriesgado como lleno de aristas que la acercan de manera algo peligrosa al farragoso terreno de la imperfección, un peaje este obligatorio en un producto de semejante naturaleza pero al mismo tiempo de un enorme merito al intentar hacer algo tan valiente, arriesgado y difícil de digerir dentro del marco blockbuster, podríamos decir que el director británico ha conseguido con esta película un brillante producto de clara tendencia  continuista con el resto de su filmografía, posiblemente también haya realizado «EL» film de ciencia ficción con alma humana más notorio de las últimas décadas, una simbiosis tan atractiva como peligrosa, el problema viene dado cuando un gran número de público tiende a pensar en Christopher Nolan como un genio, esperando la obra definitiva de la ciencia ficción contemporánea o la sucesora de «2001: Una odisea del espacio«.. y no…Nolan es un gran director (posiblemente junto a David Fincher lo mejor del Hollywood actual), un original director de orquestra y notable diseñador de mundos,  pero no un genio, dicha etiqueta está al alcance de muy pocos, las comparaciones con «2001» o incluso «Gravity» tanto en resultados como en intenciones son tan absurdas como innecesarias.

«Interstellar» es una hermosa pieza de arte de inspiraciones infinitas, acompañado con unas escenografías de un  poder visual muy rico como no podía ser de otra manera, apoyado todo ello por el trabajo de un Hans Zimmer en claro estado de gracia, consiguiendo ser emocionante por momentos, imaginativa, cósmica y de una manera clara significativa en su enunciado, manejando solo lo que la realidad pone a su alcance, en donde se le da más importancia a la ciencia que a la ficción, una película de intenciones serias pero no siempre creíbles (el riesgo de contarnos tantas cosas durante sus casi tres horas de duración conlleva al film en caer en bastantes situaciones de una incongruencia argumental bastante ostentosa), un film que en definitiva no juega la baza de la espectacularidad como su única carta.

La película no se limita únicamente a la ciencia ficción de tono “hard”, con lo técnico de sus explicaciones (a veces de manera algo redundante) y sus postulados, además excava de manera notable en lo afectivo y sentimental adquiriendo un valor emocional significativo cada vez que se vuelca hacia lo dramático. El vínculo paterno-filial pisa fuerte, cala hondo y ejerce como empuje o motor de las acciones de nuestro protagonista principal. Es entonces donde cuando Matthew McConaughey destaca de manera sobrada con una interpretación soberbia, dando muestra otra vez de lo que puede llegar a dar en base a su admirable capacidad gestual y una presencia de innegable solidez.

Además de todo ello»Interstellar» tiene la virtud de analizar, debatir, amar y odiar, ¿no hay cosa más valiosa dentro del séptimo arte y más en un producto de estas características?, un auténtico espectáculo visual merecedor de ser visto de forma obligada en pantalla grande.

 Valoración 0/5:4

Vulnerables ante una realidad alterada e imprevisible, los personajes de Relatos Salvajes cruzan la frontera que divide la civilización de la barbarie, hasta el innegable placer que produce perder el control en distintas historias con un elemento común: todas tratan sobre personas que, superadas por las circunstancias, estallan y cruzan la frontera entre lo civilizado y la barbarie.

En las dos horas que dura «Relatos Salvajes» se nos muestra seis historias diferentes con el tema de la violencia desatada por individuos aparentemente insertados en la sociedad actual con la ironía como punto clave en un film que hace de la violencia cotidiana su premisa narrativa en busca de la complicidad del espectador desde un primer momento y como claro objetivo, evidentemente la película tiene ese punto de engaño tan característico en este tipo de producciones, haciendo que la ironía aparezca de manera constante durante su duración.

«Relatos salvajes»empieza con un divertido prologo que ocurre en un avión que nos remite de forma clara a uno de mucho episodios de «The Twilight Zone«, a partir de aquí otros cinco relatos con el nexo antes citado como denominador común, intentando  jugar con la furia ciudadana, aquella que hace que el ciudadano correcto se transforme en un vengador cual Michael Douglas en «Un Día de Furia«, algunas veces mostrándonos de una manera más obvias que otras.

El humor está siempre presente a lo largo de sus dos horas de duración, un humor a veces negro, negrísimo, pero que le consigue otorgar un tono  al film que le permite acercarse de forma clara a la comedia a pesar de lo dramático de su planteamiento.

Los personajes de estos relatos son en cierta manera estereotipos, no se nos ofrece una mirada muy generosa hacia las conductas humanas, podemos llegar a imaginar desde el inicio sus características más visibles y hasta predecir diálogos……hasta que pierden el norte y asoma su costado más salvaje e inesperado. Sus motivaciones son variadas: la injusticia, el engaño, la traición, la codicia, la prepotencia; su reacción está invariablemente encaminada hacia una venganza que termina inevitablemente en violencia.

¿Pero cuáles son las intenciones del filme?, evidentemente  jugar con el espectador y hacerlo cómplice de la situación, lo consigue y logra captar la atención de un público masivo de forma brillante hacia una obra que escapa de convencionalismos temáticos  exponiendo ante el público situaciones límite a los que se enfrentan  los personajes, con algunas de esas circunstancias los espectadores se podrán sentir en parte más o menos identificados, pero nunca permanecerán indiferentes, esto evidentemente es un punto a su favor.

«Relatos salvajes» es una incursión del grotesco, muy argentino en su materialización, que entra de maravilla en el espectador, divertida y entretenida al mismo tiempo, poco más se puede pedir.

Valoración 0/5:3’5

Dos policías, ideológicamente opuestos, son expedientados. La sanción consiste en ir a un remoto pueblo de las marismas a investigar la desaparición de dos chicas adolescentes. En una comunidad anclada en el pasado, tendrán que enfrentarse a un feroz asesino.

Alberto Rodríguez sin llegar a inventar nada nuevo a nivel cinematográfico pero puliendo todos los engranajes del género consigue rozar la perfección con esta «La isla mínima«, que se erige como un deslumbrante exponente español de ese subgénero de thrillers oscuros de gran tradición en el cine norteamericano y que en los últimos años ha dado auténticas joyas, coge este estilo y lo aplica a la España de principios de los ochenta cuando los primeros rayos de la democracia se atisbaba en el horizonte, pero con una herida demasiado reciente y dolorosa, todo ello retratado de forma admirable en los dos protagonistas principales, ambos soterrados entre dos mundos, el de las dos Españas, la de izquierda y la de la derecha, obligados a colaborar juntos; la de un  pasado que languidece y la de un futuro  que empieza a aparecer de forma torpe e insegura, una ambivalencia retratada de forma admirable en la última secuencia del film.

Película de ambiente triste y crepuscular como no podía ser de otra manera ante semejante escenario, magníficamente filmada tanto por fuera como por dentro, con un pulso narrativo que no deja ni un instante de latir y cuyo trabajo en el diseño de producción es una acertada ecuación de espacio y tiempo. Hay quien se ha apresurado a señalar como clara una referencia a la reciente serie de televisión «True Detective«, posiblemente guarde alguna que otra semejanza formal en ella aunque yo me inclinaría más por la extraordinaria «Memories of Murder» de Bong Joon-ho con la que se emparenta de una forma más clara en un espacio temporal bastante reconocible.

A nivel interpretativo tanto Raúl Arévalo y Javier Gutiérrez sobresalen sobremanera como figuras centrales al igual que el siempre notable Antonio de la Torre acompañado por Nerea Barros, cuya presencia es brillante. El sabor español en el film esta todo el rato omnipresente gracias a la cuidadosa puesta en escena de Gigia Pellegrini (atentos a los detalles de la dirección artística porque son para enmarcar, desde los cabeceros de las camas hasta cualquier pequeño elemento que se ve en los sets de rodaje), notable también la agónica banda sonora a cargo Julio de la Rosa y, por supuesto, la fotografía de Álex Catalán, esas vistas aéreas que consigue transmitir ese caminar entre las tinieblas de nuestros protagonistas en busca de la verdad, una fotografía que merece un capítulo aparte, donde destacan las tomas del entorno del Parque de Doñana y la ribera del bajo Guadalquivir, que parecen sacados de un documental de National Geographic. El paisaje es un personaje más en la trama en el que nos movemos, y que permite al director Alberto Rodríguez desarrollar la trama con las dosis justas de suspense.

Se puede destacar del director su maestría en la parte técnica, logrando una fotografía, planos, ambientación y todo lo que se precie, de una calidad bastante superior a la media de nuestro cine (algo no muy difícil dicho sea de paso). Pero su mérito va más allá de lograr un thriller casi perfecto y compacto, es la de conseguir un guión perfectamente elaborado y medido para incrementar la tensión en cada momento, junto al guionista Rafael Cobos logra condensar en la trama no sólo la resolución de unos asesinatos, sino el devenir de un país entero.

«La isla mínima» es en resumen, es uno de los productos más sólidos que ha firmado el cine español en los últimos años, una perfecta ecuación entre cine comercial y cine de autor en donde Alberto Rodríguez firma su mejor película hasta la fecha, la más potente, y que seguramente dejará una huella importante en títulos venideros. La película ya es uno de los espacios físicos y mentales más importantes de nuestro cine: por méritos propios, y sobre todo por su seguimiento y reinvención del cine de género, el cine español ha ganado un título para la historia reciente.

Dicho lo cual no me queda más que recomendar encarecidamente su visionado, una película que posee una efectividad y unos hechos certeros con los que ha conseguido unas extraordinarias cifras en taquilla en su estreno. Con productos como estos no hay nada que envidiar ante un estreno hollywoodiense con un poder económico bastante superior, lo cual no hace más que confirmar un mal endémico en nuestro país, el hecho de que el dinero no crea obras mejores y que tenemos mucha calidad en nuestra tierra, un film que irremediablemente, arrasará en los próximos Goya.

«La isla mínima» es de lo mejor que se ha visto en el cine negro de los últimos años dentro de nuestro país. Un film asfixiante que mezcla con maestría suspense, acción, drama e historia. Es probablemente junto a «Magical Girl» de Carlos Vermut, con la que ha venido cogida del brazo, la mejor película española de este año y el próximo, ellas dos nos enseñan el camino a seguir

Valoración 0/5:4

Luis (Luis Bermejo), un profesor de literatura en paro, trata de hacer realidad el último deseo de su hija Alicia (Lucía Pollán), una niña de 12 años, que padece un cáncer terminal: tener el vestido oficial de la serie japonesa de dibujos animados «Mágical Girl Yukiko». El elevado precio del vestido llevará a Luis a poner en marcha una insólita y oscura cadena de chantajes. En estas circunstancias, conoce a Bárbara (Bárbara Lennie), una atractiva joven que sufre trastornos mentales, y a Damián (José Sacristán), un profesor retirado con un tormentoso pasado. Los tres quedarán atrapados en una oscura red, en la que instinto y razón entran en conflicto.

Hay un dicho que dice que realizar una segunda película después de haber hecho una prometedora opera prima es mucho más difícil de materializar dado las expectativas generadas, o dicho de otro modo, viene a ser un trabajo de graduación en donde a partir de aquí el nombre del director pasará a engrosar su nombre en según qué listas, todo dependiendo del resultado final. El madrileño Carlos Vermut, ilustrador e historietista, se dio a conocer con «Diamond Flash«, paradigma del cine Low Cost (con un presupuesto de 20.000 euros autofinanciados por el mismo) a partir de ahí empezó a ser considerada en según qué círculos como un título emblemático y por tanto con una cierta aureola de culto. Con «Magical Girl» repite formula aunque con medios ya más holgados en donde varias historias entrelazadas y planteadas por capítulos se nos es presentado mediante diálogos largos e inesperados; todo con un estilo de forma que recuerda en algo a Tarantino. Posiblemente con una factura menos guerrillera que su opera prima, pero a la vez resulta menos críptica en su narrativa, la trama va desvelándose poco a poco, por caminos insospechados, debido a la originalidad de la propuesta, al igual que la determinación del autor al apoyarse en un guión brillante en donde la mezcla de géneros  va desde el drama neo noir pasando por la comedia y con alguna que otra pincelada del fantástico.

La película propone en definitiva, un viaje a las profundidades del patetismo humano, tan trágico como desmoralizante, una versión en negativo de «Cadena de Favores» en donde tu mal hace que me beneficie de alguna manera, donde el pesimismo existencial que no es mostrado solamente es soportable gracias a la fuerza de la narrativa con que nos obsequia Carlos Vermut y a la singularidad de su propuesta, y en donde los personajes se nos muestra como fiel reflejo de una España en plena crisis en la que algo hace que la cosa este a años luz de funcionar de forma normal (notable trabajo por parte de Luis Bermejo, Bárbara Lennie y José Sacristán),el film plantea en cierta manera al espectador un ejercicio de inmersión moral en un mundo tan sobrio como sórdido, donde todo se corrompe dentro de la cruda realidad existente. «Magical Girl» es un duro golpe en el estómago que merece la pena ser sufrido y disfrutado a partes iguales por su grado de atrevimiento y personalidad por parte de un director que ve como sus señas de identidad son reforzadas y son claramente reconocibles con esta su segunda película, y por presentar al mismo tiempo un valiente discurso alternativo dentro del maltrecho cine español.

«Magical Girl» es una película dura, arriesgada, un salto al vacío sin paracaídas  que busca y encuentra la complicidad del espectador. No todas las subtramas funcionan de igual manera pero la forma original en que se nos narrar la historia y su notable puesta en escena va creciendo en positivo dentro de nuestra psique conforme pasan las horas después del visionado.

Carlos Vermut apuesta por él riesgo y se corona con «Magical Girl» como uno de los directores más interesantes del actual panorama del cine español  y al mismo tiempo nos muestra el camino a seguir dentro de este nuevo cine que intenta abrir nuevas vías autorales alejadas del anacronismo imperante desde hace años en el cine patrio.

Valoración 0/5:4

La necesidad de dinero, lleva a una actriz (Robin Wright) a firmar un contrato según el cual los estudios harán una copia de ella y la utilizarán como les plazca. Tras volver a la escena, será invitada a un congreso, que se desarrolla en un mundo que ha cambiado completamente. Basada en una novela de Stanislaw Lem, se trata del retrato de un mundo que se dirige inevitablemente hacia la irrealidad.

Ari Folman es un director hebreo experto en el arte de mezclar el documental y la animación. Su película «Vals con Bahir» del 2008, aún sigue siendo considerada una obra maestra por muchos, de esa nueva oleada de “dibujos dirigido para adultos” que han logrado calar en según que círculos después del nuevo milenio. Ari Folman es un director astuto e inteligente a la hora de relatarnos una historia donde los sueños, las pesadillas y el horror humano se conjugan en una fantasía animada (en aquella ocasión para hablarnos de la guerra en los países árabes) y esta vez para llevarnos a un mundo fantástico tejido en un argumento mitad película mitad documental, «The Congress» es  un viaje sorprendente que se puede amar u odiar, pero que no acepta términos medios.

El precio, para todos los actores, es desaparecer, retirarse de la vida pública, a cambio de la inmortalidad, y de la promesa de la eterna juventud. El film se maneja de esta manera durante los primeros 40 minutos, cuando vemos a una Robin Wright atravesada por sus problemáticas familiares (un hijo menor con sordera y ceguera crecientes), una carrera que dejo ser exitosa hace ya algunos años y una racha de malas elecciones amorosas. Su actuación es potente y desgarradora alcanzando su punto máximo en el momento de la “clonación” y captura de movimientos cuando su agente Al, recurre al pasado para generarle lágrimas, llanto y emoción.

«The Congress» se inicia como una propuesta crítica al mundo del famoseo y las celebrities, e innovadora en cuanto a la forma de contar la historia de decadencia, con un acompañamiento musical ultra poderoso y sensible, quizás a medida que pasa el tiempo, la poca conexión de escenas, hacen perder algo de fuerza al entramado inicial, pero igualmente merece ser visto en varias ocasiones, el film lo vale, aparte de ser un puro entretenimiento audiovisual, propone una profunda reflexión personal sobre la soledad, el necesario narcisismo y la pérdida corporal. El discurso de Ari Folman es muy crítico también con el rumbo que está tomando la tecnología del ocio: tablets, móviles, foros de internet y demás, en los que nos damos a conocer mediante avatares y redes sociales que nos acompañan prácticamente todo el día, con el peligro de aislamiento que comporta. También cuestiona los derechos de imagen, la propiedad intelectual y el papel de los estudios y los productores. El debate moral es superior: individualidad, ausencia de tabús y egocentrismo sin límites frente a la interacción social y el amor desinteresado, plasmado en el que siente una madre por su hijo, que es superior a todos los demás. Y precisamente, para comprender la última escena de «The Congress«, una contundente, larga y emocionante escena muda resaltada con una música muy adecuada por parte de Max Richter, os conminamos a estar atento a ese emocionante reflejo que vemos al final, porque este reflejo nos cuenta la manera en la que el personaje de Robin Wright ha conseguido encontrar a su hijo.

«The Congress» son dos películas en una, son dos historias en una sola, son dos reflexiones llevadas a cabo a través de narrativas contrapuestas; es un documental, es una cinta de animación, es una película y al mismo tiempo no es nada de eso… por todo ello «The Congress» es esencialmente genial, única y mágica, una rara avis como pocas veces  vemos en la gran pantalla.

Valoración 0/5:4

Johansson da vida a una mujer obligada a ejercer de mula (de drogas) y que adquiere poderes sobrenaturales cuando la bolsa de la droga se rompe y los narcóticos entran en contacto con su cuerpo. Entonces, se convierte en una máquina de matar que adquiere una memoria prodigiosa y la velocidad del rayo.

No se le puede negar a Luc Besson una peculiar y en más de una ocasión acertada visión acerca comercialidad de sus films, con «Lucy» el director francés se adentra en un alocado viaje tan psicotrónico como divertido consiguiendo al mismo tiempo el ser tan personal como identificable con el resto de su filmografía pues «Lucy» no deja de ser un mix pasado de vuelta de  «Nikita» y «Léon«.

Hay que reconocer que esta mixtura delirante y bastante disparatada con toques de serie B que van desde el thriller a la ciencia ficción pasando por la action movie más desprejuiciada funcionan de manera algo errática en función de la predisposición del espectador a entrar en el juego que nos ofrece el director galo.

En el aspecto argumental, el film parte de la curiosa teoría de que el ser humano sólo usa el 10% del cerebro y nos muestra qué pasaría si una droga consigue que aprovechemos el 100% de él, lo cual daría explicación a la telequinesis, la telepatía, al control mental y demás supuestos súper poderes, siempre desde un punto de vista que esquiva con más o menos habilidad una explicación científica sólida, aquí  Besson enarbola en su trama la bandera de la ciencia como explicación o sustento argumental a su disparatado guion haciendo de ella un símbolo en el que intenta equilibrar la parte narrativa de la ciencia ficción con la más pura película de acción, ante todo esto se puede llevar a la errónea conclusión por parte del según que espectadores de enjuiciar que esta falsa premisa científica es en teoría el apoyo o excusa para tal muestrario de espectacularidad cinematográfica, nada más lejos de la realidad, «Lucy» solo es en parte disfrutable desde una mirada “palomitera” todo lo demás seria atribuirle algo que no posee, claramente, Besson se interesa más o se siente más preparado por el impacto visual que por la pobre opción intelectual mostrada, a la que podría haber prestado mayor atención o credibilidad teniendo en cuenta las infinitas posibilidades que la historia le permitía.

Pese a que Luc Besson suele manejar muy bien el ritmo y los tiempos de la acción «Lucy» adolece de una cohesión narrativa bastante evidente, da la impresión de querer ser muchas películas en una, mezcla, agita y demás  llevándonos al lógica batiburrillo genérico que hace que por momentos nos descoloquemos en su trama argumental tanto en ritmo como en narración.

Como anecdotario positivo destacar la vuelta al ruedo de un Eric Serra tan auto paródico como desenvuelto y una pequeña satisfacción para los amantes del cine asiático el poder ver fuera de las fronteras de su país y esperando que de una manera más generalista sea reconocido al gran Choi Min-Sik, un auténtico placer interpretativo al alcance de muy pocos.

Valoración 0/5:2’5

El temerario aventurero Peter Quill es objeto de un implacable cazarrecompensas después de robar una misteriosa esfera codiciada por Ronan, un poderoso villano cuya ambición amenaza todo el universo. Para poder escapar del incansable Ronan, Quill se ve obligado a pactar una complicada tregua con un cuartero de disparatados inadaptados: Rocket, un mapache armado con un rifle, Groot, un humanoide con forma de árbol, la letal y enigmática Gamora y el vengativo Drax the Destroyer. Pero cuando Quill descubre el verdadero poder de la esfera, deberá hacer todo lo posible para derrotar a sus extravagantes rivales en un intento desesperado de salvar el destino de la galaxia.

El director James Gunn, anteriormente guionista en la célebre factoría de cine Z Troma y director de claros productos de vertiente fadom como son «Slither» y «Super» consigue con «Guardians of the Galaxy«, su primer trabajo para un gran estudio, en este caso Marvel Studios, un acertado equilibrio entre lo comercial y lo personal, Gunn sabe que teclas tocar para ofrecer un producto que complazca a la gran masa, todo ello bajo la apariencia de  un blockbuster veraniego que se inspira tanto en «Indiana Jones» y «Star Wars» como en  esos productos ochenteros tipo  «Battle Beyond the Stars» o «Spacehunter«, todo ello plagado de referencias tanto musicales como culturales.

Para dar en la diana es necesario que a la audiencia le acaben gustando todos los personajes, Gunn logra un buen balance entre todos los personajes siendo bastante  curioso cómo posiblemente los dos mejores personajes de la película están generados con CGI,  el director da rienda suelta a unos diálogos veloces y divertidos huyendo de la superficialidad que suele generar este tipo de personajes, apoyándose y no dejando de lado en un espíritu subversivo que cuadra adecuadamente con dichos protagonistas en una historia que fusiona a la perfección el humor con las aventuras.

«Guardians of the Galaxy»  toma el siguiente paso de que el universo de Marvel es más grande de lo que creíamos, posiblemente sea la película más arriesgada de la Marvel, los personajes de «Guardianes de la Galaxia» son unos ilustres desconocidos para el gran público y le da un toque diferente a lo que nos tenía acostumbrando y ofreciendo hasta ahora, oxigenando en parte el extenso catálogo que dispone el estudio a la hora de trasladarlo a la gran pantalla.

El aspecto visual que nos ofrece «Guardians of the Galaxy»  es por otro lado bastante satisfactorio, es posiblemente la película de Marvel más bonita a nivel visual que hemos tenido hasta el momento. La paleta de colores, los escenarios, relieves y demás brillan de manera clara, todo bajo una apariencia de un dinamismo  y colorido repleto de una esencia de la que es difícil no sentirse atraído hacia lo que tienes delante, hacia un sentimiento de exploración que  te invade y que te hace sentir que lo que estás viendo en la gran pantalla es parte de un universo mucho más grande del que hemos visto hasta ahora y que necesariamente tienes la sensación de conocerlo.

«Guardians of the Galaxy» es  a todas luces una película disfrutable, con una identidad propia mientras que, al mismo tiempo, es sin duda un homenaje a lo mejor del cine de fantasía/ciencia ficción de las últimas décadas, en definitiva una película que sabe jugar con sus propias dinámicas, con los propios esquemas y reglas genéricas, Gunn acierta al mismo tiempo de pleno en la diana geek y en el entretenimiento total cinematográfico con apariencia de blockbuster, todo un mérito a tener muy en cuenta.

Valoración 0/5:4

Adaptación de la novela homónima de Boris Vian, que narra la historia de una mujer que padece una extraña enfermedad. El matrimonio entre el creativo y entusiasta Colin (Romain Duris) y su amada Chloe (Audrey Tautou) sufre un duro revés cuando a ella le empieza a crecer un nenúfar en un pulmón. Para costear el tratamiento de la enfermedad, Colin deberá trabajar en condiciones cada vez más absurdas.

Michel Gondry adapta la novela de Boris Vian del mismo título aunque no es la primera versión cinematográfica de la novela, en 1968 Charles Belmont ya la llevó a la gran pantalla, desconozco tanto la novela  como el film de Belmont por lo tanto me limitare a reseñar la película de Gondry evitando los consabidos paralelismos diferenciales.

Poseedor de una libertad e inquietud creativa casi única,  Michel Gondry  consigue contarnos una historia sobre el amor llevado al límite, donde tanto los sentimientos como la amistad son llevados y mostrados desde la libertad de los protagonistas que les da el suprimir en su vida todo lo que no se cree necesario, lo que produce hastío y  cierto aburrimiento, la pesadez de la existencia en definitiva, trasladándonos  a un mundo idílico, mágico, donde todos son felices y sonríen las 24 horas del día apoyado en el exceso visual con dos partes bastantes diferenciadas, una primera parte más alegre y romántica y una segunda parte oscura y dramática y por consiguiente más sobria y centrada.

Posiblemente se puede terminar apabullando con semejante y vasta propuesta visual al espectador no habituado al cine de Michel Gondry  (la utilización del stop- motion le da ese toque especial y original a la historia), aunque parece ser toda esa parafernalia y surrealismo mostrado es prácticamente igual que en el libro de Boris Vian, ese exceso permanente en este caso se convierte en un mundo de sueños a medida que avanza la película y que va evolucionando hacía otro mundo que no es lo que evidentemente desean sus protagonistas al principio de la narración, y es que como muy bien se dice durante la película las personas no cambian lo hacen las cosas que suceden a su alrededor.

«L’Écume des jours»  navega entre lo poético, lo fantástico, lo estrafalario y lo absurdo siendo tan grande el peso de la dirección artística y el imaginario de Michel Gondry  que se hace difícil por momentos el centrarnos en la narración de esta historia de amor llena de alegría y vitalidad al principio y gris y mortecina al final.

Pero hacer del arte cinematográfico un surrealismo puro en los tiempos que corren es una apuesta muy arriesgada y lo difícil es conseguir que una historia así atrape al espectador  de principio a fin, «L’Écume des jours» lo consigue de sobras, un viaje rebosante de imaginación y originalidad, y es que Gondry a través de su especial mirada fantástica siempre consigue sorprendernos para bien, siendo de aquellas películas que te hacen creer que al cine aún le queda algún que otro camino por explorar, algo que realmente tendría que ser valorado en su justa medida y más dado los tiempos en que nos toca vivir en lo referente a la imaginación fílmica.

Valoración 0/5:4

Tras un brutal asesinato en la Francia rural, un mendigo es detenido y acusado del crimen. Creyendo en la inocencia de su cliente, la abogada Kate Moore decide enfocar todo desde un punto de vista científico para echar por tierra la acusación. Pero tras indagar en el pasado familiar de su defendido todo sugiere que están ante el renacimiento de una leyenda ya olvidada…

«Wer» supone una nueva aproximación al mito del hombre lobo desde una perspectiva  realista y algo moderna, su director William Brent Bell con la que fue anterior película «Devil Inside» ya abordaba con otra historia una premisa bastante parecida en su concepto, contándonos  una serie de  casos de exorcismos realizados  a cargo de la iglesia católica, el resultado sin embargo era más bien pobre, «Devil Inside» representaba todo lo malo de ese subgénero denominado mockumentary,  una película en definitiva contada de manera algo pobre y carente de cualquier atisbo de originalidad en el planteamiento de su argumento.

«Wer» sin ser ninguna maravilla es bastante superior al film antes citado,  William Brent Bell no se apoya en el mockumentary o el found footage, pero como si lo hiciera, utiliza en gran parte este estilo narrativo de corte documental para resaltar ese supuesto realismo con que nos quiere contar dicha historia, apoyándose en grabaciones de cámaras de seguridad, fragmentos de noticiarios televisivos, películas caseras, etc, un poco el mismo estilo que ya utilizó Eduardo Sánchez con su magnífica «Lovely Molly» (la mejor película de su director hasta la fecha para un servidor), consiguiendo con este método al menos ser un film consecuente en su premisa, apoyándose en ese supuesto efectismo (que la acción trascurra en Lyon ayuda a acrecentar esa sensación de no convencionalidad argumental) para imprimirle a la película un tono perturbador bastante apropiado en su ejecución final.

Posiblemente ese tono al que antes eludía hace que los elementos más propios del cine de terror del film queden en un segundo plano, algo diluidos,  acercándolo más al thriller de investigación con toques de misterio, de echo da la sensación de que su director en un intento de acercarla al género de terror abusa en parte de los consabidos y contundentes golpes de sonido, triste recurso este que señalan en cierta manera  una falta de recursos por parte de William Brent Bell a la hora de desarrollar dicha historia.

Al final «Wer» queda como una resultona serie B moderna hecha con algunos puntos de originalidad en su entramado narrativo, algo que de alguna manera hoy en día y visto el panorama en que nos movemos no es poco.

Valoración 0/5:2’5

Basado en unos hechos reales que sacudieron Filipinas. Dos reclusos gozan de los beneficios que unos policías corruptos les han otorgado: pueden salir de vez en cuando de prisión a cambio de trabajar como asesinos a sueldo. Los agentes de la ley encargados del caso no sospecharán que los criminales que buscan ya están entre rejas.

En los últimos años hemos asistido al despertar  artístico de la cinematografía Filipina en forma de cintas así como la inevitable  aparición de cineastas como Lav Diaz, Brillante Mendoza o Raya Martin en el panorama autorial, otro director de estas latitudes como  es el  veterano cineasta Erik Matti (donde la mayoría de su filmografía por no decir toda es completamente desconocida en Occidente) ha tenido un reconocimiento internacional  con su último trabajo «On the Job«, un brillante ejercicio de estilo en forma de thriller criminal basado en supuestos  hechos reales.

Film de cuidada ambientación pese a los pocos recursos económicos con que cuenta la película pero  bastante por encima de la media de films realizados en Filipinas,  especialmente destacable es el diseño de producción a cargo de Richard Somes  así como el desarrollo de la trama narrativa dividida en dos líneas argumentales, la correspondiente a los reclusos que trabajan como asesinos a sueldo (haciendo especialmente hincapié en la relación maestro-alumno) y la de los policías encargados de investigar el caso, aquí es posiblemente donde  Erik Matti sabe sacar el máximo rendimiento , sabiéndole dar una  profundidad emocional a los personajes y  ensamblando de manera acertada la difícil tarea de aunar las escenas de acción (acertado manejo del recurso del travelling en varias ocasiones) junto a los momentos dramáticos donde los personajes se debaten en la moralidad-conveniencia de sus actos.

También es verdad que «On the Job» posiblemente  esté muy atada a los códigos del género en los que se mueve y que esto en cierta manera la derive  a simplificar en cierta manera la dimensión de unos personajes que un principio prometían bastante más en su desarrollo, lastrando en algo su resultado final, de la misma manera que su duración, unos 120 minutos, que no por lo larga que puede parecer llegar a ser, sino por crear una cierta  descompensación en su conjunto, pues hacia la mitad del film aparece un notable bajón narrativo bastante palpable.

Al final nos quedamos con la visión que nos ofrece Erik Matti de una  sociedad Filipina decadente y corrupta, un oscuro retrato camuflado en forma  de un vibrante thriller de acción en donde no hay lugar para ningunos de los personajes que transitan por «On the Job«.

Valoración 0/5:3’5

Nick (Elijah Wood) es un chico con suerte. Esta noche va a conocer a Jill Goddard (Sasha Grey), la actriz más excitante del momento. Jill está promocionando su última película, y Nick ha ganado una cena con ella, en un concurso por la web. Sin embargo, recibe una llamada de un tipo, Chord (Neil Maskell), que le informa de que la cena ha sido cancelada y le confiesa que es culpa de la caprichosa actriz. Chord, en compensación, y demostrando unas increíbles habilidades como hacker, le ofrece a Nick el acceso para poder espiar a Jill durante el resto de la noche, desde su propio portátil, de formas que ningún otro fan podría soñar jamás. Pero una terrible verdad comienza a revelarse. Todo parece ser un montaje ideado por Chord, en el que Nick es la pieza de un plan mucho mayor.

«Open Windows» el tercer largometraje rodado por Nacho Vigalondo tiene más de una similitud (y no solo porque ambas estén protagonizadas por Elijah Wood) con «Grand Piano» de su compañero Eugenio Mira, los dos films suponen una  novedosa reinterpretación de la narrativa en que se basan las películas de Alfred Hitchcock y ambas son propuestas arriesgadas y novedosas dentro del actual panorama de género patrio que la llevan a ser productos de una imperfección bastante perceptible que hay que juzgar con cierta benevolencia dada su valentia conceptual.

Lo primero que hay que destacar de «Open Windows«, primero rodado en inglés por su director, es la buena mano con que se desenvuelve este a la hora de plasmar en imágenes este thriller tecnológico de enorme complejidad logística (100 minutos de duración sobre siete horas totales de metraje que obligaron a que la postproducción se prolongase durante más un año), la película esta vivida y relatada en tiempo real mediante el uso de portátiles, cámaras de seguridad, móviles etc,cualquier dispositivo es válido a la hora de que Vigalondo cree un ritmo muy rápido mediante el uso de estos mimbres logrando un ejercicio de estilo de lo más notable, algo que ya se intuía en «Los Cronocrímenes» pero no tanto en la simpática «Extraterrestre«.

Un ritmo frenético que engancha al principio pero que debido a la naturaleza del producto hace que el espectador llegue a un grado considerable de cansancio mental a la media hora de duración debido en parte a la propia estructura narrativa del film, sufriendo aquí un bache algo considerable y llevándonos en su acabado a un final con varios giros argumentales tan inverosímiles como lo fueron en «Grand Piano» y en donde no estaría de más ponerle algún límite a la credibilidad de la historia, pero que no tendría que suponer ninguna insatisfacción en términos generales a la hora de juzgarla pues el propósito de «Open Windows» está en un primer lugar el destacar el efectismo técnico al narrativo.

«Open Windows» también nos ofrece por momentos un meritorio ejercicio de voyeurismo por parte del director cántabro llegando a plantear varias ideas que lamentablemente no tienen el desarrollo deseado, el derecho a la intimidad o privacidad por parte de personajes famosos o el concepto inverso del enunciado..hasta donde tiene que satisfacer estos personajes a un publico quizás demasiado incondicional.

Pensar que el futuro del género de nuestro país pasa por gente como Nacho Vigalondo solo puede ser motivo de satisfacción, propuestas tan ingeniosas e inteligentes como «Open Windows» así lo atestigua, un tipo de cine tan ávido tanto en ideas como en estructuras.

Valoración 0/5:3’5

Tiempo atrás, un asesinato dejó dos niños huérfanos. Las autoridades culparon al hermano, mientras que la hermana creció creyendo que el verdadero culpable fue un antiguo espejo maldito. Ahora, completamente rehabilitado y con veinte años, el hermano está listo para empezar de nuevo, pero la hermana está decidida a demostrar que fue el espejo lo que destrozó a su familia.

El género de terror a lo largo de su historia ha ido reformulando y oxigenando sus propuestas basándose en pautas que anteriormente le habían funcionado, se ha reinventado de algún modo apoyándose en aquello que le ha dado resultado con anterioridad y que por tiempos o modas cinematográficas han quedado algo enterradas. Un género que en los últimos años se ha visto saturado por remakes (la mayoría de ellos innecesarios), estilos de dudoso valor fílmicos (torture porn) o formatos provenientes en su mayoría de la falta de medios pero que suele convertirse en falta de ingenio a la hora de valorarlo ( found footage o mockumentary ). Así no era de extrañar que ciertos directores dieran un paso atrás en la reformulación de ciertos conceptos, y se ampararán en las pautas del cine de terror de los 80 y principios de los 90, directores como James Wan (Insidious, The Conjuring) o Ti West (The House of the Devil, The Innkeepers) no inventan nada nuevo solo nos recuerdan las virtudes de un tipo de cine no tan lejano pero que está algo olvidado.»Oculus» entra de pleno en esa categoría de películas,¿pero es justo que sea destacada sólo por estos conceptos?

Mike Flanagan debutó con la interesante «Absentia«, ya con algo más de medios «Oculus» le ha supuesto un primer paso algo más mediático de cara a la galería, cogiendo la base de un mediometraje suyo realizado en el 2006 ,»Oculus: Chapter 3 – The Man with the Plan» donde se nos explicaba de modo ejemplar y en un único escenario como un hombre se enfrentaba a un misterioso espejo, Flanagan coge está idea pero la diversifica de manera inteligente en varios conceptos, especialmente en lo narrativo donde vertebra dicha historia en dos..pasado y presente, no se trata de flashbacks sino la de narrar una historia en paralelo a modo de estructura temporal donde vemos la infancia de nuestros protagonistas y el no menos aterrador presente de estos ya adultos y donde el hábil uso del montaje tiene su peso de manera positiva.

Todo esto apoyado por una fotografía de lo más inquietante por parte de Michael Fimognari, los actores cumplen, curiosamente más los niños que los adultos (Karen Gillan algo sobreactuada) y por supuesto el placer de ver en pantalla a la gran Katee Sackhoff (Battlestar Galactica). Pero pese a que «Oculus» sea un film áspero y sin cortapisas de terror en su concepto, su mayor virtud la encuentro en la dramatización de su historia y devenir de sus dos personajes, trastornados e incapaces de proseguir con sus vidas, mostrándonos como una obsesión desmesurada no puede traer nada bueno y más si te enfrentas a un poder maligno en el que todo vale, ese espejo que altera la realidad a placer (ejemplarizado de manera brillante en la escena de la manzana-bombilla) y al que no puedes hacerle frente de manera real.

Habrá que seguirle la pista de cerca a Mike Flanagan, todo parece indicar que va a formar parte de una serie de directores norteamericanos como Ti West, Adam Wingard, Simon Barrett o Eduardo Sánchez entre otros, capaces de ofrecer una mirada renovada y dispuestos a reinventar un género que pide a gritos una renovación de conceptos en su formulario de manera urgente.

Valoración 0/5:3’5